Ableton Live 11 definitivo, parte 6: mezclas, masterización y DJ

1. Introducción: Hola a todos, bienvenidos a Ableton Live 11. En esta clase vamos a cubrir todos los aspectos de Ableton Live, desde sólo aprender el programa hasta grabar, hasta producir, dos deejaying, mezclar, mastering. Todo se va a incluir en esta enorme clase multiparte. Esta es la Parte seis. En la parte 6, vamos a hablar de mezclar, masterizar, y DJ. Entonces vamos a mostrar cómo tomar pistas que ya hemos hecho y convertirlas a una configuración de actuación en vivo para que podamos usar esas pistas para DJ o hacer lo que queramos. También nos vamos a centrar en mezclar y masterizar. Para eso, voy a llamar a uno de mis colegas que es un profesional e ingeniero de mezcla y masterización. Y nos mostrará cómo usa capaz de mente 11 y algunos de sus mejores trucos de mezcla y masterización. Al final de esta clase, tendrás pistas terminadas listas para enviar a spotify, Bandcamp, lo que quieras hacer, todo estará 100% hecho y listo para cuerda. Entonces lo que en realidad es capaz de Certificados Trainer personas que tengan esa credencial. He pasado por un proceso bastante riguroso con poder acompañar para demostrar que no sólo tu experto en el programa, sino también, ya sabes enseñarlo. Por lo que el proceso real de obtener el sello de aprobación de Formador Certificado es un proceso de dos partes. Uno, tienes que demostrar que eres un súper ninja y el programa para tener que ser un maestro realmente capacitado o de lo contrario no te lo van a dar. Y ves a alguien que dice que son incapaces de Certified Trainer, como yo, debes saber que es alguien a quien la propia Ableton le ha dado su sello de aprobación después de un proceso muy riguroso. No es sólo comprar un certificado. Tuve que hacer un examen de línea de dos o tres días que incluyera una gran cantidad de demos de enseñanza. Y además de eso, he estado fuera a su conferencia internacional en Berlín para presentar incapaces de temas a toda la comunidad internacional en vivo. Por lo que no fue fácil de conseguir. Estoy bastante orgulloso de ello y espero que te traiga el beneficio de la misma. 2. Qué estamos cubriendo aquí: De acuerdo, Así Parte 6. Entonces, entonces en esta sección vamos a meternos en algunas de las cosas más pesadas. Y realmente nos vamos a centrar en tipo de tres herramientas construidas en vivo o en tres tipos de áreas de la vida. Y son, de hecho, bastidores siguen acciones y mappings. De acuerdo, sin embargo, estas tres cosas son lo que vamos a usar para explorar la mezcla, el masterización y el rendimiento. ¿ De acuerdo? Entonces, y vamos a empezar con un hecho RAX. Vamos a entrar en controladores y luego vamos a meternos en acciones de seguimiento, lo cual es cosas realmente divertidas. Y hay un montón de cosas nuevas y geniales de seguimiento en vivo 11. Y luego voy a etiquetar a amigo mío para que nos acompañe a través de la mezcla y el masterización. Y puedes apostar a que va a estar usando muchos racks de efectos en sus flujos de trabajo de masterización. Por lo que sin más preámbulos, saltemos a la derecha para bajar en las malas hierbas con un factor actúa. 3. El poder de los estantes de efecto de audio: De acuerdo, Entonces si has estado siguiendo desde el inicio de la primera parte de esta serie de clases. Has visto Racks de instrumentos, has visto bastidores de efecto midi. Y en la última clase, viste bastidores de efectos simplemente un poco introducidos, ¿verdad? Por lo que ya sabemos qué son los racks y qué hacen los racks. Pero permítanme simplemente poner efecto RAX en un poco de contexto. Imagina que tienes un retraso. De hecho, hagámoslo, hagámoslo mientras estoy caminando a través de él. Entonces aquí está nuestra pequeña demo que tengo para esto. Acabo de agarrar un pequeño segmento de un remix de una pista mía. Ni siquiera le hagas saber, supongo. Entonces. Construyamos un estante de efectos y de repente lo lanzamos justo ahí. Y lo que voy a hacer es hacer un súper retraso. De acuerdo, y solo quiero hacer esto como una demostración de lo que podemos hacer aquí. Entonces voy a tirar un estante de efectos vacío ahí. Se puede encontrar rack de efectos de audio en utilidades. Pero no hay nada así, así que ahora voy a ir al tiempo y al espacio. Y voy a ir a mis cadenas. Y voy a añadir nuestra reverberación y eco, un flanger de fáser. De acuerdo, entonces voy a renombrar estos. Esto es reverberación. Esto es flanger, sólo voy a llamarlo así. Y esto es eco. ¿De acuerdo? Voy a reordenar estos pedacitos arrastrándolos por ahí. De acuerdo, Entonces lo que voy a hacer aquí es que voy a hacer una sola perilla. Eso va a llevar mi reverberación de milisegundos hasta enorme. De acuerdo, entonces lo que eso significa es que voy a hacer un efecto que va a empezar como flanger, subir a reverberación y luego subir a retardar eco en este caso. De acuerdo, ahora, lo que voy a hacer es ir al selector de cadena para cada uno de estos. Voy a abrir esto todo el camino hacia arriba. De acuerdo, y voy a decir que éste patea alrededor de los 33. Este patea alrededor de 66. Conoce, cuando arranca alrededor de los 40. Este patea alrededor de 80. Top uno arranca alrededor de 50. Va a dejar que haya un poquito de superposición. Eso Y entonces vamos a desvanecer este en fe, crossfade un poco aquí para desvanecerse este dentro, desvanecerse, y desvanecerse este de aquí. Hagamos un poco más de superposición ahí. Sam Aquí. De acuerdo, ahora, lo que he creado con esta macro es un súper retraso. ¿Verdad? Ahora, voy a tomar este selector de cadenas. Se va a controlar click en él y mapearlo a macro uno. Ahora, lo que he creado aquí es un súper retraso porque vamos a empezar con algo así como un phasor. Cuando esto es todo el camino hacia abajo. A medida que suba, vamos a sumar, se desvanece cruzado en una reverberación, que es como un retraso más grande, pero sigue siendo un retraso muy, muy pequeño. Y luego te va a empujar todo el camino, un eco, un gran retraso. Entonces tengo un retraso que va desde efectivamente como un par de muestras de retraso hasta un par de segundos de retraso. Eso es correcto. Antes de hacer eso, creemos una cadena más. Y sólo deja que eso se seque todo el camino para que aún podamos escuchar el seco. De acuerdo, Así que aquí vamos. Ese es nuestro flanger. Como nuestra gran reverberación o examen. Yo voy, Hey, podemos hacer que ese eco sea mucho más grande. Voy a volver a llamarlo. De acuerdo, entonces la razón por la que he configurado esto es solo para mostrarte esta idea de efectos de desvanecimiento cruzado y flujos de trabajo de efectos de construcción, ¿verdad? Yo podría lograrlo. Entonces digamos que siempre tenemos el retraso yendo AND, o tejer. O mapeamos el ancho estéreo a la misma macro para que se ensancha a medida que nos hacemos más grandes. ¿ Verdad? Por lo que hay posibilidades ilimitadas con esto. Te puedes complicar realmente y también puedes hacer algunas cosas realmente increíbles. Y una forma realmente simple de esto es una de mis cosas favoritas absolutas sobre vivir como construir cadenas de efectos de audio, puedes hacer cosas que son simplemente increíbles. Entonces hablemos de lo que realmente está pasando detrás de escena con bastidores de efectos. 4. Procesamiento paralelo: De acuerdo, entonces el poder real detrás del efecto de audio para AKS proviene de algo llamado procesamiento paralelo. Y esto es lo que eso significa. Eso significa que cuando hacemos este tipo de cosas, lo que realmente estamos haciendo es que nuestra señal viene aquí y luego se está dividiendo en cuatro. Y dividir es en realidad el término equivocado. En realidad se está duplicando. De acuerdo, Entonces no es que tengamos el 25 por ciento de la señal en cada canal y una matriz en cada cadena. Tenemos un 100 por ciento de la señal en cada cadena, ¿verdad? Y está procesándolos todos en paralelo hasta el final cuando los está volviendo a juntar. Entonces eso significa que se puede ver cómo cuando agregué esta cadena limpia, empezamos a recortar, ¿verdad? Porque simplemente tenemos demasiada señal. Por lo que hay que tener cuidado con recortar tu señal porque esencialmente has convertido esta única pista en cuatro pistas. Esa es otra razón por la que al final de una cadena de efectos, posible que veas a menudo un limitador o un compresor solo para una especie de carrete y asegurarte de que no se salga demasiado de control. Por lo que el procesamiento paralelo es una bendición y una maldición. Nos hace realmente poderosos. También hay hace que sea un poco peligroso. Así que mantén el ojo en tus niveles aquí. Se puede controlar lo que está pasando. Y también podrías poner un limitador en el otro extremo solo para evitar que te haga estallar. Normalmente no es un problema. Creo que hay algunas cosas internas sucediendo para asegurarse de que TI, para refrenarlo un poco antes de que llegue a la salida. Pero a menudo verás un límite o justo cuando tienes un montón de cadenas yendo solo para evitar que se recorte. Por lo tanto, ten cuidado con ese procesamiento paralelo. 5. El famoso ejemplo a gris: De acuerdo, Veamos un ejemplo que está incorporado en vivo. Este es un famoso, uh, tipo de famoso estante de efectos. Si vas a tus efectos de audio o actos, rack de efectos de audio, Preajustes, ve a performance en DJ y agarra este llamado perilla. Esto en realidad se llama Fade to Grey. Eso ha sido renombrado perilla uno Fade a Grey. No estoy realmente seguro de por qué. Una versión más antigua de live, se llamaba gris desvanecido. Ahora se llama perilla uno. Y creo que la idea aquí es que lo que están tratando de decir es que esto es un perilla de un solo, gran efecto. Esto es lo que mucha gente usa para transiciones en el desempeño. Y es casi un poco descarado en este punto, pero veamos cómo funciona. Entonces así es como suena. Entonces lo que podemos hacer con esto es dar vuelta a esta perilla cuando estamos haciendo una transición. Dale una bofetada. Cuando estamos al final de la transición, como la transición suave y la transición. ¿ Verdad? Para que puedas cortar entre dos pistas de esa manera lo puedes hacer todo el mundo. Entonces veamos lo que hay dentro. ¿ De acuerdo? Y nuestras cadenas. Entonces tenemos sólo una sola cadena y tenemos dos defectos a efectos, EQ tres y un retraso. ¿ De acuerdo? Y tenemos un montón de mapeos aquí. De acuerdo, entonces si muevo nuestro único perilla aquí, veamos qué pasa. Entonces en nuestro EQ tres son medios bajan, sólo un poquito sin embargo. Son bajos sube y nuestra altura baja. Está bien, está bien. También vemos que cuando estamos todo el camino a 0, nuestro retraso se apaga. Y luego se enciende. ¿Cuándo fueron otra cosa que 0? Y surge nuestra retroalimentación y surge nuestra húmeda seca. De acuerdo, entonces eso significa que estamos haciendo un poco de mapeo aquí. Entonces no sólo hemos mapeado estos parámetros, todo con un punto verde, incluyendo el on-off aquí a este perilla. Pero también hemos configurado algunos ajustes de mapeo personalizados aquí con el botón de mapa. Entonces, vamos a dar click en eso. A ver qué pasa. Entonces aquí está nuestra perilla. desvanecen. Entonces IQ3, ganancia media, ese es éste. ¿ Verdad? Por lo que eso se establece en un mínimo de 0 y un máximo de seis negativos. Entonces eso significa que sólo se va a mover un poco, ¿verdad? Va a pasar de 0 a menos seis. Ahora, el segundo número es negativo, lo que significa que va a bajar. Si fuera positivo seis, lo empujaría hacia arriba. De acuerdo, entonces eso significa que uno va a bajar a medida que suba esto, veamos esta baja frecuencia. Va todo el camino de 50 a 200 tres. Entonces si nos fijamos en nuestro mapeo, frecuencia baja 50 a 2.03, frecuencia alta 18 a 2.18. Por lo que ese número es menor. Entonces va a bajar. Este dispositivo encendido. Echemos un vistazo a eso. Mínimo es uno. No mínimo podría ser 0, pero no es uno. Por lo que 127 es la parte superior. Eso significa que todo de uno a 127 va a encender este dispositivo porque el dispositivo encendido es un botón binario, ¿verdad? Tiene dos estados, a menudo encendidos. Entonces off es 0, on es cualquier otra cosa que no sea 0. Entonces lo que esto está diciendo es si esa perilla degrada de desvanecimiento, o si esa perilla de desvanecimiento es otra cosa que 0, enciéndala. La retroalimentación va de 0 a casi máximo. Se lo han cortado un poco antes de la parte superior. Top sería un 100 por ciento y húmedo seco. Mismo trato. De acuerdo, entonces eso hace cosa bastante dinámica. Bastante cool. Entonces eso muestra cómo solo con una cadena y dos efectos simples, puedes crear este efecto realmente exuberante con solo usar un perilla y un montón de mappings. 6. Racks de efecto de rendimiento: Ahora debido a la capacidad demencial de hacer estos complicados mappings, se puede ver por qué estos son buenos para el rendimiento. Con el rendimiento, no podemos parar y retocar, ¿verdad? Necesitamos que todo esté configurado tanto como sea posible que podamos hacer con un botón o no. Entonces echemos un vistazo a algunos de los presets en la actuación. Ya hemos mirado el de Fade to Grey, eso es justo aquí. Echemos un vistazo a este canal maestro, canal maestro DJ. Por lo que claramente quieren que le pongamos eso a nuestro maestro si tenemos una pista complicada. Ahora lo que haríamos es mapear todos estos dos controladores, de que hablaremos en la siguiente sección. Pero sólo escuchemos lo que hace. Vamos todo el camino mojado con esto. Y entonces podemos sacar nuestros bajos, empujar, nuestros bajos, conseguir sólo ese golpe de patada. Por lo que tenemos una sencilla configuración de ecualización. Compañero turno de frecuencia. Danos un poco de bamboleo sobre él. Tengo reverberación. Podemos lavar todo y reverberar la decadencia. Otro buen efecto de transición, y luego seco, húmedo y un poco de impulso de volumen. Entonces un montón de cosas aquí. Echemos un vistazo dentro. Sí, solo tienes que secar mojado y luego auto filtro, reverberación. Y un EQ acaba de terminar, sólo un montón de mapeos. Veamos qué hay en estas herramientas de DJ. Pero este de aquí ahora tengo múltiples efectos. Acontecieron actos? Oye, herramientas de DJ, movimiento, velocidad de movimiento y forma de movimiento. Mociones solares. A eso. Y se llama por web lábil y cambiar la velocidad de la misma, ajusta la forma. Ese es un efecto fresco. Entonces esto está encendiendo y apagando otras cosas, similar a cómo vimos en el fader descolorido ejemplo gris. Nosotros efectivamente soloing este efecto de movimiento. Efecto de rasguño. Escéptico, oigámoslo. Deshazte de ese movimiento. Hombre, no un fan de ese filtro de paso alto de paso alto para que jueguemos con retoques húmedos secos y luego de bajo volumen. Entonces hay un montón de cosas aquí que sólo cosas hechas con bastidores que realmente útiles si estás tratando configurar un RIG de rendimiento donde tal vez quieras lanzar tus pistas en su experimento con algunos de estos, solo para ponerte las manos en algunas cosas que puedes hacer rápido. Y de una manera que te da mucho control dinámico sobre la música y además es totalmente seguro, ¿verdad? Porque con todos estos, la pista sigue fluyendo si juegas con el EQ, este movimiento, incluso la cosa del scratch. Pero entonces simplemente se lo arranca. No has perdido al bebé porque el bebé sigue yendo. Eso es lo que es vivir. Una de las cosas que viven es excepcionalmente buena. No vas a perder la B. Siempre va a estar ahí. 7. El mundo de los controladores: De acuerdo, entonces hay toneladas de diferentes tipos de controladores por ahí. Creo que en primera clase, hablamos de usar controladores midi. Ahora hemos usado teclados midi. Creo que te mostré algunos controladores de guitarra. Aquí hay un montón de cosas diferentes. Ahí fuera. Este controlador que estamos viendo aquí es y Akai APC 40. Este es un poco el clásico capaz de en controlador de rendimiento. De hecho, creo que eso es exactamente lo que APC representa. En este caso. Esto está diseñado para trabajar con capaz de en está realmente construido para Ableton. Tan pronto como lo enchufe, este rack que tengo aquí arriba, simplemente mapea automáticamente. Yo no hice ningún mapeo en absoluto. Simplemente sabe qué hacer con este set. También sabe que la pista uno aquí es mi volumen. Sabe que mi panning está aquí. Por lo que sólo tipo de funciona justo fuera de la caja. Ahora no todos los controladores van a hacer eso. Este está realmente diseñado para ello. Y obviamente puedes ver puedo lanzar Eclipse y sabrá qué clips tengo si estoy en vista de sesión. Ahora, otro controlador popular en este momento es capaz de empujar, o el empuje a. Ese es un controlador increíblemente bueno. En realidad no está súper diseñado para el rendimiento tanto como para la composición, pero sí funciona bien para el rendimiento también, si quieres usarlo. Este modelo APC 4D está un poco anticuado. Tienen un par de nuevos ahora, pero todavía me gusta este. Es sencillo, funciona muy bien y solo es confiable. Entonces lo grande a recordar con los controladores es que algunos de ellos van a funcionar justo fuera de la caja como este porque está diseñado para funcionar con Ableton y tiene una función llamada auto map, lo que significa que solo sabe lo que es pasando y lo va a hacer. Otros controladores, no tanto. Vas a tener que hacer mappings por tu cuenta. Se puede conseguir prácticamente cualquier controlador con el que trabajar en vivo. Si estás dispuesto a meterte en las malas hierbas y hacer un poco de mapeo. Entonces primero, hablemos de cómo configurar estos controladores, y luego hablaremos de mapeo. 8. Conectar controladores: De acuerdo, entonces para configurar un controlador correctamente, necesitamos volver a nuestras preferencias. Y tenemos que echar un vistazo a nuestra pestaña midi porque todos estos controladores son Midea. De acuerdo, así que voy a ir aquí. Y luego voy a mirar aquí. Entonces mi APC 40, solo de lado. No necesitaba hacer nada. Por lo que dice superficie de control. Y de lo que realmente estamos hablando aquí es de unas superficies de control. Estos no suelen tener la forma de un teclado, aunque pueden serlo. Y un teclado se puede utilizar como superficie de control. Pero lo que son es que nos dan control sobre mucho del programa. Por lo que este en particular necesita tanto entrada como salida. Por lo que la salida es del controlador para vivir. Eso es lo que necesito. La entrada es de vivo al controlador para que mi controlador sepa lo que está haciendo en vivo. Es así como puedo auto mapear cosas y tener en vivo realmente actualizar el controlador a I. Oye, ahora también lo verás subir en debajo de dispositivos midi aquí. Y quiero a distancia y pista seleccionada. Lo volverás a ver aquí abajo como dispositivo de salida. Sólo necesita remoto porque no estoy introduciendo notas midi. Entonces, esencialmente, si quieres usar algo como superficie de control, quieres que se muestre aquí. ¿ De acuerdo? Hay un montón de cosas construidas. Es posible que necesites instalar controladores para tu superficie de control si estás usando algo diferente. Pero va a subir. Ahora, aunque no suba aquí, si solo viene aquí como dispositivo midi, aún puedes usarlo como controlador midi. Sólo vamos a necesitar hacer algunos mapeos. Entonces, vamos a entrar en cómo configurar esas mappings ahora. 9. Mapeo de MIDI: De acuerdo, entonces la clave para configurar cualquier mapping, ya sea que estés usando algún dispositivo midi, es este botón midi de aquí arriba. También lo puedes conseguir con Command M si quieres. Entonces voy a dar click en Midea y luego en cualquier cosa que sea azul, puedo mapear a cualquier cosa midi que tenga. De acuerdo, Así que sigo sentado frente a mi APC 40, así que juguemos con eso. A lo mejor quiero hacer algo diferente con mi APC 40. Y si quiero que mi perilla crossfade controle mi mezcla seca húmeda de este rack. Voy a dar click en él una vez. De acuerdo, y entonces sólo voy a mover esa cosa que quiero mapearla a K y simplemente mover esa cosa y ahora está apegada a ella. Eso es todo lo que necesito hacer. Fuera del modo de mapeo midi hecho. Y ahora mi crossfade está puesto a este rack seco húmedo. Esto en realidad es algo común que verás que la gente hace es poner todos sus efectos en la perilla de crossfade de un controlador para que lo tengan, son señal seca todo el camino por aquí y son señal húmeda hasta aquí. Y luego a medida que están actuando, lo mantienen en seco. Y luego si quieren hacer algo así como ese gran Fade to Grey, Sólo un grupo y luego lo aplastan de nuevo para deshacerse de él. Para que pudiera hacer más mappings midi. Digamos que quería mapear. ¿ Qué más no estoy usando? Volvamos al modo de mapa midi, y mapeemos mi tasa LFO a este perilla. De acuerdo, así que hice clic enseguida ahí arriba y ahora sólo voy a moverlo aquí. Y ahora lo tengo. Se puede ver que llegó una pequeña asignación y salir del modo mapeo midi. Y se hace cargo. Entonces ahora este perilla ahora es mi tarifa para mi LFO. ¿ De acuerdo? Y tus mappings se van a quedar con tu sesión. De acuerdo, entonces si guardo esta sesión, ahora, mi carga vuelve a subir. Va a volver enseguida. No se va a llevar a otra sesión. A menos que use una plantilla. Podría guardar esto como plantilla por aquí. Y luego el mapeo, nos quedaremos con él. Pero si acabo de guardar mi sesión y luego reabrir mi sesión, todas mis asignaciones vendrán con ella. 10. La interfaz Ableton Push: De acuerdo, entonces hablemos del Ableton Push to controller. Por lo que tengo aquí en Ableton Push también. Y lo más grande que te darás cuenta del empuje al es que sabe mucho de lo que está haciendo Ableton. Toda la idea detrás del push to controller es que podrías escribir una pista completa sin mirar nunca a tu pantalla. Necesitas estar conectado para poder en una computadora para usar el push dos. Porque en realidad no tiene vivir en ella. Necesita hablar para vivir, pero sabe justo de todo lo que está pasando. Entonces aquí está mi tipo de roca de botones. Puedo ajustarlos y se puede ver ajustando automáticamente en la pantalla. Esto en realidad lo hace Ableton, por lo que está integrado en todos los niveles. Yo puedo ir a la pista, puedo ir a mis mandas. Aquí está mi EQ. Tiene gráficos realmente hermosos integrados en ella. Por lo que realmente puedo conseguir el control de las cosas. Y tiene la grilla. Ahora esta rejilla no está tanto diseñada para lanzar clips. En realidad está diseñado para ser más un teclado. Si saco un instrumento aquí, simplemente arrojado analógico hacia arriba, y verás que se actualiza de inmediato. Entonces ahora tengo, tengo todo lo que necesito para tocar algo de música. Y en este caso, la forma en que se configura es que es en C mayor. Estos nodos de diferentes colores son mis Cs. Puedo hacer cola en cualquier escala o algo y hacerlo para que pueda jugar totalmente cromática si quiero. Podría ajustar cualquier configuración del sintetizador aquí arriba. Si puedo, si navego por ella, cambiémosla para que sea una onda de rectángulo. Ahora, digo que esto no está diseñado para ser una herramienta de lanzamiento de grilla de ranura de clip, pero obviamente sí tiene un modo donde se puede hacer eso. Por lo que la gente sí usa esto como un controlador de rendimiento donde puedes entrar en modo de lanzamiento de clip. Y puedes hacer todo tipo de cosas divertidas como este botón Cuantizar puede ser muy divertido y darte algunos efectos realmente geniales. Pero ante todo pensamos en esto como una herramienta de composición. Te ha muerto que al decir, es un super gran controlador y si te dieron el dinero extra, recomiendo encarecidamente conseguir uno. Mi cosa favorita al respecto en realidad no es el elemento de rendimiento de la misma, sino la forma en que esto es básicamente solo un teclado midi dispuesto de una manera realmente rara. Me ayuda a llegar a algunas ideas nuevas, ¿verdad? Al igual que cuando pongo la mano en un piano, voy a hacer algo porque sé tocar un poco el piano. Pero aquí, es tan diferente que me podría ocurrir algo diferente sólo por cierto, las cosas que hace que mi cerebro haga, eso es simplemente diferente. Entonces se me ocurren ideas diferentes, ¿verdad? Porque es un instrumento completamente diferente. Entonces es un poco divertido para eso. Pero no es mi herramienta de rendimiento favorita. 11. Wavetable y eccho en el impulso: La única cosa aunque que debo decir que el empuje tiene que nada más tiene, es una interfaz absolutamente hermosa para algunos de los dispositivos Live, en particular, tabla de ondas y eco. Si cargo aquí un dispositivo wavetable, déjame cargar. Básicamente vemos toda la interfaz de cable de onda. Déjame conseguir algo un poco antes. Ahí vamos. Y ahora lo podemos ver funcionando. Y es realmente divertido jugar con el efecto eco. Con el túnel de eco también es realmente divertido. Por lo que realmente es un controlador hermoso. Yo sólo quería señalarlo. 12. ¿Qué son las acciones: De acuerdo, Ahora, arriba a continuación, hablemos de acciones de seguimiento. Ahora. Seguir acciones son un poco escondidas en toda la vida 11. Eran algo así en versiones anteriores de live. En realidad eran algo que sólo se encontraron en su mayor parte en la rejilla de ranura de clip. Pero una de las características geniales sobre live 11 es que ahora puedes encontrar acciones de seguimiento y muchos lugares diferentes. Entonces con el fin de aprenderlos, Vamos a pasar a la vista de sesión y un poco aprenderlos de tipo clásico cómo se han utilizado. Entonces esto es lo que voy a hacer. Voy a tomar este clip con el que hemos estado trabajando. Voy a añadir otro, que es esta parte posterior del mismo equipo. De acuerdo, entonces me voy a llevar esos dos clips. Yo me voy a llevar esa y esa. Ups. Selecciónalos ambos. Y voy a hacer clic y mantener pulsado como los voy a mover a algún lugar y voy a presionar Tab, llevarlo a Session View y dejarlos ahí mismo. Ahora te darás cuenta de esta gran plaza roja. No teníamos eso antes. O supongo que es un rectángulo. Lo que es eso es que me está diciendo que Live ve mi Ableton Push. Y esto es lo que está apareciendo en mi pantalla push. Por lo que probablemente no tengas un gran rectángulo rojo a menos que tengas un empujón. Entonces si pongo mi push en el modo que me permite lanzar clips, esto es lo que voy a poder ver en mi pantalla, es todo este año, ¿no? Si tengo un montón más de clips, no voy a poder verlos todos. Entonces este rectángulo rojo me muestra lo que está enfocado. Y puedo desplazarme hacia abajo y desplazarme hacia arriba. El APC 40 hace lo mismo, aunque creo que es una caja verde. ¿Recuerdas? Entonces la cosa roja sólo me muestra lo que estoy viendo. Voy a apagar eso solo desenchufando mi empuje solo para que no sea confuso para aquellos de ustedes que no lo ven. ¿ De acuerdo? Y ahora se va porque no voy a usar mi pincel por el momento. De acuerdo, entonces lo que tengo aquí es este clip. Y pongamos un bucle aquí. Amplíe un poco para configurar esto para que esté bien en este uno a muchos. ¿De acuerdo? Entonces ahora tengo ese bucle en marcha, y ahora realmente no necesito configurar un bucle para este otro. Nosotros sólo vamos a lanzar y eso va a jugar hasta el final. Entonces. Lo que podemos hacer aquí con acciones de seguimiento es que podemos decir, voy a dejar que este bucle por un tiempo. Y luego en algún momento algo va a suceder automáticamente. ¿ De acuerdo? Entonces para poder llegar a nuestras acciones de seguimiento, tenemos que golpear a este pequeño triángulo aquí. Ahora en versiones antiguas de las acciones de seguimiento en vivo acaban de aparecer a través de un pequeño botón aquí abajo, pero ahora están en este pequeño triángulo. De acuerdo, entonces vamos a golpear ese triángulo. Ahora vemos nuestras acciones de seguimiento. ¿ De acuerdo? Entonces voy a encender la acción de seguimiento y consigo otro de estos pequeños menús desplegables dobles. Este funciona un poco diferente a los otros dobles desplegables que hemos visto antes. Lo que hace este es que diga, ¿qué porcentaje del tiempo va a suceder esto? ¿ Y qué porcentaje del tiempo va a suceder esto? Está bien. Esto se presenta un poco diferente a lo que solía ser si estás mirando una versión más antigua de live, este es un flujo de trabajo un poco diferente, pero es el mismo concepto. Por lo que podríamos decir el 100% del tiempo reproducir el siguiente clip como lo que eso dice. De acuerdo, entonces eso significa que al final de este bucle, va a seguir adelante y reproducir el siguiente clip. Hagámoslo. Se puede ver este ya calentado. Por lo que se encendió automáticamente. Podría decir un 100 por ciento del tiempo. Detener. Vuelve a jugar. Por lo que efectivamente lo bucle. Reproduce el clip anterior. Así que sube uno, reproduce el siguiente clip, reproduce el primer clip de esa pista, reproduce el último clip de esa pista, plato. ¿ Algún clip? Juega otro que sería cualquier clip excepto el mismo que se está reproduciendo o saltando actualmente. No estoy muy seguro de lo que saltó hace. Éste es uno nuevo. Y supongo que significa saltado a un punto aleatorio. Por lo que estas dos son funciones aleatorias y esta es una tercera función, función aleatoria. Ya he experimentado con este salto uno. Entonces solo tengo dos clips, así que no puedo hacer mucho con cualquier aleatorización, ¿verdad? Pero digamos siguiente clip, que será este tipo de sección de freno. Y cambiemos un 100 por ciento a 50 por ciento. Por lo que el 50 por ciento del tiempo va a saltar al descanso. En realidad es incluso hacer eso más pequeño. Hagámoslo 25 o así, de acuerdo. Cada dos veces va a jugar de nuevo. De acuerdo, entonces ahora 75 por ciento del tiempo que va a ir el bucle, va a volver a bucle. Pero el 25 por ciento del tiempo, va a decidir al azar saltar al descanso. Vamos a intentarlo. Puedo decir de qué se trata. El RD se decide para su próximo movimiento basado en lo que está parpadeando. ¿ Verdad? Todavía se va a quedar ahí. Siguen decidiendo quedarse ahí. Todavía quédate ahí dentro. Esto es lo que obtienes con cosas al azar. Todavía quédate en. Va a hacer para una vieja zona de demostración muy aburrida. De acuerdo, Entonces ahora tiene la siguiente sección en cola y va a saltar ahí. De acuerdo, entonces lo que básicamente hice ahí fue una especie de automatizar lo que va a pasar después de este bucle. ¿De acuerdo? Ahora bien, ¿y si quisiera decir loop esto cuatro veces y luego seguir? Yo haría ahí es yo diría jugar el siguiente clip 100% del tiempo después de cuatro pases por el bucle. De acuerdo, entonces ahora va a jugar a través de ese bucle cuatro veces y luego pasar al siguiente. Entonces no más aleatorización aquí. Esto va a ser sólido. Se va a tocar el bucle cuatro veces. Se puede ver que esto ya está en cola. Ahí hay 23. Y aquí está lejos. Entonces ahora va a pasar al siguiente gol. Entonces si no quieres usar la aleatorización en tu desempeño es, o incluso la composición. En realidad hay un truco de composición genial que puedes hacer con esto, que te mostraré en un minuto. Esta es una buena manera de decir sólo cuando lancé este clip, esperar un 16 veces a través del clip y luego pasar a la siguiente sección. Puede obligarte a seguir adelante. Por lo que seguir acciones puede ser realmente divertido para darle a tu rendimiento tanto cierta previsibilidad como también algo de aleatoriedad. 13. Modo Legato: De acuerdo, entonces antes de mostrarte mi truco de composición, necesito hablar del modo legato. De acuerdo, así que ese es este botón de aquí abajo. K. Entonces la forma de seguir acciones funcionan ahora, hasta ahora, lo que hemos visto hasta ahora es que una acción de seguimiento se llama al final de un clip, pero no necesita ser así. Puedes llamarlo como quieras. Entonces si dijimos desvinculado, No va a ser número de veces por la pista, va a ser número de beats. Entonces aquí tenemos barras, beats y notas 16, ¿verdad? Entonces digamos cada dos barras, vale, ahora este bucle tiene cuatro barras de largo. De acuerdo, entonces vamos a cortar por la mitad aquí. Cada dos barras desencadenan una acción de seguimiento es lo que ahora estoy diciendo. Ok, entonces todo lo demás sigue funcionando. Podemos decir, jugar al siguiente, cada barra judía. Ahora si dije seis barras aquí, va a jugar por el bucle dos veces, 2.5 veces o 1.5 veces en realidad. Entonces digamos sólo dos barras. Y luego aquí para el lanzamiento, Digamos legato. Ahora lo que eso significa es que va a, vamos a estar a mitad de nuestro bucle aquí, ¿verdad? Vamos a ser dos bares en. Entonces cuando pase al siguiente clip, va a empezar que dos barras adentro, ¿de acuerdo? Es decir, va a hacerse cargo del nuevo clip donde quedó el primer clip. Entonces pensemos en un uso práctico para eso. Esto no es realmente uno, pero uno sería que tienes que tambores bucles, ¿verdad? Y dices que cada ritmo, elige al azar ir al otro bucle de batería o no. Entonces si estás en beat uno en primer bucle de batería en B2, dices ir a otro bucle de batería y lo hace. Quieres que arranque en beat 2, no saltar hacia atrás para ser uno. Si hubieras vencido a uno, entonces solo te vas a aquí B1, un montón de grandes, ¿verdad? Si querías ir a B2, y entonces la próxima vez que querías ir a vencer tres, ¿verdad? Por lo que siempre se mueve, pero manteniendo el flujo a la derecha. Ese es en realidad el truco exacto de composición que quiero mostrarte. Entonces vayamos a un nuevo video y hagamos eso. 14. Configuración de acciones de seguimiento: De acuerdo, Esta es una especie de pista tonta, pero en realidad genera algún ritmo realmente cool a veces. De acuerdo, Así que solo voy a lanzar un montón de loops de batería en una pista de audio fresca. Vamos a llamar. Es genial. Es genial. Vámonos. Seguro. Uno más. Seguro. Ponte raro. De acuerdo, entonces ahora lo que voy a hacer es que voy a seleccionar todos estos. ¿ De acuerdo? Por lo que tengo turno click para seleccionarlos todos. Y ahora voy a ir a las siguientes acciones y encenderla. Y esto se va a aplicar a todos ellos. Entonces lo que voy a decir es que un 100 por ciento del tiempo va a uno diferente, salta por ahí. Y decimos desvinculado. Y lo vamos a hacer cada uno de los golpes. Enfriar, fácil. Ahora. Y vamos a decir modo legato. De acuerdo, entonces eso significa que cada ritmo, va a ir a diferente bucle de batería. Y va a retomar donde la anterior lo dejó. Entonces va a pasar de B1 a B2 a B3 para ser exactamente por cómo quisiéramos que hiciera un bucle de batería. Pero va a cambiar alrededor de cuál. Entonces para patearnos, tengo que hacer es empezar con uno de ellos y entonces sólo va a empezar a volar. Está bien. Por lo que ahora mismo todavía se está lanzando por barra. Y yo, oh, ya veo ¿por qué? Porque esto cambió de, esto volvió a uno beats. Entonces necesito que esto sea 0, 1, 0. Probemos eso. Ahí vamos. Está bien, genial. Vamos a ponernos aún más raros con él. Y decir cada octava nota, que serán 2 notas 16. Oops, no puse eso para todos ellos. Entonces voy a decir 002 notas 16. Los dorados se vuelven aún más raros. Vamos cada nota 16, cambiemos a otro archivo. Por lo que puedes divertirte mucho. Seguimos acciones. A mí me gusta. 15. Rebotar: De acuerdo, hablemos de configurar una sesión para el desempeño. En otras palabras, a DJ un tema, ¿cómo vamos a armar las cosas? Entonces voy a volver a esta cosa que hicimos en el apartado anterior. De acuerdo, así que digamos que queríamos usar esto como una actuación en vivo. Queríamos un DJ esto en un set. Entonces lo primero que voy a hacer es rebotar los tallos. Por lo que el término tallos puede significar algunas cosas diferentes dependiendo de con quién estés hablando. Podría significar cada pista individual o podría significar los grupos de pistas. Entonces para mis propósitos aquí, lo voy a tratar como los grupos de pistas. No quiero la capacidad de lanzar cada una de estas pistas. Yo quiero un tipo de pare hacia abajo a los elementos que voy a querer controlar de forma independiente. Entonces antes de hacer algo, solo voy a combinar estos en bucles individuales para que todo se mantenga sincronizado. Entonces como ver cómo este es más corto y en realidad son dos clips. Lo que voy a hacer aquí es solo seleccionar todo esto y presionar Comando J. Eso lo va a combinar en un solo clip. De acuerdo, bastante fácil. Lo mismo con éste. Yo sólo voy a hacer que esto sea toda la longitud. Es posible que necesites o no hacer esto dependiendo de cómo estés rebotando las cosas. Pero es sólo una especie de hábito en el que me he metido. Entonces voy a seleccionar todo esto y presionar Command J. Lo va a convertir en un clip que es toda la longitud. Entonces ahora si hago bucle cada uno de estos clips, van a estar exactamente en lo correcto. Ahora. Vamos a equilibrar todo. Entonces sé que voy a querer que esta voz sea cosa suya. De acuerdo, así que sólo voy a solista esa y exportarla. Entonces voy a ir a File Export. Ya tengo algo seleccionado, así que sé que mi tiempo de inicio y duración es correcto. Ahora, cuando estés en esta ventana, podrías exportar todas las pistas individuales. Eso te va a dar un archivo de audio para cada pista que tenemos aquí. Y eso puede funcionar para algunos tallos. Pero como voy a agrupar un montón de cosas juntas, no voy a hacerlo de esa manera. Entonces sólo tengo a éste en solitario, así que esto está todo aquí. Está bien, y vámonos. Entonces llamemos a esto Vox. Y vamos a rebotar eso. Lo siguiente que voy a querer es estos tambores por sí mismos. ¿ Verdad? Ahora si solo esto, no voy a meter ese retraso ahí dentro. Entonces vamos en solitario ese retraso también. Agregar en ese eco se sumará que retrasó de nuevo en cuando configuramos esto en vista de sesión. Por ahora, Vamos a solo como está y escupirlo. Entonces Export Audio master, pero está en solitario, Digamos tambores. De acuerdo, Siguiente, veamos qué hay aquí, qué es esto. De acuerdo, esta cosa clicky, cosas raras. Entonces las cosas del piano, cosas clicas, cosas clicas, y cosas clicas. De acuerdo, Así que juntemos todas nuestras cosas clichosas. Eso funciona. Entonces vamos a exportar esto. Y solo llamemos a esto clicky. Y realmente sólo estoy tratando de agrupar las cosas tanto como sea posible. Entonces ahora me voy a llevar todo lo demás que funcione. ¿ Y cómo llamamos a esto? Esto es como el ambiente de la pista, así que llamémoslo ambiente. De acuerdo, entonces ahora tengo todos mis tallos de esta pista. Si tomo todas esas cosas, acabo de rebotar esas cuatro pistas que acabo de rebotar, cargarlas en Eclipse y tocarlas todas a la vez. Voy a tener esto. Entonces hagámoslo. 16. Cargar talos en un nuevo juego: De acuerdo, entonces ahora estoy en la misma sesión, pero acabo de pasar a Session View. Podría ir a una sesión totalmente nueva aquí, pero sí quiero mantener mis efectos, así que me voy a quedar en la misma sesión y cargarlos en la rejilla de ranura de clip. De acuerdo, así que voy a agarrar todos estos de mi Finder. Entonces ahí están los cuatro. Y los voy a plop. Ahora. Antes de que suelte, te darás cuenta de que si estás sosteniendo múltiples archivos y los dejas caer en la cuadrícula de la ranura de clip, van a aparecer en la misma pista. Si sigues reteniendo estos archivos. Entonces y hice clic y arrastré y no he soltado todavía ese click. Si presiono la tecla de comando, no los va a poner, los cuatro de ellos en la misma pista, sino distribuirlos entre pista posterior. Entonces si presiono comando, los ves atravesar por diferentes pistas. Entonces hagámoslo. Entonces ahora voy a soltarme. De acuerdo, entonces ahora tengo mis cuatro cosas. De acuerdo, entonces si apago mi soloing aquí y lancé toda esta escena, una cosa a recordar es que no voy a dejar estos nuevo en las mismas pistas que estaban en antes, ¿verdad? Porque estaban en todas estas vías por aquí. Y ahora solo estoy usando las tres primeras pistas. Entonces voy a necesitar reconfigurar un poco mi mezclador. Y eso también significa que no voy a querer volver a Session View con esta pista. Entonces, en la mayoría de los casos realmente piensan que es mejor solo usar una nueva sesión de Ableton para esto que intentar usar lo mismo, porque probablemente vamos a combinar un montón de pistas. Ya sabes, una vez que configuraste toda una actuación. Pero por ahora, solo retractemos algunas cosas y ajustemos un poco nuestra mezcla. Está bien, bastante bien. Entonces ahora tenemos todo arreglado, listo para salir. Ahora, construyamos algunas escenas. 17. Configuración de escenas: De acuerdo, entonces ahora estoy preparado para realizar esto de manera efectiva. Puedo lanzar estos como quiera. Puedo bajar aquí y detenerlos a todos y decir, solo lanzemos el ambiente. Tengan eso por un rato. Tirando de esa vocal, tal vez cayeron los tambores hacia abajo. ¿ Verdad? Yo puedo hacer eso, sin embargo. Y a veces es sabio configurar escenas dependiendo de lo complicado que sea tu cosa con sólo estos cuatro clips. No necesitamos hacerlo. Hagámoslo de todos modos. Entonces recuerda que las escenas son la fila horizontal de clips. Y podemos lanzar una escena desde aquí. Básicamente lo que va a hacer es dejarnos configurar tipo de combinaciones en avanzado. Entonces digamos, voy a querer empezar solo con este ambiente como lo hice. Entonces los voy a dejar vacíos. Entonces cuando lancé la segunda escena, quiero estar seguro de que el ambiente sigue adelante, así que voy a copiar eso ahí abajo. De acuerdo, y luego lo segundo que voy a hacer es meterlo. Apenas las voces. Y entonces lo tercero serán sólo los tambores y luego todo. Y quiero asegurarme de que las voces sigan adelante y tal vez en realidad jalaré las voces por aquí. De acuerdo, entonces ahora cuando lancé mi primera escena, sólo voy a conseguir ambiente. Oops, lanzo mi segunda escena. Voy a conseguir un ambiente y las voces. Cuando lancé mi tercera escena, voy a conseguir tambores y voces de ambiente. Cuando lancé mi previsto, voy a conseguir ambientación cosas clicky en tambores. Ahora, si quieres hacerte elegante, realmente no tuvimos que duplicar nuestro ambiente hasta aquí. Podría deshacerme de esos y simplemente quitar esa pequeña parada aquí, ¿verdad? Porque no quiero dejar esto vacío porque cuando lancé esta escena, bien, lo que va a decir es tocar voz, detener cualquier cosa en esta pista porque va a presionar ese botón stop. Detener cualquier cosa en esta pista y detener cualquier cosa en esta pista, ¿verdad? Por lo que no quiero apretar ese botón de parada. Entonces una forma de hacerlo es simplemente copiar eso hacia abajo. Entonces, oops, para que vuelva a tocar ese botón Play, ¿verdad? Pero otra forma sería dar clic aquí y presionar Comando E. Eso le quita el botón Detener. Entonces ahora éste va a seguir tocando cuando lancé esta escena. Entonces tal vez me deshago de eso todo el camino. Podría hacer lo mismo con esta batería. Sólo escondite eso. Con este focal, basta con ocultar eso. Ahora voy a conseguir efectivamente lo mismo. Realmente no importa de qué manera lo hagas. Simplemente depende un poco de la limpieza y de lo que te gusta ver. Para mí. Es un poco más fácil ver qué está pasando. Si duplique el clip, realmente no ahorra memoria ni nada por el estilo. Pero de cualquier manera funciona. Si tienes una sesión enorme, quizás solo quieras ocultar algunos de los botones de detención. O si tuviera como este ambiente va a jugar sólo para siempre. Podría simplemente deshacerme de todos estos botones de detención y luego sólo saber que ese está pasando para siempre. Puedes hacerlo de esa manera. Simplemente está bien. De acuerdo, entonces ahora tenemos escenas. Cambiemos el nombre de estas escenas. Entonces voy a ir Comando R. Sólo voy a llamar a esta intro. Llamemos a esto Vox entrar. Llamemos a este tambores entrar, y llamemos a esto principal. Entonces este va a ser nuestro grupo principal. ¿De acuerdo? Bueno, acabamos de descubrir un pequeño problema aquí, ¿verdad? Si solo hago clic en main, no voy a lanzar mi ambiente a menos que ya se vaya. Entonces eso es una especie de beneficio de ponerlo en todas partes. Ahora si solo hago clic en Nombre, lo escucharemos todo. ¿ De acuerdo? Y ahora puedo saltar, ¿verdad? Puedo volver solo al ambiente. Es genial. Ve aquí. Y si lo estoy sintiendo, todavía puedo simplemente lanzar cosas haciendo clic en él. Por sólo cosas clicky. Yo puedo hacer eso. Por lo que puedes ir entre ambos. Realmente no importa. Pero configurar escenas es una gran manera de simplemente organizar un poco tus pensamientos. Pero aun así te da espacio para realmente tipo de improvisado lanzando clips cuando quieras. 18. Crear escenas de remo y transición: Ahora muchas veces lo que hacemos cuando estamos tratando de configurar una actuación de DJ es que vamos a tener una sesión que tenga toda nuestra actuación en ella. No vas a tocar este y luego cerrar en vivo que abrir una pista diferente, ¿verdad? Vas a poner todos tus tallos y todo lo que necesitas para cada pista en una sola sesión de actuación en vivo. Entonces digamos que aquí tenemos otra melodía. De acuerdo, Así que estas son canciones diferentes. Hagámoslo incluso un poco y hagamos eso, y seguro. De acuerdo, Entonces tenemos dos melodías diferentes. Por lo que dejé un poco de espacio entre dos de ellos. Eso puede estar bien. A veces sólo dejar espacio es útil. Pero ese espacio también podría ser útil. Podrías decidir que quieres crear un par de clips para entrar aquí que te ayuden a transitar entre las dos canciones, ¿verdad? Por ejemplo, tal vez usemos esta cosa clicky o no. Usemos los tambores. Usemos los tambores para pasar por ahí. Voy a renombrar esta transición de tambores. No te vas a preocupar por la ortografía en este momento. Y a lo mejor le voy a hacer algo a este clip de tambor. A lo mejor yo, no sé, lo transpondré un poco así como no sé algo. Por lo que ahora estoy en nuestro grupo principal. Puedo usar esto como una forma de empezar a empujarnos a este siguiente grupo, lo que sea que se vaya a necesitar para meternos en este siguiente grupo. A lo mejor es un ajuste de tempo, lo mejor es un ajuste de tono. A lo mejor es sólo ese enorme efecto Fade to Grey, ¿verdad? Sólo para lavar un poco las cosas por un minuto y dejemos caer en la nueva pista. Así que dame algo de espacio entre pistas y luego haz algunos clips de transición que te ayudarán a meterte entre las dos pistas. 19. Agregar más elementos: Otra cosa popular por hacer es agregar algunos elementos a tu set que puedes jugar en vivo. Probablemente tengas algún tipo de controlador, como hablamos, ya sea un empuje hacia o incluso un APC 40. se puede hacer. O simplemente cualquier tipo de teclado midi o cualquier cosa. Agrega algunos elementos que puedes jugar en vivo. Entonces vamos, por ejemplo, lanzar un kit de tambor. Entonces me voy, voy a hacer una nueva pista midi aquí y tirarle un kit de batería sobre ella. Y solo dejaremos esto ahí mismo. Eso lo hace para que con mi controlador o mi teclado o lo que quiera, pueda vivir. Tira algunos tambores si quiero. Es así como a menudo se ven intérpretes como jugar. Y luego tienen como algunos baquetas y están golpeando una almohadilla. Así es justamente como lo tienen configurado. Tienen kits de batería en cola, listos para salir. Ahora podrían tener un kit de batería diferente en cola para cada pista. Y hablaremos de cómo configurar eso en tan solo un segundo. Pero tal vez solo estés jugando tu 2º y luego solo quieras tirar, lanzar un golpe de trampa. Sé que suena como si estuviera apagado y no tengo ritmo, pero es por el retraso y el software de grabación de pantalla. Confía en mí. Yo tengo ritmo. Estaba en el ritmo. Por lo que echa algunos elementos, no tiene que ser tambores también puede solo teclas, puede ser, ya sabes, tu guitarra midi, cualquier cosa que sepas tocar y te sientes cómodo, date la capacidad de recogerlo y tocar algunas notas en esa melodía. Entonces hablemos de cómo podrías configurar diferentes sonidos para cada canción usando un estante de instrumentos. 20. Uso de la automatización de cadena: De acuerdo, así que digamos el 12, en esta primera melodía, quiero tocar la batería y en el segundo equipo, y quiero tocar el piano, todos usando el mismo teclado. Oye, en realidad eso es bastante fácil. No necesitamos hacer una pista separada y luego cambiar entre ellos en vivo. Lo que vamos a hacer es que vamos a tomar esto, vamos a tomar nuestros tambores y vamos a ponerlo en un grupo para que tengamos un estante de efectos de instrumento. Entonces ese fue el Comando G. Ponlo en un estante. Ahora notarás que ya está interactuando, que ya está en Irak, pero ahora eso también está en Irak. Por lo que aquí renombraremos esta cadena como pista 1. Y vamos a añadir una nueva cadena solo controlando clicando en algún lugar. Y vamos a renombrar esta sola pista 2. Ahora vamos a añadir nuestro piano. Y vamos a los instrumentos. Dame algo que suene como un estante de instrumentos de piano, piano y teclas. Ahí hay un piano. Tira eso ahí abajo en la pista dos. De acuerdo, entonces ahora tenemos un piano. Entonces, ¿cómo vamos a cambiar entre estos? Podríamos hacerlo un montón de maneras diferentes. Como hemos visto cuando tocamos con Instrument Racks. Podríamos hacerlo por diferentes rangos de claves. Entonces cuando está en el lado bajo, tenemos tambores, pero cuando está todo por encima de las cosas bajas, tenemos el piano. Así lo harías ahí mismo. Eso limita las notas que puedes tocar en el piano. Entonces eso no me gusta. Podríamos hacerlo con velocidad para que cuando tocamos en silencio, obtengamos tambores o en voz alta tengamos piano. Probablemente más práctico sería lo contrario de eso. Pero eso suena súper peligroso, ¿verdad? Porque vamos a estar en una actuación, vamos a estar jugando, vamos a estar volviendo locos. Tengo que recordar ajustar lo duro que estoy tocando notas. Y esa no es una muy buena manera de hacerlo. Entonces, no hagamos eso. Podríamos usar el elector de nuestra Jane y decir, Sólo vamos a dedicar un perilla a esto. De acuerdo, entonces vamos a encontrar alguna perilla. Y vamos a decir cuando esté todo el camino, ya que sólo necesitamos dos estados aquí, lo que probablemente haría es eso, así que cuando sea, la perilla está todo abajo, va a ser tambores. Y cuando sea todo el camino arriba, Va a ser piano. De esa manera sólo podemos tomar esa perilla, aplastarla todo el camino hacia abajo. Va a ser tambores, aplastarlo todo el camino hacia arriba. Va a ser piano. Y podría incluso darte un poco de alcance para que no tengas que preocuparte por golpear la cima absoluta. A lo mejor algo así. Pero ahora vas a cambiar entre los dos de esos. Entonces vamos a estar tocando tambores aquí abajo. Voy a tomar esa perilla, romperla todo el camino hasta la cima. Y ahora estoy tocando piano. Puedes agregar tantas de esas cadenas como quieras. Sólo sigue adelante. Y luego solo agrega más áreas aquí. Por las otras cadenas. Después de agregar muchos de ellos, será difícil hacer un seguimiento de. Y es posible que quieras cambiar a usar un botón para esto, que puedas presionar un botón y salte a un cierto valor. Puedes hacer eso mapeando esto a una macro. Y luego entrando en la configuración de tu mapa. Y haciendo un mini-mapa desde tus botones para activar ciertos valores de tu selector de cadenas. Entonces veo a la gente hacer esto donde instalaron, ya sabes, diez pistas midi diferentes aquí arriba. Y luego cambian cuál está armado para que puedan jugar a él. Esa es una forma realmente ineficiente de hacerlo. Un estante de instrumentos donde tienes una pista que tiene todos estos Racks de Instrumento en él. Y puedes marcar en cuál quieres jugar. Forma mucho más eficiente de hacerlo. 21. Moveros y controladores para el rendimiento: De acuerdo, en esta sección, he reunido sólo un poco de consejos aleatorios para armar una sesión de actuación en vivo 11. Entonces lo primero en lo que necesitamos sumergirnos es mappings clave y midi. Hemos hablado un poco de estos aquí y allá, pero ahí lo más importante ahora, cuando estamos hablando de configurar una sesión de performance para DJ. Entonces lo clave a recordar es que tenemos estos dos botones aquí arriba, llave en midi. El mapeo de claves te va a permitir mapear cualquier cosa sobre esto. ¿ De acuerdo? El mapeo midi te va a permitir conectar más o menos cualquier otro tipo de control o que hayas conectado a tu computadora. Entonces con el mapeo de teclas, si lo presiono, cualquier cosa, naranja ahora se puede mapear a una tecla. ¿ De acuerdo? Ahora hay una cosa importante que hay que considerar aquí. Déjame decir, digamos que solo quiero lanzar este clip cada vez que presiono el botón a. De acuerdo, ahí presioné. Entonces todo lo que tengo que hacer es dar click en la cosa que quiero mapear y luego dar click en o presionar la cosa a la que quiero mapearla. Así que acabo de hacer clic en este clip, eso es trabalenguas. Y luego presioné un, y ahora esas cosas están mapeadas. Entonces ahora voy a apagar el mapeo. Ahora cada vez que presiono un, voy a lanzar ese clip, pero no funciona, ¿verdad? Y aquí arriba ves que las cosas se ponen rojas. Cuando las cosas se ponen rojas en ti, generalmente significa que algo anda mal. ¿ Qué está pasando aquí? El motivo por el que el mapeo no está funcionando es porque tengo este teclado midi de computadora encendido. Eso significa que mi teclado está actuando como un teclado midi, lo cual puede ser útil si no tienes un teclado para ingresar notas y cosas así. Usar tu teclado puede ser útil. Pero si mapeo notas, ahora tengo una llave haciendo múltiples cosas, ¿verdad? Se supone que la letra a toca una nota midi y lanza este clip. Entonces está confundido. Entonces eso es lo que está diciendo este parpadeo rojo aquí. Es decir que no sé qué quieres que haga. Entonces para que este mapeo midi o este mapeo de teclas funcione, tengo que apagar el teclado midi de la computadora. Ahora cuando presiono mucho de ese clip. Entonces mapeo de teclas, solo asegúrate de apagar el teclado midi de la computadora. Si quieres hacer algo, cualquier cosa se puede mapear. También ten en cuenta que obtienes algunos controles extra pequeños que surgen. Nos vemos esta fila de botones de juego y esta fila de play stop y luego algunas teclas de flecha aquí. Estas son cosas extra que solo surgen cuando estamos en el modo mapeo, ¿verdad? Aparecen en modo mapeo midi también. ¿ De acuerdo? Pero lo que esto significa es que esto significa reproducir el clip seleccionado actualmente. De acuerdo, Así que voy a mapear eso a, no sé, Q, K. Y luego voy a mapear esta flecha hacia abajo, ninguna flecha hacia arriba para ser una flecha hacia abajo a nuestra. De acuerdo, voy a desactivar el mapeo de claves. Ahora lo que esto significa es ver cómo esta escena es gris más claro. Eso significa que está seleccionado. Entonces con mi E y R, Ahora, puedo mover esa selección hacia arriba o hacia abajo, ¿verdad? Y ahora con q, puedo lanzar cualquiera en esta pista de todos modos que hayamos seleccionado. Por lo que podría bajar aquí y decir lanzar esa pulsando Q. Si ahora subo a aquí. De acuerdo, Entonces, ¿cuándo es útil esto? Esto me parece más útil cuando estoy usando un pedal de pie. Y la forma en que realmente lo hago no es si esto, así que voy a dar clic en este y presionar Eliminar. Eso va a deshacerse de ese mapeo. Pero voy a ir a la escena, y voy a presionar. No lo sé. Q. De acuerdo. Entonces ahora lo que tengo es que puedo subir y bajar, y luego lanzar toda esa escena. Justo cuando llego ahí y puedo moverlos a otro, lanzamiento que parece correcto. Por lo que ahora puedo subir o bajar y lanzar la escena. Entonces si hice esto con mapeo midi y tenía un pedal de pie, y así funcionaba mi configuración de rendimiento. Dedicaría un pedal de pie para estar arriba y un pedal de pie para estar abajo. Y subiría y bajaba con esos pétalos de dos pies y luego un pedal de pie para ser lanzado, usé un pedal Beringia fc 1010 pie. Está por aquí en alguna parte. Y tiene ocho, en realidad tiene 10 pétalos en él. Por lo que tres de ellos podrían dedicarse a subir y bajar y luego lanzar una escena. Así que no te olvides de estas pequeñas hileras extra de cosas que obtienes cuando estás en modo mapeo. modo mini mapeo funciona igual. Sólo tienes que hacer clic en cosa. Cualquier cosa que sea azul se puede mapear. Entonces digamos que querías hacer algo extraño, como si quisieras encender o apagar el metrónomo. Cuando mueves algún tipo de slider o, o cualquier otro tipo de controlador que tengas eso podría hacerlo. Ahora para que esto funcione correctamente, asegúrate de que en tus preferencias y Midea, tienes seleccionado a distancia en lo que sea que quieras controlar las cosas. De acuerdo, ahora que tengo seleccionado a distancia, podría ir al metrónomo y presionar y presentaré nota. De acuerdo, yo presioné, mira. Entonces ahora cada vez que toque la nota C, si apago el modo de mapeo midi, va a encender mi metrónomo. Entonces si está apagada, lo va a apagar de nuevo. Entonces eso es genial. Entonces cualquier cosa azul, puedes mapear. Puntos de bucle, inicio, parada. Armas, registro. Tempo. Esto es como acariciarse el tempo. Cualquier cosa en tus plug-ins, cualquier cosa en tu mezclador, un montón de cosas. Te divertirías mucho con eso. 22. Configuración de Crossfader: De acuerdo, Ahora una cosa que aún no hemos mirado es que estos pequeños botones de aquí abajo nos muestran algunas cosas extra. Y uno de ellos es particularmente importante para nosotros. Aquí. Esta pequeña x nos va a mostrar el fundido cruzado. Por lo que si alguna vez has visto en DJ actuar, a menudo llevan auriculares. Al oír algo en sus audífonos, es diferente a lo que está saliendo a la casa, ¿verdad? Y tienen un fader de cruz. Ya miramos mapear el fader cruzado en el APC 40 a un parámetro diferente solo por diversión. Pero cómo se usa normalmente un fader cruzado es algo así. Y típicamente en algo como el APC 40 que en realidad tiene un fader de cruz. Ese fader de cruz se va a mapear a este fader de cruz, que es como el crossfade se construyen en vivo. Puedes mapear lo que quieras a esto. Si tienes algún tipo de controlador que tenga un deslizador arriba, abajo o algo por el estilo, puedes mapearlo a este fader cruzado. Ahora lo que hace esto es que verás que además de este slider, también nos dieron todos estos pequeños ABs. ¿ De acuerdo? Entonces esto es a y esto es b, ¿verdad? Entonces para cada pista lo vamos a asignar ya sea a a o B. Así que digamos que éste es a y éste es B. Estos son B. O puedes decir que estos son a. Estos son todos a y todos mis efectos. O B, si quisiéramos, podría hacerlo de esa manera a todos mis no todos mis Efectos necesariamente, pero todos mis autobuses son B. Pero vamos a mantenerlo sencillo. Digamos que estas son abejas y estas son a's. Entonces ahora lo que estás escuchando es a y B. Así que puedes deslizarte entre ellos. Y esto es lo que va a salir. Tu amo va a ser un, B o ambos, o alguna mezcla de ellos. Puedes configurar tus auriculares, que es este volumen aquí a aquí lo contrario. Eso harías en tu configuración. O más comúnmente, tus auriculares podrían escuchar tanto a como B. Y entonces puedes decidir cuál enviar al principal con este fader de cruz. Así que los faders cruzados totalmente representables y está un poco escondido. Echemos un vistazo a qué más hay aquí. También, este retraso de pista, creo que es algo nuevo en vivo 11. Esto es un, esto no es un efecto. Este es un retraso muy pequeñito como, como milisegundos que usaríamos para problemas de fase. Al igual que, digamos, tienes una pista en la que esto se panea todo el camino a la izquierda y como pluma todo el camino a la derecha, digamos. Y el altavoz izquierdo está justo a tu lado y el altavoz derecho está muy lejos. Eso podría causar un problema porque tienes un cable súper largo dirigiéndose al altavoz correcto. Por lo que podría retrasar un poco el altavoz izquierdo, no tanto. Sólo para que así, el sonido llegue a ambos altavoces al mismo tiempo. Por lo que no usarías esto como ningún tipo de efecto de retardo. Esto es como una compensación para un extraño sistema de sonido en una habitación. Un poco de trato. Entonces voy a apagar eso. Y luego aquí abajo, tenemos un pequeño medidor de CPU que nos muestra lo que cada pista está haciendo. Eso se puede ver aquí. Esto muestra qué porcentaje de mi computadora es capaz de usar. Entonces ahora mismo capaz de usar 4%, puedo conseguir un poco más de info si voy aquí. Pero aquí abajo dice lo que cada pista está usando. Ninguno de estos está usando mucho en absoluto. Ese local está usando un poco, ¿verdad? Cuando está jugando. Tiene muchos efectos en él y cosas, pero todo lo demás ni siquiera está rompiendo la menor cantidad de uso de CPU. Entonces estoy en buena forma. Si tienes este grito y esto sube en el 60 o 70 por ciento, entonces estás en riesgo de que tu computadora se estrelle. Entonces, si eso está pasando, es posible que quieras abrir esto para poder ver qué pista te está causando el problema y entonces tal vez aplanar esa pista o algo para aligerar la carga. Pero normalmente lo mantengo oculto. Y mantengo oculto el fader de cruz cuando no estoy haciendo ningún tipo de cosas de DJ. Por lo que solo sepas de esos, sobre todo de fader de cruz. 23. Configuración de efectos para el rendimiento: De acuerdo, Un consejo sobre los efectos en el rendimiento. Mucho de lo que vas a estar haciendo cuando estás actuando con vivo es manipular efectos. Por lo que realmente no quieres una situación como esta en la que tienes una tonelada de efectos y tienes que desplazarte para llegar a todo. Eso es demasiado en la pantalla. De verdad quieres simplificar esto. Entonces este es un buen uso para un estante, ¿de acuerdo? Puedes usar ARaC con una sola cadena solo para aprovechar las macros. Por ejemplo. Tomemos todo esto. Entonces voy a mandar, voy a cambiar click para seleccionar todo esto. Y entonces Command G lo va a poner en un rack en una sola cadena. Esto va a sonar exactamente igual. ¿ De acuerdo? Sólo tenemos una cadena en marcha. Y es eso. De acuerdo, entonces no cambiamos lo que está pasando en el procesamiento del audio aquí. Pero lo que sí conseguimos al hacer eso son nuestras macros. Entonces con esto podemos decir, Vale, de todas estas cosas, ¿qué es lo que realmente quiero ver? Yo quiero el Seco Húmedo de este curso. Entonces vamos a mapear eso a una macro. Yo quiero el Seco Húmedo de la AMP. A lo mejor quiero establecer mi tipo de amplificador en una macro, ¿verdad? Entonces si mapeo ese tipo AMP y me desplazo por él, se va a fregar a través de mis diferentes tipos de amperios. Es genial. A lo mejor quiero hacer eso. Tiempo seco, este gabinete tal vez quiero no necesito ese afinador, no necesito ese auto pan, lo que sea. Está bien. Entonces tal vez esas son las únicas cuatro cosas que necesito. Por lo que no necesito mirar esta enorme lista de cosas y desplazarse por ahí. Yo sólo puedo esconderlos, puedo esconder las cadenas. Y sólo ten eso. Ahora puedo mapear estos a algunos dispositivos y no tengo que cavar por esta pista en absoluto. La sencillez es genial. De acuerdo, Así que recuerda puedes cambiar el nombre de estos, controlar pinchando sobre ellos. Y se puede decir lo que sea. Puedes cambiar el color de ellos solo para hacerlos pop y ayudarte a recordar qué es qué. Y puedes hacer algunas mappings personalizados para que no vayas todo el camino a la parte superior o todo el camino a la parte inferior. Lo que quieras. Esto simplemente simplificará todo. Ah, y no te olvides, puedes conseguir más macros si quieres. Ahora, a través de este botón plus, puedes obtener hasta 16 macros aquí. Por lo que eso puede ser realmente útil o puedes escalarlos para que sea aún más simple. Ahora sólo tenemos nuestras cuatro macros que vamos a necesitar aquí. Así que pon las cosas en un estante de efectos solo para aprovechar las macros. Ni siquiera necesitas tener mis múltiples cadenas. Todo suena igual. 24. Plantilla de rendimiento de DJ: Otro gran consejo para crear una sesión de performance es guardarla como plantilla. Y hablamos de qué plantillas eran desde el principio cuando estábamos mirando el navegador. Pero digamos que hemos configurado todo como queríamos. Nuestras mappings clave son mappings midi son nuestras macros de Beck. Hemos creado el ajuste de rendimiento perfecto. Entonces lo que podemos hacer ahora es ir a Archivo, Guardar como Plantilla. Y eso viene aquí arriba. Por lo que podemos decir DJ, set y press return. De acuerdo, y ahora eso fue a la biblioteca de usuarios. Pero si vamos a nuestra pestaña de plantillas aquí, va a salir. Conjunto Dj. Ahí está. Entonces ahora cada vez que vamos a crear uno nuevo de estos, tenemos una plantilla todo configurada. Lo más importante de esto es que guarda tus mapeos midi y claves. No hay forma de cambiar globalmente. Mappings clave. En otras palabras, no se puede ahorrar. No se puede entrar en preferencias y hacer mapeos de claves personalizados en vivo. No se puede agregar algunos otros programas y eso sería genial. Mucha gente ha pedido eso. Pero que yo sepa, no hay forma de hacerlo en vivo. Pero con plantillas, básicamente puedes, porque tus mapeos clave se quedarán en la plantilla. Entonces si cargo esto y creo algo nuevo con él en mis mappings clave van a estar ahí y mis mappings midi también. Entonces es una especie de forma de evitarlo. Por lo que estas plantillas son realmente geniales. 25. Más para ver: De acuerdo, lo último que solo quiero decir sobre crear un sistema para la actuación en vivo, usar Ableton Live es que no hay una manera equivocada de hacerlo y todo el mundo lo hace diferente. De acuerdo, así que las cosas clave que quieres hacer es averiguar cómo aprovechar las habilidades con las que te sientes cómodo. Entonces si te sientes cómodo tocando una guitarra, encuentra formas que hagan que tus dedos se muevan de esa manera similar. A lo mejor usa un controlador de guitarra, tal vez usa un controlador diferente que te permita articular con tu mano izquierda y ciudad tienes razón o algo así. Todo el mundo lo hace diferente. Un buen ejemplo que me gusta señalar es este tipo Moldova. Es realmente interesante y su configuración de actuación en vivo como fascinante porque le gustan mucho los controladores personalizados. Entonces tiene esta guitarra que tiene todos estos botones extra en ella. Y tiene este artilugio loco que había construido, que es sólo un controlador de lujo. Tiene un montón de botones en él también. Y tiene otras cosas para dejarme ver si puedo llegar a ver algunos de los botones de su guitarra. Se puede ver ahí que son como viejos botones de joystick un poco por toda su guitarra. Hace algunas actuaciones realmente fascinantes. Entonces echa un vistazo a la forma en que lo hace. Está muy avanzado, pero creo que es realmente genial ver. Entonces sin embargo decidas hacerlo, solo recuerda que el objetivo final es hacer algo de buena música, ¿verdad? Entonces, no te empantanes con la creación de la configuración más salvaje, más extraña. Configuración, todas tus mappings y todo lo que necesites, para que puedas hacer algo de música realmente genial con ella. 26. Presentación de James Patrick: Muy bien, así que a medida que entramos en la porción de mezcla y masterización de esta clase, quiero presentarles a mi amigo y colega, James Patrick. Nos va a guiar a través de cómo trabaja con la mezcla y masterización en vivo 11. Ese es él justo ahí abajo. Ha sido ingeniero de mezcla y masterización y solo un productor general de todo tipo de música desde hace mucho tiempo. Es un súper experto, capaz de usuario. Por lo que estoy realmente emocionado de tenerlo contribuyendo también a esta clase. Ahora una cosa voy a señalar muy rápido, su versión de live se ve un poco diferente. Es sólo en las Preferencias. Se puede volver a analizarlo para cambiar un poco la forma en que se ve. Por lo que ha puesto el suyo en especie de este modo morado, mientras que el mío es el modo estándar con el que viene, puedes jugar con esas pequeñas pieles para que luzca y se sienta un poco diferente si quieres. Es divertido hacer a veces es el mismo programa. Simplemente tiene una especie de tema morado en su cool. 27. Técnicas avanzadas: Está bien. Última cosa antes de que se lo entreguemos a James Patrick y luego estarás con él por unos 15 videos y luego volveré al final. Se va a meter en algunas cosas bastante avanzadas. Entonces una cosa que llego tarde recomiendo que hagas es si se mete en algo y tú eres como, whoa, no recuerdo qué es eso. Vuelve a saltar en esta clase y revisa cualquier cosa de lo que esté hablando. Si habla de cómo usar un compresor y no recuerdas todos los detalles del compresor que pasamos. Vuelve a esos videos y mira esos k Así que se va a poner bastante avanzado. Por lo que podría tener que saltar hacia atrás y hacia adelante para entender realmente todo lo que está pasando. Pero sé que puedes hacerlo. Entonces después de James Patrick 28. Organización de sesión: Todo el mundo conoce a James Patrick aquí emocionado de estar saltando en el nivel de mezcla y masterización en el programa Ableton Live. Llevo unos 20 años haciendo música electrónica y mezclar y masterizar es solo el arte esencial de equilibrar todo. Por lo que todos tus sonidos son fuertes y claros y ya sabes, toda la hamburguesa con queso sabe bien cuando tomas un bocado, No hay demasiada ketchup o mostaza ni nada ayuda bien balanceada y fácilmente digerible. Nos vamos a estar moviendo con esta canción aquí como nuestro ejemplo, a través de todas las etapas de mezcla que podrás aplicar a tus propias canciones solo un paso a la vez. Y en última instancia al final de este nivel, vamos a dominar o maximizar nuestro volumen de canciones y sonoridad y claridad. Por lo que estará listo para el stream de Spotify o nuestra bolsa de discos para nuestros DJ Sets o lo que sea que vamos a hacer por ello, haz con ello. Por lo que una vez más, James Patreon y feliz sean llevados chicos en este viaje. Vamos a saltar en esta pista. Esta pista es principalmente solo grabaciones de synth analógico raw y algunas pistas midi para algunas maquinas de batería, tal vez un instrumento acústico o dos, solo para darle sabor al trato, Vamos a escucharlo y a ver a qué vamos para estar mezclando durante el próximo par de videos. Entonces como se puede aquí, tengo tambores. Tengo percusión. Tengo base, algo de sintetizador, pandereta, otra cosa de capa aquí. Entonces esa es una especie de la primera sección. A medida que avanzamos más en la pista, obtenemos algunos pads y algunos acordes. Repasa el cambio clave ahí para el desglose. Por sintetizador pad. Otro elemento hay algunas claves de caminos también sizer, y algunos efectos de sonido a esos chicos. Crujiente no es suyo. También tenemos un bonito kit de tambor acústico que muestreé. Esto para el tambor llenar en su elección. Entonces eso son prácticamente todos los elementos. Entonces una de las primeras cosas que vamos a abordar es que vamos a organizar el mezclador, toda esta serie de videos por delante antes de empezar con la mezcla real va a ser sobre prepararnos para mezclar. Entonces en prepararnos para la mezcla real, lo primero que vamos a querer hacer es organizar el mezclador. Ahora este mezclador o este arreglo está bastante bien organizado. Gracias. Pero generalmente siempre hay un poco de refinación que podemos hacer para asegurarnos de que podamos ver todo y tenemos un buen visual para donde están todas las partes como para no tamizar alrededor y cavar a través de nuestro mezclador tratando de encontrar el correcto sonidos. Lo primero que voy a hacer es que voy a optimizar el tamaño de todos estos canales. Se puede ver que tengo cinco pistas de retorno. Pareja de estos son grandes. Voy a Shift click sobre ellos y hacerlos diminutos para que estén fuera del camino. Incluso voy a tomar este lanzador de escenas, que ya no necesito y sacarlo del camino. Entonces como pueden ver, tengo este tipo de mezclador aquí. No, no una tonelada de pistas aquí, sino 16 o 17. Voy a dar clic en uno y golpear Comando a o Control en un PC para seleccionar todas las pistas, conseguir los corchetes y apretar un poco el mezclador. Ahora obtengo un buen tipo de vista compacta, que es agradable. Y además de eso ahora ya que voy a estar ajustando los niveles de todo realmente de cerca, tiene sentido agarrar los canales del mezclador y hacer un lío y alto. Ahora consigo un bonito y grande mezclador viejo de todos mis sonidos. Puedo verlos a todos a la vez. Y esto usualmente me lleva al siguiente paso que es realmente, realmente efectivo, que es entrar en el canal maestro y seguir adelante y agarrar un dispositivo de espectro. El espectro es un efecto de audio que podemos encontrar en nuestra carpeta Efectos de Audio, o simplemente podemos escribir una flecha hacia abajo Enter. Y ahora podemos ver no sólo el mezclador, por lo que podemos ver en el canal maestro los contenidos espectrales generales. Esta herramienta es muy útil para todo tipo de aplicaciones de audio, diseño de sonido y acústica y todo. Pero aquí podremos ver realmente qué tan bien se equilibran nuestras mezclas generales en lo que respecta a gama baja y media y texturas y ambientes y el rango de frecuencia superior allí. Entonces una vez que hemos hecho todo eso, normalmente me gusta pasar por el mezclador aquí y asegurarme que todo esté bien llamado y organizado. Si has estado estudiando conmigo en el pasado o posiblemente el Dr. Jay, tendrás un flujo de trabajo ya para mantener tu mezclador bien organizado. Pero en general eso empieza así. Empezando por la izquierda, deberíamos tener tambores, percusión, y base. Básicamente toda la sección de ritmo debe estar en el extremo izquierdo, empezando por el kit de batería. Y entonces deberíamos tener notas, cosas como melodías y armonías y acordes. Esos deberían estar todos en medio. Y entonces deberíamos tener efectos de sonido, voces, y cualquier tipo de instrumentación en vivo que estamos agregando que es como un tipo de cosa de plomo. Eso podría ser potencialmente en la extrema derecha. Por lo general, son los efectos de sonido, los sonidos que no se repiten y los que se tiran. Y entonces por supuesto tenemos nuestras pistas de retorno por aquí las cuales podrían terminar estando en el mezclador eventualmente de todos modos. Ya puedes ver si miras por aquí, tengo línea de base para, Vamos a pasar eso al área de línea base. Yo soy como aquí hay melodías, melodías, acordes, pads, monos funky, más bien como un tipo de cosas melódicas también. Pasemos esto por las cosas melódicas. Grindy, este es un efecto de sonido. El símbolo es un tipo no repetido de un solo disparo se estrelló. ¿ Qué pasa de vez en cuando? Y afecta a todos conseguir esta pista midi vacía y vamos a deshacernos de eso. Atrás. Mira esta pista de audio. Bastante seguro que esto tampoco se está usando para nada. ¿Qué es doble cheque? No hay nada en esa pista. Nosotros también podemos deshacernos de eso. Y a medida que empezamos a hacer estos cambios, sería un buen momento ahora para hacer un Comando de Shift S, va a ser como un Save As. Y yo diría, vale, esto se llama música democrática inteligente. Es donde el giro de giro loco y los acontecimientos políticos en nuestro mundo ahora mismo. Entonces esa es una especie de inspiración para esto. Yo sólo voy a poner el final de esta mezclada hacia abajo. Entonces sé como si quiero cosechar alguna de esas partes que estoy borrando o moviendo. Los puedo encontrar en la versión anterior, pero al poner mixtos al final, lo tengo en mi proyecto o en mi vida setName que va a ayudar a mantener las cosas bien organizadas. Enfriar. Entonces una vez tengo tambores, percusión, bajo, melodía, armonía, efectos de sonido y sonidos no repetitivos por aquí a la derecha junto con voces, si hubiera alguna. Y luego por supuesto mi regreso sigue bien organizado, entonces voy a mirar posiblemente agrupar cosas. Ahora, por ejemplo, maracas y pandereta, esas dos son solo percusión de mano. Normalmente me gusta filtrar un EQ los juntos. Entonces voy a Shift click en esos dos y golpear Comando G. Y voy a decir percusión. Voy a doblar eso. Aquí están mis dos pistas de línea base. Por el aspecto de las cosas en realidad vamos a volver a comprobar la línea de base a Voy a golpear a Tab. Y por lo que parece, nunca usé ese en esta sesión. Entonces esta es otra ventaja de pegarle a Save porque sé que podré encontrarlo más adelante si lo necesito, voy a borrar esa. Midi a boutique. Esta fue la pista midi que estaba usando para controlar el sintetizador analógico que tengo sentado a mi lado. realidad no se puede ver en la cámara que en realidad ya tampoco necesito. A ver si quiero guardar algo de eso. A lo mejor algunas de esas notas midi a las que me aguardo. Entonces veamos qué tal las cosas melódicas. Agarramos estos tres instrumentos melódicos que funky 12, y vamos a golpear Grupo en eso. A lo mejor llame a esta melodía. Ahora estamos consolidando este mezclador va a ayudar a una tonelada manteniendo las cosas apretadas. ¿ Qué tal acordes y pad? Claro, esos dos están en la categoría de armonía, comando G. No tienes que hacer esto, pero sí hace las cosas un poco más amables, sobre todo si sucede que tienes una sesión con un 1000 canales en ella o incluso algo más que, ya sabes, 20 o 30, se pone un poco difícil de manejar. Entonces si nada más por el bien de agrupar y simplemente mantener las cosas fáciles de mirar y ver todo a la vez. Es agradable agrupar cosas. Pero también encuentro más allá de solo organización, es realmente agradable y efectivo poder poner como un compresor de cadena lateral o un EQ, que hablaremos en próximos videos en todo el bus. Eso puede ir en camino con mantener las cosas atadas y ahorrarte un montón de pensar alrededor. Por lo que son símbolos y efectos graciosos. Estos son todos unos disparos o efectos de sonido. Simplemente voy a renombrar esto y llamar a esto efectos. Entonces ahora miren mi mezclador, aún más agradable para mirar. Sobre todo ahora, quizá pueda agarrar todas estas una última vez con y las pueda plegar y eso los va a hacer todo tipo de la misma anchura. Ahora mira ese lindo negocio. Puedo ver todo de una vez. Y ahí está mi look de mezclador, es aún más fácil acercarse ahora. Entonces tengo mis pistas todas agrupadas y bien organizadas. he reventado siempre que sea posible. He ajustado la altura de mi mezclador. Yo he puesto y hasta he puesto un espectro en el del hombre. Entonces otro consejo pro que creo que es verdadero gusto es que puedes golpear Opción Comando 0 y ese será Alt Control 0 en una PC si quieres. Y puedes tirar de esto hacia abajo ahora en realidad puedes ver todo tu mezclador. Y tengo que tener cuidado de no tener suficiente espacio para mis faders reales con el espectro. Entonces tal vez los haga un poco más pequeños. Va a haber una buena oportunidad para, porque ahora puedo ver toda la canción con la visión general del arreglo, pero esto puede ser una buena oportunidad para hacer un poco de bienes raíces, por así decirlo. A lo mejor voy a sacar esto ahora. Puedo ver la canción. Podemos ver el mezclador, puedo ver el espectro. Todo está bien equilibrado y listo para salir. Me siento bastante bien con esto. Esto es una especie de preparación para la mezcla y tan poco como administrativo y no muy creativo como esto parece, más organizado puedas estar cuando es momento de hacer una mezcla hacia abajo, más rápido podrás trabajar. Y eso es realmente importante porque cada vez que escuchas esa canción dando vueltas una y otra vez y no sabes qué hacer con ella. Te va a gustar cada vez menos como le digo esto a mis alumnos todo el tiempo que la mejor canción del mundo en repetir por tres o cuatro días, Va a empezar a conducir tus notas. Y así que no dejes que seas tú con tus propias creaciones originales porque una vez que pierdes la inspiración, prácticamente se acabó. Por lo que hacer todo esto sin escucharlo, sobre todo escuchar una muy ruidosa y solo conseguir las cosas bien organizadas va a ayudar una tonelada contigo agilizar el siguiente abajo y ponerte a hacer más música. Y ese es realmente el objetivo. Por lo que este ha sido el Video 1 para preparar la mezcla y feliz de estar aquí. Muy bien, En el siguiente video. 29. Crear tallos: Hey todos, Estamos de vuelta con más consejos de mezcla sobre dónde nos quedamos por última vez. Acabamos de organizar nuestro mezclador y preparamos esta sesión para el mixdown. Lo siguiente que vamos a querer hacer es echarle un vistazo a la vista de arreglos. Y vamos a mirar todas nuestras huellas. Voy a ocultar la ventana inferior y tal vez mantener Option y ampliar todas estas pistas. Ahora puedo ver todo su contenido. Y me voy a preguntar, ¿hay algo aquí dentro que pueda imprimir al audio? Porque una cosa que es súper cierta es cuando estás trabajando, especialmente con instrumentos melódicos o instrumentos armónicos o bien cualquier pista de audio que tenga toneladas de efectos en ellos con como modulación aleatoria y cosas así. No es tan efectivo mezclar porque solo cada vez que lo escuchas, es un poco diferente y es más efectivo como productor estar trabajando con audio. Esto es parte de la razón por la que en la mayoría de estas pistas verás aquí ya son archivos de audio. Puedo mantener Option Shift o Shift Alt en el PC y usar dos dedos para expandir o contraer mis diferentes canales para ver qué hay ahí dentro. Y ver que estas son generalmente todas las pistas de audio. Y puedo hacer doble clic en las pistas de aquí para ver que no hay efectos en ninguna de las cosas. Entonces todo esto es bastante bueno para ir. Si miro aquí arriba, tengo una pista de bajo. Y en particular en live 11, una de las características más emocionantes en live 11 es la probabilidad de nota , lo cual es realmente divertido, pero también es un poco desordenado porque terminas simplemente teniendo suerte con secuencias geniales. Y esa no es una buena manera de gustarle realmente producir una melodía su necesidad de atascar, y es genial para llegar a ideas. Pero quiero mostrarles un par de formas rápidas de que podemos imprimir nuestro audio o imprimir nuestros medios y nuestras modulaciones aleatorias y operaciones casuales como esa al audio y nos permiten trabajar un poco más eficazmente con las partes como tipo de tiró una lente productora. Entonces esta es nuestra pista de bajo. Escuchemos esto realmente rápido. Por lo que al golpear la letra S, puedo solo. Podemos mirar este clip. A ver cómo no está tocando todas las notas. Vamos a curar. Pero va a ser problemático. Entonces les voy a mostrar un par de maneras diferentes voltear nuestras pistas al audio para que podamos ver qué está pasando. Mi favorita cuando queremos todo el canal es simplemente hacer clic derecho en la pista y congelarla. Y eso va a seguir adelante y hacer un poco de render offline. Se va a grabar esencialmente todo el canal a una nueva grabación de audio. Y vas a tener un par de maneras diferentes. Se puede extraer esa grabación y ponerla en una nueva pista de audio. Y seguirá siendo capaz de preservar la pista midi con toda la información en ella. Si queremos cambiarlo más tarde, cambiar la clave de la canción, o hacer algo drástico. Pero en su mayor parte, es hora de comprometernos porque nos estamos preparando para mezclar. Entonces como esto se está congelando, es, es un poco como la grabación de avance rápido a través de toda la pista. Y luego solo vamos a crear una nueva pista de audio y arrastrar esos clips congelados hacia abajo. Y luego tendremos una versión en audio de la pista midi. Se va a una especie de manera elegante para avanzar rápidamente a través del proceso de renderizado. Esto sería lo mismo que grabar toda la pista de pista, perdóname, y en tiempo real hacer una nueva pista de audio. Es sólo un poco más rápido. Por lo que ahora se puede ver que la pista está congelada. están suspendiendo todos los procesos. En realidad no están sucediendo a pesar de que suena y parece que lo están. Y ahora puedo golpear Command T o Control T en un PC. Puedo agarrar todos estos clips. Y puedo mantener opción y simplemente arrastrar esos hacia abajo. Entonces ahora puedo ver todos esos, ver, todas esas modulaciones ver dónde está sucediendo cada parte individual. Eso es bastante esbelto. De todos modos. Entonces ahora tengo mi bonito bass de synth dispuestas en la pista y eso funciona. Y me dará la oportunidad de realmente sólo escuchar el audio y ver si terminé teniendo suerte con las modulaciones aleatorias correctas. Ahora el último método que te mostraré aquí por voltear cosas al audio Voy a hacer a las pistas de retorno. Me gusta mucho, ya sabes, tengo estas como cinco o seis pistas de retorno y muchas de ellas tienen como look, este es un tipo aleatorio de modulación LFO sinewave en el filtro o cualquier otro tipo de efecto aleatorio que vaya a afectar el tono o la madera a lo largo de la duración de la pista. Entonces una cosa realmente genial que puedes hacer aquí es que puedes seleccionar las pistas que quieres convertir en tallos. Esto es como básicamente tu flujo de trabajo de creación de tallo. Voy a tomar los tres retornos y convertirlos en tallos. Da click en el corsé de bucle y pulsa Shift Command R. Y ahora para pistas renderizadas, puedes elegir solo pistas seleccionadas o si solo querías una, solo puedes elegir una de las individuales. Esto es bastante apretado. Entonces voy a hacer tallos de a, B, y C. Esos son mis tres pistas como retorno que tienen modulación aleatoria en ellos. Por lo tanto, eligiendo solo pistas seleccionadas y asegurándose de que el bucle se incline sobre toda la canción. Voy a seguir adelante y sólo asegurarme de que sea un reservorio alto de la misma. En realidad no necesitas un dither ahí. No pongamos eso ahí, y entonces podemos equilibrar esto. Entonces ahora estamos en este proyecto IDM y puedo hacer una nueva carpeta aquí llamada stems. Esto es bueno, bastante buen flujo de trabajo. Y entonces iba a decir IDM, sólo por el nombre de la madre y aún así pondrá el nombre de la pista justo en el canal. Por lo que ahora de nuevo, esto no es diferente de congelarlo y luego arrastrarlo a una nueva pista. Pero en este caso, realidad somos capaces de capturar todo el audio a los 17, incluso hacer múltiples pistas al mismo tiempo. Entonces esto va a ser creando lo que se llama una marca de tiempo de inicio 0, que puede ser realmente brillante. Por eso hablamos de silenciar las pistas originales una vez que las has grabado a audio, tal vez incluso cambiar su color a negro y llamarlas originales. Tal vez incluso estos son todos flujos de trabajo geniales para guardar tus piezas originales sin tener que preocuparte por escucharlas más. Puede ser realmente agradable y efectivo. También me gusta mucho hacer este flujo de trabajo a la batería. Especialmente si tengo como un kit de tambor re-muestreado picado. Porque entonces soy capaz de acercar y tal vez hacer un par de hits inversos o hacer algunos retoques a los sonidos individuales. De verdad, realmente genial cuando de vez en cuando te pones como una reverberación inversa antes una caja o incluso un lazo inverso, quieres revertir patada. Esos son pequeños movimientos que pueden ser impresionantes en una producción de una canción. Que la única manera de evocar realmente esos es abandonando la pista midi y entrando en el audio. Entonces mientras tanto, vamos a nuestro autobús de Effects y abramos esto. Y voy a crear tres pistas de audio golpeando a Command T. Ahora tengo un destino para dejar caer esos nuevos sonidos y alguien va a ir a mi Finder aquí, por este lado aquí, va a salir de pantalla completa para que ustedes chicos puede ver eso. Y voy a mis proyectos, y voy a IBM, y voy a los tallos. Y ahora tengo estos tres tallo. Sólo voy a agarrarlos y dirigirme a la pista. Y si voy a soltarme, los va a poner a todos en orden. Pero si tengo el mando, los va a dejar caer en sus propios canales, que es Shirts, TEA, y mirar bien nombra las pistas, eso es genial. Tan solo para mantenerlos en orden voy a mover la a arriba y la C hacia abajo. Despliega esos hacia arriba e incluso puedo ver los efectos que hay en las pistas. Esas pueden ser cosas realmente geniales que puedo usar más adelante en mi composición. A lo mejor decido por un segundo rápido, quiero que todo muera. Ahora solo puedo conseguir el botón de borrar. En lugar de preocuparse por hacer un montón de automatización y esas cosas, Va a ser mucho más ordenado y mucho más limpio. Esto también me permite poner fundidos adecuados en el final de la pista. Tal vez incluso utilizar este audio de forma creativa en una situación diferente. Al igual que por caso, escuchemos esto. Si le pego a Solo, como si eso fuera un acorde bastante cool. Al igual que, ya sabes, tal vez tendría sentido para mí sostener Option y simplemente mover esto por aquí, lo tienes en el inicio de la canción. Incluso puedo golpear R y revertirlo. Puedo empezar a hacer todo tipo de cosas creativas geniales con la pista que no había podido hacer antes. Entonces esto en realidad es para ser honesto contigo, un poco más de un consejo de producción. Pero creo que cuando estás haciendo un mix abajo, puede ser lindo tener acceso a esas nota extra de ninja, se va a ir a mirar ahora, tengo esa anotación inversa. A lo mejor incluso lo usaré una vez al principio. A lo mejor hasta lo empuje. Algo así se desvaneció. Ahora escuchemos eso ahora en mezcla. Hola. Por lo que estas pequeñas ideas geniales que puedes hacer para que tu canción sea más interesante y también más efectiva en la mezcla. Entonces ahora todo lo que necesito hacer es silenciar estos a, B, y C. Y si quisiera ahorrarme algo de energía de la CPU, incluso podría ir tan lejos como apagar los efectos en sí mismos por completo. Entonces al hacer esto, esto me va a ahorrar un poco de recursos de hardware para aplicar todos mis efectos más adelante. Entonces voy a sostener Opción y doblar eso hacia arriba, doblar el bus de efectos. Y ahora he impreso el dulce. Entonces sí, estos son todos geniales, geniales pequeños consejos que puedes hacer cuando estás haciendo un mixto sobre esto ha sido el segundo video en la preparación para mezclar series. Y con ganas de los próximos videos. 30. EQ: Oigan, de vuelta a ustedes chicos. Hemos organizado nuestro mezclador, hemos rebotado algunas de nuestras pistas dinámicas hacia abajo a Audio para que podamos ver todo apretado. Nos hemos llevado un último par de escucha para asegurarnos todo se sienta bien dondequiera que las cosas estén en su lugar. Y ahora es el momento de pasar a las partes más emocionantes de la mezcla, que todavía está en el tipo de preparación para mezclar categoría. Pero vamos a estar viendo el procesamiento de efectos. Generalmente. Probablemente hemos aprendido esto en sesiones anteriores en Slam Academy, pero hay un poco de teoría en torno al procesamiento de Effects y el orden general en el que pones las cosas. Todas esas reglas están destinadas a romperse. Pero definitivamente cuando se trata de mezclar, es agradable tener un flujo de trabajo sólido agradable alrededor del procesamiento de Effects. Y suele empezar con EQ. Para este video, vamos a hablar técnicas de ecualización y algunas grandes prácticas estándar para, en particular, dar forma a tu espectro de frecuencias para cada sonido. Entonces no sólo son tan claras y ruidosas como pueden ser al sonar sabrosas, sino que están encajando juntos algo así como piezas de rompecabezas. Entonces esto me trae de vuelta al mezclador por aquí. Quiero golpear tab y mirar la vista de sesión e incluso mirar mi, mi vista espectral aquí también. Esto también es realmente agradable. Entonces ahora lo que voy a hacer es subirme a mi arreglo. A lo mejor nos traeremos en la gota aquí, esta última gota. Y haré un poco de escalado de la pantalla para que podamos ver el mezclador y empezaré a aplicar efectos a mis pistas, en particular EQ para este video. Aquí vamos. Voy a seguir adelante y bucle esta sección porque me siento como en el trabajo en los tambores un poco, así que destaco ese hit Command L. Echemos un vistazo a este estante de tambor. Por lo que ahora solo puedo seguir adelante y agarrar un EQ golpeando al Comando F y estrechando hacia abajo. Y notarás que mi EQ predeterminado ya tiene el primer nodo es el único que resultó alrededor de 33 hertz. Vamos a poco bajo, o menos la nota más baja que alguien va a golpear. A veces para los tambores, lo abriré un poquito, pero se puede ver dónde está el espectro. Entonces tengo casi todo lo que necesito preocuparme ahí. He cortado algunos de gama baja innecesaria que va a ser altamente efectivo. Y entonces podría incluso añadir un nodo aquí que es un nodo campana. Y sólo impulsó un poco y surfear alrededor. A ver si hay algo que no sea deseado o no sabroso. Creo que estos tambor suenan bastante bien en general. Así que voy a dejar eso un poco. Observe esta primera práctica que hice fue cortar la base y luego, y luego agarro una campana estrecha y me impulsé y surfear alrededor y escucho algo. No me gusta que los estudiantes con los tambores vayan a mis dramas, gravedad QA, lo lancen ahí, roden ese salmo normalmente alrededor de 30 hercios. Y puedo mirar y ver si algo es demasiado alto o demasiado tranquilo. Y hasta puedo ver en el espectro que el hi-hat cerrado es bastante jodidamente ruidoso mirando cómo esa cosa está ahí fuera y agradable y brillante. Yo podría por supuesto. A lo mejor te aplicas como un estante alto V Q ahora, y yo puedo poner así arriba y encadenar eso un poquito. También puedo, por supuesto entrar en el sub mezclador aquí. Y le damos a esto solo un poquito de disminución en el volumen ahí también. Vamos a poder equilibrar esas cosas de todos modos, pero estamos ahorrando un paso más tarde. Dado ese poco término, Niza. Prueba otro pequeño impulso. Surfeando alrededor. Creo que nueve K, diez K está un poco caliente para mi gusto. Entonces voy a empujar eso hacia abajo sólo un toque y hacer eso agradable. Y es un poco buscando el lugar yucky. Y si quiero escuchar lo que realmente lo estoy cortando, puedo golpear este solo, aislar. Escucha ese tipo de anillo metálico que es un poco mucho para mí. Entonces eso es así que deja que el modo de aislamiento de banda es realmente agradable para equilibrar las cosas. Pasemos a nuestra base. Ah, el audio base parece que no hay base en esta sección, así que vamos a echar un vistazo. Sí. Oh, ya sabes a lo que mal llamé esto. Esto es solo una carga base que arriba. Y luego este tipo es que hay audios como lo que está pasando con eso. Este es el que realmente queremos revisar nuestros niveles aquí. Y sigamos adelante y comprobemos eso. Tenemos el ecualizador, sigue esos mismos pasos, corta la base, cualquier cosa por debajo de lo que no lo necesitas. Se puede ver que ahora hay un realmente bajo. Ahora, Grande en contra. Tengo un sub armónico ahí dentro que podría ser un poco agradable. Generalmente, cuantos más decibelios puedas cortar aquí en el extremo bajo, más fuerte va a poder estar aquí toda la pista. Entonces puedo ver dónde están las notas generalmente en especie de la octava, que es bastante alta para una base. Entonces es mayormente una especie de base pokey lo que está pasando, no hay mucho sub bass en ella, así que creo que dejaré algo de eso pero atenuaré una gran cantidad de ella. Podemos hacer eso surfeando por ahí. Haré mi Q agradable y angosta y boost y surfista. Ahora si encuentro algo que me guste, puedo subirlo un poco. Pero en su mayor parte, esta etapa se trata de hacer cortes. Y como todo esto es todo más sabroso mis oídos. Entonces cuando tengas dudas, no pierdas nada, solo haz los cortes, empezando por cortar la base. Probemos o cosas melódicas. Se puede ver por qué tiene sentido tener ese EQ preestablecido para tener el primer nodo y el modo de paso alto, se puede configurar eso simplemente poniendo esto en paso alto, ponerlo alrededor de 30 hertz, y hacer clic derecho y guardar como preestablecido por defecto. Pero ahora mira, tengo información de frecuencia aquí abajo. Eso no me está haciendo ningún bien bastante de ello. Entonces solo busco la nota más baja para deshacerme junto a eso. Y eso me está ahorrando espacio para la cabeza. Y toda la canción se está volviendo más fuerte cada vez que soy capaz de hacer eso es un lindo y estrecho picos, probablemente no mucho ajuste que necesito hacer. Y el EQ sin embargo apenas cortó mayormente en el extremo bajo. Echemos un vistazo a nuestro jefe de armonía y hagamos lo mismo. Escuchando la nota más baja. Todo parece muy bien inclinado hacia abajo. Un buen pro tip es generalmente las frecuencias bajas deberían ser la parte más ruidosa y debería inclinarse suavemente hacia abajo en este momento, si todo fuera exactamente así, música sería muy rancio y sonando aburrido, necesitas pequeños golpes. Esa es la parte emocionante. Pero si escuchaste algo que se deletrea un poco indeseable, podrías buscar dónde están esos picos altos y surfear alrededor y esas podrían ser las frecuencias que no quieres. Al igual que este tipo, tal vez tenga algo de eso. Este es nuestro bus de efectos re-sampleados. Escuchemos eso. Ve este tipo se ve un poco ruidoso. Te dan unas cosas metálicas allá arriba. Vamos a surfear alrededor y escuchar potenciado. Incluso puedes ponerte ese aislado en solitario enseguida y surfear alrededor, escuchar ese metal. Entonces puedo tomar no, eso es 3.6 K. Otro ahí en 2k. Y alcance a ese 2k. Definitivamente uno ahí también en toda esta zona. Sólo voy a darle un poco de suavizado a eso. Y podría hacer eso 3.6 K también. Están enfermos y se sueltan. Y ahora puedes describirlo de nuevo y sí lo atenúa. Puedes hacerlo realmente estrecho. Y si decides que es una frecuencia que quieres matar por completo. Puedes ir a este modo de muesca. Es como un matón de banda. Eso sólo va a hackearlo totalmente fuera de ahí. Por lo general, evite usar esos. Posible. Depende de lo serio que sea sobre hacer costos. En este caso, hay un montón de frecuencias ahí arriba que un poco quiero alcanzar. Entonces creo que hasta podría poner uno solo un poco más alto que eso. Ahora son cuanto más, cuanto más hagamos estos sutiles cortes, más vamos a poder subir el sonido. largo plazo. Entonces una regla general aquí también, es que cuanto más se corta profundo, cuanto a amplitud que más estrecha se quiere que sea la banda. Si vas a tener un corte más ancho, solo haz cantidades suaves para suavizarlo un poco. Esto es, a esta técnica se le llama escurrirla. Entonces cortamos la base y la escurrimos. Eso lo hicimos. Y note cuánto tiempo ahorró eso si hubiéramos hecho eso a todas nuestras pistas individuales, a veces eso es necesario, pero en este caso sólo lo estamos haciendo a los buses mixtos. Si aún necesitas obtener resultados más ajustados, puedes abrir el grupo e ir a las pistas individuales y sonar más canales de puntos SWOT individuales. Entonces ahora que los tengo todo tipo de deshonestos, nivel de superficie un corte para la base y tipo de peldaño un poco para hacerlos sonar bien por su cuenta. Esta es una que tiene mucho sentido revisar tu espectro ahora y volver a pasar por las cosas en solitario, vamos a asegurarnos de que somos retina permitida parte de la pista. Vayamos por aquí. En realidad esta sección son más sensatos lo que soy, puedo mirar mi pendiente. Hasta puedo golpear stop y mirar la sombra de la canción. Esta es una oportunidad realmente genial para hacer esto y hacer esto agradable y grande. Y esto, Es una buena oportunidad para recordar el tipo de la pendiente de ruido rosa. Es sólo un poco de teoría de la mezcla que básicamente se quiere tener un tipo general de incluso inclinado hacia abajo sin ninguna rampa grande son picos en su camino hacia abajo. Incluso esta cosa de aquí, eso va a ser un poco de es una señal de que tal vez las cosas son un poquito demasiado brillantes. No quieres vivir y morir por esta regla porque de nuevo, aquí es donde vive el personaje en el sonido. Se quiere tener cuidado con ser demasiado pesado. Pero si eso es como una gran rampa de lanzamiento de esquí viene a la ciudad, eso suele ser una señal de que tal vez cualquier sonido que sea podría atenuarse un poco. Ahora tenemos un par de opciones para suavizar ese sombrero alto. Creo que solo voy a subir por encima de los 10 K. Esta es una buena oportunidad para que recordemos nuestros rangos de frecuencias y lo que realmente significan. Obviamente, esto es r sub bass y son un poco bajos medios son el tipo de las cosas basadas en rango medio. Y entonces todas nuestras melodías y armonías viven en medio. Y la mayoría de nuestras texturas y ambiencias están arriba ahora, muy arriba de los 10 K. Es bastante sutil en cuanto a lo que realmente estamos haciendo. Por lo que a veces realmente se puede hackear esos hacia abajo y realmente no duele la señal general a nuestra forma ahí. Ahora lo hemos controlado un poco más y lo hacemos grande cuando miramos nuestra sombra ahora, Esto es Ben EQ flujos de trabajo. Hicimos dos o tres flujos de trabajo diferentes con EQs. En primer lugar, cortar la base en todo, y después mirar a las cosas sonando. Y entonces la última etapa es mirar el espectro en el maestro y tratar de especie de establecer un bonito, incluso equilibrado a lo largo de todos los sonidos con sólo usar nuestros oídos, pero también tener un poco de ayuda visual del pendiente y soloing pistas individuales en el mezclador. Entonces realmente podemos ver y escuchar qué voces están poblando qué parte del espectro en el maestro. Entonces esto es todo entonces E haciendo cola y preparándose para hacer el mixdown. Gracias por acompañarme en este viaje. 31. Dinámica: Todo el mundo de vuelta aquí estamos mezclando esta pista de breakbeat de EDM y estamos pasando al procesamiento de dinámicas. Entonces revisemos nuestro rojo en la melodía y luego veremos a dónde nos lleva. Mucha dinámica aquí. Hola. Ahí son más cortos. Entonces por el aspecto de las cosas, vamos a hacerlo, vamos a tener muchas oportunidades para comprimir algunas cosas. Voy a hacer que mis faders de volumen sean poco más altos aquí. Lo primero que quiero señalar es de nuevo, una vez que puedas ver todo el mezclador, puedes usar tus oídos para decidir qué sonidos podrían usar alguna compresión si tienes alguna experiencia. De lo contrario, una manera realmente genial de aprender sobre esto es sólo mirar los medidores de volumen. Cuando miras los medidores de volumen en Ableton, verás un alto o conjunto de picos que son color verde más suave en el fondo y esos son los picos reales. Y entonces el revuelo más bajo más brillante están apareciendo. Ahí está el RMS también que conocían como un poco el promedio de volumen. Y así la distancia entre los picos y el promedio es un buen indicador visual de cuánta dinámica hay en el sonido y la dinámica. En otras palabras, movimiento en el volumen. Y lo que realmente va a hacer la compresión, como probablemente aprendiste en lecciones anteriores, empuja hacia abajo los picos. En otras palabras, disminuye la distancia general en volumen de la parte más tranquila a la más ruidosa de la. Por lo tanto, dándote la capacidad de darle la vuelta a todo el asunto. En mezcla aunque y procesamiento dinámico, hacemos un par de técnicas de compresor diferentes, incluyendo encadenamiento lateral, que es la expansión, en otras palabras, el aumento del rango dinámico. Entonces, empecemos por mirar aquí nuestro puente de medidores y solo escuchemos ese groove donde la última vez que lo dejamos. Y creo que ampliaré mi pequeña visión general de arreglo y nos saltaré de nuevo, justo con esas maracas arranque. Y veremos equilibrar nuestros medidores. Se puede ver en el maestro a cuánta distancia hay desde los picos hasta el promedio. Por lo que puedo decir buscando seguro y bases por lo general un lugar realmente bueno para empezar, sobre todo con música electrónica, es por lo general querer un buen bajo que suena comprimido, como un bonito extremo bajo completo. Y podemos ver cada una de estas pequeñas marcas horizontales es como seis dB, así que eso es una especie de trozo de volumen. Esos picos son bastante altos. adelante y hagamos doble clic en la pista de bajo y miremos dónde nos quedamos por última vez. Hicimos EQ y en anterior, pasamos por todo el mezclador en el video anterior. Ahora es el momento de agarrar solo al regular capaz de compresor. Hay un par de compresores diferentes en live board va a usar el compresor regular porque es el transparente. No introduce ninguna distorsión ni ruido. Lo primero que vamos a hacer es bajar los umbrales empujados hacia abajo esos picos, igual que aprendiste en niveles anteriores. Y luego vamos a agregar ratio para decidir cuánta compresión va a estar sucediendo. Observe que sólo estamos un poco tirando del umbral hacia abajo a la derecha para un poco donde el, la parte superior de los promedios no mucho más baja que eso porque queremos asegurarnos de que compresor pueda dejar ir entre las caderas y luego la relación. Una buena regla de pulgar con base es en algún lugar entre como tres a 18 a uno. Instrumentos musicales en general, esa suele ser una bonita base de arreglo. Ya sabes, puedes ir un poco más duro como cinco o seis o incluso ocho a uno. Eso es como una compresión más pesada. Teniendo en cuenta, sólo estamos comprimiendo los picos. El sobre va a asegurarse de que pueda dejar ir a tiempo con el lanzamiento antes de que llegue la siguiente nota. Y también atacar. Los ataques más rápidos van a comprimir todo el sonido, mientras que los ataques más lentos van a dejar pasar el transitorio inicial. En este caso, yo más o menos uno comprimiría todo el asunto. Y puedes mirar esta pequeña ventana para ver cuánta compresión está siendo evocada por la línea naranja. Y luego asegurándose de que el compresor pueda entrar entre los hits, esos picos. Y se ve impresionante. Entonces eso es algo realmente bueno para el siguiente método lo voy a demostrar. Y si esto es compresión de pico, lo siguiente que vamos a demostrar es la compresión RMS. Muchos productores sabios han dicho, en lugar de sobrecomprimir un sonido con un compresor, solo finízalo un poco y agarra un segundo compresor para lanzarlo ahí, sobre todo con otra vez, música electrónica. Si no estás tratando de preservar los armónicos naturales o la belleza de como una guitarra acústica o un puerto una vocal femenina o cualquier tipo de vocal. Pero en cambio estás haciendo música que suena como si fuera, ya sabes, desde el espacio, muchas veces se supone que la música electrónica suene alienante. Esto. O tal vez solo alienígena es la palabra correcta que busco, pero más grande que la vida, no un instrumento acústico. Vas a muchas veces tendrá múltiples compresores seguidos. Y más comúnmente los compresores de picos primero. Y entonces el segundo compresor va a comprimir el RMS o el promedio. Para que veas que cambié este compresor y el modo RMS. Y ahora cuando baje el umbral, no voy a estar viendo esos suaves picos verdes. Voy a estar mirando el promedio verde brillante. Saquemos realmente el volumen. Y ya sabes, nos reunimos y te estás asegurando de que pueda dejar pasar entre los hits. Tiene que tener un tiempo difícil tirar al umbral solo para tocar. Sé por el grupo a través del bucle. Y por lo general el compresor RMS mientras se está comprimiendo solo en base al promedio, vas a tener un poco más bajo de una relación entonces normalmente los picos. Usa tus orejas para probar ahí. Y de nuevo, el sobre asegurándose de que pueda. Terreno con una buena cantidad de tiempo. Escuche atentamente cualquier tipo de distorsión o clics que pueda suceder. Eso puede suceder si alguno de los sobres o demasiado rápido. Y si tienes los sobres para frenar de nuevo ahí, Es un poco aguanta demasiado tiempo y deja de sonar natural y punzón. Demasiado lento de un ataque preservará el ponche, pero terminará siendo demasiado pokey y no bajo control y apagado. Entonces estoy como y cómo se va a sentir esta configuración de RMS después del pico. Este es un EQ base realmente común. De hecho, es así es esto. Al tener un roll-off en el sub bass, sobre todo si es un bass sintetizador o una base de micrófono, supongo que van a terminar teniendo mucho bajo. Y así recortando eso y luego empujando hacia abajo los picos y luego apretando el RMS. Tenemos una dinámica controlada agradable. Todavía bastante jodidamente dinámico. Pero sigamos adelante y solo tal vez sigamos con eso por ahora porque se supone que este estilo de este track es un poco más funky y un poco más peculiar. Entonces para el tercer estilo de compresión mencionado efectivamente, vamos a ponerlo justo en esta pista. Esta va a ser esa expansión de la que estaba hablando. Es decir, agregar dinámicas al sonido basadas en el volumen de un mezclador de sonido diferente, en particular el kick drum. Entonces si yo solo que podamos escuchar estos juntos y puedo encender de lado encadenando y puedo tomar audio del kit de batería. Segundo desplegable, solo voy a elegir, sólo vamos a tener que sea todo el kit de batería para empezar. Entonces ahora esto se está comprimiendo en base a broches y el gramo de trampa y la patada. Eso es todo bastante sabroso. Pero si quisiera controlar lo que realmente estaba activando la cadena lateral, podría elegir el sonido individual aquí o podría filtrarlo. Creo que en realidad sólo voy a elegir el bombo de patada y voy a elegir prefectos. Eso es bastante común. Ahora mira si solo solo, solo la pista de bajo y me pondré este pequeño interruptor de monitor. Podrás escuchar este diminuto tambor de patada sin procesar. Y puedo derivarlo muy duro. Es agradable tener los efectos pre por los efectos en los niños y sobre todo el bombo suele ir a comprimir eso también. Y no queremos que esta gran patada saturada intente desencadenar nuestra cadena lateral. Lo mejor es tener un chico pokey blando y luego solo darle un poco de unidad extra que va a ayudar. Es un poco de ataque rápido y liberación para ese gatillo de cadena lateral. Además de eso. Si la base celular de la patada está sonando demasiado fuerte, incluso puedes filtrarla con un filtro de paso alto o paso de banda. Al igual vamos a tirar de esto hasta como 500 y usar esto. Ahora mira eso. Ahora dice que nos dio un montón de cadenas laterales rápidas, rápidas y otras oportunidades. Esta vista aquí, sólo estoy asegurándome de que, que, uh, dejar entrar entre los hits ligate hacia abajo, eso es malvado slam. Y ahora saquémoslo y monitoreemos y escuchemos. No es raro escuchar un sutil clic ahí dentro. Por lo general no es demasiado grande, pero si quieres rodar eso, puedes frenar el ataque. También puedes subir el lookahead en esta vista que le va a dar al compresor un poco de inteligencia artificial para mirar por delante de la señal, lo que te permite afinar aún más la pila. Escuchemos eso con el QG. Podría incluso llegar tan lejos como para duplicar esa configuración exacta y elegirla solo desde el tambor de caja hasta tengo este estante de instrumentos. Vamos a colapsar y trampas y esas cosas. Y ahora puedo bajar esa base, mezclar un poco. Oigámoslo por completo. Nuevo. Existe la posibilidad de ver mirando, RMS y encadenando lateral todo en la pista de bajo. Sigamos adelante y veamos qué otros canales de nuestro mezclador podrían usar algo de eso. Estoy bastante seguro de que esta melodía pista buena. Aunque sea solo un poquito, podemos poner un poco de compresión de pico ahí. Y entonces tal vez una cadena lateral justo después de que fuera empujada hacia abajo, algunos picos suaves. Vamos a duplicarlo y a encender esa cadena lateral. Ahora en este caso, voy a seguir adelante y hacer el kit. Escuchémoslo de todo el kit. Y sólo para ver cómo suena eso. Por lo general, la cadena lateral y obtiene una relación bastante pesada, asegúrate de que pueda soltarlo. Eso es bastante guay. Eso me gusta. El ajuste adecuado de la cadena lateral, si vas por sutil, realmente no notarás que bombea. Simplemente escucharás el sonido del gatillo. En este caso los tambores golpeándolos a través de ellos se mezclaron más duro porque de repente hay más espacio para ellos. Entonces realmente ni siquiera escuches el sonido. Estás comprimiendo tanto como escuchar el sonido y eso lo está activando para ver si se siente más claro y presente. Ahora, otra cosa que puedes hacer con la cadena lateral es que puedes ir especie de drama en la cadena lateral. Esto es algo realmente genial que hacer por nuestras almohadillas. Voy a pasar a una sección donde estos acordes realmente buenos. Creo que eso está por aquí. El cielo se tiran compresor aquí también. Empecemos empujando hacia abajo algunos de esos picos sólo un poquito. Ahora casi ningún picos. Vamos chancel, ralentiza la liberación. Por lo que es un poco estable el sudeste asiático. Voy a agarrar otro compresor y qué canales laterales a recoger. Ahora, veamos un mapa. Entonces ahora en este caso, si quisiéramos conseguir un efecto de cadena lateral más dramático, podríamos ralentizar el lanzamiento hacia abajo. Realmente podemos oírlo un poco bombeando dramáticamente al grupo, llevar ese umbral aún más bajo, ir al infierno y una bomba de cadena lateral ahí. E incluso despacio eso y rodar parte de esa clínica si querías. Antes de ir optimizando mi almacenamiento, me despediré con eso y continuaremos en nuestro próximo video mirando al procesamiento de la madera y la espacialización. Esperando con ansias. Nos vemos entonces. 32. Saturación: ¿ Qué pasa, todos? Estamos haciendo procesamiento de efectos en todos nuestros sonidos individuales. Antes de ir a equilibrar todo, hemos hecho algunos dequeuing y algunos procesamientos de dinámicas, y ahora va a ser el momento de hacer algo de saturación y algunos agregando algunos armónicos naturales para después poner los sonidos en un espacio. Habrá especialmente diversión con este tipo de pista de sintetizador IDM, sobre todo porque muchas de las pistas de sintetizador están realmente secas. Dejémoslo aquí y el tipo de sección de puente y veamos dónde estamos, con qué estamos trabajando. Empieza con la base. Entonces los cursores que hicimos en el último video. Entonces eso suena bastante guay. Creo que nos vamos a centrar un poco más en esta pista de bajo. Se puede ver el EQ y las tiras de canal de compresión cosas que estábamos haciendo antes. Y ahora va a ser el momento de tal vez doblar algunos de esos y agregar saturación. La saturación es una especie de término general para agregar un poco de edulcorante. En otras palabras, agregar un poco de recorte modelado analógico es más común si trata de saturación como la saturación de cinta de un dispositivo y capaz de saturarse. O limitación de clip suave, que es realmente popular para los tambores en el canal maestro en tus grupos. Es decir, eso se encuentra más comúnmente en el Compresor de Pegamento. Adelante y echemos un vistazo a algunas de esas cosas. Lo que hace la saturación, y de nuevo, sólo vamos a empezar con la saturación de cinta es que emula los dispositivos analógicos tradicionales de la forma en que se recortarían. Es decir, cuando los conduces calentándolos un poco, agrega armónicos naturales al sonido. En otras palabras, agrega especie de cierta energía musical que ayudará, como sonidos de bajo recortados a través de la siguiente. También ayudará a que los tambores se sientan un poco más ruidosos y punchantes en general, solo un poco de aumentar la sonoridad percibida general del sonido. Cuidado sin embargo, porque cuanto más conduces en cualquier tipo de dispositivo de modelado analógico , más, bueno está distorsionando el sonido. Y también puede chupar realmente la base como el sub bass fuera de los sonidos y tipo de hacerlos sonar groseros si no tienes cuidado. Entonces vamos a retomar justo donde lo dejamos aquí en esta oficina. Primera gota y agregaremos poca saturación a la base. Se puede ver esta pequeña línea en la arena aquí abajo. Si ves esa pequeña línea blanca, una vez que empecemos a cruzar eso con la unidad impulsándola, ahí es donde comienza el recorte real. Siempre está agregando coloración. Pero lo real como la coloración pesada comienza ahí. Tendríamos la oportunidad de ponernos un limitador aquí también, para asegurarnos de que nunca vaya en rojo sin importar lo duro que lo manejemos. Pero por lo general no me gusta eso, sobre todo en este caso donde esta base ya tiene muchos armónicos. Volvamos a recoger allá arriba. Dale un poco seco. Eso es lindo. Ahora a veces si no estás seguro de lo que estás escuchando, solo puedes subir la entrada y realmente agregará una tonelada de coloración. Solo escuchemos lo que va a estar haciendo ahí. Para que puedas escuchar cómo esos percibidos, todos esos picos extra en el espectro realmente hacen que la cosa se sienta fuerte. Si no estás seguro de lo que quiero decir con eso, puedes mirarlo en el espectro. Este dispositivo estamos usando la mezcla antes en el canal maestro. Aquí no hay saturación. Ya hay muchos armónicos ahí dentro, pero si seguimos adelante y le damos un poco de impulsión, probablemente un poco más y lo tiraríamos hacia abajo. De verdad se pone un poco intenso. Entonces eso podría ser muy divertido. Te dan esta ganancia de salida para tipo de compensar de esa manera si terminas conduciéndolo mucho sin el límite de clip suave o puedes volver a bajarlo. Por lo que un ajuste común para mucha distorsión es golpearlo y luego bajarlo alrededor de la misma cantidad, tal vez un poco menos. Ahora en este caso, de nuevo, realmente estoy sintiendo sólo un poquito de ese recorte analógico. Aquí hay otros modos sobre los que puedes aprender. Podrían ser un poco más tipo de diseño de sonido orientado en lo saturado. Pero principalmente estamos trabajando realmente solo con poca unidad viendo esa línea en la arena, asegurándonos de que no estamos en los rojos aquí ya sea recortando suave o ajustando nuevamente el álgebra. Podría incluso simplemente bajar eso un poquito. Voy a ir a una sección donde haya más base. Escuchemos eso en la mezcla. Eso es lindo. Eso suena consiguió una tonelada de dinámica en un dos, Es totalmente bombeando como loco porque tenemos este compresores de cadena lateral aquí para atrás. Tenemos tres de ellos seguidos que realmente lo están haciendo pop a lo grande. Entonces eso es una cosa realmente salvajemente dinámica sonó cool para señalar es que cuando agregas saturación, no solo estás agregando armónicos naturales, sino que también naturalmente solo funciona como compresión. Porque la forma en que funciona el recorte es cuanto más conduces los picos sobre el umbral. En otras palabras, calienta esa cubierta de cinta. Estás ahí hay un límite finito a lo alto que se puede poner. Y esa es realmente la pequeña línea en la arena aquí. Y también cuanto más conduzca por encima de eso a lo que a su vez le está comprimiendo, es sólo tomar esos picos naturales que van por encima de la cima y extendiéndolos por encima de la serie armónica, que es jugosa. Más sobre eso en nuestro curso de diseño de sonido, se acabó lambda. Claro, otra cosa que vale la pena considerar en la nota de ella comprimiendo el, a veces tomaré eso saturado y lo pondré delante o a la izquierda como antes, mis compresores de cadena lateral. De esa manera el encadenamiento lateral en realidad también está evitando la saturación. Se va a, esto, este flujo de trabajo te va a conseguir un efecto de cadena lateral más duro porque al saturar y después de la cadena lateral lo estás descomprimiendo, lo cual podría no ser tan sabroso. Echemos un vistazo a eso. Entonces en ese caso, la expansión como el encadenamiento lateral que está sucediendo está sucediendo después de lo saturado para que el amor preservando así la palma a la cadena lateral sea evocando. Hagamos otra técnica de saturación que realmente me gusta. Vayamos aquí a nuestro kit de tambor y vamos a nuestro bombo de patada. Noté en nuestra mezcla, nuestro bombo suena bien. Tal vez nos vendría bien un poco de calidez. Es bastante bonito. Tiene solo un poco de compresión agradable y una compresión de ataque lento dándole un poco más de cuerpo. Eso es divertido, poco más ponche. Y creo que quiero seguir adelante y en este caso voy a agarrar un dispositivo de distorsión diferente y capaz de hacerlo, y esto es un poco menos común en la mezcla porque el sonido es realmente bastante agresivo, pero el Overdrive es genial para la batería . Se puede, esto es como un filtro para nuestra distorsión. Y luego está esa misma perilla de accionamiento que podrías reconocer, si escuchamos esto por sí mismo, todo filtrado así va a ser bastante crujiente, bastante hueco y crujiente. Pero si te mueves aquí abajo, solo escuchemos girando la mezcla seca húmeda hasta el final. Eso es un poco lo que podemos agregar aquí. Para que eso pueda ser un sonido agradable. Y ahora podemos tirar de esto hacia atrás en la mezcla para preservar la claridad original. Más bombas que fuera hasta aquí sin ella. Eso es un poco bonito de impulso de baja frecuencia ahí dentro. Estamos realmente potenciados como 55 hertz y cabalgar por ahí. Eso es realmente sabroso. Esa es otra forma genial de usar la distorsión en la saturación. Otra gran forma de agregar saturación y otra gran herramienta que mencioné. Y esto es generalmente popular en todo el dispositivo de diseñador del kit de batería llamado el jefe del tambor. Ahora para esa, voy a ir a mi pista de frenos de tambor y tengo ese papel en bastante duro aquí. Vamos a dar un bucle a esto. Escucha a este tipo. Entonces vamos a ir a esta sección de frenos de tambor y sólo vamos a agarrar a ese jefe del dron. Este es un dispositivo y vivir pueblo o vivir 11s, eso es realmente rad. Es una especie de tres etapas diferentes de coloración. Tienes algún recorte como el overdrive. Tienes un tipo de forma transitoria están aquí en la categoría crujido y luego tienes un boom que agrega más base. Lo genial de cada uno de estos es que son todo tipo de independientes y van a tener aquí una mezcla húmeda seca general. Entonces estamos en la pista de frenos. Voy a rechazar a estos tipos. Y empezaremos con alguna unidad. Eso es lindo. A mí me gusta ese tipo de DR incorporado y algo de compresión si quisiéramos comprimirlo también. Al igual que la luna transitoria similar todavía fuera en eso. Hay un filtro incorporado de control de corriente en el poco más oscuro, igual que variedad transitorios aquí, esto va a comprometer más energía a los picos o un poco más de energía a la parte de cola del sonido. Si vas a los Permites, Ya sabes, creo que tengo esa hilita y vamos a ver. Sí, así que esto es más a la cola y esto es más un pico. Eso también está bien. Y en lo que respecta al boom, la forma en que funciona esto es un buen consejo. Puedes averiguar cuál es tu base n o dónde clave tu canción como ella. Y puedes mover esto para encontrar la llave correcta. Al igual que si sabes que estás dentro, simplemente puedes ver sin click de turno y ajustar este rayo a la zona de 43 Hertz o 41 hercios. Y fue una bonita anguilas bajas en eso. Entonces sobre si agregamos un a, Vamos a ir a como 55. Eso es lindo. Ahora en este caso, esto es sólo para un pequeño relleno de tambor. No voy a usar nada de eso. De hecho, cuando usamos esto, un poquito de este crujido, sólo un pequeño disco. Y esto me lleva a mi siguiente pequeña técnica de distorsión que estamos haciendo múltiple en cada video. Este va a ser de todo. Este último método que quiero mencionar es que todos estos dispositivos de distorsión tienen una mezcla húmeda seca. Entonces si realmente te gusta el sonido de la distorsión, pero no quieres necesariamente chupar la claridad o el punzón transitorio del sonido. Soy algo muy común que hacer es simplemente conducirlo realmente duro y luego tirar de la Dry Wet Mix hacia atrás, permitiendo así que el transitorio limpio, sin distorsión natural y la base generalmente se destruyen por mucha distorsión a aún pasan. Y luego puedes usar la mezcla para tipo de mezcla. Entonces en este caso, si hicimos esto en paralelo, podemos igual que ir a cagada de simio en esto. Y luego podemos tirarlo todo el camino hacia atrás y luego mezclarlo al gusto. Entonces eso es como ese muro de sonido sobre técnica de Phil Spector, descanse en paz, recién falleció recientemente. Esta es una idea de decir para crear un ambiente más grande que la vida, apilar las cosas en paralelo. Ahora para mí, en este caso con esta pista de frenos de tambor, realmente estoy prefiero en el toque más suave, poco más punzonado Titan. No me preocupa tanto conservar la base o los transitorios ahí porque ya suena bien y apretado. Agradable. Entonces en esa nota, tengo que mencionar la técnica final aquí. Como dije, estamos poniendo las cosas en paralelo y dijimos No tirando hacia atrás el anexo seco húmedo. Aún más avanzada o especie de técnica también clásica para el procesamiento paralelo es construir una tira de canal de distorsión en una pista de retorno. Ahora en este caso, tengo el overdrive y se satura, seguido de seguir un ecualizador de paso alto. Y tengo mi distorsión golpeada todo el camino hacia arriba. Entonces ahora mi kit de tambor aquí, esta es nuestra visión principal. Esto es lo que suena sin ese retorno, que es una distorsión paralela o en otras palabras, la compresión neoyorquina. Esto es todo sin ella. Entonces un bajo agradable y esa base es realmente agradable, sobre todo con ese overdrive que agregamos. Pero ahora puedo mezclar esto en paralelo. Esto sería lo mismo que subir un poco la mezcla seca húmeda en ese tambor nos. Pero esto es hacer toda la cadena. Hasta notarás que tengo el Compresor de Pegamento en el extremo de esa cadena. Y en este caso es el modo de clip suave. Por lo que el compresor de pegamento no solo es un compresor como la mitad izquierda del dispositivo, sino que luego tiene esta ganancia de maquillaje que puedes usar para conducir la señal hacia los circuitos de clipper suave. Esta es otra cosa de distorsión de recorte de modelado analógico de la que estábamos hablando antes en el video. Pero este es uno de los mejores sonidos y para los autobuses donde tienes frecuencia alta, baja y media todo tipo de cosas que llegan por la chimenea. Yo mismo. Preservar algunos transitorios y ralentizar eso. Transientes bastante brutalizados aquí por toda la distorsión anterior. Pero por suerte tenemos una señal seca sin comprimir por aquí. Aquí están juntos. Y estamos aplicando un poco sobre la compresión de Nueva York a esa pista de frenos de tambor, sobre la carrera. Por lo que ahora tenemos toda esta tierra paralela de información hiperarmónica supersaturada, aplastada con recorte incluso suave y todo lo demás. No hay base real. Y es todo el calentamiento mezclado, en paralelo en una pista de retorno. Por lo que hay algunas grandes técnicas de distorsión y saturación. Overdrive, realmente nerviosa y dentosa y afilada. Por lo que tiene un filtro incorporado saturado y canto redondo y gordo. El Modelador de cinta, el jefe de batería era clásico para todo tipo de sonidos, pero sobre todo surcos de batería como todo el kit de batería. Y luego pega compresor y modo clip suave e incluso ponerlo todo en paralelo. Esas son todas las técnicas que cubrimos hoy. Si un Up next pondremos estos sonidos en un espacio y estaremos rematando esta cosa. 33. Imaging estéreo: Entonces deslice. Y luego para nuestra etapa final de procesamiento de efectos, generalmente, una vez que hemos colado y comprimido y saturado cosas y tal vez incluso poner un poco de ecualización hipnotizante ahí en algún lugar para impulsar las cosas y conseguir que todo suene dulce, tipo de desconcertado uniendo todo. Y hace también mandas a mirar la imagen estéreo de una canción e incluso sonidos individuales. Lo realmente genial que puedes hacer es que solo puedes ir al canal maestro si tienes curiosidad por cuánto, qué tan ancho son tus mezclas, si solo estás trabajando justo dentro de Ableton, puedes agarrar un EQ Eight y puedes cambiarlo y apagar todos estos nodos, por lo que no está haciendo nada y luego cambia el modo y los nodos del medio. Al hacer eso, hay que separar los EQs, uno para las bandas laterales y otro para las bandas mono. Y si cambias esto a los lados, podrás golpear el juego al sol. Podrás ver todas tus frecuencias estéreo. Estas son todas las cosas que son sólo para que pueda ver. Tengo mucha imagen estéreo aquí. Adelante y aplicemos esa misma técnica a algunos de nuestros autobuses individuales. Aquí está nuestro pad o pista de armonía versus nuestra ventaja. Aquí es donde es realmente agradable considerar qué sonidos son los instrumentos principales frente a qué sonidos son las voces de apoyo. Cuando escuché esto, me siento como el bajo y la batería. Es decir, una especie de signo de estilo IDM ahí, el instrumento principal. Por lo que quiero mantener esos mayormente más arriba en el medio. tanto que como las almohadillas y esas cosas otra vez, si vamos a nuestra sección de puentes aquí, que está justo aquí, ven aquí, estos tipos entrando por aquí. También las pistas de apoyo. Entonces sigamos adelante y nos dirigamos a ese autobús rápido e iremos hasta el final de la cadena después del encadenamiento lateral y todo y hagamos esa misma técnica de EQ. Devolver todos los nodos y ponerlo dentro del modo. Podemos simplemente mirar cambiándolo a los lados. Aquí está la cosa mono. Aquí están las bandas laterales. Entonces una cosa que es realmente común es cortar la base completamente fuera de los lados con seguridad. Y parece que no había ninguno de todos modos. Pero si lo hubiera, querrías deshacerte de eso. Y ahora podemos en algún lugar entre 700 hercios y como tres o cuatro K. Esas son realmente las áreas donde nuestros oídos pueden escuchar más el estéreo. Vamos a darle un pequeño impulso y a ver cómo suena eso. Eso me ha dado un poco más tipo de presencia en la imagen estereofónica. Y eso es algo realmente sutil, pero eso es realmente bonito. Y si quisiera sacar aún más acción de eso, me gustaría poner algunos efectos estéreo justo delante de él o a la izquierda de él antes en la ruta de flujo de señal. Y lo más común, uno sería reverberación o retraso, o posiblemente un dispositivo de coro. Live tiene un dispositivo de coro realmente bonito que podemos lanzar antes del ecualizador. Ahora en este caso, podemos usar conjuntos que van a gustar la capa y darle múltiples voces. Clásico es sólo un viejo coro regular. Aquí está sin ella. Aquí está con. Hola, es esa primavera y fuera a la anchura un poco. Tenemos control de ancho aquí, que incluso podemos sobreconducir. Eso es realmente empujar a esas voces de apoyo a la señal. También una oportunidad de deshacerse de más base. Si quieres escuchar más coerción, puedes subir la retroalimentación. Tengo la sensación de que probablemente no lo necesitamos aquí. Eso es realmente sacar enfatizando que la modulación LFO en el tiempo retrasado, tal vez un poquito. Hasta te darás cuenta de que viven 11 ahora nos dan un poco de saturación también. Eso es lindo. Perder la oportunidad de escuchar esa cosa, doc., y voy a frenar la cadena sólo un poquito. No haga clic y más Eso es bonito. Alto. Entonces esa es una buena técnica de imagen estéreo. Vamos a AB que aquí está apagado aquí hace en iOS realmente lo puedes escuchar moviéndose. Hagamos eso. Sam, cosa similar a las pistas de retorno por aquí. Estos son nuestros efectos remuestreados retornos ya muy amplios. El truco que te mostraré aquí es que puedes agarrar el dispositivo de utilidad. Simplemente quieres empujar rápidamente las cosas hacia un lado. Puedes aumentar la perilla de ancho en el control de utilidades. Ahora, ten cuidado con esto porque esto esencialmente va a bajar todo en genómica. Y si subes muy alto en esto, y resulta que estás escuchando la pista terminada y un entorno mono donde es como si solo un altavoz o tal vez en una nube o algo donde hay pequeños bocinas por todas partes la habitación. Cualquier cosa que sea impulsada a los bandos como este básicamente no estará existiendo en absoluto en el siguiente. Por lo que una cosa de la vieja escuela que ver con la mezcla, sobre todo cuando había muchas más mezclas ocurriendo en mono, era no hacer demasiado potenciador estéreo así porque a esto también se le llama el efecto Haas. No hagas eso porque si haces eso, entonces pierdes el sonido en el lema de x por completo, que apesta. Entonces, vamos a tratar de extenderlo un poco. En este caso, podría volver a intentar esa técnica del curso. También puedes intentar retrasar de nuevo o un flanger o reverberación. Me encanta esa técnica de calidez. Tendremos un poco de última modulación en su ensancharlo un poco. Cortar el extremo bajo. Eso es lindo. Ahora volvamos a hacer esa técnica de mitad y Q. Curioso cuánto, cuánta imagen estéreo tienes. Dale la vuelta, echa un vistazo. Dar un pequeño impulso, tal vez. Hola chicos, esos son bonitos, relucientes. Y nos desharemos de los mínimos. Al igual que estos tíos también. Ahora esta es tu oportunidad de hacer realmente algunos recortes a si querías. Ahora, por ejemplo, digamos que teníamos mucha imagen estereofónica por el medio. Eso va a interferir con nuestros tambores y esas cosas. Por lo que incluso puedes estar realmente justificado. Esto es un poco más avanzado de un truco, pero di, ya sabes, tu tambor de caja está agrietando ese 250 o 300. A lo mejor sólo impulsar, sacar algunas de esas cosas fuera del camino. Sé con seguridad que mi pista de bajo, esa base de plomo tiene mucha energía de 700 hertz. Voy a cortar eso. Hasta puedo ver eso en la mezcla mono realmente fuerte. Entonces voy a hacer algo de espacio. Hola ahí. Esto ahora es alentador. Esta cosa sólo sería un poco más envolvente. Incluso puedo intentar escalarlo para más o menos. Esto es súper amplio ahora. Y ahora tiene mucho sentido solo para hacer una verificación rápida de mezcla mono. Por lo que vamos a lanzar la utilidad. Lo pondremos en mono y a ver si el sonido es como se va. No perdemos demasiado, así que creo que lo estamos haciendo bien. Entonces voy a dejar eso apagado, tal vez dejarlo ahí para después si lo queríamos. Y ese es un ejemplo realmente bonito de un ecualizador de mitad de lado. Vayamos a esa pista de armonía 2 y tal vez recortemos algunas de las cosas de media banda alrededor de ese rango de 700 hertz. Haz que eso sea un poco más estrecho. Va a ser realmente agradable por hacer espacio para la grieta de ese tambor de caja. Y ya sabes, cualquier otra cosa que esté llenando ese espacio y solo este track y escuche eso. Y puedo ver ese pico ahí arriba, Eso es un Hadi. Mueve a ese tipo aquí abajo, esto en la mezcla todos juntos. Ahora, nos moveremos aquí donde instrumentos o lo patearán de la nada. Almohadillas súper anchas sobre tu análisis como estos chicos acaban de conseguir una tonelada de cuando realmente inmersivos y circundantes, ya sabes, incluso hasta el punto en que probablemente podamos subirlos un poco más, esta es una oportunidad para no olvidar que nosotros tener un control de ganancia aquí. Y luego saldremos volumen. Echemos un vistazo a esto. A ver cuánto espacio de cabeza tengo ahí y volvamos a ponerlo de nuevo. Tipo de maquillar algunos de esos dB, todavía podemos probablemente hacer un poco más. Houston en MCA fue revisado el bus de efectos. Agradable. Incluso justificar el uso de esta utilidad. Dos impulsos más que de alguna manera es menos que eso todos juntos, tal vez no sepas de esta pista. Por lo que la imagen estereofónica y la ranura de diversión generalmente comienza con un poco de efectos estéreo como el retraso o la reverberación. Y entonces son tal vez incluso lo hará un coro y luego algún ecualizador de mitad de lado para realmente mancharlo, ya sea evadiendo la materia mono para las voces de apoyo y hacer espacio para los tambores y las hojas, o viceversa, cortando algunos de esa energía de banda lateral para cualquier cosa que realmente se supone que esté hasta el medio. Muchos dispositivos tendrán un control de ancho integrado y están como automatizando esto, pero es bueno poder esculpir realmente y controlar esa imagen estéreo. Cosas realmente bonitas. Por lo que con algunos dispositivos de lectura espectral más avanzados como la perspicacia isótopo, por ejemplo, podrás incluso visualizar el ancho estéreo del sonido encendido. Y eso puede ser realmente agradable. Pero solo con usar el ecualizador de mitad de lado y mirando qué información tienes ahí. Eso es lindo. Esa es una buena técnica. Entonces un último truco que te mostraré, y esta es una técnica de reverberación. Siempre que estoy marcando en una reverberación, en particular en un sonido más brillante, más apretado como digamos un sombrero alto, como escuchar este baterista. Este sombrero alto es bastante clicky. La cosa es realmente clica y apretada. Somos técnica realmente común y cool para tratar es agarrar una reverberación, empujar esta cosa todo el camino hacia fuera. Todo lo que puedes escuchar es la reverberación. Y podría incluso hacer que el tiempo de descomposición sea muy corto para alegrarlo, incluso, hasta apagar el coro, abrirlo, hacerlo agradable y apretado y brillante. Trae esto para el click. Esta es una B. Ahora tenemos ese pequeño espacio ahí dentro. Se puede impulsar el espacio por aquí. Eso es mucho más bonito que esta región es una reverberación bajo este verdadero sutil. Pero ahora como el pequeño balanceo fuera un poco colores favoritos. Entonces esta es una manera genial de un poco, ya sabes, primero solo escuchar la reverberación por sí misma y luego retroceder y conseguir un poco mejor sentir por lo que tu anuncio y ya sabes, y yo siempre lo he hecho, siempre, nunca, nunca dudan en AB cosas allí. Solo para volver a comprobar tu mezcla y asegurarte de que sea algo bueno en general. Nunca lo olvidaré. Entonces lo último que aún no hemos hecho aquí entonces vamos a hacer en próximos videos es realmente equilibrado. El volumen que aún puedo escuchar ahora que hemos exagerado las cosas y las hemos potenciado y saturado y esparcido. Vamos a querer reabordar todos nuestros niveles. Y esa es realmente la mezcla y eso está a la vuelta de la esquina. Entonces gracias por estar aquí en Slam Academy y planear alrededor con todas estas divertidas herramientas dentro de Ableton. Y recuerda, no olvides si sientes que te acercas pero no perfectamente ahora que tienes solo seguir practicando y todo lo mejor. 34. Medición: Oigan a todos, bienvenidos de nuevo. Ahora, aquí estamos en la segunda semana de mezcla y masterización y Slam Academy y son capaces de vivir programa aquí. Estamos usando live 11 y mixtos en esta pista. Hoy nos vamos a centrar en conseguir una buena comprensión de la mezcla de volúmenes en general y realmente asegurarnos que tenemos los niveles adecuados para todas nuestras pistas a lo largo de todo el asunto, creando un bonito y equilibrado, realmente el mixdown es lo que estamos a punto de hacer ahora. Entonces empecemos por un escuchar este track y mirando a nuestros medidores, vamos a aprender un poco sobre la medición, el margen de cabeza, y también sobre el contenido de frecuencia que todos nuestros instrumentos están generando. Entonces volviendo a esa sesión anterior, cosa realmente genial que podemos hacer aquí. A lo mejor armar nuestro mezclador. No obstante espectro allá arriba para que podamos ver todos los canales. Todo está muy bien organizado. Echemos un vistazo a esto. Está bien, entonces si miramos, tenemos un par de bits diferentes de retroalimentación visual de los que podemos aprender. En primer lugar, mirando la amplitud y empecemos con eso. Entonces aquí es donde de nuevo, me gusta tener esos metros bonitos y altos. Obtenemos una buena resolución visual por cuánto, cuántos decimales estamos trabajando. Y cada una de estas líneas horizontales es de seis dB. Y siempre me gusta decir especialmente mi curso de diseño de sonido, entender un decimal es como uno. Db es un poco como un poco de porción de volumen, si se quiere. Y generalmente cuando estamos ajustando las cosas, ya sea dentro de un compresor o incluso en el mezclador aquí, vamos a estar moviendo las cosas hacia arriba y hacia abajo en volumen y decimales. Y un dB es como apenas lo suficiente para que otras personas se den cuenta cuando estás haciendo el ajuste. Si ajustas algo por más de tres dB, todos van a notar si están o no prestando mucha atención. Entonces a veces estaremos ajustando las cosas por décimas de dB manteniendo presionado, haciendo clic en un fader y manteniendo presionado Shift y usando nuestras teclas de flecha, podemos buscar en estos pequeños campos de datos y decirnos, ya veremos cuántos dB estamos ajustando. Tienes 10 Shift-click antes de que alguien se va a notar realmente. Y como 30 o 30 dB antes de que la gente realmente va a ser cuatro, se va a saltar a la gente. Esas son especie de las áreas en los reinos van a estar afinando bien nuestro volumen. Y cuando se trata de decimales, podemos mirar nuestros medidores para ver qué tan ruidosas son las cosas. Pero como mencionamos en el video de dinámicas, un par de videos atrás, podemos ver los picos altos verdes más suaves. Ese es el volumen pico momentáneo, mientras que el volumen más bajo verde más brillante es el RMS, también conocido como un poco el volumen promedio. La distancia entre esos picos y el promedio es como lo comprimido o lo alto que se va a sentir algo. Entonces sobre todo en cuanto se relaciona con nuestro volumen maestro y cuánto margen de cabeza tenemos en general, va a tener sentido mantener un ojo en eso. Entonces esa es la primera punta es la medición y decibelios es, y cuánto un dB, ¿en serio? El poco de lectura superior aquí se puede hacer clic en y que restablece el medidor hasta la altura de pico. Entonces si hago clic aquí, están todos reiniciados y ahora solo puedo golpear Play. De hecho, podría ir a como una parte más pesada de la pista tal vez como la caída. Y entonces puedo golpear parada y puedo ver lo alto que es todo. Entonces al igual que mis pistas de efectos de sonido están en negativo 14 y mi pista de armonía está en negativo 7.5. Mis melodías al negativo 12. Mira, mi bombo de patada por aquí está en 1.5 negativo. Esos son buenos números a notar porque vamos a estar reajustando el volumen de todas nuestras pistas y tratar de llenar este volumen maestro con todas sólo las cosas buenas, asegurándonos de que cada dB por aquí es todas las cosas que son deseables que realmente quieren. Y hay una especie de un poco de hoja de ruta que puedo hacer para ti mientras nos metemos la mezcla en el próximo video sobre cómo usar esos decimales para lo mejor de nuestra ventaja. Por lo que tenemos nivel de pico. Tenemos el nivel de fader de volumen, que es ajustable intenso al sostener Shift con flechas. Y, y tenemos pico versus promedio. Entonces esas son todas las cosas de las que quieres estar al tanto. Ahora, lo siguiente que es bueno mirar es el espectro. Y puse el espectro en la pista maestra hace par de videos. Pero eso tiene sentido tener eso ahí. Y a veces incluso iré a mis Preferencias aquí y alejaré y tocaré. Por lo que todavía puedo tener esos lindos metros grandes, de volumen alto y una bonita vista espectral aquí donde puedo ver el espectro. Una vez que tenga todo configurado, generalmente lo que haré es volver a tomar el dispositivo de espectro en el maestro. Y en lugar de tenerlo en este rango de volumen automático, donde el eje y siempre está escalando hacia arriba y hacia abajo todo el tiempo así. Ve cómo se empieza a comprimir a medida que los sonidos se vuelven más silenciosos y silenciosos. En otras palabras, alejar y alejar. Eso es un poco molesto. Así que haz click aquí en tu rango y pon este máximo en 0 negativo. Y luego, supongo o 0, misma cosa. Y luego para el rango de los hombres, que es el fondo, Vamos a poner esto alrededor de un 100. Entonces eso es, así que el sonido más silencioso que va a aparecer aquí va a ser como negativo 95 o un 100. Y luego la parte superior de nuestra pantalla, lo que podemos ver es literalmente el techo. Entonces de esa manera ¿cuándo se detuvo? Ya no escala. Simplemente se queda justo ahí. Y hasta puedes ver, vale, si cada una de estas líneas horizontales, en este caso nuestros 12 dB, parece que mi patada está aquí arriba. Mi bombo está aquí arriba cerca de 10 negativo. Estoy mirando hacia abajo en este pequeño campo de datos, esto es realmente útil. Yo pateo tambores al negativo 10, el ponche de mi patada como alrededor negativo 11. Y se puede ver dónde están cada uno de estos picos y qué ruidosos están. Y eso te dará algunos consejos para cómo ajustar las cosas. Un poco de estándar que puedes usar cuando estás mirando esta pendiente bajando, se llama la referencia de ruido rosa. El ruido rosado es como, no a diferencia del ruido blanco donde es incluso volumen todo el camino a través, pero en realidad está inclinado hacia abajo. Entonces y, y este es un estándar que podemos mirar y no quieres vivir y morir por esto. Pero en términos generales, lo más ruidoso en tu mezcla debe ser la base, la base, y entonces debería, las cosas deberían ponerse progresivamente un poco más suaves y silenciosas a medida que nos subimos aquí al territorio de la textura. Por lo que todas nuestras melodías y armonías van a ser visibles aquí entre unos 80, 90 hercios y tal vez dos o tres K. Y entonces esto es todo el ambiente y textura y presencia. En tanto que el sub bass está aquí arriba. Y hasta puedo decir mirando, probablemente pueda salirme con la suya girando un poco mi tambor de patada. Cualquiera que sea el sonido aquí mismo, que yo creo es el pluck del sonido de bajo que de nuevo para llevar un rato atrás, es un poco ruidoso. Yo puedo bajar eso y vamos a tratar de lograr y como incluso pendiente bajando. Y cuando hagamos eso, probablemente vamos a estar mezclando alrededor nuestro tambor de patada estando justo alrededor de negativo 10 o negativo, negativo 10 o negativo 12 es una especie de referencia genial. Entonces todo esto es solo más preparación para la mezcla. Entendemos decibelios, cómo funcionan nuestros medidores, cómo ajustar intensos, cómo escalar nuestra pantalla, cómo mirar nuestro espectro y tenerlo en un rango de amplitud fijo. Y cómo realmente tal vez sacar algunos consejos de lo que estamos viendo cuando miramos estas interfaces. Entonces para nuestro próximo video, vamos a hablar sobre la puesta en escena de ganancias y espacio de cabeza. Y vamos a empezar a construir nuestra pirámide mixta a la vuelta de la esquina. Así que agárrate fuerte y te veré en el siguiente video. 35. Ganar proyección alrededor de la bajo: Muy bien, estamos de vuelta aquí para la primera parte de la mezcla real. Esto va a ser muy divertido y hay un par de principios geniales que un poco me propuse en el video anterior que vamos a poder cubrir. En primer lugar, antes de llegar a la mezcla real, una técnica realmente genial que quiero asegurarme de que la cadera dos de todos esté primero mirando tu mezclador y si tienes alguna automatización en alguno de estos faders de volumen, como tal vez lo hice aquí en mi pista de frenos, tenía algo de automatización de volumen aquí para el llenado del tambor. Tiene mucho sentido liberar ese fader y no quieres deshacerte la automatización porque eso fue algo genial lo que hiciste. Simplemente puedes agarrar la pista y golpear Command G. Y eso lo pondrá en otro fader de mezcla esencialmente. Y puedes doblarlo e incluso renombrarlo con Command R. Y ahora tienes un nuevo control de volumen para esa pista general. Y sigue preservando la automatización de volúmenes. Por lo que hay mucho trabajo alrededor para moverse teniendo automatización del mezclador para el volumen, pero esa es probablemente la mejor porque eso solo lo va a agilizar te permite seguir teniendo tu automatización. Todavía puedes editar tu automatización. Todo sigue ahí. Ya puedes ver tengo una bonita bomba de volumen en mi relleno de tambor. Eso es genial. Entonces como eso me gusta. No quiero deshacerme de eso. Así que solo golpea Command G y agrupéalo en otra pista, agrupéalo en un autobús, y luego se pliega. Entonces eso está bastante apretado. Esa es una buena propina. La otra cosa que vale la pena mencionar es, supongo que el siguiente paso, una vez que tienes todo plegado en grupos, esto es pasar por tu mezclador y silenciarlo todo. Así que muta todos tus autobuses. Entonces el teatro puede básicamente no vas a poder escuchar nada. Y mira aquí, tengo una rápida automatización aquí en esa pista. Ahora esta es mi pista de bajo original. Yo sólo voy a seguir adelante y agruparlo para poder silenciarlo. Mismo trato. Vamos a silenciar todo excepto la patada. Al igual que aquí, tengo mis chicos de batería aquí son realmente, realmente lo impresionante que puedes hacer ahora es que puedes agrupar eso o simplemente podrías hacer una pista separada solo para tu bombo de patada. Esta es una jugada clásica realmente genial para, especialmente para música Eso es kick drum heavy como techno o house o cualquier cosa que sea como un verdadero bass heavy. Puedes hacer una pista solo para tu KYC. Y entonces lo que puedes hacer es abrir el kit de tambor, silenciar ese bombo de patada en el mezclador. Y luego justo aquí, pulsa Option Command I y toma audio de tu kit, kick drum. Y una vez que haces esto, es honestamente, probablemente sea mejor hacer esto. Lo llevaremos post efectos y luego lo pondremos en modo monitor de entrada. Ahora sólo podemos mover a este tipo por aquí. Tenemos una pista separada ahora solo para nuestro bombo de patada. Lo genial de eso es que mientras ahora cuando el bombo golpea, no está comprimiendo todos los demás tambores en el KFC tienen un compresor separado y una pista de distorsión para todos tus tambores separados del kick. Pero también esto es agradable y conveniente porque solo puedes mostrar solo el bombo de patada y solo abogar en la mezcla. Ahora, vayamos a la sección donde está la gota. Y acabo de tener una bonita pista de kick drum. El truco con hacer esto en este caso es que si hiciste afinar bien tu compresión y dinámica, vas a querer volver atrás y hacer eso. Para que pueda mirar esta ranura de tambor, echar un vistazo a lo que está pasando en mi kit. Y el compresor está trabajando mucho menos duro. Ahora en este caso, realmente no tengo ninguna compresión mayor pasando en la batería. Entonces debería estar bien. Voy a renombrar este kit de grupo plegado. Y luego voy a ir realmente a ese bombo de patada y darle un poco de compresión. Yo quiero un poco más de espacio en eso. Doy click, puedo dar vuelta a la sierra. Decide cuánto de esa tendencia Zoom y uno ahí dentro, Eso es genial. Asana. Entonces una vez que tienes ese kick en su propia pista, un tipo realmente genial de técnica clásica aquí es solo para ajustar el kick drum. Así que pon tu volumen maestro por aquí todo el camino hasta 0, y luego ajusta ese tambor de patada hasta que el fader maestro esté alcanzando un máximo alrededor de 10 negativo. Esta no es una regla dura y rápida que esta es una técnica que he aprendido desde hace años y fue realmente genial. Entonces, uh, igual que el bombo de patada aquí, hasta que no tengas que reiniciar a esos tipos de nuevo hasta que haya tenido un ROM, negativo diez, negativo ocho, negativo nueve. Bajamos solo un poquito más. Y aquí es donde puedo hacer click y desplazar click hacia abajo y bajar a la otra dv. Dijimos negativo 9.5, Eso es genial. Entonces ahora lo que vamos a hacer es que lo vamos a hacer, una vez que tengas la patada al negativo 10, lo vamos a utilizar esencialmente como un marcador de posición ajustado matemático para construir todo nuestro Nick alrededor con nuestro maestro canal en negativo 0 y nuestro tambor de patada en negativo 10, deberías poder simplemente usar nuestras orejas y construir esta pirámide alrededor del tambor de patada, asegurándote de que la patada sea como la parte más ruidosa y clara. Pero antes de empezar a construir toda la pirámide, hay otro pequeño paso fresco que quiero mencionar. Tengo ese tambor de patada arriba. Y ahora esta es una de las raras etapas en la mezcla donde vas a querer subir las cosas un poco más fuerte en tu sala de control o en sus auriculares encendidos para corregir un poco mis auriculares. Y vamos a ir a mi pista de bajo y voy a bajar esto, desmutarlo. Y sin mirar a los metros en absoluto, sólo voy a llevar esto hasta allá van. Entonces ahora he traído ese tambor de patada para que sepa como un poco simplemente lo anidé ahí con el pastel. Si añado un sub bass, me gustaría hacer primero el sub bass. Pero básicamente solo usando tus orejas, consigue la patada y el bajo se ajusta justo. Por lo que al hacer eso, tu medidor aún debe escuchar estar justo alrededor de las 10 es tiempo especialmente negativo, sobre todo si tenías una linda cadena lateral ahí, cosa que hacemos. Y eso es una especie de comienzo para las pirámides. Las pirámides van a poner en marcha el medio y el lema en su mayor parte, patada y base suelen estar justo arriba del medio en su mayor parte, al menos el extremo bajo. Y ese es un poco el inicio para tu pirámide mixta. Simplemente haciendo ese volumen de la base al gusto alrededor de la patada que está en negativo 10 con todo lo demás silenciado. Entonces ese es un buen comienzo para construir la pirámide, y pasaremos a los otros sonidos de la pirámide a continuación. 36. Construir la pirámide: Muy bien, así que para el siguiente puesto, vamos a saltar aquí. Tenemos nuestra patada y base, todo bonito y equilibrado hasta patadas a 10 bases negativas al gusto. Y aquí es ahora donde tienes que hacer una especie de elección de estilo dependiendo de si tienes o no voz. Entonces una de las primeras cosas que me gustaría mencionar es que si tienes voces en tu pista en absoluto, normalmente quieres mezclar su volumen a solo la patada y la base porque había como realmente importantes y deberían estar presentes y ruidosas sobre el mezcla entera. Y una gran manera de lograr eso es traer a los que están alrededor la patada y acabas de conseguir la patada y el rol de bajo en traer las voces. A lo mejor hasta afinar el ecualizador, asegurarse de que encajen ahí y la compresión, conseguir que sólo esas voces principales encajen y luego pasar a la otra, otras voces en la mezcla. Ahora en este caso, no tengo ninguna voz en esta pista, así que voy a saltarme ese paso. Pero ahora voy a empezar a construir la pirámide. Y me encanta visualizar una pirámide mixta tipo de otra vez con base kickin arriba del medio siendo mono. Y luego conforme empezamos a movernos por la pirámide, las siguientes cosas volteamos, desmutamos y subimos son los siguientes sonidos más importantes que van a ser como la mayoría del medio, mayoría mono, pero tienen un poco de estéreo como tambor de trampa, sombreros altos montan platillos. Y luego a medida que salimos, tal vez entonces nos llegue a gustar los instrumentos principales. Y luego a medida que nos movemos un poco más lejos, acompañando cosas melódicas y luego armonías que suelen ser más anchas, más silenciosas que todo lo demás. Y luego en el exterior tenemos las pistas de efectos de sonido. Ahora, por suerte, hemos estado organizando nuestro mezclador como buenos productores adecuadamente. Entonces ese es más o menos el arreglo de nuestro mezclador, pero simplemente no exactamente. Entonces sigamos adelante y pasemos a nuestro kit de tambor para que pueda venir aquí ahora un bloqueo abierto para arriba. Y puedo empezar. Estos individualmente son solo traer todo el kit y Tate hacer esto al gusto. Voy a bajarlo. Solo estoy ajustando esto para girar ese tambor de caja hacia abajo un diminuto turno de retención para décimas de dB. Y veremos que los hi-sombreros abiertos aquí. Y es bastante bueno. Yo quiero bajar eso, tocar a nuestro rumbo. Ahí están mis tambores. Ahora. Tenemos otra, otra vez, otra pista de tambor aquí mismo. Bajemos eso y escuchemos a este tipo, a nuestros grupos, nuestro turno y a las flechas. Sé que tengo más rellenos de tambor por aquí. Es agradable tener esta visión general de arreglo. Ahora. Resto la percusión donde fuerte y reviso el nivel dentro del grupo. Haga clic. Ya tengo ese grupo. Entonces voy a establecer datos. Y nuestro tamarindo abajo. Se siente realmente bien. Entonces ahora tenemos nuestros tambores en o base en toda nuestra percusión un poco moviéndose por la pirámide. Estos sonidos ahora tienen un poco de pan. Ya sabes, no son tan ruidosas como la patada y la base, pero están un poco rodeando la patada y la base. Entonces pasemos a nuestros instrumentos melódicos. Esos van a ser los próximos en el tipo de flujo de trabajo. Entonces bajaré esto y lo traeré. Probablemente va a ir a un tramo de la pista donde están todos explotados y él iría rombo. Aquí vamos. Es como nosotros donde teníamos esos para revisar el interior de la mezcla. Aquí, este intrusivo o quién sabe, qué pasará, es que la mayoría de MOOC. Estamos sacando esa voz melódica, sólo un toque. Es agradable saber que se siente realmente bien. Probemos esta otra sección. Voy a pasar por nuestros primeros dos miles. Y se puede ver una regla general que he aplicado es que la voz principal es un poco, es más mono y está más arriba por el medio y es un poco más fuerte. A las voces de la armonía como los acordes y las notas de armonía sostenidas, esas son más amplias y un poco más tranquilas. Por lo que hizo un punto para equilibrar bien los fuera. Y ahora por último, veamos al jefe de la armonía. Ahora, solo lo voy a solista para asegurarme de que recordamos con qué estamos trabajando. Esta almohadilla a través. El API te permite usar. Entonces eso parece encajar muy bien para nuestra última pista. Vamos a inmutar. Es nuestros efectos deben recordar estos son esas pistas de retorno aisladas fueron grabadas para que podamos picar y cadena lateral y esas cosas. Entonces esto es algo más súper ancho que va a ser lo más tranquilo. Todos nuestros pequeños símbolos de un solo disparo, sonidos blanditos y sonidos de transición también están aquí. Por lo que quizá quisiéramos movernos a lo largo del arreglo y asegurarnos de que obtenemos la sección roja. Vayamos aquí a esta parte. Ahora, el repentino, muy agradable. Entonces tenemos una buena mezcla general, todo sonando bien. Pasemos a la siguiente sección. Asegúrate de que tengamos todas esas minorías de un solo disparo. Muy bonito. Entonces una vez que tenemos todo el paso abajo, note que tiene mucho sentido sólo un poco como una doble comprobación. Mira aquí y domina canal y mira donde terminamos. Nuestro objetivo debe estar en algún lugar alrededor del negativo cinco, el negativo seis. Y negativo seis dB es realmente el tipo de meta estándar de la industria para una canción remasterizada. Y vamos a rebotar y vamos a estar haciendo eso en próximos videos. Acabamos de pasar y construir nuestra pirámide. Y mucha gente está aprendida de hacer este paso porque son como, Oh, ya llevo tanto tiempo trabajando en la canción. He estado mezclando a medida que voy. Y eso es genial. Pero lo que pasa es que cuando estás como trabajar en el tambor de la caja, vas a querer que sea agradable y ruidoso. Y cuando estés trabajando en las almohadillas, vas a querer que sea agradable y ruidoso. Y a medida que pasas por hacer la canción, Todo tiene que ser ruidoso y correcto. Pero hay algo importante en una mezcla cuando es como exuberante y hay algunos sonidos que están en el fondo, algunos sonidos que están todos al frente. No todos los miembros de la banda deben estar justo frente a la fase de audiencias. Y somos capaces de lograr esto de manera bastante efectiva reconstruyendo armados experimentados un poco a partir de cero. Muchas escuelas de pensamiento por aquí, por ahí en el mundo sobre cómo mezclar la pista. Este es sólo uno de muchos. Pero empezar a construir tu pirámide alrededor de tu patada en el negativo 10, subir tu base al gusto, luego hacer voces si tienes alguna, y luego desplazarte por la pirámide hasta que por fin llegues a los efectos de sonido y, y los sonidos de transición y tales que son los más amplios y silenciosos, eso va a dar generalmente buenos resultados consistentemente en lo que respecta al mixdown. Entonces estamos listos para echarlo todo. Eso es lo que estaremos haciendo en el próximo video. Entonces gracias por pasar el rato conmigo. Está bien. 37. Ajustes del procesamiento: Está bien, estamos de vuelta, tenemos nuestro sonido mix y realmente bueno. Estamos bastante contentos con ello. Ahora es el momento de hacer algunos ajustes de render que vamos a hacer en este video es que vamos a rebotar nuestro premaster negativo de 6 dB. Ahora ya construimos nuestra mezcla alrededor de un patada al negativo 10, lo que nos dejó en aproximadamente 7.7 negativo, lo cual es bastante dulce. Dejemos esto en la gota y veamos qué pasa. De hecho, creo que tal vez escuche de verdad cuando las cosas están pateando. El 6 negativo en algún lugar entre el negativo cinco y el negativo ocho suele estar bien. Y luego como ustedes notan, yo estaba revisando aquí mi espectro sólo para ver cómo miraba esa pendiente. Esta es nuestra última oportunidad de hacer cualquier retoque mezclado las hojas probablemente deberían sacarlo un poco. Yo sí siento que los armones en esa base son un poco calientes. Entonces esta es nuestra última oportunidad de pasar y hacer cualquier pequeño retoque final. Tenemos un poco negativo seis por ahí. Voy a ir voy a mirar el cielo una vez más. Entonces solo puedo tomar una pequeña nota, puedo decir, está bien, bueno esta nota F y esta g, que son ambas rojas alrededor de 350 y 400, así como tal vez esta 580 a 350 y 500, 600. Simplemente puedo dirigirme a mi pista de bajo y tal vez equipo que un poco en ya está un poco anidado, pero me voy a dar un pequeño nodo más, rojo alrededor de ese rango de 350 a 400, un poco más estrecho. Empuja un poco a esos tipos. Y este tipo, tal vez voy a derribar sólo un poquito más y tal vez por qué terminó justo después nuestra sombra CR mira ahora, esos son un poco más igualados y un poco de manera constante no habían hecho eso. Suena bien a mis oídos. Por lo que última oportunidad de columna en cada semanas en la mezcla, revisa dos veces tus niveles, hazlo entre el negativo seis y el negativo ocho. Y ahora solo podemos seguir adelante y seleccionar todo en todo el arreglo con Command a y luego golpear Command L para configurar la carrera de bucle alrededor de todo el asunto. Shift Comando R para renderizar al disco y hacer nuestros huesos. Ahora bien, si terminaste antes de hacer el rebote, necesitando ajustar cualquier margen de cabeza aquí, como tal vez fuera demasiado alto o demasiado tranquilo, solo puedes ajustar tu ganancia aquí. Otra cosa que puedes hacer si quieres es que puedes seleccionar todo en todo tu mezclador. Y como en este caso, queríamos que esto fuera hasta negativo seis. Sólo perfeccionemos eso. Negativo seis, es más o menos perfecto momento tambor lleno. Con todos estos seleccionados aunque podría hacer clic aquí y puedo sostener Shift y estoy ajustando todo el mezclador en décimas de un dB. Vamos a intentarlo aquí, que es tres, negativo cuatro poco demasiado lejos. Restablecerlo. Y tú mantienes un seguimiento por aquí. Genial. Por lo que CR seleccioné todo y hago un pequeño turno click solo para equilibrarlo. También puedo simplemente ajustar esto, pero nuestro objetivo está en torno al seis negativo y la parte más ruidosa de la canción. Y una vez que seleccionemos todo, podemos presionar Shift Command R para ir a nuestra configuración de render. Y los grandes pasos que quieres asegurarte de volver a comprobar aquí es que tienes a todos estos tipos apagados en particular convertir o obviamente convertir a mono. Pero normaliza, quieres asegurarte de tener apagado. Y luego suele poner esto a 24 bits. Y sin dither, realmente no necesitas hacer un MP3 en este momento, pero esa es generalmente tu configuración de render. Si tu audio fue grabado originalmente todo en 441, probablemente podrías estar rebotando a los 40 por uno. En ocasiones esto te dará la oportunidad de establecer hueso y duplicar la tasa de muestreo. No es realmente necesario para la música electrónica, pero si estás haciendo una partitura cinematográfica música o música clásica y grabada en la orquesta o algo donde las sutilezas en el rango de frecuencias pueden ser realmente, realmente súper importantes. Esa puede ser una teoría que algunas personas se adhieren a conocer. En este caso, estoy escuchando al 44 uno, puedo entrar en una de mis pistas de audio y puedo echar un vistazo a esta muestra. Está en el 441. Entonces mi, todo mi audio y esta sesión es de 44 1s. Entonces ahora voy a rebotar en realidad al 441 o duplicar eso al 88 para evitar 48 o 96, lo pondré al 44, 124 bit. Eso tiene sentido. Todas esas cosas apagadas. Ahora voy a hacer mi balance. Y el último pequeño consejo para este video está al final del nombre del archivo. Aquí es donde realmente tiene mucho sentido ponerlo tal vez un subrayado y luego hacer seis negativos. Premaster todos los topes al final del nombre del archivo. Esto es importante porque se trata de un archivo silencioso con todo ese margen de cabeza en la parte superior y cosas de alta resonancia. Realmente no quieres poner esto accidentalmente bajo SoundCloud o cualquier cosa que tenga sentido para mantenerlo separado. Por lo que al golpear Guardar ahora va a estar rebotando mis 6 nicks negativos de archivo. Y esto va a ser lo que vamos a arrastrar de nuevo al maestro y a nuestros próximos videos. Entonces, cuando se trata de ese premaestro, tener ese nombre de archivo correcto tiene mucho sentido. También tiene mucho sentido mantener esta cosa bien organizada. Ponlo en la carpeta del proyecto y solo asegúrate en cualquier momento que vayas por el camino, no sé, haz un MP3 o comparte una pista con alguien o lo que sea. Simplemente mantén este negativo 6 archivo tipo de debajo de envoltorios solo para ti porque de nuevo, es silencioso. No tiene desvanecimientos ni nada aún. Está en maestro. Y por eso me gusta mucho tener esas cosas de nombre de archivo realmente arregladas. Y más allá de eso. Y eso es más o menos. Entonces una vez que se echen estas cosas, podemos presionar el botón de pausa y pasaremos a dominar esta pista la próxima semana para las lecciones de masterización. Entonces, de acuerdo, que tengan una gran noche. 38. Dominar la teoría: Muy bien todos, estamos de vuelta. Esta serie de videos. Vamos a cubrir algunas técnicas de maximización o masterización. Podrás aplicarlo a tus mezclas estéreo. En otras palabras, después de que hayas rebotado una pista como lo hicimos en los videos anteriores que está en el negativo seis, una especie de archivo WAV más silencioso. Vamos a poder arrastrarlo de nuevo, capaces de seguir estos pasos, para bombear y asegurarnos de que sea tan fuerte y claro como pueda ser. En términos generales, cuando estés mezclando, asigna tu tipo de mezcla silenciosamente, asegurándote de que todo esté bien equilibrado en relación con todo lo demás. En tanto que cuando es hora de dominarlo, todo se trata de conseguir que sea lo más alto y claro que pueda ser en referencia o relación con otras pistas tal vez en tu stream. Porque este podría ser el último paso que alguien va a tocar la canción antes de que se muestre en Spotify o Pandora o iTunes o cualquier servicio de streaming que esté usando la gente. Y quieres asegurarte de que cuando tu canción se encienda, sea tan fuerte y clara como las anteriores canciones profesionalmente mezcladas y dominadas. Entonces hay un poco de una vieja teoría aquí llamada la guerra de sonoridad. Incluso datando de los primeros días de la radio, las canciones que más discos vendían fueron las que más sonaban. Porque cuando venían en el DJ, ya sabes, tocaría la siguiente canción en la radio y permitía que una canción llamara la atención de todos. Entonces ese fue un poco el nacimiento de la guerra de sonoridad. Y ahora es mientras sí creo que la gente realmente ha crecido fuera de eso y están buscando algo que sea un poco más dinámico y esencial que solo lo más ruidoso posible. Ciertamente sobre todo en géneros modernos de EDM y esas cosas. La sonoridad sigue siendo realmente, realmente importante. Sé que he dígito muchas de mis propias canciones son obras en progreso atrás en el día en que no hice esto. Y muchas veces hay que encender el mezclador DJ y simplemente no suena tan bien. Por lo que realmente queremos asegurarnos de que cualquiera que escuche en casa pueda escuchar todos los sonidos y es agradable y claro. Y eso nos va a permitir simplemente optimizar nuestra experiencia de oyentes. Por lo que maximizando, me gustaría llamar a este tipo de proceso de masterización. Y esto realmente se trata de levantar esa sonoridad. Entonces si recuerdas al mirar el canal maestro, un buen lugar para empezar es subir tus metros hasta donde están agradables y calientes, átalo bonito y alto. Y quieres asegurarte de que tu medidor, tus volúmenes sean todos 0 hasta 0 negativo. Entonces hay todo el camino hacia arriba. Y podremos ver cuando importemos nuestra pista y asegurarnos, ya sabes que está alcanzando su pico por debajo siguen en torno al negativo seis. Y vamos a poder ver que la medición de RMS tan bien como estábamos hablando en videos anteriores. Y por aquí en el maestro, después de que bombeemos todo, podrás ver que el RMS se pone más fuerte y más fuerte. Y eventualmente a medida que el nivel RMS se pone dentro de unos seis dB de los picos, te estás acercando a un bien dominado así sucesivamente ahora, si está mezclado bien, probablemente ya esté bastante cerca de eso. Pero diferentes estilos requieren un nivel diferente de RMS. Y en general, si vas por música electrónica, el DJ va a tocar o a ser tocado en un festival o en un club. Se quiere que esa neta, ese valor de RMS esté en algún lugar alrededor de cuatro negativos. Dar o tomar un par de dB, cualquier cosa menos que eso, como el negativo tres va a sonar bastante áspero a menos que sea E cued perfectamente. Y nada más que eso, como el negativo seis o el negativo siete simplemente no va a ser lo suficientemente alto como para apilar a las otras melodías de tu lista de reproducción. Entonces eso es un poco sobre el estándar RMS. Otra cosa que me gustaría mencionar realmente, muy rápido, es que quieres asegurarte de que si sabes que estás masterizando al MP3 o simplemente el servicio de streaming, eso es solo un poco de un enfoque diferente a si estás dominando al vinilo. Por ejemplo, el masterización del vinilo es su propia forma de arte y no estamos cubriendo eso en esta clase para nada. Asumo que después de que rebotes estas pistas, las vas a poner en Bandcamp o SoundCloud o subirlas para destruir niño o lo que sea. Por lo que suben a Spotify o vencieron puerto. Para eso estamos preparando cosas. Entonces esto es mastering para la era digital y para idealmente mastering para que nuestros tracks eventualmente se conviertan en MP3s, lo cual es un poco doloroso. Pero eso es lo que es. Entonces para volver a preparar una sesión, queremos asegurarnos de que soy nuestros volúmenes aquí están todos a 0. Y generalmente puedes deshacerte de cualquier pista que tengas a excepción de una pista de audio. Y también quiero asegurarnos de que no haya efectos por defecto ahí. Esa es una especie de configuración va a ir aquí a la Vista de Arreglo, estará apagando la cuadrícula también, así que podemos simplemente soltar cosas. Esto es justo como una baraja de cinta ahora. E incluso podríamos deshacernos de la cuantización de lanzamiento o del contador si tuviéramos uno. Por lo que esto ahora va a ser una especie de todo configurado para masterizar en una sola pista. Y en nuestro próximo video, empezaremos a apilar algunos efectos en nuestra pista y a conseguir que suene agradable y fuerte. Tan tóxico. 39. Preparativos para dominar: Muy bien, ahora que estamos de vuelta aquí y listos para empezar a importar nuestra sesión y prepararnos para el mastering. Puedo tabular a la vista de arreglo y puedo hacer un par de movimientos de configuración rápida. En primer lugar, puedo golpear al Comando F4 para salir de la parrilla. Por lo que ya no tengo rejilla de edición y también puedo ir al condado. Y si tenía uno y me deshago de eso, eso va a ser molesto cuando esté dominando. Además de apagar la cuantización de lanzamiento. Esto ahora sólo va a funcionar como una cubierta de cinta estereofónica. Y puedo arrastrar mi pista y prepararla para masterizar. Entonces voy a seguir adelante y sólo agarrar mi melodía, mi premaster negativo de 6 dB. Y voy a dejarlo caer. Y voy a asegurarme de mirar aquí que tengo el archivo negativo de seis db y voy a mirar por todo el margen de cabeza y ver si hay algún pico grande y fuerte. Incluso este tipo de aquí es quizá un poco cuestionable. Si de verdad quisiera ser súper anal retentiva, podría entrar en el mixdown y averiguar qué fue ese pequeño golpe de tambor. Eso fue un poco fuerte o sonido de percusión. A lo mejor es una grabación de campo. Pero en general, antes de dominar, Siempre es agradable ver una etapa de ganancia agradable incluso todo el camino a través de toda la pista. Por supuesto que debe haber dinámicas. Pero si tuvieras como un gran pico aleatorio sobresaliendo más grande de lo que ves aquí, probablemente vas a querer volver a la mezcla y arreglarla. Eso por supuesto se suavizará en masterización. Pero cuanto mejor sea la mezcla, menos que mastering tiene que evocar realmente, y mejor sonará el producto final. Entonces ahora que hemos importado la pista y lo podemos ver en el canal. Tiene sentido hacer doble clic y buscar y asegurarse antes que nada, que no esté en modo warp. Eso es realmente, realmente importante. Y me dicen que jodiendo esto, si tienes tu pista siendo deformada en absoluto. Y luego además de eso, se quiere poner desvanecimientos en la parte frontal del archivo. Esta es una etapa muchas veces pasada por alto pero crítica proceso de masterización del ingeniero de masterización. Entonces vamos a deslizar esto hacia el inicio de la canción. Y ahora sólo voy a decir el primer sonido que oigo. Generalmente quiero tenerlo alrededor de la primera nota 16. Aquí la teoría es que después de golpear Play, tienes como una fracción de segundo para quitar la mano del botón antes de escuchar el primer sonido. Eso va a asegurar que ningún audio se desvanezca ni nada se esté desvaneciendo y quitando el ponche del primer sonido. Como incluso digamos por ejemplos, sí tenías una pista que empezó igual que boom, y la dejaste caer así. No querrías dominarlo así. Te gustaría acercar. Se puede ver aquí mi nota 16, Ahí está mi primer 16. Probablemente pondría esto como leer en algún lugar aquí. Y luego entraría en este primer hit y sólo me aseguraría de que ese phage vea cómo fue incluso lo suficientemente suave ese primer hit, eso es gueto. Quieres que primero esté completamente ahí, pero no quieres que no se alimente porque eso sonará como un clic potencialmente. Entonces en algún lugar ahí con sólo un poco de desvanecido, una nota 16 en, y sonaría así. Está bien, Así que justo cuando alzas la mano, golpea el juego. Ahora en el caso de nuestra producción, fuimos inteligentes y seguimos adelante y le dimos un poco de silencio y el inicio de la pista. Entonces ahora sólo puedo decir, está bien, vamos por aquí. Consigue que este primer hit esté en algún lugar un poco antes de esa primera nota 16, esa es una buena cantidad de aliento, tal vez un poco menos. Y luego voy a seguir adelante y poner un poco de desvanecerse aquí para asegurarme de que no haya clic en el principio. Vamos a probarlo. Entonces eso suena genial y se siente genial. Ahora vamos a ir hasta el final de la pista y hacer lo mismo. Vayamos por aquí y aquí es donde realmente me gusta asegurarme de que pueda ver mis medidores porque vamos a estar esperando que el sonido se ponga completamente en silencio. Y parece que está en silencio pero no lo es. Vamos a esperar hasta que esa cosa salga todo el camino. Justo por ahí. Eso es genial. Y puedo ver dónde está esa línea. Vamos a arrastrarme por ahí justo por ahí. Y entonces puedo seguir adelante y golpear el desvanecido. Probemos eso. E imagina como cuánto tiempo quiero que esto esté sonando antes de que la próxima canción empiece por ahí? Entonces en realidad voy a acercarlo un poco más. Sólo vamos a la finura y ese altro se desvanece. Esto se pasa de nuevo por alto. Pero importante técnica de los ingenieros de masterización para dejar que esa cosa se desvanezca. Eso probablemente es genial. De hecho, siento que aún es un poco mucho tiempo justo para que la siguiente pista de Pandora se desvanezca o lo que sea. Entonces eso es, esa es una buena configuración. Entonces ahora lo que voy a hacer es agarrar esa carrera de bucle, y la voy a arrastrar hasta el principio mismo de la canción, asegurándome de incluir cualquier silencio que puse ahí manualmente y luego sacar esto hasta el final del pista. Acércate un poco más aquí. Mi consejo es conseguir eso derecho hasta el final. Ahora tenemos una bonita configuración o se importa una pista. Podemos ver todo el juego stage loop brackets alrededor de toda la cantidad de tiempo con fundidos. No estamos en modo warp. Y ahora no hay ninguna adición, tampoco hay basura adicional en la sesión. Al igual que aunque sí tuvieras algunas pistas de retorno, puedes seguir adelante y eliminar a todos esos tipos. ¿ Alguna sesión adicional, alguna cosa adicional? Siempre, por supuesto, asegurándose de que no haya efectos por defecto en la pista. Los volúmenes están todos en 0 también. Por lo que esto se acaba de borrar en 0. Y deberíamos estar bien para ir, solo empieza a procesar esta pista y en realidad bombeándola y haciéndola agradable y ruidosa estará haciendo eso en el próximo video. 40. Maximizar: Está bien, así que el video que todos han estado esperando, esta ahora es la sección de procesamiento del maestro en clase, así que lo hemos importado, todo está bien, un montón de espacio de cabeza se desvanece dentro y fuera. Todo se siente bien. Hora de aplicar un poco de salsa. Por lo que la teoría general de la tira de canales que hemos cubierto en esta clase en el pasado, especialmente en el nivel de mezcla alrededor comenzando con efectos de frecuencia donde se corta y luego efectos de amplitud donde se aprieta la dinámica. Y entonces tal vez alguna saturación o distorsión para agregar armónicos. Esa es una especie de la idea básica, el mismo flujo que vamos a seguir. Esto va a ser aún más específico. Por lo que en términos generales, los principales dispositivos que utilizamos en nuestra tira de canales de masterización cuando estamos trabajando completamente dentro de Ableton son los siguientes, EQ Eight y luego dinámica multibanda, y luego compresor de pegamento. Y esas son las tres clases de herramientas estándar de Mastering que vas a usar casi todo el tiempo. Ahora vamos a caminar por la configuración de esas cosas tal como lo hicimos antes. Vamos a querer cortar la base. Ahora creo que voy a ir a una parte de la canción Eso es bonito y ruidoso. Yo sólo voy a ir por aquí. Eso es basado en células caídas. Es un poco papel ahí mismo. Voy a asegurarme de no estar impulsando en absoluto y me acabo de cortar y por lo general en algún lugar entre 2033 hertz, 2528 suele ser un buen lugar. Tengo ese sub bass realmente profundo Robin Wall, que me gusta mucho. Entonces quiero conservar eso tanto como pueda y tratar de acercarme. Y sí, eso se siente bastante bien. Entonces corté la base, eso es fácil. Lo siguiente que haría es quizá escurrirlo un poco. Entonces vamos a encender una banda. Y si recuerdas de mezclar, escurrimos generalmente en algún lugar entre como tres o 400 hercios hasta cerca de seis o siete k Esa es realmente la zona que queremos tener cuidado. Entonces en general para mí, esto se siente bastante agradable para mis oídos, así que no voy a pensarlo demasiado. Y recuerdo, no olvides esa técnica para mezclar y masterizar donde puedes hacer que tu banda sea más estrecha y aislarla en solitario. Definitivamente algún anillo y pasando justo ahí sacaron 3.06 hertz. Ahora naturalmente con contenido que tiene mucha melodía y armonía y clave, se va a poner más fuerte cuando estás golpeando notas que están en clave como esa clave del pecado. Eso está en qi. Doo, doo doo. Entonces estamos escuchando idealmente cosas que son indeseables. Definitivamente tenía un par de ss chillones por aquí como este tipo. Eso no es de ninguna manera. No creo que cortemos eso solo para tocar. Entonces podríamos hacer eso unas cuantas veces si quisiéramos saber general y escuchar y sentir que es bastante sólido, Hagamos una más y solo veamos si podemos hacer una pendiente más suave o impulso. Voy a volver a dar esta copia de seguridad justo alrededor de las cuatro o cinco en la cola. Definitivamente algunas cosas pasando ahí. Voy a tomar ese tema. Y este es un tipo de proceso puedes repetir tipo de ad nauseum, pero hazlo en pequeñas cantidades y usualmente hazlo en silencio o volúmenes para asegurarte de que no estás fatigando innecesariamente tus oídos una vez que has hecho un poco o sonando, yo también les gusta mirar el muy, muy top y hacer azúcar a veces por accidente, sobre todo cuando estás trabajando en audífonos, terminarás con impulsos innecesarios aquí abajo y eso puede ser realmente crece sónico. Entonces vamos a agarrar un estante. Por lo general ir a algún lugar como las 10 K. Y escucharemos las estanterías. Vamos a ver algunos picos aquí arriba. Esas pequeñas frecuencias no importarán demasiado en niveles tranquilos. Pero cuando lo enciendes o estás frente a un gran sistema de sonido y van a ser bastante desagradables. Entonces esa es la configuración del EQ. Entonces esa es una gran, gran parte de las etapas de masterización o maximización, esos EQs sustractivos. Y probablemente los voy a redireccionar después de aplicar un poco de compresión de pegamento y recorte suave, igual que hicimos en la mezcla, donde existe esta relación entre apretar la dinámica y cortar lo innecesario frecuencias. Pero vamos, lo dejaré en eso por ahora y tendremos la oportunidad de hacer un poco más de lectura y próximamente. 41. Sweeteners adicionales: Muy bien, Ahora que hemos aplicado algunos sonando EQ, sigamos adelante y pasemos a la dinámica multibanda. Voy a apagar el compresor de pegamento. Y luego te voy a seguir, te voy a guiar a través de cómo marcar realmente correctamente en el dispositivo NVD. Este tipo es realmente dulce, realmente poderoso la forma en que suele empezar ya que quieres solo cada una de las tres bandas. Se trata de tres compresores diferentes en paralelo. Uno solo para los mínimos, uno para los máximos, y otro para el rango medio. Estos pequeños deslizadores de aquí van a ajustar la banda de frecuencia para el corte. Entonces si solo esto, solo estoy escuchando las frecuencias por encima de 2.5 K, y así sucesivamente. Entonces ajustemos esto. Quiero obtener tanta información en los máximos y bajos para un poco estrecharse en los medios, básicamente separar mis instrumentos al mejor de mi capacidad. Entonces voy a solista a esta banda y ajustar esto hasta que sólo pueda escuchar el tipo de brillo y no ninguno del cuerpo de ninguno de los sonidos menos a veces escucharé el tambor de la caja. Y de verdad no quiero escuchar demasiado lazo y esta cosa en absoluto más que tal vez sólo un poco brillante, brillante. Entonces eso es genial. Ahora hagamos los mínimos. También escucharé la trampa, por ejemplo. Voy a plantear esto, pero asegúrate de no escuchar la grieta de esa trampa del cuerpo. Eso es lindo. Ahora aquí está no tener subs y ningún gol resplandeciente. Entonces ese es el primer paso. El siguiente paso será capaz de mirar a cada una de estas bandas y decidir cuál de ellas es la más dinámica. Y si necesita alguna compresión, por lo general la que más se está moviendo va a ser la primera que dirijas. Y se puede decir que estamos en modo RMS porque esto está encendido. Por lo que sólo estamos viendo los promedios que tiene más sentido en esta etapa. Cantidad decente de dinámicas en todo el tablero. Empecemos con lo más alto. Entonces para poder comprimir los máximos, voy a hacerlo, este es mi umbral ahora mismo. Voy a agarrar esto, voy a tirar hacia abajo a r Sólo estoy un poco de tic cuando esas tapas. Teniendo en cuenta, este es mi compresor RMS. Y ahora puedo dar click en el medio y simplemente tirar hacia abajo. Estoy dando click aquí en verticalmente tirando hacia abajo. Y notarás que estas pequeñas líneas horizontales se están acercando. ¿ Qué está pasando ahí es que Qué era 10 dB? Todas las líneas verticales aquí, perdóname, verticales son de 10 decibelios de diferencia. Y a medida que se acercan cada vez más juntos haciendo clic aquí y tirando hacia abajo, en realidad estamos disminuyendo la cantidad de dinámica por encima del umbral. Este tipo de una forma fresca de mirar la compresión. Entonces ahora que lo he hecho y es un poco suena todavía bastante cool. Puedo ver en el mejor de los casos estoy haciendo 10 dB de reducción de ganancia ahí. Por lo que ahora voy a este juego de salida y vuelvo esto a alrededor de 10. Ahora antes de hacer demasiado de esto, voy a sacarlo un solo para escucharlo por completo y ajustar esto para probar lo que estoy filmando por la ciudad. Supongamos que se llama esto abajo. Qué solo golpeando a esos pequeños Grayson, esos tops. Ahora agreguemos un poco de compresión tirando hacia abajo un poco más bajo. Mirando, estoy cortando cerca de cinco. Tomémoslo hasta en solitario y recomprémonos hasta todo nuestro nivel para equilibrar eso hasta alrededor de cinco negativos y cinco positivo socio. Nuevamente, solo estoy ajustando esto al gusto aproximadamente yendo alrededor de este número. Impresionante, Así que eso está sonando bastante bien. Vamos AB que Marla tantas presencias, ganancia y cabeza escenario dinámico multi-banda. Siempre es un poco impactante dado a mí lo he hecho un millón de veces. Ahora vamos a solista el bajo y hacer lo mismo. Queremos tener mucho cuidado de no comprimir demasiado el bajo, pero voy a escuchar y también voy a cubrir algunos de estos parámetros ascendentes aquí para la base, esto podría ser divertido, así que voy a mirar y vamos a ver dónde esa compresión debe ser. Por lo general, de nuevo, el umbral solo debe estar haciendo cosquillas en los tops, asegurándose de que cuando la señal se calla definitivamente vaya por debajo del umbral. Y ahora puedo agregar algo de compresión aquí. Se puede ver que los pequeños medidores VU comienzan a separarlo. Eso indica cuánta reducción de ganancia hay, alrededor de tres. Y otra vez, no lo equilibraré hasta que lo saque. Un solo, Claro. Entonces otra cosa que puedes hacer con la base y con cualquiera de estas frecuencias es que puedes aplicarla hacia arriba, compresión o expansión. Entonces si traigo esto así, y evoco compresión aquí abajo, esencialmente va a mantener la base tan fuerte. Entonces si me gusta la compresión pesada, que es hacia arriba en este caso, está empujando ese sub bass hacia arriba. En otras palabras, no dejar que el sub bass se ponga más tranquilo que esto. Esto es como el ajuste OTT. Ya has visto esos presets OTT, estoy seguro, sobre todo si eres nuevo en ETM, cosas de hacer emitida súper duper fuerte compresión ascendente es realmente genial. Otra cosa que está realmente apretada puedes hacer con este dispositivo que me gusta mucho, sobre todo si estoy haciendo algo, digamos el ingeniero de mezclas original yo o alguien más sobre comprimir el bajo. En realidad puedes revertir esto y ver cómo si tiré hacia abajo ahora realmente estoy expandiendo las líneas verticales. Por lo que están más separados, van a volver a agregar algún rebote a mi base. Entonces siempre que la base en este caso descienda más silenciosa que el umbral, va a empujar hacia abajo y fuera de la forma como lo hace una puerta. Escuchemos eso. Ahora eso es agregar dinámica a las partes tranquilas del sonido. Ahora en este caso, así que mis oídos, un poco quiero comprimir hacia arriba. Entonces voy a darle algo de compresión a esto. Escuchemos eso por completo. No haríamos un algoritmo de bucle, por ejemplo. Y eso se siente bastante bien, digamos B. Y así sonaba antes. El pelicula Americano. Lo divertido que puedes hacer con la dinámica multibanda también, es que aquí hay una escala, una cantidad para todas las ratios. Entonces si bajas esto cuando es como apagarlo y puedes hacer más o menos. A veces terminaré exagerando un toque y tiraré de esto solo un poquito para meterme un poco más en el tipo de estado dinámico sexy. Lo que pasará es que si es demasiado ruidoso, cuando lo subas en voz alta, va a lastimar los oídos. Y así esto de nuevo es una oportunidad para volver atrás y hacer más escurridor si querías una interfaz. Prueba eso. Por último, eso todo suena bastante niebla y bueno para mí. Y deja salir un poco más. La compresión es un algoritmo de subáreas, por ejemplo, o perder. Genial. Entonces sí, esto es, quiero decir en general yo que el EQ sonaba bastante bien en esta cosa y la dinámica multibanda definitivamente también. Vamos a escuchar. Pero una última vez sin ningún defecto, son geniales en algunos contentos con eso. Por último pero no menos importante, es hora de encender el compresor de pegamento. Por lo que el compresor de pegamento es realmente dos dispositivos diferentes en uno, por defecto, sus clips suaves, que podrían estar apagados y esto probablemente esté abajo. La primera mitad del compresor de pegamento es el tipo de compresor real que se basa en el umbral. Y luego estos tres controles ahora, cualquier reducción de ganancia que estarás evocando va a mostrar medición. Y en este caso, si voy a hacer algo con la mitad izquierda del dispositivo, sólo le daré un par de dB de compresión tal vez. Y en términos generales, en masterización, quieres que esa cosa sea bastante rápida. Normalmente no subo todo el camino rápido, pero como punto de partida, Eso es un buen comienzo. Y bajaré este umbral. Sólo un tour de toque. Yo sólo estoy cosquillas en un poquito de los picos es un té de hierbas. Y en realidad a mí, yo, realmente no me gusta demasiado esa compresión, así que sólo estoy haciendo lo suficiente honestamente, va a empujar hacia abajo a ese chico realmente pequeño flagrante. A ver, Vamos a ver a ese medidor saltar cuando golpea esta pequeña parte ruidosa de la señal. Miedo porque es como empujarlo hacia abajo, empujarlo hacia abajo como un DB o algo así, eso está bien. De acuerdo, Así que ahora vamos a la segunda mitad del dispositivo. Y voy a golpear esta sección, traerlo aquí. Para la segunda mitad del dispositivo, voy a encender la limitación recortada suave. Hace dos. El limitador de clip suave tiene un poco de luz cuando se conduce hacia él con la ganancia o pérdida de maquillaje. Entonces lo estoy haciendo ahora es que estoy subiendo esto y digo que estoy empezando a ver ese parpadeo de luz apenas un poquito. Y ahora que solo pensé que Flickr dejé ir. Volvamos a tocar a jugar justo donde lo dejamos y veamos esa luz apenas volteando. Entonces ahí es donde golpeo Pause y pestañeo sobre el mezclador y le echo un vistazo a este mezclador. Recuerda que estoy aquí arriba a las 0. Y así mi, idealmente cuando estoy empujando esta ganancia de maquillaje hacia arriba, justo cuando veo ese parpadeo es cuando mis picos van a estar pegando 0. Y de hecho, se puede ver este campo aquí está recordando mi último pico, el límite de clip suave o te alcanza a 0.5 negativo. Entonces otra vez, si reinicio esto, baje esto a donde alcanzando el pico negativo 5.5, traiga eso de vuelta. Por lo general, cuando tienes que bajar un poco los altavoces, sistema va a empezar a ponerse ruidoso. Y se puede ver ahí mismo, Veinticinco años. Eso es lo que el SAR renunció limitadores factor general en reversa. Y ahora llego a decidir cuánto RMS voy a tener finalmente, igual que mencioné en los videos anteriores de hoy, RMS headroom es cuánto ceros aquí, volumen promedio. Y así queremos llevar el RMS por lo general en algún lugar alrededor del negativo cuatro y negativo cinco para como volumen máximo tipo de cosas EDM. Y si me subo de esta manera, va a estar trayendo ese RMS súper fuerte. También va a estar evocando mucha coloración o distorsión del circuito de soft clip. Si tengo esto abajo bajo, tendré mayor distancia entre el pico y el RMS. Por lo que se puede ver cuando esa trampa clips de tambor aplaude suenan como cinco negativos. Por lo que estamos alcanzando su máximo en el negativo cinco y nuestro RMS estaba en como 20 negativo. Por lo que tenemos como 15 dB diferencia entre el RMS y el pico, que es a dinámico. Entonces vamos a seguir adelante y aumentar esto para subir los picos en algún lugar alrededor de las cinco o seis es cuando vamos a empezar a golpear el circuito de soft clip. Y vamos a seguir adelante hasta que veamos que RMS suba por ahí alrededor del negativo seis, negativo cinco, en algún lugar por ahí. Esto es, mi RMS se está subiendo ahí alrededor de la negativa tres. Entonces en realidad voy a bajar un poco esto. Y ahora hemos usado como frase introduce perfectamente trabajando. En la siguiente premisa, más beats por millón de umbral hasta nosotros. Ahora este va a ser un bonito archivo ruidoso. Por lo que el EQ para cortes, dinámicas multibanda para separar cada banda y darles un poco de compresión o expansión hacia arriba o hacia abajo. Y luego el compresor de pegamento para hacer cualquier recorte final de cualquier pico más sobre todo solo impulsando en este bonito circuito de coloración. El circuito de soft clip no lo dejará ir en los rojos. Pero cada vez que veas esa pequeña luz parpadeando, estamos evocando alguna distorsión ahora, ingeniero de masterización normal es suave recortando bastante las pistas, especialmente en géneros más pesados como dubstep o dubstep. Cualquier cosa pesada así, va a haber recortes suaves, sobre todo en los picos como los tambores y esas cosas. Entonces eso es todo manejando eso ahí mismo. Entonces esos tres son tus dispositivos principales. Ahora bien, si quisieras meterte en alguna afinación realmente fina de cosas como la imagen estéreo, sobre todo como si estás haciendo música acústica, Es muy común tal vez colarse un poco de reverberación sutil aquí después de la dinámica multibanda y antes del circuito de clip suave, y luego después de la reverberación, incluso podrías hacer un poco de dequeuing del medio lado. Otra técnica que he visto a la gente hacer mucho en la nota de imagen estéreo es poner un EQ Ocho justo aquí antes del Compresor de Pegamento. Apague todos los nodos, pero póngalo en modo medio. Y luego ve a las bandas estéreo y simplemente corta cualquier información innecesaria de gama baja. Veamos cuánta información estéreo hay en los suburbios. Ves, así debe verse. Simplemente se deja caer. Nuestra linda, así que no hay imagen estéreo. Y la base, si hubiera visto movimiento en contenido de frecuencia aquí abajo en las bandas estereofónicas, seguro que cortaría eso de ahí solo reírse alrededor de 80 o 90 hercios, tal vez hasta un 100 hertz. Puedo incluso poner la estantería empinada, escarpada corte que me va a permitir empujar aún más este umbral hacia abajo. También podrías considerar poner un pequeño impulso en los máximos. Por lo general digo ser muy cauteloso al hacer demasiados impulsos cuando estás dominando. Se trata principalmente de cortes. Cucú. En este caso. Si no lo necesitas, no lo uses. Creo que está bien. Esta es nuestra tira de canal maestro. Por lo que antes de seguir adelante, me desplazaría, clic en todos estos y golpear Comando G y mostrar el encabezado para el rack. Y yo llamaría a este canal maestro IDM. Y eso guardaría en mi biblioteca de esa manera. No voy a usar la misma configuración, pero al menos estoy recordando dónde lo dejé la última vez. Y si decido que hay algún retoque que necesito hacer en la pista misma. Yo puedo hacer eso. Y voy a tener esto como buen punto de salto para tirar cosas ahí dentro. Entonces BAM, ahí tienes. Entonces de eso se trata para este video, el canal maestro, tira de canales. Definitivamente puedes pagar a la gente para que domine tu música hoy en día, bastante barato, pero este es un proceso realmente genial y realmente también es bueno para tu cerebro. La próxima vez que entres y estés haciendo tus micrófonos, obtendrás una mejor mezcla si has intentado dominar tus pistas tú mismo también. Muy bien, así adelante con el análisis de nuestro trabajo y haciendo poca comparación AB. Este maestro con nuestras melodías favoritas. 42. Renderizado y referencia: Muy bien, Así que acabamos de terminar de dominar nuestra pista y ahora vamos a tabular sobre la vista de arreglo. Vamos a hacer clic en nuestro bucle ortopédico, asegurarnos de que incluye el principio y el final de todas esas cosas del silencio. Los efectos están todos encendidos. Los volúmenes están todos en 0. Podemos simplemente hacer clic aquí, justo fuera de la parte superior en la carrera de bucle y golpear Shift Command R. Y vamos a poder incluirlos Maestro, por supuesto, puedes prácticamente dejar todo esto apagado por completo. Y aquí la última vez en la que vas a querer añadir un poco de dither. Hablaremos de dither en un segundo una vez que golpeemos OK aquí, una buena onda 441 de 24 bits tiene sentido. quiere asegurarse de que es la misma frecuencia de muestreo o doble de la frecuencia de muestreo de la grabación original. Este fue un rebote de 40, 41, así que voy a dejarlo 24 bits seguro. Y entonces en este caso, si quisiera hacer un MP3, podría, voy a encender eso sólo para ahorrar tiempo. Pero este es un motor MP3 realmente bonito. Sí te da un MP3 realmente agradable es. Entonces una vez que golpees bien, vas a querer poner esto en tu carpeta de proyecto desde tu pista original. Y en este caso, sólo voy a llamar a esto el nombre de la canción, música democrática inteligente. Apenas el nombre completo de la pista. No hay espacios, no hay montajes de posibles, no importa demasiado garganta en tu carpeta de proyecto. Entonces eso va a hacer eso fuera. Ahora llego a contarte de Deere ahí. También hubo un filtro que eliminará el aliasing y otras palabras como cualquier sutil distorsión digital que se quede atrás de convertir el archivo entre diferentes frecuencias de muestreo y profundidades de bits, sobre todo si sí tuviste alguna grabaciones en tu sesión de que somos diferentes frecuencias de muestreo, el dither va a ayudar a filtrar cualquier ruido innecesario. En otras palabras, entonces cuando hagas como normalizador, domina el archivo cuando lo bombes, solo estarás bombeando lo bueno. Y no habrá frecuencias de distorsión sobrantes que sean artefactos no deseados debido a la conversión de la tasa de muestreo en alguna porquería totalmente nerdy. Pero ahora que hemos pasado las cosas nerdy, Vamos a meternos en las cosas divertidas. Voy a agarrar mi ola y la voy a dejar caer de nuevo en mi sesión. Tendremos la oportunidad de mirar nuestra canción y ver cómo se ve. Por lo general me gusta ampliar verticalmente mis pistas para que sean aproximadamente las mismas. Puedes usar Opción Mayús y dos dedos. Consigue que tenga aproximadamente la misma altura. Y mira eso. Esa es una bonita albóndigas ruidosa, picante. Y ahora si quisiéramos, podríamos simplemente silenciar esta pista y podemos acercarnos esto y asegurarnos de que se cayera y justo en la parte superior. Oops, yo simplemente no apunté del todo esa caída en el lugar correcto. Y ahora tenemos una bonita pista masterizada. Por lo general lo que voy a hacer es entrar y mirar la parte más ruidosa de la pista y comprobar cómo se ven los picos. Incluso estos picos aquí Hay ver que ver ese pequeño roll-off en la parte superior. No es una esquina afilada, es una curva. Si viste como un jag afilado y una esquina, ese es el tipo de distorsión que va a dejar armónicos innecesarios o indeseables. Ahora en este caso es un poco curva e inscríbase fuera de la parte superior. Eso es que Compresor de pegamento, limitador de clip suave. Y si decidieras después de escuchar esto, ya sabes, es un poco demasiado, sabríamos qué parámetro volver a entrar y entraríamos justo aquí y solo bajaríamos un poquito esta ganancia de maquillaje. Y vas a tener un poco más de dinámica en la mezcla. Ahora en este caso, sólo escuchemos esto rápido y veamos cómo suena. Y asegurándose de que estamos en 0 por alcanzar el máximo en el negativo 25. O RMS aquí es alrededor de siete negativos. Bueno, ¿para qué es ese sub bass head? Probablemente estar arriba alrededor de negativo cuatro. Whoops. Nunca hemos conocido modo. Este tipo de volumen es como vas a necesitar una célula de DJ o un nervio. Ahí está la pendiente es negativa para una casa no sólo hacen cierta edad o ciertas energías. Entonces todo esto suena bien. Estoy escuchando de cerca cualquier tipo de rarezas como sobrecargas o distorsión que suene asqueroso, todo se siente bastante bien y suena bien. No me duele en absoluto los oídos. Estoy bastante contento con esto. Entonces último pequeño consejo que te puedo dar, y esto es lo que cualquier ingeniero de masterización siempre debe asegurarse de sugerir, es que sigas adelante y antes de llamarlo realmente completamente hecho, toma uno de tus temas de artistas favoritos en ese estilo y el estilo de la música que estás dominando, sobre todo si no son tus propios temas, absolutamente quieres hacer esto con seguridad. Voy a seguir adelante y agarrar un, un efecto a enzima. Probablemente cierremos y echemos un vistazo a la forma de onda aquí. Ahora se trata de una canción de un género similar. Y si lo miro con aproximadamente el mismo tipo de altura en la pista, puedo ver cómo se ve eso también. Acerquemos la parte del tambor de patada fuerte de la pista aquí y veamos cómo se ve eso. Echemos un vistazo a los picos FX Twins, veamos cómo están golpeando la parte superior de su tipo de redondeado. Eso se ve casi igual. Escuchemos a RMS sabio y veamos cómo suena eso. Negativo cuatro se vuelve muy bien para él amarlo. Entonces ahora eso es un buen comienzo. Entonces lo siguiente que haría es vomitar el fader de cruz. Y esto puede ser un poco doloroso porque clavar una mezcla como tus productores favoritos puede ser realmente duro. Pero yo solo desmutaré mi pista maestra, los tendré uno al lado, y luego le asignaré el fader de cruz aquí para ser a y B. Y luego aquí mismo en el interruptor de fader de cruz en sí, el fader mismo. Voy a golpear mapeo clave. Y notarás que puedes teclear mapa a la izquierda o a la derecha del fader cruzado. Entonces esto me permitirá ahora puedo golpear Shift Spacebar, y ahora puedo tener uno o dos y un B, S. Ahora ¿cuál es la palabra angustia? Y este tipo de obtener una idea de cómo se siente fuera. Y ya sabes lo que me estoy quitando de esto. En primer lugar, podríamos estar un poco más ruidosos. ¿ No es eso asombroso? Al igual que ¿cómo podría ser esto más fuerte? Pero realmente podría serlo. Creo que podríamos haber, podríamos escapar si de verdad quisiéramos. Podríamos bombear nuestra propia pista un poco más fuerte incluso con eso, con esa ganancia de maquillaje en el compresor de pegamento. Ahora lo que estoy notando es que su pista está alcanzando el máximo de 0, como todo el camino hacia arriba. Entonces si reinicio este fader, nuestros picos van hasta arriba. Ahora, en términos generales, cuando estás dominando tus propias canciones, quieres darles un poco de espacio para la cabeza. Esto se debe a que, sobre todo dicen cuando conviertes tu pista a un MP3 y sí consigue este poco de distorsión que puede suceder si es todo el camino hasta 0. Entonces hay diferentes escuelas de pensamiento al respecto. Si querías agregar el 0.5 dB, Hay un par de maneras diferentes en las que puedes hacerlo. Puedes ir a la pista original y solo puedes poner una utilidad ahí y agregar 0.5 y eso pondrá tus picos justo arriba en 0. Otra cosa que puedes hacer cuando lo haces vas a rebotarlo, solo puedes encender normalizarte y eso va a terminar seguro garantizando que eres archivo WAV está en negativo 0 dB. Diferentes escuelas de pensamiento al respecto. Personalmente me gusta dejar medio dB allá arriba, sobre todo porque sé que voy a convertir esta pista en una ola o en un MP3. Y acabo de leer un poco sobre cómo hay un buen argumento para dejar un poco de margen de cabeza encima del archivo si lo vas a convertir a un MP3. Entonces de cualquier manera, eso nos deja sintiéndonos bastante seguros podemos AB entre nuestras vías. La respuesta es una especie de desglose. Entonces vayamos a una parte donde ambos estén patadas. Ahora tiene mucho sentido tener un tipo similar de mezcla pasando en estas secciones de las canciones son tan diferentes. Sentí que el principio aquí era realmente donde eran niños. Ahora, si vamos por aquí sí, como alguien sólo alinea esas secciones si querías. Entonces aquí vamos a tener una linda mezcla AB entre estos dos. Y eso es generalmente bastante satisfactorio cuando las cosas se sienten bien y agradables y bien equilibradas y similares tipos de secciones de la canción. Por supuesto, no querrías comparar la construcción o el desglose con la caída o algo así, pero alinear esos puede tener sentido. Y ahora tenemos una agradable sensación de cómo funciona esto. Podemos llamar a esta pista de referencia. Y eso puede ser otra cosa que podríamos construir fácilmente en nuestras plantillas. Y ahora tenemos un AB con un mezclador que podemos tener, correcto, bonito y empacado ahí bajo el capó. Por lo que sabremos que podremos librar chequear la referencia y luego la pista original. Y solo puedes seguir haciendo nuevas versiones, haciendo pequeños ajustes. Este es un lugar realmente genial para dejar fuera. Entonces, de nuevo, hay muchas escuelas de pensamiento diferentes a la hora de mezclar y maximizar o dominar tu track. Y así, sí, muchas gracias por tomar esta clase. Te agradezco mucho y esperamos trabajar contigo en los próximos cursos. Y espero que te desees todo lo mejor. Está bien. 43. ¿Qué viene después?: Muy bien, Hemos llegado al final de la Parte 6. Enormes cantidades de material vivo 11. Espero que lo pasaras bien. Espero que hayas aprendido mucho. ¿ Qué sigue? Bueno, lo grande que aún no hemos abordado es Max for Live. Por lo que te animo encarecidamente a revisar un curso de Max for Live. Voy a tener uno nuevo dedicado a vivir 11 fuera en breve. Va a ser lo siguiente que empiece a hacer. Y no todo va a ser sobre programar Max for Live. Algunas de ellas, una buena parte de ella va a ser solo sobre cómo usar Max for Live y cómo encontrar cosas que otras personas han hecho y las están regalando de forma gratuita. Hay una enorme comunidad de gente que acaba de hacer efectos e instrumentos locos y sorprendentes usando Max for Live y luego simplemente publicarlos y regalarlos de forma gratuita si sabes cómo encontrarlos e instalarlos. No obstante, también hablaremos de los fundamentos de la programación en Max for Live. En realidad aprendí a usar Max antes de aprender a usar en vivo. Max estuvo por ahí mucho, mucho tiempo, aunque sea más viejo que vivir. Pero entraré en toda esa historia cuando lleguemos a Max for Live, es realmente fascinante. Por lo que espero verte en esa clase. Si no esa clase, tengo otras 100 clases que podrías revisar que aprovechan vivir. Todo, desde la composición hasta la composición, hasta la anotación cinematográfica, hasta hacer beats y grabación de audio, todo tipo de otras cosas. Así que por favor revise algunas de esas cosas para profundizar aún más en todos estos conceptos. 44. Lectura extra.: Oigan todos, quieren aprender más sobre lo que estoy en ustedes. Puedes inscribirte en mi lista de correos aquí. Y si haces eso, te haré saber cuándo se liberen nuevos cursos y cuando haga adiciones o cambios a cursos en los que ya estás inscrito. Además, echa un vistazo en este sitio. Publica un montón de cosas ahí y lo reviso todos los días. Entonces por favor ven a pasar el rato conmigo. ¿ Y uno de esos dos lugares son o ambos? Y nos vemos ahí.