Visuelles Storytelling Unleashed: Der Plan des Filmemachers

1. EINFÜHRUNG: Hallo und herzlich willkommen zu diesem Kurs und Einführung in das Filmemachen. Mein Name ist David Richey und ich habe in den letzten fünf Jahren kurze Telefone, Werbung, Musikvideos und Dokumentationen geschrieben, produziert, Regie und bearbeitet . Und auf dem Weg habe ich das Handwerk gelernt, indem dem Feld bin und auch von anderen großen Filmemachern. Obwohl, um nützlich zu sein, um alle Tipps und Tricks zu teilen, die ich auf dem Weg gelernt habe, gibt es keine bessere Zeit in heutigen digitalen Landschaft für Content-Ersteller und Filmemacher, um zu gedeihen. Und es ist zu einer hoch geschätzten Fähigkeit geworden, die Welt, die Geschichten, die Sie und andere interessieren, präsentieren zu können. Ob es sich um fiktive Idee handelt, die die tiefsten Themen dessen erforscht, was es bedeutet, menschliche und innovative Geschäftslösung zu sein , die Sie bewerben möchten, oder um einen packenden Dokumentarfilm, der die verborgene Wahrheit in unserer globalen Gesellschaft enthüllt. Filmemachen hat beispiellose Macht, Veränderungen hervorzurufen und haben sinnvolle Auswirkungen in unserem, in diesem Kurs, werden wir die Essenz der großen Geschichten entpacken, Verständnis, Charakterisierung, um die Reise Ihres Protagonisten zu strukturieren und die -Themen , die Sie in den Genres erkunden möchten, mit denen Sie arbeiten. Dann schauen wir uns an, Ihren Vorproduktionsprozess zu organisieren, Ihr Skript im richtigen Format zu schreiben, Ihre Besetzung und Crew zu organisieren und all die unordentlichen, dreckigen Papierkram in Ordnung zu bringen. Danach geht es darum, die Bühne zu setzen und die richtige Mise-en-Szene zu nutzen , um die Stimmung und den Ton Ihrer Geschichte zu verbessern. Sobald Sie das abgeschlossen haben, werden wir uns den Postproduktionsprozess ansehen und ihn von einem groben Entwurf in ein poliertes Meisterwerk verwandeln , indem wir die sechs Regeln der Bearbeitung, der effektiven Partitur und des effektiven Sounddesigns verwenden. Schließlich werden wir uns die Marketing-Distribution ansehen und verschiedene Methoden erforschen wie Sie Ihren Film an das richtige Publikum bringen und Ihre Spuren in der Faltung hinterlassen können. Also schnappen Sie sich einen Platz in Ihrer Höhle, greifen Sie einen Stift, und dann ohne weiteres Lichter, Kamera, Action. 2. ACT I: Dein Protagonisten: Es war einmal in einem fernen Land, etwas Außergewöhnliches ist jemandem passiert. Das ist die Blaupause der Geschichten, die wir erzählen. Und eingebettet in sie sind Begegnungen mit dem Unbekannten. Lektionen für uns zu interpretieren und die Fähigkeit, kulturelle Überzeugungen zu formen , wie wir mit uns selbst zusammenhängen, wie wir Sinn für die Welt um uns herum machen und wie wir uns mit den Menschen um uns herum verbinden. Aber was gibt eine Geschichte, dass X-Faktor? Nun, es geht nicht immer darum, was passiert, sondern vielmehr, mit wem es passiert. Der Protagonist. Dies ist der zentrale Charakter, um den die Geschichte gebaut wird und die Reise, die wir folgen. Denken Sie Frodo von Der Herr der Ringe, in der Nähe des Matrix-Symbols vom König der Löwen. Luke Skywalker aus Star Wars, Harry Potter, von Harry Potter. Und die Liste geht weiter. Wenn eine Geschichte ist ein Segelboot, Ihre Charaktere anderen Bruder, der das ganze Schiff steuert. Wir erlebten die Welt durch eine Protagonisten Objektiv der Wahrnehmung. Auf ihrer Reise sammeln sie Wissen, um eine Reihe Hindernisse zu überwinden , die vor ihnen gelegt wurden, Sie haben es erraten, der Antagonist, die gegnerische Kraft zu verlangen. Dann, kurz bevor wir denken, dass sie es haben, ist alle Hoffnung verloren, aber er oder sie schafft es, all ihre Kraft zu beschwören und den Sieg aus den Kiefern der Niederlage zu schnappen. Wenn du dein Publikum dazu bringen kannst, dort zu sympathisieren, wo deine Charaktere begehren, hast du enorme Grundarbeiten geleistet. Was jedoch deine Erzählung bereichert, ist, ihnen einen Fußboden zu geben , der hinter diesem Lied verborgen ist. Und das Publikum wird unbewusst danach sehnen, dass es ihnen anerkennt , dass sie sich ändern, um das Ziel zu erreichen. Es geht nicht immer darum, was sie wollen, sondern was sie brauchen. Auf der Oberflächenebene beobachten wir, wie Ihre Charaktere die Welt um sie herum navigieren. Aber ihr interner Entscheidungsprozess fügt der visuellen Erzählung eine dritte Dimension hinzu und ermöglicht es dem Publikum, das zu spüren, was passiert. Fragen Sie sich also, wie verändert sich Ihr Charakter nicht nur extern, sondern intern? In Breaking Bad zum Beispiel, Walter White, ein Mann, der an Krebs stirbt, ist besorgt, dass sein Lehrgehalt nicht in der Lage sein wird, Frau und behinderten Sohn nach seinem Tod zu unterstützen. Wir folgen seine Reise über fünf Jahreszeiten, als er Metamorphismus Größen von undurchsetzungslosen elementaren Wissenschaftslehrer zu einem rücksichtslosen erfüllt, Drogenhandel King geschrieben Änderungen Schlüssel. welchem der Charakterarchitekturtypen gehört dein Charakter? Der Geliebte, der Held, der Zauberer, der Gesetzlose, der Entdecker, der Weiser, der Unschuldige , der Schöpfer, der Herrscher, der Betreuer , der jeder Mensch. Die Geste wird die Charakterisierung in einem Moment in der Tiefe betrachten. Aber für jetzt, suchen Sie nach Inspiration in Ihren eigenen Erfahrungen von sich selbst, Menschen, Sie wissen schon, Menschen, von denen Sie gehört haben. Was ist die Geschichte, die in dir brennt, die du erzählen willst? Was ist der Film, den Sie sehen möchten? Worum geht es? Und warum ist diese spezifische Geschichte wichtig? Erzählen Sie alle Geschichten und besser, weniger als n braucht, um Glück zu haben. Und die Erkenntnis, die die Komplexität des Lebens und der Firma, die Sie betonen möchten, vereinfacht und aha, Moment im Bad, wenn Sie Ihre Protagonisten Geschichte zu entwickeln. Erstellen eines Charakters durch oder kann Ihnen dabei enorm helfen. Es gibt Grund für ihr Verhalten und macht sie glaubwürdig, wenn das Publikum sie zum ersten Mal trifft. Aber was passiert in einer Geschichte? Und wie strukturierst du es? 3. AKTE I: Story: Die Menschheit hat immer nach der Struktur gedient , um Ordnung aus dem Chaos zu machen, das uns umgibt. Wir gingen vom Leben in Bäumen über das Leben in Häusern, Reiten, Autos fahren, Flüssigkeiten haben, Impfstoffe erfinden. Es gibt immer Lösungen. Und Filmemacher machen das schon seit Jahrzehnten. Aristoteles Drei-Akt-Struktur definiert jede Geschichte als Anfang, Mitte und Ende. Eine These, Antithese und Synthese, die Exposition, Konflikt und eine Schlussfolgerung. Die Fünf-Akt-Struktur ist eine weitere Verfeinerung hierbei. Und teilen Sie einfach den zweiten Akt in drei Teile. Trennung dieser Handlungen sind die Umkehrungen oder Wendepunkte, Aktionseinheiten, die durch die Wahl eines Charakters begrenzt sind. Im ersten Akt wird die Ausstellung, die Zeit und der Ort definiert. Was normal ist, ist bekannt, und die Aufmerksamkeit wird auf jeden Begriff des Konflikts gebracht. Eine dramatische Frage wird dem Publikum nur gestellt, damit sie im letzten Akt beantwortet wird. Wird der Bösewicht damit davonkommen? Nun, er oder sie findet Liebe. Der erste Wendepunkt ist der Anstiftung. Die Entscheidungen präsentiert sofort gewählt, gibt es keine Abzweigung in der Straße zurück. Die Wahl der roten pro, fallen in das Kaninchenloch, Kiefer behaupten ihr erstes Bit. Der zweite Akt, Komplikationen entwickeln sich. Nicht so gefesselt. Interessen kollidieren, Spannungen steigen. Der Protagonist steht vor dem ersten Hindernis und triumphiert in der Regel darüber treibt sie in den dritten Akt. Und hier findet der Mittelpunkt statt. Der Knall in der Mitte, Jeopardys Aufstieg. Titanic trifft Eisberg und Alien platzt aus einem Astronautenmagen. Die Kräfte des Antagonismus stärken und schützen sein Wissen über die Veränderungen der Situation. Eine Wahrheit wird enthüllt, und sie müssten sich daher entsprechend anpassen. Der vierte Akt, ein weiteres Hindernis ist konfrontiert und ist oft der Krisenpunkt der Geschichte Welt. Die Protagonisten kehren zurück und sterben, oder verändern sich in Nerven. Die Einladung wird präsentiert und hier ist alles auf dem Spiel. Es ist das Showdown-Spiel, Finale, Held trifft Bösewicht. Der Junge merkt, dass es niemanden gibt, wie wir das Gebäude rauskriegen müssen, bevor es explodiert. dem fünften Akt wird ein letztes Ziel eingeführt. Den Antagonisten zu besiegen, die Dämonen zu überwinden, den Preis zu gewinnen, nach Hause zu kommen oder das Wachstum zu bekommen. Unser Protagonist kämpft gegen den Antagonisten mit Wissen, das nach dem Mittelpunkt gewonnen wurde , und überwindet sie und wird zu Loch. Sie kehren dann nach Hause zurück, eine verwandelte Person. Jetzt gibt es keine strengen Regeln, wenn eine Geschichte strukturiert wird. Aber dies ist eine allgemeine Richtlinie, die Ihnen hilft, eine Handlung zu erstellen , die immer wieder entwirrt und hält Ihr Publikum engagiert. 4. AKTE I: Charakterisierung: Wir sind alle gleich, aber anders. Alle Kartoffeln in der ernsten Spiel genannt Leben. Wie ein Gefühl von Selbst, wer wir sind. Andere Reflexionen unserer Mutter und Vater sind Freunde, die Führer, mit denen wir leben. Und all die Geschichten, die wir gemeinsam teilen. Wenn man älter wird, wünscht sich der Einzelne klarer zu erkennen und zu definieren. Der Konflikt zwischen der Art und Weise, wie wir wahrgenommen werden wollen, und was wir wirklich fühlen, ist die Wurzel aller Charaktere. Männer und Frauen leben in ständigem Konflikt mit den Wünschen, während sie versuchen, sozial akzeptables Verhalten aufrechtzuerhalten. Wir befinden uns ständig in einem Tauziehen zwischen unseren Egos, was wir präsentieren wollen, und dem inneren Wirken dessen, wer man wirklich ist. Wenn Sie Ihre Skriptgeschichte schreiben, überlegen Sie, was das ist, was es ist, was es ist, was es ist, dass Ihr Charakter braucht anstatt diejenigen, während er oder sie auf ihrer Reise fortschreitet. Wie haben sie die Fußböden anerkannt? Wie haben sie ihre inneren Verwundbarkeiten aufgedeckt und ihre Fassaden angehoben? Was sind die tiefsten Ängste und wie überwinden sie sie? Hier ist eine Liste von Zeilen, an die Sie denken und denken können. Ihr Mittelpunkt sollte diese beiden Kräfte umkehren, wo es dem Charakter offensichtlicher wird , was sie brauchen, anstatt was sie wollen. Wie reagieren sie auf eine Reihe von Herausforderungen im ersten Akt gegen Herausforderungen im fünften Akt? Wie haben sie sich intern verändert? Was sind die Abwehrmechanismen des Egos gegen äußere Veränderungen? Lachen sie und weinen darüber? Von deinem Gehweg? Töten oder verzeihen? Jede beantwortete Frage stellt eine tiefere Charakterisierung und einen unvergesslicheren Charakter für Ihr Publikum dar. Jetzt ist dein Protagonist nicht der einzige Charakter, der die Geschichte vorwärts bewegt. Es ist auch wichtig, auf andere Charaktere in der Geschichte zu achten, wie zum Beispiel den Antagonisten. Es muss nicht unbedingt eine Person sein, aber es kann auch eine äußere Kraft oder ein innerer Kampf sein. Die Deuteronomistik. Dies ist die Person, die sekundäre Ladung ist oder eine zyklische ist, wie Rob, Ihr Liebesinteresse, ein Mentor, eine Person, die den Protagonist in die richtige Richtung führt und zeigt. Der Erzähler, Dies ist die Person, die die Geschichte erzählt. Oft sind es die Protagonisten selbst, der Tutor-Agonist oder in den meisten Fällen eine dritte Person, die wir nicht getroffen haben. Und das ist in der Regel der Regisseur des Films, ein sekundärer Charakter. Das ist jemand, der Ihre Protagonisten auf der Reise begleitet. Tertiärcharakter, jemand, der nicht mit Ihnen Protagonisten auf ihrer Reise, aber immer noch wichtige Informationen liefert. Und dann gibt es Flaggenfigur, jemand, der normalerweise in einer Szene ist, der nicht viel zur Geschichte hinzufügt, aber immer noch hilft dem Protagonist. Sie kennen jetzt die Bausteine, wie der Protagonist und die Geschichte. Aber was ist es, dass Sie tatsächlich versuchen, auf Ihrem Telefon zu antworten? Was versuchst du mit Zielgruppen zu kommunizieren? wem versuchst du zu sprechen? Um dies zu beantworten, müssen wir uns die Themen hinter Ihrem Flow in unserem nächsten Kapitel ansehen. 5. AKTE: Ein Film kann mit einem Essay verglichen werden. Es gibt eine anhaltende Frage, die beantwortet werden muss. Und tun Sie das, Sie müssen in ein paar Recherchen graben, die Beweise finden, um Ihre Botschaft zu unterstützen. Das Thema eines Schaums ist das Thema der Diskussion oder des Themas in der Diskussion. Welche Themen der menschlichen Verfassung versuchst du also zu erforschen? Ist eine Veränderung? Konflikte, Gemeinschaft, Erkundung, Kräfte, Beziehungen, oder die Muster oder Macht verbunden, oder einige weitere Links für Ihre Referenz, wo Sie Themen der Diskussion finden, die zu integrieren. Sie können Thema beenden können in andere Unterthemen und Wettbewerb Fehler Nummer verzweigen. Aber es ist wichtig, es einzugrenzen, in der Regel auf eine zentrale Idee. Wie sich Ihr Publikum nach dem Verlassen des Films fühlen wird hängt davon ab, wie ein Schriftsteller die Geschichte schreibt. Der Ton ist textuell, wie der Autor es geschrieben hat. Die Wahl der Wörter. Stimmung ist jedoch das Gefühl, das im Betrachter hervorgerufen wird, als Folge davon zu sehen, was der Autor zu schreiben oder zu zeigen gewählt hat. Als Filmemacher sind es Kombinationen von Farben, Lichtern, Winkel, Sounds, Partituren, Ausdrücken, Symbolen und Gegenüberstellungen, die Sie integrieren können, um bestimmte Stimmung für Ihre Szenen und Charaktere zu verbessern. Wir werden in ein paar Kapiteln in unserer Rubrik, Mise-en-Scene, darauf eingehen. Nehmen Sie sich jetzt die Zeit, um die speziellen Themen zu erforschen, die Sie sezieren. Lesen Sie mehr über die Wissenschaft, die Geschichte, einige Artikel, Tagebücher oder Biografien hinter ähnlichen Geschichten, ähnlichen Ereignissen und anderen Persönlichkeiten. Also, wie erstellen Sie Thema? Nun, Sie müssen Ihren Keratinkonflikt platzieren. Dies schafft die Möglichkeit, Aktionen, Entscheidungen und Gespräche zu entfalten. Verstärken Sie Ihre Themen mit Motiven, wiederkehrenden Bildern oder Details, die das Publikum an die zentralen Ideen des Telefons erinnern. Durch Wiederholung. Durch Wiederholung stellen Sie Ihre Gedanken und Ideen mit Symbolen dar. Hierbei handelt es sich um Charaktere, Einstellungen oder Objekte, die auf etwas Bedeutendes im Film anspielen. Indem Sie diesen Prozess nutzen, wird es Ihr Skript verbessern, um viel viszeraler und authentischer zu sein. Ich hoffe, Sie haben sich diese wichtigen Fragen gestellt , welche Themen es ist, die Sie angehen wollen. Wie wir gehen zu unserem nächsten Kapitel, Was ist Ihr Handys Genre? 6. ACT I: Genre: Komödien bringen uns zum Lachen. Thriller machen einen Schrei. Hormone machen einen Schrei. Dokumentarfilme stellen uns in Frage. Und Sci-Fi lässt uns darüber nachdenken. Und komm, lass die Wohlfühl-Fusion fließen. Hatten Sie jemals dieses Gefühl, wenn Sie einen Film anschauen, können Sie fast vorhersagen, was tief im Inneren passieren wird. Sie haben die Sequenz schon einmal gesehen und haben eine Ahnung von irgendeiner Art von dem wahrscheinlichen Ergebnis. Nun, das ist, weil Filme oft Gebrauch von Tropen oder Motiven, die das Publikum in der visuellen Alphabetisierung Banks enthalten. Ja, ein Link unten, um weitere Genres zu erforschen. Das Filmgenre ist ein System von Codes und Konventionen, die es in solche Summen kategorisieren. Genre-Beispiele sind Komödien, Drama, Action, Horror, Thriller, Abenteuer, Kriminalität, historisch, Krieg, Western, Saphire, Dokumentarfilme. Und die Liste geht weiter und weiter. Jetzt, um eine gewisse Vertrautheit im Film zu erhalten, werden Schriftsteller oft Tropen verwenden. Dies ist ein Motiv, das genug wiederholt wird, um erkannt zu werden. Thriller nutzen Sprungschrecken. Verbrechensermittlungen werden eine große Handlung haben, drehen, ich Ende. Und Westler haben eine Abstandshaltung, und so weiter und so weiter. Weitere Beispiele zu Tropen, die in Film verwendet werden, Sie unter den Links unten. Genres schaffen Erwartungen und große Filmemacher sind in der Lage, sie zu untergraben, was dem Genre und dem Film ein neues Gesicht verleiht. Sie können auch zu mehr als nur einem Sprung miteinander verwoben werden. Zum Beispiel ist Rush Hour eine Action-Komödie. Schindler's List ist ein Entendrama und die Schwerkraft ist ein Science-Fiction-Thriller. Machen Sie sich also mit dem Genre vertraut, mit dem Sie arbeiten. Sie wissen also, welche literarischen Geräte gut mit ihnen funktionieren. Es gibt keine Regeln und Zuschauer lieben es, wenn die Regeln gebogen, verdreht oder gebrochen sind. Also experimentieren Sie. Jetzt hast du die Essenz deiner Geschichte. Du hast einen fleischigen Protagonisten und andere Charaktere erschaffen. Sie haben ihre Reise in ihre Handlungen strukturiert. Verstanden die Themen, die zu erkunden suchen, und das Genre, in dem Sie arbeiten mit. Es ist Zeit, diese Idee in ein Skript zu bringen und mit dem Vorproduktionsprozess zu beginnen. 7. ACT II: Schreibe dein Drehbuch: Die meisten großen Ideen wurden geboren, wenn ein Bleistift-Papier, sie waren wahrscheinlich schrecklich zu beginnen. Aber im Laufe der Zeit wurden sie verfeinert, bis etwas Magisches auftauchte. Einstein hat seine Relativitätstheorie nicht ausgedacht. Und ein Tag, noch schrieb Shakespeare seine Stücke in einer Nacht. Ihr Skript nimmt also eine Reihe von Entwürfen, bevor Sie es potenziellen Geldgebern, Schauspielern und anderen Teilnehmern präsentieren können . Einige Skripte können zehn Entwürfe erreichen, bevor sie überhaupt in Betracht gezogen werden. Lassen Sie Ihrer Fantasie freien Lauf und füllen Sie die leeren Felder. Verbinden Sie die Punkte, und beginnen Sie, das größere Bild entstehen zu sehen. Je früher du anfängst, desto besser. Füllen Sie die Grundlagen durch den Aufbau der Welt und Regeln, die sie folgen. Dann positionieren Sie Ihren Protagonist darin und identifizieren Sie ihre Ziele. Stellen Sie zusätzliche Charaktere wie den Antagonisten, den Mentor, die Liebesinteressen und andere zuvor erwähnte Charaktere vor und erstellen Sie Szenen, die die Reise mit Ihren Wendepunkten vorangetrieben haben, den Mentor, die Liebesinteressen und andere zuvor erwähnte Charaktere vor und erstellen Sie Szenen,die die Reise mit Ihren Wendepunkten vorangetrieben haben, Straßen müssen zu vermindern Handlungen führen. Nun, wenn Sie einen Dokumentarfilm produzieren, ist der Prozess etwas anders. Dazu müssen Sie zwei Spalten erstellen, die Ihre Audiodaten und Ihre Visuals beschreiben , die die Zielgruppen sehen und hören. Die Erzählung wird sich entwirren, wenn Sie Ihre Interviews und Recherchen führen und bedenken, wie Sie Ihre Fragen in Interviews formulieren auch beeinflussen, wie die Antworten gegeben werden. Versuchen Sie also, sie so zu gestalten, dass sie die Erzählung hervorrufen, die Sie suchen. Geben Sie dem Drehbuch etwas Atemraum. Eine große Ziegelmauer namens Writer's Block sollte in kürzester Zeit vor Ihrer Haustür ankommen. Aber sehen Sie es nicht als Barriere, sondern als Signal, spazieren zu gehen, Freunden, Familie und Kollegen zu sprechen. Stellen Sie Ihre Idee zu ihnen und die Chancen sind, dass sie etwas Relevantes erwähnen, wie eine Idee, einen Gedanken oder ein Gefühl, das Sie sich dann vorstellen können, dass Sie sich dann in Ihr Skript anpassen können. Skripte sind beides mit dem, was Filmemacher Beats nennen. Ein Beat ist das Timing oder die Bewegung eines Films oder Abspiels. Es ist eine Ereignisentscheidung oder Entdeckung, die die Art und Weise ändert , wie die Protagonisten sein Ziel verfolgen. Beginnt also, Szenen mit weiteren Aktionen, Verhaltensmerkmalen und Dialog zu besprechen , die sie bereichern werden. Publikum möchte auch wissen, wohin die Reise geht. Daher ist es effektiv, die Vorausschattierung durch Phrasen, Symbole oder Eingabeaufforderungen, die Sie auswählen, zu nutzen. Alles muss aus einem bestimmten Grund geschehen. Jede Szene muss einen Anfang, eine Mitte und ein Ende haben. Es gibt ein bekanntes Zitat in der Filmindustrie und das heißt, spät in die Szene zu kommen und so früh wie möglich zu gehen. Drehbücher unterscheiden sich von Büchern oder Artikeln. Der Schriftsteller muss wissen, was passiert, anstatt dem Publikum explizit zu erzählen. Sie sollten so schreiben, dass Sie beschreiben, was an der Oberfläche geschieht und vorschlagen, was sich intern innerhalb Ihrer Charaktere entwickelt. Eine allgemeine Faustregel ist eine Seite des Skripts ist eine Minute Bildschirmzeit. Daher wird ein Kurzfilm zehn bis 30 Seiten und Feature Telefone 90 zu einem 130 Seiten. Jetzt, als kreativ zum anderen, werden Sie nie diesen perfekten Entwurf erreichen. Aber mit dem dritten Entwurf sollte es in der Lage sein, über die Teams nachzudenken, die Sie nähern möchten. Wir müssen jedoch sicherstellen, dass es vorzeigbar aussieht, was uns zum nächsten Kapitel bringt. Das Skriptformat. 8. ACT II: Drehbuchformat: Drehbuchautoren auf wie das Öl in die Schaumindustrie, sie sind diejenigen, die die Produktion tanken. Und so wie Engineering-Diagramme eine standardisierte Art der Messungen haben , Variablen und Konstanten. So auch Skripte. Sie bieten ein standardisiertes Format, das kann, dass Direktoren die Seiten leicht durchscannen und ihre Teams für die Produktion vorbereiten können. Die Grundregeln der Skript-Formatierung lauten wie folgt. Sie sollten den Korea Fonds in der Größe 12 verwenden, einen 1-Punkt-5-Zoll-Rand auf der linken Seite, einen 1-Zoll-Rand rechts von der Seite, einen 1-Zoll-Rand oben und unten auf der Seite. Jede Seite sollte ungefähr 55 Neunen haben. Der Dialogblock beginnt 2,5 Zoll von links. Zeichennamen müssen Großbuchstaben sein und 3,7 Zoll von links positioniert sein. Seitenzahlen werden in der oberen rechten Ecke mit einem halben Zoll Rand vom oberen Rand der Seite positioniert . Und die erste Seite sollte nicht nummeriert werden. Und jeder Nummer folgt ein vollständiger Stopp. Die Titelseite. Dies hat in der Regel die Details darüber, was der Titel des Films ist und von wem das Drehbuch geschrieben wurde. Überschrift der Szene. Dies ist der Ort, an dem die Szene stattfindet und es, und es ist wichtig zu bezeichnen, ob es drinnen mit int oder outdoor oder beides verwendet wird. Innen, außen, wenn es sich bewegt und zu welcher Tageszeit es ist, egal ob Tag oder Nacht, Sonnenaufgang oder Sonnenuntergang. Manchmal zeigen Autoren, wie jede Szene Positionen von außen nach innen ändert, oder um einen anderen Raum zu beschreiben, in den die Charaktere innerhalb der Szene verschoben haben. Übergänge. Diese können verwendet werden, um die Art und Weise zu beschreiben , in der Ihre Szenen von einer zum anderen übergehen. Es kann ein Ket, ein Verblassen oder ein Auflösen sein. Einführung in Charaktere. Wenn Sie ein Zeichen zum ersten Mal einführen, verwenden Sie alle Großbuchstaben und Referenzmerkmale wie Alter, Outfit und anderes Personal. Persönlichkeitsmerkmale oder Manierismen des Charakters. Aktion. Beschreiben Sie die visuellen und akustischen Aktionen, die auf dem Bildschirm stattfinden. Sie müssen in der dritten Person und in der Gegenwart schreiben. Wenn ein Element für die Geschichte wichtig ist, stellen Sie sicher, dass Sie alle Großbuchstaben für den hervorgehobenen Dialog verwenden. Dialog ist das, was Sie Karotten sagen wollen. Und es ist wahrscheinlich der schwierigste Teil des Skript-Schreibens. Sie sollten zwischen den Zeilen und nie auf die Zahlen schreiben. Charaktere sollten eine Sache sagen, aber wirklich eine andere bedeuten. Dies wird als Subtext bezeichnet. Die Art und Weise, wie deine Charaktere sprechen, sollte einzigartig sein und die Persönlichkeitsmerkmale enthüllen, wie sie sich fühlen, und zeigen, wie sich die Beziehungen, die sie mit anderen Charakteren haben, weiterentwickelt. Eine Sache, die hilft, ist, Ihren Dialog laut zu lesen und zu sehen, was funktionieren wird. Erweiterungen. Diese treten auf, wenn Ihr Charakter etwas außerhalb des Bildschirms sagt, bekannt als nicht-diebettischer Dialog. Wenn wir die Quelle nicht sehen können, woher der Klang kommt. Os denotative Bildschirm und V, D kommentiert eine Voiceover Klammern in Klammern während des Dialogs, die zeigen kleine Aktionen oder Ereignisse der Stimmungsänderung, ohne aus der Aktion springen. Sie haben eine direkte, sie würden direkte Schauspieler mit Nuancen wie Sarkasmus helfen. Kamera-Aufnahmen. Diese beschreiben die Aufnahme für den Regisseur zu integrieren, aber verwenden, aber versuchen, sie sparsam zu verwenden, wenn nötig. Jetzt gibt es Software, die Sie zum Schreiben eines Skripts verwenden können. Und die am weitesten verbreitete Software namens Celtics. Ich empfahl dringend für seine Funktionalität und weltweite Einführung. 9. ACT II: Seiten zu den Phasen: So haben Sie mittlerweile drei oder mehr Entwürfe Ihres Drehbuchs erfolgreich bestraft und möchten nun Ihre Geschichte auf den Bildschirm bringen. Hier müssen Sie jemanden suchen, der Ihr Produzent ist. Dies ist die Person, die in der Regel über Taschen, Netzwerke und logistisches Know-how verfügt , wie Sie Ihr Skript in ein visuelles Bild verwandeln können. Es gibt auch in der Branche Geld zu verdienen frontal. Sie werden also ein paar Cent Return on Investment erwarten. Aber wenn Sie als Filmemacher beginnen, meisten der großen drei Rollen, die auf Ihre Schultern fallen. Das sind der Regisseur, Kameramann und Redakteur. Es ist eine gute Praxis, in allen drei dieser Rollen erfahren zu werden. Und wir geben Ihnen einen großen Vorteil in der Filmindustrie. Seien Sie jedoch bereit, denn es ist eine lange Reise von Verhandlungen, schlaflosen Nächten der Bearbeitung und unvorhergesehene Probleme, die Sie lösen müssen. Aber das Endprodukt von Menschen, die in den Kinos oder im Komfort ihres eigenen Hauses lachen, schreien oder weinen, lohnt sich sicherlich. Also schnappen Sie sich einen roten Stift und erhalten Sie eine gedruckte Kopie Ihres Bildschirms. Umkreisen Sie das folgende in Ihrem Skript. Die Charaktere, Orte, Requisiten, Kostüme und mögliche Effekte und S, S FX. Und versuchen Sie, diese in Tabellen zusammenzufassen. Sie müssen Schauspieler für diese Rollen ausspielen. Stellen Sie sich beiseite ein paar Tage, um dies durch das Senden von Kosten und verursachten Agenturen oder Schauspielschulen zu erledigen und sie dazu zu bringen, das Skript und Vorsprechen für die verschiedenen Teile zu lesen. Als nächstes ist es Zeit, Orte Garten gehen, so sprechen Sie mit den relativen Behörden und nehmen Sie Kenntnis von der Beleuchtung und Hintergrundgeräusche, erwerben die notwendigen Genehmigungen und haben einen Standort Freigabe-Form. Vor Ort. Beziehen Sie Ihre Requisiten und Kostüme aus den Läden. Es ist hilfreich, in der Regel eine engagierte Person für diese Rolle zu engagieren, einen Produktionsdesigner, der herumläuft, während Sie sich auf andere Elemente des Films konzentrieren, wie zum Beispiel Proben mit Ihren Kosten. Es ist auch wichtig, die speziellen Sounds zu beachten, die Sie benötigen, um zu hören und zu bearbeiten, die Sie aufnehmen und einstellen müssen. Vergewissern Sie sich, dass Sie sich das notieren. Nun, da Sie all dies getan haben, können Sie beginnen zu sehen, wie viele Orte, Schauspieler und Set-Elemente Sie für die Produktion benötigen. So sammelte Zitate und Zeitrahmen dafür. So können Sie mit der Schätzung des Budgets und des Zeitplans für Ihr Skript beginnen. Gelegentlich müssen bestimmte Szenen verschrottet werden , und Sie müssen einen Plan improvisieren. Aber es gibt immer einen Weg Regisseure Behandlung. Die Verantwortung des Regisseurs ist es, die Crew bei der Ausführung der Story zu leiten . Und es ist wichtig für sie zu erklären, warum diese Geschichte für das Publikum wichtig ist und in der Lage sein, die einzigartigen Stilrichtungen wie Schauspielmethoden, Locations, Kinematografie,Schnitttechniken und Tontechniken zu rechtfertigen wie Schauspielmethoden, Locations, Kinematografie, . Dies wird alles in einem Dokument zusammengestellt, das als Behandlung bezeichnet wird, in dem beschrieben wird, wie die Produktion ausgeführt wird. Storyboarding. Eine der nützlichsten Ressourcen für den Regisseur der Fotografie und den Regisseur ist ein Storyboard. Und in einem Illustrator oder Grafikdesigner kommen in Vorproduktion und unterstützen den Regisseur durch Skizzieren der Aktionen im Skript beschrieben und helfen die Bilder der Charaktere in ihrer Umgebung zu komponieren. Das DOP wird dies dann als Referenz auf das, was am wichtigsten ist, verwenden und eine Shortlist entsprechend organisieren. Filmförderung, es ist schwer, Filme allein zu machen, egal mit dem Bankguthaben von 0. Daher ist es ziemlich wichtig, neue Produktion zu finden, um alle Mitarbeiter, Lebensmittel, Ausrüstung, Standorte, Kostüme und andere Gegenstände zu bezahlen . Glücklicherweise gibt es ein paar Filme gewachsene Optionen für Sie, um sich bewerben. Aber bedenken Sie, dass bestimmte Fonds bestimmte Kriterien haben. Als Filmemacher muss man das Medium sein, durch das die Botschaft kommuniziert wird. Fragen Sie sich also, welche Art von Geschichten im heutigen Klima Trend werden und Sie werden eher mit diesen Mitteln ausgezeichnet werden. Schauen Sie sich also alle Fonds-Optionen in dem Link unten an und haben Sie ein Messing. Wenn Sie nicht in der Lage sind, Geld für Ihr Telefon zu sammeln, ist es nicht das Ende der Welt. Die Menschen, die Sie an Bord haben, sind die wichtigsten für das Telefon. Also schließen Sie das zuerst vollständig ab. Jetzt, da Sie alle Bausteine aus Schaumstoff getrennt haben, ist es Zeit, Ihre 18 zusammenzustellen, um Ihr Telefon zum Leben zu erwecken. 10. ACT II: Vorbereitung deines Cast und Crew: Also hast du die Geschichte herausgefunden. Du würdest gerne in die Stadt gehen, aber jetzt geht es darum, Leute zu überzeugen, warum es gesagt werden muss. Sie werden die folgenden Rollen in Ihrem Team benötigen, um das zu machen. Der Regisseur, Das ist der Kapitän des Schiffes. Jeder ein Board arbeitet an der Vision, die der Regisseur setzt. Die besten Telefone sind am besten, weil niemand außer dem Regisseur. Vorher in Brettern und markiert und Aktion wird ein direktes Werkzeug choreografieren die Kamera, Besetzung und Crew, um auszuführen, was auf dem Skript beschrieben wird. Wenn sich etwas nicht richtig anfühlt, kann er es entsprechend ändern und es ist Zeit für einen weiteren Take. Produzent. Wir haben das gerade im vorherigen Video angesprochen. Wenn Sie mehr Informationen benötigen, gehen Sie dorthin zurück. Direktor der Fotografie, Der Mann mit dem Plan und seiner Kamera. Je erfahrener sie sind, desto besser. Wenn er oder sie ihre eigene Ausrüstung hat, wird es am Ende kostengünstiger sein, als Ausrüstung von einem anderen Mietshaus zu mieten. Sie einen Blick auf die Schaurollen und sehen Sie, ob ihr Stil des Schießens passt, dem Look and Feel Ihres Schaums entspricht und sie so schnell wie möglich in den Vorproduktionsprozess im Büro bringen wird. Griffe und Beleuchtung. Dies sind die Leute, die das schwere Heben von Kameras und Riggs machen und dafür sorgen, dass die Szenen für die Szene richtig beleuchtet werden. Produktions-Designer. Dies ist jemand, der Sätze Ihres Telefons entwerfen und bauen wird. Sie beziehen und finden die richtigen Orte für Ihre Szenen. Und all die Requisiten, die du benutzt. Kunst-Abteilung. Dies besteht in erster Linie aus den Kostümen und Make-up. Und sie arbeiten eng mit dem Produktionsdesigner zusammen, um sicherzustellen, dass alle Schauspieler auf dem Bildschirm auseinander blickten. Wenn ein Zombie-Film, du hast Blut und Gore, wenn es ein Actionfilm ist, haben sie die gefälschten Waffen. Achten Sie darauf, dass Sie nach dem richtigen Team suchen. Klingt ein Mann. Nun ist dies wahrscheinlich die am meisten unterschätzte Rolle in jeder Produktion. Ein Telefon mit einem schönen Bild ist großartig, aber ohne klaren Klang. Es ist ein absolutes Zugwrack und schreit nichts als Amateur. Also stellen Sie sicher, dass Sie klingen, Mann weiß, was sie mit dem Boom Pole Editor tun. Das sind die Edward Scherenhände hinter dem Raumschiff. Und es ist in der Regel eine gute Idee, sie kurz vor der Produktion an Bord zu bringen , damit sie ihre Input zum Shooting hinzufügen können. Wir werden ihre Rolle in unserem Post-Production-Kapitel genauer betrachten. Spezialeffekte und visuelle Effekte Team. Besonders Effekte, sind die Menschen, die in der Regel bringen die Rauchmaschine, Explosionen und manchmal koordinieren die Studenten, die enorme Erfahrung in einer solchen Arbeit haben. Visuelle Effekte oder die Menschen, die die grünen Bildschirme bringen, die Zeiger und die Marker für alles, was Sie versuchen, in der Postproduktion Talent zu erreichen. Das sind die Stars der Show. Features sind die Namen der Schauspieler und Schauspielerinnen, die auf dem Bildschirm erkennbar sind, während Extras oder Hintergrundtalent auf die Menschen, die die Ameisen-Welt bevölkern, die Sie versuchen zu bauen. Musikalische Partitur. Komponist in enger Zusammenarbeit mit dem Regisseur, werden sie sicherstellen, dass die richtigen Instrumententöne, Musiktasten und Motive verwendet werden, um die richtige Stimmung und Ton hervorzurufen, die die Produktion oft ist. Jetzt wissen Sie, wen Sie brauchen, um zu rekrutieren. Also fangen Sie an, um zu fragen oder Volume Freiwilligenarbeit auf anderen Produktionen, um mit denen zu vernetzen, die jemanden kennen könnten Dein Telefon wird nur so gut sein wie die Leute, die es schaffen. Und der Kapitän, der das Schiff leitet. Jeder im östlichen Department muss in seine Leistung blicken. Zur gleichen Zeit. 11. ACT II: Papierkram:: Als Filmemacherin hast du erstaunliche Fähigkeiten, Nachrichten an das Publikum zu resonieren und potenziell mächtige Veränderungen hervorzurufen. Eine Menge Verantwortung liegt auf Ihren Schultern über die Repräsentationen von Menschen und deren Kulturen und auch darüber, wie Sie Glaubenssysteme gestalten. Es ist daher am besten, Ihren rechtlichen Papierkram und Wasser zu haben. Es ist nicht der aufregendste Teil, aber sicherlich unerlässlich. Dies sind die folgenden Dokumente, die Sie benötigen, um Erklärung über den Besitz eines Drehbuchs vorzubereiten. Dies schützt Ihre Idee vor Plagiaten und schützt diese Idee, an der Sie so lange und hart gearbeitet haben. Gewöhnlich kann dies bei der Writers Guild in Ihrem Land erworben werden. Rufen Sie Blätter an. Dies führt Ihre Crew und kostet nirgends, wo sie sein müssen und gibt ihnen auch eine Vorstellung davon, wie der Tag aussehen wird. Es enthält Details wie die Produktionsaufseher, Kontaktdaten, Wettervorhersagen, Schießzeitplan, Costless Cost Crew, Kommunikationskanäle und andere Abteilungsnotizen. Stellen Sie also sicher, dass Sie diese Kunst ein paar Tage senden und Talent Release-Formulare voranzutreiben. Dies ist die rechtliche Vereinbarung zwischen dem Filmemacher und den Schauspielern, oder Hintergrund-Extras, die bestätigen, dass ihre Leistungen und die Namen verwendet werden können, um das Telefon zu vermarkten und den Film zu verbreiten. Besatzungsverträge. Dies ist die rechtliche Vereinbarung zwischen dem Filmemacher und der Produktionspersonal, die ihre Beteiligung, Rollenverantwortung und ihre Generierung für die Arbeit am Projekt bestätigt . Kontaktliste der Besatzung. Ein zentrales Dokument mit allen Namen, Nummern, Notrufnummern und E-Mail-Details aller an der Produktion teilnehmenden Crew. Musik-Release-Form. Dies gibt eine rechtliche Bestätigung, dass der Film berechtigt ist , Musik oder Partituren zu verwenden, die im Film gehört werden, unabhängig davon, ob er komponiert oder online gekauft wurde, es ist wichtig, Location Releases zu haben. So bietet Autorität ist, dass Sie Mission von den notwendigen Entscheidungsträgern haben , dass Sie in der Lage sind, Ihr Shooting auf ihrer Prämisse durchzuführen. Principal Fotografie Zeitplan. Nun führt dies das Team, auf welcher Szene gedreht wird, wann, und eine grundlegende Übersicht darüber, was auf der Tages-Shortlist zu erwarten ist. Nun ist dies das heilige Dokument der GOP mit allen notwendigen Details gefüllt , die sehen, was jeder Schuss von Aktion, Konversation oder B-Rolle ist und wie es zusammengesetzt wird, wie Schussgröße, Winkel , Bewegung und Beschreibung sollte in ihnen enthalten sein. Produktionsversicherung, Unfälle passieren und es gibt viele bewegliche Teile innerhalb einer Produktion. So mit einem Versicherungsmakler bieten eine Politik, bietet Sicherheit für alle Verbindlichkeiten, die auftreten könnten. Und es wird für größere Projekte mit größeren Budgets empfohlen. Gesundheits-und Sicherheitspolitik. Leben in einer postverdeckten Ära, ist dieses Dokument von entscheidender Bedeutung und beschreibt, wie Ihre Produktion sicher innerhalb des Gesetzes Telefon produziert werden. Aber jetzt ist dies in der Regel in zwei Abschnitten über der Linie zusammengestellt , wo Stakeholder der Produktion, die größer erstellt haben, Einfluss auf die Entscheidungen der Produktion wird wie Produzenten, Drehbuchautoren, Regisseure und Schauspieler aufgeführt . Unterhalb der Linie. Dies sind die Teilnehmer, die kein großes Mitspracherecht bei den Entscheidungen haben und als austauschbar angesehen werden können, wie Extras, Skripte, Beleuchtung, Kunstabteilung, Transporte, Prop Handler, et cetera. Brechen Sie also Ihr Skript in Seiten pro Tag und Budget um, aber priorisieren Sie die schwierigen Szenen, indem Sie ihnen mehr Zeit geben. Was nützlich sein kann, ist, Ihr Budget in ein Kreisdiagramm zu schneiden und jede Abteilung mit dem entsprechenden Betrag und der Schätzung entsprechend zuzuordnen. Nun, all das klingt nach einer Menge, mit der man anfangen kann. Aber zum Glück für Sie kochen und ich habe alle erwähnten Material angebracht , so dass Sie direkt darauf zu bekommen und verschwenden Sie keine Zeit Scheuern das Internet für Vorlagen. Du bist herzlich willkommen. 12. ACT III: Ausrüstung: Ihr Gerätepool bestimmt nicht die Qualität Ihres Telefons, sondern die Geschichte, die Sie beleuchten möchten. Große Bücher wurden nicht von den Titelseiten erreicht, sondern durch den Inhalt. Also, wenn das gesagt wird, schauen wir uns an, was Sie brauchen, um Ihren Schaum zu malen. Und einige Schlüsselkenntnisse um sie herum. Kamera. Dies ist Ihr wichtigstes Werkzeug, der Pinsel Ihres Telefons. Wenn Sie anfangen, wie ich begann, nicht weiter als Smartphone in der Tasche suchen. Schäume haben in Kinos, die auf dem iPhone gedreht wurden, uraufgeführt. So können Sie immer von dem Gebrauch machen, was Sie haben. Wenn Sie von dort aus upgraden möchten, gehen wir in die DSLR-Serie mit Kameras wie dem Fuji X t3, mit dem ich hier fotografiere, oder der Canon 70 d. A step-up. Und wir betrachten fortschrittlichere DSLRs, wie die Sony A7-Reihe oder eine Canon 5D oder Canon S3 100. Und dann gehen wir in die Weltklasse-Arena, wo die Kameras einen kräftigen Preis haben. Das sind deine roten Drachen und Aaron Alexis, die in Hollywood verwendet werden. Nun, ein paar Einstellungen sollten Sie auf der Kamera oder dem folgenden ISR kennen. Dies ist die Empfindlichkeit der Kameras gegenüber Licht. Je höher die ISO, desto wahrscheinlicher wird Ihr Bild das sogenannte Rauschen entwickeln, wodurch Ihr Bild körnig erscheint. Versuchen Sie also, das so niedrig wie möglich zu halten. Fps, Dies ist Ihre Bildrate pro Sekunde. Wie viele Bild-Slices in 1 Sekunde und FPS von 24 sind glatter als 60 FPS, da es eine sogenannte Bewegungsunschärfe hat. Wenn Sie in einem hohen FPS aufnehmen und mit 24 Bildern pro Sekunde wiedergegeben werden, wird es in Zeitlupe, Verschlusszeit angezeigt. Verschlusszeit bezieht sich auf die Zeit, die jeder einzelne Rahmen für Objektive belichtet wird . Dies ist das Glas, das Ihre Filmklasse verleiht. Verschiedene Objektive können ein anderes Gefühl und Aussehen erzeugen, das wir später betrachten werden. Aber vorerst müssen Sie zwei Hauptmerkmale innerhalb eines Objektivs kennen. Die Brennweite ist, wie stark das Objektiv das Licht divergiert und wie, während das Sichtfeld, das die Blende erfassen kann , die Öffnung der Linse ist , die bestimmt, wie viel Licht durchströmt wird. Eine niedrige Blende gibt Ihnen eine flache Schärfentiefe und verschwommen den Hintergrund. Während eine hohe Blende den gegenteiligen Effekt ergibt. Machen Sie sich mit dem 19 Dreieck vertraut. Wenn Sie eine Einstellung ändern, müssen Sie in der Regel die anderen beiden Einstellungen anpassen. Jetzt die verschiedenen Arten von Objektiven können Sie RA Fischinseln, die nicht ultrabreites Sichtfeld und reicht in seiner Brennweite von vier Millimetern bis 14 Millimetern. Während Objektive in der Regel mehr von der Szene erfassen können und es ist ideal für Landschaftsaufnahmen, 14 Maulwürfe bis 55 Mole. Standardobjektive reichen von 35 mil bis 85 mehr, während Teleobjektive oder Zoomobjektive ein schmales Sichtfeld erfassen und zwischen 85 und 400 Millionen reichten. Makrolinsen sind Objektive, die in der Lage sind, die mikroskopische Welt zu erfassen. Während Prime-Objektive eine feste Brennweite haben, gibt es weniger mechanische Teile in ihnen und haben daher eine höhere Blende, was normalerweise Bilder in höherer Qualität erzeugt. Und denken Sie daran, dass es immer besser ist, Ihre Aufnahmen zu unterbelichten, anstatt sie zu überbelichten. Es ist einfacher, in Postproduktion-Kamera-Rigs das Stativ zu korrigieren. Dies ist ein Standard-Rig eines Filmemachers, nützlich für statische Aufnahmen oder einfache Bewegungen wie Schwenken oder Neigen. Aber stellen Sie sicher, dass der richtige Kamerakopf auf dem Stativ montiert ist, um reibungslose Videobewegungen aufzunehmen. Shoulder Rick, dies ist eine große Go-to-Rig, dass alle GOP's können in auf ihren Schultern sitzen und ist ideal für on-the-fly Schieberegler. Montieren Sie eine Kamera darauf. Und es kann Ihnen wirklich schließen, dass ein erstaunliches Aussehen und Gefühl hat , während Sie sich entlang Ihrer Themen bewegen. Turnhallen oder Krane. Dies sind Rigs, die eine große schwingen können, große Radien , links, rechts, oder oben und unten, stabilisiert. Jetzt sind dies sehr intelligente elektronische Geräte, die helfen, unerwünschtes Schütteln zu vermeiden und halten eine reibungslose Bewegung mit einigen cleveren Steuerungstechnik und bürstenlosen Motoren. Sound-Ausrüstung. Wie ich bereits erwähnt habe, ist ein tolles Telefon mit schrecklichem Sound letztendlich ein schrecklicher Film. Also spielen, also achten Sie besonders darauf. Ein paar Werkzeuge des Handels sind die folgenden. Ein Zoom aufgezeichnetes Standard-elektronisches Gerät, das tragbar und dynamisch ist, die alle Ihre Ton ungesagt auf einer SD-Karte aufnehmen kann. Ein Schrotflintenmikrofon. Dies ist ein Mikrofon, das Audio einfängt, das von Ihren Schauspielern oder Schauspielerinnen aus einer bestimmten Richtung kommt . In einem Boom Pol ist das, was der Soundmann verwendet, um eine lange Reichweite zu haben , um zwischen den Schauspielern zu schwenken und den Ton aufzunehmen. Ein Ansteckmikrofon ist ein kleines Mikrofon, das normalerweise an ein sprechendes Subjekt angeschlossen werden kann und das Signal an einen Funkempfänger, an den Zoomrekorder, überträgt . Ideal für Interviews, aber denken Sie daran, etwas Klebeband und Flusen zu haben , wenn Sie suchen, um es zu befestigen und jemandes Brust darunter ausgestellt, um irgendwelche Rüschen einige Beleuchtung zu vermeiden. Die am häufigsten verwendeten Lichter an Sets sind LEDs, und Sie können die Helligkeit normalerweise auf die gewünschte Ebene oder Helligkeit einstellen. LED-Streifen oder auch eine DIY-Lösung und kann eine Vielzahl von kreativen Optionen aufgrund der Vielzahl von Farben, die Sie verwenden können. Und andere Effekte wie ein Strobe-Effekt. Scrums sind die großen Bretter, die auf CSU Dans Beginn Berg und kommen in zwei Sorten. Schwarze Bräutigame, die die hellen und weißen Bildschirme absorbieren, die hüpfen oder Licht hinzufügen können. Reflektoren sind tragbare Blätter in Silber oder Gold, die eine ähnliche Rolle wie Scrimp erfüllen und können in 51 Kindern kommen, die immer nützlich sind, um zu haben. Stellen Sie sicher, dass Ihre Weißabgleicheinstellung an der Kamera auf die richtige Farbtemperatur der Beleuchtung eingestellt ist , damit Sie unnötige Farbkorrekturen bei der Nachproduktionskalibrierung vermeiden können . Weitere zusätzliche Gegenstände auf dem Set sind ein Klöpperbrett. Dies wird für Ihren Editor verwendet, um den Ton auf das Filmmaterial zu senken und hilft auch bei der Organisation, wie die Aufnahmen kategorisiert werden. Und Sie müssen die Szene zur Kenntnis nehmen, die Aufnahme und nehmen Zahlen. Gaffers-Klebeband vom Abkleben von Markern für Schauspieler bis hin zum Blockieren von Licht aus nahegelegenen Fenstern. Eine gute Rolle von Gaffer-Band in verschiedenen Farben ist immer nützlich, um beginnende Festplatten zu haben. Du musst deine Aufnahmen irgendwo aufbewahren. Kaufen Sie also ein oder zwei Festplatten, die Sie das gesamte Rohmaterial Ihrer Shootings speichern können . Eins. Jetzt haben Sie eine grobe Vorstellung davon, was Sie brauchen, um neue Filmbilder zu produzieren, lernt die Ausrüstung Häuser in Ihrer Umgebung kennen und versuchen, eine gute Beziehung zu ihnen zu finden. Denn die Chancen sind, dass Sie gute Geschäfte mit ihnen in jedem Ihrer zukünftigen Bemühungen und Projekte verhandeln können . 13. ACT III: Mise-en-Scene – Set Design und Kostüm: Mise-en-Scene ist ein französischer Begriff, der das Platzieren auf der Bühne übersetzt und verwendet wird, um zu beschreiben, wie filmische Elemente innerhalb des Rahmens gestaltet werden. Als Filmemacher, Dies sind die entscheidenden Entscheidungen, die Sie lange und hart über denken, um effektiv die gewünschte Stimmung und Ton zu erreichen, die die Themen Ihres Bildes evozieren wird. Wenn Sie die richtige Atmosphäre am Set schaffen können, entfaltet sich das Telefon vor mir. Set-Design. Jetzt gibt es zwei Möglichkeiten, wenn Sie entscheiden, wie Sie Ihr Set arrangieren. Sie können vor Ort schießen, die bereits gescoutet wurde, ist kann ein Freund Platz oder ein öffentlicher Ort sein, aber stellen Sie sicher, dass die Location Release Formular bereit. Oder Sie können auch konstruieren. Er sagte, das wird die Atmosphäre verkörpern, die du erschaffen willst. Ihr Produktionsdesigner und Ihre Kunstabteilung müssen all das erledigen , während Sie mit Ihren Kosten proben. Set muss die richtige Periode in der Geschichte zu vermitteln, sowie den Ton und die Stimmung Ihres Projekts. Ihre Auswahl an Farben, Linien, Formen und Eingabeaufforderungen wird dazu beitragen. Und wie jetzt, können Bühnendesigner manchmal auf extreme Längen gehen, um zu schaffen, was der Regisseur braucht. Zum Beispiel, das Set von 1953 Telefon, Ben Hur, bedeckt über 18 Hektar und nahm 1101000 Männer über ein Jahr, um Kostüm zu bauen. Jetzt, je nachdem, mit welchem Genre und Zeitraum Sie arbeiten, Kostüm spielt eine große Rolle in Ihrem Handy. Es kann über die Spitze und Flamboyance oder modern, kantig sein. Machen Sie sich also mit einigen Kostümmiethäusern in Ihrer Nähe, Haaren und Make-up vertraut. Ihre primäre Aufgabe ist es, die Gesichtsästhetik zu verbessern, indem Sie Make-up verwenden , um ein individuelles Aussehen zu schaffen, das eine Produktion benötigt, um die Charaktere zu erstellen. Prothetik kann auch an Bord gebracht werden, um bei allen Goblins, Zombies oder anderen Narbenkreaturen zu helfen , die Sie in die Geschichte integrieren möchten. 14. ACT III: Mise-en-Scene – Licht und Farbe: Die Kunst der Kinematographie ist in der Lage, mit Licht und Farbe zu malen. Lassen Sie uns also etwas Zeit damit verbringen, sich das anzuschauen. Schreiben schafft eine visuelle Stimmung, Atmosphäre und gibt dem Publikum einen Sinn für Bedeutung. Es hilft, das Auge zu lenken, wo es braucht Blick in den Rahmen zu einem bestimmten Schauspieler, Requisiten oder Teil der Szene. Es kann die Psychologie eines Charakters widerspiegeln und kann auch das Genre des Flusses verbessern. Bevor die Schauspieler positioniert werden und die Kamera zu rollen beginnt, muss die Bühne ausreichend beleuchtet werden. Platzieren Sie Ihre wichtigste und stärkste Lichtquelle, die als Schlüssellicht bezeichnet wird, auf einer Seite des Schauspielers, um einen leichten Schatten auf der gegenüberliegenden Seite des Gesichts an einem zweiten Licht zu erzeugen , das Fülllicht auf der gegenüberliegenden Seite des Schauspielers bezeichnet wird, um zu erweichen alle harten Schatten, die von der Tastenbeleuchtung erzeugt wird, spielen eine dritte Lichtquelle, eine Hintergrundbeleuchtung hinter dem Akteur, um ihre Features oder Umrisse zu definieren und hervorzuheben. High-Key-Beleuchtung ist nun eine Beleuchtungsästhetik mit wenigen Schatten und niedrigen Helligkeitsstufen. Sie werden dies in der Regel in Fernsehgeräten, Sitcoms oder in einem Werbespot sehen . Während die Low-Key-Beleuchtung eine Beleuchtungsästhetik mit vielen Schatten ist , um ein Gefühl von Geheimnis oder Spannung zu schaffen. Das ist viel mehr filmische Tiere, die stark im Filmgenre angenommen werden. Film Noir. Schreie Berg mit einer Klemme kann dann verwendet werden, um zu blockieren , hüpfen, und absorbieren jede natürliche oder künstliche ausgerichtet. Passen Sie sie also entsprechend an. Sie können auch farbige Aufträge über den Lichtern verwenden, um bei Bedarf eine beliebige Farbe hinzuzufügen. Das Schreiben einer Szene erfordert Versuch und Irrtum. Nehmen Sie sich also Zeit, um mit einem Dreipunkt-Beleuchtungssystem zu experimentieren. Weiche Linien, harte Lichter, schwache Beleuchtung, hohe Tastenbeleuchtung, um die richtige Balance von Licht und Schatten zu finden, Schatten für Ihre Aufnahme. Farbe. Jetzt hat Farbe eine erstaunliche Fähigkeit, eine bestimmte Stimmung hervorzurufen, nach der Sie suchen. Die Theorie und Psychologie dahinter wurde Laufe der Geschichte in Theaterstücke und Telefone integriert. Also pausieren Sie das Video hier und suchen Sie nach der richtigen Farbe, die zu den Emotionen und Stimmung passt, die Sie sind. Nachher. Wir werden uns die Farbkorrektur später genauer ansehen. Aber jetzt, lassen Sie uns zu dem wichtigsten Element der Mise-en-Scene bewegen, wie Sie Ihre Aufnahmen zu komponieren. 15. ACT III: Mise-en-Scene – Mise-en-Scene: Seitenverhältnis, der Rahmen Ihres Films ist eine Leinwand und kann in seinen Abmessungen variieren. Telefone im Kino verwenden in der Regel ein Verhältnis von 2,39 zu eins. In seltenen Fällen können Sie tatsächlich das Seitenverhältnis ändern, wenn es hilft, das richtige Gefühl auf Ihr Telefon zu vermitteln. Achten Sie darauf, in der höchstmöglichen Auflösung zu schießen , damit Sie es zuschneiden und entsprechend anpassen können. Shot-Größe. Extrem lange Schüsse. Dies sind die breiten Aufnahmen, die in der Regel die Einstellung festgelegt, in der die Szene stattfindet. Und es ist eine großartige Möglichkeit, eine Szene zu öffnen. Ein Longshot ist eine großartige Möglichkeit, Charaktere in die Szene und in ihre Umgebung einzuführen . Während ein mittlerer Schuss von den Knien nach oben kommt und einen ähnlichen Effekt erzielt. Nahaufnahmen sind von der Brust nach oben und bringen uns näher an den Charakter und erlauben uns, ihre Emotionen zu sehen. Während mittlere Nahaufnahmen von den Schultern nach oben sind. Große Nahaufnahmen sind Nahaufnahmen, die den vollen Gesichtsausdruck eines Subjekts zeigen und eine bestimmte Emotion wie Traurigkeit oder Überraschung hervorheben können . Eine extreme Nahaufnahme kann verwendet werden, um ein bestimmtes Gefühl für das Publikum zu betonen, wie Sehen, Hören oder Geruch. Und einfügen ist eine Nahaufnahme eines Objekts der Requisite, das eine bedeutende Rolle in der Geschichte spielen wird. Und es ist wichtig, dass das Publikum nicht vermisst. Eine gute Faustregel ist, breit und locker zu beginnen und sich in Richtung Nahaufnahmen aufzubauen , wenn das Gesehene in seiner Intensität zunimmt. Schusswinkel I Niveauwinkel. Dies ist eine Aufnahme, die eine neutrale Perspektive betont und nachahmt, wie wir Menschen im wirklichen Leben sehen. Ein niedriger Winkel Schuss befindet sich unter den Motiven. Ich richte aus und ist ein Schuss, der eine Machtdynamik schafft, so dass das Subjekt überlegen erscheinen, ein Gefühl der Angst oder Angst gegenüber diesem Subjekt zu schaffen. Hohe Winkel. Jetzt erreicht dies das Gegenteil des niedrigen Winkels, wodurch das Subjekt klein, minderwertig, verletzlich oder machtlos erscheint . Hüfte Höhe. Abgewinkelte Aufnahmen werden verwendet, um etwas Action zu zeigen, wie eine Pistole zu zeichnen oder etwas aus der Tasche zu erreichen. Mein Niveau. Nun können diese Aufnahmen auch eine Charakterüberlegenheit betonen, genau wie ein niedriger Winkel Schuss. Während ein bodenebener Schuss in der Regel verwendet wird, um Ihren Charakter zu Fuß zu zeigen und kann ein Gefühl von Geheimnis zu schaffen. Ein Schulterschuss ist sehr ähnlich wie die Augenhöhe Schuss, und es wird tatsächlich viel häufiger verwendet. Und info niederländischen Winkel oder niederländischen Neigung, ist, wo die Kamera leicht geneigt ist, was ein Gefühl der Orientierung oder Spannung. Und eine Vogelperspektive wird über den Schauspielern gehalten, 90 Grad über ihnen und bietet Perspektive, die Perspektive auf die Szene und kann einen göttlichen Bezugspunkt schaffen. Kamera-Bewegung. Vergrößern. Hier können Sie also die Brennweite Ihrer Kamera ändern. Ein Schwenk ist, wo Sie Ihre Kamera horizontal von links nach rechts bewegen, und es ist großartig, um ein Gefühl der Lage einer Neigung zu etablieren bewegt Ihre Kamera vertikal, nach oben oder unten. Und es ist eine großartige Möglichkeit, Ihre Charaktere vorzustellen oder einem Publikum ein Gefühl von Höhe zu geben. In einem weiten Schuss. Ein Dolly ist, wenn Sie die Kamera vorwärts oder rückwärts bewegen. Und das ist mein persönlicher Favorit, da es wirklich betonen kann , dass sich etwas intern mit deinen Charakteren entwickelt oder wenn sie rückwärts abstumpfen, stellt sie in Perspektive mit der Welt um sie herum. Ein LKW-Schuss, auch bekannt als Schiebeschuss, ist, wenn Sie Ihre Kamera von links nach rechts bewegen, und ein Schiebeharke. Und Sockel ist, wenn Sie Ihre Kamera vertikal nach oben oder unten bewegen, und ist eine gute Möglichkeit, physikalische Merkmale eines Motivs zu enthüllen. Fokus des Irak liegt darin, wenn Sie den Fokus eines Subjekts auf ein anderes verschieben und die Aufmerksamkeit Ihres Publikums effektiv von einem Charakter zum anderen navigieren. Dominanter und untergeordneter Kontrast. Sie müssen sich also fragen, was oder wer ist das dominante Thema im Rahmen? Wo liegt die Aufmerksamkeit und was darauf folgt, was als Nebenkontrastdichte bezeichnet wird. Nun ist dies, wie viele visuelle Informationen innerhalb des Bildes enthalten sind. Es ist ein hochgradig Text-Besuch, hoch textualisiert, moderat, oder schlicht und einfach. Gibt es eine Menge negativer Abstände Framing? Jetzt, lose Framing ist, wo Zeichen frei bewegen sich bewegen während enge Framing ist, wo Zeichen sind auf eine Position beschränkt. Komposition im zweidimensionalen Raul, welche Stimmung deuten die Linien und Formen Ihres Rahmens an? Sind sie horizontal, was Friedlichkeit hervorruft? Sind sie diagonal, was Spannung und Angst hervorrufen kann? Oder sind die Vertikalen, die anspielen können, um die Unterstützung zu stärken? Sind die Binärdatei, die manchmal parallele, parallele, Parallelität vorschlagen kann. Oder dreieckig, was auf ein Wechselspiel zwischen den Charakteren hindeutet. Oder sogar kreisförmig, was ein Gefühl der Sicherheit geben kann. Positionierung und Proxemik, wie werden Ihre Charaktere in Bezug zueinander im Rahmen platziert? Sind sie in der Nähe der Spitze, was sich auf Macht, Autorität und Inspiration bezieht? Oder unten, was auf das Gegenteil hindeutet. Charaktere links und rechts legen in der Regel nahe, Bedeutungslosigkeit und wie nah oder weit weg unsere Charaktere in Bezug zueinander platziert, Bedeutet dies etwas von einer intimen, persönlichen oder öffentlichen Beziehung? Inszenierungspositionen, wie ist deine Charakterbühne in Bezug auf die Kamera? Ist das eine volle vordere Quartalsperiode, ein Profilschuss, eine Dreivierteldrehung? Oder haben sie ihren Rücken zur Kamera? Drittelregel? Nun ist dies eine großartige Möglichkeit, Ihren Schuss zu gestalten, wenn Sie neue Talente blockieren oder platzieren, versuchen Sie, die Inseln in der Nähe einer der vier Kreuzungen zu positionieren, da hier die Augen des Publikums am meisten hinausziehen. Nun, das war eine ganze Handvoll von Informationen, die man in Erwägung ziehen sollte. Verbringen Sie also etwas Zeit mit dem DOP, um sicherzustellen, dass Sie all diese Mise-en-Scene Elemente viel Aufmerksamkeit schenken. 16. ACT III: Setiquette: Damit die Produktion so reibungslos wie möglich läuft, muss jeder ein Board die Rolle spielen und sich an einen Verhaltenskodex halten. Hier sind ein paar Regeln, die jeder kennen und befolgen sollte. Versuchen Sie und scharf so früh wie möglich. Versuchen Sie, Ihre Handys auszuschalten. Das Letzte, was du willst, ist, wenn ein Schauspieler eine intime Szene aufführt, in der eine Träne sanft die Wange runterläuft und jemand einen Watson von der Mutter bekommt. Trennen Sie nichts, es sei denn, Sie fragen die richtige Person und berühren oder bewegen Sie nichts, wofür Sie nicht verantwortlich sind. Gehen Sie nicht in den Schuss. Und wenn Sie einen Coup machen, versuchen Sie und vermeiden Sie die Frage Wann glauben Sie, dass wir verpacken? Seien Sie immer kleiner als und seien Sie immer wachsam und wissen Sie, wann die Kamera rollt. Und schließlich, füttern Sie Ihre Kosten und Crew, weil ein hungriger Cu das Letzte ist, was Sie wollen. Jetzt haben Sie erfolgreich Ihre Kurzform Musik-Video-Werbung oder viele Dokumentarfilme schockiert . Und es ist Zeit, in die Editing-Suite zu gehen und mit Snip, Snip Snap und Postproduktion zu beginnen. 17. ACT IV: Software, Einschnitt und Kategorisierung: Inzwischen sollten Sie also all Ihre Aufnahmen und alle seine Sounds auf mehr als einer Festplatte aufnehmen lassen. Hoffentlich ist es Zeit, einige Software herunterzuladen, die Sie verwenden, um Ihr Telefon zu bearbeiten. Nun, es gibt ein paar Optionen auf dem Markt, also schauen wir uns sie an. Die freien Optionen umfassen leichte Arbeiten, die intuitiv, einfach und hat eine Menge Unterstützung um sie herum und gilt als die beste kostenlose Videobearbeitungssoftware. Video Pad ist auch eine weitere großartige Software für Anfänger. Und DaVinci Resolve ist der beste fortschrittliche kostenlose Video-Editor mit einer erstaunlichen Farbkorrektur-Suite. Jetzt enthalten die Pay-Versionen hauptsächlich Final Cut Pro und Premier Pro. Für die nächsten paar Videos werden wir Adobe Premiere Pro verwenden. Und Sie können eine Sieben-Tage-Testversion kostenlos erhalten, oder Sie können die Adobe-Software für $24 pro Monat pro Software abonnieren, oder? Sobald Sie installiert und öffnen Sie Ihren Video-Editor, navigieren Sie zu Ihrem Projekt-Ordner von yeah, wir werden ziehen und fallen unsere Aufnahmen, die ich bereits getan habe. Dann müssen Sie anfangen, Ihr Filmmaterial umzubenennen. Was ich gerne benutze, ist das Thema, der Winkel und die Schussgröße und auch die Take. Sie müssen dies auch für Ihren Sound tun, das Thema, die Szene, und nehmen Sie auch eine andere nützliche Sache zu tun ist, durch alle Ihre Aufnahmen zu sieben und herauszufinden, was Sie brauchen und was Sie nicht brauchen. Danach können Sie es löschen. Dies hilft, jede Unordnung zu vermeiden und hält die Dinge brauchen und einfacher für Sie zu arbeiten, oder? Sobald Sie alle Ihre Film- und Sounddateien umbenannt haben, ist es an der Zeit, eine neue Sequenz zu erstellen. Stellen Sie sicher, dass die Framegröße angemessen ist und dass Sie Zeit, Sie zeitbasiert ist die richtige Frames pro Sekunde. Nun, was wir tun werden, ist, dass wir anfangen werden, den Klang zu versenken. Ziehen Sie das Filmmaterial einfach per Drag & Drop in die Timeline. Navigieren Sie zur richtigen Audiodatei, und platzieren Sie sie unter der Zeit unter dem Originalclip. Wählen Sie dann alle Clips aus, klicken Sie mit der rechten Maustaste. Und synchronisieren, wählen Sie Audiokanal, und warten Sie, bis es synchronisiert. Nachdem das abgeschlossen ist, Watch tun kann, ist es ordentlich trimmen. Nachdem es synchronisiert wurde, sperren Sie die Videodatei und löschen Sie das Originalaudio, damit Sie den scharfen Boom-Sound haben. Wählen Sie beides aus und führen Sie sie zu einer synchronisierten Datei zusammen. Sobald dies erledigt ist, ist es nützlich, einen neuen Ordner zu erstellen und einen Synchronisierungsordner mit dem gesamten Filmmaterial zu erstellen. Ziehen Sie diese in Ihren Synchronisierungsordner. Und jetzt ist es bereit, bearbeitet zu werden, wenn Sie mit der Bearbeitung des vollständigen Projekts beginnen, es ist auch nützlich, indem Sie die Sounddateien zu Ihrer Timeline hinzufügen , so dass Sie mit der Bearbeitung im Rhythmus der Soundspur beginnen können. Ein paar Websites, die ich empfehle, artless dot IO und epidemische Sounds, genau dann, in Bezug auf die Navigation der Videobearbeitungssoftware, in diesem Fall Premiere Pro. Was nützlich ist, sind diese Panels oben hier für verschiedene Bearbeitungsmodi. Moment befinden wir uns im Bearbeitungsmodus. Aber um zu beginnen, Es ist eine gute Praxis, um mit der Montage zu beginnen, Bewegung, Bearbeitung, stärkehaltige Farbe, Effekte hinzufügen, fügen Sie die Audio und die neue Grafik. Richtig, das ist eine Einführung in die Premier Pro Suite. Es gibt noch viel zu lernen, wie diese raffinierten Tasten hier drüben und Abkürzungen. Also schlage ich vor, in Ihrer Freizeit ein bisschen Übung dahinter zu machen und auch weitere Funktionen zu Premiere Pro zu erforschen. Es ist leistungsstarke Software und sehr zu empfehlen. Gerade dann, jetzt wissen wir, wie die Grundlagen des Workflows und Premier Pro, woher wissen wir, welche Aufnahmen zu wählen? Woher wissen wir, welcher Schnitt macht, wohin man von welchem Schuss zu welchem Schuss bewegt? Und das ist, wo wir unser nächstes Kapitel in den sechs Regeln der Editier- und Editiertechniken betrachten werden. 18. ACT IV: Sechs Regeln der Bearbeitung und anderen Techniken: Jeder Rahmen Ihrer Geschichte ist ein Gemälde. Augen Ihres Publikums werden über den Rahmen zittern und neue Informationen sammeln, wenn sich die Geschichte entfaltet. Aber woher weiß man, aber Schuss, um für den nächsten Schnitt zu wählen? Dafür werden wir prüfen, ob Walter sechs Regeln der Bearbeitung aus seinem Buch im Handumdrehen übereinstimmt die verschiedenen Arten von Schnitten erforscht. Bei der Entscheidung, welcher Schnitt folgen sollte, fragte sich, ob es das Folgende erreicht. Regel. Nummer Eins, Emotion. Ist der Schnitt der Emotion des Augenblicks treu? Versuchen Sie, diese alle Kosten zu bewahren. Regel Nummer zwei, Geschichte. Kommt der Schnitt voran und bewegt die Geschichte in einer überzeugenden Weise voran? Regel Nummer drei, Ribbon. Macht der Schnitt rhythmisch Sinn? Entspricht es der Musik, dem Tempo oder der Beatstruktur des Films? Regel Nummer vier, ich verfolge. Wo liegt das Interesse Ihres Publikums im Rahmen? Und wo bewegt es sich dann zum nächsten Schnitt? Regel Nummer fünf, zweidimensionale Ebene. Respektiert der Schnitt die Minderheit, in der sich der Film befindet? Regel Nummer 63, Maßnahmenraum. Respektiert der Schnitt die dreidimensionale Kontinuität der Zeichen in Bezug auf die Position. Die ersten drei Regeln haben einen hohen Stellenwert gegenüber den letzten drei. Wenn es den Emotionen, der Geschichte und dem Rhythmus treu bleibt, aber Kontinuität im dreidimensionalen Raum fehlt, dann benutze diesen Schnitt auf jeden Fall. Der Kühler-Shop-Effekt. Anfang des 20. Jahrhunderts demonstrierte der sowjetische Filmemacher Lev cooler shove, dass ein Betrachter mehr Bedeutung aus zwei sequentiellen Aufnahmen ableitet, anstatt von alleine gedreht zu werden. Die Summe seiner Teile erzeugt eine größere Bohrung. Dies wird auch als Gegenüberstellung bekannt, wenn der Kontrast zwischen zwei Schüssen eine dritte Bedeutung ableitet, Arten von Schnitten. Der Sprungabschnitt. Nun springt dieser Schnitt mit der Zeit nach vorne auf dem gleichen Schuss, der Eulenschnitt. Hier hört das Publikum das Audio der vorherigen Aufnahme, sieht aber das Bild von j cut. Nun ist dies das Gegenteil des Alkohols, wo Sie das Bild des nächsten Shots sehen. Einmal das Audio von der gleichen hören. Diese schneiden auf Aktion. Hier schneiden Sie von einem Schuss zu einem anderen, basierend auf der gleichen Aktion, die von Charakteren ausgeführt wird. Cutaways. Dies hilft, dem Publikum etwas anderes zu zeigen. Hi, das passiert anderswo in der Szene. Cross-Cut, auch als parallele Bearbeitung bekannt. Es zeigt zwei Ereignisse, die gleichzeitig stattfinden, aber an verschiedenen Orten. Massenschnitte, bei denen zwei Aufnahmen eine ähnliche Motivform oder symbolische Natur an verschiedenen Orten haben . Was auch in Adobe Premier Pro oder einer anderen Bearbeitungssoftware nützlich ist , dass Sie hier auch die Registerkarte Effekte auswählen können oder einfach F7 verschieben. Und dann haben Sie Zugriff auf verschiedene Effekte, die Sie in Ihrem Schnitt verwenden können. Die Video-Übergänge, können wir hinzufügen Kruste löst zwischen zwei Clips und ändern Sie die Länge der Auflösung. Sie können auch zu schwarz zu weiß tauchen. Sie können sich auflösen und Sie können andere tolle Effekte wie Iris hinzufügen. Iris verblasst, Tücher oder Dias. Und dann auch in den Audioübergängen, können Sie sicherstellen, dass es einen reibungslosen Übergang zwischen Audiodatei zu Audiodatei. Vor allem, wenn Sie verschiedene Geräusche verwenden und glatte Übergänge wünschen, können Sie sich entsprechend anpassen. Ein weiterer großer Effekt ist der verzerrte Stabilisator Ziehen Sie diesen in Eclipse-Hubs, um normalerweise jede Schüttelbewegung im Bild selbst zu vermeiden. Also, wenn dein Schuss ein bisschen wackelig ist und du gerne glätten würdest. Aber verzerrter Stabilisator macht normalerweise den Trick. Aber der beste Weg, um zu wissen, welcher Schnitt oder welche Übergangsarbeit funktioniert, ist das Experimentieren zu bekommen. Werfen Sie also alle Clips auf Ihrer Timeline in eine Story, bearbeiten Sie entsprechend Ihrem Skript und bearbeiten Sie dann entsprechend und mischen Sie und versuchen Sie herauszufinden, was mit welchem Übergang am besten funktioniert. 19. ACT IV: Musik- und Sounddesign: Die richtige Schule oder Musik kann Filme machen oder brechen. Also nehmen Sie sich die Zeit, lange und hart zu denken. Aber was wird Ihre Szenen verbessern? Einige Hintergrundwissen rund um eine musikalische Tasten und Fähigkeiten können auch bei der Entscheidung helfen, was am besten funktioniert. Zum Beispiel nutzen SAT Scores Minusskalen, während ein zerebraler und glücklicher Score von großen Skalen Gebrauch macht. Frag dich selbst, welche der folgenden Bewegungen du abgehauen hast, okay? Ok. Motive der Melodie können auch verwendet werden, um einen Charakter oder ein bestimmtes Thema und eine Geschichte zu verbessern und dem Erlebnis eine weitere dritte Dimension hinzuzufügen. Ich empfehle Ihnen, Ihre Musikdateien bis zur Bearbeitung der Timeline frühzeitig im Bearbeitungsprozess einzufügen . So können Sie dann beginnen, Ihre Schnitte zu den Rhythmen des Stückes zu machen. Schauen Sie sich Ihre Audio-Wellenformen an und notieren Sie, wo Sie den Schnitt einfügen. Ein Trick, den ich gerne verwende, ist, die Musik auf der Timeline wiederzugeben und Marker zu platzieren, indem Sie M auf der Tastatur drücken. Hier können Sie den Schnitt spüren und sich vorstellen , und dann können Sie Ihr Filmmaterial entsprechend anpassen. Soundeffekte bestehen aus den Samples, die Bewegungen, Aktionen, Objekte oder Tiere bringen , um in Ihrem Telefon zu leben. Wie ein Lichtsäbel, Schritte oder das Entfernen von Kuh im Hintergrund, die am Set aufgezeichnet werden kann, in einer Beispieldatenbank gefunden oder in einem Soundstudio durch einen Prozess namens Torheit Sound Design neu erstellt werden kann. Etwas Mischen. Es ist wichtig, dass sich die Pegel Ihrer Lautstärke der verschiedenen Klangzeitlinien nicht gegenseitig stören. Sie wollen nicht, dass Ihr Dialog von der Partitur oder Musik überboten wird. Versuchen Sie also, diese Richtlinien zu verwenden, um das richtig zu machen. Die maximale Spitze Ihrer Sounds sollte zwei Dezibel betragen, während die lauten Soundeffekte wie Explosionen und Schüsse drei bis zwei Dezimalstellen betragen sollten. Eine lautere Tonspur, die nicht mit einem Ihrer Dialoge konkurriert , sollte zwischen 54 Dezibel liegen. Alle haben gestanden. Der Dialog sollte etwa 11,5 Dezibel bis zehn Schreibtischtelefone betragen. Und die Umgebungsgeräusche oder Hintergrundmusik können dann rund 18 bis 16 Wüstengürtel verwendet werden. Jetzt, da Sie ein grundlegendes Verständnis für Ihre Musik und Sound-Design haben, ist es an der Zeit, mit den letzten Schliff auf Ihrem Telefon mit der Farbkorrektur und dem Hinzufügen von Titeln zu beginnen . 20. ACT IV: Farbkorrektur und Titel: Wir sind alle mit Filtern auf Instagram vertraut, die eine schnelle und einfache Farbqualität für Ihre Inhalte ist, sie bereichern die Stimmung, dass die Suche nach einer Anzeige, die extra besitzen. Schauen wir uns das genauer an. Fantastisch. Sobald Sie also die Story auf Ihrer Timeline bearbeitet haben und Ihr Sounddesign richtig klingt, ist es an der Zeit, die Kalibrierung hinzuzufügen. Okay, aber bevor wir das tun, werden wir anfangen, die Farbe zu korrigieren. Und dies stellt sicher, dass die Ebenen aller Farben in Ihrer Aufnahme, die entsprechenden Einstellungen und Anpassungen, so dass wir beginnen können , die Bewertung über das gesamte Filmmaterial anzuwenden. Also, was wir tun werden, ist, dass wir zur Farbleiste navigieren, Farb-Tab. Dann öffnen wir das Mettrie Geltungsbereich. Stellen Sie sicher, dass Sie Ihre Parade RGB haben, es gibt andere. Aber für jetzt werden wir nur die grundlegende RGB-Parade Nanometer-Scope verwenden. Also, was wir tun werden, ist beginnen, indem wir zu grundlegenden Korrekturen gehen und die Farbtemperatur anpassen , um sicherzustellen, dass die Farben mehr oder weniger gleichmäßig ausgeglichen sind. Dann stellen wir sicher, dass die Schwarzen beginnen, sich hier unten zu klappen. Dann werden wir die Belichtung erhöhen, aber nicht zu viel um dort herum. Wir werden etwas Kontrast hinzufügen, die Schatten senken, Ihr Weiß senken und nur ein wenig Sättigung hinzufügen. Der mujer nach wird auch diese Einstellungen hier und welche Art von Gefühl und Suche bestimmen . Das ist eine traumhafte Szene. Also versuchen wir, es so bunt und so hübsch wie möglich aussehen zu lassen. Sobald Sie das getan haben, gehen wir zu den kreativen Einstellungen hier drüben und wir werden einige Feinanpassungen vornehmen. Dafür möchte ich, dass der Himmel etwas blauer wird. Also werde ich einfach die Highlights anpassen. Werden ein wenig Lebendigkeit hinzufügen. Und langsam kommt unser Bild zusammen. Dann können Sie auch die sogenannten RGB-Kurven verwenden, um eine Farbkorrektur durchzuführen. Ich schlage vor, sich mit den Bereichen ein bisschen mehr und kreative und grundlegende Korrektureinstellungen vertraut zu machen, bevor Sie zu diesem übergehen. Da dies ein ziemliches Unterfangen, aber sehr nützlich ist. Das sind also die Farben Ihres Bildes. Und diese, und diese Linie ist repräsentativ für die verschiedenen Ebenen dieser Farben. Also für das rote, dunkelrote, und das sind deine hellen Rottöne. Für das Blau sind dies Ihr heller Blau und Dunkelblau. Also, was wir tun werden, ist, dass wir unsere Marker auswählen und die Highlights des Blues hervorheben werden. Daher empfehle ich Ihnen, zu experimentieren und zu weiteren Funktionen zur Farbkorrektur zu forschen , die von Premiere Pro angeboten werden. Davinci Resolve ist auch eine fantastische Software, um Ihre Geschichten zu kalibrieren. So. Richtig, sobald Sie Ihr Bild mit der Farbe korrigiert haben, können Sie diese Farbkorrektur kopieren und auf Ihre anderen Aufnahmen einfügen. Und das sieht schon viel besser aus. Das ist vorher. Und das ist danach, richtig? Sobald Sie also alle Ihre Aufnahmen farblich korrigiert haben, können wir mit dem Hinzufügen einer Farbqualität beginnen. Dies ist also ein Gesamtlook and Feel für alle Aufnahmen. Klicken Sie mit der rechten Maustaste in den Projektordner, und erstellen Sie einen neuen Anpassung Ziehen Sie diese in Ihr Filmmaterial und wenden Sie sie auf alle Ihre Aufnahmen an. Dann können wir in unsere Einstellungsebenen, Farbeinstellungen gehen, zu kreativ gehen und zum letzten Abschnitt gehen. Nun, eine Menge ist eine bestimmte Einstellung, die Filmemacher ziehen oder in die Aufnahmen herunterladen und anpassen, um ihm ein bestimmtes Aussehen und Gefühl zu geben. Also hier drüben haben wir ein paar verschiedene Lose, die wir bewerben können. Also, aber was wir tun können, ist, hier drüben durchzufahren. Lasst uns das ein bisschen größer machen. Außerdem ist das Filmmaterial ziemlich langsam zu arbeiten. Eine Sache, die ich Ihnen empfehle, ist das Erstellen von Proxy-Dateien. Sobald Sie die Farbe korrigiert haben, Sie gedreht und beginnen mit dem Zyklus durch alle Ihre Farbgrade. Oh, das sieht ziemlich gut aus. Also jetzt diese kalibriert auf u Anpassungsebene angewendet und wird jetzt für alle Ihre Aufnahmen gelten. Wie ich schon sagte, du wirst es anpassen müssen, um den echten kalifornischen oder kalten Look zu bekommen , den du betreut hast, je nachdem, was die Stimmung und der Ton deiner Geschichte ist. Und es sollte einige Zeit dauern, um alle Einstellungen zu optimieren. Aber denken Sie daran, mit der Farbkorrektur zu beginnen, die zuerst auf alle Ihre Aufnahmen angewendet wird. Stellen Sie sicher, dass sie bei jeder Aufnahme funktionieren, indem Sie sich die Dmitry-Bereiche ansehen und dann eine Einstellungsebene erstellen und den Farbgrad hinzufügen, um Titel am Ende des Films hinzuzufügen. Was du tun wirst, ist, neue Legacy-Titel einzureichen. Sobald Ihre Credits geöffnet sind, können Sie immer schreiben, was ich hier gerne mache, ist größer und das ist kleiner. Und dann das zentriert und auch in einem besser aussehenden Fonds. So können Sie zwei verschiedene Optionen Ihrer Titel oder Credits erscheinen oder beides anwenden. Was Sie tun können, ist, dass Sie ein Ein- und Ausblenden haben können. Oder Sie haben, was man als Rolling Credits bezeichnet. Um rollende Credits zu erstellen, fügen Sie einfach Ihre beiden Spalten hinzu und stellen Sie dann sicher, dass Sie es rechts ausrichten und etwas in der Mitte haben. Kopieren Sie das Einfügen, richten Sie es auf die andere Weise aus und beginnen Sie, Ihre Namen hinzuzufügen, richtig? Nachdem Sie alle Rollen, dieNamen der beteiligten Personen und dieverschiedenen Abteilungen hinzugefügt Namen der beteiligten Personen und die haben. Was Sie tun werden, ist, dass Sie die Rufrufoptionen in der oberen linken Ecke unter dem Titel öffnen . Und Sie werden Zeile auswählen, starten Sie den Bildschirm und aus dem Bildschirm, drücken Sie. Ok. Weil das Drag & Drop die Credits auf Ihre Timeline. Und hier können Sie die Länge und Geschwindigkeit der rollenden Credits anpassen. Aber jetzt wollen wir, dass die Credits in die entgegengesetzte Richtung rollen. Also, wie machen wir das, richtig? Nun, Sie müssen mit der rechten Maustaste hier klicken, in einer eigenen Sequenz verschachtelt. Und von hier aus werden wir mit der rechten Maustaste wählen Geschwindigkeit und Dauer, umkehren die Geschwindigkeit, so dass es in die entgegengesetzte Richtung geht. Nun, um Ihren Clip zu exportieren, müssen Sie alles auf Ihrer Timeline auswählen , die Sie in Ihr fertiges Produkt integrieren. Drücken Sie i für n aus. So können Sie es dort markieren. Navigieren Sie dann zu Datei Export Medien. Hier drüben. Wir werden H.264 auswählen, welches das am häufigsten verwendete Format online ist. Wir geben ihm eine hohe Bitrate und es ist so einfach wie der Export. Aber bevor wir das tun, verwenden wir die maximale Renderqualität. Und hier werden die Bitrateneinstellungen auch bestimmen, wie hoch eine Qualität oder wie viele Informationen in den endgültigen Export weitergegeben werden. Sobald Sie das getan haben, müssen Sie sicherstellen, dass Sie Ihr endgültiges Video hier haben und gehen Sie in den Ausgabennamen, wählen Sie den Speicherort und drücken Sie Exportieren. Jetzt wird es einige Zeit dauern, bis die Dateien gerendert werden, je nachdem wie lange und wie hochwertiges Filmmaterial Sie verwenden. Aber sobald es fertig ist, sollte es sich in diesem Ordner befinden. Da hast du es. Sie haben die Bearbeitung Ihres Formulars erfolgreich abgeschlossen, aber jetzt ist es an der Zeit für die Welt, es zu sehen. Schauen wir uns also einige Methoden an, wie Sie es markieren und Ihr Telefon verteilen können. In unserem nächsten Kapitel. 21. ACT V: Marketing: Herzlichen Glückwunsch, wenn Sie Ihr erstes Formular erfolgreich ausgefüllt haben. Und wenn Sie noch in der Entwicklung sind, bleiben Sie fokussiert und behalten Sie die Envision im Auge, obwohl Sie einen Schaum haben. Dies bedeutet nicht notwendigerweise, dass die Arbeit vorbei ist. Tatsächlich ist es vielleicht nur der Anfang und es ist jetzt an der Zeit, es in die Augen und Ohren des richtigen Publikums auf der ganzen Welt zu bringen. Niemand wird Ihr Telefon sehen, wenn sie es nicht wissen, es ist da draußen. Dies ist der Zweck der Vermarktung und des Vertriebs. Sie müssen einen Grund für die Menschen zeigen, sich ihre kostbare Zeit zu nehmen, um es zu beobachten. Dazu werden wir uns mit der Entwicklung neuer Marketingpyramide beschäftigen. Dies wird Ihnen helfen, ob Sie immer noch versuchen, Finanzierung und Unterstützung für Ihr Drehbuch zu gewinnen oder Filmfestivals besuchen möchten. An der Spitze Ihrer Pyramide befindet sich der Titel, das einzige Wort, das zu allen passt, in der Regel auf ein Zeichensymbol oder ein Thema in Ihrem Bild anspielt. Darunter ist Ihr Slogan. Und das sollte ein schrulliger Slogan oder ein Slogan sein, der eine Idee verdeutlicht oder einen dramatischen Effekt erzeugt. Es kann auf eine Handlung, Erfahrung oder Phrase im Film verweisen . Einige großartige Beispiele sind Ghostbusters, die du Jaws nennen wirst. Du wirst nie wieder ins Wasser gehen. Monster's Inc. haben wir Angst gemacht, weil es uns wichtig ist. Die Matrix-Realität gehört der Vergangenheit an. Darunter befindet sich Ihre Logline. Dies ist eine kurze Zusammenfassung Ihrer Konzeptgenres, Geschichte, Charaktere und Handlung, die alle in ein oder zwei Sätze eingefasst sind. Eine Formel, die in der Regel helfen kann, ist eine, beschreiben Sie Ihren Protagonist mit starken Adjektiven, um Ihrem Protagonist ein klares Ziel zu geben. Drei, versucht, die Einsätze zu erhöhen und für den Versuch, Verwendung von Ironie, wo Sie können, einige Beispiele, die Matrix, ein junger Computer-Hacker zu Servern, dass unsere Welt ist eine virtuelle Realität von intelligenten Maschinen geschaffen, um die Menschheit zu versklaven. Jetzt muss er sich den Geisteswissenschaften anschließen, gegen die Maschinen kämpfen und außer seiner neuen Rolle als Anführer des Widerstands. Ziemlich einfach, nicht wahr? Herr der Ringe, ein junger Hobbit Frodo, der den einen Ring gefunden hat, der zu Dark Lord Sauron gehört, beginnt seine Reise mit acht Gefährten zum Berg, Der einzige Ort, wo es zerstört werden kann. C bringt dich sofort eingehakt. Die besten Protokollzeilen erfordern mehrere Entwürfe und viel Experimentieren. Stellen Sie also sicher, dass Sie diesem etwas zugewiesene Zeit widmen. Jetzt unten ist Ihre Zusammenfassung. Der beste Weg, um eine Zusammenfassung zu beschreiben, ist es eine Kurzgeschichte für Ihren Film. Konzentrieren Sie sich auf den Kernkonflikt Verwenden Sie starke Visuals, direkt in der Gegenwart. Markieren Sie das Genre, das Sie verwenden. Beschreiben Sie Ihre Charaktere, Charakter , Bogen, und wie sie sich entwickeln. Versuchen Sie, die Geschichte in drei bis fünf Absätze zu zerlegen und seien Sie nicht schüchtern, irgendwelche Spoiler einzuschließen. Es sollte eine vollständige abgerundete Geschichte für Festival-Selektoren und Telefon, Telefon, Telefon, Telefongeber zu durchschauen sein. Jetzt haben Sie Ihre Marketingpyramide, um Ihre Firma dort zu unterstützen, wo sie hingehen muss. Wenn Sie es abgeschlossen haben, schauen wir uns einige Pressematerialien an, die Sie für die Veröffentlichung Ihres Telefons weiter einbinden können. 22. ACT V: Pressematerial: Pressemitteilungsmaterial, Plakat Das ist nicht selbst, sollte ein Kunstwerk sein, das Aufmerksamkeit erregt und Neugier weckt. Es sollte den Titel Ihres Schaumstoffs und Bilder enthalten , die die zentralen Charaktere der Geschichte gezeigt haben. Alternativ können Sie auch andere Ikonografie integrieren , die Sie in den Film und die Kosten für Ihre Hauptrollen, Ihren Slogan und ein Veröffentlichungsdatum verwenden. Wenn Sie diese am unteren Rand Ihres Plakats haben fügen Sie einige andere Details der Haupt-Studiofirma Regisseure, Produzenten, Schriftsteller, Costas, Kostümdesigner, Produktionsdesigner und Redakteure hinzu. Ich empfehle, den folgenden Spaß für dieses große, dunkle und hübsche oder SF-Filmplakat zu verwenden. Wenn Sie Film wurde uraufgeführt ein Festivals und, oder gewann irgendwelche Auszeichnungen, Sie können diese auch in kleinen grünen Klammern. Trailer, dies sollte ein ein- bis zweiminütiges Video sein, das die Essenz Ihres Films erklärt. Es sollte eine starke Geschichte allein sein. Füttern Sie den Appetit Ihres Publikums, führen Sie mit Ihren besten Momenten, wie faszinierenden Dialog und Höhepunkten der Aktion, aber geben Sie keine Spoiler, die Ihre letzten Handlungen enthüllen. Identifizieren Sie, was Ihr Telefon besonders macht, und markieren Sie diese Momente. Rhythmus ist alles im Handel als so, stellen Sie sicher, ein konsistentes Tempo zu halten, während Sie zwischen den zusammengefassten Akten der vollen bewegen. Die musikalische Partitur, die Sie auch nutzen, ist nicht zuletzt eines der kritischsten Elemente für Ihren Trailer. Schwere Soundeffekte wie Sentiment filmisch, IDS kann auch verbessern den Trailer und sie können leicht online gefunden werden. Es ist eine gute Idee, auch ein Roundtable Interview zu führen , das von einem Journalisten mit Ihren Hauptrollen, Produzenten, Schriftstellern und Regisseuren veranstaltet wird , um sicherzustellen, dass durchdachte Fragen formuliert wurden. So kann eine organische Diskussion um die Inspiration, Schauspiel und Produktionsmethoden und die zukünftigen Hoffnungen des Projekts hinter den Kulissen hervorgerufen werden. Große Fans Ihres Filmprojekts werden auch gerne ein Gefühl für die harte Arbeit und Mühe einschätzen , die in die Produktion gegangen sind. Stellen Sie also sicher, dass jetzt und wieder jemand dafür verantwortlich sein kann, um aufzuzeichnen, was am Set rund um die Szene passiert , indem Sie Leute interviewen und die Herstellung von allem erfassen. Bewertungen. Eine Möglichkeit zu wissen, ob Ihr Film so gut ist, wie Sie gehofft hatten, ist, Blogger, Schriftsteller und andere Journalisten um ehrliche Kritiken zu bitten , die Sie dann teilen können. Wenn sie den Schnitt machen. Gerade jetzt weißt du, was du brauchst, um das Summen zu bauen und die Leute dazu zu bringen, auf den Hype Train zu springen. Es ist Zeit, da rauszukommen und zu untersuchen, welche Wege der Verteilung du einschlagen kannst. 23. ACT V: Verteilung: Sobald Sie Ihr Pressematerial zusammengestellt haben, müssen Sie die Kampagne für Ihren Film strategisieren. Kreaturenschaum wie ein Geschäft. Aufmerksamkeit, schaffen Sie das Interesse und den Wunsch, und bringen Sie die Menschen dazu, Maßnahmen zu ergreifen, indem Sie es beobachten. Lassen Sie Ihr Poster und Ihren Trailer weit vor der Veröffentlichung frei und veröffentlichen Sie Ihre Interviews und Rezensionen nach der Veröffentlichung. Am besten ist es, eine Premiere in Ihrem lokalen Kino zu organisieren und Tickets dafür zu verkaufen. Laden Sie Ihr ganzes Produktionsteam ein und bitten Sie sie, so viele Menschen wie möglich einzuladen. Und es ist auch eine gute Idee, Einladungen an andere Fachleute in der Branche in Ihrer Nähe zu senden . Dies knüpft engere Beziehungen zu potenziellen Partnern und schafft Chancen für zukünftige Projekte und Kooperationen. Sobald Sie vor Ort gegangen sind, Es ist Zeit, global zu gehen. Und eine der besten Routen ist, Ihre Arbeit auf einer Website namens film freeway.com einzureichen. Hier drüben können Sie sich auf über 9 Tausend verschiedene Festivals bewerben. Ich empfehle Ihnen, einen Jahreskalender mit allen Festivals zu erstellen , auf denen Sie Ihr Bild zeigen möchten. Und ich habe einen hier unten angehängt. Beachten Sie jedoch, dass die Daten variieren können. Auch verschiedene Festivals suchen nach verschiedenen Themen der Genres für ihr Programm. Stellen Sie also sicher, dass Ihre Anzüge dies. Sie können Ihre Action-Komödie nicht auf einem Naturschutz von Festival zeigen lassen. Festivals sind auch fantastisch zu erleben, man bekommt unglaubliche Formen da draußen zu sehen, die selten zu hören sind. Sie werden auch Gleichgesinnte treffen, mit denen Sie in Kontakt bleiben können. Man weiß nie, ob Sie eine Hand oder ihre Produktion leihen oder sie Hände in Ihrer Produktion. Von dort aus wird es von Tausenden von Augen gesehen werden, die höchstwahrscheinlich von einem Telefonverteiler abgeholt werden, um auf ihren Plattformen zu hosten. Und das kann jeder von Netflix Show, max Hulu, Amazon Prime in jedem anderen sein. Sobald Sie die Türen geöffnet haben, können zukünftige Möglichkeiten folgen. Stellen Sie also sicher, dass Sie eine Vorstellung davon haben, wie Ihr nächstes Projekt aussehen könnte, wenn alles andere fehlschlägt und Ihr Projekt nicht vom Festival an Distributoren abgeholt wird, das ist in Ordnung. Es gibt YouTube und Vimeo, oder immer Optionen für Sie zu berücksichtigen und Sie können es dort bewerben. Man weiß nie, ob es virale wird. Und Ihre erste Form ist für Sie da, um sich mit dem gesamten Prozess vertraut zu machen. Und nebenbei, ich knurre, wenn ich meine erste voll sehe. So freuen Sie sich immer auf die Zukunft. Übung macht perfekt. So schießen, bearbeiten und schauen Sie so viele Filme wie möglich an. 24. ACT V: Was kannst du tun?: Leute, dieser Kurs war eine absolute Freude zu unterrichten und ich hoffe aufrichtig , dass ihr viel über das Filmemachen und das Leben im Allgemeinen gelernt habt. Hoffentlich, die Informationen, die Sie in der letzten Stunde und ein bisschen gewonnen haben, geben wir Ihnen eine Oberhand, wenn Sie die Telefonwelt mit neuen Kenntnissen, Techniken und Fähigkeiten zu bewerben betreten , denken Sie daran, immer offen zu halten und suchen Sie nach neuen Erfahrungen, die originelle und innovative Arbeit mit einer frischen Botschaft oder einer neuen Perspektive inspirieren, die Sie gewonnen haben, die Sie liebten, mit der Welt zu kommunizieren. Zweifeln Sie niemals den Wert Ihrer künstlerischen Integrität und bleiben Sie immer mit Patienten und Leidenschaft. Das Geld, der Ruhm, der Respekt wird danach folgen. Das bringt uns also zum Ende des Kurses und ich würde gerne mehr über Ihre Projekte hören oder sie sogar sehen. Sei also nicht schüchtern, mir eine Nachricht auf Instagram zu geben, David Dot Rashidun, IG. Ich bin immer hier, um ein Ohr und in der Hand zu leihen. Was auch wirklich helfen würde, ist, wenn Sie unten eine gute Rezension hinterlassen und diesen Kurs jedem Ihrer anderen Filmfreunde empfehlen. Und er gründete nützlich und hilfsbereit. Bis zum nächsten Mal. Das ist ein Wrap.