Ultimative elektronische Musikproduktion, Abmischung und Mastering in FL Studio

1. Kurs-Trailer und Übersicht: So haben Sie den Wunsch, professionell klingende EDM-Tracks zu produzieren. Vielleicht haben Sie mit einem bestimmten Problem zu kämpfen, das einfach immer passiert. Vielleicht haben Sie das Gefühl, dass Ihre Spur etwas fehlt, aber Sie können einfach nicht ganz mit dem Finger darauf legen. Oder vielleicht sind Sie bereits ein Experte, der nur neue Tipps und Techniken erlernen möchte. Egal, ob Sie Anfänger, Fortgeschrittene oder ein erfahrener Produzent sind . Dieser Kurs bietet Ihnen unschätzbare Produktionstechniken und Geheimnisse, um Ihre EDM-Tracks auf ein neues Level zu bringen. Hallo, mein Name ist Ben und ich produziere seit über zehn Jahren Musik. In dieser Zeit konnte ich unzählige Tracks mit Plattenlabels, komponierter Musik für Spiele und TV, sogar Design undMixed Sound für Film veröffentlichen komponierter Musik für Spiele und TV, sogar Design und . Was macht mich zum besten Instruktor für dich? Nun, in diesem Kurs werden wir die Musikproduktion von einem echten Musikproduzenten lernen. Ich verstehe die typischen Kämpfe, die Produzenten daran hindern können , ihr volles Potenzial zu erreichen. Und ich möchte das korrigieren, indem ich alles lehre , was ich im Laufe der Jahre als Musikproduzent gelernt habe. Wenn Sie diesen Kurs abschließen, werden Sie in der Lage sein, Ihre Spur effektiv zu strukturieren, erstellt Layer Drum Muster, die Fast-Food gefunden. Beide werden Sie wissen, wie Sie Synthesizer optimieren, um sie so klingen zu lassen , wie Sie möchten, oder sogar Ihre eigenen Sounds von Grund auf neu zu erstellen. Sie werden verstehen, wie ein Vocoder funktioniert, wie Sie die EQ-Kompressionssättigung verwenden und sogar Phasenprobleme innerhalb Ihres Tracks finden und korrigieren. Ich führe Sie durch den gesamten Prozess von der Vorlage jedes einzelnen Elements, Tipps für Arrangement und Track-Struktur, Mischen und Mastering. Es gibt auch einige Projekte auf dem Weg. So kann ich gut, Sie verstehen die Konzepte und es gibt sogar die Möglichkeit, mit Kommilitonen zu interagieren und Feedback zu erhalten, die ebenfalls Kurs absolviert haben. Mao für die Formalitäten. Der ideale Schüler für diesen Kurs wird eine digitale Audio-Workstation haben. So FL Studio, Ableton Logic, oder jede andere Software, die Sie verwenden können, um Musik zu erstellen. Sie müssen wissen, wie die Software zu verwenden, so dass Sie die Tipps und Techniken replizieren können , die ich diskutiert ein demonstriert. Sie müssen auch ein sehr grundlegendes Verständnis der Musiktheorie haben. Und wenn ich „basic“ sage, meine ich, den Unterschied zwischen Moll und Major zu verstehen und zu wissen, was die fünfte Note der Skala ist. Wenn Sie denken, dass Sie diese Anforderungen unter Ihrem Gürtel haben, dann ist dieser Kurs definitiv für Sie. Wie auch immer, ich will Ihre Zeit nicht mit ausgefallenem Gemüse verschwenden, sind beide Worte. Ich möchte, dass Sie Ihre Fertigkeiten der Produzenten auf den höchstmöglichen Standard lernen und ausbauen. Also, worauf wartest du da rum? Fügen Sie diesen Kurs zu Ihrer Paarkasse hinzu und erhalten Sie Ihre Hände auf diese komplette und umfassende elektronische Musiktheorie und Produktionskosten. Hallo und willkommen zu diesem elektronischen Musiktheorie- und Produktionskurs. Mein Name ist Ben, und mein Ziel ist es, Ihnen alles beizubringen, was ich weiß und alles, was Sie über die Erstellung einer professionellen EDM-Track wissen müssen. Ich habe mein Bestes getan, um diesen Kurs und ein logisches, leicht zu verfolgendes Format zu strukturieren. Aber wenn es anfängt, verwirrend zu werden, lassen Sie es mich wissen und ich werde einige Updates machen, sobald ich kann. Ich würde Ihnen raten, einige Kopfhörer oder Lautsprecher für die Dauer dieses Kurses zu bekommen, es gibt Beispiele und Demonstrationen, die Sie in der Lage sein müssen, zu hören. Ein Telefon oder Laptop-Lautsprecher ist nicht so genau wie ein Paar Kopfhörer und Sie können am Ende etwas Wichtiges verpassen. Also stellen Sie sicher, dass Sie sich ein paar gute Kopfhörer und haben sie angeschlossen, während Sie durch den Kurs Fortschritte, stellen Sie sicher, dass Sie die B auf Musik und Ton Facebook-Gruppe beitreten. Es ist nur eine kleine Community, in der wir alle zusammenkommen, chatten, Ideen und Projekte austauschen und sich gegenseitig Fragen stellen können. Ich werde auch Updates für zukünftige Kurse in dieser Gruppe veröffentlichen. Also, wenn Sie diesen Kurs genossen haben, stellen Sie sicher, dass Sie dieser Facebook-Gruppe beitreten, um Updates über meine zukünftigen Kurse zu erhalten. Und schließlich, vergessen Sie nicht, den Kurs zu bewerten und eine Bewertung abzugeben. Ich würde gerne über Ihre Erfahrungen hören und Ihr Feedback ist wichtig, damit ich diesen Kurs und andere Kurse verbessern kann. Es hilft auch anderen Studenten, die nach Kursen suchen. Wenn Sie also denken, dass ein bestimmter Kurs von Vorteil ist, kann Ihre Bewertung tatsächlich einem anderen Schüler helfen, den richtigen Kurs für sie zu wählen. Werfen wir einen Blick auf die Kursübersicht und was Sie erwarten können, wenn Sie den Kurs durchlaufen. So werden Sie am Ende des Kurses genau wissen, wie Sie Struktur zusammenstellen und eine vollständige EDM-Track erstellen. Sie werden auch die Theorie hinter der Funktionsweise dieser Tracks kennen und genau wissen, wie Sie jedes Element Ihrer Strecke bauen können. Eigentlich gebe ich dir zuerst die einzelnen Elemente deines Tracks. Also, das ist alles, was Sie wissen müssen, bevor wir beginnen, eine vollständige Strecke zu arrangieren. Dinge wie die Automatisierung, wie man Drums baut und wie man Gesang hacken kann, werden alle abgedeckt, bevor wir anfangen, etwas zu arrangieren. Im Wesentlichen, während Sie durch den Kurs fortschreiten, werden Sie verschiedene Techniken der elektronischen Musikkomposition üben. Und wenn Sie dann zur Arrangementsphase kommen, werden Sie diese Techniken und Methoden verwenden, die Sie gelernt haben , um eine vollständige Spur von Grund auf neu zu erstellen. Im Anschluss daran werden wir einen Blick auf wichtige Mischtechniken werfen und wie Sie verschiedene Plugins verwenden können, um Ihren Track wirklich zu formen und zu mischen. Wir werden uns auch einige Mastering ansehen, damit dein Track laut sein kann und anderen Tracks standhalten kann, mit denen du ihn vergleichst. Es gibt auch einige Projekte auf dem Weg, so dass ich sehen kann wie gut Sie das Material verstehen und auch für Sie, um Ihre neuen Fähigkeiten zu üben. Oder Sie können mir und anderen Schülern einfach Ihr Talent zeigen , indem Sie diese Projekte in der Facebook-Gruppe posten. Also lasst uns jetzt in den Kurs springen und lernen wie man einen professionellen EDM-Track erstellt. Ich kann es kaum erwarten zu sehen, was du dir einfällt. 2. Eigenschaften von EDM: Lassen Sie uns einige der Eigenschaften von EDM untersuchen. Es ist wichtig, sich bewusst zu sein, wie ein bestimmtes Genre der Musik erkannt wird , damit Sie sicher sein können, dass Ihre Track-Dateien unter der richtigen Überschrift. Das erste Merkmal von EDM ist, dass es ein hohes und gleichmäßiges Tempo hat. Tempo ist nur ein schickes Wort dafür, wie schnell ein Musikstück tatsächlich ist. Wenn wir also einen Blick auf unser Tempomessgerät werfen, können wir sehen, dass es auf 126 Schläge pro Minute eingestellt ist. Beats pro Minuten, oder BPM, ist nur ein anderes Wort für Tempo, aber es ist eine wissenschaftlichere Lesung. 126 bpm bedeutet, dass es 126 musikalische Beats pro Minute Musik gibt. Alles, was über etwa 115 BPM liegt, kann als hoch angesehen werden. Je höher der BPM, desto hektischer und energischer wird Ihr Track klingen. Denken Sie also daran, wenn Sie die BPM für Ihren Track auswählen. Da EDM ein stetiges Tempo hat, machen wir das, was man als Set bezeichnet, und vergessen mit dem BPM-Messgerät. dem fortschreitenden EDM muss das Tempo gleich bleiben. Einige andere Genres wie Klassik werden das Tempo während des gesamten Stücks verändern. Aber in EDM tun wir dies im Allgemeinen nicht, es sei denn, es ist für einen sehr, sehr spezifischen Zweck. Stellen Sie also Ihr Tempo ein und vergessen Sie es für den Rest Ihrer Strecke. Ein weiteres Merkmal, das man beachten muss, ist, dass es zwei verschiedene Unterteilungen von EDM gibt. Es gibt vier auf dem Boden und es gibt Break-Beat. Dies bezieht sich einfach auf den Stil des Trommelmusters, das jede dieser Unterteilungen enthalten. Im fremden Boden, die Kicktrommel ist stabil und gleichmäßig überall und es fällt auf alle vier Schläge der Bar. Es ist das gängigste Trommelmuster, das in der elektronischen Musik verwendet wird. Und es ist großartig für Nachtclubs, da es dem Publikum erlaubt, in den Takt zu springen. Lassen Sie uns eine fremde hören, das Bodenmuster. Die andere Unterteilung wird dann als Break-Beat bezeichnet. In dieser Unterteilung ist die Kicktrommel nicht stabil und gleichmäßig und kann vor oder nach den vier Schlägen einer Bar fallen. In diesem Beispiel fallen einige der Kicks-Samples vor dem Takt der Bar. Und das gibt dem Rhythmus ein etwas flippigeres Feld. Hören wir uns jetzt das Break-Beat-Beispiel an. Es liegt wirklich an Ihnen, welche Unterteilung Sie erstellen möchten. Einige Tracks, sogar kombinieren die beiden zusammen. Aber es ist wichtig, sich bewusst zu sein, dass sie existieren, bevor Sie beginnen, Ihre Strecke zu arrangieren. Edm ist immer in 44 Zeit eingestellt. Im Freien verwenden wir die Einstellung als Standard, aber es ist wichtig, dass Sie sie nicht in etwas wie 34 Mal ändern. Wenn Sie EDM machen, bedeutet 44 Zeit einfach, dass Sie vier verschiedene Beats in jedem Käufer zählen können. Der Grund, warum wir EDM in 44 Zeit halten, ist, weil es so konzipiert ist , dass die Zuhörer leicht zu der Musik tanzen können. 44 Zeit hat den am wenigsten Komplex von Rhythmen aller anderen Zeitsignaturen, was bedeutet, dass weniger Konzentration benötigt wird, um in den Takt zu tanzen. Es bedeutet auch, dass DJs einfach spielen oder in ihre Sets verfolgen können. Wie 44 Zeit ist einfach, in andere mischen 44 Zeitspuren. Edm ist sehr repetitiv in der Natur und Sie werden feststellen, dass Sie Dinge oft wiederholen. Es gibt einige Tipps, die ich Ihnen später im Kurs geben werde, die Ihnen helfen, anziehen, weniger repetitiv zu klingen und viel besser fließen. Aber im Moment brauchen Sie sich keine Sorgen darüber zu machen. In der nächsten Vorlesung untersuchen wir, wie EDM strukturiert ist , damit Sie Ihren Track auf einem soliden Fundament aufbauen können. 3. Die EDM (Teil 1) zergliedern,: In dieser Vorlesung werden wir die Struktur der EDM aufschlüsseln , damit wir unsere Strecke mit einem soliden Fundament aufbauen können. Porenstruktur ist eines der offensichtlichsten Zeichen, die anziehen wurde schlecht produziert und es ist nicht alles so schwer zu verstehen. Lassen Sie uns also in den Inhalt stecken und Struktur zieht von Anfang an richtig an. Der erste Abschnitt einer EDM-Spur wird die Einführung oder das Intro genannt. Jetzt dient das Intro eigentlich keinen anderen Zweck als wichtig für DJs zu sein, um deinen Track in andere Tracks zu mischen. Da EDM jedoch für seinen Zweck konzipiert ist, müssen wir ein Intro und unsere Tracks einbinden. Ein Intro ist in der Regel acht bis 24 Takte lang, aber es kann länger sein, wenn Sie die Aufmerksamkeit Ihres Tracks langsamer aufbauen möchten. Das Intro sollte auch auf einige Hauptelemente in deinem Track hinweisen. Also zum Beispiel, wenn Sie ein Breakdown ein cooles Piano-Akkordmuster haben, dann sollten Sie wahrscheinlich auf dieses Klaviermuster in Ihrem Intro hinweisen. Vielleicht, indem Sie es langsam einblenden, während das Intro fortschreitet. Es ist eigentlich sehr wichtig, diese Hinweise in dein Intro aufzunehmen, da es Publikum erlaubt, deinen Track sofort zu erkennen, sobald ein DJ platziert. Das Intro sollte auch leicht in den Zusammenbruch einbauen. Was das bedeutet, ist, dass beim Spielen Ihres Intro immer mehr Elemente eingeführt werden sollten. Ein Intro beginnt normalerweise ziemlich leer und endet dann mit einem vollständigen Hinweis darauf, was in der Aufschlüsselung oder dem Ablegen Ihres Tracks passieren wird. Also lasst uns dieses Beispiel eines Intro anhören. Hören Sie, wie das Court Muster in der zweiten Hälfte des Intro viel lauter wird und wie der Produzent neue Schlagzeug einbringt, wenn das Intro voranschreitet. In diesem Intro-Beispiel konnten Sie auch hören, wie es einige Upstreams und Riser gegen Ende gab , dass wir Spannung aufbauen, wenn sich der Zusammenbruch nähert. Als nächstes werfen wir einen Blick auf den Pannenabschnitt. Hier wird die Spannung aus dem Intro entlastet und die Energie ist am niedrigsten. Wir brechen die Strecke buchstäblich in ihre kleinsten Elemente auf, bevor wir sie wieder aufbauen. Die Aufschlüsselung ist auch, wo Sie den Hauptstumpf einer Strecke finden können. Und es hat oft sehr wenig bis keine Trommeln. Dies ist so, dass es viel glatter und freier klingt als die anderen Abschnitte des Tracks. Eine Panne kann überall von acht bis 32 bar lang sein. Hören wir uns die Aufschlüsselung unseres Beispiels Track an. Beachten Sie, wie es das Hauptakkordmuster einführt, das im Intro angedeutet wurde. Und auch, wie es sehr leer mit einem glatten und freien Rhythmus ist. Werfen wir einen Blick auf den Buildup-Abschnitt in EDM und wie es in Bezug auf die Anordnung verwendet wird. Der Aufbau ist also einer der wichtigsten Abschnitte einer EDM-Spur. Übertreiben Sie es und Sie können den Tropfen töten. Aber unter Machern und dem Tropfen kann fehl am Platz klingen. Ich werde über etwas sprechen, das als Intensitätsdiagramm im Arrangement-Abschnitt bezeichnet wird. Und wir können damit sicherstellen, dass wir den Aufbau nicht übertreiben oder rückgängig machen. Aber für den Moment, nehmen Sie nur zur Kenntnis, was der Aufbau tun sollte. Aufbauen soll dem Zuhörer sagen, dass etwas Großes kommt, was der Tropfen ist. Es wird verwendet, um Spannung zu bauen, so dass, wenn die Freigabe des Tropfens endlich kommt, es sich viel intensiver anfühlt. Ein typischer Aufbau ist überall von acht bis 16 bar lang, wobei 16 Balken ziemlich lang für einen Aufbau sind. Mal sehen, was unser Beispiel die für den Aufbau verfolgt hat. Also, als dieser Aufbau, wurden einige Trommeln wieder eingeführt und das Akkordmuster war tatsächlich halbiert mehrere Male, als der Aufbau spielte. Diese Technik ist sehr verbreitet und schafft mehr Spannung für den Zuhörer. Sie erwarten, das vollständige Muster zu hören. Aber stattdessen, durch die Verkürzung ist immer wieder, Sie sind effektiv necken den Zuhörer. Wenn Sie ihnen also endlich das Fließmuster geben, kann es wirklich viel mehr Auswirkungen haben. Lasst uns nochmal zuhören. Nach dem Aufbau haben wir den Tropfen. Dieser Abschnitt entlastet alle bisher gebauten Spannungen und ist der Höhepunkt jeder EDM-Spur. Du willst wirklich, dass die Leute sich auf die Füße bewegen. So ist es oft lauter und voller als jeder andere Abschnitt. Ein guter Tropfen ist typischerweise 24 Bars lang, mit den letzten acht Käufern, die etwas Neues einführen , das bisher noch nicht im Tropfen war. Lassen Sie uns einen kurzen Auszug aus unserem Beispiel Tracks Drop hören. In diesem Tropfen wird die Kicktrommel wieder eingeführt und die Instrumente wechseln zu einem aggressiveren Klang. Die melodische Idee ist jedoch immer noch die gleiche, und so klingt der Drop wie eine intensivere Version des Zusammenbruchs. Nach dem Abfall wird ein zweiter Zusammenbruch festgestellt. Der zweite Zusammenbruch ist einfach eine Entwicklung des ersten. Manchmal kann es eine längere Version oder vielleicht eine Version mit neuen Instrumenten oder die Zugabe von Trommeln sein. Sie können jedoch nicht einfach Ihre erste Aufschlüsselung kopieren und einfügen. Die zweite Panne muss mehr Energie als die erste tragen, sonst fließt Ihre Strecke nicht richtig. Dies ist eigentlich eine weitere Verwendung für dieses Intensitätsgraph-Konzept, das ich bereits erwähnt habe. Der zweite Zusammenbruch kann auch etwas völlig Neues einführen, wie zum Beispiel eine neue Melodie auf einem neuen Instrument. Damit dies funktioniert, müssen Sie jedoch vor dem Ende der Spur zur ursprünglichen Idee zurückkehren. Lassen Sie uns hören, was unser Beispiel Attraktoren in der zweiten Aufschlüsselung zu sehen. In diesem Track können wir also deutlich hören, dass der zweite Zusammenbruch dem ersten sehr ähnlich ist. Allerdings ist es viel länger und es gibt die Zugabe von Trommeln gegen Ende. Dadurch kann die Spannung noch mehr aufbauen als der erste Zusammenbruch. Im zweiten Aufbau müssen wir nochmals bedeuten, dass ein großer Höhepunkt kommt. Normalerweise ist der zweite Aufbau fast identisch mit dem ersten Aufbau. Es kann eine Zugabe von Trommeln oder ein neues Instrument geben, aber es klingt im Allgemeinen sehr ähnlich. Das Publikum weiß bereits, was kommt, also ist es unnötig, sich einen neuen Aufbau neu vorzustellen. Der zweite Aufbau kann auch länger sein als der erste. Dies kann dazu beitragen, zusätzliche Spannung zu erzeugen. Lassen Sie uns einen Blick auf unsere Beispielstrecke und Nasen nehmen , wie sie ein Fahrsymbol in der ersten Hälfte hinzugefügt haben. Sie haben auch eine zusätzliche Snaredrum in der zweiten Hälfte hinzugefügt. Machen Sie sich keine Sorgen, wenn Sie nicht wissen, was diese sind, werden in Kürze auf Trommeln schauen und detailliert. Also lasst uns jetzt zuhören. Was kommt nach dem zweiten Aufbau? Es ist natürlich der zweite Tropfen. Viele Tracks neigen dazu, den ersten Drop für diesen Abschnitt zu kopieren und einzufügen, und das ist in Ordnung, aber es gibt dem Hörer wirklich nichts Interessantes. Für Ihren zweiten Tropfen sollten Sie etwas Neues hinzufügen, vielleicht ein neues Instrument, zusätzliche Trommeln oder sogar das Muster leicht ändern. Dadurch wird sichergestellt, dass Ihr Hörer Ihren Track den ganzen Weg durch genießt und sich während des zweiten Drop nicht langweilig macht. In unserer Beispielspur führt der zweite Tropfen ein völlig neues Instrument ein und verändert das Muster leicht. Es bringt dann den ersten Drop wieder rein. Aber wegen der neuen Idee, die gerade gespielt hat, fühlt es sich nicht so repetitiv an. Lasst uns mal zuhören. Der letzte Abschnitt in einer ADM-Spur wird als Outro bezeichnet. Dies dient dem gleichen Zweck wie das Intro, außer dass DJs sich in andere Tracks mischen. Das Ziel des Outro ist es, die Energie des Tracks stetig zu verringern , so dass das Publikum, wenn der Track endet, ein vollständiges Gefühl der Schließung spürt. Wenn Sie den Track abrupt stoppen, könnte der Zuhörer verwirrt werden, da er erwartete, dass mehr kommen. Ein gutes Outro entfernt meist Elemente des Tracks nach und nach, bis nur wenige Instrumente und Schlagzeug übrig sind. Das Outro kann überall von acht bis 24 bar lang sein. Hören wir uns unser Beispiel an. - Outro. 4. Die Breaking (Teil 2): Ich werde diesen Vortrag verwenden, um über ein paar andere Strukturen zu sprechen, die Sie verwenden können und auch zwei andere wichtige Teile über die Strukturierung in EDM Spur. So wird die Struktur, über die wir gerade in der letzten Vorlesung gesprochen haben , die Standardstruktur genannt. Es ist die gebräuchlichste und solideste Struktur da draußen. Sie können jedoch die Struktur ändern, um einige interessante Ergebnisse zu erzielen. Eine verzögerte Pannenstruktur, die erste Aufschlüsselung kommt tatsächlich nach dem Abfall. In diesem Fall würde der Track vom Intro direkt in den Aufbau gehen und dann zum Drop mit dem Zusammenbruch danach kommen. Und eine andere Struktur, die Sie verwenden können, ist die No-Breakdown-Struktur. Damit gibt es eigentlich keine Panne in der Strecke. Also, wenn dein Track fortschreitet, würde es so etwas wie Intro Buildup Drop gehen. Und dann würde eine Entwicklung des Intro dem Drop folgen. Sie können auch einige zusätzliche Elemente hinzufügen, um das zweite Intro vor dem zweiten Aufbau und dem zweiten Drop zu verschönern . Keine Struktur ist in Stein gesetzt. Sie können mit der Struktur Ihres Tracks herumspielen, aber Sie müssen bedenken, dass es einen guten Fluss haben muss. Lassen Sie uns über binäre Phrasierung sprechen. Es klingt nach einem großen komplizierten Konzept, aber es ist wirklich nicht. Einfach gesagt, binäre Phrasierung für EDM bedeutet, dass sich etwas alle acht Balken ändert. Dies kann eine geringfügige Änderung sein, z. B. das Hinzufügen eines neuen Schlagzeugklangs. Oder es kann eine große Änderung sein, wie die Einführung eines neuen Abschnitts. In der Musik ist eine Phrase eine musikalische Idee über vier Takte lang, und binär bedeutet zwei. Also die Idee ist, wenn Sie einen Abschnitt haben, der 24 Balken lang ist, sagen wir einfach, es ist zum Beispiel die zweite Aufschlüsselung. Dann bedeutet das, dass Ihre zweite Aufschlüsselung bei 24 bar Phrase ist. Mit binärer Phrasierung wird dieser 24-Bar-Phrase tatsächlich in drei kleinere acht Balken-Sätze aufgeteilt. Und jeder dieser kleineren Phrasen unterscheidet sich etwas voneinander. Mach dir keine Sorgen, wenn das alles verwirrend klingt. Aber der Hauptteil, den Sie davon nehmen sollten, ist, dass alle acht Balken, sollten Sie eine Art von Änderung machen, so dass die Spur Fortschritt sowie ein Ort. Säulenantwort ist etwas, das häufig in EDM verwendet wird, aber von so vielen Herstellern übersehen wird. Oder viele Produzenten wissen vielleicht nicht einmal, dass sie es mit Spaltenantwort tun, ein Element der Spur wird aufrufen und ein anderes reagiert. Stellen Sie sich vor, Sie haben eine frühere Melodie. Nun, wenn Sie ein Klavier setzen, um die ersten vier Takte zu spielen, und einen Synthesizer, um die zweiten vier Takte zu spielen, dann wäre das beruhigende Resonanz. Es kann auch mit Gesang verwendet werden, wo ein Wort oder eine Phrase mit unterschiedlichen Effekten wiederholt wird. Lassen Sie uns ein Beispiel der instrumentellen Spaltenantwort und dann ein Beispiel für die Stimmenantwort hören . Das letzte, worüber ich in diesem Vortrag sprechen möchte, ist Energie. Alle EDM basiert auf diesem Konzept von Energie, Bau und Freigabe es im Laufe der Trek fortschreitet. Der wichtigste Weg, um diese Energie zu erzeugen, besteht darin, den Zuhörer tatsächlich zu necken, bevor er ihnen das volle Paket gibt. Ich denke, ich habe das sowieso schon gesagt, aber ich möchte es hier wiederholen, denn wenn Sie verfolgt werden, hat keine Energie, als es wirklich nicht als EDM-Track funktionieren wird. Wir werden wieder auf Energie schauen, wenn wir kommen, um unsere Strecke zu arrangieren. Aber vorerst muss man wissen, dass dieses Konzept der Grund ist, warum so viele EDM-Produzenten am Ende die Marke mit ihrer Musik vermissen. Stellen Sie also sicher, dass Sie den Hörer in Ihrem Track necken. 5. Dein Projekt einrichten: In dieser Vorlesung, konzentriert sich auf die Einrichtung eines Projekts, so dass Sie auf einer Spur mit 0s arbeiten können. Jetzt, da wir wissen, wie EDM strukturiert ist, können wir dies tatsächlich zu unserem Vorteil nutzen, wenn wir unser Projekt aufbauen. Mit allem können wir hinzufügen, was ein Marker genannt wird. Also mit FL Studio, wenn Sie Command drücken und t kontrollieren t, wenn Sie auf einem Windows sind, wird es hier in diesem kleinen Marker fallen. Wir können dann mit der rechten Maustaste klicken und uns umbenennen. Also werde ich das eine Intro nennen. Und wir können es dann verschieben, wo immer wir sein mussten. Diese kleinen Marker sind also großartig, weil wir die Struktur einer Strecke planen können , bevor wir überhaupt anfangen, etwas zu arrangieren. Dies wird uns konzentrieren und es wird uns auch ermöglichen, innerhalb einer Art garantierten Rahmen zu arbeiten , wenn wir die Strecke erstellen. Eine andere Möglichkeit, Marker mit FL Studio zu erstellen, besteht darin, auf der linken Seite des Wiedergabelistenfensters zu gelangen . Klicken Sie auf dieses kleine Dropdown-Menü, den Mauszeiger über Zeitmarken und wählen Sie Hinzufügen, geben Sie ihm einen Namen. Also werde ich diesen einen Zusammenbruch nennen. Und wieder, Sie können es dorthin verschieben, wo Sie es brauchen. Also lassen Sie uns sagen, ich will 16 Bars eines Intro. Ich werde diese Pannenmarkierung einfach auf die 16 verschieben, irgendwie 16 von Amerika. Und jetzt kann ich sofort sehen, dass ich hier 16 Takte eines Intro habe. Das ist also hilfreich, wenn ich mich arrangiere und ich bin, ich setze Schlagzeug und Akkorde ein und so, was ich sehen kann, richtig? Ich muss am Pannenabschnitt sein, bis ich diese Bar erreiche. Ein weiterer wichtiger Teil bei der Planung Ihrer Struktur ist es wichtig, auf den Punkt zu kommen, damit die Zuhörer sich nicht langweilen, dass ICI tatsächlich mit dieser Regel geschworen hat und fast alle seine Tracks den Drop-Sektion erreichen würden, bevor die Eine Minute Markierung. Versuchen Sie also, die Strecke nicht mehr zu spülen, als Sie brauchen. Sie müssen schnell zur Grundidee kommen , damit die Zuhörer nicht satt haben, wenn sie zuhören. Sie wollen keine zwei Minuten Intro, weil die Zuhörer nur langweilig werden. Der nächste Schritt und das Einrichten Ihres Projekts besteht also darin, Ihre bpm festzulegen. Nun, das wird sich wahrscheinlich ändern, wenn Sie die Spur erstellen, aber es ist gut, eine Art raues Tempo für den Ort zu setzen, wo Sie denken, dass Sie Ihre Spur sein wollen. Wie gesagt, wird ein sehr hohes Tempo eine hochenergetische Spur haben, und niedriges Tempo wird ein Low-Energy-Check oder weicher sein. Wenn Sie sich nicht sicher sind, ein Tempo von 128 BPM zu wählen, ist eigentlich ein perfekter Allrounder. Wenn ein 128 tatsächlich als magische Zahl in der Musikwissenschaft betrachtet wird , weil es eine Zahl ist, wo Timing , Struktur und Tempo, sie alle schneiden. Für das Timing werden sich acht Balken und 60 Sekunden schneiden, wenn dieses BPM eingestellt ist. Wenn Sie also Ihr Tempo auf 128, den 30-Sekunden-Balken hier einstellen , wird dies tatsächlich genau eine Minute auf der Uhr markieren. Wenn Sie also nicht wissen, worauf Sie Ihr BPM einstellen möchten, setzen Sie es auf 128 ein. Ich werde meine eigentlich bei 128 verlassen weil ich nicht sicher bin, mit welchem Tempo ich noch arbeiten möchte. Das nächste, was wir tun werden, ist, dass wir eine Syntax einrichten. Dies ist ein einfacher Prozess, der Ihrem Workflow wirklich helfen kann , während Sie durch die Spur fortschreiten. Also macht US-centric, was auf der Dose steht. Wenn Sie mehrere Tracks haben, die Sie den gleichen Effekt anwenden möchten, können wir tatsächlich einfach alle diese Tracks zu $0.01 Spur senden. Dies erspart uns, stattdessen viele Effekte zu öffnen und dann versucht zu kopieren und fügen Sie die Einstellungen über jede einzelne Spur. So wird der Prozess der Einrichtung von Zentroiden und Ihrem Punkt wahrscheinlich anders sein. Und ich denke tatsächlich, dass Ableton 2N Tracks bereits standardmäßig verfügbar hat. Aber mit FL Studio, können wir tatsächlich jedes dieser Mikrofone verwenden sind Tracks als US-zentriert. Alles, was Sie tun müssen, ist die Spur auszuwählen, die Sie senden möchten. Und dann kommen Sie hier runter zu diesem kleinen Pfeil und klicken Sie auf den Pfeil unter der Spur, die Sie auch senden möchten. Also lassen Sie uns sagen, ich möchte Track für Track 11 senden. Ich klicke einfach auf den kleinen Pfeil unter Track 11. Und jetzt ist es eine Art Draht zwischen diesen beiden Gleisen gezeichnet. Und ich weiß, dass dieser Track zu diesem Track geschickt wurde. Aber wenn wir ordentlich und ordentlich aussehen und irgendwie organisiert, so dass wir schnell arbeiten können. Am einfachsten ist es, mit der rechten Maustaste auf Ihren Duftspur zu klicken. Also die Spur, an die Sie Ihre verschiedenen Elemente gesendet haben, klicken Sie mit der rechten Maustaste darauf, kommen Sie hier zu diesem kleinen d2 und klicken Sie dann entweder links oder rechts, je nachdem, was Sie bevorzugen. Jetzt bevorzuge ich meine Syntax, um auf dem Vormarsch zu sein. Also werde ich diesen Track nach rechts andocken. Und wie Sie sehen können, kommt es hier auf der rechten Seite. Und das ist ein kleiner Send-Sektion, in dem wir es irgendwie aus dem Weg bringen können, wenn wir müssen, oder wir können es zurückbringen, indem wir auf dieses kleine klicken, ich weiß nicht einmal, was diese Form ist. Klicken Sie darauf und es wird diese kleine Sending-Aktion herausziehen. Also, wenn wir einen Blick auf war eine Spur für, ja, wir können sehen, welche Spur dafür. Der Draht kommt raus und er wird hier zu dieser Spur geschickt. Also, jetzt haben wir hier auf der rechten Seite einen ordentlichen kleinen Soundtrack gemacht , den wir verwenden können und wir können jeden Track senden. Also verfolgen Sie sechs, wir können Spur neun schicken. Immer tun ist, klicken Sie einfach auf diesen kleinen Pfeil hier und es wird sich nie bewegen. Selbst wenn ich entlang der Mixer-Spur scrolle, wird es immer Tag hier auf der rechten Seite. Deshalb ist es praktisch, es an der Seite anzudocken. Wenn Sie 100 verschiedene Tracks haben, die Sie verwenden, können Sie immer noch alle von ihnen ganz einfach und ziemlich schnell senden. So hilft es wirklich Ihrem Workflow. In der nächsten Vorlesung werden wir also über die Verwendung von Referenzspuren sprechen und wie Sie die Einstellungen Ihres Vaters für eine optimale Leistung optimieren können. 6. Deine DAW optimieren: Also, was sind Referenzspuren? Nun, Referenzspuren, Tracks, die Sie herunterladen und als Referenz verwenden, wenn Sie Ihren Track erstellen. Idealerweise sollten Sie eine Referenzspur auswählen, die sich im selben Genre wie die Spur befindet, an der Sie gerade arbeiten. Jetzt kopieren wir die Referenzspur nicht, wir verwenden sie nur als Leitfaden, damit wir sicher sein können, dass unsere Strecke gut voranschreitet. Wenn Sie also auf Ihren Referenztrack hören und feststellen, dass auf halbem Weg durch das Intro und Ihr Instrument eingeführt wird, können Sie diese Idee nutzen und auch ein neues Instrument in Ihren Track einführen. Also habe ich ein Beispiel für eine Referenzspur hier für Tech House. Ich glaube, das ist der Jonah, den ich machen wollte. Also habe ich einen Track im gleichen Genre heruntergeladen. Hören wir uns ein paar Sekunden an und nennen Sie oder alles, was wir über das Intro und alles bemerken können , was wir auch für unseren eigenen Track verwenden könnten. Also kann ich hören, dass ein Schlackenblock mit den Trommeln drin ist. Kick-Trommeln müssen dort viel schwerer sein. Und es gibt einige Akkorde, die in ihmverblasst in ihm für die Grundlinie wurde gerade eingeführt. Und ich höre auch das Geräusch einer Menge. Und es gibt auch einen Fokus, der gefiltert wird. So können wir all diese Ideen für unseren Track nutzen. Wir können, ich kann sagen, wenn ich will, dass mein Track eine schwere Kickdrum auf halbem Weg durch das Intro hat, und ich möchte, dass meine Baseline auch hier reinkommt, und ich möchte Vocals vorstellen, während mein Intro weitergeht, können wir all diese Ideen. Das ist also die Wichtigkeit, eine Referenzspur zu haben. Wir können es als Orientierungshilfe verwenden. Lassen Sie uns nun unsere DAW-Einstellungen für die Erstellung von EDM optimieren. Also in FL Studio kommen wir hier zu diesem kleinen Optionsbereich, klicken Sie darauf und kommen Sie zu den Audioeinstellungen. Und Sie werden sehen, dass dieses kleine Fenster erscheint, wenn Sie sich in einer anderen DAW befinden. Dieses Fenster finden Sie unter Voreinstellungen und Audio oder Audio-Hardware oder so etwas. Und das Layout wird ein wenig anders sein, aber die Einstellungen sind immer noch die gleichen. Das erste, was Sie bemerken, ist dieses Gerät Dropdown-Menü , in dem wir das Gerät ändern können, das wir das Audio verarbeiten möchten. Wenn Sie also, wenn Sie möchten, dass Ihr Sound Ihre Kopfhörer übernimmt, wenn Sie möchten, dass der Ton aus Ihren Lautsprechern kommt, wenn Sie eine Audio-Schnittstelle verwenden und Sie möchten, dass der Sound daraus kommt, können Sie dies hier auswählen. Meines ist auf Multi-Ausgabegerät eingestellt, was nur eine Einstellung ist, die ich eingerichtet habe, so dass meine Aufnahmesoftware den Ton meiner Stimme aufnimmt , während ich den Sound meiner DAW wiedergebe. Es ist nur für diesen Kurs, weil ich normalerweise dieses Set auf meinem Audio-Interface haben würde , weil das ist, was ich gerne verwenden, wenn ich Musik erstelle. Die nächste Einstellung, die wir dann haben, ist die Abtastrate Einstellung. So sollte die Abtastrate ein Minimum von 44.110100 sein, was minus Statue hier ist. Bei elektronischer Musik ist die Samplerate nicht so wichtig wie bei akustischer Musik. Wenn Sie Instrumente wie vielleicht Ihre Stimme oder eine Gitarre oder so aufnehmen, sollten Sie wahrscheinlich als ein wenig höher einstellen, vielleicht 48 Tausend oder sogar 8.888,2 Tausend ist wirklich hoch. Und dann bis zu 192 Tausend, das ist einfach lächerlich hoch. Und wie, es sei denn, Sie haben eine Art von Super-Computer, Sie brauchen nicht, um die Sampling-Rate ist 44.1 Tausend ist absolut perfekt für alle Genres der Musik. Eigentlich sind es die Industriestandards. Also Plattenlabel, wenn Sie ihnen eine gemeisterte senden, eine fertige gemeisterte Spur, sie werden Sie tatsächlich für eine fragen, für Ihren Track zu 44.1 gemeistert werden. Sie könnten es also genauso gut bei 44.1 belassen, aber Sie können es ein wenig höher einstellen, wenn Sie die Rechenleistung dazu haben. Als nächstes kommen wir nach unten und wir sehen diese Pufferlänge oder in Ihrer DAW, dies könnte Puffergröße genannt werden. Also sollten Sie dies so hoch einstellen, wie es möglich sein kann. Zum Erstellen von EDM. Wir arbeiten eigentlich mit Plugins und virtuellen Instrumenten, so dass sie mehr Rechenleistung benötigen. So Status so hoch wie es geht, um mehr Verarbeitungsleistung für diese Instrumente zu widmen. Wenn Sie Instrumente aufnehmen, können Sie tatsächlich, Sie können dies senken. Aber wir reden hier von elektronischer Musik. Also kann ich mir nicht vorstellen, dass du mehr als zwei Instrumente gleichzeitig aufnehmen würdest. Also setzen Sie das so hoch wie es geht und lassen Sie es dort. Außerdem hängen die Zahlen, die Sie hier erhalten, davon ab, welches Gerät Sie hier oben ausgewählt haben und wie viel CPU Sie in Ihrem Computer haben. Aber unabhängig von der Zahl, die das hier auftaucht, setze diese kleine Bar so hoch wie es geht, und es sollte deine Arrangementserfahrung ein bisschen besser machen. Nun gilt dieser nächste Abschnitt nur für FL Studio, aber wir haben diesen kleinen sicheren Überladungsknopf. Stellen Sie sicher, dass diese Leuchte eingeschaltet ist. Dies stoppt nur das Einfrieren der Schnittstelle, wenn Probleme auftreten. Es macht es nur die Anordnung, die ein wenig einfacher für Sie. Stellen Sie also sicher, dass dies eingeschaltet ist. Stellen Sie auch sicher, dass diese Smack deaktivierte Läuse eingeschaltet ist. Was deaktiviert markiert ist, ist es deaktiviert die Plugins, die Sie nicht verwenden. Also, wissen Sie, wenn es unnötige Verarbeitungsleistung gibt , die zu einem Plugin geht, das Sie nicht verwenden. Dies, wir schalten es automatisch aus , so dass es die CPU für andere Dinge freigeben kann, die Sie tun. Sie können auch hier kommen, um Tools, Makros und Schalter smack deaktiviert für alle Switched smart, deaktivieren Sie es für alle Plugins. Dies wird nur sagen, die Software Art von aktualisieren , dass Einstellung für den Fall, dass Ihr Hund in ein Bein läuft. Als nächstes haben wir diese kleine Resampling-Qualität hier unten. Jetzt können Sie dies auf die Sampling-Qualität einstellen, die Sie bevorzugen. 512 ist hoch und es wird dazu führen, dass Ihr Laptop langsamer wird. Und hier gibt es zwei Settings. Dies ist wirklich niedrige Qualität, so wird es, es wird beschleunigen Sie Ihren Laptop, aber es wird nicht so gut klingen. Je höher Sie also diese Resampling-Qualität einstellen, desto langsamer verarbeitet Ihr Computer den Sound. Und je niedriger Sie sagten, desto schneller verarbeitet Ihr Computer den Ton, aber der Ton klingt nicht so gut, wenn er auf diese niedrige Einstellung eingestellt ist. Ich mag es, meine Zwischenräume in der Mitte zu halten weil es eine Art glückliches Medium zwischen dem niedrigsten und dem höchsten ist. Und es macht mir wirklich nichts aus, wenn ich während des Mixens an Audioqualität verliere. Eine letzte Einstellung, die wir tun können, ist, dass wir hier in diese allgemeine Registerkarte kommen und zu den Animationen kommen, die heruntergeworfen wurden. Also, wenn Sie dies so einstellen, dass Sie mich nicht ablenken, Dies schaltet alle Animationen aus, die die Software tut, so dass Ihre CPU nicht versucht, unnötige Visuals zu verarbeiten, sowie das Audio. Nun, ich mag die Animationen tatsächlich und mein Computer ist schnell genug, um sie auszuführen. Also führe ich uns gerne bei beidem an. Sie können es ausschalten, wenn Sie Probleme haben oder nur etwas zusätzliche CPU-Leistung freigeben möchten. Das ist also alles, was wir wissen müssen, um unsere DAW zu optimieren. Lassen Sie uns auf den nächsten Abschnitt gehen, wo wir lernen, wie man Drums für EDM baut. 7. Flügel verwenden: Das erste, was wir in diesem Gebäudetrommel-Abschnitt betrachten werden , ist die Verwendung von Swing. Was ist Swing und wie können wir es für unsere Tracks nutzen? Wir werden das leider benutzen, nicht nur am Schlagzeug, sondern auf fast jedem Element unseres Tracks. Swing ist eine ziemlich harte Wendung zu definieren, aber ich denke, es ist viel einfacher zu verstehen, wenn Sie es hören. Wenn wir also einen Blick auf diese beiden Drum Beats werfen, einer von ihnen keinen Swing und der andere hat Swing. Also der erste, den ich spielen werde, ist der Beat, der nicht schwankt. Und dann werde ich den Beat spielen, der Schaukel hat. Also lasst uns jetzt mal zuhören. Nun gibt es nicht zu viel Unterschied zwischen diesen beiden Beats, aber einer von ihnen hat eine bessere Gruppe als der andere. Und das ist wegen des Schwungs. Schwingen Sie wie eine Geheimwaffe, die alle EDM-Produzenten kennen sollten. Werfen wir einen Blick auf dieses Stück hier drüben. Der Beat, der keinen Schwung hat. Und wir werden sehen, wie wir über die Anwendung von Swing gehen sollten. Das erste, was wir bemerken, ist, dass der Kick auf den ersten, zweiten, dritten, vierten Schlägen der Bar ist . Der Klatsch ist auf dem zweiten und dem vierten b an den Käufer. Aber der Hass und diese Vorsichtsmaßnahme und diese Vorsichtsmaßnahme Probe, sie sind nicht im Takt der Bar dort tatsächlich zwischen jedem Schlag des Käufers. Also diese kleinen Abschnitte zwischen den Schlägen der Bar, diese werden Schritte genannt. Um Swing anzuwenden, müssen wir alles nehmen, was auf dem zweiten oder vierten Schritt ist, wir müssen es um ein Viertel eines Schrittes verzögern. Jetzt weiß ich, dass es so klingt, als ob es eine Menge Mathematik involviert ist, aber es gibt nicht. Also, wenn wir kommen hier zu diesem kleinen Snap to Grid Dropdown-Menü, wenn wir auf diese und wir sehen, wir sehen Viertel eines Schritts hier. Wir wissen also, dass wir die Stichproben um einen Viertelschritt verzögern wollen. Also werde ich Viertelschritt auswählen. Und was das tut, ist, dass sie die Schritte in vier kleinere Schritte aufteilt. Also, wenn ich hier nach oben zocke, kann ich sehen, dass ich viel mehr kleine Schritte habe, mit denen ich spielen kann. Also, was wir tun werden, ist, dass wir die Probe, die auf dem vierten Schritt war, verzögern. Wir werden es um einen Viertelschritt verzögern, indem wir es nach rechts ziehen. Einmal. Wir werden das Gleiche für diese Probe hier tun, die auch auf dem vierten Schritt ist. Drehen Sie also den Viertelschritt zurück, ziehen Sie ihn einmal nach rechts, und das verzögert ihn um ein Viertel eines Stempels. Wenn wir also diesen kleinen Abschnitt hören, den wir gerade gemacht haben, dieser kleine editierte Abschnitt hören, wird dieser kleine editierte Abschnitt hören,dass der Swing angewendet wurde. Aber wenn ich den Rest der, die gleiche Drum-Schleife spiele , die wir nicht bearbeitet haben. Wir werden sehen, dass der Schaukel nicht angewendet wird. Jetzt gab es eine weitere schnelle Möglichkeit, Swing in FL Studio zu erstellen. Und das ist, wenn du hierher zu diesem kleinen Musterabschnitt kommst. Und wenn Sie hier Ihr Trommelmuster erstellen, anstelle der Playlist können wir anstelle der PlaylistSwing viel einfacher erstellen. Also, was ich tun werde, ist, dass ich ein schnelles Trommelmuster erstellen werde , indem ich die Kickdrum auf jedem einzelnen Beat hinzufüge. Also, das ist ein Fremder. Das Stockwerk b ist. Ich werde den Klatsch auf den zweiten, vierten Schlag hinzufügen. Ich werde den offenen Hut dazwischen setzen. Also, auf dem mittleren Schritt, werde ich das dort setzen. Und dann werde ich die Vorsichtsmaßnahme auf den vierten Schritt setzen. Vielleicht der dritte Schritt, der gleiche wie der Hut. Vielleicht der zweite Schritt, und der vierte Schritt wieder. So weiß die Software, welcher Schritt auch der Swing angewendet werden soll. Also dieser kleine Parameter hier oben, das nennt man Hauptschaukel. Und wenn wir das aufstellen, wird das tatsächlich Schwung für uns gelten. Also werde ich die Bs spielen und als das Beats-Flugzeug werde ich das langsam erhöhen und wir werden hören wie die Software funktioniert, um Swing anzuwenden. Und Sie können feststellen, dass es ohne Schwung angewendet, tatsächlich sehr, sehr robotisch klingt. Also solltest du auf jeden Fall versuchen, Swing in deinen Tracks zu verwenden. Aber für andere tut, müssen Sie diese Fangmethode verwenden, indem Sie den Fang am Raster auf die Unterteilung ändern , die Sie wollen, und dann das eigentliche Sample selbst verschieben, wodurch es verzögert wird. Nun, ich glaube, ich habe das erklärt. Ok. Aber wenn Sie verwirrt sind, lassen Sie es mich wissen und ich helfe Ihnen so gut ich kann. In der nächsten Vorlesung betrachten wir die wichtigsten Elemente, aus denen EDM-Schlagzeug besteht. 8. Hauptelemente von of: In den nächsten Minuten werden wir uns alle Hauptelemente ansehen, die ein EDM-Trommelmuster ausmachen. Nun ist das erste Element, das ein EDM-Trommelmuster ausmacht, die Kickdrum. Dies ist die Basis aller Rüben. Und eine gute Kick-Trommel kann wirklich Ihre Muster auf Flow machen. Nach der Kickdrum haben wir den Klatsch oder die Snare. Ein Club ist viel häufiger in EDM, aber Sie können eine Snare anstelle der Klemme verwenden. So diese schmal die Klatschen sollte einen scharfen Klang erzeugen und wird oft auf dem zweiten vierten b an den Käufer spielen. Lass uns mal zuhören. Als nächstes haben wir einen prominenten Offbeat Hut. Ein offbeat Hut wird immer auf den dritten Schritt des Beats gehen, oder genau zwischen zwei Beats. Dieser Hut ist genauso wichtig wie der Kicker, die Klemme, und du solltest ihn definitiv in deine Beats aufnehmen. Wir haben auch diesen Hut, der Meter-Hut genannt wird, und einen Meter-Hut genannt, weil er den Meter der Strecke spielt. Oder einfacher, es spielt auf allen vier Beats der Bar. Du könntest es eine Vier auf dem Bodenhut nennen, wenn du willst. Hören wir uns an, wie das in den Mustern der Luft klingt. Nach dem Meterhut haben wir diesen kleinen Hintergrundzucker. Der Hintergrund-Shaker wird oft übersehen, aber er kann wirklich einen leeren Raum und ein Trommelmuster füllen. Ich habe Schwung auf meine Hintergrundhüte angewendet, da einige der Samples auf der zweiten und dritten Stufe des Beats sind. Also, wenn Sie Frühling verwenden, müssen Sie Schaukel auf diese Hüte anwenden. Hören wir uns an, wie sie im Muster klingen. Im Anschluss daran haben wir den Einfüllhut. Das sind also nur extra hohe Hüte, die Sie für rhythmische Wirkung hinzufügen. Sie werden irgendwie auf die gleiche Weise als Vorsichtsmaßnahme verwendet, aber wir würden einen Hi-Hut anstelle eines Vorsichtsgeräts verwenden. Jetzt sind die Fedora-Hüte nicht nötig, aber sie machen ein Trommelmuster ein bisschen professioneller klingen. Also lasst uns sehen, wie sie in dem bekannten Muster klingen. So haben wir auch diese kleinen rhythmischen Perkussionselemente. Rhythmische Vorsichtsmaßnahme ist etwas, das Sie hinzufügen können, wenn Sie möchten, aber Sie können es auslassen, wenn Sie es nicht mögen oder brauchen. Vorsichtsmaßnahme, die Swing verwendet, kann wirklich zu der Nut Ihrer Spur hinzufügen. Wenn Sie das Gefühl haben, dass Sie mehr Groove hinzufügen müssen, als in einigen Swing Percussion kann helfen. Meine Vorsichtsmaßnahme ist die Verwendung von Swing und ich denke, dass es wirklich zu der Nut auf der Strecke beiträgt. Lass uns mal zuhören. Endlich haben wir diese aufgeschlagene Perkussion. Tonhöhenvorsorge ist also etwas anders, weil sie eine hörbare Tonhöhe oder Note hat. Wenn wir die gleiche Note wie die Vorsichtsmaßnahme verletzen können, dann ist sie aufgeschlagen. Also Bungalows, Tabletten oder Kuhglocken, sie alle req res als aufgetretenes Perkussion. Ich benutze ein Kuhglocken-Geräusch. Mal sehen, wie sich das im Kontext des Trommelmusters anhört. Dies sind also die Hauptelemente, aus denen ein Trommelmuster besteht. Es gibt zusätzliche Dinge, die wir tun können, um ein Trommelmuster wirklich gut klingen zu lassen. Ein Buch, wir werden darüber reden, wenn wir das Trommelmuster bauen. Für den Moment gehen wir einfach zum nächsten Vortrag über und erfahren mehr über Layering und wie Sie Ihre Drum-Samples auswählen. 9. Sutiable Drum finden: Okay, in diesem Vortrag werden wir über die Trommelschichtung sprechen und wie Sie diese Schichten finden können, die Sie in Ihren eigenen Trommelmustern verwenden können. Also, wenn wir einen Blick hier haben, habe ich zwei Muster Setup. Nun ist dieses Muster das gleiche Trommelmuster, das ich in der letzten Vorlesung verwendet habe. Aber dieses Trommelmuster hier drüben, das ist etwas anders, weil einige zusätzliche Schichten hinzugefügt wurden. Okay, wenn wir also nach oben zoomen und uns dieses Trommelmuster ansehen, habe ich im ursprünglichen Trommelmuster nur diesen Klatsch benutzt, aber in diesem Trommelmuster habe ich einen extra Klatsch, und ich habe auch eine Snare hier unten, und sie sind alle miteinander geschichtet, um einen viel größeren Sound zu erzeugen. Also lassen Sie uns jetzt verkleinern und haben ein Hören Sie sich das ursprüngliche Trommelmuster. Und dann haben wir ein Hören auf die Ebene Trommelmuster, sehen Sie die Unterschiede zwischen beiden. Jetzt ist es kein großer Unterschied, aber man kann hören, dass dieses Muster ein bisschen voller ist und es eigentlich ein bisschen professioneller klingt, weil es sehr leer klingt und es ist, es ist ein auffälliges, es ist ein hörbares, auffällige Sache, wenn ein Produzent nicht Schicht. Also solltest du auf jeden Fall versuchen, deine Sounds in deinem Track zu schichten. Also, jetzt werden wir voran gehen und nach einigen Schichten suchen. Also werde ich hier in dieses kleine Musterpaket kommen, so dass Sie Beispiel-Backs aus dem Internet kostenlos oder für bezahlt herunterladen können, für Geld, oder was auch immer Sie bevorzugen. Aber wenn Sie sie dann gut genug in Ihre Software oder Studio laden, kommen sie hierher und ich denke, es ist das gleiche aktiviert irgendwo auf der linken Seite, sie, sie erscheinen. Aber ich bin, ich werde in dieses Beispiel-Übungsmodus Audio kommen. Das kommt eigentlich mit FL Studio. Wenn Sie also die kostenlose Version von FL Studio herunterladen, erhalten Sie dieses Sample Pack und Sie werden in der Lage sein, alle diese Sounds hier zu durchlaufen und sie zu verwenden, um Ihre eigenen Drums zu bauen. Also das erste, was ich über Schichtung sagen werde, ist nie deinen Kick zu schichten, okay? Kicks, die Sie in Musterpackungen erhalten. Sie sind schon mehrschichtig, weil die Leute, die die Sample-Packs herausstellen nicht wollen, sie wollen dir die beste Art von klingenden Dingen verkaufen, die sie können. Also schichten sie schon Dinge für dich. Also mit dem Kick, weil es ein grundlegendes Instrument ist, wollen Sie das nicht schichten, es sei denn, Sie wissen genau, was Sie tun. Aber ich würde empfehlen, dass du einen Kick auswählst, den du magst. Also aus diesem Paket dieser Lasten hier drin, in der Standardart von FL Studio-Sache, aber es gibt Lasten hier drin. Und ich empfehle dir, deine Tritte nicht zu schichten. Ok. Wählen Sie also einfach ein Beispiel aus, das Ihnen gefällt und ziehen Sie es hier hinein und beginnen Sie mit dem Erstellen Ihres Musters. Allerdings können wir Schicht oder andere Dinge wie die Klatschen. Also schauen wir uns die Klatschen jetzt an. Wenn Sie also auf der Suche nach Klatschschichten sind, sollten Sie nach einem kurzen Klatschen und einem langen Klatschen suchen. So ist ein kurzer Klatsch relativ scharf und irgendwie knackig, oder ein anderes Wort dafür ist vergänglich. Okay, also Transienten sind, das ist dieser kleine, kurze Energieausbruch, der zu Beginn eines jeden Geräusches auftritt. Sie könnten also hören, dass Produzenten sagen, dass der Klang sehr vergänglich ist. Nun, wir suchen nach vorübergehenden oder kurzen Klatschen. Wenn wir also einige dieser Klemmen durchlaufen und sehen, ob wir kurze Klatschen finden und dann sehen wir, ob wir lange Klatschen finden können. Und lasst uns mal zuhören. Also klingen die alle ein bisschen kurz? Ja, einige von ihnen, dass man ein bisschen lang ist und tatsächlich gibt es einen Schwanz an und man kann ihn dort sehen. Gehen wir hier runter zu diesem Haus. Generation klatscht. - Ja. Das sind, das sind große, laute lange Klatsche. Ok. Dass man cool ist, so können Sie diese lange Klatschen mit einem dieser kürzeren Klatschen schichten erscheinen. Und wenn die beiden zusammenkommen, werden sie tatsächlich einen viel voller klingenden Klatsch machen. Und es ist ein Geheimnis, dass viele EDM-Produzenten nicht wollen, dass Sie wissen, ist, dass Sie Ihre Drums, Ihre Instrumente, Sie sollten alles schichten. Sie können auch legen oder andere Dinge in mit den Klatschen. Sie können einige Snares nur für ein bisschen Abfall einlegen, oder Sie können auch etwas Perkussion schichten. Jetzt Kamelfett tun das viel. Sie, sie benutzen tatsächlich Percussion als Schicht statt einer Snare. Also werden sie ihren Schrock klatschen auf ihrem langen Klatschen haben und sie sind Schichten mit einer dieser coolen, klingenden Vorsichtsmaßnahmen. Und das könnte Ihrem Trommelmuster etwas sehr Einzigartiges und Interessantes geben. Also, wenn Sie das versuchen wollen, wenn Sie ein Trommelmuster bauen, gehen Sie weiter. Und jetzt gehen wir zu den hi-hats werden einen Blick auf den hohen Hut haben. So ähnlich wie die Klatschen mit den hohen Hüten waren auf der Suche nach einem kurzen Hut und entlang Hut, oder mit anderen Worten, einem geschlossenen Hut oder einem offenen Haus. Nun, die geschlossene und offene, die nur von einem Drum-Kit kommt , wo, wenn Sie den hohen Hut auf der linken Seite des Schlagzeugers haben, er entweder geschlossen oder öffnen kann, wenn Sie am nächsten sind, es klingt sehr kurz und knackig. Und wenn man es öffnet, ist es irgendwie länger und hat etwas mehr Geschichte. Also, was wir suchen, ist ein geschlossener Hut und ein Haus der offenen Tür, oder mit anderen Worten, eine Kurzschrift und entlang Hut. Also eigentlich, weil ich hier sehen kann, dass es o Hüte gibt, was ich annehme, bedeutet offen bei. Also sind diese alle ziemlich lang. Also verwenden Sie diese als Ihren langen Hut. Und dann kann dieser c Hut dein geschlossener Hut oder dein kurzer Hut sein. Sie sind offen und es ist tatsächlich als O gemacht, aber wir schauen auf das Meer, geschlossen, geschlossen. Dieser hier ist geschlossen. Also deine Schicht, der kurze Hut mit dem Lungenhut, und du wirst einen wirklich schönen Hi-Hat Sound bekommen. Auch wenn wir über Hüte sprechen, Ihre andere Halbseite, den Meterhut und den Füller Hut. Sie möchten Verknüpfungen für sie verwenden. Denn wenn Sie lange Hüte verwenden, wird es beginnen, die anderen Samples zu überlappen und es wird ein bisschen chaotisch klingen. Also stellen Sie sicher, dass Sie kurze Hüte für den Meterhut verwenden, was das Fremde ist, das der Boden hatte, ich denke, wir nennen es. Und Sie verwenden eine Abkürzung für die zusätzliche Füller Art von Hüten, die Sie an der Stelle der Vorsichtsmaßnahme verwendet haben? Stellen Sie sicher, dass diese Hüte kurze, kurze klingende Samples wie diese verwenden . Okay, also für Ihren Hintergrund-Shaker und dass Sie im Hintergrund des Trommelmusters haben , um Platz zu füllen. Du solltest einen Shaker benutzen, okay? Sie können, Sie können auf jeden Fall einen Hi-Hut verwenden. Aber das einzige Problem ist die Verwendung eines Hi-Hat, wenn es irgendwie klickend ist. Als ob die irgendwie in Ordnung sind. Aber das ist, wenn das ist, wenn Sie das im Hintergrund verwenden, ist es zwei Klicks und es wird tatsächlich den Hörer ablenken. Also habe ich nur geraten, dass du hier reinkommst zu den Shakers, dem Shaker-Ordner und nach einer Shaker-Probe suchst. Eine Art kurz, wenn Sie nach kurz suchen, denn wieder, Sie wollen nicht, dass sie zu lange, um die anderen Samples überlappen. Da. Das ist ein reizendes. Das ist ein netter. So können wir alle diese Shaker im Hintergrund als Hintergrund-Shaker verwenden. Oder Sie können Ihre eigenen machen, wissen Sie, Sie können Ihre eigenen in Ihr Mikrofon aufnehmen, wenn Sie etwas Reis bekommen und es in wie eine leere Milchkarton oder so, Sie können Ihre eigenen machen. Du kannst kreativ sein. Und ich denke auf jeden Fall, wenn Sie Ihre eigenen Samples machen, wenn Sie Ihre eigenen Sounds machen, bringen Sie etwas Einzigartiges auf den Tisch und etwas anderes , das viele Plattenlabels zuvor gehört haben könnten. Also, wenn Sie Ihren eigenen Shaker machen können, wenn Sie sich kreativ fühlen, wie Sie vielleicht etwas anderes, vielleicht ein paar Nägel oder etwas in eine Farbdose oder so, können Sie einen ziemlich coolen Shaker machen, klingt anders als andere Shaker, die da draußen sind. Als nächstes schauen wir uns das Perkussion an. Also haben wir zwei Arten von Vorsichtsmaßnahmen. Wir haben den Rhythmus-Perkussion und das aufgeschlitzte Perkussion. In diesem. Manchmal bekommt man diese separat, wie bei einigen der Rachepakete, heißt es Schlagzeug und Schlaginstrumente. Und die Perkussionsinstrumente werden diejenigen sein, die aufgeschlagen sind. Aber hier scheint es, alle in der gleichen Art von Ordner zu sein. Aber das ist okay. Wir können einfach einige von ihnen durchgehen und uns anhören, welche Art von Unterabschnitt es gibt. Und das ist definitiv aufgeschlagen. Ich kann, ich kann Homer. Da werde ich Geräusche aufwerfen. Sie auch, diese scheinen dort aufgeschlagen zu sein. Das wird ein, ein unabgestimmter kann auf aufgeschlagene Probe verdienen, die Sie verwenden können. Stellen Sie nur sicher, dass die Perkussion-Samples, die Sie verwenden, ziemlich kurz sind , weil Sie sie für rhythmische Wirkung verwenden. In der Regel. Sie möchten also, Sie möchten mit ihnen zu der Nut hinzufügen. Also, wenn sie zu lang sind, nehmen Sie weg von der Groove und es wird am Ende zu glatt klingen. Je kürzer die Probe ist, desto mehr Groove, die Sie tatsächlich haben und diesen Punkt auch für die anderen Samples berücksichtigen. Je kürzer das ist, je kürzer sie sind, desto mehr Nut wird Ihr Muster haben. Jetzt, da wir wissen, wie man Ebenen schichtet und sucht, sind wir bereit, ein Trommelmuster zu erstellen. Ich werde Ihnen auch einige zusätzliche Tipps geben, die ich bisher noch nicht erwähnt habe, die Ihnen wirklich helfen, eine professionelle klingende Trommelmuster zu bauen. Achten Sie also darauf, dass Sie den vollständigen nächsten Vortrag durch den ganzen Weg sehen, damit Sie keine Tipps verpassen. 10. Ein Drum strukturieren: Nun, da wir alle Elemente kennen, die in das Erstellen eines Trommelmusters gehen, wissen wir, was Schichtung ist, wir wissen, wie man Layer und wir wissen auch, wie man Ihre Ebenen findet. Wir sind endlich bereit, unser eigenes Trommelmuster zu bauen. Jetzt habe ich gesagt, ich würde Ihnen einige Tipps in diesem Vortrag geben, um eine wirklich professionelle Zonierung Trommelmuster zu machen. Was ich tun werde, ist, dass ich Ihnen zuerst diese Tipps geben werde. Und dann machen wir weiter und benutzen die Sample-Packs hier drüben, um unser eigenes Trommelmuster zu erstellen. Der erste Tipp, den ich dir geben wollte, war dieser hier. Und in diesem Tipp fügen Sie eine zusätzliche Trommelschleife hinzu, die Sie in Sample-Packs als Schicht auf Ihrem eigenen Drum-Muster finden können . Also werde ich nur die Loop alleine spielen und wir werden sehen, wie das klingt. Diese Schleife ist also nichts Besonderes. Es ist nur ein paar Hatsune, ein paar Klatsche. Und jetzt werde ich die Ebenen spielen, die ich hinzugefügt habe, ohne die Schleife sie abzuspielen und sehen, wie das klingt. Also haben wir tatsächlich eine hinzugefügt in so viel von nur in einem Kick, einem Meter-Hut und off-Beat-Hut hinzugefügt . Ich habe hier umgekehrte Klatsche und wir werden einen Blick darauf werfen, wie das in einer Vorlesung zu tun ist. Ich habe auch diesen langen Klatsch, einige Schlagzeug. Es gibt Percussion-Element und nicht ernannt. Wir werden auch einen Blick darauf werfen, was ein Punkt der Notiz in einigen kommenden Vorträgen ist. Aber für den Moment, einfach nicht so. Ich habe in einigen zusätzlichen Schichten oben auf dieser Schleife, diese Hüte und Klatschen hinzugefügt . Also lasst uns ein Hören auf das gesamte Trommelmuster mit der Schleife in und wir werden sehen, wie es klingt. Jetzt ist es wichtig, diese zusätzlichen Arten von Proben selbst hinzuzufügen, diese zusätzlichen Schichten. Denn wenn wir die Trommelschleife alleine mit dieser Kickdrum hören, wird sie auch sehr, sehr leer klingen. Also lassen Sie uns ein hören, wie es klingt mit der Kickdrum Hands-on. Und das hört sich gut an. Aber es ist wichtig, Ihre zusätzlichen Ebenen hinzuzufügen, denn wenn Sie die zusätzlichen Ebenen hinzufügen, klingt es viel vollständiger und professioneller. Lassen Sie uns also nochmals ein Hören mit allen hinzugefügten Layern nehmen. Der andere Tipp, den ich dir geben wollte, war dieser Tipp hier drüben. Jetzt ist dieser Tipp sehr ähnlich. Es ist wieder, es ist eine andere Schleife, die als Ebene hinzugefügt wird, aber dieses Mal wird es als Massenverb-Schleife bezeichnet. Was amass-Verb ist, es ist irgendwie das Endende eines Hall-Effekts. Und es wurde geloopt. Aber es klingt ein bisschen nach Wind oder Luft. Was das also tut, ist, dass es nur den leeren Raum füllt, der von den Trommelmustern übrig bleibt. Also, wenn wir uns das Trommelmuster anhören, Amazon. Es gibt also tatsächlich viel Leerraum zwischen den Samples der Anzeige in dieser Massenverb-Schleife, es wird diesen Raum füllen und es ist wirklich subtil, aber es ist ziemlich klug zu tun, wenn Sie das Gefühl haben, dass Ihr Trommelmuster ein wenig leer oder es braucht etwas extra. Lassen Sie uns also das gesamte Muster mit der Masse Verb Schleife in hören. Und jetzt, wenn ich diese Massenverb-Schleife herausnehme, und jetzt eine Menge Backend. Okay, jetzt sind wir bereit, unser eigenes Trommelmuster zu bauen. Also, was ich tun werde, ist, dass ich löschen werde und diese, damit sie nicht im Weg stehen. Bearbeiten, löschen. Und dann werde ich hier runter scrollen, damit diese bunten Tracks uns nicht ablenken. Also fangen wir mit dem Kick an. Und ich werde das Modus Audio Sample Pack hier verwenden , so dass, wenn Sie die kostenlose Version von FL Studio herunterladen, Sie mit mir und Ihnen arbeiten können. Und Sie werden auch die gleichen Proben haben und ich benutze , damit Sie genau verfolgen können, was ich tue. Also fangen wir an, nach einem Kick zu suchen und den ersten hier zu klicken. Und was wir mit FL Studio machen können, ist, dass wir die Tritte mit unserer Pfeiltaste vorsingen können. So können wir sehr schnell nach unten scrollen und haben ein Hören auf alle von ihnen. Also werde ich nur scrollen sehr schnell und hörte auf alle Tritte und einen Kick finden, dass ich den Klang ihrer 13. Ich mag das Geräusch. Also, was ich tun werde, ist, dass ich es in die Playlist ziehen werde, gerade hier. Ich werde das einfach vergrößern, damit wir sehen können, was wir tun. Schalten Sie die Tracks wieder ein, und dann fügen wir diese Kickdrum auf alle vier Beats nach hinten ein. Also werde ich das einfach nochmal kopieren, damit wir eine Art, ein zwei Balkenmuster haben . Jetzt werde ich meine Tritte nicht schichten, weil diese Tritte für mich, sie klingen schon mehrschichtig. Sie sind ziemlich voll und fett und es gibt wirklich keine Notwendigkeit, eine zusätzliche Blendung hinzuzufügen , weil ich das Low-End meiner Tracks nicht durcheinander bringen möchte, also werde ich den Kick verlassen, wie er ist. Und wir werden hierher kommen und uns die Klatschen ansehen. Wie wir wissen, klatscht, Wir suchen nach einem kurzen Klatschen und einem langen Klatschen. Also schauen wir uns mal an und werden jemandes Klatschen vorsprechen und wir werden eine nette Abkürzung finden, die wir in unserem Muster verwenden können. Das klingt nett, also werde ich das hier reinziehen. Also werde ich es auf den zweiten Takt der Bar und auch den vierten Takt der Bar platzieren . Und dann wird er das in die zweite Hälfte der Muster kopieren. Mal sehen, wie das jetzt klingt. Also, was ich tun werde, ist zuerst, dass ich diese auf die Mixer-Spur hinzufügen werde indem ich diesen kleinen Track-Button hier drücke. Und damit kann ich die ablehnen. Jetzt weiß ich nicht, warum der Kick und der Klatsch so weit auseinander gegangen sind, aber im Moment spielt es keine Rolle. Wir stellen sie nur ab, damit es unseren Ohren nicht weh tut. Also lasst uns nochmal zuhören. Also, jetzt werden wir nach einem Lungenklatschen suchen. Soweit ich mich erinnere, klatscht diese Hausgeneration. Die waren ziemlich lang. Ja. Ich mag den Klang dieses hier wirklich, also werde ich diesen hineinziehen und ihn auf die gleichen Beats legen wie der kurze Klatsch. Und ich werde das auch in der Mixer-Spur abdrehen, nur damit es unseren Ohren nicht weh tut. Lass uns mal zuhören. Wenn ich das Haifisch-Labor herausnehme und es wieder hinzufüge, ist das ein subtiler Unterschied, aber es macht einen Unterschied. Also lassen Sie uns hier rüber gehen und dann werden wir einen Blick auf das Hinzufügen in eine snare sind Vorsichtsmaßnahme. So können wir mit unseren Klatschen in eine Snare einlegen, damit es etwas dicker oder morpho klingen kann. Aber ich denke, ich werde versuchen, einige Percussion-Sounds wie Tarnung, CO2 und ihre Musik hinzuzufügen . Also werde ich durch die, einige dieser Proben kommen und einfach zuhören und eine finden, von der ich denke, könnte funktionieren. Das klingt cool. Ich werde das mit meinem Klatschen einlegen. Also werde ich es hineinziehen und es auf die gleichen Beats setzen wie alle anderen Klatschen. Und wir werden uns in einer Minute anhören, wie das Muster klingt jetzt, nur, ich werde das abschalten und wir werden uns ansehen, wie dieses Muster klingt. Nun, diese Vorsichtsschicht fügt tatsächlich eine wirklich coole Textur in die Muster. Also werde ich es einlassen. Das nächste, was wir uns ansehen können, sind unsere Hüte. Also wieder, mit den Hüten, wie die Klatschen, suchen wir nach einem kurzen Hut und entlang Hut. So wie ich mich erinnere, waren diese Angriffshüte ziemlich kurz. Also eigentlich diese 15 und vielleicht nicht. Hören Sie sich nur ein paar von ihnen an. 25. Ich würde gerne eine 25. Also werde ich das hineinziehen und ich werde es in die Mitte legen. Im dritten Schritt werde ich hier nach oben zoomen, den dritten Schritt des Beats. Also lasst uns das auf alle Trittstufen über das gesamte Muster legen. Kopieren Sie alle diese. Und was ich tun werde, ist, dass ich sie im Mixer abschalte und dann hören wir uns an, wie sie im Muster klingen. Lasst uns einen Zuhörer haben. Also suchen wir jetzt nach einem Lungenhut oder dem offenen Hut. Also scrollen wir hier nach unten und wir werden versuchen, eine zu finden. Eigentlich wie das Geräusch. Das hier ist ziemlich cool. Ziehen wir das in unser Muster. Setzen Sie es auf die gleichen Schritte oder Schläge wie d kurze Hut. Und dann wieder, in den Mixer zu bringen, nur um es ein wenig nach unten zu drehen. Und wir werden uns anhören, wie das klingt. Das Muster klang bisher ziemlich gut, aber wir haben noch ein paar weitere Elemente hinzuzufügen. Das nächste Element, das wir hinzufügen werden, ist der Füllerhut. Dieser Einfüllhut muss also wieder eine Kurzschrift sein. Also werden wir nach einem dieser geschlossenen einen dieser c Hüte suchen. Und wir werden sehen, welches gut klingt, das wir hinzufügen könnten. Ich mag den Klang dieses hier, also werde ich das hinzufügen. Ich werde es vielleicht auf den vierten Schritt und vielleicht den zweiten Schritt legen. Lassen Sie uns das also über das gesamte Muster kopieren. Hier. Ich glaube noch eins hier. Also jetzt, weil diese auf dem vierten und zweiten Schritt sind, müssen wir Swing anwenden. Aber das müssen wir nicht, aber ich möchte, also werde ich diese Viertelstufeneinstellung einschalten und diese um einen Viertelschritt verschieben. Und jetzt werden wir uns anhören, wie das Muster klingt, sobald ich das in der Mixerspur abgeschaltet habe . Also lasst uns jetzt mal zuhören. So klingt das bis jetzt ziemlich gut. Das nächste Element, das wir uns ansehen werden, ist der Hintergrund-Shaker. Also kommen wir hierher, schließen die hohen Hüte Fuller und kommen hier runter in den Shaker-Ordner und hören uns ein paar dieser Shaker an, die wir hinzufügen könnten. Ich denke, ich erinnere mich, dass diese Shaker ziemlich gut klang. Ja, ich mag das Geräusch von Attack Shake oder zehn. Also werde ich das hineinziehen. Was ich tun werde, ist, dass ich es auf jeden Schritt des Beats setzen werde. Also, wenn wir hier nach oben zoomen, ist das der erste Schritt. Legen Sie es auf den zweiten Schritt, legen Sie es auf den dritten Schritt und legen Sie es auch auf den vierten Schritt. Jetzt habe ich diese auf den Boden gelegt, weil es einfacher für mich ist, Swing anzuwenden, denn wieder, diese sind auf dem zweiten und dem vierten Schritt. Und weil wir bereits den Frühling in unserem Muster etabliert haben, müssen wir Swing Time auf alles andere anwenden, was wir hinzufügen. Also, was ich tun werde, ist, dass ich die um einen Viertelschritt kompensieren werde. Also, jetzt ist das Swing auf das kleine Mini-Muster angewendet, das kleine Mini-Muster dort. Was wir also tun können, ist, dass wir das über das gesamte Muster kopieren können. Und dann können wir sehen, wie sich das im Kontext des Trommelschlags anhört. Also lassen Sie uns das auf der Mixerspur abschalten und dann hören wir uns kurz an, äh, den Angriffsschütteln oder klingt wie im Muster. Also gefällt mir das Geräusch. Und das nächste, was wir uns ansehen werden, ist das Perkussion. Also, wenn wir hierher kommen und wir einen Blick auf eine Vorsichtsmaßnahme nehmen, die wir hinzufügen könnten. Ich weiß nicht, welche Art von Fortschritt ich hinzufügen werde, also werde ich nur einige davon vorsprechen und wir werden sehen, wie sie klingen. Ich mag diese. Ich mag den Klang dieser Vorsichtsmaßnahme für. Also lassen Sie uns vorsorglich für hinzufügen und wir werden es vielleicht im vierten Schritt hinzufügen. Und wir werden es hinzufügen und den dritten Schritt des nächsten Takts, des nächsten Beats. Dies ist eigentlich ein sehr häufiges Muster, ist es, es im vierten Schritt und dann im dritten Schritt hinzuzufügen. Und buchen, weil wir haben, wir haben im vierten Schritt hinzugefügt, wir müssen Swing auf diese anwenden, zu diesem Beispiel. Und dann können wir dieses kleine Mini-Muster über unser gesamtes Trommelmuster kopieren. Also lasst uns das schnell machen. Und wieder, nur um es abzuschalten, so ist es nicht möglich zu laden. Und es wird ein Hören Sie auf das volle Trommelmuster, das wir gerade gebaut haben, und wir werden sehen, wie es klingt. So wirst du dein Trommelmuster bauen. Du wirst kommen und nach ein paar Tritten suchen. Und dann sind die Klatschen und Schlingen Vorsichtsmaßnahmen, um sie einzuschichten. Dann dein kurzer Lungenhut, ein Füller Hut, ein Hintergrund-Shaker. Und schließlich können Sie ein bisschen Vorsichtsmaßnahme hinzufügen, wenn Sie auch wollen. In der nächsten Vorlesung werden wir uns also etwas Schwenken ansehen und danach einen Blick auf die Automatisierung werfen. Und wie wir das Schwenken und die Lautstärke automatisieren können um dieses Trommelmuster noch besser klingen zu lassen. 11. Die Panning verwenden: In diesem Vortrag werfen wir einen Blick auf das Schwenken und was Planung ist und wie Sie es in Ihren Tracks verwenden können. Schwenken ist also ein relativ einfaches Konzept, das man verstehen kann. Es nimmt einfach ein Instrument oder eine Trommelprobe oder eine Art von jedem Element, das Sie in Ihrer Spur haben. Und es ist entweder auf der linken oder der rechten Seite. Also, wenn Sie ein Klavier in Ihrem Track haben und Sie haben Pandas 20% auf der rechten Seite. Wenn dann ein Zuhörer auf Ihre Anziehungskraft hört, klingt das Klavier so, als würde es von der rechten Seite des Zuhörers kommen. Das Schwenken ist eigentlich sehr wichtig für den Gesamtklang deines Tracks, weil es ihn ein bisschen breiter und wiederum ein bisschen professioneller klingen lassen kann . Also werden wir während dieses Kurses eine Menge Dinge schwenken. Nicht nur Trommeln, aber ich habe ein Trommelmuster geöffnet, das wir in den Hauptelementen der EDM-Schlagzeug-Vorlesung hatten. Und wir werden nur einen Blick darauf werfen, wie wir das Schwenken auf dieses Trommelmuster anwenden und das Muster ein bisschen professioneller klingen lassen können . Also das erste Element, das wir in diesem Muster haben, ist die Kick-Trommel. Okay, also hören wir uns die Kicktrommel an. Und das erste, was ich über das Schwenken sagen wollte, ist, dass du nie deine Kicktrommel schwenkst. Ok? Die Kick Drum zusammen mit dem Bass, ist wie die Grundlage für Ihre Attraktion. Du willst also nicht die Kick-Trommel oder deine Basis schwenken, denn was passiert, ist, dass der Track ein wenig schief klingen wird. Und Sie wirklich, wirklich wollen einen starken Kern für Ihre Attraktion. Du willst ein starkes Fundament. Also tun wir es nicht, wir haben nie die Kick-Trommel geschwenkt. Also lassen wir die Kick-Trommel einfach so, wie sie ist, weil sie aus der Mitte kommt. Gehen wir jetzt zu diesem nächsten Element, das für mich wie ein abgehängter Hut aussieht. Also, was ich tun werde, ist, dass ich darauf doppelklicken werde und dann komme ich hierher zur Mixer-Spur. Und wenn ich darauf doppelklicke, es nur irgendwie hervor, wo sich dieses Element in der Mischerspur befindet. So kann ich jetzt sehen, dass dieser besondere Hash, Es kommt aus Kanal Nummer vier. Also können wir hier runter zu diesem kleinen Rad kommen und das ist das Schwenkrad. Wenn ich also das ganz nach links bringe, wird der Ton auf der linken Seite herauskommen. Und wenn ich das ganz nach rechts bringe, dann kommt das Geräusch von der rechten Seite. Und das nennt man hart links und hart rechts. Also, wenn Sie etwas zu 100% übrig schwenken, heißt es hart links. Und wenn man etwas schwenkt, ein 100% richtig, heißt es Herodes, richtig? Jetzt im Allgemeinen in EDM schwenken wir Dinge nicht hart links und hart rechts, es sei denn, Sie sind hinter einem sehr spezifischen Ergebnis her. Aber was ich sagen werde, ist, wenn Sie planen, etwas Schwenken zu tun, vielleicht halten Sie es bei etwa 90% Reis als Maximum. Nur weil, wenn Sie, wenn Sie am Ende schwenken alle diese verschiedenen Elemente, völlig hart links und hart rechts. Du verwirrst den Gesamtklang deines Tracks. Insulin hat diese wieder zurückgesetzt und wir werden einen Blick darauf werfen, diesen abschüssigen Hut zu planen. Also, was ich tun werde, ist, dass ich das langsam nach links schwenken werde , bis ich mag, wo es klingt. Also mag ich den Klang dieses Offbeat hat sich geschwenkt. Und das ist bei 50%. Du kannst hier raufschauen. In diesem kleinen Panel und FL Studio, und es wird Ihnen sagen, auf welchen Wert Sie den Parameter gesetzt haben. Also sagt es mir tatsächlich, dass ich das auf 50% gesetzt habe. Also gehen wir jetzt zum nächsten Hut und wir werden hören, wie das klingt. Ok, also werde ich die Mixer-Spur öffnen. Und eigentlich zuerst werde ich das doppelklicken, nur damit es für mich hervorgehoben wird, damit ich sehen kann, wo es ist und es ist der ganze Weg hier drüben auf Nummer zehn. Also, was wir tun werden, ist, dass wir es solo machen und uns nur diese bestimmte Probe alleine anhören. Und während es spielt, werde ich auf der rechten Seite zu Panel. Also werde ich es auch bei 50% belassen. Also die gleiche Art von Wert wie der andere Hut, der gleichzeitig spielt. Denn wenn wir die beiden wieder zusammenfügen, sollte sich der Gesamtklang ausgeglichener anfühlen , da beide mit dem gleichen Wert geplant sind. Wenn wir also jetzt zuhören, sollten diese beiden Samples zusammen ausgewogen klingen, aber auch schön auseinander über das Stereofeld verteilt werden. Also lasst uns mal zuhören. Wenn Sie also Dinge schwenken, können Sie die einzelnen Elemente tatsächlich ein bisschen besser aussuchen . Als diese in der Mitte zusammengeklebt wurden, klang es so. Aber wenn wir diese jetzt trennen, indem wir einen nach links und den anderen nach rechts planen . Das hört sich so an. Und es ist nur ein angenehmeres Erlebnis für den Zuhörer. Also lassen Sie uns sehr schnell alle Proben hier durchgehen und wir werden sie schwenken. Das ist also der Lungenklatsch. Also werde ich hier reinkommen und ich denke, ich werde das vielleicht 20% nach rechts schwenken. Lasst uns mal zuhören. Und dann werde ich hierher kommen und diese Klemme öffnen. Und weil das zwei klatscht das Spiel zur gleichen Zeit sind, werde ich dieses in etwa die gleichen 20% nach links pflanzen. Lassen Sie uns ein hören, was diese anders als zusammen. Dann komme ich hier runter zu diesem Einfüllmütze. Und ich werde darauf doppelklicken. Und es wird hervorheben, dass es auf Strecke sechs ist. Und mit dem Filterhut, denke ich, ich werde ein bisschen extremer. Ich werde das vielleicht den ganzen Weg über 85% nach rechts schwenken. Also lasst uns mal anhören, wie das klingt, wenn es herauskommt, meistens vom richtigen Kanal. Ok? Und das nächste Element, das wir hier haben, ist der Meterhut. Also denke ich mit dem Meter-Hash, ich gehe einfach leicht nach links auf den Planeten. Nur um eine schöne Art Stereo-Bild zu haben. Und auch bei einem echten Trommelkuss sind die Hüte irgendwie auf der linken Seite des Schlagzeugers positioniert. Also werde ich das einfach mit diesem Meter-Hut nachahmen. Also lasst uns ein Hören auf den Zähler hat, wenn er etwas von links herauskommt. Nun lasst uns diesen Hintergrund-Shaker anhören. Und ich werde es hier oben in der Mixer-Spur öffnen. Es ist also auf Kanal zwei. Im Allgemeinen haben wir mit dem Schwenkrad für Hintergrundschüttler tatsächlich automatisiert. Also werde ich es jetzt nicht anfassen, aber wir werden einen Blick auf die Automatisierung dieses Schwenkrads in der Automatisierungsvorlesung werfen, die kommen wird. Also werde ich nur dieses Schwenkrad für den Hintergrund-Shaker allein lassen. Ich werde es jetzt nicht anfassen, weil wir es in der nächsten Vorlesung damit zu tun haben. Also werde ich zu diesem übergehen, was ein Schlagzeug ist. Also kommen wir hier rein und es ist auf Strecke sieben, wie wir sehen können. Also werde ich die Vorsichtsmaßnahme nach rechts schwenken, weil auf einer echten Trommel Kinder zu Tom-Städten irgendwie rechts sind. Also lasst uns das schwenken, vielleicht 60%, oder? Mal sehen, wie das klingt. Und dann gehen wir zu den nächsten Elementen, die wir werden schwenken und das ist unverfolgt acht. Also lasst uns mal zuhören, was das ist. Das ist also unser Schlagzeug. Jetzt können wir das entweder links oder rechts schwenken, aber ich schwenke es nach links, nur um ausgewogen weil ich das andere Vorsichtselement nach rechts geschwenkt habe. Also lasst uns das vielleicht 55% schwenken, oder? Und hören Sie zu, wie das klingt. Ok? Nun lasst uns mal zuhören, was das ist und ich denke, das ist die Snare. - Ja. Okay, also um des Gleichgewichts willen werde ich die Snare aus der Mitte verlassen weil die Snare zur gleichen Zeit spielt wie diese Klatschen. Und wir haben die Klatschen schon geschwenkt. Wir haben einen von ihnen nach links und den anderen nach rechts geschwenkt, was ausgeglichen ist. Also möchte ich das Gleichgewicht nicht stören, indem ich diese Art von nach links schwenke, nach rechts, denn dann werden wir zwei Elemente haben , die links herauskommen und eins nach rechts kommen. Und wenn ich es nach rechts schwenke, hätten wir zwei Elemente die rechts herauskommen und eins aus der linken Seite kommen. Also werde ich es in der Mitte lassen, damit wir eine in der Mitte kommen, eine nach links herauskommen und eine nach rechts herauskommen. Also mal sehen, was diese Satelliten zusammen mit der Snare und der Mitte sind. Und während es dort spielt, werde ich einfach die Snare entweder links von rechts schwenken und einfach nur zuhören und sehen, wie es sich anhört. Und Sie mögen das Geräusch, und das ist absolut in Ordnung. Wenn Sie Ihre Snare entweder links oder rechts schwenken wollen, können Sie, es liegt an Ihnen, aber ich bevorzuge den Klang der Snare, die in der Mitte kommen, nur um der Balance willen. Also werde ich es verlassen und wir gehen zu diesem letzten Element hier, was ich denke, ist ein weiterer Percussion-Sound. Noch. Das ist also eigentlich eine Schicht mit Unproportionsklang hier oben. Also jetzt haben wir zwei Möglichkeiten. Wir können diesen Perkussion-Sound schwenken, der aus 12 kommt. - Ja. Also jetzt haben wir zwei Möglichkeiten. Wir können diesen Perkussion-Sound nach rechts schwenken, so dass sie beide aus dem richtigen Kanal kommen. Oder wir können tun, was wir bisher getan haben, und es nach links schwenken, so dass es ausgewogen ist. Nun, jede dieser Optionen ist absolut akzeptabel und es liegt an Ihnen, was Sie tun möchten. Aber ich werde meinen auf den Reis schwenken , weil ich denke, es schafft ein wenig mehr von einem interessanten Sound. Und auch, wie ich bereits sagte, wollte ich irgendwie den Klang eines echten Drumkits nachahmen , als ob der Hörer in der Schlagzeugerposition sitzt. Also werde ich diese Vorsichtsmaßnahme behalten und die andere Vorsichtsmaßnahme, die aus dem richtigen Kanal kommt. Also lasst uns jetzt ein Hören auf das gesamte Muster mit allen Elementen geplant. Ich hoffe, Sie können hören, dass das Muster jetzt ein bisschen professioneller klingt. Und auch das Bios, das die verschiedenen Elemente, aus denen das Muster besteht, trennt schaffen wir einen interessanteren Sound für den Hörer. Wie ich bereits sagte, werden wir jetzt zum nächsten Vortrag übergehen, wo wir einen Blick auf die Automatisierung werfen und wir werden auch einen Blick auf die Automatisierung des Hintergrund-Shaker in einem Trommelmuster werfen. 12. Parameter automatisieren: Also werden wir diesen Vortrag nutzen, um über Automatisierung zu sprechen. Automatisierung ist ein wichtiger Teil bei der Anordnung jeder Spur, weil sie verhindern kann, dass die Spur zu robotisch klingt. Wenn Sie nun etwas im Verlauf der Strecke ändern möchten, können wir der Software sagen, dass sie das für uns tun soll. Und das ist es, was Automatisierung ist. Jedes Dunkel und tun Automatisierung. Aber die Methode, es zu tun, ist ein wenig anders. Sie können ziemlich schnell herausfinden, wie Sie einen neueren Punkt automatisieren, wenn Sie ihn einfach im Internet nachschlagen. Aber in FL Studio ist es relativ einfach. Wir klicken einfach mit der rechten Maustaste auf den Parameter, den wir automatisieren möchten. Also, wenn ich hier in den Mixer komme und ich mit der rechten Maustaste auf den Schwenkparameter klicke. Ich kann hier sehen, es öffnet sich diese kleine Box und ich kann klicken Automatisierungsclip erstellen. Ich kann dazu auch einen Automatisierungsclip erstellen. Und ich kann dazu einen Animationsclip erstellen. So können Sie Animationsclips für alles erstellen, was Sie wollen. Lassen Sie uns also das Schwenken für den Attacke Shaker unserer Trommeln automatisieren , damit es ein wenig interessanter klingt. Also werde ich mit der rechten Maustaste auf das Schwenken und ich werde sagen, erstellen Sie Automatisierungsclip. Das wird diesen kleinen Clip hier oben erschaffen. Und dann werde ich das nach unten ziehen und wir können einen Blick darauf werfen, wie wir es benutzen. Ein Automatisierungsclip hat also zwei Ankerpunkte, wenn Sie ihn erstellen. Zuerst hat es eine auf der linken und eine auf der rechten Seite. Und was wir tun können, ist, dass wir diese Ankerpunkte überall hin bewegen können, wo wir wollen. Also kann ich das nach links bewegen, und ich kann das nach rechts bewegen. Und was das bedeutet, ist, dass die Planung jetzt von links nach rechts geht. Also lassen Sie uns das Muster hören und wir werden hören, dass der Shaker von links nach rechts allmählich als Musterplatz geht. Das ist also ein cooler Effekt, aber ich werde Ihnen zeigen, ist eine sehr häufige Technik, die Produzenten mit ihren Hintergrund-Shaker tun. Und es kann wirklich erlauben, dass Ihr Stereo-Bild professionell klingen. Also mal sehen, was ich getan habe, war ich, Ich habe gerade den Automatisierungsclip beim ersten BCE verursacht , weil ich nur wollen, dass wir für diesen Abschnitt des Musters. Und was ich tun werde, ist, dass ich die Shaker von links nach rechts schwenken werde. Jeder zweite Shaker würde also nach rechts geschwenkt werden. Also bin ich, ich klicke mit der rechten Maustaste. Sie können in Ihrem eigenen Anker, Ankerpunkte auch zu Automatisierungsclips hinzufügen. Und FL Studio, Sie klicken einfach mit der rechten Maustaste, aber Sie können in Ihre eigenen Art von Formen versuchen. Also bin ich irgendwie in diesen Schrittformen nach oben und unten gezeichnet. Also, wenn die Shakers spielen, werden sie von links nach rechts spielen. Schauen wir uns das an und haben ein hören sie spielen von links nach rechts. Was wir dann tun können, ist mit dem Automatisierungsclip, dem kleinen Mini-Clip, wir können ihn über das gesamte Muster einfügen. Und dann können wir hören, wie das ganze Muster klingt die Shakers von links nach rechts geschwenkt werden. Nun, da wir auch jede andere Sache automatisieren können , denke ich, dass ich das Volumen automatisieren werde. Mit Ihren Hintergrund-Shakers sollten Sie die Lautstärke definitiv automatisieren, denn dadurch kann es viel mehr Groove hinzufügen und ich werde Ihnen zeigen, wie Sie diese Gruppe mit der Lautstärke hinzufügen können. Also habe ich gerade mit der rechten Maustaste darauf geklickt und ich werde unseren Animationsclip erstellen. Ich werde hierher kommen und das schließen. Und dann ziehe ich den Automatisierungsclip nach unten und mache dasselbe. Ich werde auf dieses Rasierwerkzeug klicken und ich werde auf den ersten Schlag schneiden, löschen Sie den zweiten, den unerwünschten Teil des Automatisierungsclips. Und ich werde hineinziehen, und ich werde in die Form zeichnen, die ich will, und diesen Animationsclip, okay. Also, was wir tun, ist, dass wir den ersten Kontrolleur sehr leise machen. Okay, also klicke ich erneut mit der rechten Maustaste, um es zu trocknen, um diese zusätzlichen Ankerpunkte hinzuzufügen. Dann machen wir den zweiten Shaker etwas lauter. Und dann machen wir den dritten, den dritten Shaker, sehr laut. Und dann der letzte Shaker, wir machen es die gleiche Lautheit wie der zweite Checker. Und wenn wir dann diesen Automatisierungsclip über das gesamte Muster ziehen, wird das den Shaker so klingen lassen. Es klingt also ein bisschen realistischer und weniger, als würde es von einem Computer abgespielt werden. Wenn wir nun auch die Schwenkautomatisierung hinzufügen, wird es so klingen. Und jetzt, wenn wir das gesamte Muster hinzufügen, werden wir sehen, welchen Unterschied die Automatisierungsclips zum Gesamtklang des Musters machen. Wenn ich nun die Automatisierung lösche, klingt das so. Und du magst das Geräusch, aber ich neige dazu, den Klang des Schwenkens zu bevorzugen, wenn es in die Shaker aufgenommen wird. Also werde ich die Planung in meinem Muster lassen und wir werden je wieder zuhören. Eine andere Sache, die Sie tun können, ist ich denke, das Schwenken hier, diese Schwenkautomatisierung ist ein bisschen zu extrem. Also werde ich mich drehen, ich werde diese Ankerpunkte ein wenig nach oben ziehen, damit sie nicht so extrem sind , wie sie überhaupt waren. Also werde ich das einfach nach unten ziehen, das nach oben ziehen, so dass es nicht so extrem ist. Und dann ziehen Sie das auch nach unten. Das klingt also ein bisschen realistischer. Lasst uns mal zuhören. Ja, es ist diese Art von Klickgeräusch losgeworden, die passierte, weil wir diese geschwenkt hatten. Das nennt man hart links und hart rechts. Also, wenn ich das ganz links schwenke, nennt man das hart links. Und wenn ich es ganz richtig schwenke, heißt das Herodes, richtig? Aber im Allgemeinen tun wir das nicht. Wir könnten vielleicht 85-90 Prozent rechts oder 90% links planeten, aber wir haben im Allgemeinen nicht hart nach links oder hart rechts geschwenkt es sei denn, wir sind hinter einer bestimmten Art von Ergebnis her. Aber für Ihre Shaker, schwenken Sie sie nicht vollständig links und rechts, lassen Sie sie einfach weniger extrem wie dieses. Jetzt können wir in FL Studio alles schwenken, wir können unsere Instrumente planen, die wir im Musterbereich erscheinen, oder wir können unsere Effekte schwenken oder alles, was Sie wollen. Wir können, ich werde tatsächlich, ich werde hier einen Effekt öffnen und diesen Verzögerungseffekt öffnen, und wir kommen hierher und schauen uns mal an. Also, wenn ich mit der rechten Maustaste auf einen dieser Parameter, das Volumen, den Offset, die Zeit, einen dieser Parameter. Es wird einen Automatisierungsclip für mich erstellen. Und ich kann auch einen Animationsclip für jede Art von Drittanbieter-Effekt erstellen , der nicht mit der Software kommt. Also, wenn ich diesen Gott Phasor Effekt öffnen, ist dies ein Drittanbieter-Plugin, das Sie kaufen können, aber wir können auch jeden Parameter auf einem Drittanbieter-Plugin automatisieren. Jetzt ist die Methode, die Parameter auf einem Drittanbieter-Plugin zu automatisieren , ein bisschen anders, aber ich werde Ihnen nur zeigen, wie man das wirklich schnell macht. Also, wenn wir diese LFO-Rate nehmen, kann ich nicht mit der rechten Maustaste darauf klicken. Wenn ich mit der rechten Maustaste darauf klicke, wird dies angezeigt, weil Plug-Ins von Drittanbietern ihre eigene Art von Nutzungssystem haben. Also, wenn Sie mit der rechten Maustaste auf etwas in einem Drittanbieter-Plugin, Es wird nicht zu bringen, dass kleine Fenster, das sagt erstellen Automatisierungsclip. Aber was wir tun können, ist, dass wir klicken und verschieben Sie den Parameter, den Sie etwas automatisieren möchten, und dann kommen Sie hier auf Werkzeuge, bis zuletzt optimiert und dann Automatisierungsclip erstellen. Und was das tut, ist, dass es den Automatisierungsclip im Wiedergabelisten-Fenster für etwa, dass ich gerade dorthin gezogen wurde, das ist die LFO-Rate. So wie Sie hier sehen können, Gott Phasor, LFO Rate. Und jetzt kann ich das automatisieren, um von einer Art unten zu gehen. Und eigentlich werde ich das offen lassen, damit Sie sehen können was der Automatisierungsclip mit dem Knopf macht. Also auf der Unterseite ist es links und oben ist es rechts. So werden wir sehen, wie die, das Muster spielt, dass diese NADH bewegt sich von links nach rechts. Lasst uns mal zuhören. So verwenden Sie Automatisierung in Ihren Tracks. Aber es ist wirklich nicht so schwer zu verstehen. Es ist nur etwas, das wir verwenden, wenn wir wollen, dass die Software etwas für uns ändert, während der Track abgespielt wird. In der nächsten Vorlesung werden wir uns die Tuning unserer Trommel-Samples ansehen , damit wir sie irgendwie ein bisschen mehr zusammenkleben können. 13. Die Drum schneiden: In dieser Vorlesung werden wir uns also um die Abstimmung unserer Trommel-Samples kümmern. So ist das Tuning Ihrer Drum Samples sehr wichtig für den Gesamtklang Ihres Tracks, weil es das Arrangement und den gemischten Sound viel sauberer machen kann. Es kann auch helfen, die verschiedenen Elemente zu kleben, die Sie verwenden, um Ihre Trommelmuster zu bauen. Es kann helfen, sie zusammen zu kleben und ihnen das Gefühl zu geben, als es mehr Teil der gleichen Familie. Also wieder, wie alles, über das wir gesprochen haben, hat jede DAW eine andere Art, dies zu tun, aber jede Dunkelheit und tun dies. Okay, wenn wir also zum Master-Kanal kommen, werde ich ein Plug-in in FL Studio öffnen, das Edison heißt, das hier oben ist. Also, Edison, wenn du aufmachst, sieht es so aus. Und, und es ist ein wirklich leistungsfähiges Plugin. Aber eine seiner wichtigsten Verwendungen ist, dass es Ihnen sagen kann, was die Tonhöhe von jedem Sample, oder Trommel oder Gesang oder alles, was Sie in es setzen kann Ihnen sagen, die Tonhöhe. Also lasst uns diese Kick-Trommel hier öffnen und wir sehen, dass das Musterfenster auftaucht. Also werde ich auf diese Wellenform klicken und Dragon in Edison hier. Und wenn ich mit der rechten Maustaste und Edison auf die Wellenform und ich klicke Regionen. Und dann komme ich hier runter und sage Tonhöhlenregionen erkennen. Wir können sehen, dass Edison es gescannt hat und es sagt, dass es in D-scharf ist. Okay, also nimm immer die erste Seillenregion, die es dir gibt, also D-scharf drei. Also werde ich den Rest meiner Trommeln auf D-scharf drei einstellen. Wenn sich nun die Tonart meines Tracks ändert, wenn ich die Tonart meines Tracks auf e ändere, nehmen wir an , ich mache ein paar Akkorde und e-Moll. Nun, dann muss ich die Trommel-Samples ändern, damit sie übereinstimmen. Ich muss die Trommeln spielen, so dass sie auch auf E abgestimmt sind. Aber jetzt werde ich nur noch die restlichen Elemente auf die Kickdrum stimmen , weil ich hier noch keinen Track habe. Also ist die Kicktrommel nicht D-scharf drei. Also lasst uns gehen und den Rest der Samples auf D-scharf drei abstimmen. Also werde ich einfach zu und schließt sich irgendwie an die Ecke hier, also macht es ein bisschen sauberer. Und ich werde jede dieser Proben durchgehen. Also werde ich auf das Clip-Beispiel doppelklicken und wieder auf den Master-Kanal, öffne Edison, ziehe es hinein. Und mal sehen, was die Stellplätze. Also ist es eigentlich schon auf D-Sharp abgestimmt, also ist das perfekt. Wir müssen es nicht anfassen. Öffnen wir das nächste Beispiel. Es gibt also die nächste Probe ist der lange Klatsch. Lasst uns laden. Klicken wir auf den Master-Kanal und öffnen Sie Edison erneut. Und wir ziehen in die Lunge klatschen und wir werden sehen, welche Tonhöhe das hat. Scrollen Sie also wieder nach unten zu Regionen, erkennen Sie Tonhöhenbereiche. Und wir können sehen, wenn wir hier oben zoomen, steht es ein, eine Vier, also ist es ein A. Also jetzt haben wir zwei Optionen, die wir einstellen können, können wir dieses Sample auf die Wurzel einstellen, die d scharf ist. Oder wir können es entweder auf den dritten oder fünften Akkord einstellen. Ok? Und das war eine der Voraussetzungen, die Sie für den Beginn des Kurses brauchten, weil ich nicht die Musiktheorie erklären werde. Aber wenn Sie wissen, was die dritte und fünfte für D-scharf ist, werden Sie wissen, dass die nächste Sache a ist die fünfte der scharfen, die tatsächlich eine scharfe ist. Wenn wir also diesen kleinen, kleinen Pitch-Knopf hier anklicken , können wir ihn entweder nach unten oder nach oben bewegen, OK, wir holen ihn hoch und runter oder heben ihn ab. Also werde ich zu Pitches unten, um ich werde es aufwerfen, sorry, von einem nach Asien apps, Ich werde es aufstellen von $0.100 auf $0.100 in der Ecke hier wieder, Ich werde Ihnen nur ein Bild wieder nach unten zeigen. Wenn Sie sich die Hornhaut hier ansehen, wird es Ihnen sagen, wie viel Sie es aufschlagen, indem Sie nach oben ziehen und es sagt, $0.100 unter $0.100 bedeutet einen Halbton. Ok. Also, dass Drogen, die es von einem zu einem scharfen aufschlagen. Also werde ich es einfach zurücksetzen und wir hören uns den Klatsch an. Und dann, wenn wir es aufstellen. Also, wenn wir jetzt beide Klatschen hören und den Kick zusammen, sollten sie ein bisschen verwandter miteinander klingen. Nun, ich werde nur auf Tonhöhen, damit wir sehen können, wie es sich vorher anhört. Es ist ein sehr subtiler Unterschied, aber es macht es viel sauberer klingen. Okay, also lassen Sie uns wieder. Und was Sie tun werden, ist, dass Sie durch alle Ihre Trommeln gehen und Sie werden sie entweder auf die Wurzelnote, die D-scharf, abgeschreckt ist, die g sein würde, oder die fünfte, die ein Schock sein wird. Oder je nach Tonart deines Tracks stimmen Sie deine Drums entsprechend ab, stimmen auch andere Elemente ab, wie zum Beispiel Vocals und externe Loops. Und weißt du, einige der Effekte und Sachen, die wir später betrachten werden. Aber für jetzt, mit Ihren Drum Patterns, versuchen Sie, die Drum Samples aufeinander abzustimmen und zu sehen, ob es einen Unterschied zum Gesamtklang macht. 14. Deine Drum manipulieren: In diesem Vortrag werden wir uns mit der Manipulation Ihrer Trommel-Samples beschäftigen. Also können wir ein paar ziemlich coole Dinge machen, wie das Umkehren einer Probe. Und ich habe dir das schon in einem der letzten Vorträge gezeigt , in dem ich tatsächlich eine Klatschprobe umkehrte. Und wir machen das wieder hier und ich zeige Ihnen, wie es geht. Aber zuerst nehmen wir diese Kick-Trommel hier raus und wir werden einfach diesen kleinen Abschnitt schleifen, damit wir ihn als Ort hören können. Okay, jetzt werde ich das Beispielfenster öffnen und wir schauen uns all die Dinge an, die wir tun können. Zunächst einmal wissen wir schon aus der letzten Vorlesung, dass wir die Tonhöhe manipulieren können. Damit ich das den ganzen Weg da oben aufstellen kann. Ich kann es den ganzen Weg nach unten aufstellen. Und das haben wir zurückgesetzt. Wir haben auch diese Einstellung, die eine Multiplikation oder ein Zeitstrecken-Knopf ist. Also, wenn wir das nach unten ziehen, also wenn wir es nach unten ziehen und tatsächlich die Wellenform verkürzen, und wenn wir es ganz nach rechts ziehen, verlängert es die Wellenform. Jetzt kann das ein cooler Effekt sein, wenn Sie sich mit dem Pitch Regler zusammenschließen, wenn wir das vielleicht auf $0.600 aufgeschlagen haben. Sie können diesen Sound mit einer anderen Kick Drum einlegen und es kann eine wirklich coole Art von Techno-Sound zu machen. Lasst uns hier ganz schnell eine Kicktrommel schnappen, wie diese. Und wir hören uns zusammen an, wie sie klingen. Sehen Sie das, sichern Sie es. Und du siehst, wenn wir das ein bisschen abschalten, könnte es ein bisschen besser klingen. Es wird so klingen. Das ist also ein ziemlich cooler Effekt, den man hier mit dem Sampler machen kann. Und es wird diese kleinen Parameter wieder zurücksetzen und die Kick-Trommel löschen, die ich hatte. Setzen Sie dies einfach wieder auf, wo es war. Eine andere Sache, die Sie im Beispielfenster tun können, ist, dass Sie die Zeit verlängern können. Und mit diesem Parameter dehnt es die Zeit viel mehr als das Multiplikat oder tut es, wenn wir dieses Schriftstellers dehnen, wie Sie sehen können, wird die Probe lächerlich lang. Aber wieder, mit diesem Knopf, können Sie einige coole Effekte zu machen und legen Sie es mit einer anderen Kick-Trommel, um eine Art interessante Kick-Textur zu machen. Wir haben das eingestellt. Wenn wir also zu diesen vorberechneten Effekten kommen, können wir hier sehen, dass es einen kleinen Knopf gibt, um umzukehren, und das habe ich getan, als ich den Klatsch umkehrte. Ich hatte das gerade angeklickt und es kehrt die Probe für uns um. Und wenn wir das Licht ausschalten, macht es die Kick-Sample wieder normal. Lassen Sie uns also einen Blick darauf werfen, eine Klatschprobe umzukehren. In unser Trommelmuster. Okay, also werden wir nur das Trommelmuster durchschleifen und wir kommen hierher und suchen nach einem Klatschen. Sie können eine Abkürzung oder einen langen Klatsch oder jede Art von Mist verwenden, die Sie mögen. Aber ich werde nur einen dieser kurzen Klatschen hier benutzen. Ich werde das hier reinziehen. Und was wir tun, ist, den Klatsch umzukehren, wenn wir hier einen Klatsch sehen. Es gibt also einen Angriff Labor 16. Wir legen den umgekehrten Klatsch sofort davor. Also lasst uns dieses Geräusch umkehren. Und wie Sie sehen können, ist es sofort, ich ziehe es nach oben. Es ist sofort vor dem des ursprünglichen Klatschens. Schauen wir uns das an und sehen, wie es sich mit einem umgekehrten Klatschen anhört. Ich werde die Schleife einfach länger leben lassen. Ok? Was wir jetzt tun können, ist mit diesem Klatschen, wir können es zu all dem anderen Zusammenbruch ziehen. Und der letzte Klatsch. Und wenn wir es gespielt haben, und jetzt, wenn wir die gesamte Schleife spielen und wir den umgekehrten Klatsch neben den ursprünglichen Klatschen hören , wird es so klingen. Und wenn Sie einen umgekehrten Klatsch verwenden, würden Sie in den Mixer kommen und den umgekehrten Klatsch etwas leiser machen als die anderen Klatschen. Also schien der andere Klatsch hier unten irgendwo zu sein. Also werde ich das sofort runterbringen und wir werden uns jetzt zuhören. Eine andere Möglichkeit, Ihre Sounds zu manipulieren, ist, wenn Sie hierher kommen und Sie sich diese in einer Stunde Parameter ansehen. Jetzt verwende ich den Out-Parameter viel, besonders für Leute wie diesen Shaker. Also dieser Shaker, es ist ein ziemlich schneller Sound, aber man kann sehen, dass der Schwanz des Klangs weit vorbei an allen anderen Shakern geht. Was wir also tun können, ist, dass wir diesen Parameter nach oben verschieben können, und es verblasst tatsächlich den Klang des Samples viel schneller. Wie Sie hier sehen können, der Ton von hier nach hier gegangen. Und wenn wir auch hier schauen, wenn wir in einer Playlist schauen, dass das, was es tut, ist es tatsächlich die Geschichte loswerden, die ich nicht will. Also lasst uns jetzt in die Probe. Dies ist ein praktischer Parameter, wenn Sie ein Sample ziehen und es ist ein bisschen zu lang, aber Sie mögen den Sound von diesem. Wir können tatsächlich, wir können diesen Ton tatsächlich nehmen und reduziert, indem wir den out-Parameter verwenden. So wie das. Nimm diesen langen Klatsch. Reduzieren Sie es, indem Sie die Out verwenden. Reduzieren Sie es noch mehr. Jetzt hört es sich so an. Und was Sie tun können, ist, dass Sie zwei Versionen haben können. So könnte man diese Art von kurzen Klatschen als Schicht haben. Und wenn Sie dann zu Ihrem Drop-Abschnitt gelangen, können Sie einen zweiten Klatsch haben, bei dem der out-Parameter nicht aktiviert ist. Und dann klingt es so. Also schauen wir uns das an. Also, was ich tun werde, ist, dass ich dieses Beispiel einzigartig machen werde , damit alle Änderungen, die ich an der Probe vornehme, die anderen nicht beeinflussen. Wie Sie jetzt sehen können, ist das auf Nummer zwei gegangen. Also ist dieses Beispiel jetzt völlig anders als die Proben hier drüben. Und ich werde das tun, ist, ich werde das hier löschen und ich werde diese Nummer zwei Probe kopieren. Und ich werde diese bewirken. Also werde ich den Ausgabeparameter den vollen Weg nach oben aufdrehen. Und Sie können sehen, dass es diese nicht beeinflusst, es wirkt sich nur auf die Nummer zwei aus. Also lasst uns jetzt mal zuhören, um zu sehen, wie das Muster klingt mit dem kurzen Klatschen zuerst und dann die Lunge klatschen danach. Dies ist also eine wirklich interessante Technik, die Sie in Ihren Spuren tun können , um Progression zu schaffen. So wächst die Tracks irgendwie, wie sie sich abspielt. Ich werde dir noch eine Sache zeigen, die du mit deiner Kicktrommel machen kannst und sie manipulieren kannst. Wenn wir also wieder in dieses Beispielfenster gehen, können wir kommen, wenn wir darauf klicken, wird dies nur als Effektziel bezeichnet. Aber wir können hier runterkommen, um zu pogo. Ok? Nun, was Pogo tut, ist, dass es irgendwie die Form Ihres Zerfalls-Umschlags ändert. Du weißt nicht mal, was das bedeutet. Alles, was Sie wissen müssen, ist, dass, wenn Sie es nach links ziehen, es irgendwie die Wellenform gegen sich selbst schiebt, ist irgendwie zerquetscht sie gegen diese Wand. Und wenn Sie es anders sagen, tut es dasselbe, aber mit einer anderen Art von Kurve. Okay, aber beide Seiten klingen anders. Also lassen Sie uns ein hören, wie es auf der rechten Seite klingt. Hier ist, wie es klingen würde, wenn wir es nicht anwenden würden. Und hier ist, wie es klingt, völlig links. Also, was Sie mit dem Pogo tun können, ist, wenn Sie einen Kick haben, den Sie mehr Transient hinzufügen möchten oder Sie wollen es klickiger machen. Wir können den Pogo ein wenig nach links ziehen und es wird das Geräusch klickender machen. Sie können es auch nach rechts ziehen, um den Klang ein wenig weicher zu machen. Das ist also nur ein weiteres praktisches Werkzeug, mit dem Sie Ihre Drum-Samples manipulieren können. Im nächsten Abschnitt werden wir uns mit dem Erstellen von Akkordmustern beschäftigen und wie Sie Instrumente auswählen können, die gut für Ihre Schallplatten klingen. 15. Akkordmuster gestalten: In dieser Vorlesung geht es darum, Kartenmuster für EDM zu erstellen. Nun können Sie niemals Akkordmuster in Ihren Tracks verwenden, oder Sie können immer Akkordmuster in Ihren Tracks verwenden, aber es ist wichtig zu verstehen, wie man ein Akkordmuster konstruiert. Also, was wir tun werden, ist, dass wir hierher kommen und mit einem einfachen polyphonen Instrument anfangen werden. Also werde ich FL-Tasten wählen. Polyphon bedeutet, dass das Instrument mehr als eine Note gleichzeitig spielen kann. Also ein Klavier. Wir wissen, was das Klavier, das wir spielen können, Akkorde, die wir mehr als einen Knoten gleichzeitig spielen können. Wenn Sie ein Instrument haben, das nicht mehr als eine Note gleichzeitig spielen kann, gilt dies als monophone Instrument. So Instrumente wie die Grippe oder die Blockflöte dort, monophon, da sie nur eine Note gleichzeitig spielen können. Ich bleibe aber bei diesem Klavier, weil ich weiß, dass es ein polyphones Instrument ist, und ich werde mit der rechten Maustaste auf das kleine Instrument hier klicken. Und ich werde eine Klavierrolle nehmen, um uns hineinzubringen , wo wir anfangen können, Notizen für unser Gericht einzugeben. Das erste, was wir bemerkt haben, ist, dass dies ein wenig anders aussieht als das Wiedergabelisten-Fenster, aber es funktioniert auf dem gleichen Prinzip. Okay, also haben wir Bar eins, Bar zwei, Bar drei, Bar vier hier drüben, und wir haben auch unsere Beats. Dies ist also der erste Beat, der zweite Beat, der dritte Beat, der vierte Beat. Und dann zwischen diesen Perlen haben wir unsere Schritte. Eins, Schritt, zwei, Schritt drei, Schritt vier. So funktioniert es genau wie die Wiedergabeliste. Also werde ich damit anfangen, hier bei C ein Nichts zu setzen . Ich werde mit einigen der Noten herumspielen, die ich hinzufügen könnte. Ich könnte hier im dritten Schritt einen hinzufügen, und dann könnte ich einen hinzufügen. Und der zweite Schritt, vielleicht der vierte Schritt, und dann wieder der dritte Schritt hier. Mal sehen, wie sich das bisher anhört. Und ich denke, es ist ein bisschen schneller. Ich werde die BPM auf 128 senken, unser glückliches Medium. Und ich werde nochmal zuhören. Wenn Sie also Schnurmuster erstellen, sollten Sie sicherstellen, dass sich Ihre Notizen nicht berühren. Denn wenn sich die Knoten berühren, kann es ein bisschen Amateur klingen, wenn er nicht wieder zu diesem Muster tut. Und jetzt werde ich die Nonce verkürzen, die sich berühren. Also werde ich das nicht verkürzen, damit es diesen nicht berührt. Und ich werde diesen Zettel verkürzen. Es berührt das hier nicht. Und ich werde dieses auch verkürzen, denn wenn es Schleifen, wenn der Abspielkopf wieder herumschleift, berührt diese Note das eigentlich nicht, also werde ich es hier verkürzen, und das sind wir in das Muster. Jetzt. Wenn Sie kürzere Noten verwenden, erzeugt es tatsächlich Marvel-Nut. Und Groove ist sehr wichtig für EDM, weil das ist, was die Leute auf ihre Gebühren und Tanzen. Sie möchten nicht, dass Ihr Akkordmuster zu glatt klingt. Du wolltest das Gefühl haben, den Hörer mit diesen kurzen zu stechen, diese heißen Staccato-Noten. Das ist nur der musikalische Begriff für kurz und irgendwie knackig. Lassen Sie uns diese Staccato-Noten im Muster nochmals zuhören. Also, was ich jetzt tun werde, ist, dass ich das duplizieren werde. Und ich werde die duplizierten Knoten bis zum fünften des Akkord von C ziehen, das ist G. Also lasst uns jetzt hören, wie es klingt, wenn wir den Wurzelknoten und die fünfte Note gleichzeitig spielen. Und wieder, ich werde es duplizieren und ich werde die duplizierten Knoten bis zum dritten von C ziehen , und ich werde es minderwertig machen. Also c-Moll, wir haben D-scharf. Hören wir uns jetzt dieses kleine Akkordmuster an. Mit den kurzen Noten, die kurzen Staccato-Noten hinzufügen, um die Groove. Lasst uns mal zuhören. Jetzt wollte ich diesem Muster Swing hinzufügen. Also eine Sache, die ich tun könnte, ist, dass ich aus dem Muster kommen könnte und ich das Schwingen hier oben benutzen könnte, damit ich das auftauchen kann. Wenn wir, wenn wir das Metronom einschalten, die den Zähler spielen wird, können wir über das Muster hören wird wie wenn es Trommeln spielen. Lassen Sie uns also das Metronom einschalten und den Meter des Tracks anhören , während das Muster abgespielt wird. Jetzt werde ich wieder in diese Pianorolle kommen, indem ich darauf klicke. Eine interessante Sache an Ihren Akkordmustern ist, die Kopfnoten zu duplizieren. Wieder, bringen Sie sie vielleicht in die Oktave. Also das ist ein weiterer Knoten von C. Also haben wir C5 hier unten und dann haben wir C7 hier oben. Und was wir tun können, ist, wenn wir einige dieser Knoten ändern. Also bin ich, ich bringe das zu einem D, und ich bringe dieses C zu einem D-Sharp, dann könnte ich dieses C auf einen anderen Knoten der Skala bringen, einen scharfen. Und ich könnte das nicht auf G hinabbringen, das ist das fünfte. Und ich lasse das hier auf C. Mal sehen, wie sich dieses Muster anhört. Jetzt. Ich werde das Metronom ausschalten und ich werde tatsächlich Befehl drücken und den Abwärtspfeil drücken, der die Noten eine Oktave nach unten verschiebt, so dass sie nicht so hoch sind. Wenn wir nun all diese Knoten gleichzeitig verkürzen wollen, können wir sie alle hervorheben und versuchen, sie zu ziehen. Aber was Sie bemerken, ist, dass der Ziehen nicht funktioniert, wenn er sie nicht kürzer macht. Und das liegt daran, dass diese Notizen hier so kurz sind wie möglich. Aber wenn wir hier rauf kommen, wieder runterfallen und wir sagen, wir wollen die Schritte klüger machen. Also lassen Sie noch einmal einen Viertelschritt wählen. Und jetzt können Sie sehen, dass es die Schritte in vier kleinere Schritte aufteilt. Und wir können jetzt alle Knoten gleichzeitig verkürzen. Je kürzer die Knoten sind, desto mehr Nut hat Ihr Muster. Hören wir uns diese kürzeren Naughts im Muster an. Lassen Sie uns das Metronom wieder einschalten. Nun, was wir tun können, ist, dass wir dieses ganze Muster kopieren und wieder duplizieren können und es hier drüben einfügen. Und wenn Sie möchten, können Sie die Wurzel Naught ändern, die C ist also ein Akkord von C Wir können den Wurzelknoten in einen anderen Knoten der Skala ändern . Also werde ich das auf G scharf ziehen, das ist das sechste in einer kleinen Skala. Und ich werde sehen, wie sich das jetzt anhört. Also kann ich hören, dass etwas kollidiert und es ist dieses G. Also dieses G stößt mit diesem G-scharfen. Also werde ich das tatsächlich aufwerfen, dass es auch ein G-Sharp ist. Also jetzt haben wir G scharf und eine D scharf, die das fünfte von G-scharf ist. Und wir haben C, das ist das dritte. Diese Knoten sind also alle Teil desselben Akkord. Also sollte es gut klingen. Und Sie können Ihr Muster viel leerer haben. Wir könnten diesen Knoten hier herausnehmen, diese Notizen, und wir nehmen sie an derselben Stelle in der zweiten Hälfte des Musters. Und wir könnten entfernen, Entschuldigung, wir können diese Knoten auch entfernen. Entfernen Sie sie im gleichen Teil der zweiten Hälfte. Und je leerer dein Akkordmuster ist, desto mehr werden die anderen Elemente in deinem Track glänzen. Und wir werden uns das ansehen, wenn wir zur Arrangementsphase des Kurses kommen, wenn wir uns die Antriebselemente und die Elemente in Ihrer Strecke ansehen, sollte das irgendwie im Mittelpunkt stehen. Aber jetzt wissen Sie nur, dass Sie Ihre Akkorde so spärlich oder so voll haben können , wie Sie möchten. Also werde ich die jetzt wieder löschen und von vorne anfangen , weil es etwas gibt, worüber ich reden möchte, was Synkopation ist, okay? Wenn Sie schon mal Musiktheorie studiert haben, wissen Sie vielleicht, was Synkopation ist. Aber wenn du es nicht weißt, ist die Synkopation, wo deine Nase oder deine Trommelschläge außerhalb der Hauptbeats der Bar fallen. Wir wissen also, dass wir diesen Schlag eins haben, zwei schlagen, drei schlagen und vier schlagen. Also sind diese Noten im Moment nicht synkopiert. Und wenn Sie keine Synkopation verwenden, klingen Ihre Karten sehr langweilig. Wie wenn ich einen, einen anderen Knoten hier einfügen würde, halbem Weg durch diesen Knoten hier als auch nicht synkopiert, weil er genau auf halbem Weg zwischen beiden Beats ist. Also wird es auch nicht synkopiert klingen. Und ich kann eine weitere Notiz hier drüben auf halbem Weg durch diese beiden einfügen. Und es wird, es wird genauso langweilig klingen wie das erste auf synkopierten Muster. Lasst uns mal zuhören. Allerdings, wenn ich diese Knoten zu bewegen, Faust und bewegen Sie diese nach rechts, die auf dem vierten Schritt sein wird. Und wenn ich das vielleicht nach links verschieben würde, was auf dem zweiten Schritt wäre. Dadurch wird eine Synkopation erstellt. Auch jetzt sollten wir diese Knoten nicht berühren lassen. Also werde ich hier einen halben Schritt benutzen, nur um diese kürzer zu machen. Und wenn wir nochmal zuhören. Dieses Muster hat nun ein bisschen Synkopation. Aber wenn Sie wirklich gute Schnurmuster machen wollen, sollten Sie versuchen, dem Käufer Notizen auf allen vier Beats zu vermeiden. Also siehe hier habe ich eine Notiz auf dem ersten Schlag und ich habe eine Notiz in der zweiten Perle. Und ich habe eine Notiz auf dem dritten Schlag und ich habe eine Notiz auf dem vierten Schlag. Was Sie tun sollten, ist, dass Sie versuchen sollten, dies zu vermeiden. Also lassen Sie uns diese Notiz auf den dritten, dritten Schritt verschieben , und das ist verschoben Disk weiß, vielleicht auf den zweiten Schritt. Jetzt wird dieses Muster wirklich synkopiert und es wird viel groovy klingen. Und wieder, wir können das duplizieren, und wir können es bis zum fünften ziehen, und wir können es bis zum dritten in der Minor ziehen. Und das Muster war, ich mag das. Ich kann dir also nicht Schritt für Schritt genau zeigen wie man ein Akkordmuster baut, weil jeder andere Ideen im Kopf hat und jeder andere Ideen hat, was gut klingt. Omar hört sich nicht gut an. Aber was ich tun kann, ist, dass ich Ihnen diese Art von Tipps und Richtlinien geben kann, die Sie verwenden können, wenn Sie Ihre Kernmuster erstellen , so dass die Kabel und Ihre Spur nicht langweilig klingen ein Roboter. Lassen Sie uns dieses Muster nochmals mit der Synkopation hören, die wir gerade hinzugefügt haben. In der nächsten Vorlesung werden wir uns mit der Auswahl verschiedener Instrumente für Ihre Kartenmuster auseinandersetzen. 16. Instrumente für Akkorde, Instrumente aussuchen: In diesem Vortrag werden wir über die Auswahl von Instrumenten für Gerichte sprechen. Jetzt ist dies absolut der wichtigste Teil beim Erstellen elektronischer Musik. Sie müssen nicht wissen, wie Sie Ihren eigenen Sinn entwerfen denn wenn Sie Sounds entwerfen, die nicht gut zusammenpassen, dann ist es nur eine Zeitverschwendung. Daher denke ich, dass es wichtig ist, zu schauen, wie man Voreinstellungen wählt , die zusammenpassen, bevor wir tatsächlich gehen und unsere eigenen Sounds machen. Also, was ich hier habe, ist ein kleines Kordelmuster, das ich auf dem Klavier erstellt habe. Und es ist ziemlich einfach. Es ist nur das begann mit der synkopierten Unhöflichkeit und die ich duplizierte die fünfte. Und dann dupliziere ich es wieder bis zum dritten im Moll. Und dann habe ich das nichts geändert. Ich habe es auf D gebracht, und ich habe diesen Knoten nach D gebracht also ist es wirklich einfach. Dann habe ich einfach dieses Muster eingefügt, das Mini-Muster hinausgeklebt. Und dann ändere ich den Wurzelknoten auf D-scharf, änderte ihn auf G-scharf und dann wieder auf G-scharf. Aber der obere Teil des Akkord bleibt gleich. Es ist das gleiche, den ganzen Weg durch. Also lassen Sie uns dieses Akkordmuster auf dem FL Studio stecken Piano hören. Lass uns mal zuhören. Das erste, was ich über die Auswahl Ihrer Sounds sagen werde, ist definitiv nicht den Klang des Stock-Klaviers zu wählen. Jeder, der Musik macht , kennt den Klang der Klaviere von Hertz. Also, wenn du beabsichtigt bist, deine Tracks an Plattenlabels zu senden, die die sofort ablehnen, weil sie den Klang des Stock Piano kennen. So können Sie herunterladen. Es gibt buchstäblich Millionen von kostenlosen Klavier-Plug-ins im Internet, die Sie Nachrichten herunterladen können. Also schlage ich vor, dass Sie eine kostenlose herunterladen und stattdessen verwenden. Was ich tun werde, ist, dass ich hier reinkomme und ich werde es durch ein Klavier-Plug-in ersetzen, das ich habe, das heißt Piano V2. Mal sehen, wie sich dieses Muster mit dem neuen Klaviersound anhört. Jetzt verwendet eine Menge EDM einen Klaviersound als Basis. Also, wenn Sie mit einem Klavier bleiben wollen, können Sie, oder Sie können es ändern und es in einen Synthesizer verwandeln. Was ich tun werde, ist, dass ich diesen Klaviersound vorerst behalten werde, und dann komme ich vielleicht wieder und ändere ihn später. So wie unsere Trommel-Samples, müssen wir Schicht Akkorde sind. Also werde ich hierher kommen, um hinzuzufügen, und ich werde einen Synthesizer hinzufügen, um mit dem Klavier zu schichten. Also werde ich eine dieser Presets von ds schichten. Ds verdammt ist nur der Synthesizer von Drittanbietern, den ich habe. Aber Sie können viele Synthesizer von Drittanbietern aus dem Internet herunterladen und auch kombinieren. Also, was ich tun werde, ist, dass ich hier in den voreingestellten Abschnitt kommen werde und ich gehe runter um zu führen, weil hier das Zupfen klingt. Und das sind die Arten von Sounds, die wir suchen, sind Akkorde. Also suchen wir nach Pflücks und wir werden einen Blick darauf werfen, was Blöcke sind und ein bisschen mehr Details, wenn wir unsere eigenen Sounds machen. Aber für jetzt, wenn Sie Ihre Voreinstellungen wählen, stellen Sie sicher, dass Sie nach diesen Flock-Sounds suchen und je nach Synthesizer, den Sie verwenden, könnte das Wort pluck PRK oder vielleicht PLC oder eine Abkürzung des Wortes sein, aber Sie sind auf der Suche nach einem zupfen klingt. Also fange ich hier mit diesem Herbstzupfen an. Und ich werde sehen, wie das mit meinem Klavier geschichtet klingt. Also werde ich in die Pianorolle kommen und ich werde das Muster kopieren, bearbeiten, kopieren. Und dann werde ich in meine Synthesizer-Klavierregel kommen. Und ich werde bearbeiten, fügen Sie diese Tasse, dieses Muster. Sehen wir uns jetzt an, wie der Synthesizer mit dem Piano als Schicht klingt. Nun, ich mag den Klang des Synthesizers mit dem Klavier. Ich werde nur das Klavier stummschalten, um zu sehen, wie der Synthesizer klingt. Amazonas. Das erste, was ich merke, ist, dass der Synthesizer ein bisschen laut ist, also werde ich es öffnen und ich werde dieses Einstellungenrad drücken , damit ich es einer Mischerspur zuweisen kann. Und ich kann es dann abdrehen, nur damit ich das Klavier ein bisschen besser hören kann. Grund, warum ich den Synthesizer abschalte, ist, weil offensichtlich der Synthesizer Schicht ist. Und wir wollen, dass die Schichten verschmelzen und klingen, als wären sie ein großes Instrument. Wir wollen nicht in der Lage sein, die verschiedenen Sounds auszusuchen. Wir wollen, dass alle Sounds zu einem großen Sound kombiniert werden. Also lasst uns nochmal zuhören und sehen, ob wir einen großen Sound bekommen. Jetzt können wir den Synthesizer öffnen und den Sound ändern und sehen, ob wir einige Sounds finden, die nicht passen. Will sofort, ich höre, dass dieser Klang nicht passt, weil er irgendwie lauter ist und tatsächlich vom Klavier übernimmt. Also werde ich, ich werde weitermachen und ich werde das nicht aussuchen. Ich mag das Geräusch nicht. Drehen wir es wieder ab, damit es das Klavier nicht überwältigt. Das klingt ganz nett. Ich mag den Klang dieser knusprigen Presets wirklich, also werde ich das da drin lassen. Wenn Sie also Ihre Akkordmuster schichten, wäre eine gute Möglichkeit, sich an das letzte Instrument zu denken, das Sie erstellen möchten. Wenn wir das also vollständig ablehnen, wissen wir, dass das Klavier das Hauptinstrument ist. Wir wollen also nicht, wir wollen nicht vom Klavier ablenken, aber wir wollen das Klavier ergänzen. Also lasst uns dieses kleine Instrument hierher bringen. Jetzt kann ich hören, dass dieses Instrument ziemlich viele hohe Frequenzen hat. Es hört sich an, als würde es zischen. So wissen wir jetzt, dass wir ein Hauptinstrument und eine Art hochschräges Instrument haben. Bei diesen Schichten fehlt uns tatsächlich ein Instrument, das dem Muster ein wenig Abfall geben kann. Also, wenn wir nochmal zuhören, klingt das Muster gut, aber es fehlt die Verschwendung, die es braucht. Also werde ich dieses ds zerrissene Plugin duplizieren, indem ich hier unten komme und auf Klon klicke. Und dann komme ich auch wieder in die Pianorolle und kopiere das Klaviermuster in unseren neuen Synthesizer, damit wir es hören können. Drücken Sie also Bearbeiten und fügen Sie dann ein. Und dann werde ich das eine Oktave aufschlagen. Okay, also habe ich den Befehl und den Pfeil nach unten gedrückt, damit er genug runtergegangen ist. Und wir können hier sehen, das sind die Geisternoten aus den anderen Mustern. So können wir sehen, dass die anderen Muster tatsächlich auf dieser Oktave sind. Und arabisches Muster ist jetzt auf der Oktave unten. Hören wir uns an, wie das klingt, mit der gleichen Voreinstellung wie der andere Synthesizer. Was Sie also nicht tun möchten, ist, dass Sie nicht die gleichen Sounds mit den gleichen Sounds überlagert haben möchten . Diese Voreinstellung ist also die gleiche Voreinstellung, die ich in diesem Synthesizer verwendet habe. Also, was wir tun wollen, ist, dass wir das ändern werden. Also lasst es uns ändern. Mal sehen, wie die nächste Voreinstellung klingt. Und eigentlich, was ich tun werde, ist, dass iches nur einem anderen Link zuordnenwerde es nur einem anderen Link zuordnen weil es dem gleichen zugeordnet ist hier, es ist auch auf einem. Also lasst uns das hier runterdrehen. Ich mag den Klang nicht, aber ich mag den Klang, dieser Synthesizer klingt sehr, sehr gut mit den anderen beiden Zentren, mit dem Synthesizer und dem Piano geschichtet. Und lassen Sie uns hören, wie das mit dem vollen Muster klingt. Dieser zusätzliche Synthesizer, den wir gerade hinzugefügt haben , fügt dem Muster Abfall hinzu. Also, wenn ich den ursprünglichen Synthesizer zurückdrehen, den wir hatten, klingt es schön und luftig. Aber wenn wir ein bisschen mehr Möglichkeiten hinzufügen wollten, können wir eine weitere Ebene hinzufügen, die eine Oktave nach unten gesetzt ist, und es klingt so. Also denke ich, diese Schichten nach unten ziemlich gut. Ich denke, sie sind zusammengefügt, um wie ein großes Instrument zu klingen. Und das ist es, was Sie auch mit Ihren Layern machen möchten. Sie können fünfundzwanzig verschiedene Ebenen haben, solange sie sich alle kombinieren, um wie ein größeres Instrument zu klingen, dann wissen Sie, dass Sie richtig schichten. Sie müssen auch kritisch zuhören und nur sicherstellen, dass die Voreinstellungen, die Sie wählen, gut zusammenpassen. In der nächsten Vorlesung lernen wir, wie man diese Presets optimiert und manipuliert, so dass sie genau klingen können, wie wir es wollen. 17. Einführung in die Synthese: In diesem Abschnitt werden wir uns die Klangsynthese ansehen. Synthese ist ein riesiges Thema, daher werden wir nur die Grundlagen hier abdecken. Aber wenn Sie sich für Synthese und Sounddesign interessieren, stellen Sie sicher, dass Sie dieser Facebook-Gruppe beitreten, über die ich früher gesprochen habe. Da werde ich in Zukunft einen Kurs über Synthese und Sounddesign veröffentlichen. Und ich werde diese Gruppe benutzen, um anzukündigen, wenn sie draußen ist. Nehmen wir an, Sie haben hier ein Muster, aber einige der Synthesizer klingen nicht genau so, wie Sie es wollen. Sagen wir also, dieser untere Synthesizer hier, der finale Synthesizer wird in der letzten Vorlesung hinzugefügt. Sagen wir, dass Sie den Klang davon einfach nicht mögen und Sie es etwas ändern möchten. Also können wir in diesen Schneidezahn kommen und wir können tatsächlich verschiedene Dinge wie die Oszillatoren hier optimieren. Wir können die Hüllkurven optimieren, wir können die Filter optimieren, und wir können Effekte ein- und ausschalten. Und wir können all diese Dinge tun, um den Klang anders zu machen. Zum Beispiel, wenn ich den Klang des Oszillators hier von Sägezahn ändern sollte. So klingt es mit Sägezahn. Und wenn ich diese Synthese ändere, dieser Oszillator, der vielleicht Nummer vier postet, wird es so klingen. Die Komponenten, die Sie auf diesem Synthesizer finden, sind auf jedem Synthesizer gleich. Die Ya'll haben Oszillatoren und Amp-Hüllkurven und Filter und Selbst. Machen Sie sich also keine Sorgen, wenn Sie Angst haben, dass Ihr Synthesizer anders aussieht, weil sie alle auf die gleiche Weise funktionieren. Gehen wir nun in die Art der ersten Vorlesung in diesem Synthesizer-Abschnitt, wo wir über Synthesizer-Komponenten und ihre Funktionen gelernt haben. 18. Synthesiser: In diesen Folien werden wir die Grundlagen der Klangsynthese abdecken, so dass Sie fundierte Entscheidungen treffen können, wenn Sie optimieren oder erstellen oder Sounds erstellen. Es gibt verschiedene Komponenten, die zusammen zu einem Synthesizer kombiniert werden. Und sie alle haben ihren eigenen spezifischen Zweck. Lassen Sie uns herausfinden, was das sind und wie wir sie für unsere EDM-Tracks nutzen können. Das erste Thema, über das ich sprechen werde, sind polyphone versus monophone Synthesizer. Das haben wir bereits kurz erwähnt, als wir ein Akkordmuster konstruierten. Aber ich werde es wieder hier rüber gehen, nur damit du sicher bist, was es bedeutet. Ein monophone Synthesizer, oder ein Mono-Synthesizer, ist also ein Synthesizer, der zu jeder Zeit nur eine Note erzeugen kann. Wenn Sie also einen monophonen Synthesizer für Akkorde verwenden möchten, wird es eigentlich nicht funktionieren. Allerdings sind die meisten modernen Synthesizer oder polyphone, was bedeutet, dass sie mehr als eine Note auf einmal spielen können. Dies macht sie ideal für Akkord-Sounds und Pads. Diese modernen Synthesizer können auch als monophone Synthesizer fungieren , wenn Sie ihn auf diese Weise verwenden möchten. Es gab nur einen echten Vorteil, einen monophonen Synth zu verwenden oder Ihren Synth so einzustellen, dass er als monophon funktioniert. Und das ist, dass sie ausdrucksvoller sind als ein polyphone gesendet. Der Grund dafür liegt darin, dass polyphone Synthesizer ein kleines Stück des Sounddesignsopfern ein kleines Stück des Sounddesigns um mehr als eine Note gleichzeitig spielen zu können. Wenn Sie also nicht mehr als eine Note gleichzeitig spielen müssen, zum Beispiel Baselines oder Lead-Melodien, dann sollten Sie wahrscheinlich einfach Ihr Synthesiser-Plugin auf monophon setzen , wenn es Ihnen diese Option gibt. Werfen wir jetzt einen Blick auf Voices. Eine Stimme in der Physik ist nur ein Resonanzmedium. Also, wenn wir zum Beispiel eine Gitarre nehmen, na ja, jede Saite auf der Gitarre ist eine Stimme weil sie jedes Medium sind, das separat Resonanz. Theoretisch hätte eine Gitarre sechs Stimmen. Nun, in einem Synthesizer sind die Stimmen nur die kleinen Signalpfade , die Ihr Synthesizer verwendet, um den Klang zu erzeugen. Diese Stimmen stehen in direktem Zusammenhang mit dem polyphonen Konzept, über das wir in der vorherigen Folie gesprochen haben. Wenn Sie also vier Stimmen aktiv haben, können Sie nur vier Noten gleichzeitig abspielen. Wenn Sie jedoch 16 Stimmen aktiv haben, können Sie 16 Noten gleichzeitig abspielen, aber ein fortgeschritteneres Level können Stimmen zusätzliche Textur in den Sound geben, den Sie erstellen möchten. Wenn Sie Ihren Synthesizer in den Unisono-Modus versetzen, beginnt das Plug-in, alle diese Stimmen separat zu verarbeiten. Sie können dann jede dieser Stimmen anders detune, um einen viel fetteren Klang zu erzeugen. Nun, nur sehr wenige Synthesizer erlauben es Ihnen, jede Stimme manuell zu optimieren. Aber wir bekommen normalerweise einen Unisonknopf und einen D2-Noppen, mit dem wir spielen können, desto mehr Stimmen, die wir einstellen, um den Ticker zu verwirren, wird der Sand bekommen. Also, wenn wir einen Blick auf das Beispiel hier auf dem Bildschirm in der unteren linken, es ist nur ein Screenshot von einem Plugin namens Spire. Aber das Bild in der unteren linken Ecke ist von den Stimmen, wo wir einstellen können, wie viele Knoten wir gleichzeitig spielen wollen. In diesem Fall können wir nur vier Noten gleichzeitig spielen. Und wenn wir einen Blick auf ein kleines Beispiel auf der rechten Seite werfen, können wir sehen, dass dies der Unison-Sektion ist, in dem wir einen verborgenen Knopf und einen Dichteknopf bekommen. Oder wir können sagen, wie dicht wir den Klang haben wollen. Und unter diesen, dann haben wir den Abschnitt „Stimmen“, in dem wir sagen können wie viele Stimmen wir wollten, dass sich Detune auf Oszillatoren bewegen. Dies sind die tatsächlichen Klänge, mit denen der Synthesizer arbeitet. Es gibt vier Haupttypen von Oszillatoren, und dies sind Sinus, Quadrat, Sägezahn und Dreieck. Ich werde nicht darauf eingehen, warum sie so geformt sind, wie sie sind. Aber alles, was Sie wissen müssen, ist, wie jeder von ihnen klingen kann. Also lasst uns jetzt jedem zuhören. Ich werde sagen, dass Sie, bevor wir es tun, vielleicht möchten Sie Ihre Lautstärke abschalten oder Ihre Kopfhörer abnehmen weil diese Geräusche ziemlich durchdringlich sein können, wenn sie in ihrer reinsten Form sind. Okay, also lasst uns jetzt mal zuhören. Das erste Beispiel hier ist die Sinuswelle. Das zweite Beispiel, das wir hier haben, ist die Quadratwelle. Drittes Beispiel ist eine Dreieckwelle. Und das letzte Beispiel, das wir hier haben, ist eine Sägezahnwelle. Das sind also, was Synthesizer verwenden, um den Klang zu erzeugen, den Sie hören. Es wird dann durch andere Komponenten wie den ADSR und Filter geleitet , um den Sound grundlegend in etwas Neues zu verwandeln. Einige Synthesizer geben Ihnen viel mehr Oszillatoren als diese vier hier. Aber das liegt daran, dass sie entweder durch eine Art des Shapers oder aufgrund der Frequenz- oder Tonhöhenmodulation geformt wurden . Wenn Sie also eine andere Oszillatorform erhalten, die Sie verwenden können, basiert sie tatsächlich auf einer dieser vier Formen. Wenn Sie mit den verschiedenen Oszillator-Optionen auf Ihrem Synthesizer herumspielen, können Sie die verschiedenen Geräusche hören, die sie erzeugen. Als Nächstes untersuchen wir die ADSR-Komponente. Damit gibt es eigentlich zwei Arten. Es gibt einen Filter ADS oder und dann einen Amp ADSR. Der Filter ADSR steuert den Filter und es macht den Klang mehr oder weniger hell. Der Amp ADSR steuert die Lautstärke und macht den Ton mehr oder weniger laut. Für diesen Kurs beschäftigen wir uns nur mit dem AMP ADSR. Aber es ist gut, sich bewusst zu sein, dass der andere Typ existiert. Adsr steht für Angriff, Zerfall, Sustain und Freisetzung. Und Sie können sehen, was die Grafik hier auf der rechten Seite, wie es funktioniert. So Angriff ist, wie lange es den Ton braucht, um sein lautestes Niveau zu erreichen. So können Sie diese ziemlich lange einstellen, um eine coole, fegende Art von Pad-Sound zu machen . Der Zerfall ist, wie lange der Klang dauert, um das Sustain-Pegel zu erreichen. Etwas aufrecht zu erhalten bedeutet, es zu halten. Wenn Sie den Finger auf die Note des Synthesizers halten würden, wäre dies das Sustain-Level. Das Sustain-Pegel etwas leiser als das Decay-Level zu machen , erzeugt einen natürlicheren Klang. Und schließlich ist die Veröffentlichung dann, wie lange es dauert, bis der Sound minus Unendlichkeit oder 0 erreicht, nachdem die Note veröffentlicht wurde. Also, wenn Sie den Finger von dieser Note nehmen, wie lange dauert der Soundtrack zu verblassen, zum Schweigen. Alles in der ADSR ist ein Maß für die Zeit, außer für das Sustain, das ein Maß für das Volumen ist. Und die typischen Sounds, die Sie auf einem Synthesizer finden, hängen von den ADSR-Einstellungen ab. Ein Zupfton ist kurz und hat wenig bis kein Sustain Level. Wenn Sie also Ihren Finger auf der Nase halten, wird der Ton immer noch zum Schweigen verblassen. Bass-Sound ist ähnlich wie ein Block-Sound, aber der Sustain-Pegel ist etwas höher, so dass, wenn man die Note hält, auch der Klang des Basses hält. Dies ist wichtig, weil viele EDM nur eine Pedal Naught Baseline verwendet. Und wir werden einen Blick darauf werfen, was das ist, wenn wir zum Erstellen von Bassmustern kommen. Ein Bleisand ist dann für das Spielen von Blei-Melodien ausgelegt. So ist das Sustain-Level oft wirklich hoch, so dass die volle Melodie verletzt werden kann. Und dann haben Sie auch einen Pad-Sound, und das sind nur lange, fegende Sounds, die für Ambient-Musik entwickelt wurden. So werden Sie oft feststellen, dass die Angriffszeit sehr lang ist und die Release-Zeit sehr lang ist, das Sustain-Level wird ebenfalls hoch sein. Aber wenn wir einen Blick darauf werfen, unsere Synthesizer zu optimieren, haben wir gelernt, dass wir diese anpassen können, um sie besser an unsere Tracks anzupassen. Jetzt schauen wir uns den Filter an. Dieser Teil des Synthesizers ist am meisten verantwortlich für die Gestaltung der Klänge, die wir daraus bekommen. Oder kurz gesagt, der Filter blockiert nur einen Teil des Klangs und lässt den Rest des Klangs durch. Es gibt verschiedene Filterformen, die Sie verwenden können, z. B. Tiefpass oder Bandpass. Und ich werde einen Artikel hinzufügen, den Sie lesen können, der jede von ihnen erklärt. Die häufigste Form, die verwendet wird, ist der Tiefpassfilter. Und es tut genau das, was es auf der Dose steht. Es lässt die niedrigen Frequenzen durch und blockiert die hohen Frequenzen. Oder mit anderen Worten, es lässt den Grundteil Ihres Klangs durch ein Schwarzes. Je mehr hissy klingt. Der Punkt, an dem der Filter den Ton blockiert, wird als Cutoff-Frequenz bezeichnet. Zum Beispiel könnten Sie viele der Histone blockieren, können Sie nur eine winzige Menge des Zischen Sound blockieren. Sie würden den Parameter cutoff verwenden, um gerecht zu werden. Sie können auch den Cutoff-Parameter für einen sehr interessanten Sound automatisieren. Hören wir uns dieses Beispiel eines Akkordmusters an, bei dem der Filter abgeschnitten ist. Die Frequenz wurde automatisiert, um langsam mehr hohe Geräusche durchzulassen. Dies wird auch als Öffnen des Filters bezeichnet. Lasst uns jetzt zuhören. Das Öffnen des Filters ist eine gängige Technik, die in EDM verwendet wird, da es Spannungen erzeugt. Der Sound neckt den Hörer, da sie langsam mehr und mehr von dem vollen Klang gegeben werden. Wenn sie endlich den vollen Klang zusammen mit anderen Elementen wie Schlagzeug und Gesang bekommen , kann es das Erlebnis wirklich viel intensiver mit dem Filter machen. Es gibt auch einen Resonanzparameter, über den ich sprechen wollte, bevor wir weitermachen. Denn das ist besonders gut für Techno- und Acid Sounds. Wenn Sie dies aufdrehen, wird die Cutoff-Frequenz wirklich akzentuiert. So, wie Sie den Filter am Sound öffnen ist viel mehr akzentuiert und in Ihrem Gesicht. Hören wir uns ein Beispiel für das Öffnen des Filters bei gedrehter Resonanz an. Und dann tauchte ein Beispiel für das Öffnen des Filters mit der Resonanz auf. Weiter zum LFO. Dies steht für niederfrequente Modulation und ein bisschen wie Automatisierung, außer dass es innerhalb des Synthesizers gehalten wird. Das Äquivalent zur Verwendung eines LFO wäre, wenn Sie einen Lautstärkeregler jede Sekunde eine bestimmte Male nach oben und unten bewegen würden. Die Häufigkeit, mit der er sich bewegt, wird durch die Frequenz gesteuert. Wenn wir also die Frequenz auf drei Hertz einstellen, wird der Schieberegler dreimal pro Sekunde nach oben und unten bewegt. Der LFO ist, wie wir Vibrato- oder Tremolo-Effekte mit dem Synthesizer erzeugen können. So machen diese einfach den Klang Art von Wackeln zwischen verschiedenen Lautstärken sind Tonhöhen. So Geräusch, der zwischen den Volumina wackelt, wird Vibrato genannt, und ein Geräusch, der zwischen den Tonhöhen wackelt, wird Tremolo genannt. Ein LFO kann für fast alles in dubstep verwendet werden. Ein LFO wird verwendet, um den Cutoff-Filter zu steuern, und dies erzeugt den webbasierten Sound, der so berühmt ist. Wir können auch die Form des LFO in eine der vier Oszillatorformen ändern , die wir uns bereits angesehen haben. Aber es ist ziemlich leicht zu verstehen. Wenn Sie sich vorstellen können, dass sich der Schieberegler in der gleichen Form wie eine Sinuswelle bewegt, wird er sich ziemlich glatt bewegen, weil die Form einer Sinuswelle glatt ist. Aber wenn Sie sich eine Rechteckwelle vorstellen, die den Schieberegler steuert, dann wird sie tatsächlich von oben nach unten springen, genau so wie die Quadratwelle geformt ist. Die Form steuert also nur, wie schnell sich der Schieberegler von oben nach unten bewegt. Als nächstes haben wir portmanteau. Dies ist ein einfacher, aber wirklich lustiger Parameter, um mit Puerto mentalen Kräften zu spielen. Der Ton, der zu Noten nach oben oder unten verschoben werden soll. Es ist sehr häufig in der Genre russischen Wahlhaus, die berühmt durch die Spur astronomische von Tony Ag gemacht wurde verwendet. Also lassen Sie uns ein hören, dass Astronauten über Melodie ohne porta mental und dann ein Beispiel mit dem Parlament, das beantragt. Je höher Sie das Portmanteau aggressiver einstellen, es sind Folien. Sie können auch steuern, wie lange es dauert, bis nach oben und unten gleitet, wenn Ihr Synthesizer dies zulässt. Aber wenn Sie das Ornamental zu hoch setzen, könnten Sie am Ende einige der Noten maskieren. Stellen Sie also sicher, dass alle Knoten deutlich hörbar sind, wenn Sie portmanteau verwenden. Die nächste Komponente wird einen Blick auf den Mischer werfen. Dieser Mixer funktioniert genauso wie jeder andere Mixer. Es wird verwendet, um Geräusche in andere Klänge zu machen. Mit einem Synthesizer können Sie also mehr als nur einen Oszillator gleichzeitig spielen. Sie können alle diese Oszillatoren unterschiedlich einstellen und sie dann als Layer ineinander mischen. Es ist so, als ob wir unsere Instrumente überlagern, außer dass wir die einzelnen Klänge, die ein Instrument bilden, überlagern. So werden die meisten Synth-Presets, die Sie finden, mehr als einen Oszillator verwenden weil es den Klang viel voller und interessanter für das Ohr macht , wenn Sie Ihre eigenen Sounds machen, versucht, mehr als einen Oszillator zu verwenden und sie zu mischen zusammen. Als nächstes haben wir den Effektbereich, in dem wir einige Standardeffekte wie Hall oder Distortion anwenden können . Dies kann kreativ oder für ein interessantes Ergebnis verwendet werden. Es kann auch praktisch verwendet werden, um einen bestimmten Effekt zu erzielen, wie Low-Fi. Diese Effekte können jedoch beim Mischen mit Plug-Ins angewendet werden. Es liegt also an Ihnen, ob Sie sie jetzt oder beim Mischen verwenden möchten. Schließlich haben wir den verwirrendsten Teil dieser ganzen Vorlesung. Wenn Sie bisher verwirrt waren, werden Sie definitiv durch diesen Teil verwirrt sein. Es gibt Millionen von verschiedenen Synthesizern und alle von ihnen sehen völlig anders aus. Wenn Sie also einen Synthesizer öffnen, braucht es ein wenig herauszufinden, wie man ihn benutzt. Sie können immer nach einigen Tutorials oder Artikeln suchen, die Ihnen sagen, wie Sie sie verwenden. Aber wo ist der Spaß dabei? Bleiben Sie fest und finden Sie heraus, wie sie funktionieren. Indem Sie es selbst herausfinden, werden Sie sich tatsächlich das Sounddesign in dem Prozess beibringen. Jetzt sind wir bereit, einige Presets zu optimieren und unsere eigenen Sounds zu entwerfen. Gehen wir zurück in die Dunkelheit für den nächsten Vortrag und schauen uns das jetzt an. 19. Tweaking: In diesem Vortrag werden wir uns also einen Blick auf die Optimierung von Synthesisern werfen, damit wir die Voreinstellungen so ändern können, dass sie dem Sound entsprechen, den wir wollen. Also, was ich hier habe, ist, dass ich dieses Akkordmuster habe, das ich sehr schnell erfunden habe, nur damit wir hören können, was wir tun. Und ich habe auch dieses Plug-in namens Spire, das ist eigentlich das Plugin, das wir in den Beispielbildern in der vorherigen Vorlesung verwendet haben, als wir durch die Folien gingen. Also, was ich getan habe, ist, dass ich diese Zupfvoreinstellung geladen habe. Also p ok, das ist eine Abkürzung für zupfen, und es heißt weiße. Jetzt habe ich diesen ausgewählt, weil ich den Klang überhaupt nicht mag. Und es ist wirklich durchdringend und es klingt einfach nicht so gut. Aber was wir tun können, ist, dass wir die Parameter überall auf diesem Synthesizer optimieren und es grundlegend besser klingen lassen können . Also lassen Sie uns einfach ein Hören auf den Sound, wie es jetzt mit dem Muster, das ich früher gemacht Playing. Ok? Wenn wir nun hier hinaufschauen, können wir sehen, dass die Release-Zeit wirklich, wirklich lang ist , weil es lange gedauert hat, bis der Sound zum Schweigen kam. Das erste, was ich tun werde, ist, dass ich hier runterkomme um die Entlassung und die ADSR. Und ich werde das ablehnen. Und während ich es ablehne, werde ich mir das Muster anhören, nur um zu hören, was ich tue. Okay, also lasst uns das Muster anhören und dann diese Release-Zeit abschalten, während es abgespielt wird. Okay, also bevorzuge ich den Sound dieser Release-Zeit im Gegensatz zu der Release-Zeit, als es wirklich hoch war. Also werde ich es irgendwo hier unten lassen. Als nächstes werde ich die Effekte hier drüben abschalten. Das ist also unsere Effekte-Sektion und ich werde nur Muse, um zu verzögern. Ich werde den Hall stummschalten. Und ich werde auch diese Sättigung oder eine Art Verzerrungseffekt verwenden. Sehen wir uns an, wie es jetzt klingt, ohne dass die Effekte stumm geschaltet werden. Eine andere Sache, die wir tun können, ist, dass wir hier in den Mixer-Bereich dieses Synthesizers kommen und wir können die Mischung der beiden Oszillatoren ändern, die gleichzeitig laufen. Oszillator drei ist also nur ein Rauschoszillator. Und Lärm ist die Art von statischem Klang, den Sie auf diesen alten Fernsehern bekommen , wenn es Ihnen die Schwarz-Weiß-Art von Bildschirm zeigt. Das nennt man statisch oder Rauschen. Mal sehen, wie das Geräusch klingt. Und dieses Geräusch wird mit diesem Oszillator in geschichtet, was nur dieser Oszillator hier ist. Und es heißt Klavier a2. Und was Sie an der Form dieses Oszillators bemerken werden , ist , dass es sich nicht um eine der Formen handelt, die wir betrachteten, aber es besteht aus diesen vier Formen, die wir betrachten. Irgendwo drin gibt es Dreiecke und Quadrate, und es gibt Wellen, die sich alle zusammenfügen, um diesen Chip zu erschaffen. Ok? Was wir also tun können, ist, dass wir auf diesen Oszillator drei zurückkehren können, und wir können hier reinkommen und den Klang des Oszillators ändern. Also, wenn ich auf Klavier a2 klicke und ich änderte dies zu Vielleicht eine Sinuswelle. Und wir werden sehen, wie es klingt, wenn es eine Sinuswelle ist. Und ich kann es in jede dieser Formen ändern, die dieses spezielle Plugin kommt mit. Also haben wir Messing eins. Mal sehen, wie das klingt. Mal sehen, dass wir Geige sind, wie man klingt. Und nur um der Demonstration willen, lassen Sie uns sehen, wie drei Klänge gesendet wurden. Okay, und während ich gespielt habe, bin ich mir nicht sicher, ob mir der Klang des weißen Rausches gefallen hat, der gleichzeitig gespielt wird. Also werde ich den Oszillator stummschalten, weil er mir nicht gefällt. Und ich werde nur den Hauptsound verlassen, der Oszillator zwei ist. Ich werde das anlassen. Also lasst uns hören, wie es sich jetzt anhört. Ich kann auch hier runter kommen und ich kann die Angriffszeit so einstellen, dass es länger dauert , bis der Sound die Zerfallszeit erreicht. Also, das ist nur der Angriff und sehen, welchen Unterschied das macht. So klingt eine Art von Ton, als würde die Lautstärke bis zum Zerfallslevel fegen. Lasst uns jetzt den Verfall anpassen und sehen, was passiert. Sie werden also bemerken, dass dort nichts passiert ist, als ich das Zerfallsniveau anpasste. Und das liegt daran, dass der Zerfall tatsächlich ein Maß für Zeit ist, nicht für Volumen, sondern das Sustain, wenn wir uns erinnern, ist ein Maß für Volumen. Also, wenn ich diesen Sustain-Lautstärkeregler nach unten drehe, dann sollten wir einen Unterschied hören. Also werde ich nur zeigen m. Ich bevorzuge den Klang der beiden Schieberegler nach oben, also werde ich sie verlassen. Wir können auch hier zum Filterbereich kommen und wir können die Cutoff-Frequenz einstellen. Also lassen Sie uns ein Hören auf das Muster, wie wir die Cutoff-Frequenz des Filters ändern. Also denke ich, ich bevorzuge den Sound so mit der Cut-Off-Frequenz, nur weil er ein bisschen weicher und weniger intensiver klingt. Wir können auch die Resonanz des Filters aufdrehen. Also lassen Sie uns den Klang hören und die Resonanz anpassen. Also bevorzuge ich auch den Klang der Resonanz nach unten, also werde ich es unten lassen. Werfen wir einen Blick auf die Unisono-Sektion, wo wir über Stimmen gesprochen haben. Also, was ich tun werde, ist, nun, zuerst mal, kommen wir her und wir können sehen, dass wir mit dieser speziellen Einstellung acht Knoten gleichzeitig spielen können. Jetzt können wir dies bis zu 16 Knoten gleichzeitig ändern. Oder wir können es an einem Knoten zur gleichen Zeit unten haben. Und wenn ich es gleichzeitig an einem Knoten herunterlasse, werden Sie feststellen, dass die Kabel nicht richtig abgespielt werden, da der Synthesizer nur eine Note gleichzeitig abspielen kann. Hören wir uns mal an, wie das klingt. Also werde ich das wieder auf vier umstellen. Und um Akkorde zu machen, werde ich das so hoch wie es geht, nur für den Fall, dass wir zusätzliche Noten hinzufügen. Ich will den Synthesizer nicht. Ich möchte nicht, dass der Synthesizer bestimmte Knoten gegenüber anderen Knoten priorisiert. Also werde ich das nur so hoch einstellen, wie es geht, falls wir später zusätzliche Notizen hinzufügen. Also, wenn ich jetzt wieder in die Unison-Sektion komme, werde ich die Anzahl der Stimmen ändern. So ist im Moment nur auf einem gesetzt. Ich werde das auf fünf umdrehen. Und denken Sie daran, je mehr Stimmen, die Ticker D Sound bekommen wird. Also lasst uns mal zuhören, wie es klingt mit fünf Stimmen. Und wenn ich es auf eins zurücksetze und versuchen wir es mit neun Stimmen. Also, mit neun Stimmen, ich denke, es klingt ein wenig zu ticken. Also werde ich es auf fünf Stimmen zurücksetzen, glaube ich, ist der Ort, wo wir hatten. Und während es wieder spielt, werde ich nur die De-tune und die Dichte anpassen, nur um zu sehen, was diese Knöpfe tun. Okay, also lasst uns mal zuhören. Und schließlich haben wir die LFO-Sektion. Also lasst uns hier runter kommen, wo es LFO eins steht. Und wir wechseln dahin. Was wir also tun können, ist, dass wir den LFO etwas zuordnen können. Also, wenn ich darauf klicke und ich mappe es auf den Filter, und ich mappe es auf den Filter wird abgeschnitten ein. Was dann passieren wird, ist, wenn der Synthesizer spielt, dieser LFO wird den Cut-off auf dem Filter beeinflussen. Wir können das Timing auch so einstellen, dass es frei ist, oder etwas schneller oder kürzer ist, je nachdem, was Sie hier auswählen, aber ich werde es kostenlos lassen. Wir können auch die Form ändern, wie wir zuvor gesprochen haben. Nun, spire gibt Ihnen all diese verschiedenen Formen zur Auswahl. Aber wenn wir bemerken, haben wir Sinusdreieck und Quadrat. Also lasst uns nur aus Gründen der Konsistenz zu Quadrat wechseln, weil wir in der letzten Vorlesung auf Quadratwellen blickten. Ok? Wenn ich also hierher komme und die Menge an LFO auftauche und ich, wenn ich das nur vollständig auftauche, lass uns einfach hören, wie das klingt. Und wenn ich die Rate aufbringe, werden Sie den Cutoff tatsächlich viel schneller anpassen. So können Sie hören, dass all diese Veränderungen sehr plötzlich sind , und das liegt daran, dass wir eine Quadratwelle verwenden. Also komm jetzt wieder rein und wir holen uns eine Sinuswelle aus, die viel glatter ist. Die Form ist viel glatter, wie Sie sehen können, der Klang, den wir jetzt bekommen, sollte nicht so eine Art sprunghaft sein wie die Quadratwelle. Lasst uns zuhören. Und wenn wir nicht wollen, dass es so extrem ist, können wir hierher kommen und den Betrag ablehnen. Und auch, wenn Sie die LFO-Sorte der Standardrate mit Ihrem BPM synchronisieren möchten, welche Mine auf 140 gesetzt ist. Im Moment, wenn wir die Sync Taste drücken, wird es sinken. Wie Sie sehen können, sinkt es auf eine Viertelnote oder eine Krücken in Art von UK Begriffen. Und wir können sehen, dass es jetzt auf die BPM der Strecke sinkt. Also lassen Sie uns den Sound jetzt mit diesem prägnanten LFO hören. Es gibt also die Parameter, die Sie in Ihrem Synthesizer optimieren können , um den Sound irgendwie zu Ihrem Track ein bisschen besser passen zu lassen. In der nächsten Vorlesung schauen wir uns an, von Grund auf neu zu beginnen und unseren eigenen Synth-Sound zu machen. 20. Synthesiser Geräuschen machen: In diesem Vortrag werden wir also einen Blick darauf werfen, unsere eigenen Synth-Presets zu erstellen. Jetzt ist das kein Sound-Design-Kurs, also wird es sehr kurz sein. Ich würde vielleicht daran festhalten, die Voreinstellungen vorerst zu optimieren, aber ich möchte Ihnen zeigen, dass Sie Ihre eigenen machen können, wenn Sie möchten. Das erste, was ich sagen werde, ist, dass jeder Synthesizer eine andere Schnittstelle und Setup hat. So müssen Sie vielleicht ein wenig experimentieren, um herauszufinden, wie Ihre speziellen Zentren einrichten. Weil ich nicht jeden Synthesizer durchlaufen kann und wie man ihn benutzt. Aber wenn wir das Wissen anwenden, das wir bisher gelernt haben, wären wir in der Lage, die meisten Synthesizer nur durch Experimentieren herauszufinden. Was ich also tun werde, ist, dass ich hier nur auf diese initialisierte Schaltfläche klicke nur damit wir sicherstellen können, dass alle Parameter auf den Standard zurückgesetzt sind. Und was ich tun werde, ist, dass ich hier runter zum Oszillator komme , und ich werde anfangen, ein paar Geräusche zu machen. Das erste, was Sie bemerken werden, ist, dass die Welle auf Sinuswelle eingestellt ist, aber das Bild, das dieser Synthesizer uns gibt, sieht nicht wie eine Sinuswelle aus. Und das ist wegen der Art von Synthesizer, die Spire ist. Okay, also Spire ist ein Wave-Table Synthesizer. Wir werden nicht ins Detail darüber eingehen, was das ist. Nur die Hauptsache zu wissen ist, dass, wenn Sie Turmspitze haben , um die tatsächliche Form der Sinuswelle zu bekommen, Sie müssen diese WT verwechselt drehen und das bedeutet Wave-Table Mikrofone. Also werden wir das einfach komplett aufdrehen und dann fangen wir an, mit den verschiedenen Klängen herumzuspielen. Mal sehen, wie die Sinuswelle mit dem Muster klingt, das wir in der letzten Vorlesung hatten. Okay, also mag ich das Geräusch nicht sofort, also werde ich das einfach in etwas anderes ändern, vielleicht wollen wir es versuchen, an das geschickt zu werden. Okay, ich denke, wir haben jetzt eine gute Grundlage, um unseren Sound zu gestalten. Also werde ich jetzt zum Umschlagbereich kommen, und ich werde anfangen, die ADSR anzupassen, nur um es so zu klingen, wie ich es will. Also denke ich, ich will, dass das ein bisschen ein plucky Sound ist, also werde ich den Zerfall aufdrehen. Und dann werde ich das Erhaltene ablehnen, so dass es eher ein Zupfgeräusch ist. Und dann bin ich vielleicht den Angreifer verlassen Es ist. Und die Veröffentlichung wird irgendwie kurz sein, weil es eine Pflücks-Antwort ist, die hier ist und sehen, ob wir einen Fluss Arna gemacht haben. Ok, also kommt es hin, aber ich denke, es gibt zu viel Freilassung, also werde ich die Veröffentlichung herausstellen. Okay, mal sehen, wie es klingt, wenn wir uns umdrehen, um vollständig zu erhalten. Okay, also habe ich gerade die Zerfallsstufe auch nach unten gedreht, nur weil ich das Sustain-Level viel schneller erreichen wollte, als es war, als ich hier oben war. Es hat zu lange gedauert. Aber wir wollten sehr schnell und knackig sein. Also werde ich den Verfall wieder runterbringen. Ok? Nun, das ist zwei Block E also werde ich, da gehen wir. Das nächste, was ich tun werde, ist, dass ich in den Unisono-Modus komme und ich werde den Klang ein bisschen dicker machen. Also werde ich drei Stimmen einschalten. Und ich werde sehen, wie das klingt. Mit tune es ein wenig mehr und vielleicht machen es ein wenig dichter. Okay, also mag ich den Klang des bisher. Als Nächstes komme ich hier rüber zum Filterbereich. Und um den Filter zu aktivieren inspirieren, müssen wir es zuerst auf den Typ des Filters setzen, den wir verwenden möchten. Jetzt ist die häufigste Art von Filter dieser perfekte oder so werde ich es einfach hier auf diesem Prefactor lassen und ich werde es auf Tiefpass vier setzen. Also haben wir Tiefpass-Band-Pass, Hochpass. Und dann haben wir Vr Peak oder ein Kerbfilter. Aber ich werde es auf Tiefpass vier lassen. Ich werde die Cutoff-Frequenz einstellen und hören, wie es sich als Ort anhört. Und nun mal sehen, wie es klingt, wenn wir die Resonanz anpassen. Also mag ich irgendwie den Klang der Resonanz hier. Es ist eine Art von Hinzufügen in ein bisschen High-End zu Designs. Also werde ich die Resonanz da oben lassen, und ich werde auch die Cutoff-Frequenz hier lassen , weil mir der Klang gefällt. Das nächste, was ich tun werde, ist einen anderen Oszillator hinzuzufügen, der es ausgeschaltet hat. Ich sollte es einfach auftauchen. Das schaltet es ein. Also mochte ich den Klang dieses Oszillators, aber ich denke, dass der Sound ein bisschen mehr braucht um als richtige moderne Synth-Sounds zu funktionieren. Also werde ich diesen zweiten Oszillator auftauchen. Vielleicht bist du auch bis an die Spitze. Und wir werden hier hineinklicken, indem wir auf Oszillator zwei klicken. Und wieder, wir werden diesen Wave-Table Mix auftauchen. Und dort werden wir eine andere Art von Sound in über unsere anderen Oszillatoren hinzufügen . Also lasst uns dieses Klavier ausprobieren und sehen, wie das zusammen klingt. Also werde ich es ablehnen, um zu sehen, wie es ohne es klingt. Und ich werde es aufdrehen, um zu sehen, wie es sich damit anhört. Nun für diesen Oszillator, ich denke, ich möchte die Oktave ändern und viele Synthesizer lassen Sie das tun. Sie werden eine kleine Oktav-Shift-Taste haben. Also werde ich das um eine Oktave verschieben. So können Sie hier sehen, dass es zu plus eins gegangen ist. Und das wird diesen Oszillator höher als der andere Oszillator klingen lassen. Also lasst uns mal zuhören, wie es sich jetzt anhört. Vielleicht, wenn ich es wieder runter und runterbringe. Also werde ich es wieder aufstellen, weil ich das mag, ich mag den Klang des höheren Endes davon. Der zweite Oszillator fügt hinzu. Ich werde es auch abstimmen, indem ich wieder drei Stimmen hinzufüge. Mal sehen, wie das klingt. Und mit Turmspitze haben wir auch die Möglichkeit, den Oszillator zu schwenken. Also kann ich das völlig nach rechts schwenken, oder ich kann es ganz nach links schwenken. Und das ist nützlich, wenn ich wollte schwenken, sagen wir, Oszillator zwei nach links und dann vielleicht Oszillator eins oder sorry, Oszillator nach rechts und dann Oszillator eins nach links. Mal sehen, wie das klingt. Ich glaube, ich werde die einfach wieder ins Zentrum bringen. Und was ich tun werde, ist stattdessen, ich werde diese große Option nutzen, die uns Spirale gibt. Und das macht den Klang nur ein bisschen breiter. Also werde ich das auf Oszillator 2 anwenden, in dem wir jetzt sind. Und ich werde nur zuhören, wie es passiert, nur um zu sehen, was ich tue. Also mag ich den Klang des Duftes, wenn hier die Weiteneinstellung eingestellt ist. Und könnte auch diesen Oszillator einfach etwas lauter drehen. Ich mag das Geräusch. Und was ich eigentlich tun werde, ist, dass ich einen dritten Oszillator hinzufügen werde , nur für ein bisschen Gewicht. Also wieder, drehen Sie es hoch, drücken Sie nicht T Oszillator drei , der es einfach ausmacht, aber ich werde es hier aufdrehen. Und ich werde in den Oszillator drei klicken, und ich werde es eine Oktave aufstellen. Sofort. Wieder drehen Sie den Wave-Tisch Mix und wir werden einen dieser Stände anwenden. Also werde ich einfach Messing T2 ausprobieren und sehen, wie das klingt. Hat es ein bisschen hochgedreht. Okay, ich werde es nochmal aufstellen. Ich glaube nicht, dass es im Moment zu niedrig ist. Ok, also scheint dieser spezielle Sound keinen großen Unterschied zu machen , und ich werde versuchen, eine andere Mai 1 sein oregon eins. Lassen Sie uns versuchen, mit diesem klingt so kann ich hören, was dieser besondere Klang, aber es ist ein bisschen Gewicht hinzuzufügen. Also werde ich das vielleicht auf hier ablehnen , damit es irgendwie lauter ist als der Rest. Und wieder werde ich ein bisschen Weiß darauf anwenden, nur um zu sehen, wie das klingt. Also lassen Sie uns einen hören auf die Weite Parameter wie die Muster spielen. Okay, also macht es keinen großen Unterschied. Also, was ich tun werde, ist, dass ich in den Oszillator eins zurückkomme und diesen vielleicht erweitern werde , um zu sehen, wie das klingt. Also lasst uns nochmal zuhören. Aber als ich es optimiert habe, habe ich bemerkt, dass es eigentlich ein bisschen zupfend ist. Es ist zu plucky für das, was ich will, dass der Sound sein wird. Also werde ich wieder runter zum ADSR kommen und ich werde das Sustain-Level ein bisschen erhöhen. Und wir werden uns angehört haben, wie das klingt. Okay, also mag ich den Klang des Sustain-Pegels, wenn er irgendwo hier ist. Als nächstes würden wir uns nur einen kurzen Blick auf den Effektbereich werfen. Also der erste ist eine Art, Es ist ein Sättigungs-Plug-in und wir werden uns das ansehen, wenn wir Mischen machen. Aber ich werde das im Moment einfach einstellen, nur auf die Röhre. Und ich werde das Laufwerk ein kleines Stück hochdrehen. Ich werde zuhören, während es mir gut geht, ich beeinflusse tatsächlich, tut mir leid. Bevor Sie irgendwelche Anpassungen an den Plugins vornehmen, müssen Sie die trockene, nasse, trocken, wo Parameter und trocken bedeutet AF und nass Mittel auf. Also auf diese Weise wäre ein 100% auf, und das ist ein 100% Rabatt. Also werde ich das irgendwo in der Mitte auftauchen. Und wir werden das wieder tun, hören und dann die Laufwerkseinstellung anpassen. Und ich werde das trockene nasse Nickerchen abdrehen. Also mag ich das kleine bisschen Ras Penis, dass dieser Sättigungseffekt hinzufügt. Ich werde hier rüber zum Refrain kommen, und ich werde das irgendwo in der gleichen Gegend umdrehen, vielleicht ein bisschen mehr. Und ich werde nur sehen, wie das klingt. Also mag ich den Klang des Chors überhaupt nicht, also werde ich ihn nicht benutzen. Das kommt also zur Verzögerung hierher. Und wieder drehen wir das Dry Wet auf und wir werden nur hören, wie es klingt. Also mit diesem Effekt können wir tatsächlich machen, dass die Verzögerung auf der rechten Seite sind anders als die Verzögerung auf der linken Seite. Also werde ich die Verzögerung auf der linken Seite ein wenig nach unten drehen. Und dann werde ich die Verzögerung auf der rechten Seite ein bisschen drehen. Mal sehen, wie das klingt. Also denke ich, die Verzögerung ist ein bisschen zu laut, also werde ich es einfach abschalten, nur damit es irgendwie subtil ist. Ein X, wir schauen uns nur den Hall an. Und wieder, wir drehen es auf und wir werden sehen, wie es klingt. Also für den Moment werde ich tatsächlich den Hall und die Verzögerung verlassen , weil ich diese Using Effekte anwenden kann, wenn wir zum Mischen kommen. Also werde ich sie vorerst auslassen. Aber ich bin, ich komme runter und habe einen kurzen Blick auf diese Art von EQ-Sektion. Und ich könnte das High-End ein bisschen steigern. Es waren nur irgendwie besser klingt. Ich denke, wir müssen es mit dieser EQ-Taste einschalten. Ich werde nur das High-End steigern und vielleicht ein paar Mitten rausnehmen. Nur um es ein bisschen angenehmer für das Jahr klingen zu lassen. Das ist alles, was wir tun können. Und wenn wir ohnehin mischen und es wird immer noch die Anwendung der EQ auf diese. Aber nur für den Moment möchte ich hören, wie es sich mit dieser Art von EQ-Einstellungen anhört. Also lasst uns mal zuhören. Und ich habe gerade beim Hören bemerkt, dass die Resonanz etwas zu hoch ist. Also werde ich eigentlich nur die Resonanz komplett ausschalten und ich werde sicherstellen, dass sie auf all diesen Oszillatorenausgeschaltet ist auf all diesen Oszillatoren und sehen, dass die Resonanz diese Art von Tweeting wie ein Vogel klang. Also werde ich das einfach ablehnen, weil ich denke, es war viel zu durchbohren auf der Ebene, die es war. Also lasst es uns jetzt hören. Und das ist der Prozess, Ihren Sinn zu machen. Weißt du, du kommst hierher, du änderst etwas und dann merkst du hier unten wieder etwas geändert werden muss. Und wenn du das änderst, merkst du, dass sich das hier oben auf etwas auswirkt, das du ändern musst. So ist der gesamte Prozess der Herstellung Ihrer eigenen Sounds und Sound-Design eine Art von Hin und Her zwischen den verschiedenen Parametern. Und Sie optimieren nur verschiedene Dinge, bis Sie das gewünschte Ergebnis erhalten. Jetzt weiß ich, dass ich das schnell durchgemacht habe und ich werde nicht mit einigen der Parameter, die auf dem Plug-in sind, eingehend eingehen. Aber man muss eigentlich nicht wissen, was die verschiedenen Parameter tun, um einen Sound zu erzeugen. Also denke ich, das Beste, was Sie für Sie tun sollten, wäre, einfach in Ihr Plug-in zu gehen und herauszufinden, wie es funktioniert. Passen Sie einige der Parameter an. Cbo Art von Klang es macht und sehen, welche Art von Klang Sie aus ihm bekommen können. Diese Methode des Experimentierens ist eigentlich viel besser für Sounddesign. Dann, weißt du, wie ich es mache und erkläre, was jeder dieser verschiedenen Parameter tut. Aber wie gesagt, werde ich in Zukunft einen Sound-Design-Kurs haben. Stellen Sie also sicher, dass Sie dieser Facebook-Gruppe beitreten und nur damit Sie keine Ankündigung über uns verpassen, aber das ist alles, was wir im Moment wissen müssen. Gehen wir also zum nächsten Abschnitt, wo wir einen Blick auf die Gebäudebasis werfen werden. 21. Hauptelemente von of: Lassen Sie uns also die Hauptelemente einer EDM-Baseline untersuchen. Nun, vor allem wird Basis verwendet, um eine Art harmonisches Fundament für Ihre Spur zu schaffen. Also, wenn Sie eine Akkordprogression haben, die vielleicht C, G, F und C geht , dann wird Ihre Grundlinie diesem mehr als wahrscheinlich folgen, indem Sie C, G, F, C. Jetzt viele EDM-Spuren verwenden sie nicht wirklich Akkordprogressionen. Es ist nur ein Akkord den ganzen Weg durch. Und in diesem Fall wird Ihre Baseline auch um diesen einen Akkord zentriert sein oder weiß, welcher der Wurzelknoten genannt wird. Jetzt gibt es verschiedene Arten von Mustern, die Sie mit EDM-Basen haben können. Es gibt rollende Baselines, springende Grundlinien, Blütenblätter, eine Art Techno-Baseline. Es gibt Seufzer Baselines. Es gibt all diese verschiedenen Arten von Baselines, die Sie irgendwie erstellen können. Aber einige der Eigenschaften werden in allen von ihnen gleich sein. Lassen Sie uns also nur einige der prominentesten Merkmale einer EDM-Baseline untersuchen. Und wenn wir dann zur nächsten Vorlesung kommen, wo wir uns die Konstruktion eines Basismusters ansehen, werden wir näher mit den verschiedenen Mustern eingehen. Eines der Hauptmerkmale einer EDM-Baseline ist also, dass sie ein kurzes Muster verwendet. Nun, dieses Muster hier, das ich habe, ist eigentlich zwei Balken lang, weil diese Hälfte des Musters sich von der zweiten Hälfte unterscheidet. Also ist es eigentlich, es kombiniert sich zu einem 2-Balkenmuster und in der Regel eine Antwort mit einem Akkordprogression zu erstellen . Und dann könnte Ihr Grundlinienmuster sein, es könnte 32 Balken lang sein. Aber wenn du nur einen Akkord in deinem Track verwendest, sollte deine Baseline nie wirklich über zwei Takte hinausgehen, okay? Alles, was mehr als zwei Käufer ist, wird es zu kompliziert und es wird nicht leicht für den Zuhörer zu tanzen, wenn es jemals in einem Nachtclub oder so etwas gespielt wird. Stellen Sie also sicher, dass Sie kurze, Art von präzisen Mustern verwenden und Sie es nur den ganzen Weg durch wiederholen. Ein weiteres Merkmal ist, dass EDM-Baselines, sie zentrieren sich um den Stammknoten. Also in diesem Fall werde ich nur dieses Beispiel für Sie spielen und dann werden wir untersuchen, was mit der Basis vor sich geht. Also lasst uns zuhören. Okay, das würde also als rollende Grundlinie betrachtet werden, aber wir werden uns das noch einmal im nächsten Vortrag ansehen. Aber lasst uns in den Pionier klicken und wir werden nur einen Blick darauf werfen, was mit den Notizen los ist. Also der Wurzelknoten dieser Spur ist e. Und wir können sehen, dass die Basislinie um E zentriert, aber es enthält auch die anderen Noten des ii Akkord in. Es geht also von E nach G nach B, nach G nach E und dann zurück nach G und dann zurück nach B, also sind das alle Knoten des Akkord von E-Moll. Jetzt mit einer EDM-Baseline finden Sie sie selten mit anderen Noten, die sich außerhalb des Akkord befinden. Wenn dies zum Beispiel ein D wäre und vielleicht ein C war, würde man das selten finden, weil das Muster so kurz ist und die Strecke nur zentriert ist, weiß dieser. Sie werden selten finden, dass es andere Notizen enthält, die außerhalb des Gerichts sind , es sei denn verwendet Ornamentik und wir werden darüber in nur einer Minute sprechen. Aber hören wir uns an, wie sich dieses Muster jetzt anhört, da ich einige der Noten verschoben habe. So, wie Sie sehen können, wirft es irgendwie den ganzen Klang ab. Also werde ich das einfach wieder nach B verschieben und ich werde das wieder nach E. Also, wenn Sie eine Basismischung konstruieren, zentrieren Sie sich um eine Note oder zentrieren Sie sich um ein Gericht. Und lassen Sie uns einfach schnell über Ornamentik sprechen. Ok, also die zusätzlichen Knoten hier und hier, diese werden als Art von Ornamentik betrachtet werden, nicht so, wenn ich sie herausnehme, klingt die Muster so. Und was die Verzierungen machen, ist, dass sie die Grundlinie fließen lassen, Nummer eins natürlich zwischen E und B, diesen großen Sprung. Aber sie füllen auch den Raum, der zwischen diesem dritten Schritt des zweiten BCE und diesem vierten Schritt hier übrig bleibt . Dieser vierte Schritt hier auf der ersten Seite. Nun, was Ornamentik ist eigentlich? Nun, wenn Sie an ein Ornament denken, wissen Sie, wenn Sie ein Ornament in Ihrem Haus haben, und warum sollten Sie ein Ornament platzieren, sagen wir auf dem Kaminsims über Ihrem Feuer. Nun, du würdest es dort für ästhetische Zwecke platzieren. Weißt du, es liegt daran, dass es schön ist, sich anzusehen. Nun, es ist das Gleiche in der Musik. Ornamentik ist, wo wir einige Notizen in ihr platzieren, einige Klänge oder so, und wir setzen sie für ästhetische Zwecke ein. Also lassen Sie uns dieses Muster nochmals mit den ornamentierten Noten hören, und wir werden sehen, wie das klingt. Ein weiteres Merkmal dieser ornamentierten Noten ist, dass sie oft kürzer sind als die anderen Knoten. Wenn ich jetzt diese verzierten Knoten verlängere, werden sie nicht so klingen, als wären sie da. Für Ornamentik Dell klingen tatsächlich so, als wären sie Teil des Hauptmusters und es wird den gesamten Klang des Musters abwerfen. Lasst uns mal zuhören. Und vielleicht gefällt Ihnen der Klang, und das ist in Ordnung, weil das alles objektiv ist. Aber für mich mag ich es sehr, wenn diese Noten ziemlich kurz sind, ich denke, es fügt der Nut hinzu und es fühlt sich eher wie Verzierungen für mich an. Also werde ich sie kurz lassen. Okay, jetzt, da wir aufgeräumt haben, was Ornamentik ist und wir irgendwie die Eigenschaften einer EDM-Baseline aufgeklärt haben. Wir sind bereit, einfach weiterzumachen und unsere eigene Grundlinie zu konstruieren. Wir werden also einen Blick auf die verschiedenen Arten von Baselines werfen, die es gibt. Und wir erstellen ein paar Muster, die du vielleicht in deinen Tracks verwenden kannst. 22. Bass bauen: Okay, also fangen wir an, ein Basismuster zu konstruieren. Also das erste Muster, das wir uns ansehen werden, ist eine rollende Grundlinie und hier bezeichnet Art von Roll nach oben und unten zueinander. Also wenn ich, wenn ich hier eine Notiz von E und dann B auf dem zweiten Schlag, und dann vielleicht wieder e auf dem dritten Schlag, und dann vielleicht wieder auf dem vierten Schlag. Was passiert, ist mit einer rollierenden Basislinie, also nur verkürzt diese und die Notiz wird dazwischen gehen , wodurch die Baseline irgendwie nach oben und unten rollen kann. Okay, vielleicht stellen wir einen hier her. Setzen Sie einen auf abgeschreckt Schritt und dann wieder auf den vierten Schritt. Und dies würde als eine rollende Basislinie betrachtet werden. Und lasst uns mal zuhören. Okay, also klingt es nicht sehr gut, weil du dich an das Ding erinnerst , über das wir vorher gesprochen haben, was Synkopation ist. Und so spielt der erste Teil dieses Musters alles weiter, auf synkopierten Beats. Also lassen Sie uns einfach dieses G zu mehr synkopierten bewegen. Also bewegen wir es auf den vierten Schritt. Und dann haben wir das bewegt, Mann, vielleicht entfernen wir das auf den zweiten Schritt oder etwas, nur um mehr zu synchronisieren. Und wieder, wir haben keine Berührung. Lassen Sie uns also diesen Knoten verkürzen , so dass keiner der Knoten berührt. Also lasst uns mal zuhören. Sie können diesen Knoten verlängern, da danach eine Menge leerer Speicherplatz vorhanden ist. Also lassen Sie uns das vielleicht verlängern und sehen, wie das klingt. Dies wird also als rollende Basislinie betrachtet da die Noten aufeinander auf- und abrollen. Also lasst uns das jetzt löschen. Und wir werden einen Blick auf eine einzelne Noten-Baseline werfen. Und das ist eine Grundlinie, die im Allgemeinen mit House verwendet wird. Wenn wir also bei unserem E als dem Norden bleiben, den wir verwenden, wird eine einzelne Noten-Baseline nur die Naughts von E. Also vielleicht, wieder, wenn wir an Synkopation denken, könnten wir dies verlängern oder es gibt keinen leeren Raum und halten sie dann kurz. Vielleicht stellen wir hier eine Notiz ein. Also vielleicht noch einmal, verlängern Sie das. Vielleicht bekommen Sie das in ein bisschen kürzer, nur um die Dinge etwas zu klingeln. Und dann fügen wir hier eine weitere Notiz hinzu. Und dann noch einmal, vielleicht auf dem vierten Schritt und dem dritten Schritt des nächsten B. So verlängern wir DES einfach so. Mal sehen, wie sich dieses Muster jetzt anhört. Und das ist die Basislinie für einzelne Noten. Okay, also lasst uns mal zuhören. Okay, also lasst uns diese noch einmal löschen und wir werden einen Blick auf eine andere Art von Baseline werfen, die eine springende Baseline ist. Und das ist, wo bezeichnet springen offen zueinander. Also, wenn ich wieder R, E einfüge, und sagen wir, es springt den ganzen Weg dazu. Oktave, E erscheinen in Oktave oben. Also machen wir das wirklich kurz, weil es eine Art Ornamentik ist, oder es ist irgendwie springt. Und dann spiele ich wie eine zweite Hälfte des Musters. Und dieses Stück, vielleicht so. Und dann wieder, wir benutzen dieses E. und vielleicht springen wir für die ganze Sekunde um den dritten Schritt dieser Rübe. Wir könnten diese Notiz etwas länger machen als diese. Und dann wieder, fügen wir dieses E und vielleicht diesen Shirky hier ein. Ok? Jetzt können wir sehen, dass die Grundlinie tatsächlich auf und ab springt. Also mal sehen, wie das klingt. Und Sie könnten dies tatsächlich in eine rollende Baseline verwandeln, wenn Sie diese Noten einfach kürzen und vielleicht einige zusätzliche hinzufügen , die es der Baseline erlaubten, zusammenzurollen und dann wieder nach unten zu rollen. Also, wenn wir ein G in das Relief einfügen, das mit einem E. Also jetzt diese Art von Muster hier, das rollt. Okay, also lasst uns die löschen. Und wieder werden wir von Grund auf neu beginnen, löschen. Und ich habe gerade diese Schleife ausgeschaltet. Und dann werfen wir einen Blick auf eine gemeinsame Techno-Baselines. Und eines der häufigsten Dinge, die mit der technischen Grundlinie zu tun haben, ist eigentlich nur eine Bassnote und eine Art Wurzelknoten der Spur zu platzieren. Und dann haben, lassen Sie diese Bassnote für die gesamte BCE des ersten Beats spielen. Und dann wieder für das zweite Stück, wieder für die dritten Base-Beats und wieder für den vierten Beat. Und das wird häufig im Stil eines großen Raumes verwendet, der von Martin Regisseuren und seinen Spurtieren berühmt gemacht wurde. Aber lassen Sie uns diese Art von Big Room Technol Baseline hören. Damit hätten Sie es tatsächlich mit einer Kick-Trommel überlagert. Also, wenn ich hier rauskomme und wir es einfach wirklich schnell mit der Kick Drum Loop schichten, dieser Abschnitt nur um zu sehen, wie es klingt. Und das würde klingen, wenn es mit der Kick-Trommel geschichtet ist. Kommen Sie da rein. Und eine andere Sache , die Sie mit Technologie tun können, ist dies in MSI-Stil-Baseline umgewandelt. Also mit psi music, lassen Sie tatsächlich den ersten Schritt leer, und dann fügen Sie die Baseline auf jeden anderen Schritt des Käufers ein, okay, so. Mal sehen, wie das mit der Kickdrum klingt. Und Sie können diese Notizen machen. Sie können diese Notizen länger machen, nur damit sie nicht so plucky klingen wie dort. Also werde ich nur die Vierteleinstellung einschalten und sie ein bisschen länger machen. Mal sehen, wie das klingt. Und schließlich, wenn ich das lösche und zum letzten Mal von Grund auf neu starte, haben wir eine Pedal-Naught Baseline. Also eine Pedalnoten-Baseline ist, wo, wenn Sie Akkorde haben, also sagen wir, ich denke, das Beispiel, das ich gab, bevor es CGF war und sehen, so dass Sie nur Ihre Grundlinie unter den Akkorden spielen. Dies wäre also eine Pedalnote, weil es für die Dauer der D-bar gehalten wird. Dann fügen Sie einen auf g ein. Sie fügen den genagten auf F ein, und dann fügen Sie den Knoten wieder unten auf C ein und so würde eine Pedal-Naugh-Baseline klingen. Also lasst uns das mal anhören. Das ist also ein Pedal, keine Grundlinie. Okay, also werde ich das nochmal löschen. Und ich werde dir einen letzten Tipp geben, bevor du deine eigenen Grundmuster machst. Und das ist, um einen Schlag der Bar zum Atmen zu ermöglichen. Okay, also sagen wir, ich habe eine rollierende Basislinie, die E, G, B, und dann vielleicht so, okay? Und ich füge das hinüber, wenn es Spiele gibt , weil jede Art von Takt der Bar gefüllt ist, gibt es keinen Platz zum Atmen. Also lasst uns einfach dieses Muster hören. Es wird sich sehr, sehr repetitiv klingen und als hätten wir keinen Raum zum Atmen. Also lasst uns einfach nicht. Was Sie tun möchten, ist, wenn Sie eine Basislinie wie diese haben, wenn Sie eine Art Muster haben, das über alle vier Beats der Bar spielt. Und dann ist es einfach so schleifen, die ganze Zeit, die Sie Raum zum Atmen lassen wollen. Also lasst uns diese Knoten löschen. So entlastet den letzten Takt der Bar für einen Atemzug. Und dann werden wir diesen Knoten ausdehnen. Es ist also irgendwie so, als gäbe es hier jetzt ein bisschen Platz für die Baseline, um den Atem zu fangen, bevor sie wieder hineinspringt und wieder auf- und runter rollt. Dies ist also eine subtile Veränderung, aber es kann wirklich einen Unterschied für Ihre Musik machen. Wenn Sie eine rollende Basislinie verwenden, und es kann die Wiederholungsfähigkeit der Spur brechen. Hören wir uns das jetzt an. Bedenken Sie also diese Punkte, wenn Sie Ihre Grundlinie erstellen. Versucht, etwas Raum zum Atmen zu geben und im Hinterkopf zu behalten , dass es Ornamentierungsnotizen gibt und es verschiedene Stile von Baselines, die Sie anwenden können. Im nächsten Vortrag werfen wir einen Blick auf die Auswahl einiger Voreinstellungen für Ihre Baselines. 23. Auswahl von Bass-Instrumenten: Also, wenn Sie Ihre Basis wählen, da, wie ich bereits sagte, am wichtigsten Teil der elektronischen Musik ist die Wahl Ihrer Sounds. Also ist es nicht anders mit der Basis, okay? Du musst sicherstellen, dass dein Bass-Sound den Rest deiner Tracks passt. Wenn Sie also Instrumente haben, wie ich hier habe, habe ich zwei Schichten Akkorde, und ich habe auch eine Melodie. Und Sie müssen sicherstellen, dass die Grundlinie zum Klang des Akkord passt. Im Moment denke ich, die Grundlinie klingt OK, lasst uns mal zuhören. Und was die Grundlinie in dieser Art von Muster tut ist, dass es nur das gleiche Muster wie die Akkorde spielt, aber es ist nur in der Basis und es sind die gleichen Noten, die spielen. Eine Show, die Sie. Seine d, b, c und g. Wenn wir in die Grundlinie kommen, es D, B, C und G. Und der Grund, warum ich das aufgegriffen habe, ist, weil mit einigen Basen, wenn Sie das Muster kopieren und Sie diese Art von niedrigen Noten haben. Manchmal können die Knoten tatsächlich zu niedrig sein. Also lasst uns mal hören, wie es hier klingt, mit diesen Notizen. Irgendwie wirklich, wirklich niedrig, okay? Und das hängt nur von dem Synth-Sound ab, den Sie wählen. Für diesen speziellen Sende-Sound müssen diese Knoten höher sein, damit der Klang des Basses nicht verloren geht. Okay, gehen wir hier in den Synthesizer und wir werden uns einige der verschiedenen Basis-Presets anhören, die es gibt, und wir werden versuchen, einige zu finden, die funktionieren und die nicht funktionieren. Ok? Also wissen wir schon, dass ich hier einfach rausklicke. Wir wissen bereits, dass dieser Sound passt. Okay, ich muss mich dafür entscheiden, damit es verschwindet. Aber wir wissen bereits, dass diese Voreinstellung, diese Basis progressiv passt. Ok? Also lasst uns finden, gehen wir durch die Presets und finden eine, die nicht passt. Was wir eigentlich tun werden, ist, dass wir das Muster gleichzeitig spielen, während wir zuhören. Aber offensichtlich passt diese Basisvoreinstellung definitiv nicht. Okay, es lenkt völlig vom Rest des Musters ab. Hören wir es alleine an. Und obwohl diese spezielle Voreinstellung von alleine cool klingt, klingt es wirklich einfallsreich. Und wenn es alleine und auf der Strecke gespielt würde, würde es vielleicht funktionieren. Aber weil es mit anderen Instrumenten spielt, müssen wir über alles nachdenken, was involviert ist. Also kann ich dieses spezielle Becken nicht auswählen, weil es zu ablenkend ist und es mit allen anderen Instrumenten böse klingt. Nehmen wir an, Sie stoßen auf eine Basisvoreinstellung. Und es hat nicht viel Low End. Jetzt hat diese spezielle Basis viel Low-End. Aber was ich tun werde, ist, dass ich hier schnell in den Mixer komme. Und ich werde nur einen EQ laden und ich werde etwas von dem niedrigen Ende ausschneiden. Ok? Mach dir keine Sorgen darüber, was ich hier mache. Wir würden uns EQ im Detail ansehen, wenn wir in den Mischbereich gehen. Okay, also mach dir keine Sorgen, was ich tue. weiß nur, dass ich das Low End ausschneide, nur damit ich hören kann, wie es klingt, wenn wir eine Basis gefunden haben, die kein Low End hatte, aber wir mochten den Klang des High-End der Basis. Okay, also hören wir uns an, wie es sich jetzt anhört. Vielleicht nicht so extrem. Vielleicht machen Sie es einfach ein bisschen runter. Ok. Okay, jetzt haben wir eine Grundlinie, von der wir den Klang mochten, aber leider klingt es nicht sehr einfach. Nun, was wir tun können, ist, dass wir es wieder schichten können. Und ich weiß, dass ich immer über Ebenen spreche, aber Sie wirklich, wirklich, müssen in elektronischer Musik schichten. Also kommen wir hierher, um das Add, und ich werde in FL Studio hinzufügen, Einer der grundlegendsten Sinne, die es gibt, das ist der drei Oszillator. Und Ihr Zifferblatt wird auch mit einem sehr, sehr einfachen Synthesizer geliefert. Und ich denke, in der Lage, analog, ich denke, es heißt, und im Grunde ist es der grundlegendste Sinn. Es gibt Ihnen hier einen Oszillator. Das sind also die Formen, die ich wählen kann. Und dann gibt es nicht viel anderes, was wir optimieren können, um den Klang irgendwie zu formen. Aber das ist in Ordnung für diese bestimmte Ebene, wir müssen nicht in der Lage sein, einen der anderen Parameter zu optimieren. Also, was ich tun werde, ist, dass ich den zweiten Oszillator abschalten werde und den dritten Oszillator abschalten werde, nur damit sie den ersten hier oben nicht stören. Und ich werde es auf Sinuswelle setzen lassen. Was wir im Moment erschaffen, nennt man es Subraum. Und diese Art von Basis hat viel Low End und viel Gewicht. Okay, damit wir das schichten können. Also basiert auf unserer ursprünglichen Basis, die nicht viel Low End hat. Und wir können sie zusammenmischen, um die Basisbreite zu machen. Kein Low-End basiert mit Low-End, weil wir das Low-End von diesem Synthesizer verwenden. Wenn Sie also eine so Basis erstellen, wählen Sie immer eine Sinuswelle, weil eine Sinuswelle die sauberste Welle ist, die es gibt. Und wenn Sie in einem Sub-Bass schichten, wollen Sie irgendwie den saubersten Low-End-Sound, den Sie bekommen können. Okay, also werde ich es auf Sinuswelle belassen und ich werde das schließen. Ok, also kommen die Synthesizer hier runter. Also, was ich tun werde, ist, dass ich dieses Muster kopieren werde, indem ich Befehl drücke und sehen. Und ich werde in die Pianorolle dieses Synthesizers kommen, und ich werde Befehl drücken und V. Also mal sehen, wie das jetzt klingt. Als eine Ebene mit der Basislinie, die wir gefunden haben, die nicht viel Gewicht hat. Ok? Also können wir hören, dass diese Sub-Basis viel zu hoch ist, also werde ich sie aufschlagen. Und ich werde es wieder aufwerfen. Und was wir tun können, ist dann können wir es der Mischerspur hinzufügen, indem Sie das Einstellungenrad drücken und dann verfolgen. Und wir werden es einfach abdrehen, so dass es Monica Schicht klingt. Das ist also nur eine kleine Technik, die du tun kannst. Wenn Sie auf eine Basis stoßen, die Sie wirklich mögen den Klang von. Aber es hat nicht viele Möglichkeiten sind Low-End auch ist, dass Sie hier reinkommen können und Sie können eine saubere Sinuswelle als Sub-Bass darunter schichten, und es wird das Gewicht hinzufügen, das die ursprüngliche Basis fehlte. Aber wenn Sie einen Bass-Sound gefunden haben, den Sie mögen und es gibt genug Low-End drauf. Nun, dann müssen wir nicht in diese zusätzliche so Basis einlegen. Wenn Sie Ihre Basis schichten. Ich würde Ihnen raten, nicht zu viel zu schichten. Bleiben Sie mit diesem Ein-Mann-Sound und diesem U-Boot basiert. Und wenn Sie den Subbass nicht brauchen, dann fügen Sie ihn nicht hinzu. Ok? Wissen Sie, wenn Sie nur eine Basisschicht haben, ist das absolut in Ordnung, weil die Basis Teil des niedrigen Endes ist, es ist Teil des Fundaments der Strecke. Und wie ich schon so oft gesagt habe, willst du das Fundament deiner Strecke nicht durcheinander bringen. Also, wenn Sie eine Voreinstellung haben, die Sie mögen und es hat genug Art von Gewicht, um es. Lassen Sie es einfach und verwenden Sie es so, wie es ist. Oder wenn Sie unter Voreinstellung haben, die Sie mögen. Aber es gibt nicht genug Gewicht, dann können wir runterkommen und wir können eine zusätzliche Unterbasis hinzufügen. Also für diesen speziellen Bass-Sound, den ich hier gefunden habe, gibt es genug Low End. Also brauche ich diesen zusätzlichen Subraum nicht, also werde ich das einfach ausschalten. Und die Basis, die ich jetzt habe, nur mit dieser einen Schicht ist völlig ausreichend für EDM, okay? Nun, wenn Sie einen Track haben, sagen wir, das hat nicht, das hat keine Karten und es ist einfach eine Art Baseline gesteuert. Was so klingen sollte. Nun, dann ist die Basis Sam, die Sie wählen, es muss nicht die anderen Instrumente in Ihrem Track passen. Aber es, was es tun muss, ist, dass es die anderen Elemente in Ihrem Track wie die Drums und den Gesang passen muss . Auch die Voreinstellung, die Sie verwenden, macht verschiedene Arten von Grundlinienmustern Unterschied. Also im Moment, diese spezielle Voreinstellung, dass wir Söhne haben, wissen Sie, es klingt richtig mit diesem Muster. Aber wenn ich das gelöscht habe und ich dies in ein rollendes Basislinienmuster ändere. Also vielleicht füge ich in ein paar kürzere Noten wie diese hinzu. Ok? Vielleicht so. Und dann, wenn wir uns dieses Muster mit der Grundlinie anhören, klingt es vielleicht nicht so gut. Das ist ein weiterer Punkt, den Sie beachten müssen, ist, dass das Muster, das Sie verwenden, auf verschiedenen Basisvorgaben besser klingen könnte als auf anderen Basisvoreinstellungen. Also wieder, genauso wie die Auswahl Ihrer Akkord-Sounds. Du musst kritisch zuhören und du musst dir die Baseline im Kontext deines Tracks anhören. Also sagen wir, ich kam hier rein und ich hatte die Grundlinie, einen Kick und ein paar Trommeln schon gemacht. Nun, dann musst du, ich müsste mir diese Baseline anhören und sehen, funktioniert es mit den Drum Sounds, die ich ausgewählt habe? Also im Moment denke ich, nein, ich denke, dieses Basismuster funktioniert nicht. Also werde ich zuhören, während ich es ändere, so dass ich die richtige Voreinstellung finden kann , die ich mag. Also lasst uns zuhören. Jetzt liebe ich den Sound dieser Baseline mit den Trommeln, die ich bin, die ich hier benutze. Ok. Es ist also wichtig, die Sounds, die Sie im Kontext des Tracks verwenden, den Sie um ihn herum gebaut haben, vorzuspielen . Als nächstes werden wir einen kurzen Blick auf die Herstellung unserer eigenen Becken werfen. 24. Bass machen: Lassen Sie uns nun einen Blick darauf werfen, einen Basisduft zu machen. Und einen Keller zu machen ist nicht anders als einen anderen Cent zu machen, Sie werden die gleichen Parameter optimieren, die Oszillatoren, die Hüllkurven. Du wirst hier rüber zum Filter kommen. Sie werden dasselbe tun, wie Sie es mit den anderen Instrumenten tun würden, aber Sie behalten die Tatsache, dass Sie versuchen, eine Basis im Auge zu behalten. Nun, im Wesentlichen, vor allem für Hausmusik, ist eine Basis nur ein Zupfen, der mit einem Sub-basierten geschichteten darunter gesendet wird. Nun, ich denke, wir wissen bereits, wie man einen Block sendet. Also lasst uns einfach eins machen und es dann in eine Basis verwandeln, indem wir in einer Unterbasis schichten. Also habe ich gerade diese Art von Rolling, ich basiert Melodie, aber es ist irgendwie gemischt mit einer einzigen notenbasierten Melodie. Aber es ist ziemlich einfach. Lassen Sie uns einfach ein hören, wie das klingt mit der Standard-Voreinstellung mit spire, dem Plug-in, das wir bisher verwendet haben. Okay, also ist es nur eine unkomplizierte, einfache basierte Melodie. Und jetzt werden wir gehen und uns einen Blick darauf werfen, eine Basis zu schicken. Also wieder mit Turmspitze, das erste, was ich tun werde , ist, die Form der Sinuswelle zu bekommen. Ich werde dieses W t Nächstes auftauchen. Und jetzt können wir sehen, dass wir unsere Sinuswelle hier haben. Was ich tun werde, ist, dass ich das nur ändern werde, lasst uns einige der verschiedenen Klänge hier testen. Lassen Sie uns versuchen Basis für sehen, wie das klingt. Ich werde vielleicht Violine drei versuchen. Ok, also gefällt mir Klang, Geige Baum. Also werde ich hier rüber in den Unisono-Modus kommen, und ich werde es von einer Stimme zu drei Stimmen ändern und sehen, wie das klingt. Lasst uns mal zuhören. Also könnte ich die Detune ein wenig erhöhen und einfach sehen, wie das klingt. Okay, als nächstes werde ich hier rüber zum Filterbereich kommen und ich werde es ändern, um die Art von Filtereinstellung, die wir bisher gesehen haben, perfektioniert zu machen. Und dann lassen Sie den Cutoff unten, weil ich will, dass er plucky ist. Wenn ich das auftauche, klingt es nicht sehr plucky. Und das ist in Ordnung, wenn Sie den Filter öffnen wollen, aber ich möchte, dass der Bass-Sound im Moment plucky ist. Also werde ich das unten lassen, unten nach links. Ich werde sehen, wie es jetzt klingt, wenn ich den Verfall auftauche, ich glaube nicht, dass es einen großen Unterschied machen würde, aber ich werde einfach sehen, ob ich das Sustain abziehe. Also bevorzuge ich den Klang mit dem Zerfall könnte hier unten sein. Mal sehen, wie es ist, wenn wir den Angriff aufdrehen. Nun, ich bevorzuge diesen plucky Sound, also lasse ich den Angriff runter. Das nächste, was ich tun werde, ist, dass ich zum zweiten Oszillator komme , und ich werde das aufdrehen und wir werden das als Schicht verwenden. Okay, also wieder, drehen Sie die WT Mix die Wave-Table Mikrofone, und wir werden uns einige der Presets hier anhören, und ich benutze noch keine Sinuswelle. Ich werde das vielleicht mit einem Turd-Oszillator als Sub-Basisschicht verwenden. Aber für den Moment wollte ich eine andere Art von Hauptschicht finden , in der wir mit unserem ersten Oszillator einlegen können. Also lasst uns vielleicht ein Messing versuchen. Mal sehen, wie das klingt. Ich werde es nur ein bisschen aufdrehen, damit ich es besser hören kann. Versuchen wir es mit einer anderen Einstellung. Wir kommen hier runter, vielleicht Dianne, einer von denen von N1. Okay, also kann ich hören, dass das in einer besonders schönen Art von Haus plucky Sound hinzufügt. Also werde ich es mit dieser Buyin-Einstellung lassen und ich werde wieder hier in unsere Unisono-Abteilung kommen, und ich werde es auch auf drei Stimmen setzen. Mal sehen, wie das klingt. Das ist ein bisschen mehr De-tune. Und nun lassen Sie uns diese breite Einstellung verwenden, um diese zweite Ebene weißer als die erste Ebene zu machen . Okay, also werde ich es den ganzen Weg auf etwa drei Uhr hier drüben drehen . Lasst uns mal zuhören. Und so denke ich, dass ich ein bisschen dicker klingen wollte, also werde ich tatsächlich eine andere Stimme hinzufügen. Okay, also lassen Sie uns vielleicht fünf Lyse hinzufügen. Also lassen Sie uns noch zwei Stimmen zu unseren drei hinzufügen. Und mal sehen, wie das klingt. Und ja, das klingt schon viel dicker. Okay, und jetzt werden wir hier reinkommen zum dritten Oszillator, und wir werden das als Subbass eingrenzen. Also werde ich das eigentlich für den Moment unten lassen und es einfach in eine Sinuswelle drehen. Und dann, wie die Melodien spielen, werde ich diese schrittweise erhöhen, bis wir eine Art gewünschte Sub-Base-Level erreichen. Okay, also lasst uns mal zuhören. Und so lassen Sie uns zuhören und erhöhen diesen Oszillator drei. Ich mag also, wo der Subbass im Moment in Bezug auf die anderen Oszillatoren sitzt . Ich werde nur den Filter ein wenig öffnen, um zu sehen, wie das klingt. Sehr. Und das letzte, was ich hier tun könnte, ist, dass ich zum Oszillator eins zurückkomme und sehe, wie das klingt, wenn ich es eine Oktave aufstoße. Okay, mal sehen, wie es klingt, ohne dass der Oszillator aufgeschlagen ist. Und jetzt, wenn ich den Oszillator aufgeschlagen habe, machen wir ihn etwas breiter. Okay, also gefällt mir das Geräusch dieser Basis, also Tatsache. Was wir jetzt tun könnten, ist, dass wir hier zum Effektbereich kommen und einige Effekte wie Sättigung und so etwas hinzufügen könnten . Aber ich denke, sie werden das für die Mischabteilung verlassen. Aber was ich tun werde, ist, dass ich den Sound nur ein bisschen mit dieser EQ-Einstellung hier gestalten werde. Wenn Sie nun ein Synthesizer sind, der keine EQ-Einstellung eingebaut hat, können Sie einfach die Mischerspur öffnen und Sie können eine EQ-Einstellung auf diesen Slot laden und Ihren Sound formen, bevor Sie mit dem Mischen beginnen. Aber vorerst, weil Turmspitze den EQ eingebaut hat, werde ich nur diesen EQ hier benutzen, um den Sound zu formen. Also werde ich es einschalten, indem ich die EQ-Taste drücke. Und ich werde mir mal anhören, wie es klingt, wenn ich etwas von dem High-End aufstoße. Okay, also hören wir uns das Muster an und dann werde ich das erhöhen, wenn es spielt. Werfen wir einen Blick auf die Anpassung des mittleren Bereichs. Also denke ich, dass dieser Bass-Sound jetzt viel aggressiver ist mit der Art der Formgebung, die wir mit dem EQ gemacht haben. Aber ich denke, dass ich den Klang dieses Oszillators ändern könnte , weil ich denke, es ist ein bisschen zu weich für den Sound, den wir wollen. Also werde ich hier runterkommen und mich ändern, es tut mir wirklich leid, ich werde diese Oszillatoren zuerst stumm schalten und dann werde ich hier runterkommen und den Klang dieses Oszillators ändern , der Oszillator eins ist. Also lassen Sie uns das Muster hören und wird die Form des Oszillators ändern, während es spielt. Und vielleicht versuchen wir eines von diesen Messing. Das Messing auf OK. Jetzt bevorzuge ich den Klang von Messing eins, also werde ich es auf Messing eins lassen. Also lassen Sie uns auf die anderen Oszillatoren zurückdrehen und sehen, wie das jetzt klingt , als eine ganze Art von geschichteten Bass-Sound. Das ist alles, was Sie tun müssen, wenn Sie Ihre Basis erstellen. Kommen Sie rein und stellen Sie einen Oszillator ein. Sie können das Unisono irgendwie optimieren, mit einigen der Planung und den weißen Einstellungen herumlaufen. Und dann passen Sie Ihren Filter so an, dass er offener oder geschlossener ist, abhängig von dem Sound, den Sie benötigen. Und vergessen Sie auch nicht, einige andere Oszillatoren einzuschichten, um einen fetteren Klang zu erhalten. Also, wenn ich nur Oszillator eins spiele, klingt es ein bisschen zehn. Aber wenn ich den zweiten Oszillator hinzufüge, dann klingt es als eine andere Ebene so. Und dann, wenn ich den dritten Oszillator hinzufüge , der nur der Subbass ist. Und es schafft nur diese Art von Verschwendung, die dem Synthesizer fehlt. Das hört sich so an. So können Sie denselben Prozess auf jeden Synthesizer anwenden, mit dem Sie arbeiten. Spielen Sie einfach mit den verschiedenen Parametern herum, sehen Sie, welche Art von Unterschied es macht, und dann gehen Sie über die Schaffung Ihrer Basis Duft. Im nächsten Abschnitt werfen wir einen Blick auf das Erstellen von Leed-Mustern. 25. Hauptelemente von of: Was sind also einige der Hauptelemente eines EDM-Leads? Nun, zuerst müssen wir uns ansehen, was eine Spur ist. Ein Lead ist eine Art Hauptmelodie, die du auf den anderen Elementen in deinem Track hinzufügst. Nun, da Sie es über diese Elemente hinzufügen, wird eine Lead-Melodie normalerweise höher in der Tonhöhe sein als die restlichen Instrumente. Je nach Genre, das du machst, wird dein Lead entweder sehr einfach mit einem kurzen Muster sein oder es wird sehr komplex mit einem langen Muster sein. Aber ich denke, das hängt auch von Ihrem persönlichen Stil und Ihrem persönlichen Geschmack ab. Also, wenn du beabsichtigst, nur eine Art von einem Akkord während deines gesamten Tracks zu verwenden , werde ich sagen, deine Melodien kurz und irgendwie simpel halten. Also nicht mehr als vielleicht drei oder vier, vielleicht fünf Noten maximal. Du willst es nicht zu komplex, denn der Rest deines Tracks ist irgendwie spärlich, da er nur einen Akkord über den ganzen Weg hat. Eine wirklich komplexe Melodie zu haben, würde im Kontext deines Tracks einfach keinen Sinn ergeben. Wenn Sie jedoch einen Track wie ich hier haben, wo viele Schnüre los sind und sie eine Art große Progression sind , dann könnte Ihre Lead-Melodie ein bisschen komplexer sein, und es wird definitiv ein längeres Muster wie Sie haben können Sie hier sehen. Jetzt habe ich gerade bemerkt, dass ich Melodie Sprosse geschrieben habe. Aber das ist okay, das hat keinen Einfluss auf das, was wir hier lernen. Wenn Sie also eine lange Akkordprogression haben, dann wird Ihre Melodie Noten aus dieser Akkordprogression enthalten. Also, wenn wir nur einen kurzen Blick auf die Akkorde, die ich in diesem Track verwende. Wir werden sehen, dass ich es benutze. Wenn wir hier einfach nach unten zu den Wurzelknoten scrollen, werden wir sehen, dass es irgendwie F, D scharf ist. F scharf, scharf. Okay, also ist es eine Art Wiederholung dieses Vier-Akkord-Musters hier, das F, D scharf, japanisch scharf ist. Und wenn wir hier zur Melodie kommen und einen Blick darauf werfen, was die Melodie tut. Zunächst einmal werden Sie feststellen, dass es tatsächlich viel höher ist und Tonhöhe Akkorde sind. Wir sind irgendwo hier unten und ich muss nach oben scrollen, um zur Melodie zu gelangen, weil die Melodie über den Rest der Elemente in deinem Track sitzen sollte. Aber wenn wir hier bemerken, ist die erste Note C, und in unserem Gerichtsmuster ist der erste Akkord F, also c ist die fünfte von F, also enthält es Noten des Akkords. Es hat auch ein kleines f hier drin als auch. Das nächste Gericht, glaube ich, war D-Sharp. Und wenn wir einen scharfen verwenden würden, der das fünfte von D-scharf ist, weil wir D-scharf G und Asien hätten. Die nächste Art von langer Note, die wir verwenden, ist ein GI, was, soweit ich mich erinnere, auch eine Art D-scharfer Akkord war. Also benutzen wir jetzt das dritte von D-Sharp. So wird Ihre Melodie immer die Noten des Akkords einbeziehen. Ok? Jetzt habe ich diese Art von Ornamentierungsknoten, die die kleineren sind. Und das sind, diese verwenden möglicherweise nicht die Noten aus dem Akkord, aber das ist okay, weil sie kürzer sind und sie nur für ästhetische Zwecke da sind , wie wir gelernt haben, als wir unsere Basis aufbauten. Also brauchen wir uns nicht wirklich um die Ornamentierungsnotizen zu kümmern. Wir müssen nur die Hauptart der langen Notizen betrachten, die verwendet wurden. Und Sie müssen nur sicherstellen, dass diese langen Töne in den Noten des Akkords fallen , den Ihre Akkordprogression spielt. Jetzt können einige Bedürfnisse sehr, sehr einfach sein. Ich meine, wenn du eine Art Techno-Musik machst, hast du vielleicht einen Lead, der nur einen Knoten hat, und es ist vielleicht ein paar anders, ein anderes Muster mit der Note F und das war's. Es ist nur zwei Takte lang, und es hat ein paar Wiederholungen der Note F, und das ist deine Spur. Aber die Sache, die es zu einem Vorsprung macht, ist die Tatsache, dass es über der Erde höher in der Tonhöhe sitzt als der Rest eurer Instrumente. Also lassen Sie uns einfach ein kurzes Hören Sie dieses Leitmuster mit den Karten im Hintergrund. Und danach springen wir direkt in die Konstruktion eines Lead-Musters. Okay, hören wir uns jetzt mal zu. Okay, also lasst uns jetzt in die Konstruktion von Lead Patterns springen , wo wir mehr über die verschiedenen Arten von Leads erfahren, die wir in unserer Spur verwenden können. 26. Ein Leitmuster strukturieren: In dieser Vorlesung werden wir also einen Blick auf die Konstruktion von Leitmustern werfen. Jetzt habe ich hier nur sehr schnelle zwei Muster erstellt, eines mit einem Kick und einem einfachen Offbeat basierend auf OneNote. Es spielt also nur auf dem dritten Schritt jedes Beats und es klingt so. Und dann hier drüben habe ich ein zweites Muster, in dem ich gerade den Offbeat basierend genommen habe und ich ein paar Akkorde hinzugefügt habe. Also statt nur ein Echos zu spielen AFC und wo auch immer schauen , Leadmuster für Tracks mit nur einem Akkord zu konstruieren. Und wir werden einen Blick darauf werfen, Leadmuster für Tracks mit mehr als einem Wächter zu konstruieren. So klingt das Muster mit mehr als einem Akkord. Okay, also ist es eine ziemlich einfache Akkordprogression. Es ist wahrscheinlich einer der häufigsten Akkordprogressionen, die je verwendet wurden, aber das ist okay. Wir schauen uns nur an, Leads zu bauen und sie an die Gerichte anzupassen. Es gibt also ein paar verschiedene Arten von Leads, die wir erstellen können. Okay, also werde ich hier in mein Leitbild kommen, und ich werde die Klavierrolle öffnen. Und der erste Typ, über den wir reden werden, ist die Art sehr spärlicher technischer Vorsprung. Und hier können Sie maximal zwei oder drei Minuten in OneNote verwenden. Also Attraktoren im Schlüssel eines. Also werde ich hier auf den ersten, den ersten Takt der Bar in eine Notiz setzen . Und dann werde ich wieder in einem Knoten auf dem vierten Beat platzieren. Und das war's. Das ist unsere Spur. Nur zwei Noten auf dem Wurzelknoten der Spur. Und ich werde das quer kleben. Und das ist eine Art von Blei, die wir verwenden können. Das tut also nicht, wie sich das anhört. Nun, um der Synkopation willen, könnten wir das etwas ausgleichen und vielleicht auf den dritten Schritt des letzten Beats setzen und sehen, wie das klingt. So ist diese Art von Blei in Techno sehr häufig, weil Techno selbst als Genre ziemlich leer ist. Du hast vielleicht nur einen Kick, eine Basis, eine Lead und vielleicht ein paar zusätzliche Drum Sounds. Und das ist alles, was in eine technische Spur gehen wird. Es macht also Sinn, Ihre Leads einfach zu halten. Wenn die Spur, an der Sie arbeiten, einfach ist. Jetzt können Sie diese Idee entwickeln und sie in ein mehr Haus verwandeln, Art Basisblei. Und weil Häuser, ein sehr synkopiertes Genre wird in einige zusätzliche Art von Notizen hier auf dem vierten Schritt und vielleicht im zweiten Schritt hinzufügen müssen . Also, was ich tun werde, ist, dass ich hier zum fünften unserer RootNode A kommen werde. Also das ist E. Will hier in einer kurzen Notiz hinzufügen. Vielleicht springen wir zurück zu einem und dann nehme ich noch einen hier auf dem dritten Schritt. Und dann vielleicht, vielleicht setzen wir hier ein c auf den vierten Schritt. Und wir werden das Muster einfach quer kopieren. Und vielleicht wird das unsere Art von Haus klingenden Lead sein. Was ich jetzt tun werde, ist, dass ich Swing wirklich schnell anwenden werde. Mal sehen, wie das im Muster klingt. Jetzt denke ich, es ist ein bisschen zu viel los. Also werde ich nochmal zuhören und ein paar Notizen herausnehmen , die meiner Meinung nach nicht da drin sein sollten. Vielleicht nehmen wir diesen Toffee raus. Und vielleicht ändern wir einfach das Muster dieser n Bits, so dass es ihm ein, ein bisschen Raum zum Atmen gibt . Dasselbe wie unser Grundmuster. Wir wollen zulassen, dass die Muster aus dem Weltraum atmen. Wir wollen das nicht kopieren, das wir nicht wollen, dass genau das Gleiche auf dem ganzen Weg durchläuft. Mal sehen, wie das jetzt klingt. Und nun mal sehen, wie das im Muster klingt. Die Art von Lead, die Sie erstellen werden, hängt wirklich von Ihrem Stil ab. Und auch die Art der Spur, an der Sie arbeiten. Ich werde dir nur sehr schnell eine andere Art von Lead zeigen. Und das ist die Statorleitung. Und der Stator Blei wird viel im Genre Melbourne Bounce verwendet. Also hier, sagen wir, Sie fügen einige Noten ein, die sich auf der Wurzelnote des Akkord befinden. Und ich werde sie einfach zufällig hier reinlegen. So wie das. Und was der Stator Blei tut, ist, dass er zwischen diesen Noten stottert. Also, was Sie tun, ist, dass Sie eine zusätzliche Notiz direkt vor einem anderen Knoten hinzufügen und Sie Kürze so kurz wie es so gehen kann. Und dann fügen Sie vielleicht ein anderes hinzu. Ich schalte diesen Viertelschritt aus, damit wir die richtigen Schläge der Bar sehen können. Also, vielleicht fügen Sie hier wieder einen hinzu. Und Sie könnten hier eine vor dieser Notiz hinzufügen. Und vielleicht wieder hier. Und so klingt die Spur. Nun, wenn es zwischen diesen Knoten stottert. Und es liegt daran, dass diese Art von zusätzlichen Noten wirklich, wirklich kurz sind. Deshalb hört es sich an, als würde es stottern. Wenn diese länger wären, würde es nicht so klingen, als würde es so viel stottern. Es würde ein wenig zu glätten klingen. Lasst uns das hören. Sie möchten also sicherstellen, dass diese Knoten irgendwie kurz sind , so dass es so klingt, als würde das Muster stottern. Also lasst uns einfach hören, wie das klingt im Hauptmuster hier drüben. Ich schließe einfach den Abschnitt „Geschichte“. Mal sehen, wie das jetzt im Hauptmuster klingt. Eine andere Sache, die Sie sicherstellen sollten, ist, ob Ihr Lead-Muster neben einigen anderen Mustern spielt. So müssen Sie sich den Klang der Lead im Kontext aller anderen Muster in Ihrem Track anhören . Und Sie müssen sicherstellen, dass dieser Lead-Sound, den Sie Melodie, die Sie gemacht haben, führen , müssen Sie sicherstellen, dass es zum Klang der anderen Muster passt. Denn es ist wirklich einfach, den Lead mit vielen verschiedenen Noten und Sachen wirklich komplex zu machen . Aber wenn das nicht gefischt wird, der allgemeine Sound deines Tracks und all die anderen Elemente, die du verwendest, dann funktioniert das Lead in deinem Track nicht. Sie müssen also alle Elemente in Ihrem Track hören und sicherstellen, dass Ihr Lead gut mit den restlichen Elementen passt. Endlich möchte ich nur hierher kommen und über eine Art Lead sprechen , die auf Gerichten basiert. Wie ich bereits sagte, die Akkorde, die wir hier verwenden, R, a, F, C und G. Okay, also lassen Sie uns das im Hinterkopf behalten, wenn wir unser Leadmuster aufbauen. Also, das ist ein, F, C und G. Also, das kommt jetzt in die Pianorolle. Und ich weiß jetzt, dass die Schnüre ein für den ersten Takt sind, f Für den zweiten Takt, c für den dritten Takt und G für den vierten Takt. Was ich also tun werde, ist sich daran zu erinnern, dass ichhier nur in einer kurzen Notiz auf ein, F, C und Gplatzieren werde hier nur in einer kurzen Notiz auf ein, F, C und G Wenn Sie nun ein Leitmuster für Kabel erstellen, müssen Sie sicherstellen, dass Sie einige lange Notizen, die auch Notizen, dass das Gericht so sagen wir, wir nehmen diese C hier und wir legen eine lange Nase hier. Und wir legen noch eine lange Nase, vielleicht wieder auf eine hier unten. Lassen Sie mich auf f schauen. Ich werde wieder eine der Islamnotizen den ganzen Weg nach oben auf c legen. Und vielleicht platzieren wir, lasst uns wieder am selben Ort, lasst uns ein hier spielen. Der nächste ist C. Also schauen wir uns an, wir werden wieder ein c platzieren, nur um der Konsistenz willen. Und vielleicht ändern wir die zweite in ein G, so dass es in den Akkord von C passt, das ist C, E, G und schauen wir uns die g, m. Wir könnten vielleicht ein, B, und dann springen wir hier runter zu einem D und was wir tun kann, ist dann können wir die kürzeren Noten verwenden, um den Raum dazwischen zu füllen. Jetzt könnte ich entscheiden, dass ich vom A zum C gehen möchte. Also werde ich hier eine kurze, Art von kurzer Notiz hinzufügen , die uns so von einem bis zu c führt. Und dann könnte ich noch eine kurze Notiz hinzufügen, vielleicht auf dem D, nur um zu sehen, wie das klingt. Dann ließ ich es rein. Ein kürzerer weiß. Das bringt uns zum F. Also füge ich das bei dem Beat hier unten hinzu. Dann kann es wieder sein, Ich habe eine kurze Notiz auf dem a hinzugefügt, und ich werde eine kurze Notiz hier auf dem B hinzufügen, so dass es uns nach unten geht. Und dann lasse ich diese Art zweite Hälfte des zweiten Balkens allein, nur um etwas Atemraum willen. Und dann werden wir einen Blick darauf werfen, vielleicht ein G hier hinzuzufügen , so dass es irgendwie auf sie springt, wieder nach oben. Und dann werden wir vielleicht einen großen Sprung machen, vielleicht springen wir zu einem E, und wir springen runter zu einem G und dann hier könnten wir ein bisschen ein anderes G hinzufügen, und wir können das hier hinzufügen und es schaffen kurz statt die andere Note nicht zu berühren. Und dann wieder konnten wir vom G zum B gehen, indem wir ein, ein, ein, ein, ein, ein wirklich kurzes a hinzufügen. Und dann könnten wir hier vielleicht noch einen weiteren Knoten hinzufügen. Lassen Sie uns ein G hinzufügen, nur um uns zwischen dem B und dem großen Sprung hinunter zum d zu bringen. Okay, also lasst uns hören, wie dieses Muster jetzt auf eigene Faust klingt. Und jetzt lasst uns hören, wie das in dem Muster hier klingt. Ok? Ich werde diese einfach löschen, weil es Reste aus dem anderen Muster gibt, das wir nachgeschaut haben. Und lassen Sie uns hören, wie es sich jetzt in diesem Muster hier anhört, okay. Und ich habe immer noch Swing Left. Und so könnte ich das ausschalten, weil ich glaube, dass ich den Klang der Schaukel in diesem speziellen Muster nicht mag . Mal sehen, wie es klingt, ohne zu sagen. Das ist also eine Möglichkeit, Leadmuster um Akkorde zu bauen, besteht darin, sicherzustellen , dass Sie lange Noten verwenden, die auch Noten des Akkords sind. Und dann füllen Sie den Raum um diese Notizen mit einer anderen Art von Ornamentierungsnotizen auf. Und ein letzter Tipp, den ich dir geben möchte, ist ein Lead, bei dem du eine App verwendest, okay, also ist diese Art von Lead viel besser für Akkorde, aber es ist, wo du deinen Lead auf einem Arpeggio gründest. Also war ein Arpeggio wirklich einfach zu verstehen. Wenn wir einen Blick auf den Schlüssel nehmen, wenn wir einen Blick auf den Knoten eines hier, und Arpeggio würde einfach gehen die Noten des Akkord wie folgt, und dann gehen Sie zurück nach unten. Und das war's. Es wiederholt sich einfach immer und immer gegen. Das wäre also ein Arpeggio für das Gericht eines okay. Und Sie können diese Notizen ändern. Du könntest das vielleicht zu einem A bringen, und das wäre immer noch ein Arpeggio, weil es irgendwie wie ein gebrochenes Gericht ist. Ok? Also, wenn Sie den Akkord eines hatten, könnten Sie in einem, einem anderen a und einem e da drin haben. Aber weil du es zwischen diesen Mini-Noten zerbrochen hast, heißt es Arpeggio oder gebrochener Akkord. Hören wir uns an, wie das hier klingt. Aber was wir tun können, ist, dass wir diese zerbrochene Schnur irgendwie verlängern können und wir daraus eine Spur machen können. Also, was ich tun werde, ist, dass ich ein bis zu diesem Knoten bringen werde. Und dann folge ich dem gleichen Muster. Springen wir zum Bild ein, springen Sie zum e, und dann wieder auf die a, und dann wieder runter zum a, vielleicht. Ok. Nun, das ist eine Art Arpeggio-Muster. Mal sehen, wie das klingt. Und dann für den zweiten Balken wird das Muster leicht nach oben ändern. Ok, also weiß ich, dass es sich bereits ändert, weil wir einen Wechsel der Akkorde haben. Wir sind zum F übergegangen. Was wir tun können, ist, dass wir die Art von Rhythmus dieses Musters ändern können , damit es ein wenig anders klingt. Und dann wiederholen wir diesen Strichpunkt, ganzes, ganzes Muster hier drüben. Also werde ich den Rhythmus einfach etwas ändern. Also lassen Sie uns ein C hinzufügen und wir werden es etwas kürzer machen. Also in London ein c, das kann, weil das ist das F bis zum Meer und vielleicht bis zum a. Lasst uns das quer kopieren. Und das kann unser vollständiges Muster sein. Also werde ich das dann über das gesamte Muster kopieren und wir werden einfach die Notizen ändern, so dass, wenn es aufgetreten ist. Also wissen wir hier, dass wir einen C-Akkord betrachten. Also werde ich diese beiden einfach ein g. Willie das mit 0s bewegen , weil das zur Höflichkeit passt. Limit, das auf ein G. Und dann ist der letzte Akkord und das Muster ein G also bewegen wir diese Meere von zwei a d so, dass sie in den Akkord passen. Und wir haben dieses F nach G gebracht, so dass es passt. Emily bewegte sich als ein, vielleicht bis zu einem b. So jetzt ist dieser Lead aus zwei verschiedenen Apps aufgebaut. Wir haben diesen Araber hier, dieses Arpeggio und dieses zweite Arpeggio hier. Mal sehen, wie das Muster von alleine klingt. Und Arpeggio Blei kann wirklich, wirklich gut in bestimmten Genres klingen , vor allem in dieser Art Genre, die ein bisschen wie am base on klingt oder so etwas. Aber lasst uns das Arpeggio-Leadmuster im vollen Muster hier anhören , lasst uns mal zuhören. Und wir könnten auch Swing auf dieses App-Muster anwenden, um es ein bisschen mehr zu machen, um es ein bisschen mehr von einem Groove zu geben. Hören wir uns das an. Es ist also schwer, dir genau zu sagen, wie man ein Leadmuster konstruiert , denn wieder ist Musik objektiv. Was du denkst, klingt gut, andere Leute mögen vielleicht, und was du nicht magst, könnte andere lieben. Es liegt also wirklich an Ihnen, was Sie mögen, aber bedenken Sie diese Punkte, wenn Sie Ihre Lead-Muster erstellen. Wenn Sie also nur einen Akkord haben, halten Sie die Leads kurz und einfach. Und wenn Sie mehr als einen Akkord haben, können Sie diese Technik verwenden oder Sie können diese Art von Lungenknoten basierend auf den Noten der Akkord-Technik verwenden . Wenn Sie die Möglichkeit haben, eine Melodie mitzusingen, versuchen Sie es auch. Und Sie können vielleicht Ihre eigene Melodie erstellen, während Sie irgendwie zum Song mitsingen. Aber schauen Sie sich auf jeden Fall diese verschiedenen Optionen an und sehen Sie, welche am besten für Sie funktioniert. Als nächstes gehen wir zur Auswahl von Lead-Instrumenten, bei denen wir uns einige Voreinstellungen für unsere Lead-Sounds aussuchen. 27. Auswahl von Lead: In diesem Vortrag werfen wir einen Blick auf die Auswahl unserer Lead-Instrumente. Nun, das Einzige, was ich sagen werde, bevor wir anfangen, ist, dass Sie sicherstellen müssen , dass Ihre Leads sich von den anderen Elementen in Ihrer Spur abheben. Ok, also versuchen Sie, ein Geräusch auszuwählen, das sich von den anderen unterscheidet. Wenn er dieses Beispiel für eine Art Vici-Stil Track nicht macht, die ich hier habe. Und wir werden feststellen, dass der Blei, das Instrument, das ich gewählt habe, völlig anders ist und sich von den restlichen Elementen in der Spur abhebt. Wenn wir also diese Lead-Melodie hinzufügen, leuchtet sie wirklich und nimmt gewissermaßen den Mittelpunkt. Also, das ist hören Sie die ganze Art von Drop-Abschnitt hier. Und dann werden wir einen Blick darauf werfen, den Lead-Sound zu ändern und einige Parameter auf dem Duft zu optimieren. Also schauen wir uns jetzt an. Das Leitmuster ist also relativ einfach. Es besteht eigentlich aus zwei kleineren Mustern. Wir haben dieses Muster hier am Anfang, und es basiert auf dem OneNote-Muster, über das wir zuvor gesprochen haben, mit der Ausnahme, dass ich gerade einige der Notizen geändert habe. Es begann also mit g den ganzen Weg hier rüber und dann habe ich gerade einige der Notizen nach oben und unten verschoben. Aber eigentlich verschiebe ich diese Knoten einfach nach oben. Und dann habe ich auch diese Notizen hierher verschoben. Und dann ist die zweite Hälfte des Musters genau der gleiche Rhythmus. Aber ich habe die Noten so geändert, dass sie zu den Akkorden passen. Und wir haben uns das auch in der letzten Vorlesung angesehen, wo wir das Muster irgendwie duplizieren und die Notizen so ändern, dass sie zu den Gerichten passen. Also lassen Sie uns das Muster auf eigene Faust wirklich schnell hören. Nun der Grund, warum ich tatsächlich einen Lead-Sound wie diesen gewählt habe, ist, weil es eine, ein Vici-Stil Art von Blei, die er verwendet hat, imitiert . Und weil die Track-Sounds variieren, VGS, Ich habe Elite gewählt, die zu seinem Stil passen würde, aber lasst uns hier kommen jetzt in das Plugin und wir werden einen Blick auf Änderung dieser Leads Sounds und zwicken sie, wenn wir müssen. Also lasst uns hier einfach rückwärts arbeiten. Lassen Sie uns diesen Knopf nach links drücken und wir werden sehen, wie diese Voreinstellung, dieser Ansturm klingt. Mal sehen, wie das klingt. Jetzt wird diese Art von Klang als saurer Klang bekannt. Und Technomusik nutzt diesen Sound sehr. Und was sie tun, ist, dass sie den Filter irgendwie geschlossen haben, und sie würden ihn langsam öffnen, wenn die Strecke fortschreitet. Und vielleicht würde das im Muster gut klingen. Lassen Sie uns das Muster zuhören, wissen Sie, im Hinterkopf. Wir müssen immer in Kontexten zuhören. Wir müssen immer auf die Führung hören, da sie mit all den anderen Elementen spielt. Also werde ich mir gehört haben, wie das im Tropfenmuster klingt. Es hört sich also gut an, aber ich glaube nicht, dass es wirklich glänzt. Ich glaube nicht, dass es wirklich auf den anderen Elementen sitzt , und das andere führt gut aus, also werde ich es ändern und wir werden ein anderes finden. Lassen Sie uns also sehen, wie dieser Router-Sound zuerst klingt, mit passen Sie einfach einige der Parameter hier an. Also habe ich gerade den Filter ein wenig geöffnet. Also ist es Art von Art fügt in ein bisschen mehr High-End. Also lasst uns es im Kontext hören. Ich mag dieses Geräusch überhaupt nicht. Ich denke, es ist ein bisschen zu hart auf dem Ohr, also werde ich es wieder ändern und hören, wie dieser Repeater klingt. Und das ist die gleiche Art von Sound ist die letzten Voreinstellungen. Also werde ich es einfach überspringen. Mal sehen, nach welchen Gründen klingt. Okay, also mag ich das Geräusch wirklich, indem ich alleine zuhöre. Ich werde nur hier filtern und sehen, was ich tun kann. Ok? Also, weil ich etwas davon mag, werde ich im Kontext zuhören und sehen, ob mir der Klang des Musters gefällt oder ob mir der Klang des Instruments mit dem Tropfenmuster gefällt. Also lass uns mal sehen. Okay, also klingt es nett, aber ich denke, es könnte tatsächlich ein bisschen aufgetaucht werden, nur weil es ein bisschen niedrig klingt. Also lasst uns es aufheben und sehen, wie es sich anhört. Nun, ich drücke einfach Kommando und da oben nur um es in die Oktave zu verschieben. Hören wir mal, wie es sich jetzt anhört. Also habe ich jetzt einen Lead-Sound gefunden, den ich wirklich mag. Also, was ich tun werde, ist, dass ich das Plug-in klonen, damit wir anfangen können, Schicht zu machen. Ok. Also mag ich den Klang dieses Bleis. Also, jetzt werde ich auf die Schicht drauf. Das ist also unsere wichtigsten Hinweise auf, die wir verwenden werden. Und jetzt werde ich hier reinkommen, und ich werde dieses Muster befehligen und kopieren. Und ich werde es in das Ebenenmuster einfügen. Und ich werde anfangen, einige der Presets zu ändern, um zu sehen, wie sie zusammen klingen. Versuchen wir also diese strahlende Voreinstellung als Ebene. Und das erste, was ich tun werde, ist, dass ich es in der Mixer-Spur abdrehen werde , nur damit es unsere Ohren nicht verletzt. Lasst uns nochmal zuhören. Also denke ich nicht, dass diese spezielle Voreinstellung dem Gesamtklang etwas hinzufügt, also lasst uns es trotzdem in diese Pyrovoreinstellung umwandeln. Jetzt mag ich das Geräusch. Ich denke, das fügt eine ziemlich coole Textur hinzu und es klingt , als wäre es irgendwie schreien. Und ich finde, das ist wirklich cool. Ich denke, das könnte auf der Strecke funktionieren. Also lasst uns jetzt auf das Tropfenmuster mit dieser Art von Schreien hören, es klang, als ob es nicht tut. Und weißt du, beim zweiten Hören werde ich den Filter einfach ein bisschen schließen , weil ich denke, es ist irgendwie zu viel schreien. Also lassen Sie uns sehen, ob diese Voreinstellung, Lassen Sie uns einfach den Filter schließen. Hören wir uns das alleine an. Okay, mit dieser speziellen Voreinstellung haben sie den Filter nicht wirklich eingerichtet. Also werde ich es eigentlich nur überspringen, weil ich kein kompletter Fan des Sounds bin , wenn es im Zusammenhang mit dem Drop steht. Also lassen Sie uns diese Drücker Preset mit hören, zusammen mit der anderen Voreinstellung. Jetzt denke ich, dass das tatsächlich etwas Nettes hinzufügt. Lass uns nochmal zuhören, ich werde mich mit dem Filter rummachen. Und jetzt hören wir uns das im Zusammenhang mit dem Drop-Muster an. Also denke ich eigentlich, dass diese Voreinstellung viel besser klingt als die letzte Voreinstellung, die wir verwendet haben. Und wie alles andere wird die Auswahl Ihrer Instrumententöne subjektiv sein. Es ist irgendwie, was du magst und was du denkst, passt zu deinem Track am besten. Aber Sie müssen sicherstellen, dass Ihr Lead sich von den restlichen Elementen abhebt , weil es dazu gedacht ist, oben zu sitzen und die Aufmerksamkeit des Zuhörers zu erregen. Stellen Sie also sicher, dass Sie einen Lead-Sound auswählen, der sich vom Rest der Elemente abhebt , und legen Sie ihn dann mit anderen Voreinstellungen an, die diesen ursprünglichen Sound ergänzen. Also, jetzt gehen wir weiter und wir werden einen kurzen Blick auf die Herstellung von Fleischinstrumenten werfen. 28. Leitfaden Instrumente erstellen: In dieser Vorlesung werden wir einen Blick darauf werfen, unsere eigenen Lead-Sounds zu machen. Nun, wir werden mit dem gleichen Plugin bleiben, das wir bisher gesehen haben, nur um der Konsistenz willen und um euch zu stoppen, verwirrt zu werden. Aber der Prozess ist wieder der gleiche bei allen Synthesisern, die Sie verwenden. Also fangen wir hier mit Oszillator eins an, indem wir die Wellentisch-Mikrofone aufdrehen. Und dann gehen wir hier runter und schauen uns einige der verschiedenen Arten von Klängen an, die wir verwenden könnten. Lassen Sie uns versuchen, Violine zu, lassen Sie uns versuchen, dies unter einem. Ok, also schicke ich das gerne in einen. Also werde ich ein Unisono Stimmen hinzufügen, um es ein bisschen dicker zu machen. Also lassen Sie uns vier Stimmen hinzufügen, und lassen Sie uns es ein bisschen mehr als die Art der Standardeinstellung abstimmen. Jetzt werde ich die Veröffentlichung auftauchen, nur um zu sehen, wie das klingt. Und dann lassen Sie uns vielleicht den Zerfall aufdrehen und sehen, wie es klingt, wenn wir den Angriff darauf aufdrehen. Okay, jetzt möchte ich bei dieser Art von plucky Sound bleiben. Und was ich mit diesem Lead-Instrument machen werde, ist, dass ich das Schwenken anstelle der breiten Einstellungen verwenden werde. Also werde ich den ersten Oszillator schwenken, vielleicht irgendwie auf die sieben Uhr, vielleicht um acht Uhr Einstellung mit dieser Art von Rad. Und dann füge ich den zweiten Oszillator hinzu. Was ich sofort mit diesem zweiten Oszillator machen werde, ist, dass ich nur auf die gegenüberliegende Seite bestrafen werde , das wäre vier, vielleicht fünf Uhr. Genau das Gegenteil von Oszillator eins. Damit wir einen schönen Spread über das Stereo-Spektrum schaffen. Hören wir uns an, wie sich das jetzt anhört. Also wieder, wir drehen unsere Wave-Tisch-Mikrofone und wir werden einige der Klänge ändern. Mal sehen, wie Klavier A1 klingt. Lasst uns versuchen, es etwas runter zu stellen. Also denke ich, mit diesem zweiten Oszillator Pitch down, ich denke, es klingt ein bisschen voller. Also werde ich bei dem bleiben und ich werde einige dieser verschiedenen Arten von Klängen ausprobieren. Versuchen wir es mit Gesang sechs. Okay, also gefällt mir das und der Gesang Sechs. Also werde ich anfangen, mit der Unisono-Einstellung herumzuspielen. Vielleicht ein bisschen mehr abstimmen. Nun, weil das eine Spur ist. Ich werde dieses perfekte Ach einschalten, Filter. Und ich werde den Filter tatsächlich vollständig öffnen damit wir es bekommen, denn wenn er geschlossen ist, ist es eher ein plucky Sound , der für den Fortschritt deines Tracks gekühlt werden kann. Aber ich möchte, dass der Filter offen ist, weil dies der Drop-Abschnitt ist und hier sollte der Blei in vollem Umfang sein und seine lauteste und Art der Mittelstufe über den Rest der Instrumente. Lasst uns diesen Filter offen lassen. Und dann, um der Balance willen, werde ich einen dritten Oszillator hinzufügen, und ich werde diesen Oszillator in der Mitte lassen. Aber ich könnte einfach ein bisschen Weißheit hinzufügen, nur um dieses moderne Art von breiten Klang willen. Und wieder, drehen Sie unseren Wave-Table Mix. Und lasst uns mal hören, wie die Sinuswelle klingt. Lasst es uns aufschlagen. Also habe ich es wieder nach oben geschoben und ich werde mir vielleicht einige dieser Einstellungen hier anhören. Vielleicht diese Gitarre. Vielleicht legen Sie es wieder auf, sehen Sie, wie sich das anhört. Und wir werden versuchen, es noch einmal abzulegen, um eine Art Spread zu schaffen. Okay, jetzt ist das zu niedrig, also werde ich nur eine Verstärkung bei dieser minus1 Oktave hinterlassen. Also habe ich es einfach wieder aufgeschlagen. Aber ich mag den Klang dieser Gitarren-Art Wellenformen nicht. Ich werde es in vielleicht Brass ändern, um uns die Klänge wie OK machen zu lassen. So können Sie hier oben auf meinem CPU-Meter sehen, dass es anfängt, Latenz zu verursachen. Und wir haben uns das angeschaut, als wir unser Projekt aufstellten. Eine Möglichkeit, die Software zu aktualisieren und ihr mitzuteilen, dass Sie das unnötige Plugin schließen wollten. Also werde ich hier zu Tools kommen, runter zu Makros und klicken Sie auf Smart Disable wechseln, wenn Rob sich anmeldet und wenn Sie den CPU-Meter hier oben beobachten, sollte es von 6766 nach unten springen, weil ich nur diesen einen Plug in im Moment verwende. Also lassen Sie uns diesen Knopf drücken. Und wie Sie sehen können, ist es von 67 bis auf 42 gesprungen. Und das hat viel mehr CPU-Platz für uns freigegeben, um unser Zentrum zu machen, und wir können tatsächlich deutlich hören. Es sollte also kein Überspringen oder Verzögerung mehr geben. Lasst uns zuhören. Okay, also mag ich den Klang dieses Blechbläsers, um Formen zu schwingen, wenn ich einige zusätzliche Stimmen hinzufüge. Und ich werde es ein bisschen abstimmen. Und lasst uns hören, wie sich das anhört. Lassen Sie uns den Filter ein wenig schließen und sehen, wie sich das mit einem geschlossenen Filter anhört. Vielleicht öffnen Sie ein bisschen mehr. Also, jetzt denke ich, ich werde uns einfach ganz offen lassen und wir bekommen die volle, irgendwie, die volle Klangwand, die von diesem Synthesizer kommt. Ich könnte die Veröffentlichung vielleicht ein bisschen abdrehen, weil ich denke, es ist ein bisschen zu lang. Und ich denke, die Notizen laufen irgendwie ineinander. Also gehen wir hin. Das hört sich ein bisschen besser an. Lassen Sie uns versuchen, etwas von dieser Sättigung hinzuzufügen. Lassen Sie uns den Dry Wet Anobit aufdrehen und drehen Sie den Antrieb. So bekommt man den Marv Martha irgendwie verzerrten Klang. Jetzt können wir diesen Ort benutzen. Einstellung, um einige der geringen Verzerrung loszuwerden, die, und das verursacht einen, einen, einen, unwillkommenen Klang im Gesamtklang des Instruments. Also lasst uns das ein bisschen aufdrehen und sehen, wie das klingt. Es hat die Dry, Nass und Objekte abgewandt. Es ist also nur ein subtiler Effekt. Jetzt ist es also, jetzt bietet es eine subtile Art von Verzerrung. Und wenn wir es jetzt stummschalten, hört es sich so an. Und lassen Sie mich es wieder hinzufügen. Es fügt in diesem subtilen Verzerrungsklang hinzu. Lasst uns mal zuhören. Und schließlich, wie wir es mit all unserem Sinn gemacht haben, das wir bisher machen, werden wir diesen EQ-Sektion einschalten und das High-End einfach ein bisschen steigern. Und ich werde eigentlich die Tiefs kochen, denke ich ein kleines bisschen. Und das ist eine sehr häufige Form, die beim Mischen verwendet wird. Und es ist wegen etwas namens Fletcher und Munson Curve. Aber wir werden uns das ansehen, wenn wir zur Mischphase kommen. Aber es ist nur eine Art wissenschaftlicher Grund, warum wir diese Art von Form auf dem EQ bevorzugen würden . Aber lasst uns mal zuhören, wie das jetzt klingt. Und nun mal sehen, wie das im Fohlentropfenmuster klingt. Jetzt werden Sie feststellen, dass es viel leiser ist. Also werde ich einfach den Mixer kommunizieren und diese Spur aufdrehen, die, dass diese Spur an ist. Und lasst uns nochmal zuhören. Viel, was Sie dann tun können, ist, dass Sie reinkommen und Sie können dies klonen und Sie können es mit Presets wie wir es hier getan haben. Oder Sie können Ihre eigene Art von Voreinstellungen erstellen, um sie zu überlagern. Aber wieder, wie jedes andere Instrument, das wir schichten müssen, sind Leads. Also, wenn Sie eine große Art von Haupt-Lead-Sound haben, was dies sein kann, können Sie dann klonen und eine andere Art von Ebene erstellen, vielleicht mit ein wenig Klick. Oder wie wir bereits gesagt haben, Transienten und irgendwie in das Klicken hinzuzufügen, ist, dass dies klingt zu fehlen scheint. Jetzt bietet diese spezielle Schicht hier tatsächlich die Verrücktheit, die wir mit dieser hier vermissen. Also, was ich tun kann, ist, dass ich in die Mixer-Spur kommen und das einfach abdrehen kann. Also passen die beiden, die beiden Sounds ein bisschen besser zusammen. Lassen Sie uns ein hören, wie die Ebene, die wir gemacht klingt mit der Ebene, die wir als Voreinstellung verwenden. Und wenn wir die Ebene herausnehmen, die wir gemacht haben, und jetzt, wenn wir die Ebene herausnehmen, das ist eine Voreinstellung. So können Sie sehen, dass die beiden Schichten einander ergänzen. Nun, diese Ebene ist eine Voreinstellung und sie ist irgendwie klickend und diese Ebene ist eine Ebene, die wir erstellt haben, aber es ist nicht Kikee. So kombinieren sich die beiden zusammen, um eine schöne klickende und luftige führt heraus zu machen. Hören wir uns dieses und das vollständige Fallmuster an und sehen, wie sich das anhört. Das ist alles, was Sie wirklich wissen müssen, um Ihre Lead-Sounds zu machen. Es ist nicht viel anders als die Herstellung eines anderen Instruments. Der einzige Unterschied ist, dass Sie über die Art des fertigen Ergebnisses nachdenken. Und Sie stellen sicher, dass es eher nach einem Blei klingt, als wie ein Zupfen oder eine Basis. Sie müssen nur an das fertige Produkt denken, wenn Sie Ihre eigenen Sounds erstellen. Also lassen Sie uns jetzt weitermachen und wir werden einen Blick auf Bauplatten und Saiten für EDM werfen. 29. Pads vs. Strings: In diesem Vortrag werden wir uns ein paar Pads ansehen, und dann werden wir uns ein paar Saiten kurz ansehen. Jetzt im EDM-Muster sind Strings nicht allzu häufig. Und wenn sie verwendet werden, sie in der Regel in Übergängen als Füllstoff im Hintergrund verwendet werden. Wir würden einen Blick auf Füllstoff und Übergänge in den nächsten paar Abschnitten werfen. Aber jetzt werde ich Ihnen nur eine Instanz zeigen in der Sie ein Pad verwenden könnten oder Sie eine Zeichenfolge verwenden könnten. Und das ist als Begleitung für einen Gesang. So können Sie Ihr Pad als eine Art Akkordmuster verwenden, außer dass der Akkord D nichts zum Akkord für eine lange Zeit gehalten wird und das ist, was ein PAD tut. Es ist diese Art von Lungen fegen Geräusch. Und aber es hält die Note und hält sie so lange, wie Sie wollen, genau wie eine Saite in einem Orchester tun würde. Und deshalb sind Saiten und Pads irgendwie miteinander verflochten. Aber wir können unsere Pads verwenden, um die Akkordprogression des Tracks zu spielen. Und dann können wir das unter unserem Gesang schichten und eine Art typischen kommerziellen Haus-Sound erzeugen. Also, wenn ich das Pad hier gesehen habe, hört es sich so an. Und man sieht, wenn man den Gesang einbringt, dann bekommt man diese Art von typischen kommerziellen Hausmusik-Sounds. Also lassen Sie uns ein hören, mit dem Gesang in mir geschichtet. Nun ist der Unterschied zwischen einem Pad und einer Saite, dass offensichtlich eine Saite ein akustisches Instrument ist und es so klingt. Also lasst uns einfach dieses String-Muster hier lösen. Jetzt sind Strings ein wenig ausdrucksvoller. Pad-Sound ist sehr im Gesicht und es trifft Sie irgendwie, sobald es beginnt. Wie, sobald das Muster anfing, trifft Sie ins Gesicht. Während wenn Sie sich die Saiten anhören, der Angriff auf eine Saite viel langsamer und es ist eine Art von fließt zwischen jeder Note. Und das nennt man Gatto in der Musik, aber wir brauchen nicht, wir brauchen uns keine Sorgen darüber zu machen. Alles, was Sie wissen müssen, ist, dass die Saiten ein wenig ausdrucksvoller sind. Wenn Sie also etwas Ausdruck oder Traurigkeit in Ihrem Track hinzufügen möchten , können Sie einige Strings hinzufügen. Und lassen Sie uns jetzt hören, mit dem Gesang überlagert oben. Nun, weil das alles ist, um Saiten zu patentieren. Es ist einfach nur eine Begleitung, die Sie verwenden könnten oder Sie würden es als Füllstoff oder einen Übergang verwenden. Ich werde hier nur in dieses Muster kommen und Ihnen einen kurzen Blick auf zwei Arten von Optionen geben , die Sie verwenden könnten. Nun ist die erste Option offensichtlich, alle diese Noten auf dem ersten Takt jeder Tasche wie dieser zu haben , okay, und dann würde das Muster so klingen. Wenn ich das Metronom anschalte, würde es so klingen. Also, wenn du das dann in deinen Track mit dem Gesang hinzufügst, wird es tatsächlich eine andere Art von Stimmung geben. Dann die Technik, die ich Ihnen zeigen werde. Also lassen Sie uns einfach dieses Muster in der Spur hören , wenn alle Knoten auf dem ersten Takt der Bar sind. Okay, hören wir uns an, um das Metronom auszuschalten. Komm, zeig mir was. Diese nächste Technik, die ich Ihnen zeigen werde, ist etwas, das Daft Punk die ganze Zeit benutzt. Und ich bin, ich synchroniere uns das Daft Punk-Akkord-Timing, weil sie es so oft benutzen und es tatsächlich ein bisschen eine Groove in deinem Track erzeugt. Also, was wir tun, ist, dass wir alle Akkorde nehmen, die nicht auf dem allerersten Beat sind, und wir kompensieren sie. Wir bringen sie entweder mit einem, zwei, drei oder vier Schritten voran oder was auch immer, Sie bringen sie einfach voran. Also werde ich sie auf die dritte Stufe der kargen Front bringen. Und dann werde ich die verkürzen, damit sie sich nicht berühren oder sich nicht überlappen. Und das nennt man. Aber es heißt nicht, aber ich habe es die Daft Punk-Timing genannt, weil sie es so oft tun , und es schafft ein bisschen Groove in den Spuren eines länglichen diese hier. Lassen Sie uns das Metronom einschalten und wir werden hören, wie es jetzt klingt wenn die Akkorde tatsächlich vor dem Takt der Bar fallen. Und wenn Sie diese spezielle Technik mit einigen Trommelelementen wie wir hier zusammenbringen, habe ich hier eine Klatschprobe. Und es kann ein sehr amateure klingendes Muster nehmen, das auf den ersten Beat eines jeden Käufers fällt und es in ein professionelleres Klangmuster verwandelt, das ein wenig mehr daran gedacht hat und ein wenig mehr Groove. Lassen Sie uns jetzt mit diesem Muster zuhören, wenn es versetzt wird, indem Sie die Noten des Akkords nach vorne in die karge Front bringen. Okay, also lasst uns jetzt mal zuhören. Zeig es mir. Wir könnten das Klatschen hier ausschalten, nur um die Latenz zu stoppen. Und wieder werde ich zu Macros kommen und smack Disabler für unsere Plug-Ins wechseln. Nun ist der Grund, warum dieser Track so schlecht übersprungen ist weil es tatsächlich eine vollständige Anordnung ist, die ich getan habe. Und ich habe, ich habe Auswirkungen auf all diese verschiedenen Instrumente hier. Ich habe auch Mastering vor sich. Also versucht die Software, all diese Dinge zur gleichen Zeit zu laufen, aber ich wollte Ihnen nur diesen speziellen Track sehr schnell zeigen, weil er diese Art von Daft Punk Akkord Timing verwendet. Also lassen Sie uns noch einmal zuhören und hoffen, dass die Latenz weniger als zurückkommen. Also natürlich, Pads und Saiten geben sehr Art von verschiedenen Sounds. Aber es liegt an dir, welchen Sound du in deinem Track verwenden möchtest. Saiten sind ein bisschen ausdrucksvoller und trauriger. Und Pads sind ein bisschen mehr im Gesicht und eine Art elektronischer Klang. Und sie haben das Gewerbehaus Feld. Gehen wir nun zur Vorlesung der Auswahl-Padinstrumente. Und ich zeige Ihnen die größten Kopfschmerzen, wenn es darum geht, Ihre Pad-Presets auszuwählen. 30. Auswahl von Pad: Okay, in diesem Vortrag werden wir einen Blick auf die Auswahl unserer Pad-Instrumente werfen. Jetzt werde ich über Pad-Instrumente sagen, dass sie normalerweise fade und nicht ablenkend sind, weil wir diese Arten von Instrumenten im Hintergrund oder als Füllelement verwenden . Wir wollen nicht von den Hauptelementen der Strecke ablenken. Wenn Sie also ein Preset mit vielen komplizierten LFO und Modulation und anderen Dingen wie diesem finden, könnte das vom Zuhörer ablenken. Wir werden tatsächlich die Parameter optimieren, um diese auszuschalten. Wir wollten den Sound so einfach und so fade wie möglich halten. Also habe ich hier den Anfang eines Arrangements, und es beginnt mit diesen Akkorden hier. Und dann springt es in diesen Gesang. Und dann kommt es in diesen Abschnitt, wo es ein arpeggiiertes Akkordmuster gibt. Aber ich denke, dieses Arpeggio lässt viel zu wünschen übrig. Ich denke, es ist viel Platz hinter jedem der Knoten übrig. Also denke ich, ich werde diesen Raum mit dem Pad-Sound füllen. Hören wir uns einfach den Track an, vielleicht bis hier, und versuchen zu bemerken, wie sich der Track ein wenig leerer anfühlt , wenn er diesen ersten Abschnitt erreicht. Okay, lass uns jetzt mal zuhören. Okay, also lasst uns unsere Pad-Instrumente hinzufügen. Das erste, was ich tun werde, ist, dass ich in das Akkordmuster komme. Und das sind nur die Hauptakkorde und sie spielen auf jedem Takt der Bar und sie werden für den vollen Beat gehalten. Und ich werde es einfach kopieren, indem ich Befehl drücke und sehen. Und dann werde ich hierher kommen und ich werde ein neues Muster erstellen, das Pad heißt. Okay, lassen Sie uns in dieses Muster gehen und wir werden dies tun drei Plug-in verwenden, die ich bereits unten geladen habe. Also gehen wir in die Pianorolle und fügen dieses Akkordmuster ein. Und wir werden es auch aufschlagen, weil ich denke, dass ich will dieser Pad-Sound ein wenig mehr hoch im Bereich, dann die App, die zur gleichen Zeit spielt. Also lasst uns daraus kommen und zurück in das Plug-in gehen. Und wir öffnen den Soundbank-Bereich und wir laden vielleicht dieses wichtige Sammelband drei und wir laden den Unterordner Pads. Also ziehe ich das einfach aus dem Weg und wir werden uns anhören wie dieses erste Arun und Pad-Preset klingt. Ich muss das auf Muster umstellen. Entschuldigung. Lasst uns nochmal zuhören. Und ich bin mir nicht sicher, ob Sie diesen Vogel bemerken können, die Release-Zeit dieses speziellen Sounds läuft immer noch. Ok? Und ich sagte, ich hätte die Art von Hauptkopfschmerz erwähnt, die wir mit Pad-Presets bekommen. Und das ist, wenn man sie auflädt. Die Angriffszeiten sind lächerlich hoch und die Release-Zeiten sind lächerlich hoch. Und der Grund dafür ist, dass Pads für Ambient-Musik ausgelegt sind. Ich meine, diese Art der Musik, sie haben diese sehr langen Akkordprogressionen. Deshalb können Pads in diesen Musikstilen großartig funktionieren. Aber für uns funktionieren diese Art von Angriffs- und Release-Zeiten nicht. Also, was wir tun werden, ist, dass wir die Angriffskuppel abschalten , damit der Klang viel früher beginnt. Und wir werden diese Veröffentlichungszeit ablehnen, damit sich die Notizen überlappen. Ich werde auch kommen und einige der Effekte ausschalten, wie die Verzögerung im Hall, nur damit wir den Hauptton ein wenig klarer hören können . Ich meine, höre mal wieder zu. Fügen wir dies der Mischerspur hinzu. Ich werde es etwas abdrehen, nur damit es den Klang des Apfels nicht überwältigen wird. Ich füge es wieder ein. Und jetzt werden wir sehen, wie es sich mit der halben Ebene darüber anhört. Also mag ich den Sound dieses Pad, aber lassen Sie uns einfach wieder in das Plug-in gehen und es nur um dieses Tutorial willen ändern. Und wir werden es auf diese Glaubensvorgabe ändern. Lassen Sie uns sehen, wie diese Glaubensvoreinstellung von alleine klingt. Jetzt mag ich das Geräusch nicht wirklich, also gehen wir zum nächsten, der Schneesturm ist. Gehen wir wieder zu Bobby. Also mag ich den Klang von Bobby wirklich. Ich denke, es gibt Bobby Preset ist ziemlich subtil und ablenkend. Aber auch hier ist die Angriffszeit und die Release-Zeit sehr, sehr lang. Also werde ich diese einfach abschalten, so dass der Sound mit etwas früher beginnt und die Release-Zeit, so dass sich der Sound nicht überlappt. Die anderen Noten kommen rein und schalten den Hall aus. Und dann könnte ich vielleicht diese Cut-Off-Frequenz anpassen, da sie abgespielt wird, nur um zu sehen, welche Art von Klängen wir aus dieser Cutoff-Frequenz bekommen können. Wir werden, okay, also lasst uns mal zuhören. Also bevorzuge ich den Sound bei dieser Voreinstellung mit dem Cut-Off-Rad ein wenig offen. Also gehen wir zurück in das Arrangement und wir würden uns den Arabern anhören, während er mit dem Pad spielt. Lassen Sie uns es unten drehen, nur so dass es im Hintergrund ist und nicht von der Haupt-App ablenkt. Und jetzt, wenn ich es in der Anordnung anhöre, denke ich eigentlich, dass das Trennrad zwei ist. Es ist zu offen, es klingt zu hell und zwei Airy, also werde ich es tatsächlich abdrehen und es ein wenig subtiler machen . Lasst uns nochmal zuhören. Wir schließen einfach dieses Plug-In und nehmen dann einen Zuhörer. Vielleicht drehen Sie es etwas nach oben. Aber ich mag den Klang von diesem bisher wirklich. Und lasst uns jetzt das Endergebnis mit unserem Tweaked Pad mit der App anhören. Das ist alles, was Sie wissen müssen, wenn Sie Ihre Pad-Sounds auswählen. Seien Sie sich bewusst, dass Sie es als Hintergrundinstrument verwenden. Und du willst nicht, dass es von den anderen Hauptelementen in deinem Track ablenkt. Als nächstes werden wir einen kurzen Blick auf die Herstellung von Pat-Instrumenten werfen. 31. Pad machen: Also werden wir in diesem Vortrag einen Blick darauf werfen, ein Pad-Instrument zu machen. Okay, was ich hier habe, ist, dass ich diese wirklich, wirklich lange Art von filmischen Akkordprogression habe. Und es ist buchstäblich nur um das Pad zu hören. Also kommen wir hier rein und raus zum Plugin und wir werden einen Blick werfen. Wir werden dies einfach initialisieren und wir werfen einen Blick auf die Erstellung unserer eigenen Pads heraus. Lassen Sie uns also einige der Muster NOW mit dieser initialisierten Einstellung hören. Okay, vielleicht drehen wir diesen Wave-Table Mix auf, um die endgültige Form des Oszillators zu bekommen. Und dann könnten wir einige dieser verschiedenen Oszillatorformen ausprobieren. Versuchen wir es mit Violine drei. Mal sehen, wie das klingt. Okay, ich mag den Klang-Geigenbaum. Mal sehen, wie es mit Messing eins klingt. Lass es uns nochmal spielen. Und versuchen wir es jetzt mit vielleicht gibt es Para weit. Mal sehen, wie das klingt. Okay, also mochte ich den Klang von Blechbläsern, als wir dort durchspielten. Also werde ich das noch einmal auswählen. Und wie immer werde ich vorbeikommen und die Stimmen der Unisono optimieren. Nun, das ist ein Pad-Sound, also wollte ich ziemlich ticken. Also werde ich vielleicht diese sechs Stimmen hier auswählen. Und wir werden die Detune einfach etwas hinauf, nur um sie ein bisschen dicker zu machen. Mal sehen, wie das jetzt klingt. Und jetzt mal sehen, können wir den Angriff anpassen? Ok, drehen wir den Angriff von, und vielleicht drehen wir uns auch dem Verfall zu. Und mal sehen, was passiert, wenn wir das tun. Ok? Jetzt denke ich , dass der Angriff ein bisschen zu lang ist, also lassen Sie es uns einfach ein bisschen abdrehen und wir werden sehen, wie es sich jetzt anhört. Und ich bin mir nicht sicher, ob Sie das bemerkt haben, wenn Sie hören, aber es gibt tatsächlich einen klickenden Sound, wie ein kleiner Pop oder ein Klick passiert, genau wie der Norden im Akkordmuster beginnt. Und der Grund dafür ist, dass, wenn wir über Synthesizer sprechen, denken Sie daran, dass wir sagen, wie viele Stimmen Synthesizer zur gleichen Zeit spielen können. Nun hat dieses spezielle Akkordmuster viel los als 12345, vielleicht sechs. Sechs oder sieben verschiedene Noten werden gleichzeitig gespielt. Und wenn wir hierher kommen und uns ansehen wie viele Stimmen wir eingestellt haben, um gleichzeitig zu spielen, werden wir sehen, dass es tatsächlich auf vier gesetzt ist. Ok? Also müssen wir das auftauchen. Und der Grund, dass clicky Sound es passiert, ist, weil der Synthesizer versucht zu bestimmen, welche Knoten spielen sollten. Wenn es sieben los ist, welche drei Noten ist es nicht zu spielen, in denen Ausländer würden spielen, und das verursacht einen klickenden Ton. Also, was wir tun werden, ist, dass wir die Stimmen den ganzen Weg auf 16 drehen , nur um irgendwelche Probleme zu retten. Und wir werden uns das Muster nochmal anhören und wir werden sehen, ob es diesmal irgendwelche Klickgeräusche gibt. Wie Sie sehen können, hat diese einfache Einstellung, nur Drehen der Stimmen auf 16 hat den klickenden Ton, der vorher passiert war, entfernt. Das nächste, was ich tun werde, ist, dass ich den Filter auf die perfekte Einstellung schalten werde . Und ich werde die Cutoff-Frequenz direkt nach unten bringen und nur hören, wie es klingt. Ich werde es durchfegen, während es spielt, nur um zu hören, um einen Punkt zu finden, tut mir leid, einen Punkt auf dem Rad zu finden, den ich mag, wo der Ton ist. Okay, also lasst uns das Muster anhören und ich fange an, das anzupassen. Und wir werden einen Punkt finden, den wir mögen. Lassen Sie uns das Release so aufdrehen, dass es ein wenig ausdrucksvoller klingt , so dass die Knoten nicht so plötzlich anhalten wie sie sind. Und ich fange an, diese Grenzfrequenz wieder einzustellen. Also mag ich die hier eingestellte Abschnittfrequenz. Ich mag, wie weich es klingt und es ist nicht irgendwie übermäßig im Gesicht. Also, was ich mit diesem Pad-Sound machen werde, wird keinen zweiten Oszillator hinzufügen, okay? Und ich werde den ersten Oszillator schwenken, vielleicht Sommer über die acht Uhr Region nach links. Und ich werde den zweiten Oszillator irgendwo um acht Uhr schwenken, oder entschuldige, die vier Uhr Art Region auf der rechten Seite. Ok. Also, jetzt werden wir zwei verschiedene Klänge haben, die von beiden Seiten kommen. Wir werden einen Oszillator aus der linken und Oszillator zwei von rechts kommen. Ok. Lassen Sie uns ein hören, wie das jetzt klingt mit nur der Art von Standard-Oszillator-Sound. Lassen Sie uns den Wave-Tablet-Mix aufdrehen, um den vollen Klang des Oszillators zu erhalten. Und vielleicht versuchen wir Violine drei. Okay, also würde ich gerne einen Geigenbaum schicken. Also werde ich in die Unison-Sektion kommen und ich werde die Stimmen auftauchen, vielleicht auf fünf. Eigentlich habe ich es auf sechs gedreht, was dem Oszillator eins entspricht. Und noch mal die Detune rauf. Okay, also gefällt mir dieses Geräusch, aber ich denke um des Gleichgewichts willen werde ich den Oszillator einfach auf ein bisschen abschalten. Ich denke, es ist zu laut. Lasst uns nochmal zuhören. Ja, ich denke, das klingt ein bisschen besser. Und lasst uns einen dritten Oszillator hierher bringen , nur um den Sound etwas interessanter zu machen. Also kommen wir in den Oszillator drei hier drüben. Und wir werden die Wellentisch-Mikrofone wieder aufdrehen, nur um die Form zu bekommen. Und was ich tun werde, ist, dass ich es in Klavier a3 ändern werde. Und lassen Sie uns das Muster jetzt mit diesem dritten Oszillator hören, vielleicht drehen Sie es leicht nach oben. Und jetzt denke ich für diesen Oszillator, Ich denke, dass Klavier A3 klingt sehr, sehr ähnlich wie einige der anderen Einstellungen, die wir verwendet haben. Also werde ich versuchen, eine Oszillatorform zu finden , die anders klingt als die anderen Formen, die wir benutzt haben. Also lasst uns dieses Buyin eins versuchen. Ich werde diese beiden anderen Oszillatoren stummschalten, nur um genau zu hören, wie Oszillator drei klingt. Versuchen Sie es mit Sitar. Und lasst es uns die Oktave aufheben. Okay, und fügen wir wieder die anderen Oszillatoren hinzu. Okay, also gefällt mir das Geräusch. Ich werde es nicht so sehr abstimmen wie die ersten beiden, vielleicht nur um die Hälfte, was drei ist, weil wir die anderen um sechs verheimlichen. Also, das lehrt das, dieser Oszillator um drei. Wieder oben die Verzweiflung nur leicht. Und was ich tun werde, ist, dass ich diesen speziellen Sound erweitern werde. Also werde ich das nicht zu viel erweitern. Vielleicht lassen Sie es einfach auf 12 Uhr Position. Und mal sehen, wie das klingt. Jetzt werde ich irgendwo in die Mitte des Musters kommen , nur um ein vollständiges Gefühl dafür zu bekommen, was vor sich geht. Okay, also ist es ein bisschen laut, also werde ich es runterbringen. Stellen wir die Cutoff-Frequenz ein, weil ich denke, dass es zu viel Hochfrequenz gibt. Also lasst uns zuhören. Ich glaube, ich könnte diesen dritten Oszillator noch mehr erweitern, als ich ihn hatte. Okay, also mag ich den Klang des bisher. Ich werde hier rüber zum EQ-Bereich kommen, es einschalten und ich werde tatsächlich das Gegenteil von dem tun, was wir bisher getan haben. Ich werde ein paar dieser hohen Noten rausnehmen, okay? Und dann werde ich einige der Mitten aufstocken, nur etwas so. Und diese Art von Einstellungen, denke ich, wird den Klang ein wenig weniger hart machen. Lass uns noch eine Lektion machen. Und wieder mit Pads können wir einige zusätzliche Effekte wie Verzerrung hinzufügen. Mal sehen, wie es mit Verzerrung klingt. Im Allgemeinen denke ich nicht, dass Verzerrung ein guter Sound ist, um ein iPad zu haben, aber Sie können es versuchen, wenn Sie wollen. Wir haben Phasoren. Phasoren können wirklich gut auf Pads klingen und werfen Sie einen Blick auf Phasoren wieder, lassen Sie mich auf die Mischstufe kommen, aber lassen Sie uns hier schnell hören, um nur diesen Phaser da alles, was ich tat, den trockenen nassen Knopf hochgedreht und mal sehen, was es klingt wie. Die Frequenz hat das Rennen ausgeschaltet. Also habe ich eigentlich nur diese Knöpfe zufällig angepasst, aber ich denke, dass der Klang, den es mir zurückgibt, es eigentlich ziemlich schön ist. Ich denke, es hat eine ziemlich achtziger Jahre Art Gefühl dafür. Also werde ich es eigentlich so lassen, wie es ist. Ich mag es, aus Melodien Sounds zu kommen. Ja, du siehst, es klingt irgendwie AUTO-TUNE. Klingt, als wäre es direkt aus Stranger Things, aber lassen Sie uns etwas Reverb wirklich schnell hinzufügen, nur um zu hören, wie es klingen würde , wenn es in einem Raum mit einigen anderen Instrumenten wäre. Vielleicht drehen Sie die Vorverzögerung. Vielleicht nicht so viel. Ich habe keine Zerfälle gemacht, damit der Schwanz länger weitergeht. Sie können auch natürlich hinzufügen, sorry, Sie können auch einen Choruseffekt hinzufügen, um es ein wenig dicker zu machen. Und wir schauen, natürlich wieder Holz, das Mischen macht, aber ich werde das nur für den Moment auslassen. Also denke ich, dass dieser Pad-Sound ziemlich schön ist. Es sind nur drei Oszillatoren und es ist relativ einfach. Aber ich denke, der Gesamtklang, den wir erreicht haben, ist subtil. Aber wir werden eine Art nette Textur hinzufügen und jede Spur machen. Hören wir uns schnell wieder an, bevor wir diesen Vortrag beenden. Und ich könnte diesen Phasor verwenden, nur um zu sehen, wie es ohne klingt. Und das könnte nur d bieten. Sie können sehen. Und wir können es wieder öffnen. In der nächsten Vorlesung werden wir das gleiche Muster behalten. Und wir werden uns ansehen, das Instrument in Saiten auszutauschen. 32. String Instrumente: Lassen Sie uns nun das gleiche Muster wie die letzte Vorlesung betrachten, aber das Instrument wird zu einigen Streichern ändern. Okay, also habe ich dieses Mellotron fünf Plugin geladen, das ich aus Korea habe. Und ich habe es bereits auf diesen String-Abschnitt gesetzt. Und es gibt ein paar String-Voreinstellungen hier. Und das sind alle Arten von Live-Samples von echten Streichinstrumenten. Also fangen wir an der Spitze hier, der erste. Und wir werden hören, wie das klingt mit dem Muster, das wir in der letzten Vorlesung verwendet haben. Bevor wir das tun, möchte ich nur sagen, dass Strings Strings sind. Ok? Wenn Sie also String-Sounds in Ihrem Track verwenden möchten, können Sie jede Art von String-Preset verwenden, die Sie haben weil der Klang von Saiten, wie tatsächlich von tatsächlichen Streichinstrumenten abgetastet wird, das einzige, was Sie beachten müssen, ist, dass der Klang von ihnen funktioniert mit deinen Spuren. Es gibt also verschiedene Arten von Strings. Weißt du, einige von ihnen klingen alle oder einige von ihnen eher traurig als andere. Und alles, was du tun musst, ist kritisch zu denken, sie in deinem Track anzuhören und einfach zu überlegen, welche Art von String-Precess im Kontext deines Arrangements besser klingt. Also lasst uns durch diese String-Presets, warum das Muster abgespielt wird. Und dann werde ich am Ende der Vorlesung noch ein paar weitere wichtige Punkte erwähnen. Okay, also lasst uns diese jetzt durchlaufen. Mal sehen, wie die nächste Voreinstellung klingt, die Strings genannt wird. Und mit Mellotron können wir, im Moment, in dem wir auf diese a gesetzt sind, diese M K23 Geigen, aber wir können das drehen, wir können es von a zu b ändern, und wir können es von B zu C ändern, oder wir können sie alle auf der zur gleichen Zeit. Wenn wir es allen hier aufstellen. Ich werde es aber für den Moment anlassen. Ich glaube, ich mag das Geräusch. Mal sehen, wie die nächste Voreinstellung klingt. Welches ist dieser akustische elektrische Block. Mal sehen, wie die nächste Voreinstellung klingt. Alter Saiten. Dieser spezielle Saitensound ist also ziemlich schwer, so dass dies möglicherweise nicht im Hintergrund Ihres Tracks funktioniert, weil er sehr voll ist. Und bei dem sehr schweren Sound, lasst uns weiter gehen und sehen, welche anderen Arten von Presets zu haben. Mal sehen, wie die nächste Voreinstellung klingt. Kammersaiten Wie Sie hier sehen können, gibt es viele verschiedene Saiten-Sounds. Und ich meine, ich habe nur eine kleine Delle gemacht. Ich habe nur durchgemacht, ich denke, fünf oder sechs hier, aber es gibt viel zu durchgehen hier in diesem speziellen Plugin. Und das bringt mich zu den letzten Punkten, über die ich in dieser Art von Kurzvortrag sprechen möchte . Und das sind die verschiedenen Arten von String-Sounds, die Sie finden können und die Sie verwenden können. Also, was dieses Plugin ist, dieses Mellotron fünf, das ist ein Sampler, okay, also all diese verschiedenen Elemente hier. Also, wenn ich das hier runterbringe, um zu sehen, ist dieser Ton ein Cello. Ordnung? Aber das wurde von einem echten Cello gesampelt. Es gibt also echte Noten, die auf einem Cello aufgenommen wurden und diesen kleinen weißen Tasten zugeordnet wurden. Also, wenn ich diese Taste drücke, spielt es tatsächlich. Jetzt können Sie es dort sehen, wo es auf dem Cello aufleuchtet. So haben sie verschiedene Instanzen von Cellonoten, die sie aufgenommen haben. Und sie passen zu diesen Notizen hier oben. Also, wenn ich diese Note spiele, stimmt sie mit dieser Note überein, die sie aufgenommen haben. Und wenn ich diese Note gespielt habe, stimmt sie mit dieser Note überein, die sie aufgenommen haben. Und das sind Sampler, okay, denn das sind Proben eines Instruments, sie haben hier auch Proben einer Geige. Das ist also nicht so, dass sie aufgezeichnet haben. Und das ist das nicht, was sie aufgezeichnet haben. Es gibt also jede Menge Sampler da draußen, die Sie finden können. Es gibt jede Menge freie. Es gibt tatsächlich eine F31, die mit FL Studio kommt, und es heißt direkte Welle. Es ist hier unten im Sampler-Abschnitt der Registerkarte „Instrumente hinzufügen“. Dies ist ein sehr nützliches Werkzeug, um zu versuchen, echte Klänge wie Gitarren, Streicher, Hörner, Sie wissen schon, irgendeinen dieser Orchester-Sounds zu emulieren Streicher, Hörner, Sie wissen schon, . So können Sie die kostenlose Version verwenden, die mit FL Studio geliefert wird, oder Sie können eine kostenlose im Internet herunterladen. Es gibt auch bezahlte Sampler, die extrem gut sind wie Kontakt. Nur von Native Instruments. Sie können sich das auch ansehen, wenn Sie wollen. Aber ich habe diese Mellotron-Version fünf, okay? Wenn Sie also einen Sampler wie diesen verwenden möchten, müssen Sie nur einen Sampler herunterladen oder den F31 und FL Studio verwenden und dann einige Samples herunterladen, um ihn anzuschließen. So können Sie im Internet nach String-Samples oder Sample Packs und solchen Dingen suchen. Und Sie können sie herunterladen und dann in Ihren Sampler stecken. Eine andere Möglichkeit, einige reale Sounds wie Strings zu emulieren, besteht darin, etwas zu bekommen, das als Soundschriftart bezeichnet wird. Und das ist nur eine Art Dateiformat, die beispielbasierte Synthese verwendet. Jetzt müssen Sie nicht wissen, was das bedeutet, aber alles, was Sie wissen müssen, ist, dass, wenn Sie eine Art von String-Soundschriftarten nachschlagen, Sie in der Lage sein, sie herunterzuladen und in Ihren Tracks zu verwenden. Es gibt auch Dinge wie String-Plugins und es gibt sogar synthetisierte Strings. Das sind also String-Sounds, die mit einem Synthesizer gemacht werden. Sie klingen überhaupt nicht real, aber sie haben ihre eigene Verwendung, also schauen wir sie in der nächsten Vorlesung an. Aber das ist alles, was Sie im Moment wissen müssen, um Ihre Saitengeräusche zu finden. Gehen wir jetzt zur nächsten Vorlesung, wo wir einen Blick auf synthetisierte Strings werfen. 33. Synthetisierte Strings: In diesem Vortrag werden wir uns also einen sehr, sehr schnellen Blick auf einige synthetisierte Strings werfen. Jetzt habe ich tatsächlich ein natives Plug-in in FL Studio geladen, das Citrus genannt wird. Sie können es hier oben finden. Unter gesündigten klassischen Köpfen hier drüben. Sie sind wie vielleicht hier drüben je nachdem, wie viele Plugins, die Sie haben. Aber dieses Plugin kommt mit allen Versionen von FL Studio. Also, wenn Sie einige dieser synthetisierten Strings verwenden möchten, klingt aus, wie Sie können. Okay, also was wir tun werden, ist, dass wir ins Plugin kommen und ich werde mit der rechten Maustaste auf diese Voreinstellungen Option klicken. Und es wird dieses massive Fenster mit all diesen Presets öffnen. Und ich werde runter kommen, um eine Schnur zu senden. Und ich werde darauf klicken. Und wir werden einfach durch einige dieser synthetisierten String-Sounds radeln. Wenn Sie eine Sendezeichenfolge verwenden , rate ich Ihnen nur, sie absichtlich zu verwenden. Versuchen Sie nicht, es anstelle einer echten Zeichenfolge zu verwenden, weil es nicht gleich klingen wird. Klingen sie nicht so gut wie echte Saiten? Wenn Sie also nach einem echten String-Sound suchen, laden Sie vielleicht einen Sampler oder eine dieser Sound-Fonts herunter, über die ich in der letzten Vorlesung gesprochen habe. Aber hören wir uns diese jetzt an. Ich werde das Muster spielen und es ist das gleiche Muster, das wir für die letzten beiden Vorträge hatten, aber wir spielen es einfach durch und wir werden uns einige dieser Presets anhören. Versuchen wir es mit dem nächsten. Und die nächste. Okay, also gibt es viele Send-Strings und das, es gibt tatsächlich Ladungen, schau, es gibt Gesetze in diesem Plug-in. Ich werde diese Phase ausprobieren, was sich das wirklich schnell anhört. Sie klingen also nicht wirklich real, aber sie geben ihre eigene Art von Stimmung und Art von Effekt. Also, wenn Sie sie in Ihren Tracks verwenden, stellen Sie sicher, dass Sie sie sehr, sehr bewusst verwenden. Das ist also alles, was es dazu gibt. Sie müssen nur eine schöne Art synthetisierten String-Sound finden. Ich werde Ihnen nicht zeigen, wie Sie eine synthetisierte Zeichenfolge erstellen weil der Prozess genau der gleiche ist wie ein Pad zu machen. Sie könnten den Filter nur ein wenig mehr öffnen, um einige dieser hohen Frequenzen hinzuzufügen . Aber ich würde Ihnen raten, wenn Sie, wenn Sie eine synthetisierte Zeichenfolge verwenden möchten, gibt es viele kostenlose Plugins, die Sie mit synthetisierten String-Sounds herunterladen können. Dies ist also der letzte Vortrag in diesem Abschnitt. Wir werden jetzt auf Loops gehen und welche externen Schleifen eine interne Schleifen sind und wie wir ihnen Variation und Zeug hinzufügen können. Also gehen wir jetzt zum nächsten Abschnitt über. 34. Internes vs. externe Loops: In dieser Vorlesung werden wir also einen Blick auf interne Schleifen im Vergleich zu externen Schleifen werfen. Ok? Eine Schleife ist also nur ein musikalisches Muster, das im Laufe der Zeit wiederholt werden soll. Bisher haben wir Muster für Schlagzeug, Akkorde, Leads, et cetera gemacht . Aber ein Muster ist nur ein schickes Wort für eine Schleife. Und der Hauptunterschied zwischen internen Schleifen und externen Schleifen besteht darin, dass interne Schleifen die Schleifen sind, die Sie selbst im Dunkeln erstellen, entweder durch Aufzeichnung oder durch Verwendung der Daten, um sie tatsächlich zu machen. Ein Beispiel für eine interne Schleife wäre also dieser Synth-Sound, den ich hier gemacht habe. Weil ich es selbst gemacht habe. Also habe ich es drinnen geschafft, intern in der Software. Ok. Und dann wäre eine externe Schleife dies ein Blick, ich von außerhalb der DAW bezogen habe, oder mit anderen Worten, es wurde nicht intern hier von mir gemacht. Ok. Okay, das ist also nur ein sattes Geräusch, das ich im Verlauf des Tracks durchlaufen habe. Ein weiterer großer Unterschied ist, dass Sie interne Schleifen sehr, sehr einfach ändern können. Wenn ich also wieder in den Sinn kam, den wir uns vor zwei Sekunden angesehen haben, werde ich hier auf die Knoten zoomen. Und ich kann sehr, sehr leicht, Ich kann diese F scharfe Note ändern. Und ich kann das bis zu einem C-Sharp ändern, wenn ich will. Und es ist sehr einfach für mich, das zu tun. Ok? Aber das Problem ist, wenn wir uns die externe Schleife ansehen, kann ich das nicht tun. Ich kann in einen Ritter klicken, kann mich nicht ändern, sagen wir, diese Art von Peak Area hier. Das kann ich nicht ändern. Ok? Jetzt können wir ein paar Dinge mit unseren Bearbeitungsfähigkeiten und so machen. Aber wenn wir uns den tatsächlichen Klang dieser speziellen Trommel anhören, Phil, kann ich den Klang dieser Snaredrums, die wiederverwenden, nicht ändern. Ich kann da nicht reingehen und sagen wir, ich mag den Klang der Snare nicht, die diese Schleife verwendet. Das kann ich nicht ändern. Und das liegt daran, dass es eine externe Schleife ist. Aber das Tolle ist, dass es externe Schleifen für absolut alles gibt. Also, wenn du einen findest, den du irgendwie magst, aber da ist etwas Kleines daran, das dir nicht gefällt. Es wird nicht lange dauern, um einen anderen zu finden, an dem Sie alles mögen. Jetzt ist das Ding auch mit externen Schleifen. Es kann sehr verlockend sein, sie allein zu benutzen. Okay, also, weißt du, es gibt Schleifen für alles. So können Sie Kick-Loops herunterladen, Sie können Synth-Loops herunterladen, Sie können Basisschleifen herunterladen. Sie können Drum Loops herunterladen, Sie können jedes Element in diesem Track können Sie tatsächlich einfach eine externe Schleife herunterladen und ziehen Sie es in und erstellen Sie Ihre Spur aus externen Schleifen. Und das kann sehr verlockend sein. Aber dann gibt es eigentlich nichts Originelles in der Strecke. Weil Sie selbst nichts gemacht haben, alles, was Sie getan haben, nur irgendwie in einige Schleifen eingefügt haben, die jemand anderes gemacht hat, dann ist dieser Track nicht sehr originell. Die Art und Weise, wie wir externe Schleifen verwenden sollen, ist als Layer oder zusätzlich zu den anderen internen Schleifen, die wir in unserer Spur erstellt haben, die häufigsten externen Schleifen, die Sie wahrscheinlich verwenden werden. Unsere Drum Loops sind Vorsichtsschleifen wie diese. Nur um etwas mehr Platz in den Trommeln auszufüllen. Wenn ich, nur, wenn ich nur solo bin, tut mir leid, wenn ich hier nur die Trommelpartie soloiert habe, so. Und vielleicht diese. Und ich spiele einfach die Trommelschleife ohne diese zusätzliche Schicht hinein. Und jetzt, wenn ich in dieser externen Schleife hinzufüge, tut mir leid, es gibt einen Filter1 ist, ich schalte das einfach wieder ein, damit wir es richtig hören können. Also, wenn ich jetzt wieder in diese externe Schleife hinzufüge und wenn ich es wieder herausnehme. Was ich also tue, ist, dass ich diese externe Schleife zusätzlich zu meiner eigenen internen Schleife verwende, die die Trommeln ist. Und nur ein weiterer Grund, warum wir unsere eigenen Loops auf den externen Schleifen hinzufügen würden , ist, weil, wenn wir diese spezielle Schleife nur durchgängig verwenden, die gesamte Spur sehr repetitiv werden würde. Ok? So fügen wir unsere eigenen zusätzlichen Bits hinzu, damit wir Variationen erzeugen können. Und dann könnten Sie vielleicht dieses Bit hinzufügen, wenn das Intro vielleicht endet. Und dann können Sie zusätzliche Bits hinzufügen, wenn die Spur abgespielt wird. So hält es den Track fortschreitend, im Gegensatz zu wenn Sie nur diese Schleife verwenden und sie den ganzen Weg durch einfügen, gibt es nichts, was die gesamte Zeit verändert, die dies spielt. Und das kann sehr, sehr langweilig für den Zuhörer werden. Stellen Sie also sicher, dass Sie Ihre eigenen internen Schleifen und Ihre eigenen Elemente oben auf den externen Schleifen hinzufügen . Also lasst uns das einfach kurz anhören, vielleicht bis hier, diese Art von Abschnitt einer technischen Spur, wo ich einige externe Schleifen aufgenommen habe. Und das hier, das ist das Massenverb und die Wirkung, die wir vorher gesehen haben. Aber ich habe diese tatsächlich benutzt, um Platz zu füllen und zu meinem eigenen Arrangement hinzuzufügen , wo ich einige interne Loops wie diesen Synth, die Basis und wo ich meine eigenen Drum Sounds gemacht habe. Also lasst uns jetzt mal zuhören und danach gehen wir zur nächsten Vorlesung über, die externe Loops verwendet. Ich hoffe, Sie können den Unterschied hören, dass die externen Schleifen diesen Track machen. Gehen wir jetzt zur nächsten Vorlesung über, wo wir uns mit externen Schleifen beschäftigen. 35. Externe Loops verwenden: In dieser Vorlesung werden wir also externe Schleifen verwenden. Wenn wir also externe Schleifen verwenden, verwenden wir es als Ergänzung oder Ebene zu unseren eigenen Ideen. Also habe ich hier schon die wichtigste Art von Fundament einer Strecke. Aber wir werden es durchgehen und wir werden einige zusätzliche externe Schleifen hinzufügen. Okay, also werde ich nur spielen, die Strecke kann bis zum Drop hier herum sein. Und dann gehen wir dann in die Sample-Packs hier drüben, ich werde sehen, um einige externe Loops zu dem Track hinzuzufügen , der jemals den Track jetzt anhört. Okay, also habe ich bereits ein paar externe Schleifen hinzugefügt. Ich habe das, was eine Trommelfüllung ist. Und ich habe die Trommelfüllung hier drüben geloppt. Dies erzeugt nur zusätzliche Intensität, wenn der Aufbau fortschreitet. Und wenn ich es herausnehmen würde, würde es so klingen. Ok. Wenn Sie also diese externe Schleife als Layer verwenden , kann sie wirklich zur Intensität Ihres Tracks beitragen. Dasselbe hier oben habe ich noch eine dieser Massenverb-Schleifen, die wir uns vorher angesehen haben. Und das ist nur, um den leeren Raum im Hintergrund des Dropfens zu füllen. Also lasst uns jetzt in die Sample-Packs gehen und wir werden einige der externen Schleifen hören, die sie hier haben. Und dann fügen wir einige davon in unser Arrangement ein. Okay, also werde ich in das vielleicht Hyper Deep Dub Tech Sample Pack kommen und den Wave-Bereich öffnen. Und hier sehen wir, dass wir all diese verschiedenen Arten von Schleifen haben, die wir verwenden können. Also öffne ich die Drum Loops und lass uns für ein paar Hut und Top Loops oder ein paar zusätzliche Hüte gehen, die wir vielleicht hier hinzufügen könnten. Also lasst uns ein paar davon hören. Okay, also mag ich den Klang dieser Dummheit, oder Dummheit oder was auch immer. Ich mag zu sagen, dass diese Schleife. Also werde ich es hineinziehen und es dann hier ersetzen, weil ich denke, dass dieser Teil des Arrangements ein wenig leer ist. Und wie Sie mit dieser Schleife sehen können, geht es tatsächlich über diese kleine 4-Bar-Phrase hinaus. Ok? Und der Grund dafür ist, dass, wenn Sie in einer externen Schleife ziehen, um nicht immer mit Ihrem BPMN verknüpft werden. Wie Sie hier sehen können, ist diese Schleife, die wir gerade gewählt haben, auf 120 Fiv BPM gesetzt, aber unsere Strecke ist auf 138 gesetzt. Was ich jetzt tun muss, ist, dass ich auf diese kleine Mini-Wellenform in der oberen linken Ecke des Clips klicken muss . Und dann muss ich hierher kommen, um ins Tempo zu passen, okay? Und es wird dieses kleine Fenster öffnen. Und normalerweise ist die Schätzung ziemlich genau, aber manchmal kann sie deaktiviert sein und Sie müssen sie möglicherweise selbst eingeben, indem Sie auf BPM klicken. Aber wenn Sie es nicht wissen und die Schätzung scheint weit weg zu sein, können Sie tatsächlich sagen, dass sie durch diese verschiedenen scannen soll so dass Sie eine Schätzung machen und Sie irgendwie erraten, was denken Sie, dass es sein könnte? Wäre vielleicht 50 zu 100 gewesen oder wäre es ein 100 bis 200 BPM? Und die Software, dann scannen wir den Clip und beenden Ihren Tempel. Aber in diesem Fall ist die 125, die es schätzt, tatsächlich Knall auf. Also werde ich darauf klicken. Und jetzt können Sie sehen, dass die Schleife in unsere 4-Bar-Phrase passt. Also müssen Sie dies vielleicht mit Ihren externen Schleifen oder vielleicht in einer anderen Software tun, ich denke, in der Lage, es automatisch und so etwas zu synchronisieren. Aber, aber FL Studio klicken Sie einfach auf die kleine Mini-Wellenform und drücken Sie dann Fit a temple. Also lasst uns hören, wie diese Schleife im Arrangement jetzt von Anfang an klingt. Okay, also mag ich die Art von Textur, die diese zusätzlichen äußeren Hüte oder hinzufügen. Also fügen wir sie hier drüben in den Drop-Bereich ein, nur um hier einen leeren Platz zu füllen. Und vielleicht lasst uns reingehen und wir schauen uns vielleicht eine Percussion-Loop an. Also lasst uns ein paar davon hören. Okay, also mag ich den Klang dieses Parks, dieses Park Juwel a. Also werde ich das hineinziehen und ich werde sehen, wie es sich hier im Drop-Bereich anhört, zusammen mit allem anderen. Und wieder, Sie werden feststellen, dass die Schleife als nach dem 4-Bar-Phrase erweitert. Also habe ich vergessen, zu dieser Zeit zu tun, aber wir müssen das Tempo passen, ein 125. Die Schätzung ist ein Knall auf. Und jetzt reicht es bis zu unserem BPM. Lasst uns nochmal zuhören, und dieses Mal in der Zeit. Also lassen Sie uns das einfach auf der Mixerspur abschalten, weil es ein bisschen laut ist und es erneut wiedergeben. So können Sie sehen, wie wichtig es ist, diese kleinen zusätzlichen externen Schleifen zusätzlich zuIhrer eigenen Art von internen Schleifen hinzuzufügen diese kleinen zusätzlichen externen Schleifen zusätzlich zu , die Sie erstellt haben. Lassen Sie uns gehen und einfach ein schnelles Hören, dass vielleicht einige der Musik-Loops, die wir hinzufügen könnten. Okay, also ziehen wir in dieser speziellen Schleife. Ich mag das Geräusch. Legen Sie es da hin. Wieder. Wir müssen das Tempo anpassen. Und eine 125, es scheint, es zu erkennen, also werden wir einfach darauf klicken. Nun, wenn wir uns diese Musik-Schleife anhören, die wir gerade hinzugefügt haben. Und dann arbeiten wir mit einer der Musikschleifen zusammen, die wir bereits haben. Ok? Sie haben wahrscheinlich bemerkt, dass das schrecklich klingt, und das liegt daran, dass sie beide in verschiedenen Tasten sind. Dieser Clip hat einen eingestellten Schlüssel und er unterscheidet sich tatsächlich von der internen Schleife, die wir hier gemacht haben. Also müssen wir nicht nur die Musik-Loops ausdehnen, wir müssen sie auch auf den Schlüssel unseres Tracks setzen. Und dieser Prozess unterscheidet sich nicht von der Abstimmung unserer Drum-Samples. Wenn Sie sich an diesen Abschnitt erinnern, doppelklicken Sie einfach darauf. Fügen Sie das Sample oder das Ding hinzu, das Sie zur Mischerspur hinzufügen möchten. Öffne das Plugin Edison, das hier drüben ist. Und dann, was wir tun, ist, dass wir in das Beispielfenster kommen. Lassen Sie mich das Geräusch in Edison ziehen. Klicken Sie mit der rechten Maustaste auf Bereiche hervorheben, und klicken Sie dann hier, um Tonhöhenbereiche Und was das tut, ist, dass es uns die Tonhöhe dieses speziellen Clips zeigt. Und ich kann F-Sharp E sehen, Also scheint es um dh zentriert zu sein. Und wenn wir uns die Tonhöhe von ansehen, wenn wir uns den Schlüssel unserer Strecke ansehen, können wir sehen, dass die Attraktion um G. zentriert ist, also ist es um G. Also müssen wir das auf G. aufstellen, also die Tonhöhe benutzen, die wir hören. Und denken Sie daran, jedes Mal, wenn Sie 0,100 Dollar hier oben sehen, ist das ein Halbton. Also werden wir das von E. A $0.100 wäre f, ein anderer, ein $0.100 wären F scharf, und dann noch ein $0.100 wäre G. Also jetzt ist dieser Clip an G aufgeschlagen wenn wir hören, wenn wir nochmal zuhören, unser eigenes internes Loop-Muster und das externe Loop-Muster, sollte es besser klingen und es sollte in Schlüssel klingen. Lassen Sie uns sehen, wie dieser gesamte Drop-Abschnitt jetzt mit den zusätzlichen externen Loops klingt. Es gibt also Musik-Loop, es gibt Percussion-Loop, und es gibt Hut-Loop in Verbindung mit unseren eigenen internen Loops. Also die Kick-Trommel, die wir hinzugefügt haben, die Instrumente, wir haben die Basis hinzugefügt, das andere Instrument hier oben. Okay, mal sehen, wie sich das jetzt anhört. So können Sie viele externe Loops aus dem Internet herunterladen und Sie werden sie in diesen Beispielpaketen finden. Okay, so können Sie Beispiel-Fakten herunterladen und sie kommen mit all diesen Arten von externen Schleifen, die Sie verwenden können. Aber ich möchte wirklich, wirklich schnell eine Website erwähnen, auf die Sie gehen können, die Supermen genannt wird. Ok? Und wenn Sie bei Superman anmelden, können Sie buchstäblich nach jeder Art von Schleife suchen, wie jede Art von Genre. Und er ist eine Art Schlüsselwort. Sie können Strings eingeben, Sie können Kickdrum eingeben, und es wird viele Schleifen werfen, die Sie verwenden können. Also habe ich hier Loops in verschiedenen Arten von Genres, die ich gesucht habe, Messer, Gitarren-Loops. Und all diese Loops können kostenlos heruntergeladen und kostenlos verwendet werden. Okay, lasst uns ein paar davon eingehen. Ok? Also, was Sie tun können, ist, können Sie sich auf Looper Männer anmelden und Sie können Ihre eigenen freien externen Loops herunterladen, um in Ihren Tracks zu verwenden. In der nächsten Vorlesung werden wir uns mit Variation zu unseren internen Schleifen beschäftigen. Also fangen wir an, in den Arrangement Abschnitt zu kommen wo wir anfangen, die Strecke zu bauen und uns darauf zu konzentrieren, wie die Strecke voranschreitet. Also lasst uns jetzt in diesen Vortrag gehen. 36. Variation zu internen Loops hinzufügen: In dieser Vorlesung geht es darum, interne Schleifen Variation hinzuzufügen. Also haben wir viele interne Schleifen oder Fakten gemacht. Jetzt ist es an der Zeit, ihnen etwas Variation hinzuzufügen. Da EDM so ein repetitives Genre ist, findet Variation nicht so viel statt wie andere Musikstile. Und wenn es passiert, verirrt sich die Variation nie zu weit von der ursprünglichen Schleife. Also ändern wir nur irgendwie den Rhythmus oder die Noten. Etwas. Variation kann hinzugefügt werden, wenn Sie das Gefühl haben, dass das Muster zu lange los ist und etwas Neues brauchen, um die Monotonie zu brechen. Einige großartige Orte, um Variationsbereich in ähnlichen Übergängen oder der zweiten Hälfte des Dropfens hinzuzufügen , vielleicht die zweite Aufschlüsselung oder den zweiten Tropfen. Überall, wo Sie das Gefühl haben, einen Hauch frischer Luft hinzuzufügen. Oder vielleicht möchten Sie einfach nur eine Pause von der Hauptschleife für ein paar Sekunden machen, bevor Sie direkt wieder hineinspringen. Wenn Sie sich also Drummuster ansehen, fügen wir der Schleife selbst keine Variation hinzu. Wir entfernen nur Elemente oder wir fügen Elemente hinzu. Also, wenn ich mir dieses Trommelmuster hier anschaue, werde ich nur die verschiedenen Elemente hervorheben, die wir haben. Und wie Sie sehen können, beginnt es mit der Kicktrommel und diesem Klatschen. Und dann füge ich diesen offenen Hut hinzu. Und dann fügte ich noch einen geschlossenen Hut hinzu. Ich füge diesen Füller Hut hinzu, und ich füge einen anderen offenen Hut wieder als Schicht hinzu. Also fügen wir tatsächlich Elemente hinzu, während die Schleife fortschreitet. Also, wenn ich das für dich ganz schnell spiele, wirst du hören, dass es mit dem Kick, dem Klatschen und diesem Mini-Hut beginnt . Und dann, wie es weiter geht, füge weitere Elemente hinzu, OK, also werde ich es einfach hier starten, nur damit es nicht genug ist, um zu Lunge. Okay, lass uns jetzt mal zuhören. Eine weitere grundlegende Ebene, diese Schleife ist genau die gleiche. Ich meine, es hat immer noch das gleiche Rückgrat dazu. Okay, das ist also das Spiel, aber wir fügen eigentlich nur zusätzliche Elemente hinzu und das schafft Variation. Denken Sie also daran, zu Beginn des Kurses zurück, als wir uns die binäre Phrasierung angesehen haben, dies ist die Zeit, dieses Wissen zu nutzen. Wenn wir also unsere Drum-Loops bauen, fügen wir alle acht Balken ein neues Element hinzu. Oder wenn Sie versuchen, die Spannung zu verringern, wie sagen wir das Outro, würden wir tatsächlich alle acht Balken ein Element entfernen. Also, was wir versuchen zu tun, ist, dass wir versuchen, den Zuhörer gehen zu lassen, weißt du, oh, da hat sich etwas geändert. Sie müssen bemerken, dass sich etwas in der Strecke geändert hat und dies verhindert, dass die Strecke zu sich wiederholend wird. Werfen wir nun einen Blick auf die instrumentalen Elemente. Also habe ich dieses Akkordmuster und diese Art von Grundlinie. Und die Grundlinie spielt genau das gleiche rhythmische Muster wie die Akkorde. Also ist es buchstäblich nur kopieren und einfügen die Art der unteren Noten des Akkordmusters. Hören wir uns an, wie das klingt. Okay, und wie Sie über den ganzen Tropfen sehen können, ist es das gleiche Muster. Es ist dieser Musterbaum und er geht den ganzen Weg über. Und dieser Maler, statt Klavier, dieser Maler, und das geht auch über den ganzen Tropfen. Und diese Basis Nummer zwei, sie geht den ganzen Weg über. Das ist also sehr, sehr repetitiv. Was ich also tun könnte, ist in dieser Art von letzten acht Balken des Tropfens, ich könnte einige Variationen zu den Mustern hinzufügen. Also, wenn wir hier reinkommen, um Muster drei, und wir werden es nur solo, damit wir hören können, wie es klingt. Okay, eine Möglichkeit, Variation hinzuzufügen, wäre es, oben einige zusätzliche Notizen hinzuzufügen. Also, was ich tun werde, ist, dass ich die Muster kopieren werde, so dass der Rhythmus der Muster oder die die Gesamtidee nicht verändern. Und ich werde das zu E bringen und jetzt werde ich reinkommen, und ich werde etwas von Norden ändern. Also werde ich oben eine kleine Mini-Melodie machen. Also könnte ich diese beiden einen Sprung nach G lassen, weil es der Akkord von E-Moll ist. Und dann vielleicht wieder auf G für diesen Knoten springen. Und dann diese nächste Art von rhythmischem Muster und der zweite Balken. Nun, das ist eigentlich unser Schlüssel, weil wir sehen können, dass wir tatsächlich einen Akkord von B benutzen also müssen wir ein, D und F scharf sein. Okay, also werde ich das aufschlagen. Und ich stellte fest, dass das bis zum B liegt. Und ich könnte diese Note in eine D ändern, um diese hier unten nachzuahmen. Und ich könnte diese Note in einen F scharf ändern, um diese F scharf hier unten zu imitieren. Dann könnte ich das Gleiche mit Zwietracht Mustern machen. Also werde ich das vielleicht auf ein G verschieben, um diesen Knoten hier unten nachzuahmen. Und dann könnte ich die Tonhöhe dieses Knotens erhöhen, um dies nicht hier unten nachzuahmen. Dann senke ich diese Seillänge. Also kopiere ich die gleiche Idee, die ich hier gemacht habe. Und vielleicht gab es das hier bis zu einem D. Okay. Und der Grund, warum ich das hier absenke, anstatt zu engagieren, denn der nächste Takt, die nächste Phrase ist tatsächlich mit einem niedrigeren pH-Wert. Wenn wir das also anheuern, wenn wir das auf ein B stellen, wäre es nicht sinnvoll, wenn die Melodie irgendwie die Kontur der Melodie direkt nach unten springen würde. Was wir bisher gemacht haben, ist, dass wir irgendwie glatt waren. Wir sind aufgestiegen, sind runtergegangen. Es ist also wichtig, die Kontur Ihrer Melodie gleich zu halten. Also werde ich das hier runterziehen. Und dann mit diesem Abschnitt noch einmal, werde ich nur einige der Notizen ändern. Also haben wir ein C scharf, aber wir sind tatsächlich im Gericht von C. Also werde ich das zu einem C bringen und dann werde ich diese Notiz auf eine Everschieben C bringen und dann werde ich diese Notiz auf eine E und dann bewegen wir das vielleicht nach Norden zu einem D. aber wir sind tatsächlich im Gericht von C. Also werde ich das zu einem C bringen und dann werde ich diese Notiz auf eine Everschieben und dann bewegen wir das vielleicht nach Norden zu einem D. Sehen Sie einfach, wie das klingt. Dies ist also eine Art Variation des ursprünglichen Musters. Es wird nicht rhythmisch anders klingen, aber es wird harmonisch anders klingen. Okay, lasst uns mal zuhören. Und wenn wir dieses ganze Muster kopieren und es in diesen Klavierbaum oder PAN R3 bringen. Und wir löschen das. Und eigentlich werde ich das in der Oktave aufschlagen, weil ich denke, das ursprüngliche Muster war in der Oktave und klingen so. Und wenn wir uns das in der zweiten Hälfte des Tropfens anhören, hört es sich so an. Okay, also eine andere Möglichkeit, Variation hinzuzufügen, wäre, lasst uns einfach diese Art von Melodie löschen, die wir erstellt haben. Bearbeiten, löschen und löschen Sie die zusätzliche CNO Stan hier. Eine andere Möglichkeit, Variation hinzuzufügen, wäre es, einige der Noten des Musters zu entfernen. Also lasst uns entfernen, vielleicht gibt es nicht, und vielleicht das nicht. Ok. Und das ist durch die gleiche Sache hier, die die ersten Noten auf dem zweiten Takt entfernt hat. Und vielleicht wieder die gleichen Noten, dies auf dem dritten Schlag, es ist der dritte Schritt. Okay, machen wir schnell dasselbe hier drüben. Sicher diese, Hopps, löschen Sie diese und vielleicht löschen Sie sie. Dann. Vielleicht können Sie diese mittlere hier löschen. Und dann könnten wir diese lange hier löschen. Ok? So hat sich das Muster jetzt rhythmisch verändert, aber es wird immer noch grundsätzlich wie die gleichen ursprünglichen Muster klingen. Also lasst uns mal zuhören, wie es klingt. Und was das tut, ist, dass es Ihnen öffnet, andere Muster zu verwenden, dann oben drauf. Also könnten Sie einen Hinweis hinzufügen, sorry, ich werde nur das und in dieses Instrument einfügen, nur damit wir Konsistenz haben. Aber ich bin, Sie können dann ein, ein anderes Element hier hinzufügen , weil Sie Raum erstellt haben, aber einige der Knoten führen, haben Sie etwas zusätzlichen Platz geschaffen, um in ein anderes Element hinzuzufügen. Und wir schauen uns das noch mal an, lassen Sie mich zu den Antriebselementen kommen , wenn wir über Arrangement reden, okay? Denn Antriebselemente sind sehr, sehr wichtig, um eine gute Struktur in Ihrer Spur zu haben. Aber für den Moment, nur bemerken, wie die Variation, die wir hinzugefügt haben, wir haben nur einige Notizen herausgenommen, so dass das Muster ein wenig anders klingt, aber die Grundidee ist immer noch da. Okay, hören wir zu. Und schließlich, gerade während wir auf dem Thema Hinzufügen von Variationen sind, ist der wichtigste Ort, um Variationen hinzuzufügen, in Ihrem Übergang. Also dieser kleine Abschnitt hier, das ist ein Übergang von diversen. Ok? Wir übergehen vom Vers in den Tropfen. Ok? Und wie Sie sehen können, als dieser Übergang zustande kam, war dieser lächerlich laute Aufschwung irgendwie signalisiert, dass etwas kommen würde. Aber der Hauptpunkt hier ist der eigentliche Übergang selbst. Was also im Übergang geschah, war, dass diese Trommelelemente tatsächlich entfernt wurden. Es ist eine Füllschleife hinzugefügt. Ok. Was also die Variation in diesem Übergangsabschnitt tut, ist, dass sie uns irgendwie für einen Bruchteil einer Sekunde aus der Hauptidee zieht. Und dann stürzt es uns wieder rein. Wenn der Tropfen hereinkommt. Weile werden wir uns die Übergänge wieder richtig ansehen. Aber es ist gut, sich bewusst zu sein, dass das Hinzufügen von Variationen zu Ihren internen Schleifen in den Übergangsabschnitten für den Gesamtfluss Ihrer Spur wichtig ist. Und im nächsten Abschnitt werden wir einen Blick auf Effekte für EDM werfen und wir werden lernen, warum dieser wirklich, wirklich laute Ladendieb in der Strecke verwendet wurde. 37. Hauptelemente von of: Effekte sind also ein sehr wichtiger Aspekt der elektronischen Musik. Und was sie tun, ist, dass sie bedeuten, wenn sich etwas in der Strecke ändern wird. Sie können auch bedeuten, wenn sich etwas in der Strecke geändert hat. Ein Beispiel wäre also zu zeigen, dass ein neuer Abschnitt kommt. So wie hier. Wir wechseln vom Intro zum Aufschlüsselungsbereich und verwenden diesen Effekt, um zu zeigen, dass er kommt. Ich verwende diesen Effekt, um zu zeigen, dass die Änderung stattgefunden hat. Okay, also lassen Sie uns diesen Aufschwung von alleine zuhören. Und nun lassen Sie uns diesen Hall-Kick-Trommeleffekt auf eigene Faust hören. Okay, also hören wir uns diese jetzt im Kontext an. Also dieser Upsweep wird uns aus dem Intro-Sektion bringen. Und dieser Kuchenhall-Effekt wird uns in den Panne bringen. Ok? So gibt es so viele verschiedene Arten von Effekten durch unsere Lungeneffekte. Es gibt kurze Effekte. Es gibt Fegt runter, fegt Heber nach oben, Stöße runter. Es gibt umgekehrte Symbole, es wirkt sich auf Symbole aus. Es gibt so viele verschiedene Effekte, die wir in unseren Tracks verwenden können. Also lassen Sie uns in die nächste Vorlesung springen, wo wir Effekte im Kontext betrachten und wir werden uns ansehen, wie Sie sie in Ihren EDM-Tracks verwenden können. 38. Effect aussuchen: In diesem Vortrag werden wir also einen Blick auf die Auswahl von Effekten werfen. Nun, was ich getan habe, ist, dass ich die gleiche Art von Arrangement genommen habe , wie wir in der letzten Vorlesung hatten, und ich habe gerade die Effekte entfernt, die ich hinzugefügt hatte. Wir beginnen also mit einer leeren Vorlage, um unsere eigenen Effekte hinzuzufügen. Also, wenn wir hier rüber zu meinen Sample-Packs kommen und ich werde einfach nach unten scrollen, wo ich meine Effekte behalte, wie die Auswahl hier Effekte. Und das erste, was Sie bemerken werden, ist die schiere Anzahl von verschiedenen Unterkategorien von Effekten, die es tatsächlich gibt. Jetzt mag das überwältigend erscheinen, aber ich werde es Ihnen hier ein bisschen vereinfachen. Ok? Es gibt also eigentlich nur drei Arten von Effekten, okay? Und das sind Effekte, die dir sagen, dass etwas kommt. Effekte, die Ihnen sagen, dass etwas passiert ist. Und dann verschiedene Effekte, die nicht in eine dieser beiden Kategorien passen. Also diese Arcade-Drifts hier, diese wären verschieden. Ok. Das sind nur Affekte, die uns nicht sagen, dass etwas reingekommen ist und sie sagen uns nicht, dass sich auch etwas geändert hat. Okay, eine andere Art von Verschiedenem wäre, lasst uns einen Blick hier werfen. Lass uns vielleicht deine kratzigen Effekte. Und vielleicht erscheinen auch einige Alarmeffekte. Es ist vorbei, hören Sie sich ein paar davon an. Das ist sehr laut. Das ist eigentlich ein gemeinsamer Effekt, der im Aufschlüsselungsbereich verwendet wird. Aber wie auch immer, lassen Sie uns jetzt einen Blick auf Effekte werfen, die uns sagen, dass etwas kommt. Das sind also die Beine, wenn du auf Heber stehst. Ok. Und dann gibt es Fakten, die uns sagen, dass sich etwas geändert hat. Das sind also die Gleichen deiner Daunenheber. Also lassen Sie uns ein schnelles Zuhören durch das Arrangement kann bis zum Tropfen hier sein. Und notieren wir uns die verschiedenen Arten von Effekten, die wir verwenden sollten. Und in den verschiedenen Abschnitten und der Strecke. Ok, das ist also der Intro-Sektion. Wir könnten hier einen Effekt verwenden, um uns zu sagen, dass der Zusammenbruch kommt. Um uns zu sagen, dass sich etwas ändern wird, dann würden wir hier einen Effekt verwenden, um uns zu sagen, dass diese Veränderung geschehen ist. Auch hier könnten Sie einen Effekt verwenden, der uns sagt, dass ein anderer Abschnitt kommt, nämlich der Aufbau. Und dann ein Effekt, der uns sagt, dass diese Veränderung gekommen ist. Und endlich wieder hier, könnten Sie einen Effekt verwenden, um uns zu sagen, dass eine weitere Änderung kommt, die der Tropfen wäre. Es ist also relativ einfach. Es sind nur drei Arten von Hauptkategorien. Aber alle diese Art von Unterkategorien sind auf diese drei Hauptkategorien aufgeteilt. Ok? Also lassen Sie uns durchgehen und beginnen, einige Effekte hinzuzufügen. Also denke ich, ich werde in einem Sweep hinzufügen und das würde bedeuten, dass eine Veränderung kommt. Also werde ich den Sweep für diesen ersten Platz nutzen wo wir bemerkt haben, dass wir einen Effekt brauchten, um zu bedeuten, dass etwas kommt. Also lasst uns einige dieser Sweeps testen. Okay, also hat mir das Geräusch von Sweep 28 gefallen, also werde ich das in unser Arrangement ziehen. Werde es da rein, und dann schieben wir es hier zurück, nur so dass es irgendwie die passt, passt zur Gesamtanordnung der Strecke, weil der Pannenabschnitt hier kommt. Also wollen wir, dass dieser Effekt vor dem Abschnitt, auf den er tatsächlich zeigt, stoppt , wir wollen, dass der Effekt stoppt, bevor dieser Abschnitt gekommen ist. Ok. Also werde ich es einfach in der Mixer-Spur abschalten. Eigentlich ist es bereits auf einer Mixer-Spur, also okay, der Grund und der Grund, warum dieser Effekt bereits in einer Mixer-Spur ist, ist, weil es der Effekt ist, den ich in erster Linie verwendet habe. Also mag ich natürlich das Geräusch dieses Sweep von 28. Ich werde es nur für den Moment da drin lassen, weil der Punkt ist, dass das gleiche, ok, also wird dieser Effekt immer weiter und es sagt uns, dass etwas kommt, dass eine Veränderung passieren wird. Als nächstes müssen wir uns die Einfügung eines Effekts ansehen, um uns zu sagen, dass diese Änderung geschehen ist. So können wir verschiedene Arten von Effekten verwenden. Wir können Sweeps nach unten verwenden, wir können Auswirkungen, Symboleffekte verwenden und ihn benutzen, äh, seinen unerforschten Sound. Okay, diese sind ohnehin sehr beliebt für Aufgliederungsabschnitte. Also lassen Sie uns einen Hören auf diese Hass und explodieren Sinn. Okay, also lasst uns diesen Treffer nicht explodiert 24 benutzen. Wir ziehen das in unser Arrangement und legen es dort ab. Also werden sie es auf den ersten Schlag des oder der Panne fallen lassen. Entschuldigung. Und ich werde einfach reinkommen und das in der Mixer-Spur abschalten, damit es nicht extrem laut ist. Ok. Also lassen Sie uns ein hören, wie das klingt so weit, nur mit dem Sweep up und dann explodiert dieser Hazen und okay, also als nächstes werden wir einen, einen weiteren Effekt hinzufügen , der bedeuten wird, dass etwas kommt. Und das ist der Aufbauabschnitt, der hier ist. Also können wir reinkommen und wir können eine andere Art von Upsweep oder eine andere Art von Effekt dieses Mal verwenden , vielleicht könnten wir einen Auftrieb verwenden. Und der Unterschied zwischen einem Auftrieb oder einem Aufschwung ist, dass ein Aufschwung alles Art von Lärm ist. Es ist alles eine Art Luft und ein Auftrieb oder hat tatsächlich eine Tonhöhe. So hat es eine Art weiß, dass man schaden kann. Aber das ist nicht wirklich wichtig, weil sie alle irgendwie unter der gleichen Überschrift stehen und alle dasselbe tun. Also werde ich eigentlich zuerst verwenden lassen Sie uns einige der Klänge hören. Also lasst uns diese Aufhebung hören oder achtundzwanzig. Neunundzwanzig, dreißig. Finden Sie einfach eine, wie wir sind. Ok, lass uns diese 36 benutzen und ich mag den Sound davon, also ziehe ich ihn rein und lasse ihn in die Playlist fallen. Und dann machen wir es zu unserem Arrangement passen. Wenn wir nun nach oben zoomen, werden wir sehen, dass es tatsächlich die tatsächliche Wellenform ist, die vor dem Balken endet, vor dem ersten Balken des Aufbaus. Also wieder, wie bei jeder Art von externer Schleife oder jeder Art von Probe, die wir verwenden, müssen wir es an unser Tempo anpassen. Also in diesem Fall werde ich nur die geschätzte Version verwenden, weil, wie ich bereits sagte, es ist normalerweise ziemlich genau. Also lasst uns das einfach treffen. Und da gehen wir. Es schnappt es zurück zu diesem Beat und wir können das dann nach vorne ziehen. Und jetzt sollte es genau mit dem ersten Takt unseres Aufbauabschnitts stehen. Es ist in der Mischerspur geöffnet und wir drehen es einfach ab, damit es nicht alles andere überwältigt. Und dann schauen wir uns das Hinzufügen eines Abwärtslifters an. Ja, also ein anderer Typ. Also das letzte Mal, wenn wir einen Treffer und erkundeten Sound verwendet haben, lassen Sie uns eine nach unten angehoben dieses Mal verwenden. Also mag ich den Klang dieser unten links oder Nummer 39. Also werde ich das in die Wiedergabeliste ziehen. Und ich werde es einfach dort fallen lassen. Und weil die Art des Tail-Endes dieses Beispiels nicht wirklich wichtig ist, weil das, wissen Sie, das Endende des Clips völlig leise ist. Wir müssen es nicht an das Tempo anpassen, weil es egal ist, wo es endet, dass es wichtig ist, ist für diese Art von Probe, wo die Art des Effekts, sorry, ist, wo es beginnt. Und wenn wir einen Clip ziehen, fängt er immer den Anfang des Clips am Raster ein. Es ist nur das Ende des Effekts, über das Sie sich Sorgen machen müssen, aber in diesem Fall ist es absolut in Ordnung. Also lasst uns nochmals verkleinern. Und ich werde das einfach in der Mixer-Spur abschalten. Also mach das hier ab. Und jetzt werden wir uns diese beiden Effekte anhören. So wollte bedeuten, dass der Aufbau kommt und dieser, um zu signalisieren, dass der Aufbau gekommen ist. Und ich werde einfach hier schnell kommen und schalten Sie smart deaktivieren Sie es für unsere Plug-ins kurz bevor wir auf Play drücken, falls wir auf einige Verzögerungsprobleme stoßen. Okay, also hören wir jetzt zu. Okay, also schließlich werden wir uns das Hinzufügen der Art des endgültigen Effekts ansehen , um zu zeigen, dass der Tropfen kommt. Und dann noch ein Effekt, um zu zeigen, dass der Tropfen gekommen ist. Okay, damit wir wieder in unseren Effektebereich kommen können. Und dieses Mal werde ich Ihnen einen kleinen Trick zeigen, den wir mit unseren Effekten tun können. Und das ist, dass wir den Klang von ihnen umkehren können. Also, wenn wir den Klang von mochten, sagen wir, wir mochten den Klang eines dieser Sweep-Down-Effekte. Ok? Also, was wir tun können, ist, sagen wir, es ist Nummer zehn, richtig? Ich sage, wir mochten das Geräusch. Also, wenn wir das ziehen und wir möchten, dass das Geräusch nach unten gekehrt ist, aber wir wollen nicht, dass es in diesem Abschnitt runterkehrt, wollten wir tatsächlich fegen, um uns zu sagen, dass der Tropfen kommt. Also, was wir tun können, ist wie unsere Trommelproben. Wir können hier reinkommen und das Musterfenster öffnen. Und wir können diesen Rückwärtsknopf drücken. Und das kippt nur die Probe um. Und jetzt ist es von einem Sweep in einen Sweep nach oben verwandelt. Also wieder, wir sind besorgt über das Ende der Sache hier. Also müssen wir sicherstellen, dass das Ende davon ausgerichtet ist. Und wie Sie sehen können, fällt es tatsächlich ein bisschen hinter dem Virus. Ich werde es eigentlich nur sehr schnell ziehen und einfach manuell aufstellen. Aber Sie können auch hier klicken und Tempo anpassen, wenn Sie wollen. Also lasst uns nochmals verkleinern. Und jetzt, was wir tun können, ist, dass wir das zur Mischerspur hinzufügen und es herunterdrehen können nur damit es nichts anderes überwältigen wird. Und schließlich werden wir eine andere Art von Effekt für die Tröpfchen in einem Becken Effekt hinzufügen . Und wir werden versuchen, einer von ihnen könnte 24 sein. Okay, also das ist nur werfen in Becken Effekt 27 nur um es willen. Ok? Nun, offensichtlich, weil wir uns nur mit dem Beginn dieses Effekts beschäftigen, müssen wir keine Anpassung an das Tempo vornehmen. Und schließlich werde ich es einfach doppelklicken und der Mischung Spur hinzugefügt, wie wir es mit den restlichen Effekten getan haben, drehen Sie es nach unten. Und dann hätten wir jetzt einen hören auf die, Wir hätten diesen Flow Abschnitt gehört. So ausgehend von der Hälfte des Zusammenbruchs, in den Aufbau und dann in den Tropfen. Okay, lass uns jetzt mal zuhören. Nun ist die Sache mit einigen dieser Effekte, sie passen nicht wirklich sehr gut. Und ich habe es nur sehr schnell durchgemacht. Aber du musst sicherstellen, dass der Sound deiner Effekte zum Sound deiner Tracks passt. So wie dieser Effekt hier, gibt es eine Menge Low-End-Grollen und ich glaube nicht, dass es zum Gesamtklang des Tracks passt. Seien Sie also vorsichtig, dass Sie, wenn Sie Ihre Effekte auswählen, wissen Sie, stellen Sie sicher, dass Sie, Sie wählen Effekte, die zum Gesamtklang Ihres Tracks passen, genau wie Sie es mit Ihren Instrumenten tun würden Ihre Schlagzeug sind. Du musst sicherstellen, dass alles in deinen Tracks klingt, als wäre es Teil derselben Familie. Wenn Sie eine größere Art von Effekt-Sounds wollen. Sagen wir also im Aufbau hier, du willst diesen, diesen, diese Art von fegen Effekt. Sie wollen, dass es viel größer ist als der einzelne Sound, den dies gibt. Sie können natürlich Ebene in anderen Effekten, Sie könnten fünf oder sechs verschiedene Effekte hier geschichtet haben. Und sie alle tragen zu einem größeren Effekt-Sound bei, der dem Hörer sagt, dass etwas Großes kommt. Und man muss es auch so denken. Weißt du, der Tropfen ist ein großer Abschnitt. Also werden Sie wahrscheinlich einige größere klingende Effekte verwenden. Aber dann wie der Zusammenbruch, ein Intro hier, das Sie verwenden könnten, werden Sie hier nicht sechs oder sieben verschiedene Effekte verwenden, weil der Zusammenbruch die niedrigste Energie Ihres gesamten Tracks hat. So können Sie hier nur einen kurzen Effekt verwenden oder vielleicht einen sehr, sehr subtilen Effekt. Denken Sie also so an den Gesamtfluss Ihres Tracks zu denken und stellen Sie sicher, dass alles passt und lassen Sie Ihre Effekte und sagen Sie dem Zuhörer, dass etwas Großes kommt, wenn etwas Kleines als tatsächlich kommen. Stellen Sie also sicher, dass Sie Effekte mit der Art von Abschnitten übereinstimmen, auf die sie zeigen. Als nächstes werfen wir einen kurzen Blick darauf, wie wir einige unserer eigenen Effekte erzielen können. 39. Effect machen: In diesem Vortrag werden wir uns darum kümmern, unsere eigenen Affect-Sounds zu machen. Der einfachste Effekt ist also der Upsweep. Und was wir tun, ist, dass wir eine sehr, sehr grundlegende Synthesizer nehmen. Also habe ich literarisch D3 mal Oszillator oder den Baum XOR c oder wie auch immer Sie es nennen, es sind buchstäblich nur drei Oszillatoren, genau der gleiche Oszillator. Und was wir damit machen können, ist, dass wir die Oszillatoren so einstellen können, dass sie Lärm erzeugen. Okay, also werde ich den zweiten Oszillator komplett abdrehen und den dritten komplett abdrehen, nur damit sie den Sound nicht stören. Also verwenden wir nur diesen einen Oszillator und er ist auf diese Rauscheinstellung eingestellt. Ok? Jetzt können Sie jeden Synthesizer verwenden, um Rauschen zu erzeugen, aber ich werde den 3x-Oszillator verwenden, nur weil er wirklich, wirklich einfach ist und CPU spart. Also lass es uns schließen. Und was wir tun werden, ist, dass wir ein Rauschmuster mit acht bar zeichnen. Das sind also vier Balken, wie wir sehen können. Also bringen Sie es den ganzen Weg rüber zu acht Bars hierher. Und fügen wir dieses Muster dann in das Wiedergabelisten-Fenster ein. Jetzt klingt das Geräusch so. Und wenn nicht sehr schön zu hören, aber was wir tun können, ist, dass wir die Lautstärke automatisieren können. Und so ist dies die Lautstärkeeinstellung hier oder sorry, nein, das ist das Schwenken. Das ist die Lautstärke hier auf der rechten Seite. Und, aber was wir tun, ist, dass wir uns mit der rechten Maustaste erinnern und unseren Automatisierungsclip erstellen, okay? So können wir einfach die linken Ankerpunkte nach unten ziehen, so dass es am Anfang still ist. Und wenn sich das Muster abspielt, wird es langsam lauter und lauter. Wir können auch die Form der Kurve anpassen, indem Sie dieses mittlere Bit hier ziehen. Also werde ich es einfach runterziehen. Es ist also nicht so eine Art linearer und eine Art nimmt allmählich mit dieser exponentiellen Kurve zu. Und hören wir uns einfach an, wie sich das jetzt anhört. Und wenn Sie diesen Sweep besser klingen lassen wollen, können wir einen Filter anwenden. Kommen wir jetzt hier in das Plugin und wir werden es auf eine Mixer-Spur wie diese zuweisen. Also, jetzt ist es auf Spur eins und ich werde einen Filter öffnen. Also werde ich den Standard fruchtig geliebten Filter wählen. Und es wird sich öffnen. Und was wir hier mit dem Filter haben, ist irgendwie nicht anders als der Filter auf einem Synthesizer wird Filter ein bisschen genauer betrachten. Lassen Sie mich zum Mischen kommen, aber im Moment sind Sie sicher, dass Sie hier den Cutoff und die Resonanzparameter erkennen. Also werde ich nur die Resonanz vollständig herunterdrehen und wir werden den Klang der Cutoff automatisieren. Also lasst uns mit der rechten Maustaste klicken und sagen, Automatisierungsclip Schließen Sie das Filter-Plug-in. Und dann kommen wir hier runter zu den Ankerpunkten und ziehen den rechten Ankerpunkt oben, so dass sich der Filter öffnet, wenn das Muster abgespielt wird. Hören wir uns an, wie sich das jetzt anhört. Das ist also nur ein wirklich grundlegender Weg, um Ihr eigenes weißes Rauschen zu machen. Also werde ich diese Muster jetzt löschen und wir werden nur einen Blick darauf werfen, vielleicht einige Symboleffekte zu machen. Also, wenn wir hier runter kommen und unsere Sample-Packs, und ich werde in mein Drum-Sample Pack kommen und ich werde nur eine einfache Art von Crash-Sound hinzufügen. Lass uns einen finden. Ok, lass uns das hier benutzen. Denn dieser hat schon keinen Einfluss darauf. Und das ist nur eine Schleife in diesem Abschnitt, so dass es nicht weiter schleift. Wir werden uns anderen zentrierten zuhören. Nun, was wir damit tun können, ist, dass wir es der Mischerspur hinzufügen können. Und wir können verschiedene Arten von Effekten anwenden. Nehmen wir also an, wir wenden einen Hall-Effekt an. Jetzt werde ich nur eine Voreinstellung für jetzt auswählen, aber wir werden alle diese Parameter durchlaufen und was sie bedeuten, wenn wir kommen, um was zu mischen. Aber für jetzt, lassen Sie uns einfach eine voreingestellte vielleicht große Halle wählen. Und lassen Sie uns einen Verzögerungseffekt öffnen. Also benutze ich die fruchtige Verzögerungsbank. Und wieder werden wir uns ansehen, was Verzögerung tut und der Mischabschnitt. Aber jetzt lassen Sie uns einfach eine lustige Art von Verzögerungston wählen. Klicken wir auf diese klassische Tischtennisplatte. Und wenn wir jetzt den Beckensound hören, mit all diesen Effekten angewendet, klingt es so. Okay, also lasst uns das jetzt löschen und wir werden einen Blick darauf werfen, einen Riser-Sound-Effekt oder einen Uplift zu machen , oder so werde ich hierher kommen und ich werde das wieder auf alles umschalten, damit ich alles sehen kann , was irgendwie auf das, das Muster geladen ist -Palette. Und ich werde diesen 3-fach Oszillator durch Turmspitze ersetzen , weil wir ihn bisher benutzt haben. Okay, also lasst uns das durch Spire ersetzen. Und mit jedem Synthesizer, den Sie verwenden, wird es mit diesem Pitch Bend Rad kommen. Und hier können wir irgendwie zwischen verschiedenen Tonhöhen hin- und runter rutschen. Ok? Also, was ich tun werde, ist, dass ich das Pitch Rad um 12 Halbtöne biegen werde, weil 12 Halbtöne eine Oktave sind. Ok? Jetzt weiß ich, dass Sie vielleicht gehört haben, dass Alter ein Akt eines AES ist, weiße Noten, oder acht volle Töne sind eine Oktave, aber 12 Halbtöne bilden eine Oktave. Also werde ich einfach auf diese 12 klicken, damit, wenn ich mich gewohnheitsmäßig beuge, sie sich um eine volle Oktave verbiegt. Okay, also lass uns das jetzt schließen. Es spielt keine Rolle, welche Voreinstellung wir verwenden. Und wir fügen die, fügen Sie in das gleiche Muster ein, das ist diese Art von langer Notiz. Ordnung? Und wenn wir diese Tonhöhe wackeln, Rad biegen und dann hier rauf zu Werkzeugen kommen, zuletzt angepaßt. Klicken Sie dann auf Automatisierungsclip erstellen. Es, erstellen Sie einen Animationsclip auf der Wiedergabeliste Fenster. Und wir können den rechten Ankerpunkt nach oben ziehen , so dass sich das Pitch Bend Rad als Musterplatz nach oben bewegt. Lasst uns das Muster anhören und wir werden das Pitch Bend Rad beobachten, wie es spielt. Und wenn Sie das noch mehr biegen möchten, können Sie das Pitch-Biegerad so einstellen, dass es sich höher biegt. Oder Sie können das Pitch-Biegerad so einstellen, dass es um 12 geknickt wird. Und dann können wir diese linken Ankerpunkte nach unten ziehen, so dass das eine volle aktive bis zur Zeit, die es die Mitte erreicht, und dann wird es wieder voll aktiv, bis es diesen rechten Ankerpunkt hier erreicht. Also merke ich, wenn wir dort zuhören, dass es irgendwie ruhig war und weil ich diesen Filter immer noch eingeschaltet habe. Also, das ist einfach ausschalten und wir werden uns jetzt dieses Muster anhören. Und ich öffne die Turmspitze, damit wir sehen können, was mit dem Pitch Bend passiert. Das werden wir, okay. Sehen wir uns das als Musterplatz an. So können Sie dieses Pitch Bend Rad und Automatisierung Art von Technik auf jedem Synthesizer in Ihrer Spur verwenden. Also, wenn Sie es automatisieren wollen, so dass die Hauptart der Melodie in Ihrem Track langsam nach oben und Tonhöhe wird , während der Aufbau abgespielt wird. Das kannst du auch tun. Sie sind also nur einige grundlegende Effekte, die wir selbst erschaffen können. Aber es gibt wirklich keine Notwendigkeit, unsere eigenen Effekte zu erstellen, wenn es Quelle oder viele Effekte, die Sie hier herunterladen können. Und Sie können diese in Ihren Tracks verwenden. Es gibt also keine, es gibt keine Notwendigkeit, Ihre eigenen zu erstellen , außer für diese Tonhöhenbiegetechnik, die wirklich gut klingen kann, wenn Sie die Elemente verwenden , die Sie irgendwie bereits zu Ihrem Track hinzugefügt haben. Aber abgesehen davon brauchen wir nicht unsere eigenen zu erschaffen. Wir können nur einige der Effekte verwenden, die in diesen Beispielrückseiten kommen. Gehen wir jetzt zum nächsten Abschnitt und wir werden einen Blick auf den Gesang werfen. 40. Einführung in die Vocal für EDMs: Also in diesem Abschnitt werden wir alles über die Verwendung von Gesang für EDM lernen. Jetzt verwenden EDM-Tracks oft Gesangsphrasen, Vokalhaken, Loops, Koteletts, Samples usw. Aber was sind all diese Dinge und wie verwenden wir sie? Nun, das werden wir in diesem Abschnitt lernen. Bevor wir also zum Großteil der Vorträge übergehen, wollte ich Ihnen nur ein paar Beispiele für jeden dieser Vokaltypen geben. Beginnen wir hier am Anfang mit Vokalphrase, wir bringen es zurück. Und ich werde es nochmal spielen. Ich werde zurückbringen. Der nächste, den wir haben, ist ein Vokalhaken. Mal sehen, wie sich das anhört. Ich rede mit mir selbst. Ich kann keinen Überblick bekommen. Du liebst dich einfach selbst. Es ist ein gemacht, dass du mit sich selbst redest. Ich kann keinen Überblick bekommen. Du liebst dich einfach selbst. Es ist ein gemacht, dass Sie es tun. Schauen wir uns jetzt eine Vokalschleife an. Richtig? In Ordnung. Alles klar, in Ordnung. Lassen Sie uns jetzt einen kurzen Blick auf die Gesangskoteletts werfen. Und jetzt werfen wir einen kurzen Blick auf ein Vokalbeispiel. Verschwindet wahrscheinlich hat er es mir gezeigt, und sie haben sie auf den Boden gelegt, beginnen Stichwunden in den Rücken zu treten und weißt du was, über Syrien. Lebend, als wir hier ankamen. Okay, so klingt jeder dieser Vokaltypen. Gehen wir jetzt zum ersten Vortrag in diesem Abschnitt wo wir uns die Vokalphrasen im Detail ansehen werden. 41. Vocal: Okay, also was sind Vokalsätze? Nun, Vokalphrasen und elektronische Musik beziehen sich einfach auf sehr kurze Sätze oder Phrasen, die dem Charakter hinzufügen. Also springen die typischen 123. Diese Schreie, die man hören kann, bevor der Tropfen kommt, ihre stimmlichen Sätze. So kann eine Vokalphrase überall im Track verwendet werden. Ihre Arbeit besonders lange vor dem Tropfen und in Pannen, da sie dem Hörer etwas Vertrautes gibt, das Sprache ist. Sie wollen definitiv nicht die Vokalphrasen überverwenden. Also, wenn Sie sie verwenden, wählen Sie einfach ein oder zwei und erstellen Sie dann ein Muster aus ihnen. Und der Grund dafür ist, dass, wenn Sie zu viele zufällige Phrasen verwenden, Ihre Spur und Ton chaotisch und Amateur, jedes Element in Ihrem Track muss klingen, als ob es Teil der gleichen Familie ist und Ihre Vokalphrasen sind nicht anders. Stellen Sie also sicher, dass Sie nicht zu viele verwenden und sie gut zusammenpassen. Sie können Vokalphrasen in Sample-Paketen finden, oder wenn Sie sich kreativ fühlen, können Sie Ihre eigenen aufzeichnen. Also werde ich Ihnen hier ein Beispiel für einige Vokalphrasen und Kontext geben. Okay, also gibt es drei verschiedene Arten von Vokalphrasen, die verwendet werden. Da ist dieser Ad-Live-Phrase, lassen Sie uns mal zuhören. Ok. Und dann habe ich mich mit dieser Phrase zusammengetan, die dieselbe Frau ist. Es ist also dieselbe Person, die spricht. So klebt es irgendwie alle diese separaten Sätze zusammen. Hören wir uns diesen Satz tief in meiner Seele an. Und dann, wenn wir hierher kommen, um eine Art Chorabschnitt des Zusammenbruchs, haben wir diese Vokalphrase, die wiederum dieselbe Frau spricht und es klingt so. Aber wenn wir sie alle miteinander kombinieren, klingen sie so. Okay, ich werde es einfach von hier spielen, damit wir nicht so in beide sind, dass sie nur diesen hier hören würden und dann werden wir uns das anhören. Und ich bewege die Probe so, wie sie gehen würde, lässt uns jetzt tief nach unten, es ist nicht so tief. So können Sie sehen, dass dieses spezielle Vokalmuster aus drei separaten Gesangsphrasen aufgebaut ist . Also lasst uns den ganzen Track anhören, vielleicht bis zu hier. Und dann kommen wir in das Sample-Paket und wir werden einen Blick darauf werfen, einige Vokalsätze zusammen zu passen . Lasst uns jetzt mal zuhören. Tief in meiner Seele, tief in meiner Säge. Okay, also kommen wir hier rüber in die Sample-Packs und scrollen nach unten, wo ich meinen Gesang behalte. Und ich gehe einfach zu diesem Vocal Pack fünf. Und wir werden hier zu Gesangsphrasen hinzufügen. Okay, also lasst uns einfach mal ein paar dieser Sätze zuhören. Lassen Sie hier mit 18 beginnen. Ok. Versuchen wir es 17. Stress 16151413, Tablett aus. Okay, also kannst du all diese zusammen kombinieren, um eine vollständige Art von Gesangsmuster zu erstellen. Also komm einfach schnell hier runter und ich werde diesen Track solo, vielleicht zwei oder drei von ihnen, und wir ziehen einfach in dieses Sample, diese, sorry, diese Vokalphrase, Mileva, hören Sie es an. Alles klar, jetzt versuchen wir, diesen Vokalsatz mit einigen anderen Vokalsphrasen zu vereinbaren. Lasst uns acht LBJ hören, fallen lassen, behalten, Glaube ich. Ok, also diese Stimme hier, das klingt sehr, sehr ähnlich zu diesem Satz, den wir hier haben. Also werde ich diesen Satz rausziehen. Und wie alle unsere externen Loops, müssen wir auch diese Vokalphrasen in unser Tempo passen, Okay, also sind wir auf 128 gesetzt erscheinen. Also werde ich das Übliche tun und ich werde auf Fit to tempo klicken. Und ich werde nur auf die Schätzung klicken, weil ich nicht weiß , was diese speziellen Vokalsätze dargelegt haben. Also werde ich einfach die Software verlassen, um für mich zu erraten. Und ich werde das Gleiche hier drüben mit dem hier machen. Und es schätzt ungefähr 150. Hören wir uns nun beide zusammen an. Key, warum glauben Sie, nicht. So könnten wir diese beiden Gesangsphrasen als Vokalmuster verwenden. Also, wenn ich das dupliziere und ich ziehe die zweite hier raus in diese Bar, und ich komme einfach wieder nach oben und ich werde die Musik in Musikpart solo. Und wir hören uns einfach an, wie diese Vokalphrasen jetzt mit dieser Baseline und Kickdrum klingen. Ok. Lasst uns mal zuhören, warum das nicht glauben. Behalten Sie das y glaubhaft, nicht. Und Sie können je nach Sound Ihres Tracks mehr Vokalphrasen oder sogar weniger Vokalphrasen hinzufügen. Aber bedenken Sie, dass Sie nicht zu viele Vokalausdrücke hinzufügen sollten. Andernfalls wird der Gesamtklang deines Tracks ein wenig verwirrt. Also mein Rat ist, vielleicht bei zwei oder drei zu bleiben und sie dann zu verwenden , um ein kleines Gesangsmuster zu erstellen, das Sie über den Track wiederholen können. Also werde ich nur diese Sätze löschen, die wir eingezogen haben und wir gehen jetzt zum nächsten Vortrag über, der sich Vokalhaken ansieht. 42. Vocal: In diesem Vortrag lernen wir etwas über Vokalhaken. Also wir's Haken ist nur ein schickes Wort für eine musikalische Idee, die die Aufmerksamkeit des Publikums auf sich zieht. Und als unvergessliche und elektronische Musik ist ein Haken wie ein Ausschnitt aus einem Vers, einem Chor, und so länger als eine Phrase und eine Schleife, kann man es im Wesentlichen als einen Mini-Sohn betrachten. Jetzt würde ein Haken am besten in der Aufschlüsselung funktionieren, aber sie können auch gut funktionieren und der Tropfen, Sie können diese Haken in Musterpackungen finden oder Sie können Ihre eigenen aufnehmen. Aber das Einzige, was ich damit sagen werde, ist, dass, wenn Sie Hawks aus einer Musterpackung nehmen, Sie sicherstellen müssen, dass das Musterpaket lizenzfrei ist. Und was das bedeutet, ist, wenn Sie verfolgt werden, geht auf kommerziellen Streaming-Plattformen wie Spotify oder YouTube oder so etwas. Wo Sie Geld von uns verdienen. Wenn Sie einen Haken verwenden, der nicht lizenzfrei ist, schulden Sie tatsächlich der Person, die diesen Haken gemacht hat, einen Prozentsatz Ihres Einkommens. Es ist also viel einfacher, einfach die Beschreibung des Beispielpakets zu überprüfen , das Sie herunterladen, und stellen Sie sicher, dass es gebührenfrei steht. Sie können auch keine Umarmung von einem anderen Song nehmen, weil dies zu Urheberrechtsproblemen führen würde. Wenn Sie wirklich eine Umarmung von einem Lied verwenden wollen, müssen Sie tatsächlich den Künstler kontaktieren. Sagen wir mal, ich wollte eine stimmliche Umarmung von einem von Katy Perrys Tracks verwenden. Ich müsste Katy Perry kontaktieren und sie um Erlaubnis bitten , diesen Haken in meiner Spur zu benutzen. Wenn Sie die Erlaubnis bekommen, dann ist es in Ordnung, diesen Haken in Ihrem Track zu verwenden. Aber ohne Erlaubnis könnten Sie in alle Arten von Urheberrechtsfragen laufen, schwankte raten Ihnen, den Haken eines anderen nicht in Ihrem Track zu verwenden , es sei denn, Sie haben die Erlaubnis, dies zu tun. Aber wenn Sie Ihre eigenen aufzeichnen, dann werden Sie auf keines dieser Probleme stoßen, weil dieser Haken 100% originell ist und 100% Ihnen gehört. Lassen Sie uns also dieses Beispiel eines Vokalhakens anhören, den ich hier habe, und wir haben es im Kontext eines Arrangements angehört. Also hier habe ich eine Art Panne und dann bewegt es sich in einen Tropfen. Und man kann hier unten sehen, dass der Vokalhaken über den Tropfen hinaus weitergeht. Also lasst uns mal zuhören, wie das klingt. Und dann kommen wir hier zu den Sample-Packs und wir werden sehen, wie wir Vokalhaken zu unseren Tracks hinzufügen können. Okay, also lasst uns jetzt mal zuhören. So könnte ein Vokal-Hub in einem Track klingen. Kommen wir jetzt zu den Sample-Packs und wir werden nur einige Vokalhaken finden, um eine Luftspur zu benutzen. Also werde ich nur nach unten scrollen und ich werde dieses verwenden, das bereits hervorgehoben ist, was Schleifenmaster ist. Kate wilde Vokalhaken. Acapella hat Band drei. Okay, also werde ich hier in die Wellenschleifen-Sektion kommen. Und wie Sie sehen können, öffnet es all diese kleinen Unterordner. Und Vocal Hook Packs sind großartig, weil 90% der Zeit, die sie Ihnen die BPM geben, sie geben Ihnen den Schlüssel, und dann geben sie Ihnen den Namen der Summe. Also weiß ich, dass meine Strecke 127 BPM ist. Und ich weiß auch, dass der Schlüssel meines Tracks in C-scharf ist, okay? Also werde ich versuchen, einen Vokalhaken zu finden, diesen beiden Dingen so nah wie möglich entspricht. Jetzt kann ich hier sehen, dass ich eins bis zwei und ein d-Moll habe. Und D wäre ziemlich nah an C scharf. Aber das einzige Problem ist, dass mein Track nicht Minor ist, okay? Meiner ist Major. Okay, also haben wir den Akkord von C-scharf, E, F und G scharf. Und das ist das Gericht von C-Sharp Major. Also, wenn ich dieses d-Moll hineinziehen und es dann auf C scharf aufheben sollte. Es würde tatsächlich in C-Moll spielen, Nazi-Shart-Dur. Wenn Sie sich also Ihrer Waagen und Schlüssel und so nicht sicher sind, könnten Sie dies einfach schließen und dann ein anderes Sample-Paket finden , das nicht C-Sharp-Dur ist. Oder eine andere Möglichkeit wäre, zu berücksichtigen, dass dies in d-Moll ist und dann Ihren Track so ändern, dass Ihre Strecke in d-Moll ist. Aber wenn du wie ich bist und das Arrangement bereits begonnen hast, kann das ein bisschen mühsam sein. Also, was ich stattdessen tun werde, ist, dass ich mein Wissen über Waagen und Schlüssel verwenden werde, okay? Also weiß ich, dass mit C-Sharp Dur der relative Moll davon ein scharfes Moll sein würde. Ok? Und was wir hier haben, ist, dass wir etwas A-Minor haben, also ist A-Minor ziemlich nah an einem scharfen Moll. Also, was ich tun werde, ist, dass ich ein kleines Lied nehmen werde. Und es ist auch auf 110 BPM eingestellt, was näher an eins bis sieben liegt. Dann ist 97. Also werde ich das hier nehmen und ich werde einige der Vokalhaken in diesem Ordner vorsprechen , um in meinen Track zu ziehen. Nun, wenn Sie nicht sicher sind, was die relative Major und die relativen Bergarbeiter und so was. Das ist okay, wenn du nur den Schlüssel deiner Spur nimmst. Also sagen wir, Sie sind ein Track ist in D-Dur. Wenn Sie nur Google, was ist der relative Moll von D-Dur, dann wird Google tatsächlich beantworten, dass für Sie wirklich, wirklich schnell und Sie werden herausfinden, dass es B-Moll ist. Aber ich weiß bereits, dass für meinen Track ein scharfer Minderjähriger funktionieren wird. Also werde ich vielleicht diesen Teil hineinziehen, um zu führen. Ja. Also mag ich den Klang dieses Rudels zu führen. Also werde ich das in meine Spur ziehen. Und ich werde es dort platzieren. Und ich werde nur die Vokalhaken löschen, die wir bereits hatten , damit wir von frisch mit einem leeren Schiefer beginnen können. Und dann werde ich diesen Vokalhaken, den ich gerade reingezogen habe, zum Beginn meiner Arrangements bewegen , den Beginn des Zusammenbruchs hier, okay? Das erste, was ich damit machen werde, ist, dass ich es so dehnen werde , dass es meinem Tempo entspricht. Und wir können hier sehen, dass die Software es gescannt hat, und es hat geschätzt, dass es um 110 BPM. Und wenn wir hier rüber kommen, können wir sehen, dass die Software tatsächlich knallt. Okay, also werde ich hier klicken und es wird es für mich strecken. Und dann, was ich tun werde, ist, dass ich es aufwerfen werde. Ok? Ich weiß also, dass dieser spezielle Vokalhaken in einem Moll ist. Und ich weiß, dass ich es transponieren muss, damit es tatsächlich in einem scharfen Moll spielt. Ok? Also werde ich es nur um $0.100 aufstellen. Und wenn wir uns von vorher erinnern, dass $0.100 ein Halbton ist, dann werden wir wissen, dass wir es um $0.100 aufschlagen, wir werden es tatsächlich um einen Halbton auflegen , der es zu einem scharfen Minor bringt. Ok, jetzt ist das aufgeschlagen und gestreckt. Wir können den Sampler schließen und wir können uns anhören, wie es sich in unserem Track anhört. Hören wir uns jetzt an. Das ist also eine Art Prozess, den du verwenden solltest , wenn du deinem Track Vokal-Hooks hinzufügst. Aber am Ende des Tages geht es wirklich darum, was besser klingt. Also technisch gesehen, wenn Sie Vokalhaken sind, ist weit aus dem Schlüssel. Wenn es wirklich gut klingt, dann spielt es keine Rolle, denn alle Zuhörer werden hier die endgültige Version deines Tracks sein. Also, wenn es gut klingt, ist es gut. 43. Vocal: In diesem Vortrag werden wir uns also auf Gesangsschleifen konzentrieren. So kann Vocal Loop jede Art von Gesang sein, den Sie im Laufe der Zeit schleifen wollen. Sie müssen nicht unbedingt irgendetwas sagen, solange es vokal basiert und es eine Art rhythmisches Element hat. Vocal Loops arbeiten weiden sowohl im Drop als auch im Zusammenbruch. Sie sollten sie jedoch nicht auf der gesamten Strecke verwenden. Es ist besser, während des Zusammenbruchs zu verblassen. Lassen Sie es während des Drop übernehmen und dann einen Abschnitt ohne Gesang haben. Es hilft nur, es aufzubrechen. Du willst den Zuhörer nicht langweilen. Also wieder, Gesangsschleifen können in Sample-Packs gefunden werden oder Sie können Ihre eigenen machen, indem Sie verschiedene Wörter schleifen und coole Effekte hinzufügen. Lassen Sie uns dieses Beispiel einer Vokalschleife anhören, die ich in meinem Track verwende. Ok, also ist es wirklich, wirklich kurze Schleife. Aber ich habe es tatsächlich viele Male während des Zusammenbruchs und des Aufbaus wiederholt und bis zum Tropfen kommen. Okay, also hören wir uns an, wie es sich im Kontext anhört. Und dann werden wie die anderen Vorträge hier zu unseren Sample-Backs kommen und wir werden sehen, wie wir Vocal Loops zu unserem Track hinzufügen sollten. Okay, lasst uns jetzt eine Vokalschleife im Kontext anhören. Und sagen Sie wirklich, Sie sehen wirklich das, wirklich, wirklich sagen. Dasselbe für Gehirne sind wirklich gute Worte. Okay, so würde eine Vokalschleife klingen, wenn du sie in deinem Track verwendest. Kommen wir in den Sample zurück Abschnitt und wir scrollen nach unten in meinen Vocals Ordner. Mileva, hör mir ein paar Vokalloops an, die ich habe. Wie Sie sehen können, sind sie irgendwie in zwei verschiedene PPMs aufgeteilt. Die erste ist 140, und die zweite ist eins bis acht. Denken Sie daran, dass wir vorher gesagt haben, dass eins bis acht ein glückliches Medium ist. Nun, deshalb sind diese Vokalschleifen auf 12z gesetzt, weil es vorausgesetzt wird, dass, wenn Sie versuchen, diese Vokalschleifen an Ihr Tempo anzupassen, mit einem BPM, das ziemlich nahe an 128 liegt. Die Vocal Loops, die dann auf 140 gesetzt sind für Tracks konzipiert, die etwas schneller sind, wie Dubstep und Drum und Bass. Ich werde hier reinkommen, um die 128 BPM eins, weil meine Strecke auf 128 eingestellt ist, es ist nur eine Frage der herauszufinden, welche BPM am nächsten ist , die Sie in Ihrer Spur gesagt haben. Ok, also lasst uns in diesen 128 BPM-Ordner kommen und wir werden uns einige der Schleifen hier anhören. Also lasst uns dieses Haus Schleifen 34 nehmen und hören, wie das klingt. Versuchen wir es 36. Jetzt versuchen wir es vielleicht 391 mehr. Wir versuchen es einfach 40. Sehen Sie, wie sich das anhört. Die Musik, die ich gefunden habe. Ok, also nehmen wir einfach House Loops 40, und wir ziehen es in unser Projekt. Und wir sind hier oben geladen. Okay, jetzt werde ich nur die Gesangsschleifen löschen, die ich bereits benutzte, nur damit wir irgendwie von einer leeren Vorlage ausgehen . Und das erste, was ich tun werde, ist sicherzustellen, dass es zu unserem Tempeleigentum passt. Jetzt weiß ich, dass es bereits 128 BPM sagt, aber ich werde nur sicherstellen, dass es genau passt, indem ich den Schätzknopf drücke. Nun, offensichtlich, wenn Ihre Schätzung irgendwo weit weg ist, wenn das wie 75 sagt, klickt nicht. Aber weil es ziemlich nahe an 120 Tagen scheint, gehe ich davon aus, dass die Software besser weiß als ich, und ich werde darauf klicken. Nun, da das Tempo der Loop dem Tempo unseres Tracks entspricht, werden wir nun den Schlüssel unseres Tracks herausfinden und diese Vokalschleife transponieren oder aufheben, so dass sie zum Schlüssel unseres Tracks passt. Ok. Also werde ich hier zu unserer Pianorolle klicken und ich werde verrückt überprüfen, der Track ist fertig und ich kann hier sehen, dass es irgendwie in der Nähe von F. Ok. Wenn ich also wieder in die Playlist komme und auf die Schleife doppelklicke, wird das Beispielfenster angezeigt. Und was ich tun kann, ist, dass ich es zu einer Mischerspur hinzufügen kann. Und dann machen wir den gleichen Prozess. Wir fügen ein Plugin namens Edison hinzu. Und dann ziehen wir die Wellenform in die Musik und legen sie dann in Edison. Für meine Seele. Ich habe gefunden. Ok. Und dann klicken wir mit der rechten Maustaste und kommen dann zu Regionen, und kommen dann ganz nach unten und klicken Sie auf Tonhöhenbereiche erkennen. Und was das tut, ist, dass es die Datei scannt und uns sagt, welchen Schlüssel es setzt. Also kann ich hier sehen, dass es irgendwo um D-scharf ist, vielleicht D, C scharf. Also gehe ich davon aus, dass der erste korrekt ist, und ich werde das als Grundlage verwenden, um die Stimmschleife zu tonieren. Okay, also schließen wir Edison, der hier zur Gesangsschleife kommt. Also weiß ich, dass die Gesangsschleife nicht D-Sharp ist und mein Track ein F ist, also werde ich diesen einen Halbton zu e und einen weiteren Halbton zu f aufstellen müssen. also werde ich diesen einen Halbton zu e und einen weiteren Halbton zu f aufstellen müssen. Also nun mal sehen, ob das, oops, Jetzt mal sehen, ob der Schlüssel dieser Gesangsschleife zu unserem Trek passt. Okay, also denke ich, das klingt ziemlich gut. Ich denke, dass diese Vocal Loop klingt, als wäre sie im Schlüssel zum Track. Sobald Sie also Ihre Gesangsschleife in der Taste und rechtzeitig haben, können wir sie dann über den gesamten Abschnitt einfügen, den Sie in gewünscht haben. Also wollte ich in einem Teil meines Zusammenbruchs und dann in den Aufbau. Und dann können wir uns anhören, wie der Track klingt, mit dieser Vokalschleife darin. Ich werde es nur ablehnen, weil es wirklich laut ist und es wurde abgewandt passt auf die Strecke. Jetzt habe ich gerade bemerkt, dass es am Ende ein bisschen ein Klickgeräusch gibt. Und das liegt daran, dass zwischen jeder Vokalschleife ein bisschen Stille passiert. Ok? Wenn ich also hierher komme und nur die Wellenform anschaue, kann ich sehen, dass die Wellenform irgendwo hier beginnt, aber unsere Bar beginnt hier. Es ist also etwas aus der Zeit. Also, was ich tun werde, ist, dass ich das hier hervorheben werde. Ich werde hierher kommen und ich werde auf Strecken klicken. Und das dreht sich auf Stretch. Und dann, wenn ich das herausschiebe, wird tatsächlich die Wellenform dehnen. Also werde ich es dehnen, so dass der Beginn dieser Art von Spitze der Wellenform am Anfang unseres Barnett beginnt, irgendwo dort herum. So jetzt kann ich sehen, dass der Käufer mit dieser Art von Spitze der Wellenform übereinstimmt. Und ich werde kommen, ich zoomen wieder raus und ich werde sehen, wie das jetzt klingt. Also lasst uns mal zuhören. Also denke ich, dass die Schleife jetzt gut klingt. Also werde ich die Dehnung wieder ausschalten, so dass, wenn ich eine andere Wellenform ziehe, es es nicht dehnt, es zieht nur diese Art von zusätzlichem Teil heraus. Okay, als Nächstes schauen wir uns die Gesangskoteletts an. 44. Vocal: In diesem Vortrag werfen wir einen Blick auf Vokalkoteletts. Ein Gesang ist also, wenn Sie einen vorhandenen Haken nehmen und ihn dann in kleinere Stücke hacken. Diese Stücke werden dann herum gemischt und vielleicht werden andere Stücke gelöscht. Und Sie verwenden die restlichen Stücke, um einen interessanten, aber rasanten Rhythmus zu schaffen. Gesangskoteletts funktionieren wirklich gut, wenn Sie keinen Haken verwenden möchten oder wenn Sie keinen lizenzfreien Haken finden können. Der Grund dafür ist, dass Sie einen Haken aus jedem Song und dann Kapitel bis zur Unkenntlichkeit verwenden können , um in Ihren Tracks zu verwenden. Sie können auch Ihren eigenen Haken aufzeichnen, um zu hacken, oder Sie können einfach einen in einer Probe zurück finden. Hier ist ein Vokalkapitel, das ich vorhin gemacht habe. Und es begann das Leben als dieser Vokalhaken. Lassen Sie uns mal hören, wie es klang, bevor es gehackt wurde. Nimm es als eins. Das ist es, was du mir nicht machst. Manchmal sind das die Dinge, die du mir gegeben hast. Ich habe gesehen, dass ich mich ankündige, ich habe den Weg gekauft. Verzögern Sie mich. Ok. Und jetzt hören wir mal an, wie es klingt, nachdem ich ein bisschen Hacken gemacht habe. Ein DOM, jetzt, hält ein DOM, jetzt gehäuft. Also nahm ich einfach kleine Stücke und Stücke von überall in diesem Vokalhaken. Und dann habe ich sie irgendwie neu arrangiert und diesen Rhythmus gemacht. Hören wir uns an, wie es sich im Kontext anhört. Okay, also habe ich diese Art von Hausmusik Zusammenbruch. Also, wenn Lektion Zwei am Gesang klingt wie mit diesen Karten und den Pads und so. Ok. Lässt uns und jetzt bedeutet ein dom. Dom. Dom. Ok. Ich bin mir sicher, dass Sie die allgemeine Vorstellung davon bekommen. Also, was wir jetzt tun werden, ist, dass wir in meine Sample-Packs kommen und einen Blick darauf werfen, unseren eigenen Gesang zu hacken. Also werde ich diesen Hausschleifen Ordner schließen , den wir uns in der letzten Vorlesung angesehen haben. Und ich werde einen Gesang eröffnen. Also komme ich einfach hier rauf zu einem meiner vollen Gesangspakete und werde vielleicht dieses wählen. Es gibt Produktionsmeister Alexandra Gesangssitzungen. Okay, kommen wir hier rein und wir können wieder sehen, wir haben all diese Unterordner mit verschiedenen Sachs. Jetzt für Vokalhaken ist es nicht so wichtig, einen BPM zu finden, der eng mit Ihrem verwandt ist , weil wir tatsächlich das Ganze komplett zerschneiden und dann alle Stücke neu anordnen. Es spielt also keine Rolle, welche von ihnen Sie wählen. Also werde ich wählen, sagen wir, die 100 Schläge pro Minute, die ungefähr 25 Schläge pro Minute von meinem Projekt entfernt ist, ist eingerichtet, aber das ist okay. Wir brauchen es nicht, um 125 zu erreichen. Also werde ich einen dieser Haken hierher ziehen. Vielleicht ziehen wir in diesen Vers. Ich werde es in die Playlist plop. Und was ich tun werde, ist, dass ich die Koteletts lösche, die ich zuvor gemacht hatte. Und ich werde das solo machen, damit wir ein paar Chaps anwenden können. Es gibt also zwei Möglichkeiten, Koteletts anzuwenden, okay? Sie können hier nach oben kommen und Sie können ein Rasierwerkzeug auswählen und Sie können es selbst durchgehen und diese kleinen Stücke so hacken. Oder ich werde einfach all diese rückgängig machen und einfach in die Beispielansicht zurückkehren. Okay, also, damit du es selbst hacken kannst, oder du kannst zu dieser kleinen Wellenform kommen , wie wir es tun, wenn wir versuchen, etwas in unser Tempo zu passen. Klicken Sie darauf, und dann kommen Sie hier runter, um zu hacken. Und Sie können die Software das Hacken für Sie machen lassen. Okay, also können Sie hier all diese Art von Rhythmen auswählen, aber ich werde nur scharfe Auto-Slicing verwenden, damit ich meinen eigenen Rhythmus machen kann. Wenn Sie eine von diesen auswählen, ordnet es es tatsächlich für Sie neu an. Also vielleicht nur um der Demonstration willen, lasst uns diese 112 Schleife wählen und wir werden sehen, dass alle Stücke jetzt, die ich umgedreht habe. Hören wir uns an, wie es klingt. BBB. Okay, das klingt ein bisschen robotisch, aber wir können wählen, wie versuchen, vielleicht eine andere Einstellung wirklich schnell, kurz bevor wir es selbst tun. Lasst uns vielleicht Starter wählen. Versuchen wir es. Ok. Also werde ich das wieder rückgängig machen. Nun, ich ziehe es vor, alle kleinen Stücke selbst neu zu ordnen weil ich einfach mehr Kontrolle darüber habe und ich mehr Kontrolle über den Rhythmus und wie der gesamte Kerl klingt. Aber zögern Sie nicht, eine dieser Arten von automatisch generierten Einstellungen zu verwenden, wenn Sie möchten. Aber ich werde hier scharfes Auto Slicing auswählen. Ok? Und der Unterschied zwischen DO mittel und scharf ist, dass scharf war eine Art von Blick auf jeden dieser Gipfel und Tröge und weicher es wird es sehr, sehr genau hacken. Während mit Dual-Autos lysing, sind die Koteletts, die Sie bekommen, weniger präzise. Also, was passieren wird, ist mit scharfen Auto Slicing, Sie werden viele kleine kleine Koteletts haben, um herumzuspeichern und Lotto-Schneiden zurückzuziehen. Du wirst viele große kleine Scheiben haben, mit denen du rummachen kannst. Ich bevorzuge, meine Scheibe muss kleiner sein. Also werde ich rissig auswählen. Und wie Sie sehen können, ist es eine Art von Analyse der Wellenform und Kapitel, je nachdem, wo die verschiedenen Spitzen und Mulden sind. Okay, also fangen wir an, einige dieser Stücke neu zu arrangieren. Also könnte ich dieses Stück ziehen und hier unten beginnen. Und ich werde nur die Koteletts, an denen ich arbeite, solo machen. Also wollte ich hören, was ich mit den Koteletts mache, okay? Und ich werde hier nach oben zoomen und sicherstellen müssen, dass es die, ups, ich werde das auf keine setzen, nur damit ich die Kontrolle darüber habe, wo es geht, genau wo es hingeht. Und ich werde, ich werde es hier einfügen. So ist es genau auf dem ersten Takt der Bar. Ok. Dann komme ich wieder zu unserem gehackten Gesang. Und ich verkleinere einfach ein bisschen, damit ich sehen kann, was ich tue. Und ich werde vielleicht eine andere Segmente auswählen. Also vielleicht dieses kleine Segment hier und ziehen Sie das über. Und wir könnten es platzieren, sagen wir das nächste. Der nächste Beat, wir platzieren es am Anfang und dann werden wir ein weiteres kurzes Segment verwenden, vielleicht dieses bisschen. Und wir ziehen das rüber und begannen mit dem nächsten Schritt. Verwenden wir ein anderes Segment für vielleicht hier drüben, lassen Sie uns dieses wählen, ziehen Sie es über und begann mit diesem Schritt. Und dann versuchen wir es vielleicht, und wir ziehen das rüber und setzen es auf das. Okay, mal sehen, wie das so weit klingt. Und wenn es uns gefällt, werden wir es behalten. Und wenn wir bestimmte Bits nicht mögen, können wir sie hacken und ändern und entfernen und beginnen, verschiedene Bits hinzuzufügen. Lassen Sie uns hören, wie es sich bisher anhört. Okay, also hört es sich nicht so schrecklich an. Also werde ich weitermachen. Ich werde vielleicht dieses Stück hier hinzufügen. Lass uns rüber kommen und etwas vom Ende holen. Vielleicht ist dieses Stück eigentlich zu groß. Ich könnte das für ein weiteres Gebot lassen, aber ich werde vielleicht dieses kleinere Stück nehmen, weil ich im Moment viele große Stücke in meinen Koteletts habe, ich möchte nur noch ein paar kleinere Stücke verwenden. Lasst uns dieses Stück benutzen und wir legen es hier. Verwenden wir dieses kurze Stück und wir legen es vielleicht hier. Und dann benutzen wir endlich das große Stück, das wir hatten. Ok? Und das hat uns dazu gebracht, lassen wir es einfach dort liegen. Okay, mal sehen, wie das jetzt klingt. Ok. Was ich tun werde, ist, dass ich den Schwanz abhacken werde, damit wenn ich Lupus, sie alle irgendwie ein bisschen besser zusammenpassen, okay, so. Ok, also lassen Sie uns verkleinern und ich werde meine Rastereinstellung wieder einschalten und doppelklicken, um die Schleife loszuwerden. Und dann, wenn un-solo dies, und wir werden den ursprünglichen Vokalhook von oben löschen. Ich bin hierher gekommen und lösche das. Und dann werde ich dieses Muster einfach über den gesamten Pannenabschnitt einfügen , okay? So wie das. Nun, bevor wir wirklich mit dem Zuhören fortfahren, müssen wir das aufstellen, um sicherzustellen, dass es in Schlüssel ist. Also werde ich auf eines der Beispiele doppelklicken, die dem Mixer hinzugefügt wurden, Karriere und öffnen Sie Edison. Und dann ziehen wir es so rein. Also Baby halte mich nahe. Und dann doppelklicken wir auf Regionen, erkennen Tonhöhenbereiche. Und mal sehen, welche Art von Schlüssel wir betrachten. Ok? So kann ich hier sehen, dass wir C, B, C scharf, D scharf, F scharf betrachten . Oder eigentlich anstelle dieser Methode, weil wir überhaupt einen Vokalhaken verwendet haben, können wir hier einfach sehen und sehen Walkie, es ist, und so ist es tatsächlich in B-Dur. Also werde ich den Schlüssel meiner Spur überprüfen, die ist, Ich denke G scharf Moll. Um hier nach unten zu scrollen. Ja, C-scharfer Moll. Ok. Also wieder haben wir einen Major und einen Minor, eine Art Zusammenstoß. Also werden wir uns hier relative Majors ansehen müssen. Also ist mein Track in der Tonart G-Moll. Und der relative Major des G-Sharp Bergarbeiters ist zufällig Major. Also sind wir in Ordnung. Wir müssen überhaupt keinen Pitching machen. Also lasst uns jetzt den Zusammenbruch mit unseren Gesangskoteletts anhören und sehen, wie es klingt. Ich könnte sie in der Mixer-Spur für uns einfach nicht zu überwältigen. Lass uns mal zuhören. Okay, jetzt, wenn du deine Gesangskoteletts machst, machst du das Muster vielleicht etwas länger. Jetzt sind unsere Muster war sehr kurz. Es war nur ein Käufer, und dann sahen wir uns das den ganzen Weg hindurch an. Aber man könnte einen 4-Bar machen, man könnte eine acht bar machen, man könnte sogar einen 16 bar langen Gesang gehackt machen. Das ist alles anders durch und das würde viel Interesse für den Hörer wecken. Ich habe hier schnell ein Vierbar-Muster gemacht, nur für den Zweck dieser Vorlesung. Aber wenn du deine Tracks erstellst, solltest du dieses Muster vielleicht auf vier Balken oder APRs erweitern oder wie gesagt, noch länger. Okay, im nächsten Abschnitt werden wir uns die letzte Art von Gesang ansehen, die Vokal-Samples sind. 45. Sampled Gesangs: In dieser Vorlesung werfen wir einen Blick auf Vokal-Samples. Ein Beispiel ist, wenn Sie ein Stück Audio von einem vorhandenen Stück Arbeit nehmen und dann dieses Audio in Ihren eigenen Spuren verwenden. Nun, weil wir eigentlich Audio von der Arbeit anderer Leute nehmen, müssen wir sehr vorsichtig mit dem Urheberrecht sein. Sie müssen also die Erlaubnis einholen, die Arbeit eines anderen in Ihrem Track zu verwenden. Es gibt jedoch etwas, das gemeinfrei genannt wird. Und die Public Domain ist im Grunde ein Ort, an dem man herausfinden kann , welche Kunst- und Geschichtswerke. Ich bin tatsächlich über ihr Copyright-Datum gegangen. So waren Melodien wie die traditionelle Happy Birthday Melodie einst urheberrechtlich geschützt. Aber jetzt, weil diese Melodie so alt ist, ist das Copyright dafür tatsächlich ein verfallen. Was Sie also tun können, ist, dass Sie die Public Domain nutzen können, um herauszufinden, welche Kunstwerke frei von Urheberrechten sind, die Sie in Ihren Tracks verwenden können. So sind zum Beispiel amerikanische Filme vor 1964 in Ordnung zu verwenden. Und ausländische Filme vor 1923 sind in Ordnung zu verwenden. TV-Shows vor 1970. Sung ist alles, was vor 1924 in Ordnung ist. Sie können auch nur Google, wonach Sie suchen, gefolgt von dem Wort Public Domain und Sie werden es finden. So zum Beispiel Volkslieder, Public Domain. Es wird eine Liste von Volksliedern, auf die kein Urheberrecht mehr angewendet wird, aufwerfen. Viele Hausmusik-Tracks probieren tatsächlich alte Soul Musik und nutzen diese dann, um einen Haken zu bilden. Also in diesem Beispieltrack hier verwende ich tatsächlich Vokal-Samples aus einem Paket, das ich heruntergeladen habe, das Lo-Fi-Vocals genannt wird. Und in diesem Pack gibt es Hunderte von verschiedenen Arten von Vokal-Samples, die die Vokalphrasen sehr kurz vorangetrieben haben. Aber wieder, wir können diese Phrasen verwenden, um eine längere Art von Gesang für unseren Track zu erstellen, ok. Aber all diese Low-Fi-Phrasen wurden gesampelt. Also in diesen Faktoren, Phrasen von Navigationssystemen, von Reden, die Präsidenten im Laufe der Jahre gehalten haben, von TV-Shows, von allen Dokumentationen und allen Radiosendungen und all diese Art von Sachen, die wir ausprobieren können. Lassen Sie uns mal hören, wie einige dieser Low-Fi-Phrasen klingen. Ernährung sollte zu Hause, Kirche, MAN, nicht krank, Moody. Wer? Diese sind also auf Deutsch und ich spreche kein Deutsch, also werde ich einfach weitermachen, weil ich nicht verstehe, was sie sagen. Lassen Sie uns diese Sätze versuchen. Eins-zu-Fünf. Intellektueller Inhalt, strahlend. Im Gegensatz zu diesen Prophezeiungen, scheinen töricht. Aber ich glaube nicht, geben Sie das Internet zehn Geschichten High Street, weil es sagt Olympian menschliche Wahrheiten im Internet garantiert und neue Grenze. All diese wurden also von einem bereits existierenden Stück Arbeit gesampelt. Also lassen Sie uns ein Hören auf das Beispiel Track, wo ich einige dieser Low-Fi Vokal-Samples verwendet habe . Und wir werden sehen, wie es sich im Kontext eines Melbourne Bounce Tracks anhört. So wird der Klang durch die genaue Zahl geregelt. Aber es ist hier, dass die Masse, die aus zwei Erfahrungen gemacht wird , auf denen unsere visuelle Welt basiert. Und jetzt haben wir diesen Kern und diesen asiatischen Einfluss voll geschlagen . Also werde ich Ihnen nicht den Prozess zeigen, diese Vokal-Samples zu finden, weil es wirklich, wirklich einfach ist. Wenn Sie nur nach etwas im Internet suchen, wie vielleicht eine alte TV-Show oder alte Radioshow, Lieblingsrede, die Sie haben könnten. Und dann, wenn Sie dieses Stück Audio herunterladen und es in Ihre Tracks ziehen, das wäre zusammengesetzt Gesang, wir verwenden gesampelte Vocals genauso, wie wir Gesangsphrasen oder Vokalhaken verwenden würden. Sie werden die gleichen Effekte und die gleichen Prinzipien anwenden. Okay, also gehen wir jetzt zum nächsten Abschnitt, wo wir lernen, wie man diese Gesänge manipuliert. 46. Einführung in die Gesangsweise Manipulating: In diesem Abschnitt lernen wir ein paar verschiedene Techniken, die wir tun können, um den Klang unseres Gesangs zu manipulieren. Vielleicht möchten Sie, dass sie höher oder niedriger klingen, oder vielleicht wollen Sie einfach nur, dass der berüchtigte Daft Punk synthetisierte Gesangsklang einen Blick auf Dinge wie Foreman Shifting, Vocoder und Vocal Doubling werfen wird . Bevor wir einspringen, werde ich Ihnen ein kurzes Beispiel für diese Dinge geben damit Sie wissen, worauf Sie sich in diesem Abschnitt freuen können. Also hier oben, habe ich diesen originellen Gesang. So klingt der Gesang ohne diese Vokalmanipulationstechniken angewendet. Lasst uns mal zuhören, wie das klingt. Eines Tages, wenn er älter ist, auf all diese drei zurückblickt, gibt es neun. Eines Tages, wenn älter, werden wir feststellen, dass eine Magie stirbt. Nun lasst uns mal zuhören, was Vorarbeiter Shifting mit diesen Gesängen macht. - Ja. - Ja. - Ja. - Ja. Jetzt hören wir uns an, was ein Vocoder tut. Und schließlich lasst uns mal anhören, was Stimmverdopplung mit diesen Gesängen macht. Eines Tages, wenn wir älter sind, einen Tag zurückblickend, werden wir das finden. Nun, da wir wissen, wie jede dieser Techniken klingen, lasst uns in die erste Vorlesung springen, die Formantverschiebung ist. 47. Formant: Für diesen Vortrag werden wir uns die Form und das Verschieben ansehen. Nun ist dies eine extrem verbreitete Technik, die in House, Tech, House, Techno und vielen anderen EDM-Genres verwendet wird. Es wird in erster Linie für Gesang verwendet und kann auf einem Hauptvocal oder sogar auf einem Backing-Vocal als Layer verwendet werden. Also, bevor wir uns ansehen, wie man Farm und Verschiebung macht, ist es wichtig zu verstehen, was es tatsächlich ist. Also müssen wir uns fragen, was ist ein Formant? Nun, um es einfach auszudrücken, ist ein Formant die Form, die du Mund macht, wenn er versucht, einen Vokalsound zu erzeugen. Okay, auf Englisch kennen wir diese häufig als AEIOU, aber es gibt tatsächlich viele, viel mehr Formen als diese fünf. Ok? Wir haben Formen wie Ooo, unsere Luft, unser Öl. Alle diese Formen bilden Formen. Was uns also Form und Verschiebung erlaubt, ist es uns erlaubt, diese Formate zu manipulieren. Wir können sie benutzen, um den Klang des Gesangs sanft zu verschieben. Oder wir können viel extremer sein und erzeugen eine Art Dämonen- oder Streifenhörn-Sound. Der Prozess der Verschiebung ist wirklich, wirklich einfach und wir tun es mit Plugins. Also, bevor wir hier reinkommen, um die Sample-Packs zu formen und unseren eigenen Gesang zu verschieben. Lassen Sie uns einfach ein Hören auf diese Form und verschoben Gesang im Kontext, und wir werden sehen, wie es klingt in der Arrangement. Also nun lasst uns einen Gesang finden und wird Forum und Verschiebung anwenden. Also werde ich hier reinkommen zu meinen Musterpackungen. Und wieder werde ich nach unten scrollen, bis ich in meinen Vokalordner komme, Fokus fünf, und wir werden jede von ihnen wählen , die Sie Form und Verschiebung auf jede Art von Gesang anwenden können. Also werde ich in diese Gesangsschleifen kommen und ich werde nur eine von diesen sehr, sehr schnell auswählen. Ok. Scrollen wir ein bisschen nach unten. Orte. Party. Ok, benutzen wir diese Gesangsschleife 77. Okay, ich werde das hier reinziehen. Und ich werde es in meinem Arrangement platzieren. Und ich werde nur den Gesang löschen, den ich schon dort hatte, wo ich bereits eine Form und Verschiebung angewendet habe. Und was wir tun werden, ist, dass wir das nur solo machen, und wir werden eine Form und Verschiebung anwenden. Also hier ist, was es klingt jetzt, bevor wir Farm und Verschiebung Requisite, Requisite anwenden. Um diese Technik anzuwenden, doppelklicken wir darauf. Wir haben es in der Mixer-Spur geöffnet und wir werden ein Pitch Shifting-Plugin laden. Also werde ich es Solo machen. Und wir können hier reinkommen, jetzt können Sie jede Art von Pitching Plugin wie Isotopennektar laden. Es gibt tatsächlich Plug-Ins, die diesem Formular und Verschiebung gewidmet sind. Und sie klingen tatsächlich viel besser als das, was wir hier tun können. Aber für den Moment werde ich ein sehr Standard-Plugin verwenden, das mit FL Studio kommt und es heißt Pitcher, okay. So Bild ist eigentlich ein Auto Tune-Plug-in, so ist es entworfen, um Auto Junior Vocals, Requisite, Requisite, aber jetzt habe ich nicht die Auto abgestimmt eingeschaltet, aber das ist in Ordnung, weil wir nicht mit AUTO-TUNE betroffen sind. Worum wir uns Sorgen machen, ist dieser kleine Vorarbeiter hier unten. Ok? Also, was ich tun werde, ist, dass ich es einschalten werde, indem ich dieses kleine Licht drücke. Jetzt können Sie sehen, dass das Licht leuchtet und es bedeutet, dass Forum und Verschiebung angewendet werden. Und die Schnittstelle dieses Plugins macht es sehr einfach. Sie sagen, wenn wir den Pfeil hier nach rechts setzen, wird Ihr Gesang eher wie eine Frau oder ein Streifenhörnchen klingen. Und wenn wir den Gesang hier nach links setzen, klingt es eher wie ein Mann oder wie ein tiefer gutturaler Dämon. Okay, also werde ich es für den Moment im Zentrum lassen. Und ich werde die Probe, die wir haben, durchlaufen. Also diese Vokalschleife, ok, und dann schauen Sie das so, dass es weiter spielt. Und dann werde ich die Form und Verschiebung als Vokalplatz anwenden , damit wir in Echtzeit hören können, was es tut. Okay, also lass uns auf Play drücken und ich fange an, diesen kleinen Umfang anzupassen. Nun ist dieses spezielle Plugin mag nicht sehr gut klingen, aber Sie können viel herunterladen, die dieses Forum und Verschiebung viel besser tun. Aber so einfach können Form und Verschiebung sein. Und lassen Sie mich es mit etwas Pitch-Shifting vereinbaren. Es kann sogar noch besser klingen. Also, wenn ich das Geschlecht hier auftauche, richtig, tut mir leid, ich habe das Geschlecht hier nach rechts gedreht, also klingt es eher nach einer Frau. Aber wenn ich auch Pitch Shift S und ich vollständig nach oben verschoben habe, habe ich den ganzen Weg nach oben verschoben, so wie es gehen kann. Und jetzt ist es mit dieser Form und Verschiebung zusammengefügt. Die letzte Schleife wird so klingen. Wir können auch sehen, wie es klingt. Wenn wir das Geschlecht wieder einem Mann zuwenden. Oder wir könnten versuchen, die gesamte Schleife nach unten zu verschieben, und dann die Form zu ändern und zur weiblichen Einstellung zu wechseln. Und nun mal sehen, wie es klingt, wenn wir die Einstellung auf die männliche Einstellung drehen. Okay, also werde ich diese Tonhöhe wieder an den Ort zurücksetzen, an dem sie war. Und ich werde nur ein weiteres Plug-in laden, nur um Ihnen zu zeigen, dass Sie bessere da draußen bekommen können , weil die FL Studio Art von Standard-Bilder-Plugin, es ist nicht toll, aber es macht die Arbeit, die es irgendwie zu tun ist. Was ich tun werde, ist, dass ich Ihnen ein teureres Plugin zeigen werde, das Isotopennektar ist. Und wir werden das benutzen, um stattdessen Forum und Verschiebung anzuwenden. Okay, also werde ich dieses voreingestellte Fenster schließen. Ich werde hier rüber zur Übersicht kommen und ich werde nur den EQ und die Kompressoren ausschalten. Und ich werde direkt hierher kommen, um zu spielen, das Licht zu drücken, um es einzuschalten. Und dann kommen wir auch hierher. Format. Ok? Also verwenden wir diesen Verschiebungsparameter, um den Vorarbeiter nach unten oder oben zu verschieben. Okay, was ich tun werde, ist, wie wir es mit dem Pitcher-Effekt gemacht haben, ich werde die Loop spielen und je hören, wie es klingt, wenn ich diesen Parameter anpasse, lasst uns jetzt mal zuhören. Und wenn wir nur versuchen, die Pitch Shifting-Technik, die wir uns früher angesehen haben, wenn wir dieses teurere Plugin verwenden, wird es wahrscheinlich ein bisschen besser klingen. Also lasst uns einfach aufstocken, um eine Art High Pitch-Sound zu machen. Ok. So hört es sich also vor der Farm und dem Umzug an. Und jetzt, wenn wir einen verschobenen ganzen Weg nach oben bilden, wird es so klingen. Und wenn wir einen verschobenen ganzen Weg nach unten bilden, wird es so klingen. Und jetzt, wenn wir die Seite den ganzen Weg nach unten drehen und dann drehen wir das Formular und verschieben den ganzen Weg nach oben. Es klingt wie diese Requisite, Requisite. Und jetzt, wenn wir die Form drehen und den ganzen Weg nach unten verschieben, hört sich das so an. Es liegt also wirklich an Ihnen, nach welcher Art von Effekt Sie suchen. Aber Vorarbeiter Verschiebung ist eine sehr gebräuchliche Technik in EDM verwendet. Es ist also wichtig, sich dessen bewusst zu sein. Hören wir uns einfach wieder richtig schnell an, wie es klingt, wenn wir die Tonhöhe normal verlassen und wir sie den ganzen Weg nach unten bilden und verschieben. Ich schließe die einfach und wir hören zu. Jetzt. In der nächsten Vorlesung werfen wir einen Blick auf Vocoder und wie Sie sie für Ihre Tracks verwenden können. 48. Vocoders: In diesem Vortrag werfen wir einen Blick auf Vocoder. So kann ein Vocoder auf Gesang verwendet werden, um sie wie ein Roboter klingen zu lassen oder den Gesang in Gerichte zu verwandeln. Wir tun dies mit einem Vocoder-Plugin. Die meisten Software wird tatsächlich mit einer kostenlos kommen, aber Sie können nicht bessere aus dem Internet herunterladen. Ein Vocoder arbeitet mit einem Modulator und einem Träger. Der Modulator ist also die Art von Element, das Sie auch den Effekt anwenden möchten. Und der Träger ist das Element, das der Vocoder den Effektklang abbaut. Ok? Oder um es einfach auszudrücken, der Modulator ist Ihr Gesang und der Träger ist Ihr Instrument. Und Akkordmuster. Das Instrument, das Sie tatsächlich als Träger wählen , wirkt sich auf den endgültigen Klang des Vocoders aus. Stellen Sie also sicher, dass Sie das Instrument ein paar Mal wechseln und sehen Sie, welche Geräusche Sie aus Ihrem Vocoder herausbekommen können. Lassen Sie uns nur kurz ein Beispiel für einen Vocoder hören, der in einem EDM-Track verwendet wird. Und dann werden wir weitermachen und lernen, wie man einen Vocoder auf unseren eigenen Gesang anwendet. Also lasst uns jetzt zuhören. Jetzt wissen wir, wie ein Vocoder in einem EDM-Track klingt. Wir können fortfahren und den Transporteur löschen. Und wir können den Modulator löschen, und wir können von vorne anfangen, um unseren eigenen Vocoder zu machen. Das erste, was wir brauchen, ist ein paar Gesänge. Also kommen wir zu unseren Musterpackungen. Und ich scrollen einfach hier nach unten und wir wählen eine der Vokalmappen aus. Vielleicht werden diese ultratiefen Hausfokus ok, in das kommen. Und wir werden sehen, dass mit einer ganzen Reihe von verschiedenen Arten von Fokus begrüßt wurden , die wir wählen können, und sie sind alle in verschiedenen Tasten. Das Schöne an Vocodern ist, dass wir uns keine Gedanken darüber machen müssen in welchem Schlüssel der Sänger steckt, denn der Vocoder wird das für uns tatsächlich ändern. Alles, worum wir uns Sorgen machen müssen, ist der eigentliche Klang des Gesangs selbst. Also lasst uns mal hören, wie dieses Haus Vocal Sieben klingt. Nein. Mein Herz ist gebrochen. Ok. Ich mag das Geräusch nicht. Mal sehen, wie Gesang sechs klingt. Robin Gesetz und fliegen hoch, wir können die Manila erreichen. Okay, also mag ich den Klang dieser House Vocals sechs. Also ziehen wir diese in das Arrangement und wir platzieren sie hier. Und wieder bei allem müssen wir sicherstellen, dass es zu unserem Tempo passt. So hat die Software eine 120 empfohlen. Mal sehen, wie das klingt. Also werde ich nur eine kurze Lektion nehmen. Im Hochflug. Wir können sie erreichen. Modernes Leben, komm zurück. Also trotzdem, komm schon. Das klingt ziemlich okay für mich. Was wir tun werden, ist, dass wir es der Mixer-Spur hinzufügen, indem Sie auf diese Track-Schaltfläche klicken. Und ich werde es einfach leicht abdrehen, damit es uns nicht überwältigt. Ok? Der nächste Schritt besteht darin, ein Trägermuster zu erstellen. Und ich werde mit der rechten Maustaste klicken und Weiter leer suchen wählen. Und ich werde Carrier eingeben. Und lassen Sie uns einfach das Musterfenster öffnen, um zu sehen, wie das aussieht. Das nächste, was wir tun müssen, ist ein Instrument hinzuzufügen, das als Träger verwendet werden kann. Also werde ich hierher kommen und ich werde ein sehr einfaches Instrument hinzufügen, das der 3-fache Oszillator ist. Lasst uns das anklicken. Und wie Sie sehen können, kommt es hier unter einem anderen 3-fach Oszillator, den wir in der Spur verwenden. Jetzt müssen wir ein paar Notizen in unseren Transporteur setzen. Okay, also werde ich nur das Klavierakkordmuster hier auskopieren. Also werde ich nur diese Top-Akkorde kopieren. Und dann werde ich sie in unseren Träger einfügen. Hier unten. Klicken Sie mit der rechten Maustaste, sagen Sie Klavierrolle, und fügen Sie Okay, lassen Sie uns mal hören, wie diese klingen. Es ist also nur eine reine Sinuswelle. Es ist nichts zu Extrem. Aber was ich tun werde, ist, dass ich diesen zweiten Oszillator ablehnen werde und diesen dritten Oszillator ablehnte , weil wir sie für diese Demonstration nicht brauchen. Jetzt werde ich auch meine auf eine Vierkantwelle umstellen. Und der Grund dafür ist eine reine Sinuswelle mit dem Vocoder nicht wirklich gut klingt, aber eine Vierkantwelle tut es. Es ist also nur für die Zwecke der Demonstration. Mal sehen, wie diese quadratische Welle mit dem Muster klingt. Und wie Sie sehen können, ist es sehr durchdringend, weil diese Art von Wellenformen in ihrer reinsten Form, sie können ziemlich stechend sein. Ich werde das auch aufwerfen, weil ich denke, es ist ein bisschen zu hoch. Hören wir es noch mal. Okay, jetzt, wo ich mit dem Muster zufrieden bin und ich mit der Art Oktave zufrieden bin, in der es sitzt. Und ich bin auch glücklich mit dem Klang, den ich gewählt habe. Ich werde das zur Mischerspur hinzufügen. Und wie Sie sehen können, kommt es jetzt auf Gleis 29. Also werde ich es einfach abschalten, damit es nicht so durchdrungen ist. Und unser nächster Schritt ist, den Träger an den Modulator zu verketten. Okay, und wir tun das in FL Studio, wie ich den Seitenkettenabschnitt erklärt habe, wir klicken einfach mit der rechten Maustaste darauf und wir klicken auf eine dieser Seitenkettenoptionen. Jetzt werde ich auf die Seitenkette zu diesem Track klicken nur weil ich nur den Sound aus diesem Track kommen will. Okay, ich will nicht, dass der Sound des Trägers überhaupt spielt. Ich will nur, dass der Geräusch des Trägers direkt durch den Vocoder geht , den wir hier rüber stellen werden. Ok? Unser nächster Schritt ist also, diesen Vocoder tatsächlich zu laden. Lassen Sie uns also ein Vocoder-Plugin laden. Und wir werden Voc-Codecs benutzen. Und dieses Plugin kommt mit FL Studio. So kannst du dieses Plug-in auch in deinen Tracks verwenden. Als Nächstes müssen wir dem Vocoder sagen, dass wir einen Carrier Input von unserem Carrier hier übernehmen wollten . Also kommen wir zurück zu dieser Art von Trägern Feuerzeug. Und wir werden den Wert darüber auf eins setzen. Und dann kommen wir hierher zu diesem Modulator-Schieberegler. Und wir werden das tatsächlich auf 0 setzen. Denn wenn dies auf eins gesetzt ist. Trägersound wird auf dem Modulator durchkommen. Und das wollen wir nicht, denn der Modulator ist nur dem Gesang vorbehalten. Also, wenn Sie das Plug-in öffnen, wird es 10 sagen. Und was wir dann tun, ist, dass wir kommen und wir tauschen es so, dass es 01 sagt. Der letzte Schritt beim Einrichten des Vocoders besteht darin, wieder in die Wiedergabeliste zu kommen und dann das Trägermuster unter den Gesang einzufügen, den Sie auch anwenden möchten. Also lassen Sie uns ein hören, wie das klingt bisher mit dem Vocoder in seiner Art von Standardeinstellungen eingestellt. Das klingt also ziemlich gut. Aber wir können jetzt kommen und wir können tatsächlich einige dieser Parameter optimieren und es noch besser klingen lassen. Das erste, was wir optimieren können, ist dieser Bandbreitenparameter. Und das macht die Bänder des Vocoders entweder größer oder kleiner. Wenn du hier runter schaust, wirst du diese Bands sehen können. Und während es spielt und da oben ist, und Sie sollten in der Lage sein zu sehen, dass die Bands hier unten etwas breiter und dicker werden. Ok? Also schauen wir uns an und sehen, was passiert, wenn ich diesen Parameter erhöhe. Ich bin mir sicher, dass Sie hören können, je nachdem, wo wir diesen Parameter setzen, der Ton drastisch ändert. Jetzt ist es nur eine Frage der Suche nach dieser Art von Einstellung, die Sie bevorzugen und die Sie denken, funktioniert für Ihren Track. Ich werde nur meine für den Moment zurücksetzen und wir gehen mit dem nächsten Parameter über. Der nächste Parameter ist, dass wir optimieren können, ist dies, und dies ist der Modulator-Bandbreitenmultiplikator. Ok? Und das ist ein großer verwirrender Titel, aber wenn wir es vereinfachen, wenn Sie diesen Parameter hier nach links setzen, sind Sie erstaunt, wird mehr Resonanz sein. Und wenn Sie diesen Parameter hier nach rechts setzen, wird der Klang mehr heftig oder atmig sein. Ok. Also wieder, ich werde es zurücksetzen und dann gehen wir zum nächsten Parameter. Dieser Parameter ist also eigentlich wie ein Foreman Shifter für den Vocoder. Wenn Sie das nach rechts verschieben, können Sie dieses kleine Symbol hier sehen. Dies kann es weiblich klingen lassen. Und wenn wir nach links verschoben werden, nach diesem Symbol, wird es wie ein Männchen klingen lassen. Hören Sie sich einfach schnell an, wie das klingt. Okay, also werde ich es wieder zurücksetzen. Ein weiterer Parameter, den wir optimieren können, um den Sound zu ändern, ist dies. Und das ist der Modulator Unisono Shift. Und was das tut, ist im Grunde eine Unisono-Detune. Ok? Lassen Sie mich das auf der linken Seite setzen. Es wird keine Verzweiflung geben und es klingt sehr dünn oder wie eine Stimme. Und wenn wir das auf der rechten Seite setzen. Es wird viel ticker klingen oder wie mehr als eine Stimme. Damit diese Einstellung tatsächlich funktioniert, müssen wir eine Zahl in diese kleine Box setzen und das tun wir, indem wir nach oben ziehen. Also werde ich hier eine Nummer setzen. Sagen wir einfach zwei. Und jetzt hatten wir je zugehört, wie es sich auf der niedrigsten Einstellung anhört. Und dann hören wir uns an, wie es sich auf der höchsten Einstellung anhört. Ok? Also lasst uns jetzt zuhören, das ist die niedrige Einstellung. Und jetzt lassen Sie uns das erhöhen und wir werden hören, wie es sich auf der höchsten Einstellung anhört. Und wenn wir hier runter kommen und wir erhöhen die Anzahl der Stimmen, die das Unisono verwendet, wird sehen, dass es so klingt. Lassen Sie uns die Einstellung verringern und sehen, was passiert. Das nächste, was wir optimieren können, ist die tatsächliche Anzahl der Bänder, die der Vocoder verwendet. Damit ihr die Bands hier unten sehen könnt. Ich habe schon mal über sie geredet. Also, wenn ich das wirklich, wirklich niedrig setze, werden Sie in der Lage sein, jedes Band klar über diese Art von Spektrogramm zu sehen. Okay, also schauen wir uns den Vocoder an, wenn er auf fünf Bands gesetzt ist. Und jetzt, wenn wir die Anzahl der Bands bis an die Spitze erhöhen , was ich denke, ist ein 100. Ja, wir werden sehen, dass es tatsächlich 100 Bänder über dieses Spektrogramm geben wird. Schauen wir uns mal an. Und wie wir erwarten können, je mehr Bands, die verwendet wurden, desto klarer wird der Sound. Und das liegt daran, dass es mehr Schnappschüsse des Gesangs gibt, der aufgenommen wird. Es ist wie die Verwendung einer Fünf-Megapixel-Kamera im Vergleich zu einer 100-Megapixel-Kamera. Offensichtlich wird die 100-Megapixel-Kamera in der Lage sein, viel mehr Details zu erfassen. Ok? Also wieder, dieser Parameter, es hängt irgendwie davon ab, welchen Sound Sie bevorzugen und welcher Sound Sie denken, funktioniert für Ihren Track. Wir können diese Reihenfolge auch hier anpassen. Nun, diese Bestelleinstellungen, müssen wir nicht wissen, was sie tatsächlich tun, weil es irgendwie verwirrend ist. Es ist die Neigung der Cut-off-Frequenz all dieser verschiedenen Bänder sortiert. Aber alles, was Sie wissen müssen, ist, dass es Waldeinstellungen gibt. Und Sie können einen von ihnen wählen und was auch immer besser klingt, ist besser, okay, also lassen Sie uns jeden von ihnen hören. Fangen wir mit Nummer eins an. Hören wir uns zwei an. Hören wir uns drei an. Jetzt. Hören wir uns vier an. So können Sie all diese Parameter verwenden, um den endgültigen Klang zu formen, den Sie bekommen. Also werde ich hier nur etwas zufällig einlegen. Ich werde das vielleicht erhöhen, verringern, das hat uns zu einer weiblichen Einstellung gemacht. Und dann lassen Sie uns das vielleicht auf halbem Weg erhöhen. Und lasst uns die Bands vielleicht auf etwa 50. Okay, das ist also völlig zufällig. Aber Sie werden sehen, dass der Sound, der jetzt aus dem Vocoder kommt, völlig anders ist. So funktioniert ein Vocoder und wie Sie die Parameter irgendwie optimieren können , um den gewünschten Sound zu erhalten. Die letzte schnelle Sache, die ich in diesem Vortrag erwähnen wollte ist nur über die Trägerinstrumente, die Sie wählen. Okay, also werde ich wieder in unseren Träger kommen, der dieser 3-fache Oszillator ist. Und was ich tun werde, ist, dass ich die Form der Wellenform ändern werde , während der Gesang gespielt wird, okay? Und Sie werden sich selbst sehen, dass dies den Klang des Voc-Ordens tatsächlich drastisch verändert. Ok, also ist es wichtig, ein gutes Trägerinstrument zu finden. Lassen Sie uns mal hören, wie einige dieser Wellenformen klingen, während der Gesang abgespielt wird. Okay, also werden verschiedene Instrumente besser als Träger klingen. Es geht nur darum, diese Instrumente zu finden und dann das Vocoder-Plugin zu optimieren , um sicherzustellen, dass alle Parameter zum Träger passen. In der nächsten Vorlesung werfen wir einen Blick auf die Stimmverdoppelung. 49. Vocal: Was passiert also, wenn Sie sich entschieden haben, dass Sie keine der Effekte verwenden möchten , die wir bisher gesehen haben. Und du willst deinen Gesang sauber halten. Nun, es gibt ein paar wichtige Tricks, die wir tun können, um deinen Gesang sauber zu klingen, aber professionell, denn Gesang kann dich wirklich locken lassen. Es ist immer etwas, auf das sich der Hörer konzentrieren wird. Und wenn sie irgendwie Amateur früher verarbeitet worden waren, kann es den Gesamtklang Ihres aufgespürten nach unten ziehen. Also werden wir einen Blick auf einen dieser Tricks werfen, der sich verdoppelt. So ist Vocal Doubling großartig, wenn Sie nicht viele Effekte verwenden wollen, aber Sie wollen immer noch diesen modernen breiten Sound. Wenn wir es verwenden, klingt der Gesang sauberer und fokussierter. Wenn Sie sich verdoppeln. Es geht nicht nur darum, den Track zu duplizieren. Sie müssen auch entweder das Timing, die Tonhöhe oder beides anpassen . Und der Grund dafür liegt daran, wie wir Dinge hören. Ok, also muss die Doppelspur etwas anders sein , damit unsere Ohren es als leichter wahrnehmen können. Wenn der Klang, der in dein linkes Ohr kommt, anders ist als der Klang, der in dein rechtes Ohr kommt. Wir haben das als weiß wahrgenommen. Dies ist das Hauptprinzip, auf dem auch das Schwenken basiert. Wenn Sie einige Elemente nach links und andere Elemente auf der rechten Seite schwenken. Machen Sie Ihr Trackfeld breiter, da der Sound, der in Ihr linkes Ohr geht , anders ist als der Sound, der in Ihr rechtes Ohr geht. Sie können auch ein Plug-in verwenden, um für Sie eine Verdoppelung zu tun. Ich werde mir das in einem Augenblick ansehen. Aber jetzt wollen wir uns dieses Beispiel eines doppelten Gesangspunktes in einem EDM-Arrangement anhören. Jetzt, wo wir wissen, wie es klingen sollte, kommen wir zu den Sample-Packs hier und wir werden von Anfang an beginnen. Das erste, was wir brauchen, ist ein Vokaltrack. Also werde ich einfach in diese Produktion Meister Alexandra Gesangssitzungen kommen , weil es die erste ist, die ich gesehen habe. Und wir können hier wieder sehen, wir haben all diese Unterordner von Sung gegeben. Jetzt ist die besondere Spur, an der ich arbeite, eine Trap-Spur und sie ist auf 150 Fiv BPM eingestellt. Also werde ich ein BPM verwenden, das nahe daran liegt, und ich könnte dies einfach auswählen bei 150 VPN zurückspulen. Also lasst uns diesen Ordner öffnen und wir werden uns jemals einige dieser Gesänge anhören. Okay, hören wir uns diesen Kurs an. Trocken. Zurückspulen. Es scheitert. Lassen Sie uns das trocken versuchen, um für alle zu sorgen. Fühle dich. Lassen Sie uns versuchen, vielleicht diese v2. Mal sehen, wie das klingt. Der Beat übernimmt. Können wir, okay, also mag ich den Klang dieses V2, also werde ich das in unsere Playlist ziehen. Und ich werde es hier pflücken. Ich werde nur den Gesang löschen, den ich bereits benutzte. So können wir irgendwie von Grund auf neu beginnen. Und ich werde auf den neuen Gesang zurückkommen, den wir gerade hinzugefügt haben. Und ich werde sicherstellen, dass sie in das Tempo passen, mit dem wir arbeiten. Okay, also wähle ich Anpassen an Tempo aus. Und die Schätzung dieses Mal ist ein bisschen abgeschaltet. Es schätzt ungefähr 160, aber in der Probenpackung heißt es 150. Also werde ich der Probe einfach wieder vertrauen. Ich werde 150 eingeben. Und wie Sie sehen können, ist es gestreckt und wir haben jetzt einen Gesang, der Vorfahren Lunge ist. Ich muss auch überprüfen, dass diese Vocals oder in der gleichen Taste wie unser Track. Also werde ich hier rauf auf unsere Strecke kommen und ich werde herausfinden, in welchem Schlüssel es ist. Also klicke ich nur in dieses Pad-Muster und ich werde nur auf den Schlüssel schauen. Und ich sehe, dass der Schlüssel des Tracks ein e ist . Und wenn wir hier rüber schauen, wo der Gesang in ist, können wir ihn auch in e-Moll sehen, also sollte ich keinen Pitching machen müssen. Lassen Sie uns sehen, wie der Gesang im Arrangement klingt. Wir haben eine Schließung gefunden. Okay, das klingt also ziemlich gut, aber der Gesang klingen auch ein bisschen zehn. Verwenden wir also die Verdoppelungstechnik, damit sie sich ein wenig moderner und professioneller fühlen. Das erste, was wir tun werden, ist, diese Vocals zur Mixer-Track hinzuzufügen. Also werde ich auf die Spur gehen. Und die Vocals wurden nun zu Track 41 hinzugefügt. Und was ich tun werde, ist, dass ich sie einfach duplizieren werde. Also werde ich hier eine zweite Version rausziehen. Und dann werde ich diesen zweiten Gesang einzigartig machen. Wenn wir also den Gesang so lassen, werden sie nicht verdoppelt klingen. Sie werden eigentlich nur lauter klingen. Okay, lassen Sie uns mal zuhören. Es kümmert sich um gelöscht. Jetzt, wenn ich es wieder hinzufüge. Und der Grund, warum es nicht verdoppelt klingt, ist, dass wir tatsächlich keine Änderungen am zweiten Gesang vorgenommen haben . Ja. Wir müssen entweder das Timing, die Tonhöhe oder beides beeinflussen. Ok. Um das Timing zu beeinflussen, können wir nach oben zoomen und ich kann meine Rastereinstellung ausschalten. Und ich werde den zweiten Gesang nur sehr, sehr leicht bewegen. Vielleicht so viel, so dass der zweite Gesang jetzt irgendwie hinter dem ersten Gesang verzögert wird . Und wenn wir hören, wie das jetzt klingt, klingt es etwas breiter. Wenn Sie also den Sound so mögen, wie er ist, können Sie den zweiten Gesang der Mixerspur hinzufügen. Also werde ich nur auf Track klicken und es einer neuen Spur zuweisen. Und dann können wir eins nach rechts schwenken und den anderen nach links schwenken. Und das verleiht dem Gesang einen breiten und sauberen Klang. Lasst uns mal zuhören. Nun wurden diese beiden Gesänge verdoppelt. Aber es gibt eine zusätzliche Sache, die wir tun können, um sie etwas dicker klingen zu lassen. Und das ist, wenn wir in das Sample-Fenster kommen und wir die Tonhöhe sehr, sehr, sehr, sehr leicht anpassen , ok, weil Sie es nicht aus der Melodie klingen lassen wollen. Wenn ich die Tonhöhe zu sehr um $0.100 anpasse, wird es schrecklich klingen. Okay, aber was wir tun können, ist, dass wir es um einen sehr kleinen Betrag anpassen können, wie 0,10$, vielleicht 0,15$. Nie angepasst, würde ich sagen, Maximum 30. Ok. Also Golfer irgendwo unter 30 und ich werde einfach sagen, vielleicht $0,15. Ok? Jetzt ist es sehr, sehr, sehr leicht verwirrt. Und das wird die stimmliche Sound-Tech machen. Lasst uns mal zuhören. Und offensichtlich, nur um es besser zu machen, werden wir sie einfach abschalten, damit sie nicht überwältigen Nebel richtig hören, wie sie klingen, in den vollen Kontext des Arrangements. Hören wir uns vielleicht hier unten an. Okay, lasst uns mal zuhören. Und wenn wir nur schnell sehen, wie es klingen würde, ohne dass die gesangliche Verdoppelung angewendet wird. Wenn der Gesang in Ruhe gelassen worden wäre. Und wenn du noch keine der Verdoppelungstechnik gemacht hättest, werde ich das einfach einzigartig machen. Lasst uns zuhören. Und jetzt , wenn wir den Verdoppelungseffekt einschalten. Wie Sie sehen können, macht der Verdoppelungseffekt einen sehr großen Unterschied zum Gesamtklang des Tracks. Die Gesänge klingen immer noch sauber, aber sie klingen auch viel professioneller. Lassen Sie uns die Stimmverdoppelung löschen, die wir getan haben. Und wir schauen uns diesen dritten hier an, der keine verdoppelten Ehrungen hat. Wir können auch eine Verdoppelung mit einem Plug-in anwenden. Okay, also lasst uns den Gesang so anhören, wie er ist. Die Perle kümmert sich um mehr. Wir haben etwas näher gefunden. Und wenn ich in die Mischerspur komme, und wenn ich ein Verdoppelungs-Plug-in auf diesen Gesang lade, so werde ich Isotopennektar laden, um den EQ und den Kompressor auszuschalten. Kommen Sie einfach zum Pitch Window. Oder sorry, nicht Pitch, es ist Harmonie, sorry, kommt zum has_many Fenster. Und wir werden die Stimmen von unten zu Unisono und bis hin zu Unisono ändern. Ok? Also, was Harmony-Modul tut, ist es schafft eine künstliche Harmonie. Ich werde dir nur sehr schnell zeigen, wie die Daunen- und Up-Harmonie auf dem Gesang klingt , den die Perle nimmt. Außerdem, Können wir gesehen haben, dass die Harmonie tatsächlich funktioniert, müssen Sie den Schlüssel hier ändern, also ist es in Moll und es ist auch in E. So weiß der Algorithmus jetzt, zu welcher Art von Schlüssel man die Harmonien anheben kann. Lasst uns mal zuhören. Die Perle kümmert sich um mehr. Wir haben ein paar Kissen oder mehr gefunden, wir plagen und sagen sie. Aber was wir tun können, ist, dass wir dieses Modul verwenden können, um einen Verdoppelungseffekt zu erzeugen. Also, wenn ich beide diese beiden Unisono und dann ziehe ich den Gewinn und die Pfanne von einem. Und ich ziehe die Verstärkung und die Pfanne von zwei hoch. Es wird so klingen. Die Blutung übernimmt. Können wir Schläge sind mehr Weizen. Und sagen Sie, wenn ich das Modul ausschalten, werden wir mein sein, unser natürlicher Schnitt wieder an. Wenn Sie keinen Isotopennektar haben, ist das absolut okay. Es gibt ein kostenloses Plugin, das mit FL Studio kommt und es heißt Stereo-Shaper. Und was das tut, ist, dass es irgendwie den sogenannten Haas-Effekt anwendet , wenn man sich anschaut, was das ist, wenn mein Mischen. Aber für den Moment, wenn Sie diese Tulane verdrehen, wird es tatsächlich machen, dass der Gesang verdoppelt. Okay, lassen Sie uns mal zuhören. Die Perle kümmert sich um. Wir haben festgestellt einige Zeit mehr sein wird. Mit Isotopennektar wird also eine Art Timing und PITCHSHIFT angewendet. Aber mit dem Stereo-Shaper wirkt sich nur auf das Timing aus. Aber das ist okay, weil beide auf dem Verdopplungsprinzip basieren. Also lassen Sie uns noch einmal zuhören, nur mit Stereo-Form oder Solo-Mileva Lesson Two bei dieser Art von Plug-in-verdoppelten Gesangsgeräuschen wie Indie-Arrangement. Dies ist also der Prozess, den Sie verwenden würden, wenn Sie vokale Verdoppelung anwenden würden. In der nächsten Vorlesung werfen wir einen Blick auf eine andere Technik, die Sie tun können, um diesen breiten, modernen Gesangsklang zu erhalten. 50. 12.5 Vocal: In dieser Vorlesung lernen wir etwas über Gesangschichten. So sind Vokalebenen besonders nützlich, wenn man einen Chor oder einen Brennpunkt eines Tracks aufbaut. Sie können auch für das Fortschreiten einer Spur nützlich sein , denn wenn Sie eine zusätzliche Ebene hinzufügen, kann es den Gesang interessant halten, wenn sie sich auf einer kontinuierlichen Schleife befinden. Jetzt werden die meisten Songs tatsächlich so vielfältig mit Sam Tin machen. Und dann für den Chor oder das HUC Freude in mehreren Schichten, um es viel schneller und voller klingen zu lassen. Um Vokalebenen hinzuzufügen, können wir die Hauptgesangslinie duplizieren und dann einige Effekte wie Chorus und Verzerrung hinzufügen. Wir können dann diese duplizierten Vocals schwenken, entweder links oder rechts, um sie breiter klingen zu lassen. Und jetzt in diesem speziellen Beispiel habe ich tatsächlich all diese Vocals selbst aufgenommen. Und ich habe immer wieder die gleiche Art von Gesangslinie aufgenommen. Und ich habe sie irgendwie übereinander aufgebaut, um Ebenen zu erstellen. Es gibt auch einige Harmonie, die in diesen Schichten verwendet wird. Also lassen Sie uns einen hören auf diesen Beispielspur. Ok, das ist also eine langsame, sanfte Hausspur und achten Sie besonders darauf, wenn wir zu diesem Chorabschnitt kommen. Und da sind diese fünf Schichten Gesang. Okay, also lasst uns mal zuhören. Ich bin letzte Runde noch nicht bereit. Dann. Es kann einfach sein. Ok. All diese Gesangschichten verbinden sich also zu einer Art vollen Chorus-Sound. Also, wenn wir den Spielkopf kurz vor dem Start dieser Vocals bewegen, und wir können für sie in der Mixerspur lösen, um zu hören, was los ist. Der erste Gesang ist also der Hauptgesang. Diese Vokalebene klingt also sauber und es hat nicht viele Effekte darauf angewendet. Lasst uns mal zuhören. Wenn wir die nächste Gesangsebene solo, können wir hören, dass diese einen Choruseffekt angewendet hat. Mal sehen, wie dieser Choruseffekt klingt. Nun gehen wir zur nächsten Vokalebene über. Und diese Stimmschicht ist eine Harmonieebene, und sie wurde um 90% nach rechts geschwenkt. Es gibt auch einen Choreffekt auf diesen Gesang als auch, um ihn etwas dicker klingen zu lassen, lasst uns mal zuhören. Wenn wir uns den nächsten Gesang anhören, können wir sehen, dass es eine andere has_many Ebene ist und die entgegengesetzte Richtung um 90% nach links geschwenkt ist. Und diese Vokalschicht hat auch einen Choruseffekt angewendet. Lasst uns mal zuhören. Und die letzte Vokalschicht ist dann diese. Und diese Vokalschicht wurde in der Mitte gelassen. Und es hat einen Verstärker darauf, damit es ein wenig verzerrt klingen kann. Und einen Phasor-Effekt, und wir werden uns all diese Effekte im Mixer-Bereich ansehen. Aber für jetzt, lassen Sie uns ein hören, was diese Vokalschicht klingt wie schlicht. Und wenn wir alle diese Stimmschichten zusammenfügen, ist das Endergebnis ein viel dickerer und viel vollwertiger Klang. Lassen Sie uns alle diese Ebenen zur gleichen Zeit zu hören. So kannst du Vokalebenen in deinem Track verwenden. Sie können in und Haupt Vocal von vielleicht einem Sample-Pack hier drüben ziehen. Und Sie können es so duplizieren und verschiedene Effekte darauf anwenden. Oder wenn Sie Ihren eigenen Gesang aufnehmen, können Sie immer wieder dieselbe Vokallinie aufnehmen, vielleicht mit einigen Harmonien, und dann unterschiedliche Effekte auf jede der Ebenen einzeln anwenden. Also werde ich dir wirklich, wirklich schnell zeigen, wie du einige Vokalebenen auf einen Gesang anwenden kannst, der sich aus einem dieser Sample-Packs zieht. Und ich werde einfach diesen tiefen Hausgesang benutzen, weil er direkt vor mir ist. Und ich wähle einen von ihnen aus. Es wird nur eine kurze Demonstration sein. Wir ziehen diesen Gesang und bewegen ihn dann nach vielleicht hierher. Und lasst uns mal zuhören, wie sich das anhört. Jetzt schalte ich nur die Effekte auf dem Master-Kanal aus, weil wir den Gesang nicht richtig hören können. Mal sehen, wie es sich jetzt anhört. Ok. Schalten Sie das einfach aus. Ordnung. Mal sehen, wie dieser Gesang von selbst klingt. Anstatt Gesetz zu fliegen und hoch zu fliegen, können wir das Morgenlicht erreichen. Komm schon, Baby, du solltest mitnehmen. Um also eine Vokalschicht auf diesen Fokus anzuwenden, würden wir es so duplizieren. Und wir würden die duplizierte Spur zum Mixer hinzufügen. Und wir würden einen anderen Effekt darauf anwenden. Okay, wenn wir also versuchen, zu runter und wir fügen nur sehr, sehr schnell hinzu, werde ich einen Choruseffekt hinzufügen. Und ich werde hier einfach eine auswählen, vielleicht super fett, ich weiß nicht. Und mal sehen, wie es klingt, wenn es mit diesem Hauptgesang hier geschichtet ist. Wir können sie mehr erreichen. Da wir es also als Ebene verwenden, drehen wir das vielleicht etwas mehr ab, nur damit der Chorus-Sound etwas subtiler ist. Lasst uns mal zuhören. Okay, also habe ich hier tatsächlich einen Fehler gemacht. Ich habe vergessen, den zweiten Gesang einzigartig zu machen. Und das passiert, wenn man den zweiten Gesang nicht einzigartig macht. Sie wenden am Ende den gleichen Effekt auf beide an. Okay, also werde ich den zweiten Gesang wirklich schnell einzigartig machen. Und dann werde ich die Mischerspur in eine andere Mischerspur ändern , so dass keine Effekte angewendet werden. Und jetzt wird es so klingen. Statt Gesetz und hoch fliegen, drehen wir den Chor auf. Komm schon. Komm schon. Und mal sehen, wie der Gesang ohne Choruseffekt klingt. Anstatt Gesetz zu fliegen und hoch zu fliegen, können wir den Morgen erreichen. Komm zurück. Und lassen Sie uns ein Backend hinzufügen. Verlieren Sie nie. Komm schon. können Sie Gesangschichten in Ihren Tracks verwenden, um einen viel volleren und modernen Sound zu erhalten. Im nächsten Abschnitt werden wir einen Blick auf Punkte von Norden werfen. 51. Anmerkungen: In dieser Vorlesung werden wir einen Blick auf Punkte werfen, die nicht sind. Wir werden einen Blick darauf werfen, welche Notenpunkte sind und wie sie in deinem Track verwendet werden sollten. Wenn Sie also EDM erstellen, ist es wichtig, nicht in einen Zustand der Stagnation zu fallen. Und das bedeutet, wenn die Art von Abschnitten fortschreitet, wollen wir den Hörer nicht langweilen. Also, was wir tun, ist, dass wir alle vier bis acht Takte einen Punkt der Notiz einführen. Ein Punkt der Notiz ist etwas, das das Publikum für einen Bruchteil aus dem Track nimmt und die Wiederholung der Loops bricht. Aus diesem Grund muss ein Knotenpunkt kurz sein. Der häufigste Punkt der Notiz verwendet wird, ist Symbol. Okay, also wird alle vier bis acht Käufer ein Crash-Symbol verwendet , um das Publikum aus der Strecke zu nehmen. Aber Sie können auch Klatschen verwenden. Instrumente sind kurze Soundeffekte. Im Wesentlichen kann ein Knotenpunkt etwas kurz sein, das nicht Teil der ursprünglichen Schleife ist. Wenn sich dein Track ein wenig wiederholend anfühlt, kann der Knotenpunkt dazu beitragen, das Publikum aus den Trends herauszubrechen und dann den Track zu aktualisieren. Lassen Sie uns diese Notenpunkte hier in diesem technischen Track-Beispiel anhören. Wow, diese ganzen Verzerrungen passieren. Nun, da wir wissen, wie Notenpunkte im Kontext klingen, löschen wir diese hier, und wir kommen in unsere Sample-Packs hier drüben , und wir werden unsere eigenen Notenpunkte hinzufügen. Also in dieser Spur, die Notenpunkte, die wir verwendet haben, sind wir Symboleffekte. Also werde ich hier reinkommen zu meinen Effekten, meinem Effektordner. Und ich werde versuchen, einige verschiedene Effekte zu finden, die zu verwenden sind. Als Hinweis, lassen Sie uns vielleicht versuchen, diesen Ordner und haben einen Hören auf einige dieser Effekte. Also lasst uns vielleicht versuchen, diesen Punkt in die Notiz zu ziehen. Und wir werden es hier am Anfang der zweiten Bar platzieren. Doppelklicken Sie einfach darauf und fügen Sie es der Mischerspur hinzu, damit wir es herunterdrehen können. Und wir werden uns anhören, wie sich das in der Arrangement anhört. Also das klingt in Ordnung, lassen Sie uns diesen Ordner schließen und einige verschiedene Effekte finden, die hinzugefügt werden können. Als Bemerkung. Lassen Sie uns hier vielleicht ganz unten kommen und wir werden einen Blick auf diese Effekte Sounds werfen. Okay, also lasst uns ein paar davon zuhören. Okay, das ist also ziemlich kurz und wir können das tatsächlich als Hinweis verwenden. Nun klingt es vielleicht nicht sehr gut, aber ich wollte nur zeigen, dass man jede Art von Sound verwenden kann , um das Publikum für eine Sekunde aus der Spur zu ziehen. Okay, ziehen wir das in den nächsten Balken, wo wir einen Notenpunkt hinzufügen wollten, und wir werden sehen, wie das klingt. Versuchen wir vielleicht noch einen dieser Effekt-Sounds. Scrollen wir ein bisschen nach unten und wir versuchen vielleicht 66. Ich habe sie nur sehr schnell durchgehört. Okay, also lasst uns das versuchen. Beeinflusst die Alterung Und wir ziehen es in die nächste Barriere, wo wir den Punkt der Notiz hinzufügen möchten. Und ich habe es gerade die Mixer-Spur abgeschaltet, bevor wir es spielen, weil es sehr laut sein wird und wir hören, wie es sich in der Anordnung anhört. Also glaube ich nicht, dass dieser besondere Punkt oder dieser oder dieser, um ehrlich zu sein, ich glaube nicht, dass sie wirklich zum Sound des Tracks passen, aber ich demonstriere nur, wie man verschiedene Arten von Sounds als Note verwenden kann. Wie alles andere in der Spur, müssen Sie sicherstellen, dass sie klingen, wie sie gehören, okay, also sollten sie klingen, als wären sie alle Teil derselben Familie. Und andere sehr schnelle Sache zu erwähnen ist, dass Sie diese aufstellen müssen. Okay, also der gleiche Prozess, bevor wir die Mixer-Spur öffnen, haben wir Edison geöffnet, ziehen das rein und erkennen die Pitch-Regionen. Und dann, was wir tun, ist, dass wir die Tonhöhe mit der Tonhöhe anpassen müssen, müssen wir sicherstellen, dass der Sound in die Tonhöhe der Spur passt. Und du musst das auch nicht tun. Sie müssen keine unterschiedlichen Noten-Sounds verwenden. Sie können dasselbe immer und immer wieder in der gesamten Spur verwenden, solange es die Wiederholung der Schleifen bricht. Okay, also lasst uns hier rüber kommen. Ich denke, das ist der Drop-Abschnitt. Lassen Sie uns also einen Hören auf den Drop ohne die Punkte der Knoten. Ok, nun, vielleicht haben wir uns hier angehört. Und dann fügen wir sie wieder ein und wir werden sehen, welchen Unterschied es in Ordnung macht, Diskurs in diesem Land. Okay, und jetzt, wenn ich diese Notenpunkte wieder hinzufüge und wir nehmen wieder eine Lektion. Dieser Teil, dieser Teil. Siehst du das. Im nächsten Abschnitt werden wir also einen Blick auf Übergänge werfen. 52. Übergänge für EDM: In diesem Abschnitt geht es also um Übergänge. Nun sind Übergänge in EDM sehr, sehr wichtig. Ihre Funktion ist es, uns aus einem Abschnitt zu brechen und uns dann in den nächsten Abschnitt zu überführen. Und es ist sehr wichtig, dass Sie den gesamten Fluss der Strecke nicht stören. Ihre Transitions müssen natürlich und glatt klingen. Also lassen Sie uns schnell einen Hören auf diesen EDM-Track , der eine Art Fusion zwischen Land und Haus ist. Und während der Track abgespielt wird, werde ich die verschiedenen Abschnitte hervorheben, in denen Übergänge stattfinden, ok, so dass Sie jeden hören und seine Rolle in der Spur verstehen können. Okay, also lasst uns jetzt die Strecke durchspielen. Und ich werde alle Übergänge hervorheben, die Sie hören müssen. Es hat uns keine gute Idee gegeben, vor allem Datenwerte, die kleiner sind. Ja, ja. Nun, da wir die Rolle der Übergänge kennen, die EDM spielen, lassen Sie uns zum ersten Vortrag in diesem Abschnitt übergehen, wo wir einen Blick auf den einfachsten Übergang, den Sie tun können. 53. Der einfachste Übergang: Lassen Sie uns also einen Blick auf den einfachsten Übergang werfen, den Sie tun können. Nun für diesen Track hier, den ich habe, was eine technische Spur ist, möchte ich von dieser Art von Abschnitt hier übergehen, wo all das Zeug vor sich geht. Und ich möchte in diesen Abschnitt übergehen, wo noch mehr Dinge los sind. Also habe ich bereits zwei Notizen gemacht, dass ich den Hörer für eine Sekunde aus dem Track nehmen möchte , bevor ich das Backend ablege. Aber ich habe immer noch das Gefühl, dass es etwas mehr braucht, um uns in diesen Abschnitt zu überführen. Lassen Sie uns einfach einen Hören auf diesen Teil des Arrangements, wie er steht. Und dann werden wir einen wirklich einfachen, aber effektiven Übergang anwenden, den Sie verwenden können. Hören wir uns an, wie es sich jetzt anhört. Also bin ich mir nicht sicher, ob Sie es bemerkt haben, aber um diesen Abschnitt des Tracks klingt es sehr robotisch, da es in den neuen Abschnitt übergeht. Was wir also tun müssen, ist, dass wir einen Übergang hinzufügen müssen. Und der einfachste Übergang, den du tun kannst, ist, etwas rauszunehmen, okay, bevor etwas Neues ins Spiel kommt. Also, wenn wir uns anhören, wie das jetzt klingt, habe ich gerade die Kickdrum und diese Art von Kick-Trommelschicht herausgenommen. Okay, hören wir, wie es klingt , jetzt, wo ich gerade diese beiden Elemente hier herausgenommen habe. Für die erste, für zwei Barrieren kurz vor Beginn des neuen Abschnitts. Lasst uns mal zuhören. Jetzt kannst du mehr herausnehmen, wenn du willst, oder du kannst weniger abhängig vom Sound deines Tracks herausnehmen, ich werde sehen, wie es klingt, wenn ich mehr Elemente herausnehme. Und nun mal sehen, wie es klingt, wenn ich weniger Elemente herausnehmen würde. Also lassen Sie uns diese beiden Tritte wieder in. Und vielleicht lassen Sie uns einfach diese Hutprobe entfernen. Okay, mal sehen, wie es sich jetzt anhört, wenn wir nur ein kleines Element entfernt haben. Dies ist also der einfachste Übergang, den Sie jemals tun können. Es ist genauso einfach, wie etwas rauszunehmen, bevor etwas Neues ins Spiel kommt. In der nächsten Vorlesung werden wir einen Blick auf die Verwendung von Trommelfeldern als Übergang werfen. 54. Drum als Übergänge: Lass uns eine Drohne benutzen. Scheitern Sie uns von diesem Abschnitt in diesen Abschnitt zu überführen. Also Breite Trommel füllt, Sie können sie entweder selbst machen oder Sie können eine Trommelfüllprobe verwenden. Also zuerst werde ich hier in meine Musterpackungen kommen, und ich werde in den Trommelfüllungsordner kommen. Jetzt habe ich alle Trommelfüllungen in einem Ordner organisiert , den Sie möglicherweise alle diese separat in Ihren Beispielbacks finden müssen. Lassen Sie uns einfach mal hören, wie eine Trommelfüllung klingt. Wenn ich also diese spezielle Trommelfüllung ziehe, in der seine Trommel 25 füllt, wenn ich das in meinen Track ziehe und ich es hier platziere, kann man sehen, dass dies ein ziemlich langer Übergang ist und es geht für zwei Takte. Nun, wie alle Samples, die wir hineinziehen, müssen wir sicherstellen, dass es unserem Tempo entspricht. Also klicke ich auf diese kleine Wellenform und wähle Anpassen an Tempo. Und die Software hat geschätzt, dass diese Trommelfüllung bei 128 ist. Jetzt sagt mir das Musterpaket nichts anderes, also muss ich mit dieser Schätzung gehen. Lassen Sie es jetzt klicken. Und wie Sie sehen können, wurde diese Trommelfüllung jetzt auf genau zwei Balken in der Länge geschnappt. Okay, lasst uns mal anhören, wie es sich im Kontext unseres Techno-Track anhört. Wenn Sie eine Trommelfüllung verwenden, können Sie sie auch mit dem einfachsten Übergang kombinieren , den wir in der letzten Vorlesung angesehen haben, nämlich ein Element herausnehmen, bevor ein neues Element hereinkommt. Also lassen Sie uns wieder einige dieser 6x entfernen. Also werde ich nur die Art der zweiten Hälfte der Trommelfilter Kicks aus der zweiten Hälfte hier entfernen . Ich werde die entfernen und wir werden sehen, wie es sich jetzt anhört. Nun, wenn Sie wollen, können Sie auch Ihre eigenen Trommelfüllungen machen. Also, wenn wir zu unserem Drum Sample Pack kommen, und hier in Trommeln, und lassen Sie uns einfach sehr, sehr schnell eine Snare Probe hinzufügen . Also vielleicht wird das hier, das hier tun. Lassen Sie uns das hineinziehen und wir werden einfach schnell versuchen, unsere eigenen Trommelfüllungen zu bauen. Also werde ich das einfach kopieren und vielleicht einen hier platzieren. Vielleicht hier, so. Jetzt wirst du viel mehr Zeit damit verbringen, eine Trommelfüllung zu machen. Sie sollten in der Regel mehr als eine Probe hier verwenden, nur mehr als diese eine Snaredrum. Aber ich zeige Ihnen nur zum Zweck der Demonstration, dass wir auch unsere eigenen Trommelfüllungen machen können. Okay, also lasst uns mal zuhören, was diese Trommel füllt, die wir gemacht haben , im Kontext des Arrangements klingt. Wenn ich Musik mache, ziehe ich es vor, die Drum-Fill-Samples zu verwenden, die ich dir schon gezeigt habe , weil sie schon für mich gemacht sind und ich denke, sie klingen schon ziemlich gut. Aber es liegt an Ihnen, ob Sie eine vorgefertigte Trommelfüllung oder eine Trommelfüllung verwenden möchten , die Sie selbst herstellen. Als nächstes werden wir einen Blick darauf werfen, einen Vokalschrei als Übergang zu verwenden. 55. Vocal: In dieser Vorlesung werden wir einen Vokalschrei als Übergang verwenden. Ein Vokalschrei ist also, wenn Sie eine Vokalphrase, eine Vokalschleife oder eine Vokalprobe als Pause oder Füllung verwenden. Als Pause, oder füllen Sie als Pause oder eine gefüllte. In EDM werden am häufigsten Gesangsschreie direkt vor dem Tropfen verwendet. Werfen wir einen Blick auf die Verwendung eines Gesangs in diesem Technol Track, an dem wir gearbeitet haben. Was wir also tun können, ist, dass wir in unser Gesangspaket kommen und vielleicht eine Vokalphrase verwenden können. Ich wähle nur einen aus diesem Gesangsphrase-Pack aus. Und lassen Sie uns vorsprechen, einige von ihnen, die auf Dans Sandy gaben , können den Basisschlüssel nicht zulassen. Lassen Sie den Basisschlüssel. Okay, lassen Sie uns vielleicht diese Gesangsphrasen 36 verwenden. Ok. Also, was ich tun werde, ist, dass ich das hier in die Playlist ziehe. Ich werde es nicht direkt vor Beginn des neuen Abschnitts platzieren. Und wieder, wie jede Probe, die wir ziehen, müssen wir sicherstellen, dass es passt anzieht Tempo. Also werde ich Fit Tempo auswählen. Und ich werde die Schätzung hier verwenden weil das Musterpaket mir nichts anderes sagt. Hören wir uns an, wie dieser Vokalschrei jetzt als Übergang klingt. Wir können es auch mit dem einfachsten Übergang kombinieren, den wir uns angesehen haben. Und wir können einige der Elemente hier entfernen. Also werde ich den Kick und vielleicht den Bass entfernen. Und wir werden hören, wie dieser Fokusschrei jetzt klingt , mit den Elementen als Übergang entfernt. So können Sie einen Vokalschrei als Übergang verwenden. In der nächsten Vorlesung werfen wir einen Blick auf instrumentelle Übergänge. 56. Instrumentale Übergänge: Werfen wir einen Blick auf die Verwendung von instrumentellen Übergängen. Also habe ich diese Art von Instrumental-Sektion in der technischen Spur, die wir uns angesehen haben, wo es Lead-Melodie kommt. Ich stelle hier unten auch ein paar neue Trommelelemente vor. Also lasst uns diesen kleinen Abschnitt einfach mal anhören. Vielleicht eine Bar, bevor die Lead-Melodie hereinkommt. Und dann kommt nur eine Bar nach dieser Bleimelodie rein. Okay, also lasst uns mal zuhören, wie es klingt, ohne Übergang. Wie Sie sehen können, habe ich bereits diesen Hinweis hier, um das Publikum für eine Minute aus dem Track zu nehmen, bevor ich das Backend ablege. Aber ich habe auch das Gefühl, dass wir etwas tun müssen, um diese neue Lead-Melodie einzuführen. Was wir also tun können, ist, dass wir einen instrumentellen Übergang machen können. Wenn wir also in das Melodie-Muster kommen und uns die Melodie-Noten hier ansehen. Okay, also da oben auf der Art von sechs Ärzten, und sie spielen ein F. Lasst uns einfach kurz zuhören. Ok. Nun, was ich tun werde, ist, dass ich dieses Muster duplizieren werde indem ich mit der rechten Maustaste darauf klicke und dann Klon auswähle. Also, jetzt ist das von Melodie zu, Melody Tree gegangen. Und was ich tun werde, ist, dass ich hierher komme und ich werde alle Melodie-Noten löschen. Also editieren, löschen. Und dann erschaffen wir das, was man Anna Crucis nennt, oder ein optimistisches Gefühl. Also, wenn Anna Cruises so ist wie, wenn eine Melodie beginnt vor dem Abschnitt, den sie spielt. Und zum Beispiel, wenn wir hier nur einen Takt nehmen und wir einen Anna Crucis um vielleicht neun erstellen, oder der erste Knoten der Melodie ist F. Also werde ich eine lange Note auf C setzen, okay? Weil C der fünfte von f ist, und es wird gut klingen, wenn C Art von Schritt bis zu F. Okay, also lasst uns jetzt wieder in die Playlist kommen und diese Art von Anna Crucis direkt vor die Melodie stellen. Und wir werden je zuhören, wie sich das jetzt anhört. Dieses Muster wird also die neue Lead-Melodie einführen, und es wird auch helfen, uns von der Sektion ohne Melodie in diesen Abschnitt mit einer Melodie zu überführen . Nun, das war nur ein bisschen leise, weil ich diese Automatisierung zurückziehen muss, weil der Cutoff-Filter für das Lead-Instrument tatsächlich geschlossen ist , bis es Automatisierungsclip tatsächlich startet. Also werde ich es einfach zurückziehen, so dass der Cutoff-Filter früher geöffnet wird. Also können wir das wirklich hören, diese kleine fröhliche Note. Ok? Lasst uns nochmal zuhören. Okay, und du kannst diese Notiz machen, du kannst diese kleine Anna Crucis machen. Sie können es kürzer machen. Also lasst uns vielleicht eine halbe Bar versuchen, also nur zwei Schläge. Lasst uns mal zuhören, wie das klingt. Und wieder, wenn wir es mit dem allerersten Übergang kombinieren, den wir angeschaut haben, was der einfachste Übergang ist. Und wir nehmen einige Elemente heraus. Wir könnten diese Akkorde rausnehmen. Und vielleicht werden wir diese Art rausnehmen, vielleicht nehmen wir alle Instrumente raus. Ok, also lasst uns alle diese erscheinen herausnehmen. Hören wir uns an, wie der instrumentale Übergang jetzt klingt , ohne einige der anderen Instrumente in der Spur. Jetzt können Sie diese Anna Kreuzfahrten machen, so entwickelt, wie Sie möchten. Jetzt kann ich weitere Notizen hinzufügen, wenn ich möchte. Sagen wir mal, wir gehen uns vielleicht bis zum Nichts von f, also vielleicht gehen wir von E und halten das. Also lassen Sie uns sagen, dass das jetzt unsere Anna Crucis ist. Hören wir uns an, wie das klingt, mit einer eher entwickelten Nekrose. Alles, was Sie brauchen, ist eine Art von Instrumenten, die uns den nächsten Abschnitt in der Spur vorstellen werden. Okay, in der nächsten Vorlesung werden wir einen Blick darauf werfen, Stille als Übergang zu verwenden. 57. Ruhe als Übergang: In dieser Vorlesung werden wir also einen Blick darauf werfen, Stille als Übergang zu verwenden. Manchmal können Sie Ihre Übergänge völlig stumm lassen, wirklich für Ihren Track funktionieren. Und was Sie tun, ist in diesem Fall, lassen Sie den Klang der vorherigen Abschnitte Art auswringen, bevor der nächste Abschnitt kommt. Also, wenn wir uns diesen technischen Track nochmals ansehen, habe ich hier einen Aufbauabschnitt, okay, der in einen Drop-Abschnitt übergeht. Aber ich weiß, dass ich eine Art Übergang verwenden möchte , der uns vom Aufbau in den Tropfen bringt. Also lasst uns einfach ein Hören auf das Arrangement, wie es im Moment steht. Okay, also lassen Sie uns etwas Stille als Übergang hinzufügen. Also, was wir tun werden, ist, dass wir hineinzoomen und wir werden einen Blick auf die Bar werfen, kurz bevor der Drop-Abschnitt beginnt. Und ich werde nur im Wesentlichen alles löschen, jede Art von Elementen, die in diesem Käufer sind. Also habe ich nur diese Vocoder-Schleife und die Hälfte verursacht. Ich werde alle diese Snare-Elemente löschen. Ich werde alle diese Trommelelemente hier oben löschen. Ich werde das löschen. Und ich werde das rückwärts bewegen und das rückwärts bewegen. Und jetzt haben wir keine Audio-Elemente in diesem vollen Balken vor dem Drop. Okay, also hören wir uns an, wie das klingt. Diese Art von Stille Übergang. Okay, also mag ich den Klang dieser Stille wirklich als Übergang. Aber ich habe immer noch das Gefühl, dass ich mehr Auswirkungen haben möchte, wenn die Droge tatsächlich kommt. Also, was wir tun können, können wir diese Stille um r erweitern, und wir werden sie auf zwei Balken ausdehnen. Also, was ich tun werde, ist, dass ich hierher zu meinem Rasierwerkzeug komme und ich werde alles zu Beginn dieses Dropfens verursachen. Okay, also werde ich nur den ganzen Weg hier runterziehen. Und ich werde auch diesen Automatisierungsclip schneiden. Und dann kommen wir hier rauf. Wir werden den vollen Weg rauszoomen. Und ich werde nur alles hinter diesem ersten Käufer des Drop-Abschnitts hervorheben. Also, was wir jetzt getan haben, ist, dass wir die Strecke irgendwie in zwei Hälften geteilt haben. Und wir haben alles auf der rechten Seite des Dropfens hervorgehoben. Und ich werde einfach alles von einem Käufer nach rechts ziehen. Und das kommt in einem anderen Käufer des Schweigens hier hinzu. Okay, also gehen wir zurück zum Aufbau und wir werden uns anhören, wie diese zwei Balken der Stille jetzt klingen. Ok? So können Sie Stille in Ihren Spuren verwenden, um eine Art Übergang zu erstellen. In der nächsten Vorlesung werden wir einen Blick auf die Verwendung des großen Hits werfen. 58. Der große Hit: Lassen Sie uns also einen Blick darauf werfen, die großen Hits als Übergang zu verwenden. Okay, also sind wir wieder in diesem Aufbauabschnitt unserer technischen Strecke und wir haben keinen Übergang, um uns vom Aufbau in den Abfall zu bringen. Lassen Sie uns kurz zuhören, um uns daran zu erinnern, wie das klingt. Was der große Hit-Übergang ist, ist, wo Sie einen großen Hall Clap oder Snare oder irgendeine Art von Effekt-Sound verwenden. Und du stellst das direkt vor den heruntergekommenen Abschnitt, das Genre. Großes Zimmer Haus tatsächlich tat dies seit Jahren mit etwas namens der umgekehrten Snare. Und ich habe tatsächlich eine Mappe von umgekehrten Snares hier überall so genannte Drops Snares. Und sie klingen so. Also, was Sie mit dieser Art von Drop Reverse-snares tun können, ist, dass Sie sie in Ihr Arrangement ziehen und sie direkt vor Sie fallen gegen. Okay, wieder, wir müssen es in das Tempo passen weil es sich irgendwie an diesem Takt hinausreicht. So fit zum Tempo. Und jetzt, da es zum Tempo unseres Tracks passt, können wir uns anhören, wie es sich im Arrangement anhört. Jetzt könnte ich diesen Sound dehnen, nur um ihn etwas kürzer zu machen. Also, anstatt es auf zwei Beats zu haben und es zu dehnen, um es nur auf einem zu haben. Und schalten Sie mein Stretchwerkzeug wieder aus. Und wir nivellieren ist nicht das, wonach es sich anhört. Wenn wir dies mit dem ersten Übergang kombinieren, den wir gelernt haben , der darin besteht, einige der Elemente zu entfernen, bevor ein anderes Element hereinkommt. Wir können einige der Elemente herausnehmen, die gleichzeitig mit dieser Snare spielen, vielleicht auch dieses Instrument. Und vielleicht das, okay. Und wir lassen das Rest Ende und wir werden sehen, wie das klingt. Für diesen großen Hit Sound. Sie können auch andere Arten von Klängen wie ein Klatschen verwenden , vielleicht lassen Sie uns einen Klatsch hören, den wir verwenden könnten. Nun wollen Sie eine besonders laute und in Ihrem Gesicht klatschen. Vielleicht sind diese, diese etwas zu kurz und knackig. Wir wollen ein großes lautes Klatschen. Also lasst uns das hier benutzen. Und wir werden es so hineinlegen. Ich meine, ich habe mir zugehört, wie es sich anhört. Okay, also klingt es ein bisschen verzogen. Und der Grund dafür ist, dass es gestreckt wurde. Und wenn Sie jemals in Ihren FL Studio-Projekten auf diese Art von Sound stoßen, öffnen Sie einfach dieses Beispielfenster und Sie sehen diesen Zeitparameter, den wir uns vorher angesehen haben. Wenn Sie einfach darauf klicken und es nach unten ziehen, denn was passiert ist, ist es ausgestreckt worden. Also, wenn wir es einfach so weit wie möglich runterziehen und es wird es wieder auf seine normale Größe bringen . Lasst uns nochmal zuhören. Sie können das auch duplizieren und vielleicht, anstatt einen großen Hit zu haben, können wir zwei große Hits direkt hintereinander haben. Mal sehen, wie das klingt. Oder du kannst jede Art von Rhythmus machen, den du magst. Vielleicht könnten wir das ein bisschen kompensieren, so dass es ein bisschen synkopiert klingt. Hören wir uns das an. Sie können den großen Hit-Übergang auf jede Art von Art und Weise verwenden, die Sie möchten. In der nächsten Vorlesung betrachten wir die Verwendung von Effektgeräuschen als Übergänge. 59. Effekte als Übergänge: Lassen Sie uns also einen Blick auf die Verwendung von Effektgeräuschen als Übergang werfen. So interessant, Soundeffekte, die als Übergänge verwendet werden, können wirklich Ihren Track Glanz machen. Zum Beispiel, wenn du einen Stimmhaken in deinem Track hast und es singt, vielleicht, ich weiß nicht, ein Mädchen am Telefon anzurufen. Ok. Und Ihr Übergang Sound-Effekt, war der Klang eines Telefons klingelt oder es war der Klang des Telefons Diode oder so etwas. Das kann wirklich etwas interessanter Geschmack zu Ihrem Arrangement hinzufügen. Also nochmal, wir betrachten diese Art von Buildup-Abschnitt wo es in den Drop-Abschnitt übergeht. Und wieder möchten wir eine Art Übergang hinzufügen , um uns von Abschnitt zu Abschnitt zu bringen. Also werde ich in meine Sample-Packs kommen und ich werde runter kommen wo ich meine Effekt-Sounds hier unten und Effekte halte. Und wir werden nur ein paar dieser Effekte hören, die wir als Übergang in werfen können. Okay, also lasst uns vielleicht in diesen Ordner kommen, der gerade Fx heißt. Und wir werden uns ein paar davon anhören. Jetzt denke ich, dass dieser besondere Effekt als Übergang cool klingen könnte. Also ziehen wir das rein und wir werden es vielleicht eine Bar vor dem Feuer platzieren , bevor der Drop-Abschnitt beginnt. Und ich werde nur diese Vocoder-Schleife haben. Eigentlich werden wir erst hören, wie es klingt, mit allem, was hinzugefügt wurde. Okay, wir werden sehen, wie dieser Effekt hier klingt als Übergang, um uns in den Tropfen zu bringen. Mal sehen, wie es sich anhört. Jetzt denke ich, es kommt ein bisschen früh, also könnte ich es hier zum letzten Takt der Bar bewegen, bevor der Drop-Abschnitt beginnt. Mal sehen, wie sich das anhört. Nun, ich denke immer noch, dass der Klang, die Art von Hauptpunkt des Klangs tatsächlich hier ist. Aber unsere Bar fängt hier an. Also werde ich das Raster ausschalten und ich werde es nach vorne ziehen bis ich denke, der Hauptsound ist irgendwie mit r bar abgestimmt. Und ich denke, das wird es tun. Also lasst uns nochmal zuhören. Wenn wir den Hauptton dieses Beispiels mit unserem letzten b an den Käufer abgestimmt haben. Und wenn wir diesen speziellen Sound vereinbaren, wenn wir mit dem Team mit dem Übergang zusammenarbeiten, den wir vorher angesehen haben, wo wir Elemente entfernen. Also vielleicht haben wir diese Schleife und wir nehmen ein paar Snaredrums heraus. Wir nehmen die raus. Und dann nehmen wir das vielleicht einfach raus. Und wir lassen es dabei. Okay, mal sehen, wie das klingt. Ok. Und wir können auch andere Arten von Soundeffekten verwenden, wie vielleicht verwenden wir diesen Alarm-Ordner. Lasst uns jemandem zuhören. Ok. Lassen Sie uns diese am Effekte Alarmalter als Übergang verwenden. Und es ist ziemlich lang. Also werde ich es vielleicht zu einem Zwei-Bar-Übergang machen. Und ich werde das einfach in unser Tempo passen. Die Schätzung wurde verwendet. Und dann werde ich strecken, so dass es viel kürzer ist und ich werde es strecken, so dass es viel kürzer ist und es in zwei Bars passt. Ist, dass du das verschieben müsstest. Wir müssten es wieder verschieben, damit es tatsächlich an der Bar beginnt. Wir machen das aus. Lassen Sie uns einen hören, wie dieser Alarm Art von Sound-Effekt klingt wie ein Übergang. Und wenn wir das Team sind, haben wir wieder mit dem ersten Vortrag untersucht, wo wir einige Elemente herausnehmen. Wir werden einige dieser Elemente herausnehmen, die zur gleichen Zeit spielen und hören, wie das klingt. So können Sie Effekt-Sounds als Übergang in Ihren Tracks verwenden. In der nächsten Vorlesung werden wir einen Blick darauf werfen, all diese Übergänge zusammenzubringen , um einen viel professionelleren Übergang zu ermöglichen. 60. Der Combination: In dieser Vorlesung werden wir einen Blick auf die Verwendung eines Kombinationsübergangs werfen. Die professionellsten Übergänge werden also eine Kombination all dieser Art von Mini-Übergängen verwenden , die wir bisher gesehen haben. Vielleicht haben Sie einen Effekt, der mit einem Gesangsschreien überlagert ist, mit einem großen Hit überlagert ist. Oder vielleicht haben Sie einen instrumentellen Übergang kombiniert mit einem Stille Übergang. Und auch der einfachste Übergang, den wir uns vorher angesehen haben. In diesem speziellen Beispiel gehen wir wieder vom Aufbau in den Drop, okay, und der Übergang, den ich verwendet habe, hat einen Drum Fill, Big Hit-Sound, eine Art Gesangsschrei kombiniert . Und auch der einfachste Übergang, den wir uns vorher angesehen haben, weil ich auch einige der Elemente entfernt habe. Hören wir uns an, wie dieser professionellere Übergang klingt. Wenn Sie also Übergänge in Ihrem Track verwenden, versuchen Sie, alle Übergänge, die wir uns angesehen haben, zu kombinieren und einen vollständigeren und interessanteren klingenden Übergang zu erstellen. Im nächsten Abschnitt werden wir einen Blick auf die Verwendung von Füllelementen und Extras werfen. 61. Füller und Extra verwenden: Werfen wir jetzt einen Blick auf die Verwendung von Füllstoff und Extras in EDM. Füllstoffelemente sind also jedes Element, das verwendet wird, um leeren Raum zu füllen , ohne von der Hauptspuridee abzulenken. Ein Beispiel könnte das Geräusch des Windes im Hintergrund als Haupt-Instrumentenplatz sein. Füller Elemente sind wichtig, da es verhindert, dass Ihre Spur zu leer klingt. Extras sind dann eine Art von kurzen oder einmaligen Elementen, die Sie auf der Hauptidee hinzufügen , um auf verschiedene Teile der Strecke zuzugreifen. Es könnte vielleicht als Synthmelodie sein, die über der Hauptmelodie spielt, oder vielleicht eine kurze Soundeffekte, die irgendwie für ein paar Sekunden übernehmen können , wie eine Polizeisirene. Also vor uns habe ich diese Arrangement für eine russische Hausspur. Und ich habe irgendwie alle Füllstoffe und zusätzliche Elemente hervorgehoben , die ich während der gesamten Strecke verwende. Also, was wir tun werden, ist, dass wir ein hören, vielleicht hören, okay, was ungefähr anderthalb Minuten ist, nur damit wir ein Gefühl für diesen Tropftonfüller bekommen können, diesen Synthesizer extra, den wir verwenden, diesen Soundeffekt extra und das externe Schleife, die als Füllstoff verwendet wird. Also lasst uns jetzt mal zuhören und dann springen wir direkt in die erste Vorlesung, die externe Loops als Füllstoff und Extras verwendet. Ok? Ok. Okay, lasst uns in die erste Vorlesung springen. 62. Externe Loops als Filler und Extra: In dieser Vorlesung werden wir also einen Blick auf die Verwendung externer Schleifen als Füllstoff und Extras werfen. Was wir also tun können, ist, dass wir in einer externen Schleife ziehen können, um unsere Spur hinzuzufügen. Und dann können wir es wirklich, wirklich ruhig machen , so dass es irgendwie hinter den anderen Elementen spielt und einen leeren Raum auffüllt. Also werde ich nur dieses kurze Arrangement spielen, das ich mir ausgedacht habe. Und ich weiß nicht wirklich, welche Art von Genre es noch sein wird. Aber ich weiß, dass ich eine Art Füllelement hinzufügen möchte, um vielleicht hier in der Spur. Okay, also lasst uns mal zuhören, wie es sich bisher anhört. Und dann werden wir in die Sample-Packs kommen und wir ziehen einige externe Schleifen. keinen AufkeinenFall. Okay, also lasst uns in unsere Sample-Backs kommen und einige externe Loops finden , die in diesem Abschnitt der Spur verwendet werden können. Die erste Art von externer Schleife, die ich versuchen könnte, ist eine Percussion-Loops. Also werde ich reinkommen, wo ich einige meiner Percussion-Loops hier behalte. Und wir werden einfach diese verschiedenen Percussion-Loops ausprobieren. Mal sehen, wie manche von ihnen klingen. Okay, ich glaube, ich mochte den Klang von diesem hier. Also, was wir tun werden, ist, dass wir das in die Playlist ziehen und in den Abschnitt, den wir wollen, das Filterelement. Und ich werde verkleinern und sicherstellen, dass dieser Clip zu unserem Tempo passt. Also lasst uns mal zuhören, wie es sich jetzt anhört. Ich füge es einfach so ein, dass es über den gesamten Abschnitt abgespielt wird. Okay, also glaube ich nicht, dass es zu schlecht klingt, aber was wir tun werden, ist, dass wir es der Mixer-Spur hinzufügen. Und dann werden wir es ablehnen. Ok? Weil dies ein Füllstoff Elemente ist. Dies wird nur verwendet, um Platz zu füllen. Wir wollen nicht, dass es ablenkt und wir wollen nicht sich das Publikum unbedingt darauf konzentriert, okay, also wollen wir es ruhig halten und hören, wie es klingt, jetzt, wo es irgendwie den leeren Raum füllt. Vielleicht machen Sie es etwas lauter. Okay, so würde es sich klingen, wenn wir eine externe Percussionschleife als Füllelement verwenden . Wir können auch verschiedene Arten von Schleifen verwenden. Okay, also lass uns vielleicht runterkommen und wir versuchen eine Vocoder Vocal Loop. Okay, also werde ich zu Vocoder kommen. Nein, eigentlich, also werde ich in Vocal Loops kommen und ich werde Vocoder Loops klicken. Und wir testen, wie sich jemand anhört. Und dann ziehen wir eine hinein und wir werden es als Füllelement verwenden. Ok, lassen Sie uns diese Vocoder-Schleife verwenden, die 27. Und wir schleppen das rein. Und das erste, was wir tun werden, ist sicherzustellen, dass es zu unserem Tempo passt. Also passt es jetzt zu unserem Tempo, also werde ich diese Vocoder-Schleife über den gesamten Abschnitt einfügen. Ich werde es der Mixerspur hinzufügen. Und jetzt muss ich sicherstellen, dass die Vocoder-Schleife in der richtigen Taste ist. Also werde ich Edison eröffnen, die hier drüben ist. Und ich werde das Musterfenster öffnen. Und wir ziehen in der Vocoder-Schleife, wird Edison dazu bringen, die Pitch-Regionen zu erkennen. Und wir können sehen, dass es in C. Und wenn ich hier in meinen Track komme, sehe ich, dass mein Track im Schlüssel von B ist. Also werde ich diese Schleife um $0.100 umwandeln, um sie von C nach B runter zu bringen und jetzt ist es im Schlüssel unserer Spur. Was wir also tun können, ist, dass wir es abschalten können, damit es den Zuhörer nicht ablenkt. Und wir würden uns anhören, wie diese Vocoder-Schleife als Füllstoff klingt. Vielleicht drehen Sie es ein kleines bisschen. Und wenn du wolltest, könntest du diese kleine Vocoder-Schleife in die Art von Aufbau-Abschnitt fortsetzen . Nur um der Konsistenz willen. Lasst uns hören, wie das klingt. Nun, wenn wir dieses Füllelement herausnehmen, werden wir feststellen, wie leer der Abschnitt ohne uns klingt . Jetzt dachte ich, es wieder rein. So können Sie nur einige externe Schleifen verwenden, um den leeren Raum in verschiedenen Abschnitten Ihres Arrangements zu füllen. Als Nächstes schauen wir uns die Drop-On- und Drop-Blaster an. 63. Ton & Drop: In dieser Vorlesung werfen wir einen Blick auf Drop Blaster und Drop Tone. Dropped Putz ist dieses riesige Geräusch, dass Art von Schlag Sie über das Gesicht. Wann immer der Drop beginnt. Sie klingen großartig auf Tech-House-und technischen Tracks. Dropped Blaster wurden kürzlich von Fisher mit seiner Lockerheit populär gemacht. Auf der anderen Seite, fallengelassen Ton ist wie ein einzelnes Blütenblatt Note, die über der Hauptidee der Spur zu platzieren. Es ist fast immer sehr hoch in der Tonhöhe, und es ist normalerweise ein Saitensound, aber es kann auch ein Pad-Sound sein. Lassen Sie uns sowohl den Drop Bluster als auch den Drop Ton in Aktion hören. Jetzt werden wir noch weiter runtergehen. Also, wenn wir letztes Jahr für eine Sekunde in die fallen kommen und wir einen Blick darauf werfen, was los ist. Wir können sehen, dass es eine Notiz gibt, die den Hauptstammknoten des Tracks abspielt. Und noch eine Note, die die dritte Art von Minor Note des Tracks spielt. Jetzt können Sie weitere Notizen hinzufügen, wenn Sie möchten. Also könnte ich hier oben eine Notiz auf F hinzufügen und vielleicht eine Notiz hier oben auf einem scharfen wieder. Und wir werden sehen, wie sich das anhört. Wenn wir das in unseren Drop hinzufügen, wird es so klingen. Aber Sie können auch einige dieser Notizen herausnehmen und sie zurück zu seinen Art nackten Elementen entfernen, was die Wurzel Naught wäre, okay, und wir können es mit nur diesem Knoten hier lassen. Mal sehen, wie sich das in der Falle anhört. Wenn Sie den Klang des Tröpfchenmeisters wählen, müssen Sie sicherstellen, dass es ein harter Klang ist, okay, das heißt, es ist laut. Und in deinem Gesicht, die Voreinstellung, die ich hier ausgewählt habe, ist ziemlich laut und in deinem Gesicht. Aber wenn wir eine wählen, aber wenn wir einen subtileren Klang wie vielleicht nur pflücken Sound wählen. Und wir hören uns das an. Ok? Dieser Sound ist ein bisschen weicher. Wenn wir also hören, wie der sanfte Klang im Drop ist, wird es so klingen. Es fühlt sich also an wie ein bisschen wie ein Anti-Höhepunkt. So müssen Sie sicherstellen, dass der Klang, den Sie für Ihre wählen, Ihre, Ihr Tropfen Pflaster ist laut und in Ihrem Gesicht. Und wir können wählen, lassen Sie uns eine andere Art von Lead-Sound hören und sehen, was, sehen, wie das klingt. Okay, das ist also ziemlich laut, in deinem Gesicht. So könnten wir diesen Sound auch verwenden, und es würde auch gut im Tropfen klingen. Auf der anderen Seite haben wir diesen Tropfenton, okay? Und Tropfenton ist im Grunde das vollständige Gegenteil des Tropfenpflasters. Mit dem Tropfton möchten Sie einen weichen Klang wie diesen auswählen. Und deshalb eignen sich String-Sounds hervorragend für Drop Tone, da Saiten weich und ausdrucksstark sind. Dropped Ton wird auch sehr hoch in der Tonhöhe sein, denn wenn es in der Tonhöhe war, würde es von den Hauptelementen der Spur ablenken. Und es würde verwirrter klingen, wenn wir eine Art tiefer Tonhöhe auf den Klang fallen lassen würden. Sie müssen also sicherstellen, dass der Tropfton, den Sie verwenden, sich in einer hohen Tonhöhe befindet. Köpfe hier oben bei einer scharfen Acht, was eine wirklich hohe Tonhöhe ist. Sie können auch einen Synthesizer-Sound für Ihren Tropfton verwenden. Also, wenn ich hier reinkomme und ich vielleicht diesen weichen Jupiter-Sound auswählte und wir werden sehen, wie das klingt. Ich werde es einfach aufdrehen und wir werden uns anhören, wie das klingt, der Tropfen. Nun, vielleicht ist das etwas zu hoch. Du magst das Geräusch und das ist okay, aber ich werde mir nur eine Oktavmusik aufstellen, aber es klingt nach. Aber wenn wir einen Sound verwenden würden, der Ihnen viel mehr ins Gesicht kommt. Nehmen wir an, wir haben diesen Drop Bluster benutzt, der Gurt ist dein Instrument zuletzt, und wir haben versucht, dies als Drop Tone zu verwenden. Okay, also was ich tun werde, ist, dass ich es bis zu einer Sechs schlagen werde. Okay, also ist es hoch und dehnt es aus, so dass es die gleiche Länge wie der Tropfenton hat. Aber wenn wir uns das anhören und diese Explosion oder dieses Instrument jetzt als aufgegeben haben, wird es so klingen. Okay, und das klingt irgendwie fehl am Platz. Es ist irgendwie von der Hauptgrundlinie hier unten abzulenken. Also lasst uns das alles rückgängig machen und alles wieder normal machen, genau dort, wo wir das abgefallen haben. Und wir nehmen eine letzte Lektion zum Aufbau und zum Tropfen mit dem Pflaster und dem festgeklemmten. Ok. Was wir wirin der nächsten Vorlesung machen, werden wir uns mit einem Synthesizer-Muster als Füllstoff ansehen. 64. Synths als Filler & Extra: In diesem Vortrag werden wir einen Blick auf Saint Filler werfen und Extras geschickt. Ein Cent Extra wäre also eine zusätzliche Art von gesendetem Element, das auf der Hauptidee spielt. Es könnte also eine Art RootNode Stiche oder vielleicht abwechselnde Notizen oder so etwas sein. Was sehr, sehr einfach ist. Aber ein spielt auf der Hauptidee. Da Füllstoff als wäre ein Element, das eine Art von spielt hinter der Hauptidee. Dies könnte also vielleicht ein arpeggiiertes Muster im Hintergrund sein, oder es könnte wie der Tropfton sein, außer wir verwenden es in einem anderen Abschnitt. Also lasst uns dieses Beispiel eines Cent extra hören , das ich in diesem Techno-Track verwende. Dann lernen wir, wie man diese Cent extra in einen Cent Füller verwandelt. Also lasst uns jetzt mal zuhören. Lassen Sie , wie auf Klub schauen. Wenn wir also in das Cent extra Muster klicken, können wir sehen, dass, wenn ich hier nach oben zoomen, wir sehen, dass es tatsächlich ein aus einem viel kleineren Muster besteht , das über jeden Takt der Bar eingefügt wurde. Wenn ich also nur solo bin, wird dieses Muster zuhören. Okay, jetzt könnten wir die Notizen ändern, wenn wir wollen. Wir könnten diese Note ändern, bis zu einem F scharfen und vielleicht diesen bis zum unteren B und wir werden das Gleiche hier drüben in der zweiten Hälfte des Musters machen. Und es würde so klingen. Ok? Und wenn wir uns anhören, wie das im Muster klingt, würde es so klingen. Oder wir könnten dieses Muster komplett ändern und es einfach löschen. Und wir könnten vielleicht ein b hinzufügen und vielleicht einfach ein paar abwechselnde Notizen machen. Also vielleicht von B bis zum hohen B und wieder runter so. Und dann kopieren wir das über das gesamte Muster. So wie das und was auch immer, hör zu. Ok, eigentlich klingt es irgendwie wie etwas von Mario. Aber wenn wir je hören, wie es im Tropfen klingt, würde es so klingen. So können Sie irgendwie die Idee sehen, die wir wollen. Okay, also ist es ein sehr, sehr kurzes Muster. Syntaxbaum hat eine sehr, sehr kurze Muster, so wird es in der Regel nur ein Schlag Lunge sein. Also machen Sie Ihr Muster in diesem einen Schlag. Und was auch immer dein Muster ist, vielleicht ist es, lass uns diese Affäre hinzufügen. Vielleicht ist das dein Muster, ok. Machen Sie es in einem Schlag und kopieren Sie es dann einfach über das gesamte Muster. Also vielleicht über das Ein-Balkenmuster wie dieses. Und dann fügen Sie dieses Muster zu Ihrem Drop-Abschnitt hinzu, okay? Und dieses Muster würde so klingen. Die Idee mit diesem Synth Extra-Sound ist also, dass er irgendwie kurz und repetitiv über den gesamten Abschnitt ist. Wenn wir diesen Synth extra in einen Synth Filler verwandeln würden, würden wir nur in der Mixer-Spur auswählen und es einfach abdrehen. Also ist es irgendwie subtil. Es ist also weniger, es ist weniger offensichtlich. Also ist es eine Art, den leeren Raum zu füllen. Ich habe es ein kleines bisschen ausgeschaltet. Also dieser saure Klang, das ist immer noch der wichtigste, das ist immer noch der Schwerpunkt. Ok? Und wenn wir diesen gesendeten Füllstoff verwenden, füllt dies nur diese Art von leerem Raum aus, der von diesem Muster zurückgelassen wird. Ok? Aber wenn wir es aufdrehen, wird es zu einem Synthesizer Extra. Denn jetzt sitzt es eigentlich über dieser Grundidee. Nun, wir könnten das in eine Art Arpeggiated Sound verwandeln. Und wir könnten das als Synthesizerfüller verwenden. Also lassen Sie uns einfach ein schnelles Arpeggio für B-Moll erstellen, das so sein könnte. Und wir werden das einfach über das gesamte Muster kopieren. Aber wie Sie wieder sehen können, ist dieses ganze, vollständige Ein-Balkenmuster nur Wiederholungen des Musters, das in diesem ist, BCE. Also lasst uns mal zuhören, wie das von alleine klingt. Wir könnten das Instrument nur ein bisschen klarer ändern. Also vielleicht, vielleicht das hier und ersetzen Sie es hier drin. Und was wir tun werden, ist, dass wir es abdrehen, so dass es irgendwie subtil in der Mischung ist. Und es füllt nur leeren Raum. Das ist vielleicht ein bisschen mehr. Und ich werde einfach diesen Pitch Bend Effekt ausschalten , den ich darauf hatte weil er es tatsächlich aus der Melodie klingen lässt. Hören wir uns an, wie es sich jetzt anhört. Und wieder, um dies in einen Cent extra zu verwandeln, Wir würden einfach diesen Schieberegler aufdrehen, so dass er über der Haupt Art von Lead-Idee sitzt. Ok. Es hängt also wirklich davon ab, was Sie versuchen zu tun. Versuchen Sie, leeren Raum aufzufüllen, der von Ihrer Grundidee zurückgelassen wird? Oder versuchen Sie, zu Ihrer Hauptidee hinzuzufügen , indem Sie diese Art von zusätzlichen senden. Ok? Und das ist im Grunde der Unterschied zwischen einem Synthfüller , der Raum füllt und einem Cent Extra, was wie ein zusätzlicher Sound ist. Außerdem gibt es keine Art von Richtlinie darüber, welche Art von Instrument Sie als Duftfüller oder Ihren Cent extra wählen sollten. Aber du musst sicherstellen, wie wir es mit allen anderen Elementen tun, dass es in den Sound deines Tracks passt. In der nächsten Vorlesung werden wir einen Blick auf die Verwendung von Effekten für Füllstoffe und Extras werfen. 65. Effekte als Filler und Extra: In diesem Vortrag werden wir über die Verwendung von Soundeffekten als Füllstoff und Extras sprechen. Also habe ich ein Beispiel für einen Track hier, wo er irgendwie aus dem Intro in diesen Acht BR Zusammenbruch kommt . Und dann gibt es einen Tropfen. Okay, aber das Muster, das im Zusammenbruch ist, lässt viel leeren Raum. Also, was wir tun werden, ist, dass wir einige Effekte hinzufügen, um den leeren Raum zu füllen. Lassen Sie uns ein hören, wie der Track klingt jetzt, ohne dass irgendwelche dieser Effekte hinzugefügt. Okay, also können wir verschiedene Arten von Effekten hinzufügen. Wir können in einer Art Ambient-Sound wie ein Film hinzufügen, um die Szene der Spur zu setzen , werden in anderen Arten von Effekten erkannt , um eine Geschichte wie Polizeisirenen zu erzählen. Ich bin ein Bombenwarnalarm, vielleicht ein Telefon klingelt oder eine tickende Uhr. Ich werde in irgendeiner Location Ambiente hinzufügen und sehen, was das zum Gesamtklang des Tracks macht. Also werde ich da hineinkommen, wo ich mein Standort-Ambiente behalte, das hier unter Umgebungsbedingungen ist. Und ich werde direkt nach unten zu den verschiedenen Orten scrollen, die wir jetzt verwenden können , wir könnten eine nackte vielleicht verwenden, oder wir könnten eine große Stadtstraße benutzen. Lasst uns mal versuchen, mal sehen, wie sich diese Straßen der Großstadt anhört. Ok, versuchen wir vielleicht die Baustelle. Ok. Ich mag das Geräusch der Baustelle. Lassen Sie uns das hineinziehen und sehen, wie es klingt , wenn es mit dem Aufschlüsselungsabschnitt irgendwie geschichtet ist. Also werde ich es nur zu einem Punkt bringen, der ziemlich beschäftigt aussieht, vielleicht hier. Und ich will mich nicht dehnen, da ich Strecke abschalten werde und ich werde es einfach so schneiden, dass es nur den Pannenabschnitt füllt , der D Zeitgebers ist. Also werde ich das hier einfach vorbeiziehen. Und ich werde den Rasierer benutzen, um ihn vielleicht am Ende dieses Akkordmusters zu schneiden. Ok, lass uns verkleinern. Nun, weil wir diesen Effekt als Füller-Sound verwenden, werde ich in die Mixer-Spur kommen und ich werde es einfach ein bisschen abdrehen , damit es die Gerichte nicht überwältigt. Ok. Lassen Sie uns also hören, wie dieser Effekt klingt. Im Abschnitt „Aufschlüsselung“. Jetzt schauen wir mal, wie es klingt, wenn wir es in eine dieser Käufer Crowd-Loops ändern , vielleicht. Lasst uns diese Schleife Nummer drei wählen. Und was ich tun werde, ist, ich habe, ich habe offensichtlich die Wellenform ausgeschnitten. Es ist weit hier drüben. Also werde ich einfach zurück zu ihm scrollen und wir legen es auf die erste Art von Beat. Ich werde meinen Snap am Raster ausschalten, damit ich ihn manuell verschieben kann. Und wieder mit dem anderen Ende hier, werde ich einfach eine Schleife daraus machen. Also, ups, Mansi, Curtis, vielleicht hier in dieser Bar. Und wir machen eine Schleife daraus. Also werden wir es über den gesamten Aufschlüsselungsabschnitt so schleifen. Ok? Und ich ziehe das einfach zurück, damit es irgendwie sogar mit den Gerichten ist. Lassen Sie uns hören, wie dieser Hintergrund klingt, wenn das Muster abgespielt wird. Ok, könnte es einfach sehr schnell abstellen. So, wie Sie sehen können, setzt die Verwendung von Ambience klingt wie diese Art von die Szene für den Track. Also, wenn Sie beabsichtigen, eine Geschichte in Ihrem Track zu erzählen, können Sie diese Ambient-Sounds verwenden, um die Szene zu setzen. Okay, also schauen wir uns jetzt an, eine andere Art von Effekt zu verwenden, was irgendwie wie ein Foley Soundeffekt ist. Vielleicht benutzen wir eine tickende Uhr oder eine Art Bombenwarnung Alarme. Was ich tun werde, ist, dass ich hier in meinen Effektordner komme. Und lassen Sie uns einen dieser Alarmeffekte ausprobieren. Okay, also denke ich, es könnte hier einen Warnalarm geben. Also dieser wird es tun, lassen Sie uns dies verwenden und wir ersetzen diesen Balken-Sound-Effekt durch diesen Alarm-Sound-Effekt. Nun, weil dieser Alarmeffekt tatsächlich einen Rhythmus hat. Es hat irgendwie vier Balken. Wir brauchen das, um mit dem Tempo unserer Tracks zu synchronisieren. Also werde ich einfach mit der rechten Maustaste klicken und Anpassen an Tempo wählen. Mal sehen, welche Art von Unterschieden macht. Oh, es ist nur Solo. Okay, und jetzt hören wir es uns an. Im Zusammenhang mit der Aufschlüsselung. Wir könnten es etwas leiser machen, nur weil es ein Füllelement sein soll und es irgendwie subtil und im Hintergrund sein soll. Lasst uns nochmal zuhören. Versuchen wir einen dieser anderen Alarmeffekte. Vielleicht. Und da gehen wir. Da ist das Bombenwarngeräusch. Okay, also lassen Sie uns das Bombenwarngeräusch in unsere Spur geben. Also werde ich es einfach tun. Zeigen Sie den Rest der Wellenform an. Und wo immer es gehört hat, wie das klingt, wenn es irgendwie Raum neben diesem Akkordmuster füllt. Und die Verwendung dieser Art von Alarm Sound ist eigentlich sehr, sehr häufig in EDM. Mal sehen, wirklich schnell, ob wir den Klang einer tickenden Uhr finden können, ich denke, es könnte eine in diesem wirkt Schleifen sein, aber ich bin mir nicht sicher. Ich kann keine schnell finden, ich werde einfach weitermachen. Nun, ich meine, wir könnten diese Effektschleifen sowieso als Füllstoff verwenden. Also ziehen wir in diesen Ton und lassen Sie uns sehen, wie das klingt, wenn wir das als Füllstoff verwenden. Jetzt müssen wir auch sicherstellen, dass es zu unserem Tempo passt, weil es einen Rhythmus hat. Und es steht hier 127 BPMN. Also werde ich es in eins bis sieben eingeben. Und dann, was wir tun werden, ist, dass ich den Schwanz abschneide und dann können wir ihn während des gesamten Zusammenbruchs schleifen. Mal sehen, wie das klingt. Ich werde es einfach aufdrehen, damit wir etwas besser hören können. Und vielleicht lassen Sie uns eine weitere dieser Effekt-Schleifen versuchen. Lasst uns das hier benutzen. Ziehen Sie das hinein und lassen Sie uns sehen, wie das im Zusammenhang mit dem Zusammenbruch klingt. Wie Sie sehen können, können Sie verschiedene Arten von Effekten verwenden , um den leeren Raum in jedem Ihrer Abschnitte zu füllen. Nun, wieder, wie der Synth-Filter, wenn wir diesen Effekt als Extra verwenden würden, würden wir ihn einfach so aufdrehen, dass er so über den Hauptkarten sitzt . Es hängt also wirklich davon ab, wie Sie eine verwenden möchten Möchten Sie es als eine Art subtilen Füllstoff verwenden? Oder wollen Sie es als eine Art Louder Extra verwenden? Als nächstes schauen wir uns die Hallschwellen an. Und dies ist der letzte Vortrag, bevor wir den ersten Auftrag beginnen , sind die erste Art von Projekt. Also gehen wir voran und springen jetzt hinein. 66. Die Reverb: In dieser Vorlesung werfen wir einen Blick auf die Hallschwellen und wie wir sie in unseren Tracks verwenden können. So ist der Hall-Swell eine extrem häufige Technik, die in Aufbauten oder für den Übergang von einem Abschnitt zum anderen verwendet wird. Und was passiert, ist, dass der Track klingt, als würde er langsam immer weiter weg, bevor er plötzlich zurück springt und dir irgendwie ins Gesicht schlägt mit dem nächsten Abschnitt. Bevor er plötzlich zurück springt und ihm irgendwie mit dem nächsten Abschnitt ins Gesicht schlägt. Also lassen Sie uns ein Hören auf dieses Beispiel eines Aufbaus und dann einen kleinen Teil des Dropfens. Jetzt habe ich den Hall-Swell nicht angewendet, aber wir lernen, wie man es danach macht. Lasst uns jetzt mal zuhören. Okay, also fangen wir an, den Reverb auch anzuwenden. Also, was wir tun werden, ist, dass wir auf die Mixer-Spur kommen. Und wir werden auf den Master-Kanal kommen. Und was wir tun werden, ist, dass wir einen Reverb hinzufügen, ein Reverb-Plugin. Also lassen Sie uns einfach den Standard-fruchtigen Reverb hinzufügen. Und wir werden hören, wie das jetzt auf den Master-Kanälen klingt. Der Master-Kanal ist also der Kanal, den alle diese verschiedenen Tracks durchlaufen. Also alles, jedes Element in deinem Track geht durch den Master-Kanal. Lasst uns mal zuhören. Und wenn wir die nasse Ebene aufdrehen, okay, was wir tun können, ist, dass wir hier eine Voreinstellung laden können, vielleicht, vielleicht diese große Halle Preset, und wir werden sehen, wie das klingt. Das hört sich gut an. Jetzt werden wir in das Wiedergabelisten-Fenster kommen und wir werden den Bereich hervorheben, in dem wir den Automatisierungsclip erstellen möchten , weil wir diesen trockenen Nass-Level automatisieren werden. Also werde ich mit der rechten Maustaste klicken und ich werde Automatisierung erstellen auswählen. Und dann werde ich diesen Ankerpunkt nach links ziehen , so dass der Hall ausgeschaltet ist und er sich langsam anschaltet, wenn der Drop fortschreitet. Als nächstes werde ich einen weiteren Ankerpunkt hinzufügen, indem Sie mit der rechten Maustaste klicken. Und ich werde das bis an die Spitze bringen. Und ich zeichne diesen Ankerpunkt in Einklang mit dem, wo der Übergang beginnt. Und dann, und dann werde ich wieder zum Automatisierungsclip kommen und ich werde den rechten Ankerpunkt den ganzen Weg nach unten ziehen , so dass er abgeschaltet wird, wenn dieser Drop Statistiken. Ok. Was also passieren wird, ist, dass die Strecke mit diesem Hall-Effekt irgendwie anschwellen wird. Und dann in dieser Art von stiller Übergang, den wir haben, wird der Hall-Effekt nach unten drehen und dann in den Drop-Abschnitt sein. Okay, also komm raus und wir werden uns anhören, wie das klingt. Jetzt können Sie die Form des Automatisierungsclips anpassen, um ihn etwas aggressiver zu machen. Das macht die Steigung vielleicht etwas steiler. Und mal sehen, wie sich das anhört. Und um diesen Klang noch professioneller zu machen, was wir tun werden, ist, dass wir zurück in den Master-Kanal kommen und all das Low-End loswerden , wenn dieser Hall-Effekt anschwillt. Okay, also öffnen wir ein Equalizer-Plug-in über diesem Hall-Plug-In. Lassen Sie uns einfach den Standard-fruchtigen parametrischen EQ verwenden. Und es wird sich so öffnen. Und was wir tun werden, ist, dass wir mit der rechten Maustaste auf diese erste Band klicken und wir sagen Typ. Und wir wollen einen Hochpass. Und was das tut, ist, dass es alle hohen Frequenzen passieren lässt. Aber wie Sie sehen können, schneidet es diese niedrigen Frequenzen aus. So werden wir den Frequenzpegel zu automatisieren, so dass dieses Plugin schneidet mehr und mehr hohe Frequenzen, wie ein Hall-Swell spielt aus. Okay, also lassen Sie uns das wieder auf etwas Normales setzen, vielleicht nur 60 Hertz. Und was wir tun werden, ist, wir werden mit der rechten Maustaste auf diesen Frequenzparameter klicken. Und eigentlich, tut mir leid, zuerst müssen wir den Bereich hervorheben, in den wir den Automatisierungs-Tipp aufgrund eines Fallens wollen. Und wir werden mit der rechten Maustaste auf diesen Frequenzparameter klicken und wir sagen, erstellen Sie Automatisierungsclip. Sie sich jetzt noch keine Sorgen um einen der Parameter auf dem Equalizer, denn wir würden uns Equalizer und viel mehr Details ansehen, wenn wir zum Mischen kommen. Moment wissen Sie nur, dass Sie den Frequenzparameter automatisieren müssen. Ok? Also lasst uns das schließen. Und was wir tun werden, ist, dass wir den Ankerpunkt auf der rechten Seite ergreifen. Und whoops, tut mir leid. Wir bringen es auf, so dass die niedrigen Frequenzen gefangen werden, wenn der Hall-Sound anschwillt. Und dann werden wir nur sicherstellen, dass alle niedrigen Frequenzen wieder eingeschaltet werden dürfen, wenn dieser Drop-Abschnitt beginnt. Ok? Und vielleicht lassen Sie uns diesen Ankerpunkt ein wenig nach unten drehen, damit wir nicht alle niedrigen Frequenzen ausschneiden. Wir wollen nur einige von ihnen herausschneiden. Okay, lasst uns mal zuhören, wie das jetzt klingt. Also denke ich, dass dieser Effekt tatsächlich ein bisschen zu früh beginnt. Also werde ich das dorthin bringen, wo es im Einklang mit dem Ende der Akkorde steht. Und ich denke auch, dass es ein bisschen zu viel ist. Also werde ich es abdrehen und vielleicht passen wir die Steigung so an, dass sie nicht so aggressiv ist, und wir werden hören, wie es sich jetzt anhört. Dieser Prozess ist also, wie Sie über die Anwendung eines Hall-Swells auf Ihre Spuren gehen würden. 67. Einführung in die Arrangement: So sind wir fast bereit, die komplette EDM-Track selbst zu arrangieren. Es gibt nur ein paar weitere Tipps und Richtlinien, die ich Ihnen in diesem Abschnitt geben möchte. Und dann können wir in die Mischphase dieses EDM-Produktionskurses übergehen. Wir werden einfach diese Folien wirklich schnell durchgehen bevor wir mit diesem Arrangement Tipps Abschnitt beginnen. Okay, nun, jetzt, wo Sie alle Elemente kennen, die eine EDM-Track bilden, können Sie sie verwenden, um Ihr eigenes Arrangement zu erstellen. Sie können einige der Muster verwenden, die Sie bereits erstellt haben, oder Sie können von Grund auf neu beginnen und eine völlig neue Spur erstellen. Ich werde in diesem Kurs nicht wirklich eine Spur für Sie arrangieren. Und der Grund dafür ist, dass jeder es anders macht. Es kann tatsächlich ein ziemlich unstrukturierter Prozess sein. Wissen Sie, Sie könnten Ihr Trommelmuster in Bits und Stücken bauen, oder Sie könnten sogar am Ende jedes einzelne der Instrumente auf halbem Weg ändern. Aber all dies ist in Ordnung, wenn wir uns an die Theorie halten, die wir bisher gelernt haben , wird in der Lage sein, ein professionelles Arrangement zu produzieren. Wie gesagt, jeder hat seinen eigenen Prozess der Arrangement und wenn ich es vor Ihnen tun würde, wäre mein Prozess völlig anders als Ihr Prozess. Du würdest also nichts anderes lernen, als wie ich einen Track arrangiere. Aus diesem Grund habe ich am Ende dieses Abschnitts eine Checkliste zur Verfügung gestellt. Und auf dieser Checkliste finden Sie alle Tipps und Richtlinien, die ich Ihnen bisher gegeben habe, um ein professionelles klingendes Arrangement zu schaffen. Es gibt ein Projekt am Ende dieses Kurses, in dem Sie einen vollständigen EDM-Track bereitstellen müssen, um mir zuzuhören. Stellen Sie also sicher, dass Sie diese Checkliste herunterladen und Ihren Track so gut wie möglich machen. 68. Elemente zum Antrieb: Also die erste Art von Arrangement Tipp, den wir uns ansehen werden, sind Antriebselemente. Und das ist wahrscheinlich die wichtigste Regel der Anordnung. Also sollte es bei allen Formen der Musikproduktion immer eine Sache im Fokus des Zuhörers geben, okay? Sie brauchen etwas zum Zuhören. Andernfalls werden ihre Gehirne versuchen, sich auf zu viel auf einmal zu konzentrieren und die ganze Erfahrung wird angenehm. Und wir können sicherstellen, dass dies nicht geschieht, wenn wir Antriebselemente verwenden. Stell dir vor, deine Strecke ist wie ein Boss, okay? Und die Leute in diesem Bus sind die Elemente, die in Ihrer Spur sind? Nun, es kann nur einen Busfahrer geben, okay, es gibt nur eine Person, die tatsächlich den Boss fährt, der tatsächlich kontrolliert, wohin der Bus fährt. Und es ist genau das Gleiche in der Musik. Sie können nicht mehr als einen Fahrer zu jeder Zeit haben. Natürlich, in diesem Bus , kann der Fahrer aussteigen und ein anderer Fahrer kann einsteigen. Und der Fahrer kann aussteigen und der gleiche Fahrer von vorher kann wieder einsteigen. Und das Gleiche kann auch in der Musik passieren. Sie können ein treibendes Element haben, das durch den Zusammenbruch spielt, und dann ein neues treibendes Element, das durch den Tropfen spielt. Und dann können Sie das vorherige Antriebselement von der ersten Panne wieder einführen. In der Praxis ist es so, als ob Sie eine Art beschäftigtes Instrument haben , auf das Sie sich konzentrieren sollen, dann sollten Sie alle anderen Elemente einfach halten. Wie die Baseline sollte einfach sein und Ihre Lead-Elemente sollten einfach sein. Oder wenn Sie eine geschäftige Basislinie haben, dann sollten Sie die Instrumente einfach halten. Ok? Vielleicht benutzen Sie einen Vokalhaken. Nun, in diesem Fall sollten Sie einfache Instrumente und eine einfache Basislinie verwenden. Es gibt also mehr als wahrscheinlich klingt ein bisschen verwirrend, aber ich denke, es wird mehr Sinn machen, wenn ich diese Beispiele für Sie durchgespielt habe. Okay, also, dieses erste Beispiel hier ist von einer percussion-getriebenen Spur. Ok, also dieses Kuhglocken-Muster, das ist das Hauptelement der Strecke. Das ist also das Hauptelement, auf das sich meine Zuhörer in diesem Track konzentrieren sollen. Und weil dies das Hauptelement ist, ist meine Grundlinie unglaublich einfach. Ok, es sind nur zwei Notizen. Also lassen Sie uns ein hören, wie dieser percussion-gesteuerte Track klingt. Werfen wir nun einen Blick auf diese Basislinie angetriebene Spur. In diesem speziellen Track ist die Hauptsache, auf die ich mich die Zuhörer konzentrieren soll, diese Baseline, okay? Also werde ich es für dich alleine machen. Ok? Aber was Sie bemerken werden, ist die Vorsichtsmaßnahme von bevor ich das wirklich herausgenommen habe , denn wenn ich das in gelassen hätte, dann würde es tatsächlich zu treibenden Elementen gleichen Zeit geben und es würde sehr verwirrend klingen. Lassen Sie uns ein hören, wie die Basislinie angetriebene Spur klingt. Wenn ich diese Kuhglocken hinzufügen sollte, werden wir uns anhören, wie es jetzt klingen würde, mit diesen beiden Antriebselementen versuchen, sich gegenseitig um den Weltraum zu kämpfen, okay? Beide versuchen also, um deine Aufmerksamkeit zu kämpfen. Und Sie werden feststellen, dass Sie irgendwie schweben zwischen Art der Aufmerksamkeit auf beide und die ganze Erfahrung, zu versuchen, das zu tun, ist nicht sehr angenehm für den Zuhörer. Hören wir uns also an, wie es sich jetzt anhört, mit diesen beiden Antriebselementen. Ich bin mir sicher, dass Sie feststellen können, dass der Gesamtklang sehr verwirrt ist und dass Sie versuchen, sich auf Ihr Schweben zwischen einem zu konzentrieren und dann hören Sie einem anderen und dann gehen Sie zurück zu diesem in der zurück zu diesem hier und Sie versuchen, sich auf beide gleichzeitig zu konzentrieren. Also machen wir das nicht. Wir wählen ein Hauptelement, auf das sich der Zuhörer konzentrieren soll , und wir entwickeln den Track um diesen herum. Okay, in diesem Fall haben wir eine Instrumentengetriebe. Das Instrument ist also das. Ok, es ist nur ein einfaches Klaviermuster. Und weil das Instrument die Strecke antreibt, ist meine Grundlinie sehr einfach. Und in der Tat, die Grundlinie ist das Kopieren des Rhythmus des Klaviers. Also, wenn wir ein hören, wie diese vollständige Instrumenten-gesteuerte Spur klingt, und beobachten, was passiert, wenn ich diese Art von einfacher Baseline herausnehme und ich in dieser komplizierteren Baseline hinzufügen , die ich in meiner Baseline-getriebenen Spur hatte. Und wir hören uns einfach an, wie die Baseline klingt, wenn sie versucht, mit dem Klavier um den Raum zu kämpfen. Also wieder, Sie werden wahrscheinlich feststellen, dass es sehr schwer ist, sich nur auf ein Element zu konzentrieren. Und dies verhindert, dass der Zuhörer vollständig mit Ihrem Track interagieren kann. Also bitte stellen Sie sicher, in Ihren Spuren, dass Sie über diese treibenden Elemente nachdenken, und Sie sind nur gegeben, dass der Zuhörer gewonnen halten Art halten ihre Hand und nehmen Sie sie durch die Strecke. 69. Die Intensity: Okay, wir werden über das Intensitätsliniendiagramm für die Musikproduktion sprechen. Erinnern Sie sich daran von dem ganzen Weg zurück in der Vorlesung über EDM-Struktur? Nun, wir werden herausfinden, was es jetzt ist. Auch dieses Intensitätslinienkonzept gilt nicht nur für EDM, es gilt eigentlich für alle Musikgenres. Es ist also ein nützliches Werkzeug, das alle Produzenten unter ihrem Gürtel haben sollten. Intensität im Vergleich zu Zeit, okay? So wird dieses Diagramm eingerichtet. Wie steigt und fällt die Energie deiner Strecke, während sie durch die Anordnung fortschreitet? Das basiert also auf einem Gefühl, wie fühlt sich dein Track tatsächlich an? Und was Sie bemerken werden, ist, dass das Intro oft Gebäudeintensität ist. Der Ausfall sinkt dann die Intensität sehr gering und es beginnt wieder mit dem Aufbau eines Backups. Und dann drückt der Aufbau die Intensität höher und höher bis zum Tropfen Zahnfleisch, das ist der intensivste Abschnitt einer EDM-Spur. Und Sie werden auch bemerken, dass die Intensität im zweiten Zusammenbruch selten so niedrig ist wie der erste Zusammenbruch. Und das liegt daran, dass die Intensitätsniveaus nicht überall springen sollten. Wenn Sie also plötzlich von dem intensivsten Abschnitt, dem Abfall, in den Abschnitt der niedrigsten Intensität gehen , was der Zusammenbruch ist, dann wird Ihre gesamte Strecke gerade in diesem Moment sterben. Man muss an die Zuhörer denken, die auf der Tanzfläche sind. Sie springen rauf und runter. Sie haben eine tolle Zeit während des Dropfens. Und wenn es um den zweiten Zusammenbruch geht, wollen sie nicht aufhören, sich zu bewegen und müssen sich bis zum nächsten Tropfen setzen. Daher wird der zweite Zusammenbruch oft eine höhere Intensität haben als der erste Zusammenbruch. Und das ist ein theoretisches Konzept, also gibt es keine Formel, um es jedes Mal richtig zu machen. Du musst nur kritisch zuhören und wirklich versuchen, die Energie deines Tracks zu spüren. Es sollte steigen und fallen mäßig, nicht drastisch. Unten rechts auf dieser Folie sehen Sie ein Intensitätsliniendiagramm für Martin Galaxien Tracktiere. Und ich habe auch ein Video aufgenommen, in dem ich gerade durch den Track gespielt habe und enthüllt, wie diese Intensitätslinie aussieht, wie sie platziert wird. So können Sie das in der nächsten Vorlesung finden, wenn Sie verwirrt sind wie ein Intensitätsliniendiagramm für Ihre Spur zu zeichnen. Es ist nur ein sehr einfaches Werkzeug, mit dem wir sicherstellen können, dass die Energie unserer Strecke gut fließt und die Kontur der Linie nicht von Extrem zu Extrem springt . Ich hoffe, Sie verstehen, wie dieses Intensitätslinienkonzept funktioniert. Und ich würde wirklich gerne, wenn du vielleicht ein oder zwei Tracks hörst und einfach die Intensitätslinie für jeden herausziehst. Jetzt können Sie dies in Ihrer eigenen Zeit tun. Ich muss die fertigen Graphen nicht sehen, aber wenn Sie eine Intensitätslinie für viele verschiedene Spuren zeichnen, werden Sie etwas über sie bemerken. Und was Sie bemerken, ist, dass sie alle sehr ähnlich aussehen wie in der Form des Graphen und wie die Intensität steigt und fällt in anziehen wird sehr ähnlich sein. Wenn Sie gehen und dies für sich selbst tun, werden Sie lernen, wie eine Track-Intensitätslinie idealerweise aussehen sollte. Und dann können Sie dies für Ihre eigenen Spuren verwenden , um sicherzustellen, dass Ihre Intensitätslinie gleich aussieht. Und das ist alles, was es dazu gibt. Es ist nur ein einfaches Diagramm, in dem Sie die Intensität oder die Energie einer Spur im Vergleich zur Zeit darstellen . In der nächsten Vorlesung werfen wir einen Blick auf ein paar Dinge, mit denen Sie eine neue Track-Idee generieren können . 70. Die Hauptidee: wir jetzt einen Blick auf ein paar Dinge, die wir verwenden können, um eine neue Track-Idee zu generieren. Vielleicht haben Sie bereits eine Idee in Ihrem Kopf, die Sie entwickeln möchten. Oder Sie können einige der Schleifen und Muster verwenden, die wir bisher in diesem Kurs gemacht haben. Aber wenn es Ihnen schwer fällt, eine Track-Idee zu finden, könnten diese Tipps Ihnen helfen, den kreativen Teil Ihres Gehirns zu starten. Also der erste Tipp hier sind Supermenschen. Und diese Website ist erstaunlich. Du findest Millionen von kostenlosen Loops und kostenlosen Samples, die du in deinen Tracks verwenden kannst. Und all diese Loops und Samples sind völlig urheberrechtlich und lizenzfrei wegen einer Klausel, die tatsächlich auf Looper mins Nutzungsbedingungen Seite ist. Es ist also wirklich eine brillante Ressource, die Sie in Ihren Projekten verwenden können, entweder um Ideen zu generieren oder einfach nur für einige zusätzliche externe Schleifen. Jetzt werde ich wirklich schnell sagen, dass es eine Acapella-Seite gibt , auf der Sie Gesang herunterladen können, aber diese sind nicht urheberrechtlich frei, ok, Sie müssen also die Person kontaktieren, die den Gesang hochgeladen hat , wenn Sie sie verwenden möchten in deinen Tracks. Abgesehen davon ist es wirklich eine fantastische Ressource für uns Musikproduzenten zu verwenden. Als nächstes haben wir das, was eigentlich zuhört, zu gewinnen und es für Ideen zu verwenden. Dies ist also im Grunde das gleiche wie die Verwendung einer Referenzspur. So finden Sie eine Spur, die Sie mögen, und Sie kopieren die Struktur und Ideen in der Spur. Und wieder, bedeutet nicht, dass Sie die Spur genau kopieren. Aber zum Beispiel, wenn Sie den Track hören und auf halbem Weg durch das Intro kommt ein Klavierelement ins Spiel, dann können Sie dieses verwenden und ein Klavierelement auf halbem Weg durch Ihr Intro einführen. Aber das Muster, das Sie in Ihrem Track verwenden, muss unterschiedlich sein. Du nimmst also nur die Hülle des anderen Titels und füllst ihn dann mit deiner eigenen Originalmusik auf. Schließlich haben wir diesen Tipp, nämlich Plug-Ins zu verwenden, okay, so gibt es viele, viele Plug-Ins, die Ihnen wirklich helfen können, eine neue Idee zu generieren. Einer von ihnen ist Rave-Generator, von dem Sie ein Bild oben links sehen können. Und ein weiteres Beispiel ist dieses vollständige Arcade-Paket nach Ausgabe. Jetzt sind diese besonders erstaunlich und können Ihren Tracks sofort einen professionellen Sound auf Knopfdruck geben. Also schauen Sie auf jeden Fall in einige dieser Arcade-Plug-Ins zu investieren. Das war nur ein wirklich, wirklich schneller Vortrag. Wenn du für Ideen festsitzt. Und ich hoffe, dass Sie einige dieser Tipps an Bord nehmen und anfangen können, einen neuen Track zu generieren. In der nächsten Vorlesung werfen wir einen Blick auf den letzten Tipp in dieser Art von Arrangement Abschnitt , wo Sie beginnen, wenn Sie eine vollständige EDM-Track arrangieren. 71. Erste Schritte: Dieser Vortrag ist eine weitere sehr schnelle Diashow, und ich möchte Ihnen nur helfen herauszufinden, wo Sie mit Ihrem Track beginnen, wenn Sie stecken. Einige Produzenten, sie beginnen mit dem Intro oder dann andere Tag, sie beginnen mit der Herstellung der Trommeln. Aber wenn du wie ich bist und anfängst, die Grundidee der Strecke zu bilden, dann gibt es einen Ort, an dem du anfangen solltest. Und das ist der Zusammenbruch. Fangen Sie also nicht mit dem Intro an, beginnen Sie mit dem Zusammenbruch und ich werde erklären, warum. Die Grundidee Ihrer Strecke wird also die wichtigste Art von Antriebselement sein. Und das Hauptantriebselement wird fast immer vollständig in den Zusammenbruch eingeführt. Es ist also wirklich, wirklich einfach, einen Track Flow zu machen. Nun, wenn du mit dem Aufbruch beginnst und dann den Track von dort aus baust, solltest du eigentlich das Intro Last machen, okay, denn das Intro ist so konzipiert, dass auf die Hauptidee deines Tracks hinweist oder darauf hinweist. Aber wenn Sie noch keine große Spur haben, wie können Sie darauf hinweisen, was darin sein wird? Und dieser Hinweis Aspekt ist sehr wichtig, denn wie ich bereits sagte, ermöglicht es dem Publikum, Ihren Track sofort zu erkennen, sobald er gespielt wird. Also definitiv, wissen Sie, wenn Sie nichts anderes von dieser Vorlesung nehmen, nehmen Sie das und das ist, um das Intro Last zu tun. Aber das heißt, Sie wissen jetzt alles, was Sie brauchen, um eine professionelle EDM-Track zu arrangieren. Im nächsten Abschnitt werden wir einen Blick darauf werfen, was wir tun sollten, wenn das Arrangement fertig ist und wir sind bereit, mit dem Mischen zu beginnen. 72. Vorbereitung für die Mischung: Dieser Abschnitt hat also nur einen Vortrag und es geht um die Vorbereitung auf Mixed on. Wenn Sie also am Ende Ihres Arrangements sind, wissen Sie, wenn Sie fertig sind und denken, dass Sie bereit sind zu mischen, gibt es noch ein paar Dinge, die wir tun sollten, um den Mischvorgang viel einfacher zu machen. Das erste, was wir tun werden, ist, dass wir ein neues Sparen erstellen als, okay, und der Grund, warum wir das tun, ist, weil alle Änderungen, die wir vornehmen, falls wir die letzte Mischung nicht mögen, mit der wir rausgekommen sind. Wir können immer wieder zur Originaldatei zurückkehren und ganz einfach von Grund auf neu beginnen. Also werde ich hier zu der Datei kommen und ich werde Speichern als drücken, wir werden das nur umbenennen. Jetzt wird dieser spezielle Track im Moment Goos to genannt, also werde ich ihn als Goos umbenennen, um einen zu mischen, okay? Und ich werde „Save“ treffen. Und jetzt ist dieses spezielle Projekt völlig getrennt von der anderen Art von Originalprojekt. Das nächste, was wir tun müssen, ist, dass wir sicherstellen müssen, dass alles in dieser Anordnung auf der Mischerspur durchkommt. Also, was ich tun werde, ist, dass ich dieses Instrument spielen werde. Und ich sehe, dass es hier auf Kanal neun kommt. Ich werde das nächste Instrument spielen. Und ich sehe, dass das hier auf diesem Kanal 6 durchkommt. Wir können den Gesang überprüfen, zu dem sie auf dem richtigen Weg sind. Wir können das überprüfen, es ist unverfolgt 21. Was Sie also tun werden, ist, dass Sie alles in Ihrem Arrangement überprüfen und sicherstellen, dass sie alle in der Mixer-Spur durchkommen und dass sie alle Arten von Mischerkanälen zugewiesen sind. Also, wie Sie sehen können, kommt alles durch. Sie sind in verschiedenen Arten von gleichgültigen Mischerkanälen. Ok? Das nächste, was wir tun werden, ist, dass wir sicherstellen, dass alle unnötigen Effekte auf den Instrumenten-Plugins ausgeschaltet sind. Also ich weiß, ob wir hier in diesen speziellen Klang klicken, okay? Und wenn wir es spielen, gibt es einen Verzögerungseffekt auf diesem speziellen Plugin. Wenn wir nochmal zuhören, wenn ich aufhöre, geht der Ton weiter und das ist Verzögerung. Und das klingt großartig für das Arrangement. Diese Art von hilft beim Arbeitsablauf, weil Sie eine Vorstellung davon haben , wie die endgültige Version klingen könnte. Aber zum Mischen müssen wir all diese unnötigen Effekte ausschalten. Okay, also wenn ich in das Plug-in hier komme und ich auf die Effekte kommen, die beide bereits offen sind. Wir können sehen, dass das Delay-Plug-in eingeschaltet ist. Ok? Also, was ich tun werde, ist, dass ich das ausschalten werde. Und ich werde auch hier rüber zum Equalizer kommen. Und ich werde das ausschalten. Denn wenn wir EDM mischen, wollen wir mit dieser Art von puristischem Sound arbeiten, dem Sound, wenn er am meisten roh ist. Ok? Jetzt gibt es auch dieses Verzerrungs-Plug-in aktiv, okay. Und wenn ich es ausschalten, hört es sich so an. Und ich werde es wieder einschalten. Also glaube ich eigentlich nicht, dass das einen großen Unterschied für den Sound macht. Also werde ich das einfach auslassen, weil ich nicht will , dass es etwas stört, was wir später tun. Also habe ich alle Effekte auf diese spezielle Voreinstellung deaktiviert, und wir sind bereit, mit dem nächsten Instrument fortzufahren und alle Effekte darauf auszuschalten. Ok. Also zum Beispiel, wenn wir nur dieses erste, dieses erste Muster nehmen , klingt es so. Okay, was wir tun werden, ist, dass wir in das Plugin kommen und wir werden zum Effektbereich kommen. Und wie Sie an diesem Licht sehen können, sind die Effekte auf, okay? Und es gibt Effekte auf eins, auf Kanal eins und Kanal zwei. Und es gibt nichts auf Kanal drei. Also, da ist ein Reverb und unerwünscht, es gibt eine Verzögerung, und hoops. Und was wir tun werden, ist, dass wir einfach die Mischung aus einem abschalten und wir werden die Mischung aus zwei abschalten , die diese Art von Plug-in-Effekten nicht im Sound durchkommen. Okay, hören wir uns jetzt den Sound an. Ok. Und wenn ich diese Sicherung so gemacht hätte, wo sie waren, würde es so klingen. Ok. Also will ich die Art von, ich will den reinsten, den rauesten Sound, den ich bekommen kann. Okay, also wirst du alle deine Instrumente in deinem Arrangement durchgehen und alle unnötigen Effekte ausschalten. Und was ich meine mit unnötig ist, dass Sie manchmal auf ein Plug-in stoßen und es wird vielleicht eine Verzerrung aktiv sein oder einen Phaser oder so etwas geben. Und für diese besonderen Effekte möchten Sie den Klang von ihnen behalten. Wenn Sie den Phasor behalten möchten und die Verzerrung beibehalten möchten, möchten Sie das in Ihrem Arrangement behalten. Ok? Also in diesem Fall können Sie den Mann verlassen, aber Dinge wie Hall Delay, der Equalizer auf einem Plug-in, die Komprimierung auf einem Plugin. Wir werden all diese deaktivieren, weil wir unsere eigene Nachhallverzögerung machen, einen EQ, und die Komprimierung wird sowieso alle diese Plug-Ins selbst anwenden, also schalten wir sie auf dem Instrument aus. Wir werden auch sicherstellen, dass es keine Auswirkungen auf den Master-Kanal gibt. Und ich habe einen Effekt hier, aber ich habe eine ausgeschaltet. Okay, also nur wenn Sie keinen Effekt auf den Master-Kanal geladen haben, stellen Sie sicher, dass Sie ihn einfach ausschalten, indem Sie diese Lichter drücken oder wie Sie es in Ihrer DAW tun. Wir wollen nicht, dass irgendeine Plug-in-Art den Sound beeinflusst, den wir hören, wenn wir versuchen zu mischen. Schalten Sie also alle Plugins aus, die Sie auf Ihrem Master-Kanal geladen haben. Und ich weiß, dass, wenn Sie FL Studio zum ersten Mal öffnen und den Master-Kanal überprüfen, es tatsächlich einen Limiter hier auf dem unteren Slot standardmäßig lädt. Also, was Sie tun sollten, ist, wenn Sie den Limiter haben, ich bin auf dem Master-Kanal. Schalt es aus, okay. Nun, wenn Sie Kanäle senden, okay, denken Sie daran, dass wir einen Blick auf Sandkanäle werfen und wie Sie sie machen wenn Sie einige Auswirkungen auf Ihre Sandkanäle haben, wie wenn Sie Reverb oder Delay oder etwas hier drüben verwenden, Schalten Sie einfach das Plugin so aus. Also, wenn Sie eine Verzögerung auf Schlitz hatten für, Sie haben es einfach so ausgeschaltet. Denn wieder, diese Art von Effekten werden den Gesamtklang stören, den Sie hören. Und danach, wenn wir mit dem Mischen fertig sind, werden alle diese Elemente zurückkommen und wir werden diese Plug-Ins einfach wieder einschalten. Aber wenn wir mischen, wollen wir definitiv die Send-Plugins abschalten. Jetzt ist dieser Teil optional, okay? Und was Sie tun können, ist, dass Sie Busse einrichten können. Und ein Boss ist im Grunde, wenn man an einen Boss denkt, er trägt viele Leute, während Boston Musik viele Instrumente trägt. Also, was Sie tun können, ist, dass Sie diesen Kanal umbenennen können, vielleicht lasst uns als Trommelboss umbenennen, okay? Und was du tun würdest, ist, dass du deine Snare nimmst und sie durch den Trommelbus rennst. Du nimmst deinen Klatsch, führst ihn durch den Trommelboss, nimmst deine andere Snare, egal welche Schichten. Setzen Sie alle Ihre Trommeln durch diesen einen Buskanal, okay, und dann, was Sie tun können, ist, dass Sie alle diese Art von Elementen separat mischen können. Und dann können Sie alle so mit nur einem Schieberegler nach oben oder unten drehen. Also, anstatt die Vorsichtsmaßnahme separat aufdrehen zu müssen, drehen Sie dann die Snare hoch drehen Sie dann den Klatsch hoch. Du kommst hier rüber zu diesem Drum-Boss und drehst einfach die Trommeln hoch. Und dann kannst du einfach die Instrumente aufdrehen und den Gesang aufdrehen. Ich würde gern alle von mir getrennt lassen, weil ich ein Kontrollfreak bin und nur dieses kleine zusätzliche Maß an Kontrolle habe. Aber wenn du Bose's einrichten willst, kannst du das auch tun. Und sobald du all diese Dinge erledigt hast, sind wir bereit, mit dem Mischen zu beginnen, okay? Wir werden alles über Mixen lernen und alles über die verschiedenen Plugins, die Sie verwenden können , und Art, was sie tun, um den Sound Ihres Tracks zu gestalten. Also, wenn Sie bereit sind, mit dem Mischen zu beginnen, wird jetzt in die erste Vorlesung springen. 73. Einführung in das Mischen: Also beginnen wir mit der Mischphase dieses Kurses. Mischen ist der Prozess, der alle einzelnen Audio in Ihrem Track ausbalanciert , so dass es auf jedem Wiedergabesystem gut klingt. Dinge wie Kopfhörer, Ohrhörer, Autolautsprecher und Telefonlautsprecher. Mischen ist ein riesiges Thema und es könnte seinen eigenen Kurs bilden, wahrscheinlich ungefähr die gleiche Länge wie dieses. Also, was ich getan habe, ist, dass ich Ihnen so viel wie möglich gegeben habe , ohne auf unnötige Details zu gehen. Sie brauchen keine ausgefallenen Plug-Ins, um eine gute Mischung zu erhalten. Alles kommt mit vielen tollen Plugins, die Sie verwenden können. Einige von denen berühmte Künstler tatsächlich schwören. Sogar locker Luke nutzt die FL Studio Stock-Plugins in seinen Mixes. Bevor wir also in den Ausgleich springen, möchte ich Ihnen nur ein kurzes Beispiel dafür zeigen, was ein gemischter Track wie vs und nicht-gemischte Spur klingt. Ok, also ist das irgendwie nur, um Ihnen die Wichtigkeit des Mischen zu zeigen. Also, hier ist, wie ein Track klingen würde, wenn er gemischt wäre. Und dann werden wir uns anhören, wie diese Art von genauen Segmenten klingt, wenn sie nicht gemischt worden wären. Okay, lassen Sie uns mal zuhören. Und hier ist die ungemischte Version. Und ich werde einfach wirklich schnell Art von AB die beiden. So wie es spielt, werde ich zwischen beiden springen , so dass Sie die verschiedenen nebeneinander hören können. Nun, da Sie die Wichtigkeit des Mischens sehen können, gehen wir zum Ausgleichsabschnitt über. 74. EQ zum Mischen: In dieser Vorlesung erfahren wir mehr über den Ausgleich für das Mischen. Dies wird auch allgemein als EQ bezeichnet. Also, was ist EQ? Nun, EQ ist der Prozess der Gestaltung eines Klangs entweder durch Erhöhen oder Schneiden verschiedener Frequenzen. Sie können einen sehr bestimmten Teil des Sounds anvisieren und dann entweder eliminiert oder Booster. Zum Beispiel, wenn Sie ein Klavier sind, klingt großartig, aber denken Sie, es ist ein bisschen zu klobig oder vielleicht ist es zu schwer für den Track. Sie können EQ verwenden, um die niedrigen Frequenzen zu beseitigen und die hohen Frequenzen in seiner im Wesentlichen die Audio-Version des Zuschneidens eines Bildes zu belassen . Ok? Du willst deine Freundin ausschneiden, bist du der nächste Instagram-Post oder was auch immer. Genauso wie wir die Basisfrequenzen des Klavierklangs ausschneiden wollen. Nun, da dieser Kurs weitergegangen ist, erwähne ich immer wieder das Wort Frequenz. Also, was ist eine Frequenz? Dies ist nur ein wissenschaftlicher Begriff, den wir verwenden, um zu beschreiben, wie oft etwas pro Sekunde passiert. Und in diesem Fall ist es ein Maß dafür, wie oft sich eine Schallwelle jede Sekunde wiederholt. Du siehst, damit irgendetwas zu einem Geräusch kommt, muss es vibrieren. Man kann sich also vorstellen, wie oft pro Sekunde die Lautsprecher vibrieren müssen, um einen bestimmten Klang zu erzeugen. Und aus diesem Grund ist die Frequenz tatsächlich direkt mit der Tonhöhe verbunden. Wenn Sie also einen Riser-Effekt in Ihrer Spur haben, der in der Tonhöhe als Platz steigt, dann steigt dieser Steigrohr auch an Frequenz. Ihre Lautsprecher müssen schneller und schneller vibrieren damit sie klingen, als würde die Tonhöhe steigen. Eine einfache Analogie dafür wäre, an eine Fliege zu denken, okay? Eine kleine Fliege hat kleine Flügel, also muss er diese Flügel viele, viele Male pro Sekunde bewegen , um tatsächlich fliegen zu können. Und das erzeugt einen hohen Klang. Aber eine große Fliege, die große Flügel war, kann er seine Flügel weniger Mal pro Sekunde bewegen, und dies wird eine niedrigere Tonhöhe erzeugen. Nun wird die Frequenz in Hertz gemessen, und wir können diese Schmerzen verwenden, um verschiedene Tonhöhen des Klangs anzuvisieren und entweder zu entfernen oder sie zu verstärken. Ein Mensch kann hier nur zwischen 20 Hertz und 20 Tausend Hertz, oder mit anderen Worten, 20 Schwingungen pro Sekunde, 20 Tausend Schwingungen pro Sekunde. So werden Sie oft feststellen, dass ein EQ-Plugin innerhalb dieses Bereichs beschränkt ist. Für andere Tiere kann es jedoch anders sein. Weißt du, Hunde können bis zu 30 Tausend Hertz hören. Und Wale können hier tatsächlich bis zu 120 Tausend Hertz, aber wir machen keine EDM für Wale. Also lassen Sie uns einfach mit der 20 bis 20 Tausend Bereich bleiben. Also, was sind einige der wichtigsten Parameter, die Sie auf Ihrem EQ-Plugin finden können. Nun, es gibt einen Frequenzparameter, es gibt einen Verstärkungsparameter, und es gibt einen Q-Parameter, ok? Der Frequenzparameter teilt dem Equalizer mit, welchen Teil des Sounds Sie anpassen möchten. Wenn Sie also die Frequenz auf etwa 100 einstellen, wäre dies eine Niederfrequenz. Und jede Änderung, die Sie vornehmen, wirkt sich nur um diesen Teil des Klangs aus. Aber wenn man die Frequenz auf etwa 15 Tausend einstellt , dann wäre das eine hohe Frequenz. Und jede Änderung, die Sie vornehmen, wirkt sich nur um diesen Teil des Klangs aus. Die Warteschlangeneinstellung teilt dem EQ mit, wie genau Sie sein möchten. Wollen Sie also diesen ganz spezifischen Bereich beeinflussen? Oder möchten Sie weniger präzise sein und diesen Bereich generell steigern? Und schmales Q wirkt sich auf einen bestimmten Bereich aus, während eine breitere Warteschlange einen allgemeineren Bereich auswirkt. Der Verstärkungsparameter teilt dem EQ dann mit, wie viel von einem Boost oder einem Gericht angewendet werden soll. Wenn Sie also die Verstärkung Hi einstellen, wird es das betroffene Gebiet viel lauter als der Rest machen. Und wenn Sie die Verstärkung niedrig einstellen, wird das betroffene Gebiet viel leiser als der Rest machen. Und wenn wir diese drei Werkzeuge zusammen verwenden, können wir wirklich einen Sound gestalten und ihn besser in eine Spur passen. Es gibt einige weitere Verbesserungen, die Sie tun können, wo Sie tatsächlich die Form der Kurve ändern können. Ok? Es gibt also vier Haupttypen von Kurven. Und das sind eine Glockenkurve, ein Regal, ein niedriger Schnitt und hohe Kosten. Eine Glockenkurve wird tatsächlich wie eine Glocke aussehen und hier bekommt sie den Namen. Es kann auch ein Gipfel oder eine Kerbe genannt werden, die Regalkurve dann werden wir tatsächlich wie eine Art flacher Hügel aussehen. Der niedrige Strom fällt vollständig nach links ab. Und das kann auch als Hochpass bezeichnet werden. Und dann wird ein High Court ganz nach rechts abfallen. Und das kann auch als Tiefpass bezeichnet werden. Wenn Sie sich nun das Bild auf dieser Folie ansehen, können Sie einige dieser Formen in Aktion sehen. Die Locard-Form ist ganz links, wo die Linie irgendwie völlig abfällt. Wenn wir uns jetzt ansehen, wo die Nummer eins ist, wissen Sie, wo die Linie nach unten sinkt und dann wieder hoch ist. Diese spezielle Kurve wird als Kerbe bezeichnet weil es eine Kerbe aus dem Klang schneidet. Die Kurve an der Nummer drei, wo die Linie nach oben und dann wieder nach unten geht. Nun, das nennt man einen Peak oder einen Gürtel. Und schließlich die Kurvenform an der Nummer sechs, wo die Linie klettert und dann irgendwie eben bleibt. Dies wird als Regal bezeichnet. Es sieht auch ein bisschen wie ein Regal aus, das man Dinge anziehen kann. Wenn du es so denken willst. Wir würden alle diese in der nächsten Vorlesung nochmals übergehen und tatsächlich einen EQ benutzen. Also könnte es dann ein bisschen mehr Sinn machen. Aber vorerst ist das alles die Theorie, die wir wissen müssen. Also lasst uns jetzt in diesen Vortrag springen. 75. EQ verwenden: In dieser Vorlesung lernen wir, wie man EQ beim Mischen benutzt. Also das erste, was ich machen will, ist, dass du alle in einem Rutsch EQ solltest, okay? Das ist kein notwendiger Prozess, aber es ist viel einfacher, sich daran zu erinnern, was Sie anderen Instrumenten angetan haben, ok, und was ich damit meine ist, sagen wir, wir haben dieses, diese Art von Muster hier. Okay? Und wenn ich eine Art Hochfrequenz-Boost auf dieses Element anwende. Und dann, wenn ich mir die andere Art von Instrument anschaue, die mit diesem überlagert ist. Okay, ich möchte nicht auch die gleiche Art von Hochfrequenz-Boost auf dieses Instrument anwenden , weil die beiden sich gut ergänzen sollen, also wenn dieses Instrument einen Hochfrequenz-Boost hat, dann bin ich mehr als wahrscheinlich gehen, um die gleichen Frequenzen aus diesem Instrument zu entfernen. Aus diesem Grund ist es viel einfacher, wenn wir alle EQ auf einmal machen. Also machen wir den gesamten EQ für dieses Plug-In, und dann gehen wir zum nächsten. Und dann machen wir den ganzen EQ für diesen, und dann machen wir den ganzen EQ dafür und alle EQ dafür und sind der EQ dafür und so weiter. Okay, also kommen wir zurück zu dieser Art von Hauptmuster auf Track 9 und wir werden je wieder hören, wie es sich anhört. Okay, das erste, was ich tun werde, ist, dass ich ein EQ-Plugin eröffne. Und ich werde tatsächlich die Art von Standard-EQ verwenden, die mit FL Studio kommt , so dass Sie das gleiche Plug-in in Ihrem Track verwenden können. Okay, also öffnen wir dieses Plugin und es sieht so aus. Jetzt jede dieser Zahlen hier, diese werden Frequenzbänder genannt. Und was das einfach bedeutet, ist, wie oft können Sie bestimmte Bereiche beeinflussen, okay, so mit diesem Plugin, wir haben nur sieben. Wir können also nur solche Anpassungen vornehmen. Wir können das nur sieben Mal machen. Einige andere Plug-Ins ermöglichen es Ihnen, Ihre eigenen Bänder zu zeichnen und Sie können so viele hinzufügen, wie Sie möchten. Einige andere Plugins haben weniger und einige andere Plugins haben mehr. Es hängt nur von dem Plug-In ab, das Sie verwenden. Okay, also werde ich das wieder auf Standard setzen, also schauen wir es an, wenn es wieder flach war. Also schauen wir es an, wenn es Flash ist. Und jetzt werde ich nur den Prozess der tatsächlichen Anwendung von EQ erklären. Okay? Also, um einen EQ anzuwenden, schnappst du dir eine dieser Bands, okay? Und was du tun wirst, ist das dein Gewinn, Art deines Verstärkungsparameters. Also wirst du den Gewinn so hoch wie es geht steigern. Und dann wirst du die Warteschlange verengen. Ok, also ist es nur eine Art Effekt, also betrifft es nur einen sehr kleinen Bereich. Und dann, wenn der Ton abgespielt wird, kommen Sie hierher zum Frequenzparameter und Sie werden ihn entweder nach oben oder unten bewegen. Okay? Also wirst du irgendwie sehen, dass du ganz unten anfangen wirst. Und du wirst das bewegen, während der Ton abgespielt wird. Und du wirst irgendwelche Frequenzen finden, die du nicht magst, okay, irgendwelche Frequenzen, die einen bösen Klang erzeugen. Okay, also lasst uns das wirklich schnell für diesen Sound machen. Nun, Sie können hören, dass diese spezielle Frequenz, es gibt eine, es gibt eine Art Resonanz. Es gibt ein bisschen ein, ein Zuhause, wenn wir nochmal zuhören. Okay, und jetzt werden wir das reduzieren, weil wir die böse Frequenz gefunden haben. Und jetzt werden wir es einfach rausnehmen. Wir wollen diese böse Frequenz und den letzten Ton nicht. Und wir machen das Gleiche mit diesen anderen Bands hier. Also werden wir den ganzen Weg nach oben steigern, die Warteschlange sehr schmal machen. Und dann werden wir durchfegen und eine weitere böse Frequenz finden. Ich habe eine weitere fiese Frequenz gefunden, die mir nicht gefällt. Also nochmal, ich werde das ausschneiden. Okay? Und du wirst das mit vielleicht all diesen Bands oder vielleicht weniger von diesen Bands tun je nachdem, wie viele fiese Frequenzen du in deinem Sound hast. Und lassen Sie sich nicht zu tief mit diesem Roni auf der Suche nach den sehr, sehr spezifischen Art von bösen Frequenzen. Also finde, wo sie sind und schneide sie dann aus dem Klang. Sobald Sie alle bösen Frequenzen gefangen haben, dann, was wir tun, ist, laden wir ein zweites EQ-Plugin. Und wir verwenden dieses zweite Plugin, um den Sound zu formen. Okay, also der erste ist, all die bösen Frequenzen auszulösen. Und jetzt nutzen wir diesen, um alle schönen Teile des Sounds zu steigern. Also mit diesen Bands, du wirst sie tatsächlich steigern, okay, genauso wie wir es vorher getan haben. Aber du wirst die Warteschlange breiter lassen. Okay, also benutzten wir ein schmales Q mit dem letzten Plugin. Nun, mit diesem hier werden wir ein viel breiteres Q OK verwenden. Und ich werde durch die Frequenzen fegen und ich werde eine Frequenz finden, die ich mag. Okay, ich mag das Geräusch dieser Frequenz. Also werde ich hier rauf zu dem Gain-Parameter kommen und ich werde es ein bisschen abschalten. Es ist also nicht irgendwie überwältigend. Aber jetzt, da wir die Frequenz gefunden haben, werde ich den Ton abspielen und diesen anpassen , um die Verstärkungseinstellung zu finden, wo es am besten klingt. Okay, also lasst uns mal zuhören. Also denke ich, die Gain-Einstellungen klingt hier gut. Wir können diesen EQ auch verwenden, um Teile des Sounds zu entfernen, die wir nicht mögen. Okay, wenn ich also diesen dritten Parameter nehme und diesen Fluss steigere. Und wieder, wir werden die Schlange ziemlich breit halten. Und ich werde durchfegen und ich werde eine Frequenz finden, die mir nicht gefällt. Okay, hören wir mal zu. Also mag ich diesen speziellen Teil des Sounds nicht. Okay, also was ich tun werde, ist, dass ich hierher komme. Und wieder, ich werde es zu flach drehen. Und dann werde ich zuhören und ich werde den Ton ausschneiden bis ich ein schönes Niveau für den Verstärkungsparameter o finde, bis ich ein schönes Niveau für den Verstärkungsparameter finde. Okay, lasst uns mal zuhören. Wenn wir also diesen Sound ohne den zweiten EQ hören, klingt das so. Und wenn wir es wieder einschalten und wieder ausschalten. So können Sie sehen, dass es einen zweiten EQ tatsächlich macht den Klang ein wenig heller und irgendwie in Ihrem Gesicht. Was wir also tun, ist, den Top-EQ wiederzuverwenden, um das Spezifische zu finden und auszuschneiden. Und dann verwenden wir den unteren EQ, um den General zu finden. Okay? Was du tun wirst, ist, wenn du das alles erledigt hast, wirst du zu einem anderen Instrument übergehen. Also in diesem Fall werde ich die Ebene verwenden, die zur gleichen Zeit spielt. Okay? Und wir werden dasselbe tun, ok, wenn Sie hier reinkommen, wird Ihr erster EQ, den Sie laden, für den General sein. Also nochmal, wenn wir das nehmen und wir irgendwie, werden wir eine enge Schlange haben und durch den Klang fegen. Ich werde es hier wirklich, wirklich schnell machen. Ich werde die Elle größer machen. Okay, ich mag diese Frequenz nicht. Machen wir es mit Nummer drei. Die qx, oops, machen Sie die Warteschlange, wenn es schmaler. Mileva Lektion. Okay, hier gibt es auch eine böse Frequenz. Also werde ich das ausschneiden. Und du machst das wieder mit allen Bands. Und dann laden Sie Ihren zweiten EQ. Und wieder mit diesem EQ versuchen wir, den Sound zu formen, aber der einzige Unterschied ist, dass wir versuchen, ihn so zu formen, dass er zu diesem Instrument passt. Okay, wir könnten, damit wir diesen Track alleine anhören können. Und wir konnten die schönen Frequenzen finden. Okay? Und wir könnten, wir könnten vielleicht, ich denke, es klingt ziemlich schön dort, und wir könnten das am Ende um zweitausend Hertz steigern. Okay? Aber wenn wir das andere Instrument überprüfen, können wir sehen, dass dies auch in der Nähe von zweitausend Hertz erhöht wird. Es ist auf 1,51000 erhöht. Okay? Und wenn wir die beiden gleichzeitig spielen, werden sie klingen, als würden sie um den Weltraum kämpfen. Was wir also eigentlich tun sollten, ist, dass wir ihnen gleichzeitig zuhören sollten. Okay? Also werden wir uns dieses Instrument anhören, während das, das wir gerade gewürfelt haben, spielt, damit wir sicherstellen können , dass dieses Instrument gut zu diesem Instrument passt. Also lasst uns mal zuhören und wir werden die Frequenzen finden, in denen dieses Instrument mit dem anderen kollidiert. Und dann werden wir die Frequenzen finden, in denen diese Instrumente diese Art Komplimente ergänzen. Okay? Also lassen Sie uns das tun und lassen Sie uns einige der kollidierenden Frequenzen hören. Okay, also kämpfen diese beiden Frequenzen jetzt um den Weltraum. Also, was ich tun werde, ist, dass ich das aus diesem Instrument herausziehe, okay? Und es mag schrecklich klingen, wenn es alleine gespielt wird. Aber das Ding ist in diesem Track, es spielt nie alleine. Es wird als Schicht verwendet. Deshalb müssen wir sicherstellen, dass dieses Instrument dieses Instrument ergänzt. Wenn wir uns jetzt anhören, wie es klingt, klingt es so. Und jetzt wollen wir eine Frequenz finden, die vielleicht das andere Instrumental ergänzt. Okay, also lasst uns jetzt mal zuhören. Vielleicht gibt es hier etwa 450 Hertz. Und um der Demonstration willen, lasst uns einfach noch einen machen. Vielleicht wollen wir versuchen, eine höhere Frequenz zu finden. Das hört sich gut an. Okay, jetzt passen diese beiden Instrumente, wenn sie zusammen spielen , irgendwie zusammen wie ein Puzzle. Okay, also lasst uns die beiden gleichzeitig zuhören. Und dann schalte ich diesen zweiten EQ aus und wir können sehen, wie es klingt. Das ist vor EQ. Und wenn wir den EQ wieder einschalten, ausschalten, einschalten , ausschalten. Ich bin mir sicher, dass Sie hören können, wie viel der Unterschied EQ tatsächlich macht, um den Sound zu formen. Wir werden jetzt zur nächsten Vorlesung übergehen, wo wir unser Wissen weiter festigen und über die Präsenzen auf 76. Die Presence: In diesem Vortrag werden wir über die Anwesenheit auf lernen. So liegt die Anwesenheitszone zwischen etwa 1,5 Tausend Hertz, bis zu etwa 5 Tausend Hertz. Ok. Und das nennt man die Anwesenheit auf, weil es der Bereich ist, in dem das menschliche Ohr am empfindlichsten beim Hören ist. Wenn Sie also etwas in diesem Bereich steigern, also zwischen 1,5 Tausend oder 5 Tausend, wenn Sie etwas hier drinnen steigern, wird es viel klarer und viel heller klingen. Okay, also werde ich das einfach zurücksetzen. Und was wir tun werden, ist, dass wir diesen Gesang hören werden, um dies zurückzusetzen. Wir würden uns diese Gesänge jemals anhören und die Präsenzzone steigern. Und wir werden sehen, was für ein Unterschied es macht. Wenn ich das nicht zähle, geh zurück. Ich bin mir sicher, dass Sie feststellen können, dass Ihr Ohr sehr empfindlich gegenüber einigen dieser Frequenzen ist. Weißt du, als wir durchgefegt waren, klang einige der Frequenzen ziemlich hart. Und das liegt daran, dass unsere Ohren am empfindlichsten für diese Art von Frequenzen sind. Wenn ich hier unten eine Frequenz erhöhen sollte, vielleicht im Jahr 370, wird es nicht so hart klingen. Aber wenn ich hier zur Anwesenheit komme damit Sie den Vorteil sehen können, die Anwesenheit zu nutzen, okay? Und in der Regel wird alles, was Sie in dieser Zone steigern, gut klingen. Und ich gebe Ihnen hier ein weiteres Beispiel. Wenn wir diese Art von verzerrten Tasten nehmen und ich in das Muster komme, werde ich nur die Schleife ausschalten und wir haben ein hören, wie sie klingen. Also müssen sie ausgeschaltet werden. Wir werden nur mit der Luft nachsehen. Verfolgen Sie zehn. So gibt es in Spur zehn. Also lasst uns dieses MOOC lösen, wie sie klingen. Okay, jetzt, wenn ich ein EQ-Plugin lade und dann habe ich versucht , die Präsenz auf kann vielleicht Bögen hier unten sein. Und wenn ich das ausschalten und dann wieder einschalten würde. Okay, also kannst du hören, dass es sofort besser klingt. Boss. Okay, und das ist ein riesiger Busch. Das ist das Problem. Ok? Das Problem ist, dass alles gut klingt, wenn es hier gesteigert wird. Aber wenn Sie mischen, wenn Sie alles in dieser Art von Frequenzbereich erhöhen, dann wird alles miteinander kollidieren. Und wir haben uns das kurz in der vorangegangenen Vorlesung angesehen, wo wir die gleichen Frequenzen auf zwei verschiedenen Instrumenten erhöht haben . Wenn wir das in unserem Mix machen, wenn wir, weißt du, all diese verschiedenen Tracks in der Gegenwart ankurbeln , werden sie alle kämpfen. Also hier ist die Nummer eins Regel der Verwendung der Anwesenheit auf. Du solltest wirklich nur die Hauptelemente in deinem Track steigern, okay? Dinge wie der Gesang, vielleicht ein Lead-Instrument, und vielleicht Akkorde, und das war's, okay? Man muss sehr, sehr vorsichtig sein, wenn man es benutzt, dass alle Elemente irgendwie zusammenstoßen und um den Weltraum kämpfen. Also, wenn ich zum Beispiel hier in mein Arrangement komme und sagen wir, ich werde ihn einfach aufstehen. Nehmen wir an, ich steigere meinen Doppelklick hierauf die Vocals. Sagen wir mal, ich steigere meinen Gesang in der gegenwärtigen Zone. Okay, dann heißt das mit diesen Akkorden hier, werde ich diese nicht auch in der Gegenwart steigern. Ok. Also lasst uns einfach herausfinden, wo die sind, den Mixer und wir schalten sie ein. Okay, jetzt, wenn ich einen EQ eröffne und vielleicht die gegenwärtige Zone dieses speziellen Instruments anhören kann. Sie werden das wieder bemerken, es klingt sehr gut, aber wenn wir diese beiden Dinge gleichzeitig spielen, klingt es plötzlich nicht so gut. Also, was wir tun, ist, dass wir diese Präsenz aufnehmen und sie schneiden. Okay, weil etwas anderes, das gleichzeitig spielt , diesen Raum besetzt. Wir wollen also nicht, dass dieses Instrument diesen Raum besetzt, also schneiden wir es aus und finden dann vielleicht eine andere Frequenz, die funktioniert. Vielleicht nicht das, vielleicht einige dieser Frequenzen. Und das sieht man auch, dass der Gesang viel klarer wird, wenn wir dieses Instrument ohne EQ anhören. Achten Sie besonders auf den Gesang und wie klar sie werden, wenn wir diesen EQ wieder einschalten. Ich bin mir sicher, Sie haben bemerkt, dass, wenn wir uns wieder an den EQ wenden, der Gesang irgendwie lauter zu werden scheint, und das liegt daran, dass wir Platz für sie geschaffen haben. Die Verwendung der vorliegenden Zone ist also ein sehr leistungsfähiges Werkzeug, um die Aufmerksamkeit auf bestimmte Elemente in Ihrem Track zu lenken. Aber Sie müssen wirklich vorsichtig sein, es zu viel zu verwenden, vor allem, wenn Art von Elementen zur gleichen Zeit spielen. Wählen Sie einfach ein Hauptelement, das am besten mit der gegenwärtigen Zone klingt und entfernen Sie dann die Anwesenheit auf, von einigen der anderen Elemente. In der nächsten Vorlesung lernen wir, wie man EQ auf Instrumente einsetzt. 77. EQ für Instrumente (TEIL 1): In diesem Vortrag werden wir einen Blick auf EQ für Instrumente werfen. Also habe ich ein paar Instrumente in dieser Art von Aufbau Abschnitt. Wenn wir nur zuhören, schalte ich einfach den Gesang stumm. Okay, ich werde diese Kanäle wieder einschalten. Also werde ich einfach an der Spitze hier mit diesem Muster eins anfangen. Okay, das ist also dieses Instrument. Ok? Und es ist auf Gleis neun. Also, wenn wir hier in den Mixer kommen und wir können sehen, dass es bereits hervorgehoben unverfolgt neun. Also werde ich das solo und ich werde das erste EQ-Plugin laden. Und mit diesem hier, wenn Sie sich erinnern, suchen wir nach all den bösen klingenden Frequenzen. Also, was ich tun werde, ist, dass ich das Muster spielen lasse. Und während es spielt, werde ich einige dieser Parameter anpassen , nur so dass wir einige der bösen Frequenzen beseitigen können. Ok, also lasst uns das Muster anhören und ich fange an, einige der EQ-Parameter zu optimieren. Okay, also fangen wir mit zwei hier an. Ich werde den Gewinn steigern und ich werde die Warteschlange eingrenzen. Und dann werde ich durch eine jemals auf die verschiedenen Frequenzen hören. Ok, also gibt es hier eine böse Frequenz, ich denke, bei um ist das 211 Hertz. Also, was ich tun werde, ist, dass ich die Verstärkung so senken und die Frequenz ausschneiden werde. Als nächstes hören wir noch mal zu und versuchen es mit dieser dritten Band. Also nochmal, ich werde die Verstärkung steigern und eine schmale die q. Okay, und lasst uns von dieser Position beginnen, weil wir bereits durch diese Frequenzen hier fegt. Also lasst uns mal zuhören. Okay, also gibt es hier eindeutig eine Resonanz, eine Art böse Frequenz. Also werde ich das ausschneiden. Okay, und wir machen das Gleiche wieder mit dieser vierten Band. Steigern Sie den Gewinn, verengen Sie den Q. Und wieder, was auch immer, hören Sie. Okay, also ist es schon irgendwie eine böse Gegend gesagt, also werde ich etwas davon rausnehmen. Und wieder, mit der fünften Band, werden wir sie steigern, die Warteschlange eingrenzen. Und ich habe mir einige der bösen Frequenzen angehört. Ich könnte dequeue ein kleines bisschen weißer machen. Und hier, wenn 1424, werden wir das Gleiche tun und wir werden diese Frequenz ausschneiden. Ok? Jetzt klingt der Sound so. Und wenn wir diesen EQ ausschalten, haben Sie bemerkt, dass der Sound viel mehr chaotisch wird. Also werde ich es ausschalten und wir leben eine Lektion. Und dann, während es spielt, schalte ich das wieder ein und du wirst die Art des Unterschieds im Klang hören. Also macht dieser EQ tatsächlich einen massiven Unterschied. Und ich wusste nicht, wie viele Art von bösen Frequenzen tatsächlich in diesem Sound waren , bis wir kamen und wir diesen EQ gemacht haben. Nun, da wir mit diesen EQ-Einstellungen zufrieden sind, sind wir bereit, auf den zweiten EQ zu gehen. Und dieser EQ soll den Klang prägen. Okay, also werden wir die schönen Frequenzen finden und wir werden sie steigern. Und dann werden wir einige der Art von nicht so schönen Frequenzen finden und wir werden sie einfach mit einer viel mehr Art von allgemeiner Art von Kurve ausschneiden . Okay, also fangen wir einfach wieder mit dieser zweiten Band an. Und ich werde es erhöhen, und ich werde einen Schwung durchmachen und ein paar schöne Frequenzen finden. Okay, also denke ich, dass die Art von Hauptteil des Klangs, die Art der Anwesenheit dieses Klangs irgendwo hier ist, was 771 Hertz ist. Und so werde ich die verlassen, ich werde diese Band hier verlassen. Und ich werde es einfach ein bisschen abschalten, weil ich denke, es ist ein bisschen zu viel. Und ich denke, wir könnten das Cue etwas schmaler machen, nur damit es etwas fokussierter ist. Und wieder, wir benutzen dieses geteerte Band hier und wir werden durchfegen und Sie werden ein paar nette Frequenzen finden, oder vielleicht sogar einige fiese Frequenzen. Also lasst uns den Klang hören. Aber ich mag diesen Bereich nicht. Ich denke, es ist ein bisschen schlammig und irgendwie überladen Klang, also werde ich den Gewinn hier senken. Und nicht zu viel, ich bin nicht, ich versuche nicht, einen wirklich aggressiven Sound zu machen. Ich wollte, dass es irgendwie transparent ist. Und wieder, verengen Sie einfach das Q etwas, so dass es ein wenig fokussierter ist. Also lasst uns versuchen, einige Frequenzen hier oben zu finden, um entweder zu steigern oder eine Art von Kosten. Ok? Also werde ich einfach diese sechs Band nehmen und vielleicht ist das Q jetzt eine kleine Wette. Und wir hören einfach zu. Also klingt dieser Bereich hier ein bisschen hart. Ok? Also, was ich tun werde, ist, dass ich den Gewinn nur ein kleines bisschen senken werde. Ok? Ich will nicht zu viel von diesen Frequenzen rausnehmen, denn ist in der gegenwärtigen Zone und dort sind unsere Ohren am empfindlichsten. Aber zur gleichen Zeit ist dieser Sound in diesem Bereich ein bisschen hart. Also werde ich diese Frequenzen einfach rausnehmen und dann werde ich die Warteschlange erweitern. Nur ein bisschen mehr Art von verallgemeinert. Und ich könnte einfach wieder aufstocken , sogar, noch mehr als das. Ich wollte nur subtil sein. Ok. Lass uns mal zuhören. Lassen Sie uns hören, was das Geräusch, sorry. Lassen Sie uns hören, wie der Synthesizer jetzt ohne diesen EQ-Effekt anklingt. Und ich werde es wieder einschalten. Also denke ich, dass der Sound jetzt ein bisschen mehr Fokus hat, ich denke, wir haben irgendwie den Hauptbereich dieses speziellen Instruments eingefangen. Das Letzte, was noch zu tun ist, einige niedrige und hohe Schnitte zu machen. Okay, deshalb habe ich diese 17-Band allein gelassen. Ok, denn wir werden diese verwenden, um hohe und niedrige Kosten zu tun. Also werde ich mit der rechten Maustaste klicken und Typ auswählen. Und ich werde die Form der Kurve in einen hohen Pass ändern, okay? Oder mit anderen Worten, eine niedrige Kosten. Also lassen wir nur die hohen Frequenzen vorbei. Und was wir tun werden, ist, dass wir das nach oben ziehen, bis wir die Basis aus diesem Geräusch töten. Okay, wir wollen keine der Basisfrequenzen in einer Art, na ja, alles, was nicht der Kick ist und das ist nicht die Basis. Okay, die Basisfrequenzen hier sind für den Kick in der Basis reserviert. Also, welche Ihre Instrumente, müssen Sie diese niedrigen Frequenzen entfernen. Ok, also lasst uns den Sound nochmal hören, und ich werde das irgendwie nach oben und unten bewegen, bis die Basisfrequenzen entfernt wurden. Ok? Okay, ich denke irgendwo hier, ich kann es nicht wirklich sehen, aber ich glaube, es ist irgendwo um 200 Hertz. Ich denke, das ist eine Art D-Bereich, in dem die Basisfrequenzen aus diesem Sound herauskommen, aber wir behalten immer noch den Hauptteil des Sounds. Okay, als nächstes, für die hohen Frequenzen hier oben, werde ich das in eine Regaleinstellung ändern, okay? Und es ist eigentlich schon auf einem hohen Regal gesetzt. Und der Grund, OK, bleib dran. Es gibt zwei verschiedene Arten von Regalen. Es gibt ein niedriges Regal und ein hohes Regal. Und was ein hohes Regal ist, wenn das Regal irgendwie nach oben geht und es hier nach rechts geht. Ok. Also, wenn du das runterziehst, wird die Art von Linie, die du änderst, immer auf der rechten Seite sein. Nun, wenn ich dies zu einem niedrigen Regal ändere, was passieren wird, ist, anstatt diese Linie auf der rechten Seite zu beeinflussen, wird tatsächlich alles beeinflussen, um die, nach links. Ok. Also werde ich es einfach in ein niedriges Regal wechseln, wenn wir sehen, was passiert. In Ordnung, jetzt beeinflusse ich alles links von dieser Band. Und Sie können es dort mit der blauen Linie und der genauen Kurve des Regals sehen. Also werde ich das wieder auf ein hohes Regal setzen, weil ich nur die hohen Frequenzen beeinflussen möchte. Und ich werde nur einige von ihnen rausziehen, weil ich glaube, dass sie für diesen speziellen Sound nicht notwendig sind. Weißt du, dass es da oben eine Menge von Hash-Frequenzen gibt, die wir nicht in Ton brauchen. Also werde ich das rausziehen. Plötzlich, nicht zu viel. Und jetzt werden wir uns diesen Sound anhören, ohne dass irgendeinen der EQs eingeschaltet ist. Und dann schalten wir sie wieder ein und hören uns an, wie es sich mit den Anpassungen anhört , die wir vorgenommen haben. Okay, also denke ich, dass dieses Instrument gut klingt. Es klingt ziemlich sauber. Und ich denke, wir können zu einem anderen Instrumental übergehen. 78. EQ für Instrumente (TEIL 2): Also, weil ich irgendwie EQ auf dieses Muster angewendet habe, werde ich anfangen, alles zu entfernen, was gleichzeitig gespielt wird. Also werde ich alle EQ stützen, die ich mit anderen Elementen mache. Ich werde es von der EQ stützen, die wir mit diesem Element gemacht haben. Ok? Also, wenn wir dieses Fluorophormuster nehmen und wir finden, wo das auf dem Mixer ist. Wir können sehen, dass es auf Kanal sechs ist. Wenn ich das Solo mache, hört es sich so an. Okay, das erste, was wir tun müssen, ist, dass wir das lösen müssen und wir müssen den ersten EQ laden. Und das ist nur, um eine der bösen Frequenzen auszuschneiden. Also werde ich das wirklich, wirklich schnell machen , nur damit wir zum nächsten Teil der Vorlesung gelangen können. Okay, also werde ich nur den Sound abspielen und sehr, sehr schnell durchgehen und einige böse Frequenzen finden. Ich denke, diese Frequenzen sind irgendwie in Ordnung, aber ich werde sie nur sehr, sehr irgendwie subtil herausziehen , weil ich denke, sie sind ein winziges bisschen höher, also okay, lassen Sie uns den Sound ohne den EQ hören und dann werde ich schalten Sie es ein, während das Muster abgespielt wird. Okay, ich merke, dass dieser EQ einen guten Job macht. Es ist irgendwie, den Klang aufzuräumen und es ein bisschen klarer zu machen. So können wir jetzt zum zweiten EQ übergehen. Und was wir mit diesem EQ machen werden, ist, dass wir uns das andere Instrument anhören , das wir bereits angewendet haben, das dq2, okay, das ist dieser Ikarus. Hoppla, es ist dieses Icarus-Plug-in, okay. Und der Grund, warum wir beide gleichzeitig spielen , ist, weil ich den Sound bereits aus der Queue gezogen habe. Also möchte ich sicherstellen, dass dieser Sound gut zu diesem Sound passt, okay, denn wenn ich das alleine mache und ich nicht wirklich auf das andere Instrument höre, dann mache ich es irgendwie blind. Wohingegen wenigstens, wenn ich dieses andere Instrument habe, kann ich hier, welche Frequenzen das andere Instrument ergänzen? Ok? Das erste, was ich tun werde, ist, dass ich einen Low Cut anwenden werde, nur um einige der unerwünschten Bassfrequenzen loszuwerden . Also werde ich die Instrumente vorerst solo lassen. Und ich mache die Schlange vielleicht etwas steiler. Und wenn wir zu den hohen Frequenzen kommen und uns anhören, was hier oben vor sich geht. Ich könnte sie einfach sehr, sehr plötzlich, sehr sanft herausnehmen . Nur um diese Art von hissy Sound loszuwerden, klingt das wie ein bisschen statisch. Aber auch bewegen Sie das ein bisschen nach rechts, nur so ist es irgendwie nur ein sehr, sehr oberes Ende am EQ hier. Ok? Jetzt sind wir bereit, wieder in die Playlist zu gehen und beide Instrumente gleichzeitig zu hören. Und wird EQ die, die beiden Instrumente Art von Side-by-Side. Okay, lasst uns mal zuhören. Also werde ich anfangen, Dinge zu steigern. Ich werde versuchen, dies für mein Abdrehen nur ein kleines bisschen zu steigern. Und habe nie auf einige dieser Frequenzen gehört. Nun, das erste, was mir auffällt, ist, dass diese Art von Frequenz tatsächlich mit diesem Instrument kollidiert. Also kämpfen die beiden, diese beiden Instrumente um den Raum um diese Frequenz herum. Also werde ich diese Frequenz auslösen , so dass es diesem Instrument ein wenig mehr Platz zum Atmen erlaubt. Und ich könnte das Q irgendwie verengen, also ist es ein bisschen fokussierter und ziehe ein bisschen mehr heraus. Und jetzt wird diese drei Band und Mileva steigern, hören Sie das Muster als ein Ort. Also mag ich das Geräusch hier. Jetzt bin ich kein großer Fan davon, aber ich glaube, es fügt etwas zu den anderen Instrumenten hinzu, also werde ich das immer, immer so leicht steigern. Ok. Also hier ist die Standardeinstellung. Ich bin, ich werde das nur sehr, sehr sanft steigern , so. Und ich werde mir diese beiden Instrumente nochmal anhören. Und ich werde nur etwas im High-End hier anpassen. Ich könnte etwas High hinzufügen, oder ich könnte etwas ausschneiden. Ich weiß es noch nicht. Also hören wir uns die Instrumente an. Okay, also könnte ich einige dieser hohen Frequenzen hier oben hinzufügen , weil ich denke, dass diesem Sound einige dieser hohen Frequenzen fehlen, die dieser Sound ihm geben könnte. Ok? Also, was wir tun werden, ist, diese Art von sechs Band wieder niederzudrehen. Und wir hören den beiden Instrumenten, die zusammen spielen. Und dann werde ich diese sechs Band aufstocken. Okay, lasst uns mal zuhören. Ich möchte nicht zu viel hinzufügen, weil dann denke ich, dass es ein bisschen hart wird, aber wir fügen nur ein kleines bisschen hinzu. Okay, also lasst uns das Muster spielen und wir lieben es zu hören, wie es ohne EQ klingt. Und dann, wenn es spielt, füge ich diese EQs wieder ein und wir werden sehen, was für einen Unterschied sie machen. Okay, also nach dem zweiten Hören, ich denke, wir haben tatsächlich ein bisschen zu viel von dem Sound hier draußen in diesem Plugin gefangen. Also, und ich glaube, es kommt von dieser vier Band. Also werde ich das einfach steigern. Wieder. Nicht Torheit, aber nur ein bisschen mehr, nur damit wir ein bisschen mehr von dieser Art von Frequenzbereich zurück in den Klang bekommen. Lass uns nochmal zuhören. Ja, ich denke, das klingt jetzt viel besser. Dies ist also der Prozess, den Sie verwenden, wenn Ihr EQ in Ihren Tracks. Ok. Und von hier aus gingen wir weiter und bekamen alle anderen Instrumente. Und wir hörten uns alle Instrumente an, die wir schon IQ haben, wenn wir das neue abstellen. Ok. Also, was ich damit meine, ist in diesem speziellen Fall, dass wir dieses weltliche hören, während dieser Ikarus spielte , so dass wir hier konnten, welche Art von Frequenzen sich gegenseitig ergänzen. Und wenn wir dann gehen und EQ dieses Spire Plug-In, würden wir EQ die Turm-Plug-in während Icarus und die frühen Wiederholung. Okay, und wenn wir dann gehen und dieses Klavier hier drüben EQ, würden wir das Klavier während Turmspitze, Icarus und die Welt, die du gespielt hast. Und du machst das den ganzen Weg durch, bis du zu deinen endgültigen Instrumenten kommst. Und zu diesem Zeitpunkt sind im Grunde alle Instrumente eingeschaltet. Also stellen Sie sicher, dass Sie die Art von zwei EQ-Technik verwenden, okay, die erste, um die schlechten Sounds auszuschneiden und den Gesamtklang ein bisschen sauberer zu machen. Und dann das zweite, um die schönen Frequenzen und Art der Form jedes der Instrumente zu erhöhen und sie zusammenpassen wie ein Puzzle. Vergessen Sie auch nicht, irgendwelche der niedrigen Frequenzen von Ihren Instrumenten zu verursachen, ok, denn die niedrigen Frequenzen sind irgendwie für den Kick in der Basis reserviert. Also brauchen Ihre Instrumente diese niedrigen Frequenzen nicht , denn wenn sie wieder in den Mix hinzugefügt und Sie bringen die Basis und die Basis wird diese Art von Leerraum bis zum unteren Ende füllen. Okay, in der nächsten Vorlesung werden wir einen Blick auf EQ für Basis werfen. 79. EQ für Bass: Also in diesem Vortrag werden wir einen Blick auf EQ for base werfen. Also habe ich hier schon die Basis in unserem Mixer geladen. Und es hört sich so an. Ich werde genau den gleichen Prozess durchlaufen, den wir mit den Instrumenten gemacht haben. Also laden wir den ersten EQ. Und dann wählen wir diese zweite Band aus. Irgendwie hochgesteigerte Falte. Bringen Sie die Warteschlange eng. Nicht zu eng, aber nur irgendwie einen schmalen ish bekommen. Dann hören wir uns den Sound an, während er spielt und durchfegt. Also lasst uns das jetzt machen. Okay, also nur irgendwie eine Resonanzfrequenz irgendwo hier herum, was 87 ist. Ich kann es nicht wirklich sehen, aber das ist okay. Wir werden das einfach abstellen. Und jetzt habe ich mir das Geräusch angehört. Okay, und wir nehmen diese Scheißkapsel und machen den gleichen Prozess, schränken die Warteschlange ein. Und wir werden durch irgendwie von hier aus fegen, weil wir gerade durch diese Frequenzen gefegt sind bereit. Also lasst uns zuhören. Ok. Das ist also eine wirklich, wirklich resonante Frequenz dort. Also werden wir das viel rausziehen, etwas mehr als die andere Frequenz. Ok. Lasst uns hören, wie der Bass jetzt steht. Okay, und wir werden dasselbe tun. Wieder. Wir werden diese vierte Band steigern und die Warteschlange eingrenzen. Und wir werden uns mal zuhören. Und wieder ist es, es ist tatsächlich auf einer Art schrecklichen, bösen Frequenzen geöffnet. Also werde ich das rausziehen. Wir machen es wieder für die fünfte, bis uns im Grunde die schlechten Frequenzen ausgeht oder uns die Bänder ausgeht. Okay, lasst uns mal zuhören. Okay, diese spezielle Frequenz ist nicht sehr, sehr hart, aber es ist immer noch, es ist immer noch nicht sehr schön zu hören. Also werde ich es rausziehen. Und, aber nicht so sehr wie einige der anderen, eine Art von den anderen Bands, die wir herausgezogen haben. Probieren wir es aus. Diese sechste Band. Hoppla, ich bin nach der Ablehnung des Q für die fünfte und lasst uns dieses sechste Ereignis versuchen. Also sind diese in schrecklichen. Irgendwo könnte es einen geben. Oh, ja. Wir ziehen das einfach raus. Nicht so sehr wie die anderen. Nur irgendwie eine subtile Art von Anpassung. Und jetzt hören wir uns den Bass an. Eigentlich zuerst lassen Sie uns den Bass ohne den EQ hören, und dann werde ich es als Basis spielen hinzufügen. Nun mit der Basis, was wir auch tun müssen, ist, dass wir auch einige der High ausschneiden müssen. So wie das Gegenteil von dem, was wir mit den Instrumenten gemacht haben. Wo wir die Grundfrequenzen aus den Instrumenten schneiden, würden die hohen Frequenzen aus der Basis schneiden. Also lasst uns dies in einen Tiefpass ändern, um aus den niedrigen Frequenzen zu lassen und irgendwie durchzugleiten. Und dann werden wir einfach irgendwie die Warteschlange anpassen, so dass es ein bisschen steiler ist. Und dann werden wir durchfegen und finden einen Punkt, an dem dieser niedrige Schnitt gut klingt. Okay, irgendwo hier ist okay. Es ist irgendwie, dieses unnötige Zischen loszuwerden. Und wir behalten immer noch den größten Teil des Basses bei. Ok? Und wieder laden wir unseren zweiten EQ. Und dieses Mal werde ich mir die anderen Instrumente anhören , während der Bass spielt. Also zu diesem Zeitpunkt hätten Sie EQtl Ihre Instrumente. Und jetzt können Sie die Basis hören, während die Instrumente spielen. Also könnte ich es einfach etwas abdrehen, damit es nicht überwältigend ist. Also lasst uns hierher kommen und wir fangen an, diese Bands zu bewegen. Also werde ich die zweite Band steigern und ich werde irgendwie durchfegen und einen Ort finden, wo die, wo die Basis klingt gut mit D-Instrumenten spielen. Also denke ich, dass diese Art von Bereich irgendwie den Klang der Instrumente ergänzt. Nun, was ich tun werde, ist, dass ich das gesteigert lasse, aber ich will es um zu viel steigern, okay? Weil die Grundfrequenzen sehr, sehr schwer sind. Wenn wir also irgendeine Art von Anpassung vornehmen, werden wir es nur sehr, sehr subtil machen. Ok? Es ist also nur eine kleine Art Kontur und wir werden uns anhören, wie das jetzt klingt. Und ich bemerkte auch, als ich durch schlief, dass die Summe der Frequenzen hier oben tatsächlich mit den Instrumenten kollidiert. Also werde ich mal zuhören und die finden und sie dann rausziehen. Ok? Ja. Also denke ich, es ist irgendwo hier, also werde ich tatsächlich diese Frequenzen rausziehen. Und das sollte ein wenig mehr Platz für die Instrumente schaffen. Also, jetzt, wo wir die Instrumente in die Warteschlange gestellt haben und wir haben auch e gewürfelt d Basis. Es ist Zeit, weiterzumachen und wir fangen an, die Trommeln zu entfernen. Und wir fangen an, die Trommeln zu entfernen. 80. EQ für Drums: In diesem Vortrag lernen wir etwas über EQ für Schlagzeug. Wenn wir Trommeln ablegen, müssen wir uns bewusst sein, was die Schlammzone nennt und etwas, das das Kreischen genannt wird, so weiter. So ist die Schlammzone überwiegend in Kicks. Ok, wenn ich gerade meine Kick Drum verkauft habe sie hier in der Playlist-Ansicht. Ok. Also finden wir einfach den Kick. Hier ist es. Und das haben wir gesehen. Okay, wenn wir das machen, ähm, gibt es etwas, das die Schlammzone nennt, und ich zeige Ihnen, dass es normalerweise zwischen 100 und 200 liegt. Irgendwo hier wird es ein schreckliches, schlammiges Geräusch geben. Wenn ich nur das Q einschmale. Okay, irgendwo hier. Und es fühlt sich an, als ob der Klang der Kickdrum irgendwie schlammig ist, sind überladen. Okay, also werden wir das rausziehen. Nicht zu sehr mag eigentlich eine Art subtiler Vers, weil wir die Basisfrequenzen nicht loswerden wollen. Weißt du, wenn wir das zu viel rausziehen, wird all diese nette Art von Basis verlieren. Aber zur gleichen Zeit macht diese Frequenz das Geräusch davon schlammig. Also werden wir es nur ein bisschen rausziehen. Und wir werden je über die Kick-Trommelklänge hören, wie jetzt. Und mit der Kick-Trommel, Wir werden auch versuchen, zu finden, wo der Angriff ist oder wo die Art der vorübergehenden oder der Klick-Sound ist. Ok? Also werde ich das steigern und irgendwie das Q verengen und einfach finden, wo der Angriff des Sounds ist. Ok. Es scheint irgendwo hier zu sein, also werde ich das senken. Es ist also ein bisschen subtiler. Aber was das tut, ist es ein wenig mehr von einem Schlag oder ein mehr von einem Angriff Sound für diese Kick Drum zu schaffen , lassen Sie uns ein hören Sie die Kick Drum ohne das EQ Plugin und dann werden wir es wieder auf, wie die Kick Drum ist einfach. Ich denke eigentlich, dass diese Band hier ein bisschen zu laut ist, also werde ich sie einfach wieder abschalten, nur damit sie wirklich, wirklich subtil ist . Und wir hören noch mal zu. Also hören wir uns das gesamte Trommelmuster an. Okay, also werde ich Solo den Kick besitzen, und wir hören uns einfach an, wie die Trommeln klingen, wenn sie alle zusammen spielen. Und ich verkleinere einfach, damit wir alles sehen können. Okay, lass uns jetzt mal zuhören. Okay, also sind ein paar Schichten los. Es gibt einige der Hüte sind geschichtet und einige der klatscht oder geschichtet. Okay, also kommen wir zurück in den Mixer und beginnen mit dem EQ dieses Trommelmuster. Also, wenn wir hier mit dieser offenen Öffnung beginnen, die ich hatte, und ich werde es solo machen. Ok? Und wir werden ein EQ-Plugin laden. Und mit Trommeln ist es nicht so notwendig, die Art davon zu tun, wissen Sie, die Hash-Frequenz Art, die schlechten herauszuziehen , weil die Probe für so kurze Zeit spielt. Und, aber natürlich, mit allen Mitteln können Sie das tun, okay? Und es wird, es wird Ihre Mischung ein wenig sauberer machen. Aber es ist kein notwendiger Schritt, um mit deinen Trommeln zu machen. Also werde ich das einfach wieder abdrehen. Und ich werde stattdessen nur die netten Frequenzen erhöhen und irgendwie einige der härteren Frequenzen gefangen. Okay, also lasst uns diesen Hut anhören und dann werden wir irgendwie durchfegen und wir werden ein paar nette Frequenzen finden. Ok, ich werde das Kuba eingrenzen. Also mochte ich die Art und Weise, wie es Geräusche rund um diese 7.500 max hatte. Also werde ich versuchen, etwas subtiler zu verstehen. Und dann werde ich vielleicht diese zwei Band nehmen und nach Frequenzen fegen, die mir nicht gefallen. Okay, also lasst uns mal zuhören. Okay, also mag ich diese Frequenzen hier nicht, diese zweitausend, dreitausend Marke. Ok. Also lasst uns ein paar davon rausziehen. Und ich werde den Angeklagten erweitern, oder wir nehmen mehr aus diesem Bereich heraus. Und hören wir uns den Hut jetzt ohne EQ und dann mit der EU an. Also denke ich, dass dieser EQ irgendwie den Hut etwas heller und ein bisschen angenehmer für das Ohr klingen lässt . Okay, das nächste, was ich tun werde, ist, dass ich eine Schicht finden werde, ok, und ich werde, ich wollte sehen, ob es eine Schicht gibt, die neben diesem Hut spielt, denn dann werde ich die beiden Schichten nebeneinander ausgleichen. Und ich denke, dass wir uns vielleicht ansehen, ist dieser hier, was bedeutet, dass dieser Hut hier, okay, dieser Hut auch eine Schicht auf Spur 26 ist. Also lasst uns das einschalten. Und was wir tun werden, ist, dass wir wieder ein EQ-Plugin laden. Und wir werden einen Blick darauf werfen, wie der Sound aussieht. Ok, also ist alles in diesem Bereich konzentriert. Also, was wir tun werden, ist, dass wir beide Hüte gleichzeitig spielen hören. Und dann werden wir irgendwie durchfegen und finden, wo sich die beiden Töne gegenseitig ergänzen. Ich wende das vielleicht ein bisschen ab, damit ich beide deutlich hören kann. Ok. Ich werde es nur ein kleines bisschen abdrehen. Ok. Also denke ich, irgendwo hier, ich glaube, es sind hundert, vierhundert, es ergänzt die anderen Hüte. Also werde ich es nur sehr, sehr leicht abdrehen und irgendwie die Warteschlange eingrenzen. Und ich werde auch, denke ich, einige der Frequenzen hier gefangen, denn als ich zuhörte, merke ich, dass es eine Art Zusammenstoß gibt. Definitiv, definitiv hier oben. Wir brauchen diese Art von Frequenz nicht, also schneide ich die aus. Und weil all der Klang dieser Art konzentriert sich in dieser Hälfte des EQ und gehen, um einen niedrigen Schnitt anzuwenden. Nur um all dieses Buch loszuwerden, das die falsche Form war, tut mir leid, ein Hochpass. Und ich werde all das Low End loswerden, das wir nicht brauchen. Und ich werde zum anderen hier zurückkommen und dasselbe tun , weil ich weiß, dass ich es beim letzten Mal vergessen habe, also werde ich nur einen Hochpass anwenden. Und wieder, ziehen Sie das so nach oben, so dass wir irgendwie unnötige Frequenzen eliminieren, die irgendwie Platz füllen, wenn sie es nicht brauchen. Also nur um wieder zum Anfang der Vorlesung zurückzukehren, wo ich über die Kreischzone und diese Art von Frequenz sprach, die ich herausnahm. Ok. Wenn wir das nur gesehen haben und zugehört haben. Hörst du das Schreien , das irgendwie aus all diesen hohen Frequenzen kommt, das ist die Kreischzone. Ok? Und im Allgemeinen würden wir das nicht zu sehr steigern. Aber wir könnten am Ende etwas davon ausschneiden nur um diese Art von kreischendem Geräusch loszuwerden. Jetzt offensichtlich nicht zu viel herausziehen, weil ein Großteil des hohen Hutes hoch ist, hohe Frequenzen und es ist ein Klang, der eine Menge dieser hohen Frequenzen behalten muss. Ähm, aber weißt du, das ist nicht sehr angenehm zu hören. Also könnten wir sie so leicht ausschneiden, nur subtil. Nur um den Gesamtklang etwas sauberer zu machen. Und wir können die andere Schicht benutzen, die nicht den gleichen kreischenden Klang hat. Ok, also diese spezielle Probe, die wir benutzen, klingt nicht sehr kreischend. Wenn ich diese Nummer fünf hier nehme und wir gesteigert haben, klingt es nicht als Kreaturen, also können wir diesen Bereich tatsächlich steigern. Und wir können die beiden Schichten benutzen, um sich gegenseitig zu ergänzen. Diese Ebene fügt nun den höchsten Wert hinzu, den diese Ebene fehlt. Wenn Sie also entfernen, wenn wir diese entfernt haben, können Sie sehen, dass sie sich beide ergänzen. Nun, Sie können sehen, dass sie sich beide gut ergänzen. Schließlich, wenn du deine Drums machst, musst du auch die Ebenen gegen die Instrumente hören. Ok? Also die Instrumente, die Sie bereits entfernt haben, werden Sie die Trommeln hören, die Sie IQ haben, Sie würden ok, also in diesem Fall haben wir EQ diese beiden Hi-Hats, diese beiden Schichten. Wir werden also hören, wie diese beiden klingen, wenn sie neben diesen beiden Instrumenten spielen, die wir bereits entfernt haben. Okay, lassen Sie uns hören, wie das klingt und werden alle Anpassungen vornehmen, wie wir es brauchen. Also denke ich, das hört sich gut an. Ich glaube nicht, dass irgendwelche Anpassungen vorgenommen werden müssen. Ordnung? Dies ist also der Prozess, den Sie verwenden werden, wenn Sie Ihre Trommeln mischen. Und Sie gehen durch die verschiedenen Elemente und dann die verschiedenen Ebenen, überprüfen sie gegeneinander, EQ sie gegeneinander, und dann überprüfen Sie sie mit den restlichen Elementen in Ihrer Spur, um sicherzustellen , dass dass alles irgendwie gut zusammenpasst. In der nächsten Vorlesung werfen wir einen Blick auf EQ für Gesang. 81. EQ für Vocals: In diesem Vortrag werden wir uns EQ für Gesang ansehen. Also habe ich zwei Arten von Gesang in diesem Track. Okay, ich habe den Hauptgesang , der hier ist. Und ich habe auch einen Vocoder-Gesang, okay, das sind diese hier. Und ich muss auch den Vocoder herausstellen, was das ist. Nun, ich habe mir die angehört. Und lasst uns mit Gesang zuhören. Und so müssen wir diese gut zusammen klingen lassen. Und wir müssen sie auch im Kontext von allem anderen gut klingen lassen. Ok, also fangen wir mit diesem Hauptgesang an und wir werden ein EQ-Plugin laden. Und wieder, weil es eine Art Hauptklang ist, werden wir das Ausschneiden der Harish-Frequenzen machen. Also werde ich die Warteschlange eingrenzen und den Klang hören und eine der Frequenzen ausschneiden , die ich ihn nicht mag. Okay, also denke ich, diese speziellen Frequenzen, dass es boomy sein wird. Also werde ich das ausschneiden. Lasst uns Nummer drei steigern und den Sound wieder hören. Ok, da ist eine schreckliche Frequenz. Ich werde das sofort ausschneiden. Und mit vier wieder, Erzählung Q und wir lieben Hören. Ich werde ihn fragen. Ok. Da drin ist eine böse Frequenz. Es ist nicht so laut wie der andere um drei, also werde ich es nicht so viel rausschneiden. Versuchen wir Band fünf hier und wir werden einfach durch die AMA fegen. Okay, also gibt es hier eine Frequenz, die wiederum nicht so laut ist wie die Frequenz, die in vier ist. Aber ich will es immer noch ausschneiden. Also werde ich das nur sehr etwas weniger als vier runterbringen. Und wir hatten je über die Gesangsklänge wie Now mit dieser ersten EQ-Einstellung angehört . Und wenn wir es ausschalten, habe ich es mit dem Effekt an gespielt, und dann schalte ich es vielleicht auf halbem Weg aus. So können Sie hören, dass dieses eine EQ-Plugin tatsächlich aufgeräumt hat den Sound eine Menge. Alles klar, und jetzt sind wir bereit, die zweite Dequeue anzuwenden, nämlich den Sound zu formen. Also lassen Sie uns das in die Mitte bewegen. Und wieder werden wir einige Frequenzen finden, die schön klingen und sie ankurbeln. Amal wie er. Ich bin, ich bin ich, ich bin okay. Ich mag diese Frequenzen um vielleicht fünftausend. Also werde ich Geschäfte wie diese machen. Verengen Sie die QGIS Arten von Bench Mark und eine fokussierte. Und dann hören wir wieder zu und versuchen, vielleicht ein paar schöne Frequenzen oder vielleicht einige Frequenzen zu finden , die wir herausnehmen wollen. Ok. Und so mag ich diese Frequenzen hier definitiv nicht, also werde ich diese ausschneiden und vielleicht einfach die QoS Babette verengt. Und dann hören wir wieder mit dieser vierten Band zu. Also mag ich etwas, das hier um den hundert, zehnhundert Mac vor sich geht. Aber ich will nicht, es gibt eine Menge, die ich hier oben nicht mag, und es gibt Dinge, die ich hier nicht mag, also werde ich das Q einschränken also ist es eine viel fokussiertere Art von Einstellung. Und ich werde das nur noch so leicht steigern. Vielleicht nicht so viel, nur der Geruch schlecht. Und das ist etwas erweitern das Q ein kleines bisschen. Drücken Sie OK. Und jetzt lasst uns cosh, und einige der Frequenzen hier in der Mitte. Okay, also werde ich das Q dieser sechs Band eingrenzen. Und ich werde nur sehr sanft einige der Frequenzen hier raus fangen. Ok. Und ich denke, ich werde den q kleinen Tierarzt erweitern. Und ich denke, ich könnte diese beiden Band ein bisschen mehr steigern und erweitern die Warteschlange ist am größten erstickt, bringt einige mehr dieser höheren Frequenzen. Und wir hatten je über diese Klänge wie jetzt gehört. Ich frage ihn, schalten wir das Plug-in aus. So macht es den Klang nur ein wenig heller und es ist eine Art von Hinzufügen in etwas Luft, eine schöne Art von Klarheit. Als nächstes werden wir diesen Gesang gegen einige der Instrumente überprüfen, die wir EQs haben. Und wir werden es gegen einige der Trommeln überprüfen, die wir EQs haben. Ich denke, wir führen das aus, 112 und ich denke 26. Also haben wir jetzt eine Lektion, um den Vokalsound wie bei den anderen Elementen, auf die wir EQ angewendet haben , hinzuzufügen wie bei den anderen Elementen, auf die wir EQ angewendet haben . Und wenn wir es ausschalten. Also ich denke, das macht eine Art drastischen Unterschied und ich denke, es klingt viel besser mit diesen EQ-Plugins auf. Als nächstes werden wir EQ gewidmet und Gesang. Also hören wir uns das an. Ich muss die einschalten, der Trägermodulator wird spielen, denken Sie daran, dass aus dem Vocoder-Sektion. Also lasst uns mal hören, wie dieser Gesang klingt. Und ich habe hier schon einen EQ, nur um einige der niedrigen Frequenzen auszuschneiden , die ich im Sound nicht benötige. Also werde ich diesen EQ offen lassen. Und was wir tun werden, ist, dass ich es einfach nach oben verschieben, so dass wir unten einige Plug-Ins hinzufügen können. Und wir werden in unserem ersten EQ hinzufügen, den wir verwenden werden, das heißt, einige der bösen Frequenzen auszuschneiden. Also werde ich den Sound spielen und ich fegle einfach durch und finde einige der bösen Frequenzen. Es gibt also nur eine Art von Problembereich und es ist hier um 790. Also werde ich das einfach rausschneiden. Und wir müssen es nicht mehr tun, weil ich keine anderen bösen Frequenzen gefunden habe, die mir nicht gefallen haben. Jetzt fügen wir den Shaper EQ hinzu, der diese ist. Und was wir tun werden, ist, dass wir uns diesen anderen Gesang gleichzeitig anhören müssen , damit wir finden können, wo diese beiden Klänge sich ergänzen. Okay, also lassen Sie uns diese Warteschlange eingrenzen und hören zu. Aber das höre ich hier. Diese beiden, diese beiden Klänge kämpfen eigentlich um den Weltraum. Also werde ich das rausschneiden. Nicht zu sehr, ich will den Sound nicht ruinieren, aber ich wollte nur ein wenig Platz für den Hauptgesang aufräumen. Es ist also etwas klarer und das Publikum kann es besser hören. Und lassen Sie uns versuchen, jetzt einige dieser anderen Frequenzen zu erhöhen. Also lasst uns mal zuhören. Also mag ich diese Art von Bereich. Also werde ich das einfach ein bisschen runterbringen und irgendwie einen subtilen Schub verwenden. Ich könnte sogar die Warteschlange erweitern, nur um irgendwie all diese Frequenzen hier einzubringen , weil sie alle nett klingen, wenn sie mit diesem Hauptgesang zusammen sind. Also lasst uns beides jetzt zur gleichen Zeit zuhören. Und dann würdest du den gleichen Prozess auf diesen anderen Gesang anwenden. Also würden Sie Solisten und auch den Träger festsetzen. Und was du tust, ist riesig. Du überprüfst den Ton, damit du deinen, deinen ersten EQ hinzufügst , okay, finde ein paar fiese Frequenzen. Also werde ich es einfach wirklich, wirklich schnell machen. Okay, damit das nicht sehr nett klingt. Lasst uns das rausziehen und wir versuchen es wirklich schnell wieder. Okay, vielleicht etwas hier. Zieh das einfach raus. Und dann wieder mit Shapern. Und wenn wir formen Zu dieser Zeit werden wir neben all diesen Gesängen, die wir bereits angewendet haben, auch hören, wie es klingt . E q2. Okay, lasst uns mal zuhören. Senken Sie einfach die Lautstärke, damit Sie beide nebeneinander hören können. Vielleicht irgendwo hier. Klingt in Ordnung. Also werde ich das einfach so etwas steigern. Und wir ziehen noch einen und hören zu. Jetzt denke ich eigentlich, dass dieser Bereich etwas sehr, sehr schön hinzufügt. Es fügt etwas Verschwendung in den Klang. Also werde ich einige dieser Frequenzen hinzufügen, okay? Und ich könnte das Q dieser dritten Band nur etwas einschränken , damit es sich nicht überschneidet. Und dann könnten wir einige der hohen Frequenzen ausschneiden, weil ich bereits weiß, dass es mit dem Sound kollidieren wird. Und wieder müssen wir dafür sorgen, dass alle diese mit den anderen Elementen gut klingen. Also werde ich die Instrumente einschalten, die wir in die Warteschlange gestellt haben, und ich werde die Trommel-Samples einschalten, die wir in die Warteschlange gestellt haben. Ok? Und Mileva hörte alles sortiert zusammen und stellte sicher, dass alles gut zusammenpasst. Und wenn Sie mehr Vokalebenen haben, wenden Sie den gleichen Prozess an. Wissen Sie, Sie kommen zu dieser Stimmluft und öffnen die beiden EQs und hören dann alle Gesänge gleichzeitig spielen, während Sie etwas EQ Shaping auf diesen anderen Gesang anwenden. Ok? In der nächsten Vorlesung betrachten wir die Verwendung des EQ-Plugins als Effekt. 82. EQ als Effekt: In diesem Vortrag werden wir lernen, wie wir ein EQ-Plugin für die Wirkung verwenden können. So können Sie auch Elemente klingen lassen, als ob sie sich in einem bestimmten Raum befinden oder ob sie von einem bestimmten Gerät stammen. Dinge wie ein Radio- oder Telefoneffekt und vielleicht ein Außerhalb des Club-Effekts. All das können wir mit einem EQ machen. Also werden wir uns die ansehen, OK. Also werden wir uns diese beiden Dinge jetzt ansehen. Und wir werden sie auf diesen Gesang anwenden. Und das erste, was wir uns ansehen werden, ist der Radio- oder Telefoneffekt. Also müssen wir ein EQ-Plugin öffnen und es öffnet sich so. Das erste, was wir tun werden, ist, dass wir eine Art harten Tiefschnitt oder Hochpass anwenden werden. Okay, also lassen wir alle hohen Frequenzen vorbei, und wir werden eine Menge von diesem Low-End ausschneiden. Also werde ich die Schlange viel steiler machen. Und ich werde das nach oben ziehen, bis wir eine Menge, eine Menge von niedrigen Frequenzen losgeworden sind, noch mehr als das. Also vielleicht hier, das sind 600. Und dann mit dem High-End, werden wir einen Tiefpass oder einen hohen Kochfilter anwenden. Ok? Was wir tun, ist hier, wieder, wir werden den Cue etwas steiler machen. Und wir werden das runterziehen, bis wir eine Menge der hohen Frequenzen losgeworden sind. Okay, also vielleicht hier um dreitausend, dreitausend, vierhundertfünfunddreißig. Ich mag den Klang dieser Art von EQ. Jetzt glaube ich, es klingt ein bisschen wie ein Telefon. Dann nehmen wir eine dieser mittleren Bands und wir werden es in Ordnung bringen, also werden wir die mittleren Ranglisten erhöhen und wir werden es ziemlich hart machen. Und du wirst einen Bereich finden, der wie ein Telefon klingt. Also denke ich hier herum, es gibt eine Art von 1000 ist niedrig, mittlere Reichweite. Ich glaube, das hört sich nach einem Telefon an. Und ich werde tatsächlich das Sechsband benutzen, um einige der höheren Mittelfrequenzen wie diese auszuschneiden . Ok. Ich werde das nur ein bisschen breiter machen. Und wir werden uns diesen Effekt jetzt anhören. Also, jetzt klingt dieser Gesang, als würde er über ein Telefon kommen. Und der Grund, warum diese spezielle Einstellung klingt wie ein Telefon ist, weil, wenn sie Telefone erfanden und sie einen Weg finden mussten um Ihre Stimme auf die andere Person am anderen Ende zu übertragen. Aber weil es so viele Informationen von 20 Hertz den ganzen Weg bis zu 20 Tausend gab. Sie hatten nicht genug Feuerkraft, sagen wir, um tatsächlich all diese Frequenzen auf der Linie zu übertragen. Okay, es wäre gewesen, es hätte eine große Verzögerung gegeben und das gesamte Telefonkonzept hätte nicht funktioniert. Also, was sie taten, war, dass sie eine Studie durchgeführt um herauszufinden, was die wichtigsten Frequenzen waren. Können wir also einige der unnötigen Frequenzen loswerden? Und sie fanden heraus, dass Menschen sehr empfindlich auf diese mittleren Frequenzen reagieren. Aber wir sind nicht so empfindlich auf die Art der niedrigen Frequenzen und hohen Frequenzen. Also, was sie mit Telefonen gemacht haben, war, dass sie diese hohen Frequenzen und niedrigen Frequenzen loswurden. Als sie also Ihre Stimme über die Leitung übertragen, konnten sie sie sie viel schneller übertragen, weil sie nur einen bestimmten Teil der Art des gesamten Frequenzspektrums schickten . Ok? Das ist also nur die Theorie hinter dem Grund, warum, weißt du, warum diese besondere Form. Funktioniert und warum das wie ein Telefon klingt. Nun, wenn Sie es noch mehr wie ein Telefon klingen lassen möchten, können Sie ein Verzerrungs-Plug-In laden. Wenn ich also hier reinkomme und diesen Blut-Overdrive öffne, und wenn wir den Vorverstärker hochdrehen, werden wir sehen, dass der Ton verzerrt wird und es noch mehr klingt, als würde er von einem Telefon kommen. Jetzt ist das unglaublich laut. Also lassen Sie uns einfach drehen Sie es mit diesem Beitrag Gewinn. Vielleicht ein bisschen mehr gesteigert. Also, jetzt ist der Blut-Overdrive, es ist irgendwie hinzuzufügen, dass, das kleine Element der Verzerrung, das man mit einem Telefon bekommt. Lasst uns nochmal zuhören. Und dann , wenn der Track abgespielt wird, können Sie diese irgendwie ausschalten. Und wie sagen wir, das ist Ihr erster Abschnitt. Dann kommt es in Ihre Chorabschnitte. Also schalten Sie die Plugins aus. So können Sie es als eine Art interessante Anordnungstechnik verwenden. Ich werde diese Plug-Ins einfach wieder löschen und wir werden einen Blick darauf werfen den Gesang so zu machen, als wäre es außerhalb eines Nachtclubs. Ok? Also werde ich die wieder einschalten. Und wieder werden wir ein EQ-Plugin öffnen. Und dafür werden wir einen sehr, sehr harten Tiefpass anwenden , okay? Oder ein Hochschnittfilter. Und ich werde nur das Q-Bit hoch, also ist es ein bisschen steiler. Und ich werde das nach unten ziehen. Malala. Malala. So können Sie jetzt sehen, dass der Gesang etwas gedämpft klingen. Und dann, was wir tun, ist, einige dieser Arten von niedrigen mittleren Frequenzen zu erhöhen. Okay, also lasst uns mal zuhören und einige dieser Frequenzen steigern. Ramallah, Ramallah. Dieser Effekt funktioniert also wirklich, wirklich gut, wenn er auf dem Master-Kanal ist. Und es ist etwas, das Sie direkt vor dem Drop auf den Aufbaubereich anwenden können. Okay, also schauen wir uns das jetzt sehr schnell an. Also schalte ich dieses Plug-in einfach aus, damit es den Gesang nicht beeinflusst. Und ich werde alle Plugins wieder einschalten. Und was wir tun, ist, dass wir den Master-Kanal befehligen, den EQ öffnen und die gleichen Einstellungen anwenden. Also ein Hash-Tiefpass, der die Warteschlange hinauftreibt, das direkt nach unten bringt und dann etwa 200 erhöht. Ordnung? Und wenn du dir das angehört hast, klingt der ganze spurlose Klang, als wäre er außerhalb des Clubs. Vielleicht nehmen wir einfach ein paar Martys hohe Frequenzen aus. Und wenn Sie dies auf Ihren Aufbaubereich anwenden und während der Aufbau spielt, automatisieren Sie diese sieben Band irgendwie zu öffnen, sagen wir zu einer Art von Zunahme, wie der Aufbau spielt. Also mache ich das jetzt einfach. Ich werde den Aufbau hervorheben. Und dann werde ich mit der rechten Maustaste klicken und sagen, ich werde mit der rechten Maustaste darauf klicken, das Frequenzband , ok, so dass diese Art von Öffnen nach unten bewegt. Also klicke ich mit der rechten Maustaste darauf und wähle Automationsclip erstellen Und dann, wenn wir runter kommen, ob Automatisierungsclip ist und wir können den rechten Ankerpunkt den ganzen Weg nach oben drehen , so dass er sich öffnet, wie der Aufbau spielt. Und Sie werden sehen, dass der Aufbau klingt, als wäre es außerhalb des Clubs und dann wird es viel heller und heller , bis wir in den Drop-Abschnitt bekommen, wo alle Frequenzen oder Backend. Ich habe eine Lektion. Also das, dieser EQ-Effekt, das ist im Wesentlichen necken der Listener. Weißt du, man bekommt ihnen nur die Art des unteren Teils der Frequenzen gegeben. Und als es anfängt sich zu öffnen, hört der Hörer mehr und mehr von diesem vollen Klang und sie werden aufgeregt, wissen Sie, sie bekommen, sie antizipieren den Tropfen, wenn es mit dem Sturz aus der Frequenzen. Weißt du, was ich meine? Nun klingt das außerhalb des Club-Effekts viel besser, wenn Sie es mit einem Reverb-Plugin verbinden. Also schauen wir uns das wirklich schnell an. Ich öffne den Hall und lade vielleicht eines dieser Voreinstellungen, vielleicht einen großen Saal. Und wir hören uns einfach an, wie es sich anhört. Ich werde den nassen Gewinn so viel abdrehen. Und eigentlich werde ich den Verfall einfach ablehnen, nur damit es nicht so viel ist. Chinas nassem und nassem Knauf wieder hoch. Lassen Sie uns versuchen, dies über den EQ zu setzen und sehen, was passiert. Wenn wir anfangen, das auch abzuwenden. Wenn wir beginnen, die Art dieser Lautstärkeregler für den EQ zu automatisieren. So beginnt der EQ langsam zu verblassen. Wir werden uns das jetzt auch ansehen. Also im Aufbau, sagen wir, die EQ Art von verblasst, wenn der Aufbau spielt weiter. Und dann, wenn wir zum Drop-Abschnitt kommen, gibt es überhaupt keinen EQ in. Lasst uns mal zuhören, wie das klingt. Also sind wir irgendwie klingt so, als ob der Zuhörer außerhalb des Clubs steht, in der Schlange stehen und darauf warten, reinzukommen. Und dann laufen sie irgendwie durch und sie kommen immer näher an, wo die Tanzfläche ist, sagen wir mal. Und dann, sobald der Tropfen auf der Tanzfläche reinkommt und sie das Fohlen bekommen, das volle Geräusch der Frequenzen und es gibt keinen Hall mehr. In der nächsten Vorlesung werden wir einen kurzen Blick auf eine fortgeschrittene EQ-Technik werfen, die Midside EQ ist. 83. Mid/Side EQ: In dieser Vorlesung werden wir uns einen kurzen Blick auf den mittleren EQ werfen, okay? Und Midside EQ ist, wo Sie das Mono-Signal und das Stereo-Signal separat EQ. Und diese Art von Technik ist ideal, um Klänge größer und breiter zu machen , und es ist sehr einfach. Sie verwenden effektiv die gleichen Techniken wie unregelmäßige EQ, aber Sie prägen tatsächlich den Klang des Mano-Signals zuerst und dann das Stereosignal danach. Und das Prinzip, an dem funktioniert, ist das Konzept, über das wir gesprochen haben, bevor ich sagte, dass, wenn die Informationen in Ihr linkes Ohr kommen anders sind als die Informationen, die in Ihr rechtes Ohr kommen, dann der Ton fühlt sich an, als wäre es viel breiter. Jetzt ist Midside EQ eine Art fortgeschrittener Mischtechnik. Und wenn Sie es nie benutzen, wird Ihr Track immer noch perfekt klingen. Aber es ist gut, sich bewusst zu sein, dass es existiert, wenn Sie es jemals verwenden möchten. Okay, das hat also ein EQ-Plugin geöffnet, okay? Und das erste, was ich sagen werde, ist nicht alle EQs werden Ihnen tatsächlich erlauben, dies zu tun, vor allem die Art der Aktien-Plug-Ins, weil dies eine fortgeschrittene Techniken ist. Sie müssen also einen anderen EQ finden, mit dem Sie es in Ordnung machen können . Und ich habe hier eine, die FAB-Filter beschaffen ist. Also, wenn ich das öffne und wir das benutzen, werde ich es etwas größer machen, damit wir es sehen können. Ok? Und wenn wir uns das ansehen, das erste, was Sie wahrscheinlich bemerken, ist, dass es keine Verbote gibt. Ok. Ich erinnere mich in dem anderen Plug-in hatten wir irgendwie 1-2-3, 4-5-6, sieben. Nun, es sei denn, wir haben keine und das liegt daran, dass wir unsere eigenen hinzufügen können und wir so viele dieser Bands hinzufügen können, wie wir wollen und so viele wir, wie wir brauchen. Okay, also werde ich das auf den Standard zurücksetzen und wir fangen wieder an, ohne Bands. Also der Sound, den wir optimieren werden, ist dieses Lead-Instrument. Ok, und der Prozess ist derselbe. Wir werden die bösen Frequenzen finden und sie ausschneiden. Und dann werden wir die schönen Frequenzen finden und den Sound prägen. Ok? Aber der Unterschied ist, wenn wir die Hash-Frequenzen ausschneiden, werden wir die Mitte verwenden. Und wenn wir den Sound gestalten, werden wir die Seite benutzen, okay? Und die Art und Weise, wie wir das tun, ist, dass wir nur den Punkt hinzufügen. Nun können einige andere Plug-Ins irgendwo auf der Schnittstelle eine Schaltfläche haben, die besagt, dass sie die verschiedenen Verarbeitungsmodi von Stereo in Midside ändern können . Aber mit diesem speziellen Plugin, klicken wir einfach hier unten und wir ändern diese Band von Stereo zu Mitte. Okay, jetzt lass uns ein paar der bösen Frequenzen finden und ich werde den Cue etwas schmaler machen. Ok? Und das ist in Ordnung, die bösen Frequenzen und irgendwie schneiden sie aus. Okay, also gibt es hier eine Art fiese Frequenz. Also werde ich den Gewinn runterbringen und wir ziehen ihn einfach raus. Vielleicht nicht so viel, vielleicht nur um sechs db. Ok? Und wieder, wir fügen eine weitere Band hinzu und es ist bereits gemacht. Also schalten wir die Warteschlange aus und wir würden uns einige der bösen Frequenzen anhören. Ok, also gibt es hier noch eine böse Frequenz. Also werde ich das rausziehen, indem ich einfach den Verstärkungsknopf runterziehe. Und wir werden wieder gehen und versuchen, einige Kunst und böse Frequenzen zu finden. Ok, es gibt noch eine Frequenz und hier mag ich nicht, ich werde das so rausziehen. Und wir gehen wieder. Also wieder, schalten wir die Warteschlange aus und dann werden wir durch die Frequenzen fegen und sehen, was wir finden können. Okay, nur noch eine Hash-Frequenz hier. Also werde ich das so rausziehen. Okay, also hören wir uns jetzt das Geräusch an. Und lasst uns irgendwie durchspielen und wir schalten das Plug-in aus und schalten es dann wieder ein und wir werden sehen, was für ein Unterschied es macht. Ok, also spielen wir es mit dem aus und dann schalte ich es auf halbem Weg durch. Ok, jetzt, da wir einige der bösen Frequenzen losgeworden sind, ist es Zeit, den Sound zu formen. Okay, also werden wir hier unten für eine Sekunde eine weitere Band hinzufügen. Und wir werden den Verarbeitungsmodus von Mitte zu zitieren ändern. Ok? Und jetzt wird diese Band nur die Stereo-Signale beeinflussen. Diese mittleren Bänder beeinflussen also das Mono-Signal. Und dieses seitliche Band wird das Stereosignal beeinflussen. Also, was wir tun werden, ist, dass wir das benutzen, um durchzufegen und die schönen Frequenzen zu finden und sie dann zu steigern. Ok? Also zuerst müssen wir die Form davon ändern. Und Sie können es hier unten auch vom niedrigen Regal ändern. Ich will eine Glocke. Ok. Und ich werde nur das Q heraufbringen und ein paar schöne Frequenzen finden. Okay, ich mag irgendwie die Frequenz hier ist, also werde ich einfach runterziehen, ich werde den Gewinn runterziehen, eine kleine Basis. Es ist also nicht so aggressiv. Und ich könnte die Warteschlange nur ein wenig einschränken. Und mit einem anderen Seitenband. Und wieder werde ich es von niedrigem Regal zu Bell wechseln und die Warteschlange eingrenzen müssen. Und dann werden wir durchfegen und einige andere schöne Frequenzen finden, vielleicht nicht so eng. Ok. Lass uns rauskommen. Okay, also habe ich keine Frequenzen gefunden, die ich mag, aber ich habe ein paar Frequenzen gefunden, die ich nicht mag. Und einer von ihnen ist das, also werde ich das rausziehen, okay. Und wieder. Ich weiß, es gibt noch ein oder zwei Arten von Bereichen, die ich nicht mag. Also werde ich die finden und die auch rausziehen. Auch hier müssen wir die Form ändern. Es ist nur etwas, das passiert, wenn Sie ein Band zu nahe an der Kante hinzufügen. Es wird davon ausgegangen, dass Sie eine bestimmte Art von Form hinzufügen möchten. Aber ich möchte das zurück in Bell ändern. Also lasst uns nochmal zuhören. Also mag ich diese Frequenzen hier definitiv nicht, diese Art von niedrigen Mitten. Okay, also werde ich die hier rausziehen. Und wieder, ich denke, es gibt einen weiteren Frequenzbereich, den ich nicht mag. Also werde ich das auch rausziehen. Ok. Also lassen Sie uns durch und finden, dass vielleicht mit einem weniger schmalen kam irgendwo hier herum. Ja, ich werde diese Frequenz rausziehen. Also, das ist Midside EQ. Ok? Und wenn wir uns die grünen Bänder ansehen, sind das alles Mitten. Und wenn wir uns all diese Bands ansehen, sind das die Seiten-EQs. Und jetzt denke ich, dass diese Band tatsächlich in Stereo ist, also muss ich das auf die Seite ändern. Und wieder, hier ist ein Gelb drauf und es sollte blau sein. Also muss ich das zur Seite ändern. Ich habe vergessen, das in erster Linie zu tun, aber wenn wir jetzt wieder mit den richtigen Einstellungen in der Mitte hören, klingt das so. Und wenn wir das Plugin ausschalten Art von halbem Weg durch das Muster, wird den Unterschied bemerken, dass die Mittenseite EQ macht. Nicht nur um den Sound zu formen, sondern auch um ihn ein bisschen breiter und ein bisschen voller zu machen. Okay, also bedenken Sie das, wenn Sie zuhören. Also schalte ich es aus und dann schalte ich es wieder ein, wenn es spielt. Und der Grund, warum es breiter klingt, ist, dass wir den EQ gemacht haben, also haben wir den Stereo-Sound geformt. haben wir anders geformt als der mittlere Sound. Also die beiden Frequenzen. Nehmen wir an, es gibt eine Wellenform für das Monosignal und es gibt eine andere Wellenform für das Stereosignal. Und wo beide vorher irgendwie gleich waren. Jetzt sind sie anders, weil wir die Form dieses EQ geändert haben, okay? Und deshalb fühlt sich der Sound voller an und er fühlt sich etwas breiter an. Endlich müssen wir, wie Oliver Instrumente, einige der niedrigen Frequenzen ausschneiden, die wir nicht brauchen. Also werde ich hier eine andere Band hinzufügen, und dieses Mal werden wir sie in Stereo behalten. Okay, also beeinflussen wir sowohl die mittlere die Seitenfrequenz, weil wir in diesem Sound überhaupt kein niedriges Ende haben wollen. Okay, also lasst uns den Klang hören und wir werden durchfegen und den Punkt finden , wo er die meisten niedrigen Frequenzen verliert, die wir nicht brauchen. Wenn ich das bewege, ist es eigentlich irgendwie Boost-Stat. Also werde ich das einfach dort lassen, wo es ist. Und Sie können auch die Steigung ändern. So können Sie ändern, wie steil es ist mit diesem 12 db pro Oktave. Und was das bedeutet, ist für jede Oktave, diese Linie sinkt um 12 Dezibel. Also, wenn ich dies auf 24 setze, wird es zweimal fallen, doppelt so viel Lautstärke und pro Art Oktave auf diesem EQ. Okay, wenn ich das auf 24 setze, wird es die Linie viel steiler machen. So wie Sie sehen können, wird es irgendwie zu einem viel steileren Hang. Je höher Sie dies einstellen, desto steiler wird die Steigung sein und je niedriger Sie sagten, desto mehr Art von allmählicher Neigung wird sein. Ok. Also lasst uns mal zuhören und wir werden den Ort finden, an dem die niedrigen Frequenzen eliminiert werden. Okay, also denke ich, das klingt ziemlich gut. Also werde ich das schließen und wir sind bereit, es anzuwenden. Eine gewisse Kompression. 84. Einführung in die Kompressoren: In diesen wenigen Folien erfahren wir alles über Kompression und warum wir sie beim Mischen verwenden. Es kann ein sehr leistungsfähiges Werkzeug sein, wenn es richtig verwendet wird, aber auch ein sehr zerstörendes Werkzeug, wenn es in der falschen Weise verwendet wird. Es ist also wichtig zu verstehen, was es tut und wie man es benutzt. Also, was ist Kompression? Während ein Kompressor den Dynamikbereich eines Sounds nimmt und ihn effektiv reduziert, drückt er die lautesten Teile des Signals in der Lautstärke nach unten, lässt aber die leisen Teile irgendwie unberührt oder mit der ursprünglichen Lautstärke. Wenn Sie dann den Gesamtklang steigern, klingen die Teile, die viel leiser waren, jetzt viel lauter. Und das Endergebnis ist ein Dynamikbereich, der viel geringer ist als der ursprüngliche Dynamikbereich. Was ist also der Dynamikbereich? Nun, es ist sehr einfach. Es ist nur der Unterschied in der Lautstärke zwischen den lautesten Teilen des Klangs und den leisesten Teilen des Klangs. Wenn Sie also ein Musikstück haben, das im Chor sehr laut ist, aber dann ist es sehr ruhig im Vers. Dann hätte dies einen großen Dynamikbereich. Wenn Sie sich die Bilder auf der rechten Seite ansehen, dann können Sie diese beiden Wellenformen sehen , okay? Die Wellenform auf der Oberseite hat einen großen Dynamikbereich. Das Tonsignal auf der linken Seite ist deutlich größer als das Tonsignal, das auf der rechten Seite ist. Wenn man sich die Wellenform an der Unterseite anschaut, hat diese Wellenform einen kleinen Dynamikbereich, da alle verschiedenen Tonsignale die gleiche Größe oder Art der gleichen Lautstärke zu haben scheinen. Und dieses Dynamikbereichsprinzip ist, wie die Kompression funktioniert. Das Bild auf der Oberseite wäre eine Wellenform vor der Komprimierung, und das Bild auf der Unterseite wäre eine Wellenform nach der Komprimierung. Schauen wir uns also an, was einige der Hauptparameter sind und wie Sie sie verwenden können. Wenn wir von links beginnen und uns einarbeiten, ist der erste Parameter der Schwellenwert. Dies teilt dem Kompressor mit, wann er einschalten und mit dem Komprimieren beginnen soll. Wenn Sie also den gesamten Sound komprimieren möchten, drehen Sie die Schwelle ganz nach unten. Aber wenn Sie nur eine ganz bestimmte Bereiche wie komprimieren wollten, wissen Sie, die sehr lautesten Teile des Klangs. Sie würden den Schwellenwert verwenden, um diesen Punkt zu finden. Auf diese Weise weiß der Kompressor nicht einzuschalten, es sei denn, das Audio erreicht einen bestimmten Lautstärkepegel. Wenn das Audio diesen Schwellenwert überschreitet, schaltet sich der Kompressor ein und beginnt mit der Komprimierung. Der nächste Parameter ist der Angriff, und dies teilt dem Kompressor mit, wie schnell er einschalten soll. Dies ist nützlich für Klänge wie Trommeln, bei denen Sie immer noch möchten, dass der anfängliche Transient laut ist. Wenn Sie den Angriff ganz nach unten drehen, schaltet sich der Kompressor sofort ein und komprimiert den gesamten Sound. Aber wenn Sie die Angriffe so anpassen, dass sich der Kompressor nach ein paar Millisekunden bewegt, dann können Sie diesen anfänglichen transienten lassen, oder sagen wir den klickenden Teil eines Sounds durch, so dass er nicht komprimiert wird. Manchmal, wenn deine Angriffseinstellung zu niedrig ist, fühlt sich der Ton an, als wäre er irgendwie gequetscht. Also, wenn Ihr Sound ein wenig gequetscht ist, drehen Sie den Angriff auf und es sollte es machen, dass es ein bisschen natürlicher. Als nächstes haben wir das Verhältnis, okay? Und hier legen wir fest, wie viel Kompression wir anwenden möchten. Wissen Sie, wollen wir, dass der Kompressor so hart wie möglich drängt, oder wollen wir, dass er etwas sanfter schiebt und subtiler ist? Du solltest dieses Verhältnis irgendwo zwischen 110 einstellen, okay, wenn du es mehr als zehn sagst, ist das eigentlich keine Kompression mehr, und wir werden einen Blick darauf werfen, was das ist in ein paar Vorträgen. Wenn Sie jedoch Komprimierung verwenden, halten Sie das Verhältnis unter zehn. Jetzt können Sie mit diesem Kompressor im Bild sehen, es wird Ihnen tatsächlich nicht erlauben, das Verhältnis mehr als zehn festzulegen. Mit diesem speziellen Kompressor werden Sie also nicht den Fehler machen, das Verhältnis zu hoch zu setzen. Release ist dann das Gegenteil zum Angriff. Wie schnell soll der Kompressor ausgeschaltet werden? Wenn Sie das wirklich niedrig einstellen, kann es sich sehr robotisch anfühlen und die Zuhörer werden tatsächlich in der Lage sein, den Kompressor in Ihrem Track zu hören. Wenn Sie die Freigabe höher einstellen, wird es nicht so offensichtlich sein, aber Sie können am Ende einige Teile des Sounds komprimieren, die Sie nicht wollten. Zum Beispiel, mit Gesang sind hohe Release-Zeit kann sehr natürlich und sehr schön für den Zuhörer klingen. Aber mit Trommeln, eine hohe Release-Zeit kann sich irgendwie mit einigen der Drum-Elemente überlappen und Sie könnten am Ende einige der Transienten, die Sie nicht wollten. Und der Grund dafür ist, dass der Kompressor noch von der vorherigen Trommel eingeschaltet ist und er versehentlich den Start des nächsten Trommelkopfes fängt. Also für Trommeln kann eine niedrigere Release-Zeit am Ende des Tages besser funktionieren, es geht darum, wie es klingt. Also, wenn es gut klingt, ist es gut. Schließlich haben wir die Make-up-Verstärkung, und dies ist so konzipiert, dass Sie eine der Lautstärke, die Sie verloren haben, während Sie komprimieren. Da der Kompressor die lautesten Teile eines Sounds reduziert, wird er auch die Gesamtlautstärke reduzieren. So können wir diesen Make-up-Gewinn verwenden, um die Lautstärke wieder an den Ort zu drehen , an dem es überhaupt war. Jetzt können wir diesen Verstärkungsparameter auch verwenden, um die Lautstärke noch lauter zu drücken , als es vorher war, okay? Aber achten Sie darauf, das nicht zu viel zu verwenden, sonst wird der Ton verzerrt. Also, was sind einige weitere Verbesserungen, die wir mit einem Kompressor verwenden können? Nun, bei einigen Kompressoren finden Sie einen Parameter, um die Form des Knies zu ändern. Und das Knie ist irgendwie wie der Angriff, aber es gibt einen kleinen Unterschied. Denken Sie daran, mit dem Angriff, wir stellen fest, wie schnell der Kompressor eingeschaltet wird. Nun, mit dem Knie wurden eingestellt, wie aggressiv der Kompressor schaltet? Schaltet sich sofort ein und fängt sofort an, den Klang zu komprimieren? Oder wärmt es sich irgendwie auf und fängt allmählich an, den Klang zu komprimieren? Das Knie eignet sich hervorragend, um den Kompressor etwas weniger auffällig zu machen. Es funktioniert auch gut auf Gesang, Klaviere und auch auf Boss-Kanälen. Wir werden uns die NEA noch einmal ansehen, wenn wir etwas namens Glue-Komprimierung verwenden. Wir haben auch Multiband-Kompressoren. Ok? Und wenn Sie sich von der EQ-Sektion erinnern, hatten wir sieben Bands auf unserem EQ-Plugin. Und wir können sie auf verschiedene Frequenzen konzentrieren. Nun, es ist das Gleiche mit einem Kompressor. Wir können die niedrigen Frequenzen tatsächlich anders komprimieren als die Art und Weise, wie wir die hohen Frequenzen komprimieren. Und das ist wirklich nützlich, weil manchmal das niedrige Ende sehr laut sein kann, aber das High-End kann sehr leise sein. Und wenn wir einen normalen Kompressor verwenden würden, würde dies nur das Volumen von beiden reduzieren. Aber wenn wir einen Multiband-Kompressor verwenden, könnten wir Kompression nur auf das Low-End anwenden, was dann den Klang viel heller macht und die hohen Frequenzen durchlassen würde. Das ist also die ganze Theorie, die wir wissen müssen. Jetzt können wir einspringen und anfangen, einen Kompressor für unsere Tracks zu verwenden. 85. die Verwendung von Komprimieren: In dieser Vorlesung lernen wir, wann wir Kompression anwenden müssen. Wir werden uns also ansehen, wie Sie wissen, wann eine Komprimierung erforderlich ist. Okay, also lasst uns den Gesang hier solo machen. Ok? Ich werde diese nur solo machen und wir schauen uns sie an. Und tatsächlich habe ich sie in der Mixer-Spur gesehen, aber wir werden einen Blick auf ihre Art von Lautstärke werfen. Okay, also schaue ich mir jetzt diesen Vokaltrack an. Und ich kann hier den Füllstandsmesser sehen. Ok, das zeigt mir eine Art Live-Updates für die verschiedenen Lautstärkepegel und den Sound. Also können wir sehen, dass wir hier damit sehen können, sehen, wie ein bisschen herunterfällt, okay? Das hier. Und dann fällt es. Das sind Ihre Spitzenzähler. Das sagt uns also den Pegel des lautesten Teils des Signals. Und wir können mit diesem Gesang sehen, es ist um neun, okay, um neun Dezibel, irgendwo zwischen 96. Also weiß ich nicht, vielleicht sieben. Ok. Also saß es um sieben Dezibel. Aber wenn wir uns den Rest des Signals hier unten ansehen, können wir sehen, dass hier das Signal eine Art Durchschnitt ist und dieser Höhepunkt ist, wo die lautesten Parteien. So können wir sehen, dass der Unterschied zwischen den lautesten und den leisesten Teilen des Signals riesig ist. Ok? Und das ist der Dynamikbereich. Und wir können sehen, dass es einen riesigen Dynamikbereich mit diesem speziellen Sound gibt. Da dieser Sound also einen großen Dynamikbereich hat, müssen wir Kompression verwenden, um eine Art von Reduzierungen zu reduzieren. Ok? Was wir also tun, ist, dass wir vorbei kommen und unser Kompressor-Plug-in laden und wir durchlaufen alle Einstellungen, bis der Dynamikbereich irgendwie reduziert wird. Vielleicht wäre es hier oben, und der ruhigste Teil könnte hier unten sein. Es wird nicht mehr hier unten sein. Ok. Aber am anderen Ende, wenn wir zu so etwas wie dem Orgelsound kommen, den ich irgendwo hier drüben habe, werde ich es einfach in der Playlist finden. Ok, hier ist es, am 29. Also, wenn ich das solo und wir hören, dann können Sie sehen, dass der Peak, der Sound hier ist. Aber die Art von Durchschnitt ist hier unten. Okay, also gibt es eigentlich keinen großen Unterschied zwischen den lautesten und den leisesten Teilen des Klangs. Mit diesem speziellen Sound verwenden wir vielleicht überhaupt keine Kompression. Ok? Nun, wir könnten einen Kompressor verwenden sehr, sehr plötzlich sind sehr sanft, weil es tatsächlich, es braucht keine Kompression, wie es ist. Denn wie Sie sehen können, ist der lauteste Teil des Signals sehr, sehr nahe am leisesten Teil des Signals. Und dies ist der einfachste Weg, um festzustellen, ob ein Sound komprimiert werden muss oder nicht. Okay, wenn wir zu einigen dieser anderen Instrumente kommen, aber schauen Sie sich das Klavier an. So können wir sehen, dass der Höhepunkt des Klangs hier oben ist und der Durchschnitt irgendwo hier unten ist. Ok? Diese Art von Sound würde also Kompression benötigen, da der Dynamikbereich sehr groß ist. Werfen wir einen Blick auf einen anderen Sound, vielleicht dieses Synthesizer-Instrument. Ok. Und wieder, der Dynamikbereich ist irgendwie moderat. Okay, also ist der Gipfel hier oben und der Durchschnitt ist irgendwo hier unten. Wir könnten also Kompression darauf anwenden, aber mit einer viel sanfteren Einstellung. Werfen wir einen Blick auf eine weitere Art von Sound. Vielleicht dieses E-Klavier. Mal sehen, wie sich das anhört. Okay, das hat also wieder einen riesigen Dynamikbereich. Also ist es irgendwie der Höhepunkt des Klangs ist hier oben, und der Durchschnitt ist hier unten. Dieser spezielle Sound würde also von der Verwendung der Kompression profitieren. Und noch einmal, wenn wir nur einen Blick auf dieses nächste Instrument werfen, das ich denke, ist ein weiterer Synthesizer. Der Dynamikbereich ist nicht so groß, okay, man kann sehen, dass der Gipfel hier ist und der Durchschnitt irgendwo hier unten ist. So sind der Höhepunkt und der Durchschnitt sehr nahe beieinander. Das bedeutet, dass dieser spezielle Sound einen kleinen Dynamikbereich hat und wir vielleicht gar keine Kompression anwenden. Ok? Und wenn wir das tun, wäre es sehr, sehr subtil. Also, mit all dem, was gesagt wird gehen wir jetzt zur nächsten Vorlesung, wo wir einen Blick darauf werfen, wie man Kompression benutzt. 86. Wie du die Kompression verwendest: In diesem Vortrag lernen wir die Techniken, die Sie anwenden, wenn Sie Kompression verwenden. Okay, kommen wir zu diesen Synthesizer-Elementen und wir werden uns einfach anhören, wie es klingt. Ok, und ich sehe, dass es auf Spur neun im Mixer ist. Also werde ich es finden und es ist bereits für uns hervorgehoben. Das erste, was wir tun müssen, ist zu bestimmen , ob dieser Ton tatsächlich Kompression benötigt oder nicht. Okay, also wenn wir hier rüber zu diesem Pegelmesser kommen und wir schauen uns an, was der Sound so macht, wie er hier ist. So kann ich sehen, dass der Gipfel irgendwo hier ist, und dann ist die Art von Durchschnitt des Klangs hier herum. In Ordnung, also ist es kein riesiger Dynamikbereich, aber wir werden immer noch Kompression anwenden, nur um zu demonstrieren, wie wir uns benutzen können. Also, wenn wir hier zu unseren Effekt-Slots kommen und ein Kompressor-Plugin neu laden. Also werde ich diesen E-Kompressor verwenden. Und wenn es sich öffnet, können wir sehen, dass die, na ja, vor allem, die Schnittstelle ist ziemlich alt, aber das ist in Ordnung, weil wir immer noch alle Arten von Parametern haben, die wir brauchen. Wir haben Schwellenwert, Angriff, Freigabe und die Make-up-Verstärkung. Das hier drüben nennt man Dämpfung. Und das zeigt uns, wann sich der Kompressor tatsächlich anschaltet, okay? Und Sie werden das in Aktion sehen, wenn wir die Komprimierungseinstellungen anwenden. Okay, der erste Schritt, den wir tun werden, ist, dass wir das Verhältnis anpassen. Also, also werde ich das auf vielleicht umdrehen, sagen wir einfach, vielleicht 3.5, okay. Und wir könnten das ändern, je nachdem, wie es klingt, aber ich werde es für den Moment bei 3,5 belassen. Und dann werden wir diese Schwelle anpassen, okay? Da der Ton abgespielt wird. Und wir werden hier drüben aufpassen, wenn der Kompressor eingeschaltet ist. Und du wirst sehen können, dass, weißt du, der Kompressor. Je weiter wir diese Schwelle gezogen haben, desto mehr wird der Kompressor arbeiten, um den Sound wirklich zu schieben. Okay, also passen wir diese Schwelle an und wir beobachten, was auf dem Dämpfungsmesser passiert. Okay, jetzt, wenn wir die Schwelle anpassen, müssen wir irgendwie einen Punkt finden, der gut klingt, aber auch nicht zu viel komprimiert wird, weil Sie nicht wollen, dass es sehr offensichtlich klingt. Also ist normalerweise irgendwo zwischen Art von sechs und zwischen 06 dB in Ordnung für die Kompression. Okay, was wir tun werden, ist, dass wir eine Lektion haben, eine Gerechtigkeit, bis es gut klingt. Und dann werden wir es auf dieser Ebene belassen. Ok? So können wir sehen, dass der Durchschnitt der Dämpfung etwa drei ist und der Höhepunkt irgendwo zwischen 69 liegt. Ok? Der nächste Parameter, den wir anpassen müssen, ist der Angriff, ok? Und das ist es, was das verursacht. Ich weiß nicht, ob man es hören kann, aber eine Art klickender und verzerrter Klang ganz am Anfang der Noten, richtig? Es klingt nicht sehr angenehm. Aber wenn wir diesen Angriff erhöhen, werden Sie feststellen, dass, dass, dass, dass, Klickgeräusch ist weg. Ok? Und der Grund, warum der Klickgeräusch wie drin ist, ist, weil der Kompressor sofort eingeschaltet wird und der ganze Klang komprimiert. Und das klingt einfach nicht sehr natürlich für unsere Ohren. Okay, also lasst uns das Muster spielen und wir passen diesen Angriff bis zu den Daten an. Das Klickgeräusch ist verschwunden. Okay, vielleicht irgendwo hier, hat der klickende Sound getan und könnte es sogar ein bisschen mehr erhöhen. Als nächstes müssen wir den Release-Parameter anpassen. Also werden wir es nochmals erhöhen, bis wir einen Punkt finden, an dem es schön klingt. Und jetzt ist dies eine Art subtiler Parameter, oder Sie können es sehr gut hören. Aber ich höre nur wirklich auf den Sound und finde irgendwie einen Punkt, an dem du denkst, dass der Kompressor gut klingt. Okay, wenn ich das Schreiben aufstelle, ist es tatsächlich, wie Sie hier sehen können, es fängt an, der ganze Ton fängt den Anfang der nächsten Note. Wenn ich das absenke, schaltet es sich sehr schnell aus. Es liegt also an dir, ob du den ganzen Sound fangen willst oder willst du nur einen Teil des Sounds fangen? Jetzt mag ich den Sound, wenn die Releases zu Pi wurden. Ich denke, es klingt irgendwie glatt und es ist irgendwie ähnlich wie buttrige Grafiken. Ich denke, es klingt sehr nett mit den Einstellungen. Wir werden es dort lassen. Als nächstes müssen wir die Make-up-Verstärkung anpassen, okay? Und wir können hier sehen, wie viel Verstärkungsreduzierung geschieht. Also ist es irgendwo zwischen sechs Dezibel und neun Dezibel. Also werde ich meinen Make-up-Gewinn zwei um das anpassen, um 60 V. Das könnte ein bisschen Last sein. Wenn wir zuhören, wenn wir es tatsächlich bis zu 60 B spielen, können Sie sehen, dass es wirklich, wirklich laut ist. Also lassen Sie uns vielleicht nicht auf sechs dB setzen und wir werden nur irgendwie angepasst, wie wir hören und Missy wird einen Punkt finden, der gut für die Make-up-Verstärkung klingt. Also vielleicht da, vielleicht um 1,7. Und Ihr Kompressor könnte völlig anders sein. Ich weiß mit den meisten Kompressoren, wenn Sie dies auf den gleichen Wert drehen, wie Sie irgendwie abschwächen. Es kann gut klingen. Aber was auch immer Algorithmus dieser Kompressor verwendet, es scheint viel lauter zu sein. Es hängt also wirklich nur von dem Kompressor-Plugin ab, das Sie verwenden. Aber du musst deine Ohren benutzen, okay? Nicht deine Augen. Man muss also wirklich auf den Sound hören und einen Punkt finden, an dem es gut klingt, nicht, nicht auf die Parameter schauen und sehen, was gut aussieht, okay, denn das spielt keine Rolle. So hört es sich an. Lassen Sie uns also kurz auf das Muster ohne Kompression hören und dann drehen wir den Kompressor auf irgendwie halbwegs durch. Und wenn ich möchte, dass dieser Kompressor etwas aggressiver ist, kann ich das Verhältnis aufdrehen, damit ich das von 3,5 auf vielleicht sieben einstellen kann. Oder ich kann es bis zu zehn drehen. Aber ich merke, dass ein kleines bisschen Verzerrung hier reinkommt, wenn es auf zehn gesetzt ist. Also werde ich das wieder runterlegen und vielleicht lassen wir es dort, wo wir uns um 3.5. hatten, weil ich das Geräusch mochte. In der nächsten Vorlesung werden wir uns also die Kompression für Instrumente ansehen. Und wir könnten einige verschiedene Kompressor-Plug-Ins verwenden, um die verschiedenen Schnittstellen zu sehen, mit denen Sie möglicherweise umgehen müssen. 87. Kompression für Instrumente: In diesem Vortrag werden wir also einen Blick auf die Verwendung von Kompression für Instrumente werfen. Okay, also lasst uns in eines dieser Instrumentenmuster kommen, das wir in der letzten Vorlesung nicht gesehen haben, was hier ist. Und ich sehe, dass es ist, ich sehe, dass es auf Spur 6 und dem Mixer ist. Okay, also hier ist es. Was wir also tun werden, ist, dass wir uns die Pegelanzeige ansehen und bestimmen, ob dieser Sound eine Kompression benötigt. So kann ich sehen, dass der Gipfel hier oben um 15 ist. Und die Art des Durchschnitts des Klangs ist hier unten. Okay, das hat also eine Art moderaten Dynamikbereich. So könnte dieser Sound von der Kompression profitieren. Lassen Sie uns also einen Kompressor laden und wir verwenden einen anderen Kompressor zum letzten Mal. Das letzte Mal, als wir diesen E-Kompressor verwendet haben, verwenden wir dieses Mal vielleicht solide Dynamik. Und Sie können sehen, dass dieser Kompressor völlig anders aussieht als der andere Kompressor, aber wir haben immer noch alle gleichen Parameter. Ok? Wir haben Schwelle, wir haben ein Verhältnis, wir haben die Freigabe. Wir haben einen Knopf, um zwischen einem schnellen Angriff und einem langsamen Angriff zu wechseln. Und wir haben hier auch ein Knie. Das ist also ein allmähliches Knie. Und das ist eine sehr aggressive Bedürfnisse, schaltet sich nur sehr plötzlich ein. Und wir haben auch die Make-up-Verstärkung hier drüben. Und dann mitten in der Mitte haben wir diese Dämpfungsmesser. Das wird uns also sagen, wie viel Kompression der Kompressor tatsächlich anwendet. Ok? Also lasst uns zuerst den Verhältnisparameter anpassen, okay? Und wir können es drehen, denke ich zwischen eins und hier oben, sechs oder unendlich. Ok? Also werde ich es einfach wieder bei 3,5 belassen. Wir lassen es einfach hier. Und wir könnten diesen Wert ändern , nachdem der Sound etwas mehr außer Kontrolle ist. Ok? Das nächste, was wir tun werden, ist, dass wir diese Schwelle wieder auf 0 setzen. Ok? Und dann hören wir uns das Geräusch an. Und wir drehen es auf, bis wir den Punkt finden, an dem die Dämpfung auf diesem Dämpfungsmesser gelesen wird. Und auch, es klingt gut für unsere Ohren. Okay, also lasst uns das wieder auf 0 setzen und wir hören uns den Sound an. Und ich werde diese Schwelle anpassen, wenn der Ton abgespielt wird, und wir werden diesen Punkt finden. So kann ich sehen, dass es dort auf dem Dämpfungsmesser gemessen wird. Ich werde es ein bisschen mehr schieben. Okay, vielleicht 17.1. Und jetzt denke ich, ich werde das Verhältnis tatsächlich ein kleines bisschen aufdrehen. Okay, ich werde es aufdrehen, um vielleicht, lasst uns 4.2 versuchen. Lasst uns hören, wie das klingt. Okay, und wir können zwischen einem schnellen und einem langsamen Angriff wechseln. Mal sehen, wie ein langsamer Angriff klingt. Und lassen Sie uns das wieder ausschalten. Also, nachdem ich mir das angehört habe, denke ich, dass es umgekehrt ist. Ich denke, wenn das abgelehnt wird, ist das ein schneller Angriff. Also fängt es irgendwie sofort den Klang ein. Es fängt es, sobald es anfängt. Und wenn wir das ausschalten, ist es ein langsamer Angriff. Und es ist irgendwie, dass der erste Teil dieses Klangs durch seine einzige Art der zweiten Hälfte dieser Knoten klingen lässt . Jetzt bevorzuge ich den Sound mit dem langsamen Angriff, also werde ich die Einstellung verlassen. Ich werde die Einstellung verlassen ihre nächste müssen wir die Freigabe anpassen. Also lasst uns das Muster nochmal anhören. Und wir haben diese Version deaktiviert, bis wir einen Punkt gefunden haben, den wir mögen. Und wenn wir keinen Punkt finden, sind wir, als würden wir ihn einfach bei der Standardeinstellung zurücklassen, die sehr, sehr kurz ist, okay? Also denke ich, das ist irgendwie wirklich Einstellung ist zu viel. Also werde ich das runterbringen. Und vielleicht lassen wir es irgendwo etwa 15 Millisekunden liegen. Okay, und jetzt versuchen wir die verschiedenen Knieeinstellungen. Im Moment ist es also auf ein weiches d10 eingestellt. Okay, aber versuchen wir, wie es klingt, wenn wir zu einer Verhärtung wechseln. Ok, also lasst uns irgendwie auf halbem Weg durch das Muster wechseln. Und Sie können sofort hören, dass es klingt viel aggressiver mit dieser Härtung ausgewählt. Also werde ich es auf dem weichen Geld zurücklassen, weil ich den Klang der Art von subtiler Kompression bevorzuge . Ok? Also, jetzt werden wir die Make-up-Verstärkung anpassen. Und ich kann mit dem Dämpfungsmesser sehen, dass es ungefähr 36 ist. Ok, also ist es das sechste Licht ist irgendwie leuchtet manchmal, aber die drei Licht ist immer an. Okay, also werde ich diesen Make-up-Gewinn zwischen vielleicht 36 db anpassen. Also lasst uns mal zuhören und wird das anpassen. Aber wenn es zu geladen wird, wie der letzte Vortrag, werden wir, wir drehen es ab und wir werden einen Punkt finden, wo es gut klingt. Also vielleicht 4,5 dB. Und wir haben auch diesen trockenen Parameter, okay? Und der trockene Parameter ist für die parallele Kompression. Also, was das tut, ist, dass es sich im ursprünglichen Signal mischt. Okay, also das Signal ohne Kompression, das so klingt, mischt es das mit dem Signal, das Kompression hat. Ok? Und wenn wir das benutzen, können wir den Sound wirklich etwas vollwertiger machen, okay? Denn was es tut, ist, dass es alle guten Teile des Dynamikbereichs vom ursprünglichen Signal nimmt . Und es fügt dies auch zu der Art von Steuergeräusch des Kompressors hinzu. Und du kriegst irgendwie das Beste aus beiden Welten. Es kann auch den Klang ein wenig druckvoller machen. Also diese Art von paralleler Komprimierung Einstellung, dies funktioniert gut für Trommeln. Also hatten wir jemals auf das Muster gehört und während es spielt, wird dieser trockene Parameter anpassen, der in einer parallelen Kompression hinzufügt. Okay, also lasst uns mal zuhören. Und wenn wir das nach oben schieben, wird es tatsächlich die Lautstärke erhöhen, weil wir zwei Arten von Signalen miteinander mischen. Seien Sie also vorsichtig, dies nicht zu hoch zu stellen und wieder zu beginnen. Also lasst es uns vielleicht um 28 Uhr hier behalten. Wir wollen nur subtil damit sein. Ich will nicht, dass dieser spezielle Sound zu druckvoll ist. Also lassen Sie uns einen hören auf den Ton vor der Kompression, und dann werden wir einen hören auf den Ton nach der Kompression. Und lassen Sie uns sehr schnell ein anderes Instrumentenmuster wählen und wir werden nur einige sehr, sehr schnelle Kompression anwenden. Also vielleicht das, was auch immer, diese verzerrten Keyczar. Und ich denke, das könnte noch das E-Piano sein. Es ist also auf dem Weg 10010, der hier ist. Ok. Wenn wir also die Pegelzähler betrachten, können wir sehen, dass der Gipfel hier oben ist und der Durchschnitt irgendwo hier unten liegt. Dieser Sound könnte also definitiv Kompression verwenden. Okay, also werde ich einen Kompressor laden. Und wieder, lasst uns einfach einen anderen Kompressor aus Gründen der Demonstration ausprobieren, lasst uns diesen VC 2A ausprobieren. Und du kannst das wieder sehen, das Interface sieht ganz anders aus, okay? Und wir haben eigentlich nicht so viele Parameter. Wir haben nur diesen Peakreduktionsparameter, was der Schwellenwert ist, okay? Wir haben nicht die Möglichkeit, das Verhältnis zu ändern. Wir haben nicht die Möglichkeit, den Angriff zu ändern. Wir haben nicht die Möglichkeit, die Veröffentlichung zu ändern. Ok? Und das liegt daran, dass dieses spezielle Plugin alle diese Art von Parametern integriert hat. Okay, also was auch immer Algorithmus, die Native Instruments, also was auch immer Algorithmus sie gebaut haben, sie denken, es klingt perfekt. Und alles, was du brauchst, um das nutzen zu können, okay? Und du bekommst das, du erhältst einige Kompressoren, die mehr Parameter haben und du erhältst Kompressoren, die weniger Parameter haben. Was sie uns stattdessen gegeben haben, ist dieser Eingangsgewinn, okay? Also drehen wir die Eingangsverstärkung auf, um dem Kompressor zu sagen , wie viel von dem Kompressionsklang wir bekommen wollen. Okay, also werde ich das Geräusch abspielen. Und ich werde das anpassen. Ich werde die Eingangs-Verstärkung ausschalten. Okay, also bekomme ich überhaupt keinen Ton aus meiner Software. Also muss ich hier zu den Audio-Einstellungen kommen und nur irgendwie zwischen diesen beiden verschiedenen Ausgabegeräten wechseln. Und es sollte es zurücksetzen. Okay, so klingt, wenn wir saßen und lassen Sie uns diese Eingangsverstärkung anpassen und werden jemals hören, was der Kompressor tut. Also werden wir einen Punkt finden, an dem dieser Eingangsgewinn nett klingt. Okay, vielleicht nicht zu viel, vielleicht ein bisschen mehr als das. Und das nächste, was wir tun werden, ist, dass wir die Schwelle anpassen. Wenn der Ton abgespielt wird, passe ich die Schwelle an und wir werden diese Dämpfungsmesser im Auge behalten. Das wird sich also auf diese Weise bewegen, um uns zu sagen, wann der Kompressor tatsächlich komprimiert. Okay, lassen Sie uns mal zuhören. Okay, also bewegt es sich jetzt. Ich werde es ein bisschen mehr schieben. Und vielleicht ein bisschen mehr als das. Ok, ich denke, das ist zu viel. Lasst es uns einfach zurückziehen. Okay, also denke ich, das klingt besser. Wir haben auch diesen trockenen Knopf hier drüben, wo wir eine parallele Kompression machen können, aber ich werde keine parallele Kompression für diesen speziellen Sound machen. Wird nur ein hören, wie das Muster vor der Komprimierung klingt. Und dann hören wir uns an, wie es sich nach der Kompression anhört. Das ist also vor der Kompression. Und das ist nach der Kompression. Dies ist also der Prozess, den Sie verwenden werden, wenn Sie Ihre Instrumente komprimieren. In der nächsten Vorlesung werden wir einen Blick auf die Kompression für Basis werfen. 88. Kompression für Bass: Also in diesem Vortrag werden wir einen Blick auf die Kompression für Basis werfen. Jetzt werden wir genau den gleichen Prozess verwenden wie alle anderen Kompression, die wir anwenden. Aber der einzige Unterschied ist mit der Basis, wir werden ein viel höheres Verhältnis verwenden. Ok? Also werden wir ein Verhältnis irgendwo zwischen sechs zu 110 ist zu eins verwenden. Okay, also lasst uns hier in dieses Basismuster kommen und uns anhören, wie es klingt. Okay, und wir öffnen es auf dem Mixer, damit ich sehen kann, dass es auf Spur acht ist. Also, wenn wir hier reinklicken, ist das das Basisinstrument, okay? Und wir werden uns die Levels nochmals ansehen. Und ich kann sehen, dass es über 15 liegt und der Durchschnitt irgendwo hier unten ist. Okay, also ist es kein massiver Dynamikbereich, aber wir werden immer noch Kompression anwenden, weil es ein Bassinstrument ist und die Grundfrequenzen sehr, sehr schwer sind , also wollen wir nicht, dass sie außer Kontrolle geraten. Kommen wir hierher zu unseren Effekt-Slots und wir laden ein Kompressor-Plug-in auf. Okay, laß uns einen anderen laden. Und dann, was wir bisher benutzt haben, lassen Sie uns vielleicht diesen Flüssigkeitskompressor zwei auswählen. Und wieder, wenn es geöffnet wird, können wir sehen, dass die Schnittstelle völlig anders ist, aber wir haben immer noch die gleichen Parameter. Wir haben eine Schwelle, wir haben ein Verhältnis, wir haben eine Angriffszeit. Ich freisetze Zeit. Wir haben eine Option, das Knie zwischen hart und weich zu wechseln. Und wir haben auch einen Make-up-Gain-Parameter hier drüben, wo wir die Make-up-Verstärkung anpassen können, okay, und das zurücksetzen können. Wir haben auch einen Verstärkungsmesser, der auch das Dämpfungsmessgerät ist. Wir zeigen uns, wann der Kompressor tatsächlich etwas Kompression macht. Ok? Das erste, was wir mit dem Bass machen werden, ist, dass wir das Verhältnis ziemlich hoch einstellen. Okay, also werde ich es den ganzen Weg bis zu acht drehen. Okay, also 8.3 ist zu eins. Und wir werden uns je anhören, wie sich das jetzt anhört. Ok? Und es wird keinen Unterschied machen, bis wir die Schwelle ändern. Also, was wir tun werden, ist, dass wir die Schwelle reduzieren, sie senken, bis wir sehen, dass die Verstärkungsminderungsanzeige uns sagt, dass der Kompressor etwas Kompression macht. Also lassen Sie uns einen hören auf den Ton und wir werden diesen Schwellenwert Parameter anpassen. So kann ich jetzt sehen, dass der Verstärkungsmesser eine Art Peak ist und uns zeigt, wie viel Kompression der Kompressor tatsächlich anwendet. Also ist es irgendwo unten. Das kann ich nicht wirklich sehen. Aber ich denke, es ist irgendwie zwischen 15, also vielleicht drei. Ok, also könnten wir den Schwellenwert etwas mehr anpassen. Aber jetzt kann ich hören, dass dies tatsächlich ist, das macht einen großen Unterschied für den Gesamtklang des Basses. Also werde ich die Verstärkung mitbringen, okay? Weil sie das Geräusch nicht mögen, wenn es auf 20 eingestellt ist. Ich glaube nicht, dass es so natürlich klingt. Bringen wir das zurück zu Bill, eigentlich, 19.1, das klingt eigentlich OK. Als Nächstes passen wir die Angriffszeit an. Wollen wir, dass sich der Kompressor sehr schnell einschaltet und alle Noten fängt? Oder wenn wir wollten langsam einschalten und einige der Knoten durch lassen. Nun, wenn die Angriffszeit ziemlich schnell ist, verlieren wir tatsächlich einige Bassfrequenzen. Also denke ich, es klingt besser, wenn die Angriffszeit ziemlich langsam ist. Also werde ich das auf vielleicht 28,5 Millisekunden bringen. Als Nächstes passen wir die Release-Zeit an. Also lasst uns das den ganzen Weg nach unten bringen. Und wir bringen es den ganzen Weg nach oben. Also bevorzuge ich den Klang dieser Release-Zeit ziemlich langsam, okay, ich denke, es klingt, wenn Sie, wenn Sie den Bass hören, es klingt sehr glatt erscheinen, wenn, wenn die Release-Zeit ist sehr hoch. Aber das gefällt mir nicht. Ich möchte, dass die Basis aggressiver und druckvoller klingt. Okay, also jetzt die Bassdrum und nicht die Bassdrum, sorry, die Basis. Jetzt klingt die Basis so, als wäre es eine Art Stanzen. Schließlich werden wir die Make-up-Verstärkung anpassen. Also schauen wir uns den Verstärkungsminderungsmesser an. Es macht eigentlich nicht so viel. Vielleicht werden wir uns vielleicht nur mit einem oder zwei db umdrehen. Ok. Und dieser spezielle Kompressor gibt uns zwei Arten von Ebenen, die wir überwachen können. Wir können überwachen, was da reinkommt, was das war. Und das Signal, das dann aus dem Kompressor kommt, ist dies. Lassen Sie uns hören, wie das Basismuster ohne Kompression klingt. Und dann schalten wir es irgendwie auf halbem Weg durch das Muster. Ok? Also für die Basis, werden Sie Kompression in genau der gleichen Art von Prozess anwenden , die wir für die Instrumente getan haben. Und was Sie das Verhältnis viel höher einstellen werden, okay, irgendwo zwischen 610. In der nächsten Vorlesung werfen wir einen Blick auf die Kompression für Trommeln. 89. Kompression für Drums: In diesem Vortrag werden wir uns die Kompression für Trommeln ansehen. Und es ist nicht genau das, was du denkst. Und der Grund, dass es nicht genau das ist, was du denkst, ist weil wenn du ein Drum-Sample in dein, in dein Arrangement ziehst , es bereits komprimiert ist. Okay, dieses Geräusch hier, das ist schon komprimiert. Denken Sie daran, dass ich vorher gesagt habe, dass die Sounds, die Sie in Sample-Packs bekommen , bereits für Sie geschichtet sind und sie schon gut klingen. Nun, ein Teil der Gründe, warum sie bereits gut klingen, ist weil sie tatsächlich für dich komprimiert sind, okay? Und die Art und Weise, wie wir feststellen können, ob ein Sample bereits für uns komprimiert wurde , ist, wenn wir es so zur Mischerspur hinzufügen und den Schieberegler auf 0 zurücksetzen. Und wenn wir diesen Pegelmesser beobachten, wenn das Sample hier 0 trifft, 0 dB, dann wurde dieser bestimmte Sound, das bestimmte Sample bereits komprimiert, auch wenn wir alle diese Plug-Ins hier ausschalten. Wenn wir also beobachten, dass alle Plugins ausgeschaltet sind, ist die Lautstärke wieder auf die Standardeinstellung. Und wenn wir den Pegelmesser beobachten, wird er hier 0 treffen. Ok? Dieser Sound ist also bereits komprimiert. Wir müssen keine Kompression auf diesen speziellen Sound anwenden , da er bereits komprimiert ist. Und wieder, wenn ich eines dieser Drum-Samples lade, sind sie alle komprimiert, weil, wenn Sie sie aus dem Sample-Pack durch bereits komprimiert für Sie ziehen . Also nochmal, ich werde das wieder auf 0 drehen. Schalten Sie einfach den Kompressor und den EQ aus. Und dann werfen wir einen Blick auf diesen Pegelmesser und wir werden sehen, dass die Probe, okay, es trifft 0. Es gibt also keinen Grund, dass wir das noch einmal komprimieren müssen. Und nochmal. Wenn wir uns dies ansehen, was diese Art von klickenden geschlossenen Aufgabe ist, wieder, wenn wir dies auf 0 zurücksetzen, schalten Sie die Plugins aus und wir schauen uns den Pegelmesser an. Es trifft 0. Ok? Und die Sache ist, wenn Sie gehen und einen Kompressor auf diese bereits komprimierten Sounds anwenden , werden Sie am Ende Ihre Drums klingen wirklich, wirklich gequetscht. Okay, also im Grunde, mein Rat aus diesem Vortrag und der Kompression für Trommeln ist, ist, deine Trommeln nicht zu komprimieren. Ok, wenden Sie keine Komprimierung auf Ihre Drum-Samples an, da sie bereits für Sie komprimiert sind. Und das Gleiche gilt für Drum Loops, okay, wenn ich in mein Sample Pack komme und wir einfach eine Drum Loop ziehen. Also komm ich hier in meine Loops wirklich, wirklich schnell. Finden Sie einfach eine Schleife Drachen, die vielleicht dieser ist. Nehmen wir das einfach, ziehen Sie es hier rein. Und ich werde das solo machen und es einfach durchlaufen, damit wir irgendwie immer wieder spielen hören können. Richtig, wenn ich das zur Mischerspur hinzufüge. Und vor allem, noch bevor wir es gespielt haben, kann ich sehen, dass diese Samples hier, was auch immer das ist, es tatsächlich nach oben kommt und es auf den Boden trifft. Diese Schleife ist also bereits komprimiert. Es gibt also keine Affekte. Die Lautstärke wird auf die Art der Standardeinstellung eingestellt. Und wenn wir den Pegelmesser beobachten, trifft er 0. Ok? Diese Schleife muss also nicht komprimiert werden. Es ist schon für uns komprimiert. Ich werde diesen Punkt tatsächlich am Ende dieses Kompressionsabschnitts erweitern . Und jetzt müssen Sie sich bewusst sein, dass Ihre einzelnen Drum Samples, wie der Kick oder der Clap oder der Hash, oder sogar Ihre Drum Loop hier. Diese müssen nicht komprimiert werden, da, wenn Sie sie aus dem Sample-Pack ziehen , dort bereits komprimiert. Also, wenn Sie kommen, um Ihre Trommelproben zu komprimieren, tun Sie, was ich getan habe. Schalten Sie alle Plugins aus, setzen Sie die Lautstärke auf den Standardwert zurück und werfen Sie dann einen Blick auf die Pegelanzeige. Und wenn der Sound bereits 0 trifft, dann ist es nicht notwendig, diese bestimmte Trommelprobe oder diese externe Schleife zu komprimieren. In der nächsten Vorlesung werfen wir einen Blick auf die Kompression für Gesang. 90. Kompression für Gesänge: Also in diesem Vortrag werden wir einen Blick auf die Anwendung von Kompression zwei Gesang werfen, okay? Und dieser Prozess unterscheidet sich nicht von der Anwendung von Kompression auf andere Elemente wie Ihre Instrumente. Lassen Sie uns also voran gehen und öffnen Sie den Gesang in der Mixer-Track, und wir werden nur hören, wie sie sich selbst klingen. Und wenn wir einen Blick auf den Pegelmesser werfen und wir irgendwie festgestellt, ob dieser Ton Kompression benötigt oder nicht. Wir können sehen, dass der Höhepunkt des Klangs hier oben um neun liegt, zwischen 69. Und der Durchschnitt des Signals ist irgendwo hier unten, es ist nah an der Unterseite. Also dieser spezielle Sound, könnte dies definitiv Kompression verwenden. Also lasst uns hier rüber zu unseren Slots kommen und wir werden einen Kompressor hinzufügen. Lassen Sie uns diesmal einen anderen Kompressor hinzufügen, vielleicht fügen wir den FAA 770, diesen BT-Kompressor. Oder ich denke, wir benutzen das, wenn ich bereit bin. Lassen Sie uns das einfach durch das CPS ersetzen. Ok. Wir werden es einfach versuchen. Okay, das ist ein anderes. So können Sie wieder sehen, dass die Schnittstelle anders ist. Ich wollte nur verschiedene Kompressoren durchlaufen und Ihnen irgendwie zeigen , wie die Schnittstellen unterschiedlich sind. Buchen Sie die Art der Parameter, die Sie optimieren können, sind die gleichen. Okay, also müssen wir schwelle. Wir haben den Angriff, wir haben ein Verhältnis, und wir haben eine Freilassung. Und dann hier drüben haben wir auch die Make-up-Verstärkung. Ok? Also lasst uns voran gehen und das Verhältnis auf vielleicht ein bisschen höher einstellen. Ich werde es auf eine 4,5 aufstellen. Und ich kann die Art der Lesung hier sehen, den Wert dessen, was das Verhältnis Setup ist. Und dann werde ich die Schwelle anpassen, wenn der Gesang spielt. Und die Art von finden Sie einen Punkt, wo diese Dämpfungsmaßnahme eine Art Lesen ist und auch, wo es gut klingt. Okay, also lasst uns jetzt mal zuhören. Okay, also ist dieser Messgerät klar zu lesen. Wir können sehen, dass sich die Nadel von der 0 Position nach sieben db bewegt. Also macht dieser Kompressor eine Menge Verstärkung Reduktion und ich möchte nicht, dass er so viel Verstärkungsreduktion macht. Ich möchte irgendwie, dass der Kompressor subtil auf den Gesang ist. Also lassen Sie uns diese Schwelle tatsächlich reduzieren. Nur damit es subtiler ist. Okay, jetzt fängt es nur die wirklich lauten Teile des Signals ein und es lässt die ruhigeren Teile durch. Okay, als Nächstes können wir unseren Angriff einstellen. Also werde ich den Gesang als Ort hören. Und ich werde das den ganzen Weg zurück auf den kleinsten Wert setzen und durchfegen und hören, wie jeder Wert klingt. Kanten können wieder. Okay, und ich denke, wenn die Angriffszeit wirklich niedrig ist und es ein bisschen seltsam klingt. Ich kann, ich kann die Kompression hören, wenn die Angriffszeit wirklich niedrig ist, vor allem, weil es ein Gesang ist. Wir, als Menschen sind sehr geschickt, um die Stimme zu hören. Okay, also, auch wenn Ihr Zuhörer absolut keine Ahnung von Musikproduktion hat, immer noch in der Lage, den Kompressor auf dem Gesang zu hören. Oder schlimmer noch, immer eine Art Nasen, dass etwas nicht stimmt und, aber sie wissen nicht, was es ist, aber sie wissen, dass sie das Geräusch nicht mögen. Also werde ich diese Angriffszeit ein bisschen höher setzen. Vielleicht bis zu 30 Millisekunden, vielleicht sogar ein kleines bisschen Mar. Und als nächstes werden wir die Release-Zeit einstellen. Okay, also wieder, ziehen Sie es nach unten und wir hatten je auf jede Art von Wert gehört und was das mit dem Klang des Gesangs ausmacht. Also denke ich, ich mag den Klang der Veröffentlichung, wenn es irgendwo um die 300 bis 500 Marke war. Also werde ich es irgendwo dazwischen lassen. Und jetzt kommen wir zu unserem Make-up-Gewinn. Und wir können sehen, dass der Kompressor das Signal um etwa sieben Dezibel reduziert. Und ich werde den Make-up-Gewinn nicht so viel schieben. Ich könnte es einfach um vier oder fünf Dezibel schieben und wir werden sehen, was passiert. Ok. Das sind also 5,2 Dezimalstellen. Wir könnten es etwas mehr schieben, vielleicht bis zu 6.626. Also lassen Sie uns jetzt einen Hören auf den Gesang ohne Kompression. Und dann, wie es alternativen Kompressor wieder auf und wir können sehen, welche Art von Unterschiede machen Falten ist schlecht, nicht Kanten. Und wenn wir uns anhören, wie das in der Mischung klingt, klingt das so. Okay, und als nächstes müssen wir Kompression auf diese Art von Gesang anwenden , diesen Gesang. Okay, also sind die hier drüben in der Art Chorabschnitt. Und wenn ich das nur gesehen habe und ich den Träger solo machen muss, klingen sie so. Und wenn wir einen Blick auf den Pegelmesser werfen, und wir sehen, dass der Gipfel hier oben um die neun ist. Und der Durchschnitt ist vielleicht irgendwo um 15. Okay, also ist es kein riesiger Dynamikbereich, aber wir werden immer noch den Kompressor anwenden. Und wir werden den Kompressor hinter dem Vocoder her setzen, weil wir auch den Sound des Vocoders komprimieren wollen. Und wir wollen nicht, dass der komprimierte Ton in den Vocoder geht. Ich möchte diesen ganzen Sound als eine Art Totalklang komprimieren. Okay, lasst uns einen weiteren Kompressor laden und wir versuchen vielleicht diesen Komp. Und wie Sie sehen können, hat dieser Kompressor wieder eine andere Schnittstelle, aber wir haben einen Eingangsknopf. Wir haben einen Ausgang und wir haben diese Schwelle, okay? Wir haben auch einen Angriff und die Genesung hier. Das ist deine Freilassung, okay, also wie schnell erholt sich eine Art? Der Eingang ist also wieder, wie viel Klang wir aus dem Kompressor bekommen werden. Und der Ausgang ist Ihr Make-up-Gewinn. Und dann sind alle anderen Parameter die gleichen wie das, was wir vorher gesehen haben. Wir haben auch die Dämpfungsnadel hier drüben und es wird uns zeigen, wie viel der Kompressor komprimiert. Wir haben keine Möglichkeit, das Verhältnis zu ändern. Und das liegt daran, dass dieses Plugin diesen Verhältniswert eingebaut hat. Okay, also hören wir uns den Klang dieses Vocoders an. Und ich werde diese Parameter zurück auf eine Art 0 zurücksetzen. Setzen Sie dies auf 0 zurück. Und jetzt können wir anfangen, diese Eingabe wieder zu optimieren. Lassen Sie uns nur Alkohol wie etwas erhöht um vielleicht 3,8 Dezibel. Und dann kommen wir an die Schwelle und passen dies an, wenn der Ton abgespielt wird. Jetzt kann ich sehen, was die Nadel das ist, es ist eine Art, den Klang um vielleicht zwei Dezimalstellen zu reduzieren. Also werde ich das noch ein bisschen mehr drängen. Okay, nach dem Anhören dieses Plug-ins denke ich tatsächlich, dass diese Schwelle irgendwie umgekehrt ist. Ich denke, dieser Weg ist eine Art mehr Kompression. Wenn wir hier rüber schauen und auf diese Weise ist weniger Kompression. Okay, also werde ich, ich werde es tatsächlich in die entgegengesetzte Richtung einstellen. Ok. So ist es bis jetzt irgendwie einen Höhepunkt. Und ich werde es nur ein bisschen weiter schieben. Ok. Und wir können sehen, dass es zwischen 24 liegt, was ich nehme an, drei ist. Und was wir tun können, ist, dass wir den Make-up-Gewinn um etwa 3dB steigern können. Lasst uns einfach versuchen und vielleicht 2.51. Ok. Ich denke, das ist laut genug. Ich glaube nicht, dass wir weiter gehen müssen. Und schauen wir uns den Angriff an. Mal sehen, was passiert, wenn wir den Angriff bis zu einer schnellen Angriffszeit erhöhen. Und versuchen wir jetzt eine langsame Angriffszeit. Nun, weil es sich um Backing-Vocals handelt, weil sie gleichzeitig mit dem Hauptgesang spielen. Ich will nicht, dass diese außer Kontrolle geraten, also werde ich die Angriffszeit schnell verlassen und ich weiß, dass es irgendwie dynamischer klingt , wenn der Angriff auf wirklich langsam eingestellt ist. Aber ich denke, es klingt besser für den Zweck dessen, was sie tun, das ist die Unterstützung von Vocals. Ich denke, es ist besser, den Angriff zu schnell eingestellt zu lassen. Lassen Sie uns zur Genesung kommen, die auch die Veröffentlichung ist. Und wir werden versuchen, diesen Parameter zu optimieren. Also ich denke, es klingt ein wenig besser mit der Release-Zeit etwas langsamer. Und ich glaube, ich habe das sowieso schon mal über Gesang gesagt. Höhere Release-Zeiten Art von Klang besser auf einem Gesang. Eine Art lässt es sich ein bisschen glatter anfühlen. Mal sehen, wie das mit dem anderen Gesang klingt. Wir könnten es als morbide ablehnen. Und mal sehen, wie es sich in der Mischung anhört, okay? Aber einiges davon, und ich werde diesen Orgelton einfach stummschalten, weil der AMP Lärm macht. Ok? Das ist also der Prozess, den Sie verwenden werden, wenn Sie Kompression für Ihren Gesang verwenden. Das einzige, was Sie beachten müssen, ist, dass verschiedene Kompressoren unterschiedliche Schnittstellen und verschiedene Parameter haben , die sie Ihnen geben werden, okay? Und manchmal musst du mit diesen Parametern herumspielen , um herauszufinden, wie sie funktionieren. Wissen Sie, dreht es nach rechts, um es auszuschalten, oder dreht es nach links, um es auszuschalten. In der nächsten Vorlesung werden wir einen Blick auf die Kompression für Busse werfen. Und dies wird auch als Leimkompression bezeichnet. 91. Glue: In diesem Vortrag wir einen Blick auf die Kompression für Busse werfen, die auch als Blaue Kompression bekannt ist. Und es heißt Glue-Komprimierung, weil es tatsächlich verwendet wird, um verschiedene Sounds zusammen zu kleben. Es ist eine sehr leichte sind subtile Form der Kompression, oft auf beiden Kanälen verwendet, um die einzelnen Elemente zusammen zu blau und machen sie klingen ein wenig mehr verwandt. Da es sich also um eine subtile Form der Kompression handelt, wird Ronnie ein kleines Verhältnis von weniger als 3,5 anwenden. Also habe ich dieses Bus-Kanal-Setup und es gibt vier verschiedene Sounds, die ein sehr ähnliches Muster spielen. Ok? Und ich möchte diesen Buskanal nutzen. Ich möchte das verwenden, um all diese einzelnen Sounds ein bisschen mehr zusammenkleben zu können. Also lasst uns hier rüber zu diesen Effekten lattes kommen und wir werden ein Kompressor-Plug-In laden. Jetzt gibt es da draußen Kompressoren, die bewusst dafür gemacht werden, wie diese Art solide Buslager. Dieser Kompressor ist dafür ausgelegt, verschiedene Elemente miteinander zu kleben, aber wir werden es mit einem anderen Kompressor machen und wir werden nur einen normalen Kompressor verwenden, vielleicht diesen Vec1 60. Und ich kann jetzt mit diesem Kompressor sehen, okay, es gibt keinen Verhältnisparameter, okay? Und wir brauchen einen Verhältnisparameter, um die Buskompression richtig durchführen zu können. Also werde ich dies durch einen anderen Kompressor ersetzen , der einen Verhältnisparameter hat. Also lasst uns verwenden, also lasst uns dieses CPS benutzen. Ich weiß, dass wir es schon mal benutzt haben, aber ich möchte nur einen Kompressor verwenden, der jetzt ein Verhältnis hat. Aber weil das Verhältnis für die Klebstoffkompression wichtig ist, werden wir ein Verhältnis von nichts über 3,5 verwenden. Also lassen wir es vielleicht ein Zwei runter sein. Ok? Und jetzt werden wir uns all diese vier Schichten anhören, die zusammen spielen. Und ich werde eine schöne Schwelle finden. Und wieder wollen wir nur, dass die Dämpfung sehr sanft ist. Okay, wir wollen nicht, dass diese Nadel irgendwie über die Schnittstelle springt. Okay, also lasst uns das Muster spielen und wir passen uns als Schwellenwert an. Wie Sie sehen können, bewegt sich die Nadel nur sehr leicht. Und weil die Klebstoffkompression subtil sein muss, sorgen wir dafür, dass die Angriffszeit sehr hoch ist. Ok? Und wir werden auch sicherstellen, dass die Release-Zeit sehr hoch ist. Vielleicht erscheinen fünfhunderteinhundertzweiunddreißig. Und der Make-up-Gewinn, weil wir nicht so viel von einer Reduktion machen, werde ich es nur um eine sehr kleine Menge steigern. Vielleicht 1.6 sogar das könnte zu viel sein. Vielleicht in der Nähe, Whoops, vielleicht um eins. Lasst uns mal zuhören. Und lassen Sie uns dieses Plug-in ausschalten und dann schalten wir es wieder ein, irgendwie auf halbem Weg durch das Muster. Ok. Lasst uns mal zuhören. Also bin ich mir nicht sicher, ob Sie das bemerken können. Ok. Ich bin mir nicht sicher, ob Sie irgendwie hören können, wie es sehr, sehr subtil Art kleben den Klang zusammen und Sie werden es definitiv nicht hören, wenn Sie auf Kopfhörer sind eine Art gute Lautsprecher. Aber die Kompression, ich kann hören, dass es tatsächlich ist, es tut etwas sehr, sehr sanft und sehr subtil, um einfach diese Klänge etwas besser zusammenmischen zu lassen. Lasst uns nochmal zuhören. Und ich werde es irgendwie auf halbem Weg durch das Muster ausschalten und dann wieder einschalten. Also wird die Klebstoffkompression geweidet, um sie auf Ihre Boss-Kanäle anzuwenden, okay? Und Sie werden bereits, wie Sie werden, Sie werden immer noch die Kompression auf diese Instrumente anwenden, ok, der Kompressor und solide Dynamik. Ich habe Kompressoren sind bereit auf diesen Instrumenten, aber die Leimkompression wird nur verwendet um diese Klänge ein wenig besser zusammen zu mischen. Also, auf jeden Fall, wenn Sie diese Boss-Kanäle verwenden und diese blaue Kompressionstechnik anwenden, weil es alle Elemente irgendwie besser zusammenpassen. In der nächsten Vorlesung werfen wir einen Blick auf die Multi-Band-Komprimierung. 92. Multiband: Also in diesem Vortrag werden wir uns die Multi-Band-Komprimierung ansehen, okay? Und ein Multiband-Kompressor funktioniert genauso wie jeder andere Kompressor. Wir werden die gleichen Techniken anwenden. Der einzige Unterschied ist, dass es so ist, als hätte man drei verschiedene Kompressoren in einem Plug-In. Lassen Sie uns also einen Multiband-Kompressor in unsere Affekte Ladd laden. Okay, also werde ich diese Ozon-Sieben-Dynamik wählen. Und wir können sehen, wenn es geladen wird, dass es völlig anders aussieht als jede andere Art von Schnittstelle, die wir zuvor gesehen haben. Aber das ist in Ordnung, denn wieder haben wir Verhältnis Angriff, Release und das BNE. Und wir haben auch hier Schwelle. Und hier drüben haben wir die Make-up-Verstärkung, okay? Und der einzige Unterschied ist, dass dies der rosa Kompressor ist , der diesem Frequenzband entspricht. Also, sobald ich es gesetzt habe, alles vor 417, also auf diese Weise komprimieren wir das alles. Und in diesem blauen Kompressor, es ist zwischen 4172 Tausend wurden diese komprimiert. Und mit dem Gelb komprimieren wir das und mit dem Rot, wo das komprimiert wird. Ok? Diese Art von Bändern hier oben, das sind der einzige Unterschied zwischen einem Multiband-Kompressor und einem normalen Kompressor. Und wir werden es auf diesen Klaviersound anwenden, den ich verfolgen kann. Aber das erste, was wir tun müssen, bevor wir überhaupt eine Kompression anwenden , ist, dass wir diese Bänder setzen müssen. Wir müssen also sicherstellen, dass diese Bänder für den Sound, den wir hören, richtig eingestellt sind. Also werde ich die Low-Band solo machen und wir werden die tiefen Frequenzen des Klaviers finden. Also wollen wir nur mit den niedrigen Frequenzen zu tun. Als Nächstes hören wir uns diese Mid-Range-Band an. Ok? Vielleicht schieben Sie es ein bisschen nach unten. Und dann hörten wir auf die hohen Mitten und wir werden sehen, ist dieser Bereich richtig? Ich glaube, es ist zu viel High-End aufgenommen. Okay, und schließlich hören wir uns diese wirklich High an, diese High Band hier an. Okay, jetzt sind diese Bänder richtig für den Sound eingestellt, den wir komprimieren möchten. Wir sind bereit, mit dem Komprimieren zu beginnen. Also lasst uns diese Niederfrequenz hier solo. Und ich werde die Schwelle zurücksetzen. Das erste, was wir tun werden, ist, dass wir das Verhältnis festlegen. Und weil es eine niedrige Frequenz ist, möchte ich das etwas höher stellen. Vielleicht 5.2. Wir bringen die Schwelle runter. Ok. Vielleicht nicht so viel. Und wir können hier mit dem roten, roten Meter sehen, dass dies die Dämpfung ist. Dies ist also, wie viel Komprimierung angewendet wird. Als Nächstes setzen wir den Angriff ein. Und wenn Sie dies auf niedrig stellen, vor allem mit dem Klavier, erhalten Sie einen verzerrten Klang. Ich weiß nicht, ob du es hören kannst. Also werden wir den Angriff etwas höher stellen. Vielleicht eine Party. Als nächstes haben wir die Veröffentlichung eingestellt, okay, und wieder mit dem Klavier wollte ich irgendwie glatt klingen. Also werde ich die Veröffentlichung ein wenig höher stellen. Vielleicht um 200, oder vielleicht sogar als Mutter Moore. Und ich werde nur kommen und wechseln smack deaktivieren für meine Plug-ins, nur damit ich irgendwie mehr Rechenleistung zu diesem speziellen Plugin geben kann. Hoppla. Wo ist das hingegangen? Hier tut es. Ok. Und als nächstes schauen wir uns an, diesen blauen Kompressor zu optimieren. Ok? Drehen Sie wieder eine Schwelle hoch und wir werden Solist, damit wir hören können, was wir tun. Und ich werde das Verhältnis ein bisschen über zwei einstellen, vielleicht 3.5. drehte die Schwelle ab. Jetzt denke ich, das ist ein bisschen zu viel. Ich denke, wir schneiden etwas von dem Klavierklang aus. Herbert, der Angriff des Klaviers, die Art von aggressivem Klang. Und ich wollte das behalten. Also denke ich, das ist eine gute Kulisse. Lasst uns jetzt zum Angriff übergehen. Und nochmal, ich werde das so aufstellen wie die erste. Also vielleicht um 30. Und wieder damit bis zu 400, wie wir im ersten, dem ersten Kompressor hatten. Also lasst uns mal zuhören, wie das klingt. Okay, und wir werden die nächste Band komprimieren, die dieses gelbe Band ist. Stellen Sie erneut den Schwellenwert ganz nach oben ein. Und wir werden dieses Verhältnis vielleicht nicht so sehr drehen wie das letzte, vielleicht um drei. Und wir behalten den Angriff genauso wie beim letzten Mal, und wir behalten die Veröffentlichung genauso wie beim letzten Mal. So, vielleicht 393, das ist in Ordnung. Und wir werden die Schwelle senken, wenn der Ton abgespielt wird. Und ich setze zu viel von dem Klaviersound da draußen. Okay, also denke ich, das klingt besser. Und wir gehen weiter zum letzten Kompressor, der so hoch ist, diese hohen Frequenzen. Und wir werden das Verhältnis R zwei verlassen, vielleicht sogar etwas runterbringen, weil wir nicht so viel komprimieren wollen wie die hohen Frequenzen, weil die hohen Frequenzen eines Klaviers, sie klingen ziemlich schön. Ein Klavier klingt schön, wenn es hell ist. Okay, also nochmal, wir werden den Angriff gleich halten, vielleicht um 30 und die Freigabe gleich halten. Und dann werden wir diese Schwelle senken, wenn der Sound abspielt. Okay, also lasst uns alle Bands gleichzeitig anhören. Jetzt können wir zurück in all diese Bands gehen und die Make-up-Verstärkung anwenden. Mit dieser speziellen Band verlieren wir wirklich eine Art Dezibel Level von etwa vier. Okay, also werde ich das um vier steigern. Dann werde ich diese Band solo machen. Und wir werden einen Blick darauf werfen, wo die Verstärkungsreduktion mit diesem ist. Also wieder, es ist um 4,8. Also werde ich das um etwa 4,8 steigern. Du gehst vielleicht 4,6 hoch und wirst dann in die nächste Band kommen und sie solo machen. Und wir können sehen, dass die Verstärkungsreduktion etwa 2,8 bis 0,9 beträgt. Also bringen wir den Gewinn, den Make-up-Gewinn um etwa, um etwa 2, vielleicht, 2,7. Und dann kommt in diese letzte Band hier. Und wir werden einen Blick auf die Verstärkungsreduzierung werfen. Und es ist vielleicht ein Dezibel, oder wir bringen das um etwa eins, vielleicht 1,5. Also hören wir uns jetzt die Art des vollen Sounds des Kompressors an. Und wenn ich den Kompressor hier abschalte. So können Sie sehen, dass der Kompressor den Klang tatsächlich ein wenig voller macht. Ich werde nur, Ich werde es wieder spielen und ich werde es irgendwie auf halbem Weg schalten und Sie können einen selbst zuhören. Daher ist Multi-Band-Komprimierung nützlich dafür. Es ist nützlich, um einen Ton ein wenig voller zu machen. Und, aber es ist auch nützlich, wenn einige Frequenzen des Sounds nicht komprimiert werden müssen. Also, was Sie tun können, ist, dass Sie vielleicht das niedrige komprimieren können, und Sie können das hohe unkomprimiert lassen. In der nächsten Vorlesung werden wir einen Blick darauf werfen, was ein Limiter ist. 93. Grenzen: Lassen Sie uns herausfinden, was ein Limiter ist und wie wir sie in unseren Tracks verwenden können. Ein Limiter ist also genau das gleiche wie der Kompressor, außer dass das Verhältnis über zehn eingestellt werden muss. Jetzt, 99,9% der Zeit, werden Sie keinen Limiter in Ihrem Mix verwenden. Ok? Es ist mehr etwas, das wir auf den Master-Kanal setzen, wenn wir zum Mastering kommen. Aber wir können es für Instrumente verwenden, die besonders außer Kontrolle geraten sind. So brauchen Sie niemals einen Limiter auf Ihren Instrumenten zu verwenden. Sie müssen keinen Limiter für diese Instrumente oder irgendetwas anderes verwenden, wirklich, für diese Angelegenheit, das einzige, das einzige, was Sie einen Limiter verwenden könnten, wäre eine Basis. Ok? Einfach die Basis festsetzen. Okay, und vielleicht, wenn wir zu dieser Art von Abschnitt kommen, wo die Basis lange Notizen hat. Dies ist der einzige Fall, in dem Sie einen Limiter verwenden könnten. Ok? Also zuerst, wenn wir hier einen Kompressor nehmen würden, wie diesen, und wenn wir das Verhältnis so hoch drehen, wie es geht, und in diesem Fall geht es auf 20. Das wird einschränkend sein. Alles, was über zehn liegt, ist begrenzt. Ordnung? Also, wenn ich das auf 20 drehen, wurden jetzt die Begrenzung der Ton. Und wenn ich die Schwelle ein wenig herunterbringe, kann man hören, dass das ganze Instrument unter Kontrolle ist. Ok? Nun, wenn wir ein tatsächliches Limiter Plugin laden, die im Auge behalten, ist nur ein Kompressor mit einem hohen Verhältnis. Und Sie können auch einen Parameter wie diesen bekommen, der Decke sagt. Aber das ist nur die Schwelle. Ok? Also, wenn ich diese Schwelle herunterziehe, wie Sie sehen können, blockiert es den Ton, der darüber hinausgeht. Und wo ein Kompressor, würde es irgendwie den Klang nach unten drücken und es ist irgendwie, es ist sanfter. Ein Limiter ist sehr aggressiv und alles, was an dieser grünen Linie vorbei geht, wird einfach abgeschnitten. Also verwenden wir dies nur, um einige sehr außer Kontrolle befindliche Frequenzen zu steuern. Vielleicht wollen wir diese kleinen plucky Sounds an der Spitze loswerden, da Sie die sehen können, Sie können dort in der lila sehen. Und die Art und Weise, wie die Wellenform hier beginnt und dann geht es runter und steigt aus. Wenn wir also diese Art von Pflücks entfernen wollten, würden wir die Decke hier verlassen. Und Sie können sehen, das Endergebnis dann ist einfach alles unter hier. Also ist es, es ist eine Art Pegel-Sound. Aber wie ich schon sagte, du wirst selten einen Limiter benutzen, okay? Selbst für Ihre Basen sind richtig, Sie werden keinen Limiter verwenden. Sie verwenden nur einen Kompressor mit den Verhältnissen ziemlich hoch bis vielleicht etwa acht. Ok? Und wir werden uns wieder Limiter ansehen, wenn wir Mastering machen und wir werden hier einen auf den Master-Kanal laden. Aber im Moment ist es gut, sich bewusst zu sein, dass sie existieren. Und alles, was sie sind, ist nur ein Kompressor mit einem wirklich hohen Verhältnis. Als nächstes werden wir einen Blick auf die falsch verstandene Wahrheit mit Kompression für EDM werfen. 94. Die Misconstrued Wahrheit mit Compression für EDM: Okay, also wenn du jemals etwas über Musikproduktion nachgeschaut hast, dann wird dieser Vortrag wahrscheinlich alles widersprechen, was du bisher daraus gelernt hast. Aber bitte hören Sie mich an und versuchen Sie, die Theorie zu verstehen warum es Verwirrung zwischen der EDM-Community gibt. Zuerst müssen wir uns ansehen, wo wir alle unsere Informationen über das Mischen lernen. Für die meisten von uns ist dies wahrscheinlich außerhalb von YouTube und es gibt viele erstaunliche Tutorials auf YouTube, die erklären, wie man Kompression verwendet. Und was wir am häufigsten hören, ist, dass Sie Kompression verwenden müssen und jedes einzelne Instrument, das Sie verwenden, komprimiert werden muss. Und das Problem ist, dass dies wahrscheinlich für diese bestimmte Person auf diesem bestimmten YouTube-Video zutrifft . Aber es ist nicht wahr für uns in EDM. Und der Grund, warum es für uns nicht stimmt, ist, dass diese Person auf YouTube wahrscheinlich Bands mischt. Also Live-Instrumente, die von einem Menschen gespielt werden, bei denen jede Note anders klingt und eine Art von Lautstärke hat. Und dieses Live-Instrument, das ein Mensch spielt , spielt für den ganzen vier Minuten langen Song. Daher ist eine Kompression definitiv notwendig. Aber wir spielen nicht unser Instrumentenleben. Unsere Geräusche werden mit einem Computer gemacht und die Noten werden jedes Mal, wenn der Computer sie abspielt, genau gleich sein. Und was mehr ist, dass wir Tracks aus wirklich kurzen Loops bauen. Was mich zu meinem nächsten Punkt bringt. In EDM gibt es kaum einen Dynamikbereich. Die Ergebnisse, so sehr wenig oder gar keine Variation zwischen jeder Note, wenn sie gespielt wird. Aber wenn wir uns Mr. YouTube in seinem Studio ansehen, mischt er wahrscheinlich nicht und EDM-Track, weshalb er uns sagt, dass wir Kompression verwenden müssen. Und ja, wenn Sie ein Band mischen, müssen Sie Kompression für alles verwenden. Aber mit EDM ist eine Kompression nicht notwendig. Und wenn man sich noch einmal die Theorie hinter der Funktionsweise eines Kompressors anschaut, dann wird man erkennen, dass es tatsächlich nicht zutrifft. Ein Kompressor reduziert die lautesten Teile des Signals, und es erlaubt uns, die leise oder Teile des Signals ein wenig besser zu hören. Aber in EDM gibt es nicht gerade leise Teile. Der Dynamikbereich in EDM ist einfach nicht groß genug, um den Einsatz eines Kompressors zu rechtfertigen. Und das bringt mich zum letzten Punkt. Ok? Ich sage nicht, dass Sie keinen Kompressor benutzen sollten. Es gibt Zeiten, in denen es anwendbar ist, wie Vocals sind lange externe Loops oder sogar einige der Instrumentenmuster, die Sie machen, könnten von der Kompression profitieren. Alles, was ich sage, ist, dass Kompression nicht notwendig ist. Ok? Sie können in EDM-Track perfekt mischen, ohne Kompression überhaupt. Und in der Tat habe ich das getan. Und was mehr ist, dieser Track wurde tatsächlich auf ein Label signiert. Also, was Sie von dieser Vorlesung nehmen sollten, ist, verwenden Sie keine Kompression für uns willen. Oder verwenden Sie keine Komprimierung, weil Sie gehört haben, dass Sie sie für alles verwenden sollten. Sie sollten nur Kompression verwenden, wenn Sie der Meinung sind, dass der Sound von uns profitieren könnte. Und seien Sie sehr kritisch damit, wenn Sie Kompression anwenden und danach klingt es etwas gequetscht. Schalten Sie es aus. Denn dies ist das Problem Nummer eins EDM-Produzenten konfrontiert sind und versucht, einen gequetschten Sound zu vermeiden. Aber es kann sehr leicht zu vermeiden sein, wenn Sie einfach keine Komprimierung auf Dinge anwenden, die keine Komprimierung benötigen. Und für EDM ist das im Grunde alles außer Gesang und sehr langen Loops. Sie können Kompression verwenden, aber bitte seien Sie vorsichtig und stellen Sie sicher, dass es tatsächlich etwas Gutes für den Sound tut, weil es sehr, sehr einfach ist, eine Spur durch Überkompression zu Rouen. Das ist also nur etwas, das du an Bord nehmen kannst, wenn du YouTube als eine Art zusätzliche Ressource verwendest, okay? Die Techniken, die Sie vielleicht von jemandem auf YouTube lernen sind möglicherweise nur richtig, wenn Sie mit einer bestimmten Art von Musik arbeiten. Also bitte, wenn Sie von jemandem lernen, dass diese Art von Arbeit außerhalb Ihres Genres, außerhalb Ihres Musikstils. Bitte seien Sie wachsam und ruinieren Sie Ihre Spuren nicht mit Fehlinformationen. 95. Sättigung zum Mischen: In dieser Vorlesung werden wir einen Blick auf die Sättigung zum Mischen werfen. Und das hängt mit der letzten Vorlesung in der Kompression zusammen, die wir uns angeschaut haben. Ich habe Ihnen gesagt, dass eine Kompression für EDM nicht notwendig ist. Nun, einer der Gründe, warum jemand argumentieren würde, dass es nicht notwendig ist, ist weil jeder einen fetten oder eine Art vollen professionellen Sound will. Nun, Sättigung ist gehen und tun Sie dies für Sie. Keine Kompression. Kompression macht die Dinge nur lauter, aber Sättigung macht die Dinge dicker. Also, was ist das für eine Dauer? Diese Plugins fügen Ihrem Sound harmonische Verzerrung hinzu. Anstatt also den anfänglichen Klang zu verzerren, wird es in einigen verzerrten Oberschwingungen eingeblendet und dann mit diesem anfänglichen Klang vermischt . Sie können diese Plugins verwenden, um Ihre Baselines hörbarer und dicker zu machen. Sie können sie auch verwenden, um Ihre Trommeln Sand aggressiver zu machen. Oder Sie können sie sogar verwenden, um einige der härteren hohen Frequenzen zu reduzieren. Wenn also ein Sättigungs-Plugin in verzerrten Oberschwingungen hinzufügt, was genau sind Oberschwingungen? Einfach ausgedrückt, sind dies nur Frequenzen, die ein Vielfaches der Routenfrequenz sind. Wenn Sie also eine Frequenz von 500 Hertz haben, dann wäre 11000 Hertz eine Harmonische wie Holz, 1500 Hertz, 700 Hertz wären keine Harmonische, weil es kein Vielfaches von 500 Hertz ist. Nun gibt es Dinge, die Seifenharmonien und Obertöne genannt werden. Aber wir brauchen nichts von diesen für diesen Kurs zu wissen. Alles, was wir wissen müssen, ist, dass ein gesättigtes Plugin den Vielfachen des Wurzelknotens eine harmonische Verzerrung hinzufügen wird. Und diese besondere Art von Verzerrung erzeugt einen anderen Effekt. Und es klingt viel sauberer und viel aufgeregter als regelmäßige Verzerrung, die nur aggressiv klingt. Was sind einige der wichtigsten Parameter für ein Sättigungs-Plug-in? Nun, es gibt nur drei Standardparameter und diese sind am Eingang, am Laufwerk und am Ausgang. Möglicherweise erhalten Sie auch eine Farbe, einen Ton oder vielleicht einen Zeichenparameter. Aber abgesehen davon, Sie werden tatsächlich eine ganze Reihe von verschiedenen Parametern auf verschiedenen Plugins zu finden. Beginnen wir also mit der Eingabe. Im Gegensatz zu der Komprimierung, wenn wir dies aufdrehen, bekommen wir mehr von der Sättigung Sound aus dem Plugin, besonders wenn wir die Ausgabe nach unten drehen. Diese beiden gehen Hand in Hand. Wenn Sie den Eingang niedrig und den Ausgang hoch einstellen, erhalten Sie nicht viel vom Sättigungseffekt auf den Klang. Aber wenn Sie den Eingang hoch und den Ausgang niedrig einstellen, erhalten Sie einen gesättigteren Sound aus dem Plugin. Dr. Parameter ist einfach wie viel Verzerrung Möchten Sie auf den Sound anwenden? Seien Sie nun vorsichtig, dies nicht so zu drehen , dass es tatsächlich unglaublich verzerrt klingt. Der finale Klang sollte sauber, aber auch viel dicker sein. Sie können auch den Farbparameter erhalten, über den wir gesprochen haben. Und das ändert nur den tatsächlichen Klang der Sättigung. Wollen Sie einen warmen und unscharfen Klang oder wollen Sie einen hellen und gritty Sound? Im Wesentlichen formt es nur den Sound, den Sie aus dem Plug-in bekommen. Nach diesen Hauptparametern finden Sie viele verschiedene Parameter auf vielen verschiedenen Plugins. Sie müssen also mit ihnen experimentieren und sehen, welche Art von Sound Sie bekommen können. Nun, da alle diese Sättigungs-Plug-Ins alle unterschiedliche Parameter haben. Es gibt nicht viel weiter, was wir tun können. Ich möchte Sie jedoch auf diese beiden anderen Arten von gesättigten aufmerksam machen. Es gibt also eine Art von Plug-in, die als Wellen-Shaper bezeichnet wird, und dies ist ein Verzerrungsplugin, das auch harmonische Verzerrung in den Klang fügt. Nun können Sie dies verwenden, um verschiedene Formen auf die Welle zu zeichnen und dann Ihren eigenen einzigartigen verzerrten Klang zu erzeugen. Wir können sie verwenden, um einen analogen oder digitalen Verzerrungston zu erzeugen. Wave-Shaper können sehr mächtig sein, aber sie können auch sehr destruktiv sein. Stellen Sie also sicher, dass der letzte Ton, den Sie hören, angenehm für das Ohr ist. Schließlich haben wir harmonische Erreger, und diese sind der gewöhnlichen Sättigung sehr ähnlich, außer dass sie sich nur auf die hohen Frequenzen konzentrieren. So werden sie Ihre Baselines nicht dicker klingen lassen, aber sie werden sie heller klingen lassen. Verwenden Sie also nur einen Erreger, wenn Sie die oberen Frequenzen des Klangs verzerren möchten. Jetzt, da wir all diese Informationen haben, lassen Sie uns weitermachen und beginnen, Sättigung auf unsere Spuren anzuwenden. 96. Sättigung: In dieser Vorlesung werfen wir einen Blick auf den Prozess , den Sie anwenden, wenn Sie Sättigung verwenden. Also lassen Sie uns dieses verzerrte Tastenmuster öffnen. Ok? Und wenn ich das in der Musteransicht spiele, klingt es so. Und wenn wir das im Mixer finden, ist es hier auf Spur zehn. Ok? Jetzt werde ich durch die drei wichtigsten Arten von gesättigten gehen , über die wir gesprochen haben. Also sprachen wir über normale Sättigung oder Plugins. Und dann sahen wir uns Wellenformer an und wir sahen uns harmonische Erreger an. Okay, also lasst uns zuerst, ich schalte einfach diese Folie ein und lass uns ein normales Sättigungs-Plugin öffnen. Also habe ich einen hier drüben und es heißt „Supercharge your GT“. Und das ist ein wirklich, wirklich gutes Plugin für eine Art von immer einen fetteren Sound. Also sehr schnell, wenn wir nur einen Blick auf die Schnittstelle haben, haben wir diese Eingabe, okay, also ist das nur der Eingabeparameter. Wir haben einen Seitenkettenparameter, aber das ist nur für den Kompressor und wir werden weder den Kompressor noch die Seitenkette berühren. In dieser Vorlesung haben wir ein Sättigungs-Plugin. Also das ist das Laufwerk, okay, wie viel Sättigung wollen wir anwenden? Und wie aggressiv wollen wir, dass es klingen soll? Wollen wir mild, gemäßigt oder heiß? Wir werden diese ganze Kompressor-Abteilung überspringen und wir werden wieder in die Sättigung kommen. Und das ist der Charakter, okay? Und das ist, wieder, wir können den Klang, der herauskommt, formen und wir können ihn schnell, warm oder hell machen. Wir können auch ein trockenes Signal mischen, das der parallelen Kompression ähnlich ist, außer dies wäre wie parallele Sättigung. Auch hier ist dies irgendwie mit dem Kompressorbereich verbunden, aber wir können es auch für die Sättigung verwenden. Und schließlich haben wir diesen Ausgabeparameter, der genau hat, wie laut der Sound ist, wenn er aus dem Plugin kommt. Immer wenn ich dieses Plug-in verwende, ist die Sättigung die einzigen Parameter, die ich jemals berühren muss. Und der Charakter wird die Eingabe für die Zwecke dieser Demonstration drehen , nur um einen besseren Klang daraus zu bekommen. Also werde ich nur die Eingabe steigern. Ok? Und wir können hier sehen, dass es ein wenig Licht und das leichteste, was Ihnen sagt wenn Sie die perfekte Art von Eingangspegel haben. Okay, im Moment sagt es perfekt. Und dann steht es, ich muss es irgendwie etwas schieben, aber mehr, damit das ist, was ich tun werde. Ich werde es sehr, sehr leicht schieben. Und wie Sie sehen können, haben wir irgendwie das grüne Licht an für den größten Teil des Klangs. Also jetzt sind wir bereit zu gehen und etwas Sättigung anzuwenden. Also lasst uns den Klang hören und wird diesen Knopf erhöhen, den Flur nach oben und wir werden sehen, was ein Sound es macht, wenn es unterwegs ist. Ok. Ok. Und wir können das von mild auf moderat umstellen. In Ordnung, zu heiß. Aber dann, wenn wir diese Sättigung nach unten drehen, so wollen wir etwas weniger von diesem Herzgeräusch. Wir können eine sehr schöne Art von Harmonic Distortion Sound bekommen. Ok, vielleicht ein bisschen weniger. Als nächstes werden wir diesen Kompressorbereich überspringen , weil ich den Sound nicht komprimieren möchte. Und wir werden in diesen Charakter kommen, wo wir irgendwie den Sound formen können , der aus dem Plugin kommt. Also denke ich für diesen speziellen Sound, ich will eine warme Einstellung, weil ich denke, der Sound ist irgendwie warm sowieso. Genua hat irgendwie eine Menge netter, Art Low End und es ist, es ist ein ziemlich warmer Klang. Also werde ich die Einstellung warm halten. Und ich werde diesen Parameter anpassen, während wir zuhören. Jetzt kann ich es bis zum Ende schieben. Ich werde es mit einer fetten Einstellung versuchen. Und wir werden es mit einer hellen Umgebung versuchen. Also denke ich eigentlich, dass die helle Einstellung nach dem Hören am besten klingt. Also werde ich das einfach ein bisschen abschalten, weil ich denke, es gibt zu viel Effekt vor sich geht. Aber ich werde es auf eine Art optimales Niveau zurückstellen. Und vielleicht könnten wir die Sättigung nur ein bisschen abwenden, so dass sie nicht irgendwie ist, so dass sie nicht so verzerrt ist, wie es klang. Und wir können das ändern, wir können das wieder auf moderat umstellen. Wenn wir das Geräusch der heißen, heißen Einstellung nicht mögen. Ich denke immer noch, dass ich den Klang des Herzens bevorzuge. Also werde ich diese Einstellungen hier lassen und wir werden hören wie das Signal vor der Sättigung klang. Und dann hören wir uns an, wie es klingt. Wechseln Sie ab, wie das Muster abgespielt wird. Und wenn wir uns das in der richtigen Mischung anhören, okay? Aber hören Sie sich mal an, wie es sich hier anhört. Zuerst ohne die Sättigung, und dann werde ich es einschalten. Ich werde diesen Gesang nur ein kleines bisschen ablehnen. So können Sie hören, dass die Sättigung dem Klang etwas Fett hinzufügt. Es macht den Klang etwas dicker. Und das ist wirklich die Schönheit, diese Sättigungs-Plug-Ins zu verwenden. Lassen Sie uns nun einen Blick auf eine Wellenform werfen oder ok. Und es gibt eine Wellenform oder ein Plugin, das tatsächlich kostenlos mit FL Studio kommt. Und es ist hier oben, fruchtiger Wellenformer. Und wir können das laden. Und es sieht so aus. Und wenn wir dieses Einstellungenrad hier unten drücken, wird es eine Art Einstellungsbereich öffnen, in dem wir den Vor- oder die Eingabe anpassen können. Und wir können die Mischung anpassen, was die Art von paralleler Sättigung wäre, wo wir ein trockenes Signal einmischen. Und dann haben wir diesen Beitrag, der die Ausgabe ist. Also lassen Sie uns die Wellenform verwenden oder um eine weiche Clipping-Form zu erstellen, okay? Und hier wird der Klang sanft verzerrt. Ok? So sieht ein weicher Clipper so aus, wo die Linie und der Wellenformer irgendwie so hoch gehen. Und dann ist es irgendwie nach oben abgerundet. Lasst uns mal zuhören, wie das klingt. Ich werde nur das E-Piano solo machen. Und wenn ich es ausschalten und wir das nach unten bewegen können, okay, wir können das ein bisschen nach unten bewegen und diesen Abschnitt runter, um es noch verzerrter zu machen. Lasst uns mal zuhören. Und ich werde es irgendwie auf halbem Weg ausschalten. Nun, wir können das auch irgendwie biegen, diese Art von dieser unteren Hälfte des weichen Clippers und wir können einen aggressiveren Klang bekommen. Wir könnten es sogar noch ein bisschen schieben, ein bisschen mehr. Und wenn ich es ausschalte. Und wir können auch diese Wellenform oder Plugin verwenden, um den Sound vollständig zu verzerren. Und wenn wir, wenn wir hier eine Linie wie diese zeichnen, würde das den Klang wirklich verzerren. Also müssen wir auch eins in dieser hinzufügen. Wenn wir, wenn wir uns leid beugen, ist das Plugin nicht und ich habe mich gefragt, warum ich keine Art von Ton bekommen, dass. Ich lösche diese einfach noch einmal und wir werden irgendwie von Grund auf neu anfangen. Ok. Also, wenn wir in einer anderen Art von einer anderen Art von Ankerpunkt hier hinzufügen, und wir ziehen es nach links, wird ein verzerrter Klang bekommen. Ok? Nun können wir alle diese auch so löschen. Und wenn Sie einfach nur etwas mehr Lautstärke aus dem Sound bekommen wollen, wenn es sich öffnet. Es wird sich einfach so öffnen. Und wenn du das einfach so drückst, bekommst du einen netten, sauberen, fetteren Klang. Ok? Kann es sogar als Modell schieben, dass mehr. Und das ist der einfachste Weg, einen Wellenformer zu verwenden, ist nur, um die Steigung einfach zu biegen. Ok? Also lassen Sie uns jetzt ein hören auf diese Bettneigung Form in der Mischung. Und dann schalte ich es irgendwie auf halbem Weg aus. Tut mir leid, ich muss auch alle anderen Instrumente einschalten. Ok. So können Sie sehen, wie mächtig eines Werkzeugs diese Art von stecken Plugin tatsächlich ist. Und es ist wirklich toll, wenn Sie anfangen, sich mit der richtigen Form des Sounds auseinanderzusetzen, Sie wissen, wie Sie diese Art von Verzerrung zu Ihrem Vorteil nutzen können. Also, jetzt schalten wir das aus und wir werden einen Blick auf einen Erreger werfen, einen harmonischen Erreger. Okay, also wenn du hierher kommst, um dich auf 7's Erreger zu verneigen. Und damit ist es irgendwie wie ein Multiband-Art Sättigungs-Plugin. Aber was wir tun können, ist, dass wir diesen Betrag einfach schieben können, okay? Und das sagt nur, wie viel Sättigung Möchten Sie irgendwie hinzufügen? Also normalerweise fügen wir mit diesen nicht so viel Sound in die Basisfrequenzen ein. Wir könnten etwas mehr in die mittleren Bereiche hinzufügen. Dann würden wir ein bisschen mehr in die hohe Mittelklasse hinzufügen. Und schließlich würden wir irgendwie ein gutes Stück in die hohen Frequenzen hinzufügen. Lasst uns mal zuhören, wie das klingt. Und wenn ich es aus- und wieder anschalte. Der Klang eines Erregers ist also viel subtiler als die beiden. Also dann diese Art von, diese richtige Sättigung Plugin und diese Wellenform oder Plug-In, der Klang eines Erregers ist ein wenig subtiler, aber es macht den Klang heller. In der nächsten Vorlesung werden wir also einen Blick darauf werfen, einige dieser Sättigungs-Plug-ins auf Instrumente anzuwenden. 97. Sättigung für Instrumente: In dieser Vorlesung werden wir einen Blick auf die Anwendung von Sättigung auf einige Instrumente werfen. Also, wenn wir hier in dieses Top-Muster kommen und wir haben ein Hören auf das Instrument und irgendwie, wie es klingt. Ok, also ist es diese Art von Synthesizer-Sound. Also werde ich das auf dem Mixer finden und ich sehe, dass es auf Spur neun ist. Also werde ich die Spur neun zu bringen, kommen über diese Effekte Slots hier drüben und wir laden ein Sättigungs-Plugin. Also werde ich dieses Mal einen anderen laden. Und ich werde diesen E-Rohrbandwärmer auswählen. Und wieder mit diesem gesättigten Plug-in-Schnittstelle sieht ganz anders aus, aber das Konzept ist immer noch das gleiche. Okay, also haben wir diese A und B, wo wir wählen können wie viel Fahrt wir aus diesen verschiedenen Röhren rauskommen wollen. Also haben wir Tube a und B. Und dann haben wir auch diesen Tonparameter , der dasselbe ist wie Farbe oder Charakter. Also lassen Sie uns die Tube ein und wir werden ein hören , wie es klingt, wie wir etwas Sättigung anwenden. Wir werden also eine Art optimalen Punkt zwischen dem, du weißt schon, dem am meisten verzerrten Klang finden und dann irgendwie gar nicht verzerrt. Wir werden eine nette Art glückliches Medium finden. Okay, also denke ich, irgendwo hier, das ist 6.9, ich denke, das klingt gut. Nun könnten wir auch auftauchen 2B B auf 6.9, und wir haben nur ein Hören, was das klingt, anstatt Tube a. Also, was Jus sein Sandec wird es erhöhen, vielleicht haben nur eine richtige Lektion. Ok. Und wir können auch irgendwie die beiden zusammen mischen, so dass wir 2A und 2B gleichzeitig haben können . Also vielleicht wollen Sie einfach abschalten, um nur ein bisschen zu sein, so dass es irgendwie besser ist. Und wir schalten es aus und sehen, wie es sich ohne anhört und dann wieder an. Also ich denke, es klingt ziemlich gut mit diesen beiden Röhren. Ich denke, heute ist eine Art Hinzufügen eines Fleckels und dann fügt 2B ein kleines bisschen Abfall in der Art von niedrigen Frequenzen hinzu. Wir können diesen Tonparameter auch verwenden, um den Klang, den wir herausbekommen, irgendwie zu formen. So können wir zu hohen Frequenzen steigern oder wir können die niedrigen Frequenzen erhöhen. Ok, also lassen Sie uns den Sound spielen und Mileva hören, wie diese beiden extremen Klänge sind. Also mag ich den Sound, wenn es mehr am unteren Ende ist. Ich denke, es fügt dem Sound nur ein bisschen Gewicht hinzu. Also lasst uns mal zuhören, wie es klingt. Ohne das Sättigungs-Plug-in, und dann schalten wir es wieder ein, wenn das Muster abgespielt wird. So können Sie sehen, dass dieses Plugin tatsächlich Art von Leben zu diesem Instrument ist. Es macht es lebendiger und vollwertiger und fetter. Nun schauen wir uns vielleicht ein anderes Instrument wie dieses an. Okay, und wir werden herausfinden, wo das in der Mixer-Spur ist , indem wir hier reinkommen und sehen, dass es auf Spur sechs ist. Und wir können es lösen. Ok? Und was ich tun werde, ist, dass ich ein Sättigungs-Plug-in aufladen werde. Lasst uns diesmal einen anderen laden. Lasst uns vielleicht den supertragischen GT laden. Und mal sehen, wie das auf diesem Instrument klingt. Also werde ich es im Mustermodus anhören. Ok? Wir werden den Input steigern, bis wir das bekommen. Es sagt uns eigentlich, wir sollen es ablehnen. Ok? Und jetzt sind wir auf der Art optimalem Niveau. Jetzt können wir anfangen, etwas Sättigung anzuwenden. Lassen Sie uns versuchen und moderieren. Und ich wollte nur subtil sein. Ich möchte nicht, dass es mit der zusätzlichen Verzerrung sehr offensichtlich ist. Vielleicht ein bisschen weniger als das. Und jetzt kommen wir zu dem Charakter. Wir werden, und wir werden das irgendwie verdrehen und dann sehen, wie es sich mit der Fetteinstellung anhört. Und dann werden wir einige dieser anderen Einstellungen ausprobieren. Okay, versuchen wir es warm und hell. Aber wieder zu Fett. Also mag ich das Geräusch von Fett. Ich werde nur eine Art Mitte der Straße finden und eine Art glückliches Medium. Und vielleicht komme ich zurück und vertausche diese Einstellung wieder auf mild. Und ich werde das irgendwie nur den Geruch steigern, dass mehr, ein bisschen weniger. Und jetzt, wenn wir ein hören auf das Instrument klingt wie vor der Sättigung, und dann werde ich es irgendwie auf halbem Weg schalten. So können Sie sehen, dass mit diesen speziellen Einstellungen, es ist ziemlich subtil, aber es macht tatsächlich einen schönen Unterschied für den Klang. Endlich würden wir uns vielleicht ein anderes Instrument ansehen. Also kommen wir vielleicht hier in der Arrangement vorbei und wir nehmen einfach eines dieser Kabel, um sehen zu lassen, wie das klingt. Ich muss es im Mixer lösen, damit wir herausfinden, wo es ist. Es ist 31. Und ich werde kommen, und wenn ein Solar, das. Okay, also hört es sich so an. Lasst uns jetzt unser Sättigungs-Plugin laden. Und ich lade eine Wellenform oder dieses Mal. Und wir werden dieses Sättigungs-Plug-in jetzt verwenden, um den Sound zu formen. Okay, also werde ich die Einstellungen treffen. Wir werde ich das Pre-kleine Bit aufdrehen, um mehr Sound aus dem Plugin zu bekommen. Also, jetzt werde ich in einer Kurve zeichnen, die so aussieht. Und ich werde das Muster spielen, während ich es bewegen, um eine Art optimale Position zu finden. Wir können es noch mehr drängen. Und wenn ich es ausschalten und dann wieder einschalten. Und jetzt können wir auch die Form dieses ändern, um es in eine Art von einem weichen Clipping-Sound zu verwandeln. Noch mehr. Und wir können auch die Art der Kurve ändern. Wir können es steigern. Oder wir können, wir können damit irgendwie den entgegengesetzten Weg gehen und eine Art sehr zerquetschten und verzerrten Klang erzeugen. Aber ich werde es hier zurücklassen. Vielleicht schieben Sie es einfach ein kleines, aber mehr. Und wir können diesen Punkt auch hier unten verschieben, um zu sehen, wie sich das anhört. Und wenn wir diesen Ankerpunkt nach unten ziehen, wird noch mehr von einem verzerrten Klang zu schaffen. Und ich kann es nach unten ziehen. Und das hier runterziehen. Und dann bewegen Sie das. Und wieder, wenn wir gleich runter kommen, sehen Sie, was irgendwie klingen diese mx. Es ist also wirklich eine Frage der Art des Experimentierens mit der Art von Klang oder dem Wellenformer. Und nur Art von Zeichnen ein paar verschiedene Arten von Kurven und sehen, was, sehen Sie, was Sie mögen. Mein Versuch, das zu verbiegen. Also mag ich den Klang dieser Sättigung jetzt, ich denke, es macht den Klang viel mehr voll. Schalten Sie es aus, und dann schalten wir es wieder ein. Und jetzt, weil der Sound irgendwie nach oben und Lautstärke springt, werde ich ihn einfach hier im Mixer abdrehen. Es ist also auf dem gleichen Volumen wie zuvor, aber es fühlt sich viel mehr Art von Fett an. Das ist alles, was Sie tun werden, wenn Sie Sättigung auf Ihre Instrumente anwenden. Sie wissen, dass Sie das Sättigungs-Plug-in laden. Spielen Sie einfach mit den verschiedenen Parametern herum und sehen Sie, welche Art von Sound Sie bekommen können. Und wenn Sie möchten, behalten Sie diese Einstellungen und gehen Sie dann zum nächsten Instrument. In der nächsten Vorlesung werden wir einen Blick auf die Sättigung für die Basis werfen. 98. Sättigung für Bass: Lassen Sie uns nun einen Blick darauf werfen, wie wir Sättigung auf ein Bassinstrument anwenden würden. Okay, also habe ich meine Basis hier oben für diesen Track geladen, und es klingt so. Okay, und wenn wir die Mischerspur öffnen und wir laden Sättigungs-Plug-in, Lasst uns zuerst das Super-Ladegerät laden. Und dann schauen wir uns an, wie wir das Gleiche mit dem Waveshape machen oder ok. Also lassen Sie uns das Super-Ladegerät wissen. Und wir spielen den Sound ab und stellen sicher, dass der Eingang auf dem richtigen Niveau ist. Also sagt es, drehen Sie es ab. Und jetzt sind wir auf der Art von optimalem Niveau zu beginnen, etwas Sättigung anzuwenden. So wird diese milde Sättigung erhöhen und sehen, wie das klingt. Und vielleicht versuchen wir gemäßigt. Und dann heiß. Jetzt denke ich, ich denke, diese Einstellung auf heiß als ein bisschen zu viel, aber wenn wir es abschalten, könnten wir eine perfekte Mischung bekommen und ein bisschen weniger als das sein. Ich denke, ich bevorzuge den Klang der moderaten Einstellung, also werde ich es wieder auf das umschalten und vielleicht nur gesteigert erstickt auf etwa 6.7. Okay, und jetzt werden wir den Charakter ändern, okay, also mit dem Bass, bleibe ich im Allgemeinen bei der Fast-am-Einstellung , weil ich irgendwie einen fetten Sound für eine Basis haben möchte. Es fühlt sich also ein bisschen Technik an. Aber wir können auch versuchen, und vielleicht die warme. Und dann können wir das helle versuchen. Aber ich denke, das ist eine Art Mischung aus beiden. Ich denke, Fett ist eine Mischung aus warm und hell zusammen. Also denke ich, es ist irgendwie das Beste aus beiden Welten. Und es wird es ein bisschen abdrehen, damit es nicht so aggressiv ist. Und dann können wir die Leistung steigern, weil ich denke, es ist irgendwie eine glattere leise. Also sind wir nur um vielleicht 1,5 dB gesteigert, vielleicht ein bisschen mehr. Schieben Sie es einfach. Ok. Und jetzt denke ich, dass wir aus diesem Super-Ladegerät auf dem Bassinstrument eine Art netten gritty Sound bekommen. Wenn wir uns anhören, wie es ohne klingt, und dann werde ich es auf halbem Weg hinunterdrehen und dann wieder abschalten. Und wenn wir uns anhören, wie das in der Mischung klingt. Also in der Anordnung, werde ich hierher kommen und wir spielen das einfach und dann werde ich es einschalten oder das Sättigungs-Plug-in irgendwie einschalten, wenn wir hier auf halbem Weg zu kommen. Wie Sie sehen können, gibt es der Strecke etwas mehr Lowend und ein bisschen mehr Gewicht. Jetzt schauen wir uns das Gleiche mit dem Wellenformer an. Also schalten wir dieses Super-Ladegerät aus und werden herunterkommen und wir laden einen Wellenformer. Also hier ist es. Laden Sie das. Und wir hatten je zugehört, wie es sich anhört. Jetzt wird es nicht anders klingen, weil wir keine Veränderung an der Form vorgenommen haben , okay? Oder wir haben diese Art von Pre- und Post-Parametern nicht beeinflusst. Also werde ich die PRI ein kleines bisschen steigern, nur um etwas extra Sound aus dem Plugin zu bekommen . Und lasst uns das einfach steigern und sehen, was passiert. Okay, jetzt, da wir die Lautstärke drängen, versuchen wir, einen düsteren Sound zu erzeugen. Okay, also werde ich hier einen Ankerpunkt hinzufügen. Und dann ziehen Sie das vielleicht ein bisschen nach links und sehen, was passiert. Wenn wir das noch mehr steigern. Und wir kriegen eine Art Gitter in den Sound. Okay, und ich kann diese Art von seltsam halten. Wir beschränken das zurück, um dieses Volumen zu verlieren. Also könnte ich das ein kleines bisschen schieben. Und so viel wie wir es hatten. Und wir können sogar, wir können das sogar als kleine Chargen zurückbringen, weil ich denke, dass es zu viel Körnung gibt. Also lassen Sie uns diesen Wellenformer ausschalten und sehen, wie er klingt. Und dann schalten wir es wieder ein. Und dann werden wir den Klang der Wellenform vergleichen oder mit dem Klang dieses super Geschwätz GET OK. Also, was ich tun werde, ist auf halbem Weg, ich schalte die Wellenform aus, richtig? Und ich werde das Super Geschwätz einschalten. Also denke ich mit der Wellenform oder wir haben ein bisschen aggressiver, das Super-Ladegerät. Und das mögen Sie vielleicht, oder Sie können es nicht. Aber wenn Sie das andere Plug-in irgendwie replizieren möchten, würden Sie dies zurückbringen. Also ist es nicht so, nicht so ziemlich dreckig. Und es geht darum, mit der Form der Welle herumzuspielen. Nun, ich habe tatsächlich den Sound bevorzugt, wenn er irgendwie auftaucht, ich mag diesen Griff. Also lasst uns den Bass und den Mix ohne den Wellenformer hören. Und dann schalten wir es irgendwie auf halbem Weg durch. Okay, also werde ich all diese anderen Plug-Ins einschalten. So bin ich sicher, dass Sie feststellen können, wie wichtig diese Sättigung Plugins Ära für EDM. Ok? Es geht nicht um Kompression, sondern um die Sättigung. Und es gibt viele, viele EDM-Hersteller da draußen, die keine Kompression verwenden und nur Sättigung verwenden. Es liegt also an dir, welchen Sound du bevorzugst. Sie können eine verwenden oder Sie können die andere verwenden, oder Sie können beide verwenden. In der nächsten Vorlesung werden wir einen Blick darauf werfen, unseren Trommeln Sättigung hinzuzufügen. 99. Sättigung für Drums: Also, ich denke, Sie hätten erkannt, wie wichtig Sättigung für EDM-Produzenten ist. Und es ist fast wie eine Geheimwaffe, um diesen modernen, fetten Klang zu bekommen. Also habe ich schon gesagt, dass wir unsere Drum-Samples nicht komprimieren , weil sie bereits für uns komprimiert sind. Okay, aber was wir zu unseren Trommelproben hinzufügen können, um sie wirklich glänzen zu lassen, ist Sättigung. Also lasst uns diese Klatschprobe nehmen und wir öffnen das im Mixer und lassen es einfach solo. Ok. Und wie Sie sehen können, habe ich keine Kompression darauf, weil es keine Kompression benötigt, aber wir werden ein Sättigungs-Plugin öffnen Jetzt mein Lieblings-Sättigungsplugin, das mit Trommeln verwendet wird, ist eigentlich dieser Blut-Overdrive, und das kommt kostenlos mit FL Studio. Also werde ich das hier aufladen. Und wir werden nur hören, wie es sich in diesem Standardzustand anhört. Ok. Was wir jetzt tun können, ist, dass wir das vorantreiben können. Vielleicht gibt es Vorbeugung. Ok? Und wenn wir diesen Vorverstärker ändern und wir beginnen, einige hinzuzufügen, ist dies das Laufwerk, okay, also fangen wir an, etwas Verzerrung hinzuzufügen. Ok? Das könnte ein bisschen zu viel sein. Aber mit diesen zwei Arten von kleinen Verbesserungen, die wir mit einem Stock Plug-in gemacht haben. Wir können den Klatsch von so klingen lassen, in so zu klingen. Okay, und wenn wir vielleicht nur einen Hut hinzufügen, nur um zu sehen, wie es mit anderen Trommeln klingt. Und wir werden es ausschalten. Und ich füge tatsächlich dieses Blut-Overdrive-Plugin hinzu. Ich füge das alles auch Hüte hinzu. Okay, also werde ich den Blut-Overdrive zu dieser Hutprobe hinzufügen. Und nochmal, wir werden ihre Verhinderung vorantreiben. Ich werde nur den Hut solo machen. Okay, also wollen wir noch mehr Sound aus dem Plugin holen und dann werde ich das Laufwerk anpassen. Und jetzt fügt dieser Blut-Overdrive eine Art zusätzliche Oberschwingungen hinzu und es macht den Klang des Hutes wirklich funkeln. Lasst uns ein Hören ohne und dann Breite haben. Also haben wir vielleicht ein bisschen zu viel drauf. Also werde ich das einfach wieder runterbringen. Und lassen Sie uns wieder in den Klatsch hinzufügen. Nun wollen wir vielleicht ein anderes Sättigungs-Plugin versuchen. Also werde ich diese VR China benutzen. Okay, also hört es sich so an. Ok. Also lasst uns vielleicht den Wellen-Shaper laden und wird in die Schnittstelle kommen. Wir werden einen Blick darauf werfen, eine Art von subtilen Verzerrungen und subtilen Funkeln hinzuzufügen. Also werde ich einen Ankerpunkt hinzufügen, der nahe genug ist. Und ich werde es hier rausziehen, während die Probe abgespielt wird. Ich werde es einfach in der Mixer-Spur folgen. Okay, und wir können vielleicht die Kurve ändern. Und wenn wir jemals ohne das Plug-in zuhören und dann schalte ich es wieder ein. Und nun lasst uns mit den anderen Trommeln zuhören , auf die wir irgendwie Sättigung angewendet haben. Ausschließlich zum Zwecke der Demonstration. Irland, ich werde einige dieser Instrumente einschalten. Okay, also vielleicht das hier und das hier. Und diese sind tatsächlich mit einem Instrument verknüpft, das hierher geschickt wird. Also muss ich das einschalten, um das Geräusch aus ihnen herauszuholen. Und wir werden uns wirklich auf die Trommeln konzentrieren. Also, was ich tun werde, ist, dass ich die Sättigung für alle, auf die wir sie angewendet haben, ausschalten werde. Und wir werden eine Lektion haben und dann hören wir wieder zu und ich werde sie wieder einschalten. Ok. Und jetzt schalten wir sie wieder ein. Und wir werden nochmal zuhören. Und wenn wir vielleicht den Zucker und den Kuchen einbringen, nur für einen zusätzlichen Realismus. Okay, aber wenn ich die Sättigungs-Plug-Ins wieder ausschalte, würde es so klingen. So mit Sättigung auf Ihre Trommeln ist eine gute Möglichkeit, irgendwie sie Pop out in der Mischung. In der nächsten Vorlesung werden wir einen Blick auf die Verwendung von Sättigung für Gesang werfen. 100. Sättigung für Gesängen: In dieser Vorlesung werden wir also einen Blick auf die Verwendung von Sättigung auf unseren Gesang werfen. Jetzt ist die Verwendung von Sättigung auf Ihren Gesang ein brillantes Werkzeug, um sie klingende Tick zu bekommen. Also habe ich den Gesang von diesem Track sozusagen. Ok? Und was wir tun werden, ist, dass wir hier ein Sättigungs-Plug-in laden werden. Und ich werde das Super-Ladegerät auswählen, okay? Und was wir tun werden, ist, dass wir den Eingangspegel richtig bekommen. Es scheint also schon in Ordnung zu sein. So können wir beginnen, etwas Sättigung anzuwenden. Okay, und wir können es versuchen, moderat zu sein. Seien Sie also vorsichtig mit extremen Einstellungen mit der Sättigung und dem Gesang. Okay, weil wir Menschen sind und wir uns so anpassen, um Gesang zu hören. Also, wenn Sie die Sättigung übertreiben, wie ich hier habe, so können sie sehr, sehr offensichtlich klingen. Aber wenn Sie das abstellen und eine Art perfekte Mischung bekommen, Zach, gehen Sie zurück Ränder. Und dann können wir die Farbe zu drei s formen. Versuchen wir es warm. Also lasst uns hell versuchen. Gefaltet. Okay, also mag ich das Geräusch der hellen Umgebung. Also werde ich das ein kleinstes zu einem Ordner machen. Und dann können wir die Ausgabe nur ein kleines Bestes steigern, nur um eine Art zusätzliches Volumen zu erhalten. Und wenn ich das auf halbem Weg ausschalten, ist der Gesang schlecht. So können Sie hören, dass der Gesang etwas mehr im Gesicht ist, wenn wir dieses Sättigungs-Plug-in verwenden. Lassen Sie uns ein Hören und den Gesang in der Mischung ohne die Sättigung. Und dann schalten wir es wieder ein. Und wenn sie es nicht tun, wie das Beispiel in der Stadt, können Ränder wieder Transplantationseinflüsse. Okay, also versuchen wir jetzt, die Wellenform zu verwenden oder dasselbe zu tun. Also öffneten wir den Wellenformer. Und was wir tun werden, ist, dass wir einfach die Eingabe kleines Bit aufdrehen. Dieser Zivilbeamte. Und das wird anfangen, den Klang zu formen. Also werde ich hier vielleicht einen Ankerpunkt hinzufügen. Ich werde dies ein wenig abschalten, um eine Art weichen Clipping Sound zu erstellen. Drei Tau, ich werde aufstocken. Diese Kurve ist schlecht. Ok? Jetzt können wir auch eine Art aufgeregter Oberschwingungen hinzufügen indem wir wieder einen weiteren Ankerpunkt hier nach unten ziehen, und ich ziehe ihn nach links. Also stärken wir das, wir verlieren diese Art von Volumen. Also, aber ich mag den Klang dieser Art Verzerrung nicht wirklich. Also werde ich es einfach wegnehmen und vielleicht die Lautstärke wieder steigern. Also drei. Und wenn wir hören, ohne dass der Wellenformer schlecht ist, okay? Kanten k wieder. Und vielleicht ist es ein bisschen zu laut, damit wir diese, Post, diese Art von Ausgangsgewinn senken können . Vielleicht, aber ich gehe nicht zurück. Kanten können wieder. Auch hier ist die Verwendung von Sättigung wie eine Geheimwaffe, über die alle EDM-Hersteller wissen sollten. Vor allem, weil viele der Funktionen, die Komprimierung bieten kann und es nicht wirklich für EDM anwendbar ist. Also, was EDM-Produzenten stattdessen verwenden, ist Sättigung. Wir werden jetzt von diesem Abschnitt weitergehen und wir werden einen Blick darauf werfen, dass wir Reverb auf unsere Spuren anwenden. 101. Sphl zum Malen: In dieser Vorlesung werden wir einen Blick auf Hall werfen und wie wir es für EDM verwenden können. Reverb ist ein Plug-In, das Ihre Spurtiefe gibt und es in einem ganz bestimmten Raum platziert werden kann. Zum Beispiel besteht ein sehr häufiger Hall-Sound im Tech House darin, den Klang eines Clubs zu emulieren. So finden Sie oft sehr kurze Raum-Reverbs auf einer Tech-House-Strecke. Also, was ist Reverb? Nun, Hall-Plugins basieren auf dem wissenschaftlichen Prinzip des Nachhallens. Und das bedeutet einfach, dass ein Geräusch Objekte in einem Raum abprallt. Es könnte die Wände sein oder es könnte andere Objekte im Raum sein , weil der Klang so schnell springt. Okay, hier können nicht jeden einzelnen Klang unterscheiden, also werden sie miteinander vermischt, um dieses Phänomen zu bilden, das wir Hall nennen. Wenn Sie ein Reverb-Plug-In verwenden, versucht es im Wesentlichen, den natürlichen Klang des Hall in der Physik nachzuahmen. Das Plug-in tut dies, indem es den Ton mehrmals dupliziert und dann so schnell wiederholt, dass unsere Ohren unterscheiden können. Und das wird den Klang des Hall nachahmen, den wir jeden Tag in der realen Welt hören. Du kannst dir das Geräusch vorstellen, wie ein Tischtennisball zu sein, okay? Wenn Sie es von einer harten Oberfläche abprallen, wird es sehr hart und sehr weit hüpfen. Aber wenn Sie es abprallen, sagen Sie eine weiche Oberfläche wie ein Bett, sagen Sie eine weiche Oberfläche wie ein Bett, dann springt es nicht sehr weit. Und das ist der Grund, warum bestimmte Räume, wie, sagen wir, ein Badezimmer hat viel Reverb, weil es viele harte Oberflächen in diesem Raum gibt. Aber ein Kleiderschrank oder ein Schrank zum Beispiel hat viel weniger Hall, weil es zu viele weiche Oberflächen gibt , die verhindern, dass der Klang springt. diesem Grund verfügen die Aufnahmestudios über weiche Wände und Teppichböden. Es ist, den Klang so rein und roh wie möglich zu halten. Lassen Sie uns also einen Blick auf einige verschiedene Arten von Reverb werfen. Es gibt viele, viele verschiedene Arten und einige davon umfassen Platz, Raum, Halle, Kammer, Frühling und Faltung. Und ich weiß, dass das eine Menge erscheinen mag, aber es ist eigentlich nicht, weil wir sie aufschlüsseln und irgendwie in separate Kategorien setzen können . Wenn wir Platz nehmen, Hall und Kammerhall, versuchen die alle, einen bestimmten Raum zu emulieren, okay? Das sind also räumliche Reverbs. Raum-Reverb wird klingen, als wäre es in einem kleinen Raum. Ein Hall-Reverb wird klingen, als wäre er in einem Fitnessstudio oder vielleicht in einer Kirche. Und ein Kammerhall ist irgendwo zwischen diesen beiden, irgendwie wie ein glückliches Medium. Nach diesen räumlichen Reverbs haben wir platziert und Spring Reverbs, okay. Und diese emulieren nur genau das, was sie sagen. Erinnerst du dich an die Spielzeuge, die du wahrscheinlich als Kind hattest, wo du durch ein Plastik Megaphon oder Mikrofon gesprochen hast und deine Stimme klingen würde, als ob sie in einer großen Höhle oder in einer Kirche wäre? Nun, das ist Federhall, denn in diesem kleinen Plastikspielzeug gibt es eine physische Feder, und wenn du sprichst, vibriert sie. Wenn Sie dann aufhören zu sprechen, vibriert die Feder weiter und diese Vibrationen springen im Inneren des Spielzeugs herum, um einen Nachhalleffekt zu erzeugen. Spring Reverb Plugins versuchen, den Sound zu emulieren und sie können sehr metallisch und hart klingen. Auf der anderen Seite ist der Plattenhall ähnlich, außer anstelle einer Feder vibriert eine große Metallplatte vibriert und erzeugt den Nachhalleffekt. Es ist so, wie ein Symbol vibriert, wenn ein Schlagzeuger uns trifft. Wir haben also räumliche Reverbs, Spring Reverbs und Plate Reverbs. Nun, was ist mit Falten-Reverbs? Dies sind nur Reverbs, die tatsächlich an einem bestimmten Ort aufgezeichnet wurden. So können Sie zum Beispiel einen Faltenhall verwenden, um Ihren Gesang so zu erzeugen, als wären sie tatsächlich im Sydney Opera House aufgenommen worden. Nun, da diese Reverbs auf bestimmten Orten basieren, gibt es nicht viel Optimierungen, die Sie tun können, da es den Klang des Raumes Raum. Aber sie sind ziemlich cool zu verwenden, wenn Sie hören wollen, wie etwas klingen würde wenn es vielleicht in der St. Paul's Cathedral oder sogar im Taj Mahal wäre. Also, jetzt kennen wir die wichtigsten Arten von Reverb. Nun, was sind einige der wichtigsten Parameter, die wir optimieren können? Der erste Parameter auf erwähnt ist Pre-Delay. Und das sagt dem Reverb, wie lange man warten muss, bevor man den Hall-Sound anwendet. Es kann verwendet werden, um Räume größer zu machen. In einem kleinen Raum springt der Klang sehr schnell zurück, da die Oberflächen in der Nähe sind. In einem riesigen Theater wird der Sound viel länger dauern, bis er zurückspringt. So können wir dies zu unserem Vorteil nutzen und die Größe des Raumes vergrößern. Die Vorverzögerung kann auch dazu führen, dass ein Raum sich leerer anfühlt, weil der Klang nichts abprallen muss , bevor er diese Art von imaginären Wand auf der Rückseite des Raumes trifft, dann haben wir die Zerfallszeit. Also, wie lange hält der Hallschwanz? Vier. In einer großen Kirche wäre die Zerfallszeit sehr lang und der Klang kann für fünf oder sechs Sekunden herumspringen. Aber in einem kleinen Raum ist die Zerfallszeit viel kürzer, weil sie so schnell herumspringt , dass die Schallenergie schneller verblasst als ein großer offener Raum. Oder man kann sich sogar vorstellen, dass der Klang müde wird, desto mehr muss er von Oberflächen abprallen. Der Größenparameter erhöht die tatsächliche Größe des Raums. Und es tut dies, indem es die Volumen der Reflexionen anpasst. Wenn Sie sich in einem kleinen Raum befinden, werden die Reflexionen, die zurückspringen, viel lauter sein, als wenn Sie in einem riesigen Raum wären. Weil der Sound weniger Abstand zum Reisen hat und somit weniger Energie verliert, wenn er unterwegs ist. Die Breite macht den Hall nur breiter, aber er kann zusammen mit dem Größenparameter verwendet werden , um den Raum realistischer zu fühlen. Ein kleiner Raum wird keinen breiten Hallton haben. Also würden wir diesen Parameter verwenden, um den Raum enger zu machen. Die EQ-Einstellungen können auch als Dämpfung bezeichnet werden und all dies tun ist, den tatsächlichen Hall selbst zu formen. Sie können den Hall gedämpft machen, und dies wird den Raum fühlen, als wäre er voll und nicht leer. Dies würde auch als gedämpfter Raum bezeichnet werden. Mit dieser EQ-Einstellung auf diesem Hall legen Sie den Hallbereich fest. So ist es derzeit zwischen hundert, zehn hundert Hertz und 10 Tausend Hertz eingestellt . Aber wir können dies anpassen, um den Hall auf einen bestimmten Frequenzbereich zu fokussieren. Sie können auch einen Diffusionsparameter erhalten, und dies ist ziemlich üblich bei Reverb-Plugins. Die Diffusion ist, wie viele Reflexionen es tatsächlich gibt. Oder mit anderen Worten, wie viele harte Oberflächen im Raum sind, um abzuprallen. Es kann auch verwendet werden, um den Raum tatsächlich zu gestalten. Zum Beispiel erzeugt ein quadratischer Raum mit vier parallelen Wänden einen Hall, der ein bisschen wie ein Twang klingt. Während ein Raum mit vielleicht acht Wänden, die nicht parallel sind , einen Hall erzeugen wird, der viel üppiger und angenehmer ist. Sie können dies versuchen, indem Sie Ihre Hände in Ihr Schlafzimmer klatschen. Der Reverb wird wahrscheinlich nicht sehr nett klingen. Aber wenn Sie stattdessen Ihre Hände in der Küche klatschen, können Sie feststellen, dass der Hall-Sound ist viel angenehmer, weil es viel mehr Oberflächen gibt, die nicht parallel sind. Es gibt auch eine Modulationseinstellung mit diesem Reverb, aber dieser Parameter ist bei normalen Reverb-Plugins nicht sehr üblich. Die Modulation wird nur den Klang des Hall wackeln lassen. Und Sie können damit einige coole Effekte machen. Aber wir werden es in diesem Kurs nicht betrachten weil es sich nicht um einen sehr Standardparameter handelt, den Sie finden werden. Und jetzt weiter zu optimieren, gibt es wirklich nicht viel, was ich hier sagen kann, weil es so viele verschiedene Parameter gibt , die Sie stoßen werden, Sie müssen sie nur testen und sehen, welche Art von Sound Sie bekommen können. Lassen Sie uns die Diashow beenden und gehen Sie zurück in den DAR, wo wir uns anschauen, wie man ein Reverb-Plugin verwendet. 102. Verwende die Reverb: In dieser Vorlesung lernen wir, wie man Reverb für EDM benutzt. Und das erste, was ich sagen werde, ist, dass wir Reverbs verwenden, okay, wir werden einen kurzen Hall und einen langen Hall verwenden. Und der kurze Reverb ist irgendwie entworfen, um ein Gefühl von Raum zu verfolgen. Und der lange Reverb. Dann verwenden wir das für Luft, oder einfach nur für eine Art angenehmen Klang. Also lasst uns hier in eines dieser Instrumente gehen, und ich werde eins auswählen, das wir noch nicht gehört haben, was diese Art von Sinth Blaser-Sound ist. Ok, und wenn ich vielleicht auf den Drop-Abschnitt klicke, könnte dies den Filter öffnen. Ok. Und ich schalte einfach das nervige Zuhause aus, das vom Orgelton kommt. Also hören wir uns dieses Instrument an. Okay, das erste, was wir tun müssen, ist, dass wir finden müssen, wo das auf der Mischerspur ist. Also werde ich spielen, und ich werde durchscannen und finden, welche Spur es durchkommt. Und ich sehe hier, dass es auf Gleis 22 ist. Ok. Was wir jetzt tun müssen, ist, dass wir öffnen müssen, wo unsere Sinnesspuren sind. Und wir müssen etwas von diesem Signal senden, um Spuren abzusteigen. Also lassen Sie uns einen Teil des Signals auf den ersten zentrierten anwenden. Und dann sehen wir, dass dieser Sound auch auf der gleichen Spur durchkommt. Ok. Als nächstes öffnen wir ein Reverb-Plugin auf dem Soundtrack. Und wir werden hier runterkommen und vielleicht diesen NXP-Raum benutzen. Ok, weil wir die wollen, weil wir den kurzen Reverb verwenden wollen, um die Spur irgendwie in einem Raum zu setzen. Also werden wir einen dieser räumlichen Reverbs auswählen, der Raum ist. Ok? Also zuerst, mit allen Hall-Plugins, gibt es Presets, so dass wir in einige von ihnen klicken können und ich habe mir gehört, wie sie klingen. Okay, wir können es vielleicht versuchen, dieses große Restaurant. Aber wenn wir hier die wichtigsten Parameter durchlaufen, muss ich herausfinden, was sie tun, okay, denn die erste ist Vorverzögerung und wir haben uns das vorher angesehen. Und diese Art von erzählt dem Hall Wie lange vor, um tatsächlich den Hall-Sound einzuschalten. Okay, Sie können hören, dass 500 Millisekunden ziemlich lang sind. Und wir können dies verwenden, um den Raum Mt. Als nächstes haben wir die Reverb-Zeit. Das ist also die gleiche wie die Zerfallszeit, und das sagt nur dem Hall, wie lange der Hall gespielt werden soll. Ok? Danach haben wir diesen Roll-Off-Parameter, okay? Und das ist das gleiche wie die Dämpfung. Damit wir den Hall heller machen können, indem wir ihn den ganzen Weg nach oben drehen. Oder wir können etwas gedämpfter machen, wenn wir es abstellen. Als nächstes haben wir die Diffusion, die wiederum irgendwie ist , wie viele Reflexionen es tatsächlich gibt. Wenn wir dieses Set wirklich hoch haben, wird es viele Reflexionen geben. Und wenn wir es niedrig stellen, wird es weniger Reflexionen geben. Nun, dieser nächste Parameter, der oder T ist, teuer, okay, das, Sie werden nur finden, OK, Sie werden das nur auf einigen Hall-Plugins finden. Und was es bedeutet, ist jede Frequenz, die über der von Ihnen eingestellten Frequenz liegt, sie wird schneller absterben. Ok? Also, wenn wir das wirklich niedrig setzen, und all diese, alle Frequenzen über 140 Hertz, werden sie viel schneller sterben als 140 Hertz. Und wenn wir so viel höher setzen. Also, was Sie damit machen können, ist, dass Sie es verwenden können, um die Resonanzfrequenz des Raumes einzustellen, okay? Und wir müssen nicht wissen, was das für diesen Kurs bedeutet. Alles, was wir wissen müssen, ist, was für einen Wert Sie hier saßen. Die Werte darüber werden viel schneller absterben. Und wieder, ich werde es niedrig setzen, weil ich denke, es ist wirklich offensichtlich, wenn man es niedrig gegen hoch setzt. Schließlich haben wir den Mix-Parameter, und das ist das gleiche wie der trockene Nass-Parameter oder wie viel von dem Hall-Sound wollen Sie? Ok. Also, wenn ich das ablege, hörst du mehr von dem trockenen Signal, das ist das ursprüngliche Signal. Und der Hall wird viel leiser klingen. Aber wenn wir einen Reverb als Aufstiegspur verwenden, sollten wir diesen Mix oder den trockenen nassen Knopf auf 100% einstellen. Und wir benutzen das Sende-Level, um zu kontrollieren, wie viel Hall wir tatsächlich bekommen. Also benutzen wir diesen Knopf und sagten: Okay. Also, sobald Sie URM irgendwie zu Ihrem kurzen Reverb gemacht haben, dann können wir weitermachen und einen langen Reverb auf einem anderen zentrierten. Also werden wir das Signal von diesem Instrument auch in den zweiten Hall senden. Und auf diesem werden wir einen viel länger klingenden Hall laden. Auch weil der kurze Reverb verwendet wird, um Raum zu schaffen. Okay, also verwenden wir einen räumlichen Reverb für den kurzen Reverb. Wir werden keinen räumlichen Reverb für den langen Reverb benutzen. Also werde ich nach unten kommen und ich werde eine dieser auswählen, vielleicht eine Platyrrhini Variable k. Also dieses Plattenhall-Plugin sieht genauso aus wie das Raum-Hall-Plugin, aber der Algorithmus, den er verwendet, um den Sound zu verarbeiten, ist anders. Okay, wenn wir uns also anhören, hören Sie einfach nur den Plattenhall alleine an, sehen Sie, dass es so klingt. Und es ist viel länger und viel heller. Okay, wir können diese Nachhallzeit auf 40 Sekunden einstellen. Auf diesen Ton. Dies wird 40 Sekunden dauern, bis diese Art von Hall-Sound wegstirbt. Okay, es sei denn, wir haben uns angepasst. Also nochmal, wir können uns die Vorverzögerung ansehen, und wir können das irgendwie auftauchen, wenn wir wollen. Aber mit Plate Reverb ist diese Vorverzögerung im Allgemeinen auf 0 gesetzt. Ok? Als nächstes haben wir die Reverb-Zeit. Und weil das der lange Reverb ist, werden wir eine längere Reverb-Zeit verwenden als der kurze Hall, vielleicht etwa 1,7 Sekunden. Der kurze Reverb verwendete also eine Nachhallzeit von 0,93 Sekunden. Und in diesem hier benutzen wir eine Nachhallzeit von 1,7 Sekunden. Also lasst uns hören, wie dieser Plattenhall jetzt mit dem 1.72 Reverb klingt, Zeit. Wieder mit dem Roll-off, können wir es Schalldämpfer machen. Aber im Allgemeinen versuchen wir, Luft hinzuzufügen oder zu brutzeln. Okay, also werde ich das nach oben drehen, weil ich will, diese Art von hohen Frequenzen irgendwie mit diesem speziellen Hall durchleuchten. Ich denke auch, ich möchte eine höhere Diffusionszeit, nur weil es schöner klingt. Es ist angenehmer für die ER, wenn die Diffusionszeit ziemlich hoch eingestellt ist. Mit diesem oder T-High Court werde ich das auch hoch setzen, weil ich diese hohen Frequenzen dort so lange wie möglich halten will . Also, wenn wir wieder hören, vielleicht nicht so viel, vielleicht nicht so viele Arten von hohen Frequenzen. Lasst uns mal zuhören, wie das klingt. Ja, das klingt besser für mein Ohr. Ok. Und wieder, mit allen Hall-Plugins, können Sie die Voreinstellung ändern, aber wir haben nur eine Art von Einstellungen hier gemacht, also werde ich es verlassen. Und sobald wir die beiden Reverbs gemacht haben, ist es Zeit, den Hallpegel für dieses Instrument einzustellen. Ok, also zuerst werden wir den kurzen Reverb anwenden, um dieses Instrument in einem Raum so zu setzen. Während es spielt, werde ich diese Art von Sende-Level erhöhen. Und dann finden wir das optimale Niveau, wenn dieses Instrument in einem Raum gut klingt, okay? Okay, also mag ich den Klang dieses Hall, wenn er auf dieser Ebene eingestellt ist. Jetzt ist es an der Zeit, einige der langen Reverb zu mischen, okay, also beginnen wir bei 0 und wenn es spielt wird, wird dieser Sandstand steigen. Kann vielleicht ein bisschen weniger. Dies ist also der Prozess, den Sie verwenden, um Hall auf Ihre Instrumente anzuwenden, ok. Und dann, wenn du weitergehst, wirst du die gleiche Art von Prozess mit vielleicht diesem Instrument machen. Du wirst deinen kurzen Reverb setzen und dann den Hall entlang. Und wieder mit diesem Instrument setzen Sie Ihren kurzen Reverb und setzen ihn irgendwie in einen Raum. Und dann stellen Sie Ihren langen Hall ein, um ihm eine schöne Art von Luft oder brutzeln Sound zu geben. Ok, und wir müssen keine der Einstellungen für den kurzen und den langen Hall ändern , weil wir sie in Ordnung gesetzt haben. Und sie sind auf Sandkanälen und wir müssen sicherstellen , dass alles im selben Raum ist. Sie das nur einmal einrichten, richten Sie einmal Ihren kurzen River ein und einmal Ihren langen Reverb ein. Und dann gehen Sie durch alle Ihre verschiedenen Tracks und fügen Sie sie hinzu. Du stellst das Level so ein, dass sie eine kurze und eine lange haben, okay? Das Einzige, was ich sagen werde, ist, dass deine Trommeln. Okay, also so, wir werden den langen Reverb nicht benutzen. Wir benutzen nur den kurzen Reverb auf den Trommeln. Und das ist nur, weil es sauberer klingt. Okay, wenn Sie also Reverb auf Ihre Trommeln anwenden, werden Sie nur den kurzen Reverb verwenden. Und das letzte, was ich sagen werde, ist, dass du überhaupt keinen Hall auf deine Kickdrum anbringst. Okay, nicht mal der kurze Reverb. Wir lassen die Kicktrommel in Ruhe und die Basis, okay? Wenn Sie eine Subbasis verwenden, sind irgendwie ein basiertes Instrument, seien Sie sehr vorsichtig, verwenden Sie definitiv keinen langen Reverb. Und wenn Sie einen kurzen Reverb anwenden, stellen Sie sicher, dass Sie nur eine sehr, sehr kleine Menge anwenden , okay, und ich zeige Ihnen, wie das klingt. Nun, ich werde einfach ganz schnell darauf doppelklicken und wir werden eine Lektion haben. Wir wollen nur, dass der Klang des Hall subtil ist. Okay, damit ich anfangen kann, es dort zu hören. Und das ist wahrscheinlich mehr als genug. Und der Grund, warum wir keinen Reverb auf die niedrigen Frequenzen anwenden, wie Ihre Basis in Ihrer Kickdrum ist, weil die niedrigen Frequenzen sehr, sehr problematisch für die gesamte Art der Mischung einer Spur sein können . Also neigen wir dazu, sie so sauber wie möglich zu halten. Okay, also wende ich vielleicht überhaupt keinen Reverb auf diese Basis an. Und ich brauche keinen Reverb auf die Instrumente anwenden , die gleichzeitig spielen. Vielleicht das, dieses Synthesizer-Instrument. Ok? Setzen Sie es in einen Raum wie diesen mit dem kurzen Reverb. Und dann verwenden Sie den langen Reverb, um etwas Luft hinzuzufügen. Dasselbe mit deinem Gesang. Also lasst uns den Gesangstrack solo. Kurzer Reverb, um ihn zu einem Leerzeichen hinzuzufügen. Und dann der lange Reverb, um ihm etwas Luft zu geben. Okay, und wenn wir auf eines der anderen Instrumente zurückdrehen, die den Hall benutzen. Da ist wahrscheinlich zu viel dran. Entschuldigung, ich muss auch diese Instrumentenspur einschalten , nur um den richtigen Klang des Instruments zu bekommen. Sie werden hören, dass diese beiden Instrumente, also diese Instrumente, sorry, und der Gesang, sie klingen, als wären sie im selben Raum. Und Sie werden auch bemerken, dass, wenn beide aufgehört haben zu spielen, der Hall für beide irgendwie zerfällt, okay, weil er vom gleichen Plugin verarbeitet wird. Und das ist wirklich wichtig, um alle Elemente in deinem Track im gleichen Raum zu halten, okay, wir müssen immer sicherstellen, dass die Sounds, die wir verwenden, gut zusammenpassen. Im nächsten Abschnitt werden wir einen Blick darauf werfen, was Verzögerung ist und wie wir Verzögerung für unsere Tracks nutzen können. 103. Verzögerungen zum Mischen: In dieser Vorlesung erfahren wir, was die Schichten und wie wir es für EDM verwenden können, es ist eher ein ästhetisches Plug-in und dient nicht wirklich einem praktischen Zweck, außer gut zu klingen. Aber wie wir immer sagen, wenn etwas gut klingt, dann ist es gut. Also, was ist Verzögerung? Delay ist dem Hall sehr ähnlich, da er auf der Reflexion von Klang basiert, aber wo Hall auf Nachhall basiert, basiert die Verzögerung auf Echos. Also, wenn Sie Ihren Namen von der Spitze einer Klippe schreien und der Klang kommt zurück schreien Sie ein paar Sekunden später. Nun, das ist eine Verzögerung. Was hier passiert, ist, dass der Raum so lächerlich riesig ist , dass wir jede Reflexion des Klangs separat hören können. Und genau das tut das Plug-in, um diesen Effekt neu zu erstellen. Es dupliziert den Klang und wiederholt ihn dann langsam genug, damit unsere Ohren jede Reflexion unterscheiden können. So wie Reverb gibt es verschiedene Arten von Verzögerungen. Mit Stereo-Verzögerung fühlt sich der Ton weiß an und scheint sich genau zur gleichen Zeit in beiden Ohren zu wiederholen. Mit Mono-Verzögerung wird nicht breit sein. Aber auch hier scheint sich der Ton in beiden Ohren gleichzeitig zu wiederholen. Mano-Verzögerungen können sich zehn und sehr veraltet anfühlen, also seien Sie vorsichtig, sie nur für einen bestimmten Effekt zu verwenden. Slap back Verzögerung ist, wenn Sie nur ein oder zwei sehr schnelle Reflexionen haben und dann das Echo stoppt. Es wird allgemein verwendet, um den Klang eines Raumes zu imitieren und war ein sehr beliebter Effekt, der bei Musik aus den sechziger Jahren verwendet wurde. Es wurde eigentlich oft auf Paul McCartneys Stimme verwendet. Und Sie können das in Aktion hören, wenn Sie die EDM-Pur von den blutigen Rübenwurzeln aus den Augen hören . Ping-Pong-Verzögerung ist, wo die Reflexionen Art von zwischen links und rechts ändern. So wird es sich so anfühlen, als ob der Klang zwischen jedem Ihrer Ohren nach links und rechts prallt . Was sind einige der wichtigsten Parameter, die wir für die Verzögerung verwenden können? Zuallererst haben wir den tatsächlichen Verzögerungsparameter selbst. Also, wie viel Zeit ist zwischen jeder Reflexion? Wenn Sie diese wirklich hoch auf, sagen wir, fünf Sekunden setzen , dann wird jede Reflexion alle fünf Sekunden abgespielt. Sie können zwei Parameter für diese Verzögerungsfunktion erhalten, links und rechts. Wenn ja, dann können Sie die Verzögerung auf der linken Seite anders als die Verzögerung auf der rechten Seite einstellen. Dies erzeugt einen angenehmen Stereo-Effekt für den Hörer. Und ich werde Ihnen zeigen, was ich meine, wenn wir tatsächlich dieses Plugin verwenden, weil wir den Verarbeitungsmodus ändern können und Parameter verzögern müssen. Als nächstes haben wir den Spread-Parameter. Nun gilt dies nur für dieses spezielle Plugin, und es erscheint nur, wenn es in einem bestimmten Modus eingestellt ist. Aber wir werden es hier ganz schnell erwähnen. Ok? Dies fügt also nur einen leichten Unterschied im Timing zwischen den tatsächlichen Verzögerungen selbst hinzu. Wenn Sie dies also auf 0 setzen, wird es so klingen, als ob nur eine Reflexion herumspringt. Aber wenn Sie es über 0 setzen, wird es so klingen, als ob diese Reflexion eine Art Stottern ist oder als ob es gibt, es gibt mehr als eine Reflexion. Es ist ähnlich wie die Diffusionseinstellung auf einem Hall. Dann haben wir den Feedback-Parameter, okay? Und das steuert im Wesentlichen, wie viel Verzögerung es tatsächlich gibt. Also, wenn Sie dies niedrig setzen, wird es nur eine oder vielleicht zwei Arten von leisen Verzögerungen geben. Und wenn Sie so hoch setzen, wird es viele Verzögerungen geben. Es ist das gleiche wie der Decay-Parameter auf dem Hall. Weißt du, wie lange wollen wir, dass die Verzögerungen weitergehen, bevor sie verschwinden? Nun sollten Sie auch wissen, dass, wenn Sie den Feedback-Parameter über 100% setzen, die Verzögerungen nie enden werden. Und sie werden tatsächlich lauter und lauter bis ein wirklich schreckliches, kreischendes Geräusch zu hören ist. Also würde ich Ihnen raten, das Feedback vielleicht unter 100% zu halten. Sie können einige interessante Horrorfilm Art von Soundeffekten erstellen , wenn Sie es über 100% setzen. Aber das klingt in der Musik in der Regel nicht gut. Als nächstes haben wir die Breite. Sie werden so etwas auf den meisten Verzögerungs-Plugins finden und einstellen, wie breit der tatsächliche Verzögerungseffekt klingt. Also, wenn Sie es auf 0 setzen, werden die Verzögerungen dünn und Mano klingen. Aber wenn Sie es auf 100 einstellen, werden die Verzögerungen breit und voll klingen. Wenn Ihr Team dies mit dem Parameter Spread, können Sie die Verzögerungen wirklich interessanter für den Zuhörer klingen lassen. Wir haben auch diesen Farbabschnitt, und hier können wir nur einige Verzerrungen zu den Verzögerungen für zusätzliche Wirkung hinzufügen. Jetzt ist das nicht gerade Standard, und wir werden das tatsächlich selbst mit verschiedenen Plugins in ein paar Vorträgen tun. So können wir dies vorerst ignorieren, aber es ist gut zu wissen, dass wir es verwenden können, wenn ein Delay-Plug-In es verfügbar ist, und das ist eine Art von es für die wichtigsten Parameter. Ihr Delay-Plugin wird wahrscheinlich mit viel mehr kommen , die einzigartig für dieses bestimmte Plug-in sind. Genau wie die, die wir in diesem Bild haben. Es hat auch eine Diffusionsmodulation und EQ-Abschnitt, wo wir den Klang ändern können, aber diese sind irgendwie einzigartig für diese Verzögerung Plug-in. Also habe ich versucht, die wichtigsten Parameter abzudecken, die Sie finden werden, aber ich kann fast garantieren, dass Ihr Plugin viel mehr mit verschiedenen Namen haben wird. Und das bringt mich tatsächlich auf die letzte Folie. Okay, also, Verzögerungen sind also ähnlich wie Reverbs, da die Plugins alle völlig unterschiedlich sind. Abgesehen von der Rückmeldung und der tatsächlichen Verzögerungszeit können die Parameter, die Sie finden, völlig unterschiedlich sein. Stellen Sie also sicher, dass Sie mit jedem herumspielen, um herauszufinden, was es tut, dann können Sie wirklich beginnen, Ihre eigenen einzigartigen Verzögerungen Sounds zu machen. 104. Verzögerung: In diesem Vortrag werden wir lernen, wie man Verzögerung benutzt. Delay kann verwendet werden, um Stereo-Breite hinzuzufügen oder als lustiger, rhythmischer Effekt. Sie müssen sicherstellen, dass Ihr Plug-in mit Ihrem Tempo verknüpft ist, okay? Denn wenn dies nicht der Fall ist, wird die Art von Verzögerungsreflexionen aus der Zeit sein. Nun können Sie diese manuell einstellen, wenn Sie einen BPMN-Konverter mit zwei Millisekunden verwenden. Okay, also gehen Sie einfach online und suchen Sie nach BPM zu Millisekunden-Konverter und geben Sie Ihre BPM ein, die 95 ist. Und dann wird es Ihnen eine Art Liste aller Millisekunden geben, die zu Ihrem bpm passen. Also lasst uns diese Trommelschleife hier nehmen und wir werden uns etwas Verzögerung anschauen. Okay, das erste, was wir tun werden, ist, dass wir reinkommen und das auf die Mixer-Spur hinzufügen. Und dann schicken wir es zu einem unserer Soundtracks. Also werde ich es schicken, um eins zu verfolgen. Und ich werde zu diesem Soundtrack kommandieren und ein Delay-Plug-In öffnen. Jetzt werde ich die gleiche Verzögerung verwenden, die wir auf den Folien angesehen haben. Nur aus Gründen der Konsistenz werde ich hier runter zu dieser Valhalla-Verzögerung kommen, okay? Und wenn es standardmäßig geöffnet wird, klingt es so. Nun, Sie haben wahrscheinlich bemerkt, dass die Reflexionen irgendwie aus der Zeit sind. Und das liegt daran, dass diese Millisekundenverzögerungszeit nicht mit dem BPM synchronisiert wird. Also das insgesamt als Effekt klingt es irgendwie chaotisch. Aber mit diesem Plug-in können wir dies ändern, so dass es mit unserem BPM verknüpft ist , indem Sie auf diese Notizoption klicken. Und jetzt können wir sehen, dass wir als pro weiß unserer BPMN setzen können. Also, wenn wir es auf eine 16. Note setzen, klingt es so. Okay, und vielleicht eine achte Note für eine Viertelnote. Also, wenn wir hier auf der linken Seite beginnen, war das mit der Mischung, und das ist das gleiche wie der Hall. Wenn wir dies auf 0 setzen, wird es keinen der Verzögerungseffekte geben. Ok? Und wie wir zunimmt, wird langsam in den Verzögerungseffekt hinzufügen. Nun, wenn wir dies auf 100 setzen, was das tut, ist es 100% dieser Verzögerungseffekt. Also hören wir diesen Trommelschlag überhaupt nicht. Alles, was wir hören, ist die Verzögerung. Ok? Nun, wenn wir diese Art der ursprünglichen Trommelschleife wieder hinzufügen. Nun, wenn wir auf den Style-Parameter kommen, ändert dies nur die Art des Modus von Single zu Double Dual, sorry, Ping-Pong und all das ist hier Verhältnis auch und ruhig, ok, so mit Single Wir bekommen diesen Spread-Parameter. Aber wenn wir das in jhu ändern, bekommen wir zwei. Okay, also können wir das auch ändern, um es zu notieren. Und wir können es anders auf den linken Kanal einstellen. Dann können wir diese Art von Parameter mit dem BPM synchronisieren. Und wir können es auch anders machen als die Art der Linken. Also, wenn wir sie haben, setzen Sie die Art der gleichen. Das hört sich so an. Aber wenn wir es anders sagen, kann es für den Zuhörer etwas interessanter sein, okay, also werde ich es jetzt anders einstellen. Vielleicht sogar mehr als eine Viertelnote, eine halbe Note. Also mit diesem Plugin, wir haben auch diese Art von dieser Verhältnis-Modus. Und hier können wir das Verhältnis der Verzögerungen festlegen. Okay, also was passiert, ist mit diesem die Reflexionen Art von Beschleunigung je nachdem, welches Verhältnis Sie hier gesagt haben. Ok? Und wenn ich diese höher setze, verlangsamt Art die Verzögerungen und Rosette ist niedriger. Und vielleicht ändern wir diesen Verzögerungsparameter und sehen, wie das klingt. Okay, und dann haben wir auch diese Ping-Pong Modal kann, und die meisten Verzögerungen werden das haben. Und hier prallt die Art der Reflexionen von links nach rechts in deinen Ohren. Okay, aber wenn wir das gleich setzen, setzen wir vielleicht beide auf eine Viertelnote. Es wird so klingen. Okay, sieh mal, wie es irgendwie von links nach rechts springt. Wenn ich die schneller mache, wird es viel deutlicher sein. Ping-Pong-Verzögerung ist wahrscheinlich die häufigste Art der Verzögerung, die verwendet wird. Also nächstes kommt vorbei und wir werden einen Blick auf den Feedback-Parameter werfen, okay, und das ist das gleiche wie der Verfall auf einem Hall. Also, wenn wir das tiefer setzen, wird es weniger, weniger Art von Reflexion geben, tut mir leid. Okay, und wenn wir das höher stellen, wird es mehr geben. Ok? Und diese Überlegungen werden sich noch länger fortsetzen, als wenn sie mit 26 hier niedergelegt wären. Okay, Sie können sehen, wie das wirklich schnell endet. Und wenn wir dieses Imperium aufstellen, werden sie etwas länger dauern, bis sie zum Schweigen verblassen. Okay, dann haben wir den Breitenparameter, wo wir dies von mano ändern können, was 0 sein wird. Ok? Und dann können wir langsam die Breite erhöhen. Und wir können es auch etwas anders klingen lassen, indem wir in die entgegengesetzte Richtung drehen. Und es basiert nur irgendwie auf diesem Prinzip, das wir uns vorher angesehen haben, wo wir das Timing von montiert verzögern, um eine Art Stereo-Verdoppelungseffekt zu erzeugen. Und wenn wir es nach rechts drehen, verzögert es den linken Kanal. Und wenn wir es nach links drehen, wird es den rechten Kanal verzögern, okay? Es liegt nur an Ihnen, welche Art von Einstellung Sie den Klang von entweder rechts oder links bevorzugen . Und wieder, das ist irgendwie, wo die Standardparameter enden. Okay, jetzt haben wir diesen Farbparameter, wo wir den Verzögerungsklang irgendwie verzerrt machen können. Okay, wir können auch eine Art von einem leichten Reverb zu dem Sound selbst hinzufügen. Ok, ändern Sie die Größe, machen Sie den Raum kleiner. Und dann können wir diesen EQ so ändern, dass es vielleicht nur eine Art von hohen Frequenzen und Gehör und Reflexionen gibt. Oder vielleicht wollen wir nur niedrige Frequenzen hören die Reflexionen. Vielleicht sogar noch weniger als das, wenn wir es auf eine Art von etwa 500 drehen. Sie haben auch die Modulation, wo Sie die Tiefe kontrollieren können, okay? Und wir verwirren uns einfach mit diesen, um zu sehen welche Art von verschiedenen Sounds wir bekommen können, weil diese Parameter, und sie sind nicht Standard. Okay, also werden Sie das wahrscheinlich nicht auf anderen Verzögerungsplugins finden, aber es ist wichtig, sich mit den verschiedenen Parametern zu verwirren und zu sehen, welche Art von Sound Sie bekommen können. Ok? Und dann haben wir endlich diesen Modus hier drüben, wo wir den Modus von geklebt auf Hi-Fi auf all diese verschiedenen Arten von Sounds ändern können . Okay, also digitaler Klang anders. Und es klingt anders als Gespenst. Einer meiner Favoriten ist diese umgekehrte Tonhöhe. Ich finde, das ist wirklich cool. Lassen Sie uns ein hören auf diese und Aktion. Wenn ich irgendwie den EQ erhöhen, vielleicht weniger Feedback. Und wir machen die etwas länger. So kann dies für diese Art von funky Break Beat Drums gekühlt werden. Und schließlich möchte ich nur sagen, ähnlich wie Hall, wir werden keine Verzögerung auf einer der niedrigen Frequenzen ziehen, wie Ihre Bassdrum oder Ihren Kick, okay, denn das wird irgendwie das Low End überwunden und es würde wirklich zerstören die Mischung aus Ihrem Track. Dein Track wird am Ende sehr chaotisch klingen. Außerdem möchten Sie die Verzögerung nicht übertreiben, okay, denn es ist sehr, sehr einfach, Ihren Track zu trüben und den Gesamtklang zu vermasseln. Es kann sehr chaotisch werden. Damit ist sogar der Mix davon ziemlich viel zu viel. Also würden wir hier reinkommen und wir werden das so anpassen, dass es etwas subtiler ist. Denn wenn Sie es richtig hoch eingerichtet haben, ist es cool, wenn Sie dies verwenden, vielleicht dieser Beat alleine. Okay, aber wenn wir uns an treibende Elemente erinnern, wenn Sie diese Art von Wirkung auf Ihre Trommeln haben, wird es von einer Art der Hauptelemente in Ihren Tracks ablenken. So halten wir diese Art von Effekten subtil. Nur um ein wenig leeren Raum zu füllen. In der nächsten Vorlesung lernen wir, wie man den Schlag-Back-Delay-Effekt macht. 105. Verzögerungen mit Slapback: In dieser Vorlesung werden wir lernen, wie man eine Schlag-Zurück-Verzögerung macht. So können wir eine Schlag-Back-Verzögerung verwenden, um einen Stereo-Effekt zu erzeugen und Ihre Elemente klingen zu lassen, als wären sie mehr im Raum. Diese Art von Verzögerungseffekt klingt auch ziemlich gut auf Sänger und wir werden einen Blick auf den Gesangstrack werfen, den wir in diesem EDM-Track verwenden. Jetzt, um eine Schlag-Zurück-Verzögerung zu machen, ist es sehr, sehr einfach. Wir werden eine sehr kurze Verzögerungszeit und einen sehr kurzen Feedback-Level verwenden. Sie müssen auch sicherstellen, dass die Verzögerung auf einer Stereoeinstellung eingestellt ist. Okay, also lasst uns in diesen Gesangstrack klicken und wir werden uns anhören, wie es klingt, wenn wir ihn solo machen. Okay, so klingt es jetzt. Also werden wir hier rüber zu diesem dritten Sendekanal kommen und wir werden ein paar Signale hineinschicken. Okay, also lass uns das aufdrehen und wir schauen uns mal an und sehen, ob das Signal durchkommt. Okay, ja, ich kann sehen, wie das Signal durchkommt. So können wir jetzt ein Delay-Plug-In laden. Also werde ich die Verzögerung laden, die wir uns vorher angesehen haben, was diese Valhalla-Verzögerung ist. Ok. Und es öffnet sich so. Und lassen Sie mich es öffnen. Das hört sich so an. Okay, und ganz einfach, um einen Schlag-Back-Delay-Effekt zu erzeugen, werden wir diese Art von Millisekunden-Sache abschalten , bis es irgendwie sehr, sehr kurz ist. Ok? Und dann werden wir das Feedback ablehnen. Sehr, sehr kurz auch. Also vielleicht sogar weniger als das, wenn es schlecht auf dem Brett ist. Ok? Und das war's. So erstellen Sie eine Slap Back-Verzögerung. Ok. Und wenn wir es ausschalten und den Gesang und dann wieder einschalten, wird den Unterschied bemerken. Okay, lasst uns mal zuhören. Wenn schlecht auf. Okay, was für eine Art von erzeugt eine Art Stereo-Effekt? Und es lässt die Elemente klingen, als wäre es eher in einem leeren Raum. Also lassen Sie uns ein hören, wie es klingt in der gesamten Mischung und alternative Art von off am Anfang. Und dann schalte ich es an, während wir irgendwie auf halbem Weg sind. Es ist also eine Art subtiles Werkzeug, das wir verwenden können, aber es schafft auch viel mehr von einem interessanten Sound für den Hörer. Jetzt können wir auch die Schlag-Back-Verzögerung anwenden. Wir können das auf Instrumente anwenden, okay, also werfen wir einen Blick auf die Anwendung einiger auf diesen Synthesizer. Aber weniger als das. Entschuldigung. Jetzt klingt es nicht besonders gut auf diesem Instrument, weil die Noten, wenn Sie jemals suchen nicht sehr synkopiert, okay, es ist irgendwie nur sehr robotisch. Aber wenn wir einen Blick auf etwas werfen, das vielleicht so synkopiert ist, vielleicht diesen SAM, diese Art von Sinth Brass Sound hier. Das muss ich im Mixer-Trek solo machen. Finden Sie es einfach hier ist es. Ok. Ich bringe es rüber, bringe den Abspielkopf rüber, damit der Filter geöffnet wird. Denn in der Anordnung ist der Filter irgendwie geschlossen, wenn der Spielkopf wieder da ist. Also werden wir den Spielkopf so bewegen, dass sich der Filter öffnet. Und wir werden diesen Schlag-Back-Verzögerungseffekt auf diesen Sound anwenden. Okay, das fasst so ziemlich die Slap Back-Verzögerung zusammen und Sie können es mit jedem Verzögerungs-Plug-In erstellen. Ich werde wirklich schnell eine der delays.com mit FL Studio öffnen. Whoops, diese Verzögerungsbank hier wird das eröffnen. Und wenn wir uns dieses Instrument anhören, tut mir leid, ich muss den Filter öffnen. Okay, also nochmal, wir werden die Feedback-Zeit sehr kurz einstellen. Okay, und mit diesem speziellen Plugin, es, ist es irgendwie in Mono gesetzt. Also, wenn wir, wenn wir diese Verzögerung nach links schwenken, und dann werden wir den Wert davon kopieren. Und wir laden hier eine zweite Verzögerung, und wir fügen diese komplett nach rechts. Und dann fügen wir diesen Wert in die Feedback-Zeit ein. Wir werden einen richtigen Stereo-Slapback-Effekt bekommen. Lasst uns mal zuhören. Und wenn wir vielleicht etwas mehr Volumen zu diesem speziellen Instrument hinzufügen, Salsa mehr Art von Sende-Level. Hoppla, es klingt vielleicht ein bisschen besser. In der nächsten Vorlesung werden wir einen Blick darauf werfen, dem Delay-Sound einige interessante Effekte hinzuzufügen . 106. Effekte zum Verzahnen: In dieser Vorlesung werden wir einen Blick darauf werfen, dem Delay-Sound einige interessante Art von zusätzlichen Effekten hinzuzufügen . Ok? Wir können Dinge wie EQ und Verzerrung hinzufügen, um einige wirklich coole Effekte zu erzeugen, wie eine Funkverzögerung oder eine niedrige Wiedergabetreue. Also lasst uns diesen Gesang in der Mixerspur öffnen. Okay, und ich werde die Verzögerung von der Ohrfeige ändern, die wir vorher hatten. Ich werde das nur ändern, um es bis zu 1 Achtel zu notieren und werde das Feedback auftauchen und wir werden es einfach dort lassen. Also, nur damit wir das Geräusch der verzögerten, aber besser hören können. Ok. Vielleicht eine Viertelnote. Okay, also lasst uns zuerst eine Funkverzögerung machen. Also, was wir tun, ist, wir laden einen EQ und wir haben vorher gesehen wie man irgendwie einen Telefoneffekt mit einem E gibt, wir werden das hier wieder tun. Wir werden einen Hochpass verwenden, bis zu der Art der hohen Mittelklasse heraufbringt. Dann werden wir einen Tiefpass erstellen und das auf den hohen Mittelbereich bringen. Okay, also irgendwo hier. Und dann werden wir vielleicht etwas in dieser Region ankurbeln. Okay, ich werde das nur in eine achte Note ändern, damit wir es etwas besser hören können. Lasst uns nochmal zuhören. Vielleicht sogar ein bisschen mehr Schub. Das ist ein bisschen hoch. Und dann, wenn wir etwas Verzerrung zu diesem EQ hinzufügen, so wird in den Wellenformer kommen. Und wir werden Verzerrungen hinzufügen. Die einfache Art, wie wir wissen, wie es ist, hier einen Ankerpunkt zu schaffen, diesen zu ziehen, und dann vielleicht irgendwie eine Art Form wie dieser Kerl zu machen, vielleicht nicht so viel. Drehen Sie es runter. Okay, das ist also ein Funkverzögerungseffekt. Wir können dies auch in Ping-Pong ändern. Es springt also irgendwie zwischen links und rechts, nur für einen interessanten Effekt. Und wird dies auch in eine achte Note ändern. Und wir werden sehen, was passiert. Jetzt. Wir können diese deaktivieren und wir können andere lustige Plug-Ins hinzufügen, wie ich habe ein Byte genannt erscheinen, ok, und dies erzeugt einen Low-Fi-Effekt. Wenn ich das also unter dem verzögerten Login lade, wirkt sich dies auf den Klang der Verzögerungen aus. Und wir können hier zu diesen Presets kommen und vielleicht versuchen wir es an ein paar Bytes. Mal sehen, wie das klingt. Okay, vielleicht nicht das, das eine der anderen Voreinstellungen ausprobiert. Versuchen wir vielleicht eine der Verzerrungen. Mal sehen, wie diese sind. Okay, und was wir tun können, ist, dass wir ablehnen können, nur damit es subtiler ist. So können Sie jetzt interessante Effekte wie diese laden, um Lo-Fi mit FL Studio zu erstellen, wenn Sie zu diesem Effektor-Plug-In kommen, und wenn wir das laden, sieht es so aus, als würde ein DJ auf seinem Mischpult haben, aber wir können hier runterkommen, um Lo-Fi. Und wenn wir dieses gelbe Fadenkreuz packen, können wir das irgendwie zur Unterstützung bewegen. Hört sich gut an. Also, wenn ich das auftauche, nur damit wir es besser hören können, wenn schlecht, okay? Okay, und wir können das auch verwenden, um einige andere verschiedene Effekte hinzuzufügen, wie vielleicht einen Ringmodulator. Okay, und wir können auch versuchen, vielleicht eine Flanschkanten. Wie Sie sehen können, können Sie, wenn Sie dem Delay-Sound zusätzliche Effekte hinzufügen, eine viel interessantere klingende Verzögerung erzeugen. Wir werden jetzt von Verzögerungen weitergehen, und wir werden uns die Stereo-Bildgebung ansehen. Wir können dies nutzen, um unsere Tracks wirklich weiß, voll und professioneller zu machen . 107. Stereo zum Mischen: Ein wesentlicher Aspekt beim Mischen elektronischer Musik ist die Stereo-Bildgebung. Dies kann direkt dazu führen, dass Ihr Track Amateur klingen kann, wenn es sehr leicht professionell klingen könnte. Moderne professionelle EDM-Tracks klingen sehr voll und breit. Und das ist ein Ergebnis einiger großartiger Stereo-Bildgebungstechniken. Wir können diese Techniken verwenden, um Breite, aber auch Tiefe innerhalb einer Mischung zu schaffen . Professionell produzierte Musik wird sich immer so anfühlen, als wäre es in einem bestimmten Raum. Und das werden wir versuchen, mit diesem Abschnitt zu erreichen. Also, was ist Stereo-Bildgebung? Nun, das bezieht sich einfach darauf, wo genau die Elemente im Stereofeld platziert werden. Und das Stereofeld ist einfach wie ein 2D-Halbkreis vor deinem Kopf. Hören sich Elemente an, als kämen sie von der linken Seite oder hören sie sich an, als kämen sie von der rechten Seite? Vielleicht kommen einige dieser Elemente aus der Mitte. Auch. Wie weit sind diese Elemente entfernt? Sind sie tiefer im Raum oder sind sie näher an dir? Nun, wenn Sie diesen 2D-Halbkreis in einen 3D-Halbkreis verwandeln , wo der Ton über oder unter Ihnen sein kann. Das wäre Surround-Sound. Wir können auch Surround-Sound verwenden, um Objekte hinter Ihnen zu platzieren, aber Musik wird nie im Surround-Sound produziert. Es gibt auch so etwas wie 8D-Audio oder jetzt neu laden Sie, okay, aber wenn Sie jemals diese Titel auf YouTube gehört haben, dann werden Sie tatsächlich getäuscht , weil YouTube alles in diesen 2D-Stereo-Halbkreis umwandelt . So bekommen Sie nicht wirklich die wahre Erfahrung von 80 Audio. Wenn wir jedoch zu diesem 2D-Halbkreis zurückkehren, können wir dieses Konzept verwenden, um uns zu helfen, Musik zu mischen. Lassen Sie uns die verschiedenen Möglichkeiten lernen, wie wir Breite und Tiefe innerhalb einer Spur erstellen können. Zuallererst haben wir Schwenken. Jetzt. Wir wissen bereits, dass wir das Schwenken richtig sind, einfach etwas links oder rechts vom Zuhörer platzieren. Wir können damit ein Spurfeld breiter machen, weil wir die Elemente wirklich bis zum Rand des Stereofeldes schieben können . Es gibt auch etwas, das Haas-Effekt genannt wird, und wir haben das tatsächlich schon getan, ohne es zu wissen. Es kann manchmal der Prioritätseffekt genannt werden. Und es bedeutet einfach, dass, wenn ein Ton etwas hinter einem anderen Ton spielt, Mensch ihn für uns als einen Ton wahrnimmt. Auch Reverbs basieren auf diesem Prinzip, bei dem die Reflexionen zu schnell spielen , um jede einzelne Reflexion zu hören. Mit dem haas-Effekt duplizieren und verzögern wir einen Sound einfach um etwas weniger als 40 Millisekunden. Klingt es vertraut? haben wir bereits getan, als wir von Stimmverdoppelung gelernt haben. diesem Abschnitt werden wir uns den Haas-Effekt nochmals ansehen. Und wir werden uns auch ein praktisches Plugin ansehen, das FL Studio kostenlos mitbringt , das diesen einfachen Stereo-Trick mit der Drehung eines Parameters macht. Als nächstes haben wir Mikro-Shifting. Ich liebe es, große Worte zu verwenden, aber wir haben das auch schon getan. Also wieder, als wir uns die Stimmverdoppelung betrachteten, haben wir das Timing und die Tonhöhe des duplizierten Gesangs angepasst. Nun, die Timing-Einstellung war der haas-Effekt und die Pitch-Einstellung war Mikro Shifting. Also werden wir es noch einmal in diesem Abschnitt betrachten, aber es sollte ziemlich vertraut und einfach zu tun sein. Wir können auch Reverbs und Delays verwenden, um Tiefe zu erzeugen. Wenn wir also den Klang des Raums erhöhen, wird das Element rückwärts in den Raum schieben. Wenn Sie sich vorstellen können, auf der Rückseite der Halle zu stehen, wenn der DJ einen Track spielt. Nun, die Quelle dieses Klangs ist sehr, sehr weit entfernt. Alles, was Sie hören können, sind die Reflexionen von den Wänden. Aber wenn Sie näher und näher an den DJ gehen, wird die Quelle des Klangs lauter und Sie beginnen, weniger Reflexionen von der Wand zu hören. Dann, wenn Sie direkt neben dem DJ stehen, Sie können die Musik sehr deutlich hören und die Quelle des Klangs ist sehr nah. Nun, wir können Reverbs und Delays verwenden, um diesen Effekt nachzuahmen und ein Gefühl der Tiefe innerhalb unserer Tracks zu erzeugen. Seien Sie vorsichtig, dies nicht zu übertreiben und vollständig ertränkte Elemente im Hall. Wir wollen es nur ein kleines bisschen nach hinten schieben, nicht ganz nach hinten schieben. Schließlich können wir ein Stereo-Imaging Plug-in verwenden , um uns dabei zu helfen, die Weiße zu erreichen, die wir wünschen. Wenn Sie also nicht Lust haben, all diese Dinge zu tun, können Sie einfach ein Plug-in verwenden, das alles für Sie erledigt. Gehen wir zurück in den Punkt und wir lernen, wie man Stereo-Imaging in unseren EDM-Tracks einsetzt. 108. Die Panning für größere Mixen: In dieser Vorlesung werden wir das Schwenken verwenden, um Elemente entweder links oder rechts vom Zuhörer zu platzieren . Jetzt wird diese Technik oft übersehen oder als unwichtig angesehen, aber das könnte nicht weiter von der Wahrheit entfernt sein. Ich werde auch sagen, dass Sie sicherstellen müssen, dass Sie mit Ihren Ohren schwenken und nicht mit Ihren Augen. Okay, sieh dir nicht die Schwenkparameter an und entscheide irgendwie, du weißt schon, du hast geschwenkt, das könnte zu viel nach rechts sein, okay. Denn wenn es nicht so klingt, als wäre es Pander zu viel nach rechts. Es ist wahrscheinlich nicht zu viel Pander. Ok. Ich möchte auch nur wiederholen, dass wir nicht schwenken sind niedrige Frequenzen, ok, also schwenken wir die Basis nicht, und wir schwenken die Kicktrommel nicht. Und im Allgemeinen halten wir auch den Gesang in der Mitte, okay, also schwenken wir den Hauptgesang nicht. Sie können die Backing-Vocals schwenken, um einige interessante Art von breiten Gesangsgeräuschen zu machen, aber wir schwenken nicht den Hauptgesang. Also mit all dem gesagt, lasst uns anfangen, einige der Elemente in diesem Track zu schwenken. Also lasst uns in den Mixer kommen und wir werden uns vielleicht ein paar dieser Instrumente anhören. Okay, also hören wir uns dieses Top an, das Muster eins ist, das auf Kurs ist, tut mir leid, Track neun. Und wir können vielleicht Pandas, lasst uns nicht zu extrem gehen, vielleicht nur 20%. Mal sehen, wie das klingt. Nur sehr, sehr subtil. Und ich werde die Ebene auf die entgegengesetzte Weise schwenken, auch sehr subtil, nur um eine leichte Art breiteren Sound zu erzeugen. Als Nächstes, wenn wir in diese Art von Aufbau kommen, kann ich sehen, dass ich ein E-Piano mit einem normalen Klavier geschichtet habe. Also werde ich die ein bisschen extremer anhängen. Also lasst uns das E-Piano nehmen, was das ist. Ok? Und ich könnte mich entscheiden, das sehr nach links zu schwenken, okay. Und dann können wir das Klavier nehmen und vielleicht ganz rechts in Panik geraten. Und wenn wir nochmal mit den anderen Elementen zuhören, kann ich jetzt auch einige der Trommelelemente schwenken, die hier drin sind. Also denke ich, es ist nur ein Shaker, der im Moment hier drin ist. Wenn ich das nur hervorheben möchte. Okay, ich kann das schwenken, wenn ich will, aber ich denke, ich werde den Shaker in der Mitte halten. Und vielleicht schwenke ich dieses Trommelelement. Vielleicht lassen Sie uns das etwas nach links schwenken. Ok? Und lassen Sie uns einige andere Elemente finden, die spielen werden. Kommen wir hierher zu dieser Art von vollständigerem Abschnitt. Und wir werden einen Blick darauf werfen, vielleicht ein anderes Element zu schwenken. Mal sehen, was das ist. Das ist, das ist der Orgelton. So können wir das etwas schwenken oder wir fügen es aggressiv zusammen. Aber ich mag das Geräusch nicht, wenn es aggressiv geschwenkt wird. Also werde ich es irgendwie leicht in eine dieser Richtungen schwenken lassen. Ok. Und wenn wir uns vielleicht dieses Trommelelement ansehen, das auch hier drin ist, ist es auf Track 12. Und es wird den Oregon stummschalten, weil er lästige Art von AMP Sound bekommen hat. Hier auf Spur 12, wenn er das nicht tut. Okay, wir könnten das auch ein bisschen nach links schwenken. Genau wie bei einem normalen Drum-Kit. Dann werde ich auch einen Blick auf die Art der Backing-Vocals werfen, die auch hier drin sind. Das sind vokale Gesang. Also muss ich den Träger einschalten, was das ist. Ok? Und wir werden diese vielleicht hart links und hart rechts anhängen, um einen sehr, sehr breiten Klang zu erzeugen. Wenn diese also mit dem Hauptgesang überlagert sind, hört es sich so an. Ok, lassen Sie uns alle diese Elemente hören zusammen mit dem Schwenken spielen, das wir angewendet haben. Okay, und wenn die Droge hereinkommt, und ich werde das Orgelgeräusch wieder ausschalten, wenn die Droge hereinkommt. Und da ist ein Piano, mit dem geschichtet ist, und ein Synthesizer, der mit dem Oregon überlagert ist. Ok. Also könnte ich entscheiden, dass ich den Synthesizer schwenken möchte, was heißt, ich werde nur überprüfen, auf welcher Spur das ist. Also kommen wir hier rein, es ist am 22. Also, wenn wir kommen über zu Spur 22 und ich meine pan diese sehr viel nach links Art von reflektieren die Instrumente, die zur gleichen Zeit spielen. Es ist also ein Synthesizer, der mit einem Klavier überlagert ist, mit dem Oregon überlagert ist, okay. Und das Klavier war ganz rechts und die Organisation auch ein bisschen nach rechts. Um Balance zu schaffen, werde ich diesen Synthesizer nach links schwenken. Okay, lasst uns mal zuhören, wie das klingt. Okay, schauen wir uns vielleicht an, einige dieser zusätzlichen Trommelelemente zu schwenken. Also kommen wir hier rein und wir werden uns anhören, was andere Trommeln da sind. Okay, also gibt es dieses offene Haus, das zur gleichen Zeit spielt wie dieser andere Hut hier unten auf 12. Ok. Also dieser hier ist auf der linken Seite. Schwenken wir das nach rechts für das Gleichgewicht. Okay, schauen wir uns mal an. Dieser Perkussion-Sound. Jetzt könnte ich entscheiden, dass ich das sehr nach links schwenken werde. Okay, und wir schauen uns vielleicht einen der Klatschen an. Wenn wir in das Arrangement kommen und wir finden, wo eine dieser Klemmen ist, ist das noch ein Klatsch, also ist es 37. Und wir werden das lösen. Und wir könnten entscheiden, dass wir das hier ganz rechts anhängen. Und wenn wir schauen und sehen, ob wir die Klatschschicht finden können, die zur gleichen Zeit spielt, die hier ist, ok. Wir könnten diesen sehr nach links schwenken, um Balance zu schaffen. Ok? Also lasst uns mal zuhören, was uns damit anhören lässt , was alle Instrumente wie Schnittpunkt klingen. Und wieder, ich werde den Orgelton ausschalten, weil es ein bisschen nervig ist. Ich bin sicher, Sie können hören, dass das Schwenken ein wichtiger Teil jeder Mischung ist. Okay, jetzt habe ich hier nur sehr, sehr schnell Schwenken angewendet. Aber wenn Sie zuhören, müssen Sie kritisch zuhören und sicherstellen , dass es in Ihrem Track ausgewogen ist. Ok, wenn wir also zum Meister kommen, zum Master-Kanal. Ich kann hier mit diesen Links sehen, und das ist die rechte. Ok. So kann ich mit diesen beiden Arten dieser Spitzen-Parameter sehen , kann ich sehen, ob links oder rechts zu viel los ist. Und im Allgemeinen sollten diese irgendwie sogar als Streckenplatz sein. Also, wenn ich irgendwie zurückgehe und vielleicht werde ich ein bisschen vorwärts gehen, werde ich einfach vorwärts gehen, um vielleicht diesen Abschnitt hier. Wenn wir beobachten die linken und die rechten Gipfel auf dem Master-Kanal, Wir werden sehen, ob unsere Spur ausgeglichen ist. Okay, im Moment sieht es ein bisschen aus, es sieht auf der linken Seite ein bisschen schwer aus. Ok. Vielleicht haben wir einige Elemente, die ein bisschen zu viel nach links geschwenkt werden. Lassen Sie uns zu einem anderen Abschnitt überspringen und sehen, wie das aussieht. Nun könnte dies auch durch etwas verursacht werden, das auf der linken Seite zu laut ist, vielleicht hat dieser Sänger laut gelassen. Wir könnten das ablehnen, aber Sie müssen sicherstellen , dass Sie die ganze Strecke irgendwie ausgeglichen ist. In der nächsten Vorlesung werden wir einen Blick auf die Verwendung des haas-Effekts werfen. 109. Den Haas-Effekt verwenden Effect: In dieser Vorlesung werden wir also einen Blick auf die Verwendung des haas-Effekts für breite Mixe werfen. Okay, und wenn Sie sich von vorher erinnern, als wir vokale Verdoppelung machten und was wir tun, ist, dass wir das Audio so duplizieren würden. Und wir zoomen rechts nach oben und kommen dann in diese, diesen Snap to Grid Abschnitt und verzögern den duplizierten Gesang sehr, sehr leicht, okay, so. Und das würde diese Art von verdoppeltem Klang erzeugen, wenn wir jemals nur den Gesang hören. Okay, und wenn wir das dann nach links schwenken, dann schwenken Sie das ganz nach rechts. Und tut mir leid, ich muss das einzigartig machen. Ich werde nur die zweite einzigartig machen. Und dann, wenn wir auf diese zweite nach rechts angewiesen wären, würde es einen sehr coolen Stereo-Effekt erzeugen. So erstellen Sie den haas-Effekt mit Audio. Okay, ich werde nur all diese Dinge zurücksetzen. Und vielleicht stellen wir sicher, dass dies wieder auf dem Gitter gefangen ist. Sie nun einen Blick auf die Anwendung des haas-Effekts auf ein Instrument. Ok, wenn wir also so in die Musteransicht kommen, ok. Dieses Instrument klingt im Moment so, aber wir werden es klonen. Okay, also nochmal, wir werden duplizieren und daraus kommen und das Muster irgendwie in das andere duplizierte Instrument kopieren, das hier ist. Und dann schwenken wir einen ganz nach links und schwenken den anderen ganz nach rechts. Und um diesen Unterschied im Timing wieder zu schaffen, werden wir nach oben zoomen, den Snap zum Raster ausschalten und den Notizrahmen einfach so verschieben. Mavletova, hör anderen zu. Muster klingt wie vielleicht sogar weniger als das. Nur damit es sehr subtil ist. Stamm es mehr zurück. Okay, und wenn wir das mit dem vergleichen, wonach es klingen würde , würde es so klingen. Okay, und wieder drauf. So einfach ist der haas-Effekt. Ok? Sie haben das Instrument nur dupliziert, dann schwenken Sie eins nach links und eins nach rechts. Und du verzögerst das Midi-Muster etwas. Ok, ich werde die zurücksetzen. Und wir werden nur einen Blick auf die Verwendung eines stressabhängigen Faktor-Plug-ins werfen. Okay, wenn ich diese Pfanne zurücksetze und was wir tun werden, ist, dass wir ein Stereo-Shaper-Plugin laden , das hier ist. Und hier mit dieser Verzögerung nab erzeugt dies den haas-Effekt für uns. Und wieder, wenn wir es nach rechts drehen, verzögern wir den linken Kanal. Und wenn wir es nach links drehen, verzögern wir den rechten Kanal. Wir können diesen Stereo-Shaper auch auf Gesang verwenden. Und wir können es für alles wirklich verwenden. Also lassen Sie uns einfach Gesang spielen. Und wir laden eine Stereo-Form, unser Plugin, das hier unten ist. Und wieder, wir werden diesen Knopf einfach bewegen, um den haas-Effekt anzuwenden. Ok, wie Sie sehen können, können Sie den haas-Effekt verwenden, um einen wirklich, wirklich breiten Sound in Ihrem Mix zu erzeugen . In der nächsten Vorlesung werfen wir einen Blick auf die Verwendung von Mikro-Shifting. 110. Microshifting: In diesem Vortrag werden wir uns also einen Blick auf die Verwendung von Mikro-Shifting für weite Mischungen werfen. Okay, also bevor wir den haas-Effekt benutzten, duplizierten wir das, das Audio und dann würden wir das Timing verzögern. Ok? Aber dieses Mal werden wir das Audio duplizieren. Und ich werde es einzigartig machen, nur damit alle Änderungen, die wir vornehmen, nicht den anderen Gesang beeinflussen. Und jetzt, anstatt das Timing zu ändern, okay, werden wir die Tonhöhe ändern. Also wieder, wir werden eine sehr viel nach rechts und die andere sehr nach links schwenken müssen. Ok? Aber mit dem zweiten, werden wir die Tonhöhe sehr, sehr leicht ändern. Ok, also werden wir es vielleicht um $0,20 hochziehen. Mal sehen, wie sich das anhört. Okay, und wenn wir diese PITCHSHIFT ausschalten, hört sich das so an. Also, wie Sie sehen können, klingt es irgendwie genauso in es, als hätten wir den Gesang irgendwie lauter gemacht. Also, okay, wenn ich das rausnehme und ein Backend hätte. Also, indem wir die Tonhöhe ändern, erzeugen wir einen Unterschied zwischen der linken und der rechten Seite des Stereofeldes. Und weil es einen Unterschied gibt, weil das Signal, das nach links kommt, anders ist als das Signal, das in den Reis kommt. Dadurch fühlt es sich breiter an. Nun können wir das auch mit dem haas-Effekt so zusammenfassen und einen noch breiteren Sound erzeugen. Lassen Sie uns diese löschen und wir werfen einen Blick auf die Anwendung der Mikro-Shifting-Technik auf ein Instrument. Ok, also klingen die Gesänge wieder wie normal. Und wir kommen hier in diese Akkorde, dieses Akkordmuster, und wir werden einen Blick darauf werfen, wie man Mikro-Shifting hier anwendet. Also, wenn ich zur Musteransicht wechseln und ich werde dies in der Mixerspur solo. Es ist also die 27 ganz hier rüber nach rechts aufgezeichnet. Hören wir uns an, wie es klingt. Ok, gehen wir vielleicht zu einem anderen Teil des Songs, wo dieses spezielle Instrument den Filter geöffnet hat , nur damit wir ihn ein bisschen besser hören können. Lasst uns mal zuhören. Also, was wir wieder tun werden, ist, dass wir das duplizieren oder Colonus, OK. Und es wird das Instrument laden. Und was wir tun werden ist, dass wir das Akkordmuster duplizieren. Also kopieren wir das exakte Akkordmuster. Und das fügen wir so in die zweite Klavierrolle ein. Und dann schwenken wir einen nach links, den anderen zum Aufstieg. Und dann in der zweiten wird man einen Unterschied in der Tonhöhe erzeugen , indem man hier zu diesem Pitch Rad kommt. Und wir werden es einfach ändern, um, wieder, nicht zu viel, vielleicht $0,20. Okay, lasst uns mal zuhören, wie das klingt. Und nochmal, ich werde das wieder öffnen. Und wieder, wenn wir diese PITCHSHIFT ausschalten würden, würde es keinen großen Unterschied machen. Okay, also lasst uns wieder etwas Tonhöhenverlagerung anwenden. Und wir könnten sogar diese Tonhöhenverschiebung schieben, denn bei Instrumenten wird das nur Detune genannt und das kann auf einem Instrument wirklich gut klingen. Ok, und wieder, wir schalten es aus. Und wir werden Pitch-Shifting wieder anwenden. Ich war so viel. Ich bin sicher, dass Sie hören können, dass durch die Verwendung dieses Mikro-Shifting, das Instrument breiter, aber auch ein bisschen voller klingt und nehmen, okay, und es ist eine sehr nützliche Technik, die wir in unseren EDM-Tracks tun können , um diesen breiten und vollen Klang zu erhalten. Okay, wenn wir uns angehört haben, wie das klingt, wird vielleicht in der Mischung einfach alle anderen Instrumente anschalten. Und wenn wir, vielleicht wird es auf vielleicht diesen Abschnitt hier überspringen. Ok. Und ich schalte das Oregon wieder aus, nur weil es Lärm macht. Mikro-Shifting ist also nur eine andere Technik, die Sie verwenden können, um eine breite und vollständige Mischung zu erhalten. In der nächsten Vorlesung werden wir einen Blick auf die Verwendung von Reverb und Delay für Tiefe werfen. 111. Versatz und Verzögerungen für die Tiefe: Okay, jetzt werden wir Reverb und Verzögerung benutzen , um Instrumente zurück in den Mix zu schieben, okay, um ein Gefühl von Tiefe zu erzeugen. Okay, also werde ich zu diesem Klavier kommen und wir werden das irgendwie in die Musteransicht kommen. Ok. Nun, wie ich schon sagte, sagen wir, dieses Klavier spielte ganz hinten im Saal. Ok, sagen wir, Sie sind in einem Raum. Und dieses Klavier, das hier ist, spielt ganz hinten. Nun, du wirst mehr von den Reflexionen hören, okay. So wie das hier. Und wenn du näher kommst, hörst du immer mehr von dem Quellsignal, das es heißt. Und wenn du direkt neben dem Klavier bist, hört es sich so an. Weil du so nah dran bist, dass der Quellklang , der hier ist, die Reflexionen überwältigt. Aber je weiter Sie sind, werden die Reflexionen das Quellsignal überwältigen. Und das ist genauso einfach wie Tiefe zu schaffen. Wenn wir dieses Klavier wieder in den Mix schieben wollen, haben wir gerade den Raum-Hall erhöht. Also lassen Sie uns vielleicht den Gesang hinzufügen nur um zu sehen, wie es mit einer anderen Art von Element klingt. Also werde ich diese Solo machen. Wir können es voranzutreiben, indem wir diesen Hall-Level senken. Aber Sie können sehen, dass mit beiden dieser Art von Elementen irgendwie im gleichen Raum oder in der gleichen Tiefe, diese Art von Kämpfen in dieser Art von Bereich. Also werde ich das Klavier gleich zurückschieben, so dass es irgendwie hinter diesem Gesang sitzt. Ihn. Ich kann es rechts schieben, gleich zurück. Und vielleicht wollen wir versuchen, ein anderes Instrument zurück zu schieben. Lasst uns diesen Synthesizer zurückschieben. Okay, ich muss, tut mir leid, ich muss auch den Instrumentenbus solo. Okay, und das ist hier drüben. Schieben wir das direkt zurück in den Raum. Ich sagte schon mal, vorsichtig zu sein, das nicht zu übertreiben , und das ist ziemlich übertrieben, okay? Dies muss nicht so weit zurück in der Mischung sein, vor allem, weil es ein treibendes Element ist. Es ist eine Art, den Rhythmus und die Akkorde zu treiben. Ok? So kann ich das so weit zurückschieben wie mit dem Klavier. Wir könnten das sogar nach vorne halten und wir könnten den Gesang zurückschieben, indem wir den Hall benutzen. Aber im Allgemeinen halten wir den Gesang rechts nach vorne und können die anderen Elemente irgendwie zurückschieben. Und sobald Sie mit der Verzögerung tun können, können Sie den Schlag-Back-Effekt verwenden, um noch mehr Art von Tiefe zu schaffen. Also, wo dieses Instrument jetzt im Raum sitzt, ist es ziemlich weit zurück. Aber wenn wir das mit der Schlag-Back-Verzögerung zusammenschließen, die ich hier geladen habe, können wir es noch weiter zurücksitzen lassen, als es jetzt ist. Indem wir das erhöhen. Also jetzt, jetzt klingt es so, als ob du D irgendwie Slapback-Reflexionen von der Wand im Raum bekommst. Es klingt irgendwie so, als wäre dieses Instrument nicht einmal im selben Raum wie du. Wenn ich diese Verzögerung abschalte, fühlt es sich an, als wären wir näher. Wir sind näher an diesem Instrument. So können wir auch Verzögerungen nutzen, um die Dinge zurück zu schieben. In der nächsten Vorlesung werden wir einen Blick auf einige Stereo-Imaging Plug-ins , die wir laden und für eine breite Mischung verwenden können. 112. Die Stereo Plugins verwenden: In dieser Vorlesung werfen wir einen Blick auf die Verwendung von Stereo-Imaging Plug-Ins, um Weite für unsere Tracks zu schaffen. Werfen wir einen Blick auf diese elektrische Tastatur und wir werden hören, wie es klingt. Okay, ich werde es in der Mixer-Spur finden und ich werde sicherstellen, dass es nicht links oder rechts geschwenkt wird, sondern zurück in die Mitte. Und was wir tun werden, ist, dass wir ein Stereo-Imaging Plugin öffnen. Also werde ich auf meine Effekte kommen. Und zuerst werde ich nur den Standard-fruchtigen Stereo-Enhancer verwenden, okay? Und sehr leicht, wenn wir jemals das E-Piano gehört haben, können wir diesen Knopf benutzen, um es breiter zu machen. Oder wir können das jetzt verwenden, um es dünner zu machen. Also, wenn ich will, dass der Sound etwas breiter wird, würde ich das drehen, auf diese Weise zum Plus. Also dieser Stereo-Enhancer kommt kostenlos mit FL Studio und es ist eigentlich wirklich, wirklich gut. Ich mag den Klang davon, besonders auf elektrischen Klavieren und Klavieren. Nun, ich kann das ausschalten und wir können einen Blick auf einen anderen werfen, wie vielleicht diesen Stereo-Imager, der von Nomaden produziert wird. Ok? Und wieder, wir können es von Mono mit diesem Schieberegler Mano drehen. Das wäre normal. Und dann können wir die Breite wirklich schieben, indem wir den Schieberegler nach rechts ziehen. Ok? Nun, das ist ein bisschen extrem. Aber diese spezielle Ganzzahl ist eigentlich sehr, sehr gut. Okay, und wenn wir es auf Wettermuster zurückdrehen, okay, ich werde das schließen, und ich werde auch einen der beliebtesten Stereo-Imager ausprobieren, das Ozon ist. Ozon-Sieben-Imager, okay? Und das kommt mit dem Plug-in-Isotopen-Ozon. Also werde ich das öffnen und einfach das Presets-Fenster schließen. Und wir können sehen, dass dies ein Stereo-Imager ist, aber es ist Multiband, also können wir das Stereo-Bild an die Gesetze anpassen. Das Gesetz Mitten, die hohen Mitten und die Höhen. Es hat auch einen Vektorbereich, okay? Und das ist nur der Halbkreis, über den wir vorher gesprochen haben. Also dieses Licht hier, das ist u, okay. Und wie Sie dort sehen können, wenn die Art von Licht, die wir zeigen, zeigte es uns die linke und die rechte. Und es zeigt uns irgendwie, wo Art von Elementen im Stereo-Feld platziert werden. So können wir sehen, dass dies eine Art von Wackeln von links nach rechts hin und her ist. Ok? Eine wirklich coole Sache, die wir mit Ozon sieben machen können, ist, dass wir den Bands sagen können, sie sollen lernen damit ich den Sound abspielen kann und sie sich selbst automatisch anpassen. Also, wenn ich auf uns Learn Taste und ich die Play-Taste drücken, können Sie sehen, dass sie beginnen sich zu bewegen. Und es ist irgendwie herauszufinden, wo genau diese kleinen Bands, die platziert werden sollten. Wenn ich also „Lernen“ oder „Entschuldigung“ ausschalte, muss ich es anhalten und dann ausschalten? Und sobald ich es ausgeschaltet habe, hat es die Bänder gesetzt. Dann können wir nach unten kommen und jedes der Bänder separat anpassen. Also werde ich die niedrigen Frequenzen Mano halten, indem ich das nach unten ziehe und wir werden uns das in der nächsten Vorlesung ansehen. Aber ich werde das hier runterziehen. Und wie Sie hier mit den kleinen Symbolen sehen können, ich bin Mano ist irgendwie eins und Stereo Sie müssen, also je höher Sie ziehen das, desto breiter wird es sich anfühlen. Nun, wenn wir einen Blick darauf werfen, wo die Art des Hauptanteils des Klangs nach dem Lernalgorithmus ist. Es ist in dieser Art von blies dieses Gesetz Mitte Bereich. Also werde ich es ziehen die niedrigen Mitten ziemlich hoch. Ok, vielleicht etwa 36. Ich ziehe die hohen Mitten ein bisschen weniger, und dann ziehe ich die Höhen nicht so hoch und werde nie hören, wie das jetzt klingt. Okay, und die Schönheit mit Ozon ist, dass wir diese stereoweise Art von Effekt hinzufügen können. Und das ist buchstäblich nur der Haas-Effekt, den wir uns vorher angesehen haben. Also, wenn wir das auf eins ziehen und uns anhören, wie es klingt, wird es so klingen. Aber dann, wenn wir anfangen, dieses Schreiben zu erhöhen, können wir sogar damit sehen, dass der Klang viel aufgeregter ist. Es ist viel mehr Art von über das Stereo-Feld verteilt. Jetzt 17.3 ist eine Menge. Also werde ich das irgendwo unten lassen. Ich denke, sieben ist in der Regel eine ziemlich schöne Gegend, um es in zu lassen. Okay, und lassen, Lassen Sie uns dieses Plug-In ausschalten, während das Muster spielt und wir hören, Sie werden den Unterschied hören, dass es macht. Ok. So können Sie einige dieser Stereo-Erweiterungen oder Stereo-Imaging Plug-Ins verwenden , um Ihre Tracks wirklich zu schieben und sie weiß zu klingen. In der nächsten Vorlesung lernen wir, wie man Stereo-Bildgebung für niedrige Frequenzen verwendet. 113. Stereo für niedrige Frequenzen: In dieser Vorlesung haben wir gelernt, wie man Stereo-Bildgebung für niedrige Frequenzen einsetzt. Also habe ich diesen Bass-Sound hier angesprochen, und das ist die Basis, die wir im Track verwenden. Also lasst uns mal zuhören. Okay, also hört es sich so an. Und das erste, was wir tun werden, ist, dass wir in dieses Ozon-Plugin kommen. Und wir werden überprüfen, ob dieser Ton in Mono oder ist er in Stereo? Ok. Und ich werde wissen, ob es in Mono weil Mano hier nur eine Zeile unten in der Mitte zeigen wird. Aber wenn dieser Ton Stereo ist , dann wird die Form, die herauskommt, irgendwie über diesen Halbkreis verteilt sein. Also schauen wir uns mal an. So kann ich sehen, dass das Spektrum, sorry, der Vektorbereich, dies zeigt uns, dass der Ton in Stereo ist , weil er über den Halbkreis verteilt ist. Ok? Nun, wenn Sie dieses Plugin nicht haben, können Sie es ausschalten und Sie können hier überprüfen, indem Sie den Track in Mano, Ok. Und wir werden lernen, was dieser spezielle Parameter im Mixer tut. Und wenn wir tatsächlich das Mischen der Fader-Levels kommen. Aber für jetzt, nur wissen, dass, wenn Sie es nach rechts drehen, es dreht sich um den Ton mono. Und irgendwie, wenn man es nach links dreht, macht es mehr Stereo. Aber wir zeigen Ihnen, wie Benutzer, wenn wir den letzten Schliff auf den Mix anwenden. Und im Moment werde ich es nur in Mono überprüfen. Ok? Und was passieren wird, ist, wenn ich das zurücksetze, wenn ich einen Unterschied im Ton höre, wenn der Ton breiter wird, wenn ich ihn zurücksetze, dann weiß ich, dass es nicht mano war. Okay, also lasst uns den Ton jetzt in Mono anhören, und dann werde ich ihn zurücksetzen, wenn er abgespielt wird. Und wir werden wissen, ob der Sound nicht von Anfang an modelliert wurde oder nicht. Okay, damit ich höre, dass der Ton anfänglich nicht in Mono war. Denn wenn ich das auf Klangänderungen zurücksetze und beim Mischen breiter wird, wollen wir die niedrigen Frequenzen von Mano behalten, OK. Und der Grund, warum wir sie in Mono behalten, ist, dass in einem Nachtclub die Lautsprechersysteme, die die DJs verwenden, ein Mono-System sind. Indem wir die Basis in Mono halten, können wir sicherstellen, dass es immer gut klingen wird, wenn es in einem Nachtclub gespielt wird. Ok? Und wie wir alle wissen, die Basis und der Kick oder die Art der wichtigsten Teile einer EDM-Strecke. Also behalten wir die Basis und den Kick in Mono. Nun, ich könnte hier runterkommen und irgendwie das Optimum drehen, Ordnung, und eine Mono-Basis machen und das wäre, das wäre in Ordnung. Dies würde sicherstellen, dass diese spezielle Basis in Mono ist. Aber ich mag den Klang der breiten Basis, okay, diese Art von hohen Frequenzen, die breit sind. Also werde ich Ozon verwenden, um die niedrigen Frequenzen mono zu machen. Aber der Rest der Frequenzen hier, werde ich sie weiß halten. Ok? Wenn wir also zu diesem unteren Band kommen und es lösen, können wir es dann bewegen und finden, wo die niedrigen Frequenzen sind. Okay, also höre ich jetzt zu. Und wenn ich es hier aufstelle, bin ich jetzt auf viele der Art von höheren Frequenzen eingeschlossen. Also werde ich es runterbringen, nur bis wir diese Art Seife bekommen. Das Hauptgewicht der Basis. Ok? Und ich werde dieses Mono machen. So können Sie hier mit dem Vektorbereich sehen bevor es so aussah und es war überall. Aber jetzt ist es Modell. Und dann können wir wieder in diese anderen Bands hinzufügen, und diese sind immer noch weiß. Aber wir haben gerade dafür gesorgt, dass die niedrigen Frequenzen in Mono sind. Und das bedeutet, dass, wenn diese Basis in einem Nachtclub gespielt wird, es immer noch so gut klingen wird wie in Stereoanlage. Und wir können das Gleiche mit einem Kick machen. Okay, wir können hier rüber kommen und die Kickdrum spielen. Und wir könnten reinkommen und Ozon laden und einfach die niedrigen Frequenzen anpassen und die hohen Frequenzen nicht modellieren lassen. Aber es gibt nicht wirklich eine Art nette Art von Hochfrequenz-Sound mit dieser speziellen Kick-Trommel, die ich in Stereo behalten wollte. Also werde ich das nur benutzen, um es in Mono zu setzen. Jetzt kann ich sicher sein, dass diese Kick-Trommel in Mono ist und es wird gut klingen, wenn sie in einem Nachtclub gespielt wird. Also das ist alles, was Sie über die Anwendung von Stereo-Bildgebung auf niedrige Frequenzen wissen müssen, ok, wir müssen sicherstellen, dass die niedrigen Frequenzen mono sind. Abgesehen davon können Sie jedes dieser Instrumente oder eines dieser anderen Elemente so breit machen , wie Sie möchten. In der nächsten Vorlesung erfahren Sie mehr über Phase und wie Sie alle Phasenprobleme, die Sie in Ihrem Track haben, korrigieren können . 114. Phase zum Mischen: In diesem Vortrag werden wir über Phase lernen und wie wir es innerhalb unserer Tracks korrigieren können. Für mich war dies eine der wichtigsten Techniken, die ich je über das Mischen gelernt habe. Und es ist so ein einfacher Prozess, um Phasenprobleme zu beheben sind wie diese Parasiten, die ihren Weg in Ihren Track wackeln und verhindern, dass es jemals gut klingt. Es kann dazu führen, dass Sie verfolgt werden, um Stereo-Breite zu verlieren, schöne Bassfrequenzen zu verlieren, Lautstärke zu verlieren, unerwünschte Lautstärke zu gewinnen und sogar eine schreckliche Wassergleichheit zu schaffen, wenn auf bestimmten Lautsprechern gespielt. Wir müssen also definitiv wissen, wie man Phasenprobleme korrigiert. Zuallererst, was ist Phase? Es ist im Wesentlichen, wenn Sie zwei Audiosignale haben, die gleichzeitig abgespielt werden, wo sind die Spitzen und die Mulden in Bezug zueinander? Wenn wir uns dieses Bild auf der Folie ansehen, können wir zwei Sinuswellen sehen. Der eine ist schwarz und der andere orange. Sie können sehen, dass die schwarze Sinuswelle etwas hinter der orangefarbenen ist. Also, wenn die Spitze der orangefarbenen Sinuswelle spielt oder der Peak spielt. Die schwarze Sinuswelle fängt erst an und hat ihren Höhepunkt noch nicht erreicht. Und was das bedeutet, ist, dass diese beiden Signale aus der Phase sind. Was passiert ist, wenn wir diese Audiodatei so rendern, wie sie jetzt ist, werden wir diese beiden Audiosignale in einer endgültigen Version kombinieren. Aber wenn diese beiden Signale miteinander kombiniert werden, werden sie tatsächlich miteinander kämpfen. Und die schwarze Sinuswelle wird die orangefarbene Sinuswelle leiser machen. Jetzt weiß ich, dass das alles ein bisschen zu viel Theorie ist, aber es ist wirklich einfach, die Probleme zu finden und sie zu beheben. Also mach dir keine Sorgen, wenn du nicht verstehst, was das alles bedeutet. Wie können wir diese Probleme lokalisieren und korrigieren? Nun, zunächst einmal möchte ich sagen, dass ein EDM, nichts wird jemals perfekt in der Phase sein. Wir können die Phase jedoch verbessern, indem wir einen sehr einfachen Prozess anwenden. Wie korrigieren wir also die Phasenprobleme? Nun, wir finden nur die beiden Signale, die nicht in der Phase miteinander sind und dann eines von ihnen invertieren. Und das dreht die Wellenform auf den Kopf. Also, anstatt sich gegenseitig abzubrechen, ergänzen sie sich tatsächlich. Einfach, richtig? Nun, wie finden wir diese Probleme überhaupt? Wenn Sie nur zwei Elemente gleichzeitig spielen und dann die Phase eines Elements invertieren. Der Sound verliert entweder basierte Frequenzen oder gewinnt Bassfrequenzen. Wenn der Sound Bassfrequenzen erhält, war er aus der Phase und befindet sich jetzt in der Phase. Aber wenn der Klang Bassfrequenzen verliert, dann war er bereits in der Phase und ist nun aus der Phase. Sie können auch feststellen, dass der Ton etwas breiter oder voller wird. Und das wäre ein weiterer Hinweis darauf, dass der Sound jetzt in der Phase ist. All dies kann standardmäßig tun, da es ein sehr wichtiges, aber nicht weithin bekanntes Problem ist. Wenn Sie eine schnelle Suche machen, wie Sie Phase in Ihrer DAW invertieren, werden Sie ziemlich schnell herausfinden. Und es ist mehr als wahrscheinlich ein kleiner Knopf, von dem Sie nicht einmal wussten, dass es existiert. Jetzt wissen wir, wie man Phasenprobleme lokalisiert und korrigiert. Lass uns zurück ins Dunkel springen und unseren Track in Phase bringen. 115. Locating und korrigieren: Okay, in dieser Vorlesung werden wir einige Phasenprobleme finden und dann den Prozess anwenden, um sie zu korrigieren. Das erste, was wir tun müssen, ist, zwei Instrumente zu finden, die gleichzeitig spielen und der einfachste Ort, um zu beginnen, wären Ihre Ebenen. Okay, also werde ich mit diesen beiden Ebenen hier beginnen, was diese Art von Haupt-Ich-Akkord-Muster ist und dann eine andere Ebene, die neben ihr spielt. Ok? Jetzt NFL Studio, es ist wirklich, wirklich einfach, die Phase zu invertieren und wir klicken Sie einfach auf diesen kleinen Knopf hier auf der Mischerspur. Und das kehrt die Polarität um. Es steht hier oben, und das bedeutet das Gleiche wie die umgekehrte Phase. Ok? Also, was wir tun werden, ist, dass wir die beiden Elemente zur gleichen Zeit spielen hören. Und dann werden wir die Phase invertieren, während es spielt und wir werden sehen , welche Einstellung mehr Bassfrequenzen hat, sind irgendwie mehr Stereobreite. Okay, lassen Sie uns mal zuhören. Okay, und wenn Sie auf ein Element stoßen , das hier besonders schwer ist, wie dieses. Es ist irgendwie schwer zu bemerken, was, welche Art von Einstellung ist besser. Was Sie tun können, ist, dass Sie in die Wiedergabeliste Ansicht und Schleife kommen können. Ein bestimmter Knoten wie dieser. Ok? Also alles, was wir hören, ist diese Nase und es ist sehr leicht zu bemerken, und die Phasenprobleme. Okay, also lasst uns nochmal zuhören. Okay, also bemerkte ich einen sehr, sehr leichten Unterschied, okay, wenn diese Phase invertiert ist und ich denke, es klingt besser, wenn die Phasen, und so werde ich es auf lassen, okay, ich werde diese Phase invertiert lassen, so diese beiden Elemente zusammen irgendwie gut klingen. Ok? Nun, da wir diese beiden Dinge in der Phase haben, müssen wir andere, andere Elemente und Phasen bekommen . Ok? Also, was wir tun werden, ist, dass wir vielleicht dasselbe tun werden. Okay, also werden wir, wir werden einen Knoten wie diesen markieren. Hoppla, ich verkleinere einfach ein bisschen mehr, damit wir die Schleife kürzer machen können. Ok? Und ich werde dieses eine stummschalten, und ich werde das andere Instrument mit Deutsch einschalten um zu überprüfen, in welcher Phase das ist. Ok, ich werde es aufdrehen, nur ich kann es hören, aber hier, um besser zu werden. Und jetzt werden wir die Phase dieses Instruments überprüfen, indem wir die Phase als Ort drehen, eine Mileva hören, welche Art von Einstellungen klingt besser. Also bin ich mir nicht sicher, ob Sie das auch bemerken würden, aber wenn diese Phase invertiert ist. Sound wird irgendwie ein bisschen voller und ein bisschen breiter. Okay, jetzt ist dieses Element, ok, das ist in der Phase damit, und das ist in der Phase damit. Das bedeutet also, dass dies auch in der Phase damit sein muss. Okay, als nächstes werden wir einige andere Elemente überprüfen. Also lasst uns zu vielleicht dem Klavier kommen, das zur gleichen Zeit spielt wie die elektrischen Tasten, die wir gerade haben Schnittstelle. Also schauen wir uns vielleicht das ganze Muster an. Hören Sie einfach zu. Und ich werde die Tasten solo und erlaubt jede Art von Klavier. Okay, und lasst uns die Phase drehen, während das Muster spielt, und wir werden sehen, ob wir einen Unterschied bemerken. Also wieder, es ist irgendwie schwer zu hören. Also werde ich das Muster kleiner machen, indem ich diesen Alarm ziehe. Also, jetzt hören wir dies und werden die Phase als invertieren, wie spielen und immer auf irgendwelche Unterschiede hören. Also wieder, wenn die Phase davon invertiert ist, denke ich, es klingt irgendwie voller und breiter, wenn es nebeneinander spielt. Also, jetzt ist dies in der Phase damit, und das ist in der Phase damit. Und weil dies in der Phase damit ist, bedeutet das, dass all diese vier Elemente alle in Phase zusammen sind. Und das ist der Prozess, den Sie verwenden werden, wenn Sie Ihre Instrumente und Phase bekommen. Okay, lassen Sie uns noch eins überprüfen und vielleicht das Lead-Instrument, das hier kommt. Das hatten wir schon mal gehört. Wenn wir nur diese Art von Bereich markieren. Okay, und wir sind Solo, vielleicht ist das und wir werden das eigentliche Leaderinstrument solo, das ist das hier. Ok. Und jetzt, wenn wir die Phase invertieren, wie sie spielt, und wir werden irgendwie bestimmen, welche Einstellung in der Phase ist. Okay, mit diesem Instrument glaube ich nicht, dass es irgendeinen Unterschied macht. Also werde ich uns auf die Art und Weise einstellen , wie es ist, weil ich nichts vermasseln will, nur für den Fall, wenn ich invertiert bin, es irgendwie die Phase von allem anderen durcheinander bringt. Und ich denke, es klingt gut, wie es hier mit der Phase normal ist. Ok. Werfen wir einen Blick auf ein paar Trommeln und Phase. Also werden wir sortieren, wir werden einige der Samples hervorheben werden zur gleichen Zeit gespielt. Also vielleicht diese Hüte, okay, und lasst uns sie lösen. Es ist also dieses und es spielt gleichzeitig wie das hier. Ok. Und ich werde das ablehnen, nur damit wir beide hören können. Und wird die Phase dieses einen umkehren, während es neben diesem spielt. Und wir werden sehen, welche Einstellungen besser klingt. Okay, lassen Sie uns mal zuhören. Okay, es ist ein sehr subtiler Unterschied, aber ich kann hören, dass die Phase wenn sie umgekehrt ist, besser klingt, als wenn die Phase nicht umgekehrt ist. Okay, versuchen wir eine der Klatschproben. Also lasst uns diese beiden klatschen das Spiel zur gleichen Zeit, das ist dieses hier auf Track 24. Und es ist dieser hier, der auf Track 37 spielt. Okay, lassen Sie uns beide hervorheben. Und ich werde das ein bisschen ruhiger machen. Jetzt können wir beide gleichzeitig spielen hören. Also, was wir tun werden, ist, dass wir die Phase invertieren, während sie spielen, und wir werden die beste Einstellung finden. Wieder, es ist ein subtiler Unterschied, aber ich denke, wenn das invertiert ist kommen wir irgendwie in ein paar mehr hohe Frequenzen und der Klang wird ein wenig plötzlich breiter. Ok? Also denke ich, das klingt besser, wenn die Phase invertiert ist. Und schließlich werden wir die Kicktrommel gegen die Basis überprüfen. Ok? Und das ist wahrscheinlich der wichtigste Teil der Anwendung Phasenkorrektur. Überprüfen Sie Ihre Kick-Trommel gegen die Basis. Okay, wenn wir also die Kickdrum hervorheben, die hier ist, und dann spielen wir gleichzeitig den Bass. Vielleicht machen Sie das ein bisschen länger. Nein, eigentlich, bringen wir es zurück. Okay, jetzt können wir beide gleichzeitig spielen hören. Ich werde das nur ein bisschen lauter machen. Also lasst uns die Phase der Basis drehen, wie die Kick Drum spielt. Und wir werden herausfinden, welche Einstellung mehr Bassfrequenzen hinzufügt. Lasst uns mal zuhören. Okay, wenn die Phase der Basis gekippt wird, wird sie etwas breiter. So weiß ich jetzt, dass die, dass die richtige Einstellung ist, wenn die Phase invertiert wird. Ok. Lasst uns nur noch ein Instrument überprüfen, vielleicht schauen wir uns dieses Pad an. Klang gegen das Klavier. Okay, also werde ich das Klavier hervorheben, das hier ist. Und dann werde ich das Pad hervorheben, das hier spielt. Lassen Sie uns sie einfach in ähnlichem Volumen bekommen. Alles klar, und lasst uns die Phase umdrehen und sehen, was passiert. Wieder merke ich, dass dies etwas breiter klingt , wenn die Phase umgedreht wird. Also werde ich die Phase invertiert lassen. Lasst uns das Pad gegen diesen Oregon überprüfen. Und wir werden das ablehnen. Lasst uns die Phase umdrehen. Okay, ich denke, diese Einstellung hört sich gut an. Ich denke, wenn sie beide so umgedreht sind. Aber die Phasenumkehrung auf, ich denke, es klingt gut. Jetzt können Sie eine Spur machen, wo es eine Art von kleinen Vase Probleme wie diese gibt. Ok. Und es passiert einfach so, dass, wenn ich die Phase umkehre, nicht viel passiert. Und es ist irgendwie schwer, die Art der subtilen Unterschiede zu hören. Aber du musst deine Phase überprüfen, okay? Denn es gibt Zeiten in deinem Track, in denen du nicht einmal weißt, was passiert. Und dann, sobald Sie die Phase drehen, plötzlich wird der Sound viel mehr voll und viel breiter und irgendwie hell und es klingt einfach viel besser. Ok. Manchmal kann es einen subtilen Unterschied machen, und zu anderen Zeiten kann es einen großen Unterschied machen, okay, also stellen Sie sicher, dass Sie die Phase Ihres Tracks überprüfen und Probleme korrigieren. Im nächsten Abschnitt erfahren Sie mehr über Seitenkette und alle Vorteile, die mit uns kommen. 116. Phase Follow: Okay, also nur um diese letzte Vorlesung zu verfolgen, okay, wo ich sagte, dass einige Elemente einen subtilen Unterschied machen werden, okay? Und Sie können es vielleicht gar nicht hören. Und andere Elemente wie diese werden einen großen Unterschied machen. Okay, also lasst uns nur zwei zuhören. sind Backing-Vocals und das, anders als das, ist es eine Art Gesang, dieser Vocal, aber wenn ich die Phase umkehre, okay, das macht einen massiven Unterschied. Okay, also lasst uns mal zuhören, wie es sich anhört. Während ich die Phase umkehre. C, werden Sie feststellen, wenn beide diese Art von Phasenparametern deaktiviert sind, es klingt viel vollständiger und breiter. Lasst uns mal zuhören. Und wenn ich das umdrehen sollte, schaffen wir Phasenprobleme, weil dieses Signal jetzt irgendwie mit diesem zu kämpfen hat. Also lassen Sie uns noch mal kurz zuhören und dann gehen wir zum Seitenkettenabschnitt über. Okay, gehen wir jetzt zur Seitenkette. 117. Sidechain zum Mischen: In dieser Vorlesung haben wir über Seitenkette gelernt und wofür wir sie in unseren EDM-Tracks verwenden können Seitenkette ist extrem verbreitet und es gibt eine Form der Seitenkette, die Sie unbedingt verwenden müssen, damit Ihre Spuren sauber klingen und professionell. Side-Chain ist also, wenn Sie ein Audiosignal verwenden , um einen bestimmten Parameter im Dunkeln zu steuern. Sie könnten vielleicht das Audiosignal des Gesangs verwenden, um den Hall abzuschalten, so dass sie viel sauberer und vorab klingen. Dies kann Ihnen erlauben, eine riesige Menge an Hall zu verwenden da der Gesang immer noch sauber klingt, wenn sie spielen. Grundsätzlich, wenn Sie möchten, dass etwas passiert, jedes Mal, wenn ein Element spielt, können wir Side-Kette verwenden. Also, was sind die gebräuchlichsten Möglichkeiten, wie wir Side-Kette verwenden können? Nun, vor allem gibt es die berühmte und absolut essentielle Technik der Seitenkettenkompression. Und das wird alle Elemente zu einer Art von Dip oder Ente in Volumen zwingen , wenn sie Platz treten. Wenn Sie diese Art von Seitenkette nicht verwenden wird Ihr Track sehr Roboter und Amateur klingen. Wir können auch seitliche Kette verwenden, um Volumina zu steuern. Vielleicht lenkt dein Lead-Instrument vom Gesang ab, wenn sie zusammen spielen. So können Sie das Signal des Gesangs verwenden, um die Lead nach unten zu drehen, wenn sie gleichzeitig spielen. Sie können auch die Seitenkette verwenden, um Effekte zu steuern. So können wir den Klang der Verzögerung immer leiser werden, wenn ein Element spielt. Jetzt können wir mit FL Studio auch etwas tun, das Peak Controlling genannt wird, okay? Und das ist eine Form der Seitenkette, die es uns erlaubt, absolut alles zu kontrollieren, was wir wollen, aber andere Hunde können das nicht wirklich tun. Also, wenn wir zu diesem Vortrag kommen, können Sie ihn einfach überspringen, wenn es nicht für Sie zutrifft. Also lasst uns in die Dunkelheit gehen und anfangen, Seitenkette für unsere Spuren zu verwenden. 118. Sidechain-Kompression für die Compression: In diesem Vortrag lernen wir den Prozess, den wir verwenden, wenn wir Seitenkettenkompression anwenden, okay? Und es ist wirklich einfach. Es ist irgendwie, es beinhaltet nur zwei Elemente zu nehmen. Also das Element, das Sie seitliche Kette und das Element, das Sie die Seitenkette steuern möchten. Also lassen Sie uns einfach sagen, dass ich diesen Gesang will. Immer wenn dieser Gesang spielt. Hoppla. Also, wann immer das spielt, wollte ich vielleicht dieses Instrument abwenden. Ich muss das im Instrument-Bus einschalten. Ok. Lasst uns nochmal zuhören. Jedesmal, wenn dieser Brennpunkt ist, wollte ich die Lautstärke dieses Instruments abwenden. Das ist also das Signal, das wir benutzen werden, um das andere Element hier drüben zu kontrollieren. Ok? Also werde ich das nehmen und ich werde es mit diesem Track verknüpfen. Und ich werde mit der rechten Maustaste klicken und Seitenkette zu dieser Spur sagen. Ok. Also, jetzt kommt das Signal von hier rein und es wird keinen Ton machen, weil das Seitenkettensignal still ist und es ist nur eine Art zu lesen, was hier passiert und das zu verwenden, um zu bestimmen, wann und wann nicht die Volumen von diesem. Also, wenn wir einen Kompressor auf das Element laden, das wir irgendwie abdrehen wollen. Und ich werde den fruchtigen Limiter laden. Ok. Denn so zitieren Sie Jane und FL Studio. Sie kommen in den Limiter und Sie kommen hier in diesen Kompressionsbereich. Und dann änderte ich den Wert der Seitenkette in eins. Also, jetzt nimmt es das Signal von diesem. Und wenn ich das Verhältnis wieder anpasse, ist es das Gleiche wie alle anderen Kompressoren. Also, wie aggressiv Soll die Lautstärke sinken? Ich werde das auf vielleicht 4,5 setzen. Und dann senken wir die Schwelle und Sie werden sehen, dass die Lautstärke beginnt zu sinken, wenn der Gesang abgespielt wird. Ok? So können Sie dort sehen, dass jedes Mal, wenn der Gesang aufhört zu singen, die Lautstärke zunimmt, okay? Und jedes Mal, wenn der Gesang singt, nimmt die Lautstärke ab. Lasst uns nochmal zuhören. Das ist also wahrscheinlich ein bisschen zu aggressiv. So könnten wir das Verhältnis senken und wir könnten auch die Schwelle ein kleines bisschen erhöhen, nur damit es nicht so offensichtlich ist. Es ist also nur irgendwie subtil, die Dinge sauberer zu machen. Also, das ist der Prozess, den Sie verwenden, OK. Sie nehmen das Element, das Sie steuern möchten, die Seitenkette und dann verknüpfen Sie es dem Element, auf dem die Seitenkette geschehen soll. Ok? Dann auf das Element, an dem die Seitenkette passieren soll, laden Sie einen Kompressor, okay, und in Ableton denke ich, es ist der Kleberkompressor und, und Sie werden ihn so einstellen, dass er einen seitlichen Ketteneingang davon nimmt, okay? Und dann machen Sie einfach die gleiche Art von Kompressionsanpassungen. Wir können den Angriff auch anpassen. Wie schnell passiert die Seitenkette? Die Freigabe, wissen Sie, wie schnell schaltet sich die Seitenkette irgendwie wieder aus und all diese verschiedenen Dinge. Und es ist wie mit einem normalen Kompressor, außer dieses Mal nehmen Sie das Signal von dieser Art von Steuerelement. In dieser Vorlesung wurde beschrieben, wie ein Element verwendet wird, um die Lautstärke eines anderen zu steuern, um die Lautstärke zu senken, wenn dies abgespielt wird. In der nächsten Vorlesung werden wir einen Blick auf die Verwendung eines Elements werfen, um die Lautstärke eines Effekts zu steuern. 119. Sidechain-Kompression für die Effektsteuerung: In dieser Vorlesung lernen wir, wie man das Signal eines Elements benutzt , um die Lautstärke eines Effekts zu steuern. Okay, wenn wir also diesen Gesang hier nehmen, okay. Das hört sich so an. Nun sagen wir, ich mag den Klang des Gesangs wirklich, wenn ich viel Reverb drauf habe. Und das hört sich gut an. Aber wenn wir es wieder in den Mix hinzufügen, hört es sich so an. Ok. Wenn ich es etwas nach unten schiebe, ziehe ich die einfach. Ok? So passt ein völlig nicht. Es gibt zu viel Reverb auf diesem Tier. Und was wir tun können ist, dass wir das Signal von diesem verwenden können, um die Lautstärke des Halls zu steuern. Und es ist wirklich einfach und FL Studio, wenn Sie Sandkanäle wie diese verwenden, und die Seitenkette ist bereits Setup-Ansicht. Also werde ich einen Limiter laden und ich werde ihn auf die Komprimierungseinstellung einstellen. Und dann werde ich dem Limiter sagen, dass er den seitlichen Ketteneingang von der Spur nehmen soll. Also lasst uns diese Eingabe in zwei ändern. Und jetzt nimmt es ein seitliches Kettensignal von dieser Spur ein. Und wir können das Gleiche tun. Wir können das Verhältnis anpassen, also vielleicht bis zu 3,6, und dann können wir die Schwelle senken. Also beeinflussen wir die Lautstärke des Halls mit diesem Gesang. Und Sie können sehen, dass es dort mit dem Purpur passiert. Ok? Jetzt ist es dort sehr offensichtlich. Also, wenn ich nur den Gesang für eine Sekunde solo und habe ein Hören. Okay, also ist es irgendwie, den Gesang sauberer zu machen, aber die schöne Geschichte des Hall weiterzumachen. Jetzt kann ich bemerken, wenn zwischen den Worten 123 der Hall irgendwie auf und ab springt. Und ich mag das Geräusch nicht. Also werde ich die Freigabe erhöhen, so dass die Seitenkette nicht so schnell abschaltet. Also, wenn wir das erhöhen, sollte es verhindern, dass bestimmte Geräusche passiert. Ok? Und jetzt beheben wir das Problem. Nun, wir könnten die Schwelle etwas mehr machen, etwas mehr Hall-Sound hinzufügen. Lasst uns nochmal zuhören. Und wir können vielleicht einfach den Rückgang bei einer kleinen Wette verringern und wir würden ein hören, wie es jetzt klingt, Indie-Fault Mix. Also lasst uns mal zuhören. Das ist also der einfache Prozess, den Sie verwenden können, um die Lautstärke eines Effekts zu steuern. Wenn du diese Soundtracks nicht verwendest und vielleicht wie einen Boss-Kanal oder etwas für deinen Reverb verwendest, hast du hier Reverb. Was Sie tun können, ist, nehmen Sie den Gesang oder das sind die Elemente, die Sie die Seitenkette steuern möchten. Und dann verbindest du es einfach, so sagen wir Seitenkette zu dieser Spur. Und dann noch einmal, dasselbe. Öffnen Sie den Limiter und passen Sie die Einstellungen an. Ok? In der nächsten Vorlesung werden wir einen Blick auf die wichtigste Art der Seitenkette für EDM werfen. 120. Sidechain-Kompression für die Entfaltung: In diesem Vortrag werden wir uns die wichtigste Form der Seitenkette ansehen , die Sie in Ihrem Track verwenden können. Und das ist so wichtig, dass, wenn Sie es nicht als Plattenlabel verwenden, wird Ihre Spur vollständig ablehnen. Also müssen Sie sich wirklich daran erinnern, diese Seitenketten-Technik zu verwenden , um die Elemente hinter der Kickdrum zu entten. Also, wenn ich nur die Kick-Trommel in der Mixer-Spur markieren, so ist es nicht verfolgt 16. Und ich werde das oder Solist hervorheben. Ok? Und jetzt, wenn wir eines der Instrumente spielen, die gleichzeitig spielen, vielleicht dieses. Jetzt im Moment ist das nicht seitlich angekettet. Und wenn Sie seitliche Kettenelemente an der Kickdrum machen, macht das einen großen Unterschied. Also, was wir tun werden, ist, dass wir diese Kick-Trommel mit dieser Instrumentenspur verknüpfen , indem wir mit der rechten Maustaste klicken und sagen, dass die Seite diesen Track ändert. Dann wird der gleiche Prozess, den wir öffnen den Limiter, okay, kommen Sie in den Kompressionsbereich und sagen ihm, dass er die Seitenkette Eingang von dieser ersten Seitenkette Art von Eingang nehmen soll, die wir dieser Spur zugewiesen haben. Also Seite Kette eins und dann vielleicht passen Sie das Verhältnis an. Ich finde, dass für Side-Kette ein Verhältnis von über vier am besten funktioniert. Und ich benutze normalerweise ungefähr fünf, okay? Also ein Verdichtungsverhältnis von fünf, konnte ich es dort oben sehen. Und wie es spielt, wird diese Schwelle anpassen und einen optimalen Punkt für die Seitenkette finden. Lasst uns mal zuhören. Ok? Wenn ich das ausschalten, hört es sich so an. Und ich werde es wieder einschalten, wenn es spielt. Okay, was es tut, ist, dass es jedes Mal, wenn das Kind spielt, das Volumen dieses Elements duckt . Und es ist wirklich wichtig, einen guten Groove in deinem Track zu bekommen. Okay, also denke ich, ich habe es etwas zu aggressiv gemacht. Also habe ich gerade die Schwelle angepasst. Es ist irgendwie ein bisschen aufgetaucht. Okay, und jetzt werden wir das mit jedem einzelnen Instrument tun , das gleichzeitig spielt. Ok? Nehmen wir also den seitlichen Ketteneingang von der Kicktrommel und verknüpfen ihn mit diesem Lead-Instrument. Ok? Ordnung. Jetzt öffnen wir den Limiter, kommen zum Kompressionsbereich und wählen die Seitenkette eins, passen das Verhältnis so an, dass es ähnlich ist wie die ersten Instrumente oder etwa fünf als Mai 4.9 5.1. Das ist in Ordnung. Und wir ziehen diese Schwelle runter, bis wir einen optimalen Punkt finden. Ok? Und das werden wir noch mal für dieses Instrument hier tun. Nehmen wir also die seitliche Ketteneingabe indem Sie mit der rechten Maustaste klicken und sagen, dass sich die Seite an dieser Spur geändert hat. Dann öffnen wir den Limiter, kommen in den Kompressionsbereich Seite Kette eins. Verhältnis bis zu fünf, okay? Und die Schwelle wird es herunterbringen, während es spielt. Okay, also scheint das nicht zu funktionieren. Also werde ich den zweiten Seitenketteneingang versuchen. Okay, und jetzt funktioniert das, kann ich sehen, dass das dort funktioniert. Also werde ich diese unsolo machen, nur damit ich dieses Instrument ein wenig besser hören kann. Ok? Also lasst uns einen optimalen Punkt finden. Okay, und das sieht gut aus und hört sich gut an. Also lassen Sie uns auf diese Instrumente zurückdrehen und den Charaktermann behalten. Und ich werde sicherstellen, dass Sie die Instrumentenspur einschalten. Und dann haben wir eine Lektion wie der Aufbau, wie spielen und dann in den Tropfen. Okay, Sie können also sehen, wie wichtig es ist, psi j zu verwenden. Wenn ich nun die ganze Seitenkette abschalte und wir wieder zuhören werden, okay. Ok. Und wenn ich es wieder anschalte. So endete seine Spur Seitenkette zu dieser Spur. Und wieder seitliche Kette zu dieser Spur. Wenn ich also Standortverkettung bin, wenn ich diesen Docking-Effekt mache, werde ich alle diese Instrumente verketten, ok, die Basis und diese Instrumente, diese Instrumente, ich könnte sogar diese Art von Hintergrund-Checker , damit es eine bessere Nut hat. Wenn wir uns die Trommelelemente ansehen, okay? Wir haben die Kette D nicht an der Seite. Okay, also wie die einzelnen Hüte und Klatschen und so, wir brauchen keine Jane-Türen zu zitieren, aber wenn Sie eine externe Schleife als Schicht verwenden, würden wir diese Seite verketten. Okay, also werde ich nur ziehen, wenn wirklich schnell. Lassen Sie uns nur eine externe Schleife ziehen. Ich werde ganz schnell gut auf. Also, vielleicht werden wir das hier einfach reinziehen. Fit an Tempo, so dass es in der Zeit spielt. Und wenn wir nur die Kick-Trommel hören und dieses Element oder diese Schicht. Ok, was ich damit machen würde, ist, dass ich es auch seitlich verketten würde. Also, wenn wir den Kick Drum Eingang nehmen und dann gehen wir zur Seite Kette, um durch Rechtsklick abzulenken und Side-Kette sagen. Dann öffnen wir den Limiter. So wie das hier. Kommen Sie zum Kompressionsbereich. Nehmen Sie die Eingabe von einem, es nur das Verhältnis, also bis zu etwa fünf, und bringen Sie dann die Schwelle als Ort. Und das wird nur machen, dass bestimmte Schleife irgendwie besser in deine Strecke passt. Ich werde nur einige der anderen Trommelelemente hinzufügen , die wir verwenden. Also vielleicht ein paar davon, dieser Hut und wir halten die Instrumente an. Und dann werden wir alles irgendwie unsolo machen und wir werden uns den Docking-Effekt auf alles anhören. Ok, also stellen Sie sicher, dass Sie diese Seitenketten-Docking-Technik in Ihrem Track verwenden , okay? Es ist absolut wichtig und es ist eine der grundlegenden Techniken, die wir in EDM tun, okay? Und in Ihrer DAW wird der Prozess anders sein. Ich kenne einen Ableton, Sie öffnen einfach den Kleberkompressor und ich denke, Sie nehmen die Eingabe von, Sie weisen die Eingabe irgendwie zu, welcher Spur Sie die Seitenkette steuern möchten. Aber in Ihrem Punkt könnte dieser Prozess anders sein. Stellen Sie also sicher, dass Sie herausfinden, wie Sie Side-Chain und Ihre DAW verwenden und definitiv anfangen, sie in Ihren Tracks zu verwenden. 121. Peak: In diesem Vortrag werden wir einen Blick auf etwas werfen, das für FL Studio einzigartig ist und das ist Peak Controlling. Ok? So können wir jedes dieser Elemente verwenden, um jeden Parameter innerhalb des DOD zu steuern. Okay, wenn ich diese Gerichte nehme und wir eine Lektion haben, kann ich einen Spitzen-Controller auf dieser Strecke eröffnen. Und was das tut, ist, dass es die Eingabe abbildet. So bildet es die Gipfel und die Tröge von diesem bestimmten Element ab. Ok, damit Sie sehen können, dass dort passiert. Und wir können diese Art dieser Karte verwenden, um alles zu kontrollieren, was wir wollen. Okay, also sagen wir, ich möchte, dass dieses Akkordmuster vielleicht das Schwenken des Gesangs kontrolliert, okay? Okay, was ich tun kann, ist, dass ich in den Gesang kommen kann, mit der rechten Maustaste auf das Schwenken klicken und Link zum Controller auswählen kann. Und das wird dieses kleine Fenster auftauchen, in dem wir diesen Controller auswählen können. Okay, wir können, wir können runterkommen und wählen, Entschuldigung, es ist ganz oben. Wir können den fadenscheinigen Peak-Controller für dieses bestimmte Instrument auswählen. Also wählen wir Peak. Und dann, wenn wir nur hatten, außer, Sie sollten sehen, dass, wenn dieser Ort und es beginnt, das Schwenken anzupassen, die Gesang. Ok? So können Sie sehen, dass es dort passiert. Und wenn Sie zugehört haben, wie das klingt in der Mischung, wird nur kommen und vielleicht klicken Sie auf diesen Teil. Mileva hör zu. Okay, also können wir den PI-Controller verwenden, um jedes Element im Dunkeln zu steuern. Im nächsten Abschnitt werfen wir einen Blick auf einige zusätzliche Effekte, die Sie für Ihre EDM-Tracks verwenden können. 122. Zusätzliche Effekte für EDM: In diesen wenigen Folien gehen wir einige der zusätzlichen Effekte durch , die Sie für Ihre EDM-Produktionen verwenden können. Es gibt buchstäblich Millionen von interessanten Effekten, die Sie herunterladen und verwenden können, um eine coole Textur zu Ihrem Track hinzuzufügen. Wir werden nur einige der grundlegenden hier abdecken. Und wir konzentrieren uns nur auf die Presets, weil sie nicht ein wesentlicher Bestandteil des Mixings sind und die Verwendung der Presets für deinen Track wird absolut in Ordnung sein. Was sind die wichtigsten zusätzlichen Effekte, die wir verwenden können? Nun, es gibt Phasoren, Flandern, Chor und Filter. Denken Sie daran, als wir uns die Phase vorher angesehen haben und wir sagten, dass, wenn Elemente aus der Phase sind, es den Ton anders machen kann. Nun, ein Phaser wird tatsächlich mit der Phase der Elemente spielen , um einen interessanten und angenehmen Klang zu schaffen. Da sich die Phase ständig bewegt, können wir durch die Verwendung dieser Phasoren eine gewisse Bewegung in der Spur erzeugen. Flansche sind dann Phasoren extrem ähnlich , da sie auch mit der Phase eines Sounds spielen. Ein Flanger wird viel extremer klingen, da er das Audio im Gegensatz zu einem Phasor verarbeitet. Beide können sehr einzigartige und interessante Ergebnisse schaffen. Als nächstes haben wir einen Chor, der den Sound oft dupliziert hat und es klingen lässt, als gäbe es viele gleiche Elemente spielen. Zum Beispiel können Sie einen Gesangsklang machen, wie eine volle Menge mit einem Chor singt. Sie funktionieren auch hervorragend auf Instrumenten, um sie dicker und voller zu machen. Schließlich haben wir Filter, und diese wenden einfach verschiedene EQ-Formen auf den Sound an. Ein Hochpassfilter ist genau das gleiche wie ein Hochpass auf einem EQ-Plugin. Außer mit dem Filter können wir Automatisierung anwenden, so dass es sich als Spurplatz öffnet. Springen wir zurück in die Dunkelheit und beginnen, einige zusätzliche Effekte hinzuzufügen. 123. Phaser: In diesem Vortrag werden wir einen Blick auf Phasoren werfen und wie wir einen Phasor in unserem Track verwenden können. So klingen diese besonders gut auf Instrumenten. Okay, also öffnen wir dieses E-Piano und wir hören uns an, wie es klingt. Ich muss es in der Mixer-Track solo. Okay, und lasst uns ein Phasor-Plugin öffnen. Wenn wir also hierher kommen und wir offen sind, öffnen wir vielleicht den Standard-Phasor, der mit FL Studio kommt. Ich meine, ich habe mir zugehört, was das mit dem Gesamtklang ausmacht. Okay, versuchen wir es mit einer anderen Voreinstellung. Vielleicht wollen wir diesen tiefen Fisch probieren. Okay, versuchen wir vielleicht diesen sprechenden Phasor. Diese Voreinstellung klingt also so. Ok? So gibt es, es gibt sehr interessant, sie können einen interessanten Klang zu Ihren Anziehungen hinzufügen. Ok? Und wenn wir vielleicht versuchen, eine Phase oder dass Sie für so eine Art von besserer Qualität Phasor zahlen müssen. Man kann ein paar wirklich, wirklich schöne Geräusche bekommen. Okay, und versuchen wir es und vielleicht ein paar andere Voreinstellungen. Versuchen wir, Kampf und okay, lassen Sie uns versuchen, vielleicht Frequenznavigation. Und vielleicht lasst uns versuchen, Phase zu, lasst uns das versuchen. Okay, damit sie in deinen Tracks sehr interessant klingen können. Und du kannst sie für jedes Element verwenden, das du magst, okay? So können Sie sie auf Vocals verwenden, Sie können sie auf Ihren Drum-Samples verwenden, oder Sie können sie sogar auf einigen externen Loops verwenden. In der nächsten Vorlesung werfen wir einen kurzen Blick auf einen Flanger. 124. Flangers: In diesem Vortrag werden wir uns Flandern ansehen, okay? Und Flansche klingen gut auf Gesang. Sie klingen auch gut auf Trommeln, und sie klingen auch gut auf Instrumenten. So können sie auf jeder Art von Element gut klingen, auf das Sie sie anwenden. Okay, also lass uns diese Vocals im Mixer-Track öffnen und wir werden sie solo machen. Ich werde nur Staub vom Controller lösen, mit dem wir in einer vorherigen Vorlesung verbunden waren , und das Schwenken zurücksetzen. Und wir hatten je zugehört, was der Gesang wie Amazon klingt. Und wenn wir Flanger-Plug-in notieren, Okay, also benutzen wir den Aktienflanger mit FL Solist und wir werden hören, wie es klingt. Versuchen wir also einige dieser Voreinstellungen. Schneller Flanger. Vielleicht versuchen wir es mit Modulation. Versuchen wir es ultradünn. Ok. Und wirklich schnell mit einfach versuchen, vielleicht klassischen flanger. So können diese einige wirklich interessante Art von Klängen in Ihrem Mix machen. Und wenn wir ein weiteres Plug-in laden, vielleicht eines, das nicht mit fl kommt. Okay, versuchen wir dieses Flare-Plug-in und wir werden sehen, wie das klingt. Wenn ich auf „Play“ klicke. Also werden wir einige der Voreinstellungen ausprobieren. Vielleicht ist alles, was du brauchst, schlecht. Lass es uns versuchen. Vielleicht boxy Swirl. Und nur eine weitere nur um der Demonstration willen, lassen Sie uns diese scharfen Strahlkanten versuchen. Ok, so kann ein Flanger klingen, wenn er auf deiner Spur ist. Und genau wie Phasoren können sie Ihrem Track ein wirklich interessantes Element hinzufügen. Also lassen Sie uns jetzt von hier weiter gehen, ich werde einen kurzen Blick auf den Kurs werfen. 125. Chorus: Also in dieser Vorlesung werden wir einen Blick auf den Chor werfen, okay? Und Chor klingen gut auf Gesang, oder es kann auch gut auf Instrumenten klingen. Okay, also lass uns diesen Gesangstrack öffnen und wir fügen ihm einen Choruseffekt hinzu. Also werde ich das solo machen und das ausschalten. Okay, also werde ich den Flanger ausschalten und wir laden einen Refrain. Also werde ich zuerst den fruchtigen Chor laden, der der Standard-Chor ist, der mit fl kommt. der der Standard-Chor ist, der mit fl kommt. Und wir hören nie zu, wie es sich anhört. Ok? Und wenn wir eine Art dickerer Version wählen, vielleicht ist diese Tatsache sauber oder nicht. Wir werden versuchen, vielleicht 50 verzweifelt zu wählen. Lasst uns das versuchen. Ja, okay. Das ist also ziemlich dick, wenn man sich den Gesang selbst anhört. Sie klingen also sehr dünn und man kann sagen, dass nur eine Person singt. Aber wenn wir in diesem Kurs Einfluss hinzufügen, plötzlich klingt es, als ob es mehr Art von Sängern, die die Gesangslinie singen. Also jetzt, wenn wir dies durch vielleicht einen besseren Chor ersetzen, so dass EM, einer, der nicht frei mit fl kommt. Okay, wir werden diesen Koralleneffekt ausprobieren. Ich bin okay und wenn wir vielleicht einige der anderen Presets versuchen, also versuchen wir es Deep White. Ok, also betrafen diese Grace, wenn sie als eine Art Backing-Vocals als als Layer verwendet werden. Ok, wenn ich also nur 02:00 Uhr begegne, vielleicht hier, wo ich ein paar Backing-Vocals zur gleichen Zeit spielen kann. Ich sehe sie einfach an und finde sie. Und, Hoppla. Vielleicht lassen Sie es uns an einem von diesen versuchen. Ok. Also mit Solar die Vocals und Mazola, einer dieser Art von Backing-Vocals. Und das hier ist es. Also, was ich tun werde, ist, dass ich die Pfanne zurücksetze und ich werde den Vocoder nur um der Demonstration willen ausschalten und wir laden einen Choruseffekt ein. Ok, offen ist vielleicht derselbe, der tief, breit ist. Und wann immer Sie zuhören. Okay, also klingt es gut, wenn es mit diesen, irgendwie, mit diesen Hauptgesang überlagert ist. Ok? Jetzt kann Chor auch gut auf Instrumenten klingen. Okay, also versuchen wir vielleicht noch mal das E-Piano, wir schauen uns das irgendwie an, ähm, wenn ich so etwas in der Mixer-Spur, die hier ist, OK, schalten Sie den Phaser aus, der schon drauf war, und wir versuchen ein Chorus-Plugin. Also lasst uns vielleicht eine andere Voreinstellung ausprobieren. Versuchen wir es intensiv. Ok. Und wenn ich das abschalte, klingt es so. Wenn wir diesen Chorus-Sound wieder hinzufügen, hört es sich so an. Und Sie können dann die Lautstärke anpassen, so dass es nur eine Art subtiler Effekt ist. Also wieder, Chor kann eine Art interessante Textur in Ihrem Track hinzufügen. In der nächsten Vorlesung werden wir einen kurzen Blick auf Filter werfen. 126. Filter: In diesem Vortrag werfen wir einen Blick auf Filter. Und der Filter kann wirklich verwendet werden, um den Fortschritt Ihrer Strecke zu treiben. Okay, wenn wir in dieses Klavierinstrument kommen, ok, wenn wir einen Filter hinzufügen, also lade uns einen der freien, die kommen. Ich liebte Filter. Und was wir damit machen können, ist, dass wir den Cutoff anpassen können. Ok? Erinnern Sie sich an das aus dem Synthesizerbereich, in dem wir den Cut-off eingestellt haben. Es ist das Gleiche, aber wir können es auf reale Instrumente wie Klavier anwenden. Können Sie irgendwie automatisieren und einige coole Effekte wie diese erstellen. Wenn Sie den Cutoff-Filter automatisieren würden. Oder Sie können es automatisieren, so dass der Filter sich langsam öffnet als die, als die Spur platziert. Also in diesem Fall wäre es hier, wo das Klavier ins Spiel kommt. Wir würden den Filter irgendwie geschlossen und dann offen halten, wenn der Tropfen kommt. So können Sie einen Filter für die Art des Fortschritts Ihres Tracks verwenden. Jetzt können Sie auch einige der Voreinstellungen verwenden, die mitgeliefert werden. Werfen wir einen Blick auf einige davon. Und wenn wir einen Blick auf, was eine melodische Band Pastoren, wird es so klingen. Ok, also ist es eine Art Hinzufügen von Resonanzen, irgendeine Art von Resonanzfrequenzen, wie der Filter spielt. Ok? Aber wir können diese Schwule Dinge auch verwenden, um eine Art coolen automatisierten Sound zu schaffen. Kannst du sehen, wie der Sound etwas ausschneidet? Wenn wir eines davon versuchen, vielleicht dieses pegel angetriebene Rauschtor oder einen sequenzierten Blick. Und das tun wir, indem wir in einer Art Form auf dem LFO zeichnen. Okay, aber ich werde dir nicht zeigen, wie man das in diesem Kurs macht , okay? Aber im Moment, versuchen Sie einfach einige dieser Voreinstellungen. Okay, versuchen wir es verwirrt. So können Sie, Sie können einige wirklich, wirklich coole Effekte erstellen. Und du kannst das vielleicht mit einem der anderen zusammenarbeiten, die wir uns angesehen haben. Also lassen Sie es uns mit einem Phasor verbinden. Ok, so können Sie all diese als eine Art zusätzlichen Effekt in Ihrem Track verwenden , um einen interessanten Sound für den Hörer zu erstellen. Sie können sie dann zusammenfassen, wie ich es hier getan habe , um Ihren eigenen, einzigartigen Sound zu kreieren. Aber wie gesagt, es gibt Millionen dieser Art von kreativen Plugins, die Sie herunterladen und in Ihren Tracks verwenden können. Sie also keine Angst, ein paar herunterzuladen und sie auszuprobieren und zu sehen, was sie tun. Oder auch einfach nur mit diesen Aktien Plugins, die Sie in Ihrer Tür haben weil die meiste Zeit sind sie eigentlich ziemlich gut. Im nächsten Abschnitt lernen wir, wie man einen Track tatsächlich mit den Fader mischt. 127. Den Mixer für die Stereo (FL Studio Stock) verwenden: In dieser Vorlesung geht es darum, diese Stereo-Trennungsparameter zu verwenden , um die Weite von ATRAC wirklich zu schieben. Jetzt gilt diese Technik nur für das FoR Studio. Wenn Sie also nicht über FL Studio verfügen, können Sie mit der nächsten Vorlesung fortfahren. Aber wenn Sie beabsichtigen, Ihre Spuren zu mischen, NFL, können wir diese Stereo Separation Parameter verwenden, um wirklich, wirklich die Weiße und Art der Fülle von ATRAC zu drücken. Ok? Wenn wir also am Anfang anfangen und uns einarbeiten und sehen, dass wir auf diesem Vokaltrack sind. Okay, also lass uns sehen, wie das klingt. Ich werde es nur solo machen. Nun ist dies auch damit verbunden. Also werde ich Linker besitzen und wir haben den Stoffwechsel abgeschaltet. Also denken Sie daran, bevor ich sagte, dass Sie es Mano machen können , indem Sie diesen Parameter nach rechts drehen. Nun, Sie können auch irgendwie drücken, Sie können das Stereo-Bild irgendwie drücken, indem Sie es nach links drehen. Und wenn wir es nochmal tun. Also im Allgemeinen würde ich diese beiden Vocals nicht tun. Ich lasse sie irgendwie so sauber wie möglich. Ok? Aber wir können Dinge wie Instrumente schieben, Okay, also wenn wir diese elektrischen Schlüssel ausprobieren, OK, können wir das benutzen, um das Stereo-Bild wirklich zu dehnen. Jetzt würde ich selten an der Art der neun Uhr-Position vorbei gehen. Ok. Denn danach ist Ihr spurloser Sound zu breit oder irgendwie künstlich. Also werde ich einen optimalen Punkt auswählen und ihn dort belassen. Versuchen wir es mit diesem Instrument. Ok? Und nochmal, wir werden Weite machen. Das Gleiche mit dem hier. Ok? Und wir können das mit allem tun, was wir etwas breiter machen wollen. Es wird schön klingen. Und das Klavier, denn das Klavier war schon ein Stereo-Instrument. Also, wenn wir das Klavier solo und wir finden das in der Mischung. Also werde ich es jetzt solo machen. Also lassen Sie uns das Stereo-Bild schieben. Und jetzt vielleicht, lassen Sie uns vielleicht den Orgelton schieben. Okay, also kommt das hier rein. Und dann, wenn wir all diese Elemente zusammen hören, klingt das so. So ist der Bass-Sound ein bisschen laut. Und wir können vielleicht auch das Lead-Instrument schieben, das spielt. Das hört sich also so an. Wenn ich das alleine mache. Und wenn wir zum Tropfen kommen, hört es sich so an. Okay, das ist getrennt und macht eine Art breiter, okay, und wenn wir alles andere wieder hinzufügen. Okay, also können Sie diesen Stereo-Trennungsparameter verwenden um entweder die Dinge breiter zu machen oder das Monel zu machen, okay, stellen Sie sicher, dass Sie die Dinge nicht zu sehr schieben, sonst wird Ihr Track zu breit und irgendwie zu künstlich klingen. In der nächsten Vorlesung haben wir den richtigen Prozess gelernt, den wir verwenden müssen, wenn wir diese Fader-Levels für eine endgültige Mischung anpassen. 128. So mischst du eine Spur mit den Faders: In dieser Vorlesung lernen wir den eigentlichen Prozess des Mischens anziehen mit diesen Fader. Also das erste, was Sie tun müssen, wenn Sie kommen, um Ihre Spur zu mischen , ist, dass Sie die Lautstärke nach unten drehen müssen. Also werden wir die Lautstärke nach unten drehen, bis wir uns kaum hören können. Ok. Lassen Sie uns vielleicht in einen beschäftigteren Abschnitt wie den Tropfen gehen. Okay? Jetzt sind wir auf der optimalen Mischstufe. Also fragen Sie sich wahrscheinlich, warum schalten wir die Lautstärke herunter? Und der Grund beruht auf der wissenschaftlichen Art und Weise, wie wir Klang als Mensch wahrnehmen. Wenn Sie Musik hören, lauter etwas ist, desto besser wird es klingen. Und das Problem ist, wenn Sie Ihren Track auf einem wirklich lauten Niveau mischen, wird es großartig klingen. Aber sobald Sie es abstellen und Sie auf einem ruhigen Niveau hören, wird der gesamte Mix einfach komplett auseinander fallen. Also, was wir tun, ist, dass wir stattdessen auf einem ruhigen Niveau mischen. Wenn es sich also leise anhört, wissen wir, dass, wenn wir es aufdrehen, es noch besser klingen wird. Stellen Sie also sicher, dass Sie die Lautstärke herunterdrehen, entweder mit dem Farbstoff selbst, okay, oder dem tatsächlichen Ton auf Ihrem Computer oder Ihren Lautsprechern. Stellen Sie die Lautstärke mit diesem Master-Fader definitiv nicht herunter, okay, denn das wird etwas anderes machen und es wird nicht besser klingen. Danach, wenn Sie diesen Lautstärkeregler verwenden. Also, wenn Sie NFL sind, Stellen Sie sicher, dass Sie diese hier oben verwenden, oder Sie schalten den tatsächlichen Ton auf Ihren Lautsprechern selbst. Als nächstes beginnen wir mit dem Hauptelement und mischen alles um das herum, okay? Weil wir eine Art von Element haben, das wir wollen, dass das Publikum zuhört. Also werden wir damit beginnen und sicherstellen , dass alles diese Elemente ergänzt. Also für mich ist es dieses Bleigeräusch. Es ist eigentlich in einem anderen Abschnitt der Strecke ist hier drüben. Also lasst uns zuhören. Okay, also was ich tun werde, ist, dass ich den Fader-Level abschalten werde. Und wir werden es aufklären, bis ich um 90 B. schlage . Nun, ich merke schon, dass neun dB ziemlich laut ist. Okay, also klingt es etwas zu laut. Also werde ich es irgendwie mischen, bis ich denke, es klingt gut. Irgendwo hier. Okay. Und der einzige Grund, warum ich es nicht weiter geschoben habe, war es, weil es zu laut wäre und es tatsächlich anfangen würde , gut zu klingen und ich würde nicht genau mischen. Also muss ich sicherstellen, dass es leise genug ist, dass ich hören kann, aber nicht zu laut ist, dass die Lautstärke irgendwie vom eigentlichen Klang selbst übernimmt. Okay, als nächstes werden wir die Elemente um sie herum mischen. Fangen wir mit diesem Instrument an. Okay? Also muss ich diese Instrumentenspur solo machen. Okay? Und die Art und Weise, wie wir es tun, ist, dass wir von unten beginnen und dann mischen Sie es irgendwie hinein, bis Sie nur über Hörer können und dann lassen wir es dort. Okay. Also lasst uns mal zuhören. Okay, ich kann das hier, aber ich werde es ein wenig schieben, weil ich dieses Element ergänzen wollte. Als nächstes versuchen wir dieses Instrument hier drüben, weil es zur gleichen Zeit spielt. Wieder drehen wir es auf 0 und mischen es wieder ein, während wir hören. Ok, jetzt kann ich das hier, und ich denke, es ergänzt die beiden anderen Instrumente. Nun, jetzt spielt das Instrument hier ist die Basis, okay, aber wir werden die Basis nicht bis zum Ende einmischen. Und das liegt nur daran, dass wir den Bass-Sound einbringen werden, um den gesamten Track aufzuwärmen. Wir wollen es nicht in früh mischen. Sonst kann dein Track zwei Bässe schwer sein und der Klang davon, wenn er spielt, werfen wir alles andere ab. Okay, also überlassen wir die Basis für die Ewigkeit. Versuchen wir es mit einem anderen Instrument, vielleicht mit diesem Klavier. Ok. Also werde ich von 0 anfangen und es einmischen. Okay? Ich denke, hier ist eine Art optimales Niveau. Versuchen wir es mit einem anderen Instrument. Vielleicht das. Okay, das ist für den Moment viel zu laut. Wir fangen bei 0 an und mischen es wieder ein. Und schließlich werden wir den Orgelsound ausprobieren , der so klingt, als wäre dies der Moment, viel zu laut, aber wir werden bei 0 anfangen und ihn wieder einmischen. Okay, wenn wir also diese Instrumente drehen, wird der ganze Track wieder hochgefahren. Also werde ich das zurücksetzen. Und weil sie schon gut klingen, als wir das leise Signal hörten, weiß ich jetzt, dass sie, wenn das auftaucht, noch besser klingen werden. Lass uns mal zuhören. Okay, jetzt können wir das wieder abschalten und wir können die Basis mischen, okay, denn die Basis ist das letzte Instrument, das wir einmischen müssen. Also lasst uns mal zuhören und diese Basis mischen. Okay, beginne bei 0. Und ich benutze es nur, um den Gesamtklang aufzuwärmen. Vielleicht ein kleines, aber mehr als das. Und ich denke, das ist ein bisschen zu viel, also werde ich es zurückziehen. Jetzt können wir anfangen, einige Trommeln hinzuzufügen, ok, also werde ich dieses Spiel verlassen. Ich werde anfangen, einige Drum Sounds hinzuzufügen. Okay, fangen Sie von unten an. Mischen Sie es in, bis Sie irgendwie so gut wie hier können. Okay? Die nächste, die Art von, das nächste Element ist dies. Und das ist ein Klickgeräusch. Wir fangen bei 0 an und mischen es wieder ein. Okay, versuchen wir es. Wir lassen die Kicktrommel bis zum Ende aus. Versuchen wir es mit diesem Shaker. Okay, im Moment zu laut, aber wir mischen es aus 0. Ok. Also ist es irgendwie, es ist im Moment irgendwie subtil, aber es ergänzt die anderen Elemente. Nun, okay, lassen Sie uns ein paar dieser anderen Drum Sounds probieren. haben wir. Wo werden sie hin müssen, tut mir leid, ich muss ein bisschen dahin gehen, wo sie spielen, was hier ist. Also lasst uns diesen Klatsch einmischen. Okay? Okay, lassen Sie uns diesen Percussion-Sound einmischen. Lassen Sie uns auch diesen offenen Hut-Sound mischen. Okay? Okay, und versuchen wir das letzte Klatschen, aber das haben wir im Trommelmuster. Also, jetzt weiß ich, wenn ich die Lautstärke aufbringe, wird der Gesamtsound guten Stoffwechsel klingen. Und jetzt können wir die Kicktrommel hinzufügen. Also drehe ich das wieder ab und wir kommen rüber zur Kickdrum, die hier ist. Okay, und wir mischen das ein, bis wir irgendwie den Klang der Kickdrum in der Mischung mögen. Irgendwo hier. Vielleicht noch ein bisschen mehr. Nein, vielleicht etwas weniger. Okay, also denke ich, das klingt gut. Jetzt kommen wir wieder raus und mischen vielleicht den Gesang. Also weiß ich, dass viele der Elemente, die ich gerade gemischt habe, hier spielen. Okay, damit wir den Gesangsklang einmischen können um sicherzustellen, dass der Gesang direkt im Mix sitzt. Also, wenn wir jetzt zuhören, können wir hören, dass es viel zu laut ist, aber wir werden bei 0 anfangen und sie einmischen, okay? Okay, vielleicht irgendwo hier. Mischen wir sie, diese Backing-Vocals. Also fangen wir mit dem auf der rechten Seite an. Drehen wir es auf 0 und mischen Sie es ein. Oh, ich muss den Träger einschalten, weil es ein Gesang ist, das klingt. Also lasst uns das nochmal machen. Okay, und versuchen wir den anderen Gesang. Gesang. Okay, jetzt weiß ich, dass, wenn ich es auftauche, es mit dem Gesang gut klingen wird. Dies ist also der Prozess, den Sie verwenden werden, wenn Sie Ihre Spur mischen, okay, drehen Sie die Lautstärke herunter und beginnen Sie mit Ihrem Hauptelement, und mischen Sie dann die Spur um dieses Hauptelement. Stellen Sie sicher, dass Sie Ihre Basis und Ihre Kick-Trommel bis zuletzt lassen, nur um den Gesamtklang der Strecke aufzuwärmen. Und sobald Sie den ganzen Track gemischt haben, werden Sie bereit sein, mit dem Mastering zu beginnen. 129. Einführung in die grundlegende Mastering: In diesem Vortrag haben wir gelernt, wie wir unsere Tracks beherrschen können , damit sie anderen professionell produzierten Tracks standhalten können. Nun, Mastering wird Ihren Mix nicht reparieren, daher ist es wichtig, dass Ihr Mix großartig klingt. Bevor du mit dieser Phase beginnst, höre ich, wie viele Produzenten einfach Probleme hinterlassen und dann sagen, oh, wir werden es beim Mastering beheben. Aber das Problem ist, dass Mastering Ihre Mischung nicht beheben wird. Mastering ist wie das Paket, in das Sie Ihr Produkt gesteckt haben, okay? Sie können die Verpackung so ausgefallen machen, wie Sie möchten. Legen Sie das Produkt hinein ist, was wirklich wichtig ist. Oder mit anderen Worten, man kann nicht polieren geäußert. Also, was ist Mastering? Dies ist der letzte Schritt in der Audioproduktion, wo wir einige letzte Schliff auf die Strecke setzen. Wir müssen sicherstellen, dass unser Track laut genug ist und wir werden auf jedem Audiosystem wiedergeben , ohne zu beschädigen ist Mastering macht auch deinen Track lauter, was cool ist, weil Lauder immer besser klingt. Wie gehen wir also über das Anwenden von Mastering? Nun, wir würden einen EQ benutzen, um eine endgültige Form auf die Strecke zu bringen. Vielleicht wärmen Sie es ein wenig auf und entfernen Sie alle harten Frequenzen, die nicht gut klingen. Dann verwenden wir eine Kompression, um alle Elemente zusammen zu kleben. Und wir können hier auch die Verstärkung drücken, um etwas mehr Lautheit aus der Strecke zu bekommen. Im Anschluss daran verwenden wir Stereo-Imaging, um die Spur breiter und voller zu machen. Und dann verwenden wir einen Limiter, um alle Sounds abzuschneiden, die über 0 db gehen. Dadurch wird lediglich verhindert, dass die Spur verzerrt wird, wenn sie auf bestimmten Audiosystemen wiedergegeben wird. Schließlich müssen wir die Levels überprüfen, um sicherzustellen, dass alles gut aussieht , so dass, wenn ein beschriftet Ihren Track herunterlädt und testet, die Zahlen, die sie auf dem Bildschirm sehen, sie glücklich machen. Lasst uns also zurück ins Dunkel gehen und wir lernen, wie man das Mastering auf unsere Tracks anwendet. 130. EQ zum Mastering: In dieser Vorlesung werden wir lernen, wie man EQ für Mastering verwendet, OK, und bevor wir überhaupt anfangen, Effekte und den Master-Kanal anzuwenden, müssen wir sicherstellen, dass zunächst der Master-Kanal eine Standardeinstellung ist, also Es gibt schon keine Auswirkungen auf dort. Also lasst uns Datei zu Fehler gehen. Und du musst auch den lautesten Teil deiner Strecke finden. Ok, also der Teil deiner Strecke, der am meisten los ist, werden wir diesen Punkt finden. Und ich habe schon zugehört und ich glaube, es ist irgendwo hier. Und wir werden es schleifen. Okay, also werden wir uns den lautesten Teil des Tracks anhören, während wir das Mastering machen. Und dann, wenn wir fertig sind, können wir uns den ganzen Track nochmal anhören und sicherstellen, dass alle unsere Levels in Ordnung sind. Der erste Effekt, den wir laden werden, ist ein EQ, okay? Und ich werde diesen Fettfilter benutzen, der dich kaputt gemacht hat nur weil ich so viele Bands hinzufügen kann, wie ich will. Während mit dem anderen EQ, den wir uns angeschaut haben, konnte ich nur sieben Bands verwenden. Die erste Art von Schritt dabei ist, einen niedrigen Schnitt irgendwo um 30 Hertz anzuwenden. Okay, also werde ich die Band auf etwa 30 ziehen. Sagen wir vielleicht 28, okay? Und wir können die Warteschlange anpassen, um zu versuchen, so viele dieser Frequenzen wie möglich zu halten. Und wieder, vielleicht könnten wir die Steigung der Linie ändern, also verdopple ich sie auf 24? Und wieder werde ich das QGIS ändern, also schauen wir uns eine flache, flache Linie an und verschieben sie nur leicht nach unten, vielleicht auf 27. Ok? Der Grund, warum wir das tun, ist, weil all diese Frequenzen hier unten, Menschen, wir sie nicht wirklich hören können. Wir mehr, also fühlen wir sie mehr, als wir sie hören. Okay. Irgendwas unter 20 Hertz? Wir können hier nicht wirklich. Also das ist nur eine Art unnötige Art von Modus oder Chaos in Ihrem Mix zu schaffen , wenn es nicht tatsächlich Frequenzen sind, die wir können, auch hier, okay? Und die Sache sind Lautsprecher, Kopfhörer und so. Sie sind immer bei 20 Hertz abgeschnitten. Sie werden sehen, Sie werden sehen, ob Sie jemals die Box für Lautsprecher oder Kopfhörer oder so gelesen haben. Es wird Ihnen wie ein Frequenzgang Bereich weitere Lautsprecher geben, und es ist normalerweise, na ja, immer zwischen 2020 Tausend, okay, denn das sind die Frequenzen, die wir hören. Wir können nicht über 20 Tausend hören und wir können nicht hier unter 20, wir können nur diese Frequenzen fühlen. Es macht also Sinn, einige dieser unnötigen niedrigen Frequenzen auszuschneiden und den finalen Meister sauber zu halten. Die zweite Art von Schritt, bevor wir etwas tun , ist, einige dieser hohen Frequenzen abzurollen. Ok, also werde ich die Frequenzen oben abrollen. Vielleicht lassen Sie uns für 18 Tausend gehen. Und ich will nicht, dass die Steigung so aggressiv ist. Ich möchte wirklich eine Art subtile Steigung, die so abgeht, nur um einige dieser hohen Frequenzen abzurollen. Also werde ich sechs dB wählen. Und ich werde das sogar wieder nach oben bewegen, nur damit wir einige der bösen Art von Hash-Frequenzen loswerden, die wir nicht wirklich hören können. Sie fügen nichts zu der Art von harmonischen Klang des Tracks hinzu, okay. Also lasst uns mal zuhören, wie es sich bisher anhört. Okay, jetzt werden wir diesen EQ benutzen, um die Spur zu formen. Okay, also werden wir anfangen, schöne Frequenzen zu finden, um zu steigern und böse Frequenzen zu finden, um auszuschneiden, OK. Und wenn Sie dies tun, werden Sie eine sehr Art breite Q verwenden. Sie sehen hier, wie es irgendwie fokussiert ist. Aber wir haben nur den Würfel gemacht, um ihn etwas breiter zu machen. Also ist es irgendwie, einige dieser Arten von Frequenzen einzubringen. Wir wollen, dass das subtil ist. Wir wollen also so viele Frequenzen wie möglich nutzen um die Tatsache zu maskieren, dass wir tatsächlich Frequenzen erhöhen. Wenn Sie eine Warteschlange wie diese verwenden, wird es sehr, sehr offensichtlich klingen, dass Sie diese Frequenzen gesteigert haben. Aber wenn Sie eine breitere Warteschlange wie diese verwenden, wird es subtiler und etwas schwieriger für den Hörer zu erkennen, dass Sie tatsächlich EQ angewendet haben. Und das ist der Sinn des Mastering ist, die Dinge so transparent wie möglich zu halten . Und wir hören uns den Track an. Und dann werden wir anfangen zu boosten und einige schöne Frequenzen zu finden, die dort drin sind. Okay, für diesen Teil werde ich das Q zurücksetzen, nur damit ich jede Frequenz richtig hören kann. Und dann werden wir die netten finden und sie stärken. Ok? Also, so mag ich irgendwie das Geräusch des niedrigen Endes hier. Also werde ich den Gewinn senken. Es ist also viel subtiler. Vielleicht nie wirklich über 3dB gehen. Ich würde sagen, es ist, das wäre zu viel. Also lasst uns um vielleicht zwei dB gesteigert, und wieder wird dieses Q ausbreiten. Es klingt also viel weniger offensichtlich. Lasst uns jetzt mal zuhören. Jetzt werden wir einige andere nette Frequenzen finden, die wir steigern können. Vielleicht ein paar Frequenzen hier oben im Hochbereich. Also lassen Sie uns einen weiteren Punkt hinzufügen und wir werden die Warteschlange so anpassen , dass wir jede Frequenz klar hören können. Das ist ein Alyson. Also denke ich, irgendwo hier hört sich gut an. Also werde ich den Gewinn wieder senken, und ich werde dieses Q ausbreiten, nicht so viel. Aber vielleicht so und ich werde das nur eine Berührung nach oben bringen. Ok? Jetzt können wir sehen, wie die Kontur der Linien dort hinauftaucht , und sie kommen wieder hoch. Dies ist eine ziemlich häufige Kontur, die tatsächlich klingt angenehm für das Ohr, okay, irgendwie Booster Tiefs, erhöhen die Höhen, und dann irgendwie lassen Sie die Mitten irgendwie ausgeschnitten. Aber was wir tun werden, ist, dass wir noch präziser sein werden , und wir werden noch einen Punkt hinzufügen, okay? Und steigern Sie die Warteschlange. Und wir werden einige andere Frequenzen finden, die wir nicht mögen. Und wir werden sie aus den Mitten schneiden. Okay, lasst uns mal zuhören. Sie können hören, dass diese Frequenzen irgendwie Honky sind, okay? Wie ein, wie ein Honky Tonk. Lass uns nochmal zuhören. Sie klingen nicht sehr nett. Also wieder, ich werde sie so ausschneiden, und ich werde das verbreiten. F. In Ordnung. Ich will sie nicht zu sehr ausschneiden. Ich möchte mit diesem EQ nicht allzu offensichtlich sein, aber ich möchte diese Art von Honky Frequenzen herausnehmen. Okay, und schließlich werden wir noch einen Punkt hinzufügen. Und wir werden irgendwie aggressiv anwenden. Also mit einem scharfen Q wie diesem, werden wir 10000500 Hertz ausschneiden, okay? Und das, dieser Wert genau einhundertfünfhundert irgendwo dort herum. Ich weiß nicht, warum. Aber wenn man hier eine Art, eine Art tiefe Kurve ausschneidet , klingt es einfach viel, viel sauberer und viel, viel besser. Also werden wir das jetzt zu viel ausschneiden. Vielleicht nur, wenn vier dB, aber definitiv tiefer als diese Art von Dip, die wir hier haben. Ok? Okay, wenn wir uns die Spur jetzt anhören, und ich schalte den EQ aus, während er spielt, und dann schalten wir ihn wieder ein. Und Sie können die Art von subtilen, aber wichtigen Unterschied hören, den es macht. Lass uns mal zuhören. Also , als wir uns abspielten, bemerkte ich, dass einige dieser Mitteltöner, diese hohen Mittelfrequenzen eine Art böse Sounds erzeugen. Ich werde das nach oben bringen, okay, und ich werde Angeklagte anpassen oder nicht, wirklich einschließlich dieser hohen Mittelfrequenzen. Okay. Lass uns nochmal zuhören. Okay, so ist es, wie Sie EQ anwenden, wenn Sie Mastering, schneiden Sie die wirklich niedrigen Frequenzen, die Sie nicht brauchen. Sie rollen einige der hohen Frequenzen ab, die Sie nicht benötigen. Und dann formst du irgendwie die Strecke. Aber stellen Sie sicher, dass Sie seine subtil halten. Sie wollen nur, dass der EQ die Strecke etwas erwärmt. Sie möchten den Gesamtklang des Tracks nicht vollständig ändern. In der nächsten Vorlesung werden wir einen Blick auf die Verwendung von Multi-Band-Komprimierung für das Mastering werfen. Zum Mastering. 131. Kompression zum Mastering: Also in dieser Vorlesung werden wir einen Blick auf die Verwendung von Multi-Band-Komprimierung für das Mastering werfen, OK. Und FL Studio hat einen wirklich, wirklich guten Multiband-Kompressor, der kostenlos mit der Software kommt, okay, und es heißt Maximise. Daher werden wir maximise verwenden, um die Multi-Band-Komprimierung für unseren Master anzuwenden. Ok. So können Sie mir auch diese Einstellungen folgen. Das erste, was wir tun müssen, ist irgendwie zu definieren, wo die Gesetze, die Mitten und die Höhen auf unserer Spur sind. Ok, und wir tun dies, indem wir auf diese Bänder Schaltfläche klicken. Und dann können wir die Band irgendwie so bewegen, dass sie sich auf die spezifischen Frequenzen unserer Strecke konzentrieren. Also werde ich diesen Soloknopf drücken. Damit wir nur die Gesetze hören können. Und wir werden den Punkt auf der Strecke finden wo sich die Gesetze irgendwie in die Mitten verwandeln, und dann werden wir es dort lassen. Ok. Das wäre also offensichtlich zu viel. Also werde ich diese Gesetze runterbringen. Ok? Vielleicht hier. Ich höre nur den Tritt in der Basis. Okay, als nächstes definieren wir die Mitten. Also nehmen wir diese Medikamente hier und wir werden finden, wo der Abschnittpunkt für die Mitten, die sich in die Höhen verwandeln, in Ordnung ist. Lass uns mal zuhören. Ich scheint jetzt auf die höchste gehört zu werden, aber das ist okay. Wir werden nur finden, wo sich der höchste in die Mitten verwandelt. Ok. Vielleicht irgendwo hier. Hören wir uns die Mitten an. Ja. Also sind die Mitten normalerweise, weißt du, du bist irgendwie richtig, wenn du die hohen Hüte nicht hören kannst. Ok. Vielleicht sogar ein bisschen weniger als das. Ok. Ich höre die hohen Hüte nicht mitten im Moment, aber ich höre sie, wenn ich in diese Höhen klicke. Also das ist im Allgemeinen der Bereich, für den Sie gehen wollen, wenn Sie feststellen, dass Sie auf allen Frequenzen sind, im Allgemeinen wollen Sie nur eine Art von Kick und Basis hören, okay? Aber wenn du anfängst, die Schlinge hier drin zu hören, den Klöppel, Perkussion-Sound, bist du wahrscheinlich ein bisschen zu hoch, also solltest du deine Gesetze zurückbringen. Also jetzt werden wir die Eingangsverstärkung für jedes dieser Bänder anpassen. Ok? Also werden wir diesen Pre-Parameter verwenden. Und wir werden das einfach steigern. Und du wirst sehen, dass es die Band nach oben bewegt. Und wenn wir quer scrollen, können wir sehen, dass dies etwa drei, vielleicht vier dB ist. Also werde ich das zurücksetzen und dann werden wir diese Eingangsfrequenz erhöhen , bis die Art von Tritt die Bässe auf eine schöne Art von optimalem Niveau klingt. Okay, lassen Sie uns mal zuhören. Vielleicht irgendwo hier. Lasst uns dasselbe für die Mitten tun. Und jetzt lasst uns dasselbe für die Höhen tun. Okay, jetzt haben wir den Pre-Parameter für alle diese Frequenzen gesetzt. Jetzt können wir beginnen, die Kompression anzuwenden, und wir tun dies, indem wir einen Ankerpunkt einzeichnen und diese Art von Pfropfen bewegen. Okay, also werde ich diesen Ankerpunkt löschen, den ich hinzugefügt habe. Und was wir tun werden, ist, dass wir eine Art finden werden, wie das hier der Gipfel ist. Sie können sehen, wo es Kick-Trommel gibt oder wo die niedrigen Frequenzen irgendwie ausspähen. Ok? Und Sie können hier unten sehen, dass die niedrigen Frequenzen hier sitzen. So ist dies der Durchschnitt, sagen wir von der, der niedrigen Frequenzen. Nun, wir werden irgendwo dazwischen wählen. Wir werden diesen Mittelpunkt hier auswählen. Und dann ziehen wir diesen Ankerpunkt nach unten bis wir das Gefühl haben, dass wir das Low-End genug komprimiert haben. Das wäre also dein Verhältnis. Ok, also wenn du das wirklich aggressiv machst, wäre das etwa zehn bis 181621, diese Art Ding. Also werden wir ein Hören auf die niedrigen Frequenzen haben. Und dann werden wir diesen Ankerpunkt bewegen, bis wir Gefühl haben, den Klang genug komprimiert zu haben, okay, bis der Bass und die Kickdrum oder eine Art Andhra Kontrolle. Also lasst uns mal zuhören. Vielleicht irgendwo hier. Okay, als nächstes gehen wir in die Mitten, OK. Und wir werden dasselbe tun. Wir werden den Gipfel finden und den Durchschnitt finden. Und wir werden irgendwo dazwischen finden. Also ist es irgendwo hier, vielleicht ein bisschen höher. Und bewegen Sie das nach oben. Und wir werden diesen Ankerpunkt runterziehen, bis wir das Gefühl haben, den Klang genug komprimiert zu haben. Dieser Ankerpunkt könnte leicht nach unten verschoben werden. Okay, und ich werde diese Verstärkung verschieben oder klein, aber ich denke, es ist zu komprimiert. Vielleicht versuchen wir es wieder nach unten, schauen wir einfach, wie das klingt. Und ich kann das benutzen, um das Knie so einzustellen, dass ich den Kompressor irgendwie viel schrittweiser anschalten kann . Okay, also werde ich das tun. Ich werde das nur ein kleines Stück kurven. Was nicht so offensichtlich ist. Okay, und ich werde diesen Ankerpunkt wieder nach unten schieben, und ich schiebe den hier nach unten. Jetzt können wir sehen, dass wir diesen Sound prägen. Okay, als nächstes werfen wir einen Blick auf die hohen Frequenzen. Okay, wir machen genau das Gleiche. Finden Sie die Art von Spitze, den Durchschnitt, und gehen Sie für irgendwo dazwischen. Und dann ziehen wir diesen Ankerpunkt runter. Jetzt mit der höchsten, Sie wollen sie nicht irgendwie zu viel komprimieren, weil Musik scheint besser zu klingen, wenn wir viele hohe Frequenzen in haben. Also werde ich es nicht mit so viel von einem Verhältnis komprimieren , wie sagen wir, die Mitten sind die Gesetze, okay? Vielleicht nur so etwas Subtiles. Dann werden wir auf diesen Master-Abschnitt kommen und wir werden das in Ordnung komprimieren, aber wir werden nicht die gleiche Art von Technik verwenden. So kann ich sehen, dass die Gipfel irgendwo hier sind und der Durchschnitt vielleicht irgendwo hier unten ist. Aber ich will damit nicht so aggressiv sein. Ich möchte subtiler sein. Also werde ich irgendwie einfach abrollen. Das ist irgendwie top, sorry, diese Art von Peak am Sound. Okay, ich werde das abrollen, indem sie es nur sehr, sehr leicht komprimieren. Dies ist nur eine Art Klebstoff diese Arten von Frequenzen zusammen noch mehr als sie bereits sind, okay, wird erweitert. Und jetzt, was wir tun werden, ist, dass wir durch alle diese Frequenzen zurückgehen und finden, wie viel wir sie irgendwie komprimiert haben, und dann wird die Nachgewinn erhöhen, so dass die Ausgabe Gewinn um den gleichen Betrag. Wenn wir also die niedrigen Frequenzen betrachten, kann ich sehen, dass ich sie irgendwie um etwa 3dB komprimiere , weil ich denke, das ist die 0 Linie. Und ich kann hier oben um drei sehen. Also, wenn die Kick Drum spielt und Zeug waren irgendwie schneiden 3dB heraus jedes Mal. Also werde ich die Verstärkung erhöhen, die Ausgangsverstärkung Seite um drei dB. Ok? Und ich werde präziser damit sein, mit dem Meister. Mit dem Meister wieder auf. Ok. Ich möchte sicherstellen, dass es natürlich und irgendwie subtil klingt. Ok, machen wir dasselbe für die Mitten. Ok? Also werde ich irgendwohin gehen, vielleicht zwischen drei oder 1. 3. Mai um 2.3 sein, weil ich sehen kann, dass die tiefen Schnitte bei etwa 3dB liegen, aber dann gibt es einige kleinere Schnitte, vielleicht um eine db. Okay, also werde ich auf eine Art glückliches Medium gehen. Und dann wieder mit dem Höchsten, werden wir dasselbe tun. Und das ist nirgendwo in der Nähe von drei dB. Das ist vielleicht 1,52 dB. Also lasst uns versuchen, es um vielleicht 1,7 zu erhöhen. Ok? Und wieder mit dem Meister wird dasselbe tun, weil wir diese beiden komprimieren. So kann ich sehen, dass dies irgendwie von zwei dB komprimiert wurde, aber den Master nicht so sehr drücken wird. Okay, ich will nicht, dass die Dinge verzerrt werden. Vielleicht war etwas, das ich glaube, da oben 0,9 war. Ja. Nun, wir könnten es schieben, um Mar zu ersticken, vielleicht bis zu 1,5. Okay, also jetzt bevorzugt hören ohne den Kompressor. Und dann schalten wir den Kompressor wieder ein, während der Track Musik abspielt abspielt . Okay, ich denke, es klingt ein bisschen zu komprimiert. Also werde ich wieder reinkommen das vielleicht ein bisschen mehr steigern, nur um den Kompressor aus ihm zu öffnen. Und dann vielleicht ändern Sie die Kurve, so dass das Knie hier etwas subtiler ist. Ok. Und ich denke, das klingt viel besser, jetzt ist es nicht so ziemlich über komprimierte Saison. Jetzt an diesem speziellen Plugin, wir haben auch DES, diese Art von Stereo Separation Roman K. So können wir dies in die Mitten Art von Ausbrüchen schieben. Und wieder mit dem höchsten Mikrofon und schieben Sie es ein wenig mehr, nur um diese Art von breiten hohen Sound zu bekommen. Lass uns mal zuhören. Tut mir leid, wir müssen dem Meister zuhören, weil ich das solo habe. Lassen Sie uns ein Zuhören und CC, und das ist wahr. Wenn Sie jetzt keine Maximierung haben, können Sie diese Stereo Separation Noppen nicht verwenden. Ok, in diesem Fall würden Sie ein tatsächliches Stereo-Imaging Plug-in verwenden. Okay, wir werden einen Blick darauf werfen, wie Sie diese Plugins für Ihren Master in der nächsten Vorlesung verwenden. 132. Stereo-Enhancer zum Mastering: In dieser Vorlesung lernen wir also über Stereo-Imaging zum Mastering. Und das erste, was ich sagen werde, ist, dass dies Multiband-Stereo-Bilder sein müssen, okay, weil wir nicht die ganze Spur erweitern wollen , denn dann werden wir auch die niedrigen Frequenzen erweitern. Und wie Sie wissen, sollten niedrige Frequenzen in Mono gehalten werden. Oder Stereo-Erweiterung ist kein wesentlicher Bestandteil des Mastering, aber es macht die Tracks wirklich besser. Wenn Sie keinen Multiband-Stereo-Imager haben. Und wenn Sie Maximus nicht haben, um diese Stereo-Separatoren verwenden zu können. Dann würde ich vorschlagen, dass Sie diese Vorlesung einfach überspringen. Dann würde ich vorschlagen, dann würde ich vorschlagen, dann würde ich vorschlagen, dann würde ich Ihnen vorschlagen, dann würde ich vorschlagen, dann würde ich vorschlagen, dass Sie diese Vorlesung einfach überspringen, okay, weil Wenn Sie andere Stereo-Bilder verwenden, wie vielleicht diesen Stereo-Enhancer, können Sie nicht steuern, welche Art von Band, also welche Art von Frequenzen Sie betrachten. Also, wenn Sie das erweitern, Ihre Erweiterung alles, okay? Und das wollen wir nicht tun. Wir wollen nur bestimmte Frequenzen erweitern, okay? diesem Grund werde ich dies durch einen Multiband-Imager ersetzen. Und Isotop-Ozon hat ein großartiges. Also werde ich das laden und wir können sehen, wie Frequenzen hier im Vektorbereich erscheinen. Ok? Jetzt wieder, wir müssen die Bands setzen. Aber die Sache ist, dass wir Isotop verwenden können, um zu lernen. Also werde ich es in den Lernmodus setzen und dann werde ich den Track spielen, so dass der Algorithmus die Bänder bilden kann , ist in Ordnung. Ich muss es einstellen, um es wieder zu lernen. Ok? Also hat es die Bänder angepasst. Und ich sehe hier, dass die Gesetze hier sind. Lassen Sie uns ein Hören, um zu überprüfen und stellen Sie sicher, dass alle diese Frequenzen korrekt sind. Also könnte ich das auch runterbringen, aber lassen Sie uns die niedrigen Mitten Solidus überprüfen. Das hört sich gut an, versuchen wir die hohen Mitten hier drüben. Ich nehme die vielleicht ein bisschen zurück. Ok, ich glaube, es ist irgendwie da oben vermasselt. Und jetzt versuchen wir die hohen Frequenzen hier oben. Mal sehen, ob das klingt okay. Okay, jetzt sind alle diese Bands für meinen Track eingestellt. Also werde ich die niedrigen Frequenzen monel machen, okay? Und dann werde ich vielleicht die niedrigen Mitten erweitern. Ok. Nicht zu viel, vielleicht nur um 16. Dann werde ich die hohen Mitten etwas weiter erweitern, vielleicht 21, und dann erweitern wir die Höhen noch viel mehr, bis auf vielleicht 26. Ok. Hören wir uns an, wie es klingt. Dies ist das gleiche wie die c. Und wieder, wir können diese Stereoart von sterilisierten Knopf verwenden. Und ich werde das auf sieben setzen. Was wir hatten, ist das Setup vorher, okay, also vielleicht 7.1. Und lassen Sie es uns ausschalten und wir hören zu. Und während es spielt, werde ich das Plugin wieder einschalten. Dies ist der Abstand der CSU. So können Sie sehen, dass dieses Imaging Plugin ist eine Art von machen den Gesamtklang ein bisschen voller und ein bisschen breiter. In der nächsten Vorlesung verwenden wir einen Limiter, um sicherzustellen, dass keine Lautstärke über die 0 dB Marke hinausgeht. 133. Grenzen zum Mastering: In dieser Vorlesung werden wir einen Limiter verwenden, um eine Art letzten Push eine Lautstärke zu erhalten und sicherzustellen, dass nichts über 0 db geht. Laden wir also ein Limiter-Plug-in auf. Okay, ich werde fruchtigen Limiter laden. Und es wird sich so öffnen. Und wenn wir das Spiel treffen wird in der Lage sein, das Signal kommt durch zu sehen. Ok, schauen wir uns mal an. Also gibt es das Signal, das in dieses Limiter-Plug-in kommt. Ok? Und wir werden es nur benutzen, um diese Spitzen irgendwie auf 0 zu schieben. Und dann werden wir die Decke aufstellen, um sie abzuschneiden. Derzeit ist die Decke auf 0 dB eingestellt, und ich kann das nach unten bewegen, wenn ich will. Jetzt im Allgemeinen, wir nicht gesetzt, wird die Decke zwischen Art von 0 und minus 0,2 setzen. Ok? Aber für EDM werde ich es bei 0 halten, um so viel Lautheit wie möglich zu halten. Jetzt lasst uns wieder aufstocken, okay, damit ich sehen kann, dass wir ziemlich nahe bei 0 sind und das ist gut. Okay, wir wollen den Limiter-Gewinn nicht zu stark steigern. Wenn du irgendwie bist, wenn du den Limiter um zu viel erhöhst, musst du zurückgehen und entweder deinen Track remixen oder den Kompressor verwenden, um ein bisschen Lautstärke daraus zu bekommen. Okay, aber wir sind irgendwie nah an 0, wie es ist. Also werde ich das steigern, nur um diesen letzten Schub zu bekommen, damit wir aufstehen und 0 treffen können. Ok? Die sehr leicht zu divi. Und jetzt sehe ich, dass wir 0 schlagen. Ok, und das ist alles, was wir brauchen. Ok. Wir müssen nur irgendwie 0 berühren. Wir müssen nicht die ganze Zeit flach auf 0 sein. Wie die Dinge im Jahr 2012 waren , als wir den sogenannten Lautheitskrieg durchmachten. Und jeder versuchte, etwas lauter zu sein als einander. Heutzutage werden Streaming-Sites entweder Ihre Spur nach unten drehen oder sie werden es je nachdem, wo Sie Ihren Master eingestellt haben. Es ist also wirklich egal, wo auch wenn Ihr Meister Tree trifft, die Streaming-Sites, wir werden es aufdrehen, so dass es 0 trifft. Ok? Aber wenn Sie planen, von einem Plattenlabel signiert zu werden, müssen Sie diesen 0 Mac schlagen. Und mein Track ist im Moment okay, ich kann sehen, dass er 0 trifft. Und alles, was ich getan habe, war wieder sehr, sehr leicht gestoßen. Und das ist einschränkend für das Mastering auf den Punkt gebracht. Ok? Sie werden es nur verwenden, um das letzte Stück Volumen, das Sie brauchen, zu drücken. Stellen Sie Ihre Decke an einer beliebigen Stelle zwischen minus 0,20 ein und lassen Sie sie dann einfach dort stehen. In der nächsten Vorlesung werden wir die Track-Level überprüfen, um sicherzustellen , dass, wenn Plattenlabels Art herunterladen und testen Sie Ihren Track, dass die Zahlen, die sie auf dem Bildschirm sehen, werden sie glücklich machen. 134. Die Ebenen der Bahn überprüfen: Also, jetzt, da unsere Strecke gemischt und gemeistert wird, Wir müssen sicherstellen, dass seine Ebenen akzeptabel sind. Also, dafür müssen wir einen Loftmeter benutzen, okay? Und Lieben sind nur ein Maß dafür, wie laut dein Track über die Gesamtlänge der Strecke ist. Ok, also braucht es die durchschnittliche Lautheit der gesamten Spur. Jetzt können Sie diese kostenlos herunterladen oder Sie können ein Paket kaufen, das ein paar andere Ebenen hat, Niveaumesser integriert. Ok. Also werde ich Levels verwenden, um den Mix zu meistern, okay? Und das ist hier unten. Und wir kommen zum Entlassungsbereich , weil wir die Liebe der Strecke messen wollen. Um das zu tun, müssen wir uns den ganzen Track anhören. Also müssen wir irgendwie zuhören und diese Lieben beobachten und dann am Ende wiederkommen und sehen, was die Art der integrierten oder die durchschnittlichen Lieben sind. Nun, Lofts sind, wie diese Streaming-Sites Art eine Messung Ihrer Spur, ok , so YouTube, Ich denke, es dreht sich um vielleicht minus 13. Und dann könnte Spotify minus 14 sein und dann weiß ich nicht, Wüste könnte minus neun sein. Sie alle haben ihre eigene Art von Entlassungen Ebene, nach der sie suchen. Also sollten deine Lachs irgendwo zwischen minus 14 und minus neun liegen. Okay, das ist die Art von Reichweite, auf die wir gehen. Wenn Sie unter minus neun sind, werden diese Streaming-Sites Ihren Track herunterdrehen und es könnte am Ende etwas zu überkomprimiert klingen. Wegen der Kompressionsrennen, die YouTube oder Spotify oder D verwendet werden. Und wenn Sie irgendwie sind, sagen wir oben minus 14, also vielleicht ist Ihre Strecke bei minus 18. Diese Streaming-Sites werden versuchen, Ihre Strecke zu steigern. Und was passieren könnte, ist, dass es verzerrt wird oder es könnte am Ende irgendwie Qualität verlieren. Aus diesem Grund, stellen Sie sicher, dass Ihre Lieben irgendwo zwischen minus neun und minus 14 lesen. Also, jetzt werden wir uns den ganzen Track anhören, okay, den ganzen Weg durch. Und ganz am Ende werden wir überprüfen, was dieser Lux Meter liest. Ok? Ich werde das einfach ausdehnen, damit es nicht irgendwie wieder auf sich selbst zurückgeht. Und wir können uns pausieren, wenn die Strecke beendet ist. Okay, also lass uns spielen und wir werden sehen, wie dieser Meterwechsel liebt. Und dann, um einen Fachbegriff zu verwenden. Und du siehst immer wieder . Also werden wir zur Eingabe gehen. Und das ist eine Familie. Also, wenn du dich anpassst. Also, um die Staubbeutel zu bestimmen bestimmen, die erste ist eine sehr, sehr hohe, eine große Menge. Okay, wenn wir uns den Pegelmesser ansehen, können wir sehen, dass die Klumpen um minus 10,4 liegen. Und das ist okay, weil wir zwischen dem Bereich von minus neun und minus 13 liegen. Ok? Also minus zehn ist irgendwie auf der Außenseite. Und dann würde minus 13 irgendwie jenseits der ruhigeren Seite eines modernen Meisters. Jetzt werden Sie diese Art von am Anfang der Spur bemerken, dieses Stereo-Feld, wenn es rot ist. Und das liegt daran, dass wir eine Art von Elementen Hosen haben. Wenn also die Spuren beginnen, wird dieses Element nach rechts geschwenkt. Was passiert, ist das Stereo-Feld ist eine Art von Lesen , dass die Spur ein bisschen Art von Offset nach rechts klingt. Aber das ist ein Computer, okay, und ich denke, der Track klingt gut wie in, in Bezug auf die Art von Weiß und in Bezug auf die Balance. Also werde ich das ignorieren. Und das ist rot, weil es sich um Lautheitseinheiten handelt. Okay, also welche Art von misst die Lautstärkedifferenz zwischen dem leisen als Papagei auf dem lautesten Teil deiner Strecke. Und das sagt mir nur, dass es eine große Lücke zwischen den ruhigen Teilen und erlaubten Teilen meiner Strecke gibt. Aber das ist irgendwie das Gleiche wie Dynamikbereich, okay? Und es liegt wieder an dir, das ist ein Computer und ich mag es, dass die Strecke leise beginnt und dann irgendwie zu dieser Art lauter Drop Abschnitt wächst. Also werde ich diese Warnung auch ignorieren. Aber mit allen Mitteln, wenn Sie wollen, dass Ihre Spur eine Art lauter Flur wahr ist, dann würden Sie auch ein Auge auf diese Art von Lesen behalten wollen, um sicherzustellen, dass es nicht zu viel von einer Lücke zwischen den leisesten und den lautesten Teilen Ihrer Strecke. In der nächsten Vorlesung werden wir einen Blick darauf werfen, den Track tatsächlich zu exportieren. Ok, welche Einstellungen eignen sich am besten, wenn Sie mit Ihrem Track fertig sind und Sie bereit sind, ihn in eine endgültige WAV-Datei zu rendern. 135. Die endgültige Track rennen: Inzwischen haben wir also unseren EDM-Track komponiert, arrangiert , gemischt und gemeistert. Der letzte Schritt in diesem Musikproduktionsprozess besteht darin, einen Export der Spur zu rendern. Also werde ich hierher kommen, um die Datei zu speichern und zu exportieren, okay? Und wir werden eine WAV-Datei exportieren. Eine MP3-Datei ist nicht gut genug Qualität. Und der Industriestandard für Plattenlabel und die Art der gesamten Audio-Industrie ohnehin ist eine WAV-Datei. Also werden wir das exportieren und ihm einen Namen geben. Sagen wir, wir nennen es Gans vielleicht Final Master, okay? Und dann werden wir „Speichern“ treffen. Und dann bringt es dieses kleine Fenster auf sich. Okay, also können wir wählen, ob wir ein Muster oder ein vollständig versenktes Muster exportieren möchten. Nun, ich will die vollen Songs, also werde ich es auf vollen Sang lassen. Für den Schwanz möchten Sie entweder den Rest verlassen oder den Rest umwickeln. Auf jeden Fall wählen Sie nicht gefangenen Rest. Und das entscheidet nur, wie die eigentliche Art von Schwanzende der Effekte verarbeitet werden. Okay, also sagen wir am Ende deines Tracks, du hast auch eine Art großen Reverb. Und Sie wollen, dass der Klang des Hall irgendwie auswringt, wenn der Track endet. Nun, dann sollten Sie verlassen Rest wählen, ok. Wenn Sie Wrapper Mender auswählen, dauert dies diesen Reverb-Tail und er bewegt uns nach vorne, so dass, wenn Sie Schleifen und Dinge erstellen, der Hall vom Ende an der Vorderseite ist, so dass die ganze Schleife wird sich nahtloser verschmelzen, okay? Und Cut Reste nur Art von Schnitten, die abklingen, okay? Und du willst nicht, dass das passiert. Also definitiv entweder wählen, einen Rap verlassen, aber wenn Sie irgendwie die volle Sonne rendern, wählen Sie auf jeden Fall verlassen, Rest. Als Nächstes stellen wir sicher, dass die Strecke auf Welle ist. Und ich kann sehen, dass es so ist. Wir werden die Bittiefe einstellen, okay, also irgendwo über 24 ist in Ordnung. 16-Bit ist ein bisschen zu niedrig, okay, das geht irgendwie zurück in die Ära der CDs. Also definitiv für eine moderne Musik, Sie wollen die Bittiefe irgendwo Art von über 24 einstellen. Okay, ich werde mir einen 32-Bit-Float setzen. Und das bedeutet nur, dass 32-Bit noch nicht wirklich existiert, aber die Software wird versuchen, diesen Sound zu emulieren. Als nächstes können wir entweder Stereo, Mono Merged Mano links oder Mono Write-only wählen. Also für eine finale Master-Version, werden wir Stereo wählen, okay, re-Sampling. Wir wollen das so hoch wie möglich. Wir wollen die höchste Qualität, die wir bekommen können, HQ für alle Plugins. So hochwertig für unsere Plug-Ins und deaktivieren maximale Polyphonie. Also, wenn Sie vielleicht wie ein Stock Piano Sound verwenden und eine Art hat eine maximale Menge an Tasten, die Sie gleichzeitig spielen können. Und sagen wir, es sind fünf. Dies wird nur deaktivieren, so dass, wenn Sie ein Muster mit wie zehn Tasten gleichzeitig spielen, erlauben Sie das gerenderte in diesem letzten Master. Als nächstes werden wir diese gespeicherten Wiedergabelisten Marker deaktivieren. Und was das tut, ist, wenn Sie in der letzten Spur rendern, wenn Sie den Intro Aufschlüsselung hier aufgeben, wird das tatsächlich in die Audiodatei gerendert. Ihre Audiodatei wird also diese kleinen gelben Marker haben, aber wir wollen das nicht in der endgültigen Version. Also werden wir das ausschalten und sicherstellen, dass geteilte Mixer-Spuren deaktiviert sind. Okay, wenn das aktiviert ist, was passiert ist, dass die Software jede einzelne Spur separat rendert. Also wirst du mit Stielen enden, okay, also wirst du mit der Kicktrommel und einer Zone enden. Sie werden am Ende mit dem Gesang auf eigene Faust. Sie werden am Ende mit den elektrischen Schlüsseln allein. Stellen Sie also sicher, dass dies deaktiviert ist, damit Sie am Ende eine Audiodatei erhalten. Das ist eine Art von Das ist eine Art zusammengeführte Version all dieser separaten Elemente. Ok? Stellen Sie sicher, dass PDC Schweigen auf, okay, weil NFO Studio, was passiert ist, während Sie mischen, sagen wir, die Software versucht, Latenz zu bekämpfen. Wenn Sie also eine Art schweres Plug-in verwenden, könnte dies dazu führen, dass dieses Element zur falschen Zeit hereinkommt. Was FL Studio also tut, ist, dass es bestimmte Elemente Stille hinzufügt , so dass alles zur gleichen Zeit spielt. Aber wenn wir den letzten Meister machen, wollen wir diese Stille nicht da drin für den Fall, dass eine Art von Chaos das Timing unserer Strecke vermasselt. So stellen Sie sicher, dass Trim PDC, CG-Inseln ist auf. Und dann stellen Sie sicher, dass Ihre Insert-Effekte aktiviert sind. Dies sind also diejenigen, die Sie verwenden, wenn Sie mischen, und stellen Sie sicher, dass Ihr Master-Effektor aktiviert ist. Dies sind also die Art von, also sind dies nur die Effekte, die wir auf den Master-Kanal haben , den wir für das Mastering verwenden. Okay, als Nächstes kommen wir runter und drücken Start. Und die Software wird beginnen, Ihre endgültige gemeisterte EDM-Track zu rendern. 136. BONUS Versenden deiner Track auf Labels: Sie sitzen also auf einer Spur, die Sie wirklich an Plattenlabel senden möchten. Wie haben wir das gemacht und was ist das richtige Format? Nun, es ist eigentlich ganz einfach. Laden Sie zuerst Ihren Track auf eine Stream-Website hoch. Soundcloud funktioniert tatsächlich am besten für diesen Prozess. Also würde ich Ihnen raten, das für Ihren privaten Stream des Links zu verwenden. Und das bringt mich zu meinem nächsten Punkt, ist , dass du deinen hochgeladenen Track immer privat machen musst. Ok? Etiketten werden nicht freigesetzt, ziehen, dass jemand zuvor gehört hat. Stellen Sie also sicher, dass Ihre Demo als privat hochgeladen wird. Sie müssen auch Downloads aktivieren, damit das Label einfach Ihren Track herunterladen und getestet, um sicherzustellen, dass alle Ebenen gut aussehen. Recherchieren Sie etwas und finden Sie ein geeignetes Etikett, an das Sie Ihren Track senden können Das Label muss Ihr Genre der Musik freigeben. Also wissen Sie, senden Sie keinen Haus-Track an Dubstep Record Label. Nun, wenn Sie ein ziemlich kleiner Künstler sind, versuchen Sie, kleinere Labels zu finden, um Ihre Musik zu veröffentlichen. Ein großes Label unterschreibt im Allgemeinen keine kleinen Künstler, aber die kleineren Labels können manchmal niedrig auf Demos Zulassungen laufen, und Ihre haben eine höhere Chance, ausgewählt zu werden, wenn es gut genug ist. Außerdem können Sie sich von hier aus tatsächlich die Leiter der Etiketten hinauf arbeiten. Die meisten Plattenlabels sprechen miteinander, und Sie haben eine höhere Chance, entdeckt zu werden , wenn Sie bei einem Label signiert sind, anstatt unabhängig zu sein. Es ist ein bisschen wie ein Fußballspieler zu sein. Wenn Sie in einem kleineren Club unterschrieben sind, werden die großen Clubs geißeln, um unentdeckte Talente zu finden , so dass Sie kommen und in ihrem Team spielen können. Sobald Sie das Etikett gefunden haben, an das Sie Ihre Demo senden möchten, können wir die E-Mail schreiben. Also halten Sie das kurz und süß. Okay, stellen Sie sich einfach als Künstler vor. Welche Art von Musik Sie machen, und ein paar relevante Verweise auf alle Labels, die Sie vor zwei unterzeichnet haben, oder andere Künstler, die Sie und Ihre Musik unterstützen, dann geben Sie ihnen eine kurze Beschreibung des Titels. Ist es eine schlagkräftige, energiereiche Elektrohauspur? Oder ist es eine groovy unterirdische Tiefhaus Spur? Lassen Sie sie wissen, die Stimmung, bevor sie überhaupt zuhören. Schließlich fügen Sie einfach den Link zu Ihrer privaten Demo ein und melden Sie sich mit einem Dankeschön und Ihrem Namen ab. Jetzt können Sie den Namen Ihres Künstlers oder Ihren echten Namen hier verwenden. Es spielt wirklich keine Rolle. Ich würde nicht empfehlen, Ihre Demo an mehr als ein Label gleichzeitig zu senden. Ok? Denn wenn fünf Etiketten antworten und alle auf Ihren Track signieren, kann es besonders schwierig sein, vier von ihnen erklären zu müssen , dass Sie mit einem anderen Label gehen. Und das kann tatsächlich einige Etiketten ärgern und Sie können am Ende bekommen Sie Ihren Namen von ihnen oder irgendwelchen Etiketten, die sie zugeordnet sind, auf die schwarze Liste. So halten Sie es auf eins nach dem anderen und genießen Sie einfach den Prozess. Ich hoffe, dieser Rat hat geholfen und ich wünsche Ihnen die beste ausgereifte Etikettenjagd. Es gibt einen Link zu einer sehr nützlichen Website, die zu diesem Bonusvortrag beigefügt ist, wo Sie weitergehen und nach Etiketten in Ihrem Genre suchen können. Sie können sie auch leicht von SoundCloud-Followern oder Facebook-Likes organisieren. Also, wenn Sie nach einem kleineren Label suchen, oder vielleicht suchen Sie nach einem größeren Label. Sie können sie leicht auf dieser Website finden. Viel Glück, und ich hoffe, dass Sie bei Ihrem Traumlabel unterschrieben werden. 137. Die Valediction: Das ist also die gültige Diktion, oder mit anderen Worten, der große Abschied. Sie haben das Ende des Kurses erreicht und wissen jetzt alles, was Sie jemals brauchen, um eine professionelle EDM-Track zu erstellen. Ich hoffe wirklich, dass Sie auf dem Weg etwas lernen und die Vorträge und Tutorials genossen haben. Wenn Sie es nicht getan haben oder Sie das Gefühl haben, dass ich etwas verbessern könnte, zögern Sie bitte nicht, mich wissen zu lassen, damit ich dies beheben und Verbesserungen an meinen zukünftigen Kursen vornehmen kann . Außerdem freue ich mich wirklich darauf, jeden Ihrer endgültigen EDM-Tracks zu hören und zu sehen, wie weit Sie seit dem ersten Projekt gekommen sind. Also, was kommt als nächstes für dich nach diesem Kurs? Nun, von hier aus können Sie weiterhin EDM-Tracks erstellen, mehr erfahren und wirklich gedrängt werden, um das Beste zu werden, das Sie sein können. Stellen Sie sicher, dass Sie meiner Facebook-Gruppe, BL Musik und Sound beitreten , um eine Gemeinschaft von anderen Musikproduzenten zu betreten , die genau wie Sie wollen, um ihren Sound zu lernen und zu verbessern. Sie können auch jede Art von zukünftigen Projekten hochladen, an denen Sie arbeiten, und sie mit anderen Studenten teilen, die meine Kurse besucht haben. Sie können dann nach konstruktivem Feedback von der Gruppe fragen, um Ihren Sound wirklich fein abzustimmen. Denken Sie daran, viele Ohrenpaare sind besser als eins. Vergessen Sie auch nicht, eine Rezension zu hinterlassen. Wenn Sie den Kurs genossen und etwas Neues gelernt haben, stellen Sie sicher, dass Sie es erhöhen, damit andere Musikproduzenten uns finden und einige der gleichen Dinge lernen können, die Sie getan haben. Schließlich wollte ich mich nur bedanken, dass Sie sich die Zeit genommen haben, um den Kurs abzuschließen, und ich hoffe wirklich, dass ich Sie auf einigen zukünftigen Kursen wiedersehe. Kümmere dich um dich selbst und glücklich zu produzieren.