Beatmaking im FL Studio: Masterclass zur Musikproduktion – Beats erstellen, Musik mischen und masteren

1. Einführung in den Kurs: Du verbringst Stunden in FL Studio, nur um am Ende das zu haben? Mama, hm. Es ist okay. Es ist okay. Wir waren alle dort. Aber was wäre, wenn ich dir sagen würde, dass du daraus Beats machen kannst , die klatschen , verkaufen und auffallen Nun, dieser Kurs ist genau das. Es ist dein ultimativer Leitfaden, um Beats zu kreieren, die professionell klingen. Auch wenn Sie nur ein Anfänger sind, so funktioniert es. Schritt für Schritt führe ich Sie durch jeden Teil des Prozesses. Wir beginnen damit, Trommeln zu entwickeln, die springen. Dann kreieren wir Melodien und Akkorde, die in Ihrem Kopf haften bleiben, und acht Oh-Achten, um die Lautsprecher zum Zittern zu bringen Wir drehen Samples wie ein Profi um, verwandeln Loops in komplette Songs und lernen Mixing und Mastering, damit alles sauber und professionell klingt Du glaubst, du brauchst schicke Ausrüstung, aber das tust du nicht. Denkst du, du brauchst irgendeine Art von Magie, um Beats zu kreieren, auf denen Künstler tatsächlich rappen wollen? Nein. Alles was du brauchst ist FL Studio und ein Abo und ich gebe dir beides. Am Ende haben Sie einen vollständig ausgefeilten, branchenreifen Kurs und die Fähigkeiten, dies immer wieder und wieder zu tun. Du wirst vom Bastler zum Hitmaker werden und dabei vielleicht sogar bezahlt werden Also hör auf, dich mit Loops zu quälen, nimm am Kurs teil und fange an, Songs zu machen, die 2. Verwenden von FL Studio wie ein Profi: Lassen Sie uns in die Grundlagen von FL Studio eintauchen. Ich werde Sie Schritt für Schritt führen und alles in verdauliche praktische Teile zerlegen . Folgen Sie uns also, während wir die wichtigsten Tools und Workflow-Techniken kennenlernen , die Sie zu einem Profi machen werden Nun, dieser Kurs konzentriert sich nicht auf FL Studio, also werde ich nicht wirklich ausführlich auf Dinge wie Menüs und einige der obskuren Tools eingehen, die Sie vielleicht so oft verwenden Ich konzentriere mich auf das Wesentliche und Dinge, die du brauchst, um professionelle Beats zu erstellen Wenn die Software geöffnet wird, müssen Sie also zunächst sicherstellen, dass Sie unter Optionen und Audioeinstellungen den richtigen Audiotreiber ausgewählt haben Audioeinstellungen den richtigen Audiotreiber ausgewählt . Die Optionen sind also hier oben links. Audioeinstellungen. Ich werde mir hier den Treiber oder das Gerät ansehen und sicherstellen, dass es so ausgewählt ist , wie ich es haben möchte. Wenn Sie also Ihre externen Kopfhörer oder vielleicht Ihre Laptop-Lautsprecher oder ein Audio-Interface oder was auch immer Sie verwenden, verwenden, müssen Sie den FL Studio-Audiotreiber auf das Gerät einstellen , das Sie verwenden. Für mich ist es also der JBL Quantum Stream. als Nächstes einfach sicher, dass Ihre Abtastrate entweder 44,1 oder 44100 oder 48.000 beträgt 44,1 oder 44100 oder Jetzt empfehle ich die Verwendung von 48.000, aber 44,1 funktioniert genauso gut Samplerate ist im Grunde wie Bildrate beim Spielen oder bei Film und Fernsehen, wo der Digitalkonverter, glaube ich, Einzelbilder oder Samples, wie sie genannt werden, des Audiomaterials aufnimmt glaube ich, Einzelbilder oder Samples, wie sie genannt werden, des Und je höher die Samplerate, desto mehr Samples oder Chops werden benötigt Wie Sie sich vorstellen können, wenn Sie sie mit einer Bildrate vergleichen , gilt: Je höher Sie gehen, desto flüssiger und qualitativ hochwertiger, und je niedriger Sie gehen, desto weniger flüssig und desto weniger hochwertig dies jedoch nicht einfach auf die höchste Stufe ein, denn zuallererst wird Ihre CPU wirklich Probleme haben. Und zweitens wird keines der Musterpakete, die Sie kaufen, diese Samplerate haben. Und das bedeutet, dass die Software dann versuchen muss, die Samples, die Sie haben, auf die von Ihnen eingestellte hohe Samplerate umzurechnen . Der Industriestandard liegt derzeit also wirklich bei 48 Kilohertz, aber die meisten Samples, die Sie online finden , werden bei 44,1 liegen Also ist jede dieser beiden perfekt. Und schließlich, da die Pufferlänge hier ist, stellen Sie sicher, dass sie so hoch wie möglich eingestellt ist. Wenn es um die Aufnahme geht, werden wir sie etwas niedriger einstellen. Aber wenn wir mit Plugins arbeiten und versuchen, Audio innerhalb der Software zu verarbeiten, sollte die Pufferlänge auf jeden Fall und versuchen, Audio innerhalb der Software zu verarbeiten, so hoch wie möglich eingestellt werden. Nun, deine ist vielleicht nicht so hoch wie diese, 4.096 Samples. Es hängt nur davon ab, welchen Treiber oder welches Audiointerface Sie hier verwenden Und im Moment ist das alles, worüber wir uns Sorgen machen müssen. Als Nächstes könnten Sie vielleicht den BPM Ihres Projekts festlegen. Das Problem mit Beats ist nun, dass es eine riesige Bandbreite an BPM gibt, für die Sie sich entscheiden können Die meisten Beats liegen zwischen etwa 70 und 140 BPM, das ist also ein großer, großer Bereich Idealerweise schaust du dir an welche Art von Subgenre du produzieren möchtest, und dann nachschauen wie das durchschnittliche Tempo für dieses Genre ist Wenn wir zum Beispiel Trap-Musik machen, wird sie wahrscheinlich auf etwa 140 eingestellt sein Okay, jetzt schauen wir uns das Interface an. Also auf der linken Seite haben wir hier das Browserfenster. Dies ist ein Panel in FL Studio dem Sie auf Ihre Samples, Ihre Plugins, Automationsclips, Projektdateien und mehr zugreifen können . Stellen Sie sich das als eine Beat-Making-Bibliothek vor. Von hier aus können wir zum Beispiel ein Beispiel finden. Lass uns einfach einen finden, Trommelschuss, vielleicht ein Klatschen. Und wir können das Klatschen, das wir mögen, vorsingen , indem wir die Pfeile benutzen Auf der Tastatur, sagen wir, ich mag diesen, können wir ihn in unser Channel-Rack ziehen Du kannst auch direkt aus deinem Browser in die Playlist ziehen , um Dinge wie Effekte, längere Loops und Gesang und ähnliches Als Nächstes schauen wir uns das Channel-Rack an. Sie können sich das als das Kontrollzentrum für Ihre Instrumente, Ihre Drum-Samples und Ihre Patterns vorstellen Kontrollzentrum für Ihre Instrumente, Ihre . Im Moment ist meins also auf Audio eingestellt. Ich werde das einfach wieder auf alles zurückbringen, damit ich alles sehen kann , was ich über das Projekt habe, und ich werde es kurz durchgehen. Also hier auf der linken Seite haben wir einen Drehknopf. Nun, zuallererst haben wir eine Taste zum Stummschalten und zum Aufheben der Stummschaltung, die ich hier nicht wirklich verwende Ich benutze hauptsächlich das Stummschalten und Aufheben der Stummschaltung und den Mixer, aber er ist da, wenn du ihn willst Dann haben wir den Drehknopf, wir das Instrument von links nach rechts bewegen können Wir haben auch einen Volume - oder Gain-Regler. Die Zahl hier gibt an , auf welchem Kanal das Instrument läuft. In diesem Fall ist es also der Acht-oh-Acht-Kick. Es gibt an, mit welchem Kanal das Instrument im Mixer verbunden ist. Im Moment ist also der 8-oh-8-Kick bei Insert One, da er, wie Sie sehen können, mit Kanal eins verknüpft ist. Aber dieses Sample, das ich vorhin dorthin gezogen habe , hat keinen Mixerkanal Also nur zur Veranschaulichung: Wenn ich ein paar Kicks reinziehe, werdet ihr sehen, dass es dort auf Kanal eins registriert Aber wenn ich ein paar Klatschen reinziehe, wird das nirgends registriert, außer beim Master Jede Zeile ist also ein Kanal, und Sie haben einen anderen Sound oder ein anderes Sample oder anderes Instrument oder anderes Audio hineingezogen Damit kannst du hier auf diese kleinen Lichter klicken. Diese werden Schritte genannt. Und jede andere Farbe, also haben wir das Grau und das Rot. Sie stehen für einen Takt in einer Bar. Wie Sie hier sehen können, sind es vier. Es gibt Grau, Rot, Graurot, das sind vier Beats, was bedeutet, dass dieses Kanalrack derzeit für die Wiedergabe von 1 Takt eingerichtet ist. Wenn Sie das also erweitern möchten, können Sie das Kanal-Rack einfach herausziehen. Jetzt sind es also 2 Balken, weil ich weitere vier hinzugefügt habe , das sind also acht, und du kannst es nochmal machen, wenn du 12 oder 16 willst und so weiter. Sie können auch auf diese Schritte klicken , um Drum-Patterns zu erstellen. Wenn ich also möchte, dass mein Acht-Acht-Kick hier im ersten Takt der Bar und dann vielleicht in der Mitte des dritten Takts gespielt ersten Takt der Bar und dann wird, würde ich ihn dort platzieren Und du kannst einen einfachen und einfachen Beat wie diesen einzeichnen. Klicken Sie dann einfach mit der rechten Maustaste , um das zu entfernen, was Sie bereits eingezeichnet haben. Um Synthesizer, VSTs oder Instrumente hinzuzufügen, gehst du hier auf der linken Seite und klickst auf Hinzufügen . Daraufhin wird eine Liste . Daraufhin wird eine Liste der installierten Instrumente und aller Standardinstrumente von FL Studio Wenn ich also zum Beispiel, ich weiß nicht, FLKs hier einfüge, wird das geladen, und wie Sie sehen können, wurde es hier unten im Kanal-Rack hinzugefügt Bei den FLKs funktioniert es also nicht wirklich , diese kleinen Schritte einfach einzuzeichnen , weil dann alles eine Note spielen wird Um also die Tonhöhe zu ändern, klicken Sie mit der rechten Maustaste auf das Instrument und öffnen Sie dann die Pianorolle Jetzt sind wir also in einer anderen Ansicht. Hier können Sie Melodien, Akkorde und fortgeschrittene Rhythmen erstellen und bearbeiten Akkorde und fortgeschrittene Rhythmen erstellen und So einfach klicken Sie, um eine Note hinzuzufügen . Sie können es herumziehen. Und wie Sie sehen können, stimmen diese Linien beim Heranzoomen mit den Farben überein , nach denen wir zuvor gesucht haben. Wenn ich also einfach beide gleichzeitig zeige, haben wir diese dickeren Linien, die einen Takt darstellen, und wir haben diese kleineren Linien, die einen Schritt darstellen. Wir haben also vier Schritte im ersten Takt, und hier haben wir wieder einen, zwei, drei, vier Schritte im ersten Takt. Die Taktnummern werden hier oben angezeigt. Wenn du also 4 Balken haben möchtest, müsstest du dein Muster bis zu den fünf so lang machen. Und das liegt nur daran, dass der erste Balken hier ist, zweite Balken hier, der dritte Balken und dann der vierte Balken, und es würde sich wieder drehen. Das ist also dein Vier-Takt-Loop. Und dann, wenn wir hier zum Beispiel, ich weiß nicht, eine zufällige Melodie einzeichnen . So wie das hier Wenn du die Befehlstaste auf dem Mac oder die Strg-Taste unter Windows gedrückt hältst, kannst du quasi alle Notizen, die du eingezeichnet hast, mit einem Lasso versehen und du kannst sie duplizieren, indem du die Umschalt-Taste gedrückt hältst Ich habe sie einfach dupliziert, wieder dupliziert, wieder dupliziert, und dann, ich weiß nicht, können Sie kleine Anpassungen vornehmen, um eine Schleife mit vier Takten zu erstellen Sie können dann weitere Steuerungen vornehmen z. B. die Anschlagstärke anpassen, also wie hart die Noten gespielt werden , etwa so Nun, das mag ein bisschen extrem oder unmusikalisch sein, aber es dient nur der Veranschaulichung Und mit dieser Art von Steuerbereich können Sie auch Dinge wie Pan und Pitch steuern Im Bereich Akkorde und Melodie zeige ich dir noch ein paar coole Dinge, zeige ich dir noch ein paar coole Dinge du an der Pianorolle machen kannst Aber im Moment denke ich, dass das genug ist, um einen grundlegenden Überblick darüber zu bekommen , wie man Noten einzeichnet und bearbeitet Sobald du also dein Muster oder deinen Loop hier erstellt hast, können wir es in das Playlist-Fenster bringen. Ups. Also hier oben wählst du aus welches Muster du in die Playlist einfügen möchtest Muster eins ist also nur das Standardmuster, das wir verwendet haben, aber wir können es umbenennen, wenn wir , ich weiß nicht, Klavier wollen. Und dann können wir das in unsere Playlist einfügen. Und von dort aus kannst du es beliebig oft drüberziehen , weißt du, bis ein komplett arrangierter Track entsteht. Wenn wir also zum Beispiel das Klavier so lassen und vielleicht ein neues kreieren würden , dann suche das nächste leere Schlagzeugmuster. Ich öffne leer und wir können das gleiche Muster einzeichnen, das wir zuvor hatten. Ich glaube, es war so etwas. Zieh am Ende ein paar zusätzliche Hüte rein oder so. Und jetzt können wir ein kleines Arrangement treffen. Und falls du es noch nicht bemerkt hast, deine Muster erscheinen auch hier auf der linken Seite, sodass ich schnell eine Trommel oder ein Klavier einfügen kann, indem ich einfach zwischen den verschiedenen Mustern, die du hier auf der linken Seite gesammelt hast, hin und her blättere du hier auf der linken Seite gesammelt hast Und dann können Sie in der Playlist-Ansicht außerdem Automationsclips erstellen Nehmen wir an, ich wollte, dass dieses Klavier Laufe des Tracks von links nach rechts springt Ich würde mit der rechten Maustaste auf den Drehknopf klicken. Sie können also mit der rechten Maustaste auf die meisten Dinge in FL Studio klicken , Sie können mit der rechten Maustaste darauf klicken Einige Plugins von Drittanbietern können Sie nicht, aber ich werde Ihnen zeigen, wie Sie darin Automatisierungsclips erstellen können, während der Kurs weitergeht. Aber im Moment, wenn du einfach mit der rechten Maustaste auf einen Parameter in der FL Studio-Software oder in den Standard-Plugins klickst, öffnet sich dieses Menü und du kannst auf Automationsclip erstellen klicken, um ihn zu zeichnen, und dann können wir ein wenig Schwenken zeichnen, damit das Klavier quasi von links nach rechts springt. Dann schneide ich das vielleicht, weil ich für mich selbst einen kleinen Loop gemacht habe , schneide das Und wieder kann ich das einfach in das ganze Arrangement einfließen lassen. Und schließlich, nur zur schnellen Bearbeitung, können Sie auf einen Clip doppelklicken, und es öffnet sich alles , woraus dieser Clip besteht. müssen also nicht, Sie wissen schon, rechten Maustaste hier oben klicken und versuchen, irgendwo in der Playiss-Ansicht das zu finden, wonach Sie suchen irgendwo in der Playiss-Ansicht das Nehmen wir an, wir haben unser Schlagzeug hier drüben, wir können einfach darauf doppelklicken wir können einfach darauf doppelklicken und es wird sich sofort öffnen und wir können es sehr schnell bearbeiten Nehmen wir an, ich mag diese Hi-Hut-Rolls nicht und ich möchte es nur ein bisschen einfacher machen , wir können es auch so machen Was die Art von Zeichenwerkzeugen und so angeht, die einzigen, die ich jemals benutze , sind das Malwerkzeug und das Slice. Das war's auch schon. Denn mit diesem Auswahlwerkzeug können Sie einfach die Befehle oder die Steuerung gedrückt halten, können Sie einfach die Befehle oder die Steuerung gedrückt halten wie Sie es in der Pianorolle tun würden, und der Rest sind eher spezielle Dinge, die ich nicht wirklich verwende. Aber auf jeden Fall, wenn Sie etwas Bestimmtes tun möchten , auf das ich hier nicht eingegangen bin, mir einfach eine Nachricht, und ich kann Ihnen erklären, wie Sie das tun können , was auch immer Sie tun möchten. Nehmen wir an, ich finde, das Schlagzeug ist ein bisschen laut und das Klavier ein bisschen leise. Was wir tun können, ist , sie zum Mixer hinzuzufügen und ihre Faderpegel anzupassen Standardmäßig hat FL Studio also diese Acht-Acht-Kick und Clap und High Hat und Snare, und sie sind bereits verschiedenen Mixer-Spuren zugewiesen Aber was wir hineingezogen haben, die FLKYs haben keinen Mixer-Track. Du kannst also entweder dieses Rad benutzen, um einzuzeichnen, welcher Nummer der Mixer-Spur du sie zuweisen möchtest, oder du kannst das Plug-In öffnen, auf dieses kleine Einstellrad klicken und es dann einfach der nächsten leeren Spur zuweisen In diesem Fall wird es also Kanal sechs zugewiesen . Und da ist es. In ähnlicher Weise, wenn Sie, ich weiß nicht, schauen wir mal, ob wir hier eine Art Kreislauf haben, eine Atmosphäre. Nehmen wir an, das läuft im Hintergrund, ein bisschen laut. Wenn Sie das zum Mixer hinzufügen möchten, können Sie darauf doppelklicken. Und wieder öffnet sich dieses kleine Fenster, in dem Sie einfach einen Titel auswählen und ihn der nächsten leeren Mixer-Spur zuweisen. Von hier aus können wir Dinge alleine machen oder wir können Dinge stummschalten. Und wir können auch die Lautstärke anpassen. Also, wie ich schon sagte, vielleicht sind die Trommeln ein bisschen laut. Ich kann die Lautstärke aller verringern. Vielleicht kann ich auch die Lautstärke der Atmosphäre verringern und mal reinhören. Und mit dem Mixer können wir auch unsere Effekte hinzufügen. Sie möchten also auf alles klicken, dem Sie einen Effekt hinzufügen möchten. In diesem Fall gelangen die FL-Keys hier zu den verschiedenen Effekt-Slots Öffnen Sie einen von ihnen und schon werden alle Effekte angezeigt, die Sie haben, und alle Standard-FL Studio-Effekte Also, vielleicht möchten wir diesem Klavier einen Flanger hinzufügen , und wir können einfach eine zufällige voreingestellte bewegte Verzerrung verwenden eine zufällige voreingestellte bewegte und sehen, wie sich das anhört Für Dinge wie Hall können wir rechten Maustaste auf eine beliebige leere Mixerspur klicken Ich weiß zum Beispiel, Insert Ten, hier ist leer, also kann ich mit der rechten Maustaste darauf klicken und ich kann Doc zwei links oder rechts sagen, was auch immer Sie bevorzugen, bevorzugen Sie meins auf der rechten Seite Also bleibt das jetzt auf der rechten Seite, egal wo ich herumscrolle Und mit diesem kann ich so etwas wie einen Hall oder ein Delay öffnen so etwas wie einen Hall oder ein Delay Vielleicht sollten wir ein Delay eröffnen. Und von dort aus, wenn ich zum Beispiel möchte, dass mehrere Instrumente dasselbe Delay verwenden, kann ich einfach auf das klicken, was ich an das Delay senden möchte, und ich schicke es mit diesem kleinen Pfeil nach unten und ich kann einstellen, wie viel von Instrument an das Delay gesendet wird. Also zum Beispiel vielleicht die FLKs. Ich denke, Einsatz zwei ist das Klatschen, soweit ich mich erinnere, werden wir das anziehen und vielleicht die hohen Hüte nur ein bisschen Wir werden sehen, wie sich das anhört. Verwendung dieser Methode zum Senden von Tracks ist also viel besser für Dinge wie Reverb und Delay, bei denen Sie wahrscheinlich viele verschiedene Instrumente an denselben Plugin-Effekt senden werden viele verschiedene Instrumente an denselben Plugin-Effekt senden denselben Plugin-Effekt . Sie möchten diesen Hall nicht auf jedem einzelnen Kanal öffnen, weil das Ihre CPU auffressen würde Wenn Sie also zum Beispiel einen Hall auf die FLCs laden und dann denselben auf den Clap und den gleichen auf den High Hat laden , sind das drei Instanzen des Reverbs, wohingegen Sie ihn einfach einmal hier auf einem Sent-Track öffnen und die einzelnen Instrumente einfach darauf schicken könnten . Und schließlich können Sie den Pan auch nach links oder rechts einstellen. Und Sie können Ihrem Master Effekte hinzufügen, wenn es darum geht , den Track zu mastern Auch hier werden wir im Laufe des Kurses ein bisschen mehr damit anfangen Im Moment ist dies jedoch nur ein grundlegender Überblick wie Sie es verwenden können, falls Sie dies noch nicht getan haben. Zum Schluss gebe ich dir noch einen kleinen Profi-Tipp. Und zwar, wenn Sie feststellen, dass Sie viele Instrumente und viele verschiedene Effekte verwenden und Ihre Software anfängt, auf sogenannte Underruns zu stoßen, bei denen es sich im Grunde nur um knisternde und stotternde Geräusche handelt, weil Ihre CPU mit dem, was bei denen es sich im Grunde nur um knisternde und stotternde Geräusche handelt , weil Ihre CPU Sie tun, nicht Schritt halten kann Sie können sich hier die Tools ansehen. mache ich immer wieder. Sie können hier zu Tools und dann zu Makros gelangen, was sich hier befindet. Und in der Mitte dieser Drop-down-Liste gibt es etwas namens Switch Smart Disable für alle Plug-ins Wenn Sie feststellen, dass Ihre CPU hier rote Zahlen schreibt, versuchen Sie das Dadurch werden im Grunde alle Plug-ins ausgeschaltet, die Sie gerade nicht verwenden, und es wird versucht, ein bisschen zusätzliche CPU zu sparen. Aber im Moment glaube ich, dass wir einen grundlegenden Überblick darüber haben, wie die Software funktioniert, und Sie sollten jetzt genug wissen, damit darüber haben, wie die Software funktioniert, Sie, wenn Sie mich während des gesamten Kurses beobachten, wissen, was ich tue, und Sie sollten in der Lage sein, mir zu folgen. 3. Die Denkweise der Produzenten: In diesem Vortrag werden wir uns mit einem der wichtigsten, aber oft übersehenen Aspekte der Musikproduktion befassen, der Denkweise eines Produzenten Hier geht es darum, deinen Geschmack zu entwickeln , die Soundauswahl zu meistern und eine einzigartige Identität als Produzent aufzubauen, insbesondere in Genres wie Trap, Hip Hop, Drill und einfach Beatmaking Falls du dich jemals gefragt hast, was gute Produzenten von großartigen unterscheidet, dann sind es nicht nur die technischen Fähigkeiten, ihre Denkweise und die Art und Weise, wie sie angehen. Lassen Sie uns das also durchgehen Kurz. Warum ist deine Denkweise wichtig Zuallererst definiert dein Geschmack deinen Sound. Die Art der Beats , zu denen du dich hingezogen fühlst, und die Künstler, die du bewunderst, weißt du, die Klänge, die du inspirierend findest, sie alle prägen deine musikalische Identität Entwicklung Ihres Geschmacks ist der erste Schritt Musik zu kreieren, die sich für Sie authentisch anfühlt Die Soundauswahl kann über Erfolg oder Misserfolg eines Titels entscheiden. Ein gut ausgearbeiteter Beat mit den falschen Sounds kann ins Stocken geraten, während selbst ein einfacher Loop mit den richtigen Sounds hart treffen kann. Eine gute Soundauswahl macht etwa 80% des Prozesses aus, und Ihre Identität zeichnet Sie aus. Die erfolgreichsten Produzenten denken, Metro Boomin, Southside oder Boy Wonda, sie sind sofort erkennbar liegt nicht daran, dass sie Trends folgen, sondern daran, dass sie ihren Sound auf ihrer eigenen Identität aufbauen auf Denkweise ist die Grundlage für alles andere, was wir in diesem Kurs lernen werden Lassen Sie uns nun etwas tiefer in diese Bereiche eintauchen und herausfinden, wie Sie Ihre entwickeln können. Die Entwicklung Ihres Geschmacks als Produzent beginnt damit , zu verstehen, was Sie musikalisch anspricht Hier erfahren Sie, wie Sie das verbessern können. Hört gut zu. Höre dir nicht nur einen Stil oder ein Genre an. Vielleicht liebst du Trap oder Drill, aber wenn du ORMB und Jazz oder sogar EDM entdeckst, kannst du neue Ideen und neue Techniken kennenlernen, die du in deine Beats einfließen lassen kannst . Studiere die Gitter Schlage die Beats deiner Lieblingsproduzenten auf und frage dich, was ihre Melodien auszeichnet Wie strukturieren sie ihr Schlagzeug? Welche Rolle spielen Effekte und Mixing in ihrem Sound? Behalte den Überblick über die Sounds, Instrumente und Effekte, die du liebst. Das kann ein düsteres Acht-oh-Acht-Spiel oder ein gefühlvolles Klavier oder atmosphärische Pads sein, aber fangen Sie an, sich eine Bibliothek aufzubauen. Und der letzte Punkt ist, Ihr Gehör so zu trainieren, dass es erkennt, was in einem Mix funktioniert Das bedeutet , auf die kleinen Details wie den Ton eines hohen Huts oder das Ende eines Halls zu achten . Nun, die Entwicklung Ihres Geschmacks kann einige Zeit in Anspruch nehmen, aber jeder Beat, den Sie machen, bringt Sie dem Verständnis Ihrer einzigartigen Vorlieben näher Als Nächstes haben wir die Auswahl der Mastering-Sounds. Soundauswahl ist eine der wichtigsten Fähigkeiten, die Sie als Produzent entwickeln werden Es geht nicht darum, die meisten Sounds zu haben. Es geht darum, die richtigen auszuwählen. Konzentrieren Sie sich also auf Qualität statt Quantität. Lassen Sie sich nicht von diesen riesigen Soundbibliotheken überwältigen, sondern konzentrieren Sie sich stattdessen darauf, qualitativ hochwertige Sounds zu finden , die Sie inspirieren Es ist besser, ein paar großartige Drumkits zu haben als 1.000 mittelmäßige. Als nächstes kommt der Kontext Denken Sie also darüber nach, wie Sounds zusammenwirken. Zum Beispiel wird ein verzerrtes Acht gegen Acht wahrscheinlich mit einem verzerrten Kiktrum kollidieren Helle, glitzernde hohe Hüte passen möglicherweise nicht zu einer dunklen und atmosphärischen Und außerdem hat jedes Genre, du weißt schon, eigene Sounds. Zum Beispiel gibt es im Trap oft schlagkräftige Acht-Acht-Acht-Zahlen und bissige Schlingen, rollende hohe Drill hat schiebende Acht-Oh-Achter, weißt du, düstere, ominöse Melodien und spärliche Perkussion, und Bomba wird grobe Tritte, Vinyl-Texturen und zerhackte Samples haben . Lerne die Grundnahrungsmittel und die Zutaten kennen und experimentiere dann mit ihnen in deinen eigenen Beats . Und das bringt mich zu meinem letzten Punkt darin besteht , niemals aufzuhören zu experimentieren, Sounds zu überlagern, unerwartete Effekte hinzuzufügen oder Samples auf seltsame und unkonventionelle Weise umzudrehen Einige der coolsten Beats entstehen durch glückliche Zufälle. Wenn Ihre Soundauswahl stimmt, werden Ihre Beats auffallen, noch bevor Sie mit dem Mischen beginnen Und dann haben wir das, was dich als Produzent auszeichnet, deine Identität. Finde deine Signatur. Ihre Unterschrift kann alles sein. Du weißt schon, eine bestimmte Akkordfolge, eine einzigartige Art, wie du deine Acht Oh Acht verarbeitest, und sogar ein Producer-Tag oder ein bestimmter Vocal-Chop, den du in jedem Track verwendest Finden Sie einfach ein gemeinsames Thema , das Sie in all Ihre Beats aufnehmen können Als Nächstes gilt es, konsistent zu bleiben. Die meisten Produzenten verdrehen irgendwie mit den Augen, wenn sie das hören, aber ehrlich gesagt ist Konsistenz Schlüssel zum Aufbau eines wiedererkennbaren Sounds. Und das bedeutet nicht, dass jeder Beat gleich klingen muss, aber es sollte nur einen roten Faden geben oder, wie ich schon sagte, ein Thema, das deine Musik irgendwie zusammenhält. Aber wenn Sie aktiv das üben was wir auf den letzten beiden Folien behandelt haben, wird das ganz natürlich passieren. Als Nächstes müssen Sie sich Ihre Einflüsse zunutze machen. Scheuen Sie sich nicht vor Ihren Einflüssen und versuchen Sie, anders zu sein, aber kopieren Sie sie auch nicht. Nutze sie als Grundlage, um etwas aufzubauen, das sich einzigartig anfühlt. Und das muss nicht in der Beatmaking-Welt liegen. Ich meine, dein Einfluss könnte, ich weiß nicht, klassische Musik wie Chikovski oder vielleicht eine Heavy-Metal-Band wie oder vielleicht eine Heavy-Metal-Band Nichts hält dich davon ab, dich von diesen Einflüssen inspirieren zu lassen und dann zu versuchen, sie in deinen eigenen Sound zu integrieren Es gibt auch andere Einflüsse wie kulturelle Einflüsse. Wissen Sie, für mich wären das wahrscheinlich irische Musik und irische Instrumentierung und die Art von Taktarten, die in der irischen Musik verwendet werden. Ich könnte viele dieser Ideen und Techniken nehmen und versuchen, sie in meine Beats zu integrieren , um einen einzigartigen Sound zu erzeugen. Ein anderes Beispiel: Ich bin derzeit in Australien, also könnte ich vielleicht ein Digerid als eine Art atmosphärisches Pad unter der Musik einbauen ein Digerid als eine Art atmosphärisches Pad unter der Musik Und zu guter Letzt geht es darum, zu experimentieren und sich weiterzuentwickeln. Konsistent zu bleiben heißt nicht stagnieren, okay? Gehen Sie also weiter an Ihre Grenzen, integrieren Sie neue Techniken und versuchen Sie, Ihren Sound weiterzuentwickeln Es ist deine Identität, die Künstler dazu bringt , mit dir zu arbeiten, und sie sorgt dafür, dass die Zuhörer immer wieder zu deinen Beats zurückkehren Schauen wir uns also einige praktische Übungen an um zu versuchen, Ihre Denkweise zu schärfen Der erste ist also Beat Breakdowns. Wählen Sie einen Titel, den Sie lieben, und versuchen Sie, ihn neu zu erstellen. Das ist ein fantastisches Tool. lernst du wirklich etwas über die Auswahl, das Arrangement und das Mischen von Sounds Auf diese Weise lernst du wirklich etwas über die Auswahl, das Arrangement und das Mischen von Sounds. Versuchen Sie als Nächstes, sich selbst einzuschränken. Du weißt schon, fordere dich selbst heraus, einen Beat mit nur fünf Sounds zu erzeugen. Das wird dich zwingen, dich auf Qualität und Kreativität zu konzentrieren. Eine weitere Übung, die viele Produzenten machen, besteht darin, jeden Tag einen Beat zu machen, auch wenn es nur 16 Takte sind. Diese Konsistenz hilft Ihnen dabei Ihren Geschmack in Ihrem Arbeitsablauf zu verfeinern, und sie bietet auch ziemlich gute Inhalte für soziale Medien. Als Nächstes bitten Sie um Feedback. Teile deine Beats mit Leuten, die du kennst. Echtes und ehrliches Feedback kann wirklich Bereiche aufdecken, in denen du dich verbessern musst. Und schließlich ist es eines der mächtigsten Dinge, die ich selbst mache , eine Playlist mit Titeln zu erstellen , die dich wirklich inspirieren. Wenn du dich dann unmotiviert fühlst oder nicht wirklich weißt, wohin deine Beats gehen sollen, kannst du sie verwenden, um deinen Sound zu steuern und deinen Fortschritt zu messen Für mich persönlich ist meine Referenz-Playlist voller zufälliger Künstler, Songs, klassischer Stücke, aller verschiedenen Genres und Sounds, die miteinander vermischt Manchmal ist es nicht einmal der Song , den ich mag, sondern die Akkordfolge, oder vielleicht mag ich einfach den Sound des Synthesizers darin, oder ich mag einfach den Klang der Drums Aber so etwas füge ich einfach der Playlist hinzu. Je bewusster Sie mit Ihrer Denkweise umgehen, desto mehr werden Sie als Produzent wachsen Also, kurz bevor wir zum Schluss kommen, werde ich es noch einmal zusammenfassen. Ihr Geschmack definiert Ihre einzigartige Stimme. Ihre Soundauswahl zeigt Ihre Liebe zum Detail, und Ihre Identität ist es, die Menschen dazu bringt , Ihre Musik zu erkennen und sich daran zu erinnern. diese Elemente immer weiter verfeinern und daran arbeiten , werden Sie nicht nur bessere Beats machen, sondern auch ein Vermächtnis als großartiger Produzent aufbauen 4. Fang nicht mit den Trommeln an: Also, willkommen zur ersten Vorlesung im Bereich Schlagzeugprogrammierung. Und ich wollte diesen Vortrag hier veröffentlichen weil ich der Meinung war, dass er die größte Wirkung hatte. ersten Vorlesung im Bereich Schlagzeugprogrammierung geht es also eigentlich darum, nicht mit dem Schlagzeug zu beginnen. Dies kann einer der größten Fehler beim Erstellen und Produzieren von Beats sein. Jetzt verstehe ich es. Schlagzeug ist der Herzschlag der meisten Tracks, besonders in Genres wie Trap, Hip Hop und Drill Aber die Realität ist, dass es einen wirklich in den Bann ziehen kann, wenn man mit dem Schlagzeug anfängt wirklich in den Bann ziehen kann, wenn man mit dem Schlagzeug Es ist leicht, in die Falle zu tappen, in einem vorhersehbaren Rhythmus stecken zu bleiben, vor allem, wenn Sie sich nicht inspiriert fühlen oder einfach kopieren, was Sie in den Tutorials anderer Leute gesehen haben . Warum solltest du also nicht mit Schlagzeug beginnen? Nun, zuallererst endet man in einem vorhersehbaren Muster. Wenn man mit Schlagzeug anfängt, ist es leicht in die Falle zu tappen, Sie wissen schon, dieselben Acht-Acht-Muster zu verwenden , eine typische High-Hat-Rolle oder andere generische Loops zu verwenden. mit dem Schlagzeug beginnen, können Sie Ihre Kreativität in eine ganz bestimmte rhythmische Struktur und Ihre kreative Freiheit einschränken Am Ende fehlt dir auch der musikalische Kontext. Trommeln sind unglaublich wichtig Rhythmus und Energie zu fördern, aber sie bieten keinen harmonischen oder melodischen Kontext Wenn Sie also mit dem Schlagzeug beginnen, stellen Sie im Grunde das Pferd von hinten auf Sie werden keine klare Richtung für die restlichen Elemente in Ihrem Track haben , und das Schlagzeug wird sich am Ende irgendwie von anderen Teilen des Songs abgekoppelt anfühlen von anderen Teilen des Songs abgekoppelt anfühlen Und schließlich macht es dich einfach viel weniger flexibel. Wenn Sie mit einer Melodie, einer Akkordfolge oder einem Sample beginnen , haben Sie viel mehr Raum, um mit den anderen Elementen des Tracks zu experimentieren Sie sind nicht an diesen Rhythmus gebunden und können verschiedene Richtungen erkunden, die die musikalische Idee, an der Sie gerade arbeiten , ergänzen Aus diesem Grund empfehle ich, mit einer Idee zu beginnen. Wenn Sie mit einer Idee beginnen, können Sie die Stimmung sofort einstellen. Egal, mit welcher Samples- oder Akkordfolge oder Melodie Sie beginnen, sie bestimmt sofort die Stimmung des Tracks Egal, ob es dunkel oder traurig oder energisch oder gefühlvoll sein soll , Ihre Idee wird den Ton angeben, und dann wird das Schlagzeug nachziehen Ohne dieses starke Fundament könnte sich Ihr Schlagzeug am Ende fehl am Platz anfühlen Es ermöglicht Ihnen auch, einen starken Haken zu erstellen. Ihre Ausgangsidee ist oft der Dreh - und Angelpunkt. Denken Sie also an Ihre Lieblingslieder. Was dir auffällt. Es ist oft die Melodie oder das Sample Es ist nicht die Trommel, indem Sie sich zuerst auf die Idee konzentrieren, sondern sicherstellen, dass der Kern Ihres Tracks einprägsam und wirkungsvoll ist Dann kann die Idee dazu inspirieren, wie das Schlagzeug klingen sollte. Mit der Idee zu beginnen bedeutet also nicht, das Schlagzeug zu ignorieren Es bedeutet nur, dass das Schlagzeug von der musikalischen Grundlage inspiriert wird von der musikalischen Grundlage inspiriert Sobald Sie also Ihre Akkordfolge oder Ihr Sample oder was auch immer Sie verwenden, haben , werden die Drums dem natürlichen Rhythmus und der Atmosphäre dieser Idee folgen und der Atmosphäre dieser Idee Sie ergänzen also das Gefühl des Tracks, anstatt ihn irgendwie zu diktieren Und es wird dir helfen, dich von der Masse abzuheben. Viele Tutorials und Produzenten werden mit dem Schlagzeug beginnen. Und obwohl dieser Ansatz in bestimmten Fällen funktionieren kann, führt er oft zu generisch klingenden Beats Indem du die Reihenfolge umdrehst und mit etwas Musikalischem anfängst, wirst du dich und deinen Sound auf natürliche Weise von den typischen, du weißt schon, Keksausstecher-Tracks unterscheiden und deinen Sound auf natürliche Weise von den typischen, du weißt schon, , die du vielleicht jedem anderen Beatstore und jeder Playlist hörst Wenn wir also nicht mit dem Schlagzeug beginnen , womit fangen wir dann Lassen Sie uns also einige der besten Optionen durchgehen. Zuallererst haben wir Proben. Diese sind eine großartige Möglichkeit, Ihrer Kreativität freien Lauf zu lassen, egal ob es sich um einen Vocal-Chop, einen Loop aus einem alten Song oder einen zufälligen Sound handelt, der Ihnen ins Ein Beispiel kann endlose Möglichkeiten bieten. Das Schöne daran, mit einem Sample zu beginnen, ist, dass es oft seinen eigenen Rhythmus und seine eigene Atmosphäre hat, was Ihnen einen guten Ausgangspunkt Damit suchst du also nach emotionaler Resonanz. Also, weißt du, wie ein Vintage-Solgesang oder ein bissiges Gitarrenriff, etwas, das dich emotional anspricht Dann könntest du es zerkleinern und in etwas Neues verwandeln. es also nicht einfach in Ihr Projekt ein, zerschneiden Sie es, Sie wissen schon, ändern Sie die Tonhöhe, kehren Sie es um, fügen Sie einige Effekte hinzu und machen Sie es sich wirklich zu eigen. Und wo findet man am besten Beispiele? Nun, ich kann Lupermen wirklich, wirklich empfehlen. Dies ist eine kostenlose Plattform mit einer riesigen Sammlung von kostenlosen, von Benutzern hochgeladenen Loops und Samples Hier finden Sie alles, von Hip-Hop-Loops über Synth-Stabs bis hin zu Trommelbremsen, klassischer Musik einfach allen möglichen Samples . Es ist wirklich, wirklich eine Goldmine für kostenlose Proben. Davon abgesehen gibt es Dinge wie Splice für, du weißt schon, hochwertige Samples, Track Lib Das ist ein Dienst, der es dir ermöglicht, legal Musik direkt von Originaltiteln zu sampeln und NOIIZ zu hören, eine weitere abonnementbasierte Plattform , die hochwertige Samples Musik direkt von Originaltiteln zu sampeln und NOIIZ zu hören, eine weitere abonnementbasierte Plattform anbietet Als Nächstes haben wir für Ideen Akkorde. Mit Akkorden zu beginnen ist also eine großartige Möglichkeit, deinem Track eine starke harmonische Basis zu geben Akkorde definieren die emotionale Stimmung und geben dem Rest deiner Elemente die Richtung vor Wenn Sie also mit den Akkorden beginnen, wissen Sie, fangen Sie einfach Machen Sie die Dinge nicht zu kompliziert. Eine einfache Progression wie, du weißt schon, CG, a-Moll F kann viel Raum zum Experimentieren bieten Umkehrungen und Intonationen, werden wir im Kurs durchgehen , aber verwenden Sie nicht nur einfache offene Akkorde, sondern das werden wir im Kurs durchgehen , aber verwenden Sie nicht nur einfache offene Akkorde, sondern experimentieren Sie mit verschiedenen Umkehrungen. Und dann gibt es noch die Möglichkeit, MIDI-Packs zu verwenden. Wenn Sie also kein Klavier spielen, können Midi-Akkordpakete eine großartige Abkürzung sein Wenn ich diese verwende, achte ich jedoch immer darauf, sie an den Track anzupassen Und schließlich haben wir Melodien. Das ist die treibende Kraft deines Tracks. Es fungiert oft als Haupthaken oder Hauptthema. Wenn Sie mit einer Melodie beginnen, gibt sie dem gesamten Track eine Richtung Das kann eine einfache Klavierzeile sein, weißt du, eine Gesangsmelodie, oder einfach nur ein Instrumentensolo Also nochmal, du wirst mit einer einfachen Idee beginnen Wissen Sie, komplex heißt nicht immer besser. Beginne mit kurzen, einprägsamen Ideen und baue dann darauf auf. Sie könnten sogar eine Melodie summen oder vorsingen , bevor Sie die Tastatur berühren. So können Sie sich auf die Musikalität konzentrieren, ohne sich in den technischen Aspekten zu verfangen, und sich nur an Wiederholungen und Variationen erinnern Melodien, die sich wiederholen, bleiben also in den Köpfen der Leute hängen, aber achten Sie darauf, dass Sie Variationen hinzufügen damit sie nicht eintönig Im Grunde bedeutet das alles, dass Sie einfach mit einem Haken beginnen. Und denk darüber nach. Was ist das Erste, was deine Aufmerksamkeit in einem Song erregt? Es sind nicht die Trommeln Es ist wahrscheinlich die einprägsame Melodie, das interessante Sample oder die einprägsame Akkordfolge Es ist fast immer der Haken. In der Musikproduktion bedeutet der Hook den einprägsamsten Teil des Songs. Es könnte also eine Gesangslinie sein, es könnte ein Sample sein, es könnte eine Instrumentalmelodie sein Aber indem Sie mit dem Hook beginnen, stellen Sie sicher, dass Sie aus dem G etwas Überzeugendes und Einzigartiges geschaffen haben aus dem G etwas Überzeugendes und Einzigartiges . Wenn Sie mit einem Hook beginnen wird Ihrem Track oft eine Identität verliehen Es bestimmt die Stimmung, es bestimmt die Stimmung und es bestimmt das Gefühl des Songs Und sobald Sie diesen Hook etabliert haben, können Sie darüber nachdenken, wie das Schlagzeug ihn ergänzen wird Der Rhythmus und die Energie der Trommeln werden vom Gefühl des Hooks bestimmt. Außerdem sind Tracks mit starken Hooks sofort erkennbar. Versuche es einfach, aber einprägsam zu machen. Jetzt werde ich das nur wiederholen. Ich habe so viele Online-Tutorials gesehen, in denen Produzenten mit dem Schlagzeug beginnen oder dir empfehlen, mit dem Schlagzeug zu beginnen, aber ich denke ehrlich gesagt, dass du dich auf ein Scheitern einlässt Das Schlagzeug diktiert niemals die Richtung des Tracks. Sie ergänzen immer den Rhythmus. Wenn Sie zuerst die Trommeln erstellen, können sie mit den musikalischen Elementen kollidieren. Sie sind ein rhythmisches Werkzeug. Sie sind nicht der Kern des Songs. Sie sollten das Gefühl des Tracks unterstützen , nicht bestimmen. So könnten Sie also den Ansatz „Start with a idea“ anwenden . Sie könnten also zunächst ein musikalisches Fundament aufbauen . Sie haben also ein Sample oder eine Melodie oder eine Akkordfolge gefunden , die Ihnen gefällt Sie haben diese Kernidee kreiert. Nutze jetzt deine Kreativität, um sie zu erweitern und sie mit Harmonien, Texturen und Gegenmelodien Sobald sich deine Idee solide anfühlt, bring das Schlagzeug mit. Hier wird die Magie geschehen. Ihr Schlagzeug wird jetzt von den musikalischen Ideen inspiriert sein , die Sie bereits festgelegt haben. Jetzt, wo dein Schlagzeug passt, konzentriere dich darauf, Basslinien, zusätzliche Instrumente und Gesang hinzuzufügen zusätzliche Instrumente und Gesang Verwenden Sie EQ, Effekte und Automation, um Ihre Sounds zu verfeinern und sicherzustellen, dass alles zusammenpasst Wenn Sie mit einer musikalischen Idee beginnen, verläuft der Rest der Produktion wie von selbst, und Sie haben die Freiheit, verschiedene Rhythmen, verschiedene Bereiche und verschiedene Grooves zu erkunden , ohne durch ein vordefiniertes Drum-Pattern eingeschränkt zu sein Abschließend möchte ich noch sagen, denken Sie nicht zu viel darüber nach. Wenn etwas für dich gut klingt, funktioniert es. Auch wenn du zuerst mit dem Schlagzeug angefangen hast und es gut klingt, es funktioniert. Vertraue deinen Instinkten Hab auch keine Angst davor , neue Dinge auszuprobieren. Wenn dir eine Akkordfolge zu vertraut vorkommt, versuche, sie umzukehren oder vielleicht den Rhythmus zu ändern Das ist dein kreativer Raum, also erkunde ihn. Mit einer Idee zu beginnen bedeutet nicht, sie zu kompliziert zu machen. Manchmal ist weniger mehr. Eine einfache Akkordfolge und eine Melodie können der perfekte Ausgangspunkt sein Und zum Schluss möchte ich nur sagen: Hab keine Angst davor, von vorne anzufangen Wenn Sie die Idee nach einer Weile nicht mehr spüren, zögern Sie nicht, sie zu verwerfen und von vorne zu beginnen Je mehr du experimentierst, desto besser werden deine Instinkte. 5. Grundlagenprogrammierung: Kicks, Klatschs und grundlegende Sprünge: In dieser Vorlesung werden wir uns also den grundlegenden Bausteinen einer soliden Rhythmus-Sektion befassen Der Kern jedes großartigen Beats beginnt mit dem Kick, dem Hut und dem Klatschen Ich werde dir zeigen, wie man sie so programmiert dass sie jedes Mal perfekt abprallen Diese Vorlesung konzentriert sich auf die Grundlagen der Rhythmusprogrammierung und hilft Ihnen, sich mit den Tools vertraut zu machen, die Sie benötigen, um in FL Studio straffe, groovige Beats Bevor wir mit der Programmierung beginnen, lassen Sie uns einfach über die Grundelemente sprechen, die einen Standard-Beat in der modernen Hip-Hop- und Trap-Musik ausmachen einen Standard-Beat in der modernen Hip-Hop- und Sie sind also der Kick. Die Kickdrum ist das Fundament. Sie sorgt für den Knall, der den Rhythmus vorantreibt. Das Klatschen, das für die Betonung des Backbeats unerlässlich ist und häufig im 44-Takt auf den zweiten und vierten Schlag gelegt Die Hüte, die sozusagen zwischen diesen beiden Elementen spielen und den Rhythmus und den Groove bestimmen Und dann haben wir etwas Konzeptionelles , nämlich den Bounce Nun, der Bounce ist der Groove oder der Rhythmus, der dafür sorgt, dass der Beat energisch, funky oder geschmeidig anfühlt Das ist es, was die Leute dazu bringt, zu deinem Track zu wechseln. Normalerweise würde ich den Leuten zu diesem Zeitpunkt sagen, sie sollen eine BPM einstellen und, du weißt schon, anfangen, etwas zu programmieren Aber in der letzten Vorlesung habe ich wirklich betont , wie wichtig es ist, mit einer Idee zu beginnen Da es sich also um einen Masterclass handelt und wir durchgehend einen Track machen werden , werde ich genau das tun. Also bin ich zu Luperman gegangen und habe nach verschiedenen, du weißt schon, Genres und verschiedenen Arten von Instrumenten gesucht , nach verschiedenen Loops, die ich benutzen könnte Und ich bin auf diesen wirklich coolen und interessanten Loop gestoßen , ein Mädchen aufgestellt hat, wo es sich anhört, als würde sie in ihr Telefonmikrofon singen Irgendwie von niedriger Qualität und irgendwie verzerrt, aber ich denke, das verleiht ihm wirklich ein bisschen Charakter Also, ich werde das einfach reinziehen , weil das unsere Grundidee ist, die Idee, der der Track beginnt Ich spiele es einfach ganz schnell ab, damit du es dir anhören kannst . Ich kann wirklich hören, wie der Track mit einer Idee von geringer Qualität anfängt und dann einfach diese Melodie nimmt und sie in etwas viel Hochwertigeres verwandelt und das als Grundlage für den Track verwendet Zuallererst, als ich bei Luperman war, sagte der Künstler, der das aufgenommen hat, dass es 100 BPM waren Also werde ich mein Da-Tempo oder BPM einfach passend auf 100 einstellen oder BPM einfach passend auf 100 Und wenn ich dann diese Melodie in meinem Kopf summte, das Da, da, da, da, da, da, da, da, höre ich, dass die erste Note davon im ersten Takt des ersten Takts ist Wenn ich also einfach heranzoome, kann ich sehen, dass das Sample mit dem zweiten Takt des ersten Takts zu beginnen scheint mit dem zweiten Takt des ersten Takts zu beginnen Aber ich wollte wirklich mit dem ersten Beat beginnen, also werde ich das vorerst anpassen. Und ich werde den Teil, der uns am Anfang fehlt , am Ende des Samples hinzufügen, nur um es zu vervollständigen. So und dann schneide ich es in Scheiben. Und jetzt sollten wir eine komplette Schleife haben , die an der ersten Perle der Bar beginnt Also schalte ich ein Metronom ein und wir hören zu. Also, mit dieser Idee, fange ich an, ein paar Drum-Samples reinzuladen , die wir verwenden können, um unseren Beat zu bauen Also werde ich nach einem knackigen und bissigen Kick-Drum-Sample suchen und bissigen Kick-Drum-Sample Lass uns vielleicht dieses schwarze Oktopus-Pack probieren . Und wir werden sehen, was hier drin ist Tritte. Nein, sie haben nicht recht Ich weiß, dass ich irgendwo ein Trap-Probenpaket habe, also könnte ich es stattdessen verwenden. Da ist es. Ein Schuss. Schlagzeug? Tritte. Okay. Lass uns einige davon vorsprechen und sehen, wie sie klingen Dieser Heavy Kick klingt eigentlich ziemlich gut, und ich denke, er passt zur Stimmung unseres verzerrten Lo-Fi-Samples , das wir Ziehen wir das also rein und ersetzen wir den Kick. Als Nächstes suchen wir nach einer Snare- oder Klatschprobe. Also werde ich für eine Sekunde in diesem Snare-Ordner nachschauen . Lass uns einen finden Dieser ist eigentlich ganz nett, also ziehe ich ihn rein und ersetze unser Klatschen Und dann werde ich nach einem hohen Hut suchen. Also werden wir nach einem geschlossenen hohen Hut suchen oder einem, der ziemlich kurz und bissig ist Ich glaube, mir hat der Sound des Fi-Videos hier gefallen. Ja, es ist etwas gedämpft und es bleibt bei der Lo-Fi-Stimmung, die wir bei diesem Sample haben Also ziehe ich das rein und ersetze den hohen Hut. Und jetzt werde ich mein leeres Drum-Pattern einfügen . Ups. Muster eins. Das möchte ich einfügen Ich möchte mein leeres Drum-Pattern einfügen , damit ich es erstellen kann, während das Sample gespielt wird, und ich kann das Sample verwenden, um den Rhythmus des Schlagzeugs Zuallererst werden wir also natürlich mit einem Kick beim allerersten Beat beginnen . Mm hmm. Und was ich tun könnte, ist , das einem Mixer-Track zuzuweisen und es einfach ein bisschen leiser zu drehen , damit wir hören können was wir mit den Drums machen Hmm, hm. Also lass uns vielleicht eine Schlinge hinzufügen. Mm hmm werde das etwas erweitern , damit ich mein Muster weiter ausbauen kann Mir gefällt dieser Doppelgänger nicht, probiere ich vielleicht so etwas aus Vielleicht wiederhole ich das Muster und Hoppla. Nun, ich denke schon, dass es ein bisschen schnell ist. Also werde ich das Tempo herunterfahren , vielleicht versuchen wir es mit 80. Und weil ich das getan habe, muss ich jetzt sicherstellen , dass ich das an mein Tempo anpasse. Also war es ursprünglich 100, und ich habe mein Projekttempo auf 100 eingestellt. Aber jetzt, wo ich mein Tempo geändert habe, muss ich dieses Sample erweitern und sicherstellen, dass es zu meinem Tempo passt. Also mache ich das jetzt, indem ich auf diese kleine Wellenform klicke und dann Tempo anpassen“ auswähle und die BPM eintippe, die es war, also 100, und wird es auf die BPM von RTrack gestreckt Vielleicht werden wir ein bisschen schneller gehen. Und jetzt werden wir einfach versuchen, ein paar hohe Hüte hinzuzufügen. Also nochmal, ich werde einfach anfangen zuzuhören und zu experimentieren Vielleicht so etwas. Und vielleicht noch einen am Ende, nur um den Groove am Laufen zu halten. Jetzt, in diesem Stadium, können wir mit Dingen wie Swing experimentieren. Also könnten wir hier diesen Swing-Regler verwenden, der , du weißt schon, subtile Timing-Unterschiede hinzufügt , sodass dein Beat ein bisschen organischer anfühlt Normalerweise solltest du diesen Wert auf etwa 30 bis 50% einstellen. Schauen wir uns also an, ob ein 30% iger Groove bei diesem Beispiel funktioniert. Ich finde, das klingt cool, aber wenn wir darauf aufbauen und wir auf dem Track aufbauen , ändere ich es vielleicht. Und ich könnte sogar das gesamte Schlagzeugmuster ändern. Aber im Moment können Sie sehen , dass ich den Rhythmus meiner Trommeln nach dem Rhythmus des Hooks aufgebaut habe . Später in diesem Abschnitt werden wir Dinge wie Perkussion und zusätzliche Schichten hinzufügen , damit die Hüte und Klatschen richtig dick und voll klingen Im Moment werde ich mein Drum-Pattern in das gesamte Sample einfügen , und wir werden es im Laufe des Kurses verfeinern und ändern und darauf aufbauen 6. Schichten von Schlagzeug-Sounds und Hinzufügen von Percussion: In diesem Vortrag werden wir uns also eingehend mit der Kunst befassen, Schlagzeugklänge übereinander zu legen. Und dann werden wir auch ein bisschen Perkussion hinzufügen , um den Takt zu erhöhen. Layering und Perkussion sind Schlüsseltechniken, um vollere und dynamischere Rhythmen zu erzeugen ob du an Trap, Hip Hop, House oder einem anderen Genre arbeitest , diese Fähigkeiten sind unerlässlich, damit dein Schlagzeug auffällt und sich lebendiger anfühlt Layering ist also im Grunde der Prozess, bei dem mehrere Sounds kombiniert werden, um einen reichhaltigeren und komplexeren Schlagzeug-Hit zu erzeugen einen reichhaltigeren und komplexeren Schlagzeug-Hit Und der Grund, warum wir das tun, wäre zusätzliche Fettigkeit. Wissen Sie, die Kombination verschiedener Proben verleiht Tiefe und Fülle Vielleicht wollen wir, dass die Trommeln Charakter haben. Layering ermöglicht es dir, Tambres und Texturen zu mischen und deinen Schlagzeugklängen so einen einzigartigen Charakter zu verleihen habe zum Beispiel bei diesem Drumbeat, den wir gemacht haben, wirklich das Gefühl, dass Ich habe zum Beispiel bei diesem Drumbeat, den wir gemacht haben, wirklich das Gefühl, dass die Überlagerung eines größeren, schwereren Snare-Sounds mit dem letzten Snare-Sound im Pattern dem Beat etwas mehr Wirkung verleihen könnte Ich werde also suchen, ob ich aus diesem Sample-Pack herauskomme, und ich werde nach einem eher schweren Snare-Sample suchen . Also lass uns vielleicht etwas hier unten versuchen. Sie sind alle Perkussion. Also werde ich mich einfach umsehen und versuchen , einige Ordner zu finden, in denen ich vielleicht ein paar schwerere Snare-Sounds habe Schlingen. Lass uns ein paar davon ausprobieren Vielleicht verwenden wir diese Snare 11. Also ziehe ich das rein und lege es in unser Channel-Rack, und ich werde es mit dem Snare-Sound kombinieren, den wir bereits haben Von Tutto. Und ich denke auch, dass der allgemeine Snare-Sound etwas mehr Funkeln oder High-End haben könnte Es ist ein bisschen gedämpft, also werde ich versuchen, vielleicht ein bisschen Klatschen dazu zu kombinieren Ich suche nach einer kürzeren Art von Klatschen als diesem. Vielleicht etwas aus diesem kommerziellen Deep House-Ordner , in dem ich Schlagzeugklatschen habe, mal sehen Ja, das ist viel besser. Ja. Also, wenn wir diesen Clap Seven mit dieser Snare kombinieren, die wir haben, kriegen wir das Schlagzeug so klingen Mm hmm. Mm hm Jetzt spiele ich das Muster ab und schalte beide Klatschen stumm, und schalte beide Klatschen stumm damit du sehen kannst, dass beide zusammen eine neue Textur und einen fetten Klatschsound erzeugen neue Textur und einen fetten Klatschsound Wir könnten sogar ein paar zusätzliche Hüte drauflegen. Schauen wir uns das mal an. Ups, können wir ein paar hohe Hüte finden Vielleicht könnte dieser, dieser lange , cool sein, wie ein ausgefallener , also vielleicht Oder vielleicht sogar hier. A. Und wieder könnten wir auf der Textur dieses Hutes aufbauen, indem wir einfach eine andere Art von kurzem darüber legen, vielleicht diesen, nur um ihm ein bisschen mehr Schwung zu verleihen. Also zeichnen wir einfach genau dasselbe Muster ein. Einfach diesen neuen Hut unter den alten legen , den wir hatten Hören wir es uns jetzt im Zusammenhang mit unserem Beispiel an. Ich werde in den Song-Modus wechseln , sodass der Playhead in der Playlist-Ansicht abgespielt wird Und zu guter Letzt könnten wir weitermachen und etwas Perkussion hinzufügen Also werde ich einen netten, bissigen Perkussion-Sound finden. Vielleicht das. Ich denke, das passt irgendwie zur Atmosphäre unseres Schlagzeugmusters Ich ziehe das rein und ersetze die Snare, die brauchen wir nicht mehr Und dann werde ich reinhören und mit verschiedenen Platzierungen für die Perkussion experimentieren verschiedenen Platzierungen für die Perkussion Also vielleicht einfach etwas ganz Einfaches mit der Perkussion Auch das wird sich wahrscheinlich ändern, wenn wir den Track bauen, aber für den Moment denke ich, dass es eine gute Grundlage ist Nun, etwas Cooles, das du machen könntest, ist dein Schlagzeug mit ein paar natürlichen Klängen oder verrückten Klängen zu kombinieren Also ich glaube, ich habe irgendwo dumme Geräusche. Ich glaube, sie könnten tatsächlich in dieser Falle stecken. Vielleicht versuchen wir es mit Effex. Nein, vielleicht Ja, das sind ziemlich realistische Geräusche. Das klingt wie eine Flasche. Schlüssel klingen wie Schlüssel, die in eine Schüssel gesteckt werden. Wenn Sie also diese interessanten Texturen überlagern würden , könnten Sie einige wirklich interessante Schlagzeug-Beats kreieren. Oh 7. Hi-Hat-Zauberei: In dieser Vorlesung werden wir die Geheimnisse der High-Hat-Programmierung aufdecken und erfahren, wie Sie Ihre High Hats von einfach zu professionell machen können Hohe Hüte sind eine der wichtigsten Komponenten eines jeden Beats sorgen für Energie, Groove und Rhythmus Hier werden wir einige fortgeschrittene Techniken wie Regeln, Triplets, Velocity-Manipulation und Pitch-Shifting ausprobieren, um deinen Beats das gewisse Etwas zu verleihen. Der Hi-Hat bestimmt oft das Tempo des Tracks, sorgt für einen konstanten Rhythmus und hilft gleichzeitig, den Groove voranzutreiben Die Art und Weise, wie Hi-Hats programmiert sind, kann Ihrem Rhythmus einen ansteckenden Schwung oder Sprung verleihen Ihrem Rhythmus einen ansteckenden Schwung oder Sprung Und sie können auch verwendet werden , um bestimmte Teile des Beats zu betonen die Off-Beats zu betonen oder Synkopie zu erzeugen Lassen Sie uns also ein paar Hi-Hat-Rollen hinzufügen. Das erste, was ich tun werde, ist, die Swing-Funktion auszuschalten . Es ist viel einfacher , Hi-Wat-Rolls zu programmieren , wenn die Hi-Hats so statisch sind. Als Nächstes müssen wir unsere hohen Hüte in der Pianorolle öffnen . Also werde ich das jetzt einfach machen. Also, wie Sie sehen können, sind hier die hohen Hüte in der Pianorolle. Also, deiner wird wahrscheinlich nicht so aussehen. Deiner wird höchstwahrscheinlich so aussehen, okay? Dabei hat jeder Beat nur vier Schritte, aber wir müssen weitere Schritte hinzufügen , wenn wir eine richtige Hi-Hat-Rolle erstellen wollen. Wenn du hier zum Drop-down-Menü für die Rasteraufnahme kommst, ist es normalerweise standardmäßig auf Line eingestellt, aber ich setze meins auf Quarter Und jetzt können wir anfangen, einen Hit-Hat-Wurf zu machen. Schauen wir uns also das Muster an und sehen wir, wo eine Hi-Hat-Rolle gut klingen könnte. Also ich denke, der erste könnte vielleicht irgendwo hier sein, also werde ich ihn vergrößern. Und normalerweise machen wir das in Hälften. Wenn wir uns also diese beiden Hi-Hat-Notizen ansehen, werde ich etwa nach der Hälfte eine neue Hi-Hat-Notiz hinzufügen etwa nach der Hälfte Und dann werde ich diese drei neuen Notizen, die wir gerade gemacht haben , wieder aufteilen diese drei neuen Notizen, die wir gerade gemacht haben , Also werde ich auf halbem Weg und auf halbem Weg eine hinzufügen . Mal sehen, wie sich das anhört Und vielleicht könnten wir in der zweiten Bar hier drüben an derselben Stelle eine Hi-Hat-Rolle hinzufügen. Es ist also die Hälfte des zweiten Takts des ersten Taktes vorbei. Gehen wir also zum zweiten Takt des zweiten Takts und machen dasselbe. Wir werden uns trennen. Wir teilen die Notizen auf , die schon da sind , und schauen, wie sich das anhört. Und vielleicht können wir nur zur Sicherheit noch eine kleine Hi-Hat-Rolle hier am Ende des Musters platzieren . Schauen wir uns nun Drillinge an. Drillinge können deinen High-Hut-Mustern also eine swingendere oder jazzigere, irgendwie groovige Atmosphäre verleihen High-Hut-Mustern also eine swingendere oder jazzigere, irgendwie Es ist ein unverzichtbarer Rhythmus und wird in allen Genres wie Hip-Hop-Trap und Drum 'n' Bass verwendet Hip-Hop-Trap Ein Triplett teilt den Beat in drei gleiche Teile und nicht in die üblichen zwei Und bei einer Taktart mit vier, vier Takten kann es zu einer Art Stotter- oder Auslöseeffekt Zuallererst werde ich zuhören und einen Ort finden, an dem ein Triplett meiner Meinung nach funktionieren könnte H. Okay, vielleicht könnte hier am Ende des ersten Taktes ein Triplett Dafür müssen wir also unseren Raster-Snap auf einen Drittelschritt einstellen auf einen Drittelschritt Und ich weiß, dass dieser erste Hit-Hat-Ton die Hälfte des gesamten Beats Also werde ich den zweiten löschen Und wir werden diese zweite Hälfte des Beats in drei gleiche Takte aufteilen , okay? Wenn ich also jeden einzelnen Schritt zähle, haben wir eins, zwei, drei, vier, fünf, sechs, okay? Und 6/3 ist zwei. Ich weiß also, dass ich alle zwei einen Hut aufsetzen muss. Und das sollte jetzt ein Triplett ergeben. Hören wir mal rein und schauen, ob es diesen Effekt von Stottern oder Stolpern über sich selbst erzeugt von Stottern oder Stolpern über sich Und was ich tun werde , ist, den Hut, an dem wir gerade arbeiten, solo zu machen. Ich habe vergessen, dass wir noch einen Hut draufgelegt haben, sodass wir nicht wirklich hören können, was wir machen Aber hören wir es uns einfach noch einmal an. Als Nächstes werden wir uns mit der Änderung der Geschwindigkeiten dieser Noten befassen In der Pianorolle hat jede dieser Noten einen Geschwindigkeitsbalken darunter, und sie sind ziemlich einfach Du ziehst sie im Grunde nach oben, um sie lauter zu machen , oder sie nach unten , um sie leiser zu machen Im Grunde werden wir nur die Geschwindigkeiten zwischen all diesen Noten variieren , um zu versuchen, dass es ein bisschen natürlicher und weniger statisch oder roboterhaft klingt natürlicher und weniger Was ich tun könnte, ist vielleicht so etwas. Und während ich das mache, werde ich kurz über Bounce sprechen Bounce ist also unerlässlich , um eine Art rhythmischen Groove zu erzeugen, der den Zuhörern das Gefühl gibt, zu Ihrem Track übergehen zu können Und Bounce entsteht durch etwas ausgefallene Programmierung . Also ein paar hohe Hüte auf den Offbeat setzen oder Swing benutzen, wie wir es früher getan haben Aber im Moment wollen wir, wenn wir uns die Geschwindigkeiten ansehen, versuchen, die Geschwindigkeiten zu nutzen, um den Offbeat zu betonen Und unkonventionell bedeutet wörtlich, was es sagt. Also, weißt du, der Anfang jedes Beats hier wäre so im Takt Sie sind alle im Takt. Und dann ist alles dazwischen , das aus dem Takt fällt. Der häufigste Offbeat ist genau zur Hälfte fertig. Also dieser hier, weshalb ich den bei der Geschwindigkeit irgendwie betont habe Lassen Sie uns jetzt damit weitermachen, unsere Geschwindigkeiten zu ändern. Ich muss ihn abklicken. Vielleicht so etwas Wir werden dem einen kleinen Schub geben. Und vielleicht sollte es mit dem Triplett leise anfangen und etwas lauter Und dann können diese einfach sein. Und dann können diese einfach ziemlich leise sein. Vielleicht erhöhen wir die Geschwindigkeit dieser nächsten Hit-Hat-Rolle. Und dieser Typ ist unkonventionell, also könnten wir ihn ein bisschen akzentuieren, und dann könnten wir diesen Akzent setzen und den Rest irgendwie auf einer halbwegs niedrigen Lautstärke belassen Mal sehen, wie sich das anhört. D. Ich finde, das klingt okay. Ich könnte diese Philosophie ein bisschen verbessern, und ich bin kein großer Fan davon, also werde ich es vielleicht in die entgegengesetzte Richtung gehen lassen , wo es leiser wird D. Das Letzte, was wir tun könnten, ist, die Tonhöhe an unseren akzentuierten Teilen des Hi-Hats zu variieren , wissen Sie, Dinge wie die Rolle oder die Drillinge Was wir hier also tun können, ist, nach oben zu zoomen. Und nehmen wir an, diese Hit-Hut-Rolle wird beim Spielen heruntergespielt. Also werde ich diesen Hinweis hervorheben. Und mit Shift und den Pfeiltasten kann ich die Tonhöhe ändern. Also werde ich es herunterklappen, und ich werde dasselbe für das nächste tun. Wirf das runter, vielleicht da, und den letzten vielleicht da. Mal sehen, wie sich das anhört. Ups. Also lass uns dasselbe mit dieser Hi-Hat-Rolle Oh, tut mir leid, falsch. So wie das hier. Und wir werden ihn auch runterbringen. Und jetzt werfen sich all unsere Hi-Art-Rollen beim Spielen hin Und nur zur Veranschaulichung könnten wir die Drillinge hier zum Mitmachen bringen. Das ist wahrscheinlich ein bisschen übertrieben, aber ich versuche wirklich nur, alle Techniken zu zeigen Lassen Sie uns hier also die erste Note nehmen und den Drillingen einfach ein paar subtile kleine Tonhöhen hinzufügen Okay, hören wir uns das jetzt an. Und was wir jetzt tun können, ist, das zu kopieren. Lassen Sie uns das hervorheben. Befehl C oder Steuerung C, wenn Sie Windows verwenden. Wir nehmen unseren anderen Hut mit und öffnen die Pianorolle. Und ich werde das löschen, bearbeiten, löschen. Und dann füge ich unser neues High-Hat-Muster mit der Pitch-Shift und den Rolls und den Velocity-Variationen und all dem ein. Hören wir es uns jetzt an, während beide High-Hat-Layer dasselbe neue Muster spielen. Und schließlich gibt es noch eine weitere Sache, ich in diesem Vortrag sprechen möchte, und das sind ausgefallene High Hats Um also wirklich ein bisschen Bounce nach Hause zu bringen oder, du weißt schon, um diesen Hip-Hop-Flare zu bekommen, werden wir einen offenen hohen Hut hinzufügen, und das wird hier im Offbeat gespielt Denken Sie also daran, dass der Offbeat die Halbzeit in einem Beat ist. Also lass uns jetzt einfach nach einem guten Open-High-Hat-Sound suchen einem guten Open-High-Hat-Sound Also werde ich meinen ultimativen Warehouse-Techno-Ordner ausprobieren. Wir werden einige dieser Hüte ausprobieren. Diese sind ein bisschen kurz. Du suchst nach etwas, das etwas länger ist als das. Okay, ja, es ist ein offener Hut, ungefähr so lang wie dieser Hut 12. Also werde ich das mit reinziehen. Und ich werde es nicht überbeanspruchen Ich könnte es einfach einmal hier an den Anfang stellen . Lass uns mal reinhören. Vielleicht auch hier. Nun, es hat nicht den Effekt, nach dem ich gesucht habe, also werde ich einfach schauen, ob ich ein anderes Beispiel finde. Vielleicht versucht es dieser einfach. Ich möchte nur irgendwie den ausgefallenen hohen Hut für Bounce demonstrieren ausgefallenen hohen Hut für . Also hören wir uns das an Und wenn dir der Sound gefällt, kannst du ihn jetzt natürlich auf alle Offbeats legen, auf alle Offbeats legen um eine Art Hip-Hop- oder House-Sound Aber ich bin kein großer Fan davon, also lasse ich es einfach so, dass es am Anfang des Musters nur einen gibt Und hören wir uns das im Zusammenhang mit unserem Original-Sample an, das wir für den Hook unserer Wanderung verwenden. 8. Moderne Groove-Theorie: Kick & Snare Platzierung: Ordnung, schauen wir uns ganz schnell ein einfaches Konzept an, nämlich die Platzierung von Kick und Snare Dies ist der Eckpfeiler der Beat-Produktion, egal ob es sich um Trap, Hip Hop, House experimentelle Beats handelt. Die Beherrschung dieser Elemente ist der Schlüssel zur Erstellung professionell Also werde ich es auf das Wesentliche reduzieren , okay? es auf das Wesentliche reduzieren , okay Also werde ich den Kick auf eins und drei legen und ich werde den Klatsch auf zwei und vier legen Ich habe hier bereits ein Hi-Hat-Muster für eine achte Note geladen , nur um dem Beat einen gewissen Kontext zu geben Das ist also das Grundgerüst eines Beats, und es wird sehr einfach und sehr roboterhaft klingen. Eine Möglichkeit, das Ganze aufzupeppen, wäre also, den Kick zu verdoppeln. Sie können also grundsätzlich vor oder nach einem Beat einen zusätzlichen Kick hinzufügen . Lass uns zum Beispiel einen neuen Kick direkt vor dem dritten Schlag platzieren . Oder wir können ihn direkt vor dem vierten Takt platzieren. Und noch einmal, zu Demonstrationszwecken, platzieren wir es vielleicht danach. Platzieren wir den Doppelkick also einen Schritt nach dem vierten Schlag. Du kannst auch ein paar wirklich interessante Grooves erzeugen, wenn du die Snare ein wenig verschiebst Wenn wir also die zweite Snare nach vorne bringen und sie stattdessen auf den Offbeat legen würden, würde das so klingen Bei Groove dreht sich also alles um Erwartung und Überraschung. Sich von einem starren Muster kann für Aufregung und Bewegung sorgen. zum Beispiel zusammen mit dieser Double-Kick-Idee, die wir haben, Lassen Sie uns zum Beispiel zusammen mit dieser Double-Kick-Idee, die wir haben, hier einfach einen weiteren Doppelkick hinzufügen. Wir können auch Tritte gegen ausgefallene Gegner platzieren. Lassen Sie uns zum Beispiel einen Kick geben, vielleicht hier beim ersten Offbeat Und dann können wir Dinge wie Rim-Shots oder Perkussion oder zum Beispiel die Snare hier verwenden , um bei Off-Beats ein paar viel subtilere Geisternoten hinzuzufügen ein paar viel subtilere Geisternoten Geisternoten werden also generell synkopiert. Sie treten selten beim ersten Takt auf. Also könnten wir diese Snare zum Beispiel vielleicht als Geisternote verwenden , um unser Klatschen zu verdoppeln Also lass uns das hier und vielleicht hier verdoppeln. Und bei Ghost Notes sollen sie ziemlich subtil sein. Also werde ich die Lautstärke runterdrehen , damit sie irgendwie subtil ist. Sie können sogar die Geschwindigkeitsbalken verwenden, die wir uns in der letzten Vorlesung angesehen haben , um in einigen anderen Samples wie dem Kick Geisternoten zu erzeugen . Wenn wir also zum Beispiel Kick in der Pianorolle eingeben und einen dieser Doppelkicks ausführen, können wir es so machen, dass der Doppelkick eine Geisternote ist, indem wir einfach die Lautstärke verringern Fügen wir zur Veranschaulichung einfach noch einen hinzu. Hoppla Alles, was ich mit diesem Vortrag wirklich hervorheben möchte , ist, dass Sie nicht in die Falle tappen, Ihre Samples starr im Takt zu platzieren Ihre Samples starr im Verwende Dinge wie das Verdoppeln deiner Tritte, das Platzieren des Kicks auf den Offbeat, das Verdoppelen deines Klatschens und deiner Snare und Verdoppelen deines Klatschens und deiner Snare und das Verwenden von Geisternoten mit niedrigerer Geschwindigkeit. 9. Melodien 101: Jetzt werden wir uns darauf konzentrieren, einprägsame Melodien zu schreiben , ohne in die Musiktheorie eintauchen zu müssen eintauchen zu Was macht also eine gute Melodie aus? Nun, zuallererst ist es einprägsam, also bleibt es im Kopf des Zuhörers Es kann emotional sein, wenn es eine Atmosphäre erzeugt, weißt du, düster, melancholisch, erhebend oder unheimlich Aber die besten Melodien, die Beats machen, sind einfach. Sie lassen Platz für Schlagzeug und Gesang. Eine gute Melodie entsteht oft durch den richtigen Rhythmus und die richtige Form, nicht nur durch die Noten selbst Melodie geht es sowohl darum, wann die Noten schlagen, als auch darum, um welche Noten es sich handelt Wir werden also mit einem einfachen Rhythmus beginnen Also werde ich ein neues Muster namens Melody erstellen. Und wir werden ein lustiges Plug-In einlegen, vielleicht Serum. Und ich werde versuchen, eine Art leisen Leadsound hochzuladen. Vielleicht etwas aus dieser kommerziellen Deep House-Soundbank. Lass uns das hier sehen. Okay, lassen Sie uns vorerst einfach bei dieser Universums-Voreinstellung bleiben . Also werde ich jetzt rhythmisch denken. Ich werde die Pianorolle öffnen und einfach einen Rhythmus einzeichnen Und vielleicht verschiebe ich das einfach um eine Oktave nach oben, mit Command up oder Control up Also, was Sie hier suchen, ist ein kurzer, synkopierter , sich wiederholender Nun, für diejenigen unter Ihnen, die sich mit Musiktheorie auskennen, ist dies ein guter Ausgangspunkt Weißt du, wenn du c-Moll spielst, kannst du anfangen, diese Noten auf die verschiedenen Noten in c-Moll umzustellen, und du kannst eine nette Art von Melodie kreieren Etwas wie das hier. Aber ich verstehe, dass viele Beat-Macher keinen musiktheoretischen Hintergrund haben. Also mit FL Studio werde ich dir einen Trick zeigen. Ich werde also zurück in mein Channel-Rack kommen . Ich werde eine Zufallsstichprobe laden und sie stummschalten. Dann werde ich das in der Pianorolle öffnen. Ich werde zu diesem kleinen Dropdown herkommen und ich werde runterkommen, um zu stempeln. Was Melodien angeht, so interessieren uns hier die Skalen Ich bin mir sicher, dass Sie alle von Moll- und Durskalen gehört haben, aber es gibt auch viele andere Tonleitern aus verschiedenen Kulturen aus der ganzen Welt Und es gibt auch diese Dinge, die man Modi nennt. Und ein Modus ist im Grunde das, was passiert, wenn man die Form einer Skala in einer anderen Tonart spielt . Also zum Beispiel die Tonart C-Dur. Hoppla, ich brauche ein Melodieinstrument. Bei der Tonart C-Dur sind es also nur die weißen Noten. Okay? Also würde ich das einfach als Form bezeichnen. Also haben wir zum Beispiel einen Ton, einen Ton, einen Halbton, einen Ton, einen Ton, einen Halbton Darüber brauchen Sie sich keine Sorgen zu machen. Konzentrieren Sie sich einfach darauf, dass der Tonart C alle weißen Noten verwendet werden. Wenn ich das auf A herunterschalten würde, würde nur die weißen Noten spielen. Du bekommst jetzt die Tonart A-Moll, was eigentlich auch als Äolischer Modus bekannt Okay? Also haben wir alle weißen Tasten aus der Tonart C genommen und sie auf A heruntergeschoben. Wir haben alle weißen Noten gespielt, und sie auf A heruntergeschoben. Wir haben angefangen von A. Also, wenn wir dieselbe Idee annehmen, dass wir nur weiße Noten spielen, in D, bekommen wir eine neue Skala oder einen neuen Modus namens Dorian Dorian kann irgendwie melancholisch und gespenstisch klingen. Wenn wir jetzt dasselbe für E machen, bekommen wir Und so weiter. Es gibt Modi für all diese Noten, einschließlich Lydian, Mixolydian und Locrian Also wie dem auch sei, all das ist irgendwie irrelevant. Ich wollte nur den Unterschied zwischen den verschiedenen Modi demonstrieren . Aber wenn wir zu dem hohen Hut zurückkehren, den wir benutzt haben , und auf den Pfeil kommen, können wir einige dieser Modi einstempeln. Also, vielleicht mit dem dorischen Modus, lassen Sie uns das einprägen Ich werde die Notizen über meine gesamte Leiste ziehen. Und dann werde ich zu der Melodie zurückkehren , an der ich gearbeitet habe Denken Sie daran, das ist stummgeschaltet. Und wenn wir wieder rein kommen, gibt es eine Funktion in FL Studio, wo du andere Notizen im Muster sehen kannst, okay? Ich glaube, ich habe es schon einmal gemacht, aber wenn ich es nicht getan habe, ist die Abkürzung Option V oder Option Victor auf einem Mac oder Alt V Alt Victor auf einem Windows. Jetzt ist es einfach eine Oktave zu hoch, also gehe ich zurück und verschiebe es nach unten Und ich werde unsere Melodie neu einstellen. Und jetzt habe ich im Grunde eine Blaupause für den Dorian-Modus. Wenn ich also im dorischen Modus eine coole, interessante Melodie kreieren möchte , würde ich nur die Noten des Rhythmus, den ich zuvor erstellt habe, auf eine dieser Noten verschieben zuvor erstellt habe, auf eine Also lass uns das zum Beispiel da raufwerfen , vielleicht da oben Und wir werden sehen, wie sich das anhört. Und Sie können mit verschiedenen Platzierungen von Notizen experimentieren. Und Sie können sofort sehen, dass es uns diese wirklich coole, interessante Atmosphäre gegeben hat, und es wäre jetzt sehr einfach, darauf aufzubauen Lass uns nur der Demonstration halber noch einen machen. Also werde ich sie löschen. Ich werde einstempeln. Lass uns etwas Zufälliges suchen. Gehen wir vielleicht zu dieser ungarischen Waage. Okay, das ist interessant. Mal sehen, wie das klingt, wenn wir unsere Melodie an die ungarische Skala anpassen Ich muss diese Noten nur etwas ausdehnen. Also lass uns die einfach herumschleppen. Und wir werden sehen, wie sich das anhört. Ich bin kein großer Fan dieser Note, also schiebe ich das vielleicht etwas nach oben. Das ist irgendwie dunkel und bedrohlich und leicht dissonant und Aber sehr schnell habe ich wieder eine völlig andere Atmosphäre geschaffen Das nächste, worüber ich jetzt sprechen werde , ist Kontur. Kontur ist im Grunde die Form Ihrer Melodie, unabhängig davon, ob die Noten steigen, fallen oder konstant bleiben Grundsätzlich gilt: Wenn du dir vorstellen kannst, eine Linie zwischen den Noten deiner Melodie zu ziehen , sollte es keine extremen Sprünge Okay? Es sollte glatt sein, also gehen wir hoch, wir gehen hoch, wir fallen runter, wieder runter, hoch, einen kleinen Schritt runter, wir springen hoch und dann fallen wir wieder runter. Im Grunde müssen Sie also nur die Kontur Ihrer Melodie konsistent halten Kontur Ihrer Melodie konsistent Was du also nicht willst, ist, weißt du, einen großen Sprung wie diesen, einen großen Sprung nach unten, noch einen Sprung Vielleicht behalten wir das und vielleicht springen wir gleich hier hoch. Das wird sich überall anhören und einfach nicht zusammen. Ich meine, es ist cool. Es ist interessant. Es ist anders. Und nochmal, Musik, es gibt keinen richtigen Weg, Dinge zu tun, aber die Kontur der Melodie ist ziemlich wichtig Eine Möglichkeit, das zu beheben, könnte sein, dass wir diesen Sprung am Anfang beibehalten Aber anstatt wieder nach unten zu springen, könnten wir einfach ein kleines Stück runterkommen, und dann fallen wir vielleicht weiter bis zu dieser Note. Und dann, weil wir hier oben einen großen Sprung haben, versuchen wir vielleicht, das aufzubrechen, indem wir, du weißt schon, diese Notiz hier hinzufügen . Und dann ist das wieder ein ziemlich großer Sprung. Also vielleicht platziere ich den Zettel einfach dort. Und du solltest jetzt sehen , dass es zwischen all den Noten eine schöne glatte Kontur gibt. nun die Tatsache ignorieren, dass diese Skala ziemlich dissonant und an sich schon ziemlich unheimlich und gruselig ist , könnten Sie, wenn Sie diese Tatsache hinter sich lassen, hören, dass die Melodie etwas konsistenter ist und dass sie etwas fließender ist, weil die Kontur viel glatter weil die Und ich meine, das ist eine ziemlich nervige Melodie. Alle Noten sind kurz. Aber wenn du das irgendwie verlängern willst, mach es vielleicht um 2 Balken Aber was wir tun könnten, ist, ich werde diese Skala einfach ändern , weil ich kein großer Fan davon bin, also werde ich zu Dorian zurückkehren Wir laden das rein. Ich werde es für die 2 Balken rüberziehen. Und ganz schnell, lass uns einfach einen neuen Rhythmus kreieren. Das ist ein bisschen langsamer. Hoppla. Vielleicht so etwas Einfaches. Und was wir tun können, ist, die Noten zu verlängern. Hoppla. So etwas wie das hier Und jetzt können wir sie auf diese Art von hervorgehobenen Notizen ziehen , okay? Also nochmal, ich behalte die Idee der Kontur bei. Und damit komme ich zu meinem nächsten Punkt, nämlich der Verwendung von Geisternoten in Melodien Wir haben uns also bereits mit Ghost Notes befasst, und im Grunde genommen werden wir nur kleine Noten hinzufügen So wie das hier. Ups, so wie das Das wäre vielleicht etwas leiser um die Monotonie dieser längeren Notizen aufzubrechen Vielleicht fügen wir hier unten einen kleinen Schritt hinzu und wir werden sehen, wie sich das Also, falls Sie sich mit Musiktheorie nicht auskennen, FL Studio hat wirklich jede Menge Werkzeuge, wenn es darum geht, Melodien zu kreieren Wenn Sie Musiktheorie verstehen, gehe ich davon aus, dass Sie Melodien in Ihrem Kopf summen können und, wissen Sie, Sie wissen, was Sie sehen, und Sie wissen, wonach Sie suchen , und Sie wissen, wonach Sie Aber für diejenigen unter Ihnen, die es nicht wirklich verstehen, würde ich so vorgehen 10. Emotionen in Harmonie: Akkorde erstellen: Okay, jetzt konzentrieren wir uns darauf, wie du Akkorde erstellst , die deine Melodie verbessern und rhythmisch mit deinem Schlagzeug arbeiten Vergessen Sie also die starre Musiktheorie, wir werden uns mit den Tools und kreativen Ansätzen von FL Studios auf praktische, gefühlsmäßige Techniken konzentrieren Techniken Tools und kreativen Ansätzen von FL Studios auf praktische, gefühlsmäßige Akkorde beim Beat-Making dienen also als Grundlage für den Track Es unterstützt die Melodie und gibt den emotionalen Ton an. Gute Akkorde können Ihre Melodie ergänzen, Fülle und Tiefe verleihen und mit dem Rhythmus Ihres Schlagzeugs grooven Also bin ich hier wieder bei meinem Projekt. Und ich habe versucht, die Melodie dieses Gesangssamples zu kopieren die Melodie dieses Gesangssamples Ich habe versucht, das mit einem Synthesizer zu machen. Und ich habe gerade am Ende des Samples einen schnellen kleinen Fade hinzugefügt , sodass es ausgeblendet werden kann, wenn die Synth-Melodie eingeht, und dann wird es sich irgendwie in Richtung dieser Art von Chorus-Sektion entwickeln Richtung dieser Art von Chorus-Sektion Also, ehrlich gesagt, ohne Musiktheorie zu verwenden, ist es am einfachsten, ChatBT zu fragen, um herauszufinden in welcher Tonart sich eine Melodie befindet Also habe ich es schon geöffnet. Ups. Kann ich beide gleichzeitig öffnen Ich weiß es nicht. Vielleicht , wenn ich das mache, ja. Okay, ich habe Chachi PT geöffnet und ich werde einfach danach fragen. Lass uns sehen In welcher Tonart ist diese Melodie? Und jetzt werde ich ihm sagen, welche Noten wir verwenden. Wir haben also E, F, es steht auf dem Zettel, G A F, F, A F. Ein Takt reicht wahrscheinlich aus, um ihm eine Vorstellung zu geben . Also lassen Sie uns das sagen. Also glaubt Cha CIBT, dass diese Melodie in F-Dur ist. Also werde ich zu meinem Projekt zurückkehren und einfach die Melodie spielen, und ich werde die Note von F und C spielen , klingt das für mich richtig Ja, das klingt wahrscheinlich ungefähr richtig. Bei den meisten Beat-Making-Genres sind sie jedoch normalerweise in einer Molltonart. Chachi BT hat also gesagt, dass wir hier ein Hauptfach haben. Es heißt, wir spielen in F-Dur, aber die gute Nachricht ist, dass wir das relative Moll von F-Dur verwenden können , und es wird immer noch genauso gut klingen Also, um der Argumentation willen, vielleicht hast du selbst eine Melodie gemacht und Chachi BT sagte, sie sei in einer Molltonart. Das ist völlig in Ordnung Du kannst einfach weitermachen. Aber wenn Chachi BT sagt, dass Ihre Melodie wahrscheinlich in Dur ist, dann können wir die relative Moll-Moll verwenden Wenn Sie also nicht wissen, was das ist, wird Ihnen eine schnelle kleine Google-Suche genau sagen, eine schnelle kleine Google-Suche was es ist Aber ich muss das nicht tun , weil ich weiß, dass das relative Moll von F-Dur d-Moll ist. Lassen Sie uns jetzt überprüfen, wann ich den Knoten D gedrückt halte . Klingt das genauso gut wie F? Ja, das klingt für mich genauso gut, aber der Ton ist etwas dunkler weil wir jetzt in einer Molltonart sind. Jetzt, wo wir wissen, dass wir in der Tonart d-Moll sind, wir weiter und stempeln diese Skala in unsere Geisternoten im Hintergrund ein. Stamp, eine davon entweder in moll melodisch oder in moll natürlich Ich persönlich bevorzuge die melodischen Mollklänge, also werde ich mir diesen einen einprägen Und lassen Sie uns diese Noten herausziehen. Als Nächstes erstellen wir ein neues Muster namens Akkorde. Und vielleicht fügen wir einfach eine Art Klavier hinzu. Jetzt, weil ich zu einem anderen Muster übergegangen bin, habe ich tatsächlich meine Geisternoten verloren, habe ich tatsächlich meine Geisternoten verloren, also stemple ich sie einfach wieder ein und stemple Moll auf D. Und dann gehen wir zurück zu unserem Klavier. Und wir können anfangen, unsere Akkorde zu kreieren. Also werde ich die Akkorde tatsächlich unter die Melodie einfügen , wie wir es schon einmal gemacht haben, und ich werde diese Noten einfach löschen, weil wir sie eigentlich nicht brauchen Ich mache die Melodie solo, indem ich mit der rechten Maustaste auf das Und dann schalte ich auch meine Akkorde ein, indem ich einfach auf dieses grüne Licht klicke Und wenn ich dann zu den Taktzahlen komme, kann ich mit der rechten Maustaste klicken und ziehen, um eine Schleife zu erstellen Wenn ich jetzt in der Song-Ansicht auf Abspielen klicke, wird dieser Abschnitt für mich in einer Endlosschleife wiederholt, sodass ich mir meine Melodie anhören und mit verschiedenen Akkorden herumspielen kann Also vorerst, Ups, sollte ich bei meinen Akkorden sein Also fürs Erste müssen wir vielleicht versuchen, irgendwelche Bassnoten hinzuzufügen , von denen wir denken , dass sie funktionieren könnten Also lass uns einfach sehen, wir sind ein bisschen zu hoch. Ich werde sie einfach wegwerfen. Vielleicht gehen wir wieder runter. Ja, jetzt sind wir im Bassteil des Klaviers. Also verwende ich unsere Geisternoten und setze zuerst die Grundnote ein, die D ist, und wir werden sehen, wo sich die Melodie befindet Wir wollen einen weiteren neuen Akkord hinzufügen Vielleicht könnten wir hier in der Mitte des ersten Taktes noch einen weiteren Akkord hinzufügen hier in der Mitte des ersten Taktes noch einen weiteren Akkord Also, wenn ich das kürze und wir im Grunde nur eine dieser Geisternoten wählen, versuchen wir es vielleicht mit dieser Ähm, vielleicht versuchen wir es mit diesem. Und dieser? Und weil wir in der Waage sind, weil wir in unserer kleinen Skala gestempelt haben, sollten wir einfach jede Art von Notiz platzieren können , die wir wollen, und sie sollte in 90% der Fälle funktionieren. Lass uns das versuchen Und Sie müssen nicht immer mit dem Grundton beginnen. Sie können mit einer anderen Note beginnen, vielleicht mit dieser, aber Sie müssen sicherstellen, dass Sie den Grundton immer irgendwo drin haben. Okay? Im Moment haben wir also nicht F, A, E und G und D ist unser Wurzelknoten. Wir haben kein D. Dadurch wird der Akkord so klingen, als hätten sie kein Zuhause. Sie können nirgendwohin gehen Sie wollen immer zu dieser Grundnote zurückkehren. Und dieser Grundton kann überall sein. Es kann am Ende sein. Vielleicht versuchen wir so etwas wie Ich weiß es nicht. Für mich füge ich jetzt einfach die Akkorde hinzu, von denen ich denke, dass sie mit dieser Melodie am besten klingen, und sie sind hier B-flat oder A-scharf, wie FL Studio sagt, C, D, und ich denke G oder nein, vielleicht A. Und ich möchte, dass sie irgendwie zu dieser Grundnote passen Ja, das sind die Art von Akkorden ich mit dieser Melodie anstrebe Nun, ich habe diese Akkorde ausgewählt, weil ich im Grunde genommen, als die Melodie gespielt wurde, diese Akkorde zusammen mit der Melodie summte Und das kannst du auch tun. Wenn Sie die Fähigkeit haben, zusammen mit der Melodie zu summen, können Sie dann Ihre Grundlinie summen und dann herausfinden, welche Noten zu der Grundlinie passen , die Sie Außerdem weiß ich aufgrund jahrelanger Erfahrung irgendwie, welche Akkorde für bestimmte Tonarten funktionieren und welche Akkorde ich mag und zu welchen Akkorden ich immer zurückkehre Ihr seid vielleicht schon in der Phase , in der ihr schon eine Weile produziert habt , und ihr könnt euch aufgrund eurer Erfahrung auch irgendwie Akkorde heraussuchen , die euch gefallen Aber einige von Ihnen sind vielleicht Anfänger, und wenn Sie ein Anfänger sind, empfehle ich diese Methode mit der Skala Und jetzt werden wir wieder FL Studios Magic verwenden. Wir kommen zurück zur Stempelfunktion und wir werden Akkorde einstempeln Nun, es gibt zwei Haupttypen von Tonalität bei Es gibt eine Haupttonalität und eine Nebentonalität. Wenn du also vorbeikommst und hier einen Akkord einstempelst, sagen wir, wir ersetzen das A durch ein scharfes A, vielleicht klingt es nicht so gut Ich meine, das klingt eigentlich ziemlich schlecht, weil es kollidiert Aber du weißt vom Herumspielen hier oben mit der Skala , dass das scharfe A, was auch diese Note ist, in der Tonart ist Vielleicht ist das, was wir ausgewählt haben, nämlich ein Moll-Akkord, einfach nicht die richtige Tonalität Also, was ich tun werde, ist zu meinem Stempel zurückzukehren Und okay, also Minor funktioniert nicht. Die andere Art von Tonalität ist Dur. Versuchen wir es stattdessen mit einem Dur-Akkord. Okay, ich werde einfach alles für eine Sekunde nach oben verschieben , nur um das wirklich hervorzuheben Also so klingt Major. Aber zum Beispiel werde ich einfach wieder zum Stempeln in dieser Molltonalität zurückkehren zum Stempeln in dieser Molltonalität Auch hier kollidiert der Moll-Akkord , als der Dur-Akkord keine andere Möglichkeit war, absolut sicher zu sein ist zu überprüfen, ob die Noten in der Kordel, die Sie gerade gestempelt haben, auch mit den Noten auf der Skala übereinstimmen Okay? Also scharf hier, wir können schon sehen, dass das passt. Scharf C ist dagegen diese Note, und die ist nicht in der Skala, okay? Das ist also wahrscheinlich der Grund für die kollidierende Art von Dissonanz Also ich weiß, okay, das funktioniert offensichtlich nicht. Also werden wir stattdessen wieder das große Kabel einstempeln. Und wir werden das Gleiche mit dem C versuchen . Also kommen wir hierher und stempeln zum Beispiel vielleicht eine kleine Neunte ein, und wir fügen das mit dem C hinzu. Das ist also ein ziemlich großes, jazziges Kabel Aber lassen Sie uns prüfen, ob wir denken, dass es passen könnte. Also haben wir ein C, was ja in unserer Skala steht. Wir haben ein scharfes D, was nicht in unserer Skala ist, okay? Wir haben ein G, das scharf A ist, was ist, und ein D, das scharf D ist, ist nicht in unserer Skala. Ich glaube also nicht, dass dieses Kabel allzu gut klingen wird. Tauschen wir es gegen einen Dur-Akkord aus. Gehen wir also zurück zu unserer Briefmarke. Und wir hatten eine kleine Neunte eingestempelt. Also versuchen wir es mit der großen Siebtel, und wir setzen das auf das C. Auch das klingt nicht so gut, weil die B-Note hier oben nicht in unserer Skala Also vielleicht ist das alles einfach zu schick für diesen bestimmten Akkord und wir sollten einfach zum guten alten Dur zurückkehren Versuchen wir es noch einmal mit dem D. Wir stempeln vielleicht eine kleine Septa ein. Wird es passen? Nun, lass uns nachsehen. Wir haben ein D. Wir haben ein F. Ja. Wir haben eine Eins. Ja. Und wir haben ein C. Ja. Okay, dieses Kabel wird wahrscheinlich gut klingen. Ja, das klingt okay für mich. Und warum versuchen wir es dann bei diesem letzten Wort nicht mit demselben? Wir versuchen es mit einer kleinen Siebtel , weil das auf dem D ziemlich gut klang . Also lassen Sie uns eine kleine Siebtel hier auf unserem F einbauen, und ich werde das einfach herunterspielen , damit wir es uns ansehen können Gibt es hier eine Note , die nicht in unserer Skala ist? Nun, das gibt es. Eigentlich gibt es zwei. Da ist G Sharp hier. Das ist nicht in unserer Skala, und hier gibt es scharf D, was nicht in unserer Skala ist. Ich glaube also nicht, dass dieses Kabel sehr gut klingen wird. Aber ich weiß, dass der F-Knoten gut klingt, also bleibe ich beim F-Knoten. Ich stemple die entgegengesetzte Tonalität eines Molls, also ein Dur Nehmen wir also ein großes Siebtel für das F. Lassen Sie uns das überprüfen. Glauben wir, dass es funktionieren wird? Wir haben ein F, A, ein C und ein E. Nun, wir haben ein F, ja, ein A. Ja, ein C. Ja, das ist in unserer Skala und ein E. Ja, das ist auch in unserer Skala. Also ich denke, dieser Akkord wird gut klingen. Oh, das nächste, was wir uns hier ansehen werden, sind Inversionen Und Inversion ist nur eine ausgefallene Art zu sagen: Lasst uns die Noten dieses Akkords verteilen Im Moment kannst du also sehen, wenn ich eine der Noten hervorhebe , dass sie alle aufleuchten Und das liegt daran, dass sie gruppiert sind, sie sind gruppiert, weil wir sie gestempelt Aber wenn wir die Gruppierung aufheben wollen, können wir dieses Kettenglied markieren und es dann einfach ausschalten Jetzt sollten wir also in der Lage sein, jede dieser Notizen einzeln zu bearbeiten , was wir Also, was ich tun werde , um eine Inversion zu erzeugen , ist, dass ich vielleicht das D nehme und es auf das D hier oben verschiebe Vielleicht nehme ich das E und mache dasselbe. Und ich nehme an, wir werden weitermachen, was wir tun, also nehmen wir die zweite Note des Akkords und bewegen sie zu ihrem höheren Gegenstück Also lassen Sie uns das F bis zu diesem F bewegen, und dann verschieben wir dieses A, vielleicht bis zu dem A. Und Inversionen sind eine großartige Methode, um einen wirklich, wirklich großen und offenen Sound zu bekommen , okay? Also vorher, als alle Noten hier unten waren, klangen die Kabel irgendwie eng und kompakt Aber indem wir all diese Noten zu ihren höheren Gegenstücken bewegen , können wir die Akkorde viel offener und voller machen Und der letzte Aspekt beim Aufbau von Akkorden besteht darin, zu versuchen, sie an das Schlagzeug anzupassen. Also werde ich all diese Akkorde hervorheben , die wir gerade gemacht haben, und ich werde sie alle wirklich kurz machen , damit wir einen guten Rhythmus herausarbeiten können Also, wenn ich zurück in meine Playlist-Ansicht komme und die Melodie dieses Mal stummschalten würde, sodass nur das Schlagzeug mit den Akkorden spielt Also, was ich jetzt tun werde, ist einfach einen Rhythmus mit den Akkorden zu zeichnen , der meiner Meinung nach zum Schlagzeug passt Also lass uns ein bisschen reinhören. Also, weil der Kick hier ziemlich früh landet, denke ich, wir sollten die Akkorde so verschieben , dass sie dem Kick entsprechen , und ich werde dir einfach zeigen , was ich meine Also im Drum-Pattern landet der Kick hier vor dem Takt der Bar Und das passiert auch hier. Die beiden Kicks landen vor dem Takt der Bar. Nun, diese Tritte sollten technisch gesehen im Takt sein, was sich so anhören würde Aber denken Sie daran, dass wir früher, als wir Schlagzeuge gebaut haben, diese Tritte zusammen verschieben können, um Doppelkicks zu erzeugen Und wenn wir sie auch vom ersten Beat weg verschieben, können wir ein gutes Gefühl für Groove oder Bounce erzeugen Aber aus diesem Grund denke ich, dass diese Schnüre nach vorne verschoben werden sollten , damit sie auch landen, wenn diese beiden Doppelkicks Also das sind diese beiden Typen hier. Also, jetzt wird dieser Schritt der neue für unsere neuen Akkorde, die neue Art von Ort, an dem diese Akkorde beginnen sollen Also lasst uns jetzt versuchen, einen Rhythmus für sie zu entwickeln. Vielleicht so etwas , und wir kopieren einfach diese anderen Noten um vollständige Akkorde wie diesen zu erstellen Und dann können wir Raum dazwischen irgendwie ausfüllen, indem wir die Noten einfach so herausziehen Frank den auch raus. Und etwas, das ich hier mache, indem ich ein bisschen Abstand zwischen einigen der kürzeren Noten lasse , ich habe diesen Akkord hier vergessen Aber ja, nach diesen kürzeren Akkorden etwas Platz zu lassen nach diesen kürzeren , erzeugt ein bisschen mehr Sprungkraft, weil du diese Stille als eine Art Stotter - oder Auslöseeffekt verwendest diese Stille als eine Art Stotter - oder Auslöseeffekt Sprungkraft, weil du diese Stille als eine Art Stotter - oder Auslöseeffekt verwendest. Lass uns jetzt reinhören Und auf jeden Fall, vielleicht gefällt dir der Klang nicht. Also willst du sie einfach alle straffen . Das ist auch völlig in Ordnung Was gut klingt, ist gut. Bringen wir auch unsere Melodie mit ein. O. ganz schnell Um ganz schnell einige andere Techniken hervorzuheben, die Sie anwenden können, sagen wir zum Beispiel, Ihr Akkord tut mir leid, Ihr Akkordmuster ist auf diese Weise verdoppelt Es gibt noch ein Duplikat der Akkorde. Was Sie tun können, um ein wenig Interesse zu wecken , ist vielleicht einen dieser Akkorde so zu ändern , dass er sich geringfügig von der ersten Hälfte unterscheidet, oder Sie können einige von ihnen neu anordnen Vielleicht nehmen wir zum Beispiel diesen F-Akkord und ordnen ihn mit diesem D-Akkord hier neu Und wir müssen nur den Rhythmus korrigieren. Oops. Ich möchte das nur hervorheben. Und er kommt hier rein, Ops, auf halbem Weg. Und dieser muss gekürzt werden. Jetzt stimmt der Rhythmus also mit dem Rhythmus dieser beiden überein . Aber die Reihenfolge, also D und F , werden gegen F und D vertauscht. Und noch ein paar weitere Optimierungen, die Sie vornehmen könnten, sind, die Geschwindigkeit hier anzupassen, damit sich die Geschwindigkeit hier anzupassen, die Schnüre etwas natürlicher anfühlen, indem Sie, Sie wissen schon, einfach verschiedene Arten von Geschwindigkeiten für sie einzeichnen verschiedene Arten von Und wenn du wirklich ins Detail gehen willst, Anpassung beginnen. Du kannst damit beginnen, die Geschwindigkeiten jeder einzelnen Note im Kabel auf diese Weise einzustellen die Geschwindigkeiten jeder einzelnen Note im Kabel auf diese Weise kannst du mit der Anpassung beginnen. Du kannst damit beginnen, die Geschwindigkeiten jeder einzelnen Note im Kabel auf diese Weise einzustellen. Oder du kannst Dinge wie das Übergeben von Akkorden hinzufügen. Hier zum Beispiel, wo unser Akkordmuster anfängt, sich neu zu setzen, springt es von F nach A zurück Wir könnten einfach einen kleinen Akkord abwärts hinzufügen , so dass wir, sagen wir, wir wollen das D wieder verwenden, dann kopieren wir diesen D-Akkord Und wir werden es ein bisschen leiser machen , wie bei den Ghost Notes Und jetzt haben Sie ein Passwort hinzugefügt, bei dem das F sehr schnell auf D und dann wieder auf das A zurückgeht . Das ist vielleicht ein bisschen zu schnell. Nur Ups. Zieh es einfach hierher. 11. Füllen von Raum mit Arps und Pads: Jetzt werden wir uns mit Arpeggios und Pads befassen. Dies sind wichtige Tools, um den Raum in Ihren Beats zu füllen und gleichzeitig die Klarheit zu wahren Diese Elemente verleihen deinen Tracks Tiefe, Bewegung und Atmosphäre, ohne den Mix zu überfordern. So können Arps Rhythmus und komplizierte Bewegungen hinzufügen, indem sie sich quasi durch den Beat weben, quasi durch den Beat weben, wohingegen Pads eine üppige und atmosphärische Kulisse erzeugen können eine üppige und atmosphärische Kulisse die den Raum von Sonic ausfüllt Ziel ist es, bewusst Lücken zu füllen, ohne mit der Hauptmelodie oder dem Schlagzeug zu konkurrieren Also werde ich hierher kommen und ein neues Muster erstellen, und wir werden dieses Muster umbenennen Rp. Und dann werde ich einen Synthesizer aufladen, also nehmen wir Serum Und wir suchen nach kurzen Sounds oder Plugs. Vielleicht finden wir etwas in diesem melodischen Techno-Ordner. Okay, nehmen wir einen dieser Stecker. Lass uns versuchen, diesen Stecker zu löschen. Der erste Weg, ein Arp zu machen , ist, die Pianorolle zu öffnen und von hier aus können wir die Akkorde einprägen, die wir vorher hatten Wenn wir uns erinnern, waren sie ein Sharp in einer Dur-Tonalität von C in Ich muss zurückgehen und mir meinen Durstempel holen Also stempeln wir C in einer Durtonalität. Dann hatten wir den Grundton , der D war, und ich weiß, dass das eine Moll-Tonart ist, weil wir in der Tonart d-Moll Darauf werden wir uns konzentrieren. Und dann, glaube ich, war es F in einer Durtonalität Ja, das klingt ungefähr richtig. Jetzt werde ich nur den Rhythmus überprüfen, weil ich mich an die Zeit erinnere als wir den Rhythmus hier irgendwie geändert Und wie Sie sehen können, kommen die Klavierakkorde tatsächlich vor unseren Arp-Akkorden Also müssen wir das reparieren. Wir müssen sichergehen, dass alles stimmt. Lassen Sie uns also die Arp-Akkorde so verschieben , dass sie zu den Klavierakkorden passen Und dann gehen wir zurück und schauen uns das an. Ja, für mich sieht das richtig aus. Und dann, wenn du dich von früher erinnern kannst, haben wir auch die letzten beiden Akkorde umgedreht Also, lass uns das einfach nochmal machen , damit unser Arp zu unseren Klavierakkorden passt Also ganz schnell, lass uns die einfach umdrehen. Und da haben wir's. Bevor wir weitermachen, möchte ich nur darüber sprechen, was ein Arp oder ein Arpeggio oder ein Arpeggio Ein Arpeggio oder Arp ist also nur ein ausgefallenes Wort für ein kaputtes Kabel Also im Grunde würdest du deine Kordel hierher nehmen. Und was Sie tun würden, ist , es in einzelne kleine Notizen aufzuteilen , die auf und ab gehen Das wäre ein RP. FL Studio steckt jedoch voller magischer kleiner Überraschungen. Also, wenn wir all diese Notizen hervorheben, Ups. Lassen Sie mich hier zu den Tools kommen. Sie können sehen, dass es etwa in der Mitte dieses Menüs ein Tool namens Arpeggiate gibt Und das öffnet dieses Fenster hier. Und damit gibt es ein paar verschiedene Optionen, okay? Hier oben gibt es ein Muster, das im Grunde einen Ordner öffnet und es Ihnen ermöglicht, aus allen verschiedenen voreingestellten Arpeggios auszuwählen allen verschiedenen voreingestellten Arpeggios , die mit der Software geliefert werden Sie können dieses Drop-down-Menü hier verwenden, um die Noten umzudrehen oder sie abwechselnd hin und her zu wechseln Hier kannst du mit der Zeitmultiplikation die Noten ausdehnen, um interessante Rhythmen oder wirklich schnelle Arps zu kreieren interessante Rhythmen oder wirklich schnelle Sie können einen Bereich dafür festlegen, wie hoch die Arps steigen sollen. Sie können die Sync-Funktion verwenden, um zu ändern, wann sich der Arpeggiator-Loop Und dann kannst du mit Dingen wie Velocity und Pan and Release und all diesen Dingen spielen Velocity und Pan and Release und all diesen Aber für den Moment wollen wir einfach sehen, wie sich das anhört. Lassen Sie uns das rückgängig machen und uns ein anderes Muster ansehen , das wir verwenden könnten. Also gehen wir in den Arpeggiator und suchen dann vielleicht nach einem lustigen Preset , das mit der Software geliefert wird Versuchen wir es vielleicht mit einer dieser drei Noten. Verleihen wir ihm mehr Reichweite. Sagen wir vielleicht zwei Oktaven. Lassen Sie uns sehen, wie sich das anhört. Bei Arps werden Sie sie also wahrscheinlich sparsam als eine Art Hintergrundelement verwenden sparsam als eine Art Hintergrundelement Sie werden verwendet, um Rhythmus hinzuzufügen, ohne von der Hauptmelodie abzulenken Also wo ich sie hier habe wird es wahrscheinlich nicht funktionieren, weil sie gleichzeitig mit der Hauptidee oder der Hauptmelodie des Tracks spielen Hauptidee oder der Hauptmelodie des Also, wenn wir es jetzt spielen, wird es wahrscheinlich ein bisschen chaotisch und ein bisschen unorganisiert klingen chaotisch und ein bisschen unorganisiert Mm. Also diese beiden Elemente, die Melodie und die Arp, kämpfen tatsächlich um deine Aufmerksamkeit Aber ich stelle mir diesen Track so vor , dass er hier eine Art Refrain-Abschnitt sein wird Also werden wir unser kleines Intro mit dem Sample haben , an dem wir gerade arbeiten Die Hauptmelodie wird irgendwie verblassen. Wir werden für diese 4 Takte von einem richtig aufgebauten Refrain getroffen , und dann gehen wir zu einer Art Strofabschnitt über. Also ich denke, für mich sollte die Arp wahrscheinlich irgendwo hier in der Nähe sein Als Nächstes werden wir ein Pad für Tiefe und Atmosphäre erstellen für Tiefe und Atmosphäre Gehen wir also wieder nach oben und suchen als Nächstes leer und erstellen ein neues Pad-Muster. Also werden wir noch einmal einen Synthesizer laden. Und damit suchen wir nach etwas Weichem und Ambientem Lass uns versuchen, einen schönen Pad-Sound zu finden. Ich glaube also, es gab eine Menge Pads in diesem melodischen Techno-Ordner Also schauen wir mal hier rein. Okay, und was wir mit den Pads machen werden, ist , die Kabel unserer Strecke einzuziehen Also haben wir bis zum letzten Schritt des zweiten Takts einen scharfen letzten Schritt des zweiten Takts Und dann haben wir hier C. Dann haben wir unsere Wurzelnummer D, bis zum letzten Schritt des zweiten Takts. Und dann haben wir F. Oops Und damit ziehe ich vielleicht ein paar Fünftel rein. Und wenn du schnell die Fünfte finden willst, zähle einfach sieben Noten hoch Wir haben also eins, zwei, drei, vier, fünf, sechs, sieben. Damit es unseren fünften geben würde. Und von hier aus könnte ich etwas Interessantes machen. Ich denke also, ich kann hier zwischen diesen beiden Noten wechseln und dann am Ende des Musters wieder auf dieser einen landen . Also, wenn ich das einfach einzeichne, klingt es so. Und alle anderen Akkorde haben drei Noten. Also werde ich das kopieren und es einfach eine Oktave runtersetzen, um dieser Akkorde auch drei Noten zu geben Und dann können wir diese Pads zu unserem Arrangement hier zurückbringen und sie übereinander legen und sehen, wie es klingt Im Idealfall wären sie in der Mischung sogar viel leiser Sie sollen also nur ein bisschen Platz im Hintergrund ausfüllen ein bisschen Platz im Hintergrund Und ich habe vergessen, dass ich den zweiten Teil des Musters einzeichnen muss, in den zweiten Teil des dem wir diese beiden Schnüre umdrehen Das sind Akkord-Pads, aber es gibt noch einen anderen Trick, bei dem die Pads den Schnüren gar nicht folgen So könnten wir zum Beispiel mit dieser kleinen Idee eines alternierenden Knotens, die ich vorher hatte, Idee eines alternierenden Knotens, die ich vorher hatte, die Schnüre löschen und einfach diese kleine Idee mit alternierenden Knoten beibehalten Schau dir an, wie es auf subtile Weise den Raum im Hintergrund ausfüllt. Oder Sie können eine so genannte Pedalnote machen , bei der wir, wenn wir in unsere Pads kommen , im Grunde alle Noten löschen und nur den Grundton gedrückt halten Der Grundton dieses Tracks ist also D, weil wir in der Tonart d-Moll sind. Und dann würdest du einfach auf deinem Block diese Note fest im Hintergrund halten lassen . Aber ich glaube, ich habe Idee der abwechselnden Notizen vorgezogen. 12. Gegenmelodien: Okay, schauen wir uns die Gegenmelodien an. Das ist eine coole Technik, damit sich deine Beats voller, dynamischer und interessanter anfühlen dynamischer und interessanter Eine Gegenmelodie ist eine Sekundärmelodie, die die Hauptmelodie ergänzt und mit ihr interagiert Sie überwältigt die Hauptmelodie nicht, sondern verstärkt sie, wodurch eine komplexere und ansprechendere musikalische Textur entsteht entsteht Zu den wichtigsten Merkmalen einer guten Gegenmelodie gehört also einer guten Gegenmelodie Es verleiht also Tiefe, übernimmt aber nicht den Titel. Es ist rhythmisch komplementär, füllt also vielleicht einige Leerstellen aus oder kopiert einfach den ursprünglichen Rhythmus, wenn Ihre Melodie ziemlich hektisch ist kopiert einfach den ursprünglichen Rhythmus, wenn Ihre Melodie Es muss auch mit der Hauptmelodie harmonieren, wobei oft dieselbe Skala oder Tonart verwendet wird Aber sie unterscheidet sich ausreichend von der Hauptmelodie, um Interesse zu wecken, ist aber nicht so kontrastreich, dass sie sich fehl am Platz anfühlt Um also eine Gegenmelodie zu erstellen, öffne ich meine ursprüngliche Melodie und klone das Muster Dann werde ich einen neuen Synthesizer öffnen. Und vielleicht wähle ich einfach irgendeinen Mut. Lass uns sehen. Ich wähle hier einfach einen zufälligen aus. Also werde ich zunächst die Originalmelodie kopieren und sie in meinen neuen Synthesizer integrieren Da es sich dann um eine Gegenmelodie handelt, werde ich sie tatsächlich über der Hauptmelodie platzieren In diesem Track ist der Rhythmus meiner Melodie ziemlich hektisch. Es ist viel los. Also ich denke, für meine Gegenmelodie werde ich einfach den gleichen Rhythmus nachahmen Und wieder brauche ich meinen Skalenstempel, damit ich sehen kann, in welcher Tonart ich mich befinde und welche Noten ich verwenden sollte Also werde ich zu meinem stummgeschalteten Instrument kommen, damit ich ein paar Geisternoten für die Skala einstempeln kann Also sind wir in d-Moll. Und ich stemple die Noten da rein, und dann können wir zu unserem neuen Gegenmelodieinstrument zurückkehren und diese Noten der Skala verwenden, und diese Noten der Skala verwenden um eine Gegenmelodie einzuzeichnen Fangen wir damit an. Lassen Sie uns diese Notizen an verschiedene Positionen ziehen. Allerdings müssen wir uns immer noch die Kontur merken, damit die Gegenstimme nicht überall hin und her springen kann Es muss immer noch eine glatte Kontur haben . Lass uns diese Notiz vielleicht ändern. Lass uns jetzt anfangen, die Gegenmelodie zu erhöhen. Und dann machen wir vielleicht so etwas. Und mal sehen, wie sich das anhört. Ich könnte es leiser stellen , damit wir es besser hören können. Und wenn wir das in einen Zusammenhang bringen, wäre es wahrscheinlich in der zweiten Hälfte dieses Refrains wenn die Originalmelodie ein paar Mal gespielt wird , weißt du, die Leute haben sie gehört Sie haben sich daran gewöhnt, und dann können wir etwas Neues einbringen 13. Auswählen und Layern von Sounds: Jetzt werden wir uns mit einem der wichtigsten Aspekte der Musikproduktion befassen , nämlich der Auswahl und Anordnung von Sounds. Daher ist es wichtig zu verstehen, wie man die richtigen Sounds auswählt und sie richtig layert, um einen reichhaltigen, dynamischen und professionell klingenden Track zu kreieren dynamischen und professionell klingenden Der Grund, warum Sie Schichten erstellen möchten, liegt in der Textur und Tiefe Weißt du, Layering erzeugt einen volleren und komplexeren Sound, der den Hörer fesselt und deinem Track viel Tiefe oder Fett verleiht Tiefe oder Fett Es verleiht deinem Track auch ein bisschen Abwechslung und sorgt dafür, dass er sich nicht zu oft wiederholt und dass er Wenn Sie also den richtigen Sound für Ihren Track auswählen, müssen Sie sich zunächst die Stimmung und das Genre ansehen Jedes Genre und jeder Track wird also eine bestimmte Stimmung oder Atmosphäre haben, und Ihre Soundauswahl sollte dies widerspiegeln In einem dunklen und atmosphärischen Trap-Beat könntest du also zum Beispiel tiefe, unheimliche Pads und vielleicht ein paar Softkeys wählen und vielleicht ein paar Softkeys Aber für einen peppigeren melodischen Track, vielleicht wie den, an dem wir gerade arbeiten, könntest du dich für hellere Sounds und einen breiteren Duft entscheiden Eines der besten Dinge, die Sie tun können, ist, sich Referenztracks in Ihrem Genre anzuhören Referenztracks in Ihrem Genre anzuhören Auf diese Weise können Sie besser verstehen, welche Sounds in diesem Kontext am besten funktionieren. Sie müssen auch darüber nachdenken, wo die Schicht in das Frequenzspektrum passt. Hat es hauptsächlich niedrige Frequenzen? Handelt es sich hauptsächlich um ein Instrument im Mitteltonbereich oder besteht es eher aus hohen Frequenzen? Sie möchten vermeiden, dass sich zu viele Sounds im gleichen Frequenzbereich befinden. Wenn wir zum Beispiel unsere Klavierakkorde hier überlagern, werde ich wahrscheinlich eine Ebene wählen, die zum Klavier passt, was höchstwahrscheinlich eine Art tiefes Mitteninstrument wäre , und dann könnte ich eine mit höheren Frequenzen wählen, um den Klang irgendwie abzurunden und ihm ein viel volleres Gefühl zu verleihen Dann sind Textur und Tambre ein sehr wichtiger Aspekt . Die Tambre oder die Tonqualität eines Sounds können also eine große Rolle dabei spielen , wie er sich in den Gesamttrack einfügt Wenn Sie also eine Art warmes Synthesizer-Pad als Ebene verwenden, entsteht eine glatte Hintergrundtextur, während die Verwendung eines scharfen Zupfens einen gewissen Kontrast erzeugen und das Instrument hervorheben kann einen gewissen Kontrast erzeugen und das Instrument hervorheben Schlussendlich kannst du es einfach durchgehen und schauen, was am besten klingt. Fangen wir also hier an, diese Akkorde übereinander zu legen. Im Moment spiele ich den Track einfach zuerst, nur um vorher zu hören, wie er klingt Im Moment ist es also ziemlich spärlich. Wir haben nur ein Instrument, das die Melodie spielt , und ein Instrument, das die Akkorde spielt Der Track wird nicht so voll klingen. Also werde ich mich jetzt an die Arbeit machen und diese Akkorde überlagern. Ich möchte also einen neuen Synthesizer einsetzen , und das wird unsere Ich werde auch gleich diese Akkorde kopieren und in unseren neuen Synthesizer einfügen, weil wir nicht daran weil interessiert sind haben wir schon gemacht. Jetzt können wir es uns anhören. Da das Klaviermuster, das wir verwenden, leicht jazzig ist, denke ich, dass ich mich für warme, jazzig klingende Tasten entscheiden werde jazzig klingende Tasten Also werde ich nach einer Soundbank suchen, die ich habe und die funktionieren könnte Ähm, vielleicht wäre dieses Somatics-Schlüsselpaket gut. Also laden wir einfach den ersten hoch und wir fahren durch Wir werden uns anhören , wie es klingt , wenn es auf dem Klavier liegt. Okay, sofort ist es ein bisschen zu laut. Sobod wird es leiser stellen, damit wir beide zusammen hören können. Also, das wäre ein ziemlich scharfes Geräusch. Es hat zu Beginn jeder Note etwas vorübergehenden Punch Dadurch heben sich die Tasten ein bisschen mehr ab. Es verleiht ihnen ein bisschen mehr Wirkung. Gehen wir weiter durch und hören wir uns einfach ein paar verschiedene Presets an Dieses spezielle Preset, ich glaube nicht, dass es mit dem Klavier überhaupt funktioniert Ich denke, es ist irgendwie ablenkend und fügt der ursprünglichen Klaviertextur oder dem Klaviersound, den wir haben, nichts hinzu ursprünglichen Klaviertextur oder dem Klaviersound . Also lass uns weitermachen Nochmals, ich bin kein großer Fan davon. Ich suche etwas Warmes drunter tragen kann. Vielleicht das. Das ist ganz nett. Da. Ich finde das herrlich. Dieses Preset passt also zum Klavier. Es schmälert es nicht, aber es fügt wirklich etwas Warmes hinzu Es fügt wirklich eine zusätzliche Textur hinzu , die wir mit dem Klavier allein nicht erreichen würden. Nun, beide zusammen sind ziemlich weich. Von dem Klavier, das wir hier entworfen haben, kommen nicht viele Hochfrequenzinformationen Klavier, das wir hier entworfen haben, kommen Und dieser spezielle Sound konzentriert sich hauptsächlich auf tiefe Mitten. Ich denke, wir sollten eine weitere Ebene hinzufügen , die sich mehr auf hohe Frequenzen konzentriert , sodass sie diese Ebene und hoffentlich auch das Klavier ergänzt. Lassen Sie uns das für eine Sekunde einfach klonen. Und ich mache dasselbe, kopiere das Muster. Aber füge es ein und wir hören es uns an, wir werden einen Zyklus durchgehen und schauen, welche dritte Schicht wir mit unserem Klavier und unserem anderen Synthesizer überlagern können mit unserem Klavier und unserem anderen Synthesizer und schauen, welche am besten klingt Also, das ist nett. Es hat ein paar hohe Frequenzen, aber es ist ein bisschen zu scharf. Ich suche nach sanfteren, warmen Klängen. Ziemlich cool für eine gewisse Wirkung, aber auch hier nicht das, was ich Das ist zu aufgeregt. Ich suche etwas Milderes. Ich glaube also, dieser spezielle Sound die hohen Frequenzen hinzu, die fehlten, aber er übernimmt nicht die Oberhand und macht es nicht zu aufregend oder wirkungsvoll Ich möchte nur, dass die Akkorde im Moment etwas sanfter und etwas entspannter im Hintergrund Vielleicht wird es beim Arrangement des Tracks einen Abschnitt geben, in dem ich wirklich begeistert sein wollte, wirklich begeistert sein wollte, und ich könnte einen anderen Synthesizer einbauen, der aufregender ist und vielleicht wie eine Supersa oder so etwas ist , nur um ihm ein bisschen mehr Wirkung zu verleihen Aber im Moment ist es genau das, wonach ich mit meinen Schlüsseln suche Hören wir es uns im Zusammenhang mit dem Track an. Und ich schalte die Ebenen einfach stumm während wir spielen, damit du den Unterschied hören kannst. Ups. Ich hoffe, Sie können sehen, dass all diese drei Ebenen, einschließlich des Klaviers, alle zusammen ein Instrument ergeben , das klingt, als hätte es viele verschiedene Texturen und ist sehr interessant und angenehm anzuhören Es verleiht dem Klavier auch ein gutes Maß an Tiefe. Es macht es dicker und es klingt voller. Auf diese Weise können wir dasselbe mit unserer Melodie machen. Also nehmen wir das einfach und hören es uns an. Und nochmal, ich klone einfach einen davon und kopiere meine Melodie in einen neuen Synthesizer Und weil ich dieses Mal nach Leadsounds suche, werde ich meine Soundbank ändern Vielleicht bleiben wir beim gleichen Somatik-Paket und nehmen hier einfach ein paar Lead-Sounds. Mal sehen, wie sie sich im Zusammenspiel mit unserem ursprünglichen Melodiesound anhören mit unserem ursprünglichen Melodiesound Okay, ich finde sogar, dass der erste, den wir ausgewählt haben, ziemlich gut war Also werde ich das wieder laden. Also werde ich es vielleicht in verschiedenen Oktaven testen, also werde ich es runterwerfen und sehen, wie es sich hier unten anhört Nein, ich glaube, ich habe es in der ursprünglichen Oktave vorgezogen. Also, ja, ich denke diese beiden Sounds passen wirklich gut zusammen , um ein volles und dickes Leadinstrument zu ergeben Lassen Sie uns also noch einmal im Kontext unseres Tracks reinhören . Hoppla, ich muss zur Songansicht wechseln. Nun, nur noch eine kurze Sache, über die ich sprechen möchte , betrifft deine Ebenen Also zum Beispiel mit diesen Kabelschichten. Sie können sie nach links und rechts schwenken, um zu versuchen, eine Art Stereo-Spread zu erzeugen eine Art Stereo-Spread oder um zu versuchen, die Kabel etwas breiter klingen zu lassen Also drücke ich zum Beispiel auf Play und schwenke die Instrumente ein bisschen nach links und rechts. Hoffentlich klingt es so, als ob es etwas breiter wird Und der Grund, warum es breiter klingt , ist, dass Sie jetzt einen Unterschied zwischen der linken und der rechten Seite geschaffen haben . Da sich also mehr von diesem Instrument der linken Seite und mehr von diesem Instrument auf der rechten Seite befindet, sorgen diese beiden unterschiedlichen Klänge dafür dass Ihre Ohren den Klang breiter wahrnehmen. Hören wir uns den Track noch einmal im Kontext an, und dann, glaube ich, können wir weitermachen. 14. 808 Wissenschaft: Schauen wir uns die Acht-O-Acht-Basis an. Dies ist der Eckpfeiler der modernen Musikproduktion, insbesondere in Genres wie Trap, Hip Hop und Drill Die Acht-Oh-Acht zu beherrschen bedeutet nicht nur zu verstehen, wie man sie gut klingen lässt, sondern auch, wie man sie dazu bringt, sich zu bewegen, zu singen und sich in deinem Track abzuheben Wenn ich jetzt von Acht oh acht spreche, meine ich eigentlich den Kick und den Bass gleichzeitig Traditionell ist die Acht Oh Acht eigentlich eine Kick-Drum. In der modernen Musik wird es jedoch verwendet, um sich auf den klassischen Trap-Kick und die Basis zu beziehen. Jetzt kannst du einige Acht-Oh-Acht-Packs herunterladen einige Acht-Oh-Acht-Packs , die eine Mischung aus Kick und Base enthalten, und du kannst sie in dein Pattern ziehen und deinen Track natürlich auf diese Weise aufbauen. Ich denke, FL Studio hat sogar ein paar, die kostenlos sind. Lassen Sie mich das noch einmal überprüfen. Das sind nur Tritte So, der Collider-Slack-Kick wäre wahrscheinlich eine Acht zu acht Wie Sie hören können, sind da ein Kick und ein Bass irgendwie miteinander vermischt Aber wenn du wirklich willst, dass deine Tracks gut, professionell und einzigartig klingen , wirst du deine eigenen bauen. Dafür gehen wir also zu unserem Drum-Pattern über. Also werde ich eine weitere Portion Serum einfüllen. Und dafür suchen wir nach ein paar Basissounds. Also werde ich schauen, ob eine meiner Soundbänke zu der Art von Base passen könnte, nach der wir hier suchen und die eine Menge Sub haben wird. Also lass uns sehen. Future Bass ist wahrscheinlich eine ziemlich gute Option, weil die Basssounds in diesem Genre normalerweise ziemlich gut zu dem passen , was wir hier machen. Ups Das mache ich immer. Okay, fangen wir hier für eine Sekunde an. Also, bevor wir etwas tun, müssen wir uns darüber im Klaren sein, was der Acht-Oh-Acht-Bass eigentlich macht. In diesem Musikgenre folgt das Acht-oh-Acht also normalerweise dem Kick. Aus diesem Grund komme ich einfach hierher und kopiere das Kick-Pattern und füge es in mein Bassinstrument ein. Dann werde ich die Noten etwas verlängern . So wie das hier Und normalerweise lasse ich zwischen den einzelnen Noten eine Lücke , nur um der Basis etwas Sprungkraft zu verleihen, aber das können wir nachher anpassen Aber lassen wir vorerst einfach eine kleine Lücke. Ich werde dann meine Geschwindigkeiten wieder auf etwa Null zurücksetzen. Und wir werden einfach sehen, wie sich das jetzt anhört. Hoppla. Okay, es könnte ein bisschen hoch sein, also werfe ich es runter Mm hmm. Okay, ich bin kein großer Fan des Basssounds, aber wir müssen hier noch einige Anpassungen an der eigentlichen Bassmelodie oder dem Bassmuster vornehmen der eigentlichen Bassmelodie oder dem Bassmuster Also, wenn du dich noch von früher erinnern kannst, ist die Tonart unseres Tracks tatsächlich in d-Moll Also werde ich die Noten bis D hochspielen. Und weil wir Akkorde in unserem Track haben, muss der Grundton diesen Akkorden folgen Wenn wir uns also die Grundtöne der Akkorde ansehen, hoppla, wir haben A scharf, C, D und F. Gehen wir also zurück zu unserer Basis, die in unserem Drum-Pattern hoppla, wir haben A scharf, C, D und F. Gehen wir also zurück zu unserer Basis, die in unserem Drum-Pattern ist Ich könnte das jetzt einfach umbenennen, damit wir wissen, was wir sehen . Schlagzeug. Hoppla. Krümel Okay. Und wir gehen zu unserer Basis. Und was ich tun werde, ist, die Basis bis zu den Grundtönen der Akkorde anzulegen Also haben wir A Sharp. Wir haben C. Dieses D ist in Ordnung, und dann haben wir F. Also werden wir als Nächstes eine Acht-Oh-Acht-Folie erstellen. Diese können deinen Beats also Dramatik und Ausdruckskraft verleihen. Mit einem Plug-in eines Drittanbieters wie bei Serum. Das ist also ein Plug-In, das nicht von FL Studio selbst hergestellt wurde. Sie müssen etwas namens Portamento einschalten. Das ist hier auf dem Serum, also werde ich nur sichergehen, dass es aktiviert ist Und du willst beim Serum auch sichergehen , dass es auf Mono eingestellt ist. Aber bei den meisten Synthesizern ist die Porta-Funktion perfekt Schauen wir uns also an, ob wir jetzt eine Folie erstellen können. Ich werde hier eine weitere Note in der Oktave platzieren und sehen, was das bewirkt Und vielleicht noch eine hier. Also haben wir D die Oktave höher. Irgendwo da. Hoffe, das ist scharf D. Mmmmmm Also, jetzt haben wir zwei Folien in unserem Muster erstellt, und mir gefällt, wie es klingt und wo sie Was ich jetzt tun möchte, ist eine melodischere Acht-Acht-Grundlinie zu erstellen eine melodischere Acht-Acht-Grundlinie Nichts zu drastisches, nur etwas, um ein bisschen Bewegung im Bass zu erzeugen Wenn wir also zum Beispiel unsere Basis als Melodie betrachten, können wir zu unserem Konzept der Kontur zurückkehren Wir wissen also, dass der Bass hier anfängt und dann bis zu dieser Note hier hochgleitet Und dann ist die nächste Note, die es spielt, wieder ganz unten. Also ich denke, eine bessere Kontur wäre es, nach oben zu springen. Ich mag die Rutsche, aber dann runter zu treten. Dass wir für unseren nächsten Akkord zu diesem Grundton heruntersteigen können für unseren nächsten Akkord zu diesem Grundton Dafür werde ich zu meinen Akkorden zurückkehren und schauen, welche Noten in dieser Kordel verwendet werden und ob ich sie im Grundton verwenden kann Wir verwenden also bereits ein Scharf A und wir rutschen bis zu diesem A-Scharf in der Basis hoch, sodass ich D oder F verwenden könnte. Okay? Lassen Sie uns D und F in unserer Basis ausprobieren und sehen , wie sich das anhört. Lassen Sie uns diese Note also nach D verschieben und sehen, wie sich das anhört. Mm. D. Und jetzt versuchen wir es mit S. Ed. Mir gefällt der Klang des F hier und ich finde auch, dass es eine bessere Kontur hat. Ich denke, von scharf A auf scharf A zu springen und dann wieder runter zu D zu springen, nur um runter zu C zu gehen, ist für die Kontur etwas extrem. Also ich mag es, wie wir nach oben springen, aber dann gehen wir runter zum F und runter zum C. Also werde ich hier dasselbe machen Wir sind im Akkord von D. Gehen wir zurück. Schauen wir uns an, welche Noten wir vielleicht verwenden können. In unserem D könnten wir also A verwenden oder wir könnten F oder wir könnten es mit C versuchen. Gehen wir also zurück zu unserer Basis und probieren einige dieser Notizen aus. Nun ja, wir können D nicht benutzen, weil wir schon bei D sind. Wir können F wahrscheinlich nicht benutzen , weil der nächste Akkord F sein wird, also wird es einfach irgendwie auf derselben Note stottern, während ich zurücktreten wollte Also versuchen wir es mit C. Mm. Also versuchen wir es mit C. Mm. Und jetzt können wir das mit verschiedenen Bassklängen versuchen. Also, wie ich schon sagte, ich bin kein großer Fan dieses Basissounds. Mal sehen, wie es mit einigen anderen Basissounds klingt. Nun, das ist alles in Ordnung und gut, aber wenn Sie FL Studio als Haupt-DW verwenden, dann hat es tatsächlich ein sehr nützliches Plug-In, das eine Menge guter Acht-Acht-Basen hat eine Menge guter Acht-Acht-Basen , die im Plugin enthalten sind. Und um ehrlich zu sein, wenn ich Beats mache, verwende ich das am häufigsten für meine Acht-Oh-Gewichte. Also werde ich den Serum-Stecker durch etwas namens Flex ersetzen . Und hier in Flex gibt es ein Paket namens Mobile Tuner Eight On Eight Base. Die sind wirklich, wirklich gut. Lass uns mal reinhören. Wenn Sie jedoch FL-Stock-Plugins wie Flex verwenden, oder wenn Sie ein 8-oh-acht-Sample verwenden, können Sie zum Erstellen von Folien, und das ist eigentlich viel besser, die Notiz, zu der Sie weiterrutschen möchten, durch eine Foliennotiz ersetzen . Also werden wir die Folienfunktion einschalten. Das ist also hervorgehoben. Und wir werden unsere neue Notiz einfügen, die hier ist. Und je länger die Notiz, desto länger ist die Folie nach oben wohingegen je kürzer die Notiz, desto schneller rutscht sie nach oben. Schauen wir uns also an, wie sich das anhört. Okay. Okay, das ist ein bisschen zu langsam für mich, also werde ich es einfach um einen weiteren halben Schritt verkürzen. Und für mich persönlich denke ich, dass dieser kleine Abschnitt hier ein bisschen mehr Bewegung vertragen könnte , nur um die Basis ein bisschen interessanter zu machen. Also ich denke, ich werde die Basis dazu bringen, zwischen zwei verschiedenen Noten zu wechseln und dann zu C zurückzukehren. Also kann ich natürlich einfach das C oben verwenden. So wie das hier. Ups, ich möchte nicht, dass das Foliennotizen sind Ich möchte nicht, dass es nach oben rutscht. Ich wollte nur die Noten spielen. Das fügt jetzt ein bisschen Bewegung hinzu, nur um die Monotonie dieser, du weißt schon, wirklich lang gehaltenen Noten aufzubrechen die Monotonie dieser, du weißt schon, wirklich lang gehaltenen Noten aufzubrechen , besonders wenn sich das Muster im zweiten Takt wiederholt Von hier aus mag ich also meine Grundmelodie, meine Acht-oh-Acht-Bass-Melodie meine Acht-oh-Acht-Bass-Melodie Und was ich tun werde, ist, sie zu erweitern, denn wenn Sie sich erinnern, wir die letzten beiden Akkorde des Patterns tatsächlich vertauscht letzten beiden Akkorde des Patterns Also werde ich herkommen und sie austauschen Um das zu tun, möchte ich im Grunde dieses D zu einem F und dieses F nach unten zu einem D bewegen dieses D zu einem F und dieses F nach unten zu einem . Das F sollte jetzt zu einem anderen F rutschen Also rutscht es gerade zu einem D. Lassen Sie uns das auf ein anderes F bringen . Und unsere C-Note hier sieht so aus, als ob sie funktionieren könnte, weil wir oben rutschen und dann immer noch nach unten Aber ich werde einfach nachsehen und sichergehen , dass das C zum F-Akkord passt. Also werde ich zu meinem anderen Akkordmuster übergehen. Es ist der vorletzte Akkord im Muster, und es ist F. Kann ich also ein C verwenden? Ja, das kann ich. Also lass uns zurückgehen und sehen, wie sich das jetzt anhört. Sobald meine Bassline fertig ist und ich das Drum-Pattern verwendet habe , um den Rhythmus des Basses zu bestimmen, nehme ich es und schneide ab Es ist also nicht mehr in meinem Drum-Pattern enthalten, und jetzt werde ich ein neues Pattern namens Base erstellen Und das füge ich einfach ein. Und jetzt kann ich es in mein Arrangement aufnehmen. 15. Erweitertes Bassdesign: In Ordnung, wir haben also unsere Basis aufgebaut. Lassen Sie uns nun über einige fortgeschrittene Techniken sprechen , damit es noch professioneller klingt Also werden wir Dinge wie Distortion und Top Layers verwenden . Zunächst können wir also ganz einfach die Basis nehmen, die wir entworfen haben. Wir können es einem Mixer-Track zuweisen. Und jetzt können wir eine starke Sättigung oder Verzerrung verwenden starke Sättigung oder , um zu versuchen , es knallig erscheinen zu lassen. Wenn ich also etwas verwende, das als Wellenformer bezeichnet wird, kann ich dem Sound etwas Körnigkeit verleihen , indem ich eine Art Sägeform zeichne Das ist es also vorher. Und danach. Könnte ein bisschen zu viel sein. Und wie Sie sehen können, können Sie mit diesen verschiedenen Formen auf dem Waveshaper herumspielen diesen verschiedenen Formen auf dem Waveshaper und einige interessante Sounds erzeugen jedoch möchten, Wenn Sie jedoch möchten, dass es viel sauberer klingt, können wir eine oberste Ebene erstellen Das ist also ein einfaches Konzept. Wir kehren einfach zu unseren Layering-Techniken zurück , bei denen wir einen weiteren Basssound auf diesen legen Im Moment klingt es also so. Es ist ziemlich sauber, aber da dieses Genre stark auf die Acht-oh-Acht-Basis konzentriert, entwerfen charakteristischen Basssound mit Schichten können Sie sich von der Masse abheben, wenn Sie Ihren eigenen, charakteristischen Basssound mit Schichten oder Effekten Also lass uns Serum einfüllen. Ich werde unsere Basismelodie kopieren. Ich werde es in unseren Serum-Plug-In einfügen. Und ich muss nur sicherstellen, dass Foliennotizen nicht mit Plug-ins von Drittanbietern funktionieren , also muss ich das zu einer normalen Notiz ändern . Und das Gleiche gilt für diesen. Und das Gleiche gilt für diesen. Oh, und dieser auch. Okay. Also lass uns jetzt einen schönen Basssound finden. Ich werde nach unten scrollen und sehen, ob ich hier unten etwas habe, das funktionieren könnte. Oh, vielleicht etwas in diesem Basisbeben. Mir gefällt der Klang. Vielleicht gibt es hier etwas Interessantes, das wir auf unseren anderen Bass legen können . Whoa, okay. Das ist nicht das Genre, nach dem wir suchen. Welterschütternder Dub-Step. Nein, danke. Wir suchen nur nach einer groben Schicht, die wir auf unseren anderen sauberen Basssound legen können unseren anderen sauberen Basssound Lass uns etwas in diesem The Stranger Sounds Volume Eins ausprobieren Stranger Sounds Volume Das ist also offensichtlich ein Paket, das auf den Sounds von Stranger Things basiert . Lassen Sie uns das überlagern und sehen, wie es sich mit unserem ursprünglichen Bay-Sound anhört. Das könnte also eine ziemlich coole Schicht für unsere Basis sein. Also, was ich jetzt tun werde, ist, es zu beeinflussen. Im Moment ist es ein bisschen zu sauber, aber ich denke, es hat das Potenzial, ziemlich grobkörnig zu klingen Was ich also tun möchte, und dieser erste Schritt ist ziemlich wichtig, ist dass ich einen EQ verwenden und einen Low-Cut erstellen werde Also, da wir unser erstes Band hier haben, werden wir den Typ auf Hochpass umstellen Oder Tiefpassfilter. Highpass und Low-Cut bedeuten einfach dasselbe. Außerdem werden wir im Mixing-Bereich dieses Kurses ein wenig den EQ durchgehen , sodass Sie sich im Moment um nichts anderes kümmern müssen Wisse nur, dass du mit der rechten Maustaste auf das erste Band klicken und es auf einen Hochpass umstellen kannst werden die Grundfrequenzen herausgeschnitten , die wir im zweiten Basissound nicht benötigen Und ich werde sie einfach auf vielleicht 150 erhöhen. Und der Grund dafür ist, dass Sie nicht wollen, dass zwei verschiedene Basissounds denselben Frequenzbereich einnehmen Denken Sie also daran, dass ich vorhin, als wir die Kabel übereinander gelegt haben, darüber gesprochen habe, wie Sie Entscheidungen auf der Grundlage des Frequenzbereichs treffen wollen Entscheidungen auf der Grundlage des Also zum Beispiel unser Acht-oh-Acht hier, es ist ziemlich tief Es ist ziemlich einfach. Es nimmt diese Grundfrequenzen Diese Ebene, die wir hinzugefügt haben, ist auch ziemlich einfach und enthält auch viele Basisinformationen, gegen die wir nicht mit unserem ursprünglichen Basissound kämpfen wollen , der uns gefallen hat Deshalb habe ich hier den EQ verwendet, um die Grundfrequenzen aus unserer Ebene herauszuschneiden Hoffentlich klingt es jetzt ein bisschen sauberer So klingt es jetzt von alleine Vorher? Und danach. Mit dieser Ebene können wir wirklich versuchen, lustige Dinge zu machen , um einen interessanten Sound zu erzeugen. Vielleicht verwenden wir also den Waveshaper, den wir uns zuvor angesehen haben, um ein bisschen Grit zu erzeugen Vielleicht verwenden wir ein bisschen Verzerrung. Vielleicht verwenden wir etwas wie, ich weiß nicht, fruchtigen Hardcore, was ein Amp-Effekt ist. Aber bevor wir das tun, wird das wahrscheinlich ziemlich laut sein , weil ein Verstärker den Ton buchstäblich verstärkt Also werde ich das leiser stellen , nur für den Fall , dass ich meine und deine Ohren schädige Ich bin kein großer Fan dieses Sounds. Tauschen wir es vielleicht gegen Blood Overdrive aus. Und dann, vielleicht für ein bisschen Stereo-Weißheit, können wir einen Chorus-Effekt darauf legen Hören wir uns das mal im Kontext unseres Tracks an. Sie müssen auch keinen Basssound verwenden. Sie können also auch ein Leadinstrument für etwas Interessantes verwenden . Fügen wir also einen Lead hinzu, und wir müssen das vielleicht herunterspielen. Hoppla. Ich will das nur alleine machen Es. Und versuchen wir das mit einigen der Effekte, die wir hatten. Vielleicht nicht der Refrain. 16. Signalkette: Eine weitere Sache, die ich nicht erwähnt war die Reihenfolge dieser Plug-ins. Ursprünglich waren diese Plug-ins also so. Wir hatten den Waveshaper, den Blood Overdrive und den Frucorus Ich habe auch das Preset, das wir verwenden, auf dieses geändert. Entschuldigung, ursprünglich hätte es so geklungen. Die Art und Weise, wie das Audio diese Effekte wiedergibt, ist von oben nach unten Es durchläuft also das E Q, und dann wird dieses Signal an den Waveshaper gesendet, und dann wird dieses Signal an den Overdrive gesendet, und dann wird es an den Chorus gesendet Das heißt, ich verzerre den Sound und füge dann einen Refrain Aber ich denke, es wäre cool, den Refrain zu verzerren. Also werde ich den Refrain nach oben verschieben und sehen, wie das Und wenn wir die beiden Verzerrungen vertauschen, kann das auch den Sound verändern Stellen Sie also wirklich sicher, dass Sie mit den verschiedenen Layer-Sounds herumspielen und dass Sie mit den verschiedenen Effekten und der unterschiedlichen Reihenfolge der Effekte Weil du wirklich coole Sounds kreieren kannst. 17. Grundlagen des Sounddesigns und Optimierung von Presets: Schauen wir uns nun die Grundlagen des Sounddesigns an, wobei der Schwerpunkt auf der Anpassung der Presets Die Verwendung von Presets kann wirklich Zeit sparen, aber wenn Sie wissen, wie man sie optimiert, können Sie einzigartige Sounds kreieren, die auf Ihren Track zugeschnitten Wenn Sie Ihre Sounds an die Stimmung Ihres Tracks anpassen , stellen Sie sicher, dass sie in den Mix passen Wir werden zwar nichts über Sounddesign und das Erstellen von Synthesizer-Presets lernen , aber wir werden lernen, wie man sie so manipuliert, dass sie zu unserem Track passen zu tun, schaue ich mir vielleicht einfach unser Basis-Preset an , mit dem wir in der letzten Vorlesung gearbeitet haben Also werde ich alle Effekte, die wir verwendet haben, ausschalten. Ich werde es wieder lauter machen und den ursprünglichen Grundsound stummschalten. So sieht das Preset also für sich aus und klingt. Mm, aber wenn wir es optimieren wollen, gibt es ein paar allgemeine Bereiche, die wir uns ansehen sollten Und das sind die Oszillatoren. In diesem Fall sind es also zwei. Es gibt Oszillator A und Oszillator B. Das ist die Schallquelle Diese erzeugen Rohwellenformen wie Sinus, Rechteck, Säge, Dreieck usw. Für diesen speziellen Sound werden zum Beispiel zwei Oszillatoren gleichzeitig verwendet Lassen Sie uns also den Sound abspielen und uns anhören, wie sie jeweils für sich klingen, und dann schalte ich vielleicht beide aus, und alles, was und dann schalte ich vielleicht beide aus, und alles, übrig bleiben sollte, ist nur eine Geräuschschicht Um das zu optimieren, können wir die Form des Oszillators ändern, indem wir uns vielleicht etwas anderes, eine andere Form , schnappen Und wie Sie sehen können, hat es die Form der Wellenform verändert die Form der Wellenform Das wird also den Grundsound verändert haben. Und wir können hier auch andere Dinge tun, zum Beispiel Unisono verstimmen und verwenden Also dupliziert Unison das Signal, und dann verwendet der Detune-Regler das sogenannte Mikro-Shifting um diese Duplikate etwas anders abzustimmen und den Sound ein bisschen dicker und ein bisschen fetter zu machen bisschen Mm. Mmm. Ein weiterer Aspekt eines Synthesizers, der angepasst werden kann, ist dieser Filterbereich Mit Serum können Sie also die Form des Filters ändern. Nehmen wir zum Beispiel Tiefpass 12. Und das ist im Grunde wie ein EQ. Der Tiefpass ist also buchstäblich ein Tiefpass. Er lässt nur die tiefen Frequenzen hörbar werden und er schneidet alle hohen Frequenzen ab. Mm. Mmm. Ups, mir war nicht bewusst, dass der Abschaltknopf tatsächlich mit einem der Umschläge verbunden war , also ignoriere das einfach Okay, jetzt sollten wir nur niedrige Frequenzen hören. Und wenn wir die Resonanz erhöhen, können Sie sehen, dass sie ein bisschen besser wird. Und das wird es irgendwie quietschen lassen. Jetzt werden nicht alle Presets verknüpft werden. Wenn ich also zum Beispiel ein anderes auswähle, ist der Cut-Off dieses Filters ganz natürlich auf einen Tiefpassfilter eingestellt So können Sie zum Beispiel mit einem Tiefpassfilter und der Trennscheibe diese klassische Art von elektronischer Musik aufbauen. Oder Sie können die Form für einige wirklich interessante Sounds ändern für einige wirklich interessante Sounds W Und das nächste, worüber ich sprechen möchte, sind die ADS-Umschläge Oder in diesem Fall haben wir ADS, H und oder. A bezieht sich also auf Angriff, und es geht nur darum, wie schnell der Sound seine volle Lautstärke erreichen kann. Viele Pads nutzen diese Attack-Zeit oft , um eine Art Swell-Effekt zu erzeugen Dann haben wir den Zerfall und den Sustain. Nun, diese sind irgendwie miteinander verknüpft. Der Sustain ist also im Grunde der Lautstärkepegel, der gehalten wird , wenn die Note gehalten wird. Und dann ist der Zerfall die Zeit, die benötigt bis der Ton auf den Sustain-Pegel abfällt . Im Moment werden Sie den Zerfall also nicht wirklich sehen , weil der Sustain so hoch eingestellt ist. Aber wenn ich ihn heruntersetze, kannst du den Zerfall jetzt hier sehen. Wenn ich jetzt also die Abklingzeit anpasse, kannst du sehen, dass sie sich ausdehnt, wie lange es dauern wird , bis die Note den Sustain-Level erreicht. Lassen Sie uns also auf Play drücken und sehen, was diese beiden Knöpfe tatsächlich in Aktion bewirken Ich werde den Angriff einfach beenden. Und dann werde ich den Sustain einfach wieder lauter machen. Die Veröffentlichung gibt an, wie lange es dauert, bis der Ton verblasst nachdem Sie den Finger von der Note genommen haben oder die Note buchstäblich losgelassen wird. Wenn wir uns also diesen Umschlag ansehen, können wir sehen, dass die Veröffentlichung ziemlich schnell erfolgt. Wissen Sie, die Notiz hat sehr schnell die volle Lautstärke erreicht. Es bleibt bei dieser Lautstärke, und wenn Sie dann die Note loslassen, wird sie sehr schnell wieder leiser. Aber wenn wir die Veröffentlichung verlängern, werden Sie hören, dass sich die Noten allmählich überlappen Ich bin mir also nicht sicher, ob du das vollständig hören kannst. Ich nehme mir einfach ein anderes Preset, das vielleicht leichter zu hören ist. Vielleicht nicht das. Und tatsächlich, nur um das weiter zu verdeutlichen, wäre das bei einem Arp mit kurzen Noten viel leichter zu hören einem Arp mit kurzen Noten H Und zu guter Letzt, das andere Grundelement, das ich oft optimiere, ist hier in der Effekt-Sektion Die meisten Presets werden also ihre eigenen Effekte haben. Sie werden oft mit Dingen wie Delay und Reverb geliefert. Und normalerweise haben die meisten einen EQ und eine Art Kompressor Aber vielleicht findest du zum Beispiel einen Stecker und du liebst den Klang wirklich, aber er hat zu viel Hall. Du kannst das einfach ausschalten. Und Und normalerweise bei Presets werde ich die Oszillatoren nicht wirklich anfassen , vielleicht sehr selten Ich werde hauptsächlich ein paar Filterkram machen und auch das ADSR Aber hab keine Angst davor , mit irgendwelchen Reglern zu spielen , die du an deinem Synthesizer hast weil sie alle etwas bewirken und du vielleicht etwas Cooles als eine Art glücklichen Zufall entdeckst Wenn nun jemand einen kompletten Sounddesign-Kurs haben möchte , bei dem wir vielleicht Serum oder andere verschiedene Synthesizer durchgehen , kann ich das absolut tun. Lass es mich einfach Und falls du denkst, dass, du weißt schon, das gilt nur für Serum, werde ich einen anderen Synthesizer einbauen Vielleicht versuchen wir es mit Vital. Jetzt sieht dieser Synthesizer also ganz anders aus. Also lasst uns ein kurzes Preset schnappen, vielleicht klingen irgendwelche Tasten super zuck. Und was ich tun werde, ist wirklich schnell, ich nehme das und mache es stattdessen vital Und es hat es am Anfang nicht eingefügt. Ich weiß nicht warum. Okay. Und wenn ich zu unserer allgemeinen Ansicht zurückkehre, können wir hier sehen, dass wir den Oszillator haben Okay, Oszillator eins. Wir haben unseren Angriff, unser Zerfall ist vorbei, unser Überleben und unsere Befreiung Lassen Sie uns also zum Beispiel einige davon optimieren. Und wir können auch Dinge am Oszillator ändern, um das Ganze grundlegend anders klingen zu lassen grundlegend anders klingen zu Ich glaube nicht, dass wir hier irgendeinen der Filter aktiviert haben , aber wenn wir wollen, können wir, also können wir einen Filter einschalten Und jetzt haben wir unseren klassischen Hochpassfilter. Und wir können die Form ändern. Mit diesen drei Dingen, dem Oszillator, der ADSR-Hüllkurve und dem Filter, können Sie den Gesamtsound des Presets wirklich, wirklich optimieren Gesamtsound des Und der Hauptgrund, warum ich das tun würde, ist, weißt du, wenn das Preset ein bisschen zu hell oder ein bisschen zu dunkel ist oder wenn es irgendwie perfekt klingt, aber weißt du, einige der Noten sind ein bisschen zu lang oder sie werden nicht so schnell abgeschnitten, wie ich will. Ich kann den ADSR anpassen, und ich kann ihn so ändern und anpassen , wie ich es möchte 18. Digitales Kistengraben: Was ist Sampling?: Sampling ist der Prozess, bei dem Sie ein vorhandenes Audiostück nehmen und es dann in Ihre Musik integrieren Das kann eine Melodie von einer alten Jazz-Platte sein oder vielleicht ein Gesangsausschnitt aus einem TikTok-Video oder sogar Geräusche aus einem TikTok-Video oder der Sampling ist im modernen Beat-Making allgegenwärtig, insbesondere in Genres wie Trap, Drill und Das Ziel von Sampling ist nicht nur das Kopieren und Einfügen, es geht darum, Sounds in etwas Neues und Persönliches zu verwandeln . Von ikonischen Beats von Ja Dilla und Kanye West bis hin zu modernen Trap-Klassikern von Metro Boman ging Sampling schon immer um Warum ist Sampling für Beat-Macher also unverzichtbar? Nun, zuallererst kann es Sie sofort inspirieren. Ein Beispiel kann eine Idee auslösen oder die Stimmung für Ihren Beat bestimmen, besonders wenn Sie mit einer leeren Leinwand beginnen. Du kannst Samples auch für einzigartige Texturen verwenden. Egal, ob es sich um einen gefühlvollen Vocal-Chop oder einen unheimlichen Synth-Loop handelt, Samples können Sie Ihrem Track einzigartige Texturen verleihen Sampling kann dir auch sofort komplexe Harmonien, Rhythmen und Tambres Sie müssen nicht alles von Grund auf neu erstellen. Und schließlich können Sie mit Sampling Ihre Beats mit der gesamten Musikgeschichte verbinden . Es ist eine Möglichkeit, der Vergangenheit Respekt zu erweisen und gleichzeitig etwas Frisches und Neues zu kreieren Also, wo sind die besten Orte, um Proben zu finden? digitalen Kistengraben dreht sich alles darum, die perfekten Proben zu finden Und dank des Internets braucht man keinen Stapel Schallplatten, um nach Gold zu graben Also, Luperman, ich habe das im Kurs schon zwei- oder dreimal erwähnt , und es ist eine riesige Bibliothek lizenzfreier Loops Du kannst nach Genre, Tonart und BPM filtern und genau das finden, BPM filtern und genau das finden Tatsächlich stammen die vier Audiobeispiele auf der vorherigen Folie alle von Luperman Dann haben wir Social-Media-Plattformen wie TikTok, YouTube und Instagram TikTok hat viele skurrile Audioclips, die zum Sampling verwendet werden können Sie können das Audio herunterladen oder sogar auf dem Bildschirm aufnehmen und es dann mit Effekten, Tonhöhenverschiebung oder Hacken transformieren Tonhöhenverschiebung oder Hacken Das Gleiche gilt für YouTube, wo du vielleicht nach seltsamen Live-Auftritten, gewagten, vergessenen Songs oder auch nur zufälligen Dingen wie Waldambiente oder Wasserfallgeräuschen Benutzt Hive. Mai. Halb. Poidep Halp. Ja, das ist erledigt Als Nächstes haben Sie kostenpflichtige Plattformen und Musterpakete. Plattformen wie Splice, Sounds.com und Somatics bieten kuratierte, und Somatics bieten kuratierte hochwertige Samples Oder Sie können Muster von Unternehmen wie Ghost Hack oder was auch immer kaufen Unternehmen wie Ghost Hack Diese können sich hervorragend für Trap- und Drill-Produzenten eignen, die nach modernen Sounds suchen. Und dann haben wir den öffentlichen Bereich. Websites wie archive.org oder Public Domain Review bieten also Public Domain Review Zugriff auf Audioaufnahmen, klassische Kompositionen und mehr Alles, was gemeinfrei ist, kann ohne Urheberrecht kostenlos verwendet werden Suchen Sie also nach älteren Aufnahmen oder klassischen Stücken, um Ihren Beats eine Vintage-Atmosphäre zu verleihen Als gemeinfrei gelten alle Werke, die vor einem bestimmten Datum , derzeit 1928, geschaffen wurden, oder alle Titel, die gemeinfrei veröffentlicht wurden Am Meer, am Meer. Am schönen Meer, du und ich, du und ich. Im Folgenden finden Sie einige bewährte Methoden, um aus Ihren Samples Beats in professioneller Qualität zu machen. Sei originell. Loop das Sample nicht einfach so, wie es ist, drehe es um, dehne es oder zerschneide es, bis es sich wie deine eigene Kreation anfühlt. Füge die Samples zu deinem Beat hinzu. Verwenden Sie also EQ, Reverb und Komprimierung, damit das Sample auf natürliche Weise in den Beat passt Bleib organisiert, und das ist wichtig. Kennzeichnen Sie Ihre Proben nach Schlüssel und BPM, um Zeit bei Ihrem Arbeitsablauf zu sparen Wenn Sie einen Tag damit verbringen, vielleicht viele verschiedene Samples herunterzuladen und sie in einem Ordner zusammenzustellen, werden Sie sich in zehn Wochen nicht mehr erinnern können, in welchem BPM und in welchem Schlüssel diese Samples waren also die Zeit, wenn Sie sie herunterladen , um sie nach Tonart und BPM zu markieren Stellen Sie sicher, dass Sie experimentieren. Die besten Beats entstehen oft durch unerwartete Kombinationen oder glückliche Zufälle. Achten Sie jedoch immer darauf , das Urheberrecht zu respektieren. Überprüfen Sie immer die Lizenzierung Ihrer Proben. Gemeinfreie und lizenzfreie Quellen sind am sichersten, wenn Sie eine kommerzielle Veröffentlichung planen 19. Umdrehen von Proben: In dieser Vorlesung werden wir uns mit Flipping Samples befassen Dabei nehmen wir vorhandenes Audio und verwandeln es in etwas völlig Ich weiß also, dass wir hier in unserem Track bereits eine Art Gesangssample Aber ich denke, ich werde ein anderes Beispiel hinzufügen, nur um die Techniken zu demonstrieren. Danach nehmen wir vielleicht eine oder zwei dieser Techniken und wenden sie auf das Gesangssample an , das wir bereits in unserem Track haben. Außerdem denke ich, dass so etwas wie ein Piano-Loop für sich genommen etwas einfacher anzuhören ist als nur ein Gesangssample. Also werde ich das Klavier mitnehmen, in einen leeren Teil des Tracks sampeln und ich werde dir einfach zeigen , wie es klingt. Sobald es in der Playlist ist, müssen wir das Tempo des Samples an unser Tempo anpassen. Jetzt muss ich mir darüber keine Gedanken machen, denn wenn Sie ein Sample von Luperman herunterladen, erfahren Sie, in welchem Tempo es Bei Luperman sagte also die Person, die das hochgeladen hat, dass die sagte also die Person, die das hochgeladen Also werde ich 140 eingeben und schauen, wie sich das auf den Sound auswirkt Für mich sieht es so aus, als wäre es nachdem ich es ziemlich ausgedehnt habe. Für mich klingt das gut. Aber wenn Sie das irgendwie verkürzen möchten, können Sie diese Stretchfunktion verwenden, und Sie können entweder, glaube ich, den Ton bis können Sie diese Stretchfunktion verwenden, und Sie können entweder, glaube ich, zur Hälfte dehnen Oder eine andere Möglichkeit , das zu tun, wäre, wenn Sie das Sample an Ihr Tempo anpassen, anstatt 140 einzugeben, wir würden stattdessen 70 nehmen Die erste Technik, die wir uns jetzt ansehen werden , ist das Zerkleinern des Samples Und ich denke, der beste Weg, das in FL Studio zu tun, ist die Verwendung eines Plugins namens SliceX Also werde ich das zu einem neuen Muster hinzufügen. Und was Sie damit machen wollen, ist den Originalsound einzuziehen. Und im Grunde teilt es Ihr Sample in verschiedene Marker auf, die dann verschiedenen Tasten auf der Tastatur zugeordnet werden verschiedenen Tasten auf der Tastatur zugeordnet Und du kannst deine Pianorolle hier verwenden , wenn ich sie einfach lösche Sie können Ihre Pianorolle verwenden, um verschiedene Teile des Samples zu spielen. Was Sie dann also tun könnten, ist vielleicht diese Sample-Slices zu verwenden , um etwas Neues zu machen. Vielleicht so etwas Schnelles. Oder du könntest lustige Sachen machen , zum Beispiel wo wir das Stempelwerkzeug von früher verwendet haben, wir könnten hier eine zufällige Skala einstempeln , nur damit bestimmte Notizen hervorgehoben werden. Und dann ziehen wir sie vielleicht mit etwas Ähnlichem herum. Und dann können wir sie nehmen, das Arpeggiator-Tool benutzen und schauen, ob wir etwas Neues und Interessantes kreieren können Und dann kannst du das natürlich nehmen und wieder in dein Arrangement einfügen, vielleicht dein Schlagzeug hinzufügen oder was auch immer, und schon hast du einen coolen, gesampelten Beat Nun, SlicX funktioniert auch sehr gut mit Gesang, mit dem Sie einige wirklich coole Gesangskoteletts kreieren können Eine andere einfache Technik, die wir ausprobieren können , ist das Umkehren In FL Studio ist das also ziemlich einfach. Wir öffnen einfach den Audioclip und können auf die Rückseite klicken. Aber um ihn weiter zu optimieren und den ursprünglichen Kabelverlauf beizubehalten , könnten wir diesen Audioclip einfach in seine einzelnen Kabel Und dann werden wir sie in unserem Arrangement neu anordnen. Da es also rückwärts ist, werde ich einfach so neu anordnen von hinten nach Und jetzt behalten wir die ursprüngliche Wortfolge bei, aber alle Schnüre sind tatsächlich Oder wir können es kreativer gestalten und vielleicht einige davon umdrehen, die Reihenfolge ändern und aus dem, was wir bereits hatten, etwas völlig Neues machen aus dem, was wir bereits hatten, etwas völlig Neues Außerdem zeige ich dir ganz schnell eine sehr coole Technik. Also mache ich einfach rückgängig, was wir dort gemacht haben , bis das Sample wieder seinen umgekehrten Zustand erreicht hat, in dem wir die ursprüngliche Akkordfolge beibehalten haben Und dann kann ich es duplizieren. Um das zu tun, müssen Sie dieses kleine Wellenformsymbol oben links im Clip verwenden dieses kleine Wellenformsymbol oben links im Klicken Sie dann auf Einzigartig machen. Dadurch wird es ein völlig neuer Clip. Dann kann ich das Rückwärtsfahren rückgängig machen. Ups, ich wollte es nicht dehnen. Dann kann ich das Rückwärtsfahren rückgängig machen . Und dann kann ich die ursprüngliche Art von Klavierclip auf die umgekehrte Version legen. Und weil die umgekehrte Version dieselben Akkorde wie die Originalversion spielt, erhalten wir einen coolen, eindringlichen, umgekehrten Akkordsound Das wäre wahrscheinlich leichter zu hören, wenn ich Ich werde das nur ganz schnell machen, nur um ein Beispiel zu geben. Ich dehne vielleicht nur die ersten beiden Akkorde. Oder vielleicht kann ich es bauen , während es gespielt wird. Dann können wir es auch hier in der Playlist aufteilen. Sie haben also gesehen, wie ich es manuell zerkleinert habe, aber FL Studio kann Sounds tatsächlich automatisch zerkleinern. Wenn wir hier runter gehen, um zu hacken. Sie können es auf der Grundlage von Spitzenwerten und Transienten im Audio automatisch schneiden lassen, oder Sie können einige voreingestellte Schnittmuster verwenden Gehen wir also zum Beispiel zu diesem komplexen Abschnitt und fügen etwas wie, ich weiß nicht, Stotter Und dann können Sie diese einzelnen Scheiben selbst nehmen und sie zu etwas Neuem zusammenstellen Sie können also völlig zufällige Teile davon nehmen. Und das funktioniert wirklich gut für Gesang. Wenn du also ein Gesangssample wie dieses zerhackst und nur ein paar zufällige Teile daraus nimmst, kannst du ein paar wirklich coole rhythmische Gesangskoteletts dieses zerhackst und nur ein paar zufällige Teile daraus nimmst, machen Lass uns einfach ganz schnell etwas ausprobieren. Also vielleicht kannst du so eine kleine Schleife machen. H Dann gibt es noch einige andere einfache Dinge, die wir tun können , wie zum Beispiel die Tonhöhe ganz nach oben zu verschieben. L L Oder ganz nach unten schalten. Und vielleicht könnten wir sogar versuchen, das, was wir haben, umzukehren und gleichzeitig die Tonhöhenverschiebung beizubehalten und gleichzeitig die Samples zerkleinert zu halten A A Also werde ich das Sample einfach in seinen ursprünglichen Zustand zurückversetzen Und ich werde es einfach auf etwa die Hälfte verlängern, um es zu beschleunigen Und jetzt sollten wir wieder zum ursprünglichen Klavierklang zurückkehren. Oh nein, es wird immer noch rückgängig gemacht. Also lass es uns jetzt zu einem Mix-Trek hinzufügen. In FL Studio gibt es ein wirklich cooles zeitbasiertes Manipulations-Plugin namens Gross Beat. Lassen Sie uns das jetzt für eine Sekunde auf unserem Klavierbeispiel öffnen. Im Grunde verwendet Gross Beat ein voreingestelltes Muster, um dein Sample zu zerkleinern und zu manipulieren. Oh. Und dann kannst du das auch überlagern. Ich setze das für eine Sekunde auf Komplex zwei. Sie können es mit etwas volumenbasierter Manipulation überlagern. Belassen wir es also bei Transcate Four. Wir könnten hier vielleicht Complex Five verwenden, und dann kehren wir das Original-Sample um und bringen es runter Nun, das wird ganz anders klingen als der ursprüngliche Klaviersound, den wir zuvor hatten. Und dann können Sie das natürlich mit anderen Effekten kombinieren, vielleicht mit einem fruchtigen Flangus und wir werden auch etwas Overdrive einbauen Ich mache es einfach leiser, falls es sehr laut ist. Beim Umblättern Proben sich alles um die Mischung von Kreativität und technischem Können Von SlicX-Koteletts bis hin zu fortgeschrittenen Techniken wie, du weißt schon, grober Beat und dann Du kannst wirklich von allem eine Probe nehmen und daraus etwas anderes 20. Rechtmäßigkeit der Probenahme: In dieser Vorlesung werden wir uns mit der rechtlichen Probenahme befassen. Was ist sicher versus was ist riskant. Warum sollten Sie also sicherstellen, dass Sie legal Proben nehmen? Sampling ist eines der kreativsten Werkzeuge im Arsenal eines Produzenten. Aber mit großer Macht geht auch große Verantwortung einher, rechtliche Verantwortung. Und aus diesem Grund ist die Probenahme aus rechtlicher Sicht von entscheidender Bedeutung. Erstens können Sie Klagen vermeiden. Die Verwendung von urheberrechtlich geschütztem Material ohne Genehmigung kann zu rechtlichen Problemen führen Zweitens können Sie auch Ihren Ruf schützen. Rechtsstreitigkeiten können also Ihre Glaubwürdigkeit und Ihre Beziehung in der Musikindustrie schädigen Ihre Glaubwürdigkeit und Ihre Beziehung . Durch legales Sampling können Sie Nummer eins, also Klagen, vermeiden , wodurch wiederum Nummer zwei vermieden wird, was Ihrem Ruf schadet Schließlich sind die ersten beiden ziemlich selten es sei denn, Sie gehören zu den 100 besten Billboard-Künstlern Aber Nummer drei gilt definitiv für alle, und das ist die Freiheit, Ihre Arbeit zu monetarisieren also entweder Ihre Samples für die Verwendung freigeben oder einfach lizenzfreies, gemeinfreies Material verwenden, können Sie Ihre Musik ohne gemeinfreies Material Einschränkungen monetarisieren Schauen wir uns das also etwas genauer an. Was ist sicher und was ist riskant? Nun, erstens haben wir in der Kategorie „Sicher “ lizenzfreie Proben Samples, die als lizenzfrei gekennzeichnet sind, können in Ihrer Musik verwendet werden , ohne laufende Lizenzgebühren zahlen zu müssen Du findest diese auf Websites wie Luperman oder Splice oder in kostenpflichtigen Dann sind wir gemeinfrei. Gemeinfreies Material kann ohne gesetzliche Genehmigung oder Lizenzgebühren kostenlos verwendet Werke, die vor 1928 bis 1930 entstanden sind, sind in der Regel gemeinfrei Einige neuere Songs wurden gemeinfrei zur Verwendung veröffentlicht. Aber wenn Sie diese verwenden, seien Sie vorsichtig mit Aufnahmen. Daher sind einige moderne Aufnahmen alter gemeinfreier Kompositionen möglicherweise immer noch urheberrechtlich geschützt Es ist nicht das Lied, das sie urheberrechtlich geschützt haben, sondern die Aufnahme. Dann habe ich Dinge wie Tik Tok und YouTube-Videos eingefügt, aber ich habe das Wort Original hier wirklich betont So können zum Beispiel TikToks und virale Videos spannende und einzigartige Sampling-Quellen sein Um jedoch auf Nummer sicher zu gehen, müssen Sie benutzergenerierte virale Inhalte testen Das wären also diese, du weißt schon, Vine-ähnlichen Videos auf TikTok, wenn der Ersteller sie komplett originell machen würde. Ein Beispiel wäre also eine lustige gesprochene Phrase oder ein einzigartiger Soundeffekt, der vom Uploader des Videos erzeugt wird Du kannst Geräusche aus ihrer Umgebung nehmen, Beispiel eine Zughupe oder ein Klatschen, sofern sie es selbst aufgenommen haben Das damit verbundene Risiko geht von abgeleiteten Inhalten aus. Videos, die urheberrechtlich geschützte Hintergrundmusik oder Clips aus Film und Fernsehen oder vielleicht Remixe anderer Werke enthalten, dürfen also Clips aus Film und Fernsehen oder vielleicht Remixe anderer Werke enthalten, dürfen nicht legal gesampelt werden Das beste Szenario wäre, den Urheber um seine Erlaubnis zu bitten Nun zu dem, was riskant ist. Also zuallererst, was ist Urheberrecht? Nun, das Urheberrecht schützt das Recht des Urhebers an seinem Werk, und dazu gehören Songs, Aufnahmen und sogar Soundeffekte. In der Musik sind sowohl die Komposition, also die Melodie, als auch der Text und die Aufnahme normalerweise getrennt urheberrechtlich geschützt Ein Beispiel hierfür wäre das Sampling eines Tracks eines berühmten Künstlers ohne dessen Zustimmung, Verwendung von Musik aus Filmen, Fernsehsendungen oder vielleicht Werbung Und zu den häufigsten Missverständnissen beim Sampling gehört, weißt du, wenn ich nur 5 Sekunden verwende, ist das Es gibt keine Mindestdauer für Urheberrechtsverletzungen. Selbst eine einzige erkennbare Notiz kann zu Problemen führen. Und zweitens habe ich es bis zur Unkenntlichkeit zerhackt , damit ich sicher bin. Nun, wenn das Originalwerk immer noch identifiziert werden kann, könnte es immer noch als Verstoß angesehen werden. Nehmen wir an, Sie sind fest entschlossen ein bestimmtes Beispiel zu verwenden, und Sie möchten es löschen. Zuallererst benötigen Sie die Zustimmung der beiden Eigentümer der Komposition. Also in der Regel die Herausgeber, und du benötigst auch die Erlaubnis des Besitzers der Aufnahme, was normalerweise das Label ist. Sobald Sie deren Erlaubnis haben, können Sie mit den Verhandlungen über die Bedingungen beginnen. Musterverträge beinhalten in der Regel eine Vorauszahlung oder Lizenzgebühren für den Verkauf Ihres Tracks Und zu guter Letzt: Wenn Sie diesen Weg einschlagen, sollten Sie wissen, dass Sie alles dokumentieren müssen, weil es dabei um Gesetze geht dokumentieren müssen, weil es dabei um Stellen Sie also sicher, dass Sie schriftliche Vereinbarungen mit den Nutzungsbedingungen Was ist also die beste Methode für eine sichere Probenahme? Halten Sie sich an lizenzfreie Quellen. Beginnen Sie mit Plattformen wie Lupermin oder Splice für Transformieren Sie Ihre Proben, also manipulieren Zerkleinern, Pitch Shift, Reverse und Layern — so entsteht etwas, das vom Original völlig unkenntlich Löschen Sie Ihre Proben , falls erforderlich. Wenn Sie unbedingt ein urheberrechtlich geschütztes Muster benötigen, befolgen Sie die entsprechenden Schritte, um es zu löschen. Kenne das Gesetz Machen Sie sich mit den Urheberrechtsregeln in Ihrer Region vertraut. Begriffe wie Fair Use je nach Wohnort unterschiedlich ausgelegt . Bewahren Sie Aufzeichnungen auf. Sie die Dokumentation für jedes Exemplar auf, einschließlich des Fundorts und der Lizenzbedingungen. Und um extrem sicher zu sein, erstellen Sie Ihre eigenen Inhalte, nehmen Sie Ihre eigenen Sounds auf oder entwerfen Sie sie und integrieren Sie sie dann in Ihre Tracks, um die ultimative kreative und legale Freiheit zu genießen. Zu guter Letzt finden Sie hier einige nützliche Ressourcen. Zum Löschen von Samples würde ich daher empfehlen, Tracklib zu verwenden Der eigentliche Prozess des Löschens einer Probe ist sehr langwierig und kann ziemlich teuer sein Daher würde ich nur empfehlen Tracklib für vorab gelöschte Musik zum Sampling Sie für kostenlose und lizenzfreie Samples Lubrien, Verwenden Sie für kostenlose und lizenzfreie Samples Lubrien, Splice, Somatics Was ist mit Ghost Tack, Vandalism, all diesen Probenpaketen, für die Sie bezahlen können, und sie werden mit einer lizenzfreien Lizenz geliefert Sie dann für gemeinfreie Websites wie archive.org, Verwenden Sie dann für gemeinfreie Websites wie archive.org, uSUpen und PD info oder Public Domain Info 21. Anordnungsstruktur: Bevor wir uns damit befassen, den Beat endgültig zu arrangieren, ist es wichtig zu wissen, was die einzelnen Teile eines Tracks sind Jeder Track besteht aus verschiedenen Abschnitten, die helfen, eine Geschichte zu erzählen und den Zuhörer bei der Stange zu halten Lassen Sie uns sie also aufschlüsseln. Also zuerst haben wir das Intro. Das Intro ist ganz am Anfang deines Tracks und es ist wie der erste Eindruck Das Intro stellt die Stimmung und den Vibe vor und gibt dem Zuhörer einen Vorgeschmack auf das, was Das Intro ist also normalerweise ziemlich kurz. Es sind ungefähr vier bis 16 Takte. Es mag eine einfache Melodie, Atmosphäre oder vielleicht nur einen Rhythmus haben , der den Ton angibt, und sehr oft wird es hier kein Schlagzeug oder irgendein vollständiges Arrangement Es weckt einfach Vorfreude. Der Zweck des Intros ist es, Aufmerksamkeit zu erregen und den Zuhörer auf das vorzubereiten, was Oft enthalten Intros nicht die Hauptelemente des Songs, aber sie deuten darauf hin oder führen einen wichtigen Teil des Sounds ein , wie vielleicht eine Hauptmelodie oder eine Hauptakkordfolge oder eine Während wir die Songstruktur durchgehen, habe ich ein Beispiel aus einer Fallstudie beigefügt Das ist ein Track, den ich vor Jahren mit einem kleinen Indie-Rapper gemacht habe einem kleinen Indie-Rapper , der seine Texte im Takt hören wollte Es ist nichts Besonderes, aber es gibt eine Vorstellung von der Songstruktur Etwas Dill ist da drüben. Die Macht des Traums, meine Damen und Herren. Er taggt Dream Chaser. G. Als Nächstes haben wir den Vers. In der Strophe werden also die Hauptideen oder Themen Ihres Tracks vorgestellt. Bei Liedern mit Liedtexten fängt der Künstler an, über die Geschichte oder die Botschaft zu singen oder zu rappen. Die Strophe kann also kurz oder lang sein, oft acht bis 32 Takte. Normalerweise kommt es nach dem Intro. Es hat etwas mehr musikalische Entwicklung als das Intro, bei dem vielleicht Schlagzeug und Bass und mehr Instrumente beteiligt sind, und die Melodie hier entwickelt oft das Thema des Tracks Sein Zweck ist es, dem Song einen Kontext zu geben und den Grundstein zu legen, bevor der einprägsame Teil kommt, der Refrain oder der Hook In einem instrumentalen Beat werden Sie hier den Rhythmus, die Textur und die Stimmung festlegen Textur und die Stimmung Black Morrow. Glasklar, tauche raus, setz dich auf die Leine Stell dir Sorgen vor, genau wie Charlie Sheep. Das ist die Macht des Traums in deiner Villa, Scarface. Wie die Fackel, du willst den Ort. Meine Tasche wird nicht in Bedrängnis gebracht. Ich danke dem Vater für sein Grab am Abend. Es ist ein bisschen Sya Northwest Mayo. Ich versuche es schnell in dem Polo. Ich schreit raus. Yolo auf der Bank raucht und rollt. Ich dachte, du wärst der Boss mit dem Hoodie. Du hast geschrien, hat mich jemand geliebt? Nein, sie sind gnadenlos und wir sehen uns als Nächstes, wir haben den Refrain, den Hook oder den eingängigen Teil Der Refrain oder was manchmal auch der Hook genannt wird, ist ein Teil des Tracks , der mehrfach wiederholt wird und normalerweise am einprägsamsten ist Es ist der Teil, bei dem die Zuhörer leicht mitsingen können oder der in ihren Köpfen stecken bleibt Das ist also normalerweise genauso lang oder kürzer als die Strophen, also etwa acht bis 16 Takte Es ist normalerweise lauter, energischer und enthält eine einprägsame Melodie oder eine Art lyrischer Es ist oft der Teil des Songs, der wiederholt wird, entweder wörtlich oder mit geringfügigen Variationen. Wenn Sie einen Teil des Songs hören, der sich anfühlt, als ob er der Hauptpunkt des Tracks ist, dann ist es wahrscheinlich der Der Refrain macht deinen Song oder Beat unvergesslich und verleiht Energie Es wird oft verwendet, um die Botschaft des Songs so zusammenzufassen , dass er einprägsam und wirkungsvoll ist P.O. LTD. P.O. LTD. PO. TD. Leistung. Von dem Traum. Geh, um die Macht des Traums zu haben. Hui. Gut sättigend, Baby. Was? Vers zwei ist also die zweite Wiederholung deiner Strophe. Ihre Aufgabe besteht darin, die Geschichte, das Thema oder den Rhythmus, der in Vers eins eingeführt wurde, fortzusetzen , jedoch mit einigen Variationen Dadurch bewegt sich der Track vorwärts und verhindert, dass er sich statisch anfühlt. Längsrichtung ist es also normalerweise genauso lang oder kürzer als das erste, etwa acht bis 32 Takte Es hat normalerweise dieselbe musikalische Idee wie die erste Strophe, aber mehr Elemente, um es interessant zu halten Vielleicht fügst du eine melodische Variation hinzu. Sie könnten die Melodie oder den Rhythmus in der zweiten Strophe ändern , um die Dinge interessanter zu Es gibt fast immer lyrische Änderungen. Wenn dein Track also Liedtexte enthält, bringt Vers zwei oft neue Texte um die Erzählung voranzutreiben oder Tiefe zu verleihen Manchmal gibt es instrumentelle Änderungen. Sie können die Instrumentierung variieren indem Sie neue Elemente einführen, vielleicht das Hauptinstrument ändern, das Arrangement ändern oder die Effekte Die Idee ist, dass sich Vers zwei vertraut anfühlen sollte, aber sie sollte auch etwas Neues bieten und etwas Neues bieten , das sich aus der ersten Strophe weiterentwickelt hat Teig räuchern, als ob man Schnurrhaare macht wie an den Stränden von Navita, im Pool Mädchen, ich will sehen. Mit dem Roy noch weiter cruisen. Es ist Phantom, ja. Goldene Kleidung Gooch. Du bist ein Mädchen Smoogy Smook JM Stell dir dein Leben vor. Als wäre es ein Film. Filmregisseur, Malcolm Dee. Flies und Jess. Musik wird berühmt , dieser Lebensstil. Wird gefährlich. Diese Träume sind allerdings ansteckend. Folge Träumen, Ehrgeiz. Verfolge sie. Auftrag. Schlag sie hart. Kollision. Ich hasse sie. Entschlossenheit. Du siehst dich. Als Nächstes haben wir auch einen Chor. Der zweite Refrain ist also die zweite Wiederholung Ihres ersten Refrains oder des Auch dies ist der einprägsamste Teil des Tracks. Der Zweck eines zweiten Refrains besteht darin, die zentrale Botschaft oder Stimmung Ihres Songs zu verstärken 90% der Fälle ist er also in der Regel genauso lang oder länger als der erste Also acht bis 32 Takte. Und das liegt einfach daran, dass manchmal Refrain zwei das ist, worauf der gesamte Track hinarbeitet, da es normalerweise der letzte Refrain im Manchmal ist Refrain zwei ein buchstäbliches Kopieren und Einfügen von Refrain eins, oder es kann dieselbe Art von musikalischer Idee sein , aber aufregender Sie möchten, dass der zweite Refrain genauso hart ankommt wie Stellen Sie also sicher, dass die Melodie und der Rhythmus erkennbar bleiben Füge etwas Abwechslung hinzu. Denken Sie also geringfügige Variationen im zweiten Chor nach, z. B. das Hinzufügen weiterer Ebenen , das Hinzufügen neuer Instrumente oder die Verwendung von Harmonien, damit der zweite Chor viel größer und kraftvoller anfühlt größer und kraftvoller Der erste Refrain ist subtil oder eher gedämpft, dann kann der zweite Chor oft eine Gelegenheit sein, mehr Energie zu erzeugen, entweder durch die Wahl der Produktion oder durch Refrain zwei ist wichtig, um das Hauptthema deines Tracks hervorzuheben und es für den Hörer einprägsamer zu machen BO T D. BOT, D. BOT D. BOT D. BOT D. BOT D. BOT D. BOT D. Wir haben Die Brücke ist ein kurzer Abschnitt, einen Kontrast zum Rest der Strecke bietet. Es passiert normalerweise nach ein paar Strophen und Refrains, um dem Zuhörer etwas anderes zu bieten , bevor er zu den vertrauten Teilen zurückkehrt Es kann sich in Bezug auf Rhythmus, Melodie oder Instrumentierung von den Strophen und Refrains unterscheiden Bezug auf Rhythmus, Melodie oder Instrumentierung von den Strophen und Refrains Es ist normalerweise kurz, etwa acht bis 16 Takte. Es mag sich in Bezug auf Rhythmus, Melodie und Instrumentierung von den Strophen und Chören unterscheiden in Bezug auf Rhythmus, Melodie und Instrumentierung von den Strophen und Chören Es kommt normalerweise nach ein paar Refrains und vermittelt ein Gefühl von Veränderung Die Idee mit einer Brücke ist , die Dinge frisch und interessant zu halten und zu verhindern, dass sich der Track wiederholt. Sie können Emotionen oder Spannung hinzufügen, bevor die Hauptteile des Songs zurückbringen Manchmal kann die Brücke durch eine dritte Strophe ersetzt werden, wie in diesem Beispiel. Warmes Wetter. Du willst ein schwarzes. Du denkst groß. Du willst. Diese Träume geben dir eine Chance. Ein verdammter Ansturm. Wow. Es ist ein Licht. In LA Boga. Zweitens s. Mahony Meine Ein Reifenladen voller nackter Fliegen. Rindfleisch. Lass uns weitersehen. Gute große Träume. Lass uns gehen. Sei ich. Aber von Träumen. Da drin. Und dann haben wir das Outro. Das ist das Ende der Strecke. Es fasst alles zusammen und gibt dem Zuhörer ein Gefühl der Schließung Ist normalerweise ziemlich kurz, acht bis 16 Takte. Aber in einigen anderen Genres, wie vielleicht Drum 'n' Bass und Trap, kann es länger sein, etwa 32 Takte. Aber das ist normalerweise nur, um Dejas Zeit zu geben, diesen Track in einen anderen Track zu mischen Es ist oft ein langsames Ausblenden oder eine Reduzierung der Instrumente Das Outro wiederholt möglicherweise einige der früheren Teile wie den Hook oder eine vereinfachte Version der Strophe, und es ist der letzte Abschnitt, der dem Zuhörer ein Gefühl der Endgültigkeit Zuhörer ein Gefühl der Endgültigkeit Es könnte sich so anfühlen, als würde das Lied sanft zum Stillstand kommen oder in den Hintergrund treten . In dem Track, den ich gleich spielen werde, der Originaltext aus der ersten Strophe wiederverwendet, um ein Gefühl von Vertrautheit und Abschluss zu vermitteln Black Marvel, kristallklar. Job Jar nippt an einem Blatt. Stellen Sie sich vor, Sie brüllen wie Charlie Sheep. Das ist die Macht des Traums. Wer Also, bevor wir zurück zur Daw springen, wollte ich nur ein paar kleine Beispiele für einige Strukturvorlagen geben Beispiele für einige Strukturvorlagen Diese Grundstruktur ist also eine, die für die meisten Songs und die meisten Beats funktioniert, einschließlich Trap, Hip Hop, Drill und vielen anderen Genres Es beginnt mit einem Intro, das den Track startet und die Stimmung bestimmt Dann bekommen wir eine Strophe, die das musikalische Thema entwickelt und etwas Platz für den Rhythmus und die Melodie gibt , einen Refrain oder einen Hook, einen Refrain oder einen Hook, und einprägsamsten Teil des Tracks, eine weitere Strophe hält die Entwicklung am Laufen, dann ein weiterer Refrain oder Hook, um den dann ein weiterer Refrain oder Hook Kern des Tracks zu verstärken, und ein Outtro, das den Track beendet, indem er die Dinge ausblendet oder die Dinge auf den Punkt bringt schließen. Dann haben wir eine doppelte Struktur, was gut für einen Song ist, der mehr Strophen benötigt , wie einen Rap-Song oder einen Beat mit viel lyrischem Inhalt Das beginnt mit einem Intro. Es wird zwei Wiederholungen einer Strophe haben, dann einen Refrain, dann zwei Wiederholungen einer Strophe, einen weiteren Refrain Aber die Struktur ist wirklich nicht so kompliziert. Wenn Sie nur diese drei einfachen Regeln befolgen, können Sie alles tun, was Sie wollen. Regel eins ist, immer eine Art Intro zu verwenden. Auch wenn das nur ein bis zwei Balken eines umgekehrten Symbols oder so sind, einfach darauf, dass etwas den Track einleitet Habe immer mindestens einen Refrain. Du brauchst also nicht zwei oder drei Refrains, aber du brauchst etwas, auf das der Track hinarbeitet aber du brauchst etwas, auf das der Track hinarbeitet Sie können einen Track haben, der 10 Minuten lang ist, wobei 9 Minuten davon eine Anhäufung von nur einem großen Refrain Und zu guter Letzt sollten Sie versuchen, Abschnitte nicht öfter als zweimal zu wiederholen. zum Beispiel nicht so etwas wie Intro, Strophe, Strophe, Strophe, Refrain, Refrain, Strophe, Strophe, Refrain, Strophe , Refrain-Outtro Beschränken Sie es auf maximal zwei. Also Intro, Strophe, Refrain, erste Strophe, Refrain, Chor , Man muss auch nicht immer mit einem Outtro enden . Manche Songs enden nach dem letzten Refrain, und dein Intro muss nicht immer in eine Strophe übergehen Manche Intros gehen direkt in den Refrain über. Und manchmal ist das Intro der Refrain, nur eine sehr reduzierte Version davon. 22. Hauptcharakter-Syndrom (Der Trick des Hauptelements): Schauen wir uns eine der effektivsten Techniken an, um Beats zu kreieren , die Ihren Zuhörern in Erinnerung bleiben, den Hauptelement-Trick Bei diesem Ansatz geht es darum, deinen gesamten Track zu identifizieren und ihn auf einem einzigen herausragenden Sound oder einer einzigen Idee aufzubauen deinen gesamten Track zu identifizieren und ihn auf einem einzigen herausragenden Sound oder Egal, ob das ein Sample, eine Melodie oder sogar ein rhythmischer Groove ist, dieses Hauptelement wird zum Anker, der alles zusammenhält Am Ende der Vorlesung wirst du nicht nur verstehen, wie du dein Hauptelement findest und hervorhebst, sondern auch, wie du deinen gesamten Beat danach strukturieren kannst, um eine maximale Wirkung zu Was ist also der Trick mit dem Hauptelement? Nun, es ist einfach, aber unglaublich mächtig, und es ist die Idee, deinen Track auf einen definierenden Sound oder eine musikalische Idee zu konzentrieren . Das heißt nicht , dass andere Teile deines Beats nicht wichtig sind. Das sind sie, aber das Hauptelement ist der Star der Show. Ihr Hauptelement könnte zum Beispiel ein Gesang sein, der ins Ohr geht, eine eindringliche Melodie, die vielleicht die Stimmung bestimmt, oder ein treibender Rhythmus , der den Beat am Laufen hält Dieses Konzept ist entscheidend dafür, dass deine Beats einprägsam, zusammenhängend und für die Zuhörer einfach sind, Es ist das, was deinem Track seine Identität verleiht. Lassen Sie uns darüber sprechen, warum das so gut funktioniert. In einer Welt, in der die Zuhörer von Musik überflutet werden , sticht Einfachheit hervor Ein einziges starkes Element macht deinen Beat sofort erkennbar Denke an die kultigsten Tracks, die du kennst. Wahrscheinlich haben sie ein definierendes Merkmal. Zum Beispiel das Daft Punk-Gesangssample in Kanye Wests Stronger oder die Klaviermelodie und Bassline in Doktor Dre's Stronger oder die Klaviermelodie und Bassline in sich auf eine zentrale Idee konzentrieren, können Sie außerdem schneller und mit weniger Risiko, die Dinge zu verkomplizieren, einen kompletten Track erstellen und mit Ein herausragendes Element gibt dir etwas, das du im Laufe eines Tracks weiterentwickeln und manipulieren kannst. So bleibst du frisch, ohne das Rad alle paar Takte neu erfinden zu müssen Rad alle paar Takte neu erfinden Das haben wir die ganze Zeit gemacht. Wir haben mit der Probe angefangen, und diese Probe wurde unser Hauptelement. Dann haben wir das Schlagzeug darum herum gebaut, wir haben eine Melodie darum herum gebaut, und diese Melodie ist ins Rampenlicht gerückt und hat dann den Beat bestimmt Und weil wir die Melodie verwendet haben, um die Akkorde zu bauen, haben wir letztendlich auch die Akkorde um dieses Sample herum gebaut die Akkorde um dieses Sample herum Alles, was ich jetzt versuche, ist, dem Prozess einen Namen zu geben und ihn so zu verfeinern, dass du ihn bewusst in jedem Beat verwenden kannst , dieses Konzept beherrschst, werden deine Tracks bewusster, zusammenhängender und Um also dein Hauptelement zu identifizieren, beginne mit dem, was hervorsticht beginne mit dem, was hervorsticht Welches Geräusch erregt Ihre Aufmerksamkeit, wenn Sie experimentieren Geräusch erregt Ihre Das ist oft dein Hauptelement. Vertraue auch deinen Instinkten. Wenn sich etwas aufregend oder einprägsam anfühlt, könnte das vielleicht das Hauptelement sein Wenn du zum Beispiel jemandem deinen Beat beschreiben müsstest, was würdest du als Erstes erwähnen? Was auch immer Sie erwähnen, ist wahrscheinlich Ihr Hauptelement. Es könnte eine Melodie sein, die du spielst, ein Sound, den du in einem Synthesizer optimierst, oder sogar etwas Unerwartetes wie eine Zufallsstichprobe Sobald du das Hauptelement identifiziert hast, der nächste Schritt darin, den Beat darauf aufzubauen Fügen Sie Elemente hinzu, die das Hauptelement ergänzen , ohne es zu überschatten Wenn Ihr Hauptelement beispielsweise ein Gesangssample ist, verwenden Sie etwas leichtes Schlagzeug oder vielleicht ein paar sanfte Akkorde Verwenden Sie dann Abschnitte wie eine gekürzte Strophe oder eine Aufschlüsselung, um dem Hauptelement etwas mehr Wirkung zu verleihen, wenn es endlich zurückkehrt eine Aufschlüsselung, um dem Hauptelement etwas mehr Wirkung zu verleihen , wenn es Verwenden Sie Reverb oder Delay oder sogar einige kreative Filter, um Ihre Hauptelemente noch besser hervorzuheben, und achten Sie immer darauf, Ihr Hauptelement in wichtigen Momenten zurückzubringen , aber Sie wissen schon, fügen Sie kleine Variationen hinzu, um es frisch zu halten Selbst bei einem so einfachen Trick gibt es Fehler, auf die man achten muss Also der erste da, lass nicht zu, dass andere Sounds dein Hauptelement überschatten Es sollte immer im Mittelpunkt stehen. Aber damit willst du die Wiederholung variieren. Wenn Ihr Hauptelement also während des gesamten Tracks gleich bleibt , kann es langweilig werden Füge subtile Änderungen hinzu, um es im Laufe der Zeit weiterzuentwickeln. Einfachheit ist hier der Schlüssel. Lassen Sie also Ihr Hauptelement erstrahlen ohne dass es zu überladen ist Und achte darauf, Spannung und Entspannung aufzubauen, indem die Präsenz des Hauptelements in den verschiedenen Bereichen variierst Hauptelements in den verschiedenen Bereichen Schauen wir uns also einfach ein kurzes Beispiel aus einem anderen Track an , den ich mit dem Rapper gemacht habe, über den ich zuvor gesprochen bei dem das Hauptelement ein Klavier ist Es wiederholt sich mit einigen leichten Variationen, und die anderen Elemente bauen darauf anstatt um Aufmerksamkeit zu kämpfen Ich flippe fast in F aus, wenn ich in diesem OssoyceGold Crone fahre. Du hast erwähnt, dass du bis zu den Docks aussiehst wie du in Rom, gute Ketten auf den Booten glühen und du fühlst dich, als ob Du hast verloren. Das ist Mats, der größte Boss. Du trägst das Diamant-Gold-Kreuz und fühlst dich wie die irische Version von Rick Rose. Sollen wir nicht mit dieser rollenden Stimme sprechen. Krähen Sie schreiend. Warte , bis du deine Stimme hörst Sie haben das Gefühl, die richtige Wahl getroffen zu haben. Voller Aufregung. Dank der Freude mit Hingabe wirst du niemals fallen Block A hasst uns, wie Trump-Konstrukteur Ball, Ziele verfolgt. Steh aufrecht. Verfolge sie in ihren Träumen. Gewinnen Sie mehr. Goldzitze am Tatort in dem Turm, alles cremefarben Das ist die Macht des Traums. Das nennt man Millionärstraum. Sagen wir mal, wenn du füllst. Sagen wir mal, wenn du füllst. Sagen wir mal, wenn du füllst Jetzt sorgen Sie dafür, dass sie wie ein N im Lot bei den Ehrlichen sind, fühlen sie sich wie ein Frosch, nicht wie ein Zuhause Steig in dem schwarzen Anzug aus dem Auto. 23. Grundlegendes Anordnen mit Markern: wir nun wissen, wie ein Track strukturiert sein sollte, wir diesen Beat mithilfe von Markern in FL Studio strukturieren . Markierungen eignen sich hervorragend, um deine Ideen zu organisieren, Übergänge zu erstellen und deinen Track reibungslos fließen zu lassen. Im Moment ist das also nur eine grundlegende Vorstellung davon, wohin der Track meiner Meinung nach führen soll. Es geht hauptsächlich nur darum, die Struktur des Beats zu visualisieren , sodass wir Übergänge planen und das Arrangement darauf aufbauen können . Schauen wir uns also kurz an, was wir bis jetzt haben, und danach werden wir einige Markierungen setzen, um eine allgemeine Vorstellung von der Anordnung des Beats zu bekommen. Also ich mag die allgemeine Regelung bis jetzt. Mir gefällt, dass wir das Sample im Intro verwenden, und ich möchte, dass es irgendwie ausgeblendet wird, wenn die Hauptmelodie reinkommt Und dann möchte ich zu dieser Instrumental- oder vielleicht Chor-Sektion übergehen Instrumental- oder vielleicht Chor-Sektion Und dann weiß ich, dass ich möchte die Strophe danach kommt Fügen wir also zuerst diese drei Markierungen hinzu. also auf einem Mac Wenn Sie also auf einem Mac Command und T drücken, müssen Sie zunächst Ihren Abspielkopf an die Stelle bewegen, an Sie die Markierung platzieren möchten Ich möchte also eine Markierung am Anfang der Playlist haben. Auf einem Mac drücke ich Command und T oder auf einem Windows könnte es LdT oder Control sein, ich bin mir nicht sicher Aber einer von denen wird es wahrscheinlich tun. Und wenn wir darauf doppelklicken, wird der gesamte Abschnitt hervorgehoben, sodass Sie ihn wiederholen können. Im Moment habe ich keine anderen Abschnitte, also denkt es, ich möchte den ganzen Song loopen. Aber das zeige ich dir nochmal, wenn wir mehr Marker haben. Lassen Sie uns das vorerst einfach umbenennen , mit der rechten Maustaste darauf klicken, und wir können es in Intro umbenennen Dann fügen wir eine weitere Markierung hinzu. Also hier, und wir nennen das Hook. Und die andere Markierung, die ich jetzt hinzufügen möchte, ist hier ein Vers. Vers eins. Also nochmal, nur zum Beispiel, wenn ich hier auf Hook doppelklicke, wird der Hook für mich hervorgehoben, sodass ich ihn schleifen und einfach bearbeiten kann. Also werde ich jetzt eine grundlegende Struktur für den Track planen. Also ich weiß, dass ich möchte, dass das ein Vers ist. Also, was ich tun werde, ist , das auszuweiten. Um vielleicht 16 Takte. Eine Bar in FL Studio besteht hier nur aus diesen beiden dicken Linien. Aber normalerweise kennst du eine Bar aufgrund dieser zwei verschiedenen Farben. Wir haben also Hellgrau und Dunkelgrau. Und innerhalb jeder dieser Farben wird es 4 Balken geben. Wir haben also 1 Balken, 2 Balken, 3 Balken, 4 Balken, 1 Takt, zwei Takte, 3 Balken, 4 Balken und vier mal vier ist 16. Also vier dieser verschiedenen Farben, wir geben dir 16 Balken. Also, wenn wir uns diese Strophe nur eine Sekunde lang anhören, möchte ich nur über etwas sprechen, während es gespielt wird. Normalerweise passiert also alle 8 Takte etwas anderes. Im Moment ist es also genau dasselbe. Und es wiederholt sich wirklich, wirklich. Wenn sich dieses Muster nur 16 Takte lang wiederholen würde, würde es wirklich, wirklich stagnieren Also im Grunde möchte ich ab jetzt etwas anderes machen ab jetzt etwas anderes Ich möchte entweder etwas hinzufügen oder es nur ein bisschen interessanter machen. Und ich denke darüber weil wir nach unserer Strophe zu einem Hook-Abschnitt zurückkehren werden . Ich weiß, dass die Hauptmelodie wieder reinkommt, und ich weiß, dass die Hauptmelodie auf diesem Beispiel basiert Ich denke also, wenn ich dieses Beispiel einfach kopiere und einfüge, wird es irgendwie auf die Hauptmelodie hinweisen , bevor wir wieder darauf zurückkommen Also für diesen Teil möchte ich nicht wirklich, dass er ausgeblendet wird. Also werde ich das Fade loswerden. Und dann wird dieser Abschnitt ein weiterer Hook sein. Also kopiere ich das einfach und füge es ein . Mal sehen, wie sich das anhört. Nach diesem zweiten Hook können wir also eine weitere Strophe hinzufügen. Fügen wir also Ups hinzu. Lassen Sie uns zuerst hinzufügen. Zu. Und was wir wieder tun können, ist vielleicht zu kopieren und einzufügen, was wir für den ersten haben. Aber normalerweise fügen wir in Vers zwei etwas hinzu oder erstellen etwas oder ändern etwas , um es ein bisschen anders zu machen. Wir wollen kein echtes Kopieren und Einfügen, aber im Moment machen wir uns darüber keine Sorgen. Wir sorgen uns nur darum eine erste Struktur auf der Strecke zu bekommen. Und wenn wir dann wissen wie der Track angeordnet sein soll , , wie der Track angeordnet sein soll , können wir anfangen , uns Dinge wie Übergänge anzusehen und vielleicht Dinge hinzuzufügen, Dinge wie Übergänge anzusehen und vielleicht Dinge Dinge wegzunehmen, diesen zweiten Hook etwas voller zu machen als den ersten, und dann, du weißt schon, Strophe zwei variieren. Um der Argumentation willen könnten wir also in Vers zwei das Arp einbauen, das wir zuvor gemacht Ähm, ich habe es gerade gelöscht, weil ich kein großer Fan war, aber wir können es hinzufügen, nur um zu zeigen, dass wir in Vers zwei etwas anderes wollen Und dann wird es natürlich wahrscheinlich in einen anderen Hook-Bereich gehen, also füge ich einfach ganz schnell einen hinzu. Sie können auch mit der rechten Maustaste auf die Marker-Zeitleiste klicken , um eine weitere Markierung hinzuzufügen. Und vielleicht, weil dies der dritte Hook ist, diese App vielleicht weitergeführt. Nun, um ehrlich zu sein, glaube ich tatsächlich, dass die Arp mit der Melodie kollidiert Weißt du, dieser Ein-Element-Trick, den wir uns zuvor angesehen haben. Ich denke, die Arp nimmt uns irgendwie von unserem Hauptelement, der Melodie, Also werde ich in der endgültigen Version keine Arp haben . Das weiß ich Und ich werde wahrscheinlich am Ende die Arp in Vers zwei ändern Ich werde es vielleicht gar nicht benutzen. Ich könnte einfach etwas anderes benutzen. Aber ich möchte nur für mich und für euch hervorheben , ich nehme an, dass in Vers zwei etwas anderes passieren sollte , und dann soll dieser dritte Haken etwas voller sein als die anderen beiden Haken. Brückenabschnitt. Fügen wir also zum Beispiel eine Brücke hinzu. Und hier könnten wir vorerst einfach das Schlagzeug verwenden und es nur 8 Takte lang machen, einfach etwas Kurzes. Aber dieser Abschnitt wird etwas völlig anderes sein als , du weißt schon, die Melodie und die Idee die die ganze Zeit im Gange waren, nur um uns eine Pause zu gönnen, weil wir ihn ziemlich oft wiederholt haben Und wenn wir dann unsere kleine Pause mit acht Takten hier in unserer Brücke haben , gehen wir wieder in einen anderen Hook Und dieser Haken wird als letzter Haken der Strecke dienen. Also werde ich all meine Elemente einbringen , um zu zeigen, dass es ein Hook ist, aber ich möchte auch diesen Arp oder so etwas verwenden , nur um es ein bisschen voller zu machen Und ich denke auch, weil es der letzte Hook ist, könnten wir vielleicht dieses Gesangssample zu allem anderen hinzufügen, weil es sich irgendwie so anfühlt, als ob der Track auf , weil es sich irgendwie so anfühlt, als ob der Track diesen letzten Hook zusteuert, wo das Sample wieder reinkommt Und danach werden wir ein Outtro haben. Und wieder könnte das etwas Einfaches sein, vielleicht Schlagzeug und Bass Und dann enden wir. Dann schauen wir uns an, wie sich das anhört. Von vielleicht hier. Und weißt du was? Ich bin eigentlich kein großer Fan von einem Outro Ich denke, es ist vielleicht ein bisschen zu repetitiv. Weißt du, bei uns laufen Schlagzeug und Bass quasi den ganzen Song über durch Also werde ich das einfach löschen und wir werden diesen letzten Hook als unser Outro verwenden Also werde ich das nur ein bisschen erweitern um uns einen kleinen leeren Clip für das Otro zu geben , nur damit FL Studio es nicht gleich wieder abspielt und es uns ein bisschen wie das Outro gibt Jetzt haben wir also ganz klar ein grundlegendes Arrangement. Wir haben unser Intro , das nur das Beispiel ist. Die Melodie kommt rein, wenn die Samples ausgeblendet werden. Dann trifft uns der erste Haken. Dann fallen wir in einen Strophenabschnitt, wo es nur, du weißt schon, Schlagzeug und Bass und ein paar Pads sind. Das Sample kommt wieder rein als eine Art Aufbau in Richtung eines weiteren Hooks, der hier auftaucht. Nach diesem Hook haben wir Vers zwei, und in Vers zwei wird etwas anderes passieren Aber es folgt der gleichen Struktur, in der das Beispiel ins Spiel kommt Um auf den Haken hinzuweisen, kommt der Haken wieder ins Spiel. Aber dieses Mal ist es etwas mehr aufgebaut. Es klingt ein bisschen voller. Es wurden weitere Elemente hinzugefügt. Dann haben wir eine Brücke, die anders sein soll , um uns aus der Wiederholung herauszuholen, die vorher passiert ist, und dann gehen wir zu unserem letzten Hook über, um die Hauptidee des Tracks irgendwie zu bekräftigen, und dann endet der Track Wie ich bereits sagte, werden wir das natürlich weiterentwickeln Wir werden Übergänge und Effekte, Füllelemente und einfach, du weißt schon, andere Dinge hinzufügen , die diesen Track wirklich aufwerten können. Aber im Moment denke ich, dass das ein gutes Grundarrangement ist. Was ich jetzt tun werde, ist, dass ich für jeden, der Interesse hat, einfach das Ganze spielen werde. Damit Sie hören können, wie ein sehr einfaches und rohes Arrangement klingen könnte. Aber im Rest dieser Vorlesung gibt es nichts anderes , nur ein Durchspielen. Wenn Sie also nicht interessiert sind, können Sie weitermachen. Okay, Mm. 24. Loop-Variationen: In diesem Vortrag werden wir uns also darauf konzentrieren, dynamische Variationen eines Loops zu erstellen dynamische Variationen eines Loops , damit Ihre Tracks fesselnd bleiben. Wir werden drei separate Versionen erstellen: Less , Medium und mehr. Und wir werden die Komplexität und die Energie an die verschiedenen Teile des Arrangements anpassen . Der Grund, warum Sie verschiedene Varianten erstellen sollten , ist, dass ein statischer Loop schnell langweilig werden kann. Es ermöglicht auch, dass sich die Energie im Track auf natürliche Weise auf - und abbaut. Und zumindest können Sie den der Arrangements gerecht werden. Also verschiedene Abschnitte, weißt du, Introvers Hook. Sie benötigen unterschiedliche Energieniveaus. Also, okay, schauen wir uns an einige verschiedene Variationen des Schlagzeugs erstellen. Im Moment klingen unsere Trommeln also so. Sie sind ziemlich aufgebaut und haben ziemlich viel Energie. Also werde ich sie nehmen und klonen und das Ganze in Drums Less umbenennen. Dafür werde ich auf jeden Fall die Clap-Ebene löschen Ich denke, ein kleineres Klatschen lässt dieses Muster so klingen, als hätte es weniger Energie Das bedeutet also, dass auch diese beiden Ebenen gelöscht werden. Ich werde auch unseren High-Hat-Layer loswerden. Ich glaube nicht, dass wir das für die abgespeckte Version brauchen. Mal sehen, wie sich das anhört. Und ich könnte auch diese offenen Hüte am Anfang des Musters löschen . Jetzt sind wir also bei den Basics, der Kickdrum, einem einfachen Clap oder Snare, einem einfachen High-Hat-Pattern und nur etwas Perkussion übrig einem einfachen Clap oder Snare, einem einfachen High-Hat-Pattern und nur etwas Perkussion und nur etwas Also ich denke, das könnte zum Beispiel in den Strophenabschnitten gut funktionieren Also lasst uns weitermachen und sie einfach ersetzen. Und dann, um eine mittlere Version zu erstellen. Und der Grund, warum ich ein Medium erstelle, ist, dass ich denke, dass dieses Pattern quasi unser vollständiges Drum-Pattern ist. Da ist quasi alles drin, was wir brauchen. Es hat alle Schichten und all die zusätzliche Perkussion und die offenen Hüte und all das Also ich denke, das ist unsere Voll- oder Mehrversion. Also werde ich es erneut klonen und dieses eine Schlagzeug umbenennen. Mittel. Dafür fügen wir also zusätzliche Elemente hinzu. Also vielleicht werde ich die Hauptklatschebene loswerden, aber ich behalte die Tasten, den Foley-Sound, den natürlichen Sound, den wir beim ersten Klatschen und beim letzten Klatschen hinzugefügt hatten beim ersten Klatschen und beim letzten Klatschen hinzugefügt Und vielleicht werde ich auch diesen High Hat Layer loswerden. Das könnte jetzt also unser Medium Drum Pattern sein. Also das könnte in, du weißt schon, Aufbauabschnitten wie diesem und vielleicht hier funktionieren Aufbauabschnitten wie diesem und vielleicht hier Also, um vielleicht dasselbe mit den Kabeln zu machen, schauen wir uns diese an Ich denke, diese Wörter wären die mittlere Version. Also, hoppla, ich habe das Schlagzeug nie umbenannt. Also das ist eigentlich eher Schlagzeug. Aber zurück zu den Kabeln, ich werde die Schnüre jetzt in Cords Medium umbenennen Und dann werde ich sie klonen. Und das können auch weniger Kabel sein. Und ich werde einfach diese beiden Schichten loswerden diese beiden Schichten loswerden Jetzt bleibt uns nur noch das originale Klavier übrig. Und das könnte vielleicht irgendwo im zweiten Aufbau funktionieren , sodass es auf die Schnüre oder das Schnurmuster hindeutet , das im Haken vorkommt Aber Sie werden feststellen, dass es nicht so voll ist wie die Schnüre, die wir für den Haken verwenden, das sind die mittelgroßen Schnüre. Und dann, um eine weitere Version zu erstellen, würde ich unsere mittelgroßen Kabel erneut klonen und sie in Cords More umbenennen Und was ich tun werde, ist, unser Schnurmuster zu kopieren Ich werde einen neuen Synthesizer hinzufügen und sie einfügen, um eine neue Ebene zu erstellen Und diese Schicht wird so etwas wie ein Super-Sau sein, etwas wirklich, du weißt schon, energiereiches und volles Zeug Nein. Nein, ich bin kein großer Fan von all diesen. Vielleicht probieren wir etwas von vielleicht melodischem Techno aus. Mal sehen, was wir hier drin haben. Also das wäre die perfekte Idee, die ich anstrebe, aber da wird ein LFO automatisiert, also ist es ein bisschen zu voll für das, was ich suche. Also werde ich weitermachen Also gut. Also vielleicht so etwas , um ein bisschen mehr Spannung und ein bisschen mehr High-End hinzuzufügen , und vielleicht lege ich das in unseren zweiten und unseren dritten Hook Und dann als letztes Beispiel, was wir mit der Melodie machen können, um eine weniger Version zu erstellen Lassen Sie mich das einfach klonen und wir benennen sie um, wenn es mir Benennen Sie Melody Less um. Was wir tun können, ist zunächst unsere Ebene zu löschen Aber wir können auch reinkommen und vielleicht können wir die Melodie ein bisschen bearbeiten Also könnten wir so etwas wie all die langen Noten nehmen und all die kurzen Noten loswerden , um zu sehen, wie das klingt Vielleicht so etwas, nur um einen Hinweis auf die Hauptmelodie zu geben einen Hinweis auf die Hauptmelodie zu Und weißt du, nochmal, du kannst das irgendwie in einem Aufbauabschnitt verwenden, vielleicht irgendwo auf der Brücke, die zum letzten Haken führt Nun, persönlich gibt es ein paar Sounds innerhalb des Tracks, mit denen ich nicht zufrieden bin. Und eine davon ist die Akkordschicht, die wir gerade in dieser Vorlesung hinzugefügt Ich bin mir bewusst , dass ich zu viel Zeit damit verbringe , nach verschiedenen Presets zu suchen, also neige ich dazu, eines auszuwählen, aber ich werde zurückgehen und einige der Presets ändern, kann ich mir vorstellen Und ich werde wahrscheinlich auch einige der Drumsounds ändern. Aber der Kern des Tracks ist immer noch da. Ich werde nur die Voreinstellungen ändern. Wie Sie sehen können, ist das Erstellen verschiedener Variationen Ihrer ursprünglichen Loops eine hervorragende Möglichkeit, die Energie im Track auf natürliche Weise fließen zu lassen 25. Subtrahieren und Füllen (Übergänge Teil 1): In dieser Vorlesung konzentrieren wir uns darauf, wie man sanfte und wirkungsvolle Übergänge erzeugt Eine ziemlich zentrale und grundlegende Übergangstechnik wäre es also grundlegende Übergangstechnik wäre es vor dem Drop Stille einzufügen Und im Grunde bedeutet das, etwas wegzunehmen , bevor du etwas hinzufügst. Hier können wir zum Beispiel, bevor wir unser Sample und die Akkordschicht hinzufügen, bevor wir unser Sample und die Akkordschicht hinzufügen, einige der Trommeln wegnehmen und vielleicht einen Teil des Arps Und das ist an sich schon ein einfacher Übergang. Oder wir könnten hier die Trommeln variieren, um eine Trommelfüllung zu erzeugen. Wenn ich dieses Muster also einzigartig mache, wird es geklont. Und jetzt können wir darauf eingehen. Das ist jetzt ein anderes Muster als bei diesen drei Trommeln, und wir können am Ende eine Art Füllung machen. Vielleicht machen wir einen T-Balken. Vielleicht so etwas. Zu. Oder wir können etwas wirklich Cooles machen, nämlich die hohe Hutrolle durch eine Kick-Roll zu ersetzen. Also lösche ich das Klatschen für eine Sekunde und ziehe ein paar Extra-Kicks rein Wir werden es in unserer Pianorolle öffnen. Und vielleicht werden wir nur für den letzten Abschnitt hier einen kleinen Kick Roll kreieren. Ich passe mein Raster-Snaping auf einen halben Schritt an. Und mir ist auch aufgefallen , dass einige der Geschwindigkeiten irgendwie unterschiedlich sind, also werde ich einfach all diese Tritte hervorheben, und das sollte ein Kick-Roll sein Wir könnten hier am Ende sogar noch ein bisschen weiter gehen und vielleicht noch einmal duplizieren und noch kleiner werden Also setze ich es auf Viertelschritt und wir werden diese duplizieren. Also das klingt so. Aber das funktioniert wirklich gut, wenn Sie dasselbe in der Basis tun . Okay? Also lass uns unser Kitum wieder öffnen. Es ist hier drüben. Wir kopieren die letzten paar Kick-Rolls und bringen sie in die Basis. Und am Ende hier, wo es auf der Note D steht, werde ich meine Kick-Rolls einfügen . Wir werden sie hier rüberbringen. Ich lösche das D und wir ersetzen es durch unseren Kick-Roll. Und ich muss dasselbe in der Ebene tun, die hier ist. Und ich lösche einfach die Pads , damit du es wirklich hören kannst. Du kannst aber auch Dinge wie spezielle Trommelfüllungen verwenden. Einige Sample-Packs enthalten also spezielle Trommelfüllungen, oder Sie können Ihre eigenen erstellen. Lass uns einfach versuchen, hier unsere eigenen mit einem Drum-Loop zu erstellen. Selbst wenn wir nur den ersten Teil davon nehmen würden, müssten wir ihn vielleicht an unser Tempo anpassen. Und wir werden sehen, wie sich das anhört. Es sieht so aus, als ob es ein bisschen schnell sein könnte. Nein, das ist in Ordnung. Sie können also etwas Einfaches wie dieses als Füllung verwenden. Und versuchen wir es zur Demonstration einfach mit einem anderen . Und damit können Sie es zum Beispiel in Ihrem Mixer öffnen und so manipulieren , dass es eher wie ein Übergang klingt. Um das zu tun, könnten wir einige dieser niedrigen Frequenzen entfernen , damit es etwas weiter weg klingt oder als ob es weniger Energie hat. Vielleicht können wir auch einige der Höhen loswerden um zu versuchen, einen Radioeffekt zu erzeugen Etwas in der Art. Und dann setzen wir vielleicht, ich weiß nicht, einen Chorus oder einen Flanger oder vielleicht einen Phaser oder so etwas drauf Versuchen wir es einfach mit einem Flanger. Und ich wähle etwas, das ich nicht weiß, den Möbelpacker . Lass uns sehen Vielleicht etwas mehr als das. Nein, ich bin kein großer Fan davon. Ich könnte das einfach ganz schnell durch den Chorus-Effekt ersetzen den Chorus-Effekt Ja, vielleicht so etwas, und wir könnten einfach ein bisschen Hall hinzufügen Ja, das klingt nicht gut. Es klingt ein bisschen fehl am Platz, aber die Idee ist, dass Sie ein Drum-Fill mit Drum-Loops oder speziellen Sample-Packs erstellen können mit Drum-Loops oder speziellen Sample-Packs , die Drum-Fills , die Drum-Fills enthalten, und das dann nehmen irgendeine Weise manipulieren können, um einen interessanten und anderen Übergang zu erzielen. Wir werden in der nächsten Vorlesung und in der darauffolgenden Vorlesung auf Übergänge zurückkommen . Das ist also technisch gesehen der erste Teil der Übergänge, einige grundlegende Übergänge vorgenommen werden. Aber mit etwas mehr Techniken und etwas mehr Wissen können wir wirklich einige cool klingende Übergänge schaffen 26. Kompositionseffekte (Übergänge Teil 2): In dieser Vorlesung werden wir uns mit Downliftern, Stößen Downliftern Sie können diese kreativ einsetzen nahtlose Übergänge zu schaffen, Spannung zu erzeugen und unvergessliche Gewinne zu erzielen Wir sind hier zum Beispiel am Ende von Vers zwei angelangt. Ja, ich komme in den Haken. Und ich habe gerade einen ziemlich großen Übergang geschaffen, indem die meisten Elemente weggenommen habe, bevor sie reinkommen. Und ich habe hier auch eine Trommelfüllung hinzugefügt , eine richtige Trommelfüllung, die ich in einem Musterpaket hatte. Also spiele ich das einfach für eine Sekunde. Also versuchen wir, etwas mehr Spannung aufzubauen , um diesen Übergang vorzubereiten, und diese Spannung dann wieder abzubauen, wenn wir in den Abgrund kommen. also zwei Möglichkeiten, die bei einem Sturz auftretenden Spannungen abzubauen , indem man Stöße und Downlifter einsetzt Schauen wir uns also einfach einige davon an. Also vielleicht nehmen wir zum Beispiel einfach einen und ich mache ihn irgendwie leise, damit es ein subtiler Effekt ist. Aber dann möchte ich, dass es etwas schneller verblasst. ich möchte ich, dass dann möchte ich, dass es etwas schneller verblasst. Und dann könnten wir das vielleicht mit einem Aufprall oder einem Subboom kombinieren. Also vielleicht hat dieses Einschlagsbeben eine große Wirkung. Und jetzt fügen wir ein Steigrohr , um uns auf diesen Übergang vorzubereiten Also werden wir zuerst eine dieser Steigleitungen verwenden . Vielleicht so etwas Und wenn Sie Steigleitungen verwenden, der beste Ort, an dem sie enden oder auch irgendwie aufsteigen ist der beste Ort, an dem sie enden oder auch irgendwie aufsteigen können, der Anfang Ihres Übergangs, nicht der Anfang des Abstiegs Und ich werde dir gleich zeigen , warum. Aber zuerst passe ich das an unser Tempo an und lass es uns in die Länge ziehen, und wir werden sehen, wie das klingt. also die Steigleitung beim Übergang beenden, Sie tatsächlich ein zusätzliches Maß an Spannung hinzu Es fühlt sich an, als ob alles irgendwie den Atem anhält und darauf wartet, dass dieser Tropfen reinkommt Wenn Sie während des Übergangs mit dem Steigrohr weitermachen würden, verlieren Sie den Effekt des Anhaltens des Atems Es ist also immer eine gute Idee , eine Art Lücke zwischen Steigrohr und Abstieg zu lassen Lücke zwischen Steigrohr und Abstieg Ich meine, Sie könnten sogar das Steigrohr bis zu dieser Trommelfüllung ansteigen lassen und die Trommelfüllung verwenden, um, Sie wissen schon, den Atem anzuhalten Aber ich persönlich glaube, ich bevorzuge es irgendwo hier wo dieser ganze Übergang bei dem alle Elemente wegfallen, ein bisschen mehr Spannung erzeugt Und um auf diesem Riser aufzubauen, können wir hier etwas verwenden, das man Tonumkehrungen nennt, und das sind quasi umgekehrte Halleffekte Sie haben eine Tonart, wie Sie sehen können, also haben wir die Tonart d-Moll Wir haben also eine, auf der D steht, aber ich weiß nicht, ob das D-Dur oder D-Moll ist. Also werde ich diesen nehmen und sehen, wie er sich anhört. Sie können diese also verwenden, um ein zusätzliches Maß an Spannung zu erzeugen. Oder was wir tun könnten, ist , unsere eigenen zu kreieren. Wenn du also merkst, dass das ziemlich cool klingt, aber die tatsächliche Textur klingt ein bisschen symphonisch Es passt nicht wirklich zum Gesamtsound des Tracks. Was wir also tun können, ist, einen von ihnen selbst zu kreieren, was als umgekehrter Hall bezeichnet wird Also, was ich tun werde, ist, alles zu übernehmen, was zur Umstellung führt Also vielleicht nur diese Elemente, und ich werde sie ins Nirgendwo bringen , wo viel Platz dahinter ist. Dann möchte ich nur sichergehen, dass es genau dort abschneidet , wo der Übergang beginnen soll. Und ich möchte auch sichergehen, dass FL Studio, wenn es abgespielt wird, FL Studio, wenn es abgespielt wird, hier geschnitten und wieder im Loop wiedergegeben wird, aber ich möchte einen großen, langen Hallschwanz erzeugen Also werde ich eines dieser Elemente nehmen, vielleicht die Pads, und ich werde sie einfach dort platzieren Jetzt läuft FL Studio also nicht wieder, wenn dieses Finish abgespielt wird. So können wir einen schönen Reverb-Tail kreieren. Also lass uns weitermachen und in unseren Master gehen und einen wahnsinnig großen Hall laden Also werde ich das feuchte oder das betroffene Signal ganz aufdrehen und ich werde das trockene Signal aufdrehen, das ist die ursprüngliche Art von Signal ohne Hall Ich werde das leiser stellen, weil ich einen wirklich übertriebenen, nassen Hallsound haben möchte einen wirklich übertriebenen, nassen Hallsound haben Dann könnte ich diese Art von Raum , in dem wir arbeiten, vergrößern diese Art von Raum , in dem wir arbeiten, Anstatt also einen kleinen Raum zu haben, klingt er viel größer und breiter. Und die wahre Magie kommt aus dieser Zerfallszeit. Das ist also im Grunde genommen ein Hinweis auf den Hall. Im Moment ist es so eingestellt, dass du 1,5 Sekunden sehen kannst Nach 1,5 Sekunden ist der Hall also wieder komplett leise. Also ich möchte, dass das ziemlich lang und übertrieben ist. Und vielleicht werde ich die Trommeln einfach los. Ich glaube, ich will nur melodische Elemente. Vielleicht auch der Bass. Und wir werden das gleich lauter machen. Und was wir jetzt tun werden, ist vielleicht von hier aus hervorzuheben , gerade genug, um diesen Übergang irgendwie zu integrieren. Ich gebe große, lange 8 Takte , um den Hall irgendwie aussterben zu lassen Und dann kann ich hochkommen und eine Wave-Datei exportieren Und ich nenne das einfach zum Beispiel Reverse Reverb. Jetzt kann ich diese also wieder löschen , weil ich sie nicht benötige. Ich kann diesen Hall loswerden und wir können das Audio importieren, das wir gerade exportiert Okay, ich habe das jetzt importiert. Es ist ziemlich einfach zu importieren. Sie öffnen einfach Ihr Finder-Fenster oder Ihre Dokumente oder wo auch immer Sie das gerendert haben, und ziehen es einfach hinein. Aber ich konnte es ein paar Minuten lang nicht finden, also habe ich es einfach hierher gezogen, wo wir es hineingezogen haben Also wie dem auch sei, das sind unsere Reverbs, nun ja. Aber die wahre Magie liegt darin, es auch zu schneiden. Wenn wir uns erinnern, haben unsere Instrumente hier gespielt, und dann ungefähr hier haben sie abgeschnitten und die Hallgeschichte beginnt Also wollen wir rausschneiden, wo die Instrumente spielen, und dann wollen wir das Reverb-Tale nehmen und es umkehren Hoppla, das ist, nachdem wir unsere Melodie wieder hinzugefügt haben. Also lass uns einfach einige davon löschen. Und jetzt haben wir einen schönen Reverse-Reverb-Swell. Das ist also ziemlich cool. Aber eine andere Sache, die ich schon einmal gemacht habe, ist es hierher zu stellen und es kürzer zu machen, vielleicht nicht so kurz, vielleicht ungefähr so. Wir werden es verblassen. Wir halten immer noch den Atem an, aber das führt uns nur zum Absinken. Und was ich vorher gemacht habe, ist, dass ich das verzerrt habe. Also lass es uns einfach für eine Sekunde verzerren. Und hoffentlich klingt das nicht so schlecht . Definitiv zu viel. Und eine letzte Sache, über die man sprechen sollte, sind Uplifter. Wir haben also Downlifter. Also, dieses Rudel scheint keine zu haben, es sei denn, sie sind hier drin Mm. Irgendwie. Das könnte tatsächlich besser als Trittschall funktionieren. Also werde ich vielleicht unseren Effekt durch diesen ersetzen. Aber ja, es gibt auch so etwas wie Uplifter Wir haben also Downlifter, die wie weißes Rauschen nach unten fegen, um die Spannung zu verringern Aber wenn wir einen von diesen nehmen und ihn umkehren, sollten wir in der Lage sein, einen Uplifter zu bauen, der im Grunde nur ein Downlifter ist , im Grunde nur ein Downlifter ist , Versuchen wir also, das hinzuzufügen. Und jetzt ist das nicht mit meiner Taktlinie synchronisiert . Ich werde mich einfach sehr schnell an das Tempo anpassen. Jetzt haben wir also ein Steigrohr mit einem Uplifter übereinander gelegt. Jetzt kommen wir in einen Übergangsbereich, in dem wir einige Elemente weggenommen haben und dann die Trommelfüllung verwendet haben, um uns in den Haken zu bringen Zusammen mit diesem Hall-Swell haben wir einen Impact und einen Downlifter Okay, in diesem Vortrag ging es also um Downlifter, Uplifter, Riser, all diese Effekte vom um Downlifter, Uplifter, Riser, all diese Effekte vom Typ Übergang. Also das waren im Grunde Übergänge, Teil zwei. In der nächsten Vorlesung werden wir uns mit Automatisierung befassen. Und mit Automatisierung können wir diesen Übergang noch besser machen. 27. Automatisierung (Übergänge Teil 3): Automatisierung ist eine geheime Zutat, die dafür sorgt, dass sich deine Tracks dynamisch und lebendig anfühlen. Wir werden uns darauf konzentrieren, mithilfe von Automatisierung Bewegung, sich entwickelnde Effekte und sanfte Übergänge zu erzeugen , um deine Musik auf das nächste Level zu heben Was ist also Automatisierung? Nun, die Automatisierung steuert, wie ein Parameter, wie zum Beispiel deine Lautstärke oder dein Panning, verändert, wie sich dieser Parameter im Laufe der Zeit oder während des gesamten Tracks ändert Laufe der Zeit oder während des gesamten Tracks So können wir ihn verwenden, um Dynamik und Variation hinzuzufügen. Wir können einige sanfte und professionell klingende Übergänge erzeugen und wir können damit Effekte automatisieren, um sie auf verschiedenen Instrumenten ein - und auszuschalten oder um sie im Laufe der Zeit zu erhöhen oder zu verringern Also, ganz am Anfang hier, wo ich das Hauptsample ausblende und die Melodie reinkommt, fängt die Melodie einfach sofort an, aber ich möchte, dass sie eingeblendet wird aber ich möchte, dass sie Wenn ich also meine Melodiespur öffne und auf den Lautstärkeregler stoße, klicke mit der rechten Maustaste auf Jetzt wurde der Playlist ein Automationsclip hinzugefügt. Wenn wir also nach oben zoomen, können Sie sehen, dass es hier eine Keynote gibt. Und wenn Sie weitere Keynotes hinzufügen möchten , klicken Sie einfach mit der rechten Maustaste Eine Keynote ist also im Grunde der kleine Kreis auf dem Automationsclip über der Maus Und da sind die Teile, die Sie nach oben und unten ziehen können. Wenn wir also im Moment oben links nach oben schauen, wird uns das sagen, worauf es eingestellt ist, also ist es auf 41% eingestellt. Also werden wir auch diesen Wert auf etwa 41 setzen. Und wenn wir dann die linke Seite nach unten ziehen, sich die Lautstärke dieses erhöht sich die Lautstärke dieses Instruments mit der Zeit. Da diese Melodie nun aus zwei Ebenen besteht, muss ich auch das zweite Instrument automatisieren Also lass uns das jetzt machen. Klicken Sie mit der rechten Maustaste auf Automationsclip erstellen. Auf was ist es eingestellt? Es ist auf 24, 23, 25, 24 eingestellt. Und jetzt sollte unsere Melodie verblassen während das Sample ausgeblendet wird Und ich denke, sie verblasst ein bisschen zu schnell, also werde ich die Kurve anpassen Sie können hier also sehen, dass, wenn ich die Kurve nach oben drehe, sie schneller verblasst, aber ich möchte, dass sie langsamer verblasst, also werde ich die Kurve nach unten drehen Und das Gleiche gilt für diesen hier. Sie können auch Dinge wie Effekte automatisieren. Das ist zum Beispiel auf Track sechs eingestellt. Laden wir hier also einfach einen schnellen Effekt hoch. Vielleicht bleibe ich vorerst bei den FL Studio-Standardeffekten. Wenn wir also einen fruchtigen Liebesfilter aufladen , der im Grunde nur ein Hochpassfilter ist, werde ich den Cut-Off voll hochschalten und das automatisieren , sodass wir jetzt in unserem kleinen Aufbaubereich hier, wo das Sample in den Hook geht unserem kleinen Aufbaubereich hier, wo das Sample in den Hook geht, eine Keynote hinzufügen können , eine weitere hinzufügen, damit all die hohen Frequenzen irgendwie verschwinden, und wir filtern sie danach Hier, wie es irgendwie gedämpft ist. Mit der Zeit wird es klarer werden. Wo Automatisierung für Übergänge also wirklich praktisch ist, sagen wir, wir nehmen unseren Übergang, an dem wir gearbeitet haben. Wir haben ein Klavier davor, also werde ich das Klavier einer Mixer-Spur zuordnen. muss ich nichts wissen. Hier drin, also jetzt ist es Track 13. So kann ich zum Beispiel vielleicht den Grob-Beat-Plug-In laden , mit dem wir uns vorher beschäftigt haben, um eine Art Stottern zu erzeugen Lass es mich einfach solo machen. A. Vielleicht so etwas. Und was wir tun können, ist, weil das immer an ist, es wird sich immer auf die Tasten auswirken. Aber das wollen wir nicht. Wir wollen, dass es nur für diesen kleinen Übergangsabschnitt aktiviert diesen kleinen Übergangsabschnitt damit wir das Ein- und Ausschalten automatisieren können. Vollständig aktiviert heißt also, dass es eingeschaltet ist. Also wollen wir es ausschalten und nur hier einschalten und wieder ausschalten, wenn wir in den Haken kommen. Oder wir können das zum Beispiel durch etwas Seltsames ersetzen, wie, ich weiß nicht, Destruktor Wie Sie sehen können, können Sie Automatisierung verwenden, indem Sie das Ein- und Ausschalten oder sogar die Lautstärke verschiedener Effekte automatisieren , um einige wirklich coole und interessante Übergänge zu erzeugen einige wirklich coole und interessante Und dann können Sie zum Beispiel auch noch ein bisschen weiter gehen. Nehmen wir an, ich sollte einen Phaser-Effekt hinzufügen. Wenn ich möchte, dass dieser bestimmte Parameter dasselbe tut wie ein anderer, den ich bereits automatisiert habe, muss ich keinen weiteren Automationsclip erstellen Ich kann einfach mit der rechten Maustaste klicken und Link zum Controller auswählen. Und hier in diesem internen Controller-Bedienfeld möchte ich den Brutto-Beat auswählen, möchte ich den Brutto-Beat auswählen weil ich dafür zuvor die Stummschaltung, den Ein- und Ausschalter, automatisiert hatte . Dann möchte ich klicken. Oh ja, ich möchte auf Konflikte entfernen klicken. Also das könnte für euch automatisch aktiviert sein. Wenn Sie dies tun, wird die ursprüngliche Automatisierung, die Sie hatten, ausgeschaltet , aber Sie möchten diese Automatisierung grundsätzlich mit der ursprünglichen Automatisierung verknüpfen . Also müssen wir sicherstellen, dass „ Konflikte entfernen “ ausgeschaltet ist, und dann klicken wir auf „Akzeptieren“. Also werden beide jetzt derselben Automatisierung folgen. Sie können also sehen, dass beide so automatisiert sind, dass im Moment ausgeschaltet sind , denn das ist unser Automationsclip. Und hier sind beide wieder eingeschaltet. Jetzt möchte ich auch über die Automatisierung von Parametern in den Synthesizern selbst sprechen Parametern in den Synthesizern Wenn wir also zum Beispiel diesen Rp nehmen und den Synthesizer öffnen, können wir hier jede Art von Parameter automatisieren, die wir mögen Also zum Beispiel nicht der Zerfall, vielleicht der Sustain. Wir könnten das automatisieren, um den Sound im Laufe der Zeit irgendwie herauszuholen. Sie können jedoch nicht einfach mit der rechten Maustaste klicken und dann Automationsclip erstellen auswählen , da Sie nicht mehr mit den Standard-Plug-ins von FL Studio arbeiten. Jetzt arbeiten wir mit Drittanbietern zusammen. Vital ist ein Plug-In eines Drittanbieters. Sie können also einfach ein bisschen damit wackeln, mit dem Parameter, den Sie beeinflussen möchten, wackeln Kommen Sie hier rauf zu den Tools, die bis ins letzte Detail optimiert wurden. Und hier siehst du ein sehr ähnlich aussehendes Menü, und wir werden einen Automationsclip erstellen Jetzt können wir den Sustain so automatisieren , dass er vielleicht im Laufe der Zeit geöffnet und dann vielleicht wieder geschnitten wird. Jetzt, wo wir hier sind, werde ich das für eine Sekunde loswerden, weil mir das nicht gefällt. Ich lösche vielleicht einfach den Structor und wir behalten ihn einfach beim Phaser Jetzt haben wir also einen Uplifter, einen Riser und eine gewisse Automatisierung, damit das Klavier nur in diesem Abschnitt anders klingt, bevor wir hier zur nur in diesem Abschnitt anders klingt, bevor wir Wir haben einen kleinen umgekehrten Hall und wir haben einen Downlifter und einen Impact Und vielleicht ist es einfacher, es einfach ohne das Arp zu hören Sie können also grundsätzlich jeden beliebigen Parameter automatisieren. Sie können das Ein- und Ausschalten der Stummschaltung automatisieren, Sie können die Lautstärke automatisieren, Sie können das automatisieren. Alles, was Sie anfassen und steuern können , können Sie automatisieren. Und das macht es zu einem sehr kreativen Tool, um im Laufe der Strecke dynamische Änderungen vorzunehmen. H, 28. Hintergrundelemente für Füllstoff und Textur: Hier werden wir uns mit dem Konzept der Füllelemente befassen . Dies sind nur zusätzliche kleine Details , die den Kern des Tracks verbessern. Füllelemente wirken wie Overdubs in traditioneller Musik, um Ihrem Track eine professionelle und ausgefeilte Note zu verleihen professionelle und ausgefeilte Also zum Beispiel für mich, als wir die kleinere Variation der Hauptmelodie kreiert haben , also ist das dieser Ich dachte eigentlich , dass es sich bei der Idee mit zwei Tönen um einen Overdub handeln könnte Also zum Beispiel, wenn ich diese Note und diese Note wegwerfe und wir diese abwechselnde Art von E- und F-Zwei-Ton-Idee beibehalten von E- und F-Zwei-Ton-Idee Und wir haben diese Idee mit zwei abwechselnden Tönen genommen und sie vielleicht in ein anderes Instrument gebracht , um einen Overdub oder ein Füllelement zu erzeugen Also lass uns das jetzt machen. Wir werden das kopieren und in ein neues Instrument einfügen, das vielleicht OD für Overdub-Melodie heißt Und ich werde einen neuen Synthesizer einsetzen. Und dafür suche ich wohl nach einem dicken und fetten Leadsound Oh, ich möchte die längeren Noten loswerden und einfach bei der Idee bleiben, dass sich zwei Noten abwechseln. Also lass uns sehen, ob wir etwas finden , das dafür funktionieren könnte. Vielleicht etwas in der zukünftigen Disco. Suchen wir hier nach einem Leadsound , der funktionieren könnte. LD bedeutet Blei. Ich erwarte, dass es etwas tiefer ist, also denke ich, ich werde es runterwerfen. Wir vielleicht so etwas Cooles. Dies könnte eine interessante Textur zum Hinzufügen sein. Also könnten wir das zum Beispiel vielleicht im letzten Hook überlagern. Und wenn ich nur das und die Originalmelodie solo mache, wirst du hören können, was die Overdubs zur Originalmelodie hinzufügen Vielleicht könntest du diese sogar in Akkorde umwandeln, indem du die Platzierung der Noten nimmst und sie mit der von uns verwendeten Akkordfolge überlagerst sie mit der von uns verwendeten Akkordfolge überlagerst Die Akkorde sind zum Beispiel A scharf, C, D und F. Also wenn wir sie vielleicht überlagern , Ich glaube, hier wird auf C umgeschaltet. Das wäre D und das wäre F. Jetzt kann ich sie nicht hören, weil das Plugin auf Mono eingestellt ist. Also muss ich nur sicherstellen, dass ich das ausschalte. Und jetzt, wo ich das gemacht habe, gefällt mir wirklich, wie es klingt. Also könnte ich sogar mitkommen und die Akkorde so manipulieren, dass sie zum gleichen Rhythmus passen , sodass das zur Hauptidee von Akkorden wird. Aber ich werde das nicht tun , nur weil wir uns momentan mit Overdubs beschäftigen Das ist also nur ein Beispiel für einen Overdub, Es ist eine Art einfache melodische Idee die von der ursprünglichen Idee übernommen wurde, aber sie verleiht zusätzlichen Geschmack Es verleiht dem Ganzen etwas mehr Dicke, es macht es voller und interessanter Eine weitere Technik für Füllstoffe , die eigentlich ziemlich wichtig ist, ist die Verwendung von Atmosphären oder Effekten im Hintergrund des Tracks Ich denke zum Beispiel, dass es hier paar nette Atmosphären gibt Ja, sie haben schon geöffnet. Also, wir sind in der Tonart D. Also, ja, das ist perfekt. Hoppla. Das ist eine wirklich einfache Art von Vocal-Chop mit Hall, den wir sehr, sehr subtil in den Hintergrund legen können , Also passen wir das einfach an das Tempo an, falls es nicht in unserem Tempo ist Und wir werden sehen, wie es klingt. Ja, das ist in Ordnung. Ja, es ist ein bisschen zu laut, aber die Idee ist, dass es wirklich, wirklich subtil wäre. Man merkt es kaum, es sei denn , man hört darauf , was ihr natürlich tut. Aber zum Beispiel werde ich es zuerst ohne den Effekt spielen , und dann kommt es hier rein und hoffentlich werdet ihr den Unterschied hören können. Es geht also im Grunde nur darum, all diese Lücken zwischen den Drum-Samples und die Lücken zwischen den Bässen hier zu sehen zwischen den Drum-Samples . Und ich weiß, dass es wirklich keine Lücken zwischen dem Pad gibt. Das Pad fügt also technisch gesehen diese Art von Hintergrundelement hinzu. Aber du wirst sehen, dass das den Raum nur sehr subtil ausfüllt Raum nur sehr subtil ausfüllt Lass uns von Anfang an beginnen. Also, idealerweise hättest du das vielleicht in der ganzen Strophe, einfach in den Hintergrund geschichtet. den Hooks und im Refrain wird es wahrscheinlich nicht benötigt , weil dort so viel passiert Ich denke, der ganze Raum ist ziemlich voll. Aber wenn du Bereiche in deinem Track hast in denen ein bisschen leerer Raum ist, ist das eine tolle Möglichkeit, diesen Raum zu füllen. Und es muss nicht einmal etwas Tonales wie dieses sein. Mal sehen, ob ich etwas Atonales habe. Also dafür werde ich wahrscheinlich in meiner Art nach Techno-Samples suchen, vielleicht nach Soundeffekten Nein. Ich suche nur nach ein paar Hintergrundelementen. Vielleicht Geräuschschleifen? Ja, das ist perfekt. Also so etwas, lass uns einen von ihnen reinziehen . Dem Tempo angepasst. Also wurde es auf 150 gesetzt, 75 ist die Hälfte von 150, also werde ich einfach sehen, was FL Studio macht. Hoppla. Ja, das ist in Ordnung Vielleicht ist es ein bisschen zu schnell. Wir dehnen es einfach aus. Das ist wahrscheinlich ein bisschen zu rhythmisch für das, was wir suchen, aber ein gutes Beispiel wären Dinge wie Regengeräusche oder vielleicht sogar Stimmen, die sehr leise mit Hall reden und so, um dem Track ein trauriges und leeres Gefühl zu verleihen Aber ich empfehle auf jeden Fall, so etwas wie die Atmosphäreneffekte zu verwenden , die wir uns zuvor angesehen haben. Diese. Und du brauchst kein Musterpaket. Ich meine, Sie können sich diese kleinen Atmosphäreneffekte im Hintergrund zu eigen machen . Also ziehe ich den zurück , den wir benutzt haben, und dann ist eine andere Art von Füllelement, etwas Kurzes und Neues einzuführen , nur in Bereichen, in denen der Beat sich anfühlt, als würde er sich ein bisschen wiederholen Also zum Beispiel vielleicht hier oder vielleicht sogar hier drüben, nur um es zu unterbrechen oder um den Loop zu beenden Also werde ich dir ein Beispiel dafür zeigen. Ich nenne das einfach Overdub Break. Und wir bringen rein Lassen Sie uns dieses Mal Flex einsetzen, weil wir das nur für Basissounds verwendet haben. Also lasst es uns mit einem Synthesizer versuchen und wir fügen etwas hinzu, vielleicht ganz Einfaches, einen Grundton bis zu einem anderen Grundton und runter zu einem anderen Grundton. Etwas Ähnliches wie das, was die Basis macht. Und lass uns ein schönes Preset finden. Ja, vielleicht dieser fraktale Schwanz. Ja, das werfen wir einfach da rein. Und es ist wahrscheinlich ein bisschen laut. Wir können es leiser stellen, nur um eine Vorstellung davon zu vermitteln , dass es irgendwie im Hintergrund sein sollte , nur um ein bisschen Textur hinzuzufügen oder ein bisschen Platz zu füllen. 29. Strategisches Stummschalten: Wissen, wann Sie sich zurückziehen müssen: Strategisches Stummschalten ist eine mächtige, aber oft übersehene Technik in der Musikproduktion weißt, wann du dich zurückziehen musst, kann das Raum, Spannung und Konzentration in deinem Track erzeugen , sodass sich die Momente, , du weißt schon, alle Elemente wieder reinkommen in denen, du weißt schon, alle Elemente wieder reinkommen, viel wirkungsvoller anfühlen In dieser Vorlesung lernst du, wie und wann du Elemente strategisch stummschalten kannst. Das hilft dir dabei, Dynamik, Rhythmus und emotionale Entfaltung zu verbessern , Rhythmus und emotionale Ein unmittelbares Beispiel dafür ist das, was wir hier gemacht haben , als wir an der Umstellung gearbeitet haben Durch das Stummschalten der Drums, des Basses und der Pads haben wir also einen schönen Übergang geschaffen Wenn wir das nicht getan hätten, würde es sich so anhören. Durch das Stummschalten von Elementen vor dem Drop oder durch das, was man Pre-Drop-Silence nennt , kann man die Spannung wirklich aufbauen Und zumindest willst du das Schlagzeug und den Bass stummschalten Der Rest ist irgendwie zweideutig. Es liegt an dir, aber ich würde auf jeden Fall zumindest das Schlagzeug und zumindest den Bass stummschalten. Aber ich glaube, wir hatten auch die Pads stummgeschaltet. Dann können wir zum Beispiel innerhalb der Tracks stummschalten um interessante und dynamische Variationen zu erzeugen Also, vielleicht klone ich es hier in diesem Drum-Pattern einfach, um es einzigartig zu machen, damit ich nicht alle anderen beeinflusse. Wir könnten vielleicht die Tritte am Anfang stummschalten , vielleicht einige der Hüte Und vielleicht diese beiden Hüte. Alles, was uns für zwei Schläge bleibt, ist also nur ein Klatschen. Und dann kannst du Dinge wie Stummschalten, um eine emotionale Wirkung zu erzielen, wobei wir vielleicht Schlagzeug und Bass für ein oder zwei Takte herausnehmen Schlagzeug und Bass für ein oder zwei Hoppla, das sind die Pads. Ich wollte den Bass stummschalten. Das könnte also zu einer Art, du weißt schon, emotionaleren und falscheren Drop führen Wir könnten auch etwas namens Call and Response mit Stummschaltung oder Antiphonie machen, wenn Sie aus einer klassischen Perspektive kommen Aber bei Call and Response handelt es sich im Grunde darum, dass ein Element anruft und ein anderes Lassen Sie uns zum Beispiel das Arp stummschalten, bis wir etwa hier sind. Und dann schalten wir die Melodie stumm , wenn die Arp läuft Und dann lassen wir die Melodie wieder spielen und dann schalten wir sie hier stumm Und dann können sie alle wieder zusammen für diesen Abschnitt hier reinkommen zusammen für diesen Abschnitt hier Und aufgrund der Natur unserer Melodie, der Art und Weise, wie der zweite und der vierte Akkord dem Takt etwas voraus sind, können wir die Melodie und das Arp entsprechend anpassen Das würde also tatsächlich etwas kohärenter klingen. Und wenn du wirklich kreativ werden willst, kannst du natürlich das Instrument abwechseln. Also vielleicht ist das das normale Instrument, und dann vielleicht das zweite Mal, es ist ein völlig anderes Instrument, und diese Arp ist völlig anders als diese Arp Und vielleicht, weißt du, vielleicht wirfst du einen groben Beat und einen Phaser dazu und fügst dem Ganzen wirklich starke Verzerrung um einfach etwas wirklich klanglich Interessantes zu kreieren Und ich glaube, wir haben uns das schon einmal angesehen, subtraktive Übergänge, bei schon einmal angesehen, subtraktive Übergänge denen man vielleicht einfach ein oder zwei Elemente für einen Beat stummschalten kann, und das kann signalisieren, dass eine Veränderung im Track bevorsteht Also nehmen wir zum Beispiel die Trommeln am Bass dort am Ende des Hooks heraus die Trommeln am Bass dort am Ende des Hooks Und dann haben wir Dinge wie plötzliche Stummschaltungen zur Betonung. Vielleicht könnten wir hier in der Mitte dieses Hook-Abschnitts den ersten Takt von Takt 63 stummschalten Also lasst uns versuchen, das stumm zu schalten, also lasst uns versuchen, das stumm zu schalten. Ich wollte diesen nicht verlängern. Und dann brauche ich mein Slice-Tool. Also könnten wir zum Beispiel alle Instrumente stummschalten und nur das Schlagzeug für einen Schlag spielen lassen nur das Schlagzeug für einen Schlag spielen , um irgendwie Luft zu holen. Oder wir können alles stummschalten, wenn es plötzlich betont wird. Und ich habe es gerade bemerkt, ich bin mir nicht sicher, ob ich es erklärt habe, aber wenn ich das Slice-Tool verwende, schneidet ein normaler Klick das Instrument einfach in Scheiben. Und wenn Sie mit der rechten Maustaste klicken und schneiden, wird der kleinste Abschnitt in Scheiben geschnitten und dann gelöscht. In diesem Fall wird es also alles sein , was sich rechts von der roten Linie befindet. Strategisches Stummschalten ist also eine der effektivsten Methoden, um Dynamik und Konzentration in Ihrem Track zu erzeugen Dynamik und Konzentration in Ihrem Track Sie können die Aufmerksamkeit des Zuhörers lenken. Sie können wichtige Elemente hervorheben und Ihr Arrangement ansprechend gestalten Weißt du, kleine Umschaltungen wie diese unterbrechen wirklich die Wiederholung des Titels 30. ZUSAMMENSEHEN: Bearbeiten des Beats in Echtzeit: Das wird ein langes Video in dem ich einige Änderungen am Track vornehmen werde. Ich bin mit einigen der Synthesizer- oder Drumsounds, die wir verwenden, nicht zufrieden , und ich möchte dem Arrangement mehr hinzufügen oder vielleicht sogar einige der Patterns ändern Da ich den Track im Laufe der Zeit gemacht habe, war ich mir bewusst, dass ich versuchen sollte, nicht zu viel Zeit in Anspruch zu nehmen und gleichzeitig die Techniken zu demonstrieren Aus diesem gibt es ein paar Dinge, mit denen ich nicht wirklich zufrieden bin. Ich wollte nicht plötzlich mit vielen zufälligen Änderungen zurückkommen, obwohl ich nach dieser einen kürzeren Vortrag halten werde, in dem ich nur die wichtigsten Änderungen durchgehen werde, die ich vorgenommen habe. Wenn Sie also daran interessiert sind, mir zuzusehen, wie ich mit verschiedenen Dingen herumspiele und versuchen, den Titel zu verfeinern , schauen Sie weiter zu. Aber wenn nicht, überspringen Sie diesen Vortrag, und ich werde Ihnen in der nächsten zeigen was die wichtigsten Änderungen waren, die ich vorgenommen habe. In dieser Vorlesung wird nicht mehr gesprochen. Es ist nur eine Art Rundgang, aber alle Techniken, die Sie mich anwenden sehen werden, sind diejenigen, die wir gerade behandelt haben. Also ja, ich werde jetzt anfangen, mit dem Track herumzuspielen Aber wenn du nicht daran interessiert bist , das zu sehen, kannst du es überspringen Ich bin okay. H. Mm. Mm. Danke. Danke. Danke . M.M.B M.M.B . 31. UPDATE: Änderungen am Beat vorgenommen: Dieser Vortrag soll nur einen kurzen Überblick über einige der Änderungen geben, die ich vorgenommen habe. Wenn Sie sich die letzte Vorlesung nicht in der Sie in Echtzeit sehen konnten, was ich geändert habe, werde ich sie hier kurz durchgehen. Wenn Sie die letzte Vorlesung gesehen haben, müssen Sie sich diese wahrscheinlich nicht ansehen. Und wenn du sie dir nicht wirklich ansehen müsstest. Hier werden keine neuen Informationen oder irgendetwas gelehrt. Es ist nur so, dass ich einige der Sounds geändert und viel mehr Übergänge und Mikroschalter hinzugefügt habe . Ich werde kurz durchgehen, was ich getan habe. Ich lasse es spielen und dann können wir weitermachen und etwas mehr lernen. Ich glaube, das Erste, was ich getan habe, war die Hauptmelodie zu ändern , damit sie dem Sample besser entspricht Ich musste nur ein oder zwei Noten bewegen. Ich habe die Uplifter und Downlifter genommen , die wir zuvor benutzt haben, und sie irgendwie auf der Strecke verteilt, wo ich das Gefühl hatte, dass sie Strecke verteilt, wo ich das Gefühl hatte Und ich habe auch diesen Crash-Symbol-Effekt hinzugefügt, den ich, glaube ich , Reverb aktiviert habe Ja. Dann gibt es ein paar Orte , an denen ein bisschen strategisches Stummschalten stattfindet Es gibt neue Füllproben. Ich habe einen anderen Impact-Sound hinzugefügt weil ich kein großer Fan des ersten war. Ich habe den Sound der Arp so geändert. Der erste war mir etwas zu scharf. Es hat mir nicht wirklich gefallen. Und dann, gegen Ende, habe ich das einfach gemacht, ich habe diesen Hook voller gemacht , indem ich der Overdub-Melodie einen weiteren Melodiesound hinzugefügt Das klingt also so. Und dann war die Hauptsache für mich, einfach die Schlagzeugklänge zu ändern. Ich mochte sie überhaupt nicht, also glaube ich, dass ich die meisten geändert habe. Also so klingt es jetzt. Und das war es auch schon. Also lasse ich den Track jetzt abspielen, und wenn er fertig ist, fahren wir mit der nächsten Vorlesung fort. 32. Weniger ist mehr (Raum für den Künstler): Produzenten streben oft danach, dass ihre Beats voll klingen. Aber wenn man mit Sängern, Rappern oder anderen Künstlern zusammenarbeitet , ist es genauso wichtig, Raum für diesen Künstler zu schaffen , wie ein großartiges Instrumental zu machen Dieser Vortrag konzentriert sich darauf, wie Sie die Philosophie „Weniger ist mehr“ auf Ihre Produktion anwenden und sicherstellen können, dass Ihr Beat den Künstler unterstützt anstatt ihn zu überschatten Der Beat, den du machst, ist eher wie eine Leinwand. Es ist nicht das endgültige Gemälde. Künstler, Sänger, Rapper, sie sorgen für die oberste Ebene der Kreativität, der Texte, der Emotionen und der Performance Wenn Sie den Beat überfordern, kann dies dazu führen, dass er mit dem Künstler konkurriert, sodass sich der endgültige Track überwältigend oder sogar matschig anfühlt So haben wir zum Beispiel in unserem Track eine ziemlich geschäftige Melodie, die im Hook abgespielt wird Das funktioniert wahrscheinlich nur wenn der Künstler oder wer auch immer auf diesem Track singt oder rappt, dieselbe Melodie singt, ähnlich wie das Sample , das wir auf diesem Track singt oder rappt, dieselbe Melodie singt, ähnlich wie das Sample , das Wenn wir uns zum Beispiel vorstellen können, dass es sich bei diesem Sample um einen Text handelt und der Künstler dieselbe Melodie singt , würde das funktionieren Aber wenn der Künstler eine andere Melodie singen würde, würde ich wahrscheinlich unsere Melodie entfernen Also das wäre jetzt unser Hook. Also musst du dich immer fragen, ist dieses Element notwendig oder füllt es nur Platz aus? Denn manchmal, wenn man einen Instrumentaltrack entwirft, versucht man, ihn so zu gestalten, dass er Platz hat, und dann füllt man diesen Raum versehentlich mit Elementen , die nicht benötigt werden. Es gibt also ein paar Möglichkeiten, wie wir überprüfen können , ob wir genug Platz übrig haben. Im Idealfall konzentriert sich dein Track nur auf den Core-Groove. Das sind also die Kernelemente wie der Kick, die Snare, der High Hat, der Bass und dann vielleicht eine melodische Idee Während der Strophen musst du es gleich wieder entfernen. alle unwichtigen Ebenen stumm und entfernen Sie komplexe Melodien oder zusätzliche Perkussion Vielleicht besteht deine Strophe also nur aus Schlagzeug, Bass und einem einfachen Pad Für uns hier denke ich, dass unsere Verse in Ordnung sind . Sie sind ziemlich spärlich. Und selbst dieser Vers ist wahrscheinlich in Ordnung , weil diese Arp nur ein Hintergrundelement ist Aber wenn es um unseren Hook geht, ist diese Melodie vielleicht einfach zu viel. Aber letztlich hängt es vom Künstler ab. Wenn du also Beats machst, um sie, du weißt schon, auf YouTube zu veröffentlichen und zu verkaufen, würde ich empfehlen, diesen Weg zu gehen bei dem weniger mehr ist und du versuchst, geschäftige Melodien zu vermeiden, die es und du versuchst, geschäftige Melodien zu vermeiden schwierig machen könnten , auf dem Track zu rappen Aber wenn du mit einem Künstler zusammenarbeitest oder vielleicht selbst einen Song schreibst, könntest du diese Melodie wahrscheinlich darin behalten denn dann könntest du sie verwenden und versuchen, dieselbe Melodie im Hook zu singen Aber alles, was ich in diesem Vortrag hervorheben wollte , ist , dass weniger mehr ist Lassen Sie Platz in Ihren Produktionen. Wenn du diesen Ansatz beherrschst, werden sich deine Beats wie echte Kollaborationen anfühlen, nicht nur wie instrumentale Showcases O. 33. Einfache Aufnahme in FL Studio: Ordnung, schauen wir uns zwei einfache Möglichkeiten an , Audio in FL Studio aufzunehmen. Dies ist für alle , die ihren eigenen Song in ihren Beat aufnehmen möchten . Also zuerst werden wir unser Audio-Interface einrichten, also in den Audioeinstellungen, und Sie können Ihren Eingangsausgang hier sehen. Meins ist auf mein Mikrofon eingestellt, das ist also alles gut. Ihres muss möglicherweise auf das Mikrofon eingestellt sein, das Sie verwenden, oder auf Ihr Audio-Interface. Zweitens, und das ist am wichtigsten ist es, die Pufferlänge zu reduzieren. Also werden wir das auf etwa 25, sechs reduzieren . Wenn Sie das nicht tun, wird Ihre Stimme in Ihren Ohren wiedergegeben, ein bisschen langsamer als Sie tatsächlich singen, und es ist wirklich schwierig zu singen, wenn das passiert. Stellen Sie also sicher, dass Sie Ihre Pufferlänge auf etwa 512 oder weniger einstellen . 256 wird jedoch im Allgemeinen am meisten empfohlen. Nun, wenn Sie das tun, stellen Sie möglicherweise fest, dass Ihre Software verzögert oder überspringt, und das ist ziemlich normal. Normalerweise markiere ich den gesamten Track und exportiere ihn als Wave-Datei. Und dann ziehe ich die Wave-Datei wieder hinein, was ich bereits als neuen Track gemacht habe. Und ich werde dafür sorgen , dass es solo gespielt wird. Wenn du mit der rechten Maustaste auf das grüne Licht klickst, öffnet sich dieses Menü, du Solo und Unsolo machen kannst Also habe ich den gerenderten Beat solo gespielt und er klingt so Lustig. Und ich kann Dinge hier löschen , weil das nichts mit dem zu tun hat , was hier unten im gerenderten Track passiert. Im Grunde genommen ist das alles im Moment überflüssig und wir arbeiten nur an dieser gerenderten Spur. Als Nächstes öffnen wir den Mixer und verwenden einen leeren Kanal und weisen ihn Ihrem Mikrofoneingang zu. Also werde ich hier Kanal 18 wählen und diesen in Vocal umbenennen. Ich könnte ihm einfach eine Farbe geben , damit es irgendwie auffällt. Und wenn du dann hier zu deinem Eingabebereich kommst, kannst du wählen, welcher Eingang auf deinem Audio-Interface ist. Ihre Schnittstelle sollte also hier aufgeführt sein, und Sie könnten einen Eingang oder zwei oder vier oder acht oder eine beliebige Anzahl von Eingängen haben, die Sie an Ihrer Schnittstelle haben. Meiner hat im Moment nur einen. Und sobald Sie das getan haben, sollten Sie sehen können, wie Ihre Stimme in die Software kommt. Als Nächstes müssen Sie also sprechen oder Ihr Instrument spielen oder singen oder was auch immer Sie versuchen, die Pegel auf dem Mixer-Track hier aufzunehmen und anzusehen. Sie streben an, dass das Signal zwischen -12 und minus sechs eingeht -12 und minus sechs eingeht Im Moment, minus viel zu hoch, liegt es bei minus sechs bis Null, aber ich kann das nicht wirklich anpassen weil es auch mit OBS verknüpft ist, das den Ton für den Kurs aufzeichnet Und das möchte ich nicht wirklich beeinflussen. Aber theoretisch würden Sie den Verstärkungsregler an Ihrem Audio-Interface so lange herunterdrehen, bis Ihr Audiopegel irgendwo zwischen minus sechs und -12 Sie sollten dafür auch Kopfhörer verwenden. Andernfalls stoßen Sie auf ein Problem, das als Feedback bezeichnet Wenn Sie einen Lautsprecher oder Ihren Laptop-Lautsprecher oder etwas Ähnliches verwenden , der Ton, der aus dem Lautsprecher kommt geht der Ton, der aus dem Lautsprecher kommt, zurück in das Mikrofon, in die Software, und dann sendet die Software ihn zurück an die Lautsprecher, die ihn in den Raum abspielen, und dann nimmt das Mikrofon es auf sendet es erneut zurück in die Software, zurück zu den Lautsprechern, zurück zum Mikrofon, und Sie erzeugen eine Rückkopplungsschleife. Außerdem ist die Verwendung von Kopfhörern viel leiser, sodass Sie einen isolierten Klang wie einen Gesang oder ein Instrument aufnehmen einen isolierten Klang wie einen Gesang oder ein Instrument Wenn du dich selbst nicht hören möchtest, können wir diesen Kanal stummschalten Und so mache ich das normalerweise. Ich bin kein großer Fan davon, mich selbst beim Singen zu hören, also achte ich darauf, den Kanal stummzuschalten. Die erste Methode ist also, Edison zu verwenden. Also werde ich das Edison-Plugin einbauen, das hier unten ist Und hier ist es sehr einfach. Normalerweise richte ich es so ein, dass es jetzt und vielleicht für fünf bis zehn Minuten aufnimmt . Mein Song ist 3,5 Minuten lang, also sind 5 Minuten perfekt. Sobald Sie dann die rote Taste drücken, wird die Aufnahme gestartet. Aber natürlich musst du den Track im Hintergrund laufen lassen, und das habe ich vergessen, weil ich nicht wirklich vorhabe zu singen Also werde ich Edison auf die Standardwerte zurücksetzen. Rekord. Jetzt sind 5 Minuten in Ordnung. Wir drücken auf Play. Vielleicht nimmst du zum Beispiel etwas im Hook auf und wir drücken auf Aufnahme. Und jetzt nehme ich meinen Gesang auf. La lala la la, la, la. Sobald das Audio aufgenommen ist, können Sie es einfach per Drag & Drop direkt in Ihre Playlist ziehen. Und du kannst zurückhören. Ich weiß nicht, ob ich das wirklich will, aber zur Demonstration nehme ich jetzt meinen Gesang auf. L L. Perf. Und wie jedes andere Sample oder jede Spur, die Sie hineinziehen, können Sie es dann einer Mixer-Spur zuweisen und mit dem Mischen beginnen Die andere Möglichkeit, Audio in FL Studio aufzunehmen , besteht nicht darin, Edison zu verwenden, sondern es direkt in einen dieser Playlist-Tracks aufzunehmen , wie Sie es mit jeder anderen Software tun würden Als Erstes müssen Sie also sicherstellen, dass der Kanal, dem Ihr Mikrofon zugewiesen ist , für die Aufnahme aktiviert ist . Das ist diese rote Taste hier unten. Oder im Fall eines anderen Titels wäre es diese weiße Taste. Jetzt ist dieser Track also auch für die Aufnahme gerüstet. Dann kehren wir zu unserem Arrangement zurück, vielleicht irgendwo hier im Hook und wir benutzen die Aufnahmetaste hier oben. Es wird uns fragen, ob wir es in Edison oder als Audioclip in die Playlist aufnehmen wollen , und wir wollen es als Audioclip in die Playlist aufnehmen Also lass uns das auswählen. Okay, wir müssen also offensichtlich einen dieser Arrangement-Tracks dem Gesangskanal zuweisen . Wir klicken hier mit der rechten Maustaste auf Track 13 und können dann unseren Gesang wählen. Und jetzt können wir in der Playlist auf Aufnahme klicken. Wir werden ein bisschen zählen. Und jetzt nehmen wir hier unseren Gesang auf und Sie können sehen, wie die Wellenform hereinkommt L, nein, nein, nein, nein, nein, nein, nein, nein Dann können wir FL Studio entschärfen und auf Play klicken. Entschuldigung, ich habe vergessen, dass wir Kanal 18 stummgeschaltet haben. Lass mich einfach weitermachen und die Stummschaltung aufheben. Und jetzt nehmen wir hier unseren Gesang auf und Sie können sehen, wie die Wellenform Nein, nein, nein, nein, nein. Also hier oben auf dem Metronom, wenn du mit der rechten Maustaste darauf klickst, kannst du den Sound ändern Und dann haben wir hier den Count-In oder den Pre-Roll. Sie können das also auf einen oder 2 Balken einstellen. Sie können es ein- oder ausschalten. Und Sie können das Metronom auch ein- oder ausschalten , wenn Sie möchten, dass das Metronom während der Aufnahme die ganze Zeit abgespielt Aber dieses Mal brauchten wir es nicht, weil wir Wie Sie sehen können, ist das Aufnehmen von Audio in FL Studio eigentlich ziemlich einfach 34. Tuning von Drum Samples zur Reduzierung von Schlamm: Schlagzeug-Tuning ist einer der am meisten übersehenen und doch wichtigsten Aspekte bei der Erzeugung eines kohärenten und professionell Richtig gestimmte Trommeln verhindern beim Mischen Schlamm entsteht Lassen Sie uns also unser Drum-Pattern öffnen. Und wir wissen, wie es klingt, aber ich werde es noch einmal spielen, nur um unsere Erinnerungen aufzufrischen. Okay, also die wichtigsten Samples, die du tunen willst, sind dein Kick und dein Klatschen Im Idealfall stimmst du sie alle, aber zumindest solltest du jeden Fall deinen Kick und deinen Clap optimieren Um das Schlagzeug in FL Studio zu stimmen, werden wir also wieder Edison verwenden, dasselbe Plugin, das wir für unsere Gesangsaufnahme verwendet haben Ich werde einfach eine Instanz davon auf dem Master öffnen davon auf dem Master Und damit ziehen wir unsere einzelnen Samples nach Edison Klicken Sie mit der rechten Maustaste, gehen Sie hier runter zu Regionen und wählen Sie dann Tonhöhenregionen erkennen Unser Kick ist also auf F eingestellt, richtig? Und F ist nicht die Tonart unseres Tracks. D ist der Schlüssel unseres Tracks. Also wollen wir das Kick-Sample von F auf D herunterstimmen . Also wollen wir einen Halbton, zwei Halbtöne, drei Halbtöne runter kommen zwei Halbtöne, drei Halbtöne Okay? Um das zu tun, öffnen wir wieder das Kick-Sample und kommen hierher zum Pitch-Knopf Und du wirst in der oberen linken Ecke einen Wert namens Sense sehen , richtig? Und Sinn bedeutet einfach Halbton. 100 Cent sind also ein Halbton, und wir wollen das um drei reduzieren, sagten Also 300 Halbtöne sollten unser Schlagzeug-Sample von F bis D pitchen Jetzt ist unser Drum-Sample also . Jetzt ist unser Drum-Sample also bis zur Grundnote des Tracks gestimmt, und ich weiß, dass es auf D gestimmt ist. Aber in FL Studio ist C 5 genau das, worauf das Standard-Sample eingestellt ist Da wir das zu stimmende Sample also auf D in der Pianorolle eingestellt haben, ist C five das, was unser Standard-Sample D in der Pianorolle eingestellt haben, ist C five das, abspielt In diesem Fall ist C fünf also tatsächlich D. Wenn Sie möchten, dass Ihre Pianorolle zusammenpasst, können Sie ganz einfach Ihre Kick-Drum-Noten nehmen, sie um ein, zwei Halbtöne und dann wieder reinkommen und das Gegenteil tun Senken Sie das um ein, zwei Halbtöne. Und jetzt ist die Note D die Note von D. Also sind wir jetzt zu 90% da. Unser Schlagzeug-Sample ist auf den Grundton des Tracks gestimmt, und das bedeutet, dass es wahrscheinlich im Einklang mit allem anderen klingen wird , was gerade passiert. Allerdings, weil unser Bass und unser Kick ziemlich eng miteinander verbunden sind. Also werde ich die Kick-Drum für eine Sekunde solo spielen. Und auf welchem Instrument spielt unser Bass? Ich werde das auch solo spielen. Das hier und das hier. Hoppla. Ich wollte sie nicht komplett alleine machen. Ich wollte sie auch nur einschalten. Also lassen Sie uns einfach beide einschalten und wir schalten auch den Kick Unser Bassmuster spielt also den gleichen Rhythmus wie der Kick. Also jedes Mal, wenn der Kick einschlägt, schlägt der Bass auch zwei. Und da sich diese beiden Instrumente im gleichen Frequenzbereich befinden, Sie, um diese Schlammigkeit wirklich zu beseitigen könnten Sie, um diese Schlammigkeit wirklich zu beseitigen , auch das Schlagzeug mit den gleichen Tönen spielen, die der Bass spielt Bei unserem Bass spielen wir also A Sharp, C, D und F. Denken wir also daran Komm in unser Kitrum in der Pianorolle. Und wenn wir uns erinnern, spielen diese ersten beiden Töne Scharf A. Mm hmm. Diese beiden Noten spielen C. Sie spielen D, und diese beiden am Ende spielen F. Nun, so klingt es für sich. Wenn wir das mit dem Bass kombinieren, ist es so. Ich mache einfach alles rückgängig und wir hören es im Kontext. Ich würde sogar so weit gehen zu sagen, dass das bei Trap-Musik oder Hip Hop oder Drill oder was auch immer du machst, Pflicht ist bei Trap-Musik oder Hip Hop oder Drill oder was auch immer du machst, Pflicht oder Hip Hop oder Drill oder was auch immer du machst Stimmt die Kick-Drum auf jeden Fall auf die Töne des Basses ab. Es reduziert nicht nur die Matschigkeit, sondern ist auch nicht so auffällig Und vielleicht stellen Sie fest, dass einige der Kick-Drums etwas anders klingen als die anderen, und das fügt eine zusätzliche Ebene der Humanisierung oder eines dynamischen Unterschieds hinzu, sodass der die Humanisierung oder eines dynamischen Unterschieds hinzu, sodass der Beat nicht so roboterhaft klingt und Kick-Drums eher so klingen, als wären sie live gespielt als in FL Studio programmiert Als Nächstes stimmen wir einfach etwas , das nicht gewählt werden muss. Also zum Beispiel das Klatschen hier. Das Klatschen wird einfach bei jedem zweiten und vierten Schlag abgespielt. Das muss also auf kein Instrument abgestimmt werden. Es muss nur auf die Tonart des Tracks abgestimmt werden. Schauen wir uns also an, in welcher Tonart dieser Klatsch standardmäßig abgespielt wird Es wird in der Tonart der Regionen abgespielt, erkennt Tonhöhenbereiche, F-scharf Was wir damit machen können, ist, wenn Sie wissen, ob Sie den Grundton kennen, dem sich Ihr Track befindet Also sind wir zum Beispiel in der Tonart d-Moll, okay? Wenn ich also zu meinen Streichstempeln gehe und einen einfachen Moll-Akkord einstemple, stemple ich das auf D. Das zeigt mir die drei Noten, zu denen ich spielen kann Okay? Also kann ich bis D, die Grundnote, ich kann bis F oder ich kann bis A tonieren . , Also, idealerweise sollten Sie bei Ihren Samples das wählen was am nächsten kommt Also für uns mit unserem Klatschen, weil es scharf auf F ist, was hier ist, und weil wir auf F oder A pitchen können, lassen wir das Klatschen auf F pitchen. Und auf diese Weise wird es in der Tonart des Tracks sein, ohne den Originalsound zu verzerren weil der Originalsound so ist. Wenn wir es zu stark leiser stellen, ändert es es, und wenn wir es zu stark lauter machen , ändert sich es auch Aber wenn wir es nur um einen Halbton drehen, ist es kaum wahrnehmbar Lassen Sie uns das einfach um 100 Cent oder einen Halbton herunterspielen, und jetzt sind unser Kick und unser Klatschen auf die Strecke gerichtet Und vielleicht stimmen wir hier noch einen. Wir stimmen das Snare-Sample, das wir als Perkussion verwenden. Also lassen Sie uns Edison öffnen. Hier ist unser Snare-Beispiel, ziehen Sie es hinein, erkennen Sie Tonhöhenbereiche Und wieder sind wir auf F Sharp Four. Also, ich werde, während das Pattern spielt, die Tonhöhe anpassen, die Tonhöhe anpassen nur damit Sie sehen können, dass falsch gestimmte Drum-Samples nicht so zusammenhängend klingen wie Samples, die gestimmt sind, okay? Also drücke ich auf Play und fange an, die Tonhöhe des Samples zu ändern Ich drehe es einfach lauter , damit du es hören kannst. Meiner Meinung nach ist das völlig verstimmt. Das klingt wirklich dissonant Und wenn du dich erinnerst, war es ursprünglich scharf für dich. es also um 100 Cent runterstimmen, legen wir es in die Tonart des Songs. Also das sollte gut klingen. Hoffentlich konntest du hören, dass einige andere Tonhöhen tatsächlich irgendwie dissonant sein können , bis du das Sample richtig in die Tonart des Tracks 35. Gesang: Autotune und Vocoder: Okay, für diejenigen unter Ihnen, die mit Künstlern zusammenarbeiten oder vielleicht selbst singen oder rappen, werden Künstlern zusammenarbeiten oder vielleicht selbst singen oder rappen, wir uns in diesem Vortrag mit Autotune und einem anderen Gesangseffekt namens und einem anderen Wenn Sie kein Künstler sind und nicht mit einem Künstler zusammenarbeiten, finden Sie eine Capellas in, Sie wissen schon , Musterpackungen. Es gibt viele Acapella-Probenpakete, oder Sie können einige der Ressourcen verwenden , über die wir bereits gesprochen haben, wie Lupermen, Splice, Somatics, Es gibt einige Leute, die ihre eigenen Texte und ihre eigenen Acapellas auf Und dann andere Dinge wie Produzentenforen auf vielleicht, du weißt schon, Red It oder Slash, wir sind die Musikmacher, haben oft kostenlose Gesangsressourcen, die von Mitgliedern geteilt werden Also zuerst werde ich so tun , als würde ich mit einem Künstler zusammenarbeiten, und es ist ein Mädchen Sie singt auf diesem Track und ich werde mich einmischen. Lass uns vielleicht eines dieser A-Capellas probieren. C-Dur. Wir suchen keinen Major. Wir spielen in einer Molltonart. E-Moll. Das könnte uns helfen. Das ziehen wir mit rein. Und es ist auf 135 eingestellt. Also werde ich mich an das Tempo anpassen, aber weil wir bei 87 sind, denke ich, das wird es ein bisschen langsam machen . Ja, wahrscheinlich. Heilig. Ja, also werde ich das auf die Hälfte von 13.567,5 Also, das sollte jetzt zu unserem Track passen. Oh, er hatte sein Auto. Ja, das Ding ist weg. Wir haben so viel Zeit. Wir sollten nicht alleine bleiben. Okay, und ich glaube, ich wollte mit dem ersten Takt von The Bar beginnen. Okay, jetzt haben wir einen vorgetäuschten Sänger , den wir aufgenommen haben, und jetzt singen sie auf Lassen Sie uns die Tonhöhenprobleme lösen. Also werden wir es einem Mixer-Track zuweisen, was es bereits ist. Und wir werden uns zunächst die natürlichste Form der Autotune ansehen natürlichste Form der , die wir in FL Studio machen können, die ein Plugin namens Newton verwendet. Und Newton ist im Grunde dasselbe wie Melodynee oder Waves Es analysiert die Wellenform und platziert sie dann Aber du wirst gleich sehen, was ich meine. Lassen Sie uns also unser Gesangsbeispiel nach Newton ziehen. Oh, wir haben diesen Ball. Ja. In Newton. Und wir können das wieder schließen. Ich mache es einfach größer damit wir sehen können, was wir tun. Also hier kannst du sehen , dass das unsere Stimme ist. Die orange Linie steht für die Kontur und die Tonhöhe. Hier singt sie zum Beispiel die Note E, ein bisschen wackelig, aber das ist in Ordnung, weil die orange Linie mich so aussieht, als würde sie nie wirklich den Tonumfang dieser E-Note verlassen. Aber hier oben haben wir etwas, das wie Vibrato aussieht Also schwankt sie irgendwie zwischen zwei verschiedenen Tonhöhen. Dann können Sie hier zum Beispiel sehen, dass sich die Linie auf der Note E befindet, aber dann wird sie gegen Ende etwas flach und die Linie liegt irgendwo zwischen diesen beiden Noten Sie singt hier also nicht wirklich eine Note. Sie singt irgendwo dazwischen, nur leicht flach von G und leicht scharf von F Sharp. Also, wenn wir uns das anhören, sollten wir hier etwas Vibrato hören, und wir sollten hören, dass sie hier vielleicht ein bisschen platt Oh, das haben wir jetzt. Oh. Ja, es ist okay, so wie es sich anhört, ist das eigentlich eine andere Note. Aber was passiert ist, ist, dass sie die separate Note nicht wirklich getroffen hat . Sie hat nicht tief genug gesungen, um diese Note zu treffen. Newton erkennt also nicht, dass es sich um eine neue Note handelt. Also was wir tun können, ist, es in Scheiben zu schneiden, um es zu trennen. Und jetzt haben wir zwei separate Notizen, die wir separat ziehen und bearbeiten können. Bei Newton gibt es also zwei Hauptparameter , die wir verwenden werden, und das sind der Mittelknopf und der Variationsregler Der mittlere Drehknopf bewegt also einfach diese Noten, die entweder flach oder scharf sind, wie zum Beispiel diese hier. Sie können sehen, dass das Zentrum der weißen Wellenform Also diese ganze Wellenform hier, der Mittelpunkt davon ist hier der Mittelpunkt Es ist nicht auf dem Knoten von A und es ist auch nicht auf dem Knoten von A Flat Es ist irgendwo dazwischen. Ähm, der mittlere Drehknopf hier zieht das einfach die Mitte einer dieser beiden Noten, welcher auch immer dieser bestimmte Abschnitt am nächsten ist Also lass uns das jetzt einfach für den ganzen Gesang machen. Sie werden sehen, wie sich alle Wellenformen bewegen, sodass sie auf einer Note zentriert sind Oh, das haben wir jetzt. Ja, los geht's. Also für mich ist diese Notiz falsch. Sie ist ein bisschen zu hoch. Ich glaube, es sollte diese Notiz sein, und ich muss sie wahrscheinlich auch herunterziehen. Wow. Ja, los geht's. Und dann, glaube ich, hätte sie zurücktreten sollen Hier. So wie das hier. Ja, zu TG. Und dann können wir von hier aus einstellen, wie viel Variation auf diesen Linien auftritt. Jetzt schauen wir uns die orangefarbene Linie an. Okay? Also zum Beispiel das Vibrato hier, wir können es irgendwie reduzieren und das Vibrato weniger extrem machen Oder lassen Sie uns zum Beispiel irgendwo anders suchen, wo sie vielleicht ein bisschen platt geworden ist Vielleicht solche hier. Also wo die orange Linie eine Art Kurve ist, durch Anpassen der Variation können wir sie durch Anpassen der Variation etwas gerader machen, sodass es sich anhört, als würde sie die Note halten. Vielleicht so etwas. Nur sehr subtil, um sie auf dem Spielfeld zu halten. Oh, wir haben seinen Schnee. Ja, am Tag C haben wir noch so viel vor uns. Also mit diesen beiden Reglern und der Tatsache, dass du jede Note einzeln ziehen und sie trennen kannst befindet sich zum Beispiel ein weiterer Bereich, den Sie trennen könnten Hier befindet sich zum Beispiel ein weiterer Bereich, den Sie trennen könnten, weil ich denke, dass diese wie zwei separate Notizen aussehen , die die Software nicht erkannt hat Also könnten wir das aufteilen, und jetzt können wir sie getrennt aufteilen. Sie haben viel mehr Kontrolle über die Tonhöhe der Stimme. Diese Methode erfordert auch viel Arbeit, um sie richtig zu machen und sie natürlich klingen zu lassen Das klingt zum Beispiel zu Beginn nicht sehr natürlich Oh. Es klingt ziemlich automatisch abgestimmt. Oh habe. Also das müsste wahrscheinlich ein bisschen angepasst werden, um zu versuchen , es ein bisschen natürlicher klingen zu lassen. Oh. Oh. Oh. Ich persönlich finde Newton nicht großartig. Es ist großartig für solche Dinge, aber es erfordert viel mehr Arbeit bis es natürlich klingt als ein Plug-In wie Melodynee oder Waves Und ich glaube, ich bin mir nicht hundertprozentig sicher. Zitiere mich nicht dazu, aber ich denke die beiden haben eine Art kostenlose Version oder eine Light-Version, in der du ein paar Dinge mit deinem Gesang machen kannst ein paar Dinge mit deinem Gesang machen Du kannst nicht wirklich in die Tiefe gehen, aber es gibt billigere und kostenlose Alternativen Nehmen wir an, wir haben, ich weiß nicht, 3 Stunden damit verbracht, an dieser Stimme zu arbeiten. Wir sind damit fertig. Wir sind bereit, es wieder zu importieren, damit wir es mit diesem Tool wieder in unser Beispiel ziehen können. Es wird das ursprüngliche Timing wiederherstellen, also müssen wir das erneut anpassen. Ich glaube, es waren 67,5. Und jetzt, da das Gesangssample in e-Moll ist, können wir es mit dem Tonhöhenregler auf zwei Halbtöne auf D herunterstimmen. Und jetzt sollte es in Tonart zwei Halbtöne auf D herunterstimmen. Und jetzt sollte es Es sollte etwas weniger flach klingen und es sollte auch stimmen. Oh, jetzt haben wir seinen. Gestern ist vorbei. Wir hatten so viel Zeit. Lass uns nicht alleine bleiben. Nun, ich habe den Gesang natürlich nicht wirklich durchgesehen, also gibt es Bereiche, in denen Newton ihn auf die falsche Note setzt Aber ich werde das durch die Originalversion ersetzen , die nicht betroffen ist Es ist immer noch schief. Ich muss es nur noch einmal dehnen Und wir werden uns in FL Studio ein anderes Plugin namens Pitcher Und Pitcher eignet sich hervorragend, um diesen klassischen, automatisch abgestimmten Sound Dieser ist also wirklich einfach zu bedienen. Sobald Ihr Gesangssample auf die Tonart Ihres Songs abgestimmt wurde oder wenn Sie es beispielsweise selbst aufgenommen haben, müssen Sie die Gesamttonhöhe nicht mehr anpassen Aber so oder so, du wirst es durch einen Mixer-Track laufen lassen und das Plugin namens Pitcher laden Und damit ist es ziemlich einfach zu benutzen. Sie haben Ihr Tonalitäts-Moll-Dur. Pentatonisch ist nur eine Skala mit fünf Tönen. Wir müssen uns nicht wirklich darum kümmern oder um alle Noten oder nur um eine einzelne Und dann können wir anpassen, in welcher Tonart wir uns befinden. Also für uns sind wir in d-Moll. Die Hertz-Mindesteinstellung sagt dem Stecker wie sehr Sie bereit sind, den Schein wackeln zu lassen, wenn sie Wenn sie also zum Beispiel die Note F hält, wackelt sie vielleicht auf ihrer Tonhöhe, und sie könnte viel oder ein wenig wackeln Und das ist im Grunde dein Variationsregler. Sie sagen dem Stecker also, wie viel Sie diese kleinen Wackeln zulassen werden 25 Hertz ist ein kleiner Wert. Du sagst also, ich will nicht viele Wackeln. Ich möchte, dass du die Notiz irgendwie zusammendrückst und sie hältst. Und dann mit 220 wäre es viel natürlicher Es wird viel mehr Vibrato und viel mehr Wackeln zwischen den Tonhöhen einer Note zulassen Wackeln zwischen den Tonhöhen einer Lassen wir es also für eine Minute auf 110 stehen, und dann schauen wir uns die Geschwindigkeit an Die Geschwindigkeit ist buchstäblich die Geschwindigkeit, mit der der Pitcher spielt. Je höher die Geschwindigkeit ist, desto schneller wird die automatische Abstimmung aktiviert und es klingt robotischer, und es klingt robotischer, vielleicht wie TPNe oder Cane West Und je langsamer es einsetzt, desto natürlicher klingt es und desto mehr können Sie diese natürliche Leistung beibehalten diese natürliche Lassen Sie uns es jetzt in Aktion hören. Lassen Sie uns versuchen, dieses Gesangssample automatisch abzustimmen. Oh, wir haben sein Auto. Ja, es ist weg. Wir haben so viel Zeit. Wir sollten nicht alleine bleiben. Alleine. Nein, allein auf die Knochen gehen. Es ist Licht hinter dem schweren Laden. Ich habe dein besseres Handy, um nicht zu warten und jemanden zu finden Keine Bienen, die nicht warten sollen. Nein, sei Also vielleicht klingt so etwas natürlich genug für diesen Gesang. Wir lassen nur sehr geringe Abweichungen zu, stellen aber die Geschwindigkeit auf mittel ein. Der erste Teil der Notiz ist also irgendwie erhalten. Und dann ist es nur der letzte Teil der Notiz, wo sie ihn vielleicht in der Hand hält. Das ist der einzige Teil , der automatisch abgestimmt wird. Also lasst uns den Gesang solo spielen und wir hören ihn uns bei eingeschaltetem und ausgeschaltetem Pitcher an Oh, jetzt haben wir seinen. Ja, die Fernseher gehen. Wir haben so viel Zeit. Wir sollten nicht alleine bleiben. Alleine. Nein, sie wird am Telefon sein. Al. In jedem Geschäft ist Licht . Lass es los. Du musst vorwärts gehen. Aber du lebst. Keine Zeit zum Bezahlen. Gut für dich, jemand. Ich liebe es, nicht zu zahlen. Und wenn du zum Beispiel versuchen würdest, diesen Tepin-Effekt zu erzielen, würdest du das einfach hochdrehen und das Minimum runterdrehen Oh, nimm jetzt seinen. Ja, dann Sc. Wir haben so viel Zeit. Lass uns jetzt alleine bleiben Also habe ich auch erwähnt , dass bei Newtone und Waves Tune die fortschrittlicheren und kostenpflichtigeren Plug-ins Melodynee und Waves Tune die fortschrittlicheren und kostenpflichtigeren Plug-ins wären Mit dem Picture-Plug-In fortschrittlichere und wären Antares Auto Tune oder das Nektar-Plugin von Itu die fortschrittlichere und branchenüblichere Version Antares Auto Tune oder das Nektar-Plugin von Itu die Diese beiden sind großartig. Es sind wunderbare Plug-ins , die kostenlos mit der Software geliefert werden. Wenn Sie jedoch Sprachverarbeitung betreiben, würde ich empfehlen, sich auch eines der anderen beiden zu schnappen Für mich ist die beste Kombination Melodynee statt Newton und dann Antares Autotune Okay, wir schauen uns jetzt die Vocoder an . Also haben wir unsere Stimme hier und wir werden ein Plugin namens Voca Dex laden Ich möchte nur sichergehen, dass sie dort stummgeschaltet sind. Also, das wird den Gesang irgendwie roboterhaft klingen lassen Also spiele ich das einfach. Lass uns gehen. Und es gibt auch ein paar verschiedene Voreinstellungen, die Sie verwenden können. Hallo. Hallo. Kein Einkaufen. Das ist eine Filmshow. Das ist cool und interessant. Aber richtig interessant wird es, wenn wir dem einen Carrier-Synth hinzufügen. Ich habe also bereits ein Muster dafür eingerichtet. Im Moment ist es nur ein leeres Muster. Ich füge noch einen Synthesizer hinzu , altbewährtes Serum Und dann ziehen wir vielleicht die Fäden der Strecke Also werde ich sie einfach ganz schnell einstempeln. Ich erinnere mich also, dass wir fast zwei ganze Schläge lang ein scharfes Dur hatten , außer dass es kurz vorher geschnitten wurde und dann zu C-Dur, Stempel-Dur C wechselt . Dann haben wir d-Moll. Und dann haben wir F-Dur. Und jetzt klingt das so. Ich werde es hochlegen, ich denke, es ist zu niedrig. Und dann weisen wir diesen Synthesizer einem Mixer-Track zu Also ist er dort Spur 21 zugewiesen. Wir werden den Vocoder-Träger-Synthesizer unter unseren Gesang und vielleicht auch hier einfügen den Vocoder-Träger-Synthesizer unter unseren Gesang und vielleicht , nur um zu Atem zu Und wenn ich in den Mixer-Track komme , habe ich den Kanal markiert, also benenne ich ihn einfach um, damit wir wissen, was wir sehen, Carrier Foca Und dann klicken wir mit der rechten Maustaste auf diesen kleinen Pfeil und sagen „ Nur Seitenkette“ zu diesem Track Dann ändern wir in unserem Vocoder die Mod-Nummer auf Null und die Carrier-Nummer auf Jetzt haben Sie hier möglicherweise mehr Nummern, je nachdem wie viele Kanäle Sie an diesen Sprachkanal gesendet haben Aber für uns ist es im Moment nur einer. In unserem Vocoder haben wir also nur eine Option Und jetzt sollte unser Gesang wie ein Roboter klingen, aber auch diese Akkorde spielen Oh, Happi ist jetzt. Ja, und es sind Tage vergangen. Und wir können mit verschiedenen Voreinstellungen herumspielen und sehen, was passiert Nein. Bin. Kein Einkaufen am Telefon. Bin dieses Licht draußen ein schwerer Stein. Bein Ja, das ist es. Oh, ist jetzt. Ja, es geht. Ja, Ch ist tot. Lasst uns jetzt stehen. Rutscht zu jedem Stein runter. L. Und das kann richtig cool sein, wenn du es mit deinem Originalgesang kombinierst. Lassen Sie uns das zum Beispiel einem anderen Track zuweisen . Also jetzt hat dieser keinen Vocoder und dieser Und jetzt können wir mit einer Mischung aus beidem herumspielen. Oh, jetzt haben wir seinen. Oh. Gestern C. Ich habe gerade einen sehr einfachen Fehler gemacht, bei dem ich am Ende beide Gesangssamples geändert habe. Also werde ich das einfach zurück auf Kanal 18 ziehen . Jetzt ist es wieder auf unserem Vocoder-Kanal. Und bei diesem muss ich ihn einzigartig machen , damit er von diesem getrennt ist Lassen Sie uns diesen nun einem neuen Mixer-Track zuweisen, und wir können eine Mischung aus beidem erhalten. Oh, jetzt haben wir seinen. Gestern ist vorbei. Wir haben noch so viel zu tun. Wir sollten nicht alleine bleiben. Aloe. Jetzt unterwegs einkaufen. All das Licht aus einem schweren Sturm. Lass ihn gehen. Nun, das klingt ziemlich cool. Da Sie jedoch einen Carrier-Synthesizer verwenden, durch Ändern des Presets Sie durch Ändern des Presets den Sound des Vocoders Es gibt also auch mehr Optionen, mit denen wir herumspielen können , indem wir den Sound des Synthesizers ändern Also werden wir zum Beispiel hierher kommen. Wir nehmen einfach vielleicht ein paar Schlüssel, vielleicht diese Elementschlüssel. Und wenn ich jetzt in der Playlist auf Play drücke und einige Presets auf dem Synthesizer durchblättere , wirst du hören, wie sich der Sound des Vocoders Ja. Verängstigt. Lass uns das nicht tun. Hinein. Lass es los. Und natürlich können Sie, wie bei allem anderen auch, weitere Bearbeitungen hinzufügen, bei denen wir vielleicht mit dem Wellenformer ein bisschen Körnung hinzufügen Oh, nimm es jetzt. Ja, wenn sie gehen. Wir hatten so viel Zeit. Wir bleiben nicht in A Lo. Jetzt am Telefon einkaufen. Laden Sie dieses Licht auf Emmy Stone. Lass mich gehen. Du, oh, hast keine. Ja, es ist Tag, vorbei. Wir hatten so viel Zeit. Wir sollten nicht drinnen bleiben. 36. Überblick über Kreative Effekte: Kreative Effekte sind unverzichtbar, um einfache Sounds in dynamischen, satten und texturierten Sound umzuwandeln einfache Sounds in dynamischen, satten und texturierten Sound Dazu können Dinge wie Bit-Crusher, Cabinet-Verstärker, Chorus, Filter, Flanger, Granularprozessoren, Phaser, Rotary-Effekte und vielleicht LFO-Modulation gehören. Ich werde hier also einige der coolen und kreativen Effekte demonstrieren , die ich einige der coolen und kreativen Effekte demonstrieren , die Ich werde erklären, was sie sind und was sie tun. Wir gehen ein paar Voreinstellungen durch damit Sie hören können, was der Plug In macht Und hoffentlich kennst du vielleicht ein paar kreative Plugins, deren Sound dir gefällt und die du dir vielleicht in Zukunft holen möchtest Das ist nicht, oh, sieh dir all die coolen Plugins an, die ich habe. Ich möchte nur einige von Ihnen auf die Namen bestimmter Plug-ins aufmerksam machen die Namen bestimmter Plug-ins und darauf, was sie tun, damit Sie in Zukunft, wenn Sie nach einer bestimmten Art von Plug-In oder einem bestimmten Effekt suchen, wissen, wonach Sie suchen müssen. Wenn Sie bereits ein Fortgeschrittener oder Fortgeschrittener in der Musikproduktion sind, dann sind diese Plugins höchstwahrscheinlich etwas, auf das Sie schon einmal gestoßen sind. Aber wenn Sie ein Anfänger sind, haben Sie vielleicht noch nie von diesen gehört, und es könnte von Vorteil sein, zu sehen, was sie sind und was sie tun. Deshalb werde ich hier am Ende einfach einen Abschnitt mit der Stimme wiederholen. Und wir werden das solo spielen und wir werden hier einfach einige dieser Effekte auf unserer Stimme durchgehen . Also, so klingt unser Gesang ohne kreative Effekte. Mm. Und der erste, den wir hinzufügen werden, ist ein bisschen zerquetschend. Also ich habe diesen Sommer hier. Also, dieser besondere Plug-in-Bt-Spaß ist tatsächlich kostenlos. Es ist Teil des kostenlosen Effektpakets von MelderProduction. Wenn Sie also interessiert sind, schauen Sie sich das vielleicht an. Man bekommt Dinge wie einen Analysator, Autopan, Autotune, diesen Bit-Crusher-Plug-In, etwas Hall, einen Kompressor, ein Delay, all diese Außerdem gibt es eine wirklich gute Website namens KV OR und sie haben eine riesige Aber noch wichtiger ist, dass sie eine riesige Datenbank mit kostenlosen Plug-ins haben . finden Sie einige wirklich coole und wirklich interessante Plugins Auf der KVR-Audio-Website Aber vorerst zurück zu diesem Bit-Crusher. Ein Bitcrusher sorgt also im Grunde für eine digitale Qualität mit niedriger Auflösung, indem er die Bittiefe oder die Samplerate reduziert die Bittiefe oder die Samplerate Lassen Sie uns also hören, wie es klingt, und wir werden ein paar Voreinstellungen durchgehen Als Nächstes haben wir einen Cabinet-Verstärker. Diese emulieren den Klang von Gitarrenverstärkern oder Lautsprecherboxen und sorgen so für Wärme und Resonanz Lassen Sie uns also einige davon ausprobieren davon ausprobieren Mm hmm. Dann haben wir Chorus-Effekte, normalerweise in den meisten Programmen kostenlos sind, aber ich zeige Ihnen einen, den ich hier von Melda habe Diese können Breite und Tiefe erzeugen indem sie einen Sound duplizieren und dann die Kopien, den duplizierten Sound, leicht verstimmen oder verzögern Als Nächstes schauen wir uns ein Filter-Plug-In an. Ein Filter-Plug-In formt den Frequenzinhalt eines Klangs indem er bestimmte Frequenzbereiche hervorhebt oder herunterschneidet Es ist im Grunde wie ein automatisierter EQ. Lass uns mal reinhören Da ist es Sie können tatsächlich sehen, was mit dem EQ dort auf dem Bildschirm passiert mit dem EQ dort auf dem Bildschirm Als Nächstes schauen wir uns einen Flanger an. dieser spezielle Flanger ist jetzt wieder Auch dieser spezielle Flanger ist jetzt wieder Teil des kostenlosen M-Effektpakets Richtig. Ein Flanger kann eine metallische und wirbelnde Bewegung erzeugen, indem er den Klang verzögert und dann Als nächstes haben wir einen wirklich lustigen Granulizer. Ein Granulizer zerlegt Schall in winzige kleine Stücke , die als Grains bezeichnet werden, und setzt sie dann Damit können Sie also einige wirklich atmosphärische und seltsame Texturen erzielen , oder Sie können Glitch-Effekte erzielen Als Nächstes haben wir einen Phaser. Also lass uns einfach ein Phaser-Plugin öffnen . Und noch einmal möchte ich nur darauf hinweisen, dass M Phaser Teil des kostenlosen Effektpakets mit Melda ist Ein Phaser sorgt für eine Art schwungvolle Bewegung indem er die Phase verschiedener Frequenzen moduliert Dann haben wir rotierende Plugins. Diese emulieren den Klang eines sich drehenden Lautsprechers. Es wird am häufigsten mit elektrischen Tastaturen oder Orgeln verwendet, aber es ist ein wirklich, wirklich cooler Effekt, um Gesang, Synthesizer oder sogar Bässe Mm hmm. Oh, dann haben wir Unison-Plug-ins Und wir haben uns Unison schon einmal sehr schnell angesehen , als wir die Synth-Parameter bearbeitet haben Aber hier macht es dasselbe. Es teilt also im Grunde einen Sound in mehrere Arten von Stimmen desselben Klangs auf und fügt dann eine D-Melodie hinzu, um ihn zu verdicken und zu erweitern Ich liebe dieses Plug-In. Das ist fantastisch um fette, volle Sounds zu erzeugen. Und als Nächstes sollte man sich die LFO-Modulation ansehen, oder in diesem Fall ist es ein sogenannter Wobbler Nun, da ist auch ein Filter eingebaut, und ich glaube, er hat noch einige andere Effekte wie Phaser und Flanger und Aber nichts hält dich davon ab, deinen eigenen zu bauen, indem du dir so etwas wie ein LFO-Tool besorgst und dann vielleicht einen Filter und dann vielleicht ein bisschen Verzerrung verwendest , und du kannst deinen eigenen Wobbler-Effekt erzeugen Und wie es sich anhört , hat der Wobbler auch einen eingebauten Auto-Pan, was nur ein Effekt ist, der das Schwenken von links nach rechts quasi automatisiert . Das war also nur eine Demonstration einiger der unterhaltsamen kreativen Plugins, die es gibt und die du vielleicht in Zukunft herunterladen oder kaufen möchtest oder kaufen 37. Effektketten: In dieser Vorlesung werden wir uns Effektketten ansehen, und hier stapeln Sie einfach verschiedene Effekte in diesen einzelnen Slots übereinander . Zunächst müssen wir hier also die Reihenfolge einer Signalkette verstehen , und das ist ziemlich einfach. Das Audio kommt am Anfang rein und dann arbeitet es sich nach unten. welcher Reihenfolge Sie die Plugins auch stapeln , es ist die Reihenfolge , in der der Sound verarbeitet wird. Also hier kommt unser Audio in Newton, dann wird es an das Bild gesendet. Und das sind zwei Autotune-Plug-ins. Von dort aus senden wir unser automatisch abgestimmtes Signal an den Liebesfilter und dann senden wir das automatisch eingestellte und gefilterte Signal an den Wobbler Das ist also ein einfacher Überblick über die Signalkette hier in FL Studio Aber ich möchte vielleicht versuchen, die Standard-Plug-ins von FL Studio zu verwenden und sie übereinander zu legen, um zu versuchen , einen interessanten Effekt zu erzielen, der diesem Wobbler ähnelt Für mich klingt es also so, als würde der Wobbler einen automatischen Stift hinzufügen Das Geräusch springt also von links nach rechts, etwa so. So wie das hier Und es hört sich an, als ob da eine Art Filter drin ist, vielleicht ein bisschen Verzerrung und ich weiß nicht, vielleicht ein Chorus-Effekt, um ein bisschen Stereo-Witness hinzuzufügen Schauen wir uns also an, wie wir versuchen, mithilfe von Standard-Plug-ins etwas Ähnliches wie der Wobbler zu machen . Zuallererst werde ich mit dem fruchtigen Liebesfilter beginnen mit dem fruchtigen Liebesfilter Und lass uns ihn spielen während wir uns einige der Presets anhören Okay, das ist ein ziemlich cooler Effekt. Lassen Sie uns jetzt weitermachen und diesen Effekt verzerren. Also nehmen wir das Prozesssignal und fügen ihm jetzt Verzerrungen hinzu Hier. Und damit es von links nach rechts springt, fügen wir eine automatische Pfanne hinzu, die fruchtige Panomatic ist Und dann könnten wir vielleicht so etwas wie einen Refrain hinzufügen , um dem Ganzen etwas Dicke und Weite zu verleihen Ganzen etwas Dicke und Weite Diese vier Effekte , die überlagert sind, haben also etwas wirklich Cooles geschaffen, und es klingt wie etwas der Wobbler Lassen Sie uns wirklich schnell sehen, was passiert , wenn wir die Reihenfolge dieser Plugins umdrehen Im Moment filtern wir also den Sound. Dann verzerren wir den gefilterten Ton. Dann fügen wir dem verzerrten, gefilterten Sound etwas Panning, etwas Autopan und dann fügen wir dem Ganzen Chorus hinzu Aber anstatt den gefilterten Sound vielleicht zu verzerren, könnten wir den verzerrten Sound filtern könnten wir Oder anstatt dem Ganzen einen Refrain hinzuzufügen, könnten wir den Refrain vielleicht auch automatisch schwenken Oder wir könnten den Refrain filtern. Oder wir könnten den Refrain verzerren. Wie Sie sehen können, können Sie Effekte für ein wirklich cooles Sounddesign Und wenn Sie den Signalfluss verstehen, können Sie diese Effekte in der Reihenfolge anordnen, sie den Sound verarbeiten sollen. 38. Mehr Inszenierung und Kopffreiheit: Gain Staging und Headroom sind grundlegende Konzepte beim Mixing und Mastering Richtiges Gain-Staging sorgt für einen sauberen und dynamischen Mix. In dieser Vorlesung erfahren Sie, wie Sie in FL Studio die Bühne gewinnen Der Grund, warum wir Stage gewinnen, besteht hauptsächlich darin , Clipping beim Mischen zu verhindern Clipping ist eine Art digitaler Verzerrung, die auftritt, wenn Ihre Signale Null DB überschreiten wir zum Beispiel den Gesang, wenn wir die Phase nicht verstärkt haben, wissen Sie , was auch immer auf Insert 90 Nehmen wir zum Beispiel den Gesang, wenn wir die Phase nicht verstärkt haben, wissen Sie, was auch immer auf Insert 90 steht Wenn wir den Ton nicht richtig verstärkt haben und er vielleicht bei etwa minus zwei dB seinen Höhepunkt erreicht Und dann kommen wir rein und fügen Dinge wie EQ hinzu, wir erhöhen fünf dB in der Art von Mittenbereich, und dann fügen wir etwas Komprimierung und Sättigung und ein bisschen Verzerrung Das Audiosignal wird dann weit über Null dB liegen. Und das liegt daran, dass du keine Kopffreiheit hattest. Headroom ist also der Unterschied zwischen dem Spitzenpegel der Art von Audiosignalen , der in diesem Fall bei -2,5 lag , In diesem Fall beträgt die Kopffreiheit also nur 2,5 Dezibel, aber wir sollten Was uns nun interessiert, ist das Audiosignal, das zum Track kommt Dieser Fader-Pegel steuert also den Audioausgang. Also das Audio kommt rein, es wird hier verarbeitet, mit allen Effekten Es durchläuft das Panning die Phaseninversion und die Stereotrennung und all diese Tasten hier, und dann erreicht es den Und dieser Fader steuert die Lautstärke für alle Wenn wir also die Melodie vielleicht verstärken würden, würden wir die Lautstärke der einzelnen Kanäle verwenden, weil dadurch die Eingangsverstärkung würden wir die Lautstärke der einzelnen Kanäle verwenden, gesteuert wird Dies steuert den Pegel des Audios, das an den Mixer gesendet wird den Mixer gesendet Also, wenn ich dieses Muster nur für eine Sekunde spiele. Also hier sind unsere beiden Melodieinstrumente. Was wir tun müssen, ist sicherzustellen , dass der Master-Fader auf Null gestellt ist und dass die Fader-Pegel der Gain-Staging ebenfalls auf Null gesetzt sind Schalten Sie alle Effekte aus, die Sie aktiviert haben. Setzen Sie außerdem alle Änderungen an der Schwenk- oder Kanallautstärke , die Sie Wir haben hier also einige Änderungen an der Kanallautstärke vorgenommen, also werde ich sie einfach zurücksetzen. Und dieser auch. Und lass uns den ersten alleine machen. Und worauf wir achten, wenn wir auf Play klicken , ist , dass das Signal minus sechs nicht überschreitet. Und im Idealfall fällt es auch nicht unter -18. Das ist also die Art von Reichweite , nach der wir suchen. Also, das ist für mich perfekt. Schauen wir uns das andere Instrument an. Okay, dieses Instrument übersteigt minus sechs um etwa zwei oder drei DV Also lass uns das leiser machen. Und jetzt haben wir das Instrument auf Kanal 16 so eingestellt, dass es minus sechs nicht übersteigen darf Wenn Sie es also noch nicht herausgefunden haben, ist dies die Phase, in der Sie sicherstellen müssen, dass jedes Instrument und jedes Element, das Sie in Ihrem Arrangement verwenden Also all diese Akkorde, die drei Akkordschichten, die wir verwenden, die beiden Melodie-Ebenen, all die Drums, der Bass, all diese Effekte und diese zusätzlichen Sounds, die wir hinzugefügt haben, und der Gesang, sie alle müssen einer Mixer-Spur zugewiesen werden, damit wir die Audiopegel überwachen können die in diese Mixer-Spur kommen, und wir erfolgreich gewinnen können. Also noch einmal, lassen Sie uns hier vielleicht die Basis gewinnen. Also haben wir zwei Instrumente. Wir sind auf Kanal acht und Kanal neun. Ich muss auch ihre Kanallautstärke zurücksetzen. Und ich werde sicherstellen, dass diese Faderpegel zurückgesetzt werden Sie sehen zurückgesetzt aus, sind es aber vielleicht nicht. Und dann klicken wir auf Play. Und wir werden uns die eingehenden Audiopegel ansehen. Bei unserer Acht-oh-8-Basis ist der Audiopegel also etwas hoch. Lassen Sie uns das runterholen. Und das Gleiche gilt für das andere Instrument, die oberste Bassschicht. Das wird auch ein bisschen zu heiß. Jetzt scheinen beide irgendwo im Bereich von minus sechs bis -18 zu liegen, und keiner von ihnen überschreitet minus sechs Schauen wir uns jetzt vielleicht noch ein Muster an. Die Trommeln nehmen einfach dieses Muster ohne Schlagzeug an. So wie es aussieht, ist unser Kick eigentlich okay. Die Snare ist auch okay. Die Hüte sind auch okay. Und dieses Instrument muss zurückgesetzt werden. Dieses ist fast okay. Es liegt nur geringfügig darüber Richtiges Gain-Staging und Headroom sind entscheidend für einen professionellen und sauberen Mix Beherrsche diese Konzepte und dein Track wird bereit sein, in jeder Umgebung zu glänzen 39. EQ ohne Unterdrückung der Stimmung: EQ ist eines der leistungsstärksten Tools in der Musikproduktion. Es formt deinen Mix, gleicht Frequenzen aus und sorgt für Klarheit aggressiver oder schlecht geplanter EQ kann Ihrem Track jedoch das Leben rauben In diesem Vortrag werden wir untersuchen, wie Sie EQ effektiv einsetzen können, um Ihren Mix zu verbessern, ohne die Stimmung zu beeinträchtigen. Also, zunächst, was ist EQ? Nun, EQ oder Equalizer ist der Vorgang, bei dem die Balance verschiedener Frequenzen in Ihrem Audio angepasst verschiedener Frequenzen in So können wir den Mix bereinigen, indem wir unerwünschte oder raue Frequenzen entfernen , die wir nicht mögen, und dann können wir ihn verstärken Wir können wichtige Elemente hervorheben , damit sie in den Sonic-Raum passen. Sie können es auch verwenden, um dem Track etwas Feinschliff zu verleihen , um den Charakter des Tracks zu verbessern. Also werde ich hier für eine Sekunde ein EQ-Plugin für unser Gesangssample öffnen hier für eine Sekunde ein EQ-Plugin für unser Gesangssample , das wir zu Beginn des Kurses mitgebracht haben Und ich öffne Fruity Parametric EQ Two. Ich versuche, die meisten Effekte, die ich verwende, beizubehalten , um bei den fruchtigen Stock-Plug-ins zu bleiben, nur damit jeder irgendwie mitmachen kann. Wie dem auch sei, mit EQ werden wir uns auf zwei Arten von Hauptregeln konzentrieren, und diese werden gekürzt, um sie zu korrigieren und sie zu verbessern, um Charakter hinzuzufügen Durch das Schneiden können also Probleme wie Matschigkeit oder Körperhaftigkeit gelöst werden. Wir werden uns das in einer Sekunde ansehen. Und dann kann das Boosten wichtige Elemente oder Frequenzen hervorheben , die dem Klang ein wenig Klarheit oder vielleicht Wärme verleihen. Wenn wir schon mal hier sind, werfen wir einen kurzen Blick auf die verschiedenen Frequenzen und was mit den einzelnen Frequenzbereichen verbunden ist. Also von ganz unten, von 20 bis etwa 60 Hertz, haben wir die Unterbasisregion Und das fühlt man mehr als man hört, aber es ist entscheidend für niedrige Energiewerte Was Sie also aus diesem Bereich herausschneiden wollen, ist vielleicht, naja, ich nehme an, diesen ganzen Frequenzbereich von allem zu entfernen , was kein Basiselement ist, also Kick-Base oder irgendein Pad, das vielleicht diese niedrigen Frequenzen aufnimmt. Aber im Gegenteil, du wirst diese Frequenzen in Dingen wie deinem Grundton oder deinem Kick beibehalten . Als Nächstes haben wir etwa 60 Hertz bis 250 Hertz. Dieser Bereich wird einfach als Base bezeichnet. Sie definiert die Art des Gewichts und die Schlagkraft der Strecke. In diesem Bereich können Sie also Dinge wie Matschigkeit reduzieren, und Matschigkeit wird im Allgemeinen zwischen etwa 1:50 und 250 gefunden, aber ich finde, dass es im Allgemeinen irgendwo um aber ich finde, dass es im Allgemeinen irgendwo Sie würden also einfach Ihren Parameter auf etwa 170 erhöhen und ihn herausziehen, um die Unschärfe zu reduzieren Aber wenn Ihr Sound nicht wirklich matschig ist, sich dieser Bereich hervorragend, um Schlagzeug und Bass etwas Schlagkraft zu verleihen Schlagkraft zu Dann haben wir die tiefen Mitten. Also diese reichen von 250 bis etwa 500. Diese Serie kann für Wärme sorgen, sie kann aber auch etwas matschig oder ein bisschen kastenförmig Der Begriff Körperlichkeit wird also im Allgemeinen mit etwa 400 bis 500 Hertz assoziiert Also das ist irgendwie genau hier. Und wenn ich auf Play drücke, kann ich dir vielleicht ein Beispiel dafür zeigen , wie Boxness klingt Also, wenn ich einfach meinen Parameter nehme und etwa 400 auf 500 Man kann hören, dass der Gesang klingt, als würde sie in einer Kiste singen. Es ist ein bisschen gedämpft. Und einfach nicht sehr klar Mm. Dann haben wir die MDs von etwa 500 bis zu zwei K oder 2 Kilohertz Dieser Bereich wird im Allgemeinen mit einem Begriff assoziiert, der als Honky bekannt Wenn ich mir also einfach den Parameter schnappe und in diesem Bereich booste, wirst du hoffentlich in der Lage sein, die Art von Onomatopea dieser Beschreibung zu hören Das ist so ähnlich wie ein Huphorn oder, wenn du dir vorstellen kannst, die Nase eines Clowns Wenn du versuchen würdest, diese Form selbst zu singen, würdest du eine Menge Geräusche machen Ziemlich kitschig. In diesem Bereich könnte man jedoch etwas Präsenz in Dingen wie Gesang und Leads finden Präsenz in Dingen wie Gesang und Es kommt also wirklich nur auf den Sound an und darauf, was Sie in Ihrem Mix haben Dann haben wir die oberen Mitten von etwa zwei K bis hin zu sechs K, was wahrscheinlich irgendwo hier ist Hier leben Klarheit und Definition. Aber in diesem Bereich finden Sie vielleicht auch ziemlich harte Frequenzen in hohen Hüten oder vielleicht einigen Synthesizer-Sounds. Aber oft wird das mit einer gewissen Klarheit und Präsenz im Gesang in Verbindung gebracht Klarheit und Präsenz im Gesang in Also erhöhe ich zum Beispiel einfach die Art der Klarheitszone oder die Present-Zone, die in diesem Gesangssample, das wir haben, etwa fünf K beträgt, und du wirst hoffentlich hören können , dass das Gesangssample etwas klarer wird Es geht darum, ein bisschen Schnitt oder ein bisschen Geschenke hinzuzufügen. Es ist nicht so einfach wie Leichtigkeit oder Klarheit, dass wir hier oben stehen würden Aber nur ein bisschen Durchschneiden und ein bisschen Geschenke. Nun, auch in diesem Bereich bei etwa 2,5, also vielleicht irgendwo hier eine Art nasale Qualität. Also wenn ich das einfach spiele und es verstärke , kannst du hören, dass der Sound jetzt ziemlich nasal wird Und das kommt vor allem beim Gesang zum Tragen. Mama hm. Also normalerweise klingt ein Schnitt um 2,5 K in einer Stimme ziemlich gut. Aber auch hier nicht immer. Es hängt nur von deinem Gesang und deinem Mix ab. Dann haben wir die Höhen von sechs K bis hin zu 20 K hier oben Das ist deine Luft, deine Brillanz, dein Funkeln, dein Brutzeln und deine Art von Offenheit Damit kannst du Symbole oder Effekte vielleicht etwas rauer machen, aber es kann auch Symbolen oder Effekten ein bisschen Glanz verleihen Es hängt nur davon ab, was Sie tun möchten. Aber bei Dingen wie Gesang, Pads oder vielleicht Melodien kann es ein bisschen Luft oder Brillanz hinzufügen also bei unserer Stimme Wenn ich also bei unserer Stimme diesen Frequenzbereich einfach von etwa sechs K aufwärts erhöhe, sollten wir dem Gesang ein gutes bisschen Leichtigkeit oder Funkeln Mm hmm. Und wenn wir dann diesen Gesang mit einem EQ bearbeiten würden, würden wir uns die beiden Prinzipien ansehen, über die ich vor dem Cut und Boost gesprochen habe Oder mit anderen Worten, wir haben es mit subtraktivem und additivem EQ Bei so etwas, das nicht viele Basisinformationen enthält, werde ich das meiste davon weglassen , weil wir es nicht benötigen Also werde ich die Tiefstwerte bei vielleicht 150 herunterfahren. Und das wird diese Art von Gewicht loswerden . Es ist wirklich Leergewicht. Es ist kein Gewicht, das wir brauchen, und es wird nur mit dem Kick und dem Bass kollidieren. Also werde ich es beim Gesang loswerden und bei allem anderen, weißt du , Akkorde, Melodien, alles andere, nicht basslastig ist, was in diesem Track wahrscheinlich nur der Kick und der Bass wären nur der Kick und der Also werden wir vorerst die Tiefen herunterrollen. Und tut mir leid, ich habe das einfach gemacht, indem ich mit der rechten Maustaste auf den Parameter geklickt habe. Die Form ändern. So können Sie die Form dieser einzelnen Bänder ändern. Also habe ich einen Hochpass gewählt , der buchstäblich alle hohen Frequenzen durchlässt. Aber die andere Art von Begriff dafür wäre ein Tiefpunkt. Wir haben natürlich auch andere Formen, wie, Sie wissen schon, eine Spitze, das ist Ihre Art von Glocken - oder Kerbkurve und ein Regal, das dieses Siebenband eingestellt ist, wo Sie sehen können, wo die Form des EQ quasi zu wo die Form des EQ quasi übergeht, das wie ein Hügel oder ein Regal aussieht Das wäre also eine Regalform. Aber wir suchen hier nach einem Tiefpass oder einem Hochpass, um die tiefen Frequenzen am Ende abzurollen einem Hochpass, um die tiefen Frequenzen am Ende abzurollen. Also werde ich das auf 150 zurückstellen . Und Sie sollten hören , dass das Leergewicht aus dieser Stimme entfernt wurde. Als Nächstes nehmen wir ein anderes Band und passen die Q oder die Bandbreite an. Wir wissen jetzt also, dass diese Bänder genannt werden und Bandbreite genau das ist, wonach es sich anhört. Es ist die Breite einer solchen Kurve. Also können wir das mit dem kleinen Knopf hier unter unserem Frequenzknopf einstellen hier unter unserem Frequenzknopf Also, wenn ich es nur verschärfe, wollen wir das irgendwie chirurgisch angehen Wir suchen nach Frequenzen , die wir nicht mögen, und sie dann herausziehen Das ist unsere subtraktive oder schneidende Stufe des EQ. Lassen Sie uns diesen Gesang durchgehen. Und finden Sie einige Frequenzen wir nicht mögen, und ziehen Sie sie heraus. Also sofort habe ich ein bisschen Körpergefühl, Matschigkeit Es ist ein bisschen gedämpft, ich bin kein großer Fan davon, also werde ich das rausnehmen Hoffentlich klingt der Gesang etwas leichter. Und dann können wir wieder ein anderes Band nehmen, das Queue etwas enger einstellen und wir werden es wieder durchziehen . Also, es gibt hier eine Art Resonanz , von der ich kein großer Fan bin Also werde ich das auch rausholen. Wir wollen den Sound noch nicht beeinflussen. Das kommt als Nächstes. Ich weiß also , dass es hier etwas gab , das nicht sehr nett klang, aber das war eher ein allgemeines, kitschiges, kastenartiges Gefühl. Ich mochte es nicht wirklich Aber speziell hier gab es eine Art Resonanz in diesem Bereich. Und dann war es hier unten ein bisschen gedämpft. Also werde ich vielleicht mit Band drei weitermachen, das anpassen und wir werden es durchziehen. Oh. Also vielleicht etwas hier, es ist ein bisschen pfeifend, ich weiß nicht, es ist hart Ich nehme an, es ist irgendwie schmerzhaft in meinen Ohren. Also werde ich das auch herausziehen. Und wenn wir jetzt A B sind, sollten wir eine viel sauberer klingende Stimme haben Also haben wir dieses gedämpfte Gefühl losgeworden. Und wir haben es ein bisschen klarer und ein bisschen leichter gemacht. Dann machen wir einen additiven EQ. Also werden wir einen weiteren EQ eröffnen. Und dieses Mal verwenden wir eine breite Bandbreite oder einen breiten Cue Wir operieren also nicht , wir sind eher allgemein und wir versuchen, den Sound irgendwie zu formen. Also werden wir Frequenzen erhöhen , die gut klingen, und wir werden einige reduzieren , von denen wir nicht glauben, dass sie dem Sound etwas Angenehmes hinzufügen dem Sound etwas Angenehmes hinzufügen Es geht also nicht darum, chirurgisch vorzugehen und bestimmte Frequenzen zu entfernen , die Probleme verursachen Es geht nur darum, den Sound zu formen. Also hier ist es ein bisschen kitschig. Kein großer Fan davon Also werde ich das mal kurz herausnehmen. Aber Sie können sehen, dass wir ein viel breiteres Stichwort oder eine viel breitere Bandbreite verwenden. Also lass uns weitermachen. Also, etwas hier oben, es ist ein bisschen hart. Es klingt nicht nach echter Leichtigkeit. Es ist irgendwie so, weil ich vermute, dass das Sample Low-Fidelity oder Low-Fi ist, es klingt so, als ob wir nur die niedrige Samplerate oder die niedrige Bittiefe Also könnte ich hier einfach ein bisschen von den oberen Höhen abschneiden. Wenn wir uns also an die hohen Frequenzen von sechs K bis 20 k erinnern , werde ich sie ein bisschen rausschneiden Aber dann könnte ich unsere Präsenzzone dieser Stimme erhöhen. Und wir könnten es noch einmal durchgehen und einfach etwas von dieser Nasalität herausschneiden . Vielleicht hier Und jetzt lass es uns von A B sagen. Wir werden beide A B. Also schalte ich beide aus und wir schalten beide ein, während der Gesang läuft. Also zuerst unser subtraktiver EQ also fügen wir einfach ein bisschen Geschenke oder ein bisschen Luft hinzu und formen den Sound mit dem zweiten Nun, für eine Sekunde, wenn wir so etwas wie den Basis-Oops aufrufen wie Also ich suche momentan nur nach diesem. Also lasst uns das EQ machen. Wir werden unseren parametrischen EQ öffnen Und weil es sich um ein Basiselement handelt, sind diese Frequenzen gut Wir wollen, dass diese im Sound bleiben. Wir wollen diese Frequenzen, weil sie mehr Gewicht und Schlagkraft verleihen und den Track einfach irgendwie aufwärmen. In diesem Frequenzbereich sollte sich die Basis normalerweise befinden. Es wird wörtlich Base genannt. Wir konzentrieren uns also nicht darauf, irgendwas davon herauszuschneiden. Es könnte jedoch sein, hier oben nutzlose Informationen gibt. Wie Sie sehen können, gebe ich Gas. Die Höhen und nichts passiert wirklich. Es fügt tatsächlich ein bisschen Klick hinzu , was überhaupt nicht schön ist, das zu hören Also werde ich die Form so ändern das Gegenteil eines Hochpasses ist, was ein Tiefpass ist, oder es wäre manchmal ein hoher Schnitt. Aber das brauchen wir hier oben nicht. Aber ich werde von den Höhen herunterrollen. Wir wollen nicht alle Höhen töten, sondern nur das nutzlose Klicken , von dem ich kein großer Fan bin Und dann werden wir wieder den gleichen Prozess durchführen. Lassen Sie uns also unsere Warteschlange eingrenzen. Also sofort ist diese Gegend ziemlich matschig. Ich werde einiges davon herausschneiden. Lass uns wieder Band drei nehmen. Es gibt nichts anderes chirurgisch , das Probleme verursacht, also werde ich jetzt zu meinem additiven EQ übergehen Also laden wir einen weiteren EQ hoch. Und in diesem Fall versuchen wir jetzt nur, den Sound mit einem Breit zu formen M Also das ist ein bisschen kitschig. Könnte es einfach leicht verengen und einige davon herausziehen. Und vielleicht, weil es eine Basis ist, könnten wir ihr in einem solchen Niederfrequenzbereich einen kleinen Schub geben in einem solchen Niederfrequenzbereich einen kleinen Schub . Also lassen Sie uns das abbauen. Da das dann meine Unterbasis ist, könnte es möglicherweise mit meiner Kickdrum kollidieren. Also werde ich jetzt meine Base mit meiner Kickdrum vergleichen. Also werde ich den Kick solo und ich werde den Base solo spielen Und wieder werden wir den gleichen Prozess durchlaufen. Mit Ihrer Kick-Drum öffnen Sie also einen parametrischen EQ Sie führen chirurgisches EQing durch und ziehen ein paar Frequenzen heraus, die Sie nicht mögen mit einer Art schmaler Aber ich überspringe diese Phase für eine Sekunde, also tun wir so, als hätte ich das getan Aber wir werden jetzt versuchen, den Bass und den Kick zusammenzubringen Also werden wir beide gleichzeitig spielen, und wir werden durchforsten und Bereiche finden, und wir werden durchforsten und Bereiche finden in denen der Kick mit dem Bass kollidieren könnte, und dann versuchen, den EQ zu verwenden, damit sich die beiden basslastigen Sounds gegenseitig ergänzen. Also lass uns mal reinhören Ups, ich muss in der Liedansicht sein. Also ich glaube, irgendwo hier fangen sie an, aufeinander zu stoßen. Sie belegen jetzt quasi den gleichen Frequenzbereich. Also, wenn ich das ein einschränke und ein bisschen davon aus dem Kick heraushole, dann erhöhe ich vielleicht die echte Low-End-Energie hier im Kitrm Mach ein bisschen drüber. Und wenn ich mich erinnere, was ich hier gemacht habe, also habe ich etwa 75 Hertz erhöht und 135 reduziert, um zu meiner Basis zurückzukehren Ich kann mir vorstellen, nun ja, zuallererst, ich wirklich nichts unter 75 boosten werde, außer diesem, aber ich kann vielleicht dass ich wirklich nichts unter 75 boosten werde, außer diesem, aber ich kann vielleicht etwas davon aus der Basis ziehen , sodass wir Platz für das Kitrum machen Und dann könnte ich vielleicht eine andere Band nehmen und irgendwo hier ein bisschen 135 rausholen irgendwo hier ein bisschen 135 rausholen Ich werde die Warteschlange nur ein bisschen einschränken. Jetzt haben wir die Basis gegen die Kickdrum geformt und beide sollten irgendwie gut zusammenpassen und sich gegenseitig ergänzen. Und dann würdest du dieselbe Idee für den Rest deines Tracks verwenden . Wir haben hier also bereits unser Gesangsbeispiel abgefragt , das wir zu Beginn des Kurses mitgebracht haben Ups, ich möchte das wiederholen. Vielleicht eine Schleife da drüben. Also haben wir das schon erledigt Also, was Sie jetzt tun möchten, ist EQ für andere Elemente. Nehmen wir zum Beispiel das Klavier. Wir würden das Klavier mit dem Gesang vergleichen wollen , damit es passt Und dann könnten wir das Lead mit dem Klavier und dem Gesang vergleichen und sie alle zusammenpassen lassen Und dann entkernen wir die Bleischicht. Wenn wir also mit Schichten arbeiten, würde ich jede Schicht quasi als Teil eines Instruments behandeln quasi als Teil eines Instruments Im Idealfall würden wir also unser Lead und die Lead-Schicht einzeln aufnehmen, und das in nur einer Sekunde, und wir werden sie zusammen äquirieren Danach würden wir sie den anderen Elementen im Rest des Tracks vergleichen, wie deinem Gesang oder deinem Klavier Lassen Sie uns zunächst schnell einen Blick auf die Hauptinstrumente werfen. Ups, das ist der Bass. Wo ist meine Hauptrolle? Hier. Okay, ich habe also zwei Hauptinstrumente auf 15 und 16. Also machen wir sie einfach für eine Sekunde solo. Und wieder werde ich nur einen Solo spielen. Und jetzt mache ich ganz schnell unsere Art von subtraktivem Also nochmal, das ist kein Grundsound. Ich möchte nicht, dass es hier unten zu viele Informationen gibt, also werde ich das Low-End verlassen Wir werden ein bisschen operieren. Etwas Witziges da drin oder Resonanz. Ich ziehe das ein bisschen raus und wir nehmen wieder Band Fünf. Vielleicht etwas da. Und ich glaube, irgendwo hier oben war noch einer. Irgendwie pfiffig. Ja, vielleicht dort Jetzt haben wir subtraktiven EQ verwendet und einige dieser fiesen Frequenzen herausgeholt Als Nächstes wissen Sie, was wir tun. Wir öffnen noch einen und jetzt erweitern wir den Sound. Ich denke also, dass diese Art von Nasenbereich den Klang von grundlegender Bedeutung ist, also werde ich ihn ein wenig verstärken. Siehst du, ich denke, das verleiht Charakter. Hier ist es flach. Und jetzt haben wir gerade diese Art von grundlegender Nasalität des Klangs hinzugefügt diese Art von grundlegender Nasalität des Ich glaube nicht, dass es hier oben noch etwas anderes gibt. Ich füge ein bisschen Klarheit hinzu. mir nicht sicher, ob ich das brauche, weil ich weiß, dass ich eine weitere Ebene habe. Also lasse ich das vorerst liegen und nehme meine Schicht. Ich werde es zuerst solo spielen, damit wir es alleine hören können , weißt du, irgendwie aus dem Zusammenhang ohne dass etwas anderes im Track ist, nur damit wir unseren chirurgischen EQ machen können Also noch einmal, ich schneide einige der unnötigen Tiefen ab und dann werde ich sehr schnell nachschauen und einfach ein paar Frequenzen finden, die unangenehm sind . Ein bisschen pfeifend. Das ist ziemlich hart. Das ist wahrscheinlich alles. Laden wir jetzt unseren zweiten EQ. Und hier werden wir uns wieder der anderen Ebene zuwenden und herausfinden, wo die Maskierung stattfindet und wo wir die andere Ebene irgendwie ergänzen können Ich weiß also, dass ich das in dem anderen Sound verstärkt habe, und Sie können hier sofort hören, wenn ich es auch in dieser Ebene verstärke , dass sie miteinander kollidieren Es ist ein bisschen Frequenzmaskierung im Gange. Und das bedeutet im Grunde, dass man die beiden unterschiedlichen Geräusche nicht wirklich erkennen kann , wenn sie zusammenkommen Es klingt einfach irgendwie nach Chaos oder Unschärfe. Also werde ich diese Frequenzmaskierung herausnehmen, um Platz für diese Ebene zu schaffen Und dann könnten wir vielleicht, weil wir wissen, dass hier die Frequenzmaskierung stattfindet, einige andere Frequenzen erhöhen Vielleicht irgendwo hier. Und vielleicht nur ein bisschen mehr in den hohen Frequenzen dort. Und wenn wir jetzt versuchen, das im Kontext zu hören, dann haben wir unseren Vocal-Hook. Wir spielen unsere Melodie solo und hoffen nur, dass mein Laptop nicht hinterherhinkt könnten wir wieder zu unserer Stimme zurückkehren und sie anpassen. Aber ich glaube nicht, dass wir das müssen. Wir schneiden diese Bleifrequenzen sowieso irgendwie aus unserer Stimme heraus, die irgendwo hier in der Nähe ist. Also ich denke nicht, dass es notwendig ist. Und wir könnten einfach Oops, auch das Klavier, hinzufügen und ich werde diese Ebenen einfach stummschalten, und ich werde diese Ebenen einfach stummschalten weil ich glaube, dass sie dazu führen, dass mein Laptop langsamer Also öffne ich einfach das Klavier und wir stimmen das die Leads und gegen den EQ Nun, hier ist ein bisschen Wärme im unteren Teil des Klaviers Ich möchte es nicht zu stark reduzieren weil man hört, dass es etwas dünn wird. Also werde ich einen Teil des Gewichts behalten. Vielleicht irgendwo dort. Und jetzt machen wir unsere Operation. Das ist ein bisschen resonant. Schnappen wir uns Band vier. Die meisten davon sind eigentlich Obertöne, also sind sie wahrscheinlich in Ordnung Aber vielleicht nur ein kleiner Schnitt wie dieser. Und jetzt schalten wir unsere anderen Instrumente wieder ein und stimmen das Klavier gegen sie Lassen Sie uns also Bereiche finden , in denen das Klavier alles andere ergänzt. Also hier kollidiert es mit der Melodie und hier kollidiert es irgendwie mit dem Gesang Also werde ich vielleicht ein bisschen davon rausziehen. Vielleicht hier boosten und vielleicht boosten. Etwas hier, nur um es ein bisschen zu schneiden oder zu beißen. Und das ist der Prozess, den du mit deinem ganzen Track machen würdest. Ich weiß also, dass wir bei unserem Klavier zwei Schichten haben. Nehmen wir zum Beispiel an, es sind diese beiden, wir würden das Klavier solo spielen. Nun, wir würden zuerst eine der Ebenen solo spielen und unseren chirurgischen EQ machen, solo, irgendeinen chirurgischen EQ machen Und dann würden wir unser Additiv oder Shaping gegen die beiden Schichten anwenden, und dann machen wir auch etwas additives Shaping bei eingeschaltetem Klavier Und dann würden wir wieder etwas additive Formgebung durchführen, bei der alle anderen Elemente aktiviert waren, und so weiter. Du solltest sicherstellen, dass du tiefe Frequenzen von Elementen abschneidest , die das nicht benötigen, Dinge wie Sinth oder deinen Gesang oder sogar dein Klatschen, deinen Hut, deine Snare Sie entkommen dem auch nicht. Ein Klatschen enthält nicht viele niederfrequente Informationen. Sie würden also auch einen Hochpass oder einen Tiefschnitt auf Ihre Schlagzeug-Samples anwenden auch einen Hochpass oder einen Tiefschnitt auf Ihre Schlagzeug-Samples Und dann machst du mit Dingen wie deinem Kick oder deinem Bass das Gegenteil, wo du stattdessen einige der hohen Frequenzen abrollst diese niedrigen Frequenzen drin belässt. EQ ist also, wie Sie sehen können, eine Art Balanceakt zwischen Klarheit und Charakter Du kannst Mixe kreieren , die sauber, dynamisch und voller Leben sind , dynamisch und voller Leben Denken Sie immer daran, dass EQ ein Tool ist, um die Stimmung zu verbessern. Es ist nicht dazu da, es irgendwie zu überwältigen . Also bleib subtil Halte es also subtil, behalte es zielgerichtet und deine Spuren werden immer 40. Komprimierung für Beats: Jetzt schauen wir uns die Komprimierung an. Die Komprimierung ist in jeder Musikproduktion ein unverzichtbares Instrument zur Steuerung der Dynamik. Lassen Sie uns also zunächst einen Kompressor öffnen und uns einige seiner Parameter ansehen. Also werden wir hier auf dem Klavier, das auf Kanal 13 läuft , einen Kompressor öffnen , und ich werde den Kompressor laden . Damit werden wir uns jetzt die Parameter ansehen. Zuerst haben wir die Eingangsverstärkung, und so viel Volumen kommt in den Kompressor. Die Ausgangsverstärkung oder die sogenannte Zusatzverstärkung gibt die sogenannte Zusatzverstärkung wie viel Volumen aus dem Kompressor austritt. Die Angriffszeit gibt an, wie schnell sich der Kompressor einschaltet. Die Veröffentlichung ist das Gegenteil. Es geht darum, wie schnell der Kompressor abgeschaltet wird. Der Schwellenwert ist der Audiopegel bei dem die Komprimierung beginnt, und das Verhältnis gibt wie stark die Komprimierung tatsächlich angewendet wird. Ich weiß, dass wir hier auch einen RMS-Regler haben, aber das hat eigentlich nichts mit Komprimierung zu tun Das hat nur mit der visuellen Grafik hier unten zu tun. Darüber müssen wir uns also keine Sorgen machen. Und dann haben wir das Knie. Dies steuert die Glätte der Kompressionskurve. Im Moment ist es also ein hartes Knie. Wenn der Audiopegel diesen Schwellenwert erreicht, fängt der Kompressor quasi an zu komprimieren. Aber wir können das Knie so einstellen, dass es weich um es vielleicht glatter oder linearer zu machen, zum Beispiel zu versuchen, auch den Klang zu glätten Okay, nur ein kurzer Schnitt hier. Ich habe das Klavier komprimiert, aber mein Laptop konnte damit nicht umgehen. Ich weiß nicht warum. Also werde ich es hier nochmal machen. Ich habe meinen M-Kompressor geöffnet. Ich bin auf meinem Klavierkanal. Also werden wir jetzt die Parameter verwenden, die wir uns gerade angesehen haben, um das Klavier zu komprimieren. Zuallererst, weil das Klavier ein akustisches Instrument ist und es ziemlich flüssig ist, werde ich mein Verhältnis auf vielleicht drei einstellen. Ich möchte damit nicht zu aggressiv sein. Ich werde meinen Schwellenwert herabsetzen, um dem Punkt zu entsprechen, an dem die Lautstärke ankommt. Jetzt können Sie die Kompression dort hören. Es fängt an, das Klavier irgendwie zu zerquetschen. Wenn ich diesen Schwellenwert einfach vollständig heruntersetze, werden Sie hören können, wie starke Komprimierung wirklich klingt Es klingt, als ob das Klavier irgendwie zusammengedrückt ist, oder es entsteht eine Art Pumpeffekt Das ist extreme Überkomprimierung. Das Klavier pumpt. Also wollen wir damit nur ein bisschen subtiler sein. Und wieder werde ich das Knie anpassen, und Sie werden sofort sehen, dass ein weiches Knie tatsächlich dazu beiträgt, einen Teil dieses Pumpeffekts loszuwerden. Es macht es nur ein bisschen weniger offensichtlich und das Wort, das wir gerne verwenden, ist transparenter. Also ich denke, es ist ein bisschen zu viel. Ich passe den Schwellenwert einfach nochmal an. Angriffszeit angeht, weil das Klavier ein ziemlich stechender Klang ist oder als hart beschrieben werden würde, hat es zu Beginn jeder Note eine scharfe Vergänglichkeit Beginn jeder Deshalb lasse ich einige von ihnen durch den Angriff vorübergehend werden Und dann werde ich dafür sorgen , dass es etwas flüssiger klingt , indem ich die Veröffentlichung auf vielleicht 100 und einen Angriff Hoffentlich haben wir jetzt ein gut komprimiertes Klavier, aber es ist auch irgendwie transparent und lässt es ein bisschen flüssiger klingen Lass mich das nur von A B sagen. Das ist ein subtilerer Unterschied. Und dann können wir uns unser Verstärkungsreduktionsmessgerät ansehen. Es zeigt also vielleicht minus drei bis minus vier an. Das bedeutet also im Grunde , dass wir die Verstärkung des Klaviers um diese Menge an Dezibel reduzieren die Verstärkung des Klaviers um diese Menge an Dezibel Ich möchte also meine Ausgangsleistung oder meine Make-up-Verstärkung verwenden meine Ausgangsleistung oder meine Make-up-Verstärkung , um diese Verringerung der Verstärkung auszugleichen Also hoppla. Das ist zu viel Vielleicht etwa -3,5. Und jetzt haben wir das Klavier erfolgreich komprimiert. Jetzt, wo wir noch in diesem Ausschnitt sind, werde ich Sie durch die Glue-Komprimierung und Multiband-Komprimierung führen, bevor wir zum anderen Video zurückkehren Für die Klebekomprimierung nehmen wir zum Beispiel zwei der Ebenen Das sind also die beiden Melodie-Ebenen. Aber bei der Klebekomprimierung handelt es sich im Grunde genommen um eine Gruppe Sie werden eine Gruppe gleichzeitig komprimieren, um sie gewissermaßen zu verkleben oder miteinander zu vermischen. Sie könnten das für Dinge wie Ebenen tun. Also zum Beispiel unsere Melodie-Ebene hier. Wir könnten es auch mit den Akkorden machen. Wir könnten alle Akkorde mit Klebstoff komprimieren. Also benutzen wir unser Klavier und vielleicht unsere beiden Klavierschichten. Du kannst Glue Compression für dein Schlagzeug, den gesamten Gesang, für den Gesang und die Akkorde Sie können dies für den gesamten Track auf dem Master-Kanal tun. Aber im Moment machen wir es einfach mit diesen beiden Melodie-Ebenen Lassen Sie mich also einfach mein Melodiemuster öffnen. Dafür wollen wir also einen Bus erstellen, und ein Bus verwendet im Grunde einen dieser Kanäle als Gruppe Also werden wir das Audiosignal von Seite zwei und von Serum Nummer sechs senden . Wir werden das Audiosignal raus und runter auf jeden beliebigen Kanal senden . Nehmen wir Kanal 50 und benennen ihn Melody Bus um, also nehme ich Prag zwei Und was ich tun möchte, ist, dass ich es nur auf diesen Track rooten möchte Weil ich nicht möchte, dass Prog 2 gleichzeitig an meinen Bus und an den Master geschickt meinen Bus und an den Master wird , weil das das Signal verdoppelt Ich möchte das Signal nicht verdoppeln. Ich will das Signal nur hier unten verankern, bis zu meinem Bus. Und dann vom Bus, der das Signal meiner beiden Melodie-Ebenen kombiniert, dann wird es an den Master gesendet Nehmen wir also unsere andere Ebene und wir werden wieder nur zu diesem Track rooten Und du wirst sehen, dass es nicht mehr an den Master gesendet wird. Und wird stattdessen hierher geschickt. Und jetzt kommen diese beiden Schichten über diesen Bus. Und ich kann überprüfen, ob ich nichts hören sollte, wenn ich auf Play drücke und diesen Bus stummschalten. Jetzt weiß ich, dass diese beiden Signale hier unten nur über diesen Kanal 50, diesen Melodie-Bus, Um ein bisschen Glue-Komprimierung durchzuführen, werden wir beide Signale komprimieren, beide Ebenen gleichzeitig Lassen Sie uns also unseren Kompressor öffnen. Und was wir hier suchen, ist eine subtile Komprimierung, um die Elemente zusammenzukleben, daher wird sie als Klebekomprimierung bezeichnet. Was wir also tun werden, ist, unseren Schwellenwert so einzustellen, dass er unterhalb der Grenze liegt, an der unser Lautstärkepegel ankommt. Nichts Extremes. Wir versuchen sehr subtil zu sein. Wir werden ein ziemlich niedriges Verhältnis verwenden. 1,8 ist eigentlich in Ordnung, aber ich könnte meins auf zwei setzen. Wir werden den Angriff auf etwa 30 ändern, nur um einige der Transienten durchzulassen Dann werden wir unsere Veröffentlichung auf etwa 1:50 Uhr einstellen. Wir wollen, dass das ziemlich glatt ist und eine Art Unschärfe oder eine Mischung erzeugt Und dann würden wir einfach den Make-up-Gain so einstellen , dass er der Verstärkungsreduzierung entspricht Also hier ist es wahrscheinlich ungefähr minus eins oder minus zwei, also werde ich plus zwei. Nun, das wird ein sehr subtiler Effekt sein. Aber es geht nur darum, diese beiden separaten Elemente irgendwie zusammenzukleben und ihnen das Gefühl zu ein Element oder ein Instrument zu sein. Schauen wir uns nun kurz die Multiband-Komprimierung an. Das funktioniert hervorragend auf Buskanälen, aber es funktioniert hauptsächlich besser für Sounds einem großen Frequenzbereich Unsere Melodie hier ist ziemlich dünn. Es ist nicht so, wenn ich einfach einen EQ für eine Sekunde öffne, kann man sehen, dass der Bereich hauptsächlich die Hauptgrundfrequenzen dieses Sounds oder dieser beiden Schichten zwischen, glaube ich, 500 und vielleicht sechs K umfasst. Das ist glaube ich, 500 und ein ziemlich dünner Bereich, wohingegen, wenn wir zum Beispiel das Klavier nehmen würden, das hier ist Ich schalte sie einfach für eine Sekunde stumm. Wir können sehen, dass die Reichweite viel größer ist. Es liegt vielleicht zwischen 50 und fünf K. Wir haben es mit unserem EQ etwas ausgedünnt Aber wenn wir vielleicht eine oder zwei dieser Schichten nehmen würden. Also nehme ich einfach diesen , weil ich weiß, dass dieser meine CPU tatsächlich in Panik versetzt. Aber wenn wir diese Ebene nehmen und so tun , als ob das die einzigen Lagen in unseren Kabeln sind, wir sie auf einen neuen Bus rooten, vielleicht unten neben dem Melodiebus hier, wir werden diesen sehr schnell in Akkorde umbenennen und wir nehmen unser Klavier und Root nur zu Und wir werden unsere Akkordschicht und den Grundton ebenfalls nur für diesen Track verwenden Und dann werden wir einen Multiband-Kompressor öffnen. Also ich habe, weißt du, verschiedene Versionen davon, aber FL Studio hat eine Also lass uns Maximus öffnen. Und hier, falls Sie es nicht erraten haben ein Multiband-Kompressor ist wie Kompression und EQ irgendwie vermischt Sie können also die tiefen Frequenzen komprimieren und sie dort einstellen, wo Sie sie benötigen. Sie können die Tiefen, Mitten und Höhen getrennt voneinander komprimieren und Höhen getrennt voneinander Und deshalb funktioniert es besser bei, ähm, Sounds, die einen großen Frequenzbereich haben Es macht also keinen Sinn, einen Sound, der nur diesen Teil des Frequenzbereichs beansprucht, mit Multiband macht also keinen Sinn, einen Sound, der nur zu komprimieren Aber wenn wir hier zum Beispiel unsere Klavier - und Akkordschicht verwenden hier zum Beispiel unsere Klavier - und Akkordschicht ich einfach wieder einen EQ öffne, nur um mir den Frequenzbereich anzusehen Wir gehen von etwa 50, jetzt sogar noch höher, wir steigen wahrscheinlich auf etwa sechs K. Da haben wir also eine ziemlich große Bandbreite Verwendung der Multiband-Komprimierung als Glue-Komprimierung wird also als Glue-Komprimierung wird wahrscheinlich ganz gut funktionieren Jetzt müssen Sie die Multiband-Komprimierung auf Buskanälen nicht mehr verwenden Multiband-Komprimierung auf Buskanälen Das mag ich, aber Sie können es absolut einfach alleine auf dem Klavier oder in die Akkorde eigenständig einfügen oder in die Akkorde eigenständig Es kann verwendet werden, um einen Sound wirklich zu verdicken. Aber zum Beispiel werden wir es hier einfach als Klebekomprimierung verwenden Und es wird uns ermöglichen , uns ein bisschen mehr auf jede der einzelnen Frequenzen zu konzentrieren. Nun, ich möchte auch sagen, dass wir bei Maximus drei haben. Wir haben das niedrige, das mittlere und das hohe Frequenzband Bei einigen anderen Multiband-Kompressoren erhalten Sie jedoch mehr oder bei einigen können Sie so viele einsetzen, wie Sie möchten. Ich werde einfach sehen, wie viele Wenn ich diese Multiband-Dynamik zu groß nehme, öffne ich für eine Sekunde ein Preset Damit haben wir ein, zwei, drei oder fünf verschiedene Bänder Und ich weiß es nicht. Können wir hinzufügen? Wir haben sechs. Wir haben sechs Bänder, die wir in diesem Multiband-Kompressor verwenden können in diesem Multiband-Kompressor verwenden Aber darauf konzentriere ich mich vorerst nicht. Ich überlege, die Standard-Plugins von FL Studio zu verwenden, also schauen wir uns einfach Maximus an Und Maximus ist tatsächlich ein wirklich, wirklich leistungsstarkes Plug-In Also lass es uns jetzt einfach benutzen. Wir werden unsere niedrigen Frequenzen solistisch einstellen, um unseren Bereich für die niedrigen Frequenzen einzustellen. Also gehen wir da quasi in die Mitte . Vielleicht irgendwo hier. Stellen wir unsere Mittenfrequenzen ein. Ich glaube, wenn ich klicke, geht es auf die Höhen über. Lass uns einfach die Höchstwerte festlegen. Vielleicht irgendwo dort, und das sind auch unsere Mitten standardmäßig eingestellt Jetzt, wo dein Pre hier ist, ist das deine Eingangsverstärkung Oder mit Maximus können Sie auch den eigentlichen Frequenzblock, nehme ich an, nach oben und unten ziehen nehme ich an, nach oben und unten Aber ich lasse den Reset vorerst stehen. Wir werden hier nur unsere Kompression heranziehen . Also, das kann man nicht wirklich sehen. Also lass uns für eine Sekunde die MDs holen. Also kannst du sehen, wie das Signal da reinkommt. Wir legen unseren Schwellenwert , dass wir mit der rechten Maustaste auf diese Zeile klicken. Wenn ich also mit der rechten Maustaste hier oben klicke, ist das ein ziemlich hoher Schwellenwert. Das Signal erreicht nicht einmal diesen Wert. Aber wenn ich den Schwellenwert herabsetze, empfangen wir jetzt das Signal, und wir können es nach oben oder unten ziehen, um unser Verhältnis zu ändern. Also lass es uns einfach nach unten ziehen. Es ist eine echte visuelle Darstellung dessen, was tatsächlich mit dem Signal passiert. Sie können also sehen, wie die Signallautstärke auf diese Weise hereinkommt, und dann nimmt der Kompressor Teil dieser Lautstärke ab, sobald er diesen Schwellenwert erreicht. Das wäre also ein sehr hohes Verhältnis, vielleicht von 100 zu einer Art Limitierung. Also versuchen wir es nur ein bisschen zu komprimieren. Und wenn wir dann zu unserer Monitoransicht wechseln, ist Violett das, was früher das Signal war. Wenn ich das also auch demonstriere, war das Signal früher so , und das Weiß ist das, was es jetzt ist. Also lass uns das leicht komprimieren. Vielleicht so etwas. Mit dem Violett verlieren wir wahrscheinlich nicht so viel, vielleicht nur ein oder zwei Dezibel Also stellst du unseren Make-up-Gain auf etwa eins, vielleicht 1,3, ein. Das Gleiche machen wir mit den Tiefs. Und wenn Sie das eingehende Signal nicht sehen können, müssen Sie wahrscheinlich Ihre Eingangsverstärkung anpassen. Also kann ich es jetzt ein bisschen dort sehen. Monitor, wir verlieren wahrscheinlich wieder, etwa zwei oder 3 Dezibel Also lass uns das einfach anpassen. Vielleicht zwei, und wir gehen auf Hochtouren. Nochmal, ich kriege hier kein großes Signal. Nun, du willst das nicht zu sehr übertreiben. Wahrscheinlich gibt es da oben sowieso nicht genug Informationen. Ich möchte nur ein bisschen von dem Signal sehen. Jetzt haben wir diesen Multiband-Kompressor verwendet, und wir können auch den gesamten Kompressor komprimieren Also haben wir jedes Band einzeln gemacht. Lassen Sie uns einfach sehr schnell und sehr leicht komprimieren. Das alles zusammen, und wir sollten jetzt ein komprimiertes Signal haben , das Multiband-Komprimierung auf dem Buskanal verwendet Nun, meine Eingangsverstärkung war definitiv ein bisschen extrem. Ich wollte nur den Prozess der Verwendung von Maximus zeigen. Aber diese Eingangsverstärkung ist wahrscheinlich ein bisschen zu hoch, und der Grund, warum nicht so viel Signal einging , war , dass es bei diesen niedrigen Frequenzen sowieso nicht so viele Informationen gibt Ich würde es also immer noch ein bisschen erhöhen, aber was ich getan habe, war viel zu viel. Und man kann im Gesamtsound irgendwie hören , dass es ein bisschen zu basisch wurde Aber im Moment ist das nur eine Demonstration der Glue-Komprimierung und der Verwendung der Multiband-Komprimierung Sie möchten wirklich jedes Band als seinen eigenen Kompressor behandeln jedes Band als seinen eigenen Kompressor Sie denken also offensichtlich nicht an den Sound als Ganzes, sondern Sie denken über die niedrigen Frequenzen als ihren eigenen Sound nach. Du betrachtest die Mitten als ihren eigenen Sound und die Höhen als ihren eigenen Du kannst es dir so vorstellen, wie du sie dir als Schichten vorstellen kannst Sie haben also eine niedrige Schicht, eine mittlere Schicht, eine hohe Schicht, und dann haben Sie hier auf Ihrem Master Ihren Bus, wo Sie alle einzelnen Schichten senden und sie hier zusammenkommen, und Sie können sie alle zusammen komprimieren. Ich denke, wir kehren vorerst zum anderen Video zurück und werfen einen Blick auf die und werfen einen Blick auf Schlagzeugkomprimierung und die Basiskomprimierung. Um also vielleicht den Nutzen von Attack Time zu demonstrieren, schauen wir uns die Snare in diesem Track Das ist also auf Kanal zwei oder Mixer-Spur zwei. Das ist also eine ziemlich bissige Snare. Laden wir unseren Kompressor auf. Und wir werden den Schwellenwert auf knapp unterhalb der Lautstärke herunterfahren . Also vielleicht knapp unter dieser weißen Linie. Und wenn ich das für eine Sekunde sehr intensiv mache, dann können wir wirklich hören, was es tut. Wenn ich die Angriffszeit herabsetze, fängt sie den Transienten zu Beginn des Sounds Sie können hier also sehen , dass die Lautstärke ganz am Anfang der Snare ziemlich hoch ist Aber beim Rest der Snare ist die Lautstärke etwas niedriger Wenn wir also die Attack-Zeit zu schnell einstellen, wird der Kompressor denken dass dies der Pegel ist , den wir komprimieren wollen und er wird das nutzen , um die gesamte Snare zu unterdrücken Dieser Snare-Sound ist jetzt also gequetscht. Aber wir können immer noch diese starke Komprimierung beibehalten, aber sagen Sie dem Kompressor einfach, ich möchte nicht, dass Sie hier am Anfang einschalten Ich möchte, dass du vielleicht hier einschaltest , indem du die Angriffszeit anpasst. Und du kannst hören, wie das Schnappen der Schlinge langsam wieder durchkommt Die Veröffentlichungszeit ist hier ziemlich gut. Es ist nicht zu lang und es ist nicht zu schnell. Ich denke also, dass eine Veröffentlichungszeit von 50 Millisekunden perfekt ist. Und jetzt können wir weitermachen und den Make-up-Gain anpassen. Also passe ich den Schwellenwert einfach noch einmal an, weil wir den Sound geändert haben. Also reduzieren wir jetzt um etwa minus vier. Lass uns das auf vier erhöhen. Und damit haben wir einen bissigen, aber komprimierten Snare-Sound erzeugt einen bissigen, aber komprimierten Snare-Sound Dann, zum Beispiel, werden wir das vielleicht mit der Kick-Drum wahrscheinlich eher komprimieren, um Punch zu erzeugen und nicht um Snap um Punch Was wir hier also suchen, ist, nun, zunächst müssen wir sicherstellen, dass unser Schwellenwert richtig eingestellt ist. Je nachdem, kann ein Verhältnis von etwa vier oder mehr sein. Lassen Sie uns vorerst einfach unsere auf vier setzen. Der Angriff wiederum, weil der Beginn des Kikrums etwas vergänglich ist, wollen wir nicht Schlagsound des Kiktrums komprimieren Also werden wir einiges davon durchlassen. Nochmals Release-Zeit, 50 Millisekunden sind perfekt. Und wir können unseren Make-up-Gewinn wieder um etwa 3,5 erhöhen. Und jetzt sollten wir einen schlagkräftigen Kiktrm haben. Und dann für Dinge wie Acht auf Acht. Also lasst uns unsere Acht-oh-Acht-Basis öffnen. Mm. Ich lösche einfach die Komprimierung, die ich dort schon hatte. Wir werden unseren Kompressor wieder frisch öffnen. Da also im Subbasisbereich oder bei diesen niedrigen Frequenzen eine Menge Energie fließt , wollen wir sie wirklich kontrollieren, damit sie nicht außer Kontrolle geraten und den Mix nicht irgendwie überfordern Im Allgemeinen würde ich bei einer Subbase wie dieser das Verhältnis auf etwa sieben oder acht setzen, würde ich bei einer Subbase wie dieser das Verhältnis auf etwa sieben oder acht setzen um diese Basis wirklich zu kontrollieren M Ich würde auch die Release-Zeit etwas länger einstellen , damit es etwas flüssiger klingt Und dann können wir unsere Leistung entsprechend anpassen. Und jetzt haben wir eine besser klingende Acht-Acht-Basis , die gesteuert wird Für Leute wie den Eight-Oh-Eight-Baselayer. Also dieser Typ hier. Da sind nicht so viele niederfrequente Informationen drin. Also müssen wir wahrscheinlich nicht mit einem Verhältnis von sieben zu eins und acht zu eins komprimieren . Ein Standardverhältnis von vielleicht vier zu eins wäre in Ordnung. Als Nächstes, wenn wir uns ganz schnell eine Sprachkomprimierung ansehen. Also hier ist unser Gesang. Ich werde das einfach wiederholen. Wir werden es auf Kanal sechs öffnen. Es tut uns leid. Ich muss in Song View sein. Ich werde den Liebesfilter für eine Minute stummschalten. Und lösche wieder die Komprimierung, die ich dort hatte. Der Gesang ist also ziemlich dynamisch. Sie haben einen großen Dynamikbereich. Sie wissen schon, abhängig vom Gesichtsausdruck des Künstlers, der auftritt. Wenn du singst oder rappst oder was auch immer, wird der Künstler viele unterschiedliche Tonarten und einen unterschiedlichen Dynamikumfang in seiner Stimme haben und einen unterschiedlichen Dynamikumfang in Und das kannst du dort in der Wellenform sehen. Es gibt sehr leise Stellen, wie, du weißt schon, Atemgeräusche und solche Dinge Und Sie können hier sehen, dass sie laut ist, und dann nimmt ihre Lautstärke ab. Da sind ein paar Transienten drin, Beispiel ist diese Transiente hier riesig im Vergleich zur tatsächlichen Lautstärke der Wellenform Gesang ist also ziemlich dynamisch, er ein bisschen mehr Kontrolle benötigt Das bedeutet also, den Kompressor vielleicht auf ein Verhältnis von vier einzustellen den Kompressor vielleicht auf ein Verhältnis von vier Die Angriffszeit ist nicht so wichtig. Gesangsdarbietung gibt es nicht viele stechende , vorübergehende Geräusche Eine Angriffszeit von zehn Millisekunden ist also Millisekunden ist Wir wollen, dass der Kompressor ziemlich schnell anspringt, aber nicht so schnell, dass offensichtlich ist, was er mit dem Sound macht Veröffentlichungszeit kann variieren , je nachdem, ob Sie möchten, dass es etwas flüssiger klingt 50 Millisekunden wären ganz natürlich. Und dann kann eine schnelle Release-Zeit manchmal auch ein bisschen offensichtlich klingen Also habe ich den Gesang normalerweise auf etwa 50 Millisekunden eingestellt, was standardmäßig eingestellt war Und dann passen wir den Schwellenwert an. Was eigentlich in Ordnung sein könnte. Und wir passen unsere Ausgangsverstärkung an. Jetzt reduzieren wir es um vielleicht minus drei. Also füge ich nur ein bisschen Make-up-Gain hinzu. Und jetzt wurde unser Gesang komprimiert. Es ist wirklich subtil. Aber es kontrolliert nur diese Dynamik in der Stimme. Zwei Fehler, auf die Sie achten sollten, sind Überkomprimierung. Das kann einfach deine Dynamik oder die Energie in deinem Track zerstören. Sie möchten also sicherstellen, dass Sie kein zu hohes Verhältnis verwenden. Also lass uns diesen Kompressor öffnen. Ihr Verhältnis ist nicht zu hoch eingestellt. Es ist, weißt du, vielleicht ist ein Durchschnitt von vier zu eins oder darunter irgendwie nur dann darüber zu gehen , wenn du den Sound wirklich kontrollieren musst. Sie möchten auch sicherstellen, dass Ihr Schwellenwert nicht zu niedrig angesetzt ist. Also egal, wo die Lautstärke reinkommt, und normalerweise legen Sie den Schwellenwert nur ein wenig darunter fest. Achte außerdem darauf, dass du nur auf deinen Angriff und deine Release-Zeiten achtest. Je länger die Veröffentlichung, desto geschmeidiger ist der Sound, weißt du, je kürzer, desto schneller schaltet sich der Kompressor ab, und dein Attack-Sound ist ziemlich wichtig für scharfe oder stechende transiente Geräusche wie Snares, Kicks, hohe Hüte oder, du weißt schon, Art Zupf-Sound wie vielleicht ein Klavier oder ein Und zu guter Letzt, und das ist am wichtigsten, dass Sie nicht Das ist etwas, worüber ich in vielen Tutorials höre, wenn es nicht nur um das Erstellen von Beats geht, sondern um alles , was wirklich gemischt wird. Sie sagen: Oh, du brauchst Komprimierung auf jedem Kanal, und du musst dies und das komprimieren und so komprimieren. Es ist kein Kompressor , das muss man nicht auf jedem Kanal anwenden Und tatsächlich haben in der elektronischen Musik viele Synthesizer-Sounds sowieso nicht so viel Dynamikumfang Es wird also kein Kompressor benötigt. Der Kompressor ist ein Tool zur Steuerung des Dynamikbereichs. Es kann Schlagkraft hinzufügen oder wegnehmen, ich kann Snap hinzufügen oder wegnehmen. Es kann Geräusche irgendwie glätten oder, du weißt schon, die Unterschiede in der Lautstärke einer Gesangsleistung zwischen den lauten und den leisen Teilen kontrollieren einer Gesangsleistung zwischen den lauten und den leisen Teilen Sie können es verwenden, um den Gesang intimer klingen zu lassen, sodass Sie jede noch so kleine Art von Lippenklatschen und Atemgeräuschen hören können . Oder wenn du das nicht magst, kannst du das Gegenteil tun. Es ist nicht wirklich wichtig, um dem Track mehr Fett zu verleihen. Oder Wärme oder etwas Ähnliches. vielen dieser Tutorials heißt es: Oh, wenn du willst, dass dein Trakt richtig fett ist und du willst, dass dein Kick und deine Base richtig hart treffen, dann verwende Kompression. Sie müssen Kompression verwenden. Kompressoren werden dafür nicht wirklich verwendet. Und wenn du diesen Effekt haben willst, müsstest du eine ziemlich starke Komprimierung vornehmen, vielleicht eine starke Parallelkomprimierung oder etwas Ähnliches. Um einen wirklich fetten Sound zu bekommen, musst du etwas verwenden, das man Sättigung und harmonische Verzerrung nennt , aber damit werden wir uns in ein paar Vorlesungen befassen Im Moment verwenden wir Kompressoren nur als dynamische Steuerung Also, um Punch hinzuzufügen, um ein bisschen Snap hinzuzufügen, um, wie gesagt, Gesangsdarbietungen irgendwie zu glätten, es ist ein Werkzeug, mit dem man den Sound formen kann, ohne ihn übermäßig zu benutzen, um zu versuchen, den Sound fetter zu machen Und das ist im Allgemeinen der Punkt, an dem Produzenten etwas falsch machen und am Ende überkomprimieren sie , was dazu führt, dass der Sound gequetscht der Sie wollen, dass der Track fetter klingt, und dafür müssen sie sehr stark komprimieren, müssen sie sehr stark komprimieren, und am Ende zerquetschen sie nur Die Erkenntnis ist also, dass ein Kompressor ein Werkzeug ist und Sie ihn nicht auf jedem Kanal einsetzen müssen Verwenden Sie ihn einfach dort, wo er benötigt wird , um den Dynamikbereich zu kontrollieren 41. 808er: Bringen Sie sie zum Klopfen: entscheidender Bedeutung, acht Achtel zu schaffen, die klopfen, ohne die Mischung zu überfordern In der modernen Produktion ist es von entscheidender Bedeutung, acht Achtel zu schaffen, die klopfen, ohne die Mischung zu überfordern. Und was ich hier mit acht oh acht meine ist der Kick und die Basis zusammen Wir können das mit einer Technik machen als Seitenkettenkomprimierung bezeichnet wird. Side-Chain-Komprimierung reduziert vorübergehend die Lautstärke eines Sounds , wenn ein anderer Sound abgespielt wird. Auf diese Weise können wir den Kick durch die Acht-Oh-Acht-Base durchscheinen lassen und ein klares und wirkungsvolles Bass-End erzeugen Das ist also wirklich einfach. Ich werde unser Schlagzeug solo spielen, und ich werde unsere Base solo spielen, und ich werde sie loopen. Und in unserem Mixer-Track mache ich einfach alles unsolo, damit wir es hören können. Entschuldigung, ich sollte in der Liedansicht sein. Und uns interessiert nur der Kick hier und der Bass. Im Moment spielen beide gleichzeitig, und sie stoßen wahrscheinlich aufeinander, weil sie beide Frequenzen im niederfrequenten Subbasisbereich aufnehmen Aber wir können den Kick verwenden, um den Grundton jedes Mal zu senken, wenn der Kick abgespielt Also werden wir unseren Kick mit unserer Basis verknüpfen, aber dieses Mal werden wir die Sidechain zu diesem Track machen. Dann werden wir auf unserem Basiskanal den Fruity Limiter einführen Weil wir ihn als Kompressor verwenden können, um eine gewisse Seitenkettenkomprimierung zu erzeugen Wir sind also an der Kompressionsseite interessiert , nicht an der Limitierung. In unserem Side-Chain-Menü setzen wir das auf Eins, und das funktioniert wie dein Vocoder, bei dem du mehrere verschiedene Kanäle mit deiner Acht-Acht-Basis verbinden könntest , und das könnte eins, zwei, drei, vier, fünf bedeuten, aber für uns haben wir nur einen Kanal verknüpft , und das könnte eins, zwei, drei, vier, fünf bedeuten, aber für uns haben wir nur einen Kanal Für uns müssen wir dieses Side-Chain-Menü also nur auf eins setzen dieses Side-Chain-Menü Damit teilt der Schwellenwert dem Kompressor mit, wann er die Basis herunterfahren muss. Das Verhältnis gibt dem Kompressor an , um wie viel die Basis geleitet werden muss. Ihr Angriff gibt an, wie schnell sich die Basis ducken sollte. Im Allgemeinen sollte dieser Wert also so niedrig wie möglich eingestellt werden. Du willst, dass sich die Basis sofort duckt , wenn der Kick reinkommt Und dann würden wir im Allgemeinen den Auslöser anpassen, um zu versuchen, ihn der Form der Kick-Drum anzupassen Stellen wir also unser Verhältnis auf etwa vier zu eins ein. Sie können es in der oberen linken Ecke des Bildschirms sehen . Und wir drücken auf Play und passen den Schwellenwert während der Wiedergabe an. Wenn du dich also mehr ducken willst, können wir das Verhältnis erhöhen. Aber ich denke, vier ist zu eins war eigentlich ziemlich gut. Sie können einen Schnellverschluss haben, damit der Kompressor sehr schnell wieder ausschaltet. Oder wir können es einstellen und ich empfehle, zu versuchen, den gesamten Kick einzufangen. Also vielleicht irgendwo dort. Wir können den Schwellenwert auch verwenden , um ihn weiter nach unten zu senken. So können Sie jetzt immer sicher sein , dass Ihre Kickdrum die Basis durchschneidet und den Knock-Effekt erzeugt , nach dem alle suchen Lass es uns auf unsere Basisschicht auftragen. Also nehmen wir unseren Kick, verketten ihn mit unserer Baselayer, kommen in die Basisschicht, laden Fruity Limiter auf, kommen in den Kompressionsbereich, setzen das auf eins Und noch einmal, vielleicht ergibt sich ein ähnliches Verhältnis von vier zu eins. Und wir werden sehen, wie sich das anhört. Oh. Und es ist nicht nur der Bass, mit dem ich die Seitenkette empfehle Ich würde eigentlich so ziemlich alles an die Kickdrum anketten so ziemlich alles an die Kickdrum Manche Dinge waren leichter als andere, ich würde zum Beispiel den Tritt seitlich an die Hüte anketten, aber ich würde es viel subtiler machen. Und ich würde den Kick auch seitlich an fast jedes Element anketten . Also die Melodie, die Tasten, die Pads, alles andere , was dem Kick im Weg stehen könnte Wenn wir zum Beispiel unsere Melodie nehmen, nehmen wir die Melodie auf Kanal 15. Wir haben also unseren Kick. Wir werden das an Kanal 15 weiterleiten. Und wieder laden wir unseren Limiter in den Kompressionsbereich, Seitenkette eins, ein Verhältnis zum Start von etwa vier, und wir passen den Schwellenwert Sie können also sehen, dass der Tritt nun dafür sorgt, dass sich das Blei darunter duckt Dann können wir unsere Basis wieder hinzufügen. Und man kann sehen, dass der Kick wirklich durchschlägt. Oh. Sie können die Seitenkette auch für andere Zwecke verwenden. Du könntest zum Beispiel deinem Gesang Hall hinzufügen und dann den Hall mit dem Gesang seitenketten sodass jedes Mal, wenn der Gesang reinkommt, dieser Hall etwas abnimmt, wodurch der Gesang dieser Hall etwas abnimmt, wodurch der Und dann, wenn der Gesang aufhört zu spielen, springt der Hallpegel wieder an und Sie erhalten einen schönen, langen Hallschwanz, ohne den Klang des Gesangs zu verwaschen Also unbedingt jedes Instrument und den Bass an deine Kickdrum anketten Instrument und den Bass an deine Dadurch kann es den Track durchschneiden und diesen Klopfeffekt erzeugen 42. Sättigung und harmonische Verzerrung: Okay, jetzt schauen wir uns Sättigung und harmonische Verzerrung an Sättigung und harmonische Das ist das Geheimnis von Fett, Wärme und Durchhaltevermögen. Lassen Sie uns also den verschiedenen Elementen des Tracks etwas Sättigung und harmonische Verzerrung hinzufügen verschiedenen Elementen Wir beginnen mit der Acht-oh-Acht-Basis. Sie Ihrer Acht-Acht-Basis eine Sättigung hinzufügen , werden zusätzliche Oberwellen hinzugefügt, was dazu beiträgt, die Präsenz zu verbessern und sie auf einem Telefonlautsprecher oder kleinen Kopfhörern von schlechter Qualität hörbar zu machen einem Telefonlautsprecher oder kleinen Kopfhörern von schlechter Qualität Und im Grunde werden wir nur den Wave Shaper öffnen Und wir werden ihn nach oben biegen. Mit einem Acht-Acht-Bass können wir ziemlich aggressiv sein. Jetzt wird es natürlich lauter. Aber wenn Sie es wieder leiser stellen, werden Sie feststellen, dass dort zusätzliche Oberwellen enthalten sind, die dazu beitragen können , dass es auf kleinen Lautsprechern hörbar Das Gleiche können wir mit der Kickdrum machen. Also werde ich mein Drum-Pattern öffnen. Und wenn wir den Kick einfach solo machen, öffnen wir den Waveshaper und geben ihm ein bisschen harmonische Verzerrung Und gib ihm ein bisschen Sättigung. Und dann finde ich bei Dingen wie den hohen Hüten und der Snare, dass sie durch das Hinzufügen einer gewissen harmonischen Verzerrung irgendwie funkeln oder ein bisschen Körnung hinzufügen können irgendwie funkeln oder ein bisschen Körnung hinzufügen Also suchen wir hier nach dem Blood Overdrive. Und in diesem Fall machen wir dasselbe mit unserem Klatschen oder unserer Schlinge Sehen Sie, wie es zusätzliches Rauschen oder hohe Frequenzen hinzufügt. Also hier ist vorher und nachher. Das ist eine fette Schlinge Mit so etwas wie unseren Melodien können wir etwas Durchhaltevermögen oder Wärme hinzufügen. Sie sind also auf Kanal 15 und 16. Schauen wir uns vorerst nur 15 an. Also nochmal, wir können diese Waveshaper-Kurve einfach nach oben ziehen. Aber ich glaube, wir haben es uns schon einmal angesehen, wir können auch in verschiedenen Formen zeichnen Und wir werden vielleicht dasselbe auf dieser Ebene machen. Also füge ich eine etwas aggressivere Sättigung , indem ich die Kurve etwas schneller ansteigen lasse. Wenn wir jetzt also im Kontext zuhören, haben wir einen satten Leadsound, eine gut gesättigte Acht oh acht. Und unser Kick-Snare und unser Hut sind ebenfalls gesättigt. Im Kontext klingt das also so. Entschuldigung, ich mache immer diese Liedansicht. versuche also, die schlechten Lautstärken zu ignorieren weil wir die Fader-Pegel noch nicht gemischt haben. Ich hoffe, Sie können hören, dass der Sound viel fetter ist Ich versuche es einfach mal mit AB. Mm. Und Sättigung kann auch beim Gesang ziemlich cool Es gibt auch Multiband-Sättigungs-Plugins. Denken Sie also daran, dass wir mit dem Multiband-Kompressor verschiedene Frequenzbereiche komprimieren können Das Gleiche können wir mit einem Multiband-Sättigungsgenerator für die Sättigung Also könnten wir vielleicht die tiefen Frequenzen stark sättigen . Vielleicht die Mitten ein bisschen und die Höhen viel, um etwas Glanz zu verleihen Sie möchten jedoch nicht zu stark sättigen. Das ist nicht die Antwort auf den Versuch, deine Strecke fett zu machen. Auf jeden Fall solltest du die Schichten richtig auftragen, aber wenn es um Dinge wie die Hüte, die Klatschen, die Acht-Acht-Basis und, du weißt schon, Sinth-Leads und vielleicht Sinthschnüre geht, finde ich definitiv, dass Sättigung ein hervorragendes Mittel ist ein hervorragendes Fruity Waveshaper ist eine richtige Art von Saturator, wohingegen der Blood Overdrive für mich eher nach harmonischer Verzerrung klingt. Also neige ich dazu, Blood Overdrive auf meinen Drums und den Waveshaper dann auf Instrumenten zu verwenden meinen Drums und Aber es gibt noch viele andere Sättigungs-Plugins, denen du diesen fetten Sound erzielen Eines der bekanntesten ist OTT, aber das steht für Over-the-Top, und genau das macht es. Es ist eine übertriebene Sättigung. In FL Studio verwenden manche Leute den Sound Goodiser als Aber das ist kein Saturator. Das ist eigentlich Multiband-Komprimierung. Man kann es tatsächlich in Maximus sehen, was es macht. Ja, da unten klingen Goodiser Presets, A, B, CD Wenn Sie also den Sound Goodeiser verwenden, verwenden Sie eigentlich nur Maximus, und darauf ist Maximus und darauf ist Es ist eher wie Sättigung mit einer starken Multiband-Komprimierung mit einer starken Multiband-Komprimierung Sound Godeiser Manche Leute lachen über Produzenten, die Sound Goodiser verwenden, und, weißt du, sie sehen das irgendwie als Amateur an Aber ich denke, es kommt alles darauf an, wie es klingt. Wenn es gut klingt, ist es gut. Seien Sie vorsichtig mit dem Sound Godeiser, denn er ist ziemlich schwer und hat eine ziemlich starke Multiband-Komprimierung Es wird also den Sound zerquetschen, und es wird die Form dieses Sounds verändern 43. Nachhall und Verzögerung: Reverb und Delay sind unverzichtbare Werkzeuge, um beim Erstellen von Beats Tiefe , Raum und Rhythmus zu So kann Reverb einem Sound mehr Raum verleihen, indem es eine Umgebung wie einen Raum oder eine Halle simuliert, und er kann ein Umgebung wie einen Raum oder eine Halle simuliert, und er kann ein Gefühl von Tiefe erzeugen, indem er die Klänge im Mix nach hinten verschiebt oder eine Umgebungstextur hinzufügt Delay wiederholt dann die Audiosignale in Intervallen, wodurch ein Rhythmus oder ein Gefühl von Delay kann für mehr Groove sorgen, ich kann Leerstellen füllen oder vielleicht bestimmte Bereiche des Tracks hervorheben Wenn wir Reverb und Delay verwenden, werden wir es mit sogenannten Sende-Tracks zu tun sogenannten Sende-Tracks Ich nehme einen leeren Insert, einen leeren Mixer-Track und gehe runter zum unteren Teil, Dock zwei. Ich würde meinen gerne rechts andocken, aber Sie können Ihren auch links andocken, wenn Sie möchten Docken Sie sie nur nicht in der Mitte an, denn dadurch bleiben sie hier in der Mitte Ihres Mixers. Ich werde zwei andocken, einen für Reverb und einen für Delay. Wir werden sie umbenennen. Und lag. Und jetzt ist es ziemlich einfach zu benutzen. Wir werden ein Reverb-Plugin öffnen . Also bleibe ich bei den Standard-Plug-ins und vielleicht wählen wir hier ein Preset, einen großen Saal Wir kommen und nehmen unsere Stimme mit, und das ist das. Und was wir tun werden, wir müssen auch unseren Hall- und unseren Delay-Kanal einschalten Wir senden es an den Reverb, indem wir einfach auf diesen Pfeil klicken. Sie müssen nicht mit der rechten Maustaste klicken. Sie können einfach einmal klicken. Und jetzt haben wir Reverb. Dies ist Ihr Sendepegel für das Signal, das Sie an den Reverb senden möchten Und wenn wir einen Plug In als Send verwenden, wollen wir in der Regel 100% nass Also drehe ich das Trockene runter und ich werde das Nass auf 100% hochdrehen. Manchmal steht das vielleicht auf einem Knopf, auf dem nass, schlitztrocken steht, aber es könnte auch ein Knopf sein , auf dem nur Für uns hier bei Fruity Reverb Two wollen wir den Trockenpegel herunterdrehen, der das ursprüngliche Gesangssignal ist, und wir wollen den Feuchtwert auf 100% halten Also alles, was hier rauskommt, ist nur der Hall. Und dann schicken wir es vielleicht auch auf ein Delay Laden wir also ein Delay hoch. Und auch hier wollen wir die Trockenstufe verringern und die Nassstufe voll bei 100% belassen. Dann können wir einfach unseren Sandstand anpassen. Mm hmm. Lass uns jetzt vielleicht Reverb und Delay auf das Klavier anwenden Und lassen Sie mich noch einmal überprüfen, ob der Bus-Kanal auch eingeschaltet ist Ist es. Und ich denke, dieser Maximus lässt es ein bisschen komisch klingen Ich glaube, wir hatten wohl die hohen Frequenzen im Solo. Ja, das haben wir. Okay. Das ist in Ordnung. Lass uns zuerst unser Klavier zum Hall schicken. Nur ein subtiles Maß an Abstand und dann vielleicht ein subtiles Maß an Verzögerung für irgendeine Art von Bewegung Die Verwendung von Hall auf diese Weise ist auch großartig, da Sie so alles in den gleichen Raum bringen können Im Allgemeinen würde ich also zwei Reverbs verwenden. Ich würde einen kurzen verwenden, der vielleicht so eingestellt wäre wie in einem Schlagzeugraum oder einem kleinen Studio Das würde bedeuten, alle Instrumente in einem ähnlichen Raum unterzubringen, und das funktioniert, um sie irgendwie zu verwischen und sie alle zusammenzufügen Dann würde ich ein zweites Reverb-Set mit einem längeren Heck oder einem längeren Preset wie einem Saal oder vielleicht einer langen Platte und dem würde ich nur meine Hauptelemente zuweisen Das könnten also der Gesang, die Melodie und vielleicht etwas sein, bei dem ich ein bisschen mehr Hall haben möchte, wie das mehr Hall Wenn wir uns nun die Plugins ansehen, gibt es bei Reverb drei Arten von Hauptparametern, die wir Und das wäre die Raumgröße. Also wie groß ist dieser Raum. Also, wir gehen von einem kleinen Raum zu einem mittelgroßen Raum zu einer riesigen Arena über. Der Zerfall, also wie lange der Hall anhält. Also hier ertönt der Hallschwanz immer noch. Und wenn ich den Zerfall leiser drehe, geht der Hall viel schneller aus Und dann hast du vielleicht so etwas wie das Pre-Delay, mit dem du eine Art Slapback-Effekt erzeugen kannst Also drehe ich einfach den Ton auf, um das zu hören. Hier, wie es sich anhört, als würde das Klavier irgendwie von der Wand abprallen, wenn Sie das Pre-Delay aufdrehen Und bei der Verzögerung wären unsere wichtigsten Parameter das Feedback Also hat das manchmal seinen eigenen speziellen Knopf. Aber für Fruity Delay Bank ist es eigentlich ein Abschnitt Also können wir das hier mit dem Feedback-Lautstärkeregler steuern mit dem Feedback-Lautstärkeregler Lassen Sie uns also den Hall ausschalten und das Delay erhöhen, damit wir es hören können Das Feedback steuert also, wie viele Wiederholungen tatsächlich auftreten. Wenn dieser Wert also sehr hoch eingestellt ist, werden die Echos ewig weitergehen und so weitergehen Dann haben wir die Zeit. Dies steuert normalerweise das Intervall zwischen den einzelnen Verzögerungen. Wenn wir dies zum Beispiel ablehnen, treten die Verzögerungen viel schneller auf. Tatsächlich sind sie so schnell, dass man sie kaum hören kann. Und je höher das geht, desto länger dauert es, bis die Verzögerung einsetzt. Im Allgemeinen bei Reverbs und Delays können Sie bei Reverbs und Delays einfach mit den verschiedenen Presets herumspielen und normalerweise etwas finden , das ziemlich gut klingt Das Letzte, worüber ich sprechen wollte, war die Beeinflussung der Verzögerungen hier zum Beispiel mit einstündiger Verzögerung Kann ich hier zum Beispiel mit einstündiger Verzögerung das Klavier stummschalten? Nein, ich glaube nicht, dass ich das kann. Also muss ich das Klavier eingeschaltet lassen, aber ich werde versuchen, die Gesamtlautstärke des Delays zu erhöhen. Und wir werden vielleicht den Delay-Sound verzerren. Also lasst uns eine Art Verzerrungs-Plug-In finden. Vielleicht Blood Overdrive. Und wenn wir den Vorverstärker lauter machen. Nein, ich suche nach einer offensichtlicheren Verzerrung. Vielleicht versuchen wir es mit Destructor. Das ist ziemlich cool. Schau dir an , wie das zu einer wirklich interessant klingenden Verzögerung geführt hat 44. Volume-Ausgleich: Okay, jetzt sind Sie am Ende der Mischphase angelangt. Sie haben die Techniken verwendet, die wir uns zuvor angesehen haben, um Ihren Track zu mischen und irgendwie klanglich zu formen Jetzt schauen wir uns die letzte Phase an, nämlich den Volumenausgleich oder das Volumenmischen Das Volumenmischen ist also das Rückgrat einer sauberen und professionellen Mischung. In diesem Vortrag werden wir untersuchen, wie Sie Ihre Fader-Pegel ausbalancieren können, um Klarheit und Tiefe zu erzeugen und sicherzustellen, dass jedes Element Ihres Tracks seinen eigenen Platz hat Das ist also ziemlich subjektiv. Das werden wir, ich bin immer noch dabei. Wir werden uns all diese einzelnen Elemente ansehen. Und wir werden uns das relative Gleichgewicht ansehen. Also das Gleichgewicht, weißt du, dieser Gesang im Vergleich zum Bass, im Vergleich zum Klavier, im Vergleich zur Melodie und wie sie alle zusammenpassen Die wichtigsten Elemente, wie dein Gesang, deine Melodie in deinem Acht-Acht-Acht-Verhältnis, sollten lauter sein als die tragenden Elemente, die vielleicht deine hohen Hüte sind, oder die Pads oder die Art von Steigern oder Du musst auch den Schwerpunkt des Tracks berücksichtigen. Für uns liegt unser Hauptaugenmerk also wahrscheinlich auf diesem Whoops. Ich möchte nicht, dass es gedämpft wird. Dieses Gesangsbeispiel , das wir zu Beginn mit reingezogen haben , diese Art von Melodie, das wäre wahrscheinlich unser Fokus, genauso wie Und in geringerem Maße auch unser Bass. Aber auch bei jeder Art von elektronischer Musik, deiner Kick-Drum, ist es eine Selbstverständlichkeit, dass dies auch eines der Hauptelemente des Mixes ist. Manche Leute haben also unterschiedliche Mischprozesse. Sie könnten mit den Akkorden und dem Bass beginnen so eine Art Fundament für den Track schaffen, und dann bringen sie darüber ihre Melodien Manche Leute beginnen mit den Fokuselementen. Sie beginnen mit dem Gesang und den Melodien und fügen dann Unterstützung Dinge wie Klaviere und Akkorde hinzu. Andere Produzenten gruppieren gerne Elemente, zum Beispiel, dass sie alle ihre Drums einmal spielen und dann alle Akkorde auf einmal und dann alle Akkorde einmal spielen und sie dann irgendwie gegeneinander ausbalancieren Es gibt keinen richtigen Weg , das zu tun. Es ist, was auch immer für dich funktioniert, aber es gibt ein paar Richtlinien , die ich dir geben kann. Zuallererst werden wir mit unserem Kiktrum beginnen , weil es für mich eines der wichtigsten Fokuselemente Und wenn ich diesen Abschnitt hier nur für eine Sekunde wiederhole. Also möchte ich meine Lautstärke für dieses Kitrum auf etwa minus acht einstellen dieses Kitrum auf etwa minus acht Also werde ich hier den Fader benutzen, die Ausgangsverstärkung zu senken Es ist in Ordnung, das Signal auf einen Wert zwischen minus sechs und minus neun Aber der Grund dafür ist, dass wir versuchen, ein bisschen Headroom auf dem Master-Kanal zu lassen Headroom auf dem Master-Kanal , sodass wir beim Mastern, wenn wir beim Mastern Komprimierung, EQ und Lautstärke hinzufügen , den Headroom dafür haben Im Grunde nehmen wir den Volumenausgleich und das Mischen der Lautstärke vor, aber wir gewinnen auch in gewisser Weise beim Mastering-Prozess aber wir gewinnen auch in gewisser Weise beim Mastering-Prozess. Im Moment setze ich meinen Kick also gerne auf minus acht. Dann bringe ich normalerweise die Snare oder den Clap rein. Ich fange damit an, dass es leise ist, und dann mische ich es nach Und ich suche nach einem Gleichgewicht zwischen dem Kick und dem Klatschen hier oder dem Kick und der Snare, weil das quasi die rhythmischen Anker für den Beat sind Drücken wir also auf Play und mischen unsere Snare so lange, bis sie der Lautstärke des Kicks entspricht Vielleicht irgendwo dort. Du willst das mit deinen Ohren machen und nicht mit deinen Augen. Ich weiß also, dass die Lautstärke unterschiedlich ist. Das Klatschen kommt bei -11 und der Kick bei minus acht Aber hörbar, wenn man zuhört, hören sie sich an, als hätten sie ungefähr die gleiche Lautstärke Vielleicht könnte das Klatschen etwas lauter sein. Aber wenn ich es visuell machen und das Klatschen auf minus acht erhöhen würde, mir das ein bisschen zu Dann kannst du vielleicht Dinge wie deine hohen Hüte mitbringen. Die werden unter dem Tritt beim Klatschen reinkommen unter dem Tritt beim Klatschen reinkommen Vielleicht irgendwo dort. Wir wollen es nicht so laut haben. Wir wollen es quasi im Hintergrund haben, ein bisschen Sprungkraft zu erzeugen Und dann können wir Dinge wie Perkussion hinzufügen. Diese werden ebenfalls auf einem etwas niedrigeren Niveau sein . Und zu diesem Zeitpunkt werde ich auch ein bisschen schwenken Ich könnte diese Perk-Probe weit nach rechts schwenken und die Hüte vielleicht etwas nach links Und der einzige Grund dafür ist, ein echtes Schlagzeug nachzuahmen also vorstellst, Wenn du dir also vorstellst, du wärst der Schlagzeuger, würde dein hoher Hut leicht nach links und die Perkussion oder die Toms wären irgendwo rechts von Als Nächstes fügen wir die Acht auf acht hinzu. Und was wir hier tun wollen, ist sicherzustellen, dass es mit dem Kick ausgewogen ist. Die Acht auf acht sollte also den Kick ergänzen , ihn aber nicht überfordern Lass uns das einfach ausprobieren. Vielleicht irgendwo dort. Und dann könnte ich von hier aus meine Basisschicht reinbringen und versuchen, das Volumen mit der anderen Schicht von acht bis acht zu mischen das Volumen mit der . Lassen Sie uns also diese Schicht herunterfahren. Und für mich will ich es wirklich subtil haben. ist einfach irgendwie da im Hintergrund fügt ein bisschen Textur hinzu. In der Tat ist das wahrscheinlich ein bisschen zu viel. Als Nächstes nehmen wir die Hauptmelodie. Also lass uns das einfach auch reinbringen . Und damit sollte es auf Augenhöhe mit den Trommeln und der Acht auf acht stehen, vielleicht etwas höher, aber definitiv irgendwo auf Augenhöhe. Hoppla, ich muss in einem Bereich sein , in dem die Melodie tatsächlich gespielt wird Lass uns sie einfach solo spielen. Und wieder habe ich meinen Bus vergessen. Irgendwo dort fühlt es sich für mich richtig an. Es hört sich so an , als ob es auf diesen beiden Elementen sitzt . Ich konzentriere mich jetzt mehr darauf als auf den Kick in der Basis. Das ist also ein gutes Zeichen. Und dann bringen wir unsere Schicht rein. Und wenn ich das herausfinde, weißt du, ich verwende viele Ebenen und versuche, ein Gleichgewicht zwischen ihnen herzustellen, kann ich natürlich einen Buskanal benutzen. Also habe ich hier zum Beispiel zwei Schichten. Aber nehmen wir an, ich hatte, weißt du, vier und all diese vier Schichten kamen zusammen , um ein Geräusch zu erzeugen. Was man machen könnte, wäre, alle Ebenen solo zu bearbeiten. So, vielleicht ein Gleichgewicht zwischen ihnen herstellen. Also vielleicht so etwas. Und dann würdest du all diese vier Ebenen auf ihren eigenen Bus verteilen. Mit diesem Bus kann ich dann all diese Ebenen zusammen steuern. Wenn wir also zum Beispiel unseren Kick oder die Drums wieder reinbringen und wir den Bass wieder reinbringen, können wir diese beiden Melodieschichten kontrollieren Sobald wir also eine gute Mischung zwischen ihnen gefunden haben, können wir sie alle mit diesem einen Fader steuern , der jetzt auf dem Buskanal Also vielleicht ist es dieses Mal irgendwo etwas natürlicher. Und dann kannst du anfangen, Dinge wie die Akkorde hinzuzufügen , aber wir bringen unser Klavier mit, das auch seinen eigenen Bus hat Und damit willst du die Hauptelemente irgendwie unterstützen unsere Melodie, unseren Bass und unsere Kickdrum Wir wollen unsere Melodie, unseren Bass und unsere Kickdrum also nicht überfordern. Das ist zu laut. Das nimmt jetzt die Oberhand. Jetzt konzentriere ich mich eher auf das Klavier als auf die Melodien Ich möchte nicht, dass mein Fokus auf dem Klavier liegt. Ich möchte, dass es auf den Melodien liegt. Also benutze ich plötzlich das Klavier, um die Melodie zu unterstützen. Und dann können Sie natürlich Ihren Bus benutzen, um sie alle miteinander zu mischen, all diese Schichten zu mischen Und das ist der Prozess, den Sie mit jedem Element im Track durchführen würden , einschließlich Ihrer Uplifter, Ihrer Downlifter, der Art von Effekten, der Art von Effekten die Sie verwenden, Bei all diesen müssen ihre Lautstärken irgendwie in den Track gemischt werden Also nur ein paar letzte Tipps, Sie möchten sicherstellen, dass Sie mit einer etwas geringeren Lautstärke mischen . Dadurch wird lediglich eine Ermüdung der Ohren vermieden und sichergestellt , dass Ihr Mix bei jeder Lautstärke gut klingt. Wenn du darüber nachdenkst, wenn du es genießt im Auto einen Titel zu hören, was tust du als Erstes? Du greifst nach der Lautstärke und drehst sie lauter. Und das liegt daran, dass die Dinge, wenn sie lauter sind, tatsächlich besser klingen Was Sie also tun möchten, ist vielleicht mit niedriger Lautstärke zu mischen. Stellen Sie sicher, dass Ihr Track bei dieser niedrigen Lautstärke gut klingt, und wenn Sie ihn dann wieder lauter drehen , wird er noch besser klingen. Vertraue auch deinen Ohren, nicht deinen Augen. Also die Lautstärkemessgeräte und so hier in FL Studio, sie helfen, aber deine Ohren sind der ultimative Leitfaden. Stellen Sie sicher, dass Sie etwa minus drei dB auf Ihrem Master-Kanal für das Mastering übrig lassen auf Ihrem Master-Kanal für das Mastering Es wird empfohlen, etwa minus sechs DB zu lassen, aber auf jeden Fall etwa minus drei DB Headroom für das Mastering zu lassen Headroom für das Mastering Und auch die Ermüdung der Ohren ist irgendwie unvermeidlich. Stellen Sie also sicher, dass Sie regelmäßig Pausen einlegen, um Ihre Perspektive frisch zu halten und eine übermäßige Vermischung zu vermeiden. Bei richtiger Lautstärkemischung klingen deine Beats klar, ausgewogen und bereit für das Mastering Diese Fähigkeit ist für die Erstellung von Musik in professioneller Qualität unerlässlich Erstellung von Musik in professioneller Qualität 45. Mastering und Exportieren: Okay, jetzt wurde der Track gemischt und alle Lautstärken ausgeglichen, das Panning ist fertig und wir haben etwas Stereotrennung hinzugefügt Mastering ist der letzte Schritt im Musikproduktionsprozess, bei dem der gemischte Track für den Vertrieb vorbereitet wird Deshalb wollen wir sicherstellen, dass dieser Track laut, klar und wettbewerbsfähig ist Ich habe also gerade eine gerenderte Version meines Mixes exportiert, weil mein Laptop Probleme beim Abspielen des Tracks zu haben scheint . Also werden wir diese endgültige Version des Mixes mastern und dann können wir zurückkommen und das Ganze exportieren. Erstens maste ich gerne, indem den lautesten oder klimatischsten Teil des Tracks loope klimatischsten Teil des Tracks Denn wenn wir versuchen, den Track lauter zu machen, wollen wir ihn lauter machen, ohne ihn zu also normalerweise den lautesten Teil des Tracks nehmen wir eine Vorstellung davon, wie laut wir ihn tatsächlich machen können Aber zuerst werden wir versuchen, subtilen EQ hinzuzufügen Also werden wir auch den parametrischen EQ laden. Und hier suchen wir einfach nach schönen Frequenzen, um den Sound vielleicht aufzuwärmen oder ein bisschen Klarheit zu verleihen Wir versuchen auch, etwas von dieser Verschlammung oder Körperhaftigkeit loszuwerden etwas von dieser Verschlammung oder Körperhaftigkeit Hier herrscht also ein bisschen Schlamm. Also lass uns das rausziehen. Wir wollen damit sehr subtil vorgehen. Ich bin kein großer Fan dieser Frequenzen. Also werde ich auch ein paar von ihnen rausholen. Sehr sanft und sehr subtil. Nur eine subtile Erhöhung einiger der hohen Frequenzen aus Gründen der Klarheit Außerdem schneide ich generell gerne einen kleinen Bereich aus etwa 1,5 heraus, der noch dünner ist. Und auch ab 2,5 , um einige der mittleren und nasalen Eigenschaften loszuwerden Lassen Sie uns das Ganze auf einen Nenner bringen und sicherstellen , dass uns gefällt, wie es klingt. Ich denke, wir fügen einfach ein bisschen zu viele hohe Frequenzen hinzu. Denk dran, du willst damit wirklich subtil sein. Der Grund, warum du subtil sein willst ist, dass alle Kopfhörer und Ohrhörer und Lautsprecher und Autoradiosysteme und ihre Telefone Sound irgendwie ihre eigene Farbe oder ihren eigenen EQ hinzufügen oder ihren eigenen EQ hinzufügen Wir wollen das also nicht zu sehr beeinflussen. Wir wollen versuchen, es so flach wie möglich zu halten, während wir gleichzeitig Frequenzen, die wir mögen, subtil erhöhen und Frequenzen, die wir nicht kennen, subtil zurückziehen, Dinge wie Schlammigkeit oder Körperlichkeit zu beseitigen. Als Nächstes springe ich direkt auf Maximus zu. Wie wir wissen, handelt es sich um einen Multiband-Kompressor, und da unser Master-Kanal eine Menge Frequenzspektrum-Informationen hat, wir haben niedrige Frequenzen bis hin zu hohen Frequenzen, ist es eine gute Idee, Multiband-Komprimierung zu verwenden Stellen wir also unsere Frequenzbänder ein. Damit willst du fast den Boden der Schlinge hören . Vielleicht irgendwo dort Ihre Dienstmädchen, Sie wollen nur hören, wie das Unterteil Ihrer hohen Hüte Vielleicht irgendwo dort. Und dann machen wir mit unserem normalen Prozess weiter . Also werden wir auf unsere Tiefststände kommen hinzufügen, wo wir unseren Schwellenwert haben wollen, das Verhältnis herunterfahren. Das Gleiche gilt für die Mitten. W und Gleiche gilt für die Höhen Bei den Höhen möchtest du etwas subtiler sein. Also verwenden wir zum Beispiel bei unseren Tiefen ein höheres Verhältnis, die Mitten etwas weniger und die Höhen wieder ein bisschen Gehen wir jetzt zurück und schminken uns noch einmal. Also das Purpur ist, was es ursprünglich war, und das Weiß ist, was es jetzt ist. Es sieht also so aus, als würden wir etwa drei DB verlieren. Die Zimmermädchen haben eigentlich nicht so viel verloren, vielleicht ein oder zwei dB Und wieder die Höchstwerte, vielleicht ein oder zwei DB Jetzt, auch innerhalb von Maximus, für unsere niedrigen Frequenzen wir sie für unsere niedrigen Frequenzen zusammenführen Das funktioniert also genauso wie der Stereo-Trennregler hier am Wir werden unsere Tiefs zusammenführen , um sicherzustellen, dass sie Mono sind Wir werden unsere Mitten ein bisschen trennen , und dann können wir die Höhen wirklich erweitern Danach können wir etwas Soft-Clipping hinzufügen Dies ist ein wirklich weicher Sättigungs-Plug-In , der nur dazu beitragen kann, etwas mehr Lautstärke hinzuzufügen Wir erhöhen also nicht nur ein bisschen Lautstärke, sondern fügen auch einige dieser schönen Sättigungsharmonischen hinzu . Dann holen wir uns einen Limiter. Und der Limiter macht, was auf der Dose steht. Er begrenzt den Ton auf einen bestimmten Schwellenwert. Im Grunde erlaubt es also nichts, was diesen Wert überschreitet. So ist beispielsweise unsere Obergrenze oder unser Schwellenwert auf 0,0 festgelegt. Ich reduziere diesen Wert gerne auf etwa -0,2, normalerweise nur um sicherzugehen, dass er aktiv ist Und dann können wir die Eingangsverstärkung nutzen, um wirklich so viel Lautstärke wie möglich herauszuholen Wir wollen es nicht zu sehr zusammendrücken. Wir wollen die Dynamik nicht einschränken. Gerade genug, um uns quasi volle Lautstärke zu geben. Und jetzt haben wir unseren Track gemastert. Wir haben den Sound subtil geprägt. Wir haben Multiband-Komprimierung verwendet, um die Dynamik zu steuern, und wir haben hier auch die Stereotrennung verwendet , um das Stereobild zu erweitern Wir haben eine subtile Sättigung hinzugefügt, um ein bisschen mehr Fett rein und ein bisschen Volumen herauszuholen Und dann haben wir einen Limiter verwendet , um sicherzustellen, dass wir nicht abschneiden und dass der Track keine Audiosysteme beschädigt Wir haben auch den Gain-Regler verwendet , um einfach ein bisschen mehr Lautstärke herauszuholen Da Ihr Track jetzt gemischt und gemastert ist, können wir den gesamten Track exportieren Sie würden einfach den Bereich markieren, den Sie exportieren, exportieren möchten , als Wave-Datei Es ist ein exportierter Name. Beat. Und damit sollte unser Modus die Songauswahl sein. Der Schwanz sollte so eingestellt sein , dass der Rest übrig bleibt. Die Wellen-Bittiefe sollte entweder auf 24 Bit oder 32 Bit eingestellt werden. Normalerweise verwende ich gerne 24. Stellen Sie sicher, dass es auf Stereo eingestellt ist, und stellen Sie außerdem sicher, dass die Hohe Qualität für alle Plug-ins aktiviert ist. Ihre Resampling-Qualität stelle ich normalerweise auf die höchste Qualität ein, die es geben kann , die höchste Qualität, aber Ihre Renderzeit wird etwas langsamer sein Herzlichen Glückwunsch zum Komponieren, Arrangieren, Mischen und Mastern 46. Beat-Wiedergabe abgeschlossen: [Keine Rede] 47. Schlussbemerkung zum Kurs: Herzlichen Glückwunsch. Sie haben es bis zur letzten Vorlesung dieses Kurses geschafft. Inzwischen hast du gelernt, Beats vom Schlagzeug über den Bass bis hin zu Akkorden zu erstellen , deine Tracks mit der richtigen Songstruktur und Arrangement zu strukturieren, Techniken mit EQ, Komprimierung und Sättigung zu mischen und zu mastern Aber was passiert als Nächstes? Wie können Sie das Gelernte nutzen und sowohl kreativ als auch beruflich weiter wachsen? sowohl kreativ als auch beruflich weiter wachsen Nun, dieser Abschluss des Kurses behandelt die letzten Teile des Puzzles, wie Sie Ihre Karriere weiterentwickeln, inspiriert bleiben, Perfektionismus überwinden und Ihre Identität als Produzent wirklich annehmen können Betrachte dies als den Treibstoff für deine lange Reise in der Musikproduktion Egal, ob Sie in Ihrem Schlafzimmer Beats produzieren oder bereits angefangen haben, mit Künstlern zusammenzuarbeiten, das Wachstum in dieser Branche ist eine nie endende Reise. Also hier erfahren Sie, wie Sie weiter aufsteigen können. Wachstum passiert nicht zufällig. Du musst es anstreben . Fragen Sie sich selbst, möchten Sie mit großen Künstlern zusammenarbeiten? Möchtest du Platzierungen im Fernsehen und Film erzielen? Möchtest du deine eigene Marke als Producer-Slash-Artist aufbauen als Producer-Slash-Artist Sobald Sie herausgefunden haben, was Ihre Ziele sind, teilen Sie sie in kleinere umsetzbare Schritte Ihr Ziel, mit einem zugewiesenen Künstler zusammenzuarbeiten, könnte zum Beispiel darin bestehen, zehn Künstler pro Woche mit maßgeschneiderten Beat-Paketen zu erreichen zehn Künstler pro Woche mit maßgeschneiderten Beat-Paketen zu Vielleicht ist es dein Ziel, einen Beat in einem Film zu platzieren , der dann Recherche-Supervisoren werden und dir ausgefeilte Sample-Beats schicken könnte und dir ausgefeilte Sample-Beats schicken Bei Erfolg in der Musikproduktion geht es nicht nur um Talent, sondern auch um Verbindungen Versuche, mit anderen Produzenten, Künstlern und Toningenieuren zusammenzuarbeiten, aussagekräftige Kommentare zu hinterlassen, auf Nachrichten zu antworten und Teil von Musikgemeinschaften Versuchen Sie abschließend auch, Ihren Sound weiterzuentwickeln. Relevant zu bleiben bedeutet, sich weiterzuentwickeln. Studieren Sie die Trends , experimentieren Sie mit neuen Tools und seien Sie immer offen für Neues. Wachstum entsteht, wenn Sie die Grenzen Ihrer Komfortzone überschreiten. Inspiration kommt nicht immer dann , wenn Sie es möchten. Um einen stetigen kreativen Output aufrechtzuerhalten, benötigen Sie Systeme, die Ihren Ideen freien Lauf lassen. Kreative Menschen hassen oft die Vorstellung von Routine, aber Struktur kann Ihre Kreativität tatsächlich Du könntest zum Beispiel täglich üben, vielleicht jeden Tag 30 Minuten bis eine Stunde damit verbringen , an Beats zu arbeiten, auch wenn du dich nicht inspiriert fühlst Sie können auch Zeit für verschiedene Teile des Prozesses wie Sounddesign, Melodieerstellung oder Mischung einplanen oder zumindest jede Woche Zeit damit verbringen, oder zumindest jede Woche Zeit damit verbringen Ihre Arbeit anzuhören und Verbesserungsmöglichkeiten zu identifizieren Als Nächstes greifen wir auf Anleihen aus anderen Genres zurück. Inspiration kann von unerwarteten Orten kommen. Leihen Sie sich Elemente aus Genres aus, in denen Sie normalerweise nicht arbeiten, wie Afrobeat, klassische Musik oder Ofi Durch die Kombination dieser Einflüsse könntest du einen Sound kreieren, der einzigartig für dich ist Probieren Sie unbekannte Tools oder Instrumente aus. Wenn Sie in einer Sackgasse stecken, nehmen Sie vielleicht ein Instrument in die Hand, von dem Sie nicht wissen, wie man es spielt Experimentieren Sie mit einem Plug-In, das Sie noch nie benutzt haben , oder probieren Sie eine völlig neue Daw Das Erkunden kann wirklich zu einigen kreativen Durchbrüchen führen Und zum Schluss: Füttere deinen Geist. Das ist ein großer. Kreativität entsteht nicht nur durch das Musizieren. Sie entsteht durch gelebtes Leben. Lesen Sie Bücher, schauen Sie sich Filme an, entdecken Sie bildende Kunst, reisen Sie, Sie wissen schon, tauchen Sie in verschiedene Kulturen ein und reflektieren Sie Ihre persönlichen Erfahrungen und versuchen Sie, sie in Ihre Arbeit einfließen zu lassen. Als Nächstes haben wir Methoden, um zu versuchen, die Beat-Blockade zu überwinden. Zuallererst ist Perfektionismus also der Feind des Fortschritts. Es ist die Stimme in deinem Kopf, die sagt: Dieser Beat ist nicht gut genug, oder ich werde ihn später beenden, wenn ich mehr Aber Musik ist subjektiv. So etwas wie einen perfekten Beat gibt es nicht. Konzentrieren Sie sich darauf, Ihre Tracks zu vervollständigen , anstatt sie endlos zu optimieren Denken Sie daran, dass die besten Produzenten nicht nur Hits machen. Sie machen sie fertig. Auf jeden Hittrack kommen etwa 100, die nicht mal annähernd rangekommen sind. Wenn du Probleme damit hast, Beats zu beenden, setze dir strenge Fristen . Weißt du, stelle einen Alarm ein, um den Beat vielleicht innerhalb von 2 Stunden zu beenden , oder verpflichte dich , zwei oder drei Beats pro Woche hochzuladen Termine können dich dazu zwingen, Entscheidungen zu treffen und Dinge voranzubringen Und schließlich sollten Sie Systeme einrichten, um Ihrer Kreativität freien Lauf zu lassen. Verwenden Sie also Daugh-Vorlagen für verschiedene Genres, um Ihren Prozess zu beschleunigen, oder erstellen Sie einen Ordner mit unfertigen Beats, Melodien oder Drum-Pattern, die Sie später erneut aufrufen können außerdem Zeit mit Experimenten, ohne Manchmal entstehen deine besten Ideen einfach dadurch, dass du Spaß hast. Sie haben den Kurs abgeschlossen und verfügen nun über alle Tools, die Sie benötigen, um als Produzent erfolgreich zu sein. Das Wichtigste von nun an ist , sich selbst zu vertrauen. Ihr einzigartiger Geschmack, Ihr Stil und Ihre Perspektive werden Sie von anderen abheben. Lass diesen Kurs nicht das Ende sein. Lass es der Anfang sein, setze Ziele, ergreife Maßnahmen und lerne weiter. Denken Sie daran, Wachstum ist eine Reise. Es ist kein Ziel. Bleiben Sie mit anderen Produzenten und Künstlern in Kontakt, teilen Sie Ihr Wissen, bitten Sie um Feedback und feiern Sie Ihre großen oder kleinen Erfolge. Die Musikgemeinschaft gedeiht , wenn wir uns alle gegenseitig unterstützen Und erinnere dich am Ende des Tages daran, warum du überhaupt angefangen hast, Musik zu machen ob es um Selbstdarstellung, Verbundenheit oder einfach nur um die Liebe zum Sound geht, die Welt braucht deine Musik. Also danke, dass du diese Reise mit mir gemacht hast, und ich freue mich darauf zu sehen , wohin dich deine Musik führt. Denken Sie daran, dass ich immer für Sie da bin, wenn Sie Fragen haben oder Hilfe benötigen. Geh jetzt raus und mach ein paar Beats. 48. Industriespiel: Willkommen zu diesem umfassenden Vortrag über einen der wichtigsten Aspekte der Produzententätigkeit, des Brandings und Ihrer Geschäftsstrategie. Kreieren von Beats ist zwar der Kern unserer Arbeit, aber es ist genauso wichtig zu verstehen, wie Sie eine wiedererkennbare Marke schaffen und nachhaltige Einnahmen aus Ihrer Musik Hier werden wir alles behandeln, von der Entwicklung deiner Klangsignatur über das Hochladen deiner Beats, Zusammenarbeit mit einem Künstler, die Preisgestaltung deiner Arbeit hin zu einer einfachen kleinen Idee zur Diversifizierung Ein Beat-Tag ist wie dein Logo. Es ist ein Gesangs- oder Audiostempel, der zu Beginn oder während Ihres Beats abgespielt wird. Es ist wichtig für das Branding, vor allem, wenn du Beats online hochlädst oder sie mit Künstlern teilst In Bezug auf die drei Punkte auf dem Bildschirm haben wir also eine Erkennung, sodass dein Tag den Leuten hilft, deinen Beat zu erkennen Schutz: Es kann die unbefugte Nutzung Ihres Werks und Ihrer Identität Ein gutes Etikett verstärkt Ihr Branding. Ein gutes Beispiel wäre Pierre Bournes Beat-Tag. Ich habe hier ein Beispiel dafür. Yo, Pierre, du willst hierher kommen. Um deinen Beat-Tag zu erstellen, könntest du entweder selbst einen machen oder vielleicht einen Synchronsprecher von Plattformen wie Fiber engagieren Achte darauf, es kurz und einprägsam zu halten. Ihr Tag sollte einprägsam, aber nicht ablenkend sein. Verwende außerdem viele lustige und kreative Effekte wie Hall, Delay und Pitch Shifting, um es einzigartig zu machen Und schließlich platzieren Sie das Tag am Anfang Ihres Beats und möglicherweise in einigen anderen Abschnitten, normalerweise vor dem Drop oder dem Refrain Wenn du also Beats machst, musst du wissen, wo sich deine potenziellen Kunden, Rapper, Künstler und Schöpfer befinden Hier sind die Plattformen, auf die du dich konzentrieren solltest. YouTube ist ideal, um deine Beats zu präsentieren. Verwende Vorschaubilder und Titel , die den Stil widerspiegeln. Zum Beispiel kostenloser Dark Trap Beat für gemeinnützige Zwecke. Oder du kannst mit Keywords wie Beat vom Typ Juice World optimieren , um Künstler anzulocken, die nach einer bestimmten Atmosphäre suchen Wir haben Beat Stars , einen Marktplatz speziell für Produzenten, um Beats zu verkaufen Es ermöglicht Lizenzierung und auch Preisflexibilität. Einige Produzenten entscheiden sich dafür, kurze Beat-Snippets mit Bildern oder Textunterschriften auf Instagram und Tik Tok zu veröffentlichen Bildern oder Textunterschriften auf Instagram und Tik Hier kannst du direkt über Direktnachrichten mit Künstlern in Kontakt treten oder sie in deinen Posts taggen SoundCloud kann für den Aufbau eines Portfolios und die Vernetzung sehr relevant Aufbau eines Portfolios Und schließlich kannst du auf eine persönliche Website hochladen und diese als zentrale Anlaufstelle für deine Beats, deine Biografie, deine Kontaktinformationen und vielleicht als Seite verwenden als zentrale Anlaufstelle für deine Beats, deine Biografie, , auf der Leute deine Beats kaufen können Versuche beim Hochladen, regelmäßig hochzuladen, um ein Publikum zu gewinnen und verwende ansprechende Coverbilder oder Videos, um deinen Upload hervorzuheben Dieser Optimierungstrick für Suchmaschinen eignet sich auch hervorragend, für Suchmaschinen eignet sich auch hervorragend Sie Begriffe wie Drake Type Beat oder Free Non Copyright Beat verwenden Beat oder Free Non Copyright Beat Und wenn du hochlädst, füge immer einen Link hinzu, über den du deinen Beat kaufen oder herunterladen Zusammenarbeit mit Künstlern ist eine großartige Möglichkeit, Hits zu erzielen , die Einnahmen durch Lizenzgebühren und Lizenzen generieren Du kannst potenzielle Kollaborationen finden indem du vielleicht in den sozialen Medien scrollst und aufstrebenden Künstlern auf Instagram oder Tik Tok eine Direktnachricht schickst auf Es gibt auch Plattformen für die Zusammenarbeit wie Airbit oder sogar Discord-Communities, die Ihnen helfen können, mit Sängern und Rappern in Kontakt zu treten Wenn du mit einem Künstler zusammenarbeitest, solltest du klar kommunizieren, Termine einhalten und den kreativen Input des Künstlers respektieren Besprechen Sie Ihre Bedingungen immer frühzeitig, stellen Sie also sicher, dass sich beide Parteien über die Aufteilung der Lizenzgebühren, die Gutschriften und die Lizenzierung Und die Lizenzierung bestimmt nur wie ein Künstler deinen Beat verwenden kann gängigen Typen gehören also nicht exklusive Lizenzen, bei denen Sie denselben Beat an mehrere Künstler verkaufen können , und eine exklusive Lizenz, bei der der Künstler, der den Beat kauft, die alleinigen Rechte an dem Beat erhält. Jede Lizenz sollte den Preis, die Nutzung, wie Streaming-Limits und kommerzielle Rechte, sowie die Credits angeben , wie dir das endgültige Werk gutgeschrieben wird . Im Allgemeinen habe ich gesehen, dass nicht exklusive Lizenzen von etwa 30$ bis 100$ und exklusive Lizenzen von 300$ bis, ich meine, wenn Sie mit großen Künstlern zusammenarbeiten, weit über 1.000$ liegen könnten Aber wenn Ihr Ruf wächst, sollten auch Ihre Preise steigen. Und auch der letzte Punkt: Verwenden Sie Verträge immer, um sich zu schützen. Websites wie Beat Stars haben Verträge eingebaut, oder Sie können einen Anwalt beauftragen, einen individuellen Vertrag zu erstellen wichtigsten Bedingungen gehören jedoch die Zahlungsstruktur, Lizenzgebühren und die Eigentumsrechte Hier ist also eine einfache kleine Idee, um zusätzliche Einnahmen zu generieren. Producer Packs sind Bundles Sounds, die du an andere Produzenten verkaufen kannst, Dinge wie Drumkits, Loops und One-Shots Sie sind eine großartige Möglichkeit, Ihr Einkommen zu diversifizieren. Sie können Drum-Loops, Melodieloops oder Effekte erstellen , und Sie können sogar Midi-Dateien oder Presets hinzufügen , um das Ganze noch attraktiver zu Als Nächstes betrachten wir die Soundauswahl als Branding. Ihre Soundauswahl ist also Teil Ihrer Marke, genau wie die Glocken von Metro Bowman oder die Flöten von Pierre Bourne Sie müssen eine einheitliche Klangpalette finden , die Ihren Stil widerspiegelt Um das zu erreichen, kannst du den drei Punkten auf dem Bildschirm folgen , indem du mit einzigartigen Instrumenten oder Texturen experimentierst und charakteristische Sounds in allen Beats wiederverwendest, um eine gewisse Vertrautheit zu schaffen Und lass dich von anderen Produzenten inspirieren. Aber füge immer deinen eigenen Twist hinzu. Kopieren Sie nicht direkt. Ihre Identität als Produzent zeichnet Sie in einem überfüllten Markt aus. Es ist eine Kombination aus Ihrem Sound, Ihrem Branding und Ihrer Persönlichkeit. Kenne deine Nische. Entscheiden Sie, welche Genres oder Stimmungen Sie dominieren möchten Seien Sie konsistent, von Ihren Bildern bis hin zu Ihrem Sound, um Ihr Branding einheitlich Interagieren Sie mit Ihrem Publikum, interagieren Sie mit Zuhörern und Künstlern in den sozialen Medien und Verfolge keine Trends, erschaffe deine eigene Spur. Der Aufbau Ihrer Marke als Produzent braucht Zeit, aber die Mühe lohnt sich auf jeden Fall. Indem du eine klare Klangsignatur entwickelst, intelligente Upload-Strategien anwendest, mit Künstlern zusammenarbeitest und dein Einkommen mit Dingen wie Produzentenpaketen diversifizierst , kannst du deine Leidenschaft in eine nachhaltige Karriere verwandeln Fangen Sie noch heute an, diese Strategien umzusetzen, und zögern Sie nicht, uns zu kontaktieren, wenn Sie Fragen haben oder Feedback wünschen Lassen Sie uns versuchen, Ihre Producer-Journey zum Erfolg zu führen. 49. Grundlagen des Boom Bap: In den nächsten Vorlesungen werden wir uns also nur mit den Grundelementen der Entstehung verschiedener Genres befassen Also schauen wir uns hier zum Beispiel Boom Bap an. Damit wirst du etwas wie ein Jazz-, ein Sol- oder ein Funk-Sample verwenden wollen etwas wie ein Jazz-, ein Sol- oder ein Funk-Sample verwenden Sol- oder ein Funk-Sample Sie können es zerkleinern oder andere Änderungen vornehmen, wenn Sie möchten, aber das, was ich gefunden habe, ist eigentlich ziemlich gut Sie könnten auch ein Vinyl-Crackles, eine Art Umgebungstextur darunter, einlegen Art Umgebungstextur darunter, einlegen Aber gerade bei diesem Muster ist bereits ein Vinyl-Knister Dann wirst du irgendwelche altmodischen Samples verwenden, die aus den 90ern klingen Das ist also ein Shaker-Sample , für das ich mich entschieden habe. Hier ist ein ausgefallener Hut. Das ist der Kick. Und das ist unsere Falle Wir haben auch ein anderes Drum-Pattern, bei dem ich eine weitere Snare und diesen extra ausgefallenen Sie werden auch viel Swing verwenden, etwa 50% Swing. Du suchst auch nach einem wirklich flippigen Hip-Hop-Drum-Pattern aus den 90ern Und damit wird auch Ihr Bassmuster ein bisschen anders sein, damit wird auch Ihr Bassmuster ein bisschen anders sein normalerweise entscheiden Sie sich für kürzere Noten, die den Stil der 90er nachahmen, aber auch zum Drum-Pattern passen Und für zusätzlichen Geschmack habe ich einfach eine Art Saitenpad-Sound und dieses Leadinstrument Lass uns das alles zusammen hören. 50. Grundlagen von Lofi: Hier werfen wir einen kurzen Blick auf Lo Fi. Dafür solltest du deine BPM zwischen etwa 60 und 90 BPM halten zwischen etwa 60 und 90 BPM Verwenden Sie sanft klingende Trommeln. Und ein kleiner Trick , den ich gerne mit meinen hohen Hüten mache , ist , wenn sie hier in der Klavierrolle sind Wenn du den zweiten High Hat verzögerst, so wird der High Hat bei jedem ersten und zweiten Schlag abgespielt . Wenn Sie den zweiten hohen Hut oder den hohen Hut beim zweiten Takt verzögern, verzögern Sie das hier um etwa einen Viertelschritt. Am Ende hat man so ein faules Swing-Gefühl. Dann wirst du einige wirklich jazzige Tasten benutzen wollen , entweder normales Klavier oder E-Piano, oder manchmal kann auch eine wirklich verträumte Gitarre funktionieren Das war also mein Beispiel, bevor ich Effekte hinzufügte. Es ist fast wie Lounge-Musik. Und das ist ein echtes Genre, falls du das nachschlagen willst. Also damit dann Ups. Damit habe ich eine Box hinzugefügt, um es ein bisschen zu verstärken und es etwas gedämpfter zu machen Also vorher und nachher? Dann habe ich Vibrato hinzugefügt, was eine leichte Art von Tonhöhenwackeln ist Ups, das mache ich immer wieder. Dadurch fühlt es sich leicht verstimmt oder verstimmt an. Und dann habe ich nur etwas subtiles Quetschen hinzugefügt. Man kann also hören, dass es wie ein Knistern auf Vinyl hinzugefügt wurde Und dann habe ich das einfach mit einem wirklich einfachen Bass und dem Schlagzeugmuster überlagert einem wirklich einfachen Bass und , über das wir vorhin gesprochen haben Die Idee mit einem tiefen Pi ist, zu versuchen, einen verträumten, hypnotischen, entspannten und fließenden Sound zu erzeugen hypnotischen, entspannten und fließenden Es ist auch eines der Genres bei denen man Regengeräusche oder die Geräusche einer Stadt mit piependen Autos und so einlagert Regengeräusche oder die Geräusche , aber eine Menge Hall drauflegt, sodass es sich anhört, als wäre es weit weg Dieses Genre eignet sich hervorragend für diese Art von Umgebungseffekten. 51. Grundlagen von Detroit: Hier werfen wir einen kurzen Blick auf den Detroit-Stil. Sie werden sich wiederholende Klavier - oder Synth-Melodien wie diese verwenden wollen - oder Synth-Melodien Es wird in einer Molltonalität sein und es muss düster und irgendwie bedrohlich klingen Ich habe auch diesen dunklen Synth-Loop auf Lupermen habe Manche Leute schaffen es, Detroit in doppelter Zeit zu schaffen. Ich bin also auf etwa 1:05 eingestellt, aber sie könnten ihre BPM auf 2:10 einstellen, aber das Der Hauptteil des Detroit-Stils stammt aus dem Drum-Pattern . Also wirst du deinen Kick so ziehen wollen, und es sollte so klingen. Es ist normalerweise auch ziemlich stark verzerrt. Der Kick klang also ursprünglich wie Wo ist mein Kick? Ursprünglich klang es so. Aber wir wollen ihm ein bisschen Biss geben, also verzerren wir es irgendwie zu stark Und dann wird dein Grundmuster einfach dem Muster des Kicks folgen Also nochmal, damit habe ich auch ein bisschen Verzerrung hinzugefügt. Und so klingt der Beat. 52. Grundlagen von UK Drill: Abschließend werfen wir noch einen kurzen Blick auf UK Drill Diese Tracks sind also normalerweise ziemlich düster und haben oft sich wiederholende, eindringliche Melodien Lass uns mal reinhören. Diese gespenstischen Melodien sind normalerweise ziemlich einfach und, wie gesagt Wir werden ein klassisches Trap-Kick- und Snare-Muster haben Trap-Kick- und Snare-Muster Aber unsere hohen Hüte werden ziemlich synkopiert sein. Und dann wäre das andere Hauptelement von UK Drill der Acht-oh-Acht-Subbase, aber das ist schon fast eine Melodie Und es gibt auch eine Menge gleitender Noten. Nun, mein Bassmuster ist wahrscheinlich etwas übertrieben, aber das ist okay. Ich versuche nur, die Kernelemente der einzelnen Genres zu demonstrieren . Also hören wir uns das an o Oh, ich habe Oh auch vergessen, und ich habe auch vergessen zu erwähnen, dass die Melodien oft ziemlich verstimmt sind , Also habe ich wieder diesen Vibrato-Effekt verwendet.