Storyboarding für Film und Animation lernen

1. Promo: Hi, mein Name ist eine Weile Maria von RAM und ich bin Filmemacherin und Künstlerin, und ich bin hier, um dir Storyboarding beizubringen. Warum musst du das Storyboarding wissen? Wenn Sie in die Filmindustrie einsteigen und Storyboard-Künstler werden möchten , gehört zu den meisten Farmprofis, die Sie tun können, weil Sie Teil der Geschichte sein können. ist umso wichtiger, Storyboarding zu kennen , wenn Sie Ihren eigenen Kurzfilm machen. Storyboarding ist ein Vorgänger Ihres gesamten Films. Verwenden einfacher Bilder. Mit dem Storyboard kannst du Richtung deiner Geschichte entscheiden. Sie können Kamera, Winkel, Aufnahmen und vieles mehr entscheiden . Das ist Ihre Story Blaupause. Und als Storyboard-Künstler musst du Kameramann sein und die Rollen des Filmemachens kennen. Das ist es, was ich dir hier beibringen werde. Also was wirst du hier lernen? Du wirst lernen, wie man mit einer Kamera arbeitet. Was ist ein Durchgang von 180 Grad? Sie lernen etwas über Framing, wie Sie Bewegungen mithilfe von Kamerawinkeln und Framing vermitteln können. Und ich gebe Ihnen Tipps und Tricks, welche Perspektive und wie Sie sich selbst trainieren können, schnell zu skizzieren. Und dann werden wir die Übung machen, ein Storyboard vom Skript bis zum Ende zu machen. Ich hoffe, Sie im Kurs zu sehen. 2. Einführung: Was ist Storyboarding und warum brauchen wir es? Storyboards wurden in der Filmindustrie und sowohl in der Animation als auch in der Live-Action weit verbreitet implementiert . Bei Walt Disney Studios. Animatoren entdeckten, dass es billiger und produktiver war, und man bekam ein besseres Gefühl für die Geschichte, als der Storyboard vor Beginn der Produktion zu filmen war. Storyboard ist genau das , was es sagt. Es geht an Bord der ganzen Geschichte. Es ist im Grunde die Blaupause für die Geschichte. Der Unterschied zum Drehbuch , dass das Storyboarding uns genau zeigt, wie der Film auf dem Bildschirm aussehen wird. Es kümmert sich um Probleme wie Timing, Kamerawinkel, Schauspiel und gibt uns sogar Richtlinien, welche Art von Requisiten oder Szenerien für den endgültigen Film benötigt wird ? Die Story-Grenze ist die Regisseure oder die rechte Hand. Der Regisseur kann die Geschichte ändern, je nachdem was er oder sie auf dem Storyboard sieht. Die Storyboard-Panels werden dann zu einem Antiemetikum gesammelt. Im Grunde fügst du alle Bretter in einen Film ein. Nur mit Bildern. Und das sind sie, der Direktor kann Änderungen vornehmen. Er oder sie kann den Verlauf der ganzen Geschichte ändern. Denn manchmal, wenn man etwas auf dem Papier sieht, klingt es im Drehbuch gut, funktioniert aber später im Film möglicherweise nicht. Und das kann auf sehr günstige Weise geschehen. Storyboarding-Teams sind normalerweise nicht viele Leute, ist nur eine Handvoll Leute, die den Film um ein Vielfaches geo2enrichr können , bevor sogar das Studio mit der Produktion beginnt. Das ist es, was zum Beispiel Pixar-Algen nach jedem Entwurf des Drehbuchs die Geschichte vor Ort haben, nach jedem Entwurf des Drehbuchs die Geschichte vor Ort haben um den ganzen Film zu zeichnen bevor sie überhaupt mit den Dreharbeiten beginnen. Sie beginnen mit der Produktion, bevor sie die Produktion sogar grün beleuchten. Und manchmal kann derselbe Film immer und immer wieder begrenzt werden. Deshalb, wenn du ein Story-Boarder sein willst , herzlichen Glückwunsch. Du wirst Teil der Geschichte Tim werden. Und Story macht sehr viel Spaß. Und Sie werden wichtige Entscheidungen und Entscheidungen treffen, die unser Direktor treffen muss. Deshalb ist Storyboarding wichtig. Und das sind Regeln des Storyboardings. Dies sind Regeln, auf die sich die Osmotik beziehen muss, zum Beispiel. Also werden wir hier über diese Rollen sprechen. Die Regeln sind nicht in Stein gemeißelt. Nehmen Sie diese Regeln also als Richtlinien. Jeder Story-Boarder hat seine eigene Sprache und ein Drehbuch kann auf viele, viele verschiedene Arten Storyboarder gemacht werden. Hier kommt also deine Sensibilität von Geschichte, Timing und Charakter. Wie werden Sie dem Publikum ein Stück Drehbücher vorstellen, ein Stück Geschichte . Und das wird Ihre Stärke und Zusammenarbeit mit Direktoren und mit guten Regisseuren sein. Wir werden also über einige der Rollen sprechen und ich gebe Ihnen einige Hinweise, wie Sie arbeiten können und wie Sie denken können. Um ein guter Storyboard-Künstler zu werden. Lasst uns dich anfangen. Wenn überhaupt, ist es in Gruppe zwei. 3. Einrahmung: Framing. In diesem Abschnitt werden wir über Framing sprechen. Da du die rechte Hand eines Regisseurs bist. Sie müssen diese Regeln als Storyboard-Künstler kennen. Auch hier sind Regeln im Storyboarding und im Film nur Richtlinien für das, was funktioniert hat. Du kannst die Regeln brechen, wenn es der Geschichte dient. Sie müssen auch wissen, welche Regeln Sie brechen und warum Sie es tun. Jetzt lasst uns anfangen. Extrem weite Schüsse oder sogenannter Einspielschuss. In diesem Schuss haben wir den Ort gefunden, an dem die Aktion stattfindet. Wir können die Charaktere weiter entfernt in der Ferne haben, oder wir können sie überhaupt ausschließen. Breiter Schuss. In diesem Framing kommen wir den Charakteren näher und sehen die Charaktere in voller Größe. In diesem Rahmen können wir die Körpersprache des Charakters erkennen . Wir können ihren Gesichtsausdruck sehen und heute Bewegungen näher kommen. Mittlerer Weitschuss. Wir rahmen die Charaktere noch näher ein. Und wir stellen sicher, dass wir die Charaktere nicht einrahmen, sie an den Gelenken schneiden, wie zum Beispiel ihre Bedürfnisse in diesem Fall. Angenommen, es ist am nächsten, dass der Rahmen der Kamera ein wenig über ihren Gelenken, über ihren Knien und in der Mitte ihrer Bindungen liegt . Dies ist eine Art Traum von mittlerem Schuss. Die Kamera rahmt die Charaktere ein wenig unter ihre Hüften ein. Denken Sie auch daran, den Rahmen über oder unter wichtigen Gelenken des Körpers zu platzieren , wie zum Beispiel die Hüften, in diesem Fall mittlere Nahaufnahme. Jetzt sind die nächsten drei Nahaufnahmen einander sehr ähnlich, obwohl sie verschiedene Ideen vergleichen wollen. Je näher wir einem Charakter kommen, desto mehr können wir uns mit den Emotionen des Charakters identifizieren. Dieses Framing wird auch in Dialogszenen verwendet, in denen wir die Dynamik zwischen mittlerer Aufnahme, mittlerer Nahaufnahme, Nahaufnahme und manchmal sogar mittlerer Weitaufnahme aufbrechen können mittlerer Nahaufnahme, Nahaufnahme und manchmal sogar mittlerer Weitaufnahme aufbrechen . Nahaufnahme. Hier rahmen wir das Gesicht der Charaktere ein. Extreme Nahaufnahme. Hier rahmen wir die Augen des Charakters ein. Was ist der Unterschied zwischen den drei Nahaufnahmen? Sie können fragen, da wir wissen, dass die Augen Fenster oder Salz oder Emotionen sind . Je näher wir den Augen des Charakters kommen, desto besser sind wir, die Emotionen des Charakters zu lesen und uns daher mit dem Charakter zu identifizieren. Natürlich heißt das nicht, dass wir den Charakter ständig extrem hautnah halten müssen. Also identifizieren wir uns mit den Charakteren, ist nur, dass wir in bestimmten Momenten wissen müssen , was der Charakter fühlt. Wenn das Merkmal einer bestimmten Entscheidung, zum Beispiel, wenn es einen emotionalen Zustand durchläuft, gut ist, diesen Kampf in extremer Nahaufnahme zu zeigen. Aber darüber werden wir in den späteren Abschnitten sprechen. Dieser Rahmen wird Vogelperspektive genannt. Die Kamera schaut von oben wie aus dem Auge eines Vogels nach unten. Dieses Framing wird verwendet, um uns einen Überblick über die Umgebung zu geben . Während ein Charakter die Weite der bevorstehenden Aufgaben erledigt. Zum Beispiel, wenn es ein Harmagedon gibt, wenn es so eine Katastrophe ist, wie zum Beispiel ein Zombieangriff. Und wir möchten sehen, dass das, was in unserem Haus passiert, in der Nachbarschaft und der nächsten Nachbarschaft und der ganzen Stadt passiert. Dann werden wir langsam von unserem Haus aus gehen. Ich bin Live-Kamera bis zur nächsten Nachbarschaft und wir werden die ganze Stadt sehen , in der Brände und Ablenkungen in der ganzen Stadt stattfinden. Es wird uns einen Überblick über die Weite der Katastrophe geben. Ein anderes Beispieldokument erkennt aus Horrorfilmen, wie wir eine Gruppe von Teenagern haben, aber 10 verbringen Urlaub mit den Worten. Und wir beginnen den Film mit einer Einspielung mit Vogelperspektive, wo wir zeigen, dass der Kohlenstoff nicht in der Nähe einer Stadt oder irgendeiner Stadt liegt . Es ist weit im Wald, was uns jetzt dazu bringt, dass wenn etwas passiert, Vater im Film, niemand da sein wird, der ihnen hilft. Die Vogelperspektive vermittelt beispielsweise ein Gefühl von Ohnmacht, Einsamkeit, Alleinsein in einer großen Welt. Aber es ist nicht unbedingt unsere Zelle. Es kann auch einen großen positiven Einfluss haben , wie zum Beispiel Jubeln der Menge nach einem Sieg. Wir verwenden diesen Schuss, um eine sehr starke Emotion in größerem Maßstab zu vermitteln . Hochwinkel-Schuss. Dieser ist einer Vogelperspektive sehr ähnlich, aber die Kamera kommt dem Charakter näher. Wir verwenden dieses Framing, um ein Gefühl der Hilflosigkeit zu vermitteln. Der Charakter ist benachteiligt, zum Beispiel verliert der Charakter ihre Verhandlungsposition . Wir können dieses Regal so haben auf den Charakter herabschauen, wie die Charaktere den Druck haben, eine Verhandlung zu verlieren. Wir verwenden es, um die Angst zu vermitteln, verloren zu sein und uns verloren zu fühlen. Es muss nicht sein, dass der Charakter notwendigerweise verloren ist, aber es ist nicht so, dass sich der Charakter mit diesem Regal verloren fühlt. Sie vermitteln auch das Gefühl , dass diese Aufgabe größer ist als das Potenzial des Charakters, sie zu überwinden. Niedrigwinkel-Schuss. In dieser Aufnahme schaut die Kamera auf den Charakter nach oben. Der Charakter sieht auf dem Bildschirm groß aus. Mit diesem Schuss wollen wir ein Gefühl von Macht, Entschlossenheit vermitteln , ein Vorteil bei Verhandlungen oder dem Gewinn einer Machtposition vermitteln. Dies schließt sogar persönliche Kraft ein, sich gestärkt oder selbstbewusst zu fühlen. Gekippter, abgewinkelter Schuss. In dieser Aufnahme neigen wir die Kamera. Wir schaffen also eine dynamische Handlungslinie. Mit diesem Schuss erzeugen wir ein Gefühl von dynamischer Bewegung, Gefahr, Aufregung oder Orientierungslosigkeit. Es gibt ein Gefühl von Tempo und Axiom. Dieser Schuss wird beispielsweise bei Verfolgungsjagden sehr verwendet, wenn eine Gefahr in der Situation besteht. Dies sind also ein paar Regeln oder Richtlinien , die Sie beim Storyboarding beachten können. Und der einzige Grund ist, einen größeren Einfluss auf Ihre VR zu haben einen größeren Einfluss auf Ihre VR und eine bessere Geschichte mit einer größeren emotionalen Wirkung zu erzählen. 4. 180-Grad-Rule: 180 Grad Rolle. 180-Grad-Rolle gilt für den Ort, an dem die Kamera steht, entsprechend den Charakteren. Wenn wir zum Beispiel einen Dialog führen. Sehen wir uns die Situation des Vorkommens an. Wenn wir zwei Charaktere haben miteinander sprechen oder sich beschäftigen, gibt es eine unsichtbare Handlungslinie, die genau in der Mitte der Charaktere verläuft , Hunderte, 90 Grad Regel besagt, dass die Die Kamera kann sich an jeder Stelle befinden, an jedem Punkt dieser roten Linie oder auf dieser einen Seite der Linie, die auf den Charakter zeigt. Und warum ist das wichtig? Mal sehen wir uns eine aktuelle Situation an. Wenn ein Charakter spricht und wir haben die Kamera auf der handgeschriebenen 80-Grad-Seite der Aktionslinie. Solange wir der 100-90-Grad-Rolle folgen, können wir den Charakter so oft vergrößern und herauszoomen , wie wir wollen. Wir können den Charakter entweder als Nahaufnahme, als mittleres Regal oder als Ganzschuss einrahmen . Dann sieht es so aus, als würde ein Charakter mit einem anderen sprechen. Aber was passiert, wenn wir die 180-Grad-Linie überschritten haben? Dann befinden sich beide Charaktere auf der gleichen Seite des Bildschirms und sie werden in die gleiche Richtung gedreht. Es wird keinen Dialog zwischen ihnen geben, aber es wird so aussehen, als würden sie mit etwas anderem sprechen, jemand anderem, der nicht im selben ist. Insgesamt 180 Grad dienen also grundsätzlich zur Orientierung auf dem Bildschirm und zur Klärung, wer wem spricht und wie die Charaktere positioniert sind. Können wir jetzt die 190-Grad-Rolle brechen und wie? Ja, das können wir natürlich machen. Wir müssen die Kamera nicht auf dieser Position stehen lassen, auf dieser Größe die ganze Zeit für den Film, das wird langweilig. Es gibt einige bestimmte Regeln, die die 190-Grad-Rolle brechen können . Eine Sache ist, die Kamera genau auf der Linie zu positionieren und den Charakter aus Sicht des POV schauen zu lassen. Wenn wir die Kamera genau in der Leitung haben, werden wir das nächste Mal die Charaktere. Wir können die Kamera auf der anderen Seite der Leitung haben. Und jetzt haben wir eine neue Aktionslinie auf einer neuen 180-Grad-Linie, die sich auf der anderen Seite des Charakters befindet. Wir können also nicht zwischen dem einen und dem anderen hin und her springen . Wir können 360 Grad oder Gas oder Zuschauer sind sehr verwirrt darüber, was auf dem Bildschirm passiert. Eine andere Möglichkeit, die Aktionslinie zu ändern oder die Position der Kamera zu ändern, besteht darin, dass sich einer der Charaktere beide bewegt. Wenn sich der Charakter also bewegt, änderten sie im Grunde die Aktionslinie und die Linie von 100 und 90 Grad zwischen ihnen. Jetzt können wir die Kamera an einem anderen Ort positionieren, aber wir müssen immer noch die 180 Grad der Rolle der Kamera beibehalten . Eine andere Möglichkeit, die 180-Grad-Rolle zu brechen , besteht darin, etwas zu schwenken. Etwas zum Beispiel, das sich der Charakter ansieht. Nehmen wir ein Beispiel, da der Charakter auf etwas weiter entfernt in der Ferne zeigt , auf der anderen Seite, warum die Kamera bisher war. Wie zum Beispiel auf dem Berg, wie der Charakter sagt: Schau, da drüben ist ein Drag. Dieser Punkt. Wir ändern die Position der Kamera und brechen den Dialog zwischen diesen beiden auf, brechen den Dialog zwischen diesen um zu sehen, worauf er zeigt. Und wenn wir dann zurückgehen, können wir den Charakter von der anderen Seite der Linie sehen und die 180-Grad-Regel brechen. Und jetzt haben wir eine neue Position der Kamera von der anderen Seite. Jetzt darfst du die Position der Kamera auf der anderen Seite wieder ändern. Jetzt gilt eine 180-Grad-Rolle auch, wenn der Charakter in Bewegung ist. Nehmen wir an, dass der Charakter in eine Richtung läuft. wir das nächste Mal den Charakter sehen, muss der Charakter wieder von links nach rechts laufen lassen, damit wir wissen, dass der Charakter in die gleiche Richtung läuft. Wenn wir zum Beispiel eine Action-Szene haben und der Charakter beispielsweise verschiedene Hintergründe durchläuft , läuft sie im Feld und sie läuft durch die Worte. Wir müssen sehen, wie sie in die gleiche Richtung geht, in diesem Fall von links nach rechts. Was passiert, wenn wir hier die Reihe von 100 bis 90 Grad brechen? Wie zum Beispiel in diesem Fall. Wenn wir also eine Szene haben, in der der Charakter von links nach rechts läuft, in der nächsten Szene wechseln wir in der nächsten Szene die Kamera und wir haben 180 Grad überquert. Stattdessen wird sie von rechts nach links rennen. Sie hat also im Grunde genommen die Richtung gewechselt ohne einen Grund anzugeben , dass sie das getan hat. Und das wird unsere Zuschauer sehr verwirrt machen. Wie können wir nun die Richtung des Charakters ändern? Eine Sache ist zum Beispiel, wenn der Charakter anhält und die Richtung in der Schraube auf dem Bildschirm ändert . Jetzt haben wir unseren Charakter hier falsch, wer anhält, etwas anschaut und die Richtung direkt bei demselben Schuss ändert . Jetzt können wir die Kamera auf der anderen Seite haben, denn jetzt läuft sie in eine andere Richtung. Wir haben also die Bewegung von rechts nach links für diesen Charakter gerechtfertigt . Dieser kann also etwas kompliziert sein, aber so einfach ist das. Denken Sie daran, wenn Sie Ihre Story-Posts zeichnen. 5. 180-Grad-Rule: Hier zeige ich Ihnen, wie wir den Rahmen und die verschiedenen Blickwinkel nutzen , um eine Idee zu vermitteln und eine starke Geschichte zu vermitteln. In dieser Sünde konfrontiert Include ihren Vater und möchte, dass er sie in den Kampf mit dem Drachen bringt. Also beginnen wir damit, dass der Vater neben dem Kamin sitzt und seinen Schlag auf den Kampf vorbereitet. Wir haben Kim in einer Ecke sitzen und wir haben die Beschattung des Raumes, der ihn umrahmt. Dann haben wir den Schatten von Ingrid, der hereinkommt und ihn bedeckt. Und das vermittelt die Idee dass etwas Ärgerliches über ihm droht. Dies ist also eine so symbolische grafische Sprache um zu zeigen, dass für ihn ein Problem auftreten wird , wie ein Schatten von klarem Himmel. Also kommt seine Tochter, Ingrid, auf den Bildschirm und sie steht hoch auf dem Bildschirm. Sie füllt den Platz auf dem Bildschirm aus. Und ihr Bild, er ist klein auf dem Bild. Sie kommt mit einer starken Botschaft und ich habe eine starke Entscheidung darüber, was sie tun möchte , und um diese Idee zu vermitteln, können wir sehen, dass vier, fast in der Mitte des Bildschirms. Wir benutzen einen Low-Angle Shot und rahmen den Charakter ein, das Sadats Eindringen eines tantrischen Handtuchs neben ihrem Vater ist . Ihr Vater setzt sich immer noch hin und wir arrangieren die Szene in Sache, dass seine Tochter in einer mächtigeren Position ist. Also setzt er sich immer noch hin und bereitet seine Vorbereitung, das Internet, seine Uhr vor. Während Ingrid aufrecht steht, ist n gerade dabei, ihm das zu sagen, was sie entschieden hat. Wir neigen die Kamera auch diagonal. Dies soll auch das Gefühl des Konflikts zwischen Vater und Delta verbessern . Ingrid sagt, dass ich mit dir komme. In diesem Fall verkauft Ingrid ihren Vater, dass sie sich ihnen anschließen will, um den Drachen zu bekämpfen , der ihr Dorf bedroht. Und wir haben den Effektor so gerahmt, dass wir den Ausdruck des Vaters sehen können und wie er darauf eingeht, was er seiner Tochter sagen soll. Er weiß, dass sie ihm sehr ähnlich ist, stur und mutig. Aber natürlich will er nicht, dass sie ihr folgt, jetzt weiß er das schon. Er weiß einfach nicht, wie er es ihr sagen soll. Und jetzt verwenden wir eine mittlere Weite, um das Treffen zu beschreiben. Ein Vater und Delta sind ein Treffen zweier Krieger. Sie sind beide gleich, mutig und stur. Aber hier sehen wir Ingrid zum ersten Mal sehr klein. Dieses Mal steht ihr Vater hoch neben ihr, weil er die Autorität ist. Er ist derjenige, der ihrer Mutter sagt , dass sie folgen wird oder nicht. Der Vater sagt: Du kommst nicht ins Netz. Und hier steht der Vater neben seiner Tochter. Es wird seins sein. Nun, wir haben gezeigt, dass sie, wenn sie neben ihr ist, zu ihm aufschauen muss, was sie zum ersten Mal wie ein kleines Mädchen aussehen lässt , dass wir sehen, dass sie tatsächlich ein kleines Mädchen ist. Und hier auf diesem Bild Ingrid wir, aber das waren flehende Augen. Und wir haben einen Schuss über die Schulter, das heißt, wir platzieren die Kamera dort, wo wir auch einen großen Teil des Vaters sehen. Tatsächlich füllt er den größten Teil des Bildschirms auf. Es ist ein Hochwinkelschuss , den wir auf ein Raster schauen. Sie fühlt sich also benachteiligt, klein verschoben. Sie hat das Gefühl, dass sie den Kampf verliert. Und dann ist der Vater, der Dialog des Vaters hier, tut mir leid, Ingrid. Es ist zu gefährlich und du musst hier bleiben und dich um deine Mutter für mich kümmern. Er versucht ihr eine Aufgabe zu geben, damit sie sich nicht nutzlos fühlt, weil er weiß , dass sie genau wie er ist. Sie will Mädchen machen, sie will eine Kriegerin sein. Ingrids Vater beugt sich also auf Ingrids Niveau. Er gibt zu, dass sie eine Kriegerin ist. Und mit diesem Bild wollen wir das Gefühl vermitteln , dass er seiner Tochter nicht wehtun will. Er will sie beschützen. Er ist ihr gleich wie ein Krieger. Sie hat aber auch Lagersysteme zum Garnen. Und hier verwenden wir einen niedrigen Winkel Shot, mittellang, bei dem Ingrid sehr klein auf dem Bild ist. Ihr Vater ist groß wie ein Stein. Er übernimmt den Bildschirm. Es ist jetzt Kills Will. Und damit wollen wir die Idee der Hilflosigkeit vermitteln. Hilflosigkeit, Ingrids Hilflosigkeit, weil sie oder Hauptfigur ist. Es ist nicht der Vater, der als Kampf verloren hat. Ihr Vater ist derjenige, der entscheidet. Sie fühlt sich klein. Und das können wir visuell auf dem Bildschirm sehen , indem wir die Charaktere auf diese Weise umrahmen. Aber dann halten wir die Kamera am selben Ende. Aber Ingrid stößt ihren Vater weg und kommt vor. Die Kamera in Pfannen mit ihr. Und wir gehen von Low Angle Shot auf ihren Vater zu einem Low-Angle Shot auf Ingrid. Und wir sehen, dass sie Selbstvertrauen gewinnt. Sie ist visuell auf dem Bildschirm gewachsen, indem sie die Charaktere auf diese Weise platziert hat , wenn die Charaktere auf dem Bildschirm wachsen, vermittelt man die Idee, dass der Charakter Jane-Schwung hat. Es hat eine ernsthafte Entscheidung getroffen und Jane hat ihre Macht packen lassen. Und hier, wenn Ingrid diese Entscheidung trifft, beginnt mit mittlerem Schuss. Sie ist immer noch sehr klein auf dem Bildschirm und sie ist mit dem Rücken auf uns zugewandt. Dort fangen wir an. Und es ist ein Low-Angle Shot. Und wir sehen im Raster, drücken Sie einfach auf eine Seite des Bildschirms, wenn sie sich immer noch verloren fühlt. Aber dann bewegt sie sich auf uns zu, zur Kamera und auf ihren Vater zu, bis sie dem Bildschirm sehr nahe kommt. Ihr Körper ist diagonal und symbolisiert Konflikte. Und Ingress sagt, und ich bin nicht mehr deine kleinen Mädchen. Und der Krieger, in dem du mir beigebracht hast, es gibt Entschlossenheit in diesem Dialog und im Fehlverhalten. Also müssen wir das mit ihr zeigen. Sie hält ihren Swot vorne vor dem Bildschirm. Sie hält sich fest und die Art ist fast so groß wie der korrupte Körper. Es gibt Diagonalen ihres Ehepartners Dynamik und Konflikte symbolisieren. Also konfrontiert sie ihren Vater und sie gewinnt den Kampf. Behalten Sie diesen Kamerawinkel bei und lassen Sie sie den Bildschirm mit Kraft und Entschlossenheit leben. Sie ist es, die den Kampf gewonnen hat. Wir behalten die Diagonale in ihrer Pose. Der Konflikt zwischen Vater und Tochter ist gewachsen. Nun, Baker, Vater, Ingrid, er versucht ihre Tochter aufzuhalten, aber er weiß, dass es sinnlos ist. Und wir verwenden einen Hochwinkelschuss, um die wachsende Kluft zwischen Vater und Tochter zu zeigen. Der lange Schatten, den Ingrid auf ihren Vater wirft, ist ein symbolisches Element der Sorge, die über ihm hängen wird. trägt seine tapfere Tochter mit sich und verweilt im Regal und lebt den Vater allein in der kleinen Ecke des Zimmers. Und auf dem Bildschirm zeigt seine Hilflosigkeit in dieser Situation. Er weiß, dass er Ingrid nicht aufhalten kann. Es gibt nichts , was er tun kann, weil seine Tochter genau wie er ist. Und wir beenden diese Szene hautnah. Schließlich möchte ich sehen, wie der Vater über eine Situation denkt. Also müssen wir eine Nahaufnahme haben und seine Emotionen spüren. Wir brauchen nicht einmal einen Dialog, um seinen Schmerz zu spüren und uns um seine Tochter zu sorgen. Wir zeigten uns im Kamerawinkel und natürlich im Handeln. Er schaut einfach weg, sehr nachdenklich. Und Orissa, und wir sind fertig, wir beenden diese Sünde. Sie sehen also, wie mit einem sehr einfachen Kamerawinkel die Vorstellung vermitteln können, Sie mit einem sehr einfachen Kamerawinkel die Vorstellung vermitteln können, welcher Teil der Gewinnerteil ist. Und so benutzt man verschiedene Kamerawinkel. 6. HowToSketch: Um Ihre Zeichnung zu verbessern, müssen Sie Menschen aus dem Leben skizzieren. Hier ist ein Beispiel dafür, wie man wann vorgeht. Wenn du mehr darüber wissen willst, gehe zu meinem Kurs, wie man Menschen aus dem Leben skizziert. Jetzt, da ich mein Modell ausgewählt habe, wie fange ich an und wie gehe ich ungefähr 19 mit dem Zeichnen an. Das erste, was ich wissen möchte, ist, wo mein Modell sitzt und wie sich seine Wirbelsäule je nach Hüften und nach seinen Schultern verhält . Obwohl ich nicht sehe, wo er sitzt. Ich versuchte mir vorzustellen, wenn ich die Beine fortsetze , wo seine Hüften B Welt B. Also würde ich einfach verstreute zufällig Anode scannen, einfach versuchen, die Position für sie zu finden. Und ich werde auch versuchen herauszufinden, wo seine Schultern sind. Und von dieser Position aus sehe ich, dass er leicht auf einer Seite geneigt ist, weil er sich auf eine seiner Hände lehnt. Also werde ich das einfach benachrichtigen und dann versuche ich herauszufinden, wie die anderen Körperteile befinden und wie sie entspannt oder angespannt sind und wo sie sind. Und das ist etwas , das ich sehe. Etwas, was ich mache, ist auch Entfernungen zu vergleichen. Der Abstand von der Vase zum Beispiel zur Schulter, der Abstand von der Hand im Vergleich zum Körper, die Entfernung von der Notwendigkeit zum Kopf. Außerdem vergleiche ich Entfernungen von der Umgebung, gerade alles zum Vergleichen definiert. Und ich zeichne nie einfach eins nach dem anderen. Und nachdem ich das getan habe, skizziere ich die Körperteile nur grob in sehr, sehr rauen Formen, nur mit runden Formen auf den Gelenken, die ich gerade gemessen habe. Und ich finde einfach das Gesamtplakat. Also werde ich einfach das Skelett verkleiden , wie ich es dir zuvor gezeigt habe, sehr grob, nur um herauszufinden, ob das Sinn ergibt, ob diese Linie, die ich gezeichnet habe, einfach Sinn ergibt. Wenn die Proportionen wirklich korrekt sind, habe ich gezeichnet. Und ich werde es tun, das passe ich danach einfach an. Und dann habe ich eine Zeichnung, die ungefähr so aussieht. Eine, die ich gemacht habe. Ich fange an, die Zeichnung zu verfeinern. Also gehe ich einfach mit einem dickeren Bleistift und oder mit einem anderen Farbstift. Und ich werde diese allgemeinen Formen einfach verfeinern. Verfeinern Sie im Grunde den Körper des Mannes. Und ich bekomme so etwas, das eigentlich ziemlich ordentlich aussieht und erwachsen aussieht wie der Charakter hier drin. Du siehst, dass ich die Proportionen habe, oder? Er sitzt definitiv, er lehnt sich definitiv. Also habe ich die Hauptproportionen und das Hauptgleichgewicht des Körpers und die Hauptfigur für diesen Mann dargestellt das Hauptgleichgewicht des Körpers und die . Und obwohl er kein Gesicht hat, habe ich die Übung ausgeführt, oder? Weil ich aus seiner Haltung und von diesem Charakter gelernt habe , wie sich ein Typ wie dieser lehnt oder sitzt. Und ich habe in meiner Memorybank aufgegeben, um eine zu sammeln, die ich später für meine eigenen Projekte brauchte. Wie würde es aussehen, wenn ich das Bild nicht unter den Firewalls vor Ort hätte. Und ich ziehe diese Leute nur aus dem Leben. Und das ist genauso wie ich dachte, wie ich es dir auf dem Bild gezeigt habe. Also im Grunde werde ich versuchen herauszufinden, wo sein Rückgrat ist. Im Grunde ist er also wo seine Hüften sind, wo er sitzt. Und ich wollte im Grunde versuchen herauszufinden, wo die Schultern sind und wie sich die Wirbelsäule im Körper biegt , wo das Gleichgewicht ist. Also werde ich sehen, dass er sich auf seinen Arm lehnt. Also werde ich schnell den Justizarm hier ziehen. Und ich werde herausfinden , wenn er sich lehnt. Und was ich mache, was ich mache, ist im Grunde Entfernungen wie den Arm zu vergleichen. Wo ist der Arm im Vergleich zu seinem Bauch? Also möchte ich in meinem Kopf eine unsichtbare Linie ziehen, um die Stelle zu finden der sich dieser Ellbogen und der Körperteil irgendwie auf derselben Linie befinden. Also würde ich sagen. Ungefähr hier würde ich Abstände zwischen verschiedenen Körperteilen messen . Es ist also im Grunde genommen die Dinge bisher im Auge. Und dann würde ich sagen, nun, er sitzt wie hier, also ist sein Laden hier. Er ist in diese Richtung verbunden und er hatte es geschafft, sich zu stützen, ungefähr hier auf seine Hand zu lehnen. Und dieser andere Arm ist der Ort, an dem das Knie genau das ist, was benötigt wird. Also werde ich versuchen, das Knie hier zu finden. Und er ist ein Er ist auf dem oberen Teil seines Beines, hat aber einen Perspektivwechsel auf zuerst weil die Samen ein bisschen in diese Richtung gebeugt sind . Also versuchen wir, die Verkürzung der Knie zu finden. Und wie mache ich das? Auch hier vergleiche ich Entfernungen. Ich habe das Gefühl, dass Disney hier, wenn ich eine Wallinie zeichne, einen Punkt hier punkten würde, einen anderen Teil des Körpers überqueren würde. Und das sehe ich, okay. Es geht durch diese Schulter. Es ist leicht an der Seite der Schulter. Ich mache das alles, indem ich es im Vergleich zu diesem Arm betrachte, wo endet die Sitzposition? Nun, es endet ungefähr hier. Das ist also eine Art Biegung des Beines. Und dann versuchen wir noch einmal zu sehen, wie das Feedback und ich sehe, dass er sich verbiegt. Er hat einen Fuß in diese Richtung gedreht, also werde ich das einfach wissen. Und vergleichen Sie es wieder mit einem anderen Teil des Körpers. Und das mache ich für das andere Bein. Sah, dass seine Hüften hier sitzen und die Wirbelsäule gebeugt ist, und seine Beine sind hier. Also würde ich eine Linie zwischen diesem Bein und diesem Bein ziehen , um ungefähr zu sehen, wo, wie lang der Abstand zwischen dem anderen Bein ist. Und ich werde Daten gleichzeitig messen, wenn die Füße also wie lang ist es von diesem Punkt aus, von wo aus sein Fuß zwei der nächste Punkt ist? Nun, es ist ungefähr hier. Ich würde sagen, sieh es einfach an. Und ich kann weitere Messungen machen, wie den Ort, an dem dieser Fuß endet. Wenn ich eine unsichtbare Linie nach oben ziehe, ohne Ende, endet sie ungefähr hier um seinen Bauch. Also würde ich sagen, vielleicht ist es hier, was bedeutet, dass er Licht so stark gebogen ist und einfach das Essen zieht. Ich werde sehen, dass das Essen so ist, als würde man unter dem Fuß sitzen , wird in dieser Richtung auf den Boden gelegt. Und das ist ungefähr meine Skizze, so wie ich an diesen Charakter denke. Und dann würde ich einfach weitermachen und ein paar Details hinzufügen. Erstens weiß ich die Position dieser Körperteile. Ich würde einfach gehen und den Rest des Körpers verfeinern und verfeinern. Und jetzt zeichnen wir einfach, okay, das Essen ist da. Und das mache ich sehr grob weil man nicht viel Zeit zum Nachdenken hat, wenn man einen Menschen nach draußen zieht , weil er seine Position ändert. Man muss also in der Lage sein, die Pose sehr, sehr schnell zu erfassen. Und du musst nicht so viel analysieren. Augapfel einfach Dinge , mit denen Sie anfangen können. Und Sie werden lernen, wirklich zu sehen wie diese Veränderungen perspektivisch verlaufen. Eine Sache ist, das zu verstehen. Eine andere Sache ist, es zu üben und durch Übung zu lernen. Also werde ich einfach schnell, ich kaufte auf und die Hand habe mein Schaltplan als Würfel oder so. Denn was mich für diese Position interessiert, ist wirklich, wie der Körper ist und wie die Haltung ist. Also werde ich das einfach mit der Schulter anpassen. Ich sehe, dass seine Schultern eine kleine Band sind und er sieht mir an, wie ich Position annehme. Er hat bemerkt, dass ich ihn fülle. Also ziehe ich einfach die Augenlinie. Ich werde nicht das ganze Gesicht zeichnen, nur um sicherzustellen, dass das Gesicht und der Kopf je nach Körper in den richtigen Proportionen sind. Und ich ziehe seinen Bauch. Jetzt. Ich füge auch den anderen Arm hinzu. Ich sehe wieder, dass dies seine Hand hier ist. Und sein anderer Arm ist der Punkt, an dem sein anderer Arm befindet, ist ungefähr dieser Punkt seines Körpers. Also werde ich das einfach hinzufügen und sogar den Unterarm anpassen und sehen, ob diese wirklich der Position seines Körpers entsprechen. Und ich werde sein spitzes bisschen in diese Richtung neigen und einfach kurz den Ort hinzufügen , an dem er sitzt, nur um sicherzustellen , dass er so am richtigen Ort sitzt. Und ich werde einfach seinen Magen hinzufügen , weil es ein sehr spezifischer Teil des Körpers dieses Kerls ist. Und es trägt zu seinem Charakter und seinem Pokerpunkt bei, für den er Lin ist. Also werde ich einfach herausfinden, je nach den Proportionen des Körpers und was ich sehe, wie sein Magen wirklich grob nach vorne gelehnt ist. Und jetzt habe ich schon die Skizze. Und von hier aus kann ich im Grunde nur ein paar Sachen verfeinern. Und ich sehe, ob alles in Ordnung ist, kann ich hier einen Hut hinzufügen. Jetzt bekommt er eher einen Charakter. Ich kann hinzufügen, dass ich so der Schatten seiner Augen sei. Wenn ich Zeit habe, wenn ich EPA habe, ist er nicht umgezogen und ich erinnere mich daran. Aber einige der Dinge, wenn Sie die Bewegung bemerken, werden Sie sich an einige Dinge erinnern und die auch in Ihrer Zeichnung verwenden. Versuchte auswendig zu lernen, wie die Person der Post-Doc war. Diese Person war n, weil sie sich definitiv bewegen wird und du wirst sehr genervt sein , dass du den Puls nicht verstanden hast, sondern dich einfach dagegen aufheben, dass du dich auswendig lernen und versuchst, das deinem Gesicht hinzuzufügen. Warum? Verwenden Sie das, was Sie über Proportionen wissen. Aber es ist so, was am wichtigsten ist , ist im Grunde das Gleichgewicht, die Proportionen und den Gesamtcharakter dieses Kerls zu erfassen . Und später kannst du vielleicht einfach ein paar Schatten auf dieses Bein legen , nur um dieser Perspektive noch mehr zu verleihen. Sie können irgendwo mit dem Stift, an dem er den kontaktiert, Akzente setzen, einige Oberflächen, die dem Charakter etwas mehr Stabilität verleihen . Und hier haben wir die Skizze , die ich aus dem Bild nicht benutzt habe. Ich habe den Kerl gerade beobachtet. Und das ist mein grundsätzlicher Denkprozess, wenn ich zeichne, wenn ich diese Charaktere zeichne. Lassen Sie mich Ihnen eine andere Zeichnung als Beispiel zeigen und einen anderen Bleistift verwenden und eine andere Art von Ansatz sehen. Zeichnen von Skizzen. 7. OnePointPerspective: Hallo da und willkommen zurück. Lassen Sie uns nun mit der Perspektive der Zeilen in die Tiefe gehen. Und fangen wir mit dem Würfel an. In dieser Vorlesung verwende ich ein grundlegendes Lineal, um die Dinge sauberer zu machen Sie verstehen können, unter zu chaotisch werden. Du kannst das benutzen oder du kannst einfach sehr grob zeichnen, wie ich es in der ersten Vorlesung getan habe. Der Hauptpunkt ist, dass Sie das Prinzip hinter der Perspektive verstehen und wie dies die Weise verändert, wie wir das Objekt sehen. Und die Hauptsache, die q Nun ziehen wir die perspektivische Linie und gehen davon aus , dass diese horizontale Linie hier ist . Und nehmen wir an , wir haben einen Würfel. Und ich werde jetzt über 1 Perspektive und Zwei-Punkte-Perspektive sprechen. Und was ist der Unterschied zwischen ihnen? Nehmen wir an, wir haben einen Punkt, einen Fluchtpunkt. Und Fluchtpunkt sind die Punkte, an denen alle Linien in der Ferne verschwinden. Und wissen Sie, wenn man sich zum Beispiel die Eisenbahnstadt im Bahnhof anschaut , sieht man ein sehr klares Beispiel wie die Linien in der Ferne verschwinden. Das liegt nicht daran, dass die Eisenbahn kleiner wird, nur weil die Perspektive deine Wahrnehmung verändert wie sie verschwinden und Gott in der Ferne immer kleiner wird. Dies ist im Grunde der einfachste Weg für mich, es zu erklären. Nehmen wir an, dies ist unser Fluchtpunkt, wo und die orangefarbene Linie 1 verschwindet und wir den Würfel oder die Linien nicht mehr sehen. Und nehmen wir an, wir haben einen Würfel unter und über der perspektivischen Linie. Wenn wir nun eine Perspektive mit einem Fluchtpunkt haben , bedeutet dies, dass alle Seiten des Würfels senkrecht zu oder Horizont stehen. Es bedeutet also, dass es einen Würfel haben wird. Nehmen wir an, es ist eins hier drüben. Und wir werden diesen Würfel von vorne sehen und dass vertikale Linien senkrecht zur horizontalen Linie stehen. Also haben wir einfach einen hier drüben. Und wir ziehen einfach einen hier rüber. Und wir machen die ABL-Leitung hier drüben. Es ist parallel zur horizontalen Linie. Darin gibt es also keine Schwierigkeiten. Ich zeichne einfach diese Linien und ziehe die Linie für den anderen tq. Weil sie genau gleich sind. Das sind sie. Es gibt zwei Seiten, aber die Linien sind senkrecht oder parallel zur horizontalen Linie. Lasst uns eins haben. Am Horizont, m1. Ich werde seinen Platz nicht haben. Lassen Sie uns einen oben, über der Linie und über der horizontalen Linie und eine darunter haben. Und ich zeichne hier einen und ich werde den Würfel hier drüben sehen. Dies sind also die Frontwissenschaft dieser Würfel. Wie würden wir also entscheiden, welche Seiten des Würfels wir sehen? Nun, eine Sache ist, dass jede Ecke des Würfels, diese und diese hier mit dem Fluchtpunkt verbunden ist. Lass uns das machen. Verbinden wir alle diese Linien, auch unter denen, die sich hinter dem Stichwort befinden, dem Fluchtpunkt in der Warteschlange. Und das hier. Und lasst uns das tun, um mit dem anderen Würfel fertig zu werden. Du kannst so genau sein, wie du willst. Du kannst das ziemlich schnell zeichnen, einfach von Hand, wenn du willst. Aber es ist eine Art entspannende Übung. Gleichzeitig, wenn Sie nicht zu technisch werden möchten. Das kann ein bisschen langweilig sein. Das kann ich vollkommen verstehen. Aber wenn du das schon weißt, wird es dir selbstverständlich sein. Es wird sich in Ihrem System aufbauen und Sie müssen nicht zu viel über die Leitungen nachdenken und verbinden wollen, was Sie nicht verbinden möchten, Sie wissen es nur. Wie entscheiden wir also , wo der Würfel endet? Obwohl es im Grunde ist, gibt es nicht den richtigen Weg, es zu messen. Eine Weile. könnte es geben, aber ich werde nicht zu technisch. Ich gehe einfach davon aus, dass der Würfel, die andere Seite hier endet. Ich ziehe hier nur eine Linie und 11, eine Linie hier. Diese Linie hier, die die Linie auf jeder Seite schneidet, die sich mit der anderen parallelen Linie der Rückseite der Warteschlange schneidet , beschreibt im Grunde die welche Seite von der Kubische wird perspektivisch sehen. Das Gleiche hier. Jetzt schneiden sie Linien für den unteren Teil der Warteschlange, denn jetzt haben wir einen Würfel, der über oder eine perspektivische Linie oder horizontale Linie liegt . Dies wird entscheiden, welche Linie wir hier sehen werden. Und wenn wir jetzt sehen wollen, wo die anderen Linien hier sind, nehmen wir jeden Punkt dieser Ecken des Würfels. Und was Sie tun, ist, dass Sie einfach eine senkrechte Linie nach unten ziehen , nach unten. Und hier machst du es mit dem anderen Punkt wie diesem. Und das Gleiche hier für das Oberrohr. Du verbindest diesen Punkt einfach hier oben und du zeichnest einfach eine weitere senkrechte Linie. Und was Sie jetzt hier bekommen, sind zwei neue Punkte, an denen sich die Linien des Würfels kreuzen, das ist diese Linie, dieser Punkt und dieser 0.1 hat es uns gegeben, es gab uns jetzt die Rückseite des Würfels und zeichne, als wäre der Würfel transparent. Also verbinde ich einfach Punkt und hier, wo sind diese Punkte? Offensichtlich sind sie hier. Und hier. Es muss einfach genau sein. Es ist also nicht verdreht geworden. Es ist also ungefähr hier drüben. Aus all diesem Chaos werde ich die Linien hier einfach sehr dick machen, werde ich die Linien hier einfach sehr dick machen damit Sie genau sehen können, wie wir die Warteschlange bekommen haben. Nun, das ist die Vorderseite von vier Würfeln. Dies ist die Seite, die wir sehen. Und diese ist die Seite, die wir sehen. Und höre von dem Würfel, der sich unter oder horizontaler Linie befindet. Dies sind die Seiten und dies sind die Rückseite des Würfels, als ob der Würfel transparent wäre. Fall, dass wir genau wissen müssen , wo die Röhre steht, was wir für spätere Zwecke tun werden. auch zu zeigen, wie Sie die Schatten dieses Würfels zeichnen. Dies ist also im Grunde eine sehr einfache Möglichkeit, eine Perspektive zu erklären und wie man sich im Grunde genommen entscheidet oder perspektiviert, dies gilt für den Würfel. Der Würfel ist tiefer unten. Das bedeutet, dass Sie sehen werden, dass mehr von diesem Teil offener sein wird . Oder wenn der Würfel mehr oben ist und bis er nach oben kommt, sehen Sie, wenn Sie gerade nach oben schauen, wenn Sie gerade nach oben schauen, nur den unteren Teil des Würfels oder den Kubisten direkt unten, direkt von dem Ort, an dem Sie stehen. Eoc nur der obere Teil der Warteschlange. Jetzt erkläre ich die Zwei-Punkte-Perspektive in der nächsten Vorlesung. 8. TwoPointsPerspective: Lasst uns nun fortfahren von wo aus wir mit den Würfeln angefangen haben. Und jetzt lass mich über die Perspektive von zwei Punkten sprechen. Nehmen wir an, dieser Würfel ist leicht gedreht, also sehen wir die Würfel nicht aus dem Blickfeld, aber wir sehen die Würfelecke. Wenn wir also nur diese Ecke sehen und diese Ecke immer noch senkrecht zu Grad der horizontalen Linie sein senkrecht zu wird. Zeichnen wir das hier. Und jetzt. Wenn wir die gleiche Warteschlange haben, wenn Sie sagen, dass dies die Ecke unseres Q ist , ungefähr hier drüben. Nun, wie entscheiden wir , wer die anderen beiden Seiten des Würfels sind? Und diese kommen mit 2 Perspektiven, was bedeutet, dass diese Linien nicht senkrecht sind. Sie sind nicht mehr parallel zur horizontalen Linie, verändern sich aber auch in der Perspektive. Sagen wir, wie finden wir das? Wir finden einen Punkt hier am Horizont? Es hängt davon ab, wie dieser Würfel gedreht wird , wie wir uns entscheiden, während wir im wirklichen Leben durch eine Live-Zeichnung beobachten und so weiter, wir werden nur eine Annahme machen. Und wir haben noch einen anderen Punkt, der hier sein wird. Nehmen wir an, das ist da drüben. Was es also bedeutet, die anderen Seiten des Würfels zu finden, und was wir aus dem Würfel sehen, ist , die beiden Seiten des Würfels dieser Ecke mit jedem diesen beiden Fluchtpunkten zu verbinden des Würfels dieser Ecke mit jedem diesen . Also haben wir einen hier und wir haben den anderen Fluchtpunkt. Dann. Dies ist im Grunde genommen klare Mathematik. Und bisher hat es hier nicht viel mit Kreativität zu tun. Weil wir versuchen, ein echtes Leben zu kopieren. Wir versuchen, die Illusion zu erzeugen, dass das, was wir im wirklichen Leben sehen , grundsätzlich korrekt auf das Papier angewendet wird, und es gilt für bestimmte Regeln, die von unserer Vision abhängen. Wie entscheiden wir also die beiden Seiten des Würfels? Nun, das ist nur eine Annahme. Und wieder, wenn Sie diesen Würfel im wirklichen Leben haben, werden Sie sehen, dass Sie Punkte mit einer Linie messen oder sich an anderen Objekten ausrichten können, was ich Ihnen später zeigen werde. Aber nehmen wir an, dass der andere Teil auf dieser Seite des Würfels hier drüben ist. Zeichnen Sie also einfach eine weitere senkrechte Linie oder 90 Grad vom Horizont entfernt, die horizontale Linie. Und mach das auf der anderen Seite ähnlich. Nehmen wir an, es ist hier drüben. Jetzt haben wir zwei weitere Punkte, die sich mit den Linien kreuzen , die sich mit den Fluchtpunkten verbinden. Und jetzt haben wir zwei weitere Punkte, die wir verbinden müssen. Verbinden Sie diese Linie also mit dem Fluchtpunkt. Hier drüben. Wie Sie sehen, ist die Linie bereits mit diesen Fluchtpunkten verbunden. Wir müssen das nicht wiederholen, diese Linie an diesem Punkt mit dem Fluchtpunkt verbinden . Lasst uns das machen. Und ich verbinde diesen auch mit dem Fluchtpunkt, dem A-Site. Auch hier verbindet es sich bereits. Es ist mit dieser Fluchtlinie verbunden, und wir haben eine weitere Linie zum Verbinden, einen weiteren Punkt zum Verbinden und um eine andere Linie für diesen Würfel zu finden . Und jetzt sehen wir, dass wir hier einen Punkt finden , an dem sich diese beiden Linien der Fluchtpunkt verbinden. Und Sie sehen automatisch , dass, wenn wir alles richtig gemacht haben, der Punkt hier und der Punkt dieser Linie eine Linie zeichnen, die genau senkrecht ist oder 90 Grad darüber bildet die horizontale Linie. Und ja, genau das macht es. Du siehst und hörst. Was sehen wir jetzt , ist, dass die beiden Seiten des Würfels und nicht nur einseitige Perspektive hier sind. Wenn dies also im Grunde die Seite ist, die wir vom Würfel sehen. Dies ist der obere Teil des Würfels , weil er sich unter der horizontalen Linie befindet. Und wenn es der andere Teil ist, den wir hier sehen. Und jetzt können wir das Gleiche für den oberen Teil tun, aber lasst uns den Fluchtpunkt ändern. Stellen Sie sich einen Würfel vor, der sich über der horizontalen Linie befindet. Also lasst uns einfach weitermachen und nochmal die Ecke des Würfels zeichnen . Nehmen wir an, es ist, es ist hier drüben. Also dieser Punkt und dieser Punkt. Nutzen wir diesen Fluchtpunkt für dieses zweite Quartal. Aber strecken wir den Fluchtpunkt für diesen Job hier drüben aus. Auch hier hängt der Fluchtpunkt davon ab, wo du stehst und auf welcher Seite du den Würfel siehst, wie viel du davon siehst. Und das ist etwas , das wir mit einer beobachteten Zeichnung aus dem wirklichen Leben experimentieren können . Deshalb ist es sehr wichtig , Dinge aus einem zu ziehen. Verbinden wir diese Punkte also noch einmal mit diesem Fluchtpunkt, auch diesem. Und jetzt haben wir hier einen neuen Fluchtpunkt. Verbinden wir uns hier unten und verbinden wir es hier am oberen Punkt. Okay? Jetzt gehen wir davon aus, dass der Würfel, dass dies die Seiten des Würfels sind. Strecken wir diese Linien weil sie ausgerichtet sind, zwei Grad benötigen, 90 Grad, wo das Q mit der horizontalen Linie ist. Also wird einer hier sein und der nächste wird hier sein. Lassen Sie mich die restlichen Linien zeichnen damit wir den Würfel vervollständigen und Sie werden ein klares Bild haben. Wovon ich spreche. Verbinden Sie also diese Ecke, diese Ecke und diese Ecke mit dieser Linie und dieser Ecke mit dieser Linie. Und was noch zu tun ist, ist diesen Punkt hier zu haben. Und jetzt verbinden wir es mit diesem Fluchtpunkt, dem neuen Fluchtpunkt M. Wenn wir alles richtig gemacht haben, wird es hier Wenn wir alles richtig gemacht haben, einen Punkt geben und hier einen Punkt, der ausgerichtet, gewonnen wird nicht in der Lage sein , das 90 Grad an der horizontalen Linie auszurichten der horizontalen Linie die senkrecht zur horizontalen Linie steht. Und du siehst, dass das ziemlich richtig ist. Also haben wir die Dinge richtig gemacht? Also hier haben wir einen Q-Punkt ist vor allem eine horizontale Linie. Und die Größe, die wir nicht sehen, sind die Seiten. Und wie Sie in dieser Warteschlange sehen, sehen wir, als Miss den Fluchtpunkt geändert hat, als Miss den Fluchtpunkt geändert hat, viel mehr von dieser Seite des Würfels als von dieser Seite. Und das nächste ist, dass wir hier keine Änderungen an der Warteschlange haben , wenn wir den Würfel für beide Fälle auf der horizontalen Linie haben . Sehen Sie ein Quadrat, wir werden keine andere Seite des Würfels sehen. Und wenn wir diese haben, dann haben wir einfach, wir werden diese Linie hier haben. Wenn es genau auf der horizontalen Linie ist, wird es zwei neue Punkte haben, die hier wieder mit den Fluchtpunkten verbunden werden . Und hier. Was bedeutet, dass wir auf den beiden Seiten des Würfels sehen werden. Jetzt haben wir diese Seite hier. Und wenn wir die Seite weitermachen und uns verbinden, diesmal die Linie zum ultimativen Angelpunkt. Hier. Und hier sehen Sie, dass wir weder den unteren als auch den oberen Teil oder den unteren Teil des Würfels sehen werden. Aber wir werden nur die beiden Seiten sehen. Dieser und dieser. Nur um es klarzustellen, werde ich diese Ecken einfach dunkler machen. Und du siehst, wie wir diese Blöcke gebaut haben und wie die Perspektive und die 2 verschwindenden, Fluchtpunkte verändern, wie wir den Würfel sehen. Ich hoffe also, dass das nicht zu verwirrend war. Sobald du es in den Griff hast, werden wir feststellen, dass es sogar Spaß macht, denn plötzlich bekommst du einen perfekten Würfel, perfekte Perspektive. Und ich habe absichtlich ein Lineal benutzt , weil Sie von Anfang an ein positives Feedback haben müssen von Anfang an ein positives Feedback haben , wenn Sie mit dem Zeichnen beginnen. Und das ist sehr einfach zu erreichen. Ich kann diese mathematischen Prinzipien einfach benutzen. Also werde ich mit der nächsten Vorlesung und der nächsten Form fortfahren , auf die ich Ihnen die Perspektive zeigen werde . Wir sehen uns dort. 9. WarmUp: Bevor Sie mit dem Storyboarding beginnen, ist es gut sich aufzuwärmen. Wie du dich aufwärmst , versuche, deine Hauptfiguren sehr schnell zu skizzieren. Nimm dazu ein Stück Papier und zeichne eine deiner Hauptfiguren. zum Beispiel jetzt auf dem leeren Raum Wählen Sie zum Beispiel jetzt auf dem leeren Raum ein paar Posen aus, die Ihr Charakter wahrscheinlich einnehmen wird. Mit diesem Prozess beschreiben Sie auch, wer der Charakter ist, wie sie oder hier reagiert. Wie würde sie glücklich sein? Wie wäre sie traurig? Wie würde sie sich ausruhen? Verwenden Sie das Prinzip des Skizzierens, indem Sie zunächst nur eine Strichfigur verwenden. Auf die gleiche Weise, wie ich es Ihnen in dem Video gezeigt habe, in dem wir Menschen aus dem Leben auf diese Weise skizzieren werden, werden Sie schnell die Proportionen finden, das Gleichgewicht des Körpers und die Haupthaltung von dein Charakter. Dies wird Ihnen helfen, schnell ins Storyboarding zu gehen und Ihre Panels zu entwerfen , ohne Ihre Zeit damit zu verschwenden , herauszufinden, wer Ihr Charakter ist. Warum ist es dann wichtig, sich aufzuwärmen , wenn Sie anfangen Storyboarding. Jedes Mal, wenn wir vom Zeichnen wegkommen, vergessen wir etwas zu zeichnen, oder wir werden in Angst vor dem Zeichnen verwickelt. Dies ist nicht sehr nützlich , wenn das Storyboard. Wenn Sie sich also vor dem Storyboarding auf einem Blatt Papier lockern , können Sie in den Prozess einsteigen und sogar Ihre Angst vor dem Zeichnen überwinden. Jedes Mal nähern Sie sich den leeren Panels, um mehr über das Zeichnen von Charakteren zu erfahren. Gehe zu meinem Kurs, wie man Cartoony-Menschen zeichnet. 10. FromScript toThumbnails: Jetzt werden wir das Skript aufschlüsseln und den Prozess des Erstellens eines Storyboards durchlaufen. Also hier ist unser Drehbuch. Und es heißt Außen Forest Day. Das ist mündliche Lage in Grid läuft durch den Wald. Peter ist direkt hinter ihr. Ingrid dreht sich um und sieht den Widerstand des hinter ihnen liegenden Proteins schickt Feuerbälle durch die Luft. Pete, komm schon, beeil dich. Peter versucht sie einzuholen. Er stolpert und fällt. Der Drache kommt näher. Peter sagt, keine Chance davonzulaufen. Er schließt die Augen und wartet auf das Schlimmste. Gerade als der Einbruch erscheint, steht sie zwischen ihm und dem Drachen, ermutigt Rosco Swatch und bekämpft die Droge und schließt Kämpfe wütend ein. Ihr Swot gräbt sich in die Drachen. Der Drache schreit vor Schmerzen und fliegt davon. Ingrid geht zurück zu Peter. Bist du okay? Mir geht's gut. Oder dein irgendetwas im Netz? Sie sind vorerst sicher. Was ich zuerst mache, ist ein leeres Blatt Papier vorzubereiten. Ich habe Fiskalpapier oder über Photoshop oder ein anderes Programm. Und ich habe ein paar Frames aufgestellt. Was ich hier machen möchte, ist sehr schnell zu skizzieren und nicht wirklich darüber nachzudenken. Spüre einfach den Fluss der Story und den Beat. Also beginne ich mit der ersten Szene mit dem Zeichnen einer Szene, in der die Charaktere davonlaufen. Und hier habe ich entweder das Charakterdesign oder nicht. In diesem Fall kann ich mir nur vorstellen, wie die Charaktere aussehen und auch die Wälder gestaltet haben. Also fange ich damit an und zeichne schnell, während die Charaktere laufen werden. Und was ich zuerst tun muss, ist herauszufinden, was für ein perspektivisches Gesicht ist. Also entwirfe ich schnell mit weißen Linien, nur um eine Orientierung zu geben, wie die Perspektive S. Und ich werde hier einen diagonalen Winkel verwenden , weil die Szene so dramatisch wie Action-Szene ist, und ich möchte hier mehr diagonale Linien, um sicherzustellen, dass ich das Drama innerhalb der Sequenz vermittele. Als Nächstes möchte ich den Dialog betonen , in dem Ingrid sagt, Pete: Komm schon, beeil dich. Also werde ich das bedeuten und ihren Kopf auf Peter zudrehen , während sie läuft und immer noch das gleiche Tempo behält. Als nächstes möchte ich ihr zeigen, dass sie davonläuft, damit sie viel schneller ist als Peter und sie verliert ihn in gewisser Weise aus den Augen und vertraut darauf, dass er Wasser aufholen wird . Im nächsten Schuss. Ich werde einen weiten Winkel haben, in dem wir den Standort sehen. Und ich werde den weißen Lengel aus der Vogelperspektive haben . Weil ich vereinfachen möchte, dass kleine Kinder im großen Wald handelt. Es droht eine Gefahr über ihnen. Außerdem möchte ich den Standort der Filiale anzeigen. Ist der pH-Wert weg und stolpert und fällt auf. Und nur um einen Anschluss für die spätere Aktion in der Szene zu haben. 10, ich möchte ihm zeigen läuft und sich in der Branche nähert, aber er blickt nicht auf ihn. Sie versucht, dem Widerstand zu entfliehen und sicherzustellen , dass er keine sichere Distanz hat. Also dreht er seinen Hut dem Drachen. Und in der nächsten Aufnahme möchte ich den Drachen zeigen, weil ich zeigen möchte, was er ansieht. Es ist immer noch nicht sein Standpunkt, also zeige ich den Drachen nicht aus einem Blickwinkel. Wo ist Petes Standpunkt? Aber ich möchte immer noch darauf achten , auf das aufmerksam zu machen , was Peter ansieht. Und jetzt zeige ich Petrus aus der Sicht der Drachen. Und er ist ein kleines Kind , das versucht zu rennen und der Drache ist wirklich stark und gefährlich. Beachten Sie, dass ich die Laufrichtung immer vom Bildschirm nach links nach rechts behalte, da wir die Kamera auf dieser Seite von 180 Grad haben. Und wie ich gezeigt habe, dass er sich der Filiale nähert. der nächsten Aufnahme möchte ich eine Nahaufnahme haben, um sicherzustellen , dass der Zuschauer versteht, dass er tatsächlich auf den Zweig gestolpert ist. Also mache ich eine Nahaufnahme auf seine Füße und seinen Zweig. Und als nächstes wollen wir sehen, wie Peter fällt. Also mache ich einen mittleren Schuss , bei dem Peter nach vorne fallen wird. Und ich werde mit dem Pfeil bedeuten , dass die Kamera ihm nach unten folgt, bis er fällt. Und das wird die nächste Aufnahme sein, die letzte Pose von Peter, die sich bewegt , wo sich die Kamera bewegt. Und jetzt wollen wir zurückgehen und sehen, welche Zutat es gibt. Denn jetzt haben wir die Geschichte aus bitterer Sicht gesehen . Und Ingrids ist auch eine Hauptfigur. Also müssen wir zurückgehen und sehen, was sie macht. Und im Drehbuch heißt es, dass Peter die Augen schloss , bis Ingrid auftaucht. Aber wir müssen auch daran teilnehmen wie fühlt sie sich und wie hat sie herausgefunden, dass Peter weg ist? Also gehen wir zu ihr zurück und zeichnen einen bildgezeichneten Rahmen, in dem sie läuft. Und sie läuft immer noch und jetzt pulsiert sie um sicherzustellen, dass Peter hinter ihr ist und sie ihn dort nicht findet. Jetzt ist sie wirklich gestresst. Also wollen wir eine echte Nahaufnahme von ihr sehen , um ihre Emotionen zu zeigen. Und sie schaut auf, um sogar die Droge zu sehen. Und so wird sie noch beunruhigter und besorgter. Und jetzt sehen wir aus ihrer Sicht, was sie sieht und sie hat gesehen, wie sich der Drache Peter nähert. Sie trifft eine sehr schnelle Entscheidung. Und im mittleren Schuss werden wir jetzt die Nahaufnahme verlassen. Wir gehen zurück zum Schuss zur vorherigen Aufnahme und wo sie im mittleren Regal ist. Und sie ändert jetzt die Richtung. Also geht sie von rechts nach links. Und jetzt ist es in Ordnung für sie, in diese Richtung zu laufen, denn wir haben gesehen, wie sie die Richtung auf dem Bildschirm geändert hat . Und jetzt sehen wir, wie sich der Drache nähert. Wir werden dies bedeuten, wo der Schatten liegt und Vogelperspektive sehen unsere Charaktere aus der Vogelperspektive sehen, um zu zeigen, wie hilflos sie sind. Der Schatten nähert sich also und droht über Peter. Und wir schließen Petrus zu zwei, um die Gefahr zu bedeuten, die sich über ihn nähert. Auch. Es ist eine Möglichkeit, die Aktion zu verzögern , damit der Betrachter auf die Auszahlung warten kann. Und wir haben, wir sehen den Drachen aus der Sicht des Peters. Und jetzt wählen wir einen Winkel, einen niedrigen Winkel, in dem Peter wie überall seine Kleidung, seine Augen und er nicht sehen will , was als nächstes passieren wird. Aber es passiert nichts. Und er öffnet seine Augen, um zu sehen. Und jetzt bringen wir Zutat mit. Deshalb ändern wir im Grunde die Perspektive der Geschichte für von hinten, aus Peters Sicht. Aus Peters Perspektive, wie er die Geschichte erlebt und aus Ingrids Perspektive, wie sie die Geschichte erlebt hat und wann sie reinkommt. Das Drehbuch ist also eine wirklich gute Interpretationsbasis für Sie als Storyboard-Künstler. Jetzt kommt Ingrate im Kampf gegen den Drachen. Und wir schauen jetzt über die Schulter auf Ingrid, nur um zu bedeuten, dass sie die Verantwortung übernimmt, gewinnt sie die Macht über den Drachen. Und wieder kämpft sie gegen den Drachen. Der Drache ist ein ziemlich ernster Feind. Und sie ist nur ein kleines Mädchen. Einige für dunkle Materie ist es schön, verschiedene Winkel zu wählen , in denen sie größer im Bild ist und dann, wenn der Drache größer auf dem Bild ist , auf dem Bildschirm. Und nur damit diese Dynamik des Kampfes ungleich ist. Aber auch für die Einführung ist sie auch sehr stark und sehr geschickt und hat eine Chance zu gewinnen. Und dann haben wir diese Chance, wo sie die Droge nagelt und was in den Drachen funktioniert hat. Ich, durch den Drachen nehme einen großen Teil des Bildschirms und Ingrid passt das kleine Mädchen an, aber immer noch ihren Erfolg. Wohlergehen größer. Wenn wir eine Komposition zeigen, gewinnt ein kleines Mädchen ein Biest dieser Größe. Ihre heroische, ihre heroische Rolle ist größer. Darauf. Mit diesem Bild fliegt der Drache davon. Und jetzt sieht Ingrid, was passiert, und stellt sicher, dass der Drache weg ist. Bevor sie auf ihre Freundin achtet und davonläuft, um nach Peter zu sehen. Und hier am Ende haben wir den Dialog I, okay. Und Peter sagt, mir geht's gut ein Jahr, etwas Unzureichendes. Und sie sind vorerst sicher. Jetzt ist das eine grobe Thumbnails. Jetzt müssen wir diese Miniaturansichten aufschlüsseln und sicherstellen , dass sie als Storyboard-Frames funktionieren. Ich mache immer Miniaturansichten, wenn ich mit dem Story-Boarding beginne , weil du diese Bilder verschieben kannst, ein Bild überspringen oder ein Bild hinzufügen kannst, und es ist nur dein Zeichentabelle, bevor du hineingehst. Und Dürrerahmen, die für eine endgültige Genehmigung des Regisseurs oder sogar des Herausgebers in das Antibiotikum eingehen werden. Und genau das werden wir als Nächstes machen. 11. FromThumbnails toFinalPanels: Also wie gehe ich zu einem, ich fange an, die echten Frames zu zeichnen. Dieser erste Schuss ist ziemlich komplex. Es hat einen Hintergrund und es hat eine gewisse Geschwindigkeit. Die Charaktere laufen im Grunde durch einen Wald. Und, und ich möchte sicherstellen, dass der Hintergrund gleich scannt. Es fühlt sich also an, als würde man den gleichen Wald bezahlen. Natürlich können Sie das Frame für Frame auf einem Blatt Papier machen Frame auf einem Blatt Papier und Sie können später scannen und Sie können den Wald sehr grob machen. Das ist auch in Ordnung, denn wenn Sie mit Storyboards arbeiten, ist Geschwindigkeit sehr wichtig um die Frames schnell abrufen zu können. Und so ist Rauheit eher zu bevorzugen als schöne Zeichnungen. Aber um der Sache willen, wenn wir viel Zeit haben, wenn die Produktion, in der wir uns leisten können, schöne Zeichnungen zu machen, hätte ich so etwas. Also würde ich meinen Rahmen für das Format messen , mit dem ich arbeiten möchte. Und ich werde es in diese Ebenen höher legen, damit ich mich durch diese Szene bewegen und tatsächlich sichere Frames bewegen kann durch diese Szene bewegen und tatsächlich sichere Frames und diesen Teil so durch den ganzen Wald bewegen kann. Und ich fange vielleicht von hier aus an. Und ich habe sogar meine Skizze da, damit anzufangen. Und wir haben später aufgeräumt und schattiert den Wald. Und dann lasse ich meine Charaktere in der ganzen Szene platzieren. Und hier ist Peters. Hier ist also im Grunde der erste Frame. Und ich verschiebe das hier und ich schneide es einfach zu. Ich schneide es wie diese Bild-Zuschneidung zu. Und das hebe ich mir als JPEG auf. Speichern unter. Und hier habe ich meine Frames bereits hier im Ordner gespeichert, wie ich Thumbnails genannt habe. Dies ist also mein erster Frame aus dem Storyboard aus der Photoshop-Datei. Und hier ist mein zweiter Frame, von dem ich hier draußen absagen werde. Und ich werde rückgängig machen, was davon kommt, dass ich diesen Rahmen in eine andere Richtung bewege. Also bekomme ich viel Ruhe in diesem Wald oder höre sogar, was ich den gleichen Charakter habe, kopiere ihn auf verschiedenen Ebenen. Und ich werde einfach sogar Peter für den nächsten Frame da haben. Und ich werde etwas im Vordergrund haben , nur um Tempo zu schaffen. Und ich mache einfach das Gleiche. Ich beschneide das Bild einfach auf diese Größe zur Seite. Und ich werde es als JPEG speichern bei dem ich schon hier drüben habe. Und Sie sehen, dass Sie das Tempo dieser Frames spüren können , wenn Sie durch sie scrollen. Und hier kann ich diesen Dialog führen, konkurrieren, mich beeilen. Dies sind also im Grunde drei Frames aus denselben Aufnahmen, bei denen die Kamera gleich ist und kein Schnitt vorhanden ist. Und so habe ich angedeutet, dass es eine Kontinuumskongruität im Rahmen gibt. Dieser Frame und dieses ganze Sequenzbild sind also vollständig. Also gehe ich dann zum nächsten Bild, diese ganze Aufnahme aus der Vogelperspektive. Und hier nenne ich es als Nummer zwei. Und ich werde diesen Rahmen hier haben. Und ich werde nicht den ganzen Wald haben , weil ich nur bedeuten möchte , dass die Charaktere durch den Wald laufen und die Kamera irgendwie still ist. Also fange ich normalerweise immer damit dieses perspektivische Ding zu entwerfen und dann die Charaktere zu entwerfen, wo sie sind. Und ich füge den Wald hinzu. Und später, wenn ich Zeit habe, auch wenn die Produktion es zulässt, werde ich etwas beschattet, nur um eine schönere Komposition zu haben, die Beleuchtung ein wenig vorzuschlagen und wie die Wald umrahmt dies, diese Komposition. Und das wird meine Frame-Nummer sein, mein Bild Nummer fünf. Die Zahlen, die ich aus meinen Bildern hier gebe, sind also nur für mich, damit ich eine Reihenfolge befolgen kann. Jetzt können diese Bilder später umbenannt oder geändert werden , da der Regisseur vielleicht möchte, dass Sie hier und da ein paar Schatten spiegeln. Denn wenn Sie zum ersten Entwurf Ihrer Komposition Ihrer Sequenz als Storyboard kommen Ihrer Komposition Ihrer Sequenz als Storyboard und es in das Enzymatische einfügen, können Sie den Fluss dieser Animation des Storyboards sehen , wenn funktioniert oder wenn Sie es ändern müssen. Also dann möchte ich hier sehen, dass Peter sich der Filiale nähert. Aber vorher fühlt es sich an, als müsste ich etwas mehr Geschwindigkeit haben. Ich muss sie mehr laufen lassen. Das sehe ich also. Eine, die ich in diesem Prozess arbeite. Also was ich mache, was ich hier gemacht habe, als ich hier einen weiteren Frame hinzugefügt habe , in dem Peter läuft. Was ich getan habe, ist nur, dass ich ein Stück Wald genommen habe. Und hier lasse ich Peter in Posen laufen. Und 11 der Ehegatten ist , wenn er vorwärts läuft. Und ich kopiere einfach diese Ebene. Und ich mache die anderen Beiträge nur sehr einfach, um zu signalisieren , dass es Schnelligkeit gibt. Und dann habe ich noch einen Rahmen, in dem ich die gleichen Kantenschalen habe, den Kopf in Richtung Drachen drehe. Ich möchte die Gefahr nur vereinfachen. Und dann färbe ich diese Rahmen. Neugierig auf diesen Rahmen. Und ich schließe und öffne Ebenen. Und ich bekomme diese Ebene. Während der Hintergrund und für den nächsten Frame ich ihn einfach ein wenig bewege. Und irgendwann, was ich bekomme, wenn ich diese Frames sehe, bekomme ich das Gefühl von Geschwindigkeit. Nun, wieder können die Dinge wirklich, wirklich grob sein und der Charakter muss nicht genau so aussehen , als könnte dieser Charakter grob sein, denn das Wichtigste ist dass man diese Frames zeichnen kann schnell. Sie können eine Geschwindigkeit in der Produktion haben. Und so gehe ich tatsächlich jede einzelne Aufnahme dieser Aufnahmen durch und erstelle einfach ein paar Bilder wie dieses zum Beispiel, hier habe ich Sigma Phi Dot. Wir sehen, wir folgen mit Peter vorwärts. Und die Frames, die ich im Storyboard mache , sind im Grunde so etwas. Ich zeichne diesen und bewege dann den Hintergrund in Richtung Peter. Und dann habe ich den anderen Rahmen, in dem ich diese beiden Frames einfach mit Peter zeichne diese beiden Frames einfach mit Peter und den Hintergrund bewegen lasse. Und jetzt kann ich auf dieses Bild zuschneiden und sogar den Drachen nähern lassen, wenn du es bist. Wenn du im Storyboard besser sein willst, kannst du sogar den Drachen für zwei Frames mit den Flügeln schlagen lassen. So kann es noch besser werden. Und hier habe ich die Nahaufnahme und der Peter fällt. Und jetzt siehst du, dass die Kamera voranschreitet. Und wir haben Ingrid auf die gleiche Weise mit zwei Frames laufen. Und wieder das Gleiche was? Also gehe ich im Grunde jeden Frame durch und breche es auf. Und ich möchte dir einen anderen Rahmen zeigen, den ich hier gemacht habe. Zum Beispiel dieser Rahmen, wenn Ingrid stoppt. Und hier habe ich nur die Augen des Charakters geändert , weil er sich so verkaufen wird warum die Augen wichtig sind, wichtig sind. Nun, das tut es, weil es Richtung bedeutet und es den Modus gibt, die Emotionen, die in der Szene weitergehen. Also habe ich diesen Rahmen, in dem sie nach oben schaut und im Grunde den ganzen Schuss vergast. Sie möchten also all diese kleinen Details aufgreifen, Dinge, von denen Sie denken können, die Ihr Storyboard bereichern , um es einzufügen und Ihr Storyboard lebendig zu machen. Wenn der Betrachter also anfängt zu schauen, kann er ein klares Gefühl dafür bekommen worum es in der Sequenz und den Szenen geht. Und als nächstes zeige ich dir die ganze Sequenz, die in der Rätselhaftigkeit bearbeitet wurde. So können Sie das Ende sehen, wie dieser Prozess endete. 12. Endgültige Sequenz: Wir beginnen damit, dass die Charaktere durch den Wald laufen und das Tempo ist schnell. Diese Droge nähert sich nett. Peter stolpert über den Zweig und falsch. Es ist nicht großartig. Kontinuierliches Laufen. Sie dreht sich um , um zu sehen, ob Peter ein K ist und sieht, wie sich der Drache nähert. Sie trifft die erste Entscheidung und dreht sich um und rennt zurück. Die Belastung als Drohende über Peter. Schließe die Augen und warte auf das Schlimmste, aber es passiert nicht. Und Ingrid kommt herein und kämpft gegen den Drachen. Und sie nagelt ihm den Drachen in die Augen. Der Drache schreit vor Schmerzen und fliegt davon. Ingrid stellt sicher, dass sie Agonisten entfernt sind und Peter angestrebt sind. Geht es dir gut? Mir geht's gut. Dein Etwas. Und das ist das letzte Rätsel für dieses Drehbuch.