Storyboard für Animation | Sue Anne Chan | Skillshare
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Einheiten dieses Kurses

    • 1.

      Einführung

      1:51

    • 2.

      Das Hauptthema finden

      6:37

    • 3.

      Referenzen sammeln

      4:37

    • 4.

      Prinzipien des Storyboardings: Storytelling

      7:38

    • 5.

      Prinzipien des Storyboardings: Klarheit

      3:55

    • 6.

      Prinzipien des Storyboardings: 180° Regel

      6:21

    • 7.

      Prinzipien des Storyboardings: Komposition

      12:00

    • 8.

      Prinzipien des Storyboardings: Continuity

      4:50

    • 9.

      Beat

      2:49

    • 10.

      Storyboard Teil 1

      4:51

    • 11.

      Storyboard Teil 2

      6:29

    • 12.

      Vorschaubilder

      2:17

    • 13.

      Grobe Entwurf

      3:15

    • 14.

      Überarbeiter Entwurf

      2:42

    • 15.

      Fertigstellung deines Storyboards

      2:42

    • 16.

      Letzte Gedanken

      3:23

  • --
  • Anfänger-Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Jedes Niveau

Von der Community generiert

Das Niveau wird anhand der mehrheitlichen Meinung der Teilnehmer:innen bestimmt, die diesen Kurs bewertet haben. Bis das Feedback von mindestens 5 Teilnehmer:innen eingegangen ist, wird die Empfehlung der Kursleiter:innen angezeigt.

1.322

Teilnehmer:innen

2

Projekte

Über diesen Kurs

Wenn du eine Animation erstellen möchtest, musst du zuerst etwas anderes machen: Ein Storyboard!

Ein Storyboard ist eine geplante Sequenz von Schlüsselszenen

 

In diesem Kurs werde ich dich zeigen, wie du eine Animation ergibt, die auf den Bedürfnisse deiner eigenen Geschichte



Du wirst Folgendes betrachten:

 

  • Das Hauptthema deiner Geschichte identifizieren
  • relevante Referenzen sammeln
  • Die Prinzipien des Storyboarding lernen
  • Terminologie
  • beat erstellen
  • Thumbnailing dein Drehbuch / Geschichte
  • Erstellen deines Storyboards
  • Fertigstellung deines Storyboards

 

Am Ende dieses Kurses wissen

Diese Fähigkeiten können auch bei der Erstellung von animatics oder motion angewendet werden.

 

Diejenigen ohne bestehende story erhält einen Link zu einer Version von „Kaiser neue Kleidung“““. Ich freue dies neu für dein Board

Triff deine:n Kursleiter:in

Teacher Profile Image

Sue Anne Chan

Freelance Storyboard Artist

Kursleiter:in

 

I'm Sue, a freelance storyboard artist, comic artist and illustrator who loves whales (and animals in general)!

 

So far, my professional work includes creating storyboards for both TV productions and several YouTube animated series. I've also drafted and drawn lineart for comics on a commission basis and illustrate webcomics in personal work. Usually, comics are my way of experimenting with different types of storytelling, trying to understand other perspectives and it's how I share my personal thoughts.

 

Most of my classes cover art fundamentals and storytelling because that's what drives me to make art! If that sounds like your jam, feel free to join in!<... Vollständiges Profil ansehen

Level: All Levels

Kursbewertung

Erwartungen erfüllt?
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Transkripte

1. Einführung: Storyboards. Was sind sie? Ein Storyboard ist im Wesentlichen ein großer Comic-Strip eines Films. Es fasst die wichtigsten Szenen in einer Animation, shot-by-Shot. Hi. Ich bin Sue und freischaffende Storyboard-Künstlerin und Illustratorin. In dieser Klasse führe ich Sie durch die Schritte beim Erstellen eines Storyboards und gemeinsam finden wir den besten Weg, um Ihre Geschichte zu erzählen. Sie können Ihre Pinnwände in Photoshop, Storyboard Pro oder einem anderen Programm zeichnen . In der Tat, ein Bleistift und Papier arbeiten gut. Der wichtige Teil ist nicht das Medium, sondern das Storyboard selbst. Ich werde neben dir ein Storyboard erstellen, also lass uns gemeinsam auf diese Reise gehen. Du wirst dir deine Geschichte oder dein Drehbuch ansehen und ich werde dir beibringen wie du herausfinden kannst, was das Hauptthema der Geschichte ist. Dann sammeln Sie relevante Referenzen und ich werde Ihnen die Prinzipien des Storyboarding beibringen. Sie werden herausfinden, was ein Beat-Board ist, und wir werden sie zeichnen, dann werde ich über die Storyboard-Terminologie gehen, die Sie wissen müssen, um Ihre Thumbnails zu machen, um Ihren groben Entwurf zu zeichnen, dann zu überarbeiten, und schließlich zeichnen Sie die bereinigte Version Ihres endgültigen Storyboards. Diese Klasse ist ideal für alle, die eine bestehende Story-Idee haben, die sie in eine Animation verwandeln wollen oder für jeden, der zum Beispiel etwas über das stroryboarding lernen möchte. Diese Fähigkeiten können auch bei der Erstellung von Animethik oder Motion-Comics angewendet werden. Am Ende des Kurses haben die Schüler die Werkzeuge und das Wissen, wie sie effektive Storyboards basierend auf ihrem Story-Thema erstellen können. Für diejenigen ohne eine bestehende Story-Idee, keine Sorgen, ich werde einen Link zu einer Version der Geschichte, The Emperors New Clothing. Fühlen Sie sich frei, dies in jeder Weise neu zu interpretieren und anzupassen, die Sie wollen. Also lasst uns anfangen. 2. Das Hauptthema finden: Okay, jetzt reden wir über Skripte. In dieser Lektion lehre ich Ihnen, wie Sie Ihr Hauptthema identifizieren und wie Sie es Ihrem Storyboard zeigen. Zuerst sollten Sie Ihre Basisgeschichte bereit haben. Sie können es in ein Skriptformat transkribieren, wenn es Ihnen das Durchlesen erleichtert, aber es ist nicht notwendig. Dann werde ich einen Clip von oben analysieren und Ihnen beibringen, welche Lektionen wir daraus ziehen können , wie Pixels sein Script-Story-Thema in seine Visuals übersetzt. Ich werde die Lektion abschließen, indem ich Ihnen meine eigenen Skripte zeige und darüber spreche , was ich tun will. Dann gebe ich Ihnen Ihre Aufgabe am Ende der Lektion. Ich schlage nicht vor, dass Sie mit einer sehr komplizierten Geschichte mit langen Plots beginnen. Vor allem, wenn dies Ihr erstes Storyboard. Ich selbst würde eine einfache Geschichte erstellen und ich habe bereits ein Skript ausgeschrieben. Es geht um zwei Schwestern namens Z und J. Sie versuchen, einen Geburtstagskuchen für ihre Mutter zu backen. Für diejenigen, die mit einer Geschichte, die ich vorausgesetzt, sie umarmen neue Kleidung.Sie können Ihre Geschichte in jeder Weise, die Sie wollen ändern und neu zu interpretieren in Ihrem eigenen Skript. Wir werden diesen Clip von oben analysieren, der von Pixeln offiziellen YouTube-Kanal gepostet wurde. Ich werde den unten stehenden Link unter Ressourcen veröffentlichen. Ich schlage vor, ihr seht euch nach dieser Lektion selbst an. Ich habe auch einen Link zu einer Anleitung zur Formatierung Ihres Skripts zur Verfügung gestellt. Nun müssen Sie Ihre Geschichte nicht unbedingt in ein Skriptformat umschreiben. Aber wenn Sie sich entscheiden, besessen Sie nicht zu viel darüber. Schreiben Sie es einfach so, dass Sie verstehen, worüber Sie von Szene zu Szene erzählen müssen. Nur lassen Sie wissen, dass es Spoiler vor uns geben wird, aber es ist nichts, was die Erfahrung, den Film zu sehen, meiner Meinung nach verderben wird. Das Drehbuch beschreibt das Leben von Carl und Ellie. Dieser Clip vergleicht das Skript mit den letzten Visuals, die wir im Film sehen. Das Kernthema von Up ist meiner Meinung nach, sich zu erinnern, aber auch aus der Vergangenheit zu bewegen, so dass Sie offen für die Liebe von neuen Freundschaften sein können und neue Abenteuer im Leben in der Gegenwart erleben können. Aber woher wissen wir das? Wenn wir durch das Drehbuch schauen, sehen wir beschrieben Carl und seine Beziehung. Es zeigt, wie kontrastierend unsere Persönlichkeiten sind; wie sie zusammen angefangen haben, heiraten, aus zwei sehr unterschiedlichen Hintergründen kommen. Dann sehen wir, wie sie das Leben zusammen leben. Wie ihre Unterschiede Kompliment gegeneinander.Wir sehen, wie sie durch die glücklichen Zeiten und die schwierigen Zeiten gehen. Nachdem sie beide entdeckt haben, dass sie keine Kinder haben können, ist Ellie untrennbar, aber Carl erinnert sie an das Abenteuer, das sie als Kind haben wollte. Sie arbeiten in Richtung einer neuen Motivation.Paradise Falls. Sie sind für die Motivation, gemeinsam ein Abenteuer haben zu wollen. Sie versuchen beide, dafür zu sparen. Aber immer wieder scheitern die Dinge, und sie finden, dass sie Geld für andere Dinge ausgeben müssen. Dies zeigt ihre Schwierigkeiten beim Versuch, ihr Ziel zu erreichen. Aber man kann aus der Sequenz sehen, dass sie immer noch glücklich zusammen sind. Es erreicht einen Punkt, an dem sie zusammen alt werden, glücklich und vereint. Aber als sie eines Tages putzen, stolpert Carl auf ein altes Foto von Ellie. Er erkennt, dass ihr ursprünglicher Traum unerfüllt geblieben war und er denkt, dass er Ellie versagt hat. Carl versucht Ellies Traum zu erfüllen, indem er Tickets nach Südamerika kauft, aber leider wird Ellie krank und stirbt, bevor er es schafft, diesen Traum zu ihr zu bringen. Am Ende von Ellies Leben übergibt sie ihm das Abenteuerbuch. Carl ist untrennbar. Während des gesamten Films ist es impliziert, dass er es nicht ertragen konnte , bis zum Ende durch das Abenteuerbuch zu schauen , weil es ihn daran erinnert, wie er Ellie ihren wahren Traum zu bringen. Diese ganze Sequenz stellt die Frage, die Carl in seinem Herzen hat: dass er Ellie versagt hat und er nicht weiß, ob er Ellies Traum jemals erfüllen kann. Er verbringt den Film mit seinem eigenen Abenteuer und findet selbst heraus, dass das Abenteuer, das er Ellie gab, tatsächlich genug war. Diese Frage wird schließlich gegen Ende des Films beantwortet, als Carl bis zum Ende durch das Abenteuerbuch schaut und auf Seiten stößt, die er vorher nicht durchschauen konnte. Er sieht Ellies letzte Worte an ihn: „Danke für das Abenteuer. Jetzt geh und hol dir einen neuen.“ Dies beantwortet die Frage, die Carl von Anfang an in seinem Herzen hatte. Es bringt den Film in vollen Kreis. Das Setup am Anfang und die Antwort, die gegen Ende des Films enthüllt wurde , begründet Up's Hauptthema; sich von der Vergangenheit weiterzubewegen, während man sich immer noch um die Menschen kümmert, die ein Teil deines Lebens waren. Sie können geöffnet werden, um neue Freundschaften zu schließen und neue Abenteuer zu erleben. Up begründet Carl und Ellies Liebe füreinander früh mit einem verheirateten, lebenslangen Touch, um das Publikum zu Beginn des Films mit diesen Charakteren zu verbinden . Indem er die Montage mit Ellies Tod beendet und Carls Bedauern deutlich zeigt , dass er ihren ursprünglichen Traum aus den Augen verloren hat. Es legt fest, warum Carl so nah dran ist, neue Erfahrungen und Freundschaften mit neuen Leuten für den Rest des Films zu genießen . Dies stärkt das Ende, denn es gibt eine Antwort auf Carl, wie auch das Publikum, dass bei Ellies Abenteuer mit ihm genug war und hämmert nach Hause das Hauptthema der Geschichte. Up's Skript das Bildschirmbeispiel sagt uns dies. Indem Sie den Anfang und das Ende Ihres Skripts analysieren, können Sie feststellen, welche Nachricht die beiden miteinander verbindet. Was das vermittelt, ist Ihr Hauptthema der Geschichte. Denken Sie darüber nach, wie Sie Ihr Hauptstory Thema einrichten können, indem Sie Ihrem Publikum eine Frage geben, die später am Ende der Animation beantwortet wird , die vollständig unterstützt und zeigt Ihre Geschichten Hauptthema. Für mein Storyboard weiß ich, dass es die beiden Schwestern Z und J zeigen wird und wie sie kämpfen, um einen Geburtstagskuchen für ihre Mutter zu backen. Dies sind nun die Ereignisse, die im Skript auftreten. Aber was ist das Hauptthema der Geschichte? Das Hauptthema, das ich weiß, dass ich dem Publikum vermitteln möchte, ist es, Ihre Familienmitglieder zu schätzen und zu versuchen, einander zu verstehen und sich gegenseitig in schwierigen Zeiten zu unterstützen. Nun, es ist eine einfache Handlung und es ist eine sehr einfache Botschaft. Aber was wirklich wichtig ist, ist, wie Sie es in Ihrem Storyboard vermitteln. Ich lasse euch das Drehbuch durchlesen und das Hauptthema der Geschichte finden. Alles Gute. kommen Sie zur nächsten Lektion zurück, in der wir lernen, wie Sie relevante Referenzen sammeln können. 3. Referenzen sammeln: Lassen Sie uns darüber sprechen, relevante Referenzen zu sammeln. In dieser Lektion werde ich darüber sprechen, wie und wo relevante Referenzen zu erhalten sind, sei es online oder im wirklichen Leben. Ich werde auch darüber sprechen, welche Konzeptkunst Sie bereit haben sollten, bevor Sie anfangen, etwas zu zeichnen und welche Storytelling Referenzen basierend auf Ihrem Hauptstory Thema erhalten sollten. Die meisten meiner Online-Referenzen werden auf Pinterest und YouTube gesammelt. Ich schaue mir auch andere Referenzen von Google oder andere Spezialblogs an, abhängig von dem Thema, auf das ich verweisen muss. Ich mag Pinterest, weil du es ganz schön kategorisieren kannst. Sie können verschiedene Mood-Boards erstellen, und es ist fast wie ein Ordner, der mehrere verschiedene Bilder enthält. Ich habe verschiedene Mood-Boards erstellt, basierend auf den verschiedenen Charakteren, die in meinem Storyboard sind. Die verschiedenen Hintergrundeinstellungen und auch die verschiedenen Appliances und Objekte, die ich möglicherweise nicht unbedingt ohne Referenz zeichnen kann. Nachdem Sie Ihre Referenzen gesammelt haben, sollten Sie anfangen, Ihre Konzeptkunst zu zeichnen, wenn Sie dies noch nicht getan haben. Du brauchst Charakterdesigns und Hintergrunddesigns. Beide müssen nicht fertig aussehen, sie können ungefärbt bleiben, und Sie können sie sogar in einem Skizzenformat belassen, wenn Sie möchten. Wichtig für die Charakterentwürfe ist, dass es klar ist, wie die Charaktere aussehen und wie groß die Charaktere in Bezug zueinander sind. Sie können in einem Maßstabsformat wie folgt zeichnen. Wie Sie sehen können, ist mein Hintergrunddesign ziemlich eine Skizze und es zeigt auch deutlich, was in der Umgebung ist , ohne wirklich über Bord der Details zu gehen. Es half auch, Ihre Charakterentwürfe innerhalb der Umgebung in einer separaten Ebene zu beschleunigen , so dass Sie wissen, wie groß Ihre Charaktere in Bezug auf die Hintergrundelemente und die Objekte sind, die sich um. Abgesehen davon, dass die Hintergrundumgebung entworfen wurde, habe ich auch eine Vogelperspektive des Layouts gezeichnet. Es ist wie ein Architekturplan, der Ihnen hilft, Entwurf der Umgebungen auf seine Basisteile zusammenzufassen. Die Gesamtumgebungen formen, die Objekte und wo sie platziert werden, und wie alles gegeneinander platziert werden würde. Dies hilft wirklich viel, wenn Sie Story-Boarding sind, weil es leicht sein kann, sich in der Position Ihrer Kamera zu verlieren, wenn Sie Szene zu Szene zeichnen. Wenn Sie die Referenz, die Sie online benötigen, nicht finden können, würde ich vorschlagen, dass Sie versuchen, sie im wirklichen Leben zu erstellen, Sie können entweder selbst posten und ein Foto machen oder Sie können einen Freund oder Familienmitglied bitten, für Sie zu posieren. Ich konnte auch kein Foto einer Blume in einem bestimmten Winkel finden, den ich wollte. Ich habe ein Foto in genau diesem Winkel gemacht, als ich durch den Park spazieren ging. Ich sammle auch Referenzen von YouTube und organisiere sie in verschiedenen Wiedergabelisten. Diese Playlist ist eigentlich eine exklusiv für Schmetterlinge fliegen weil es einen Schmetterling in meinem Storyboard gibt, der eine wichtige Rolle spielt. Ich habe versucht herauszufinden, wie würden die Flügel tatsächlich umklappen, damit ich effektiv Storyboard machen kann? Andere Referenzen, die du auf YouTube sammeln kannst, stammen aus Filmen, Shows oder jedem Kurzfilm, der dort hochgeladen wird. Das Sammeln von Referenzen wie diese ist wichtig, weil Sie wissen möchten welche Art von Stimmung und Ton Sie für Ihr Storyboard einstellen werden. Zum Beispiel, wenn Ihre Geschichte hauptsächlich auf Drama mit einem Element der Komödie im Inneren konzentriert , würde ich empfehlen, dass Sie überprüfen Sie die Clips von Coco oder Song of the Sea, wenn es auf seine Kinder ausgerichtet ist. Wenn dein Storyboard eher ein geradliniges Drama ist, das noch Erwachsenen gegenüber ist, dann würde ich empfehlen, Clips von Persepolis oder Grave der Glühwürmchen zu referenzieren. Sie können Ihre Storytelling-Referenzen auch in Netflix oder in jeder anderen Video-Plattform finden , die Sie sich vorstellen können. Ich habe verschiedene YouTube-Wiedergabeliste nach verschiedenen Genres kuratiert , auf die ihr euch in den Ressourcen beziehen könnt. Wenn die Links, die ich bereitgestellt habe, nicht zu Ihrem Hauptthema passen, dann zögern Sie nicht, Ihre eigenen Referenzlinks auf YouTube, Netflix oder einer anderen Video-Streaming-Website zu suchen. Alles klar Leute, jetzt wissen wir, welche relevante Referenz online und im wirklichen Leben zu sammeln und welche Art von Konzeptkunst wir zeichnen müssen, bevor wir mit dem Storyboard beginnen. Viel Spaß bei der Suche nach Referenzen und kommen Sie später zurück , um mehr über die Prinzipien des Story-Boarding zu erfahren. 4. Prinzipien des Storyboardings: Storytelling: Willkommen zurück. Jetzt, da wir unser Hauptthema kennen, haben unsere Referenzen und Konzept bereits, lassen Sie uns in die Prinzipien des Storyboarding einsteigen. Die Prinzipien des Storyboarding, die ich abdecken werde, sind Storytelling, Klarheit, die 180-Grad-Regel, Komposition und Kontinuität. In dieser Lektion konzentriere ich mich auf das Geschichtenerzählen. Früher diskutierten wir, unser Hauptthema zu finden, und ich berührte ein wenig über das Geschichtenerzählen dort. Aber ich möchte eingehend darüber reden, welche Grafiken Sie zeichnen können und wie Sie Ihr Storyboard beschleunigen können, um Ihr Hauptthema zu unterstützen. Alle Links sind wie immer unter Projekte und Ressourcen verfügbar. Lassen Sie uns nun das Geschichtenerzählen in diesen beiden Movieclips analysieren. Einer ist von Coco und einer von Up. Fangen wir mit Coco an. Ich lasse Sie nur wissen, dass es Spoiler vor uns geben wird. Ich wählte Coco als eine meiner wichtigsten Storyboard-Referenzen. Dies liegt vor allem daran, dass mein eigenes Story-Thema dem von Coco ähnelt, und die Art und Weise, wie sie ihr Thema darstellen, ist so effektiv, besonders in dieser zentralen Szene. In dieser Szene versucht Miguel, seine Großmutter Coco dazu zu bringen , sich an ein Familienmitglied zu erinnern, das weitergegeben ist, damit ihr Geist nicht verschwindet. Meiner Meinung nach ist das Thema von Coco folgendes: sich an die Vergangenheit zu erinnern, damit Sie daraus lernen können und sich gegenseitig schätzen und zuhören, wenn Sie Familie sind, niemanden zurücklassen. Der Sinn dieser Szene ist es, Cocos Gedächtnis zurück zu bringen, aber ich denke, was wichtiger ist, ist, wie sie ihr Hauptthema durch die Szene gezeigt haben. Wie haben sie dieses Thema in ihrem Storyboard unterstützt? Zu Beginn der Szene rennt Miguel verzweifelt, um zu seiner Urgroßmutter Coco zu gelangen, aber er hat bei seiner Abuela angehalten. Er schafft es, in den Raum zu kommen, in dem Coco ist, und schließt seine Abuela aus. Er versucht, sie zu erinnern, aber sie kann es nicht. Miguel ist untrennbar. Gleich nach seinem gescheiterten Versuch, sich an seine Urgroßmutter zu erinnern, stürzt seine Abuela mit seinen Eltern in den Raum. Seine Eltern sind anfangs wütend, aber wenn sie Miguels Tränen sehen, umarmen sie ihn stattdessen. Sehen Sie sich nun an, wie das Storyboard gesehen wird. Als Miguel merkt, dass sich seine Coco nicht erinnern kann, kehrt er zurück und eine Kamera folgt seinem Ausdruck, weg von Coco konzentriert sich nur auf ihn. Diese Kamerabewegung isoliert Coco von Miguel, weil sie sich nicht mehr erinnern kann und sich jetzt nicht mit ihm verbinden kann. Von der Art, wie sie diese Aufnahme konstruiert haben, können Sie immer noch deutlich sehen, dass Miguel im Mittelpunkt steht. Sie können aber auch deutlich sehen, wie die Familienmitglieder von hinten einmarschieren, so dass das Publikum weiß, dass seine Familienmitglieder die Szene betreten. Aber es bleibt auf Miguels Ausdruck als Hauptfokus, so dass Sie sehen, wie herzzerbrochen er ist. Wenn Miguel mit seinen Eltern interagiert und weint, spürt man den Moment, weil er auf Miguels Ausdruck verweilt und auch deutlich zeigt, dass seine Eltern ihn umarmen und versuchen, ihn zu trösten. Dann zeigt eine Kamera seine Abuela im Gespräch mit Coco und sagt Miguel, er soll sich bei ihr entschuldigen. In den nächsten Szenen bringt Miguel schließlich seine Urgroßmutter Coco dazu, sich an das verlorene Familienmitglied zu erinnern, indem er singt und Gitarre spielt. Wie ist das Setup? Gleich danach gibt es die Aufnahme der Gitarre, die Miguel in den Raum gebracht hat. Die Aufnahme der Gitarre und Miguels Ausdruck legt fest, dass Miguel anfangen wird, ihr zu singen, um zu versuchen, sie zu erinnern. Als Miguel anfängt, Gitarre zu singen und zu spielen, konzentriert sich die Aufnahme ausschließlich auf Miguel und Coco. Es schneidet kurz zurück, um Abuelas Einwand zu zeigen, und sein Vater hält sie zurück. Auch, Kürzungen zurück, um zu zeigen, dass der Rest der Familienmitglieder jetzt da sind, wie Miguel zu Coco singt. Für die meisten der restlichen Szenenkonzentriert es sich jedoch hauptsächlich auf Miguel und Coco, konzentriert es sich jedoch hauptsächlich auf Miguel und Coco weil sie diejenigen sind, die das Hauptthema der Geschichte tragen. Sie sind auch die Einzigen, die persönlich das Familienmitglied kannten, das weitergegeben hat. Der Moment, in dem Coco anfängt sich zu erinnern, ist ein entscheidender Punkt, so dass die Kamera beginnt, indem sie Cocos zitternde Hände zu ihren Augen schwenkt und beginnt, Gedächtnis wiederzuerlangen. Es geht dann zurück, um die Reaktionen der Familienmitglieder zu zeigen , weil sie auch ein Teil davon sind. Sie stehen jedoch nicht im Mittelpunkt dieser Szene, daher konzentrieren sich die restlichen Szenen hauptsächlich auf Miguel und Coco und wie sie sich mit der Erinnerung an ihren verlorenen geliebten Menschen verbinden und verbinden. Am Ende der Szene erinnert sich Coco und alles ist gut. Die ganze Sequenz schließt mit Miguel umarmt Coco und den Rest der Familienmitglieder in der Aufnahme als auch, zeigt die ganze Familie endlich vereint. Analyse einer Sequenz in Coco kann ich das Gelernte in mein eigenes Storyboard bringen. Da sich mein Storyboard ausschließlich auf zwei Charaktere konzentriert, Z und J, kann ich mich auf ihre Schwesterdynamik konzentrieren, indem ich das, was ich in Coco gelernt habe. Jetzt, wo wir Coco analysiert haben, lasst uns Up analysieren. Jetzt habe ich diesen Clip bereits in Lektion 1 analysiert, als wir unser Hauptthema gefunden haben. Aber hier möchte ich mich darauf konzentrieren, welche Visuals und welche sich wiederholenden Aufnahmen diese Sequenz verwendet, um ihr Hauptthema gut zu präsentieren und wie sie die Sequenz so einrichten, dass sie die Frage stellt, dass Carl hat durch den ganzen Film, kann er Ellie das letzte Abenteuer geben, das sie verdient? In Ups Eheleben-Montage verwenden sie Wiederholungen, um das Vergehen der Zeit in ihrer Beziehung zu zeigen. Wenn Sie die Montage erneut ansehen, gibt es mehrere Aufnahmen, die wiederholt werden. Zum Beispiel die Aufnahme von Carl und Ellie, die den grasbewachsenen Hügel hinaufklettern, die Aufnahmen von Carl und Ellie Wolken schauen, und die Aufnahme von Ellie, die Carls Krawatten anzieht. Die Aufnahme von Carl und Ellie, die den grasbewachsenen Hügel hinaufkommen erscheint zuerst gleich nachdem Carl und Ellie heiraten. Carl wird nachweislich kämpfen, den Hügel hinauf zu klettern , während Ellie bereits oben ist, weil sie so energisch ist. Diese Szene erscheint am Ende wieder, als Carl und Ellie den Hügel wieder hinaufklettern. Nur dieses Mal Carl ist derjenige, der an der Spitze aufgeregt ist, Ellie die Flugtickets zu geben , die er bekam, damit sie endlich ihr Abenteuer haben können. Aber Ellie wird nachweislich umfallen, und Carl eilt ihr zu Hilfe. Es gibt einen visuellen Hinweis, der die nächste Szene aufführt, in Ellie in ihrem Krankenhausbett ist und Carl ihre letzten Worte gibt. Diese visuellen Hinweise lassen das Publikum auch unterbewusst den grasbewachsenen Hügel mit dem Beginn und dem Ende ihrer Geschichte verbinden. Die Wolkenschauszene tritt auch zweimal auf, weil das erste Mal, es war nur, um Carl und Ellie Spaß haben zu zeigen. Das zweite Mal wird gezeigt, wenn Carl und Ellie ein Baby zusammen haben wollen , und sie erkennen es durch Wolkengucken. Die letzte Wiederholung, die Up verwendet, ist die Wiederholung von Ellie, die Carl hilft, seine Bindungen anzuziehen. Jeder Augenblick zeigt deutlich, dass Carl und Ellie glücklich verheiratet sind. Es stellt den Rest des Films, in dem Carl durch sein eigenes Abenteuer erkennen muss , dass Ellie bereits mit ihrem eigenen Leben mit ihm zufrieden war. Lassen Sie sich diese Methoden zur Betonung des Hauptgeschichtenthema lehren, wie Sie Ihre eigenen betonen. Lesen Sie Ihr Skript erneut und finden Sie heraus, auf welche Charaktere und welche Charakterbeziehungen Sie sich konzentrieren möchten und welchen Punkt der Geschichte hervorheben möchten. Danach kannst du zurückkommen und ich werde dir die technische Seite des Storyboarding beibringen; wie du Klarheit in deinen Storyboards schaffst. 5. Prinzipien des Storyboardings: Klarheit: Lassen Sie uns in dieser Lektion etwas Klarheit bekommen. In dieser Lektion lernen wir, wie unsere Storyboards deutlich machen, damit unsere Zuschauer wissen, was los ist und die Animatoren genau wissen, wie sie jede Szene animieren können. Ich werde dir beibringen, indem ich ein klares Beispiel für ein Storyboard zeige und analysiere. Dann zeige ich Ihnen einen schlechten und erkläre Ihnen, warum es unklar ist. Es gibt ein paar Möglichkeiten, um Ihr Storyboard klar zu machen. Eine der Möglichkeiten ist, sicherzustellen, dass in jeder Szene Ihres Storyboards, es konzentriert sich nur auf eine große Bewegung. Hier ist ein Beispiel. In dieser Sequenz schmilzt J Schokolade und erkennt nicht, dass Kuchen im Hintergrund brennt. sie und Z es erkennen und aus dem Ofen nehmen, ist es bereits zu einem knackigen verbrannt. Dann fängt ihre Schokolade Feuer. Nun, obwohl J eine Aktion macht und etwas anderes hinter ihr passiert, konzentrieren wir uns nur auf jede Aktion einzeln. Jedes eingeführte Element wird auch nur Schritt für Schritt eingeführt. Szene 1. J bricht die Schokolade, um sie in einer Schüssel zu schmelzen. Szene 2, J beginnt, die Schokolade zu schmelzen, indem Sie sie wiederholt über einen Topf rühren. Erst nachdem wir sehen, wie J die Schokolade schmilzt , sehen wir, wie der Rauch aus dem Bildschirm kommt. Nachdem wir den Rauch gesehen haben, sehen wir den Schmetterling in scheinbar warnen J vor dem Kuchen, der im Ofen brennt. Der Schmetterling fliegt aus dem Schirm. Da unsere Aufmerksamkeit bereits auf der linken Seite des Bildschirms liegt, wenn Z mit dem Schmetterling reinkommt, ist unsere Aufmerksamkeit sofort auf sie gerichtet. Als sie den Kuchen aus dem Ofen nimmt, folgt die Kamera ihr und J. Sie öffnen die Ofentür und sind mit Rauch bedeckt. 3. Szene. Die Enthüllung ihres verbrannten Kuchens. Diese Szene ist wichtig, weil wir zeigen müssen, wie unheilbar dieser Kuchen ist, damit wir wissen, warum Z und J in der folgenden Szene so enttäuscht aussehen. 4. Szene. Z und J schauen traurig auf den Kuchen. Dann fängt die Schokolade Feuer. Die Schokolade fängt erst Feuer, nachdem wir die enttäuschten Ausdrücke von Z und J gesehen haben. Dies ist wichtig, weil wir feststellen müssen, welche negativen Emotionen Z und J fühlen, bevor wir das letzte Missgeschick zeigen. Nun, wenn eine Sequenz alles zur gleichen Zeit zeigt, wird es so aussehen. Die Szene wird verwirrend aussehen und das Publikum wüsste nicht, was man sich ansehen sollte. Eine andere Sache zu beachten ist, dass all dies in einer Szene in diesem Beispiel aufgetreten ist, so dass wir nicht den Kontext bekommen, dass J Schokolade in der Szene vorher schmilzt, und wir können auch nicht sehen, dass der Kuchen verbrannt wird. Aus diesem unklaren Beispiel können wir auch sehen, dass die Hauptaktion Teil geschnitten ist, was zur Verwirrung beiträgt. Denken Sie daran, dass es in Ordnung ist, Fehler zu machen, besonders in der ersten Thumbnail-Phase. Ich werde vorschlagen, dass Sie zuerst Ihr Skript und Thumbnail alles vollständig durchlesen , damit Sie Ihre ersten Ideen da draußen bekommen. Sie können immer auf Fehler überprüfen und in Ihrem groben Entwurf bearbeiten. Aber nicht nur Thumbnail, denn wir haben immer noch drei Prinzipien des Storyboarding zu gehen. Als Nächstes gibt es eine Lektion über die 180-Grad-Regel. 6. Prinzipien des Storyboardings: 180° Regel: Was ist die 180-Grad-Regel? Die 180-Grad-Regel besagt, dass zwei Zeichen die gleiche linke, rechte Beziehung zueinander im Film beibehalten sollten . Nehmen wir an, es gibt zwei Zeichen und es gibt eine Linie zwischen ihnen. Stellen wir uns vor, dass Z und J die fraglichen Charaktere sind. In diesem Abschnitt besteht der Hintergrund aus Theken, dem Zeug oben, Töpfen, Pfannen , die an der Fensterbank und der Hintertür hängen, und einem Fransen auf der rechten Seite. In diesem Abschnitt auf dem Hintergrund gibt es mehr Zähler, eine Spüle, Wände, die Deckenschränke, den Flur, die Tür zum Küchenbereich und die Fransen sind auf der linken Seite. Ich werde Ihnen zwei Beispiele zeigen. Einer folgt der 180-Grad-Regel, der andere nicht. Fangen wir mit dem an, der es tut. In dieser Sequenz habe ich an Bord Z und J gezeigt, eine Konversation zu führen. Wenn Sie bemerken, ist Z auf der rechten Seite und J ist immer links von Z. Ein Hintergrund, den wir als Publikum sehen, ist nur von diesem Abschnitt der Zeile. Was bedeutet, dass unsere Sicht nie am Kühlschrank vorbei geht, noch geht es vorbei an dem Ofen und Fensterbank. Hier ist ein Beispiel dafür, dass die 180-Grad-Regel gebrochen wird. Aus dieser Sequenz können wir sehen, dass das Publikum genauso verwirrt sein wird , wie wir es beobachten. Der Grund dafür liegt darin, dass Z und J immer wieder die Orte zwischen einander wechseln und die Umgebung auch immer wieder dreht. Dies liegt daran, wie die Kamera oder der Blickwinkel des Publikums immer von einer Seite der Linie zur anderen angezeigt wird. Das bedeutet, dass wir immer wieder einen anderen Teil des Hintergrunds sehen und Z und J werden ständig zwischen links und rechts drehen. Das macht das Publikum nicht zu wissen, wo die Charaktere in Bezug zueinander sind und wo sie sind und ihre Umgebung. Jetzt gibt es tatsächlich ein paar Möglichkeiten, die 180-Grad-Regel klar zu brechen. Eine der Möglichkeiten, dies zu tun, ist zu zeigen, warum Zeichen buchstäblich die Linie in einer klaren Art und Weise kreuzen. Dort sehen Sie die Charaktere, die ihre linke, rechte Beziehung zueinander ändern . Hier ist ein Beispiel aus einem alten Story-Board, das ich gezeichnet habe, wo zwei Charaktere kämpfen und die 180-Grad-Regel gebrochen ist. Aber es ist so gebrochen, dass die Positionen der Charaktere dem Publikum immer noch klar sind. In dieser Sequenz wird die Kamera neu positioniert, um den Charakter zu zeigen, der von hinten heraufkommt. Neupositionierung des Blickwinkels oder der Kamera des Publikums, um die sich ändernde linke, rechte Beziehung zwischen ihnen zu zeigen . Hier ist ein weiteres Beispiel, um die 180-Grad-Regel klar zu brechen. Diese Sequenz zeigt J und Z versuchen, einem Back-Tutorial auf ihrem Handy zu folgen. Es beginnt mit einem neutralen Schüsse, das ist eine Aufnahme, die ein Motiv oder einen Charakter in einer neutralen Weise zeigt , die keine solide linke, rechte Beziehung zwischen Charakteren in ihrem Hintergrund etabliert hat. Obwohl diese Szene feststellt, dass Z auf der linken Seite und J auf der rechten Seite sein. Ein neutraler Schuss, der direkt nach dieser Szene platziert wird , ermöglicht es uns, ihre linke, rechte Beziehung zueinander in der folgenden Szene wiederherzustellen . Es hilft auch zu sehen, Z und J gehen aus dem Bildschirm, um die Tabelle zu verlassen. Was bedeutet, dass sie nach Gegenständen aus mehreren verschiedenen Schränken und Schubladen suchen würden . Wenn sie auf dem Bildschirm zurückkehren, fragt das Publikum nicht, warum sie von verschiedenen Orten zurückkamen , die die Linke von. Sie richten neutrale Schuss dazwischen, so dass, wenn Sie zu den Charakteren zurückkommen, können Sie ihre linke, rechte Beziehung zueinander wiederherstellen . Entweder das, oder Sie können eine neue Einstellungsaufnahme zeigen, dann wird sie zu einer Szene geschnitten und ihre Links-Rechts-Beziehung mit ihren Positionen wiederhergestellt, die von der Szene geändert wurde, die vor dem Einführungsschuss gezeigt wurde. Nun, da ihr Jungs wisst, was die 180-Grad-Regel ist, warum nicht ein paar Shows und Filme sehen und herausfinden auf welche Weise sie diese Regel befolgt haben oder auf welche Weise sie gebrochen haben , was das Publikum immer noch verstehen lässt, warum die Charaktere sind in Beziehung zueinander und in ihrer Umgebung. Danach kommen Sie zurück und wir werden in der nächsten Lektion erfahren , was gute Komposition ausmacht. 7. Prinzipien des Storyboardings: Komposition: Was ist eigentlich Komposition? In dieser Lektion werden wir lernen, was Komposition ist, wie man eine gute Komposition herstellt und welche Fallstricke man vermeiden muss, wenn man alle Aufnahmen komponiert. Ich werde euch beibringen, indem ich euch Beispiele großartiger Künstler zeige und euch einige meiner eigenen Zeichnungen zeige, die funktionieren und die nicht funktionieren. Also, was ist Komposition? Komposition ist, wie die Elemente auf dem Bildschirm in Relation zueinander erscheinen und wie sie in einer Aufnahme angeordnet sind. Es ist, wie und wo ein Charakter oder eine Requisite in einem Hintergrund auf dem Bildschirm platziert wird und auf welche Teile fokussiert sind. Gute Komposition, betonen Sie den wichtigen Teil , der die Geschichte und die Hauptbotschaft der Szene tragen. Ich werde Ihnen ein Beispiel des Künstlers Karolis Strautniekas zeigen , dessen Name ich definitiv falsch ausspreche und ich entschuldige mich dafür. Also auch diese Illustration, die Karolis für The New Yorker zeichnete. Ohne den Inhalt des Artikels zu kennen, können wir bereits Spannung und Spannung in diesem Bild spüren. Eine der Möglichkeiten, wie Karolis dies tut, besteht darin, Kontrast sowohl in der Größe der Zeichen als auch im Wert zu zeigen . Wir können sehen, dass der Mann im Vordergrund viel größer ist als der Mann rechts und links. Dieser Kontrast in der Größe gibt ein vorzeiglicheres Gefühl. Der Kontrast in der Größe des Mannes im Vordergrund, der den Mann auf der linken Seite betrachtet, gibt ein Gefühl, dass der im Vordergrund die Macht hat. Dies ergänzt durch die Tatsache, dass der Mann im Vordergrund und der Mann auf der rechten Seite diesen Mann auf der linken Seite betrachten , der einen Ordner hält und weg geht. Der Mann, der weg geht, sieht keine von ihnen an und scheint nicht zu wissen, dass er beobachtet wird. Der Kontrast und der Wert tragen ebenfalls zur Spannung bei. Der Mann des Vordergrunds ist vom dunkelsten Wert. Er schaut auf den Mann auf der linken Seite, buchstäblich von seinem Handy ins Licht gebadet wird. Wenn Sie bemerken, wird der Mann auf der linken Seite nicht von der Dunkelheit eines Gebäudes oder einer Plakatwand um ihn herum bedeckt. Dies steht im Gegensatz zu dem Mann im Vordergrund und dem Mann auf der rechten Seite, der sich mit Hintergrundelementen wie Werbetafeln und Gebäuden überschneidet. Der Mann auf der rechten Seite, obwohl er nicht vom dunkelsten Wert ist, ist immer noch von den Gebäuden in Dunkelheit gehüllt, wie wir bereits gesagt haben. Abgesehen davon, dass sie nicht vom Hauptfokus dieser Illustration ablenken, helfen die Hintergrundelemente auch, auf sie aufmerksam zu machen. Es gibt auch einen Rhythmus, die Werbetafeln, die sich mit dem Mann im Vordergrund schneiden, sind alle unterschiedliche Formen von Quadraten, sie sind die angefangenen. Rhythmus zeigen und das Auge des Betrachters in den Mittelpunkt der Szene führen. Wenn Sie bemerken, schneidet sich keiner der dunklen Teile des Gebäudes mit einem dieser Zeichen. Die größte Kreuzung, die Sie in diesem Bild bekommen, ist mit dem Mann auf der äußersten rechten Seite, der vor dem Auto ist. Trotzdem sind die Gebäude in einen hellorangefarbenen Ton verblasst, und die kurze ist perfekt durch die Wände auf beiden Seiten des Bildes ausgeglichen. Aber worum geht es eigentlich in dem Artikel? Es ging darum, wie zwei Aktivisten mit schwerwiegenden Reportern beauftragt wurden und wie sie an einem internationalen Verschlag beteiligt wurden , um Anschuldigungen gegen Harvey Weinstein zu unterdrücken . Diese Abbildung stellt die Szene für den Artikel dar, ohne den Inhalt tatsächlich zu enthüllen oder zu verderben. Lassen Sie uns nun die Komposition in Standbildern von Spirited Away von Studio Ghibli analysieren. Spirited Away hat so viele Beispiele für wunderbare Komposition, nehmen Sie diesen Schuss zum Beispiel, in dieser Szene, die Hauptfigur, Chihiro, versucht, einen Job von diesem alten Mann zu bekommen. Das Gewicht wird als zusammengesetzt dargestellt, es macht deutlich, dass sie auf seine Antwort wartet und folgt auch allen Kompositionsregeln, die wir zuvor erwähnt haben. Es gibt Kontrast in Größe von Zeichen und Wert und die Aufnahme ist perfekt auf beiden Seiten ausgewogen. Obwohl Chihiro im Vordergrund viel größer ist, die Platzierung der drei Stühle unten links und der dunkle Wert, der von dieser Zementwand gegossen wird, so dass das Gewicht der linken Seite gleich der rechten ist. Dieser Schuss folgt auch der Regel von Dritteln. Was ist die Regel von Dritteln? Stellen Sie sich nun vor, wenn wir zwei Linien gleichen Abstands zueinander horizontal und dann zwei weitere Linien gleich Abstand zueinander gezeichnet haben, unabhängig davon, welches Zeichen oder Objekt sich schneidet oder sehr nahe an einem oder einem der diese vier Punkte, wird im Anschluss an die Regel der Drittel. Dies ist bei weitem nicht die einzige Szene von Spirited Away, die dieser Regel folgt. Die meiste Zeit in Film und Shows, die Charaktere sind Eingabeaufforderungen, die wichtig sind, sind platziert sich schneiden diese vier Punkte oder in der Nähe von ihnen zumindest. Wie Sie in dieser Szene sehen können, sind sowohl Chihiro als auch der alte Mann in genau diesen Positionen platziert. Selbst ein Schuss von ganz Nahaufnahme wie dieser Schuss mit Yubaba und Haku halten sich an diese Regel der Drittel. Die Szene hält sich auch an das goldene Verhältnis. Jetzt fragen Sie sich, was das goldene Verhältnis ist, wenn Sie noch nicht davon gehört haben, das goldene Verhältnis ist eigentlich eine mathematische Berechnung, aber es wird oft in der Kunst als wörtliche Verhältnis verwendet , so dass eine Szene visuell ansprechend ist. Die so viel Erklärung des goldenen Verhältnisses ist, dass es einen großen Brennpunkt hat, der leicht abseits der Mitte liegt, der sich auch an die Drittelregel hält. Sie müssen nicht unbedingt der Regel der Drittel oder dem goldenen Verhältnis in all Ihren Szenen folgen . Es hängt stark davon ab, was Sie die Szene zu vermitteln brauchen und was Sie betonen möchten. Nun folgt dieses Beispiel von Spirited Away wohl nicht wirklich der Regel von Dritteln oder dem goldenen Verhältnis. Es hat ein imposantes Gebäude und es ist ein kurzer Schreibtisch gerade getroffen , um festzustellen, wo und was Chihiro sieht. Im Allgemeinen können Sie jedoch nicht scheitern, wenn die Regel der Drittel oder das goldene Verhältnis verwenden. In allen Aufnahmen in Spirited Away gibt es Wiederholung und Rhythmus. Meistens führen die sich wiederholenden Elemente in den Fokus der Szene. Manchmal verwenden sie auch führende Linien, um das Auge des Betrachters in den Mittelpunkt der Szene zu führen. Dieser Schuss Chihiro läuft auf einer Pfeife ist eines der eklatanten Beispiele für die Verwendung von führenden Linien, so dass das Publikum die Aufmerksamkeit auf den Charakter zu zahlen. Außerdem fügt sie der Szene einen Fluss hinzu. Hier sind weitere Beispiele für führende Linien. Spirited Away, verwendet auch Komposition, um das Geschichtenerzählen zu stärken. Die Szene mit Yubaba und Haku zeigt, dass Yubaba lebendig und groß und imposant ist. Doch Haku, so klein zu sein, steht immer noch stark, seine Gesichter sind offen und sie ist diejenige, die die Kontrolle verliert. Ihr Haar ist überall und ihr Feuer hat keinen Einfluss auf ihn. Die Szene hält sich auch an das goldene Verhältnis. Sie konzentrieren sich ganz auf sie, weil es keine Ablenkungen im Hintergrund oder anderswo gibt. Dies, weil es ein entscheidender Moment in dem Film, wo sie sind Beziehungsdynamik ändern. Hier ist ein weiteres Beispiel, aber dieses Mal ohne Zeichen hält die Aufnahme immer noch an die gesamte Kompositionsregel, von der wir gesprochen haben. Die Regel der Drittel, Kontrast, Rhythmus, Überschriftenlinien und das goldene Verhältnis. Okay, ich zeige dir ein paar meiner alten Storyboards. Obwohl die Komposition definitiv unvollkommen ist, halten sie sich an die Kompositionsregeln, die wir vorher besprochen haben. Lassen Sie uns sie analysieren und herausfinden, wie Sie Kompositionsregeln auf Ihr eigenes Storyboard anwenden können . Hier ist ein Beispiel für einen Einführungsschuss, der der Regel von Dritteln folgt und Kontrast in der Größe hat. Ich glaube, dass ich hier den Mond ein bisschen zu groß gezeichnet habe, aber abgesehen davon hält er sich im Allgemeinen an die mittleren Kompositionsregeln. Es gibt Rhythmus in den Straßenlaternen und den Gebäuden. Es gibt Kontraste in der Form des Hauptgebäudes und in der Größe des Baumes gegen das kleinere Gebäude im Hintergrund. Wir gehen jetzt zu einem Schuss über, bei dem Charaktere einen Eintrag brechen. Es folgt immer noch den allgemeinen Kompositionsregeln. Wenn Sie bemerken, dass am unteren Rand perspektivische Linien gezeichnet sind, erleichtert es den Unterstützern Künstlern, zu wissen, wie weit in den Hintergrund der Objekte und Zeichen liegen. Ich würde euch empfehlen, die entsprechenden Linien auch auf den Boden zu fallen. Dieser Schuss folgt nicht der Regel von Dritteln. Aber der Grund dafür ist, weil es ein Mittelschuss sein soll , der sich darauf konzentriert, vorwegweisenden Charakter zu zeigen, einen wertvollen Gegenstand zu stehlen. Immer wenn ein Charakter überrascht ist oder versucht, etwas Schlechtes zu tun, sollten Sie sich auf ihr Gesicht und ihre Geste konzentrieren. Wenn Sie denAusdruck eines Charakters hervorheben oder einen neuen Charakter einführen möchten,können Sie die Charaktere manchmal Ausdruck eines Charakters hervorheben oder einen neuen Charakter einführen möchten, in der Mitte des Bildschirms platzieren , um deren Bedeutung für die Zielgruppe zu betonen. Denken Sie daran, die Arten von Kompositionen zu wechseln, die Sie in Ihrem Storyboard verwenden , damit Ihre Zielgruppe engagiert ist. Zum Beispiel, abwechselnd zwischen der Verwendung der Regel der Drittel, dem goldenen Verhältnis, und Kompositionen mit dem mittleren Fokus zu einem Schuss von Abwechslung. Hier ist die Einführung des Superhelden, sie besiegen wird oder versuchen wird, sowieso, die Trümmer und die Wand umrahmen sie so, dass unsere Aufmerksamkeit genau auf sie ist und wir wissen, woher sie in der Szene eintritt. In diesem Beispiel folgt es in der Regel der Drittelregel mit der Annahme des Hasen Helden in der Mitte. Es hilft, die Zeichen zu schattieren, die dem Betrachter am nächsten sind oder im Vordergrund, so dass Sie den Unterschied in der Entfernung zwischen den einzelnen Zeichen zu sehen bekommen. Okay, das ist also ein Ausschnitt aus meinem alten Storyboard. Ich hoffe, ihr habt es geschafft, etwas daraus zu lernen. Jetzt werde ich euch einige Beispiele für häufige Kompositionsfehler zeigen, die man vermeiden sollte. Keine unangenehme Überlappung von verschiedenen Charakteren , die vom Hauptfokus der Szene ablenken. Keine Objekte, die sich überschneiden und aus Charakteren herausragen, vor allem solche, die es scheinen lassen, als hätten sie eine seltsame Form. Keine seltsamen Cutoffs von Charakteren, Füßen und Händen, vor allem, wenn sie sich bewegen oder wenn das, was du tust, im Mittelpunkt der Szene stehen soll. Wenn es eine große Menge gibt, konzentrieren Sie sich nicht auf den falschen Charakter, wie eine Hintergrundfigur, die nicht ins Spiel kommen oder die Geschichte beeinflussen wird, es sei denn, es ist für eine bestimmte Komödie Bit. Ich möchte, dass ihr euch daran erinnert, dass es in Ordnung ist, Fehler zu machen. Jeder Fehler, den Sie machen, ist einen Schritt näher an die Schaffung schönen Komposition, die Ihre Geschichte erzählt, und es ist in Ordnung, wenn das Zeit braucht. Nun, ich schlage vor, dass ihr euch die Komposition in diesen Filmen ansehen und erneut ansehen und dann die Komposition analysieren könnt. Das Grand Budapest Hotel, Ghost in the Shell, Schleudertrauma und Spirited Away. Der Grund, warum ich mich für diese Filme entschieden habe, ist, weil sie alle fantastische Filme für eine Sache sind, und sie sind alle sehr verschieden voneinander. Sie alle haben auch tolle Kompositionen, die die Geschichte in jeder Szene sehr effektiv erzählen . Ich habe das Gefühl, dass ihr die Lektion nicht besser verinnerlichen könnt, indem ihr diese Filme analysiert. Danach komm zurück und ich werde dir in der nächsten Lektion über Kontinuität beibringen. 8. Prinzipien des Storyboardings: Continuity: Lassen Sie uns mit etwas Kontinuität fortfahren. In dieser Lektion werde ich Sie über Kontinuität lehren, indem ich gute und schlechte Beispiele aus meinem Storyboard zeige und analysiere. Was bedeutet Kontinuität? Kontinuität bezieht sich auf die Aufrechterhaltung von Konsistenz und Logik von Szene zu Szene in einem Animationsfilm oder einer Show. Mein Storyboard konzentriert sich auf zwei Schwestern, die einen Geburtstagskuchen für ihre Mutter backen. Hier ist ein Beispiel für ein Storyboard, das eine anständige Kontinuität hat. Dies ist ein Teil meines Storyboards, wo Zee und Jay ein Gespräch am Anfang führen. Da es keine Kontinuitätsprobleme gibt, liegt unser Hauptaugenmerk auf der Schwesterdynamik zwischen Zee und Jay. Gute Kontinuität hilft dem Publikum, sich auf das zu konzentrieren, was in der Sequenz wichtig ist, was dazu beiträgt, die Dynamik zwischen Charakteren und dem Thema der Geschichte als Ganzes zu stärken. Grundsätzlich, wenn Ihr Storyboard eine gute Kontinuität hat, erlauben Sie dem Publikum, sich stattdessen auf die Geschichte und die Charaktere zu konzentrieren. Jetzt ist hier ein Beispiel für ein Storyboard mit schlechter Kontinuität, so dass Sie einen Punkt des Vergleichs haben. Werfen Sie einen Blick und sehen Sie, ob Sie Dinge sehen können, die ein Chaos sind. Habt ihr alle Ungereimtheiten bekommen? Wenn Sie das Gefühl haben, dass Sie es nicht getan haben, dann können Sie die Sequenz erneut beobachten und herausfinden. Wenn nicht, hier ist die Liste der Dinge, die in dieser Sequenz inkonsistent sind. Das erste, was auftritt, ist, dass das Element, mit dem ein Charakter interagiert, plötzlich in derselben Szene verschwindet. In dieser Szene wird die Vordergrundebene nicht in jedem Panel sichtbar gemacht , was die Szene sehr ablenkend macht, da sie immer wieder flackert. In dieser Szene wird gezeigt, dass die Tabelle voll von Elementen ist, die plötzlich in der nächsten Szene verschwinden. Dann erscheinen die Lebensmittel in den folgenden Szenen wieder, aber in einer anderen Position als zuvor. Es gibt kleine Dinge im Hintergrund, die sich ständig ändern, was keine große Sache wäre, wenn es nicht so nah oder in der Nähe der Hauptfiguren wäre. Schließlich in der darauffolgenden Szene ist die Aufnahme von Jay durchtränkt, weder Zee noch Jay sind nass. Zumindest sollte Jay immer noch durchnässt werden, da die Sequenz impliziert, dass die letzten beiden Szenen rückwärts sind und keine Zeit zwischen den beiden Szenen vergehen, und beide sind gerade aus dem Regen zurückgekommen. Jetzt müssen Sie nicht ein Detail Storyboards zeichnen, sie sind immer unglaublich konsistent, aber die wichtigsten auffälligen Dinge wie Charakter plötzlich ändern ihr Aussehen ohne die Implikation der Zeit vergehen oder Elemente Verschwinden direkt nachdem Charaktere sie angezogen, sind zu auffällig für die meisten Zuschauer, und wird die Aussetzung des Unglaubens zu brechen, und wird sie über Dinge, die nicht mit der Geschichte zu fragen. Kontinuität und Konsistenz sind ebenfalls wichtig, damit Sie den Animator und Hintergrundkünstler, mit denen Sie an Ihrem Projekt zusammenarbeiten, nicht verwechseln können. Seien Sie jedoch nicht über Details besessen, überprüfen Sie einfach nach größeren Inkonsistenzen, die die Leute, mit denen Sie arbeiten, oder das Publikum verwirren können und es wird Ihnen gut gehen. Sie müssen sich nicht zu viel um Kontinuität sorgen , wenn Sie Ihre Thumbnails noch einmal machen. Die Thumbnails sind nur für Sie da, um Ihre Ideen da draußen zu bekommen. Es ist mehr, wenn Sie Ihren groben Entwurf machen , müssen Sie Szene für Szene überprüfen und sehen, ob es irgendwelche Fehler gibt. Auch wenn es so ist, ist es in Ordnung, Sie können es in Ihrem überarbeiteten Entwurf überarbeiten. Ich schlage vor, dass Sie Hilfe von Ihren Freunden oder einem Animator bekommen , mit dem Sie an diesem Projekt zusammenarbeiten , um sicherzustellen, dass die Logik und die Konsistenz zwischen jeder Szene vorhanden sind. Danach, die nächste Lektion, werden wir endlich mit dem Zeichnen beginnen. Du wirst lernen, was ein Beat-Board ist, und wir werden sie zusammenziehen. 9. Beat: Lassen Sie uns über Beat-Boards lernen und zeichnen. In dieser Lektion werde ich Ihnen beibringen, was ein Beat-Board ist, indem ich Ihnen Beispiele zeige. Erklären Sie dann, wie Sie sie zeichnen und warum Sie sie vor Ihrem Storyboard brauchen. Was ist ein Beat-Board? Ein Beat-Board ist im Grunde das gleiche wie Thumbnails, nur statt etwas Panel für Panel zu zeichnen, fassen Sie eine Szene in einer einzigen Zeichnung zusammen. Es hat die Idee von etwa 9-16 Bildern ohne zusätzliche Details. Hier ist ein Beispiel für ein Storyboard-Panel nach Panel-Fortschritt, anstatt einen Charakter Schritt für Schritt zu zeichnen, eine Aktion auszuführen und zur nächsten zu führen. Die gesamte Szene wird hier in einem Panel zusammengefasst. Dieses einzelne Panel ist ein Beat-Board, das Zee und Jay zeigt, dass Butter auf einem Kuchen Mais verteilt wird. Hier ist ein weiteres Beispiel für mehrere Szenen Panel für Panel von Zee und Jays Gespräch gezeigt werden, die ihre verschiedenen Persönlichkeiten zeigen, die in einem Beat-Board zusammengefasst werden. Es ist wichtig, Beat Board zu zeichnen, so dass Sie in der Lage sind die beabsichtigte Emotion und Punkt jeder Szene zusammenfassen, wie ich bereits sagte, weil es als Blaupause für Ihr gesamtes Storyboard und Ihre Thumbnails dient . Auf diese Weise wissen Sie, wenn Sie Ihre Miniaturansichten zeichnen und einen groben Entwurf zeichnen, was der Fokus in jedem einzelnen Segment Ihrer Skripte sein sollte. Stellen Sie sich Beat-Boards als das Skelett für den Körper Ihres Storyboards vor. Ein starkes Skelett unterstützt Ihren Körper gut und beugt gesundheitlichen Problemen später vor. In diesem Fall verhindert es, unvorhergesehene Probleme auftauchen, wenn viel später auf der Linie animiert wird und verhindert, dass Boarding Momente in der Geschichte, die am Ende ablenken wird vom Hauptthema der Geschichte. Ihr könnt eure Beat-Boards in jedem Medium zeichnen. Sie können Photoshop oder ein beliebiges digitales Programm verwenden, oder Sie können es traditionell in einem Skizzenbuch wie diesem zeichnen. Ehrlich gesagt, der einzige Grund, warum ich das in Photoshop anstelle traditionell gezeichnet habe, ist, weil ich es zu einem PDF kompilieren wollte und es einfacher ist, das digital zu zeichnen. Unabhängig davon, welches Medium ihr wählt, um eure Beat-Boards einzuziehen, werden sie wertvoll über das Finish sein. Lassen Sie es einfach in einer Skizze und zeichnen Sie alles sehr schnell. Denn denken Sie daran, dass der Punkt des Zeichnens von Beat-Boards darin besteht, nur den Fokus jedes Segments eines Skripts zusammenzufassen. Es geht nicht darum, wie hübsch es aussieht. Alles klar, Jungs, viel Spaß beim Zeichnen Ihrer Beat-Boards. Danach komm zurück und ich werde dir beibringen, wie du verschiedene Aufnahmen mit unterschiedlichen Kamerawinkeln in der nächsten Lektion, Teil 1 der Storyboard-Terminologie, komponierst verschiedene Aufnahmen mit unterschiedlichen Kamerawinkeln in der nächsten Lektion, . 10. Storyboard Teil 1: Lassen Sie uns über Storyboard-Terminologie lernen, dies ist Teil 1 von zwei. In dieser Lektion werde ich euch verschiedene Arten von Aufnahmen nennen und zeigen. Dann werde ich erklären, wofür sie normalerweise verwendet wurden und wie Sie sie in Ihrem eigenen Storyboard verwenden können. Hier ist ein Beispiel für einen Wide Shot. Dies ist eine Aufnahme, die das Subjekt oder den Charakter in ihrer Umgebung vollständig zeigt . Normalerweise wird diese Aufnahme verwendet, um Charaktere zu zeigen und festzustellen, wo sie sind, und soll dem Publikum klar machen, was Ihre Umgebung ist, nachdem Sie die Position ihrer Charaktere geändert haben. Ein ähnlicher, aber etwas anderer Schuss ist der Einführungsschuss. Nun ist eine Einspielung die extreme Weite, die in einem Film oder Video aufgenommen wurde. Normalerweise wird es am Anfang einer neuen Sequenz verwendet , um einen Überblick über die darauffolgende Szene zu erstellen. Es wird auch für Anfänge von Filmen und einigen Kurzfilmen und Serien verwendet , um das Publikum in eine völlig neue Welt einzuführen. Sie müssen Ihren Film nicht mit der Aufnahme beginnen, aber es ist gut, ihn zu verwenden, wenn Sie eine völlig neue Welt aufbauen wollen , die völlig fiktiv ist oder in Fantasie basiert. Ein mittlerer Schuss ist ein Schuss, der einen Charakter von der Taille nach oben zeigt. Nun wird ein mittlerer Schuss normalerweise verwendet, um Charaktere mit Unterhaltungen zu zeigen. Die mittlere Aufnahme ist sehr vielseitig, weil sie entweder entspannt werden kann und nichts viel in einer Szene passieren kann, oder Sie können es in einer Weise verwenden, um die Dramaabsicht zu erhöhen, indem Sie den Winkel ändern, dass das Publikum die Figur sieht von. Sie Ihren Charakter aus einem niedrigen Winkel filmen, WennSie Ihren Charakter aus einem niedrigen Winkel filmen, wie das Publikum die Figur aus der Nähe des Bodens betrachtet, lässt sie stärker und dominanter aussehen. Während Sie Ihren Charakter aus einem hohen Winkel filmen, wie das Publikum nach unten auf den Charakter für oben schauen, macht die Figur schwächer und anfälliger. Ein Nahaufnahme ist ein Schuss, bei dem das Gesicht eines Charakters oder ein Motiv den größten Teil des Bildschirms einnimmt. Nun, die meiste Zeit, werden diese Aufnahmen gespeichert, um die Emotionen eines Charakters in dramatischen Momenten in einer Geschichte hervorzuheben. Zum Beispiel, wenn ein Charakter durch einen Moment der Angst, Wut, Angst, Freude, usw. geht , würde ich für euch empfehlen, diese Aufnahmen nicht zu viel zu verwenden und sie für Momente zu speichern, die wirklich wichtig sind. Eine intensivere Version dieser Aufnahme ist die extreme Nahaufnahme. Eine extreme Nahaufnahme konzentriert sich auf nur einen Teil des Gesichts oder eines Subjekts der Figur. Normalerweise wird dieser Schuss direkt vor oder direkt nach einer riesigen Enthüllung in einer Geschichte verwendet, Wendepunkt oder den Höhepunkt markiert. Auf jeden Fall, überverwenden Sie diese Aufnahme nicht , weil Sie es für die Momente speichern wollen, die wirklich wichtig sind. Manchmal wird diese Aufnahme zu Beginn eines Films verwendet. Stellen Sie einfach sicher, dass, wenn Sie dies zu Beginn Ihres Storyboards verwenden, sie es entweder mit einem Einführungsschuss oder einem breiten Schuss verfolgen , so dass Ihre Zuschauer genau wissen , wo Ihr Charakter steht und Sie stellen Sie Ihr Publikum in die Welt Ihrer Geschichte ein. Ein weiterer Schuss, der oft auf der extremen Nahaufnahme folgt, ist ein POV-Schüsse. Die POV-Aufnahme versetzt das Publikum in den Blickwinkel der Charaktere. Nun, diese Methode ist sehr nützlich, um Ihre Zuschauerin Momenten extremer emotionaler Not oder Verwirrung mit einem Charakterzu empfinden in Momenten extremer emotionaler Not oder Verwirrung mit einem Charakter , so was auch immer sie Zeugen sind, das Publikum erlebt auch. Wenn Sie neu im Storyboarding sind, würde ich Ihnen nicht wirklich empfehlen, den POV-Schuss zu viel zu verwenden, weil es ziemlich schwierig für Storyboard sein kann und normalerweise für sehr bestimmte Momente reserviert ist. letzte Schuss, den ich abdecken werde, ist der Über-Schulter-Schuss. Der Over the Shadow Shot wird über die Schulter eines Charakters genommen , um den anderen zu präsentieren. Nun wird diese Methode am häufigsten verwendet, um Zeichen zu vermitteln , während die Ausdrücke und Gesten eines Charakters hervorgehoben werden. Das sind alle Kamerawinkel, die ich in dieser Lektion behandeln werde. Nun, da Sie die Storyboard-Terminologie kennen, denken Sie über die verschiedenen Kamerawinkel nach, die Sie möglicherweise in Ihrem Storyboard verwenden möchten. Nun, Sie müssen nicht alle verwenden, verwenden Sie einfach diejenigen, die zu Ihrer Geschichte am besten passen. Ich würde auch für euch empfehlen, verschiedene Filme und Shows zu sehen, die im Thema ähnlich sind wie Ihr eigenes Storyboard. Dies ist so, dass Sie analysieren können, wann sie unterschiedliche Kamerawinkel verwendet haben und wie ist es effektiv, um ihre Geschichte zu erzählen. In der nächsten Lektion werde ich euch Teil 2 der Storyboard-Terminologie beibringen, wo ich euch verschiedene Kamerabewegungen beibringen werde, die ihr in eurem Storyboard verwenden könnt. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 11. Storyboard Teil 2: Lassen Sie uns mehr Storyboard-Terminologie in Teil zwei von zwei lernen. In dieser Lektion lernen wir eine bestimmte Storyboard-Terminologie und erkunden verschiedene Kamerabewegungen, die wir in unserem Storyboard verwenden können. Beginnen wir, indem wir zuerst alle Terminologie vollständig auflisten. Dann werde ich sie nach zwei Beispielen ausführlich erklären. Die Kamera bezieht sich auf das, was das Publikum auf dem Bildschirm sieht oder auf den Blickwinkel des Publikums. Inszenierung bezieht sich auf die Position des Charakters in einer Szene zueinander für eine klare Lesbarkeit ihrer Handlungen gegenüber dem Publikum. Truck in zoomt hinein, Lkw heraus zoomt heraus. links schwenken bedeutet, dass sich der Schuss nach links bewegt , während der Schwenk rechts bedeutet, dass sich der Schuss nach rechts bewegt. Eine Tracking-Aufnahme ist eine Aufnahme, die einem einzelnen Charakter oder Motiv folgt, die mehr oder weniger in der Mitte des Bildschirms bleibt , während der Hintergrund verläuft, während sie sich bewegen. Lassen Sie uns diese Begriffe im Detail erkunden. Ich zeige Ihnen zunächst ein Beispiel dafür, was eine Kamera sehen würde, je nachdem, wo sie im Layout platziert ist. Nehmen wir an, die Kamera ist hier beim Kühlschrank platziert. Unsere Sicht auf die Szene wäre dies. Wenn unsere Kamera etwas über dem Tisch oder in der Nähe der Tabellenebene platziert ist, wird unsere Ansicht dies sein. Wenn ich mich auf die Kamera beziehe, meine ich, was das Publikum sieht und was Sie auf dem Bildschirm zeichnen. Jetzt zeige ich Ihnen, was Inszenierung ist. Hier Z folgen Z und J fälschlicherweise einem Backrezept, weil sie nicht das richtige Werkzeug haben. J wählt eine einfache Methode, die funktioniert. Z und J sind klar positioniert, so dass Sie ihre vollen Augenbewegungen sehen können und Sie sowohl ihre Ausdrücke als auch kontrastierende Wege sehen können, mit der Situation umzugehen. Hier ist ein Beispiel für schlechte Inszenierung und wie es sich auf Ihre Komposition und Klarheit auswirken kann. Die Inszenierung hier ist sehr unklar und schlecht, weil die Zeichen nicht gut verteilt und weil sehen, wo sie in der Umgebung sind. Ihre Hauptaktionen sind abgeschnitten. Der Schwerpunkt der gesamten Sequenz ist verstreut und ergibt für das Publikum keinen Sinn, da wir nicht sehen können, was sie tun. In der ersten Szene von ihnen spielen ein Back-Tutorial auf ihrem Handy. Wir können nicht sagen, was es in der Aufnahme ist, weil es sehr vergrößert ist. Wenn Sie ein neues Element in die Szene einführen, sollten Sie bei der Inszenierung Ihrer Umgebung Platz lassen, damit Sie die volle Form eines Telefons sehen können und die Zuschauer erkennen können, was der Gegenstand ist, wenn er eingebracht wird. Wenn jemand, mit dem Sie in der Animation zusammenarbeiten, Ihnen raten, Ihre Inszenierung zu verbessern, bedeutet dies, dass er sich darauf bezieht, wie die Charaktere in einer Szene in Bezug auf die Objekte und deren Hintergrund platziert werden . Um diejenigen, die Motion-Comics erstellen, denken Sie daran, Raum für eine Sprechblasen zu lassen, weil es im Wesentlichen einen anderen Charakter in Ihrem Storyboard. Jetzt zeige ich Ihnen ein Beispiel für einen Truck. Ein LKW in ist im Grunde ein Vergrößern. In dieser Szene hat Z die Erkenntnis, dass sie etwas Wichtiges für sie vergessen haben , und um auf ihre Reaktion zu betonen, habe ich den Kameratruck ins Gesicht gebracht. Ein LKW in wird normalerweise verwendet, um auf jemandes Reaktion zu betonen oder einen Moment zu dramatisieren. Hier ist ein Beispiel für LKW aus. Ein LKW aus ist im Wesentlichen ein Zoom aus. Ein LKW-Out wird normalerweise verwendet, um das Publikum mit einer neuen Umgebung oder Charakter zu überraschen . Hier ist ein Beispiel für das Schwenken der Kamera nach links. In meinem Storyboard sind die Kamera-Pfannen von Z, die ein passendes Back-Outfit zu J trägt, der ein schlampiges T-Shirt trägt. Hier ist ein Beispiel für eine Schwenk rechts. In diesem Storyboard schwenkt die Kamera rechts, um den Kuchen zu enthüllen, der im Ofen brennt. Die meiste Zeit wird ein Schwenken nach links oder rechts verwendet, um den Kontrast zwischen zwei Charakteren zu offenbaren oder etwas zu enthüllen, das im Hintergrund ohne Wissen für das Publikum passiert . Das letzte Beispiel ist eine Tracking-Aufnahme. Eine Tracking-Aufnahme ist eine Aufnahme, die einem einzelnen Charakter folgt, mehr oder weniger in der Mitte des Bildschirms verbleibt, wenn sich der Hintergrund ändert. Diese Aufnahme wird hauptsächlich verwendet, um dem Publikum eine neue Umgebung durch die Augen eines Charakters zu zeigen , um ein Gefühl von Wunder und Laune hervorzurufen. auch oft zu Beginn von Filmen verwendet oder wenn Charaktere in eine neue Welt gebracht werden. Denken Sie immer daran, mit dem Animator einzuchecken und Künstler zu sichern , mit denen Sie zusammenarbeiten, wenn Sie Story-Boarding arbeiten, vor allem in der Daumennagel- und rauen Entwurfsphase. Dies ist, um sicher zu sein, dass alles, was Ihr Story-Boarding für sie möglich ist, zum endgültigen Ergebnis zu bringen. Der einzige Grund, warum ich etwas so kompliziertes wie eine Tracking-Aufnahme in meinem Storyboard hinzugefügt habe, ist, weil ich nicht wirklich vorhaben, dies zu einer endgültigen Animation zu bringen, ich bin nicht an die gleichen Einschränkungen gebunden. Ihr kennt alle Storyboard-Terminologie, die ihr braucht, um eure Thumbnails zu zeichnen. einmal, fühlen Sie nicht den Druck, all diese Terminologie und Kamerabewegungen zu verwenden. Ich habe sie nur alle aufgelistet, so dass Sie Auswahlmöglichkeiten haben , wenn Sie Ihr Storyboard zeichnen. Damit gehen wir zu unserer nächsten Lektion, Thumbnails. 12. Vorschaubilder: Lassen Sie uns ein paar Thumbnails zeichnen. In dieser Lektion werden wir unser Skript von Anfang bis Ende Thumbnail betrachten. Jetzt können Sie Miniaturansichten mit jedem Medium verwenden. Es kann in Photoshop oder in jedem gemeinsamen Programm sein, oder Sie können in Ihrem Skizzenbuch zeichnen. Für diejenigen, die Ihre Thumbnails digital zeichnen, habe ich eine Vorlage für Sie unter Ressourcen zur Verfügung gestellt. Als Thumbnail eines Kerls würde ich Ihnen empfehlen, dass Sie Ihre Referenzen offen haben, wie Ihre Beat-Boards, Sie sind ein Vogelperspekt-Layout und Ihre Hintergrund-Designs. Dies ist so, dass, wenn Sie jemals unsicher sind, wo Ihre Charaktere sind oder wie würde Ihr Hintergrund aussehen, Sie haben eine Referenz, oder wenn Sie sich nicht ganz erinnern was der Schwerpunkt der Szene sein soll, Überprüfen Sie wieder auf Ihre Beat-Boards helfen auch. Hier sind meine Thumbnails. Ich habe meine Miniaturansichten als eine Geschichte über Pro gezeichnet und die Charaktere und Hintergründe in einer separaten Ebene über der Miniaturansichtsvorlage gezeichnet. Ich würde denjenigen empfehlen, die dies in Photoshop oder einem anderen Zeichenprogramm zeichnen, das gleiche tun. Normalerweise zeichne ich meine Thumbnails in meinem Skizzenbuch, aber diesmal habe ich es digital für Präsentationszwecke gezeichnet. diejenigen, die traditionell zeichnen, würde ich eigentlich empfehlen, dass Sie Ihre Thumbnails Panel für Panel beitreten, mit jedem Thumbnail auf einer Haftnotiz. Wenn Sie Ihre Panels oder Szenen neu anordnen möchten, können Sie sie auf diese Weise neu anordnen, ohne den gesamten Satz von Miniaturansichten neu zeichnen zu müssen. Das wird es einfacher, herauszufinden, was der beste Flow für Ihr Storyboard sein wird. Sie sollten wahrscheinlich die normalen gelben Haftnotizen verwenden , da es mehr Platz, um Ihre Panels zu zeichnen, aber ich habe mich nur dafür entschieden, weil es entzückend ist. Wenn ihr jemals beim Zeichnen eurer Miniaturansichten feststeckt, seht euch die beiden vorherigen Lektionen zur Geschichte über Terminologie an. Auf diese Weise können Sie Ihr Gedächtnis auf, welche Art von Aufnahmen und Kamerabewegungen verfügbar sind , aktualisieren und herausfinden, welche verwendet wurden jede Szene Ihrer Geschichte, aber die beste. In Ordnung. Das ist ein Wrap auf Thumbnails. Nachdem Sie die vier Sätze gezeichnet haben, kommen Sie zu unserer nächsten Lektion zurück, in der wir unseren groben Entwurf zusammenziehen werden. Viel Glück, aber vor allem Spaß haben. 13. Grobe Entwurf: Willkommen zurück. Lassen Sie uns unserem Rough Draft beitreten. In dieser Lektion lernen wir, wie wir unseren groben Entwurf zeichnen. Wieder einmal können Sie jedes Medium verwenden, das Sie wollen, ob es digital oder traditionell ist. Wenn Sie digital zeichnen, stellen Sie sicher, dass die Layer, in denen Sie die Schräge zeichnen , deutlich als 2D-Layer beschriftet sind. Vertrau mir, es wird dir später eine Menge Verwirrung ersparen. Wenn Sie Ihren groben Entwurf in Photoshop zeichnen, stellen Sie sicher, dass Sie alle Panels im Storyboard auf separaten Ebenen in einer Photoshop-Masterdatei zeichnen. Für diejenigen, die traditionell zeichnen, können Sie wählen, ob Sie weiterhin Ihre Paneele auf Haftnotizen zeichnen möchten oder ob Sie direkt auf Ihrem Skizzenbuch zeichnen möchten. Wenn Sie Ihre Panels jedoch noch auf Haftnotizen zeichnen, stellen Sie sicher, dass Sie, wenn Sie bestätigen, in welcher Reihenfolge Ihre Panels sein sollen, diese Haftnotizen mit Klebstoff verstärken und in ein Skizzenbuch kleben. Dies ist, um sicherzustellen, dass Sie keine wichtigen Panels verlieren. Achten Sie darauf, Ihre Haftnotizen auf ein spiralgebundenes Skizzenbuch zu kleben, damit es später einfacher ist, zu scannen. Ich benutze Storyboard Pro, um meinen groben Entwurf zu machen. Wenn Sie einen groben Entwurf machen, stellen Sie sicher, dass Sie sich auf Ihre Miniaturansichten beziehen und keine Angst haben etwas zu ändern, wenn Sie das Gefühl haben, dass der Fluss besser sein kann oder die Kontinuität keinen Sinn ergibt. Zum Beispiel habe ich tatsächlich diese Thumbnail-Szene geändert, in J Schwierigkeiten hat, einen Regenschirm zu schließen, wenn sie den Küchenbereich betritt. Dies liegt daran, dass es nicht wirklich sinnvoll war, da der Eingang zum Haus eher das Wohnzimmer als der Küchenbereich wäre, also hätte sie den Regenschirm dann schon geschlossen, plus Z wäre über begeistert und über den Kauf Backwaren. Es macht mehr Sinn für J, stattdessen eine Menge Lebensmittel zu haben. Die grobe Draft Version hat J, die eine Reihe von Lebensmitteln trägt und unbegeistert in den Küchenbereich eintritt. Wenn Sie Ihren groben Entwurf zeichnen, fügen Sie nicht zu viele Details hinzu, zeichnen Sie einfach die allgemeinen Gesten und geben Sie grob an, was sich im Hintergrund befinden würde, denn Sie werden ihn später sowieso überarbeiten. Persönlich zeichne ich meinen groben Entwurf gerne in Blau, weil er deutlich zwischen der Entwurfsebene und den endgültigen Storyboard-Linien unterscheidet. Ein wichtiger Schritt, nachdem Sie einen groben Entwurf vollständig zeichnen ist es, Feedback von anderen Personen zu erhalten, um zu sehen, ob Ihr Schaufenster funktioniert. Ein guter Weg, dies zu tun, ist, Ihren groben Entwurf als Projekt in dieser Klasse zu veröffentlichen , um Feedback von anderen Schülern zu erhalten, die auch Storyboards erstellen, und zu sehen, was aus Ihrem ursprünglichen Entwurf verbessert werden kann. Sie können auch Ihre eigenen Gedanken mit anderen Schülerarbeiten teilen, so dass Sie beide einander helfen können. Darüber hinaus können Sie Feedback vom Animator und dem Hintergrundkünstler, mit dem Sie arbeiten, fragen , um zu sehen was funktioniert und was nicht in Ihrem Storyboard funktioniert. Wenn Sie Ihr eigener Animator und Unterstützer sind, können Sie einfach Ihre Familie und Freunde fragen und ihr Feedback bekommen um zu sehen, was Sie verbessern können und was ihnen nicht klar war. Das ist alles, was ich über die grobe Draftphase zu sagen habe. Wenn Sie fertig sind, kommen Sie zur nächsten Lektion zurück, in der wir lernen, wie Sie unser Storyboard überarbeiten können. All die besten Jungs. 14. Überarbeiter Entwurf: Willkommen zurück. Lassen Sie uns unseren groben Entwurf überarbeiten. In dieser Lektion lernen wir, wie wir unseren groben Entwurf zeichnen. Jetzt basierend auf all den Informationen und Feedback, die Sie von anderen Menschen gesammelt haben, sowie auf Ihrem eigenen Urteil als Zeit, um Ihr Storyboard nach der häufigsten Kritik zu bearbeiten. Für diejenigen, die digital gezeichnet haben, können Sie entweder auf demselben 2D-Layer, den Sie erstellt haben, überarbeiten und bearbeiten oder Sie können einen neuen geänderten 2D-Layer erstellen und ihn über dem ursprünglichen Layer hinzufügen. Für diejenigen, die traditionell zeichnen, können Sie entweder eine Haftnotizmethode beibehalten oder die Bedienfelder erneut in einem Skizzenbuch verbinden. Entweder das oder Sie können Ihre Panels stattdessen in einem digitalen Format zeichnen. Diese Revision soll also sicherstellen, dass, wo immer Sie zuvor gezeichnet haben, sowohl klar ist als auch das Hauptstory Thema trägt , das Sie in Ihrem Storyboard vermitteln möchten. Wenn Sie sich Ihre grobe Entwurf, sicher, sich zu fragen, ist die wichtigste Geschichte Thema wahr bis zum Ende des Storyboards. Wenn nicht, was können Sie tun, um es zu ändern und sicherzustellen, dass es dem Publikum zum Ausdruck gebracht wird. Wenn Sie sich fest fühlen, fühlen Sie sich frei, diese Storytelling und Klarheit Lektionen, die unter den Prinzipien des Story-Boarding-Segments in dieser Klasse waren, erneut zu sehen . Damit Sie sich daran erinnern können, wie Sie Ihrem Publikum das Hauptstory Thema ausdrücken können. Ich habe einige Überarbeitungen an meinem Storyboard vorgenommen. In dieser Szene wird J ein Lebensmittelgeschäft wieder in ein Dreieck zusammengefaltet , da Z die Einkaufsliste ausliest, um zu überprüfen, ob sie alles haben. Ich fand, dass, diese Sequenz zog sich weiter, weil Z die Einkaufsliste für eine Weile auslas und diese Szene mit J die Plastiktüte gefaltet hatte keinen Zweck. Also habe ich es komplett rausgeholt. Also Jungs, habt keine Angst, Szenen zu werfen, die nicht funktionieren, ihr könnt definitiv eine bessere zeichnen. Eine andere Szene, die ich veränderte, war die Szene, in der J Pralinen schmilzt und der Kuchen im Ofen brennt. Das erste Mal, als ich das auf den groben Entwurf zeichnete, war es viel zu schnell. In meinem überarbeiteten Entwurf verlangsamte ich die Dinge und ordnete die Reihenfolge der Ereignisse neu an. Wenn etwas unklar ist, es manchmal einfach nur durch Hinzufügen von Szenen oder Neuanordnen und würde es manchmal einfach nur durch Hinzufügen von Szenen oder Neuanordnen und Verlangsamung einer Szene viel besser funktionieren. Das ist alles, was ich zu sagen habe, um dein Storyboard zu überarbeiten. Viel Glück und ich bin sicher, dass du es schaffst. Wir sind so nah am Ende. Danach komm zurück und ich werde dir die nächste Lektion beibringen, wie du dein Storyboard fertigstellst. 15. Fertigstellung deines Storyboards: Lassen Sie uns unser Storyboard abschließen. [ MUSIK] In dieser Lektion lernen wir, wie wir unseren Storyboard-Entwurf abschließen können. Nun, wenn Sie Ihre eigenen Animationen und wieder auf Künstler sind, dann müssen Sie diesen Schritt nicht unbedingt tun, solange Sie klar sind , wie die Charakteranimationen basierend auf Ihrem überarbeiteten Entwurf aussehen sollten, und Sie wissen, was Sie in Ihrem Hintergrund, wenn Sie es zu einem endgültigen visuellen Bild bringen. Wenn Sie Ihr Storyboard jedoch an einen anderen Animator oder einen anderen Hintergrundkünstler weitergeben , sollten Sie Ihre Linien definitiv abschließen, damit sie genau wissen, wie jeder Charakter animiert werden soll und was im Hintergrund abgeschlossen werden soll scheint. Für diejenigen unter euch, die eine Geschichte über digital abschließen,empfehle ich euch, eine neue Liner-Ebene über der überarbeiteten Entwurfsebene zu erstellen und sie dann in Übereinstimmung mit jedem Frame oder Panel Ihres Storyboards zu gruppieren empfehle ich euch, eine neue Liner-Ebene über der überarbeiteten Entwurfsebene zu erstellen . Hier erfahren Sie, wie Sie es in Photoshop tun. Erstellen Sie einen neuen Layer, und benennen Sie ihn als Liner-Layer um. Wählen Sie anschließend alle Ebenen aus, die zu einem einzelnen Frame oder einem einzelnen Panel gehören, und drücken Sie Strg+G, um alle diese Ebenen zu gruppieren. Nachdem Sie alle Ebenen gruppiert haben, die zu einem einzelnen Bedienfeld gehören, benennen Sie die Ebene entsprechend der Nummer des Bedienfelds um. Wenn Sie Ihre Geschichte traditionell abschließen möchten, können Sie jede Art von wischsicherem Stift verwenden und über den überarbeiteten Schrägenlinien zeichnen , die Sie in einem Skizzenbuch gezeichnet haben. Sie können auch wählen, ob Sie eine Geschichte über digital abschließen möchten, wenn Sie dies traditionell vorher tun, indem Sie den gesamten überarbeiteten Entwurf scannen und ihn dann in Photoshop importieren und neue Ebenen über der gescannten Ebene zeichnen. Normalerweise, wenn ich mein Storyboard fertiggestellt habe, erstelle ich gerne separate Ebenen für meinen Charakterliner und kaufe Online-Kunst zurück. Persönlich finde ich es einfacher, meine Charaktere und Hintergründe so zu organisieren , dass ich das frei machen kann, wenn ich es bewegen möchte . Wenn ich einen Charakter oder ein Objekt im Vordergrund habe, erstelle ich auch eine separate Vordergrundschicht. Dies ist für den Fall, dass ich den Vordergrund verschieben muss oder ich ihn vollständig löschen möchte. Alles klar, Leute, das ist alles, was ich über die Fertigstellung deines Storyboards sagen muss. Unsere nächste Lektion ist das Ende unserer Klasse, wo ich Ihnen beibringe, wie Sie Ihr Storyboard in ein PDF exportieren und meine letzten Gedanken teilen können. Viel Glück, Jungs, und wir sehen uns in der nächsten Lektion. 16. Letzte Gedanken: Herzlichen Glückwunsch, Sie haben jetzt ein vollständig vollständiges Storyboard. Lasst uns diese Klasse abschließen. Dies ist unsere letzte Lektion, in der wir lernen , wie wir unser Storyboard in verschiedene Dateiformate exportieren, dann werde ich meine letzten Gedanken teilen. Von hier aus können Sie wählen, ob Sie Ihr Story-Buch als PDF, J-Pegs oder beides exportieren möchten. Hier ist, wie es geht. Wählen Sie die Gruppe aus, die Ihren Rahmen oder Panel enthält, und wählen Sie dann dieses Symbol, dies ist das Ebenenkomp-Symbol. Wenn Sie diese Option ausgewählt haben, erstellen Sie eine neue Ebene, indem Sie auf dieses Symbol klicken. Sie können Ihre Ebenenkomp entsprechend der Panel-Nummer umbenennen. Tun Sie dies mit allen anderen Panels in Ihrem Storyboard. Wählen Sie Datei aus, wählen Sie Skripte aus, und wählen Sie dann Layer-Comps in PDF aus. Wählen Sie aus, wo Sie die PDF-Datei speichern möchten, und klicken Sie dann auf Ausführen. Danach haben Sie Ihre PDF-Datei bereit. Wenn Sie Ihre Dateien stattdessen in J-Pegs exportieren möchten, wählen Sie Datei und dann Skripte aus, klicken Sie stattdessen auf Layer-Comps in Dateien, und wählen Sie erneut, wo Sie Ihre J-Pegs speichern möchten, und klicken Sie dann auf Ausführen. Danach haben Sie Ihre J-Pegs. Für diejenigen, die Ihre Storyboards traditionell gezeichnet haben, können Sie entscheiden, ob Sie digitale Kopien von ihnen haben möchten. Wenn Sie dies tun, scannen Sie sie einfach in Ihren Computer. Für den Fall, dass Sie eine PDF-Datei mit all Ihren Storyboard-Scans erstellen möchten, finden Sie hier, wie. Nachdem Sie alle Ihre Storyboard-Panels gescannt haben, können Sie sie in Photoshop importieren, indem Sie auf Datei klicken und eingebettet platzieren klicken. Wählen Sie das Bedienfeld aus, das Sie importieren möchten, und klicken Sie dann auf Platzieren. Photoshop wird es als separate Ebene importieren. Danach können Sie Ihre Ebenen in ein PDF exportieren, indem Sie die Layer-Comp-Methode verwenden, die ich Ihnen gerade beigebracht habe. Okay, Leute, das ist ein Wrap in unserer Klasse, Storyboard für Animation. Zusammenfassend lernten wir sowohl die Theorie als auch die Praxis des Story-Boarding. Unsere Theorie befasste sich mit der Identifizierung unserer Hauptgeschichte, Sammeln von Referenzen, Erlernen der Prinzipien des Story-Boarding, die aus Storytelling, Klarheit, der 180-Grad-Regel, Komposition, Kontinuität und Storyboard-Terminologie und unsere Praxis haben uns unsere Beat-Boards, Thumbnails, groben und überarbeiteten Entwurf und unser letztes Storyboard gemacht. Ich möchte euch noch einmal gratulieren, dass ihr es so weit geschafft habt und euer Storyboard vervollständigt habt. Von hier aus können Sie Ihr endgültiges Storyboard freigeben, indem Sie ein Projekt erstellen oder das zuvor erstellte Projekt mit Ihrem endgültigen Storyboard aktualisieren. Ich liebe es zu sehen, was ihr geschaffen habt und ich kann es kaum erwarten, eure Projekte zu sehen. Vielen Dank, dass ihr zu meiner Klasse beigetreten seid, und ich sehe euch herum.