So entwirfst du Arts-and-Crafts-Muster – Teil 1

1. Einführung: Hallo, ich bin [unhörbar], Musterdesigner und Online-Lehrer aus Schweden. Abgesehen davon, dass ich leidenschaftlich über Musterdesign bin, bin ich auch ein großer Geschichtsnerd und liebe historische Musterstile. Einer meiner absoluten Lieblingsstile ist Kunst und Kunsthandwerk. Es ist überzeugende Musterdesigns haben einige geniale Qualität für sie, die Menschen seit 150 Jahren fasziniert. Es ist einer der meistbewunderten Stile heute und hat sowohl das Interieur als auch das moderne Musterdesign in vielerlei Hinsicht beeinflusst und geformt. Wie Sie wissen, sind Kunst- und Handwerksmuster ziemlich komplex mit Verflechtungen von Schichtmotiven und Kompositionen, die sehr schwer zu erstellen scheinen können. Aber in diesem Kurs, der der erste in dieser Serie ist, werde ich anfangen, die Geheimnisse zu entmystifizieren und wie man Kunst- und Handwerksmuster schafft. In dieser Klasse erfahren Sie mehr über den Hintergrund des Kunst- und Handwerksmusterstils, seine Einflüsse und das Designprinzip, das es geformt hat. Wir werden einen genaueren Blick auf die Eigenschaften von Kunst- und Handwerksmustern werfen, wenn es um Thema, Komposition und Layout, typische Motive und Farbschemata geht , und ich werde meinen Prozess für die Gestaltung dieser komplexen Entwürfe in überschaubarer -Schritte. Sie werden auch über die verschiedenen Arten von Mustern erfahren, die Sie innerhalb des Kunst- und Handwerksstils finden können. Um es ein bisschen einfacher zu machen, habe ich dies in vier Kategorien unterteilt. In jedem Teil dieser Serie werden wir uns die einzelnen Kategorien genauer ansehen. In diesem ersten Teil der Serie erfahren Sie, wie Sie Muster in der Kategorie erstellen, die ich nachfolgend nenne. Dies sind Muster mit einer fließenden Struktur von Pflanzen und Blumen in einer oder zwei Schichten von Motiven. Sie werden auch Übungen bekommen, um zu üben, wie man Motive im Kunst- und Handwerksstil zu zeichnen, und wie man eine gerade Wiederholung in der altmodischen Art und Weise entwirft. Am Ende dieses Kurses haben Sie ein eigenes Kunst- und Handwerksmuster, das Sie in Ihr Portfolio aufnehmen oder auf einem Print on Demand Services hinzufügen können, oder für die Herstellung Ihrer eigenen Produkte wie Stoff, zu Hause Textilien und Tapeten zum Beispiel. Dieser Kurs ist für Sie, die Ihre Muster-Design-Techniken aufwerten und Ihr Auge für das trainieren möchten , was eine fließende Komposition ausmacht. Es ist für Sie, die Ihre Zeichenfähigkeiten verbessern und Ihren Designstil erkunden möchten. Aber es ist vor allem für Sie, die sich danach sehnt haben Muster im Kunst- und Handwerksstil zu schaffen. Dies ist ein Zwischenkurs und Sie benötigen Grundkenntnisse in der Verwendung der wesentlichen Tools in Adobe Illustrator. Denn das ist, was wir verwenden, um unsere Muster zu färben und die endgültige digitale Wiederholung zu erstellen. Wenn Sie bereit sind, zu lernen, wie man Kunst und Handwerk Muster zu erstellen, ich begrüße Sie, mich auf der Innenseite zu begleiten und lasst uns loslegen. 2. Willkommen im Kurs!: Hallo an alle, und willkommen zum ersten Teil dieser Kursreihe über die Erstellung von Kunst- und Handwerksmustern. Ich möchte in der Lage sein, Muster im Kunst- und Handwerksstil zu erstellen, aber sie scheinen so fortschrittlich und komplex zu sein, und ich habe keine Ahnung, wie das zu tun ist oder wo ich anfangen soll. Dies ist wahrscheinlich der Kommentar Nummer eins, den ich bekomme, wenn ich frage, was meine Schüler gerne lernen möchten und worum es bei meinem nächsten Kurs geht. Kunst und Handwerk ist in vielerlei Hinsicht ein komplexer Stil mit seinen Verflechtungen und Schichtmotiven und Kompositionen. Aber wir können alles lernen und vollbringen, indem Schritt lernen, üben und Dinge machen. Genau das habe ich getan, als ich vor einer Weile versucht habe, herauszufinden, wie ich selbst ein Bastelmuster erstellen kann. Ich habe jede Menge Forschung durchgeführt, die Muster hautnah studiert, sie in ihre kleinsten Elemente zerlegt, um herauszufinden, wie sie gemacht wurden. Dann versuchte und erprobte verschiedene Techniken und Methoden, um diesen Stil zu erreichen und kümmere mich um eine Menge Versuch und Irrtum und Üben, ich schaffte es endlich, ein Kunst- und Handwerksmuster auf eigene Faust zu erstellen. Diese Art von Prozess des Studiums und herauszufinden, wie man eine bestimmte Art von Mustern erstellt , ist, wie ich sowohl meine künstlerischen als auch technischen Fähigkeiten entwickelt habe . Aber das wertvollste Ergebnis von all dem ist, dass diese Art des Lernens mir auch geholfen hat, meinen persönlichen Designstil zu erkunden und zu entdecken und einen Prozess zu schaffen , wie man fortschrittliche und komplexe Muster entwerfen kann. Wie in der Kunst und Handwerk Stil oder [unhörbar] oder indische Blumen und Damast zum Beispiel. In dieser Kursreihe werde ich Ihnen zeigen, wie Sie mit meinem Prozess Kunst- und Handwerksmuster erstellen können. Dieser Schritt für Schritt wird Ihnen helfen, ein Muster im eigenen Stil zu erstellen. Ich glaube, wir können viel aus der Geschichte lernen, weil es so eine Fundgrube an Wissen und Inspiration ist. Was ist Kunst und Handwerk wirklich? Nun, das wirst du in der ersten Lektion lernen. Dafür sehe ich dich im nächsten Video. 3. Was ist Arts-and-Crafts?: Der Begriff Kunst und Handwerk bezieht sich nicht auf einen bestimmten Musterdesign Stil, wenn wir richtig sein wollen. Auch wenn viele Kunst und Handwerk mit den Musterdesigns von William Morris assoziieren. Die richtigere Definition ist, dass Kunst und Handwerk verwendet wurde, um die Kunst und Design zu beschreiben , die in Großbritannien und Nordamerika zwischen den 1870er bis um die 1920erJahregeschaffen wurde. Jahre verwendet für die dekorative und angewandte Kunst, die alle Arten von Design und Kunst Prinzipien beinhaltet, nicht nur Muster für Tapeten und Textilien. Kunst und Handwerk umfasst Architektur, Innenarchitektur, Glasmalerei, Metallarbeiten, Malerei, Illustration, Skulptur, Holzschnitzerei, Keramik, Stickerei, Möbel, Wandbehänge, Wandteppiche, Teppiche, aber auch Kleidung, Schmuck und Gartenarbeit. Kunst und Handwerk ist auch ein Begriff, der sich auf die Gruppe von Künstlern, Designern und Handwerkern während dieser Zeit bezieht , die ihre Arbeit auf eine Reihe von Prinzipien stützen, die weitgehend von den sozialen Umständen in der viktorianischen Gesellschaft beeinflusst wurde und Kultur. Zusammen wurden diese Gruppen zu einer Kraft, die die Kunst- und Handwerksbewegung genannt wird. Das würde die Art und Weise verändern, wie die Menschen die dekorativen Künste und ihre Schöpfer betrachteten und gleichzeitig einen neuen Designtrend in Architektur, Inneneinrichtung, Gartenarbeit und Mode kreieren . Obwohl die Kunst- und Handwerksbewegung viele verschiedene Designer und Produkte umfasst, es die Muster von William Morris und seiner Firma Morrison, die zum Plakatnamen für diese historische Design-Ära geworden sind. Tatsache ist, dass er eine Design-Ikone und Einfluss auf viele der zeitgenössischen Designer und ihre Arbeit war. Sein spezifischer Designstil war in vielerlei Hinsicht, was den allgemeinen Kunst- und Handwerksstil prägte , wie wir ihn heute wahrnehmen, zumindest. Aber innerhalb der Kunst- und Handwerksbewegung gab es viele weitere erfolgreiche Designer, die zur Entwicklung des Kunst- und Handwerksdesigns und den folgenden Stilen beigetragen haben. In der nächsten Lektion werde ich Ihnen einen Hintergrund und eine kurze Geschichte der Kunst- und Handwerksbewegung sowie einiger ihrer wichtigsten Designer und ihrer Arbeit geben. 4. Die Geschichte der Arts-and-Crafts-Bewegung: In dieser Lektion werde ich Ihnen mehr über den Hintergrund und die Umstände erzählen , die zur Kunst- und Handwerksbewegung geführt und wofür sie stand, und dies wird Ihnen einen Kontext zu den Prinzipien geben , die die Arbeit der Kunst- und Handwerksdesigner prägen. Das 19. Jahrhundert war im Allgemeinen eine Ära der Begeisterung für alles Neue und maschinell hergestellte. Alle Fortschritte und Chancen, die mit der industriellen Revolution einhergingen schufen eine besondere Atmosphäre und Energie, die für diese Zeit charakteristisch ist, auch das viktorianische Zeitalter genannt. Im Jahr 1851 fand die erste große Ausstellung im Crystal Palace in London.Es war ein großes Ereignis, umdie Überlegenheit und Pracht der British Engineering Innovation und seine Produkte aus allen Ecken des Reiches zu zeigen die Überlegenheit und Pracht der . Die Ausstellung war ein Erfolg mit über sechs Millionen Besuchern aus der ganzen Welt, aber es war kein voller Erfolg. Viele Menschen dachten, es zeigte eine Schwäche und Mangel an Geschmack in Briten zu unterzeichnen, und dies schuf vor allem Debatte und Diskussion in der Kunstpresse. Generell hatten die Menschen begonnen, auf die nicht so positiven Auswirkungen zu reagieren, die die Hersteller und die Massenproduktion auf Gesellschaft und vor allem auf die Bedingungen für die Arbeiter hatten und wie sie die Landschaft und die Umwelt verändert hatten. Nur um einen Dickens-Roman zu lesen, um einen Blick auf diese Seite der Münze zu bekommen. Jetzt begannen Kreise und Gruppen von Künstlern, Designern und Handwerkern zu bilden und die nicht mochten, wie die Massenproduktion die Qualität des Designs und der Produktion beeinflusste. Sie verachteten besonders, wie es den Arbeiter vom Designprozess gelöst hatte. Jeder Arbeiter war gerade zu einem Zahnrad in einer großen Maschinerie geworden, was in ihren Augen zur Demoralisierung der Arbeiter führte , da sie nicht mehr stolz auf ihre Arbeit sein konnten. Es ging nur um Profit und nicht mehr um gutes Design oder echte Verarbeitung. Andere Kulturgruppen wollten eine Veränderung schaffen und reformieren, wie die angewandte und dekorative Kunst von der Öffentlichkeit betrachtet und geschätzt wurde und ihren Status als gleichwertig der bildenden Künste erhöhen. Zum Beispiel gab es nicht viele Möglichkeiten, Entwürfe und Produkte innerhalb derangewandten und dekorativen Kunst der Öffentlichkeit zu präsentieren, und ein Kampf bestand darin angewandten und dekorativen Kunst der Öffentlichkeit zu präsentieren, und , die Royal Academy zu reformieren, die bildende Kunst und Maler nur in ihren Ausstellungen. Sogar Architektur und Skulptur, wurden schwer falsch dargestellt. Wenn die Royal Academy verweigerte, trotz der harten Kritik in der Kunstpresse und der Kulturgesellschaft. wurde ein eigenständiges Komitee mit dem Ziel gegründet, einen Ort für Designer, Künstler und Handwerker zu schaffen , um ihre Werke auszustellen und der Öffentlichkeit zu zeigen. Es war jetzt, dass der Begriff Kunst und Handwerk während einer Ausschusssitzung im Jahr 1887 geprägt wurde , um einen Namen für diese Ausstellung zu entscheiden. Ein Buchbinder namens T. J, Cobden-Sanderson, schlug den Namen Arts and Crafts Exhibition Society vor. Die erste Ausstellung fand 1888 in The New Gallery statt und wurde in den beiden folgenden Jahren verfolgt und danachjedes dritte Jahr bis den beiden folgenden Jahren verfolgt und danach ins 20. Jahrhundert fortgesetzt. Um 1920 ging die Ära des Kunsthandwerks zu Ende, weil sich der Stil und die Technikenso stark veränderten und der Erste ging die Ära des Kunsthandwerks zu Ende, weil sich der Stil und die Techniken Weltkrieg auch ein Wendepunkt war, der diese Industrie für immer veränderte. Dies war die Geschichte der Kunst- und Handwerksbewegung und ihr Stil, aber wir können ein vollständiges Bild bekommen, ohne die Geschichte der wichtigsten Designer zu erzählen. Begleiten Sie mich in der nächsten Lektion, wo Sie mehr über William Morris und einige seiner Kollegen erfahren und was ihre Arbeit beeinflusst hat. 5. William Morris und die Einflüsse des Arts-and-Crafts-Design: Die Geschichte der Kunst und des Handwerks zu erzählen und was diesen Designstil geprägt hat, ist die Geschichte seiner Schlüsselleute zu erzählen und was sie beeinflusst hat. Dies kann durch das Leben und Werk von William Morris erzählt werden. William Morris wurde 1834 geboren und stammte aus einer wohlhabenden Familie im wohlhabenden Stowe im Nordosten von London. Er wuchs in einer malerischen Landschaft nahe der Natur mit Wäldern und Wiesen weit entfernt von den rauschenden Fabriken auf. Er war sehr intelligent und las und schrieb viel als kleiner Junge, fasziniert von romantischer mittelalterlicher Literatur und Kunst und Liebesgeschichten über Ritter und schöne Damen und Märchen. Er verbrachte viel Zeit in der Natur, um Ruinen und Kirchen und andere alte Gebäude zu studieren. Als William Morris 16 Jahre alt war, besuchte er gemeinsam mit seiner Mutter die Grid-Ausstellung und wie viele andere, er war nicht beeindruckt von all dieser Pracht und Präsentation neuer Produkte. Stattdessen hielt er es für eine vulgäre Abscheulichkeit. Victorian Design im Allgemeinen war eine eklektische Sammlung von verschiedenen Stilen und Einflüssen. Vielen Dank an neue Innovationen und Transporte, die die Welt näher gebracht haben. Mit Produkten, die aus allen Ecken des riesigen British Empire strömen, wurden die Menschen von exotischen Kulturen und Archäologie und allen historischen Gebieten besessen. Japanische und andere asiatische und orientalische Design und Produkte wurden auch extrem trendy und beliebt. All diese verschiedenen Quellen beeinflussten Morris auch. Aber für ihn war das viktorianische Design übertrieben und überladen mit Ornamenten und nur viel schwelender und sentimentaler Nostalgie. Seiner Meinung nach wurde alles geschaffen, um die Verbraucher zu täuschen und keine Integrität oder Qualität zu haben. Es gab drei Schlüsselfiguren und ihre Arbeit, die William Morris und seine Gedanken über Design und wie es mit der Gesellschaft verbunden war, stark beeinflussten. Der erste war ein Typ namens Pugin. Er war ein Teil der Gotischen Revival-Bewegung, die sich im 18. Jahrhundert gebildet hat und die Inspiration aus mittelalterlichen und gotischen Bildern und Quellen schöpfte. Die gotische Revival-Bewegung war im 19. Jahrhundert riesig und ist der Grund, warum so viele öffentliche Gebäude und Kirchen aus dieser Zeit im gotischen Stil hergestellt werden. Pugin dachte, das gotische Design sei allen anderen überlegen, weil es wahr und ehrlich war. Es hat nicht versucht, auszusehen oder etwas anderes zu sein. Auch in der mittelalterlichen und gotischen Gesellschaft und Kultur wurden die Handwerker und die Verarbeitung nach Pugin viel mehr geschätzt, was für gutes Design unverzichtbar war, und dies konnte nur in einer guten Gesellschaft geschaffen werden. All das sprach mit William Morris. Eine weitere frühe Einfluss auf William Morris auf das, was war gut Design war, war die Buch Grammatik der Ornamente von Owen Jones. Dies wurde zu einem klassischen viktorianischen Nachschlagewerk für ornamentales Design. In dem Buch baute Jones auf Pugins Prinzipien, dass Design wahr und ehrlich sein sollte. Er nahm dies ein wenig weiter und sagte , dass Design nicht nur geschaffen werden sollte, um bewundert zu werden oder etwas zu verkaufen. Design sollte zuerst aus der Funktion erstellt werden, dann könnten Ornament und tiefer Kern hinzugefügt werden. Er dachte auch, Design sollte im Kontext der Umgebung geschaffen werden , wo es existieren würde. Er sagte auch, dass gutes Design nur von der Natur inspiriert werden könne. All das wurde später zu Eckpfeiler der Kunst- und Handwerksbewegung. Als William Morris 19 Jahre alt war, kam er zum Exeter College in Oxford, um Literatur und Klassiker zu studieren. Hier entwickelte er seine Werte gemeinsam mit seinen neuen Künstlerfreunden weiter. Es ist auch, wo seine Liebe für alles mittelalterliche Gruppe, zum Beispiel durch die beleuchteten Manuskripte, die er in der Bodleian-Bibliothek begann. Nun lernte er die Schriften einer anderen Schlüsselfigur kennen, John Ruskin, der den kommerziellen Erfolg der Massenproduktion in Frage stellte und wie sie menschliches Elend verursachte. Auch er war ein Fan der gotischen Architektur und wofür sie stand. Ruskin argumentierte, dass der Arbeiter in jeder Phase der Produktion involviert sein muss , um stolz auf seine Arbeit zu sein, die für die Schaffung eines guten Designs unerlässlich war. Dies wurde durch die Industrialisierung und den Kommerzialismus untergraben. Inspiriert von all dem, gründeten William Morris und seine Freunde eine Gruppe namens The Brotherhood mit der Agenda, gegen jeglichen Kommerzialismus und Materialismus zu rebellieren , der von der Industrie geschaffen wurde. Zunächst hatten William und sein bester Freund, Edward Burn Jones, geplant, Kirchengleriker zu werden. Aber während einer Reise nach Frankreich änderten sie ihre Meinung, nachdem sie die beeindruckende Architektur und mittelalterliche Gemälde gesehen hatten, beschlossen sie stattdessen Künstler zu werden. Edward Burn Jones entschied sich für eine Malerei Karriere und William auf Architektur. Nach seinem Abschluss ging er zurück nach London, um in der Praxis der George Edmund Street zu lernen, die sich auch mit der gotischen Architektur und der gotischen Revival Movement beschäftigte. Bei der Straßen-Praxis lernte William Phillip Webb kennen , der neben Burn Jones auch einer seiner besten und lebenslangen Freunde wurde. Nun tritt eine weitere Schlüsselfigur in Morris Leben, Dante Gabriel Rossetti, den er auch in Exeter kennengelernt hatte. Rossetti war bereits ein Dichter und Maler mit etwas Erfolg, und er war einer der Gründer der Gruppe, die Präraphael-Bruderschaft genannt wurde. Auch diese Gruppe rebellierte sich gegen etwas. Aber für sie war es der aktuelle Trend, den Renaissancestil der berühmten Künstler Raphael zu imitieren . Stattdessen wurden sie natürlich von der Zeit vor dieser Wahrheit und Ehrlichkeit in der mittelalterlichen und gotischen Kunst inspiriert . Morris bewunderte Rossetti und sein Werk sehr , und als er merkte, dass Architektur nicht sein Ding war , überzeugte ihn Rossetti, stattdessen Maler zu werden. Jetzt ist etwas sehr Wichtiges passiert. Aber um davon zu erfahren, musst du zum nächsten Video gehen, wo wir diese Lektion fortsetzen. Ganz der Cliffhanger. 6. Fortsetzung: William Morris und die Einflüsse des Arts-and-Crafts-Design: Rossetti hatte einen großen Auftrag bekommen, die Wände der Debattierkammer der Oxford Union zu schmücken , und jetzt lud er Morris und Burne-Jones ein, ihm zu helfen. Die Fresken, die sie für dieses Projekt gemalt haben, zeigen typische mittelalterliche Szenen aus der Geschichte von König Arthur. Aber das Komische ist, dass sie nicht wirklich wussten, was sie taten, und die Bilder wurden ziemlich kritisiert wegen ihrer seltsamen Proportionen, und nach einem Jahr waren die Fresken fast vollständig verblasst, weil sie hatte sie auf einer nassen Oberfläche gemalt. Aber dies war eine sehr wichtige Phase in William Morris Leben und Beginn seiner neuen Karriere. Während dieses Projekts traf Morris auch Jane Burden, seine zukünftige Frau. Sie heirateten 1859 und zogen in das Rote Haus, das von Williams Freund Philip Webb entworfen wurde. Das Rote Haus wird oft als das erste echte Kunsthandwerk bezeichnet, und natürlich gab es keine Möbel oder Dekor auf dem Markt, die für Morris tun würden. Mit Hilfe seiner Freunde und Frau entwarf und machte er den größten Teil der Einrichtung und des Dekors für das Haus selbst. Dies war auch ein wichtiger Schritt zur Gründung von Morris, Marshall Faulkner und Unternehmen. diesem Unternehmen gehörten Rossetti Burne-Jones, Philip Webb und einige andere Freunde und Mitarbeiter. Die Beschreibung des Unternehmens war Kunstarbeiter in Malerei, Schnitzerei, Möbel und die Metalle. So Kunst in Kombination mit Kunsthandwerk. Die Firma, wie das Unternehmen den Spitznamen erhielt, wurde von Anfang an zu einem großen kommerziellen Erfolg. Die ersten Produkte wurden vor allem für Freunde und Familie entwickelt. Morris und seine Partner haben alles selbst in einem wahren Kunst- und Handwerksgeist gemacht, von der Gestaltung bis zur Herstellung. Zum Beispiel produzierten sie dekorierte Fliesen und Stickereiprodukte. Aber das wichtigste Produkt war die Herstellung von Glasmalerei für Kirchen und andere Gebäude mit einer rasant wachsenden Nachfrage nach ihrer schönen Arbeit. Was an ihren Glasmalern so cool war , ist, dass sie alle zusammengearbeitet und zusammengearbeitet haben. Burne-Jones und Rossetti entwarfen die zentralen Figuren, Philip Webb entwarf einige der anderen Elemente und den Schriftzug, und Morris war für die Farbschemata verantwortlich. Es gibt eine weitere tragische Nebengeschichte zu Morris Leben hier, die sein Werk, vor allem sein Schreiben und Malen, beeinflusst hat. Das war die Affäre zwischen seiner Frau und seinem Freund Rossetti. Es war eine seltsame Geschichte und zerstörerische Zeit für ihn, aber eine, die er zu akzeptieren schien. Tatsache ist, dass 1871 das Ehepaar Morris und die Familie und Rossetti zusammen gepachtet und nach Kelmscott Manor gezogen haben, wo die Affäre zwischen Jane und Rossetti fortgesetzt wurde. Geschäftsweise begannen die Dinge auch eine schlechte Wendung zu nehmen. William Morris war der wichtigste Finanzinvestor in der Firma gewesen, aber nach ein paar Jahren begann es, seine eigenen finanziellen Mittel zu entleeren. Viel wegen der rückläufigen Nachfrage nach Glasmalerei und Einrichtungsgegenständen, die in den ersten Jahren die Haupteinkommensquellen für dieses Unternehmen waren. Also Morris war gezwungen, einige Änderungen vorzunehmen und das Unternehmen im Jahr 1875 zu rekonstruieren, was endete mit dem Ausschluss einiger der Partner einschließlich Rossetti, und yay dafür, ich bin auf Team William. Trotz all dieses Dramas war William Morris ein kluger Geschäftsmann geworden. Als sich die Dinge auf dem Markt änderten, adaptierte und erweiterte er seine Arbeit stattdessen in Tapeten- und Textildesigns. Die Firma, die jetzt Morris and Company heißt hat begonnen, Provisionen für die komplette Inneneinrichtung zu bekommen, und das Geschäft wuchs. 1876 eröffnete Morris einen Showroom in Oxford Street, wo die Kunden Muster von Tapeten, Wandteppichen, Stickereien und Skizzen kompletter Innenarchitekturen sehen konnten . Um Ihr Haus von Morris and Company dekoriert zu haben, wurde bei den Reichen sehr beliebt. William Morris selbst war nicht alle glücklich darüber. Er dachte, dass viele seiner Kunden die Qualität und Handwerkskunst dahinter nicht verstehen oder wirklich schätzen, sondern nur einem Trend folgen würden. Es wird gesagt, dass er einmal ausgedrückt hat: „Ich habe mein Leben damit verbracht, dem schwinzigen Luxus der Reichen zu dienen.“ Das war eigentlich eine Frustration für ihn während seiner gesamten Karriere. Er strebt nach Gleichheit in der Gesellschaft und gutes Design für alle zur Verfügung, aber in seinem Bestreben, gutes und ehrliches Design und Qualität mit echter Verarbeitung zu schaffen , seine Produktionsmethoden des Handdrucks, zum Beispiel machte es nur möglich für die Reichen, seine Produkte und Dienstleistungen zu kaufen. Zu dieser Zeit tritt eine weitere Ikone der Kunst und des Handwerks ein, John Henry Dearle. Sie haben vielleicht noch nicht von diesem Designer gehört, aber Tatsache ist, dass er tatsächlich der Designer hinter vielen der Muster von Morris and Company ist und die immer noch fälschlicherweise von William Morris selbst entworfen werden. Dearle begann 1876 bei Morris and Company als Shop-Assistentin im New Oxford Street Showroom zu arbeiten. Bald fortgeschritten und begann mit der Herstellung von Tapisserien zusammen mit William zu arbeiten und wurde auch ein Teil des Designprozesses und schuf seine eigenen Muster für Tapeten und Textilien, stark beeinflusst durch den Stil von William Morris, obwohl. Tatsächlich verbrachte Morris Ende der 70er Jahre immer weniger Zeit damit, seine Zeit zu entwerfen und wandte sich mehr seinem Engagement in sozialen Reformen zu. Dearle hat mehr und mehr übernommen. Ab 1888 war er es, der für die Gestaltung aller Textilien und Tapeten verantwortlich war. Die erste Kunst- und Handwerksausstellung fand im Jahre 1888 statt. Morris and Company war natürlich einer der großen Aussteller, und jetzt wurde William Morris sehr als Ikone und Designer-Superstar unter seinen Kollegen angesehen . Seine Fähigkeiten und Muster hatten sie und ihre Stile in einer großen Art und Weise beeinflusst. In seinen letzten Jahrenstützten sich seine Beiträge zur Bewegung mehr darauf, stützten sich seine Beiträge zur Bewegung mehr darauf Vorträge über Design und dekorative Kunst zu halten und eine neue Generation von Künstlern und Designern zu inspirieren, wie zum Beispiel der Autor Heygate Mackmurdo, Charles Voysey, Lewis Foreman Day, Christopher Dresser, John Dando Sedding und Walter Crane natürlich. Eine, die ich besonders erwähnen möchte, ist die Tochter von William Morris, May Morris, die auch für die Firma arbeitete und wie bei Dearle viele Entwürfe für Tapeten und Textilien schuf. Zum Beispiel Honeysuckle, ein ikonisches Muster, das viele immer noch denken, dass von William Morris erstellt wurde. Wie ihr Vater war May Morris multitalentiert, Schriftstellerin, Handwerkerin, sozial engagiert, aber ihre künstlerische Spezialität war Stickerei. 1885 wurde sie Direktorin der Stickerei von Morris and Company. 1896 starb William Morris, nur 62 Jahre alt. Die Todesursache war, laut seinem Arzt, einfach William Morris zu sein. Seine letzten Worte lauteten: „Ich will das Murmel-Durcheinander aus dieser Welt herausholen.“ Bis zum Ende kämpfte er seinen Kampf dafür, die Welt zu einem besseren Ort für Menschen mit sozialen Verbesserungen und gutem Design zu machen. William Morris war eine der Schlüsselfiguren der Kunst- und Handwerksbewegung und die Kraft hinter ihren Werten und Prinzipien des Designs. In der nächsten Lektion werde ich diese Designprinzipien zusammenfassen und wie wir sie als Musterdesigner von heute interpretieren können. 7. Die Grundlagen des Arts-and-Crafts-Design: [ MUSIK] In der vorangegangenen Lektion haben Sie die Geschichte erfahren, was William Morris beeinflusst hat, und die Designer der Kunst- und Handwerksbewegung. Sie lernten auch die Werte kennen, die eine Reihe von Prinzipien bildeten, die die Grundlage für ihre Arbeit waren und diktieren, wie man gutes Design und Qualität schafft. In dieser Lektion liere ich all diese Prinzipien auf und versuche, eine Interpretation darüber zu geben , wie wir als Musterdesigner von heute diese Prinzipien für unsere eigene Arbeit verwenden können. Das erste Prinzip ist, dass Design im Kontext der Umwelt geschaffen werden sollte , in der es existieren wird, nicht für seine eigene Existenz oder nur für Bewunderung. William Morris Entwürfe wurden ursprünglich mit einem kompletten Interieur entworfen, in dem jedes Stück und jedes Produkt seinen Platz hatte und in Harmonie mit dem ganzen Raum arbeitete. Jede Tapete oder Einrichtungsstoff oder jeder Teppich, den er gemacht hat, wurde mit Absicht erstellt und für einen bestimmten Zweck entworfen. So können wir dieses Prinzip auch anwenden, nicht um ein Muster nur für seine eigene Existenz zu schaffen, sondern mit Absicht und Zweck von Anfang an. Natürlich müssen wir ab und zu in der Lage sein, aus unseren eigenen Herzen Wünsche zu schaffen, aber wenn wir Muster schaffen wollen, die gut für bestimmte Produkte optimiert funktionieren, müssen wir das berücksichtigen. Zum Beispiel ein Hintergrundbild. Für welchen Raum wird dieses Muster funktionieren? Ist es die Küche, das Wohnzimmer, oder für das Schlafzimmer? Wenn wir mit Absicht und Zweck schaffen, werden wir unsere beste Arbeit tun. Das nächste Prinzip ist, dass Design zuerst aus der Funktion erstellt werden sollte, danach können Ornament und Dekor hinzugefügt werden. In Morris Arbeit gab es nie etwas überflüssiges oder unnötiges Detail. Dieses Zitat von ihm entführt alles. „ Haben Sie nichts in Ihrem Haus, das Sie nicht wissen, um nützlich zu sein oder glauben, schön zu sein.“ Dies kann auch für die Art und Weise angewendet werden, wie er seine Muster entworfen hat. In seinen Mustern findet man nie ein Element, eine Form oder eine Linie, die nicht da sein sollte oder die keinen Sinn macht oder den Gesamteindruck unterstützt. Jedes Motiv hat seine Aufgabe, ob es um andere Elemente zu tragen oder um einen Raum zu füllen und den brillanten Fluss zu ergänzen. Wenn wir unsere Muster erstellen, sollten wir auch mit der Funktion beginnen. Wie wird das Muster konstruiert und gebaut, um seine Arbeit zu erledigen und den Eindruck zu erwecken, den wir erreichen wollen? Wenn wir die grundlegende Musterstruktur haben, können wir beginnen, die Dekorationen mit Motiven, Details und Farbe hinzuzufügen . Unser drittes Prinzip ist, dass Design dem Zweck und seinen Materialien treu sein sollte und auch ehrlich in der Art und Weise, wie es geschaffen wird. Es sollte nicht nachahmen oder wie etwas aussehen, das es nicht ist. diesem Grund wurde der Kunst- und Handwerksstil in einer zweidimensionalen Angelegenheit geschaffen. Mit vereinfachten und stilisierten Pflanzen und Tiermotiven, die nicht versuchten, real auszusehen, sondern nur die Schönheit der Natur zu entleihen und sie in einer Weise zu nutzen, die das Innere ergänzt. So können wir dieses Prinzip auch anwenden, um die Motive für unseren Zweck, das Produkt und die Oberfläche, für die wir designen, zu stilisieren . Das nächste Kunst- und Handwerks-Designprinzip ist ziemlich einfach. Es ist, die Natur als Inspirationsquelle zu verwenden. Alle Kunst- und Handwerksdesigns sind inspiriert von der Natur mit Motiven aus Laub, Blumen, Tieren und Früchten. Es gibt keine abstrakten oder nicht-figurativen Entwürfe. Das ist ziemlich unkompliziert, wenn es darum geht, wie wir das auch anwenden können. Aber bedenken Sie immer noch das dritte Prinzip, nicht zu versuchen, die Natur realistisch, sondern stilisiert darzustellen . Das letzte Prinzip ist für uns jedoch ein bisschen schwierig, und es ist, dass der Designer in den gesamten Prozess von der Konstruktion bis zur Herstellung involviert sein sollte. Für William Morris bedeutete dies, jedes Handwerk hinter seinen Produkten zu lernen und zu üben, vom Entwerfen und Zeichnen vom Entwerfen und Zeichnenüber Stickereien und Weben bis hin zum Färben und Bedrucken seiner eigenen Stoffe. Aber für uns, die vielleicht nicht die Möglichkeit haben, all das zu tun, wie können wir dieses Prinzip nutzen? Nun, vor allem geht es darum, das Handwerk des Designs zu lernen und wirklich gut darin zu werden. Dann ist es, Ihre eigenen Materialien zu beziehen. Eine andere Sache, dieses Prinzip zu üben, ist , viele verschiedene Techniken zum Erstellen von Mustern auszuprobieren, sowohl zum Erstellen von Motiven von Hand, mit verschiedenen Arten von Medien oder digital mit verschiedenen Tools und Apps. Es ist auch gut, ein Verständnis dafür zu haben, wie verschiedene Produkte und Materialien hergestellt werden und wie sie sich verhalten. Einbeziehung in den gesamten Prozess kann auch bedeuten, dass wir, wenn wir für ein Unternehmen entwerfen, auch ein Teil des Herstellungsprozesses des Produkts sein können. So viel wie wir die Abzeichen überprüfen dürfen, besuchen Sie den Drucker, wenn Sie die Produktion starten. Zum Beispiel habe ich einen Freund, der Muster für Tapeten entwirft und für jede Tapetenkollektion sie in der Tapetenfabrik anwesend ist, um sicherzustellen, dass die Farbschemata genau richtig sind, und dann kommt alles als beabsichtigt. Das war also eine Zusammenstellung der Designprinzipien, die uns helfen können, den richtigen Fokus zu behalten , wenn wir anfangen, unsere eigenen Kunst- und Handwerksmuster zu entwerfen. In den kommenden Lektionen werden wir die verschiedenen Eigenschaften von Kunst- und Handwerksmustern studieren und sie auch in verschiedene Kategorien aufteilen. Aber fangen wir mit gemeinsamen Themen an, die verwendet wurden. Also treffen wir uns in der nächsten Lektion. (MUSIK) 8. Eigenschaften: Themen: In dieser Lektion werden wir einen Blick auf einige der Themen werfen , die wir in Kunst- und Handwerksmustern identifizieren können. Dies wird uns helfen, wenn wir dabei sind, Ideen für unsere eigenen Muster zu entwickeln und innerhalb des Themas zu bleiben, das uns erlaubt, einen Kunst- und Handwerksausdruck zu schaffen. Das allgemeine Thema von Kunst- und Handwerksmustern ist die Natur, wie Sie vielleicht schon wissen, aber es ist mehr als das. Es gibt hier einige Unterthemen, die wir als Inspiration verwenden können. Ein Unterthema sind wilde Blumen. Dies sind Motive, die die Kunst- und Handwerksdesigner von Wiesen und entlang von Flüssen der englischen Landschaft bezogen . Zum Beispiel, in diesem Muster von William Morris genannt Daisy, wo wir einige häufig dargestellt Wildblumen identifizieren können. Außerdem, einer der Favoriten von William Morris, die Daisy, die dieses Muster benannt wird, können wir auch Primel und Akelbinenblüten sehen. In diesem Muster namens Woodland Weeds von John Henry Dearle können wir Maisblumen sehen, Vergissmeinnicht und Königslilie. Hier ist eine andere von Dearle entworfen namens Thistle, und das erfordert keine zusätzliche Erklärung. In diesem Muster, Blackthorn auch von Dearle, er hat neben den offensichtlichen Schwarzdornen, auch Königslilie wieder enthalten, Anemonen, Vergissmeinnicht und Gänseblümchen. Dann haben wir ein Unterthema, das Laub von verschiedenen Bäumen oder Büschen darstellt. In diesem Oak, von Dearle, ist es so einfach und doch extrem anspruchsvoll. In diesem Muster von William Morris hat er für sein Thema einen Granatapfelbaum verwendet. Hier haben wir einen weiteren Klassiker von ihm, der jetzt sehr trendy ist für alle Arten von Produkten von Tapeten, Taschen, Weidenbogen. Dann haben wir das Unterthema, das von den englischen Gärten inspiriert ist. Hier haben wir Rankgitter und Erdbeerdieb von William Morris, die großartige Beispiele sind. Dann gibt es dieses Muster von John Henry Dearle namens Garden, gefüllt mit Tulpen, Lilien und anderen gemeinsamen Gartenblumen. In diesem hier finden wir Hyazinthe, mehr Tulpen, und etwas, das ich vermute, Pfingstrosen und vielleicht Weihnachtsbros zu sein . Ein weiteres Thema, das vielleicht etwas weit hergeholt ist, sind Flüsse, aber nicht als Darstellung von Flüssen wörtlich, sondern mit dem Eindruck, wie die Flüsse in der Serpentin fließen. In diesen Mustern von William Morris, die eigentlich auch nach englischen Flüssen benannt sind. Letzte Kunst und Handwerk Thema Ich möchte mit Ihnen teilen ist etwas, das Inspiration von mittelalterlichen Wandteppichen gezogen hat. Das sind Muster mit einer vergrößerten Perspektive, die ganze Bäume oder Landschaften und Szenen wie diese Muster von Charles Voysey darstellen . Als nächstes werfen wir einen Blick auf Komposition und wie Kunst- und Handwerksmuster strukturiert werden können. 9. Eigenschaften: Komposition: In dieser Lektion werden wir uns die verschiedenen Arten der Zusammensetzung von Kunst- und Handwerksmustern ansehen . Die erste Art von Komposition, die Sie finden werden ist etwas, das wir eine einfache Komposition nennen könnten. Es ist flach und hat eine Schicht mit nur einer oder vielleicht ein paar verschiedenen Pflanzen oder Motivelementen mit mehr oder weniger Platz dazwischen und ohne Hintergrund- oder Füllmotive. Dann haben wir eine Art von Komposition, die ich als all over bezeichne, die auch flach mit einer Schicht ist, aber jetzt mit einer Mischung von Motiven sowohl mit größeren Blüten als auch Blättern in Kombination mit kleineren. Dann haben wir etwas, das wir eine Füllstoffkomposition nennen können, die noch flach ist, aber zwei sichtbare Schichten mit größeren Hauptmotiven im Vordergrund und kleine Füllstoffe dazwischen, die aus kleinen Zweigen oder nur Markierungen und Punkten bestehen . Letzte Komposition ist etwas dynamischer und nicht so flach. Es hat mehr Tiefe für die beiden Schichten, aber mit einer viel komplexeren Hintergrundebene und Motive, die miteinander verflochten sind. In der nächsten Lektion werden wir uns einige Musterbeispiele ansehen und wie sie wiederholt wurden. 10. Eigenschaften: Wiederholungen: Als ich anfing, Kunst- und Handwerksmuster zu studieren, dachte ich, dass die meisten von ihnen als eine halbe Tropfenwiederholung erstellt werden würden , nur weil sie die Ränder der Wiederholung besser verbergen als zum Beispiel eine gerade oder diagonale Wiederholung. Aber ich habe mich geirrt. Eigentlich scheint die häufigste Wiederholung in Kunst- und Handwerksmustern die gerade Wiederholung zu sein, bei der das Muster gerade, horizontal und vertikal so wiederholt wird . Hier sind einige Beispiele für Kunst- und Handwerksmuster mit einer geraden Wiederholung. Auch diese Muster mit reflektierten und doppelten Motiven sind in einer geraden Wiederholung angeordnet. Es gibt Muster mit einer halben Tropfenwiederholung als auch getan und dies ist wenn das Muster nach oben und unten perfekt vertikal ausgerichtet wiederholt wird. Dann zu den Seiten, aber mit einem halben Abstand nach unten wie folgt. Hier sind einige Musterbeispiele mit einer halben Tropfenwiederholung. Variation eines halben Tropfens, ist eine sogenannte Ziegel-Wiederholung. Hier wird das Muster direkt zu den Seiten wiederholt , perfekt horizontal ausgerichtet. Aber dann, wenn es nach unten oder oben wiederholt wird, ist es auch mit einem halben Abstand zu den Seiten. Ziegel-Wiederholungen sind selten unter Kunst- und Handwerksmustern, aber ich habe es geschafft, eines zu finden. Das ist COMPTON von John Henry Dearle. Als nächstes werden wir einen Blick auf die typischen Layouts von Kunst- und Handwerksmustern werfen. 11. Eigenschaften: Layout: Es gibt einige wiederkehrende Strukturen, die wir in Kunst- und Handwerksmustern sehen können. Das ist, was wir in dieser Lektion betrachten wie die Muster verlegt werden können. Zuerst haben wir Muster, bei denen die Motive realistischere Art und Weise angeordnet sind. In der Art und Weise, wie Pflanzen mit Ästen und Laub, Blumen und Früchten in einem hinteren Layout wachsen. Dann haben wir eine Version davon, aber mehr stilisiert mit den Motiven entlang einer Serpentinenstruktur und Layout angeordnet. Es kann in einer vertikalen oder diagonalen Richtung sein. Das dritte Layout hat eine Struktur von kreisförmigen und gekrümmten Linien mit Zweigen und Blättern, die gescrollt werden. Ein weiteres Layout ist mit einer doppelten Struktur mit Motiven, die entlang einer vertikalen Linie reflektiert werden. Dieses doppelte oder reflektierte Layout kann auch mit den vorherigen Layouts, den nachgestellten, Serpentinen und gescrollten Layouts kombiniert werden. Das letzte Layout ist in einer geometrischeren Struktur organisiert, wobei die Hauptmotive auf separatere Weise in einem Gitter oder diagonal angeordnet sind. Ein weiteres Merkmal ist hier zu erwähnen , dass alle Kunst- und Handwerksmuster richtungsweisend sind. Sie sind aus einer bestimmten Richtung zu betrachten, weil sie naturalistische Motive wachsender Pflanzen darstellen und auch Tiere darstellen, die auf dem Boden sitzen oder auf den Ästen thront. Nun, wenn wir uns all diese verschiedenen Kompositionen, Wiederholungen und Layouts in Kunst- und Handwerksmustern ansehen. Wir können sie in verschiedene Kategorien sammeln. Werfen wir einen kurzen Blick auf diese Kategorien in der nächsten Lektion. 12. Meine Arts-and-Crafts-Musterkategorien: Wie Sie jetzt gesehen haben, gibt es so viele verschiedene Arten von Kunst und Handwerk Muster, die wir mit vielen Variablen zu berücksichtigen, wie Themen und Anzahl der Motive und wie sie stilisiert sind, dann gibt es verschiedene Layouts und Kompositionen mit einer oder zwei Schichten, dann können sie in einer geraden oder einer halben Tropfenwiederholung, sogar eine Pause durchgeführt werden. Um in all dem etwas Ordnung zu haben und lernen zu können wie man Kunst- und Handwerksmuster in einer überschaubaren Weise erstellt, habe ich eine Reihe von Kategorien aus diesen Variablen erstellt. Die erste Kategorie wird Trailing genannt. Es basiert auf der Layout-Version von hinteren Zweigen und Laub mit Blumen und Früchten und Tieren, diese Kategorie hat in der Regel eine Schicht mit dem Laub von einer oder vielleicht zwei Pflanzen von Bäumen und Büschen, aber auch andere nachfolgende Gartenpflanzen. Es wird mit einer geraden Wiederholung erstellt, aber es kann auch eine zweite Hintergrundschicht aus kleinen und einfachen Füllstoffen haben, wenn wir wollen. Dies ist die Kategorie, die Sie lernen, in dieser ersten Episode meiner Kunst- und Handwerksserie zu erstellen . Die zweite Kategorie wird Serpentin genannt, basierend auf dem Serpentin Layout und Muster, es hat eine vordere Schicht mit einer Mischung, eine große und oft sehr stilisierte Gartenpflanzen und Blumen. Die Hintergrundebene hat kleinere, dünnere Motive, und dieses werden wir mit einer halben Tropfenwiederholung tun. Die dritte Kategorie wird gescrollt genannt. Diese hat auch zwei Schichten, die Vordergrundschicht hat ein Layout und Struktur von gescrollten Zweigen und Blättern von Bäumen und Büschen und sowohl wilden als auch Gartenpflanzen, es ist ziemlich breit und welche Art von Motiven wir hier hinzufügen können. Im Hintergrund gibt es eine Schicht von aufwändigeren und detaillierteren Laub von Blättern, einige kleine Blumen, die Kategorie gescrollt, werden wir einen halben Tropfen oder gerade wiederholen. Die vierte Kategorie, die ich paarweise nenne, und was diese Kategorie charakterisiert, ist, dass die Motive entlang einer vertikalen Mittellinie und mit gepaarten Motiven auf beiden Seiten reflektiert werden , und alles in einer geraden Wiederholung natürlich gemacht. In dieser Kategorie werden wir eine All-Over-Zusammensetzung mit nur einer flachen Schicht von Wild- und Gartenpflanzen herstellen. Mein Gedanke hinter diesen spezifischen Kategorien ist, dass Sie in jedem Kurs etwas Neues üben werden, und wenn Sie alle vier Kurse besucht haben, haben Sie eine Reihe von Fähigkeiten, so dass Sie diese Variablen in der Art und Weise verwenden und mischen können Sie wollen und in der Lage sein, eine breite Spektren von verschiedenen Kunst- und Handwerksmustern zu erstellen. Als nächstes werden wir uns einige typische Motive in der Kategorie Trailing Patterns ansehen. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 13. Eigenschaften: Motive: In dieser Lektion werden wir die typischen Motive untersuchen, die in nachgestellten Kunst- und Handwerksmustern verwendet werden. Erstens haben wir das Rückgrat oder die grundlegende Struktur der nachgestellten Muster, die natürlich die Zweige sind. Sie sind das Skelett und der Rahmen, auf dem alle anderen Motive angebracht sind. In einem nachgestellten Muster können Sie ein oder zwei, manchmal sogar drei verschiedene Arten von Pflanzen verwenden , aber mit einer dominanten Pflanze, deren Zweige die Hauptstruktur bilden. Einige nachfolgende Muster haben zwei Ebenen, eine vordere und eine Hintergrundebene. Die vordere Schicht hat größere und deutlichere und dominante Motivelemente, einschließlich der Zweige, und die Hintergrundebene hat oft Zweige, die kleiner, vereinfachter sind und als Füllstoffe verwendet werden. Aber ich werde später in dieser Lektion auf diese Füllstoffe im Detail zurückkommen. In diesem Muster namens Jasmine von William Morris gibt es zwei verschiedene Pflanzen. Der Jasmin mit grünen dünnen Zweigen, und eine sekundäre nicht identifizierte Pflanze, aber das hat dornigen Details. Sehen Sie, wie die Zweige auf einfache Weise ausgeführt werden, ohne Konturen oder andere Details für die Schattierung oder Textur. Aber sie sind vielfältig in der Art, wie sie sich drehen und wie sie gegabelt und in kleinere Äste aufgeteilt werden , und an einigen Stellen kreuzen sich die Zweige und verflechten sich. Obwohl es nicht viele Details gibt, haben sie es immer noch geschafft, Variationen zu erstellen. Dasselbe gilt hier in Sweet Briar von John Henry Dearle. Hier ist ein weiteres Beispiel. Keine Konturen oder Details in den Zweigen, aber sie sind variiert mit einigen kleinen Zweigen hier und da, und mit Zweigen in zwei verschiedenen Farben. In Oak Tree by Dearle sind auch die Zweige sehr vereinfacht. Keine Schattierung oder Textur, aber mit vielen Seitenzweigen und Zweigen. Hier haben wir ein weiteres Beispiel für die Darstellung von Zweigen. Dies ist ein Muster, das Laub genannt wird, auch von John Henry Dearle. Es ist auch sehr vereinfacht gemacht, aber mit dunkleren Konturen, siehe? In diesem Muster namens Bramble von Kate Faulkner haben die Brombeerzweige keine Konturen, sondern Linien, die der Länge der Zweige folgen und wurden hinzugefügt, um Textur zu erzeugen. Dann gibt es Dornen in einem dunkleren grünen Farbton. In Bird and Granatapfel hat Morris einige leichtere Details hinzugefügt, um einen Eindruck von Highlights zu erzeugen. Die Zweige haben auch einige Details mit kleineren Zweigen hier und da. In diesem Muster, Tom Tit von Dearle, haben die Rosenbuschzweige sowohl Konturen einige Schattierungen mit Linien, die der Länge der Äste folgen, und auch einige kleinere Markierungen um die Dornen. In Honeysuckle von May Morris haben die Zweige mehr Details, sowohl mit Konturen als auch wie sie in kleinere Abschnitte unterteilt sind . Hier in der Frucht dreht sich alles um Konturen und Details mit Schraffurlinien entlang einer Seite der Zweige, die Schattierung und Textur zugleich erzeugt. Wir können schließen, dass die Zweige von Bäumen und Büschen sehr vereinfacht werden. Die Details sind meist in der Art und Weise, wie sie sich in Seitenzweige und Zweige teilen, und wie sie sich in einen schönen fließenden Eindruck biegen und zusammenrollen. Ihre Hauptaufgabe besteht hier nicht darin, sehr dekorativ zu sein, sondern die Struktur und das Fundament der Muster zu sein. Werfen wir nun einen Blick auf einige typische Blätter. Die Blätter zusammen mit den Zweigen bilden das wichtige und dekorative Laub, das für nachfolgende Kunst- und Handwerksmuster charakteristisch ist . Wenn das Muster mit einer Pflanze gemacht wird, gibt es offensichtlich nur eine Art von Blättern, aber um Variation zu schaffen, gibt es auf verschiedene Arten dargestellt. Die Kunst- und Handwerksdesigner waren sehr begeistert und Experten bei der Herstellung der Blätter aus verschiedenen Winkeln und mit dekorativen Umsätzen und Drehungen. Wenn das Muster mit zwei oder mehr Pflanzen hergestellt wird, sind die Blätter in der Regel unterschiedlich in Form und Größe, und dies ist eine gute Möglichkeit, Variation zu schaffen Formen und Formen zu verwenden, die sich gegenseitig ergänzen. Dies ist ein wichtiges Prinzip, um Fluss und Harmonie im Muster zu schaffen. Sie werden dies viel in Kunst und Handwerk Muster sehen, und wenn Sie Pflanzen für Ihre Muster wählen, ist dies ein gutes Prinzip auch anzuwenden. Nun sind diese Muster hier nicht in der nachgestellten Kategorie, sondern in den Kategorien Serpentin und gescrollt. Aber sie sind so großartige Beispiele für die Verwendung von Gratispflanzen und Blättern, also wollte ich sie auch hier zeigen. Die Darstellung von Kunst- und Handwerksblättern ist natürlich auch mehr oder weniger vereinfacht und stilisiert. Einige allgemeine Formen sind länglich und schmal, mit oder ohne einfache Nerven und Texturlinien, und sie sind gegabelt oder gelappte Blätter, sehr einfach ausgeführt oder mit etwas mehr Flair. Es gibt natürlich kürzere, abgerundete Blätter mit geraden oder stacheligen Rändern je nach Pflanze. Die nächste typische Motivkategorie sind große Blumen, oder wir nennen sie die Halo-Blumen. Hier haben wir die großen und üppigen Blumen mit vielen Blütenblättern, wie Tulpen, und hier würde Mohn. Dann haben wir eine Mischung aus anderen Arten von Blumen wie Rosen und Ringelblume, Chrysantheme und Pfingstrosen. Dann haben wir einige Beispiele von Heiligenblüten mit sehr spezifischen Aussehen, wie Geißblatt und Iris, und Lilien. Dass große Blüten oft mit kleineren oder nennen wir es mittelgroße Blüten variiert. Sie können mit einigen Details oder sehr vereinfacht sein. Ein offensichtlicher Favorit unter Kunst- und Handwerksdesignern dieser Kategorie ist Rosen. Dann haben wir natürlich die kleinen Blüten, sehr wichtige Motivelemente. Als kostenlose Blumen, um Kontrast und Variation zu den großen Heiligenblüten zu schaffen. Für diese kleinen Blumenmotive wurden alle Arten von Garten- oder Wildblumen verwendet, wie Gänseblümchen Vergissmeinnicht, Hyazinthe Narzissen, alle Arten von Glockenblumen, Primel und Pickel. Die nachfolgende Kategorie Muster zeigen oft Pflanzen, die Früchte und Beeren tragen. Einige Lieblings-Fruchtmotive sind Trauben, und hier sehen Sie Orangen und Zitronen und Pfirsiche, und ein besonderer Favorit schien Granatäpfel zu sein. Hier haben wir ein Beispiel von Brombeeren, in diesem Muster genannt Bramble von Kate Faulkner. William Morris Lieblingsthema und Motive waren Vögel im Laub, und Vögel sind in vielen Mustern der nachgestellten Kategorie enthalten. Sie gibt es in verschiedenen Formen und Größen, aber häufiger sehen Sie kleinere Vögel, die Sie in Ihrem Garten finden, wie Spatz, Meise und Soor. Es gibt natürlich mehr majestätische Vögel wie Kakadus und Pfauen. Obwohl sie in Serpentinenmustern häufiger vorkommen, weisen einige Beispiele von nachgestellten Mustern eine Hintergrundschicht mit kleineren Blättern und Stängeln auf, die normalerweise nicht mehr als Zweige und Linien oder Silhouetten sind. Ihre Aufgabe ist es, Füllstoffe in den Zwischenräumen zwischen den Halo-Motiven der Frontschicht zu sein und einen gleichmäßigen Eindruck zu erzeugen, und einen gleichmäßigen Eindruck zu erzeugen der die Frontmotive ergänzt, ohne die Aufmerksamkeit zu stehlen. Einige Füllstoffe sind nur Markierungen oder sogar Punkte, sehr einfach, aber so dekorativ. Die typischen Kunst- und Handwerksmotive sind mehr oder weniger stilisiert. In der nächsten Lektion erhalten Sie eine Zeichenübungen, um dies zu üben. 14. Zeichnungsübung: Einfache Blätter: In dieser ersten Zeichenübung üben wir, wie man einige grundlegende und stilisierte Blätter mit Variationen zeichnet. Beim Zeichnen einer stilisierten Version einer Pflanze und ihrer verschiedenen Elemente auf künstlerische und handwerkliche Weise, zum Beispiel ein Blatt, das Prinzip darin, das Aussehen des Blattes im wirklichen Leben zu verfeinern und es in eine Version zu verwandeln, die sehen mehr aus wie die echte Sache, aber erinnert daran. Dies kann getan werden, indem einige Details vereinfacht und andere übertrieben werden. Das einfachste, grundlegendste und universellste Blatt ist dieses. Es kann ein Blatt aus vielen verschiedenen Pflanzen wie Apfelbaumblättern oder Zitrusfrüchten und Lorbeer zum Beispiel sein. Es hat diese mehr oder weniger Tropfenform, eine spitze Spitze und Basis, oder die Basis kann abgerundet werden. Dieses Blatt kann auf so viele Arten variiert werden. Wir können es ausstrecken und es länglicher in engen, wie das Blatt der Weide oder auf einem Ebereschenblatt machen. Andere Möglichkeiten, wie wir Variationen erstellen können, ist mit den Kanten. Sie können sie glatt und gerade mit glatten Kanten machen, oder Sie können sie ein wenig unregelmäßig und wellig oder stachelig machen. Wir können auch die Blätter mit den Venen und den Nerven variieren. Diese können in so vielerlei Hinsicht auch mit mehr Seitennerven oder nur wenigen oder nur auf der einen Seite variiert werden. Wir können sie auch aus verschiedenen Winkeln zeichnen, wie von oben gerade gesehen, oder von der Seite ein wenig. Wir können sie auch umgedreht oder verdreht machen , wo Sie die Rückseite des Blattes ein wenig sehen können. Das ist ein sehr typisches Merkmal in Kunst und Handwerk Blätter. Lassen Sie mich Ihnen nun einige Beispiele zeigen, wie Sie diese Blätter mit Umsätzen, Drehungen und Nerven usw. variieren können. Zeichnen eines Grundblatts ist für den Anfang wirklich einfach, besonders wenn es gerade von oben gesehen wird. Aber egal wie einfach es ist, ich benutze immer Richtungslinien, um das Blatt zu platzieren. Die einfachste Version eines Basisblattes hier ist nur, hier ist die Mitte davon, es sind meine Richtungslinien, es zeigt mir, wo ich das Blatt einmal auf das Papier legen möchte, aber es gibt mir auch die Richtung des Blatt, wie buchstäblich, wie ich will, dass es kippen. Hier zeichne ich ein gerades Blatt, also ist es nicht gekrümmt oder so. Wenn man gerade von oben sieht, sieht man beide Seiten der Blätter gleichermaßen. Aber wenn Sie ein Blatt von der Seite sehen wollen, wie aus einem Winkel ein wenig, werde ich meine Richtungslinie zeichnen, dann sehen Sie den Teil, der weiter weg ist, es scheint dünner zu sein und dann können Sie zeichnen Sie den Teil, der näher an Ihnen ist, ein bisschen dicker. Dies wird den Eindruck erwecken, dass das Blatt gekippt ist oder eine Szene von der Seite ein wenig. Aber mein Tipp hier ist, immer mit den Richtungslinien zu arbeiten. Dies ist wirklich nützlich, wenn Sie beginnen, komplexere oder abwechslungsreiche Blätter zu zeichnen. Zum Beispiel, wenn ich ein gekrümmtes Blatt machen möchte. Ich zeichne es so, als wäre dies vielleicht ein bisschen eine S-Kurve, und dann gebe ich ihm einen Körper, meinen Umriss, und dann ist es einfach einfacher, der Richtung zu folgen , wenn man diese Richtungslinie hat. Jetzt kann ich wirklich spüren, dass es kurvenreich und jetzt folgen die Umrisse dem und verstärken diesen Eindruck auch. Wenn ich eine steilere Kurve machen möchte, wird es so viel einfacher, wenn ich die Richtung habe, aus der ich ziehen kann. Neben ihnen einen Winkel oder eine Kurve zu geben, können Sie andere Variationen zu einem Basisblatt hinzufügen, zum Beispiel zeichne ich ein anderes Blatt wie dieses, und in all diesen Blättern kann man nur eine Seite des Blattes sehen, wie die obere Teil des Blattes. Aber vielleicht möchten Sie einige Details erstellen, wo Sie einen Blick auf die Unterseite des Blattes holen können , so dass Sie dann eine kleine Umdrehung hinzufügen können wo der Rand des Blattes ein wenig nach oben gefaltet ist. Ich kann es natürlich so lassen, aber ich denke, dass es mit diesem bulligen Teil hier keinen Sinn ergibt. Was ich gerne mache, ist, das etwas gerader zu machen, denn hier ist das Blatt gefaltet. Dadurch sieht es ein bisschen realer aus. Dies ist eine Umdrehung auf der Seite des Blattes, aber Sie können es auch auf der Oberseite des Blattes machen. Wieder zeichne ich einige Umrisse, und dann, anstatt es in der Mitte des, oder an der Seite des Blattes so zu machen , begann ich stattdessen hier drüben. Nun sieht es so aus, als wäre die Oberseite des Blattes umgedreht. Sie können auch Ihre Richtungslinie verwenden, um Lager für Ihre Umdrehung zu nehmen. Wenn Sie zum Beispiel ein Blatt erstellen möchten, wo oben gekrümmt oder auf Sie gedreht ist, können Sie die Richtungslinien machen, damit beginnen und dann zeigt es Ihnen, wie sich das Blatt zu Ihnen bewegt. In diesem Beispiel müssen Sie hier oben einen flachen Raum erstellen, wo die Falte auf dem Blatt zu sein scheint, und dann können Sie hier eine Seite hinzufügen, und dann auch die rechte Seite hier, und dann, mal sehen, fügen wir diese Eins. Diese rechte Seite des Blattes hier, dies ist die rechte Seite der Oberseite des Blattes und es muss mit der rechten Seite des Bodens des Blattes als auch verbunden werden. Nun ist es leicht zu sehen, wie man sich mit der anderen Seite des Blattes trifft. Hinter diesem Umsatz, dieser Seite hier, ist dies die linke Seite des Blattes, es wird auch mit der linken Seite der Oberseite des Blattes verbunden. Du könntest das ändern. Nun, es scheint, als ob die Oberseite auf Sie zu falten, aber Sie könnten das wirklich einfach ändern und es aussehen lassen, als wäre es von Ihnen weggedreht , indem Sie einfach diese Linie definieren und diese löschen. Nun, es sieht so aus, als ob es sich um die andere Richtung dreht. Ein weiteres lustiges Detail, das Sie Ihren Blättern hinzufügen können, ist eine Wendung zu machen. Dies kann ein bisschen knifflig sein, also braucht es definitiv etwas zu üben. Beginnen Sie mit einem gebogenen Blatt wie diesem, und dann beginnen Sie mit einer Seite des Umrisses, einer Seite des Blattes und skizzieren Sie es so, und dann kreuzt es auf die andere Seite und trifft sich an der Spitze dieses Blattes. Dann gehst du hinauf zur anderen Seite und es überquert auch, aber anstatt einfach zu überqueren, kannst du einfach dort bleiben und dann weiter auf der anderen Seite. Dann können Sie diesen Teil auch ein wenig glätten. Nun, es sieht so aus, als ob dies die Unterseite des Blattes zeigt, und hier ist die obere Seite des Blattes zeigt. Jetzt kannst du das Gegenteil tun, so dass dieser Teil die Oberseite sein wird, dann würde ich stattdessen mit dieser Seite beginnen, überqueren und dort oben treffen. Dann machst du die andere Seite und du hörst auf und es geht weiter auf der anderen Seite, und dann kommt es da rüber. Dann können Sie die Linien ein wenig glätten, wenn Sie müssen. Nun ist dies der obere Teil und hier ist die Unterseite des Blattes zeigt. Sie können eine doppelte Drehung oder so viele Drehungen machen, wie Sie wollen, dann müssen Sie vielleicht ein wenig längeres Blatt erstellen, um es einfacher zu machen. Dann überqueren Sie stattdessen zweimal die Mittellinie. Ich zeichne zuerst eine Seite des Blattes und es überquert sich, da ist die erste Drehung, und dann überquert es wieder, die zweite Drehung, und es trifft sich mit der Spitze, der Oberseite des Blattes. Dann komme ich rein und mache die andere Seite des Blattes, und da kommt es zurück, und dann geht es dort weiter und es hört auf und dann geht es weiter auf der anderen Seite weiter. Jetzt scheint es zweimal verdreht zu sein, also hier ist der obere Teil des Blattes, und hier ist es die Unterseite, und hier ist wieder die Oberseite. Dies sind die grundlegenden Umrisse des Blattes und jetzt können Sie gehen und einige Details und Variationen in den Rändern der Blätter hinzufügen . Vielleicht möchten Sie stattdessen wie eine gewellte Kante oder ein wenig regelmäßig haben, und vielleicht wollen Sie nicht diese ganze Linie haben, die eitel durch das Blatt so, aber nur ein wenig, und Sie gehen hinein und fügen Sie diese Details hinzu, die fügen Sie das Zeichen zu jedem Blatt hinzu. Oder vielleicht willst du wie eine stachelige Kante haben, denn vielleicht ist es ein Rosenblatt oder so, und dann nur einige Seitenvenen auf einer Seite. Dann können Sie auch einfach etwas Textur hinzufügen. Sie müssen keine Mittelvene oder Nerven wie diese haben, Sie können einfach ein wenig texturale Linien hinzufügen. Es gibt viele Möglichkeiten, wie Sie den Blättern Charakter hinzufügen können. Als deine Übung möchte ich, dass du einen solchen Zweig mit einigen Gabeln und kleineren Zweigen aufstellst und ihn dann mit Blättern in verschiedenen Formen und Komplexität mit Winkeln und Kanten, Drehungen und Umsätzen verkleidest . Dann können Sie sie mit verschiedenen Kanten und Venen variieren. Wenn Sie Hilfe benötigen, um loszulegen, habe ich diese Zweigstruktur erstellt, die Sie auch in der Arbeitsmappe finden können. Sie können es als Inspiration verwenden, um daraus zu zeichnen oder auszudrucken und direkt darüber zu zeichnen oder zu verfolgen. In der Arbeitsmappe finden Sie auch einige Blatt-Illustrationen für Inspiration und Hinweise auf die Variationen, mit denen Sie spielen können. Aber ich möchte Sie ermutigen, Ihre eigenen Formen und Details sowie Kanten und Adern zu finden. In der nächsten Zeichenübung werden wir etwas zeichnen, das Sie oft in Kunst- und Handwerksmustern sehen. Blätter, die auf verschiedene Arten Lappen haben. 15. Zeichnungsübung: Gelappte Blätter: In dieser Zeichnungsübung werden wir üben, wie man ein bisschen abwechslungsreichere Blattformen zeichnet, die verzweigt sind als gegabelt mit Lappen und Tabs wie diesem. Diese Art von Blättern sind sehr häufig in Kunst- und Handwerksmustern, und wird sehr nützlich sein, wenn Sie Ihre eigenen Kunst- und Handwerksmuster erstellen. Sie können diese Art von Blatt verwenden, um Blätter aus mehreren verschiedenen Plänen darzustellen, sowohl für die Helden Pflanzen, aber auch für kleinere sekundäre Pflanzen, oder sogar Pflanzen im Hintergrund. Zum Beispiel eine Vielzahl von Wildblumen wie Disteln und Anemonen. Ein sehr einfaches gelapptes Blatt ist dieses mit drei Tabs, wie ein stilisiertes Weinblatt vielleicht. Dann können Sie auf dieser einen ausarbeiten und weitere Registerkarten hinzufügen, die ein wenig variiert werden können. Sie können sie breit oder schmal machen. Dann können wir Blätter machen, die fast wie Zweige sind; länger und ausgestreckt. Zu diesen können wir Adern und auch Textur hinzufügen. Unabhängig von der Komplexität beginne ich immer mit der Planung der Gesamtstruktur eines Blattes mit Führungslinien oder den Richtungslinien, genau wie in der vorherigen Lektion mit den Grundblättern. Aber mit gegabelten oder gelappten Blättern verwende ich auch Führungslinien, wo ich die Tabs will. Lassen Sie uns zuerst ein wirklich einfaches, das grundlegende Gabelblatt machen. Hier ist meine erste Führungslinie, und dann füge ich eine weitere Führungslinie hinzu, wo ich möchte, dass die Lappen sein, und füge dann die Umrisse hinzu. Es ist das gleiche Prinzip die ganze Zeit. Diese Leitlinien können hier ebenso gut die Nerven oder die Venen des Blattes sein. Mit ihnen kann ich von Anfang an entscheiden, wie sich das Blatt kurven wird, und die Richtung davon. Ich kann mehr Details und mehr Lappen machen. Verwendung von Richtungslinien wie dieser macht es einfach so viel einfacher zu wissen, wo die Umrisse und die Gesamtform des Blattes zu zeichnen sind. Wenn Sie anfangen, die Umrisse zu entwerfen, andere Blätter wie diese, folgen Sie dieser Führungslinie, und kleiden Sie es einfach, und geben Sie ihm Körper. Es ist fast so, als wäre die Richtungslinie das Skelett. Ich gebe ihm Fleisch, oder zumindest einen Körper, macht es wirklich einfacher, ihm seine Form zu geben. Jetzt können Sie wählen, ob Sie ein breites Blatt wie dieses haben möchten, oder Sie können es schmaler machen. Machen Sie einfach die Umrisse näher an die Führungslinien. Sobald ich diese Grundstruktur eingerichtet habe, kann ich mehr Details und mehr Seitenlappen wie diese hinzufügen. Lasst uns einen größeren machen. Mit einer Grundstruktur, das Skelett wie das, fügen Sie die Gesamtform hinzu, dann fügen Sie einige weitere Details hinzu, wenn Sie einige wollen, und Sie können mehr Lappen haben, wenn Sie das Gefühl haben, dass es Platz dafür gibt. Sie können auch Umsätze und Drehungen und andere Variationen erstellen, wie ich Ihnen in den vorherigen Lektionen gezeigt habe. Vielleicht ging ich hier, um einen Umsatz zu haben, das ist einfach zu tun. Vielleicht gibt es hier einen weiteren Umsatz wie diesen. Sie können auch Wendungen machen, aber dann würde ich das ein wenig von Anfang an planen. Sie können Ihre gelappten Blätter so aufbauen, und Sie können ihnen alle Arten von Formen geben. Es muss auch nicht diese Art von Form sein. Sie können ihnen auch noch ein anderes Aussehen geben, so. Dann erstellen Sie andere Arten von Lappen. Wenn Sie eine Anemonenblume aus Holz erstellen, würden Sie eine andere Art von gelappten Blättern erstellen. Aber dann ist es gut, die ursprüngliche Blume zu beobachten und zu sehen, wie das aussieht, und dann die Lappen und die Struktur entsprechend zu schaffen . Wenn Sie eine Form gefunden haben, die Ihnen gefällt, können Sie einige weitere Details hinzufügen. Zum Beispiel können Sie verschiedene Arten von Venen hinzufügen, wie diese hier. Wir könnten nur eine wirklich einfache Vene wie diese geben, oder du könntest es wie eine umrissene Vene mit einer Füllung oder einem Fleck machen, erinnerst du dich? Dann können Sie auch die Führungslinie dafür verwenden. Dies ist eine Vene, die Sie normalerweise mit Akanthusblättern sehen, zum Beispiel. Apropos Akanthusblätter, also sind dies Variationen, wie Sie normalerweise ein Akanthusblatt mit Lappen wie diesem und verschiedenen Tabs zeichnen . Wenn Sie mehr lernen und üben möchten, wie man diese Arten von gelappten Blättern zeichnet, können Sie sich meinen anderen Kurs mit dem Namen Zeichnen der Acanthus ansehen. Dort erhältst du zum Beispiel noch viel mehr Übungen. Dann können Sie auch etwas Textur hinzufügen. Sie können diese kleinen zusätzlichen Markierungen hier auch hinzufügen um hervorzuheben, dass es vielleicht einen erhöhten Teil des Blattes gibt. Diese texturalen Linien können auf viele verschiedene Arten durchgeführt werden, einige nur ein wenig oder viel. Sie können auch einige Erweiterungen zu diesem Nerv zeichnen , der ziemlich typisch für Kunst- und Handwerksmuster ist, wo Sie beginnen, wo der Nerv Zentrum ist, und dann erstellen Sie diese Seitennerven, die aus diesem heraus kommen. Sie können mit verschiedenen Möglichkeiten spielen, um Textur, Details und Variationen hinzuzufügen . Als Ihre Übung möchte ich, dass Sie eine verzweigte Struktur erstellen, wieder so, oder Sie verwenden diejenige, die Sie in der Arbeitsmappe finden, und kleiden es mit verschiedenen Arten von gelappten Blättern, mit Variationen darin, wie dünn oder dick sie sind , mit welligen oder gekrümmten und verdrehten und umgedrehten Details, und vielleicht auch übereinander kreuzen. Im nächsten Video werden wir üben, wie man große Heldenblumen zeichnet. 16. Zeichnungsübung: Große Blumen: In dieser Übung üben wir, wie man diese üppigen Heldenblumen mit vielen Blütenblättern und in ein paar Variationen zeichnet . Die Art der Blume, die ich Ihnen in dieser Übung zeigen werde, kann mit der gleichen Basis und Struktur gezeichnet werden, aber dann variiert, zum Beispiel Szenen direkt von oben wie diese oder von der Seite. Lassen Sie mich Ihnen zunächst zeigen, wie Sie diese Blumenszenen von geradeaus nach oben zeichnen können, ohne einen Winkel oder irgendetwas und das Prinzip ist eigentlich das gleiche, wie Sie sie zeichnen. Sie können die Größe dieses Zentrums ein wenig variieren und Sie können das Aussehen der Blütenblätter variieren, wenn sie schmal oder breit sind, oder stachelige Kanten und so weiter. Versuchen wir zuerst das hier, das könnte wie ein Chrysantheme oder so etwas vielleicht sein. Der erste Schritt, den ich immer mache, ist, die Richtungslinien zu machen, also geht es diesmal darum, die Größe der Blume zu markieren. Dies sind die äußeren Grenzen davon und dann markiere ich das Zentrum, so dass dieses Zentrum ziemlich groß ist und so die Blütenblätter hier sind ziemlich schmal und sie ragen aus der Mitte heraus, aber sie sind ein wenig variiert, so dass Sie erstellen können sie ein wenig gebogen und mit Blick auf verschiedene Richtungen, nur um einige Variation zu schaffen, und hier ist sogar ein wenig Umsatz. Machen Sie einfach diese kleinen Führungslinien und wenn Sie möchten, können Sie sie dann verfeinern und sehen, ob Sie von Anfang an etwas Variation erstellen können und vielleicht möchten Sie eine haben, die ein bisschen so gekrümmt ist. Dann fängt man an, diese kleinen schmalen Blütenblätter auszufleischen, so dass sie in der Mitte oder zu ihnen etwas schmaler sind, sie beginnen am unteren Rand des Blütenblattes und dann werden sie oben etwas breiter. Skizzieren Sie sie einfach grob [unhörbar] zuerst und Sie können sie ein wenig anpassen, vielleicht sind einige von ihnen kürzer, als es länger sein sollte. Wenn Sie mit der Form Ihrer Blütenblätter zufrieden sind, gehen Sie hinein und zeichnen eine zweite Schicht wie diese. Hier haben wir eine zweite Schicht von Blütenblättern und wieder, ich rate, mit einigen Führungslinien zu beginnen, weil es mehr Spaß macht und es ist einfach einfacher, sicherzustellen, dass Sie einige Variationen erstellen und etwas Körper zu diesen Blütenblättern als auch hinzufügen. Immer, wenn Sie so zeichnen, schielen Sie ab und zu Ihre Augen und sehen, wie sich alles anfühlt. Dann, wenn Sie alle Blütenblätter an Ort und Stelle haben, können Sie gehen und fügen Sie einige dieser Staubblätter oder Zentrum Details, spielen Sie herum mit einigen Formen. Dies ist die Chrysantheme mit schmalen Blütenblättern von oben gesehen. Nun, wenn wir das von der Seite zeichnen würden, wie sie ein wenig mit einem Winkel gesehen, beginnen wir mit einer Ellipse hier statt, und dann können wir wieder mit einigen Richtungslinien für diese kleinen Blütenblätter beginnen, einfach machen sie zuerst wirklich einfach und dann hier oben kommen sie so rein und dann kannst du sie mit einigen verschiedenen Richtungen für die Blütenblätter ändern , sobald du dich mit diesem hier niedergelassen hast. Dann können Sie beginnen, ihnen eine gewisse Form zu geben, diese kleinen Blütenblätter. Diese Blume ist ziemlich lustig zu zeichnen, und nachdem Sie diese ein paar Mal gezeichnet haben, werden Sie den Dreh davon bekommen und Sie können anfangen zu experimentieren. Dann können wir eine weitere innere Schicht von Blütenblättern hinzufügen, also hier können wir einfach hineingehen und einige mehr zeichnen. Dann brauchen wir einige äußere Blütenblätter, es sei denn, Sie wollen diese mehr Knospe wie Blume haben, aber lassen Sie uns einige äußere Blütenblätter hinzufügen. Wir werden einfach wieder einige Führungslinien machen und hier können wir ein bisschen Variation machen, vielleicht, hier ist eine, die sich sogar so umdreht und hier kommt eine andere wie diese und nur sehen was Sie mit einigen äußeren Schichten Blütenblätter als Nun, gut. Dann geh rein und gib ihnen auch etwas Leiche, vielleicht kann dieser auch einen Umsatz haben. Sobald Sie anfangen, Umsätze so zu zeichnen, werden Sie es die ganze Zeit tun wollen und lassen Sie uns einige Details in der Mitte hier machen und ich werde dieses ein bisschen anders machen. Ich muss immer neue Wege finden, Dinge zu tun. Dies war die Chrysantheme, dann können Sie Variationen hinzufügen, um andere Arten von Blumen wie eine Pfingstrose vielleicht, oder eine Tulpe, oder eine andere Art von Blume und dann können Sie einfach die Blütenblätter variieren, wie die Blütenblätter aussehen. Lassen Sie mich Ihnen zeigen, wie Sie eine Blume zeichnen können, die ein bisschen breitere Blütenblätter wie diese hat, und Sie sehen hier gibt es noch einige Schichten von Blütenblättern, die sich so umdrehen. Anstatt die Blütenblätter ausspähen zu lassen, gerade so aus, damit Sie das ganze Zentrum sehen können, hier ist es eher eine geschlossene Blume, also lasst uns sehen, wie wir das auch schaffen können. Wieder, beginnen Sie jetzt mit dem ersten Führungskreis wie diesem, also hier werden wir all jene zeichnen, die über unsere Blütenblätter innerhalb dieses und dann werden wir einige äußere Blütenblätter machen, die herausragen, außerhalb des Kreises. Beginnen wir mit dem Zeichnen der ersten Schicht von Blütenblättern und es ist eigentlich diese hier. Sie beginnen mit einem Blütenblatt irgendwo und das ist Ihr Ausgangspunkt, und dann können Sie beginnen, auf diesem Hinzufügen von mehr Blütenblättern aufzubauen. Hier ist die erste Schicht von Blütenblättern und jetzt können wir eine weitere Ebene auf der Innenseite bringen, so dass Sie einige Ebenen hier im Inneren hinzufügen, verschiedene Formen und Größen, und jetzt werden wir eine weitere Ebene außerhalb dieser einen hinzufügen aber wir werden mehr oder weniger innerhalb dieses Kreises bleiben, aber wir werden ein wenig von einem anderen umgedrehten Blütenblatt hinzufügen, das sich in diese erste Schicht überkreuzt, die wir gerade erstellt haben. Lassen Sie uns diese Linien löschen, und einige sind größer, da, jetzt wird es wirklich üppig. Jetzt ist die nächste und die letzte Schicht von Blütenblättern ragt heraus, also werde ich nur dieses wirklich rau machen, nur um Ihnen zu zeigen, wie Sie das hinzufügen. Dann können Sie tatsächlich einige Umsätze auf diese Jungs als auch hinzufügen, nur um etwas Variation zu schaffen, so wie ich es hier getan habe. Hier haben Sie ein wenig Umsatz dort und hier. Wenn Sie diese Zeilen hier ausfüllen, können Sie Ihre Blütenblätter ein wenig verfeinern und dann können Sie auch diese Texturlinien hinzufügen, diese hier, die den Blumen etwas mehr Tiefe und etwas Schatten geben, und dann können Sie mit einige Details in der Mitte. Sie bauen das Blütenblatt durch Blütenblatt von innen und dann ein wenig nach innen auf und erweitern sich dann mit einigen äußeren Blütenblättern. Diese Art von Blume, können Sie auch ein wenig ändern, variieren, indem Sie stachelige oder spitzen Blütenblätter statt. Hier ist eine andere Version des Zeichnens einer Blume von der Seite, die diese ist, so dass diese ziemlich einfach ist, Sie können auch einen ersten Umriss dafür machen, wo Sie die Blume haben wollen, und dann beginnen Sie am unteren Rand mit einem ersten Blütenblatt, und dann bauen Sie darauf, und auch versuchen, einige Variation in den Blütenblättern zu machen, so dass sie in verschiedene Richtungen gehen, vielleicht ein wenig gebogen, so dass Sie nur darauf bauen wie diese. Je näher an der Spitze Sie bekommen, desto schmaler werden die Blütenblätter und dann können Sie auch einige Texturlinien hinzufügen und Sie können hier auch einige Variationen hinzufügen, wie, wenn Sie einige Blütenblätter haben, die unten herausragen, hier sind einige Leitlinien und hier möchte ich etwas haben, das eher ein umgedrehtes ist, ein Blütenblatt mit ein wenig Umsatz und vielleicht den Stiel. Aber das ist direkt von der Seite und das ist aus einem kleinen Winkel auch etwas von der Seite und dann haben wir einige gerade von oben. Nun für Ihre dritte Übung möchte ich, dass Sie mit diesen Blumen experimentieren, also zeichnen Sie ein paar von ihnen gerade nach oben, von oben so und einige mit einem Winkel von der Seite und dann verwenden Sie das grundlegende Struktur, wo Sie mit der Mitte beginnen und dann bauen die Blütenblätter aus, dass und variieren die Blütenblätter mit einigen verschiedenen gekrümmten Blütenblättern, stacheligen Blütenblättern, schmal und kürzer und nur um mit ihm spielen und sehen, was Sie kommen können mit. Als nächstes werden wir einige einfachere und kleinere Blumen zeichnen , die große Kontraste zu diesen großen, üppigen Blumen bilden können. 17. Zeichnungsübung: Kleine Blumen: In dieser Lektion zeichnen wir ein paar kleine Blumen, die als kostenlose Blumen und auch als Hintergrundschicht verwendet werden können . Diese Blumen sind ganz einfach und einfach, aber sehr wichtig, da sie zum Beispiel die kontrastierenden Formen und Motivelemente zu den größeren und komplexeren Heldenblumen ausmachen . Kontrast und Variation ist alles in gutem Design und vor allem in Kunst- und Handwerksmustern. Aber auch wenn diese Blüten einfach erscheinen mögen, können sie auf viele verschiedene Arten variiert werden. Indem wir spezifische Details hinzufügen, können wir sie als vereinfachte Versionen bestimmter Pflanzen wie Vergissmeinnicht und Gänseblümchen, Primel und Pimpernel zum Beispiel erstellen. Diese kleinen Blumen sind wirklich einfach zu zeichnen, immer noch verwende ich Führungslinien, um sie so gut wie möglich zu machen, was sehr wichtig ist, wenn man stilisierte Motive kreiert. Sie sollen überhaupt nicht skizzenhaft aussehen. Sie sind ziemlich symmetrisch, aber immer noch mit einem handgezeichneten Look. Für diese kleinen, winzigen, die vielleicht Vergissmeinnicht sein könnten. Ich beginne immer mit einem Kreis, um über die Größe der Blume zu entscheiden. Dann zeichne ich das kleine Zentrum, das ich auch kenne. Für diese vier Blütenblätter ziehe ich ein Kreuz und fange an, die kleinen Blütenblätter zu formen. Wirklich einfach. Aber der Schlüssel hier, wie ich sagte, um sie symmetrisch, aber nicht perfekt zu machen, müssen sie noch handgezeichnet aussehen, und auch so, dass sie gleichmäßig mehr oder weniger verteilt sind und auch , dass sie die gleiche Länge der Blütenblätter überall haben. Deshalb verwende ich diese Leitlinien.Dann können Sie mehr Blütenblätter zu erstellen. Dieser hatte vier Blütenblätter, aber dann kann ich fünf Blütenblätter machen. Ich gehe gleich darüber hinaus. Lassen Sie uns sicherstellen, dass sie ziemlich gleichmäßig werden. Diese eine Axt, die Sie sehen können, hat diese beiden Seitenblätter sind irgendwie hinter dem anderen versteckt. Das erinnert tatsächlich ein bisschen an ein Violett, denke ich. Dieser ist ein bisschen größer, also mache ich einen größeren Kreis. Wieder nur zu durchqueren jetzt erschaffe ich die äußeren Blütenblätter, die beiden hier zuerst und dann komme ich rein und starte sie von hinter den anderen. Hier ist eine weitere Blume mit fünf Blütenblättern, wo ich die Blütenblätter der größer oder größer, länger. Hier können wir das Gleiche tun. Die äußeren Grenzen zuerst und einige Führungslinien und fügen dann einige dieser zusätzlichen kleinen Blätter hinzu, die so herausragen. Für diesen kann man sehen, dass es genau dort ist, wo ich das Zentrum verändert habe. Anstatt diese kleinen Punkte zu machen, habe ich tatsächlich ein größeres Zentrum geschaffen. Die Blütenblätter können vielleicht etwas kürzer sein. Erstellen Sie diese Kreuz-Mitte. Dann ist hier noch ein lustiger kleiner Kerl, wo Sie ein wirklich großes Zentrum haben. Ich weiß nicht, welche Art von Blume das ist, eine Art Mini-Sonnenblume. Dann erstellen Sie vielleicht diesmal sechs Blütenblätter und ich teile es so und nur wirklich kurze Blütenblätter dieses Mal. Auch eine Möglichkeit, die Blumen zu variieren. Dieser kleine Kerl hier, auch sehr dekorativ. Beginnend mit der Mitte und auch ich markiere, wo die Blütenblätter sein sollen, so dass sie so symmetrisch wie möglich und gleichmäßig verteilt werden. Dann mache ich stattdessen einfach diese kleinen herzförmigen Blütenblätter. Wenn ich diese skizziere, kann ich wählen diese äußeren Umrisse den ganzen Weg in die Mitte gehen oder sie einfach hier anhalten lassen. Dies ist auch eine Möglichkeit, sie zu variieren. Sie können diese kleinen Schattierungsmarkierungen in der Mitte hinzufügen. Dann ist eine Variation für diesen hier, was ich sagen würde, ist eine Gänseblümchenblume. Ich habe die Mitte und dann mache ich nur ein paar Leitlinien für meine Blütenblätter. Formen Sie jedes Blütenblatt, aber machen Sie sie mit dieser Art von Außenkante an der Spitze jedes Blütenblattes. Sie können ein wenig gebogen und gebogen sein jedes Blütenblatt, um etwas Variation zu machen. Dann haben wir diese kleinen Sternchen. Sie sind wirklich sehr vereinfacht. Hier erstelle ich nur dieses Kreuz, erstelle ein Zentrum. Ich könnte auch den Umriss machen, nur um sicherzustellen, dass ich sie ziemlich gleichmäßig habe und fügen Sie einfach diese vier Blütenblätter so hinzu. Dann, wenn ich hineingehe, füllen Sie sie mit einem feinen Liner. Ich kann die Kante verfeinern und dann kann ich auch einige Details auf den Blütenblättern hinzufügen. Dann ist dieser auch so hübsch. Ein bisschen größer, größeres Zentrum, das dieses Gitter Zentrum sehr stilvoll sehr stilisiert hat. Dann können Sie ein paar Blütenblätter wie das hinzufügen. Das ist ein bisschen wie eine Sonnenblume. Charakteristisch hier neben dem quer gekreuzten Zentrum sind diese texturalen Linien hier. Also machen Sie weiter und erstellen Sie ein paar kleine Blumen genau wie diese. Um Ihnen zu helfen und Sie zu führen, machen Sie diese Leitlinien für die Blütenblätter, wo Sie entscheiden können, wie viele Blütenblätter Sie wollen. Sie können vier oder fünf haben, Sie können sogar sechs Blütenblätter haben oder Sie können mehr haben. Sie können einige zusätzliche Details wie diese Blätter hinzufügen oder, Sie können verschiedene Zentren machen. Sie können sie klein oder mittel oder ziemlich groß machen. Sie können sie mit Punkten oder Kreuz machen, oder was können Sie kommen mit, wenn es darum geht, Variation hinzuzufügen und kommen mit einigen neuen dekorativen Details hier. Für diese Übung möchte ich, dass Sie einen weiteren Zweig erstellen oder eine der Zweigstrukturen aus der Arbeitsmappe verwenden und diese kleinen Blumen hier und da hinzufügen. Erkunden und üben Sie, wie Sie Variationen erstellen und verschiedene Details in den Blütenblättern hinzufügen können und wie Sie sie in einem gleichmäßigen Layout in diesen Zweigen verteilen können. Wenn Sie möchten, können Sie auch ein paar kleine Blätter hinzufügen. Wenn Sie üben möchten, mehr Blätter und Blumen Beispiele zu zeichnen, finden Sie einige Bonusübungen am Ende dieses Kurses. Als nächstes werde ich Ihnen den Prozess zeigen, den ich zum Entwerfen dieser Art von Mustern verwende. Treffen wir uns im nächsten Video. 18. Planung deiner Musteridee: Ok. Es ist Zeit, kreativ zu werden. In dieser Lektion planen wir unsere Muster und haben einen schönen und klaren Plan für Ihr Muster. Alle anderen Schritte werden einfacher sein, und auch Sie werden bewusster und fokussierter während des gesamten Entwurfsprozesses sein. Im Abschnitt Projekte und Ressourcen dieser Klasse finden Sie eine Arbeitsmappe, die ich erstellt habe, oder Sie können alle Ideen aufschreiben , die Sie entwickeln und die Entscheidungen, die Sie treffen werden. Laden Sie also das PDF herunter, drucken Sie es aus, wenn Sie möchten, und beginnen Sie mit uns. Lassen Sie uns zunächst entscheiden, für welche Art von Oberfläche oder Produkt Sie entwerfen möchten. Dies entscheidet viele der Variablen , die Sie für die Erstellung Ihres Musters berücksichtigen müssen, wie die Größe und das Format Ihrer Musterwiederholung und schließlich die Druckdatei. wissen, für welche Art von Produkt oder Oberfläche Sie entwerfen werden, erfahren Sie auch, wie viele Farben Sie verwenden können und wie viele Details und auch welche Arten von Motiven, Layouts und Kompositionen besser funktionieren. Ein Beispiel, um dies zu veranschaulichen, ist der Unterschied zwischen dem Entwerfen einer Tapete und dem Entwerfen von Stoffen, die zum Beispiel für Kleidung verwendet werden. Wenn Sie möchten, dass Ihr Muster für ein Hintergrundbild ist, kann es richtungsweisend sein, dass es aus einer bestimmten Richtung betrachtet werden soll. Wenn Sie jedoch für Stoff, für Quilten oder für Mode entwerfen , möchten Sie möglicherweise ein nicht-direktionales Muster haben, das aus jedem Winkel betrachtet werden kann , da dies es nützlicher macht und nicht so viel Verschütten in die Vorhersage. Vielleicht möchten Sie auch etwas darüber nachdenken. Tapeten können größere Motive haben als zum Beispiel stationäre und Verpackungen. Wenn Sie Ihr Muster beispielsweise für die Lizenzierung oder den Kauf zur Verfügung stellen möchten, müssen Sie sicherstellen, dass es für verschiedene Drucktechniken verwendet werden kann , die für Tapeten verwendet werden. Wenn es digital gedruckt wird, gibt es keine Grenzen in der Anzahl der Farben und Sie können Farbverläufe und sehr kleine Details drucken, und Sie müssen die Wiederholungsgröße und das Format nicht so sehr berücksichtigen. Aber wenn es in größeren Mengen gedruckt werden soll, müssen Sie die traditionellen Drucktechniken verwenden, um kosteneffizient zu sein. Techniken wie Oberflächendruck oder Tiefdruck. Dann kann Ihr Muster zusätzlich zur Hintergrundfarbe nur bis zu sechs Farben haben, und die Wiederholungsgröße beträgt 53 mal 53 Zentimeter oder alles, was damit geteilt werden kann. Lassen Sie den Kontext auch etwas nachdenken. Dies war ein integraler Bestandteil für die Kunst- und Handwerksdesigner und ihre Muster und Kunst. Wenn Sie für ein Hintergrundbild entwerfen möchten, welche Regeln wird es geeignet sein? Eine Tapete für eine Küche kann einen anderen Ausdruck benötigen als eine für ein Schlafzimmer oder ein Kinderzimmer. Dies kann sich auf Ihre Auswahl für Design, Motivelemente, Maßstab und Farbschemata auswirken . Denken Sie nur darüber nach, Stoff für Bettwäsche hat einen ganz anderen Kontext als Stoff für einen Mantel. Okay, Zeit, etwas zu unternehmen. Denken Sie also darüber nach, für welche Art von Produkt und Oberfläche Sie entwerfen möchten , und schreiben Sie Ihre Pläne für Ihr Muster in der Arbeitsmappe auf. Wenn Sie eine Absicht für Ihr Muster haben, ist es an der Zeit, mit Brainstorming um Themen zu beginnen. 19. Planung deines Musterthemas: Ein Thema muss überhaupt nicht komplex sein. Es ist nur eine Idee, die Sie leiten kann, wenn Sie entscheiden, welche Art von Motiven Sie in Ihr Muster aufnehmen möchten. Es kann so einfach sein wie Frühling, Ostern, Wald oder Gartenblumen, oder es kann eine kleine Geschichte erzählen. Nehmen Sie Strawberry Thief, von William Morris zum Beispiel. Dieses Muster wurde von den Vögeln in seinem Garten inspiriert, die ständig seine Erdbeeren stehlen. Ein Thema kann auch eine Ode an jemanden sein, den Sie kennen oder sich erinnern möchten, wie ihre Lieblingsblumen oder einen bestimmten Baum. Oder Dinge, die Sie mit einer Situation oder einem bestimmten Speicher verknüpfen. Ein Thema zu haben, hilft Ihnen in den nächsten Schritten des Prozesses. Zum Beispiel, wo man nach Inspiration und Ausgangsmaterialien sucht. Das einzige, was man vorsichtig sein sollte, wenn es um Themen geht, sind saisonale Themen. Wenn Sie für ein Hintergrundbild oder etwas anderes entwerfen, das Sie nicht häufig ändern, möchten Sie möglicherweise kein Halloween- oder Weihnachtsthema haben. Es ist Zeit, wieder etwas zu unternehmen. Also, nehmen Sie sich jetzt ein paar Minuten oder was Sie brauchen, und brainstormieren Sie einige Themen für Ihr Muster. Versuchen Sie, mindestens fünf Themen zu finden und notieren Sie sie in der Arbeitsmappe. Jetzt ist es an der Zeit, einige Ideen für die Motive zu brainstormen , die in jedem dieser Themen enthalten sind. 20. Planung deines Mustermotivs: In dieser Lektion werden wir ein Brainstorming um einige Objekte und Elemente wie in verschiedenen Pflanzen, Bäumen und Blumen, und vielleicht Tieren, die die Mustermotive bilden, und erstellen und unterstützen die Themen, die Sie kommen Sie mit. Tipp hier ist, nicht an den offensichtlichen Motiv-Ideen zu stoppen, die sofort auftauchen. Denken Sie mehr darüber nach, denn es ist nicht immer die erste Idee, die die beste sein wird. Eigentlich sind die ersten Ideen oft die Klischees. Wenn Sie ein wenig tiefer graben, finden Sie etwas Romanisches und vielleicht sogar noch besser. Manchmal müssen wir unsere Lieblinge töten und aus unseren aktuellen Referenzen heraustreten und erweitern, um ein Meisterwerk zu schaffen. Wenn Sie einige Motiv-Ideen für jedes Thema notiert haben, wette ich, dass es eine geben wird, die zu Ihnen spricht mehr als die anderen, so Kreis, dass Liebling, die eine, die Sie entscheiden, und speichern Sie die anderen für später Muster, vielleicht. Als nächstes werden wir die Musterkomposition planen. 21. Planung deiner Musterkomposition: In dieser Lektion werden wir planen, welche Art von Komposition unsere Muster haben werden. Aber zuerst entscheiden, welche Art von Kunst und Handwerk Muster Kategorie Sie werden erstellen. Trailing, Serpentin, gescrollt oder gepaart. Aber für diesen ersten Teil des Kurses werden wir uns auf die nachfolgende Kategorie konzentrieren. Wenn es um Ihre Musterkomposition geht, wollen Sie ein dichtes Muster mit wenig Platz zwischen den Motiven und vielleicht mit Füllstoffen haben. Oder möchten Sie eine Ersatzteilzusammensetzung haben? Möchten Sie eine oder zwei Ebenen haben? Sie wollen nur eine oder zwei Arten von Pflanzen oder vielleicht viele haben, oder werfen ein Tier, zum Beispiel, einen Vogel hier und da? Nachdem Sie sich für Ihre Musterkomposition entschieden haben, werfen Sie einen zweiten Blick auf Ihre Motive. Werden sie für die Komposition arbeiten, die Sie wollen? Gibt es genug Motivelemente oder braucht man etwas mehr oder weniger? Ein Tipp hier ist, mindestens zwei verschiedene Arten von Pflanzen zu verwenden , die Variation und Kontrast erzeugen. Zum Beispiel zwei Arten von Blättern, eine größere und eine kleinere oder eine mit länglichen spitzen Formen und eine mit mehr abgerundeten Formen oder Blumen. Eine größere Blume mit vielen Details und eine kleinere, einfacher. Sie können natürlich mehr als zwei Pflanzen und Motivtypen haben, aber Sie sollten wahrscheinlich nicht über vier oder fünf gehen. Wenn Sie ein Muster mit zwei Ebenen erstellen, besteht eine gute Faustregel darin, ein größeres, komplexeres Motivelement in der vorderen Ebene und eine kleinere und einfachere Hintergrundebene zu haben . Als nächstes ist es Zeit, zu entscheiden, welche Färbetechnik Sie verwenden werden. Sie möchten es digital in Ihrem Computer oder vielleicht auf Ihrem iPad färben oder mit Gouache malen. In dieser Klasse werden wir unsere Motive und Muster digital färben. Sie können diesen Schritt auch dieses Mal überspringen, und wir werden uns auf die analoge Färbung in einer kommenden Klasse konzentrieren. Der nächste Schritt ist das Sammeln Inspiration und Ausgangsmaterialien wenn wir zum Beispiel anfangen, unsere Motive zu zeichnen. Ich werde in der nächsten Lektion ein wenig darüber reden. 22. Sammle Inspiration: diesem Schritt im Planungsprozess geht es darum, Inspiration für den Ausdruck zu sammeln , den Sie für Ihr Kunst- und Handwerksmuster wünschen. Es geht auch darum, Quellmaterialien zu finden, die zum Zeichnen unserer stilisierten Mustermotive verwendet werden können. Sie können diese Bilder auch verwenden, um zu einem späteren Zeitpunkt Farben in Ihre Farbpalette zu ziehen. Hier sind einige Beispiele dafür, was Sie tun können, um Inspiration und Quellenmaterialien zu finden und zu sammeln. Gehen Sie zum Beispiel nach draußen und fotografieren Sie Pflanzen, Blätter und Blumen. Wenn Sie Pflanzen verwenden möchten, die nicht dort wachsen, wo Sie leben, können Sie zum Beispiel einen Blumenladen oder einen botanischen Garten besuchen. Sie können, natürlich, auch für eine Referenzbilder online mit Google und Pinterest suchen oder durch Zeitschriften und Bücher suchen. Ein Rat ist, dass, wenn es nicht Ihre eigenen Bilder sind , eine Vielzahl von Bildern zu referenzieren, um sicherzustellen, dass Sie nicht die Arbeit eines anderen verfolgen oder kopieren. Stellen Sie sicher, dass Sie Ihre eigene Version aus mehreren Bildquellen erstellen. Wenn Sie möchten, erstellen Sie eine Inspirationstafel, können Sie beispielsweise Ihre Bilder in ein Illustrator-Dokument ziehen, damit Sie sie alle Seite an Seite sehen können , um einen Überblick und einfachen Zugriff darauf zu erhalten. Diese Inspirationstafel kann auch als Arbeitsdokument verwendet werden, in dem Sie später Ihre Farbpalette erstellen, indem Sie Farben aus Ihren Fotos und Bildern ziehen. Dieses Dokument und Inspiration Board, ist auch sehr praktisch und glatt zu referenzieren, wenn wir beginnen, die Motive für unsere Muster zu zeichnen. Das ist es, was ich will, dass du jetzt tust. Sammeln Sie Bilder von Dingen, die einen Ausdruck darstellen, den Sie für Ihr Muster wünschen. Finden Sie außerdem Pläne zum Fotografieren und Sammeln von Bildern von Objekten oder Pflanzen, die die Motive darstellen, die Sie einschließen möchten. Schließlich finden Sie Dinge zu fotografieren oder Bilder, die Farben enthalten , die Sie mögen und möchten später für Ihr Musterfarbschema erkunden. In der nächsten Lektion werden wir unsere Mustermotive ein wenig erkunden, damit wir etwas wählen können, wenn wir anfangen, das reale Ding zu zeichnen. 23. Erforsche deine Motive: Sie können natürlich beginnen, das komplette Design direkt von der [unhörbar] zu zeichnen aber ich empfehle Ihnen wirklich, einige Zeit zu verbringen, um zu üben Zeichnen, die Motive, die Sie in Ihrem Muster verwenden werden zuerst und erkunden Sie einige verschiedene Möglichkeiten, um sie darzustellen. Das ist, was du tun kannst. Skizzieren Sie bis zu drei bis fünf Versionen jedes Motivs, und probieren Sie verschiedene Winkel und Umsätze, und Details der Blätter und die Paddel und zentrieren Sie sich auf den Blumen und so weiter. Dazu können Sie die Zeichenübungen von vorher verwenden, um Sie zu führen. Verfeinern Sie dann jede Skizze ein paar Mal und probieren Sie neue Möglichkeiten aus, um jede Skizze zu zeichnen. Denken Sie darüber nach, wie Sie einige Teile vereinfachen und wie Sie andere übertreiben können, dann wählen Sie die Versionen, von denen Sie denken, die am besten funktionieren, und legen die anderen beiseite, die Sie später vielleicht oder zu einem anderen Zeitpunkt verwenden können. Nachdem Sie die besten Versionen für Ihre Motive gefunden haben, wird es einfacher sein, das komponierte Wiederholungsdesign zu erstellen und zu zeichnen. Als nächstes werden wir eine Musterstruktur und das Rückgrat für unsere Muster erstellen. 24. Die Wiederholungsstruktur entwerfen: [ MUSIK] In dieser Lektion werden wir den Rahmen und die Struktur unserer Muster mit dem Post-It Trick entwerfen , den ich von meinem schwedischen Designer gelernt habe [unhörbar]. Hier ist ein nachgehendes Kunst- und Handwerksmuster, das ich gemacht habe und wie Sie sehen können, hat es zwei Schichten. Eine Vordergrundschicht mit detaillierten größeren Blüten, Blättern, einigen Zweigen oder Stängeln in diesem Fall. Dann gibt es eine Hintergrundschicht mit kleinen vereinfachten lockigen Anpassungen und winzigen Tulpenblüten. Jetzt zeige ich dir, wie ich dieses Muster gebaut habe. Der erste Schritt besteht darin, die gesamte Wiederholungsstruktur und das Layout der Motive der Vordergrundschicht zu entwerfen . Dieser Schritt ist wichtig, um sich einen Überblick über die Verteilung der Motive und den Gesamtfluss des Musters zu verschaffen. Hier werden wir die Post-it-Notizen verwenden. Ich werde hier meine Leuchtbox benutzen. Ich denke, es wird einfacher für dich sein zu sehen, was ich tue wenn ich beginne, auf meine Post-it-Notizen zu zeichnen. Ich lege meine Notizen gerne auf ein gewöhnliches Stück Druckpapier. Dies ist nur ein gewöhnliches A4-Druckpapier. Du brauchst einen Stapel Post-it Notizen, nur gewöhnliche, und einen Bleistift und definitiv einen Radiergummi. Du brauchst ein Lineal und dann brauchst du einen schwarzen feinen Liner. Wenn Sie keine Light-Box wie diese haben, benötigen Sie für diesen Schritt keine wirklich da die Post-It-Notizen ziemlich durchsichtig sind, so dass Sie ohne einen auskommen. Wir werden eine gerade Wiederholung erstellen. Da wir Ihnen quadratische Post-it-Noten sehen, wird ihre Wiederholung auch quadratisch sein, was eigentlich ziemlich gut für die Gestaltung zum Beispiel Tapeten und Stoff ist, wo Sie oft brauchen, um eine quadratische Wiederholungsbox. Aber Sie können auch zwei Noten auf einmal so greifen. Dann schneiden Sie sie in zwei Hälften, so dass Sie stattdessen vier große rechteckige Noten haben. Dann verwenden Sie diese, dann wird Ihre Wiederholung groß rechteckig sein. So können Sie eine andere Art von Eindruck für Ihre Wiederholung oder für Ihre Motivkomposition erstellen . Aber dann können Sie eine quadratische Wiederholung erstellen , indem Sie zwei davon nebeneinander kombinieren. Sie erhalten eine quadratische Wiederholung, aber mit einem doppelten Design. Fangen wir einfach hier an. Ich nehme meine erste Notiz und lege sie irgendwo so hin. Ich empfehle jetzt, wenn Sie mit Ihrem ersten Muster wie diesem beginnen, wirklich einfach zu gehen, es nicht zu übertreiben oder zu viele oder zu komplexe oder zu kleine Motive zu erstellen. Also gehen Sie ziemlich groß das erste Mal definitiv. Das habe ich auch mit meinem Tulpenmuster gemacht. Ich werde Ihnen zeigen, wie Sie das tun, um es zum ersten Mal so einfach wie möglich zu machen. Dann können Sie sich weiterentwickeln und bauen und immer komplexere und detailliertere Motive erstellen und mehr Motive kombinieren und vielleicht mehr Pflanzentypen im Vordergrund verwenden und so weiter. Für diesen hier werde ich nur diesen Vordergrund mit den Tulpen erstellen. Sie können mit der Verteilung und Platzierung Ihrer Hauptmotive beginnen. Für mich wäre das das Platzieren der Tulpen mehr oder weniger. Mal sehen. Ich werde diese wirklich Klischee Tulpenform hier machen. In diesem Schritt werden Sie keine Details oder irgendetwas zeichnen. Dies ist nur die Erstellung des Gesamtlayouts. Dann werde ich wie einen Stamm haben, der so runterkommt und vielleicht einen hier drüben. Versuchen Sie, sie ein wenig zu verfeinern, damit es leichter wird, durch das Papier zu sehen. Jetzt hole ich mir meine zweite Post-it-Notiz. Jetzt werde ich diesen verfolgen und genau die gleichen Zeilen erstellen. Du wirst das oft ändern, bevor du fertig bist, versprochen. Dort haben wir jetzt die erste Gesamtstruktur. Lassen Sie uns nun mit der Platzierung der zweiten Blume fortfahren. Ich werde einen haben, der diese beiden hier verbindet. Dann könnte ich auch ein paar Blätter hier platzieren. Ich werde einen haben, der sich den ganzen Weg hier drüben erstreckt und einen dort drüben. Mal sehen. Ich denke, dieser muss ein bisschen so hoch gehen , denn dann wollte ich noch einen so. Jetzt versuche ich nur, ein paar verschiedene Motive zu platzieren. Ich werde diese stacheligen oder gelappten Tulpen machen. Das sind nur wirklich grobe Skizzen. Sie werden viele Male verfeinert werden, bevor wir hier fertig sind. So etwas. Jetzt muss ich all das verfolgen, was ich jetzt gezeichnet habe , so dass es bei jeder Note auf die gleiche Weise wiederholt wird. Ich fange mit diesem an. ( MUSIK) Hier sehe ich, dass diese kollidieren. Das ist etwas, was ich in Betracht ziehen muss und vielleicht danach ändern muss. Hier, diese muss ich auch auf diese Notiz bekommen. Jetzt zum nächsten, verfolgen Sie alles auf jeder Note. Jetzt habe ich eine Gesamtskizze, und hier kann ich sehen, ob ich einige Anpassungen vornehmen muss. Wie hier drüben ist ein großer ziemlich leerer Raum, also vielleicht möchte ich diesen ein wenig nach oben bewegen. Aber lassen Sie uns jetzt ein Beispiel dafür gehen. Ein Quadrat stellt die Wiederholung dar, die dupliziert und nach oben wiederholt werden kann, unten in die Seiten, um das vollständige Muster zu erstellen. Im nächsten Schritt werden wir diese Struktur, die wir jetzt erstellt haben, auf ein größeres Stück Papier übertragen , wo wir beginnen können, die Motive und die vollständige Wiederholung gründlich und mit allen Details zu zeichnen . Um diese Übertragung reibungslos zu machen, müssen wir einen Abschnitt dieser Gesamtstruktur finden, in dem sogar Motive so zusammengefasst wie möglich sind und in dem wirso viele Motive und Elemente innerhalb eines Quadrats sammelnkönnen so viele Motive und Elemente innerhalb eines Quadrats sammeln und wo so wenig wie möglich von den Motiven hängen von den quadratischen Kanten. Wenn sie das tun, müssen wir Orte finden, an denen wir die Motive leicht aufteilen können, zum Beispiel in der Kreuzung zwischen Stängeln und Blättern. Jetzt verwende ich gerne einen feinen Liner und komm hinein und fülle die Linien aus. Einige dieser Motive oder eine Reihe von Motiven, wo ich jetzt deutlicher sehen kann , wo ich dieses optimale neue Wiederholungsquadrat zeichnen kann. [ MUSIK] Dann kann ich den geposteten Stapel verwenden und versuchen , das Quadrat zu finden , wo ich die geringsten Motive abhängen habe, und dort zeichne ich ein neues Quadrat oder die Wiederholungsgrenzen. Jetzt muss ich mein Lineal greifen und ein Gitter erstellen , das es einfacher macht, auf ein größeres Stück Papier zu übertragen. Teilen Sie dieses in 16 gleiche Quadrate auf. Jetzt habe ich die Struktur meines anfänglichen Musters bereit. Das ist nur ein Entwurf. Ich kann definitiv sehen, dass ich, wenn ich meine nächste Version davon mache, die Sie in der nächsten Lektion sehen werden, wahrscheinlich einige Anpassungen vornehmen werde und diese Blume ein wenig nach oben bewegt wird, nur um sicherzustellen, dass ich verteilen Sie die Motive gleichmäßiger und schafft eine bessere Harmonie und fließen im Muster. Während ich all diese Schritte durchgehe, bis ich meine letzte Wiederholung habe, werde ich viele Änderungen vornehmen und neu zeichnen und überarbeiten. Seien Sie darauf vorbereitet. Dies war die gepostete Technik mit einer quadratischen Kachel wie diese. Lassen Sie uns zum nächsten Schritt gehen, wo wir diese weitere Ebene mit mehr Details und im Maßstab bringen werden. ( MUSIK) 25. Zeichnen der Vordergrundebene: Endlich sind wir zu dem Teil gekommen, wo wir tatsächlich unsere Muster entworfen und die Wiederholung erstellt haben. Wir werden dies auf eine traditionelle analoge Weise tun, was meiner Meinung nach sehr angemessen ist, da wir Kunst- und Handwerksmuster entwerfen. Jetzt muss ich dich ein bisschen warnen. Dieser Schritt kann beim ersten Mal ein wenig schwierig sein, aber mein Rat ist, nicht zu aufgehängt zu werden, um es perfekt zu machen, da wir viele Möglichkeiten haben, Fehler in Illustrator und später zu beheben und zu bearbeiten. Ich werde Sie auch ermutigen, mehrere Versuche, Iterationen, Bearbeitungen und Versionen Ihres Musterdesigns zu erstellen Iterationen, Bearbeitungen . Zuerst müssen wir das Papier vorbereiten, auf das wir unsere Wiederholung ziehen werden. Je größer Sie das Muster wiederholen Design zeichnen können, desto besser, so dass Sie genug Details in Ihr Design passen können. Aber da wir die Entwürfe einscannen, die wir jetzt zurückziehen werden, muss es in Ihren Scanner passen können. Ich habe einen großen A3-Scanner, so dass ich einfach ein A3-Papier verwenden und das als Ganzes scannen kann. Aber wenn Sie einen kleineren Scanner haben, ist es ein Trick, zwei kleinere Papiere zu nehmen, zum Beispiel zwei A4 oder zwei Buchstaben groß und sie so zusammenkleben. Nun, wir werden das in ein Quadrat schneiden, um unseren geposteten Muster-Strukturentwurf zu entsprechen. Das geschnittene Papier sollte diese Größe haben, so dass auf einem Papier im A3-Format beispielsweise ein gewisser Rand auf allen Seiten vorhanden ist. Messen Sie ein Quadrat, so. Wenn Sie das Klebeband zusammen Papiere verwenden, ist ein Tipp, um die geklebten Kanten zu zentrieren und Sie werden verstehen, warum in nur ein wenig. Sie können so eine Schere oder Rollenschneider verwenden, um wirklich gerade und gleichmäßige Kanten zu machen. Wenn Sie Ihr quadratisches Papier haben, erstellen Sie das gleiche Raster mit 16 Quadraten wie auf dem Postentwurf. Nun, indem Sie das Porto als Referenz verwenden, beginnen Sie, die Skizzenlinien von diesem auf das Papier zu übertragen, quadratisch für quadratisch, bis wir die gesamte Strukturskizze im größeren Maßstab auf Ihr Papier haben . Verwenden Sie zuerst wirklich leichte und einfach zu löschende Skizzierlinien. Wenn Sie dann die ganze Struktur an Ort und Stelle haben, gehen Sie hinein und zeichnen raffiniertere und detailliertere Umrisse Ihrer Äste, Blätter und Blumen und andere Motive, die Sie in Ihrem Musterplan haben. Jetzt können Sie auf diese Motiv-Erkundungen verweisen , die wir gemacht haben, damit Sie genau wissen, wie Sie Ihre Motive zeichnen. Schielen Sie hin und wieder die Augen und werfen Sie einen Blick auf die Motive. Sind sie schön verteilt oder sind einige von ihnen zu nahe beieinander? Gibt es unebene, leere Räume? Alles, was die Aufmerksamkeit zu sehr zieht, können Sie jetzt bearbeiten und neu zeichnen, bis Sie diesen schönen Fluss finden. Zeichnen Sie die Umrisse nicht bis zu den Rändern, sparen Sie einen Zoll oder so. Wenn Sie zufrieden sind, schneiden Sie das Papier in vier gleich große Quadrate, und wenn Sie ein Klebeband zusammen Papier haben und die Kanten zentriert haben, können Sie jetzt einfach das Band schneiden, um sie zu trennen. Dann schalten Sie die Quadrate so um, dass sie in den gegenüberliegenden Ecken enden und kleben sie wieder zusammen. Zeichnen Sie nun die fehlenden Motivstücke in diese leeren Räume in der Mitte und verbinden Sie die Umrisse und vervollständigen Sie alle obwohl Motive. Wieder, schielen Sie Ihre Augen und werfen Sie einen Blick auf den gesamten Fluss der Wiederholung, bearbeiten, bewegen und Dinge neu zeichnen, mit denen Sie nicht zufrieden sind. Jetzt ist es Zeit, diese Konturen mit einem feinen Liner oder dünnen Pinselstift zu verfeinern und zu füllen. Trennen Sie zuerst das Band zusammen, quadrieren Sie es erneut und ordnen Sie es in das ursprüngliche Quadrat und kleben Sie es wieder zusammen. Jetzt schnappen Sie sich ein neues Stück großes Papier und legen Sie es auf Ihre quadratische Bleistiftzeichnung. Wenn Sie eine Lichtbox wie ich haben, ist es wirklich nützlich in diesem Schritt. Aber Sie können hier auch ein Fenster oder ein Transparentpapier verwenden. Jetzt werden wir dieses Papier so strategisch wie möglich platzieren. In meinem Fall habe ich es geschafft, Motive zu schaffen, bei denen es nur kleine Teile der Motive gibt , die auf einigen Schildern fehlen, wie diese Blätter hier und hier, und dann auch der Stängelteil hier und hier. Wenn wir nun diese Linien verfolgen, wollen wir möglichst ganze und vollständige Motive machen. Wenn ich etwas Marge habe, kann ich diese Teile tatsächlich erweitern und zu kompletten Motiven zeichnen. Dies wird viel einfacher im Bearbeitungsprozess sein. Idealerweise würde ich mein Transparentpapier so platzieren. Jetzt habe ich Marge, um den Zweig hier von hier zu erweitern und dieses Blatt zu hören, und dann das gleiche mit diesem Teil des Blattes hier drüben als auch. Aber manchmal ist das Papier nicht groß genug, und das Motiv erstreckt sich weit darüber hinaus, um das volle Motiv auf einmal zeichnen zu können. Jetzt werde ich so tun, als wäre dies auch für mich der Fall, damit ich Ihnen später zeigen kann, wie man damit umgeht. Ich zentriere mein Papier einfach so. Jetzt passt dieser Teil des Blattes nicht hier drüben. Ich werde diese beiden Teile später zusammenpassen müssen um eine vollständige und geschlossene Form zu machen. Zeit, um mit der Tinte zu beginnen. Aber zuerst, markieren Sie Ihre Ecken so, und ich zeige Ihnen, warum in einer Weile. Dafür wähle ich meinen Favoriten, ein Pinselstift mit einer sehr dünnen Pinselspitze. Es ist von Pigma. Dieser erzeugt eine dynamischere und ein wenig dickere Linie. Eine Sache, die Sie jetzt von Anfang an beachten sollten, ist, wenn Sie etwas von Ihrem Motiv in verschiedenen umrissenen Farben haben wollen, zum Beispiel, wenn ich diese Blumenkonturen haben möchte, dann das dunkelrote und dann die Stiele, und vielleicht die Blätter in einer anderen Umrissfarbe. Dann muss ich sicherstellen, dass sich diese Konturen nicht berühren, sonst müssen wir sie in Illustrator unterteilen. Aber ein weiterer Trick ist, sie auf verschiedenen Papierstücken zu verfolgen. Auf diesem Papier, zum Beispiel werde ich die Stiele und die Blätter vielleicht verfolgen, und einige andere Details können sein, und dann werde ich ein anderes Papier verwenden, um meine Blumen zu verfolgen, also werde ich einfach anfangen. Jetzt kann ich auch sagen, dass, Ich möchte die Stiele und meine Vene Umrisse in der gleichen Farbe haben, aber nicht unbedingt die Umrisse der Blätter in der gleichen Farbe. Also könnte ich die auf verschiedenen Papieren zurückverfolgen. Sie müssen ein wenig im Voraus planen, um Ihren Workflow so reibungslos wie möglich zu gestalten. Hier habe ich alle Konturen für die Stiele und die Umrisse der Venen eingefärbt. Was ich noch brauche, ist dieser Teil hier, ich muss hier unten einen Schwung haben. Um das zu verbinden, könnte ich das hier drüben eindrucken und dann müsste ich sie später verbinden , wenn ich alles digitalisiert habe. Aber ein klügerer Weg, dies zu tun, ist tatsächlich nur dieses Papier eine Linie mit den Ecken hier und jetzt gehen Sie hinein und weiter zu zeichnen so , dass ich jetzt komplette Umrisse erstellen werde. Ich kann jetzt einfach ein weiteres Stück Papier schnappen, es oben platzieren, und jetzt werde ich auch Ecken auf diesem einen zeichnen. Jetzt gehe ich rein und tusche die Umrisse der Blätter, damit ich sie getrennt habe. Ich werde auch diese Tinte machen, und dann werde ich Ihnen zeigen, wie ich dieses Blatt erweitern werde. Was ich hier jetzt noch übrig habe, ist sicherzustellen, dass dieses Blatt ganz wird. Mal sehen. Dieser Teil hier drüben kann ich in diesem Bereich ausdehnen, anstatt die Bits dort drüben zu zeichnen. Um das zu tun, ziehe ich es hier nach oben, richte es an den Ecken aus, und so kann ich hier weiter machen und so das komplette Blattmotiv kreieren. Ich habe diese kleine Spitze des Blattes hier drüben, das ist auch die Spitze des Blattes dort. Aber da es außerhalb der Grenzen meines Papiers reichen wird, werde ich das nicht tun. Also, was ich stattdessen tun werde, ist nur die Spitze des Blattes zu füllen , wo es in seiner Position ist, und dann werde ich Ihnen zeigen, wie wir sie danach verbinden können. Ich habe die kleinen Blätter übrig und auch die Blüten. Mal sehen, auf welchem Papier, das wäre gut zu verwenden. Ich denke, das Blattpapier wäre perfekt. Nun möchte ich einige Texturlinien oder Schattierungslinien auf den Blütenblättern und auch auf den Blättern ein wenig haben. Ich denke eigentlich, dass die Linien auf den Blättern ein Teil der Venenkonturen sein werden. Aber für die floralen Texturlinien werde ich sie hier zeichnen. Ein bisschen zusätzliche Details wie diese macht manchmal den großen Unterschied im Motiv aus. Jetzt werde ich zuerst meine Nervenlinien hier auf den Blättern festhalten, nur um sicherzustellen, dass ich es nicht überdrüssig mache oder so. Ich glaube, ich habe es schön gefunden, diese Nerven zu bekommen. Jetzt werde ich sie auch ausfüllen. Jetzt habe ich alles ausgefüllt, was ich hier brauche. Ich habe meine Äste oder die Stiele, in diesem Fall, mit den Venen und den Nerven, und auch einige Schattierungslinien für die Blumen. Dann habe ich hier die Konturen der Blumen und der Blätter. Meine Frontschicht ist jetzt bereit, gescannt zu werden. Also werde ich das beiseite legen, und die nächste Lektion werden wir auf die Hintergrundebene nehmen. 26. Zeichnen der Hintergrundebene: Für die Hintergrundebene gehen wir auf die gleiche Weise wie bei der Vordergrundschicht. Beginnen Sie mit der Vorbereitung eines großen quadratischen Papiers wie zuvor. Jetzt können Sie die Hintergrundebene zeichnen, indem Sie den gesamten Raum abdecken. Dann müssen Sie die Motive der Vordergrundschicht überhaupt nicht berücksichtigen. Oder Sie können Motive nur in den leeren Zwischenräumen zwischen den Motiven der Vordergrundschicht einzeichnen . Sie können sogar Motive zeichnen, bei denen einige der Hintergrundmotive mit einem Vordergrund verflechten, der hinten oder vorne kommt, je nachdem, welche Art von Pflanzen Sie gewählt haben, natürlich. Wenn Sie diese Art von Hintergrund wählen, müssen Sie die Vordergrundzeichnungen verwenden, um Ihnen zu zeigen, wo Sie zeichnen möchten. Für mein Muster werde ich beide Arten von Hintergrundebenen erstellen , um Ihnen zu zeigen, wie man sie macht. Ich mache eins mit, sehr kleinen und einfachen Motiven von Zweigen und Blumen, die das ganze Papier bedecken. Eine zweite, wo ich in Äste und Blätter und kleine Blüten zeichne , die mit einer Vordergrundschicht Motive verflochten werden. Ich beginne mit einer einfachen All-over-Version. Lassen Sie die Kanten wieder, denn wenn Sie das Papier mit Ihren Motiven bedeckt haben, schneiden Sie es wie zuvor in vier Stücke, wechseln Sie sie herum und kleben zusammen und zeichnen Motive in den leeren Abschnitten und in der Mitte, Motive zu vervollständigen und zu verbinden. Für mein anderes Hintergrunddesign habe ich wieder meine Lichtbox gemacht, und jetzt verwende ich meine Vordergrundzeichnungen und platziere mein Hintergrundpapier oben, ausgerichtet an den Ecken. Jetzt kann ich sehen, wo ich zeichnen kann, um es mit einem Vordergrundmotiv zu passen. Ich werde einige der Hintergrundzweige die Schritte hier drüben kreuzen lassen. Dann mache ich den gleichen Prozess mit diesem einen wie der andere. Schneiden Sie in vier Umschalten, füllen Sie die leeren Zentren, um die Motive zu vervollständigen. Wenn Sie Ihre fertige Hintergrund-Bleistiftzeichnung haben, schnappen Sie sich ein neues großes Stück Papier und verfolgen Sie es mit einem feinen Liner. Lassen Sie die Motive wieder über die Kanten des Quadrats kreuzen , um sie, wenn möglich, komplette Formen zu machen. Als nächstes bringen wir den Vordergrund und die Hintergrundebenen, eingefärbte Zeichnungen in Illustrator und digitalisieren sie. 27. Digitalisiere und vektorisieren deinen Entwurf: In dieser Lektion werden wir unser Wiederholungsdesign in Illustrator einbinden und es in eine digitalisierte Version verwandeln. Das erste, was wir tun werden, ist, unsere eingefärbten Wiederholungszeichnungen zu scannen. Ich habe einen A3-Scanner, damit ich die gesamte Zeichnung wie in einem Stück scannen kann. Wenn Sie jedoch einen kleineren Scanner haben, können Sie Ihre Zeichnung in zwei Teile schneiden und separat scannen. Wenn Sie keinen Scanner haben, können Sie versuchen, ein Bild Ihrer Zeichnungen mit einer Kamera oder Ihrer mobilen Kamera zu machen, stellen Sie sicher, dass es wirklich gute Beleuchtung und keine Schatten hat, und auch nicht, um das Bild zu verzerren. Hier habe ich eine meiner Vordergrund-Layer-Zeichnungen auf meinem Scanner-Flachbett platziert. Wie Sie sehen können, meine Schnittstelle auf Schwedisch, aber ich übersetze, wie wir gehen. Hier können Sie einige Einstellungen vornehmen, um den Scan zu optimieren. Zuerst wählen Sie „Schwarz & Weiß“ und „300 DPI“ um eine gute Auflösung zu erhalten und dass der Scan genügend Daten in Ihrer Zeichnung registriert. Dann in dem Feld Scan genannt wählen oder erstellen Sie einen Ordner, in dem Sie Ihren Scan speichern möchten. Ich werde eine neue erstellen, die nachfolgende Blumen genannt wird. Dann nennen wir hier unseren Scan und ich rufe meinen nachgestellten Scan an, denn das Format JPEG ist in Ordnung. Dann klicken Sie hier bei der Bildkorrektur auf die Pfeile und wählen Sie „Manuell“. Hier können Sie mit den Helligkeits- und Kontrastgriffen herumspielen , um so gestochen scharfes und klares Bild wie möglich zu machen. Für diesen nehme ich die Helligkeit den ganzen Weg nach unten und den Kontrast nach oben, wodurch die Linien sehr definiert und ein bisschen dicker werden, und der Hintergrund komplett weiß. Dadurch wird es Illustrator einfacher, die Linien richtig zu registrieren , wenn wir sie später mit dem Trace-Werkzeug vektorisieren. Jetzt zeichne ich ein Festzelt um meine Illustrationen und drücke „Scannen“. Dann mache ich dasselbe mit allen meinen Freihandzeichnungen für den Vordergrund und die Hintergrundebenen. Der nächste Schritt besteht darin, diese gescannten Illustrationen in Vektoren in Illustrator umzuwandeln. Dazu erstelle ich ein neues Dokument. Ich nenne es nachfolgende Blume. Ich wähle hier eine A3-Größe und beginne mit Millimetern, CMYK ist in Ordnung und 300 DPI und klicke auf „Erstellen“. Jetzt werde ich meine gescannten Illustrationen in dieses Dokument importieren. Ich finde meine Scans im Ordner, wähle sie aus und ziehe sie so in mein Illustrator-Dokument und platziere sie, damit ich sie alle sehen kann. Jetzt werde ich sie mit dem Bildverfolgungswerkzeug vektorisieren, das ist dieses, das ich hier in meinen rechten Werkzeugfeldern gespeichert habe. Sie finden es aber auch unter „Fenster“ und „Image Trace“. Ich werde dies zuerst tun, und ich werde das Tool „Image Trace“ auswählen und hier müssen wir auch einige Einstellungen vornehmen. Wählen Sie unter „Modus“ die Option „Schwarz und Weiß“. Jetzt werden wir mit einigen dieser Werte hier herumspielen. Aber zuerst klicken Sie auf „Weiß ignorieren“ hier unten, und auch Vorschau. Dann schwellenwert hier ist der Wert, wie viele Daten von Ihrem gescannten Bild registriert werden. Weniger führt dazu, dass Illustrator weniger Daten registriert Dies führt zu dünneren Linien und kann auch zu Lücken in den Umrissen führen. Wenn die Stiftlinie zum Beispiel etwas dünn ist, registrieren sich mehr natürlicher und machen Ihre Linien dicker. Ich beginne mit der Standardeinstellung bei 128 und sehe, wie das aussehen wird. In Pfaden hoch, wird es das Aussehen Ihrer Zeilen näher am Original mit mehr Details halten , aber auch das Dokument viel schwerer machen. Low würde die Linien mit weniger Daten vereinfachen. Versuchen Sie, es als niedrigstes möglich zu halten, aber halten Sie immer noch das Aussehen, das Sie wollen. In Ecken wird mehr den Linien schärfere Kanten und Ecken geben, und weniger wird sie weicher machen. Ich werde mit diesen spielen, bis ich die Levels gefunden habe, die ich mag. Ich denke, das hier sieht gut aus. Da ich mehrere Illustrationen verfolgen werde, werde ich diese Einstellungen als gewohnte Voreinstellung speichern, die ich wieder verwenden kann , damit ich nicht wieder mit diesen Werten herumspielen muss. Ich komme hier zu „Voreinstellungen verwalten“ und klicke auf „Als neue Voreinstellung speichern“. Ich benenne meine gefärbten Umrisse und klicke auf „OK“. Jetzt kann ich in den Presets darauf zugreifen und dies macht meinen Prozess ein bisschen glatter und schneller. Stellen Sie auch sicher, dass meine Illustrationen ein ähnliches Aussehen haben. Dann muss ich zu „Object“ und „Expand“ gehen, um meine neuen vektorisierten Umrisse zu erweitern und abzuschließen. Dann mache ich das Gleiche mit allen anderen. Hier habe ich alle meine Vordergrund- und Hintergrundeabbildungen vektorisiert und erweitert. Sie sind immer noch gruppiert und ich werde es vorerst so halten. Jetzt werden wir einige Bearbeitung machen, um unsere Motive für das Färben vorzubereiten. 28. Bearbeiten deiner Motive: Willkommen zurück. In dieser Lektion werden wir unsere Motive bearbeiten und vorbereiten, um sie zum Färben bereit zu machen. Zuerst müssen wir Fehler beheben und unsere Umrisse ein wenig polieren. Nach dem Erweitern werden Ihre Motive gruppiert und irgendwie wird es zweimal gruppiert. Ich drücke zweimal Shift Command G, um meine Motive aufzuheben. Ich werde damit beginnen, Bits und Stücke zu entfernen, die ich nicht brauche. Was ich anfangen werde, ist jeden Fehler zu beheben, und ich kann sehen, dass ich einige wie wo ich mit dem feinen Liner ein wenig gerutscht habe. Hier drüben, zum Beispiel, also verwende ich mein Radiergummi-Tool und gehe einfach hier rein und entferne einige der schwarzen Umrisse. Dann habe ich das Glätten Werkzeug verwendet, um einige der Linien hier zu glätten. Wenn ich dann noch etwas hinzufügen muss, verwende ich einfach mein Blob-Pinsel-Tool, um diesen Knoten zum Beispiel hier zu beheben. Jetzt werde ich fortfahren und aufpolieren und Fehler für all diese Illustrationen beheben. Mein nächster Schritt besteht jetzt darin, diese zusammenzufassen. Jetzt werde ich sie einfach so ausrichten. Ich werde dieses hier rot färben, also wird es einfacher für mich sein, die verschiedenen Elemente hier zu sehen. Jetzt kann ich reingehen und ich werde nur dieses schwarze hier auswählen und sehen, ob ich das ein wenig bewegen kann. Aber obwohl ich verschiedene Gliederungselemente wie ungetrennte Linien habe, mache ich, wenn ich sie kreuzen lasse, auch eine geschlossene Form, wenn ich sie zusammen auswähle. Aber hier drüben wird es das nicht tun. Ich gehe rein und repariere das sofort. Der beste Weg, dies zu tun, besteht wahrscheinlich darin, das Blog-Pinsel-Tool zu verwenden und eine neue Linie zu zeichnen. Dann lösche ich das aus. Nun, wenn Sie Motive abgeschnitten haben, denn wenn Sie sie zeichnen, passten sie nicht auf das gleiche Papier, wie von meiner Blattspitze hier, jetzt ist es an der Zeit, sie miteinander zu verschmelzen. Ich doppelklicke auf die schwarzen Umrisse, um in den Isolationsmodus zu gelangen, und dann verschiebe ich diesen hier, und dann wähle ich beide aus und gehe zu Pathfinder und verschmelze sie so zusammen. Dann kann ich mit dem Radiergummi einsteigen. Jetzt habe ich auch dort eine geschlossene Form. Ich gruppiere diese jetzt zusammen. Dieser funktioniert so, wie er ist, aber mit diesem muss ich etwas arbeiten. Das ist eigentlich ziemlich kompliziert. Zuerst werden wir meine anderen Motivgruppen ein wenig wegschieben, damit ich mehr Platz für diese hier haben kann. Jetzt werde ich diese Kanten hier und auch diese beiden hier zusammenpassen, um sicherzustellen, dass ich diesen ganzen Abschnitt zu den Seiten und nach oben und unten wiederholen kann , ohne dass sich diese Motive gegenseitig stören. Ich werde damit beginnen, dieses hier zu kopieren, ich kann sehen, wo es passt, weil ich tatsächlich ein paar Doppel hier gezeichnet habe. Ich drücke die Umschalttaste, während ich sie verschiebe, um sie gerade, vertikal ausgerichtet zu halten , und dann die Option, um eine Kopie zu erstellen. Ich werde diesem eine rote Farbe geben, damit ich die verschiedenen Elemente leichter unterscheiden kann. Dann das gleiche für diesen, und hier habe ich auch ein paar Doppel, also werde ich es einfach ausrichten und die Option drücken, um eine Kopie zu erstellen, und ich werde es auch rot machen. Ich glaube, ich bringe dieses Original nach vorne. Jetzt werde ich diese schwarze Originalversion bearbeiten und mit Hilfe dieser Kopien nur sicherstellen, dass sie ausgerichtet sind und sich nicht überlappen. Vom Zoomen hier, und ich kann sofort sehen, dass es hier einige Zusammenstöße gibt. Ich glaube, ich werde das hier löschen. Diese kleine Kurve hier wird unten sein. Dieses Stück ist eigentlich ein bisschen überflüssig, also werde ich das einfach entfernen. Aber dieses hier möchte ich auf die andere Seite gehen. Weil ich hier auch ein bisschen einen Vorbau hinzufügen wollte. Alle meine kleinen Blumen haben so einen kleinen Stiel. Das müssen wir tun, und ich gehe zurück, ich werde wieder hineinzoomen. Hier kann ich sehen, dass ich ein weiteres Doppel habe. Ich denke, ich werde nur den unten behalten. Diese beiden muss ich irgendwie verschmelzen. Ich denke, der einfachste Weg hier ist, dieses zu greifen, und dann werde ich es hier unten verschieben. Mal sehen, ob wir diese beiden miteinander verschmelzen können. Was ich hier tun werde, ist, einen Teil davon zu löschen. Dann, indem ich beide und dann das Blob-Pinsel-Werkzeug verwende, kann ich sie zusammenführen und gleichzeitig die Linie ein wenig fixieren. Das hat sich gekümmert. Ich glaube, ich werde das alles wieder nach oben bringen. Ich habe hier einen leeren Raum, für den ich etwas tun muss. Dann gehe ich zu diesem Teil rüber. Ich werde das noch einmal testen, um zu sehen, wie es aussieht. Ich mache hier nur noch eine Kopie auf dieser neuen bearbeiteten Version. Ich kann sehen, dass ich hier einen Fehler gemacht habe also werde ich doppelklicken und dann werde ich einfach ein bisschen von diesem löschen, auch dieser ist zu viel zu nah, also werde ich das wiederholen. Sonst denke ich, es sieht gut aus. Ich werde diese zusätzliche Kopie entfernen und dann werde ich auch die linke Seite überprüfen, und ich werde es gelb färben, nur um zu sehen, was hier passiert ist. Oben in dieser Ecke, ich denke, es sieht ein bisschen leer aus. Ich werde ein paar zusätzliche Zweige zeichnen, um das auszufüllen. Wir werden sehen, ob das dann am Ende funktioniert. Diese Hintergrundebene ist ebenfalls erledigt. Der nächste Schritt, den wir tun können, ist, diese zu vereinfachen, um die Anzahl der Ankerpunkte zu senken. Ich werde ganz nah zoomen, damit ich die Linien sehen kann, dann wähle ich diese Gruppe aus, und ich drücke Befehl H, um meine Kanten auszublenden. Dann gehe ich zu Objekt > Pfad und Vereinfachung, und dieses Einstellungsfenster wird angezeigt. Der Standardwert ist 75 Prozent. Es hat all diese Linien vereinfacht und sie jetzt ein bisschen anders aussehen lassen. Wenn ich das ein wenig auf 95 Prozent bringe, wird es mehr von diesem originellen Look behalten, und ich denke, dass das tatsächlich ziemlich gut funktioniert. Hier habe ich tatsächlich meine Anzahl der Ankerpunkte auf die Hälfte reduziert, was wirklich toll ist. Ich klicke auf „Okay“ und behalte das. Jetzt mache ich das Gleiche mit den anderen Motiven. Ich habe erwähnt, dass wir jetzt ein paar Mal geschlossene Formen haben müssen. Der Grund dafür ist, dass wir die Werkzeuge „Paint Eimer“ und „Shape Builder“ verwenden können , wenn wir unsere Motive später färben. Wir haben uns schon um ein paar Cutoff-Motive gekümmert, aber ich habe immer noch einen Platz, den ich reparieren muss, das ist dieser Vorbau hier drüben. Dies ist noch nicht geschlossen. Das Ende dieses Stängels hier wird oben auf dieser Blume sein. Die Spitze der Blume hier wird mir tatsächlich helfen, die Stielform einzuschließen. Ich beginne damit, ein Quadrat in der gleichen Größe wie das quadratische Papier zu machen, das ich meine Wiederholung zum Anschreiben gezeichnet habe. In meinem Fall waren es 26 Zentimeter, das sind 260 Millimeter. Ich gebe ihm hier einen wirklich hellgrauen Hintergrund. Dann schicke ich es nach hinten. Wenn ich meine digitale Wiederholung erstelle, arbeite ich gerne in Pixeln. Jetzt, da wir unser Wiederholungsquadrat in Millimetern gemessen haben, ändern wir hier oben unser Document Setup und ändern es stattdessen in Pixel. Wählen Sie dann das Quadrat aus und überprüfen Sie die Maße hier oben. Nun lasst uns sie auf gerade Pixel abrunden und die Zahlen auswendig lernen. Für mich ist es 737 und dann platzieren Sie Ihre vordere Ebene Motiv auf dem Quadrat, und mit ihm ausgewählt, klicken Sie mit der rechten Maustaste und wählen Sie Transformieren und Verschieben. Jetzt werden wir das hier unter dieses Original kopieren. Null Pixel horizontal, dann 737 Pixel vertikal, und drücken Sie dann Kopieren. Hier kann ich jetzt sehen, wie sie sich tatsächlich ein wenig überlappen. Ich werde das auch auf alle anderen Seiten kopieren. Ich muss diese Typen hierher bringen, und dann kopiere ich den hier nach links. Hier ist der erste Blick auf unsere Vordergrundmuster. Das erste, was ich jetzt tun werde, ist, den Vorbau hier zu reparieren. Eine andere Sache, die wir jetzt tun können, ist zu sehen, ob es einige Motive gibt , die nicht gleichmäßig verteilt sind oder es nicht gut aussieht, aber ich denke, meine sehen ziemlich gut aus. Das ist mein ursprüngliches Motiv und das ist das, das ich später wiederholen werde. Jetzt werde ich vergrößern und ich werde mein Hintergrundquadrat sperren. Jetzt werde ich hier hineinzoomen und ich werde die Gruppierung meines ursprünglichen Motivs aufheben, und dann werde ich auch die Gruppierung aufheben. Jetzt kann ich nur die roten Umrisse hier auswählen, und auch die schwarze Spitze der Blume. Jetzt habe ich diese Teile überlappen und ich werde dieses Form-Builder-Tool hier drüben verwenden , um diese abzuschneiden. Ich werde hier nur auf den roten Stiel klicken, und dann dort drüben. Dann drücke ich V für mein Schwarzes Pfeilwerkzeug, klicke irgendwo anders, um die Auswahl aufzuheben. Jetzt kann ich wieder meine roten Umrisse auswählen und doppelklicken, um in den Isolationsmodus zu gelangen. Jetzt kann ich diese kleinen Bits einfach löschen. Jetzt habe ich dieses wirklich saubere, geschnittene Pixel genau dort, wo das obere Motiv und das untere Motiv berührt. Das war eigentlich das. Ich brauche das jetzt nicht, und das jetzt nicht. Ich muss noch diese Blume hier haben, um diese Form geschlossen zu halten. Doppelklicken Sie, um in den Isolationsmodus zu gelangen, und dann lösche ich alle diese. Ich werde das nur für den Fall gruppieren. Jetzt sind der Vordergrund und die Hintergrundmotive zum Färben bereit. Aber zuerst müssen wir gehen und einen Blick darauf werfen, wie die Kunst- und Handwerksdesigner mit Farbe gearbeitet haben und was ein künstlerisches und handwerkliches inspiriertes Farbschema ausmachen wird. Wir sehen uns in der nächsten Lektion dafür. 29. Eigenschaften: Farbschemata: [ MUSIK] William Morris und die Arts and Crafts Designer waren brillant darin schöne und harmonische Farbschemata zu kreieren. In dieser Lektion werden wir uns dieses wichtige Merkmal genauer ansehen. Lassen Sie uns zunächst die Frage beantworten, wie viele Farben zu verwenden sind. Einige der Arts and Crafts Muster hatten nur eine Farbe in zwei oder drei Tönen, so genannte monochromatische Muster, aber die meisten Designs hatten mehrere Farben. Jetzt werde ich dir etwas wirklich Cooles zeigen. Dies ist eine Entwurfszeichnung für das Musterdesign Kranz von William Morris. Auf diesem Papier hat er das Farbschema für diesen Entwurf erforscht und dokumentiert, mit Notizen links neben der Zeichnung, wo er die verwendeten Farben und die verschiedenen Motivelemente aufgeschrieben hat . Schauen wir uns mal an, was er hier getan hat. Das ist es, was die Notizen sagen. Er beginnt mit etwas, das er den ersten Akanthus nennt und die dafür verwendeten Farben angibt. Gelbes Grün, das die Nummer 1 gegeben wird, dann Schatten mit Farbe Nummer 2, dann seine Umriss der Vene als Nummer 3, und dann etwas, das er den Fleck der Vene als Nummer 4 nennt, die die Füllung der Vene ist. Ich liebe diesen Begriff „Blotch“, also lassen Sie uns das auch verwenden. Dann haben wir einen zweiten Akanthus, mit einer Farbe, die er blau grün nennt, Farbe Nummer 5, dann ist der Farbton Nummer 6, der Umriss der Vene ist wieder Farbnummer 3, so dass die gleiche Farbe wie die Vene in der ersten Akanthus. Dann ist der Fleck der Vene Farbe Nummer 5, das blaue Grün, das er vorher verwendet hat. Dann bemerkt er die kleinen Blätter und Stängel, wo die Fleckfarbe Nummer 7 ist, und die Venen sind Farbnummer 3, also wieder wie auf den Akanthusblättern. Der Hintergrund und die Blumenkonturen sind beide mit der gleichen Farbe versehen, Nummer 8. Dann geht er weiter mit den Blüten, wo wir die weiße Blume und den Fleck weiß mit Farbnummer 17 haben. Also, hier ist ein Sprung in Zahlen. Wir können vermuten, dass er diese Farbe vielleicht in einem späteren Schritt angesprochen hat. Das dunkelgrau in der weißen Blume, die die Linien auf den Blütenblättern sind, wird Nummer 9 gegeben, und die helle Schattierung grau ist Nummer 10. Die rosa Blüten haben drei Schattierungen von Rosa, Nummer 11, 12 und 13. Die blauen Blüten haben auch drei Schattierungen von Blau, Nummer 14, 15 und 16. Dann gibt es etwas, das er die Bosse der Blumen nannte, was meiner Meinung nach die Zentren der Blumen ist. Hier haben die Bosse der rosa Blüten einen weißen Hintergrund, der Nummer 17 gegeben ist, genauso wie der Fleck der weißen Blüten. Der blaue Blütenmittelhintergrund ist eine grüne Zahl 9, so wie im ersten Akanthusblatt. Dann gibt es etwas, das er den Druck von Bossen nennt, die diese kleinen Quadrate des Zentrums sind, und sie erhalten die Farbnummer 18. Insgesamt hat dieses Design 18 Farben, einschließlich des Hintergrunds. Dieses Design zeigt auch eine sehr häufige Eigenschaft in Kunst- und Handwerksmustern, wenn es um die Färbung geht, das ist, dass die Umrisse oft die gleichen wie der Hintergrund sind. So verschmelzen sie schön zusammen und verleihen dem Design einen raffinierten Look, wo es aussieht, als hätten die Motive gar nicht wirklich einen Umriss. Mit einem anderen farbigen Umriss wird das Design einen deutlicheren und vielleicht skizzenhaften, aber auch ein bisschen chaotischeren Ausdruck haben. Dieses Design hat ziemlich viele verschiedene Farben, 18. Ist das typisch für Kunst- und Handwerksmuster, frage ich mich? Werfen wir einen genaueren Blick auf einige der kultigsten Muster und sehen, wie viele Farben sie haben. Beginnen wir zunächst mit dem Muster Acanthus von William Morris. Ich habe versucht, die verschiedenen Farben daraus zu ziehen, aber es besteht die Gefahr, dass ich es nicht geschafft habe, alle von ihnen zu identifizieren , weil es von der Qualität des Bildes ein wenig abhängt. In diesem habe ich mindestens 12 Farben gefunden, aber es könnte möglicherweise mehr sein. Das ist Strawberry Thief, auch von William Morris. Im Vergleich zu Acanthus hat dieser eine lebendigere Farben, und es scheint mehr Farben zu haben, denke ich. Aber in diesem hier konnte ich nur 10 Farben finden. Dieses Muster von John Henry Dearle genannt Golden Lily scheint auch viele Farben zu haben, aber ich fand nur neun. Gleiches gilt für Leicester auch von Dearle und Blackthorn und Pimpernel von William Morris, das wie ein sehr dynamisches Muster wirkt. Ich konnte nur acht Farben identifizieren. Nun, das ist ein tolles Farbschema, würde ich sagen. Dasselbe gilt für Vogel und Granatapfel. Dieser Seaweed von Dearle hat sieben Farben von dem, was ich finden konnte. Willow, die nur eine Pflanze darstellt, hat sechs Farben, einschließlich des Hintergrunds. Was ist mit Fruit? Dieser muss viele verschiedene Farben haben. Es hat mindestens 11 Farben, wahrscheinlich ein oder zwei weitere. Die Schlussfolgerung ist, dass ein Arts and Crafts Muster mit mehreren Farben in der Regel zwischen 6 und bis zu 18 Farben liegen. Die meisten Farbschemata haben ein paar helle Töne und ein paar dunkle Töne und dann mehrere Mitteltöne oder verschiedene Farben im Einsatz. Der Hintergrund hat oft eine dunkle Farbe, aber viele der Muster kamen in verschiedenen Farbweisen. Das würde natürlich mit weißen oder cremefarbenen Hintergründen variieren, und einige sogar mit einem Mittelton-Hintergrund, obwohl das etwas seltener erscheint. Da die Arts and Crafts Muster immer Natur und verschiedene Arten von Pflanzen darstellen , gibt es natürlich viele Grüns, von einem kühlen grünen Grau, blauen Grüns bis hin zu gelben Grüns. Eine weitere sehr typische Farbe ist Indigo in verschiedenen Tönen und Schattierungen. In vielen der Muster finden Sie einen Spritzer einer lebendigen Farbe, und dies fügt eine überzeugende kontrastierende Zutat hinzu, die das Muster interessant und spannend macht und einige der Motive Pop, aber nie in gewisser Weise dass es zu viel Aufmerksamkeit nimmt oder es übernimmt das Muster. Die richtigen Farbkombinationen für ein Design zu finden, ist wahrscheinlich der schwierigste Teil des Prozesses. Der einzige Ratschlag hier ist, viele verschiedene Kombinationen zu üben und auszuprobieren. Als nächstes werden wir eine Farbpalette für unsere Muster erstellen. ( MUSIK) 30. Erstelle dein Farbschema: Es ist Zeit, ein Farbschema und Polit für Ihr Muster zu erstellen. Schnappen Sie sich Ihr Muster, wiederholen Sie die Zeichnung, und lassen Sie uns einige Notizen machen, wie William Morris es für das Riff-Design getan hat. Um zuerst herauszufinden, wie viele Farben benötigen und auch einige Vorschläge für die Farben, die Sie für die verschiedenen Motive und ihre Elemente verwenden möchten . Dazu können Sie die Arbeitsmappe erneut verwenden und die Seite mit der Farbschemaliste finden. Beginnen Sie mit der Hintergrundfarbe. Mein Rat ist, entweder mit einem dunklen oder einem hellen Hintergrund zu beginnen. Ein Mitteltonhintergrund ist etwas, mit dem Sie für eine zweite oder dritte Farbe spielen können . Ein heller Hintergrund ist in der Regel mehr oder weniger eine Art Off-White, Cremefarbe oder wirklich heller Ton von Gelb, Rosa oder Blau. Für einen dunklen Hintergrund können Sie zum Beispiel eine dunkelblaue, graue, grüne, braune oder warum nicht eine dunkelrote Farbe wählen ? Für mein Muster wähle ich ein dunkelgrün, das wird Farbe Nummer 1 sein. Lassen Sie uns nun über die Umrissfarbe entscheiden. Für einen hellen Hintergrund können Sie das gleiche wie der Hintergrund oder eher eine dunkle Kontur wählen , genau wie im Fruchtmuster. Bei einem Muster mit dunklem Hintergrund können die Konturen auch mit dem Hintergrund identisch sein, aber Sie können auch mit einem noch dunkleren Ton experimentieren. Ich werde die gleiche Farbe wie mein Hintergrund verwenden, also Farbe Nummer 1 wieder, dann auf die Motive. Wenn Sie ein Muster mit zwei Ebenen haben, beginnen Sie mit der vorderen Ebene. Wählen Sie für Blätter eine Grundfarbe und vielleicht eine Farbtonfarbe und dann eine Farbe für die Vene. Abhängig von der Vene wählen Sie eine Farbe für eine Vene Umrisse und eine für den Venenfleck. Aus meinen Blättern habe ich dieses gelbe Grün für meine Basis und ein grünes Grau als Schatten. Die Venenkonturen und die Nerven haben ein etwas helleres Grün als die allgemeinen Konturen. Für den Venenfleck und die Zweige verwende ich ein hellgraues Grün und gebe dann für jede neue Farbe, die ich meinem Schema hinzufüge, eine neue Farbnummer zu. Für meine kleinen Blätter verwende ich das gleiche gelbe Grün für die Grundfarbe und das gleiche Grün für die Nerven wie in den großen Blättern. Für Ihre Blumen können Sie wählen, eine Farbe in zwei oder drei Farbtönen zu verwenden. Zum Beispiel, für den Grundton meiner Blumen, verwende ich dieses hellrote und dann habe ich einen dunkleren Rotton als Farbton. Dann habe ich ein noch dunkleres Rot für meine texturalen Linien. Wenn Sie mit der Vordergrundebene fertig sind, machen Sie dasselbe mit den Hintergrund-Layer-Motiven. Meine Hintergrunde-Layer-Motive brauchen nur zwei Farben. Einer für die kleinen lockigen Zweige und für diese benutze ich die gleiche Farbe wie für den Venenfleck und die Zweige. Für die kleinen Tulpenblüten benutze ich eine cremefarbene Farbe. Denken Sie daran, dass Sie Farben und Schattierungen wiederverwenden und sie in verschiedenen Motiven verwenden können. Eine Farbe, die für einen Farbton im Blatt verwendet wird, kann für die Mitte einer Blume wiederverwendet werden und so weiter. Dies wird Ihnen helfen, die Anzahl der Farben niedrig zu halten. Zum Beispiel ist meine Gesamtzahl der Farben neun, einschließlich der Hintergrundfarbe, und das kann zu viel sein, daher muss ich dies möglicherweise reduzieren. Um dies zu tun, könnte ich zum Beispiel die gleiche Farbe für die Venenkonturen verwenden und Nerven wie für die allgemeinen Konturen hinterlassen. Ich könnte auch eine Farbe für die kleinen Blumen in der Hintergrundebene wiederverwenden. Gehen Sie jetzt weiter und machen Sie das gleiche Farbschema Planung, um herauszufinden, welche Farben Sie benötigen und wie viele. Der nächste Schritt ist, sie zu finden. Hier können Sie für die Fotos, die Sie gemacht haben, oder die inspirierenden Bilder, die Sie gesammelt haben, verwenden. Eine andere Sache, die Sie tun können, ist, Ihre eigenen Farben mit Guash oder Aquarell zu mischen und einige Farbfelder auf einem Papier zu erstellen, die Sie einen Import in Illustrator scannen können. Wechseln Sie nun zu Ihrer Inspirationstafel und erstellen viele Quadrate wie die Anzahl der Farben, die Sie mit dem Rechteck-Werkzeug definiert haben, und verdoppeln Sie diese dann. Es ist immer gut, etwas Extra zu haben, um herumzuspielen und die Verwendung und die Schattierungen zu vergleichen. Jetzt können Sie jeweils ein Quadrat auswählen. Mit dem Pipettenwerkzeug finden Sie Farben und Spannungen in den Fotos und Bildern, die für Ihre Motive geeignet sind. Sie können die Farben anpassen, indem Sie hier auf das Farbfeld doppelklicken und dieses Einstellungsfenster erscheint und wo Sie die Farben ein wenig anpassen können, wenn Sie möchten, können Sie es stummgeschaltet oder klarer und lebendiger oder heller und dunkler machen. Sie können Farben auch hier im Farbfeldbedienfeld finden und abholen. Spielen Sie mit Ihren Farben herum, bis Sie eine Farbpalette erstellt haben , mit der Sie mindestens beginnen können. Es muss noch nicht perfekt sein, und Sie werden höchstwahrscheinlich ändern und anpassen Sie es mehrmals, bevor Sie fertig sind. Speichern Sie Ihre Farben, indem Sie sie alle auswählen und klicken Sie dann auf den kleinen Ordner hier. Dadurch werden Ihre Farben in einer Farbgruppe gespeichert, die hier im Farbfeldbedienfeld angezeigt wird. Wenn du bereit bist, lass uns zur nächsten Lektion gehen, wo wir anfangen, unsere Muster zu färben. 31. Farbe für deinen Entwurf in Illustrator: In dieser Lektion fügen wir unseren Mustern und den Motiven Farbe hinzu. Lassen Sie uns beginnen, indem Sie unsere Farbpaletten in dieses Dokument einbringen. Dafür müssen wir zurück zum Inspirationstafel gehen und diese Farbgruppe als global speichern , damit wir darauf zugreifen und sie auch in anderen Dokumenten verwenden können. Ich habe etwas mehr an meinen Farben gearbeitet und eine zusätzliche Farbgruppe erstellt , die ich verwenden möchte. Zuerst werde ich diese Standard-illustrierten Farben entfernen, also klicke ich hier auf dieses rote und drücke dann „Shift“ und auf diesem letzten hier, um sie alle auszuwählen und dann nach unten zu diesem kleinen Mülleimer zu ziehen, und jetzt werde ich diese beiden Farben speichern Gruppen als global, indem Sie hier auf dieses Symbol und dann Musterbibliothek als ASE speichern, und ich benenne sie nachgestellte Blumen. Jetzt, wenn ich zurück zu meinem anderen Dokument, Ich kann auf dieses Symbol klicken gehen Sie zu Open Swatch Library benutzerdefinierte, und hier kann ich meine Trailing Flowers Farbgruppe auswählen, und klicken Sie auf die Ordner hier, die in diesem Pop-up angezeigt werden und, jetzt werden sie in meinem Farbfeld-Panel zugänglich sein. Ich werde diese Standardfarben behalten, weil wir bald für sie verwenden werden, und ich werde diesen hellgrauen Hintergrund auch für den Moment behalten und auch gesperrt halten, und jetzt werde ich mit meinen Vordergrund-Layer-Motiven beginnen. Zuerst muss ich sie ein wenig organisieren und jeder Gruppe von Formen innerhalb dieser eine einzigartige Farbe geben . Denn bald werden wir das Maleimer-Tool verwenden, um diese Formen mit Farbe zu füllen. Aber wenn Sie dieses Tool verwenden, müssen Sie alles danach erweitern, und dann wird es auf eine neue Weise gruppiert. Um die Umrisse einfach wieder zu organisieren, können wir ihnen diese einzigartigen Farben geben, so dass es leicht ist, sie mit dem Zauberstab-Werkzeug neu zu gruppieren. Aber ich zeige dir die Seile, während wir mitmachen. Ich werde zuerst alles aufheben, nur damit ich einen sauberen Schiefer habe. Ich wähle alle Blumenkonturen aus und gruppiere sie zusammen und gebe ihnen diese orangefarbene Farbe. Dann die Blume Schattierung umreißt und sie können diese rote Farbe behalten, und alle Blattkonturen, die wir diese blaue Farbe bekommen, und dann der Stiel und die Vene Umrisse, und sie werden diese grüne Farbe bekommen. Eine andere Sache, die ich tun möchte, ist, hier und hier eine Grenze zu schaffen, wo sich die Stiele und die Blumen treffen, so dass ich geschlossene Formen erstellen kann , um diese mit separaten Farben zu füllen. Ich werde das Blob-Pinselwerkzeug greifen und ihm eine gelbe Farbe geben, und dann werde ich eine Linie zwischen den Stielkonturen wie folgt zeichnen, und jetzt möchte ich die überlappenden Enden dieser Form abschneiden, um eine saubere Form zu erhalten. Ich wähle die gelbe Form und die Stielumrisse und mit dem Form-Builder-Werkzeug aus. Ich klicke und den mittleren Teil hier, deaktivieren Sie die Auswahl, und jetzt können Sie diese beiden Endteile löschen, und dann mache ich das gleiche auf dem anderen Stamm, und während wir dabei sind, warum nicht alle überlappenden Konturen mit das Form-Builder-Werkzeug, um überall eine saubere Form zu machen. Jetzt können wir beginnen, diese Formen mit Farben zu füllen. Ich wähle alles aus und wähle das Maleimerwerkzeug aus, und ich beginne mit meinen Blättern. Ich wähle dieses gelb-grüne hier aus und rühre, um alle leeren Formen in meinen Blättern auszufüllen, und stelle sicher, dass ich alle getrennten Formen bekomme, dann werde ich mit den Adern und Stängeln fortfahren, und jetzt dank der zusätzlichen Blütenumrisse hier im unten, und auch die zusätzlichen Grenzen hier oben an den Blumen. Ich habe eine geschlossene Form, die ich ausfüllen kann. Jetzt werde ich mit den Blumen fortfahren, und jetzt, wenn alles gefüllt ist, muss ich sie erweitern. Gehen Sie zu „Objekt“ und erweitern Sie, und jetzt werden alle Objekte, die ich ausgewählt habe und die neuen Formen, die ich mit dem Bucket-Werkzeug erstellt habe , zweimal gruppiert. Ich werde die Gruppierung aufheben, und da alles, was ich in separaten Farbgruppen möchte, dedizierte Farben haben. Jetzt kann ich das Zauberstab-Werkzeug erscheinen verwenden, um alles mit der gleichen Farbe auszuwählen und wieder zu gruppieren. Als nächstes möchte ich meinen Blättern etwas Schatten hinzufügen, und dafür möchte ich die Hälfte dieser großen Blätter in einem dunklen Graugrün machen, und so werde ich die großen Blätter in zwei Hälften teilen. Ich werde vergrößern, und mit einem Blob-Pinselwerkzeug zeichne ich einen weiteren gelben Rand von der Spitze dieses Nervs bis zur Spitze des Blattes. Dann entferne ich die überlappenden Teile, indem ich die Venen- und Blattkonturen und die Randform auswähle und sie mit einem Form-Builder-Werkzeug erneut ausschneide, und dann lösche ich diese Bits. Nun wähle ich wieder die Rahmenform und, diese gelb-grüne Basis, und wähle das Formhalter-Tool aus, und dann wähle ich dieses Graugrün hier aus meiner Farbpalette und zeichne über die Basis und den Rahmen, um beide vereinen sie und geben ihnen eine neue Farbe zur gleichen Zeit, und dann werde ich das gleiche mit meinen anderen Vergrößerungsblättern tun. Eine andere Sache, die ich brauche, um mich um die Grenzformen zu kümmern , die ich zwischen den Stielen und den Blumen gemacht habe. Ich wähle die gelben Formen und den Stiel aus und wo das Shape-Builder-Werkzeug, Ich werde sie zusammenführen. Das nächste, was ich tun werde, ist, meinen Blütenblättern etwas Schatten zu geben, und dafür werde ich das Blobpinselwerkzeug verwenden, um diese Schattierungen zu malen. Ich wähle dieses mittlere Rot hier unten aus, und jetzt werde ich die Umrisse für meine Schattenformen malen malen. Dann wähle ich alle diese Umrisse aus, und mit einem Shape-Builder-Werkzeug fülle ich sie aus, indem ich mit meinem Cursor alle so zeichne, und jetzt werde ich auch diese Schattenformen gruppieren. Aber jetzt kann ich meine Blumenschattierungen nicht sehen. Ich wähle die rosafarbene Grundfarbe und die Farbtonfarbe und gehe zu „Objekte“ und schicke rückwärts, bis sie wieder erscheinen. Jetzt werde ich meine Umrissformen geben, die endgültigen Farben. Das dunkelgrün für die Blatt- und Blütenumrisse und dieses andere Grün für den Stiel und die Vene umreißt, und schließlich das dunkelrote für die Blütenschattierungslinien. Aber jetzt, wenn ich das anschaue, denke ich, es würde wirklich toll aussehen, wenn die Blumenkonturen auch dieses dunkelrote haben, und ich möchte auch, dass alle Umrisse auf den anderen Formen stehen. Ich wähle alle abgelegenen Gruppen aus und bringe sie nach vorne. Dies waren die Motive der Vordergrundschicht, und jetzt werde ich meinen Hintergrund-Layer-Motiven auch einige Farben geben, mit den gleichen Techniken und Werkzeugen, und ich lasse Sie mich beobachten, während ich arbeite. Als nächstes ist es an der Zeit, all dies in ein digitales Musterfeld zu verwandeln und zu sehen, wie unsere Designs entstanden sind. 32. Das endgültige Muster erstellen: In dieser Lektion ist es endlich an der Zeit, alles zusammenzufassen und die letzte Wiederholung in Illustrator zu erstellen und zu sehen, wie sich unsere Muster ergeben. Mit unseren Mustermotiven haben wir tatsächlich schon viele Vorbereitungen getroffen und sogar das Hintergrundquadrat erstellt, das auch der Musterbegrenzungsrahmen sein wird. Aber es gibt noch einige Bearbeitungsschritte, die wir auch in dieser Lektion tun müssen. Aber zuerst notieren Sie sich diese Maßnahmen Ihres Hintergrundquadrats oder Rechtecks, weil Sie jetzt für sie verwenden werden. Ich beginne damit, mein Quadrat zu entsperren und meine Vordergrundmotive irgendwo hier in der linken oberen Ecke darauf zu legen . Da wir jetzt eine gerade Wiederholung mit den Motiven erzeugen , die gerade horizontal und vertikal wiederholt werden, werde ich Kopien auf alle Seiten dieses Quadrats erstellen. es ausgewählt ist, klicke ich mit der rechten Maustaste , wähle Transformieren und verschieben , und jetzt erscheint dieses Fenster Einstellungen, und hier kann ich jetzt verschieben und eine Kopie meiner Motive exakt auf das Pixel erstellen, was notwendig ist, um eine nahtlose Wiederholen. Ich fange damit an, direkt nach unten eine Kopie zu erstellen. In meinem Fall ist das Null horizontal und 737 Pixel vertikal nach unten. Wenn ich es nach oben verschieben möchte, müsste ich es negativ machen und vor diesen Zahlen ein Minus eingeben und Kopieren drücken. Ich habe diese linke Seite des Platzes bedeckt, und jetzt kann ich sie beide auswählen und sie auch hier auf die andere Seite kopieren. sie beide ausgewählt sind, werde ich erneut mit der rechten Maustaste klicken, transformieren , verschieben, und jetzt möchte ich sie horizontal nach rechts verschieben. Hier gebe ich 737 Pixel ein. Aber wenn ich sie nach links verschieben wollte, müsste ich vorher ein Minuszeichen und vertikal Null eingeben und Kopieren drücken. Jetzt habe ich meine Vordergrundwiederholung fertig. Ich bekomme eine meiner Hintergrundebenen, und ich werde mit dieser beginnen und sehen, ob ich einen Platz dafür finden kann. Hier drüben, so glaube ich. Ich kopiere und wiederhole sie wie mit der Vordergrundschicht , so dass ich sehen kann, wie sie nebeneinander ausgerichtet aussieht. Ich kann sehen, dass ich hier und da einige leere Räume habe und auch, dass ich einige meiner Motive ein bisschen mehr bearbeiten muss , damit sie gut zu einer Vordergrundschicht Motive passen. Ich fange hier an, um diesen leeren Raum auszufüllen. Ich doppelklicken, um in den Isolationsmodus zu gelangen. Nun möchte ich mich um diese kleinen Stängel bewegen, Blätter und Blüten davon, aber sie sind alle nach Objekttyp gruppiert. Alle Blätter sind gruppiert und alle Blattnerven und so weiter. Jetzt muss ich alles aufheben und stattdessen neue Gruppen mit kompletten Motiven bilden. Jetzt, da ich alles richtig gruppiert habe, kann ich hineingehen und die Motive so verschieben, dass sie zwischen den Vordergrundmotiven passen und bei Bedarf eine bessere und gleichmäßigere Verteilung schaffen. Ich kann auch einige Motive manipulieren und anpassen, wenn sie nicht so funktionieren, wie sie sind. Zum Beispiel kann ich einige Blätter mit dem Radiergummi abschneiden und verschieben und drehen, um es besser zu passen. Dann verbinde ich es wieder mit dem Stiel, indem ich mit einem Blobpinselwerkzeug zeichne. Um diesen großen leeren Raum hier drüben zu füllen, leihen wir uns ein weiteres Motiv von hier oben aus. Ich kopiere es hier runter und ordne es ein bisschen neu an. Ich denke, ich werde sehen, wie das jetzt aussieht. Ich denke, es sieht besser aus, aber ich denke, ich muss weiter unten an der ganzen Wiederholung hier arbeiten. Ich werde diese anderen Hintergründe löschen und diese bearbeitete Version unten kopieren , um sicherzustellen, dass ich alle Änderungen habe, wenn ich hier auch Anpassungen vornehme. Ich doppelklicken erneut auf den Isolationsmodus, und ich werde weiterhin die gleiche Art von Anpassungen vornehmen. Ich werde einige Motive verschieben und kopieren, um sie wiederzuverwenden, und einige bewegen, Teile löschen und andere mit dem Blob-Pinselwerkzeug hinzufügen. Manchmal, wenn man ein Motiv bewegt, landet es hinter einem anderen Motiv. Um dies zu beheben, können Sie beide Motive auswählen und zum Ebenenbedienfeld wechseln und die Motive in der Liste finden. Da sie ausgewählt sind, haben sie kleine blaue Quadrate rechts von ihnen in der Liste. Hier finde ich die kleine Blume und klicke auf die Reihe und ziehe sie dann hoch und platziere sie über das Blattmotiv, und das bringt die Blume vor das Blatt. Sie können auch ein neues Objekt zeichnen, wenn Sie kein anderes wiederverwendbares Objekt finden. Ich werde weiter gehen und einige dieser Anpassungen vornehmen und die restlichen Leerzeichen ausfüllen und einige Korrekturen hier und da machen, und bin in einer Sekunde zurück. Jetzt werde ich doppelklicken, um aus dem Isolationsmodus zu kommen, und ich möchte Kopien meiner Hintergrund-Layer-Motive auf allen Seiten erstellen, genau wie ich es mit einem Vordergrundmotiv getan habe. Nun, es ist Zeit, mein Muster zu testen, um zu sehen, wie es funktioniert. Um ein Musterfeld zu erstellen, wähle ich meinen quadratischen Hintergrund aus, drücke Befehl C, um eine Kopie zu erstellen, und dann Befehl B, um ihn dahinter einzufügen. es noch ausgewählt ist, komme ich hierher zu meinem Farbfeld-Panel und gebe dieser Kopie keine Füllung, und stelle sicher, dass sie auch keinen Strich hat. Ich wähle alles aus und ziehe es so zu meinem Farbfeld-Panel, bis ich eine kleine blaue Linie sehen kann, und dann kann ich sie fallen lassen. Jetzt zeichne ich ein großes Rechteck irgendwo auf meiner Leinwand und fülle es dann mit meinem Muster und Voila. Hier ist der erste Blick auf meine Trailing Arts and Crafts Muster. Ich denke, es ist wirklich nett geworden. Aber es gibt noch eine coole Sache, die ich Ihnen auf diesem zeigen möchte , bevor ich meine anderen Hintergrundmotive ausprobiere. An manchen Stellen wäre es wirklich schön, wenn die Hintergründe über die großen Blütenstiele kreuzen, wie hier, hier, hier und hier. Der einfachste Weg, dies zu tun, besteht darin, einfach den Teil des großen Stiels zu löschen, der vorne ist. Ich muss dieses Front-Layer-Motiv hier auswählen und mit dem Radiergummi einsteigen und diese Teile entfernen. Aber bevor ich das mache, möchte ich eine Kopie dieser ganzen Wiederholung machen und sie hier drüben platzieren , da ich diese Vordergrundmotive für meinen anderen Hintergrund möchte, und dann möchte ich sie unberührt lassen. Ich werde mein Radiergummi holen und loslegen. Ich werde sicherstellen, dass Sie etwas Marge löschen, als ob der kleine Stiel auch einen Umriss hätte. Das macht es deutlicher, und da die Hintergrundzweige und der Stamm Blotch die gleichen Farben sind, würden sie sonst einfach miteinander verschmelzen. Ich lösche diese Frontmotive und kopiere das bearbeitete und lass uns jetzt sehen, wie das aussieht. Ich ziehe das hier rüber, um ein neues Musterfeld zu erstellen und dann mein Rechteck mit dem neuen Muster zu füllen. Das gefällt mir wirklich. Jetzt werde ich meinen anderen Hintergrund ausprobieren und damit auch ein Muster erstellen. Das ist auch wirklich hübsch geworden. Aber mit einem völlig anderen Aussehen und Ausdruck als der erste. Welches gefällt dir am besten? Mein Favorit ist dieser hier, und ich denke, es sind diese verflochtenen Zweige, die es geschafft haben. In der nächsten Lektion zeige ich Ihnen, wie Sie diese Art von Muster effektiv neu einfärben können. 33. Umfärben deines Musters: In dieser Lektion zeige ich Ihnen, wie Sie die letzten Änderungen an den Musterfarben vornehmen. Das erste, was wir tun werden, ist, die Farben im Muster zu überprüfen. Ich werde das hier benutzen, mein Favorit. Also, was ich jetzt tun will, ist genau zu sehen, welche Farben und wie viele, die ich am Ende hatte. Eine einfache Möglichkeit, dies zu tun, besteht darin, die gesamte Wiederholungsstruktur auszuwählen. Sie dann hier im Musterfeld auf diesen kleinen Ordner, KlickenSie dann hier im Musterfeld auf diesen kleinen Ordner,um eine Farbgruppe all dieser Motive und Objekte im Muster zu erstellen . Jetzt kann ich die Farben sehen, die ich verwendet habe und sie auch zählen. Also landete ich mit 12 Farben. Das sind ein paar mehr, als ich in meinem Plan hatte. Wenn ich also zum Beispiel die Zahlen verringern möchte, könnte ich dieses Braun hier wegnehmen, das ich irgendwie für die kleinen Punkte in diesen kleinen Blumenzentren verwendet habe. Ich kann auch mein zweites dunkelgrün ändern, das ich für die Blattkonturen und auch die kleinen Blattnerven verwendet habe , und verwenden Sie das gleiche dunkelgrün wie der Hintergrund meine grüne Nummer eins, erinnern Sie sich? Dazu wähle ich mein Musterrechteck aus und klicke hier oben auf das Wiederfärbungswerkzeug. Dies ist ein wirklich nützliches Werkzeug in Illustrator. Es ist ziemlich anspruchsvoll mit vielen Funktionen und es braucht Zeit, um sich mit ihnen alle vertraut zu machen. Hier drüben habe ich alle Farben in meinem Muster. Das ist so braun und hier ist das zweite dunkelgrün. Ich werde sie gegen meine grüne Nummer eins tauschen, die hier ist. Jetzt ziehe ich dieses Grün von hier rüber zu diesem kleinen braunen Muster auf der rechten Seite. Dann mache ich dasselbe mit dem zweiten Grün. Jetzt hat sich alles in dem Muster, das braun und grün war , zu meiner Nummer eins grün geändert. Ich klicke auf OK und jetzt hat es eine neue Version meines Musters in meinem Farbfeld-Panel gespeichert. Jetzt kann ich meine Zahlen noch einmal überprüfen, indem ich meine Musterwiederholung wie folgt aus dem Musterfeld herausziehe und diese dann als neue Farbgruppe speichern. Wie Sie sehen können, hat diese neue Gruppe weniger Farben als die vorherige, so dass es mir gelungen ist. Was also, wenn ich die Farbe von sagen wir alle kleinen Hintergründe Äste und Blätter ändern möchte , ohne die Farbe des großen Stempels Lacz auch zu ändern, weil sie die gleiche Farbe haben. Jetzt kann ich das Muster nicht neu einfärben, aber wenn ich zu meiner Musterstruktur gehe, habe ich gerade herausgezogen und jetzt ist es gruppiert, also werde ich es einfach aufheben. Dann kann ich hier auf dieses Hintergrundmotiv doppelklicken, um in den Isolationsmodus zu gelangen. Jetzt zeichne ich ein Rechteck und fülle es mit einer Farbe, in die ich diese Blatt- und Zweigmotive ändern möchte. Ich werde diese neue grüne Farbe ausprobieren, die ich noch nicht benutzt habe. Jetzt wähle ich alles aus, klicke auf das Werkzeug zum Nachfärben, und jetzt sind alle Farben dieser Motive und des neuen Grüns hier aufgelistet. Jetzt kann ich Plätze für dieses hellgrau-grüne in meinen Ästen und Blättern und dem neuen Grün wechseln . Hier kann ich sehen, wie es aussieht und wenn ich es behalten möchte, klicke ich in Ordnung. Jetzt erzeugt das kein neues Muster, da es nicht das Muster war, das ich neu einfärbt habe. Also, was ich jetzt tun muss, ist, diese bearbeitete Motivgruppe wieder zu kopieren und ein neues Musterfeld zu erstellen. Hier ist, wie sich das mit der neuen grünen Farbe herausstellte. Das Schöne ist jetzt, dass, da die Hintergrundzweige und Blätter jetzt eine einzigartige Farbe haben, die nirgendwo anders im Muster existiert, ich das Muster stattdessen neu einfärben kann, wenn ich neue Farben für diese Zweige ausprobieren wollte und Blättern. Sie können natürlich auch das Werkzeug zum Nachfärben verwenden, um mit neuen Farbkombinationen Ihrer Palette zu experimentieren , indem Sie diese Funktion hier verwenden, die Ihre Farben vermischen wird. In dieser Art von komplexem Muster wird es normalerweise nicht so gut funktionieren und verrückte Alternativen bekommen, die nicht sehr gut aussehen. Manchmal kann es Ihnen eine Idee für eine neue Farbe geben, für ein Motiv oder den Hintergrund, zum Beispiel. Ein letzter Tipp ist, eine neue Farbpalette zu erstellen und sie als neue Farbgruppe in Ihrem Farbfeldbedienfeld zu speichern, wie ich es hier getan habe. Wichtig ist jedoch, dass Sie die gleiche Menge an Farben behalten , die Sie in Ihrer vorhandenen Farbpalette und Gruppe hier haben. Also, wenn mein Musterrechteck hier ausgewählt ist, klicke ich wieder auf das Werkzeug zum Einfärben, und hier auf dieser Liste auf der rechten Seite kann ich auf meine jetzt alternative Farbgruppe klicken, und es erscheint hier drüben und hat auch das Muster damit neu gefärbt. Jetzt kann ich diese herumziehen und wechseln, um die Positionen zu finden, die ich will. Wenn ich zufrieden bin, kann ich auf OK klicken und es hat ein neues Musterfeld für mich mit der neuen Farbpalette gespeichert . Also, dies sind einige Tipps für die Anpassung Ihrer Musterfarben in Ihrem Rauchen neue nachfolgende Kunst und Handwerk Muster. Nun, geh zur nächsten Lektion, wo ich ein paar letzte Worte für dich habe. 34. Nächster Schritt und Endnotiz: Wir kommen zum Ende dieses Kurses und ich hoffe, Sie haben es genossen und viel gelernt. Wenn Sie noch mehr Anleitung bei der Gestaltung Ihres eigenen Trailing Arts and Crafts Muster haben möchten , habe ich einen dreiwöchigen E-Mail-Workshop als Begleiter und Erweiterung zu diesem Kurs erstellt . Während dieser drei Wochen erhalten Sie 10 E-Mails, jede mit ermutigenden und umsetzbaren Schritten und zusätzlichen Ressourcen , die Ihnen helfen, in Ihrem Design-Prozess der Erstellung Ihres Musters voranzukommen. Wenn Sie am Workshop teilnehmen möchten, finden Sie einen Link, wo Sie sich anmelden können, im Box-Bereich dieses Kurses und auch auf meiner Profilseite hier auf Skillshare und natürlich auf meiner Website. Sie können jederzeit mitmachen und in Ihrem eigenen Tempo gehen. Wenn Sie sich anmelden, erhalten Sie auch eine erweiterte Version der Trailing Arts and Crafts Workbook, die Sie benötigen und für die Sie im Workshop verwenden können. Bevor ich Sie verlasse, möchte ich Sie ermutigen, ein Studentenprojekt im Ressourcen- und Projektbereich dieses Kurses zu erstellen und mit mir und Ihren Kommilitonen über das Kunst- und Handwerksmusterzu teilen mir und Ihren Kommilitonen über das Kunst- und Handwerksmuster , das Sie erstellen mit Hilfe dessen, was Sie in diesem Kurs gelernt haben. Im Projektabschnitt habe ich Vorschläge aufgeführt, was Sie in Ihr Projekt aufnehmen können. Dort finden Sie auch die Arbeitsmappe, die ich für diesen Kurs erstellt habe. Eine andere Sache, am Ende jedes Jahres wähle ich einen Schüler aus, der ein Klassenprojekt in einem meiner Kurse im Laufe des Jahres absolviert hat und wer mein Skillshare Stipendium bekommen wird. Dies ist ein kostenloses Jahr der Skill Share Premium-Mitgliedschaft. Wenn Sie sich außerhalb von Skillshare mit mir verbinden möchten, können Sie meiner Facebook-Gruppe namens Pattern Design mit Barbel Dressler beitreten oder für meinen Newsletter anmelden und mir auch auf Instagram @bearbellproductions folgen. Weitere Informationen dazu, wie Sie es auf das Stipendium anwenden und alle meine Links finden Sie auf meiner Profilseite und auch in der Box Abschnitt dieses Kurses. Eine Erinnerung, wenn Sie nicht genug von Zeichenübungen bekommen können, werden Sie diese Bonusübungen direkt nach diesem Video finden. Diese Videos sind Tutorials, die ich mit meiner Mailingliste als Vorbereitungsbonus geteilt habe , bevor dieser Kurs veröffentlicht wurde. Der nächste Teil dieser Serie über das Erstellen von Kunst- und Handwerksmustern ist das Erstellen von Serpentinenmustern. Halten Sie auch Ausschau nach dem hier. Alles klar, das ist alles für diese Zeit. Ich freue mich darauf, zu sehen, was Sie machen. 35. Bonus-Zeichenübung: Die Tudor-Rose: Es gibt natürlich viele verschiedene Arten von Rosen, die wir zeichnen könnten. Aber es war die Wildrose oder die Tudorrose , die Königin aller Rosen in den Kunst- und Handwerksmustern war. Wie bei den meisten Kunst- und Handwerksmotiven waren diese beiden meist in einer recht vereinfachten und flachen Art und Weise. Beginnen wir mit dieser, einer klassischen Version der Tudor-Rose. Es hat diese doppelten Blütenblätter, mit einigen kleinen Blättern zwischen jedem Blütenblatt. Wie Sie sehen können, sind sie hochsymmetrisch und sehr stilisiert. Der Schlüssel, um sie zu zeichnen, ist sehr methodisch zu sein und alle ähnlichen Formen und Linien in Schritten zu zeichnen . Lassen Sie mich Ihnen zeigen, wie Sie das vorgehen können. Zuerst werden wir einen Führungskreis für die äußere Form zeichnen. Dann werden wir einen weiteren Kreis innerhalb dieses Kreises zeichnen. Wenn Sie sich vorstellen, dass hier die Mitte ist, dann könnten Sie die Hälfte der Entfernung von der Mitte zur äußeren Linie machen, irgendwo hier werden Sie den zweiten Kreis, den Mittelkreis als auch platzieren . In einer Kunst und Handwerk stieg, und im mittelalterlichen Stil, gibt es immer fünf Blütenblätter in jeder Schicht gesetzt, so dass wir den Kreis in fünf gleiche Teile teilen müssen, ungefähr so. Dann lassen Sie uns auch einige zusätzliche Führungslinien für den inneren Kreis so machen. Jetzt ist es an der Zeit, die Formen zu den Blütenblättern hinzuzufügen. Wir fangen mit den inneren Blütenblättern an. Das erste, was wir hinzufügen werden, sind diese kleinen Schleifen hier oder Kreuzungen zwischen den kleinen Blütenblättern. Wir werden das alles auf einmal machen. Nur um sicherzustellen, dass sie symmetrisch aussehen, mehr oder weniger gleich. Als nächstes werden wir die Ecken der Blütenblätter zeichnen, die abgerundeten Ecken hier drüben, und Sie tun dasselbe für jedes Blütenblatt. Als Nächstes werden wir uns mit diesen verbinden. Dann werden wir auch die kleinen Knoten mit den Ecken verbinden. Zeichnen Sie die gleichen Linien und Formen auf einmal, wir beginnen mit allen Knoten, dann machen wir die Ecken auf einmal und verbinden sie dann. Auf diese Weise ist es so viel einfacher, diese symmetrische Form und Linie zu erstellen. Im nächsten Schritt werde ich diese kleinen stilisierten Umsätze zu diesen Blütenblättern hinzufügen. Jetzt werden wir das Gleiche tun. Wir werden hier mit einer Biegung entlang dieser Führungslinie beginnen, und wir werden jedem Blütenblatt die gleiche Form machen. Jetzt machen wir die entgegengesetzte Biegung oder Kurve so. Gehen Sie einfach zu jedem Blütenblatt herum und machen Sie den gleichen Schritt für jeden. Wir werden sie nicht so frei ziehen, denn wenn du das tust, wird es nicht so viel aussehen. Der nächste Schritt besteht darin, diese kleinen Blätter zu erstellen. Nun, wie bei fast jedem klassischen Muster und seinen Motivelementen, verwenden Sie die S-Linie. So erstellen Sie einen Umriss, der in der Form eines S ist. Dann auf der anderen Seite ist es nur eine Kurve, eine einfache Kurve. Du könntest hier natürlich auch eine sehr symmetrische Sache tun, also liegt das an dir. Aber Sie können immer noch die S-Linie machen, aber tun Sie es auf symmetrische Weise. Der nächste Schritt besteht darin, die äußeren Blütenblätter zu formen. Wir fangen an, wie wir es mit den inneren Blütenblättern getan haben. Wir werden diese abgerundeten Ecken kreieren, und du gehst herum und tust das für alle Blütenblätter. Anstatt dann die Blütenblätter zu erzeugen, die auf diese Weise gekrümmt sind auf die Kante hinweisen, erzeugen wir eine Variation. Stattdessen machen wir eine Kurve, die in Richtung Zentrum gerichtet ist. Wir wollen immer Variationen in unseren Motiven haben, und dann verbinden Sie sie, die Kurven und die Seiten, und mit der Mitte. Dann machen wir jetzt diese kleinen Blätter. Dann können wir es mit diesen kleinen Stempeln beenden. Wir haben ein Detail verpasst, kann ich jetzt sehen. Es ist diese Linie hier, die auch ein bisschen Umsatz oder zumindest eine Textur impliziert. Wir werden dies methodisch wieder tun, all diese Kurven und dann die Seitenkurven hinzufügen. Das ist also diese Version. Dann können wir dieses versuchen, was uns auch Variation von Optionen gibt, wie die Blütenblätter zu erstellen. Wir werden es genau das gleiche methodisch machen. Jetzt lasst uns anfangen, diese Blütenblätter zu formen. Wir beginnen mit den Kurven dieser kleinen Blütenblätter. Dann verbinden wir sie einfach mit dem Mittelkreis. Der nächste Schritt, jetzt gehen wir direkt zu den äußeren Blütenblättern, und dann werden wir die Details später hinzufügen, und wir werden das gleiche tun wie zuvor. Lassen Sie uns die Ecken, die abgerundeten Ecken jedes Blütenblattes machen. Wie Sie sehen können, werden wir jetzt eine Kurve machen, die von der Mitte nach außen gerichtet ist. Wir werden den Führungslinienkreis verwenden und diese kleine Kurve außerhalb des Kreises hinzufügen. Jetzt verbinden Sie all diese kleinen Kurven. Dann werden wir einige Details machen. Zuerst werden wir diese kleinen Blätter machen, und dann werden wir auch etwas Textur oder Schattierung machen. Jetzt wird es nicht so sichtbar sein, wenn meine Führungslinien im Weg sind. Aber ich werde sie einfach so machen, ich denke, du wirst sie sehen. Dann werden wir für die äußeren, größeren Blütenblätter drei Linien wie diese machen, um etwas Textur zu schaffen. Das war ein paar Beispiele dafür, wie man die stilisierte mittelalterliche Tudorrose zeichnen kann. Jetzt bist du dran. Gehen Sie weiter und versuchen Sie es zu zeichnen, üben Sie es ein paar Mal. Auch verwendet dies als Inspiration für Ideen, wie Sie die Blütenblätter und die Zentren variieren können und so weiter. Dann gehen Sie weiter und zeichnen Sie Ihre eigene Version der Tudor-Rose. 36. Bonus-Zeichenübung: Die wilde Rose: Dieser ist eher eine Darstellung einer wilden Rose. Zeichnen Sie einfach den Führungskreis und die Mitte. Jetzt werden wir noch ein paar Führungslinien für die Pedale machen. Wir werden die abgerundeten Kanten machen. Dann können Sie die Blütenblätter variieren. Sie können sie tun, so dass sie ein wenig flach sind oder sie können abgerundet werden. Sie können eine kleine zusätzliche Kurve wie diese haben. Hier kann es mehr freie Hand gehen und Sie müssen nicht so methodisch sein , als ob Sie etwas schaffen, das symmetrisch ist. Dieser hat etwas mehr organische Form. Dann der Schlüssel hier sind diese Schattierung oder eine texturale Linien, die ihnen diesen Charakter und Schein gibt, denke ich so. Sie können einfach voran gehen und fügen Sie einige davon und tun sie Schicksal kommen in verschiedene Richtungen und einfach machen sie variiert. Dann können wir diesem eine S-Form anbringen. Dann habe ich hier einen Doppelten erschaffen, der herauskommt. kannst du tun. Dann haben wir eine, die etwas gewellt ist. Wenn ich sie mache, mache ich gerne auch Führungslinien, sonst sind sie manchmal ziemlich schwierig, so zu erreichen. Dann haben wir einen langen. Dann können wir das tun, das ein bisschen mehr ist als gelappt. Ich werde eine hierher kommen lassen und die da hinübergehen. Wir haben diese drei Lappen und das ist gut, es ist ein bisschen länger als der erste. Dann würden wir die Punkte innerhalb dieses Zentrums machen. Lasst uns auch schnell über das hier gehen. Mal sehen, ich brauche hier mehr Platz, aber ich werde es nicht so groß machen müssen. Das größere Zentrum, lassen Sie uns unsere Leitstücke von Kuchen machen. Jetzt, wenn wir diese spitzen Blütenblätter erstellen, ist eine Spitze, um draußen zu beginnen und die S-Form so zu machen. Hier kann man auch etwas methodischer sein, obwohl es hier nicht darum geht, völlig symmetrisch zu sein. Es ist einfach einfacher, schöne Formen zu machen, wenn Sie es so machen. Ich habe wenigstens gefunden. Dann schüttelst du sie einfach aus, mehr von ihnen, und lässt sie sich mit diesem Mittelkreis verbinden. Für diese werden wir auch einige Details hinzufügen, die ein bisschen eine Umdrehung der Pedale implizieren, und diese sind definitiv sehr dünn. Dann machen wir ein paar Blütenblätter, und dieses wird geteilt wie eine Schlangenzunge. Diese kleinen Rosen hier haben nicht so viele Details oder Variationen, haben nicht so viele Details oder wenn es um Textur und Schatten geht, aber wenn wir Muster erstellen und diese einschließen, würden wir sie färben und in diesem Schritt würden wir weitere Details hinzufügen. Wir würden zusätzliche Linien oder Formen wie diese erstellen. Dies könnte eine weiße Farbe sein und der Rest des Pedals wäre in einer hellroten oder rosa Farbe. Als nächstes möchte ich Ihnen zeigen, wie Sie Variationen dieser wilden Rose zeichnen, und das ist natürlich, um die verschiedenen Stufen der Rose von einer sehr neuen Knospe zu etwas, das begonnen hat, ein wenig zu entfalten, und dann haben wir dieser, der gerade bereit ist zu platzen und zu blühen. Diese sind natürlich zwei stilisierte, in einer sehr mittelalterlichen inspirierten Art und Weise. Der Weg, dies zu zeichnen, besteht darin, zuerst mit einem Kreis wie diesem zu schlagen. Es ist dieser hier. Dann fügen Sie hier dieses kleine Ding hinzu, und dann folgen Sie einfach diesem und erstellen Sie eine schöne kleine Biegung wie diese. Dann komm rein und erschaffe ein paar Lappen. Dann hier, der Schlüssel ist diese kleine Öse hier. Das ist sehr charakteristisch für diese Art von Rose. Dann kommt ein weiterer Lappen hier hoch, und er geht so und ist nicht bis zur linken Seite. Nur um mehr Variation hinzuzufügen und wir haben auch den kleinen Stiel. Hier können wir auch etwas Textur hinzufügen. Ich habe das nicht für diesen hier getan, aber es wird so etwas sein. Macht es auch so dekorativ. Der nächste, den wir machen werden, der mittlere. Es ist einfach auch wirklich einfach, und mal sehen, ob wir eine Variation machen können, die nicht genau wie diese ist. Stattdessen wird es so runtergehen, und dann haben wir diese kleinen Ösen hier unten. Fangen wir damit an, und wir haben dieses Zentrum. Nun, ein bisschen flippig. Der letzte, lass uns das auch tun. Jetzt werde ich damit beginnen, diesen Kelch zu erschaffen. Dann haben wir die Mitte, und hier müssen wir die Ösen nicht machen, weil das nicht wirklich für die Kreuzungen hier geeignet ist. Ich werde ein bisschen anders machen. Dann haben wir Blütenblatt, das auftaucht, das Zentrum. Für diese können Sie etwas Textur hinzufügen. Wenn Sie möchten, können Sie nur für diese Übung voran gehen und füllen Sie sie mit einem feinen Liner nur zum Spaß. Ich liebe es, mit feinem Liner zu füllen und ich weiß, dass du es liebst. Vielleicht sollte ich einfach weitermachen und das tun. Das werde ich wenigstens für diesen kleinen Kerl hier tun. Schlagen Sie sich aus und haben Sie Spaß beim Zeichnen von Rosen. 37. Bonus-Zeichenübung: Rosenblattwerk: Andere Elemente der Rose sind natürlich die Zweige und die Blätter. Hier sehen Sie ein Beispiel für ein Ensemble. Ich werde dir jetzt zeigen, wie man sie zeichnet. Ich fange mit dem dickeren Zweig an. Wie Sie sehen können, ist es in seinen Eigenschaften ziemlich einfach. Es hat diese großen Dornen hier und da. Das ist für mich ein sehr mittelalterlicher Stil. Dann haben wir diese abgeschnittenen Äste. Jemand kümmert sich um ihren Rosengarten und schneidet sie im Frühjahr und dann aus diesem heraus. Eigentlich denke ich nur, tun Sie so, als wäre das nicht hier, der Hochland dort. Das war ein Fehler, den ich getan habe. Ordnung, aber aus diesem dickeren Hauptzweig, dem Rückgrat, entsteht ein weiterer Zweig, der dünner ist und sich hier auch in etwas Laub teilt. Diese Zweige haben nur kleine Dornen, nur kleine Spuren wie diese. Ich liebe dieses Detail wirklich. Von diesen dünneren Zweigen haben wir dann diese rosafarbenen, charakteristischen Rosenblätter angebracht. Hier und da können wir einige Rosen und verschiedene Knospen stecken und so weiter. Ich werde Ihnen zeigen, wie man das zeichnet. Beginnen wir mit diesem dicken Ast mit den großen Dornen. Machen wir eine Richtungslinie. Ich wollte es etwas unregelmäßig haben, also mache ich diese S-Form so. Jetzt skizziere ich die Dicke des Zweigs. Es kann sogar den ganzen Weg sein, denn in einem Wiederholungsmuster werden wir dies wahrscheinlich nur über die Grenzen der Wiederholung fortsetzen. Ich denke, das ist ziemlich nett und eben. Jetzt möchte ich diese abgeschnittenen Äste haben und ich denke, es ist am besten, diese in den Kurven so zu machen. Beginnen Sie mit einer gekrümmten Kreuzung wie diese und dann eine andere glatt wie diese. Das Merkmal des Endes hier ist, wie Sie es in einer Tropfenform tun. Dann haben wir noch einen hier drüben. Es sieht nicht realistisch aus, ist stilisiert, aber es ist nur, es fängt die Essenz eines Schnitts von Zweigen, nicht wahr? Lassen Sie uns weiter, also machen Sie diese Kurve und eine andere wie ein Vogelschnabel fast. Sie sind ziemlich übertrieben, diese Dornen, groß und Sie wollen nicht von ihnen gestochen werden. Legen Sie sie hier und da auf diesem Hauptzweig. Ich möchte einige zusätzliche dünnere Zweige haben, die von diesem Hauptzweig herauskommen. Ich denke, hier ist ein wirklich großartiger Ort, also mache ich diese abgerundete Kreuzung. Ich möchte, dass dieser ein bisschen hinterher ist und so auftaucht. Dann kommen wir noch einen so hoch und dann vielleicht einen kleinen, der so rausragt. Dann wahrscheinlich noch ein solcher. Weil Sie die dünneren Zweige verteilen möchten und dann, wenn Sie die Blätter in eine ebene Oberfläche befestigen. Jetzt geben wir dem noch mehr Leiche. Hier können Sie entscheiden, ob Sie hinter dem Hauptzweig oder vorne reinkommen wollen. Ich glaube, ich überquere vorne. Wenn Sie diese gegabelten Knoten hier haben, tun Sie dasselbe. Diese kleinen weichen Abzweigungen. Die Rosenblätter sind paarweise an den Zweigen befestigt. Nun, zuerst fängst du mit einem oberen Blatt an. Rosenblätter sind ziemlich abgerundet in ihrer Form und mit einer spitzen Spitze. Natürlich sind sie stachelig, aber wir werden sie einfach ab und zu rausbringen , und dann kommen wir mit den Details rein. Dann kommen wir noch ein Blatt wie dieses. Jetzt sind sie paarweise platziert. Diese sind ziemlich unkompliziert, sie sind von der Seite nicht zu viel zu sehen. Dann könntest du sie auch nach oben so tun, aber um etwas Variation zu schaffen, was kann ich tun, damit sie nach unten zeigen? Legen Sie einige Blätter in Paaren wie diese und andere Zweige als auch. Vergessen Sie natürlich nicht, hier und da eine Rose oder eine Knospe in verschiedenen Blütestadien zu platzieren . Jetzt werden wir die stacheligen Kanten machen. Wir wollen nicht, dass es realistisch aussieht, wir wollen, dass es stilisiert wird. Ein echtes Rosenblatt hat viele Stacheln oder Punkte. Du bist am Rande, aber wir werden das nicht tun, weil wir die Essenz dessen, wie ein Rosenblatt aussieht, vereinfachen und einfach erfassen wollen . Also werden wir Stachel haben, aber nur ein paar. Das ist der Trick. Wir werden wie vier Stachel machen, vielleicht fünf. Jetzt haben wir die stacheligen Kanten, ein weiteres Detail, das wir hinzufügen werden, sind die Mittelnerven. Sie sind immer mehr oder weniger gebogen oder gekrümmt so. Jetzt werden wir einige zusätzliche Details machen. Wie zwei oder drei, genau wie bei den Stacheln, nicht zu viele. Was Sie jetzt tun können, ist, einfach noch ein paar Blätter, vielleicht noch mehr Zweige und einige Blumen hinzuzufügen . Dann, wenn Sie fertig sind, können Sie einige dieser kleinen Mini-Dornen an diesen Rändern hinzufügen. Das ist etwas, was ich wahrscheinlich tun würde, wenn ich es mit meinem schwarzen Fineliner oder dem Pinselstift, den ich benutze. Das waren also die Rosenzweige und die Blätter. Jetzt können Sie diese Techniken und diese Elemente verwenden und wie Sie sie zeichnen und erstellen Sie Ihr eigenes Ensemble und Praxis, um Motive für ein Kunsthandwerk Rosenmuster zu erstellen.