Musikproduktion in Ableton Live: Lernen Sie, wie Sie Musik in jedem Genre produzieren können

1. Einführung in die Musikproduktion und Arrangierung: Produzieren ist die Kunst ein Musikstück zum Leben zu erwecken. Durch den Produktionsprozess können Sie denselben Song in völlig unterschiedliche Welten bringen. Typ eingeben. In diesem Kurs lernst du die Songstruktur sowie die verschiedenen Herangehensweisen zur Produktion eines Songs kennen. Wir werden uns mit fortgeschrittenen Produktionstechniken wie Kontrast und Layering befassen, um sicherzustellen, dass Ihr Song durchweg atemberaubend ist Produzieren und Arrangieren ist der Unterschied zwischen einer akustischen Balladenversion eines Songs und einer EDM Dance Hall-Banger-Version Ich bin Benza Maman. Ich habe einen Abschluss in Musikkomposition und arbeite seit 2010 hinter den Kulissen der Musikindustrie Ich habe Songs für unzählige Künstler geschrieben und produziert und hatte das Privileg, mit Autoren und Produzenten von Künstlern wie Taylor Swift, Paul McCartney, Luke Combs und vielen mehr zusammenzuarbeiten Autoren und Produzenten von Künstlern wie Taylor Swift, Paul McCartney, Luke Combs und In letzter Zeit habe ich sogar Millionen von Streams, Views und einige eigene virale Videos Und ich kann es kaum erwarten, dieses Jahrzehnt an Wissen mit Ihnen zu teilen. hervorragende Produktion kann ein Musikstück komplett verändern, und wir zeigen Ihnen, wie Sie eine 80er-Synth-Version eines Songs haben können eine 80er-Synth-Version eines Songs haben Oder eine Orchesterversion desselben Songs und umgekehrt. Und allein die unterschiedliche Produktion eines Songs kann den Unterschied von einem mittelmäßigen Song zu einem Dieser Kurs wurde entwickelt , um Sie mit den Werkzeugen und dem Wissen auszustatten den Werkzeugen und dem Wissen , um Ihre Musik auf die nächste Stufe zu heben Egal, ob du gerade erst anfängst oder versuchst, deine Fähigkeiten zu verfeinern, ich bin hier, um dich bei jedem Schritt zu begleiten . Und mach dir keine Sorgen. Wir halten es ansprechend und unkompliziert mit vielen praktischen Tipps, die Sie sofort anwenden können. Ich verwende Ableton Live, aber die Tools und Techniken, die ich in diesem Kurs unterrichte können auf jede Musikproduktionssoftware angewendet werden Die Aufgabe für diesen Kurs besteht darin, dem Beispiel zu folgen und einen eigenen Song zu produzieren Wenn Sie also bereit sind die Türen der Musikproduktion aufzubrechen, dann lassen Sie uns gleich eintauchen und loslegen. 2. Grundlegende Songstruktur: Willkommen im Kapitel Arrangieren und Produzieren. Hier setzen wir alles, was wir gelernt haben zusammen und machen unsere eigenen Songs Lassen Sie uns also ohne weitere Umschweife gleich loslegen. Wir werden damit beginnen, über die grundlegende Songstruktur zu sprechen. AB ist die grundlegendste und gebräuchlichste Struktur in allen Genres und Zeiten. Von klassischer Musik über Popmusik bis hin zu EDM. In Pop wirst du einen Strophenchor haben. A B. In EDM haben Sie klassisch Build Drop Sie können A B A B haben, was Strophe Chorus Vers Chorus oder Build Drop Build ist Wenn Sie zwei Abschnitte haben, haben Sie einen Song. Wenn du also beim Songwriting zwei Melodien hast, hast du ein Lied, weil eine Melodie deine Strophe wäre Eine andere Melodie wäre dein Refrain. Da haben wir plötzlich ein Musikstück weil du die Strophe Chorus vers Chorus nehmen kannst und du kannst es beenden, wenn Es ist also wichtig, dass Sie sich mit der Struktur auseinandersetzen , um zu wissen, ob Sie eine Idee haben, Sie einen Teil eines Songs haben Wo will es hin? Was willst du sonst noch damit machen? Und manchmal hatte ich Teile von Songs, in denen ich nur einen Teil hatte, und ich konnte nicht wirklich herausfinden , was der nächste Teil schlagen soll. Das ist völlig in Ordnung, wenn du nur einen Teil hast und du einfach nicht herausfinden kannst , was der nächste Teil schlagen will. Wissen Sie? Manchmal brauchst du vielleicht nur ein Teil. Ich weiß es nicht. All diese Regeln sind dazu da, gebrochen zu werden. Aber manchmal hast du vielleicht einfach einen Teil eines Songs und musst ihn einfach für eine Weile entspannen lassen, weil ich Songs wie diesen hatte, wo ich sagte, wow, dieser wirklich, wirklich coole Teil, diese eine Melodie, dieser eine Teil, und ich kann einfach keinen anderen Teil dafür finden Und ich lasse es einfach entspannen, und dann komme ich später darauf zurück, und dann präsentiert sich ein weiterer Teil Also manchmal ist das der Fall. Das ist keine große Sache. Bei Musik ist es wirklich wichtig, ständig Neues zu kreieren, ständig neue Dinge zu machen, damit man nie zu wertvoll wird und zu sehr an einer Idee festhält. Songstruktur braucht eine Weile, bis sie sich in dich integriert hat, aber bald wird sie einfach instinktiv sein. Du wirst es einfach wissen Du wirst es einfach fühlen. Und sobald du anfängst, auf Struktur zu achten, wenn du Musik hörst, wird sie in dein eigenes Musikschaffen Wie bei allem empfehle ich dringend, dass Sie jedes Mal, wenn Sie sich einen Song anhören, versuchen, sich der Struktur bewusst zu sein Weißt du, welche Teile passieren? Ist es Strophe, Refrain und Refrain? Ist es Bilrop, Build Drop? Ist es eine einzigartige Version? Weil einige Songs eine einzigartige Wendung haben werden. Sie werden eine Strophe sein, ein Refrain und dann ein anderer Teil und dann noch eine Strophe und ein Refrain und dann vielleicht eine Brücke Und je mehr du anfängst, diesen Dingen Aufmerksamkeit zu schenken , desto mehr musst du aus deinem musikalischen Werkzeuggürtel ziehen, denn wenn du inspiriert bist und schreibst, je mehr von diesen Songstrukturen in deinem Kopf sind , wirst du sagen können, okay, naja, weißt du, Daf Punk hat diese Art von zusätzlichem Part in drei Vierteln gemacht zusätzlichem Part in drei Vierteln ihrem Song , den ich wirklich mochte, und mein Lied ist vielleicht ihrem ähnlich oder vielleicht nicht ähnlich, aber vielleicht werde ich diese Idee bei meinem Song ausprobieren. Und diese Art zu denken und verschiedene Genres zu kombinieren verschiedene Genres ist genau das, was du tun solltest 3. Erweiterte Songstruktur: Lassen Sie uns nun über die erweiterte Songstruktur sprechen. Also grundlegende Songstruktur, A, B, zwei verschiedene Teile, die sich möglicherweise von selbst wiederholen. Die fortgeschrittene Songstruktur verschönert dieses Muster. Die klassische Popformel lautet Strophenchor Vers-Chor Bridge Chorus Das ist die klassische bewährte Formel für einen Popsong. Eine andere Betrachtungsweise könnte A, B, Strophenchor, A, B, Strophenchor, C B. Bridge-Chor C B. Bridge-Chor Aber das ist etwas verwirrend da C Chor und Sie können sich diese also vorstellen, wie Sie wollen, und welche Symbole Sie verwenden, um sich diese Muster zu merken, achten einfach auf eine gewisse Konsistenz, damit Sie nicht verwirrt werden Moderne Popmusik hat den Strophen Chorus Strous Chorus Bridge Chorus verschönert , weil die meisten modernen Popsongs einen sogenannten Vorchor haben Es geht um Strophen, Chor vor dem Chor. Und dann wiederholt sich normalerweise die Strophe, Chor vor dem Chor, und dann kannst du einen Brückenchor machen, oder manchmal machst du einfach einen weiteren Vorchor und einen Chor, das heißt, es wäre Strophe, Vorchor, Chor, Strophe , Vorchor, der Chor vor dem Chor, und dann kannst du einen Brückenchor machen, oder manchmal machst du einfach einen weiteren Vorchor und einen Chor, das heißt, es wäre Strophe, Vorchor, Chor, Strophe, Vorchor, Vorchor. Chor. Und da hast du's . Also ein ganzes Lied. Die Songs werden heutzutage tatsächlich ein bisschen kürzer, und manchmal sieht man, dass dieses Muster passiert. Es gibt wirklich keinen richtigen oder falschen Weg, das zu tun. Aber was ein Vorchor normalerweise ist. Es ist ein Abschnitt , der dazu neigt den Refrain überzugehen Es ist also ein sich wiederholender Teil, bei dem du anfängst , das vertraute Gefühl mitzunehmen, und dann geht es in den Refrain über, wo du hoffentlich singst und tanzt oder was auch immer das Lied für dich beabsichtigt Es gibt nicht nur einen Vorchor, sondern auch so etwas wie einen Jetzt hören wir uns ein paar Beispiele an , was das sein könnte Du kannst diesen Post-Chor einen Jam oder einen Chorus B oder was auch immer für dich Sinn macht, nennen einen Chorus B oder was auch immer für dich Sinn macht, Ich nenne es Post-Chorus, aber die Terminologie ist nicht so wichtig, wie wirklich zu verstehen, was Lassen Sie uns also weitermachen und uns einige dieser Beispiele anhören. Also, hier ist Summer Breeze. Dies ist ein älteres Lied und es hat einen großartigen Post-Refrain. Sehen Sie die Vorhänge, die abends im Fenster hängen , über dem verblassenden kleinen Jungen, der durch das Fenster scheint Lass mich alles wissen. Bei einigen fühle ich mich rau Jasmin Bei einigen fühle ich mich gut Komm und frage in meinem Kopf Cs pos. Ihr Post-Refrain ist also der eigentliche Anfang des ganzen Songs, nämlich dieser wirklich coole Instrumental-Hook oder dieser instrumentale Lead Also benutzen sie das, um den Song zu beginnen, und dann passiert es nach ihrem Refrain Es ist also die Songstruktur zu diesem wirklich coolen musikalischen Moment führt Hier ist ein anderes Beispiel für einen Post-Chorus. Oh, geh Glückliches, entzückisches Mädchen. Sie hat einen Jungen geheiratet. Danke. Sie würde dich rausschmeißen , wenn sie es je wüsste. Über dich sag mir, dass du es tust. Du weißt, dass in der Szene alle reden. Ich höre sie über den Ort flüstern. Mach deinen Pin. Und dass Sie nicht wissen, wie Sie Ihr Geschäft sauber halten können. Bobby, jetzt kriegt er Hoffnung. In der Karosseriewerkstatt. Tu etwas, geh nach Hause. Beim Drapieren hat er sich zurückgezogen. Sie hat es gesagt. Sie hat es weggelegt. Los geht's, wir gehen. Er hat seine Kinder draußen gelassen. Wir gehen, wir gehen. Also kann er den Kauf schlecht machen . Also dich dieser Abschnitt trifft oder der Abschnitt in dem letzten Song dich trifft, ich versuche darauf hinzuweisen, dass es einen Refrain-Moment ich versuche darauf hinzuweisen, dass es gibt Und dann gibt es hier noch einen sekundären Teil. Und im ersten Beispiel war es ein musikalischer Teil, der komplett nach dem Chorabschnitt passierte , der zum zweiten Teil dieses Songs führte . Es ist ein Gesangsteil, Es ist ein Gesangsteil, mehr in den Refrain selbst integriert zu sein scheint, aber es ist fast wie ein Teil des Refrains mit dieser anderen Melodie , die dann mit der Originalmelodie des Refrains dann mit der Originalmelodie des In diesem Song ist es also stärker integriert, und es gibt sicherlich ein Argument dafür dass das nur der Refrain ist, aber es ist eindeutig ein eigenständiger und anderer Teil. Es gibt Soli und instrumentale Unterbrechungen, die in praktisch jedem Genre vorkommen können in praktisch jedem Genre vorkommen Die klassische Rock-Ära hatte all diese großartigen Gitarrensoli. Jetzt in dieser neuen Art von Indie-Rock-Rock-Ära. Wir hören, dass mehr Gitarrensoli zurückkommen. Man kann Instrumentalpausen einlegen, und man könnte argumentieren, dass das bei einer Sommerbrise passiert , wie auch immer man es nennen will Du kannst weitermachen und dir den Song Get Lucky von Daf Punk anhören , weil sie viele verschiedene interessante Abschnitte in ihren Songs haben , und es ist eigentlich ein sehr komplizierter Song Hören wir uns das Lied Get Lucky von Daf Punk an und analysieren wir, welche verschiedenen Abschnitte wir dort hören Wir haben dieses Jam-Intro, ein kleines Solo. Wir haben dieses Gefühl des Andersdenkenden, mein Herz. Wie die Legende von der Sache. Corus A endet mit einem Anfang. Was treibt den Planeten dazu, zu senden? Äh, die Kraft des Anfangs. Äh, der Pre Corus. Kommt zu weit, um A. zu sagen, wer wir sind. Geht der Bus zum S-Kurs? Sie mag den Sohn sehr. Und meinen Hals, um ein Lied zu bekommen. Sie liebt es, Spaß zu haben. Und mein Hals, um Glück zu haben. Wir sind stolz auf den Sohn. Wir stecken im Nacken, um ein Lied zu bekommen. Wir sind aus Spaß im Nacken. Wir sind Fon Neck, um Glück zu haben. Wir sind Fon als Nächstes dran. Wir lieben es, Glück zu haben. Wir sind verrückt danach, Glück zu haben. Wir sind am Hals, um Glück zu haben. L-Instrument Bernstein. Die Gegenwart hat ihr nichts gegeben. Deine Gabe sorgt dafür, dass manche gegeben sind. Was ist nur ein Gefühl? Du willst gehen, ich bin Wing. Ah. Wir kommen zu weit, um zurückzukommen. Wer wir sind. Also bis weit ins Jahr. Sie ist ein lustiger Abend für den Sohn. Und ein lustiger Abend, um ein Lied zu hören. Sie ist ein lustiger Abend für viel Spaß. Und ein lustiger Abend, um Glück zu haben. Wir sind ein lustiger Abend in der Sonne. Wir sind ein lustiger Abend, um uns zu kriegen . Wir waren ein lustiger Abend, um Spaß zu haben. Wir haben einen lustigen Abend, um Glück zu haben. Wir sind bereit, Glück zu haben. Gute Nacht, um Glück zu haben. Wir sind Fon Night, um Glück zu haben. Wir sind Fon Night, um Glück zu haben. Sie ist ein lustiger Abend voller Sonne. Lustiger Abend, um welche zu bekommen. Sie ist ein lustiger Nachtkurs. Es macht Spaß. Es macht mir Spaß, am Abend Glück zu haben. Wir sind am Abend der Sonne. Wir sind am Abend, um welche zu holen. Wir haben den Abend zum Spaß gemacht. Wir sind Fon Night, um Glück zu haben. Wir sind Fon Abend, um uns zu holen. Wir haben eine Nacht, um Glück zu haben. Wir haben keine Nacht, um Glück zu haben. Wir sind Fon Night, um Glück zu haben. Sie ist ein lustiger Abend in der Sonne. In meinem Telefonabend, um uns zu bekommen, ist ein toller Abend, um Spaß zu haben. Und mein Telefon n, um Glück zu haben. Wir gehen abends in die Sonne. Pon n, um ein Lied zu bekommen. Wir haben einen lustigen Abend zum Spaß. Wir haben einen gefunden, um Glück zu haben. Wir hatten gern Glück. Wir fanden, um Glück zu haben, ich liebte es, Glück zu haben. Aber ich hatte gern Glück. Rot, danke nochmal. F. Pos Cy nochmals vielen Dank, Mama. Nochmals vielen Dank. Bot danke nochmal. Und du kannst weitermachen und dir den Rest des Songs selbst anhören , wenn du willst. Aber es ist hilfreich, Musik auf diese Weise zu hören, bei der Sie jedem neuen Abschnitt in Ihrem Kopf eine Art Label zuweisen Und was auch immer dieses Label ist, es ist nicht wichtig, sondern nur, damit du es verstehst Okay, das ist ein Abschnitt, und dieser neue Teil ist quasi ein anderer Abschnitt, auch wenn er sich vielleicht nahtlos integriert anfühlt. Und natürlich möchte dein Song sich nahtlos integriert anfühlen. Das ist ein ziemlich kompliziertes Stück. Wir hatten diesen Summer Breeze-Song, der nach dem Refrain einen instrumentalen Jam hatte Wir hatten Unholy, das hatte einen Refrain, einen A-Part, eine andere Art von Melodie, und dann ging es zurück Und diese Art hat beides, wo es einen Refrain gibt, dann hat es eine andere Art von Melodie und dann hat es einen instrumentalen und dann hat es Es ist also interessant zu hören, wie diese verschiedenen Songs in all den verschiedenen Teilen entstehen , aus denen ihre Songs bestehen Einige Popsongs haben jetzt für jede Strophe sehr unterschiedliche Melodien und weniger vorhersehbare Strukturen, aber normalerweise einen sich wiederholenden Refrain Klassisch gesehen waren die Strophmelodien dieselben, und Aber seit der Hip-Hop- und Rap-Ära können Strophen heute sehr unterschiedlich sein, und manchmal ist das wirklich, wirklich cool und fesselnd und scheint sich nicht zu wiederholen Popmusik ist also klassisch eine sich sehr wiederholende Musikform Und heute wird es immer weniger. Aber normalerweise scheint der Refrain, der sich wiederholt, mitsingt und fühlt, etwas zu sein , das den Test der Zeit Aber es ist wichtig, auch zu experimentieren, zu lernen, was all diese Strukturen sind, und dann alle Regeln zu brechen und versuchen, etwas zu schreiben, das völlig gegen Strukturen gerichtet ist Und sieh dir an, wie sich das anfühlt und wie sich das anhört. Etiketten sind wichtig. Wie auch immer die Dinge für Sie Sinn machen, es ist die richtige Antwort. Ich habe die verschiedenen Dinge, die ich es nenne, aber was wichtig ist, ist, dass du diesen verschiedenen Abschnitten, die du in diesen Songs hörst, einfach eine Bedeutung , ein gewisses Gefühl, einen Wert zuweist eine Bedeutung , ein gewisses Gefühl, einen Wert eine Bedeutung , und verstehst, wie der Song entsteht. Wenn du Musik ganz anders wahrnimmst als ich, ist das völlig in Ordnung, solange du in der Lage bist, die Strukturen, die du hörst, irgendwie zu absorbieren , sodass du sie in deiner eigenen Musik wiedergeben kannst. Analysieren Sie erneut, spielen Sie, singen Sie, stellen Sie Ihre Lieblingssongs nach, covern Sie sie. Erfahren Sie, wie sie sich fühlen, wie sie strukturiert sind , damit Sie verstehen, warum Sie sie mögen. Je mehr du deine Lieblingssongs spielst , neu erstellst und analysierst, desto mehr wirst du anfangen , solche Musik zu machen, denn wenn du gerade denn wenn du gerade versuchst, eine Entscheidung für Next zu treffen, wirst du auf all dein bisheriges Wissen zurückgreifen Du wirst aus Unheilig schöpfen. Du wirst sagen, weißt du was? Jetzt, in meinem Refrain in meinem Song, möchte ich diesen kleinen B-Teil machen, und dann denkst du an Sommerbrise und du wirst sagen, und danach lass uns eine kleine Instrumentalpartie machen, und dann denkst du an Glück haben, und du wirst tun, ich will einen Vorchor machen, der hoch steigt und dann in den Refrain hinuntergeht Je mehr du in deinem Unterbewusstsein und deinem Bewusstsein herumschwirrst , desto mehr wirst du das in deine eigene Musik einfließen lassen. 4. Kontrast Die Struktur eines Beats: Drama ist eine gute Geschichte, und Musik ist Geschichtenerzählen Und das meiste Drama, das man musikalisch erzeugen kann , entsteht durch Kontraste In der Musik verwenden wir also Kontrast, um eine fesselnde Geschichte zu erzählen. Wir lieben Kontraste. Wir haben einen Build, bei dem die Spannung steigt und fällt. Die Spannung ist gelöst. Das ist das einfachste Beispiel Kontrast, das ich mir vorstellen kann, und ein ganzes Genre von Tanzmusik, bei dem es nur um Auf- und Absteigerungen , Spannungen steigen und Spannungen lösen. Das ist das beste Beispiel für Kontrast. Sie können auch einen großen, vollen Refrain mit einer reduzierten Strophe Das ist auch Kontrast. Der Kontrast ist am deutlichsten, normalerweise in der Musik selbst. Ja, man kann viele Stimmen haben und in einem Refrain lauter singen und dann in einer Strophe leiser singen Und das ist notwendig. Aber wirklich, wenn die Trommeln einfach kaputt gehen und für einen Abschnitt warten. Das ist ein großer Kontrast. Wenn das Schlagzeug eine Art Rhythmus aufbaut und dann in einen normalen Beat übergeht, dass der Bass für einen Abschnitt ausfällt. Diese musikalischen Veränderungen sind sehr, sehr einschneidend, vor allem, wenn man einen Groove hat , der den Großteil des Songs durchzieht, jedes Mal, wenn man einen kleinen Durchbruch macht, eine Veränderung nach oben. Das ruft wirklich ins Ohr und sagt einem Zuhörer : Oh, das ist eine andere Art von Abschnitt Deshalb ist der musikalische Kontrast im Takt bei der Produktion extrem wichtig Natürlich könnte dein Refrain mehr Instrumente und mehr Ebenen haben, und wenn der Song weitergeht, sollten sie das wahrscheinlich Ihre Musik wird also im Laufe der Musik immer voller und vielschichtiger Es fängt ein bisschen nackter an, und am Ende haben wir die ganze Küchenspüle und das ganze Orchester, und die ganze Stadt singt zusammen den letzten Refrain Etwas wirklich Interessantes an der modernen Rap-Musik ist, dass du den vollen Takt deines Schlagzeugs hast, deine 80 Gewichte und deinen Harmoniepart, was auch immer das ist Und normalerweise spielen sie ständig damit, die verschiedenen Elemente zu addieren und zu subtrahieren , sodass jedes Mal, wenn ein neues Element hinzukommt, anderes Element herauskommt , und man hat ständig das Gefühl der Befriedigung , das Gefühl zu haben, dass die Beats fallen, weil ständig ein neues Element hinzukommt Aber was an der Rap-Beat-Produktion so clever ist , ist , dass ein neues Element reinkommt und man ein anderes herausnimmt Du hast also nicht nur das Gefühl, oh ja, das Schlagzeug ist zurück oder der Bass ist zurück oder die Melodien sind zurück Aber wenn Sie dann überzeugt sind , dass diese Elemente wieder da sind, wurde ein neues Element entfernt Sie erzeugen also eine kontinuierliche Schleife, in der sie dir das geben, was du hören möchtest, weil es einfach gefehlt hat, und das kann so weitergehen weil du immer wieder ein anderes Element herausziehst Ich werde dir zeigen, was ich meine, aber das ist eine wirklich gute und einfache Methode, um viel Kontrast und viel gutes Storytelling mit nicht allzu vielen Elementen zu erzeugen viel Kontrast und viel gutes Storytelling mit nicht allzu vielen Ds und Drops sind musikalisch offensichtlich sehr unterschiedlich. Wenn Sie also an Kontrast denken, denken Sie an voll bis leer, energisch bis entspannend, Spannung bis Entspannung oder auch nur harmonisch dissonant Du willst einfach nur daran denken, wo dein Song ist, ob er leer ist, ob er voll ist, ob er schnell ist, ob er langsam ist, ob es einen dissonanten Akkord gibt, wo auch immer du bist, mach das Kontraste als nächstes für deinen nächsten Abschnitt, und das wird sich wahrscheinlich wie ein großer Gewinn anfühlen. Also werden wir den Beat für diesen Song nach Malone analysieren . Intro-Gitarren Sie denken wahrscheinlich, dass es Ihnen jetzt besser geht. Teig und jetzt. Du sagst nur, dass Cousin nicht da ist. Nicht in der Nähe. Du weißt, dass ich dich nie verärgert habe. Vorlesung runter. Hätte ich dir alles gegeben? Hätte ich dir alles gegeben? Du weißt, dass ich das jetzt besser gesagt habe. Jetzt besser. Ich sage nur den Cousin Dt of Brown. Mach braun. Du weißt, dass ich nie gegessen habe, um dich im Stich zu lassen. Du enttäuschst dich. Hätte dir alles gegeben. Hätte dir alles gegeben. Wow. Das habe ich nicht geglaubt. Alles war an zweiter Stelle nach der Bettsäge. Du sprichst nicht einmal mit meinen Freunden. Nein. Du kanntest meinen Onkel und meine Tanten. Swy Camels Back hat dir nicht die Augen geöffnet. Wir freuten uns auf den Rest unseres Lebens. Wir haben meinen Pitch immer an deinem Bett posiert. Jetzt sehe ich Kleid Das Saxofon, als ob ich rollende R. Quill Brothers, L Jos J. Trinke, ich versuche Aber ich kriege das nicht auf den Kopf. Sie denken wahrscheinlich, dass Sie heizen oder wedeln. Du kannst also in dem Song sehen, dass es eine ziemlich einfache Taktik dir einfach den vollen Beat zu geben und ihn dann wegzunehmen und ihn dann zurückzugeben und dann wegzunehmen und dann zurückzugeben Und das ist eine ziemlich effektive Methode kontinuierlich Kontrast zu erzeugen, solange es nicht langweilig ist wieder dieselben Elemente zu wiederholen, und in diesem Song ist es das auch nicht Es klingt immer gut. Der Kontrast muss also nicht sein. Oh, ich werde mir als Nächstes einen komplett neuen Beat und einen völlig neuen Teil einfallen Nächstes einen komplett neuen Beat und einen völlig neuen Teil Es kann einfach so sein, als ob, Oh, Schlagzeug ist drin. Jetzt sind die Trommeln draußen. Weißt du, Bases in. Die Basis ist draußen. So einfach kann es sein. Und diese Bewegungen haben immer noch einen großen Einfluss auf dein Lied. Also, wie bei allem, ermutige ich dich, dir deine Lieblingssongs anzuhören und zu versuchen zu verstehen, welche Strukturen für das Musikgeschehen gelten. Was passiert in dem Song? Weißt du, ist es vielfältig oder ein Chor oder was auch immer Und was passiert dann im Beat? Ist es voll? Ist es leer oder sind die Trommeln rein oder die Trommeln raus? An welcher Art von Genre arbeitest du? Ist es ein Volkslied, das quasi nur Gitarre in der Strophe hat und dann eine komplette Band im Refrain, oder? nur Gitarre in der Strophe und dann eine komplette Band im Refrain, oder Wie verändert sich die Musik in deinen Songs? 5. Geschichte der Musikproduktion: Früher kam ein Künstler oder eine Band in ein Musikstudio und sie nahmen sich selbst auf. Der Musikproduzent war jemand , der früher von der Plattenfirma ein Gehalt erhielt, nur um im Studio anwesend zu sein und da zu sein, wenn der Künstler zur Aufnahme kommt. Es würde Ingenieure geben, die die Mikrofone besorgen und die gesamte analoge Ausrüstung vorbereiten würden die Mikrofone besorgen und die gesamte analoge Ausrüstung vorbereiten Und der Produzent hatte nur eine Art Redundanzfunktion, nur um den Betrieb von allem zu überwachen Schließlich begann die Musikproduktion während der Zeit der Beatles mit dem Produzenten George Martin ihren während der Zeit der Beatles mit dem Produzenten George Martin ihren Höhepunkt zu erreichen Was plötzlich passierte, war die Fähigkeit, aufzunehmen und dann erneut aufzunehmen und dann über sich selbst aufzunehmen, man nahm nicht nur eine Band Es war nicht so, als würde ein Sänger reinkommen, singen und dann gehen, und dann war das der ganze Song. Plötzlich war es so, dass die Band einen Teil des Songs spielen konnte. Dann kannst du einen Teil des Gesangs übernehmen, und dann könntest du ein Orchester oder etwas anderes oder andere Musiker hinzuziehen oder etwas anderes oder andere Musiker und diese zusätzlich zu dem aufnehmen was du zu einem anderen Zeitpunkt aufgenommen Sie könnten etwas Zeit damit verbringen, ein paar trippige oder psychedelische Effekte oder andere weltliche Sounds zu erzielen paar trippige oder psychedelische Effekte oder oder Und plötzlich kam die Musikproduktion zur Geltung, um nicht nur aufzunehmen, was der Künstler oder die Band spielte, sondern auch eine eigene Klanglandschaft zu schaffen und das Studio als um nicht nur aufzunehmen, was der Künstler oder die Band spielte, sondern auch eine eigene Klanglandschaft zu schaffen Instrument zu nutzen Was während der Ära der Beatles geschah war, dass George Martin der Produzent der Beatles war Und er bekam gerade ein Gehalt von der Plattenfirma, und er wurde nicht sehr viel bezahlt Die Beatles verdienten jede Menge Geld, weil sie die beliebteste Band der Welt waren Und George Martin beschloss aufzuhören. Er sagte, ich werde damit aufhören , wenn du, du bist das Plattenlabel, mir nicht mehr zahlen willst. Ich bin raus. Und die Beatles liebten ihren Produzenten und weigerten sich, mit einem anderen Produzenten zusammenzuarbeiten Und so war das Label gezwungen , George Martin zu seinem eigenen Tarif als Auftragnehmer zurückzuholen seinem eigenen Tarif als Auftragnehmer zurückzuholen Und das ist seither das Vorbild für Musikproduzenten als wichtige Rolle, nicht nur als Büroleiter, sondern auch als kreativer Partner für die Künstler. In dieser Zeit hätten Sie eine analoge Platine gehabt, was wahrscheinlich dem klassischen Musikstudio entspricht, Platine mit all den Knöpfen, die Sie vielleicht neben einem Glasfenster gesehen haben einem Glasfenster Du hättest ein Board gehabt. Sie hätten ein Team von Ingenieuren gehabt. Sie hätten Mikrofonspezialisten gehabt , die all die verschiedenen Mikrofone kennen Es hätten Leute mit analogen Kompressoren und Reverbs gearbeitet analogen Kompressoren und Reverbs Es wäre ein ganzes Team im Studio gewesen, um die Aufnahme zum Leben zu erwecken Mit der Zeit und dem technologischen Fortschritt fielen viele dieser Rollen dem Produzenten zu, der allmählich in der Lage war, all diese verschiedenen Jobs zu erledigen. Im Hayday konnte man neben all den Jobs, die ich erwähnt habe, ein ganzes Orchester und eine Menge Sessionspieler haben ein ganzes Orchester und eine Menge Sessionspieler , die alle mit echten Leuten zusammenarbeiten, die Musik machen Wenn man bis 2023 vorspult, hat man oft einen Musikproduzenten , der alles im Musikproduktionsprozess macht Und manchmal ist dieser Produzent auch der Künstler. Sie haben also einen Künstler, der seine Songs schreibt , den Beat produziert, alle Parts spielt, mischt und mastert, all die technischen Dinge macht, und hinter der Musik, die Sie hören , steckt nur eine Person hinter der Musik, die Sie hören , Offensichtlich hat die Art und Weise, wie die Dinge gelaufen sind , Vor- und Nachteile und Weise, wie die Dinge gelaufen sind , Vor- und Nachteile Aber es ist wichtig zu wissen, warum die Dinge so sind, wie sie sind, denn das beeinflusst, wie wir heute Musik machen Also, ich wollte euch nur ein bisschen Geschichte geben , bevor wir in diesem Kurs weitermachen , damit ihr verstehen könnt woher die Musikproduktion kam euch hoffentlich zu helfen verstehen, wohin sich die Musikproduktion entwickelt. 6. Geschichte der Musikproduktion Teil 2: Sind zwei grundlegend unterschiedliche Wege , die man mit der Musikproduktion einschlagen kann. Damals, in der Beatle-Ära und davor, stand im Allgemeinen das Lied an erster Stelle Das bedeutet, dass ein Songwriter oder eine Band einen Song geschrieben hat und dann ins Studio gekommen ist, um diesen Song aufzunehmen Im Grunde genommen wurde der Song also zuerst geschrieben, und selbst als die Musikproduktion in dieser Zeit in den 1960er Jahren begann , gab es immer einen Song, mit dem man beginnen Ein Song wurde geschrieben, und dann würdest du ins Studio kommen, du würdest mit dem Produzenten sprechen, du würdest mit den anderen Bandmitgliedern und den anderen Musikern sprechen und du würdest herausfinden, wie du diesen Song am besten zum Leben erwecken kannst. Wenn du den Song zuerst hast, es nur darum, dafür zu sorgen, dass die Musik den Song unterstützt. In der heutigen Zeit ist es weitgehend darauf umgestellt, Beat First zu sein. Das bedeutet, dass viele Produzenten viele Beats machen und diese beiden Songwriter dann diese beiden Songwriter Künstlern und Top-Line-Autoren anbieten Also ein Großteil der Musik, der Beat ist schon gemacht, und dann sind der Text und der Song im Takt geschrieben Das sind also die grundsätzlich zwei verschiedenen Wege , die man einschlagen kann. Das Lied an erster Stelle ist, okay, ich habe den Song. Ich habe die Melodie. Ich habe den Text Was sind die besten Akkorde , um diese zu unterstützen? Was ist das Beste, was wir musikalisch tun können , um den Song zu unterstützen Versus, okay, wir haben den Beat. Was ist der beste Song, den wir zu diesem Beat schreiben können? Wenn du also Musik machst, kannst du entscheiden, welcher dieser Wege deinen kreativen Prozess am besten unterstützt. Vielleicht bist du jemand, der zuerst die Musik schreiben möchte, vielleicht bist du ein Produzent , der einen Beat machen möchte und jemand anderen einen Song dazu schreiben lassen möchte, oder vielleicht bist du eher ein Songwriter und du möchtest deine Songs produzieren und du möchtest die Songs, die du schreibst, unterstützen So oder so, die Musikproduktion funktioniert auf die gleiche Weise, das Handwerk der Musikproduktion, wie erweckt man die Musik zum Leben Das alles bleibt gleich. Das ist nur der grundlegende Ausgangspunkt. Hast du etwas, für das du bereits produzierst, oder fängst du einfach Musik von vorne an und schreibst die erste Zeile zuletzt? 7. Song-Anatomie: Die Teile, aus denen ein Song besteht: Sprechen Sie über die Teile , aus denen ein Song besteht. Unabhängig vom Genre gibt es im Allgemeinen dieselben Teile, gibt es im Allgemeinen dieselben Teile denen sich jeder einzelne Song zusammensetzt. Die einfachste und beste Analogie dafür ist, sich die klassische Rockband anzusehen, einfach weil sie für uns ziemlich einfach zu visualisieren ist Sie haben Schlagzeuge, die aus einem Kick, einer Snare, hohen Hüten und Sie haben Bass, Sie haben Gitarre oder Klavier oder Keyboards oder Synthesizer Gitarre oder Klavier oder Keyboards oder Synthesizer und Sie haben Gesang. Diese Elemente füllen das Spektrum aus, im Wesentlichen Harmonie, Melodie Sie können Musik in Melodie, Harmonie und Rhythmus zerlegen, was das gesamte Spektrum darstellt, das Musik ausmacht ob du EDM-Musik machst, die immer noch auf Schlagzeug basiert, vielleicht Synthesizer und Gesang, oder ob du eine Rockband bist, die Gitarre und Gesang auf Schlagzeug basiert, es gibt immer noch dieselben Kategorien , die existieren Du kannst Musik wie Orchestermusik haben, die sich mehr auf Harmonie und ein bisschen weniger auf Rhythmus konzentriert , aber es gibt immer noch Rhythmus Es gibt immer noch Schlagzeug, normalerweise spärlich, mehr in der Filmmusik Aber egal, was Sie tun, Sie werden dieselben Kategorien haben Also haben wir das Schlagzeug, das ist die Rhythmusgruppe. Wir haben den Bass, den tiefsten Ton in der Harmonie. Wir haben den, wie ich es nenne, Harmony-Teil , der entweder deine Gitarren, deine Klaviere, dein Harmoniegesang sein wird , falls es einen Chor gibt, oder Und dann hast du deinen Gesang oder deine Topline oder deine Leadmelodie Zwischen all diesen Teilen kannst du im Grunde jeden Song kreieren , den du jemals gehört hast Und in den folgenden Kapiteln dieses Kurses werden wir jede dieser Kategorien durchgehen und analysieren und herausfinden, werden wir jede dieser Kategorien durchgehen und analysieren und herausfinden wie Sie das Schlagzeug für das Genre, an dem Sie gerade arbeiten, am besten kreieren können: den Bass-Part, den Harmony-Teil, Gitarren, Klaviere, Synthesizer oder andere Instrumente und den Gesang, die Hauptmelodie 8. Song First: Zusammenhängende musikalische Erzählungen erstellen: Wissen, wie man eine Grundlinie erstellt. Du weißt, wie man Trommeln macht. Du weißt, wie man ein Harmoniestück macht. Du weißt, wie man eine Melodie macht. Du weißt, wie man ein Lied strukturiert. Aber womit fängst du an? Sie könnten an jedem dieser verschiedenen Punkte beginnen. Kehren wir also zu den beiden wichtigsten grundlegenden Methoden zurück , um einen Song zu beginnen. Die beiden Camps sind Song First oder Beat First. In dieser Lektion werden wir uns also zuerst mit Song befassen. Bei der Song-First-Methode haben Sie also bereits eine Roadmap. Du hast dein Lied Dies wird die natürliche Art sein, Musik für Singer-Songwriter zu machen , die wahrscheinlich einen Song auf Gitarre oder Klavier oder einfach nur gesanglich oder was auch immer schreiben, aber zuerst einen Song und dann die Musik hinzufügen Sobald der Song fertig ist, werden sie anfangen , ihren Produzentengeist einzuschalten und sagen, okay, naja, vielleicht zu oder zu einem temporären Track, der Natson-Musik, Schlagzeug, Bass, Sünden, was auch der Natson-Musik, Schlagzeug, Bass, Sünden, Und mit diesem Ansatz ist es einfacher, Elemente einfach so hinzuzufügen, wie nötig ist, um die Emotionen oder die Vision des Songs zu betonen Nach dem temporären Track füge ich normalerweise Schlagzeug, Bass Harmonie hinzu und nehme dann zum Schluss den Gesang erneut Das bedeutet also, dass ich einen Scratch-Gesang mit einem Scratch-Piano-Track hinzufüge mit einem Scratch-Piano-Track nur um etwas in Ableton zu bekommen, und von dort aus kann ich anfangen, die anderen Parts hinzuzufügen, und am Ende werde ich den Gesang erneut aufnehmen Du musst nicht auf diese Weise arbeiten, aber diese Methode funktioniert gut Manchmal der ursprüngliche Gitarren- oder Klavierpart, den du aufgenommen hast, um den Scratch-Track zur Unterstützung deines ersten Gesangs zu unterstützen, nicht das Beste für deinen produzierten Song Manchmal ist es so, und du denkst, okay, du hattest den perfekten Klavierpart und bumm, er ist fertig. Aber manchmal merkt man, dass die Rolle, die man auf dem Klavier gespielt hat, vielleicht ein bisschen einfach war, und jetzt, wo Sie einige andere Elemente haben, könnten Sie diese Rolle ändern. Und das ist völlig okay. Ich fordere Sie dringend auf, nicht zu wertvoll zu sein und sich nicht zu sehr an die ersten Ideen zu binden , denn wenn Sie flexibel bleiben , können Sie oft das beste Endergebnis erzielen. Auch wenn das bedeutet, dass du gegen Ende einen Kernteil des Songs änderst . Wenn es das ist, was der Song braucht, ist es wichtig, auf diese Instinkte zu hören Vielleicht schreibst du Songs, aber dann bringst du sie in eine Band ein Und die Band wird dabei helfen , herauszufinden, wie man das am besten spielt. Manchmal denken sich die Spieler einfach ihre eigenen Rollen aus, und dann musst du nicht so viel tun. Oder manchmal kannst du der Band helfen , den besten Weg zu finden, die Geschichte mit guten Kontrasten und interessanten musikalischen Teilen zu erzählen die Geschichte mit guten Kontrasten . Sobald die Band gut geübt ist, kannst du aufnehmen und bei Bedarf zusätzliche Ebenen hinzufügen. Es lohnt sich immer, sich die Zeit zu nehmen , um eine gute Leistung zu erzielen, denn Aufnehmen einer guten Leistung klingt letztendlich besser und nimmt weniger Zeit in Anspruch, weniger frustrierend als der Versuch, eine mittelmäßige Leistung zu überproduzieren und zu korrigieren Lassen Sie uns also die Schritte durchgehen, wie ich aus einem meiner Songs eine Produktion mache Also hier habe ich ein Lied, das ich auf dem Klavier geschrieben habe. Die Stadt schläft nicht. Jeder schwirrt in irgendein Café, kommt zu spät zu einer Schicht oder zu einem wichtigen Essen, fährt schnell, sodass die Lichter leise brennen Die Stadt schläft nicht. Alle versammeln sich zu der Party. Wenn man diese Angst trinkt oder scrollt, brennen die Augen leise, leise Ich werde also nicht das ganze Lied singen, aber ich habe ein Lied, das ich auf dem Klavier geschrieben habe Der erste Schritt wäre herauszufinden, welches Tempo das Lied hat. Es gibt also mehrere Möglichkeiten, wie Sie dies tun können. Normalerweise schalte ich das Metronom und sage, okay, D. Und ich versuche mitzutippen, um das richtige Tempo zu erreichen Und ich habe festgestellt, dass ich durch das Mittippen um die 80 gekommen bin. Ich war etwa 82. Manchmal willst du es genau so lassen, wie du es angetippt hast, aber manchmal willst du es einfach auf eine schöne gerade Zahl bringen es einfach auf eine schöne gerade Zahl Und wir werden sehen, ob sich das für den Song gut anfühlt , jetzt, wo du dich für Tempo entschieden hast. Versuche es zu singen. Die Stadt schläft nicht. Alle summen auf irgendeine Art von Kalben, rennen zu spät in eine Schaltzone, um schnell zu fahren, sodass die Lichter leise summen Also, das klingt ziemlich gut. Ich weiß, dass ich für diesen Song eine schnellere Falle im Sinn habe. Also, weil diese Art von Beats dazu neigen, Halbzeit zu sein, Achtzig ist cool, aber um das Gefühl von 80 in einer Halbzeit zu bekommen, willst du wirklich bei 160 sein, was dir ein schnelleres Die Stadt schläft nicht. Die Leute schwirren in irgendein Café, kommen zu spät, um Port Ra schnell umzuschalten , die Lichter brennen leise Und das klingt gut für mich, und ich mag es, das Metronom in dieser Geschwindigkeit zu haben Natürlich könntest du bei 80 sein und das Tempo des Metronoms hier auf Achtelnoten statt auf Viertelnoten ändern Metronoms hier auf Achtelnoten statt auf Viertelnoten Achtelnoten statt auf Viertelnoten Es liegt ganz bei dir. Als Nächstes nahm ich einen Scratch-Track des Klaviers auf. Also, in meinem Kopf, singe ich das Lied und spiele nur den Klavierpart. Ich habe den ganzen Song gespielt und dann einen Scratchtrack des Gesangs aufgenommen. Jetzt habe ich mehrere verschiedene Takes des Gesangs aufgenommen. Und ich entschied, dass diese Aufnahme hier mit dieser Aufnahme für den Refrain Das klingt gut genug, um weiter an dem Song zu arbeiten, weil ich am Ende den letzten Gesang aufnehmen werde Ich habe eine Klavierstimme geschrieben. Ich habe eine Gesangspartie verloren. Und als Nächstes habe ich diesen Trommelständer hier hochgezogen. Das ist der funky Good T. Also hatte ich dieses Schlagzeuggestell und habe einen Beat zu dem Scratch-Piano und dem Gesangs-Track gespielt , um paar Ideen daraus zu bekommen , was der Schlagzeugpart sein sollte Die Stadt schläft nicht. Alle versammeln sich zu der Party. Sie trinken, nur um ihre Angst zu stillen. Oder scrolle, bis ihre Augen leise wehen. Soja. Aber ich bin derjenige. Er ist verrückt. Ich bin der Eine. Sie verstehen es nicht. Als Nächstes habe ich einige grobe Teile zusammen. Und ich werde weitermachen und anfangen, die Leistung des Klavierparts zu optimieren die Leistung des Klavierparts , um wirklich sicherzustellen, dass alles irgendwie rechtzeitig passt Es ist an der Zeit, dass wir uns auf einen Teil festlegen. Ich will hier nicht ein paar wirklich lose Teile haben. Ich will anfangen, mich einzusperren. Okay, das ist mein Klavierpart. Das ist mein Schlagzeugpart. Wir haben also diesen Klavierpart, und ich habe entschieden, dass bei diesem einen Akkord hier die einzelne Note im zweiten Takt des leeren Takts trifft und dann der vierte Akkord wieder in den Takt kommt Also entschied ich, dass dies das allgemeine Muster ist, es sollte sein, ich mag das Live-Gefühl. Ich möchte, dass es pünktlich ist. Du kannst weitermachen und mit den Geschwindigkeiten herumspielen. Wenn du vielleicht diese eine Note hast, sagst du, ich will nicht, dass die Geschwindigkeit so niedrig ist. Du kannst das erhöhen. Sie wollen sich nicht mit der Chance anlegen, Sie können die Chance ausschalten und die Dinge einfach so aufeinander , dass Ihr Teil so ist, wie Sie es möchten. Und ich werde den ganzen Teil des Songs durchgehen . Und stell einfach sicher, dass jeder Hit gut ankommt und dass jede Note gut gespielt wird und dass es so ist, wie ich es mir wünsche. Je länger ich brauche, um eine gute Aufnahme zu bekommen, wenn es so ist, okay, lass uns das Klavier noch einmal aufnehmen und lass es uns noch einmal machen. Je mehr ich übe und eine wirklich gute Aufnahme bekomme, desto weniger Feinabstimmungen muss ich wirklich vornehmen Aber ich persönlich mag es, jede einzelne Note durchzugehen und sicherzustellen, dass alles gut ankommt, und vielleicht klingt das überwältigend, aber wenn deine Songs zwei oder drei Minuten mögen, wird es wirklich nicht so lange dauern Dann habe ich meinen Klavierpart, genau so, wie ich ihn haben will. Am Ende habe ich die Klavierstimme während der Produktion des Songs stark verändert . Aber zu diesem Zeitpunkt hatte ich schon, wie es mir gefiel. Dann ging ich rein und fing an, meinen Schlagzeugpart zu optimieren. Um zu versuchen, das mehr so zu machen, wie ich es wollte. Ich habe die Treffer anders angeordnet. Ich habe verschiedene Sounds ausgewählt. Und dann habe ich Kick und Snare und die hohen Hüte getrennt , damit ich mehr Kontrolle über jeden Teil hatte Hart. Die Stadt schläft nicht. Jeder versammelt sich wie zwei von der Party. Sien über ihre Angst. Oder scrolle, bis ihre Augen leise brennen. Hart. Aber ich bin derjenige Also hören wir uns diese Trommeln an. Hast du diesen Kick? Schlinge. Es wird ziemlich viel auf diese Art und Weise passieren, was cool ist Hallo, Hüte. Und wir können sehen, dass diese hohen Hüte tatsächlich einige maßgefertigte hohe Hüte aus einem Trommelregal sind. Weil mir die hohen Hüte, die sie in diesem Schlagzeug hatten, nicht ganz gefielen. Als Nächstes habe ich einen Basssound angemacht. Ich habe Trillion benutzt, weil ich Trillion liebe. Ich habe neben Schlagzeug, Klavier und Gesang auch eine Bassrolle gespielt . das draufgängerische Fasten, damit die Lichter ausgehen , damit die Stadt Jeder versammelt sich wie der Pop . Also habe ich manchmal diese kleinen Grundfüllungen , die in diesen Taschen stecken Der Junge scrollt, bis seine Augen ganz leise sind. Aber ich bin derjenige, der verrückt ist. Ich bin der Eine. Sie verstehen es nicht. Hier fühle ich mich glücklich mit Gras und meiner Angst. Jetzt habe ich den ganzen Song über einen Basspart gespielt und habe mein Schlagzeug Ich habe meinen Bass. Ich habe meinen Harmoniepart und ich habe meine Melodie Ich habe zu diesem Zeitpunkt also tatsächlich ein komplettes Lied. Ich ging rein und fügte dem Gesang einige Harmonieparts hinzu, einige Doubles Ich habe sogar einige Chorstimmen zum Chor aufgenommen. Und der Chor hat ein Tremolo drauf. Ich habe. Das klingt ein bisschen verstimmt, aber genau da bin ich in dem Song. Wir haben also unsere Trommeln. Wir haben unseren Bass. Wir haben unseren Gesang. Wir haben unseren Harmony-Teil, das ist das Klavier. Und zusätzlich zum Klavier haben wir einige Harmoniegesänge , die als Chor agieren, was ein neues Element im Hintergrund ist Wo ich spüre, dass Gras den Kreislauf durchbricht, brechen Veränderungen Als Nächstes, jetzt, wo ich alle Grundelemente habe , die einen Song ausmachen, habe ich die Leadstimme neu aufgenommen , um herauszufinden, wie ich klingen wollte. Ich habe eine Zusammenstellung der besten Takes gemacht. Ich habe ein paar Harmonien , die reinkommen, ein paar Doppelgänger, die reinkommen Und wir haben uns wirklich die Zeit genommen, die Reise der Leadstimme mit den Harmonien im Doppel so zu gestalten, dass sie aufregend und überzeugend klingt und dass sie sich im Laufe des Songs weiterentwickelt und verändert Jetzt habe ich also meine Leadstimme, die mit meiner Vokalkette bearbeitet wird, was zu einigen Verzögerungen bei den Reverbs Ich habe die anderen Teile auf Reverbs umgestellt. Ich habe einen Unterteil zur Basis. Alle Grundnoten sind so angeordnet, dass die Leistung nicht quantisiert ist, sondern fast von Hand quantisiert wird, genau wie ich alles andere getan habe, um sicherzustellen dass alles dort ankommt, wo es ankommen sollte, aber immer noch diesen organischen Fluss hat Jetzt ist es an der Zeit, all diese Elemente auszudrucken und zu mischen Also habe ich alle Teile in eine Audiodatei ausgedruckt , damit ich sie mischen kann. Aber weil ich Produzent und Mixer bin, habe ich die Produktion während des gesamten Mischprozesses ständig verändert . Wir werden eine ganze Lektion über das Mischen machen, also mach dir darüber jetzt keine Gedanken. Aber das ist im Wesentlichen das Ergebnis, zu dem wir gekommen sind. Schlaf. Jeder schwirrt in irgendein Café Zwei Schichten zu spät oder ein wichtiges Treffen. Fahren Sie schnell, sodass die Lichter leise verschwimmen. Leise. Die Stadt schläft nicht Die Leute kommen spät zur Party. Manche trinken ihre Angst. Oder scrollen, bis ihre Augen leise verschwimmen. Also, dieser Song besteht wirklich nur aus Klavier, etwas Schlagzeug, Bass und Und wir haben ein paar Gesangsebenen, die rein und raus kommen. Das macht im Grunde den ganzen Song aus. Der Refrain hat einige Background-Vocals und ich habe einen Gitarrenpart, aber es ist ein ziemlich einfacher Song Und das ist alles, was Sie brauchen , um etwas voll und vollständig klingen zu lassen, nur Schlagzeug, Bass, Harmonie und Melodie. Da hast du's. Das ist ein Song. Wenn Sie sich zuerst der Produktion eines Musiksongs nähern, haben Sie den Song, Sie könnten einen ähnlichen Ansatz wählen. Sie können das wirklich auf jede Art und Weise angehen, die Sie wollen, aber wenn Sie ein wenig überfordert sind und nicht wissen, wie Sie anfangen sollen, weiter und legen Sie einen Scratch-Track Ihres Gesangs und einen Scratch-Track von dem Instrument Sie den Song geschrieben Wenn du kein Instrument benutzt hast, ist das noch einfacher. Aber sobald Sie diese Scratch-Tracks gefunden haben, Sie einfach ein weiteres Element hinzu. Und ich mag es, das Schlagzeug ziemlich früh einzubauen und den Bass zuletzt zu spielen, nur weil mir das Schlagzeug wirklich hilft, alles andere in den Mittelpunkt Und die Basis ist für mich die unterstützendste Rolle. Was auch immer in dem Song vor sich geht, ich möchte nicht, dass der Bass die Leadstimme übernimmt oder etwas anderes Wichtiges. Ich möchte nur, dass der Bass den Groove verstärkt und die Harmonie verbessert. Also für mich mache ich Bass zuletzt. Und ich werde ziemlich früh Schlagzeug spielen, und normalerweise schreibe ich Songs auf dem Klavier oder der Gitarre. So arbeite ich also gerne. Sobald Sie Ihre Scratch-Tracks aufgenommen haben, müssen Sie die mühsame Arbeit auf sich nehmen , Ihre Teile zu sichern Wenn du es live gespielt hast, dann musst du, weißt du, die Leistung wahrscheinlich anpassen, damit sie ein bisschen raffinierter ist Wenn du deinen Part programmiert hast, durchläufst du vielleicht den umgekehrten Prozess versuchst, Dinge ein bisschen vom Raster abzuweichen und deine Geschwindigkeiten ein wenig zu ändern oder den wirklich perfekten Groove zu finden , um deinem Song das Live-Feeling zu verleihen Es kommt also darauf an, was du anstrebst. Dieser Song ist wie ein Live-Band-Feeling von einem Song, also will er mehr von diesem Live-Performance-Feeling, deshalb habe ich alles mitgespielt. Es gibt einige Songs, in denen ich Dinge programmieren werde, obwohl ich sie spielen kann. Ich entscheide mich für das Programmieren, weil es mehr von dieser Stimmung ist. Und das ist eine subjektive Entscheidung, und wenn Sie sich mit dem Produzieren vertraut gemacht haben, werden Sie wissen, welchen Ansatz Sie wählen möchten Und manchmal wählst du einen Ansatz und sagst, nachdem ich das Ganze eingespielt habe, gehe ich einfach hin und produziere es. Und das passiert, und das ist völlig in Ordnung. Es gibt keine garantierten richtigen oder falschen Wege, dies zu tun, und du kannst einfach damit beginnen herauszufinden, wie du deine Songs zum Leben erwecken möchtest. 9. Einen Song schreiben: Die Kunst des melodischen Geschichtenerzählens: Lass uns schnell zusammen einen Song schreiben, denn du kannst dich nicht für den Song-First-Ansatz entscheiden, wenn du keinen Song hast Lass uns schnell einen Song schreiben. Ein Lied schreiben. Nun, im Grunde gibt es Lyrics first oder Mel first. Liedtext zuerst, Elton John hatte zum Beispiel einen Songwriting-Partner ihm buchstäblich Gedichte überreichte, bei denen es sich um den Text handelte Und dann setzte sich Elton John Klavier und verwandelte sie in Zuerst der Beatles-Titel oder zuerst das Thema. Sie wurden mit den Worten zitiert Sobald du einen Titel hast, hast du einen Song Ich glaube, einer ihrer Taxifahrer sagte, ich arbeite acht Tage die Woche, und dann die Beatles natürlich acht Tage die Woche gehört, und dann waren sie in der Lage, aus diesem Konzept einen Hit ihrer Zeit zu machen in der Lage, aus diesem Konzept einen Hit ihrer Zeit Du könntest auch zuerst eine Melodie schreiben. Manchmal kommt mir eine Melodie in den Sinn, und ich kann daraus ein Lied machen Und ich weiß, dass viele Leute, die eine Art Melodie sind, zuerst einige Melodien herausspielen können, und dann können sie ihr dann vielleicht Struktur und Bedeutung geben Du könntest natürlich zuerst das Instrument spielen. Die meisten Singer-Songwriter spielen ein Instrument, und sie könnten damit beginnen, einige Akkorde auf dem Klavier oder der Gitarre zu finden , die ein bestimmtes Gefühl hervorrufen, und dann beginnen sie, darüber hinaus zu schreiben Normalerweise schreibe ich Songs auf dem Klavier auf. Ich werde mich hinsetzen und in freier Form spielen, bis ich etwas Interessantes finde, ich wirklich etwas fühle. Und dann werde ich sehen , wohin das gehen will. Ein guter Anfang ist also, einfach vier Akkorde zu spielen und zu sehen, wie das funktioniert Und dann natürlich, wenn Sie sich etwas Einzigartigeres und Interessanteres als einen klassischen Song mit vier Akkorden einfallen sich etwas Einzigartigeres und Interessanteres als einen klassischen Song mit lassen können, umso besser für Sie Aber es ist nichts falsch daran, einfach paar vier Akkorde zu spielen , die dir ein Gefühl geben, und dann anfangen, einen Song zu schreiben, den ich zu singen anfange und sehe, ob irgendwelche Melodien Finde heraus, was sich gut anfühlt, über das, was ich spiele, zu singen. Sobald ich ein paar Melodien habe, fange ich an, Wörter hinzuzufügen Sobald ich ein Thema habe, werde ich die Musik und die Melodien so umschreiben , dass sie zum Thema des Songs passen Und manchmal, wenn ich das Thema gefunden habe, schreibe ich die Musik und die Melodien so um, dass sie zum Thema des Songs passen Oder manchmal, wenn ich den Text und die Melodien finde, finde ich das Thema, und es ist Also lass uns weitermachen und zusammen einen Song schreiben, und so mache ich es normalerweise, weil ich Klavier spiele Ich werde einfach versuchen, ein paar Akkorde zu finden. Und für mich denke ich, okay, das fühle ich. Was ich spiele, ist das Nebenspiel. Dann spiele ich die Moll-Sieben, das ist ein Dur-Akkord, der sich aus der Sieben der Tonart zusammensetzt, meine ich Wenn ich also in der Tonart G bin und G-Moll spiele, dann spiele ich F-Dur Dann spiele ich C-Dur. Und C-Dur besteht aus vier Dur-Tonarten und einer Moll-Tonart, was zwar technisch gesehen nicht stimmt, dem Ganzen aber einen wirklich epischen Klang verleiht. Und jetzt werde ich einfach sehen, ob irgendwelche Melodien auftauchen. Du wirst es hören. Mm hier. Oh, und dann fange ich vielleicht einfach mit dem Freestylen an und sehe, ob etwas ankommt Oh. Er. Oh. Neulich hast du mich angerufen und mir gesagt, dass du mich nicht sehen willst. Und ich sagte: Das ist in Ordnung. Und ich habe geweint, als du gegangen bist, aber es gibt nichts , was ich nicht tue. Ich weiß, dass es mir gut geht. Also ich mache oft so etwas, wo ich versuche, mich um mein eigenes Leben zu kümmern, wie etwas, das passiert ist, aber ich versuche immer wieder, Freestyle zu machen, und ich bin nicht so gut im Also sind nicht alle Texte und Dinge, die ich sage, wirklich sinnvoll Einige von ihnen, einige von ihnen sind zusammenhängend, und einige von ihnen sind nur Kauderwelsch Und manchmal fühlt es sich gut an, das einfach zu tun. Also mache ich das vielleicht für etwa 20 Minuten. Manchmal mache ich das für eine sehr lange Zeit und es gibt eine abnehmende Rendite, vor allem, wenn man das aufnehmen und sich dann anhören will das aufnehmen und sich dann anhören Du willst nicht, dass es zu lang wird. Aber es ist gut, einfach zu jammen, deine Gefühle rauszulassen, deine Gedanken rauszulassen und dann, weißt du, vielleicht eine Pause einzulegen und zurückzukommen und zu sagen, okay, ich mag die erste Zeile. Du hast mich angerufen und mir gesagt, dass du mich nicht sehen willst. Ich meinte, okay, das fühlt sich gut an für diese Akkorde. Und dann gehe ich vielleicht weiter in diese Richtung Also würde ich vielleicht sagen, ich mag diese Melodie, und ich würde diese Melodie weitermachen Und ich sagte, okay, aber als Erstes habe ich eine andere Melodie gesummt Schauen wir mal, ob es zwei Melodien gibt, denn denk dran, zwei Melodien ergeben Letzte Woche hat er mich angerufen. Sagte mir, dass du mich nicht sehen willst, und ich sagte, das ist in Ordnung. Oh, und ich bin zehn K gelaufen. Versuch, dich vom Montag rauszuholen. Aber ich bin blind. Und so und so heute Abend. Oh Oh. Und dann, okay, normalerweise würde ich weitermachen, weiter versuchen, etwas zu schreiben , das sich ein bisschen besser anfühlt, vielleicht eine etwas bessere Melodie oder so, aber für die Zwecke dieser Lektion sagen wir, du sagst, okay, wir haben im Grunde zwei Melodien Wir haben diese erste Art von Sprechmelodie, und dann haben wir eher so etwas wie, oh, so was passiert Und hier würde ich in den lyrischen Modus wechseln, wo ich versuchen würde, wirklich herauszufinden , was der Kern dieses Songs ist Was ist der Sinn davon Also, ruf mich an, wollte mich nicht sehen Das ist etwas, das in meinem Privatleben mit einem von mir wahr ist. Also dachte ich mir, okay, vielleicht geht es in diesem Song um diese Beziehung. Und dann möchte ich vielleicht diese Beziehung für das Lied irgendwie verbessern. Und das ist ein großartiger Ort , etwas zu schreiben, das authentisch für dich ist. So kannst du weiter ein paar Wörter aufschreiben. Hier gehe ich wirklich in die Notizen , um mein Handy zu haben. Ich meinte, okay, du hast angerufen, letzte Woche hast du angerufen, dann hast du gesagt, du willst mich nicht sehen. Und dann sagte ich, das ist in Ordnung. Vielleicht möchte ich das behalten, was ich gesagt habe, dass es in Ordnung ist, und ich möchte ein paar weitere Texte schreiben. Es wäre also so, du letzte Woche angerufen hast und gesagt hast, du willst mich nicht sehen. Also dann möchte ich vielleicht diese Trittfrequenz beibehalten. Und dann könnte ich sagen, dieser Tag hieß Herbst Fall Crow Nun, da verbringst du einige Zeit damit, zu sagen: Okay, vielleicht möchtest du diese Trittfrequenz beibehalten Und wenn ich tatsächlich einige Texte schreiben würde, ist das für mich der langsamste Teil, das eigentliche Schreiben von Ich brauche also viel Zeit, um herauszufinden, was ich sagen möchte Aber du schreibst diese Geschichte im Grunde weiter. Also vielleicht sagst du dann, als ob es den ganzen Tag geregnet hat. Und ich saß drinnen und fühlte mich einsam oder ich weiß es nicht. Das ist ein bisschen zu einfach, aber du wirst verstehen, was ich meine. Du baust die Geschichte immer weiter in den Versen auf. Und der Vers will normalerweise, wie eine Geschichte, die du erzählst, diesen Zusammenhalt Und auch ein paar Bilder, weißt du. Wo spielt sich die Geschichte ab? Wer sind die Charaktere in der Geschichte? Singst du für dich? Singst du über mich? Singst du über sie? Worüber singst du? Über wen singst du? Wo findet es statt? Versuchen Sie, dem Zuhörer diese Information zu geben. Versuche, ein ganzes Bild für sie zu malen. Und vielleicht findest du während des Schreibens irgendwann einen wirklich coolen Text. Und vielleicht landest du dann auf dem Thema dieses Songs, vielleicht Blurry Dream, was eigentlich der Titel eines anderen Songs von mir ist der Titel eines anderen Songs von Aber vielleicht sagst du am Ende, dass die ganze Beziehung ein verschwommener Traum war, und es ist verschwommen, und du erinnerst dich jetzt kaum noch daran Und du hast einfach dieses Gefühl. Du könntest also sagen, okay, vielleicht ist Blurry Dream der Titel. Und dann kann alles, was du schreibst, versuchen, diesen Titel anzulehnen Und dann könntest du gehen. Letzte Woche hast du mich angerufen. Du hast mir gesagt, du willst mich nicht sehen. Und ich sagte, das ist in Ordnung. Weil es lange her ist und ich mich kaum erinnern kann, was wir einmal waren, weil es irgendein Blutbaum ist Also, wir waren Blood Tree Mm Mm und dann geht es vielleicht zu einer zweiten Strophe oder so Wenn du diesen Song tatsächlich schreibst, denkst du vielleicht, Oh Oh, klang besser als der Teil mit dem verschwommenen Traum Eigentlich kein Meisterwerk, aber ich möchte dir zeigen, dass wir zwei verschiedene Melodien haben Wir haben ein Thema. Wir haben eine Art Geschichte , die wir erzählen. Der Text sollte wahrscheinlich logisch sein. Es liegt an dir. Manche Leute mögen abstraktere oder Metaphern oder Ich finde, die Texte sind irgendwie logisch, sie neigen dazu, zu fließen. Und dann gibt es noch ein Thema , auf das wir aufbauen Es gibt eine Songwriting-Technik , die Ed Sheeran häufig verwendet, und Country-Musik verwendet viel, bei der es so ist, als ob, unabhängig vom Titel des Songs, die Hauptwörter, quasi alles im Text, alles im Text Und dann sagen sie, das Hauptwort am Ende des Horses ist wie die Pointe, die sich auszahlt . Es gibt viele Möglichkeiten, Texte zu schreiben. Es gibt viele verschiedene Strategien. Aber sobald du anfängst, Emotionen auf deinem Instrument zu erzeugen und einige Melodien und Wörter zu finden, kannst du sie immer weiter verfeinern und verfeinern Sobald die Worte aufgeschrieben sind, ist es einfacher, immer bessere Versionen deiner Strophe zu finden, bessere Versionen deines Liedtextes, und du sagst: Okay, ich habe den Song geschrieben und er funktioniert Und dann sagst du, okay, jetzt gehen wir zurück zur zweiten Strophe und oh, das ist ein bisschen cooler und das ist ein bisschen besser. Ich gehe das Songwriting so an, dass ich es mag, das Ganze zu erledigen Also werde ich einen V-Text mit den besten Liedtexten machen, die ich zu dem Zeitpunkt finden kann, und dann gehe ich zurück und verbessere sie und mache sie besser und besser Aber ich habe einen Songwriting-Partner , der es mag, alles perfekt zu machen und bei jedem Schritt alles so gut wie möglich zu Es dauert also lange, bis die erste Strophe fertig ist, weil er sicherstellt, dass sie wie diese wirklich perfekte Strophe ist , bevor wir weitermachen Und es hat auch viele Vorteile, auf diese Weise zu arbeiten, und es gibt keinen richtigen oder falschen Weg, den Sie dabei angehen wollen Aus irgendeinem Grund mag ich es wirklich, alle Melodien einzufangen und zuerst das große Ganze herauszufinden und dann Aber du kannst hineinzoomen und dich nach unten vorarbeiten. Und das hat den Vorteil, dass Sie genau wissen, wo Sie sich befinden, und das beeinflusst Ihre nächste Entscheidung vielleicht besser Es gibt also keinen richtigen oder falschen Weg, einen Song zu schreiben, aber irgendwann braucht man mindestens zwei Melodien Sie möchten wahrscheinlich ein Thema, eine allgemeine Idee oder ein Konzept für den Text Und dann möchtest du dem Zuhörer ein kleines Bild davon machen , wer die Charaktere in dieser Geschichte sind Charaktere in dieser Geschichte Wo findet die Geschichte statt? Was passiert in der Geschichte? Wie fühlst du dich dadurch? Was sind einige Metaphern für das, was Sie oder jemand anderes fühlen lässt Und gib dem Zuhörer so viele Informationen wie möglich. Und das Wichtigste beim Schreiben von Songs ist, einfach an deinem Instrument zu sitzen oder einfach zu versuchen, jeden Tag einen Song zu schreiben Gib dir zum Beispiel 10 Minuten, 15 Minuten. Verbringe nicht ewig. Eine kurze Zeit und setz dich einfach hin und versuche, ein Lied zu schreiben, und du wirst so weit kommen, wie du kannst. Vielleicht setzt du dich in der ersten Woche jeden Tag für 10 Minuten hin und du setzt dich einfach hin und spielst einfach einen Akkord und nichts kommt. Das ist in Ordnung Wenn du dich weiter hinsetzt und an dem Ziel festhältst, einen Song zu schreiben, wird es irgendwann kommen. Und es ist wie ein Muskel. Also, wenn du in deinem ganzen Leben noch nie Liegestütze gemacht hast , noch nie deine Arme trainiert hast, wird es lange dauern, bis du ein paar Liegestütze machen und Gewichte heben kannst paar Liegestütze machen oder so. Aber irgendwann, wenn du weitermachst, wirst du in der Lage sein, fünf, zehn, 20, 30 zu machen. Weißt du, ich werde weitermachen. Songwriting funktioniert genauso. Du wirst einfach immer besser, der Muskel wird immer stärker und lass dich nicht entmutigen, wenn zuerst nichts kommt Wenn du es weiter versuchst, verspreche ich dir, dass die Songs anfangen werden zu fließen 10. Zuerst schlagen: Lege die Grundlagen für deinen Track: anderes Lager, um einen Song zu schreiben, ist Beat First oder Instrumental First Wenn du also zuerst die Musik schreiben willst, zeige ich dir, wie das geht. Es gibt verschiedene Lager, wenn es darum geht, zuerst den Beat zu schreiben. Du könntest mit der Harmonie beginnen, die meiner Meinung nach am häufigsten vorkommt. Du könntest mit den Trommeln beginnen. Du könntest mit dem Bass anfangen, was ich wohl noch nie gemacht habe, und ich glaube, ich war noch nie in einer Session in der das jemand anderes gemacht hat, aber warum nicht? Es gibt keinen falschen Weg, das zu tun? Und du kannst in diesen Parts spielen, du kannst sie programmieren, oder du kannst einen Loop finden oder die Parts sampeln. Wir werden weitermachen und jede dieser verschiedenen Versionen untersuchen. Ich spiele dir einfach einen Beat vor, den ich gemacht habe , aus dem wir dann auch einen Song geschrieben haben. M Also hier haben wir einen Beat, und dann haben ich und mein Freund einen Song dazu geschrieben. Also Beat First ist wirklich so einfach. Du schreibst einfach deinen Beat und dann nimmst du ein paar Melodien, Konzepte, Texte, was auch immer dazu Und da hast du deinen Song. Beat First ist also die gängigste Art, wie Menschen heute Musik schreiben. vielen Sessions machen die Produzenten zusammen einen Beat, und dann kommen die Top-Line-Autoren rein, die Singer-Songwriter kommen rein, und vielleicht sind ein paar von ihnen zusammen in einem Raum, riffen verschiedene Songideen heraus, und am Ende der Session ist hoffentlich etwas Magisches passiert und jeder verlässt den Raum mit einem tollen Song und am Ende der Session ist hoffentlich etwas Magisches passiert und jeder verlässt den Raum mit einem Jetzt werden wir einige verschiedene Optionen untersuchen, um zuerst die Harmony und zuerst das Schlagzeug zu spielen und wie Sie mit der Erstellung Ihrer Beats beginnen können. 11. Top Line schreiben: Fesselnde Hooks und Melodien: Du schreibst zuerst Beat, dann hast du vielleicht etwas Musik und dann hast du etwas Du musst deinen Song auf die Musik schreiben. Lassen Sie uns also das Schreiben einiger Topzeilen untersuchen. Hier ist ein Beat, den ich gemacht habe. Und ich habe mit einem Freund ein paar Melodien vorgespielt und mir immer wieder diese Melodie ausgedacht, die war einem Freund ein paar Melodien vorgespielt und mir immer wieder wie da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da da Also fingen wir an, herauszufinden, was das sein könnte, und irgendwann Also, vielleicht haben wir diesen Teil hier, und wir haben angefangen, einige Texte zu schreiben Ich meine nicht. Und wir haben verschiedene Texte gefunden , die hier funktionierten. Unten in Pa. Gift in der Sonne schwimmen. O. Und wir fingen an, uns eine kleine Geschichte auszudenken Wir hatten diese Melodie. Und dann war Anna ein cool klingendes Endwort Also haben wir einfach versucht, Wörter zu finden , die mit diesem Vokal enden, weil uns gefiel, wie das in dieser Melodie klang Und ich weiß nicht , wer es zuerst gesagt hat, aber einer von uns hat gerade damit angefangen Sie sagte, ich habe nicht einmal eine. Also, was wir hier haben, sind jetzt zwei Melodien Wir haben das, ich habe nicht mal Wa. Und dann haben wir auch diese süße DVD. Und wir haben angefangen, diesen Song auf diese Weise zu erstellen. Und wir haben eine kleine Geschichte, die sich durchsetzt, und dann kehren wir zum süßen göttlichen Teil zurück. Und dann haben wir noch eine Melodie, die hier drüben reingekommen ist. B Ss Worauf hat sie gewartet? Wir kennen die Gasse direkt unter C, ein Stück eines stillen Was, das einen Apfel lädt , einen Apfel isst, ihn zur Polizei kaut und eine Katze damit einlädt, was hat sie drauf Sie sagte, ich will nicht einmal. Und wir fangen an, den Song zu bauen, diese verschiedenen Melodien kommen durch, und bevor du dich versiehst, haben wir einen Song Top Line zu schreiben bedeutet also einfach auf deinen Beat zu hören und einfach ein paar Ideen herauszuholen Und du wirst immer wieder Teile finden, die zurückkommen wollen, und vielleicht mehrere Teile, die zurückkommen wollen Und das ist irgendwie süß. Papa, süß. Und das wurde schließlich zum Kernkonzept des Songs. Sweet Devine meinte, Oh, das ist ein ziemlich cooler Titel Ich weiß nicht, was mein Freund überhaupt gedacht hat, als er das gesagt hat, aber das gefällt mir Weißt du? Also ist es so, okay, Sweet Devine, und das wird der Titel Dann versucht alles, was wir schreiben , textlich irgendwie dorthin zu führen oder sich auf dieses Konzept zu stützen Und wir haben eine Vielzahl verschiedener Melodien, die sich aufeinander stapeln und gut zusammenpassen, und dann haben wir sich wiederholende Teile, wir haben Strophen und wir haben die Geschichte, die wir aufbauen Schreiben von Topline ist also so, als ob du einen Song schreibst , nur weil du ein paar Akkorde auf dem Klavier oder der Gitarre oder was auch immer spielst , aber du schreibst Und es ist nett, im Takt zu schreiben, weil die Beats wie Weißt du, ich meine, du kannst es natürlich ändern, aber der Beat ist eine Menge Stimmung , die schon zusammen ist Und so kannst du dich als Singer-Songwriter noch mehr auf diese Atmosphäre verlassen Deshalb schreiben viele Leute gerne im Takt. 12. Zuerst die Harmonie: Aufbau reicher Klanggrundlagen: Du willst zuerst einen Beat machen und dann willst du etwas Topline dazu schreiben Nun, wo wirst du mit deinem Beat anfangen? Lassen Sie uns den für mich gängigsten Weg versuchen , nämlich zuerst Harmonie. Harmonie zuerst, du fängst mit einem Harmonieteil an. Versuche, diesen einen Teil so interessant wie möglich zu gestalten. Dally, es ist ein Riff oder eine Melodie, die ein Akkordmuster skizziert, aber alles, was dir ein gewisses Gefühl gibt, ist die gewisses Gefühl Es gibt keine Regeln. Sie können mehr als einen Harmoniepart haben. Aber einfach ist normalerweise besser. Sie können es abspielen, programmieren oder probieren. Fügen Sie dann Schlagzeug, Bass oder Soundeffekte hinzu. Analysieren Sie das Spiel und stellen Sie Ihre Lieblings-Harmonieparts nach, damit Sie sie besser verstehen Okay, welche Songs magst du wirklich? Wenn du Fred wieder wirklich liebst, was macht er dann? Versuche, einige dieser Songs neu zu erstellen. Versuche zu verstehen, warum seine Harmonieparts funktionieren. Und das kann dir helfen zu verstehen, wie man solche Musik macht. Schauen wir uns in meinem Fall diesen Song an, den ich gemacht habe und der mit einem Gitarrenriff begann Ich hatte also dieses kleine Gitarrenriff , das ich immer und immer wieder gespielt habe, und es hat mir sehr gut gefallen, und ich wollte daraus einen Also, ich mag wirklich, wie diese Gitarre klingt. Und das war wie, okay, ich habe das gespielt und ich dachte, okay, das ist cool. Das ist cool. Das ist ziemlich schnell, Pumpe. vielleicht so, ein House Beat oder so. Also so habe ich diesen Beat angefangen. Ich habe diese Gitarre ausprobiert und dann angefangen , Schlagzeug hinzuzufügen. Dann habe ich eine Bassline gefunden. Dann habe ich tatsächlich ein Klavier hinzugefügt. Jetzt habe ich also diesen Gitarrenpart, und ich habe einen Beat und ich habe ein Klavier und ich habe ein Bassine Ich habe also alle Elemente , die ich für einen Beat benötige, und ich könnte anfangen, einen Song dazu zu schreiben Aber ich wollte diesen Beat etwas konkreter gestalten. Also haben wir mit der Gitarre angefangen, wir haben das Schlagzeug hinzugefügt, wir haben den Bass. Und dann habe ich für diesen Teil die Gitarre rausgeschnitten, als alles andere reinkam, weil es mir viel Ich habe in diesem Song viel Naturtextur verwendet, was nur ein B ist. Das ist also ein Beispiel für einige Harmony-First-Beats , die ich gemacht habe Also im Grunde ist es so, dass ich mit einer Gitarre angefangen habe. Ich hatte diesen Harmonie-Teil. Du könntest vielleicht mit dem Synth-Teil beginnen , den du programmierst Es spielt keine Rolle oder gar ein Loop. Dann füge ich etwas Schlagzeug hinzu, dann füge ich etwas Bass und dann füge ich vielleicht noch einen zweiten Harmoniepart hinzu, ob das nötig ist oder nicht. Das ist also im Grunde das , was Harmony First ausmacht. Sie finden einfach ein Sample, einen Loop oder etwas, das Sie auf einem Instrument spielen können oder etwas, das Ihr Ohr anspricht. Das ist wie, ja, das ist cool. Jetzt fügen wir noch ein paar Elemente hinzu, und dann würdest du irgendwann noch einen Song hinzufügen , wenn du möchtest. Das ist also zunächst ein Beispiel für Harmony. M. 15. Panning: Erweitere deine Sonic-Horizonte: In dieser Lektion dreht sich alles um Panik. Die allgemeine Philosophie bei Panning und Musik ist , dass sich nichts genau an derselben Stelle befinden sollte Es kommt gewissermaßen von der Idee sich eine Band auf der Bühne vorzustellen, und jedes Bandmitglied ist an seinem eigenen Ort auf der Sie haben also nicht den Bassisten nicht auf dem Schlagzeuger steht Da ist jeder in seinem eigenen Raum. Wir übertragen dieses Ethos gerne in die Musikproduktion, nur um sicherzustellen, dass all unsere Elemente ihren eigenen Raum haben, weil wir den Stereo-Raum haben, mit dem wir spielen können Als allgemeine Faustregel gilt, dass das obere Ende breiter geschwenkt werden kann und das untere Ende stärker mittig sein sollte Es gibt wirklich keine Regeln, aber das ist nur eine allgemeine Art, über Dinge nachzudenken , wenn man nicht einmal weiß, wo gesagt werden soll, der Mitte des Songs, Null, gar nicht hecheln Das sind die besten Immobilien, weil sie links und rechts gleich groß sein werden links und rechts Weil das ein so wichtiger Ort ist, gibt es ein paar wichtige Elemente , die für diese zentrale Lage kämpfen. Und das sind der Kick-Snare, Leadgesang, der Bass und der Sub Diese Elemente sind also gerne in der Mitte. Vielleicht schwenkst du den Kick und snare einen zur einen Seite, einen Grad, in der Basis zur anderen Seite, ein Grad Aber manchmal möchtest du vielleicht all diese Elemente im Totpunkt behalten , und das ist okay Das U-Boot sollte jedoch wirklich immer genau in der Mitte sein, weil es sehr verwirrend ist, wenn das U-Boot auf der einen Seite lauter ist als auf der Normalerweise gilt das auch für den Kick und den Bass, aber wenn Sie den Kick oder den Bass nach links oder rechts bewegen , wird das nichts ruinieren Die meisten Leute fangen am einfachsten an, über Panning nachzudenken, ist, sich die Beatle-Platten der alten Schule anzuhören , weil sie feststellen werden , dass der gesamte Gesang auf einem Das werden Sie bei diesen alten Beatles-Songs feststellen. Du sagst, wow, sie singen nur auf dem rechten Ohr, und dann höre ich das Schlagzeug auf dem linken Ohr oder das lag an ihren Einschränkungen, die sie zu der Zeit mit der Technologie hatten, aber das klingt ziemlich cool, und vielleicht möchtest du etwas davon wieder in deine Musik einfließen Aber generell mögen wir es, wenn unser Gesang in der Mitte steht. Hier haben wir also einen Beispieltrack, und lassen Sie uns das Panning erkunden Hören wir uns also diese Trommeln an. Wir haben diese Kickdrum hier, und wir keuchen sie eine nach links Dann haben wir unsere Schlinge, die wir in der Mitte halten Jetzt haben wir unsere hohen Hüte. Wir keuchen die nach links. 20. Als nächstes haben wir unseren Klatsch , den wir nach rechts keuchen Wir haben ein Tamburin und das keuchen wir nach links. Im Moment hat also alles seinen eigenen Platz. Wir haben eine Basis, die eins nach rechts geschwenkt wird, gegenüber dem Der Kick ist eins nach links, die Basis eins nach rechts Jetzt haben wir ein Klavier, das um sieben nach rechts geschwenkt Jetzt schalten wir unseren Gesang ein. Muskelkonti. Die Harmonien sind um 25 nach rechts geschwenkt. Hallo 25 nach links. Und das gilt auch für die Doubles mit der Hauptstimme in der Mitte, und dann schwenken unsere Ad Libs , sie automatisieren die 30 nach links, und das geht im Grunde 30 nach rechts, weniger, und dann zurück zu 30 nach Muskel nein. Wir haben ein Naviso-Visum. Wir haben den ganzen Abend mit dem Tagore G darüber gesprochen , die Anzeige leiser zu stellen Nichts in M Co. Wir Livia Naso Im Allgemeinen möchtest du, dass dein Panning in etwa so aussieht, ohne dass sich das Element wirklich an derselben Stelle befindet, außer dem Argument von, naja, der Mitte, und vielleicht willst du das Sub und den Gesang, was auch immer, was auch immer Hauptsächlich möchtest du, dass deine Elemente verschiedene Stellen verschoben werden. Und wie Sie gesehen haben, hatten wir unsere hohen Hüte am weitesten geschwenkt und dann wurden die anderen Elemente und dann wurden die anderen Neigen Sie nicht dazu, mit meinem Keuchen verrückt zu werden, aber manche Leute haben die Philosophie, dass Sie die Dinge ganz nach links und rechts schwenken können Warum nicht alles durchkeuchen? Und das ist fair. Es gibt also keinen richtigen oder falschen Weg, es zu tun. Keuchen ist am deutlichsten bei Kopfhörern zu spüren, und Sie möchten nicht, wie bei Ihrer Hauptstimme am Klavier, ganz nach rechts schwenken , sodass wahrscheinlich nichts davon links übrig bleibt Wenn der Beat um ein bestimmtes Element herum aufgebaut ist, möchtest du es wahrscheinlich irgendwo in der Nähe des Tonumfangs haben, nur damit es beiden Ohren gehört wird. Aber vielleicht nicht. Es ist wirklich eine subjektive Entscheidung. Wenn du beim Keuchen nicht erkennen kannst, was du willst würde ich die meisten Dinge einfach in der Mitte halten , aber alles um ein oder zwei Grad wenigstens seinen eigenen Raum geben ein oder zwei Grad Und wenn Sie sich beim Produzieren wohler fühlen, werden Sie anfangen zu verstehen, was Sie gerne tun und wie weit Sie Ihr Keuchen treiben möchten 16. Verdopplung und Schichtung: Tiefe und Textur hinzufügen: Ich habe ein bisschen über Doubling und Layering gesprochen, und wir haben uns sicherlich mit Doubling und Layering befasst Doubling und Layering Aber du kannst diese Technik für alle Elemente der Musikproduktion verwenden alle Sie möchten Dinge verdoppeln und übereinander legen, um sie für mph oder die Jenicka interessant Du willst deinem Song einfach etwas Neues hinzufügen, und du kannst versuchen, einige Teile zu verdoppeln oder übereinander zu legen Es ist üblich, deine Snares übereinander zu legen. Du kannst deine Gitarrenparts verdoppeln, du kannst deine Synth-Parts mit verschiedenen Synthesizern Du kannst wirklich jeden Teil verdoppeln. Es gibt dieses Ding namens Phasing. Manchmal kann man also nicht einfach mit Apple D und Windows D einen vorhandenen Titel duplizieren Manchmal und meistens funktioniert das aufgrund der Art und Weise, wie der Sound funktioniert, nicht Es ist etwas verwirrend und schwer zu erklären, aber wenn man genau dieselben Wellen hat, werden sie sich quasi gegenseitig aufheben und sich gegenseitig auslöschen. Deshalb kann man nicht einfach nur einen Gesang haben und den Track buchstäblich duplizieren und zwei Stimmen haben Leider funktioniert das nicht wirklich so. Wenn du das machen musst, kannst du das Timing von beiden verschieben, ist ein bisschen ein Hack, aber ich empfehle es nicht. Ein wirklich cooler Trick, den du machen kannst, besteht darin, die Pfanne hart links und hart rechts zu schwenken, also einen doppelten Teil. Lassen Sie uns also etwas verdoppeln und legen. Hier haben wir einen Beat, den ich gemacht habe und der einen Gitarrenpart hat. Ich habe eine Aufnahme ganz nach rechts. Die andere Variante ist ganz links. Das lässt viel Platz in der Mitte für alles andere. Wir verdoppeln also nicht nur unseren Gitarrenpart, damit der Teil etwas dicker und kraftvoller klingt Wir sind in der Lage, stark links und hart rechts in Panik zu geraten, wodurch der gesamte Raum in der Mitte für jedes andere Element im Song übrig bleibt der Mitte für jedes andere Element im Song Und das ist eine wirklich coole Technik. Wenn deine Harmonieparts hart links und hart rechts sind, dann kannst du deinen Gesang in der Mitte haben, dein Schlagzeug ein bisschen in diese Richtung schwenken , deine Basis ein bisschen in diese Richtung, und du hast ein sehr umfassendes Hörerlebnis Das ist also ein wirklich cooler Trick. Also lass uns hier zu diesem Beat übergehen. Und lassen Sie uns unser Harmonieherz mit dieser Sonne verbinden. Das ist ein anderer Synthesizer. Eine neue Ebene. Sogar eine neue Ebene. Sogar eine neue Ebene. Was wir hier tun, ist, genau diesen Milbenanteil mit verschiedenen Klängen in verschiedenen Oktaven übereinander zu legen genau diesen Milbenanteil mit verschiedenen Klängen in verschiedenen Und wir überlagern verschiedene Texturen und Arten von Sounds, sodass wir diesen traumhaften, ätherischen Klang haben , der den Raum mit diesem eher glockenähnlichen, mutigen Klang ausfüllt mutigen Und zusammen erhalten wir diese einzigartige, sehr volle Gefühlsebene. Sie können also damit experimentieren, Ihre Teile zu verdoppeln und zu schichten , um vielleicht eine ganz nach links und eine ganz nach rechts zu schwenken, um Platz zu schaffen und Ihr Teil etwas dicker zu machen Du kannst deine Synthesizer und deine Pano-Parts einfach weiter verdoppeln und deine Pano-Parts Du kopierst einfach einen neuen Track und fügst ihn ein, und dann siehst du, wie er auf einem anders klingenden Synthesizer klingt Und du kannst das wirklich so weit bringen , wie du willst. Und irgendwann, ja, wirst du die Lautstärke detailliert angeben, und klar, manchmal ist es besser, anzuhalten, während du vorne bist und sagst, ich habe zwei Ebenen, die gut klingen, und die dritte Ebene klingt vielleicht ein bisschen chaotisch Das willst du nicht. Also sei immer ehrlich zu dir selbst oder klingt es besser mit diesem Ding? Mache ich eine Verbesserung daraus? Trage ich nur eine Schicht auf? Aber es ist cool zu experimentieren und verschiedene Dinge auszuprobieren , um herauszufinden, was wirklich am besten klingt Denken Sie daran, dass Sie Ihre verschiedenen Snare-Hits überlagern können. Sie können Ihre Kick-Drums überlagern. Du kannst deinen Gesang verdoppeln. Du könntest verschiedene Basen überlagern solange du sie nicht hast, Beispiel ein matschiges Bass-End Wenn du also Basen schichten möchtest, würde ich empfehlen, eine zu haben, die quasi das Instrument ist, das sich am Boden anfühlt, und dann vielleicht nur das obere Ende verschiedener Basen übereinander zu schichten Also das liegt wirklich an dir. Aber Layering verleiht deinem Song wirklich eine Dimension. Und denken Sie daran, dass Sie die Dinge im Laufe Ihres Songs unterschiedlich überlagern Vielleicht fängt der erste Teil also nicht sehr vielschichtig an, und im letzten Refrain ist er sehr vielschichtig Das ist eine großartige Art , Dinge anzugehen. Du sagst, okay, jeder neue Abschnitt deines Songs hat vielleicht eine neue Ebene oder so. Es gibt also viele richtige Möglichkeiten, das zu tun, und ich freue mich darauf, dass du anfängst, das Layering in deiner Musik zu erforschen 17. Orchestrieren: Selbstbewusst komponieren: Orchestrierung ist das Konzept, deinen Beat, den kleinen Teil deines Songs und deines Beats, zu nehmen deinen Beat, den kleinen Teil deines Songs und ihn wirklich zu erweitern und daraus eine ganze Welt, ein ganzes Universum zu machen, du orchestrierst, du komponierst, du verbesserst ihn, und egal welchen Teil der Geschichte du zu erzählen versuchst, du versuchst ihn so gut wie möglich zu erzählen Lassen Sie uns also die Orchestrierung untersuchen. Orchestrierung kann das Hinzufügen und Überlagern neuer Parts und Instrumente bedeuten Überlagern neuer Parts Ab wann möchtest du einen weiteren Harmonie-Part haben? An welchem Punkt möchten Sie ein neues Instrument hinzufügen? Vielleicht möchtest du ein neues Instrument in einem neuen Bereich im Refrain hinzufügen , um die Klangqualität zu verbessern. Du sagst, oh, da ist jetzt ein High-End-Ding, das in der Strophe nicht enthalten war Du kannst vielleicht einen neuen Synthesizer zu einem Build-Teil hinzufügen. Vielleicht wirst du einen vorhandenen Sound in einem neuen Abschnitt ersetzen einen vorhandenen Sound in einem neuen Abschnitt Und das haben die Kettenraucher in einem ihrer großen Hits getan , den wir untersuchen werden Sie können bestehende Sounds mit neuen Sounds überlagern, die in verschiedenen Tonbereichen abgespielt werden, sodass der Effekt entsteht, dass der Teil wächst Studieren Sie wie immer Ihre Lieblingslieder. Wie fügen sie neue Teile hinzu? Wie sorgen sie dafür, dass ihre bestehenden Teile interessant bleiben? Lassen Sie uns also eintauchen. Also hier haben wir diesen Beat. Dann haben wir vielleicht diese Trommeln. Dann kommen vielleicht der Bass und die Kick-Drums rein. Vielleicht würde der Gesang auch hier reinkommen. Vielleicht ist das der erste Refrain und dann ist das die Strophe. Und jetzt, wo wir das seit 8 Takten gehört haben, wir vielleicht einen neuen Sound hinzugefügt. Als Ebene. Hand an seinem einzigartigen Ort. Und jetzt hat dieser Refrain vielleicht eine neue Ebene und eine neue Bandbreite Und ein neuer Teil. Es ist also ziemlich üblich , dass der Refrain den größten Teil des Songs ausmacht Und dann, vielleicht, nach dem Refrain, haben wir den neuen Regen hinzugefügt, also hören wir dasselbe Riff, aber es wächst weiter und gibt dem Song das Gefühl, dass er wächst, und wir haben einen neuen Teil hinzugefügt, nämlich diesen kontinuierlichen Arpeggiopart , der ein bisschen Spannung hinzugefügt hat Und dann würden wir uns vielleicht für die zweite Strophe auf so etwas Und dann kommen vielleicht noch ein paar Schichten für diesen Teil rein. Und du könntest so weitermachen und weiter wachsen, Schichten hinzufügen und Teile herausnehmen , um zu versuchen, deinen ganzen Song interessant zu machen Denken Sie daran, dass Sie bei der Orchestrierung vielleicht den modernen Layering-Stil verwenden möchten , bei dem Sie Middy einfach so kopieren und einfügen , wie Oder vielleicht möchten Sie weitermachen und ein bisschen bewusster vorgehen und sagen, okay, jetzt, wo wir unsere Ebenen gefunden haben, sagen Sie, ich möchte Unsere Basisnoten spielen hier einige Töne ab. Wir haben die Melodieversion unserer Akkorde. Das Klavier gefällt mir wirklich, aber wir mussten nur die fehlende Note spielen. Um einen Akkord zu machen, braucht man nur drei Noten. Das sind also die gleichen Midi-Informationen. Aber der Bass spielt diese Noten. Die Klaviere spielen diese Noten, und der Bell-Synthesizer spielt den oberen Teil Hier holen wir eine Menge Kilometer aus unserer Harmonie heraus. Jeder Teil wird nur einmal gespielt, also ist jeder einzelne Teil hier sehr wichtig. Das ist nett und sehr sauber, oder manchmal will man einfach nur diese Art von Sound. Es hängt nur subjektiv davon ab, was Sie anstreben. also daran, wir orchestrieren das durch Mastermind Okay, wir fangen nur mit dem Klavier an. Und dann kommen wir mit den Trommeln rein. Und dann kommen wir mit dem Bass und dem ganzen Schlagzeug und dem Gesang rein. Hallo. Dann gehen wir zu einem zweiten Vers über , den wir noch nicht geschrieben haben. Dann legen wir für diese Vorarbeit etwas mehr Schichten an. Und dann für den zweiten Refrain. Die Messe lebt so sein Leben. Wir haben diesen Teil und diesen Teil. Sag es mir und dann, wo auch immer dein Song von dort aus hingehen will. Sie können also anfangen zu sehen, wie Musik wirklich linear lebt Es geht weiter. Es existiert nicht in Loop-Form. Und ich ermutige Sie, nicht zu viel Zeit in einer Schleife zu verbringen. Sobald du etwas Groven hast, schalte den Loop-Modus aus und fange an, deinen Song entlang der Timeline wachsen zu lassen, denn du wirst natürlich wissen, okay, wir haben es ein bisschen satt, das zu hören, und dann änderst du es sofort Und dann sagst du, okay, jetzt möchte ich, dass dieser Teil überlagert Du wirst wissen, was sich im Moment richtig anfühlt. Und normalerweise fühlt es sich richtig an, nach etwa vier oder acht Takten etwas hinzuzufügen oder wegzunehmen . Wenn du einfach keine Ahnung hast, ändere alle 8 Takte etwas und du sagst, okay, alle 8 Takte wir entweder etwas hinzu oder nehmen etwas weg. Und wenn es eine Weile her ist, seit Sie etwas weggenommen haben, wenn Sie nur etwas hinzugefügt haben, dann gehen Sie durch einen Abschnitt, in dem Sie alles wegnehmen Und wenn du nur Dinge weggenommen hast, dann möchtest du vielleicht wieder etwas hinzufügen. Und Sie können ständig neue Instrumente hinzufügen , oder Sie können den Post-Malone-Ansatz wählen, bei dem es wirklich dieselben Instrumente waren, aber sie haben einfach immer wieder bei dem es wirklich dieselben Instrumente waren, die Trommeln herausgenommen und zurückgebracht Und das war genug, um die Dinge interessant zu halten. Sie müssen es also nicht zu kompliziert machen. Sie benötigen keine sieben verschiedenen Synth-Layer. Du brauchst es wirklich einfach nicht. Du könntest einfach einen Synthesizer haben und du denkst, das klingt. Wir werden die Basis reinbringen, den Bass rausbringen, das Schlagzeug reinbringen, das Schlagzeug rausbringen , das Schlagzeug rausbringen Wir nehmen den Synthesizer in Oktave rauf , in Oktave runter Es gibt viele Variationen und Kontraste, die überall möglich sind Aber beim Orchestrieren kommst du in die Denkweise, dass du anfängst , dir das Gesamtbild deines Songs vorzustellen Und wie bei allem, hör dir deine Lieblingslieder an und finde heraus, was sie machen? Wann überlagern sie sich? Wie schichten sie sich? Wie halten sie dein Interesse während des ganzen Songs aufrecht? Und wenn Sie Ihre Lieblingslieder studieren, werden Sie alle Antworten darauf finden, wie Sie Ihre eigene Originalmusik schreiben können. 18. Gegenmelodie: Verbessere deinen melodischen Fluss: In dieser Lektion dreht sich alles um Gegenmelodien. Lassen Sie uns also darüber sprechen, was eine Gegenmelodie ist. Bei einer Gegenmelodie fügen Sie im Grunde einen neuen Sound oder einen vorhandenen Sound hinzu , der eine einfache Melodie abspielt , die nicht ablenkt, sondern gut mit der Hauptmelodie harmoniert Normalerweise in der zweiten Strophe eines Popsongs. Es ist eine gute Möglichkeit, Interesse zu wecken, ohne zu viel hinzuzufügen. Falls nur Layering und Layering einfach nicht das Richtige für deinen Song ist. Du sagst, Hmm Vielleicht willst du für die zweite Strophe einfach eine einfache Gitarrenmelodie machen , die nicht von deiner Leadstimme ablenkt, sondern den Song wachsen lässt Gegenmelodien sind in einigen Genres beliebter als in anderen, aber ich würde sagen, wenn du das wirklich willst, könntest du wahrscheinlich für jeden Song, an dem du gerade arbeitest, eine Gegenmelodie finden dem du gerade arbeitest, eine Gegenmelodie Lassen Sie uns also untersuchen, was unsere Gegenmelodie sein könnte. Fräulein Citi Miso. ganze Nacht mit den beiden geredet mir erzählt, warum das so ist Das ist ein wirklich einfacher Teil, aber er harmoniert gut mit den vorhandenen Elementen und lenkt nicht von deiner Stimme ab Das wäre also eine gute Gegenmelodie. Nichts in Co. So hoch, Naso. Abends mit dem Tago sprechen Also das ist etwas, das vielleicht kommt diesen Teil zum zweiten Mal hörst Du brauchst diesen Teil nicht. Nichts in M Co. Ein hoher Naso. Ein Abend mit dem Etikett. Erzähl es. Aber es ist nett. Bei einem zweiten Durchlauf. Nichts in M Con. So viel Novasol Ich rede die ganze Nacht mit den Schlagwörtern sag, dass Counter-Melodien Dinge sind , die man beim ersten Durchhören vielleicht nicht einmal bemerkt, weil man sich immer noch auf die Leadstimme oder den Leadpart oder was auch immer konzentriert die Leadstimme oder den Leadpart oder , so wie Aber es ist dazu da, das nächste Level an Interesse hinzuzufügen , und vielleicht hast du es nicht gehört, aber es ist da, was dich dazu bringt, dir den Hauptpart auf eine neue Art anzuhören, ihn auf eine neue Art zu harmonisieren Und dann merkst du es vielleicht beim zweiten Durchhören oder beim dritten Durchhören und denkst, oh, wow, ich wusste nicht einmal, dass sie so sind, als würde man diesem Teil eine ganze Gegenmelodie hinzufügen Die besten Gegenmelodien sind super Nebenrollen. Sie haben die niedrigste Priorität. Sie versuchen nicht aufzufallen. Sie sind nur da, um ein bisschen mehr hinzuzufügen, damit der Song sich anfühlt, als würde er wachsen. 19. Abschnitte voll klingen: Maximiere deinen Mix: Abschnitte voll klingen lassen. Fülle ist bei vielen Musikstücken ein sehr wichtiger Teil, weil es in deinem Song normalerweise eine Zeit gibt, in der du einfach das Ruder übernehmen und dich richtig satt fühlen wolltest, egal ob es der Drop deines Songs oder der Refrain deines Songs ist oder der Refrain deines Lassen Sie uns also untersuchen, wie Sie das tun könnten. Einfachste Möglichkeiten, die Frequenzbänder aufzufüllen. Sie haben Ihre Subs, Ihren Bass, Ihre Mitten, Ihre Höhen und Ihre Extrahöhen, bumm, die gesamte bumm, Das ist also eine Möglichkeit, die Dinge voll klingen zu lassen . Eine andere Sache, die die Dinge voll klingen lässt , sind die tiefen Mitten. Wenn die tiefen Mitten in Ihrem Song sehr präsent sind, hat er diesen sehr vollen Klang Manchmal also Base und Sub zusammen, Leben in diesen tiefen Mitten kann deinem Song wirklich Fülle verleihen Der Kontrast kann auch dazu führen, dass alles voll klingt, du fügst deinem Refrain etwas Helles hinzu, oder du fügst deinem Refrain etwas Helles hinzu oder du lässt den Bass in einem anderen Abschnitt fallen, die Dinge im Kontrast zu dem, was vorher war, voll klingen lassen Kontrast Natürlich können Sie Ebenen hinzufügen, damit alles voll klingt. Sie können Soundeffekte hinzufügen. Sie können auf einen Abschnitt einwirken oder ihn abstürzen lassen, sodass er voll klingt. Studiere deine Lieblingslieder und finde heraus, wie sie dafür sorgen, dass ihr Abschnitt voll klingt? Auf welche Weise bauen sie sie an? Ist es der Kontrast? Gibt es einen Absturz auf einem Abschnitt? Was passiert in ihren Songs, die voll klingen? Und du wärst überrascht, dass einige Songs viel aufgebauter sind dass einige Songs viel aufgebauter sich trotzdem voll anfühlen, als du vielleicht denkst. Das ist also der klassische Weg. Das sind nur große Akkorde in einem vollen Spektrum. Also hören wir uns das an Es klingt wie eine Filmmusik, wie ein Bösewicht und ein James-Bond-Film oder so Also lass uns sehen, was hier vor sich geht. Also, wir haben diese wirklich großen Akkorde und sie sind groß. Sie umfassen viele, viele Oktaven. Hier wiederholen sich viele Noten. Wir haben also ein D hier unten in der Basisregion. Wir haben ein weiteres D in Oktave oben und Finite A. Also spielen wir im Moment d-Moll Als Nächstes spielen wir hier oben noch ein D und E, es ist also eine Art Add Two-Akkord Wir verdoppeln unsere A-Note. Wir verdoppeln unser D erneut. Wir haben noch ein E, also verdoppeln wir das zweite Wir haben ein weiteres F, also verdoppeln wir das dritte, und wir haben noch ein D. Das ist also nur eine große Schicht all den gleichen Noten, die mir einfach gut geklungen haben, als ich sie auf dem Klavier gespielt habe, und ich glaube, ich habe vielleicht Man kann also quasi Akkorde übereinander legen Weil D-Moll D F&A ist, heißt das nicht, dass man damit aufhören muss Probieren Sie D FNA aus, versuchen Sie es eine Oktave höher, probieren Sie es Verschiebe ein paar Noten, experimentiere damit, das D hier oben zu haben und das A nicht in der Mitte zu haben Du kannst einfach experimentieren und das tun, was für dich gut klingt, aber irgendwann kannst du mit diesen großen Akkorden enden Das klingt an sich schon ziemlich voll. Es ist einfach ein voll klingendes Orchester, aber wir haben damit nicht aufgehört Wir haben auch eine Schicht Blechbläser hinzugefügt, die dieselben Akkorde spielen. Wir haben eine untere Messingschicht hinzugefügt, die die Basis bildet. Und wir haben eine weitere Schicht Saiten hinzugefügt , die nur den oberen Teil ausmachen. Es ist fast durchdringend hoch, wenn es alleine ist. Insgesamt haben wir also ein sehr voll klingendes Musikstück Lassen Sie uns einen ganz anderen Musikstil erkunden , der immer noch eine Fülle hat Dieses Ziel erreichen wir also, indem wir den unteren Mitteltonbereich wirklich ausfüllen Lassen Sie mich also den Klaviertrack isolieren , der der Hauptdarsteller dieses Bereichs ist. Also hier ist unser Klavier. Und das ist das Gefühl, dass C zwei bis C drei Lappen hat, wodurch alles wirklich voll klingt. Also verwenden wir diesen Bereich plus Kontrast um diesen Abschnitt auf eine ganz andere Weise als das letzte Beispiel voll klingen zu lassen. Ich habe mich in der Natur niedergelassen und. Das habe ich in der Natur gesehen. Oh, das du vielleicht nicht als voll beschreiben , aber es gibt keine Schalllöcher Es fühlt sich völlig voll genug an, und das ist dir nicht einmal in den Sinn gekommen, weil es in diesem Beat an nichts fehlt Also, was wir hier machen, ist, dass wir diese Trommeln haben. Und wir haben unseren Bass mit einem Sub. Wir haben unser Klavier. Und wir haben sogar diese Gitarre dazugelegt. Und wir haben diese Textur. Wir haben also die tiefen Akkorde auf dem Klavier. Wir haben einen vollen Trommelschlag. Wir machen eine Textur, nur um einen anderen Sound zu füllen, und wir haben einen höheren Gitarrenpart , der den Tonumfang kontrastiert. Das klingt schon deshalb voll, weil wir all die verschiedenen Bereiche abgedeckt haben. Und es lässt Platz, um noch mehr hinzuzufügen, was wir später im Song tun. Natur, alles ist Veränderung. Die Dinge der Natur ändern sich. Die Natur, alles ist Veränderung. Die Natur ist Veränderung. Die Natur. Das hat alle Elemente von früher, außer dass wir jetzt zusätzlich diese hohen Saiten haben . Und zusammen. Oh. Also, das sind verschiedene Möglichkeiten, wie Sie einen Abschnitt voll klingen lassen können. Und je nachdem, für welches Genre Sie sich entscheiden, ist ein Weg möglicherweise ansprechender als der andere. Du kannst die großen Akkorde und den richtig vollen Sound überlagern, oder du kannst einfach sagen, weißt du was? Ich kenne die Akkorde, die ich spielen möchte. Ich werde dieses Klavier haben, diese Gitarre wird reinkommen, Bass und Schlagzeug , und mehr brauche ich Und je mehr ich produziere, desto erfahrener werde ich als Produzent, ich tendiere zum zweiten Beispiel Ich neige dazu, weniger Teile zu finden , damit etwas voll klingt, aber es gibt keinen falschen Weg, das zu tun Was auch immer für dich am besten klingt und was sich für deinen Song am besten anfühlt, wird immer die richtige Antwort sein. 20. Voicing-Akkord-Inversionen auf dem Klavier: Erschließen Sie harmonische Möglichkeiten: Lass uns über Akkordstimmen sprechen. Du kannst deine Inversionen während des Songs ändern , damit der Song immer weiter wächst und sich weiterentwickelt und interessant Sie können es mit der Chorstimme versuchen. Sie können neue Inversionen zu bestehenden Sounds hinzufügen. Sie haben verschiedene Sounds, die unterschiedliche Noten Ihres Akkords spielen, und Sie können damit experimentieren, was für Sie am besten klingt Verschiedene Stimmen, unterschiedliche Emotionen und Gefühle, voll, leer, eindringlich, kraftvoll Ehrlich gesagt entsteht Kraft normalerweise dadurch, dass Akkorde dichter Was Sie also anstreben, wird Ihnen helfen, den richtigen Weg einzuschlagen Lass uns weitermachen und uns diese Akkorde anhören. Dies ist die Standardwurzelposition. Lassen Sie uns nun mit einigen Chorstimmen experimentieren. Es sind dieselben Akkorde. Aber was wir gemacht haben, wir die zweite und die vierte Note geschnappt, und wir haben sie aufgedreht, und das mache ich Und das klingt jetzt anders, offener. Antwort: Eine andere Möglichkeit, das zu tun , besteht darin, einfach die tiefsten Töne zu nehmen und sie inktav hochzuspielen Das ist eine neue Umkehrung. Das könnten wir nochmal versuchen Wir könnten es sogar noch einmal versuchen. Und wir könnten all diese Kabel in Oktave nach oben oder unten bewegen. Sie können in den leeren Bereich klicken, Befehl A, Shift-Pfeil nach unten drücken Als Faustregel gilt: Je niedriger Sie gehen, desto mehr Abstand zwischen Ihren Notizen benötigen Sie normalerweise. So etwas zu haben, zwei Nasen direkt nebeneinander in diesem tiefen Bereich, klingt vielleicht nicht gerade gut. Es ist okay, aber es ist ein bisschen matschig. Bei einem Vier-Noten-Akkord kann man sie gut organisieren, indem man den Grundton im Grundton, die dritte, die fünfte oder die siebte Note oder was auch immer die vierte Note Das sind im Grunde Ihre Optionen , wenn Sie sie alle nahe beieinander halten möchten Wenn du anfängst, die Akkorde zu öffnen und denkst, nun, diese zweite Note hier könnte eine Oktave höher gehen, dann hast du plötzlich viel mehr Optionen und du sagst, okay, lass uns einfach die Terz eine Oktave und lassen wir die andere Note an derselben Oder vielleicht nehmen wir die Fünfte und verschieben diese in Oktave nach oben Eine gute Sache, die man im Hinterkopf behalten sollte, wenn man nur Inversionen nach Inversionen durchmacht und denkt, nun, ich weiß nicht, wonach ich überhaupt suche Es ist ein Versuch, mit den Kopfnoten eine gute Melodie zu kreieren. Versuche etwas Interessantes zu kreieren. Also sind all diese Noten in diesen Akkorden grundsätzlich unterschiedlich Welches auch immer Sie wählen, es wird wahrscheinlich keine schlechte Wahl sein, aber einige Akkordfolgen haben viele ähnliche Noten In diesem Fall, wenn Sie so etwas spielen, gibt es hier eine gemeinsame Note Wenn du also diese Note oben hättest, hat das ein gewisses Gefühl Und vielleicht willst du das, vielleicht auch nicht. Aber wenn Sie nicht wissen, wonach Sie suchen, würde ich dazu neigen, dass sich die Kopfnote ändert. Natürlich gibt es absolut keine Regeln, also machst du einfach, was du willst, aber es ist hilfreich, bestimmte Dinge zu beachten, zumindest wenn du dir nicht sicher bist, wonach du suchst. Es wird diese Epinokta wieder bewegen. Und jetzt können wir das Ganze nach unten verschieben . Sie können die Akkorde damit beginnen lassen, dass sie zu Beginn des Songs tiefer sind und sich dann im Laufe des Songs öffnen Also vielleicht in der ersten Strophe, es fängt hier an. Und dann, im Refrain, öffnet es sich bis hierher. Und dann wird es für die Strophe vielleicht wieder kleiner. Das war eine wirklich einfache Methode, um einen coolen Kontrast zu erzeugen , ohne wirklich etwas hinzuzufügen. Wir ändern nur die Umkehrungen der gleichen Noten, die wir bereits spielen Das war also eine sehr einfache Methode , um einige Ketten und Kontraste in Songs zu erzeugen Sobald du deine Akkordfolge gefunden hast, verbringe ein bisschen Zeit damit, die richtigen Umkehrungen für deine Akkorde weil ich finde, dass zu finden, weil ich finde, dass bestimmte Umkehrungen etwas saftiger klingen als andere, aber das ist immer im Es ist manchmal nett, wenn die Terzen oben sind , aber es liegt wirklich an dir, zu entscheiden was Und ich fordere Sie auf, sich einfach 5 Minuten Zeit zu nehmen und zu sehen, ob es einige besser klingende Umkehrungen der Akkorde gibt , die Sie bereits haben? Oder vielleicht war die Art, wie du es hattest, perfekt, und dann lässt du es einfach Natürlich kannst du sie wachsen lassen und sie im Laufe der Zeit weiterentwickeln, und ich schlage vor, dass du das versuchst, weil der Song dadurch interessant klingt 21. Abschnitte, die wachsen möchten: Die Geschichte deines Songs entwickeln: Teile deines Songs wollen mit der Zeit wachsen. Du willst zum Beispiel nicht wirklich zweimal exakt denselben Refrain hören zweimal exakt denselben Refrain Ja, du willst den Refrain zweimal hören, weil es wahrscheinlich ein fesselndes Musikstück ist oder es ist Casi, oder es Aber es ist schön, wenn es einige Änderungen geben kann. Etwas anderes, du bist also quasi ein Grund dafür, dass es ein zweites Mal existiert. Denke nicht nur strukturell, naja , es muss A B, A B sein. Also müssen wir es zweimal machen, ihm einen Grund geben zu existieren, ihn geben, uns die zweite Wiederholung verdienen Es ist nicht nur Copy-Paste. Es hat etwas Einzigartiges. Lassen Sie uns also weitermachen und untersuchen, wie Ihre Abschnitte im Laufe der Zeit wachsen können. Hier haben wir ein Lied, das wir für einen Kurzfilm geschrieben haben, und es beginnt mit dieser Strophe. Frisch. Ich bin hier trocken. Sie, warum mag ich Vanilleeis? Clean Now ist ein einfacher weißer Tee. Lass uns Cold-Gate-Tee trinken. Wir gehen zur zweiten Hälfte des Verses über. Stark. Jetzt gehen wir in die Wildnis und öffnen das kalte Tor zu deinem wildesten Bach Jetzt spring auf den Nagel Jetzt lächelst du mit mir. Ich bin Johnny Cold Day. Ja, du bist wild auf dieser Straße. Ja, wir wiederholen den Refrain, und was hier passiert, ist, dass da diese hohe Stimme ist , die in den zweiten Teil übergeht , diese Aufforderung und Antwort Also entwickeln wir diesen Refrain im Laufe der Zeit weiter. Wir gehen dann zu einer zweiten Strophe über. Rot wie eine Farbe Grau. Wir bereiten uns auf einen zweiten Refrain vor. Stark wie eine verdammte Viper D an kühlen Tagen. Zu deiner Stream-Runde. Und dieser Chor hat die Stimme. Die Hauptstimme ist hoch und oktav. Da gibt es also schon einen Unterschied . Es gibt viel mehr Energie. Und wir haben einen Hintergrundchor hinzugefügt, der Oh sagt. Sie können also den Unterschied dieses Refrains erkennen. Zu diesem Chor. Zu dir laut Das Schlagzeug wird im zweiten Refrain auch etwas härter Das gibt dem Ganzen also wirklich einen Grund zu existieren und es ist aufregend, ihm zuzuhören , weil Sie wissen, dass sich das zweite Mal, wenn Sie den Refrain hören, noch aufregender anfühlen wird noch aufregender anfühlen wird Und das ist im Grunde das , was du willst. Hören wir uns also ein Lied einer alten Band von mir an und wir hören uns das erste Lied an. Ein netter. Nun, ich komme mit meiner Tasse. Das ist nett. Fahren Sie mit diesem Refrain fort. Ja, ich komme. Zehn. Also. Also, jetzt geht's los Es ist nicht zu zeigen. Es fühlt sich an, als ob etwas fehlt. Das weißt du schon. Das ist O B zweimal getreten hat Zeigen. Amy, komm rein. Aale, als ob etwas fehlt. Mia Ma ist reingekommen. Du weißt es schon. Jetzt machen wir mit dem zweiten Refrain weiter. Ein nettes nettes. Zweiter Char. Das ist zweimal. Tritt ein. Seine Synthesizer-Show Und der schnelle Schlagzeug-Teil. Fersen wie Stachel. Das weißt du schon. Du fragst mich. Kommt jetzt. Absätze, als würde etwas fehlen. Du weißt schon. Das neueste Lied kommt rein. Also zeige ich dir nur verschiedene Beispiele für Teile, die im Laufe des Songs wachsen. Der erste Refrain ertönt und du hörst den Text, du hörst den Gesang und er ist voll, aber es ist nicht so, als würde man einfach aus dem Song herausbrechen Und wenn dann der zweite oder dritte Refrain kommt, sind viele neue Teile da, und wir haben Das gibt dem wirklich einen Grund zu existieren. Du musst dir deine wiederholten Rollen verdienen. Aber ja, du möchtest wahrscheinlich deinen Refrain wiederholen. Es ist ein gutes Rätsel, das es zu lösen gilt. Es ist eine gute Herausforderung. Und fange einfach linear an. Du fängst irgendwo an Klingt wahrscheinlich ziemlich gut ohne zu viel, und dann kannst du einfach wachsen und wachsen und wachsen, während du weitermachst. Es sollte ein natürlicher Prozess sein. Und wenn du einmal anfängst, deine eigenen Beats zu machen, wette ich, dass du das intuitiv machen wirst 22. Herausgezoomt bleiben: toller Ratschlag, ein sehr talentierter, befreundeter Produzent mir ein sehr talentierter, befreundeter Produzent gegeben hat , ist, herauszuzoomen In dieser Lektion werde ich nur darüber sprechen, was das bedeutet Sie möchten die Details wirklich zuletzt erledigen. Sie möchten flexibel bleiben, falls Sie Ihr Basisteil nach der Hälfte der Produktion leicht umschreiben müssen Ihr Basisteil nach der Hälfte der Produktion leicht umschreiben Hälfte Wenn Sie wirklich alles gegeben haben, nur Design und Verarbeitung und alles, wird es für Sie schwieriger sein, sich selbst intellektuell dazu zu , da Sie mehr Änderungen vornehmen müssen Sie möchten also in der Lage sein, während des gesamten Produktionsprozesses flexibel zu bleiben während des gesamten Produktionsprozesses flexibel Kann entmutigend sein, ewig damit zu verbringen, den vierten Snare-Hit zu optimieren , nur um zu erkennen, dass Sie Ihren gesamten Schlagzeugpart neu erfinden müssen Folge deiner Intuition, denn ich habe oft das Gefühl, dass ich diesen Teil ändern muss, und das tue ich nicht und ich tue es auch nicht Und dann komme ich zum Ende des Songs und denke mir, Oh, ich muss diesen Teil wirklich ändern Also hör auf deine Intuition. Man muss nicht immer alles ändern , und manchmal gibt es Deadlines und Deadlines sind gesund und so. Aber wissen Sie, nehmen Sie sich die zusätzlichen fünf oder zehn Minuten Zeit die zusätzlichen fünf oder zehn Minuten , um zu sehen, ob Sie eine etwas bessere Rolle bekommen können. Am Anfang lohnt es sich normalerweise immer. Das ist alles, was ich sagen möchte, sei nicht zu wertvoll. Experimentiere, probiere verschiedene Dinge aus. Als dein Freund speichern. Das Lied sollte ohne die Details funktionieren. Es gibt keine Menge an Detaillierung und Feinjustierung , die einen schlechten Song retten Es ist wirklich wichtig, sich daran zu erinnern, dass, wenn sich der Song nicht nur mit einigen Akkorden und Melodien magisch anfühlt , Sie wahrscheinlich andere Akkorde und Melodien finden möchten nicht nur mit einigen Akkorden und Melodien magisch anfühlt, Sie wahrscheinlich andere Akkorde und Melodien finden möchten. Wenn du den Song zuerst verwendest, willst du einfach immer den Song im Kopf haben, und das ist einfach, weil er bereits existiert und du nur Dinge hinzufügen willst, die das Geschichtenerzählen des Songs verbessern. Du bist also okay, was ist wirklich notwendig Fangen Sie mit dem Nötigsten an Sie hinzu, was Sie wirklich benötigen? Und von dort aus können Sie anfangen, die Dinge zu verschönern und etwas mehr Glanz zu verleihen und Ihre Produktionsstätten zur Schau zu stellen , aber Sie möchten die Dinge am Anfang immer einfach halten, damit Sie flexibel bleiben können , wenn Sie ein Teil oder etwas ändern müssen Wenn du also in einem verlockenden Schlagzeugpart spielst und den Base-Part versuchst , und dabei anfängst du, , und dabei anfängst du, dein Schlagzeug ein ganzes Stück zu optimieren , und dann merkst du plötzlich, oh Mann, du hast mit deinem Schlagzeug den falschen Ansatz gewählt. Du musst die Sounds ändern. Du musst das Muster ändern. Es ist schwieriger, mich dazu zu bringen, wenn ich viel Zeit darin investiert habe. Also versuche ich, alle Details und die Zeit so spät wie möglich in den Prozess zu investieren , damit ich am selbstbewusstesten bin und mir am bin, dass meine Teile gesichert sind. Die perfekte Trommelfüllung und die perfekte Grundfüllung können normalerweise eine Weile warten, und es wird wahrscheinlich nicht über Erfolg oder Misserfolg entscheiden, wenn Sie sie sofort haben Aber wenn du eine wirklich gute Idee hast, meine ich, bring deine Idee auf jeden Fall raus. Ich sage nicht, dass Sie diese Ideen nicht untersuchen sollten. Sie sind sich nicht sicher, wo Sie Ihre Energie einsetzen sollen, es lohnt sich trotzdem, Ihren Basispart aufzunehmen, bevor Sie das absolut perfekte, detaillierte Schlagzeugfeld finalisieren Es ist wichtig, im Hinterkopf zu behalten, woher du kommst, denn vielleicht fängst du an einem Build zu arbeiten und machst deinen Build so groß, dass er den Drop überwindet Und plötzlich fühlt sich dein Drop nach einem so großen Build einfach nicht richtig Manchmal muss man also in der verkleinerten Form bleiben, wo man denkt, okay, wir werden bauen, aber ich weiß, was mein Drop sein wird Weil der Drop nicht dieser riesige Knall und das verrückte Ganze sein wird , müssen wir das beim Build im Hinterkopf behalten damit wir keinen Build machen, der das volle Frequenzspektrum hat, einen leeren Drop zu machen, aber nicht auf eine coole, kontrastierende Art und Weise. Deshalb kann es gut sein, die Ansicht zu verkleinern. Wenn du sagst, ich weiß, dass mein Refrain nicht besonders groß sein wird. Deshalb müssen wir die Strophe noch kleiner machen. Und so hilft uns das Gesamtbild dabei, gute Entscheidungen zu treffen. Der Loop-Modus kann täuschen, weil Sie sich vielleicht im Loop-Modus befinden Und du loopst deinen Refrain. Und diese komische Sache passiert im Loop-Modus, wo du sagst, oh, ich denke, ich kann mehr hinzufügen, und ich denke, ich kann mehr hinzufügen, und du fängst an, immer mehr und mehr hinzuzufügen , weil du Loops gemacht hast Sie sind es also gewohnt, zu hören, was bereits da ist, und Sie fangen an, etwas hinzuzufügen und hinzuzufügen Und wenn du dann zurückkommst und es jemand anderem vorspielst, ist es so, als ob sie viel zu viel auf einmal trifft. Ich denke, wow, da kommen eine Menge Dinge rein, weil du damals eine Endlosschleife gemacht hast und dich an das gewöhnt hast, was du hörst, und langsam überlagert hast, anstatt wenn du es dir außerhalb des Loop-Modus was du hörst und langsam überlagert hast, anstatt anhörst, es trifft dich einfach alles Seien Sie also vorsichtig, wenn Sie im Loop-Modus arbeiten, denn ich habe das schon oft gemacht, wo ich einfach zu viel hinzugefügt habe Ich habe überproduziert, und dann klingt es nicht einmal gut oder ergibt im Kontext überhaupt keinen Sinn , wenn man nicht hört, dass es im Loop-Modus langsam aufgebaut wird Also behalte das einfach im Hinterkopf. 23. Die 3-zweite Regel: Sprechen Sie über die Drei-Sekunden-Regel. Nun, die Drei-Sekunden-Regel sollte sich wahrscheinlich von selbst regeln, wenn Sie alle Teile so gemacht haben, wie sie sein sollten. Wenn du dein Schlagzeug hast und sie haben eine coole kleine Pille, und du hast deinen Bass und er hat eine Füllung an einer anderen Stelle, und dann hast du deinen Harmonie-Part, das Spielen eines coolen Riffs, und dann hast du deinen Gesang , der in seiner eigenen Die Drei-Sekunden-Regel sollte sich wahrscheinlich von selbst Aber was sie sagt, ist, dass im Grunde alle 3 Sekunden ein neues Geräusch zu hören sein sollte, so etwas wie das Hereinkommen. Das bedeutet nicht, dass ein neuer Sound in deinem Song entsteht , der nicht schon vorher da war. Es bedeutet nur, dass gesamten Hörens des Songs, im Grunde alle 3 Sekunden, das Riff nach unten ging, und dann kam die Grundlinie, und dann passierte die Trommelfüllung und dann passierte der Gesang, du lenkst im Grunde alle 3 Sekunden, das Riff nach unten ging, und dann kam die Grundlinie, und dann passierte die Trommelfüllung und dann passierte der Gesang, die Aufmerksamkeit kontinuierlich auf eine andere Stelle, und zwar auf eine wirklich organische Art und Weise Als ich das zum ersten Mal hörte, war ich wirklich gestresst. Das klingt verrückt, alle 3 Sekunden, also, wie soll ich das machen? Machen Sie sich also keine Gedanken über die Drei-Sekunden-Regel. Es ist wie diese Art von allgemeiner Sache, die Sie im Hinterkopf behalten können , aber Sie mögen keinen Stress dabei. Du sagst, Oh mein Gott, es sind 3 Sekunden vergangen und ich habe nichts Neues hinzugefügt. Das ist nicht hilfreich und auch nicht der Sinn der Sache. Wenn Sie alle Ihre Teile hergestellt haben, sollte sich das wahrscheinlich von selbst erledigen. Und es ist nur eine Art Orientierungshilfe , falls Sie sich nicht sicher sind. Weißt du was? L, vielleicht braucht es nicht ein bisschen Trommelfüllung. Weißt du, vielleicht ist deine Trommel besser als ein kleines Schnäppchen. Es ist irgendwie dasselbe, nur Looping und Looping. Dafür ist es gedacht. Erinnere dich daran. Oh, vielleicht brauchst du hier und da ein bisschen Pfiff oder die Stimme fällt aus und nichts ist in die Tasche gekommen Es soll dich nur daran erinnern , dass du überall, wo es einen freien Raum gibt, ihn nicht füllen musst. Stille ist toll, aber du kannst diese herausragenden Momente haben . Die Stimme wird leiser. Es passiert nichts, die Trommel ist besser als das Cruisen. Vielleicht magst du es, wenn ein kleiner Gitarrenpart reinspringt oder nicht. Weißt du, das musst du nicht , aber es ist nur dazu da, dich daran zu erinnern , dass dein Song eine sich ständig weiterentwickelnde Sache ist und es viele verschiedene herausragende Momente geben kann 24. Überproduzieren Sie nicht: Manche Worte der Weisheit sind nicht übertrieben. Also werden wir einige Beispiele zeigen und damit experimentieren, wie sich Überproduktion anhört Lass deinen Song nicht in Produktion, Tipps und Tricks ertränken. Ertränken Sie Ihren Song nicht in Soundeffekten und Ebenen. Machen Sie Pausen Die Perspektive spielt bei Musik eine große Rolle. Der Loop-Modus kann trügerisch sein. Seien Sie also vorsichtig. Dein Song funktioniert nicht mit Schlagzeug, Bass, ein oder zwei Harmonieparts und einem Lead, dann musst du wahrscheinlich einfach einen besseren Song schreiben. Kein endloses Optimieren und Überlagern wird deinen Song retten, wenn er in Sketchform einfach nicht gut klingt Wenn die Kernidee nicht stark genug ist, müssen Sie eine bessere Kernidee finden Es gibt ein Sprichwort, wenn man einem Schwein Lippenstift aufträgt. Es ist immer noch ein Schwein. Ich liebe Schweine, aber das ist nur ein Sprichwort, nur um dir zu zeigen , dass du etwas nicht verkleiden kannst und denkst, dass es etwas anderes ist. Es ist immer noch was es ist. Ihre Kernidee ist also, was sie ist, und wenn Sie sie ändern müssen, müssen Sie sie ändern, und wenn sie perfekt ist, ist sie perfekt. Ich meine, wir lieben Schweine, also ist daran nichts falsch. Der Zuhörer kann sich wirklich nur auf 2,5 Dinge gleichzeitig konzentrieren. Jemand, der mischt, ich glaube, es war der verblassende Private Ryan Es war ein Kriegsfilm, ich war überwältigt von der Menge an Sound, die reinkam, überwältigt von der Menge an Sound, die reinkam, und das Mischpult sagte: Warte Es gibt 1 Milliarde Explosionen und Schreie und Schüsse. Sie haben so viel aufgenommen und er hatte keine Ahnung, wo er Also führten sie eine Studie und stellten fest , dass sich jemand nur auf 2,5 Dinge gleichzeitig konzentrieren kann . Und diese Schwerpunktbereiche können sich ändern. Aber er hat es einfach durchgemacht und hatte bei jedem Fader nur 2,5 Dinge erhöht und immer wieder Dinge in die Aufmerksamkeitsspanne hinein- und herausgenommen, weil das alles ist, worauf wir uns konzentrieren können Es macht also keinen Sinn, zu viele Geräusche zu haben , die wir nicht einmal alle auf einmal wahrnehmen können Lassen Sie uns also weitermachen und uns anhören, wie Überproduktion klingen könnte Nehmen wir an, wir haben diesen Beat. Und wir sind im Loop-Modus. Es klingt gut. Und wir denken, wir fühlen das, aber es ist ein Loop-Modus, und vielleicht wollen wir noch ein bisschen mehr hinzufügen. Und das ist in Ordnung. Das klingt also cool. Ja, das klingt gut, oder? Und dann fügen wir noch einen Loop hinzu. Oh. Das klingt gut Und vielleicht möchtest du noch einen Lout hinzufügen. Okay. Ich will das nicht zu oft hören. Was ist mit einem anderen? Oh. Das klingt gut. Noch einer? Oh. Verrückt. Vielleicht noch einer. Und du sagst, okay, lass uns diesen Zug weiterfahren lassen. Oh. Schön, dass du durchgekommen bist Ja, das klingt wirklich gut. Nett. Und du fühlst das wirklich, und das klingt toll. Und dann gehst du zurück und hörst dir das Lied an. Und du sagst, okay, das wird ein Knaller. Du freust dich so auf deine 20 Schlagzeug-Parts, die gleich reinkommen werden Und das ist ziemlich viel. Und du sagst, nun, ich weiß es nicht. Und dann sagst du, naja, damals hat es nicht ganz so gut geklungen. Es klang einfach ein bisschen chaotisch und du sagst, W, nun, lass es uns ohne all die Trommeln versuchen und sehen, wie das Du sagst, naja, vielleicht, vielleicht nur ein bisschen davon, weißt du? vielleicht nur ein bisschen davon, weißt du Also, offensichtlich gab es etwas was ich hinzufügte, das mir gefiel. Da war etwas dran. Vielleicht möchte es also irgendwo dazwischen liegen, einige der Ebenen zu haben und nur die aufgeschlüsselte Version. Aber wenn du im Loop-Modus bist, fängst du an, in diesen verrückten Raum zu geraten und Schichten und Schichten zu legen, und dann hörst du es dir an und denkst, Oh, das ist einfach ein bisschen viel Es ist also wichtig, im Hinterkopf zu behalten, dass, ja, okay , wenn mich etwas anruft , das Schlagzeug nicht richtig knallt , und ich möchte es überlagern, aber du brauchst wahrscheinlich keine 20 Schichten, weißt du, also versuche, die ein oder zwei Schichten zu finden wirklich das tun, wonach du in deinem Song suchst. 25. Builds: Spannung und Antizipation erstellen: In dieser Lektion dreht sich alles um Builds. Lassen Sie uns also gleich in die Builds eintauchen. Builds gibt es in allen verschiedenen Genres, Formen und Größen. Dieser Song ist also eine Art Indie-Song, aber er hat einen Build, also lasst uns weitermachen und uns das anhören Also haben wir diesen Aufschlüsselungsabschnitt. Sag es mir raus, sag es mir draußen. Nein, die Trommeln kommen rein. Sag mir, sag mir, dass umgedrehte Trommeln rein kommen. Und das Stärkungsziel Also das war ein ziemlich gedämpfter Build , Im Grunde genommen sollte ein Build die Energie erhöhen, und das wurde im Laufe der Zeit immer aufregender, und wir haben die Energie in den Tropfen erhöht Das ist ein Beispiel. Was wir hier gemacht haben, ist, dass die Trommeln langsam reinkommen. Und dann kam diese Trommel rein. Und dann haben wir diese Füllung. Wir haben auch dieses Pad hier. Und das Pad hat sich währenddessen nicht wirklich verändert. Also, diese traumhafte Gitarre war wirklich etwas, das aufstieg und als Steigrohr fungierte Oh , das ist also wirklich das Ding, das gestiegen ist Und das gepaart mit der langsam hereinkommenden Trommel, die letztendlich zu dieser Trommelfüllung führte, gab uns diesen Energieimpuls, der sich wirklich wie ein Build anfühlt, der zu unserem Sturz führt. Hören wir es uns also noch einmal an. Tomo Tomo Tomo Tomo Das ist also ein Beispiel für einen Build Und das ist ziemlich einfach. Schauen wir uns einige andere Build-Beispiele an. Also, hier haben wir ein anderes Lied und wir werden den Aufbau dieses Songs studieren. Für mich. Tu jetzt, was Mach mit mir, was du willst. Nein. Zu dem, was du brauchst. Ja. Geh zur Panne. Die Hauptsache sind die Sünden. Wir haben etwas Regen. Neue Sünde kommt herein. Das Geräusch wird lauter. Epischer. Willst du zu mir. Transzener. Dieser Build wurde also hauptsächlich durch diesen Sound erreicht, der im Laufe der Zeit immer größer Also lasst uns weitermachen und es uns anhören. Der Synthesizer hier. Leg mit dem Synthesizer da drüben. Das ist der, der wirklich wächst. Wir haben diesen Sound. Und wir können die Automatisierung sehen. Wir öffnen uns, um zu filtern. Es wird heller. Und weil dieser Filter öffnet und heller wird, ist es das, was dieses steigende Gefühl hervorruft. Willst du zu mir. Lassen Sie uns weitermachen und uns ein weiteres Beispiel ansehen. Hier ist ein weiteres Beispiel für einen Build. Der Synth ist hier die Hauptsache. Ein Komm rein. Ein Schlag in die Falle Ein B. Peggio kommt also in einem großen, süßen Gummi. Peggio kommt also in einem großen, süßen Gummi Also, es gibt viele verschiedene Elemente in diesem Build, und das Wichtigste, was in diesem Build herauskommt, ist süß Wir fügen dieses Arpeggio hinzu. Das hilft, etwas Bewegung und Geschwindigkeit hinzuzufügen, und wir haben hier eine kleine Trommelfüllung und hier eine kleine Trommelfüllung Und wie Sie bei vielen dieser Builds feststellen werden, mag ich es nicht, direkt in den Downbeat einzubauen. Ich baue nicht gerne genau hier. Ich breche den Build gerne ein bisschen vorher ab, normalerweise beim Snare-Hit, der vor dem Beat steht , sodass es eine Pause gibt Weil es wirklich cool ist, die Energie zu erhöhen, anzuhalten und dann Ich neige dazu, das vorzuziehen. Sie werden also feststellen, dass dieser Build vor dem Drop auf halber Strecke zum Stillstand kommt vor dem Drop auf halber Strecke zum Also lasst uns darauf achten. Hab mir Emma besorgt. Also, genau das hat daran funktioniert. Da kommt der Pegiator rein. Wir haben den Rising Sweep, und der steigende Sweep hört auf, zusammen mit allem anderen kurz bevor der Drop reinkommt, und wir haben diese Das ist also ein netter Trick. Vor allem, wenn Sie die Gesangslinie der Cats-Phrase haben , die Sie direkt in die Tasche stecken können . Das ist nett. Energie baut sich auf, der Hauptgesang kommt rein und dann fällt er ab. Natürlich gibt es 1 Million Möglichkeiten, Builds zu erstellen. Es gibt 1 Million richtige Möglichkeiten, das zu tun. Jeder Song wird sein eigenes Ding haben, nach dem er verlangt. Aber im Allgemeinen willst du, dass etwas entsteht. Der klassische EDM-Build war eine Kick-Drum, die so lief, da da da da, dann fällt sie ab Das haben wir also oft gehört. Wir hören das nicht mehr so oft nur weil wir es irgendwie übertrieben haben, aber wenn wir den Rhythmus erhöhen, besonders das die Spannung erhöht, wird sich das natürlich wie ein Build anfühlen Und das funktioniert immer noch absolut. Steigende Sounds können sich wie Builds anfühlen, steigende Tempi sich wie Builds anfühlen, zunehmende Fülle kann sich wie ein Build anfühlen Einfach etwas zu bekommen, das die Energie erhöht und die Dynamik erhöht , wird sich wie ein Build anfühlen, das ist es, was du willst, wenn du die Spannung erhöhen willst Je gedämpfter und langsamer dein Song ist, desto weniger musst du tun damit es sich anfühlt, als würde es Je schneller, komplizierter und voller dein Song ist, desto mehr musst du tun, damit er sich anfühlt, als würde er sich aufbauen Wo auch immer du herkommst, der Kontrast beim Bauen wird dadurch wachsen. Deshalb ermutige ich dich , mit diesen verschiedenen Baustilen zu experimentieren und herauszufinden, was am besten zu deinem Song passt. 26. Drops: Energetische und euphorische Freisetzung: Lass uns über Tropfen sprechen. Also hören wir uns das Ende dieses Builds hier an. Gamma. Go Das geht in einen Groove-Bereich, der wieder anfängt zu bauen. Lassen Sie uns also ein wenig untersuchen, was hier vor sich geht. Wir haben also diesen Build, der eine halbe Sekunde vor dem Drop stoppt . Und dann haben wir eine Kickdrum, und es ist eine ziemlich groß klingende Kickdrum Es ist eigentlich eine Schicht aus zwei verschiedenen Kick-Drums , weil wir wirklich wollten, dass sie etwas Power hat . Wir haben die Snare Wir haben unser Acht auf Acht. Das ist also wirklich ziemlich spärlich. Wir haben nur ein paar gut klingende Trommeln und eine volle Basis, und dann haben wir hier den Synth Und der Schlüssel ist, dass die Lautstärke dieser Sounds gerade laut genug ist , verglichen mit dem Build, wo sie immer noch eine große Das Konzept hinter diesem Drop ist, dass er etwas aufgebauter und von einem voll klingenden Build zu einem leer klingenden Drop übergeht , aber er kann sich nicht wirklich leer anfühlen Sie haben den Kontrast bemerkt, und das sorgt für eine gewisse Aufregung Aber diese Geräusche werden immer noch mit all diesen Geräuschen verglichen Du hast mich, Mama. Wenn ich also den Build lauter machen würde, wäre der Rückgang sehr enttäuschend Wir haben also diesen Build. Gut, du willst zu mir. Transcend Omni President Also, was haben wir mit diesem Tropfen vor Wir haben einen sehr vollständigen Build, sich dann sofort von einer reinen Synth-Linie abhebt Das sind also ein paar überlagerte Sünden und ein Sub. Und zusammen, That Transcend. Wir haben das. Hits hier drin. Wir haben unseren Gesang Transcendent Sn Wir haben diesen Synthesizer. Wir haben ein bisschen Aufsteiger in den Kick. Also fügen wir der Kick-Drum, die reinkommt, ein bisschen Energie Kick-Drum, die reinkommt, und wir fügen etwas Platz hinzu Also Sounds, die ein bisschen Wirkung haben, aber auch viel Hallraum haben, um die Dimension des Songs zu Unsere große Kickdrum. Das fängt also wieder an zu bauen. Es ist wie ein Einbau in eine , bei der sich dann der Hauptvorteil wirklich auszahlt Und das liegt nur daran, dass bei uns der Rest unserer Trommeln mitspielt. Wir haben also einige Schichten nach Snare, einige Schichten aus Snappy Snare und alles in allem ist das der Moment, in dem sich unser Drop auszahlt. Stroh. Es ist so, als ob es so weitergeht also haben wir hier noch einen Punkt , an dem es sich verschlechtern wird. Bestehende Synth-Linie und bei allem willst du, dass dein Drop im Vergleich wirklich ziemlich laut ist Natürlich kann nicht alles so laut wie möglich sein, aber dieser Synthesizer ist ziemlich Komm. Willst du. Der Platz ist gut. Dieser Synthesizer hier, du musst darauf achten, dass der Build im Vergleich nicht zu laut ist, weil die Rechnung so etwas überfordern kann Der Hack, den wir verwenden , damit sich unsere Builds groß und laut anfühlen und unsere Drops sich groß und laut anfühlen, ist dieser Raum dazwischen, sodass es keinen direkten Vergleich der Lautstärke gibt , sodass das Ohr es bemerkt, der Raum, etwas anderes kommt rein, und dann kommt ein neuer Sound rein Dadurch können wir die Lautstärke des Builds etwas lauter beeinflussen, als wenn wir direkt vom Build in den Drop gehen würden vom Build in den Drop bringt also nicht nur etwas Spannung in die Mischung Diese Pause bringt also nicht nur etwas Spannung in die Mischung, sondern auch diese Vorfreude Wir erlauben uns auch, ein bisschen mehr Volumen aus den verschiedenen Teilen herauszuholen Ich zeige dir noch ein Beispiel. Hier haben wir zwei verschiedene Drops dieses Songs. Wir werden diesen Build untersuchen. Also, dieser Build hier fällt wirklich komplett aus dem Takt. Pause. Es ist also ziemlich einfach , dass nach etwas, das so leer ist, beeindruckend klingt . Wir haben wirklich nur dieses Klavier. Und dieses Steigrohr. Und dann kommen wir zum nächsten Teil. Also lasst uns das erkunden, und dann kommen wir zum Drop. Lassen Sie uns also untersuchen , was hier vor sich geht. Wir haben diese Kick-Snare. Also verschiedene Schichten auf der Snare. Und in unserer Zimbelschleife läuft Musik Das ist ziemlich ungewöhnlich, aber ich habe einen Loop gefunden , der etwas im Klang hatte, das ich wirklich Ich hatte Layer, Subface. Klavier. Das klingt so. Erzeugt nur eine Sehnsucht im Hintergrund. Wir haben das Habe diese Effekte. Effekten haben wir also im Wesentlichen Mit diesen Effekten haben wir also im Wesentlichen diesen Einfluss auf den Downbeat Wir haben das, was im Downbeat stärker ausgeprägt ist. Wir haben das Klavier, das im Downbeat schlägt. Wir haben den Bass, der im Downbeat schlägt. Wir haben den Kick-On, der im Downbeat trifft. Aus diesem Bereich hier kommen also viele Treffer direkt diesen Downbeat, was sehr aufregend ist Lass uns den zweiten Drop hier erkunden. Wir haben diese Fokusaufnahme, die sich wiederholt. Dieses Auto hat ein Müllgebäude fallen lassen. Und jetzt haben wir einen sehr ähnlichen Abfall wie beim ersten Mal. Und Sie können feststellen es beim ersten Mal wirklich eher ein Kontrast war. Es ging von leer zu voll, was beeindruckender klingt, aber auch erschütternder ist Dieser fügt sich etwas nahtloser in sich selbst ein, was auch ein wirklich gutes Payoff-Gefühl vermittelt. Das hat viele der gleichen Elemente. Tritt. Schlingen. Ich habe Tropfen in allen möglichen Formen und Größen, und es gibt nicht den einen Weg, einen Tropfen zu machen Aber du kannst anfangen, einige Themen zu sehen , die dich in dem Moment wirklich treffen, Kontrast ist cool. Wir haben einen wirklich vollständigen Build bis zu einem leeren Drop-Drop untersucht, und wir haben einen wirklich leeren Build bis zu einem wirklich vollen Drop untersucht. Und bei allem willst du deinen Song einfach so gestalten, dass der Drop wirklich der beeindruckende Moment ist, den du dir wünschst. Und das kann viele verschiedene Dinge bedeuten. Das kann bedeuten, dass die Lautstärke des Builds viel leiser ist als die Lautstärke des Drops Auch wenn du vielleicht nur einen Tritt hast und in eine Base starrst, wenn du die Lautstärke deines Builds herunterdrehst, wird der Drop wirklich auffallen Natürlich kannst du deinen Drop so sehr hervorheben, dass er beim Erschüttern fehl am Platz wirkt , und das ist nicht das, was du willst Und ich neige dazu, die Musik gleichmäßiger zu gestalten, und ich möchte, dass sich die Builds auch beeindruckend anfühlen Aber es gibt viele kleine Techniken, die du anwenden kannst. Sie können den Build langsam hochziehen, da dadurch die tiefen Frequenzen entfernt werden , sodass, wenn der Drop eintrifft, alle tiefen Frequenzen herauskommen und beeindruckender klingen. Ich habe Odessa sagen hören, dass sie die Stereobreite des Builds nach oben anpassen werden die Stereobreite des Builds , weil das Utility diesen Regler hat, mit dem man kontrollieren kann, wie breit es ist, Null steht für Mono, 100% Sie können also damit beginnen , das zu automatisieren , sodass der Build dünner wird Sie könnten auch anfangen, den Build hoch zu bestehen und den Build niedrig zu übergeben, sodass der Build immer kleiner wird Und wenn der Drop dann kommt, wird der Kontrast noch größer sein. Es hängt davon ab , was du vorhast. Aber es lohnt sich immer, sich die Zeit zu nehmen, Ihren Drop zu einem herausragenden Moment zu machen lohnt sich immer, sich die Zeit zu nehmen, Ihren Drop zu einem herausragenden Moment zu 27. Referenzsongs: In der Lektion dreht sich alles um Referenzsongs. Lassen Sie uns also darüber sprechen, was ein Referenzlied ist. Ein Referenzsong ist etwas, das du im Kopf hast, etwas, das du anstrebst. Du sagst, ich mag diese Stimmung. Ich möchte etwas in diesem Stil schreiben. Es ist sogar besser, wenn du mehrere Referenzsongs hast, vielleicht aus verschiedenen Genres, und du sagst, ich möchte das Schlagzeug für diesen 80er-Song vielleicht mit der Gitarre dieses moderneren Songs oder was auch immer du suchst. Du kannst anfangen, Genres zu kombinieren vielleicht moderne Dance-Drums mit einem eher altmodischen 80er-Synthesizer? mit einem eher altmodischen 80er-Synthesizer Das ist eine sehr häufige Sache, die ich heutzutage höre. Und wenn Sie einen Kompass haben, können auch alle, mit denen Sie zusammenarbeiten , wissen, was sie anstreben Denn manchmal ist es in der Musik schwierig, das Gefühl von etwas zu vermitteln Oh, willst du, dass es sich episch anfühlt, oder was bedeutet das für dich? Ist das orchestrales Epos oder ist das Synth-Epos? Ist das wie ein Folk-Epos? Was bedeutet das für dich? ist gut, Referenzsongs zu haben, und vor allem, wenn du referenzierst, wie gut dein Song ist Weißt du, wann hörst du auf? Wie knallhart muss dein Schlagzeug sein? Verwende Referenzsongs, um zu verstehen, in welcher Welt dein Song lebt, und um zu wissen, wann du aufhören musst. Wann ist es gut genug? Wann gehst du vielleicht zu weit in eine bestimmte Richtung? Referenzsongs sind also so hilfreich. Lassen Sie mich Ihnen ein Referenzlied zeigen ich verwendet habe, und das Lied, für das ich es verwendet habe. Ich mag diesen Künstler wirklich, und ich mag diesen Song wirklich, und ich wollte etwas in diesem Witz schreiben. Du. Also, das war meine Referenz und ich meinte, ich mag diese fünf. Lass uns versuchen, etwas in diese fünf zu schreiben. Also habe ich versucht, mein Schlagzeug an eine ähnliche Welt anzupassen . Also haben wir hier angefangen. I Meine Kick-Drum-Axt klingt anders als dort. Hier bin ich also abgeirrt und in meine eigene Richtung gegangen Aber man kann die Ähnlichkeiten hören. Wir haben es ist perkussionsintensiv. Sie haben ein paar wirklich feuchte Schnappschüsse gemacht, und man kann anfangen zu hören, wie dieser Beat von dem anderen Beat inspiriert wurde. Wir hatten sogar ein Pad Bisher ähnliche Elemente, ähnliches Tempo, ähnliche Gruppe. Ihre Ausgangslage war ziemlich spärlich. Mein Bassine ist etwas voller, aber hier ist der Ich kann mir anhören, wie mein Beat im Vergleich zu ihrem Song klingt Wenn ich das als Referenz verwende, kann ich sagen: Oh, okay, mein Beat ist vielleicht ein bisschen zu aggressiv und ich möchte mehr von diesem Lead-Back-Feeling . Oder ich denke, weißt du was? Mir gefällt, dass ich etwas anderes mache. Mein Lied existiert in einer ähnlichen Welt. Es klingt ähnlich wie das hier. Und das ist wirklich der Hauptpunkt. Es hilft Ihnen zu wissen, nach welchen Arten von Drumsounds Sie suchen müssen, welchen Arten von Pad-Sounds Sie suchen müssen. Wie groß ist die Reichweite des Pads? Was sind die Lappen dieser Instrumente? Wie wird der Basssound klingen? Spielt es supertiefe hohe Töne? referenzieren und hin und her gehen , können Sie das, was Sie tun, verankern Vor allem, wenn Sie für andere Künstler und für Kunden produzieren und es nicht Ihre eigene Inspiration ist , die Sie dahin führt, wohin Sie wollen Noch wichtiger ist es, dass sie dir Referenzsongs zur Verfügung stellen Du weißt also, wo du hinwillst, weil du sagen könntest, dass diese Trommeln einfach drauf sind. Aber jemand anderes hatte eher einen David Guetta-Super-Hochenergy-House-Beat erwartet einen David Guetta-Super-Hochenergy-House-Beat Und das hat damit nichts zu tun. Ohne den Referenzsong könntest du also über völlig andere Welten sprechen. Und mit dem Referenzsong kann man sagen: Okay, ja, mein Song, ich möchte, dass er so ist und dass er im Vergleich zu dieser Stimmung ziemlich gut klingt Am Ende habe ich einen Song gemacht, der sich anders anfühlt, weil ich ein neues Element eingebracht habe , nämlich diese Gitarre Es mit dir kannst du hören. Was also mit einer Referenz begann, traf am Ende auf einige meiner anderen musikalischen Tendenzen, und ich kombinierte es mit einigen anderen Referenzen von mir und einigen anderen Songs, und ich bekam etwas Einzigartiges Aber ich habe damit angefangen, es mit dem Song Feel Your Weight zu vergleichen , um mir einen guten Bezugspunkt dafür zu geben , was ich Wie ich schon sagte, es ist noch wichtiger , Referenzen zu haben, wenn man mit anderen Leuten zusammenarbeitet, denn dann kann man beide irgendwie wissen, wovon man spricht. Und ich habe diesen Song mit einem lieben Freund von mir geschrieben und zusammen dachten wir, okay, wir machen das. Wie klingt unser Drumbeat? Brauchen wir mehr Perkussion? Brauchen wir etwas Schnelles Was gefällt uns an dem Referenz-Song? Und wir haben das Pad gefunden und dachten uns, okay, das ist so, als würde man dieselbe Stimmung erzeugen Und plötzlich, wenn dein Song die Teile des Referenzsongs macht, die du magst , dann kannst du quasi frei fliegen und du sagst, okay, jetzt, wo wir die Stimmung haben, nach der wir beide gesucht haben, was können wir noch hinzufügen oder was können wir zu dieser Einzigartigkeit machen? Wir wollen sie nicht abzocken. Wir wollen unser eigenes Ding machen. Und du wirst feststellen, dass du die meiste Zeit, obwohl du einen Referenzsong verwendest, natürlich einfach dein eigenes Ding machst , weil du nicht die exakt gleichen Sounds haben wirst wahrscheinlich nicht die exakt gleichen Sounds haben wirst und du wirst nicht die exakt gleichen Akkorde haben und Und wenn Sie einfach auf etwas verweisen, schaffen Sie am Ende sowieso etwas Neues und Einzigartiges 28. Vision ist der Schlüssel: Vision ist der Schlüssel. Und das bedeutet, einen Kompass für deinen Song zu haben , der dich wirklich rettet und dich bis zur Ziellinie bringt Ein Referenzsong kann das sein, falls du das brauchst, oder einfach eine andere Art von Vision, aber eine Idee oder ein Ziel vor Augen zu haben, ist in der riesigen, endlosen Welt der Musikproduktion so wichtig der riesigen, endlosen Welt der , weil es endlose Möglichkeiten gibt Du kannst absolut alles machen. ein Ziel vor Augen zu haben, kann man sich manchmal im Äther verlieren Eine Vision für deine Strecke zu haben, ist eine großartige Methode, um zu verhindern, dass du dich im Wald verirrst Für wen ist das Lied? In welcher Umgebung wird es gehört werden? Was sind einige gute Referenzsongs für diese Vision? Wenn Sie bereits wissen, wonach Sie streben, werden Sie wissen, wann Sie dort angekommen sind. Sie werden wissen, wann Sie Ihr Ziel erreicht haben. Wenn du keine Vision hast, ist das okay. Manchmal kann es später kommen. Ich habe nicht immer eine Vision im Kopf, aber es ist sehr, sehr hilfreich, das zu tun. Eine Vision zu haben ist wichtig , weil man jede Art von Drumsounds haben kann, die man will. Es gibt 1 Million verschiedene Kick-Drum-Sounds und Treppensounds Es ist also so, als ob du ein paar Rock-Drums willst? Du willst ein paar Folk-Trommeln, du willst Hip-Hop-Trommeln. Du willst Tanztrommeln, House-Trommeln. Wenn du nicht weißt, was du vorhast, wirst du nicht wissen, welche Entscheidungen du treffen musst. Also sagst du, okay, ich will einen House-Song machen, also werden wir kein Rock'n'Roll-Drums haben. Du weißt es? Es sei denn, du versuchst speziell, genreübergreifend zu sein, was ich immer empfehle. Du sagst, okay, wir wissen irgendwie, für welche Schlagzeugklänge wir uns entscheiden wollen. Ein Gefühl kann dein leitender Kompass sein. Du sagst, weißt du was? Ich möchte Lieder tanzen, aber ich möchte, dass es sich nostalgisch anfühlt Das kann also dein Richtkompass sein. Du sagst, okay, bis ich das Gefühl habe, weiß ich, dass ich noch nicht ganz da bin. Eine interessante Sache, die Kendrick Lamar für eines seiner Alben gemacht hat, war, dass er alle Produzenten in einem Raum zusammengebracht und eine ganze Reihe von Referenzsongs gespielt hat Sie haben also viel Earth, Wind and Fire und einige andere alte Songs aus den 70ern gehört Earth, Wind and Fire und einige andere alte Songs aus , um wirklich alle Produzenten und Songwriter in die richtige Stimmung zu bringen Songwriter in die richtige Stimmung Okay, wir machen diese Art diesen älteren Sound in moderne Rap-Musik zu integrieren, und es wird diese wirklich coole Fusion eines Sounds sein. Also alle Kollaborateure auf die gleiche Wellenlänge zu bringen , eine Hörparty zu veranstalten, eine Hörparty zu veranstalten, einfach die gleiche Stimmung aufzusaugen Okay, was ist die Stimmung, die sie anstreben? alles aufsaugst, weiß wirklich jeder in deinem Team, was du vorhast Und selbst wenn Sie alleine sind, ist es wichtig, eine Vision zu haben Nehmen wir an, du fängst gerade erst an und deine Vision ist nicht klar, ich wette, du hast wahrscheinlich eine Vision. Ich wette, du kennst die Art von Musik, die du magst und die du hören willst. Und das ist hilfreich, weil es so ist, okay, du magst Rap-Musik, du willst Rap-Musik machen. Du hörst also Rap-Musik, du redest über Rap-Musik. Du hörst deinen Freunden zu, die vielleicht Rap-Musik machen, und du sagst, okay, das ist dein Ziel. Du machst einen Rap-Song. Ganz einfach. Sie wissen genau, was Ihr Ziel ist. Jetzt müssen Sie nur noch die Schritte unternehmen, um dorthin zu gelangen oder Sie möchten einen Tanzsong oder einen Popsong oder einen Indie-Song oder was auch immer machen einen Popsong oder einen Indie-Song oder was auch immer machen Was auch immer du magst, ist wahrscheinlich deine Vision, auch wenn es noch kein völlig bewusster Gedanke 29. Grundlagen des Mischens Teil 1: In dieser Lektion werden wir über das Mischen sprechen. Wir werden über die Grundlagen des Mischens sprechen, und ich werde dir erklären, was das ist. Im Grunde genommen, wirst du deinen Song produzieren, dann ist das Mischen die letzte Schicht, der endgültige Glanz, der einfach dafür sorgt, dass alles zusammenhängender und zusammengehörender klingt, und es ist das letzte bisschen, damit dein Song professionell klingt. Lassen Sie uns also gleich eintauchen Beim Mischen geht es darum, dass Ihr Song gut klingt oder innerhalb des Genres wettbewerbsfähig klingt. Um sicherzustellen, dass kein Teil auf einen anderen Teil tritt Es geht darum, das Gleichgewicht zwischen allen Elementen in deinem Song zu finden allen Elementen in deinem Song zu Dies ist der Bereich , in dem Sie die letzte Feinabstimmung vornehmen werden , und hier sorgen Sie dafür, dass Ihr Song wettbewerbsfähig klingt. Mischen kann dich ziemlich weit ins Kaninchenloch führen, aber wir werden uns nur die grundlegendsten und wichtigsten Teile beschränken, damit deine Songs professionell klingen Das Wichtigste beim Mischen ist also die Lautstärke. Gewinnt Inszenierung Wir haben schon einmal darüber gesprochen, aber es ist der wichtigste Teil Dann kommen EQ, Kompression, Panning, Delay, Reverb, Sweetening und eine Welle Lassen Sie uns in diesen Beispiel-Beat eintauchen . In diesem Beat haben wir einen Aufschlüsselungsabschnitt wie diesen. Hier mit dem ganzen Groove und dann dieser Teil. Das ist ein ziemlich einfacher Beat. Aber wie Sie sehen können, haben wir in diesem Abschnitt die meisten Informationen. Es ist also sinnvoll , dort mit dem Mischen zu beginnen , wo der Song am vollsten ist. Wenn Sie einen normalen Werbesong wie einen Popsong haben, möchten Sie vielleicht damit beginnen, den Refrain zu mischen Wenn Sie einen Dance-Track haben, möchten Sie vielleicht damit beginnen, den Drop zu mischen Sie möchten im Grunde den wichtigsten Teil des Songs mischen , sicherstellen, dass dieser Teil so gut wie möglich klingt, und dann alle anderen Teile erstellen. Ja, klingt so gut wie möglich, aber unterstütze auch den Teil, du am hellsten zum Leuchten bringen willst Also, was ist Mischen? Wie ich schon sagte, der wichtigste Teil beim Mischen ist es, die richtige Lautstärke einzustellen. Also hören wir uns das an. Und für diese Übung lassen Sie uns einfach die Plug-ins ausschalten, die ich hier habe , weil ich mit diesen Plug-ins vorher etwas gemischt habe, und ich möchte hier alles von Grund auf neu machen. Okay. Also, hören wir uns das an. Also, wie ich schon sagte, der wichtigste Teil ist die Lautstärke. Also, wenn du einfach deinen Beat spielst, willst du sehen, ob du alles hörst, wie du es hören willst. Kannst du die Gitarre hören? Kannst du die Trommeln hören? Jede Trommel. Kannst du den Bass hören? K. Und das klingt im Grunde ziemlich gut. Ich könnte diese Snare Drums vielleicht etwas lauter hören. Aber ich denke, im Allgemeinen klingt es ziemlich gut Also vielleicht nehmen wir diese Snare Drums einfach ein D B. Also was ich hier machen könnte ist, die Snares so zu gruppieren , dass ich hier nur einen Zug machen muss, anstatt beide in der Lautstärke zu bewegen hier nur einen Zug machen muss, anstatt beide in der Mal sehen, ob das besser klingt. Das klingt ziemlich gut. Ich könnte unsere Basis vielleicht auch etwas lauter hören. Das ist also unsere Basisstrecke hier. Und vielleicht gehen wir einfach hierher und drehen es um ein V. Wir werden feststellen, dass wir dort verzerren Also, wenn ich das lauter drehen, obwohl ich diese Leiter hören wollte, müssen wir einen anderen Weg finden, um die Bassleiter zu bekommen, denn das war verzerrend und wir wollen nicht, dass es Jetzt haben wir also im Grunde die Lautstärke all der verschiedenen Elemente in unserem Song, mehr oder weniger dort, wo wir sie haben wollen Aber wir erinnern uns daran, dass wir einen anderen Weg finden wollen , diesen Bass lauter zu machen Das nächste, was ich tun würde, war ein paar EQs herauszuholen. Gehen wir also hier rüber zum EQ Acht und fangen wir mit dieser Beachten Sie, dass ich manchmal alleine arbeite und Elemente hinzufüge Ich, ich neige dazu, das wichtigste Element alleine zu spielen. Und manchmal ist es gut, alleine zu arbeiten , aber denk daran, dass dein Mix immer so ist, wie alles zusammen klingt, also bleib nicht zu lange im Solo. Wir können sehen, dass es unterhalb dieses Punktes wirklich keine Informationen im unteren Preissegment gibt. Also lass es uns einfach abschneiden. Ein kurzer Tipp. Normalerweise schneide ich bei absolut jedem einzelnen Element im Song die Bässe ab , mit Ausnahme der Kick-Drum und des Basses, um den ganzen Raum zu lassen , damit sich der Kick und der Bass wirklich durchsetzen können. Wie klingt es, wenn wir so weitermachen? Klingt immer noch ziemlich gut. Wir tendieren dazu, alles um 100 zu übertreffen. Du willst den Sound nicht wirklich ändern, weil uns gefällt, wie er klingt. Also würde ich das hier hinstellen. Als Nächstes werde ich mir hier etwas Dynamik holen. Und Sie sehen, dass ich diese gitarrengesteuerte Dynamik bereits hatte . Und weil das eine Gitarre war, habe ich mich hier für den Leimkompressor weil der Leimkompressor eine Art Vintage-Sound hat und analoge Gitarren echt sind Also dachte ich, das wäre eine gute Kombination. Und wir komprimieren nicht so stark. Lass es uns zeigen, nur um es dir zu zeigen. Sie können sehen, dass es ohne diesen Kompressor freier klingt. Aber ich finde es gut, dass es dadurch ein bisschen mehr in der Mischung enthalten ist. Gehen wir jetzt zu unserer Kickdrum. Unsere Kickdrum und unsere Basis befinden sich im selben Kanal, was wohl nicht die beste Idee ist, aber genau das haben wir hier gebaut, also werden wir dabei bleiben Wie Sie sehen können, haben wir hier eine Basis und wir haben einen Kick Schicht. Ich habe den Tritt einfach übersprungen, weil ich so viel Platz wie möglich für die Basis haben wollte . Sie können sehen, wie weit die Basis jetzt durchschneidet. Es ist so viel sauberer, weil die Informationen im unteren Preissegment nicht mit sich selbst konkurrieren. Wir können sehen, dass ich die Basis sogar weit überschritten habe, was kontraintuitiv erscheinen mag. Aber was wir hier machen, ist, dass Sie die Base-Treffer genau hier sehen können . Und wirklich, es gibt keinen Grund, etwas Tieferes zu haben , denn das ist der Sound , den wir hören wollen. Und wenn Sie all den überschüssigen Sound wegschneiden, konzentrieren Sie den Sound wirklich genau auf die Stelle, an der Sie ihn hören möchten. Wir verzerren allerdings ein bisschen, also müssen wir das runternehmen Das klingt also ziemlich gut. Aber weil wir auf dieses Verzerrungsproblem gestoßen sind, werde ich diesen Track tatsächlich duplizieren Und das wird der Kicktrack sein, und das wird die Basis sein. In diesem Track werde ich also unsere Basis stummschalten. Und in diesem Track werde ich unseren Kick stummschalten. Also konnten wir die Lautstärke dort nicht erhöhen, aber wir können die Lautstärke hier erhöhen, oder zumindest hoffe ich das. Beachten Sie, wie verzerrend das war, das ist es nicht. Das war also der bessere Weg, die Basis zu erhöhen. Sollen wir es noch lauter haben? Kommt darauf an, was du vorhast. Es hängt jetzt davon ab, ich denke , welches Genre du willst, hängt davon ab, wie laut du diese Basis haben willst. Deshalb ist Referenzierung wichtig, aber darüber werden wir gleich sprechen. Hallo. 30. Grundlagen des Mischens Teil 2: Wir gleichen unseren Kick aus, aber ich möchte etwas Kompression hinzufügen , nur um ihn richtig zu fixieren Fangen wir mit diesem akustischen Kick-Kompressor an. Sie können sehen, wie sich das jetzt ein bisschen besser durchsetzt. Und das klingt vorerst ziemlich gut. Wir werden diese Base unkomprimiert lassen, weil ich meine Subbases und meine ETA-Gewichte eher unkomprimiert mag Es ist das einzige Element in einem Song, das ich unkomprimiert lassen werde Gehen wir zu diesen Snares und denken Sie daran, wir können sie zusammen behandeln, und ich möchte auch einen EQ auf ihrem Snare-Track machen Weil wir keine dieser Informationen hier unten benötigen. Das klingt ziemlich gut. Das sagt Soft Snare Compressor Mal sehen, wie sich das anhört. Das klingt eigentlich ziemlich gut. Lass uns das noch leiser machen. A. Das klingt wirklich gut. Okay. Lass uns jetzt einen EQ und einen Kompressor für unseren High Hat Wir können viele der High-Hat-Informationen loswerden. Und es klingt immer noch nach einem hohen Hut. Können wir das mögen? Manchmal muss man etwas einstellen und dann kommt man wieder darauf zurück. Aber mir fehlt wirklich nichts, was weg ist. Und generell, wenn man es nicht verpasst, muss man einfach weniger Informationen haben, die mit sich selbst konkurrieren. Schauen wir uns also an welchen Kompressor wir hier verwenden möchten. Könnten Sie es mit diesem sanften Drücken versuchen. Endlich haben wir unseren Schrei, und ich habe dieses Filter-Delay ausgeschaltet, nur um dir zu zeigen, wie es sich anhören würde Offensichtlich gefällt uns dieser Sound. Das will wahrscheinlich so etwas. Ich mag es, wenn dieser Sound ein bisschen voller ist, aber mal sehen, ob er all diese High-End-Musik führt. Es ist vielleicht nett, den High-End-Bereich ein bisschen herunterzufahren. Ich meine, das klingt gut. Das ist sehr subtil. Das kannst du in beide Richtungen machen. Versuchen wir nun, den Lead Vocal Compressor aufrechtzuerhalten. Aaa. Mir gefällt es. Jetzt, wo Sie die Dinge etwas zurückhaltender haben und mit etwas EQ und Kompression besser zusammenleben können, lassen Sie uns ein bisschen über Panik sprechen Also Panning In einer Mischung möchte man nie wirklich, dass sich alles am selben Ort befindet, und man möchte wirklich nicht, dass sich etwas am selben Die Mitte oder Null, genau hier, das S für Mitte Das ist der goldene Ort für Immobilien. Das ist der König der Ernte. Das ist der stärkste Ort , weil er überall die gleiche Lautstärke hat. Links, rechts, Mitte. Also hier willst du dein wichtigstes Element platzieren. Du willst deine Kickdrum, deine Snare, deinen Bass und deinen Leadgesang oder Leadsound Das sind die einzigen Dinge, die jemals in der Mitte leben sollten Das ist ein ziemlich einfaches Lied. Und es ist schön, wenn nicht all diese wichtigen Elemente in der Mitte leben. Also verschieben wir den Kick einfach um eins nach links, entschuldigen Sie, nach rechts. Wir verschieben die Basis eins nach links. Es ist okay, die Basis zu bewegen oder einen zu treten, aber du willst diese Elemente wirklich nicht weiter bewegen . Dadurch bleibt unsere Schlinge in der Mitte. unsere hohen Hüte angeht, damit kommen wir durch. Und unsere Gitarre. Unsere Gitarre ist wirklich unser Hauptelement, und der Friedhof ist irgendwie nett, also vielleicht ziehen wir das Hoch rein. Und jetzt haben wir unseren Shout-Track. Das schwenkt von alleine. Aber vielleicht verschieben wir es einfach nach links. Jetzt können wir über Hall sprechen. Snare-Tracks haben also in der Regel ihren eigenen Reverb. Gehen wir also auf die Suche nach einem Snare-Reverb. Wir sehen, dass es ein Snare-Preset gibt, das gut sein könnte. Ein Zimmer aus Holz könnte gut sein. Ein dunkles Zimmer könnte gut sein. Der Trommelraum könnte gut sein. Lass uns die Optionen ausschalten und ganz schnell vorsprechen. Und wenn Sie einen Hall ausprobieren, senden Sie ihn bis zum Ende, damit Sie wirklich hören können , was Sie gerade hören Das ist etwas? Das passt vielleicht besser. Das war wirklich schwer zu hören. Das ist nicht so schlimm. Der erste hat mir nicht wirklich gefallen. Hör dir den letzten an. Also für diesen Track würde ich vielleicht dieses Holzzimmer wählen. Und wie wir schon vorher besprochen hatten, werden wir E Q mit diesem Punkt bei 300 und diesem Punkt bei 7.000 anfangen und jetzt fahren wir runter Weil ich diesen trockeneren Sound hier mag. Mal sehen, was sonst noch etwas Hall braucht. Wir haben unsere hohen Hüte. Ba Ba. Und vielleicht will unsere Gitarre Rever, vielleicht. Ich wusste eigentlich nicht, dass unser Zimmerschwärmer so groß ist. A. Also, gefällt uns die Idee von Hall auf unserer Gitarre Irgendwas Nettes hat dieses Label, diese Snare Aber das ist wirklich zu viel. Also, was ist, wenn wir es stattdessen verzögern? Das funktioniert immer noch nicht wirklich, und ich habe diesen Hall-Sound irgendwie bevorzugt Nehmen wir also diesen Hall. Lassen Sie uns diesen EQ hierher kopieren. Und lassen Sie uns einfach experimentieren , um den Hall ein bisschen kleiner zu machen . Lassen Sie uns jetzt den Send herunternehmen Du könntest das auch anders machen, was nicht der richtige Weg ist, aber es gibt auch keinen falschen Weg. Schicken Sie es den ganzen Weg und drehen Sie es einfach hier runter. Also das runter auf -15 ist dem ähnlich. A. 31. Grundlagen des Mischens Teil 3: Jetzt ist es Zeit für etwas Süßes. Was können wir tun, damit das ein bisschen besser klingt Das ist eine tolle Zeit, um zu fahren und zu malen. Lass uns diesen Saturator hier auf der Basis ausprobieren, und wir versuchen es mit etwas wärmerem Wir werden versuchen, Tiefs aufzuwärmen. Das macht einen riesigen Unterschied. Ich sagte, Aufwärmübungen, versehentlich Warm-Up-Hochs ziehen. Lass uns zuhören. Das klingt wirklich gut, aber das hat die Lautstärke unserer Basis erhöht. Dreh das Sofa. Hier ist es sogar besser, wenn es ausgeschaltet ist. Lassen Sie uns nun die Basis etwas herunterdrehen, um das zu kompensieren. Vielleicht noch eins. Vielleicht hat es mir gefallen. Was könnten wir vielleicht noch tun? Vielleicht möchte ich auch etwas Farbe auf unsere Gitarre bringen. Wenn ein Kompressor involviert ist, willst du wahrscheinlich die Verzerrung vor dem Kompressor. Ein Favorit. Das klingt ziemlich nett. Und beachten Sie, dass der Effekt, den Sie gerade eingeschaltet haben, oft ein- und ausgeschaltet , um sicherzugehen, dass Ihnen der Klang gefällt. Ich möchte unserer Kick-Drum vielleicht auch etwas Verzerrung oder etwas Ähnliches hinzufügen . Also lass uns vielleicht eines davon ausprobieren. A. A. Mir gefällt, wie das klingt, aber mit diesem Top wird es ein bisschen aggressiv. Vielleicht gehen wir hier zu dieser Multiband-Dynamik und komprimieren einfach das obere Ende unseres Kicks ein wenig. Und lass es uns hier schaffen. A. A. Das klingt ziemlich gut. Vielleicht wollen wir auch unsere hohen Hüte auf ähnliche Weise komprimieren. Oh, hier können wir sehen, dass wir ein bisschen verzerren. Vielleicht ist es das, was damit los ist. Mir gefällt wie das zurückhaltender und ehrlich gesagt etwas leiser klingt und ehrlich gesagt etwas leiser Heu runter. Das klingt also ziemlich gut Du kannst gehen und vielleicht etwas Tonhöhenmodulation hinzufügen, ein bisschen Refrain ausprobieren Kriegsensemble an der Gitarre. Mal sehen, wie das klingt. Das ist nicht wirklich die Stimmung für diesen Song. Lass es uns ganz leiser machen. Das ist nur ein kurzer Mix aus dem Beat, den ich gemacht habe, nur um dir zu zeigen, wie mein Prozess aussieht. Der Prozess ist iterativ. Und ehrlich gesagt, manchmal setzt man sich hin und jede Bewegung man macht, ist die richtige und man steigt einfach in den richtigen Zug, wenn man so will, und all seine Entscheidungen werden zu wenn man so will, und all seine Entscheidungen werden zu etwas, das einem gefällt Und manchmal setzt man sich hin und geht in die falsche Richtung. Und das ist okay. Und wenn du einen Schritt zurücktrittst, exportierst du deinen Song , hörst ihn dir über deine Kopfhörer an, gehst spazieren, kommst zurück und hörst dir deine Referenztracks an. Wir werden das in einer Sekunde durchgehen. Und manchmal merkt man, weißt du was, es hat vorher besser geklungen, und du verschrottest das einfach und Und das ist absolut, völlig in Ordnung. nicht das Gefühl, dass Sie diese Version verwenden müssen, weil Sie sich Mühe geben, etwas zu mischen . Jede Entscheidung, die Sie treffen, wird von jeder Entscheidung beeinflusst, die Sie treffen. Also wie fängst du an, dein Haus aus deiner Mischung zu bauen, ob du auf einem wackeligen Fundament anfängst oder es nicht das richtige Fundament war, und du baust den Rest deines Hauses darauf Manchmal wirst du feststellen, dass du komplett neu starten musst. Und das ist völlig in Ordnung. Das ist schon so oft passiert. Aber die meiste Zeit wirst du dich hinsetzen und es schaffen, du wirst ziemlich nah dran sein und du wirst wirklich glücklich sein mit dem, was du getan hast. der nächsten Lektion werden wir also ein bisschen mehr über Mixing und Mastering sprechen 32. Grundlagen des Mastering Teil 1: Du hast also deinen Song produziert, du hast deinen Song gemischt Jetzt heißt der letzte Schliff Mastering. Lass uns gleich mit dem Mastering beginnen. Nun, die Grundlagen des Mastering, das ist der letzte Schliff. Es ist das Ende Es ist das Letzte, was du tun wirst. Es soll dafür sorgen, dass dein Song auf allen Geräten gut klingt. Denn wenn du darüber nachdenkst, hören die Leute Musik auf AirPods, Leute hören Musik in Autos, Leute hören Musik in Clubs, Leute hören Musik über Computerlautsprecher auf iPhone-Lautsprechern Alle diese Lautsprecher haben unterschiedliche Fähigkeiten zur Tonwiedergabe Es gibt keine Basis für iPhone-Lautsprecher, aber Sie möchten trotzdem, dass Ihr Song so gut wie möglich klingt Auf einem iPhone-Lautsprecher und im Club. Im Grunde bedeutet Mastering also , deinen Song überall gut klingen zu lassen Du kannst Stem-Mastering oder Single-Track-Mastering machen. Sie möchten im Masterbus etwa minus sechs oder minus drei Und dann habe ich meine Liste der beliebtesten Mastering-Plug-ins von Drittanbietern, aber Sie können Ableton auch verwenden, um mit Ableton Native Plugin zu Hier haben wir einen Mix von mir, und lassen Sie uns meine Mastering-Kette ausschalten und anhören, womit wir hier arbeiten Und mit you can Also dieser Song klingt für mich ziemlich gut und ich habe das Gefühl, dass es an der Zeit ist, mein Mastering in Angriff zu nehmen Das ist also meine Mastering-Kette, und das verwende ich gerne Zuerst habe ich diese SSL-Komponente von Waves und ich verwende genau diese Einstellungen Diese Einstellungen sorgen dafür , dass der Kompressor einwandfrei funktioniert Aber es funktioniert nur ein bisschen, und dieses SSL gibt dem ganzen Track nur Klebstoff. So kann ich es am besten beschreiben. Als nächstes haben wir Ozon. Und Ozone hat diese Schaltfläche für den Mastering-Assistenten , auf die Sie klicken, und sie verwendet KI, um Ihrem Song einen ersten Startpunkt für das Mastering zu geben Ihrem Song einen ersten Startpunkt für das Mastering Und ehrlich gesagt, damit ist es zu etwa 90% geschafft. Es hat diese EQ-Kette geschaffen, weil es erkannt hat, dass ich zu viel Base hatte und dass ich nicht genug hohe Mythen Als Nächstes hatten wir einige dynamische E-Qs, weil wir entschieden haben , dass diese spezifischen Punkte manchmal ein bisschen viel waren Was das dynamische E Q ist ist, wenn dieser Punkt zu stark ausgelöst wird, wird er heruntergezogen, aber wenn nicht, wird er heruntergefahren. Wir haben diesen Imager, den ich hinzufüge. Es gibt deinem Song eine gewisse Breite. Als Nächstes verwende ich gerne Saturn, und er hat dieses magische Mastering-Preset, das im Low-End wirklich Wunder bewirkt Ich kann es nicht einmal erklären. Endlich haben wir den Master Limiter, ebenfalls von Ozone ist Sie können zwar jeden Master-Limiter verwenden, dieser ist mein Favorit Diese Einstellungen werden wahrscheinlich nicht unbedingt zu deinem Song passen Sie ändern sich wirklich drastisch pro Song, aber du verwendest den Mastering-Assistenten, um 90% des Weges zu erreichen, und dann kannst du den Schwellenwert von dort aus ein wenig anpassen aus ein wenig Also habe ich dafür gesorgt, dass mein Mix etwa minus sechs oder minus drei erreicht, und dann habe ich meine Mastering-Kette angelegt, und hier haben wir meinen fertigen Song gemastert Und du kannst dich in der Hitze ausharren. Deshalb ist es beim Mastern wirklich wichtig , Referenzsongs zu verwenden. Und du kannst einfach auf einen Song von A Bing von Spotify verweisen. Ich habe hier dieses Plug-In namens Reference, wo ich Songs von überall her hineinziehen kann, und ich kaufe etwas bei Itunes, und dann lege ich es in diesen Ordner für Referenzsongs, und dann kann ich diese Referenzsongs in meine Session ziehen . Schnappen wir uns einfach, was auch immer hier ist. Dieses zufällige Lied von Billy Las, dieses zufällige Lied von Polo und Pan. Und das nennen wir gut. Jetzt haben wir zwei Songs in unserer Referenz, und was es macht, ist, dass das eine ist Jetzt hören wir, Billy. Jetzt hören wir. Jetzt hören wir. Irgendwann. Und was du tun willst, ist einfach zu sagen, okay, ja, die Songs werden anders klingen Aber klingen sie wettbewerbsfähig? Klingt mein Song in derselben Welt wie Billy Ish? Und du sagst, okay, mein Song klingt tatsächlich ein bisschen lauter Das ist völlig in Ordnung. Seite. Es klingt ziemlich ähnlich wie Canopy, was Cope angeht Cope angeht die Helligkeit und das Gesamtniveau von allem Weil mein Song Vergleich zu anderen Songs konkurrenzfähig klingt, weiß ich, dass ich beim Mischen und Mastern gute Arbeit geleistet habe Ich verwende diese Plug-ins von Drittanbietern weil sie die besten im Spiel sind, aber ich möchte Ihnen zeigen, wie Sie einige Mastering-Plug-ins verwenden können , die für Ableton nativ sind 33. Grundlagen des Mastering Teil 2: Sie können Ihre Mastering-Kette in der Originaldatei auf Ihren Song übertragen Vielleicht haben Sie eine Datei in der Sie eine Produktionssitzung haben, dann speichern Sie sie wie bei einer Mischsitzung Dann speicherst du Werbung für eine Mastering-Session. Das könnte eine gute Art zu arbeiten sein. Sie könnten Ihre Mischung in Stängel ausdrucken, was ich persönlich gerne mache. Und dann würdest du am Ende etwas haben, das so klingt. Und dann bist du bereit für das Mastering, startest eine neue Clean-Session, in der du, egal aus wie vielen Schichten diese Stängel bestanden, sie abdruckst, bis sechs, und das ist wirklich einfach, damit zu arbeiten Du könntest auch einfach deinen gesamten Mix als einen exportieren und diesen dann einfach mastern Das funktioniert auch. Nun, Ableton hier, wenn Sie zu Audioeffekten gehen Dienstprogrammen und dann zu Audioeffekt-Racks gehen, hat einige Mixing- und Mastering-Presets, die Ihnen hat einige Mixing- und Mastering-Presets den Einstieg wirklich erleichtern können Hier passieren viele verschiedene Dinge, und ich empfehle Ihnen auf jeden Fall, all diese zu erkunden Manche sind nur für den Drumbus, manche quasi für einen Channel-Strip. Als ob du eine Gruppe aus allen Gitarren oder eine Gruppe aus allen Schlagzeugen allen Gitarren oder eine Gruppe aus zusammenstellst und diese aufsetzt Das sind quasi Dinge auf Mixing-Ebene vor dem Mastering Insbesondere für diesen Song habe ich hier diese Plug-ins gefunden, habe ich hier diese Plug-ins gefunden von denen ich fand, dass sie ziemlich gut klangen Und so können wir sie hier vorsingen. Seite. Das ist kein Mastering, hier ist Master breit und warm. Seite. Das gibt uns sofort etwas mehr Schwung. Wir haben Stereo verbessert. Seite. Wir haben Master EQ und Glue. Full s. Und wir haben Master Full Chain Volle S. Das klingt für mich vielleicht am besten. Schauen wir uns also an, was Mastering ist. Mastern, wie Sie es in meiner Drittanbieter-Kette oder in diesen Chains gesehen haben, ist ein bisschen EQ-Komprimierung und Das ist im Grunde das, was Mastering ist. Es ist wie, okay, dein Song hat den Bass, den du wolltest, und er hat die Drums, die du wolltest und alles, was du wolltest Und wie am Ende aller Dinge. Brauchst du nur ein bisschen mehr Bass? Wissen Sie? Wie, im Vergleich zu anderen Songs? Willst du einfach, dein Kick mit deiner Basis und deinen Sieben sitzt und all das Zeug, also, insgesamt will ich einfach das Low-End global verbessern, oder ich will einfach nur das High-End global verbessern. Hier machst du das. Sie können diese EQ-Moves nach Gehör ausführen, aber seien Sie vorsichtig. Machen Sie es nicht so, wenn Sie Dinge wie 20 dB oder so etwas erhöhen , müssen Sie einfach wieder zu Ihrem Mixing zurückkehren Das sollten subtile letzte Feinschliffe sein. Aber man merkt, dass bei jeder dieser Ketten ein gewisser EQ läuft Viele von ihnen haben auch eine gewisse Komprimierung. Das ist am kompliziertesten , weil wir auch etwas Verzerrung hinzufügen, was ein ziemlich mutiger Schachzug ist. Die andere Sache, die Sie sehen werden , ist dieses Masterlimit. Ehrlich gesagt, der Limiter, der Master-Limiter ist der wichtigste Teil Wenn Sie nichts anderes haben, möchten Sie einen Master-Limiter Das ist also keine komplette Mastering-Kette, weil sie keinen Limitor hat Und um das zu nutzen, würdest du hier auf jeden Fall einen Limiter hinzufügen wollen Warum ist ein Master-Limitor so wichtig? Das liegt daran, dass nichts die Obergrenze eines Limitors überschreitet. Es ist wie ein Superkompressor. Und das bedeutet einfach, dass kein Teil Ihres Songs aus dem Nichts springt und den Lautsprecher durchdreht. Wenn du unbegrenzt bist, riskierst du, dass die Lautsprecher kaputt gehen, wenn du live spielst oder so. Wird wahrscheinlich nicht passieren, aber es könnte. Der Master-Limiter ist also sehr wichtig, um die Lautsprecher zu schützen, aber er hält deinen Song auch einfach Also, wie bei allem, du machst es nach Gehör. Ich dachte, das klingt am besten Also würde ich diese Einstellung wahrscheinlich hier verwenden. Das bewegt sich vielleicht ein bisschen zu viel. Also würde ich den Angriff sogar noch weiter reduzieren, wenn diese Mahlzeit hier nur ein bisschen wackelt. Altes Schild. Und ich weiß nicht, ob es sechs braucht. Vielleicht tut es das. Das liegt wirklich an dir. Klicken Sie auf sechs und Sie können sehen, wie viel wir hier hinzufügen werden. Das ist eine Verstärkung von einem DB. Also weißt du, es liegt irgendwie an dir. Die Verzerrung, wie es aussieht, ist ausgeschaltet. Das macht viel mehr Sinn, weil man quasi den Master-Bus verzerren kann, aber es ist ein bisschen fett. Also H, wir lassen unseren Hauptwickler wirklich so viel machen, ziehen Sie ihn etwas weiter runter Das ist viel zu viel. Auf dem coolen Schild. Unterwegs ausschalten. Das klingt ziemlich gut. Wenn ich also die Ableton-Plug-ins verwenden würde, würde ich mich vielleicht für diese Kette entscheiden Du kannst natürlich reingehen und diesem hier noch ein paar Effekte hinzufügen, mit Stereo Enhanced scheint irgendwie interessant zu Also vielleicht schalten wir das ein. Schalten Sie es aus, weil wir bereits EQs und Klebekompressoren und Limiter hinzufügen EQs und Klebekompressoren und Limiter Wir müssen nicht zu stark sein Lassen Sie uns weitermachen und den Stereo-Verstärker einschalten und einfach hören, wie das klingt. Cooles Schild. Das klingt ziemlich nett. Also würde ich wahrscheinlich etwas aus dieser Kette wählen , gemischt mit dem Hinzufügen dieser Stereo-Erweiterung. Denken Sie daran, dass ich all diese anderen Dinge ausgeschaltet habe, weil ich nur die Stereo-Qualität dieser Kette hier haben wollte die Stereo-Qualität dieser Kette hier Also, das ist Mastering. Das ist der letzte Schliff. Es ist der Klebstoff, der deinen Song zusammenhält , und es ist wirklich so, als ob dein Song nicht wirklich wettbewerbsfähig und fertig klingen wird , bis er gemastert ist Und wenn es boomt, hast du einen fertigen, professionell klingenden Song 34. Lernaktivität Machen Sie Ihr Meisterwerk: Herzlichen Glückwunsch. Sie haben es bis zum Ende des Kapitels Arrangieren und Produzieren Wie Sie vielleicht vermutet haben, besteht die Lernaktivität für dieses Kapitel darin, dass Sie rausgehen und Ihr eigenes Lied komponieren. Mach es von Grund auf neu Es kann zuerst ein Song sein, es kann zuerst der Beat sein. Du kannst zuerst Harmonie spielen, zuerst Schlagzeug, zuerst Bass, was auch immer du willst. Aber geh und mach ein originelles Musikstück. können sich jederzeit die Lektionen für eine bestimmte Phase, in der Sie sich gerade befinden, noch einmal ansehen , um sich wirklich daran zu erinnern, was die verschiedenen Teile sind? Denn wenn du einen Song schreibst, gibt es eine Menge Dinge, an die du dich erinnern musst, und du wirst dich nicht ständig an alles erinnern , wenn du jeden Song schreibst Und das ist völlig in Ordnung. Vieles davon ist intuitiv. Machen Sie sich keine Gedanken darüber, ob Sie sich an all die verschiedenen Teile der Produktion erinnert haben , und denken Sie nicht darüber nach. Du willst dich einfach immer daran erinnern? Fühlst du dich dadurch gut? Fühlst du dich dadurch traurig? Fühlst du dich dadurch so, wie du willst, dass du dich fühlst? Das ist immer das Wichtigste. Aber mach weiter und mach dein eigenes Lied. Verbringen Sie nicht mehr als eine Stunde mit der Produktion. Verbringe nicht mehr als 30 Minuten die Melodien und den Text zu schreiben Verbringe nicht mehr als 30 Minuten mit Mischen und Mastern. Setze dir selbst Zeitlimits, damit du nicht endlos an Musik arbeitest Manchmal arbeite ich einen Monat lang an einem Song , und ich brauche viel Zeit, um an etwas zu arbeiten, aber ich werde auch sehr schnell an Dingen arbeiten Und es ist wichtig, dass Sie sich angewöhnen, schnell zu arbeiten weil Sie Ihre Ideen nicht zu kostbar machen wollen . Und am Ende des Tages, je mehr Musik du machst, desto besser wirst du sein. also sieben Tage lang jeden Tag einen neuen Beat machen, werden Sie zu einem besseren Produzenten, als sieben Tage lang jeden Tag an demselben Beat zu arbeiten . Auch wenn du am Ende vielleicht einen besseren Beat hast, an dem du sieben Tage gearbeitet hast , jeden Tag einen neuen Beat. Es hängt davon ab, was Sie anstreben. Versuchst du, dich zu erholen? Versuchst du, besser Musik zu machen? Oder bist du in der Phase deines Meisterwerks und sagst: Okay, lass uns etwas machen und es veröffentlichen. Zwei verschiedene Dinge, zwei verschiedene Herangehensweisen. Es gibt keine richtige oder falsche Antwort. auch sei, ich fordere Sie dringend auf, für diese Lernaktivität ein Zeitlimit festzulegen, Ihr eigenes Lied zu Ihr eigenes Lied Wenn Sie Ihr Zeitlimit erreicht haben, Hände weg, sind Sie fertig, und Sie können diese Übung jederzeit wiederholen , so oft Sie möchten. 35. Glückwunsch!: Herzlichen Glückwunsch zum Abschluss dieses Kurses. Ich bin so stolz auf dich und kann es kaum erwarten, mir dein Klassenprojekt anzuhören. Du kannst mich auf Instagram oder Spotify bei Benza Maman begrüßen Instagram oder Spotify bei Benza Maman Und wenn dir dieser Kurs gefallen hat, schau dir bitte meine anderen Musikkurse auf Skillshare