Musikmischen für Songwriter - Vom Anfänger zum Produzenten | Mike Barnes | Skillshare
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Musikmischen für Songwriter - Vom Anfänger zum Produzenten

teacher avatar Mike Barnes, Music Instructor

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Einheiten dieses Kurses

    • 1.

      Intro

      2:43

    • 2.

      Kursprojekt

      1:52

    • 3.

      Wichtige Mix-Lektionen

      6:45

    • 4.

      Der Song, den wir mischen werden

      3:12

    • 5.

      Zubereitung des Mixs

      14:10

    • 6.

      Gain Staging

      14:55

    • 7.

      Volumenausgleich

      7:02

    • 8.

      Busse

      4:58

    • 9.

      Datenkompression

      8:05

    • 10.

      Komprimierung verwenden

      14:32

    • 11.

      EQ

      9:08

    • 12.

      EQ verwenden

      11:03

    • 13.

      Panning

      7:13

    • 14.

      Hall

      12:44

    • 15.

      Verzögerung

      6:11

    • 16.

      Automatisierung

      7:47

    • 17.

      Verzerrung, Exciter und Refrain

      6:08

    • 18.

      Endkontrolle

      4:31

    • 19.

      Letzte Kurseinheit

      3:09

  • --
  • Anfänger-Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Jedes Niveau

Von der Community generiert

Das Niveau wird anhand der mehrheitlichen Meinung der Teilnehmer:innen bestimmt, die diesen Kurs bewertet haben. Bis das Feedback von mindestens 5 Teilnehmer:innen eingegangen ist, wird die Empfehlung der Kursleiter:innen angezeigt.

462

Teilnehmer:innen

13

Projekte

Über diesen Kurs

Über diesen Kurs

Mischen kann ein kompliziertes, verwirrendes Thema sein. Aber das muss es nicht sein! Mit nur ein paar einfachen Effekten kann es einen Song von dem Klingen langweilig, leblos und unordentlich zu dem Klingen sauber, voll und professionell bringen.

Musikproduktion und Audiomischen können SO einfach sein, wenn du die Grundlagen kennst.

In diesem Kurs werde ich dir alles beibringen, was du über das Mischen von Musik wissen musst, um unglaublich klingende Tracks zu produzieren.

In diesem Kurs lernst du Folgendes:

  • Die Grundlagen des Mischens von Audio
  • Musikproduktion
  • Wie man einen Track für das Mischen vorbereitet
  • Staging gewinnen
  • Volumenausgleich
  • Wie man Busse benutzt
  • Datenkompression
  • EQ
  • Panning
  • Hall
  • Verzögerung
  • Automatisierung
  • Erreger
  • Verzerrung
  • Chor
  • Verwendung von Referenztracks
  • & mehr!

Am Ende dieses Kurses wirst du ein ausgezeichnetes Verständnis dafür haben, wie du Musik mischen kannst, um zuversichtlich erstaunliche Musik zu produzieren.

In diesem Kurs demonstriere ich alle diese Mischtechniken mit Logic Pro x, aber die Fähigkeiten sind für alle Musikproduktionsprogramme anwendbar, einschließlich Ableton Live 11 und FL Studio.

Ich helfe dir jederzeit gerne weiter, also stelle mir ruhig deine Fragen. Du kannst in die Diskussionen schreiben oder mir HIER eine E-Mail schicken.

(Ich empfehle dir dringend, diesen Kurs mit Kopfhörer oder einem guten Lautsprecher zu besuchen. Einige der hier präsentierten Tonbeispiele sind mit Laptop- oder Smartphone-Lautsprechern schwieriger zu hören).

Intro-Musik von Louie Zong.

Triff deine:n Kursleiter:in

Teacher Profile Image

Mike Barnes

Music Instructor

Top Teacher

Hey friends!

My name's Mike, I'm a 29-year-old musician and music instructor from the U.K. I've been playing, writing and producing music for the last 13 years. I co-run a music charity called T.I.M.E - Together In Musical Expression where I run music workshops and classes for people of all ages and abilities.

I believe EVERYONE has it in them to create beautiful music. It's just a case of letting go of expectations and having fun with the process of creating.

Please feel free to get in touch with any questions or just to say hello!

mikerjbarnes@gmail.com

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Transkripte

1. Intro: Wenn Sie dachten, dass der kreative Prozess der Produktion eines Songs endet, nachdem jeder Track aufgenommen wurde, liegen Sie völlig falsch. Mixen ist einer der unterhaltsamsten, kreativsten und wichtigsten Prozesse, die ein Produzent lernen kann. Es geht darum, einen Track herauszuschneiden und zu formen , um ihn zu deinem charakteristischen Sound zu formen. Mit ein paar einfachen Effekten kann ich aus einer Aufnahme, die schwach, zäh und chaotisch klingt, zu einem sauberen, vollen und professionellen Klang führen. In diesem Kurs wirst du lernen, genau das zu tun. Hallo Freunde, wie geht's? Ich wünsche dir einen schönen Tag. Willkommen zu meinem Anfängerleitfaden zum Mischen von Musik. Ich heiße Mike. Ich bin ein Vollzeitmusiker und Musiklehrer aus Großbritannien. Ich spiele, schreibe und produziere seit 13 Jahren Musik und bin auch Mitleiter einer mehrfach ausgezeichneten Musik-Wohltätigkeitsorganisation namens TIME. Wir veranstalten Musiksessions und Workshops für Menschen jeden Alters, jeder Fähigkeit und jeden Hintergrunds. Ich bin auch ein Top-Lehrer hier auf Skillshare, und ich hatte in den letzten Jahren eine Menge Spaß , hier Unterricht zu geben. In diesem Kurs werde ich dir alles beibringen, was du über das Mischen von Musik wissen musst , um unglaublich klingende Tracks zu erstellen. Dieser Kurs wird anfängerfreundlich sein, also auch wenn du noch völlig neu im Mixen bist, solltest du besser mitmachen und das Ganze hinter dir lassen. Wir beginnen mit einigen einfachen Vorbereitungen, um die Dinge aufzuräumen und die Arbeit zu vereinfachen. Anschließend lernen wir, wie Gain Staging und Volume Balancing funktionieren, um sicherzustellen, dass alles klar und ausgewogen klingt. Ich werde dir beibringen, wie du Kompression einsetzt, um jeden Track druckvoll und selbstbewusst klingen zu lassen. Anschließend lernen wir etwas über EQ, um unsere Aufnahmen zu krümmen, zu formen und zu bereinigen. Wir werden Panning, Reverb und Delay aufschlüsseln, um einen 3D-Raum zu schaffen, in dem unser Song existieren kann. Ich werde Ihnen auch beibringen, wie Sie diese Effekte mit Automatisierung und Bussen bewältigen können, um dem Mix eine echte professionelle Qualität zu verleihen . Und zu guter Letzt tauchen wir in die Welt der kreativen Effekte wie Distortion, Exciter und Chorus ein, um unserem Track Flair und Interesse zu verleihen. Während des gesamten Unterrichts werde ich selbst einen Song mixen , damit Sie genau sehen können , wie wir jedes dieser Themen in einen Mix umsetzen. Das einzige, was Sie für diesen Kurs benötigen, ist ein grundlegendes Verständnis einer Audio-Workstation. Ich werde heute Logik verwenden, aber ich habe dafür gesorgt, dass diese Klasse angemessen ist, unabhängig davon, welche DAW Sie verwenden. Mischen kann sich wie ein sehr entmutigendes und verwirrendes Thema anfühlen , daher ist es mein Ziel für diesen Kurs, jedes Thema wirklich in kleine, mundgerechte Teile zu unterteilen und es jedem so einfach wie möglich zu machen, die Grundlagen aufzugreifen und zu lernen. Ich freue mich sehr darauf, ein paar Musikmedien zu machen, ich hoffe, wir sehen uns im Unterricht. 2. Kursprojekt: Hallo Freunde, wie geht's? Vielen Dank, dass Sie mit mir an meinem Mixing-Kurs teilgenommen haben. Ich hoffe wirklich, dass es für dich nützlich ist und du eine Menge wirklich guter Informationen zum Mischen deiner eigenen Musik erhältst. Bevor wir mit dem Mixing beginnen, möchte ich ganz kurz über unser Klassenprojekt sprechen. Am Ende dieses Kurses wirst du eine Menge cooler Dinge über das Mixen lernen , die du in deinen eigenen Songs und Aufnahmen anwenden kannst, und ich würde gerne hören, was du dir einfallen lässt. Alles, was Sie aus diesem Kurs in Ihre eigene Arbeit umsetzen , können Sie gerne in unser Klassenprojekt einsenden . Es wird ein sicherer Lernraum sein, in dem wir alle unsere Songs oder kleinen Ideen posten können , und das kann alles sein, von einem komplett produzierten gemischten Song mit etwa 100 Tracks bis hin einem wirklich schönen Hallsound , den du für eine Gitarre gemacht hast. Alles, was sich in dieser Stratosphäre befindet, du gerne in diesem Klassenprojekt posten, und doch , wer einen coolen Songwriter und Produzenten hat, kann darüber chatten. Ich antworte auf jedes einzelne Projekt, bei Sie also jemals Hilfe benötigen oder zu dem Sie Rat benötigen, lassen Sie es mich gerne wissen. Alles was Sie tun müssen, ist Ihren Sound oder Ihren Track auf eine Website wie YouTube oder SoundCloud hochzuladen . Wenn du möchtest, kannst du auch einen privaten Link erstellen , falls du nicht möchtest, dass ihn jemand anderes hört, und dann poste diesen Link einfach in das Klassenprojekt, erzähle mir ein bisschen über deinen Song oder was du Feedback geben möchtest, und ich melde mich so schnell wie möglich bei dir. Bitte haben Sie keine Angst davor, dort zu posten. Es ist so wichtig als Musiker oder Künstler Feedback zu bekommen und mit anderen Künstlern und Produzenten über die Dinge zu sprechen , die man macht. Das bedeutet, dass du viel schneller vorankommst und viele coole Dinge lernst. Bitte zögern Sie nicht, dort zu posten, und ich freue mich sehr zu hören, was Sie sich einfallen lassen. 3. Wichtige Mix-Lektionen: Bevor wir uns in die Einzelheiten des Mixens und so stürzen , muss ich nur ein paar wirklich wichtige Lektionen durchgehen, die entscheidend sein werden, um diesen Kurs wirklich zu verstehen und das Beste aus ihm herauszuholen. Die erste Lektion ist, nimm es richtig auf. Wir können beim Mixen eine Menge cooler Sachen machen , um den Sound und die Qualität einer Aufnahme zu verbessern. Aber es führt kein Weg an der Tatsache vorbei , dass die Aufnahme eines Sounds von , dass die Aufnahme eines Sounds Anfang an entscheidend sein wird , um das Beste aus diesem Sound herauszuholen. Nehmen wir an, während Sie aufnehmen , hören Sie sich einige Dinge an und der Raum klingt ein bisschen komisch oder es ist ein seltsames Summen zu hören, oder vielleicht haben Sie einfach nicht die Aufnahme bekommen, nach der Sie gesucht haben. Ehrlich gesagt, verbringen Sie so viel Zeit wie möglich in dieser Aufnahmephase, um die bestmögliche Aufnahme zu erzielen. zweiten Lektion hören Sie sich diesen Kurs an und tragen Sie, wenn möglich, ein paar anständige Kopfhörer oder halbwegs anständige Lautsprecher. Viele der Beispiele, die ich mit E-Queuing bei der Komprimierung gegeben habe E-Queuing bei der Komprimierung werden von einem Telefonlautsprecher oder einem iPad-Lautsprecher so schwer zu hören sein. Um das Beste daraus zu machen, empfehle ich dringend, Kopfhörer zu tragen. Lektion Nummer 3, jeweils 1%. Viele der Beispiele, die wir durchgehen werden, werden nicht unbedingt bahnbrechend klingen, wenn wir anfangen, mit ihnen zu experimentieren. Aber meine Denkweise hinter dem Mixen ist, dass wir jeweils nur einen Unterschied von 1% machen. Wenn wir lange genug auf einer Strecke verbringen, verdienen wir hier ein bisschen 1%, dort ein bisschen 1%. Im Laufe von ein paar Stunden nehmen wir genug dieser kleinen Änderungen vor, diese kleinen Prozente, und es wird einen großen Unterschied ausmachen. nächste Lektion, wenn Sie können, mir zu folgen, wird viel einfacher sein, als diese Lektion anzusehen und dann zu versuchen, sich später an einige Dinge zu erinnern und sie zu wiederholen. Wenn du einen Track oder eine Aufnahme machen kannst und während ich über E-Queuing oder so spreche, wenn du gleichzeitig damit herumspielen kannst, wirst du das alles auf eine Weise aufnehmen, viel schneller, als wenn du dir nur die Videos ansehen würdest. Wenn es ein Lied ist, das dir wichtig ist, speichere eine Kopie, um damit herumzuspielen und einfach wirklich zu experimentieren, und dann kannst du immer einfach zu deinem Standardlied zurückkehren , wenn du dich ein bisschen verirrst. Die nächste Lektion wird sein, hinter allem, was Sie tun, eine Absicht zu haben. In diesem Kurs werden wir wirklich lernen was jede Mischtechnik bewirkt. Was ich wirklich möchte, ist, dass du dich fragst , wenn du kurz davor bist, in eine Mischung zu gehen, was möchte ich daran ändern? Wenn du zum Beispiel eine Gitarre mischst, anstatt sie einfach mit vielen Effekten zu versehen, nur weil du denkst, dass du das tun solltest, höre sie dir genau an und überlege, wie kann ich den Sound verbessern? Welche Tools stehen mir zur Verfügung, um es so zu beeinflussen, wie ich es möchte? Beim Mixen geht es darum, ein Musikstück anzuhören, herauszufinden, was geändert werden muss, um ein besseres Ergebnis zu erzielen, und dann die entsprechenden Tools zu verwenden, um es zu ändern. Um mir da zu widersprechen, die nächste Lektion ist, dass es keinen wirklich richtigen Weg gibt, um zu mischen. Es ist ein sehr kreativer Prozess, genau wie das Schreiben eines Songs. Ich weiß noch, als ich das erste Mal Mixen gelernt habe, war ich sehr frustriert über Lehrer, weil ich einfach wissen wollte welche Kompressoreinstellungen ich auf mein Schlagzeug lege oder welchen Hall ich auf meine Gitarre lege, aber so funktionieren die Dinge einfach nicht. Ich sage, es ist wie ein künstlerischer, kreativer Prozess an sich. Wie ein Kompressor auf einem Schlagzeug funktioniert einem Schlagzeug völlig anders als auf einem anderen, und es hängt sehr davon ab, für welche Art von Song du dich entscheidest. Wir wissen auch, ob du einen Gesangs- und Gitarrentrack machst, wie Wir wissen auch, ob du einen Gesangs- und Gitarrentrack machst, du diesen Track komprimierst, den EQ und den Mix machst, wird sich einer 10-köpfigen Band stark unterscheiden. Es geht wieder darum, wirklich zu wissen, was all diese Tools tun. Wie bereits erwähnt, analysieren und ändern, was geändert werden muss. Aber ich weiß, dass es ein bisschen beängstigend sein kann, wenn ich denke, oh, ich habe keine Grenzen oder Dinge, an die ich mich wirklich halten kann. Aber ich denke, hier kann man einfach richtig komisch und experimentierfreudig damit umgehen. Wie gesagt, es gibt keine richtige Art zu mischen. Oft kommen die coolsten Tracks von denen, die wirklich Grenzen überschreiten und sich nicht an die Regeln halten und so. Zum Beispiel wurde eines meiner Lieblingsalben aller Zeiten For Emma, aller Zeiten For Emma, Forever Ago von Bon Iver in einer Holzhütte aufgenommen. Keine Soundinstallation, kein richtiges Studio, ein ziemlich billiges Mikrofon und eine sehr, sehr einfache Tür. Das Album ist voll von seltsamem Summen und Knarren und Raumgeräuschen, und das würde einer sehr professionellen Art, einen Track aufzunehmen, absolut widersprechen. Aber ich liebe es absolut und es ist all diese Verrücktheit , die ihm Charakter verleiht. Sobald Sie wissen, wie Sie die Tools verwenden, verwenden Sie sie so, wie Sie es für am besten halten. Ich werde Ihnen einige sehr grundlegende Parameter geben , an denen Sie sich orientieren sollten. Aber wie gesagt, experimentiere damit. Du willst wirklich herausfinden, welcher Produzent und welcher Mix-Engineer du persönlich bist, genauso wie was für ein Songwriter du persönlich bist. Jeder wird einen anderen Geschmack in Bezug auf Musik und Songwriting haben , genauso wie jeder einen anderen Geschmack beim Mixen haben wird . Um daran anzuknüpfen, ich weiß, es klingt klischeehaft, aber Übung macht wirklich den Meister. Es ist ziemlich knifflig, Geräusche mit Worten zu erklären. Manchmal gibt es einfach keine Möglichkeit etwas wirklich mündlich zu erklären , ohne dass Sie wirklich reingehen und diese Dinge selbst ausprobieren. Wie bei allem anderen gilt: Je mehr Sie es tun, desto schneller können Sie erkennen, welche Frequenzen nicht ganz richtig passen oder welche Kompressoreinstellungen Ihnen am besten für Gesang gefallen. Das findest du nur heraus , indem du übst. Mein größter Ratschlag, um diese Lektion abzurunden , ist, diesen ganzen Prozess einfach unterhaltsam zu gestalten. Nimm es nicht zu ernst, hab Spaß daran, einfach mit Dingen herumzuspielen. Sie keinen Druck auf sich aus, sofort zu versuchen , wie der Top-Engineer zu mischen. Nehmen Sie sich einfach so lange Zeit, wie Sie benötigen, um jedes dieser Tools wirklich herauszufinden, was sie tun, welche Geräusche sie erzeugen. Machen Sie es lustig, machen Sie es regelmäßig und Sie werden in kürzester Zeit ein absoluter Profi sein. Genug, der Jap Run-On, lassen Sie uns jetzt tatsächlich in die Mischung eintauchen. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 4. Der Song, den wir mischen werden: Um all das Mixing zu demonstrieren , über das wir heute sprechen werden. Ich werde einen Abschnitt eines Songs mischen , an dem ich mit ein paar Freunden gearbeitet habe Um euch eine gute Vorstellung von dem Track zu geben , werden wir heute mischen. Ich werde es einfach durchspielen. Wir werden nur den Mittelteil mischen. Nur damit es nicht so überwältigend ist. Nur damit du dir des Songs bewusst bist , den wir mischen werden. Ich spiele es jetzt für dich. Dann geht es dort in einen etwas anderen Abschnitt. Aber es ist dieser erste Teil, das Geld, dieser Mittelteil, auf den wir uns heute konzentrieren werden. Nun, es lohnt sich zu sagen , dass das überhaupt nicht gemischt ist. Wenn Sie erkennen könnten, dass die Lautstärke überall ist, können sogar viele Instrumente gehört werden. Was erreichen, spiele das auch, weil es einfach ein bisschen chaotisch ist. Aber hoffentlich gibt dir das einen groben Überblick und das Genre des Songs und wo wir hingehen. Lass uns eintauchen und anfangen, etwas von diesem Chaos zu klären. Sherry, wir sehen uns in der nächsten Lektion. 5. Mischungszubereitung: Hallo Freunde, willkommen zurück. In der nächsten Lektion werden wir über gemischte Zubereitung sprechen, was vielleicht schwach klingt. Aber glaub mir, das macht den ganzen Prozess viel weniger überwältigend und es macht es einfach viel schneller und einfacher, den Track zu mischen und durch den Track zu springen . Ich mag es immer, Dinge in Schritte zu unterteilen , um es so einfach wie möglich zu machen. Nummer 1, das mag offensichtlich klingen, aber wähle deine besten Takes. Das meiste habe ich schon gemacht, weil es eine Weile dauert. Du willst einfach durchgehen und all deine besten Leistungen auswählen. Es mag wie eine Strophe sein, in der dir der erste Gesangsteil besser gefallen hat als der zweite. Oder du möchtest vielleicht jede Gesangslinie kürzen, wenn du richtig und großartig damit werden willst . Dann klingt der zweite Schritt naheliegend, aber lösche einfach alles, was du nicht brauchst. Jede schlechte Aufnahme vielleicht ein paar Ideen, mit denen Sie experimentieren, mit denen Sie einfach nicht ganz geklappt haben, einfach weiter und löschen Sie sie. Als Nächstes werden wir jeden Track richtig beschriften. Es ist wirklich einfach, in die Falle von Gitarre 1 oder Instrument 1 oder Audioeingang 5 oder was auch immer Sie wissen, zu tappen. Das bedeutet, dass Sie sich ständig daran erinnern müssen , welcher Track welcher ist. Verbringen Sie einfach ein bisschen Zeit damit, alles durchzugehen und einfach alles seinen richtigen Namen zu geben. Ganz wie Factor, das ist in Ordnung und Lead, Gitarre, Harmony und so weiter so. Nur damit alles wirklich klar ist und ich ändere auch gerne das Symbol. Einfach nochmal, einfach ein netter Ort zum Verweilen, eine nette, einfache Art, durch die Strecke zu schauen. Bei Logik können Sie mit der rechten Maustaste klicken und Ihre Symbole von dort aus auswählen. Ich werde nur eine Minute damit verbringen, das zu tun. Wir haben dort eine viel klarere Vorstellung davon , was die einzelnen Tracks sind. Ich schätze, ein bisschen [unhörbar] hier unten mit all diesen verschiedenen Vocals. Aber was wir später tun werden, ist diese in einen Ordner zu stapeln. Ich habe nicht das Gefühl, dass ich sie zu sehr etikettieren muss. Aber auch hier wurden Dinge wie die Gitarren, der Hauptgesang und all diese Dinge jetzt gut beschriftet. Als Nächstes organisiere die Tracks einfach in einer Reihenfolge , die für dich gut funktioniert. Das ist für jeden anders. Manche Leute mögen es, wenn der Gesang oben sitzt, andere Leute mögen es, wenn die Trommel oben sitzt, und dann den Bass und die Gitarre und sie machen so. Gruppieren Sie sie einfach so, wie es Sinn macht. Ich habe wirklich gerade alle wichtigen Instrumente nach oben geworfen . Dann habe ich den ganzen Gesang eher nach unten gerichtet. Um diese zu verschieben, können Sie einfach die gewünschten auswählen und sie dann nach oben und unten ziehen. Das wäre bei jedem Doyle, den Sie verwenden, ziemlich ähnlich. Als nächstes folgt die Farbcodierung. Wie Sie hier sehen können, sind die meisten Spuren blau, was in Ordnung ist. Aber was wir tun können, um es uns ein bisschen einfacher zu machen , ist sie alle farblich zu codieren. Das wird bei jedem Doyle ein bisschen anders sein. Möglicherweise müssen Sie selbst ein bisschen googeln , wenn Sie dies tun möchten. Was Logik angeht, gehen wir zu Logic Pro, den Einstellungen und gehen zur Anzeige. Dann gehen wir zu Tracks. Dann können wir automatisch eine 24-Farbe oder eine 96-Farbe zuweisen , je nachdem, was Sie möchten. Und hier können wir in einige andere Einstellungen eintauchen , sodass wir jeden einzelnen Track mit einer anderen Farbe behandeln können . Wenn Sie dort sehen, haben wir es ausgewählt. Dann wird jeder eine andere Farbe zuweisen. Wenn wir nun sagen wollen, dass wir all diese Dinge auf sehr einfache Weise gruppieren , können wir sie einfach alle auswählen, mit der rechten Maustaste klicken und dann zu einer Soundtrack-Farbe wechseln. Wir können sie einfach alle nach Gruppen ändern. All diese seltsamen Gesangssitzungen denen wir wissen, dass sie alle zusammengefasst sind. Wir können einfach die Strecke durchgehen und sie so ausmalen, wie wir wollen. Als Nächstes gruppieren wir Instrumente und erstellen Track-Stacks. Das ist wirklich nützlich, wenn du eine Menge Vocal-Stacks hast , mit denen du arbeitest, wie dieser Track. Oder wenn Sie eine Schlagzeugaufnahme haben , bei der Sie etwa 10 verschiedene Mikrofone verwendet haben , können Sie all diese Dinge zusammenfassen und sie wie eine bestimmte Datei behandeln und sie verstecken , sodass Sie nicht ständig durch Tonnen und Tonnen von Tracks scrollen. Wenn es darum geht, nur am Schlagzeug und am Gesang zu arbeiten , tauchst du einfach in diesen Ordner und alles öffnet sich für dich. In diesem Beispiel werde ich diesen seltsamen Vocal-Stack verwenden. Es wird bei jedem Doyle ein bisschen anders sein, aber Sie sollten in der Lage sein, Ordner zu stapeln , egal welchen Doyle Sie verwenden. In Logic wollen wir nur alle Titel auswählen. Wir wollen Gruppen zusammen haben. Rechtsklick. Dann wollen wir zu Create Track Stack gehen. Es wird uns zwei verschiedene Einstellungen geben. Der Ordnerstapel wird sie buchstäblich nur gruppieren, sodass wir den Ordner herausnehmen und erneut verkleinern können, was für die Organisation in Ordnung ist. Aber ein Summing-Stack ermöglicht es uns im Wesentlichen, Effekte zu erzeugen oder die Lautstärke des gesamten Stacks anzupassen. Das ist bei Schlagzeugen sehr nützlich wenn Sie das gesamte Schlagzeug leiser stellen möchten, anstatt jedes einzelne wie das Mikro leiser zu stellen, wir können alles auf einmal machen. Wenn Sie Logik verwenden, empfehle ich Summing Stack, wenn Sie etwas anpassen möchten. Wir können hier sehen, dass all diese Vocals in diesem einen Track zusammengefasst sind, den wir öffnen und bearbeiten oder schließen können, und dann haben wir einen etwas genaueren Blick in die Timeline geworfen. Wir können diesen Stack auch benennen, also seltsame Vocal-Stacks. Dann ja, wir können die Lautstärke an diese oder die Verstärkung oder wo auch immer anpassen und es ist viel einfacher. Wir könnten für all diese Dinge dasselbe tun. Ich weiß, dass das alles nur die Versharmonien sein werden . Ich kann einen Track-Stack mit Vocal-Harmonys erstellen. Das hat nur die schiere Menge an Dingen, die wir durchblättern mussten, reduziert . Es macht die Dinge einfach einfacher und das macht für mich jetzt mehr Sinn. Als Nächstes löschen wir den leeren Sound. In vielen Aufnahmen wie dieser ist es zum Beispiel die Akustikgitarre. Bis hier drüben ist eigentlich kein Ton zu hören. Nochmals, nur um wirklich klar zu machen , wo jedes Instrument rein und raus kommt, lösche ich gerne den ganzen leeren Sound, ohne etwas für den Track zu tun. Wenn Sie ein bisschen Low-End-Rumble oder etwas Seltsames mögen, können Sie das natürlich gerne lassen. Aber ich mochte ja, lösche so viel leeren Sound wie möglich. Das könnte so einfach sein wie kürzen, anziehen und einfach herausfinden, wo es aufhört. Oft gibt es einen einfacheren Weg, dies zu umgehen. Wenn wir den Titel auswählen, wollen wir, dass das Geräusch entfernt wird. Dann zur Logik, gehen wir zu den Funktionen und entfernen die Stille aus dem Audiobereich. Auch hier wird es bei jedem Doyle ein bisschen anders sein , aber es sollte etwas Ähnliches sein. Dann wollen wir nur den Schwellenwert so anpassen , dass wir die Stille entfernen. Nun, damit kann man natürlich ganz gezielt werden. Ich würde jedoch empfehlen, locker wie möglich zu sein, damit Sie nichts von der schönen Resonanz herausschneiden. Ungefähr da ist es in Ordnung, nur grob die Stille zu unterbrechen. Wir drücken auf Okay und du kannst dort sehen , dass es für uns einfach mit dieser Stille [LÄRM] unterbrochen ist. Ich gehe einfach durch und mache dasselbe für jedes Instrument, das Stille enthält, oder wir können die Abkürzung, den Pfeil und x verwenden , zwei einfache, rufen das auf und gehen einfach sehr schnell durch und sortieren das. Ich würde empfehlen, es einzeln zu machen damit Sie sicherstellen können, dass Sie nichts auf Wanted ausschneiden nichts auf Wanted ausschneiden und alles wirklich genau ist. Auch das sieht für mich jetzt viel klarer aus. Darüber hinaus können wir jetzt Crossfades erstellen und Dinge generell ein- und ausblenden. Manche Dinge kommen zum Beispiel etwas plötzlich rein, wie diese Gitarre, wie diese Leadgitarre zum Beispiel, wird offensichtlich ausgeschnitten sodass wir, anstatt plötzlich auf logische Weise zu enden, die Shift-Control-Taste drücken und dann eine Linie ziehen und es wird ein Fade-Out erzeugt. Dafür muss man zum Beispiel etwas früher ausblenden oder sogar etwas früher ausblenden , damit es dort endet. Wir können das einfach zurückschneiden und dann Shift und Control drücken und eine Linie zeichnen und das wird ausgeblendet. Du siehst, dass diese Zeile es zum Erliegen bringen wird und es wird einfach natürlicher verblassen als nur plötzliche Endungen. Wir können das durchgehen und das mit jedem machen, wenn du willst. Hab nicht das Gefühl, dass du jeden einzelnen Track haben musst, sondern einfach irgendeinen kleinen Ausschnitt haben oder einfach einen plötzlichen Knall machen, wenn du ihn einlädst. Das ist zum Beispiel eine kratzige Gitarre, wir einfach ein bisschen machen könnten macht es einfach ein bisschen schöner. Was wir aber auch tun können, ist Crossfade. Falls du mal zwei Takes hast und du versuchst, sie zusammenzufügen und da drüben ist ein seltsames bisschen Crossover, es ist wie ein Pop oder es übergeht einfach nicht ganz natürlich von einem Typ zum anderen, wir können ein Crossfade mit exakt derselben Technik erstellen, also control Shift und wir könnten einfach ein kleines Crossfade und es wird einen nehmen reinlegen und es wird einen nehmen und runter, während die anderen hochkommen. Sie werden sich sehr nett treffen. Gib einfach ein sehr natürliches Geräusch ab. Um es uns noch einfacher zu machen, können Sie oft einfach ein Standard-Crossfade anwenden. Wenn Sie zum Track gehen, möchten Sie Ihre Crossfades einfügen, indem Sie zu den Funktionen gehen und dann die Standard-Crossfade anwenden. Dadurch werden alle Crossfades dort angewendet, wo sie benötigt werden. Als Nächstes können wir einige Abschnitte am Anfang unseres Tracks erstellen, sodass wir ganz einfach wissen können, wo die Strophe und der Refrain und die Brücken sind. Ist sehr optional, aber auch hier hilft es Ihnen, einfach herumzuhüpfen und beschleunigt die Dinge. Logik angeht, wir wollten die globalen Tracks hier zeigen und dann kannst du diese Arrangement-Markierung sehen, damit wir auf hier zeigen und dann kannst du diese Arrangement-Markierung sehen, damit wir Plus klicken und du kannst sagen, dass es einen Markt für ein Intro für uns hinzufügt damit wir wissen, dass das Intro ungefähr dort endet. Wir können es einfach ausdehnen und dann erneut auf Plus drücken und es wird standardmäßig eine Strophe angezeigt. Wir können einfach so weitermachen und sie umbenennen , so dass sie passen, was auch immer passt. Es ist wie ein Versabschnitt, den ich für mich hören muss. Wir machen einfach so weiter und es macht es wirklich einfach, auf der Strecke zu springen. Wenn du willst, kannst du diese auch entfernen, sodass wir mit der rechten Maustaste klicken und das Tempo wegnehmen können, die Signaturmarkierung würde das auch loswerden, sodass wir einfach die Summenabschnitte oben dort oben haben können . Wenn ich mir diesen Track so ansehe, wie er ist, ist das für mich viel klarer als der, wo wir am Anfang waren. Es wird einfach viel lustiger und zugänglicher sein , jetzt reinzugehen und Dinge zu optimieren, als nur zwischen wirklich verwirrenden Titelnamen und solchen Dingen zu kämpfen . Das sieht alles wirklich gut aus, aber es gibt noch einen weiteren Schritt, den ich gerne mache, wenn ich mich auf einen Mix vorbereite , und das ist das Importieren eines Referenztracks. Ein Referenztrack wird sehr hilfreich sein , wenn wir den Mixprozess beenden. Es ist sehr einfach, wenn man immer wieder anzieht , um sich an den Sound zu gewöhnen, den man gemacht hat. Wenn wir nicht wirklich hin und her mit einem Song vergleichen, der ein Industriestandard ist, ist es ziemlich schwierig, auf dem richtigen Weg zu bleiben und sich bewusst zu sein, was Sie anstreben. Denke darüber nach, welches Genre oder welchen Stil du replizieren oder auf den du hinarbeiten willst und es ist oft hilfreich ein paar Tracks wie zwei oder drei zu nehmen, aber für heute schnappe ich mir einfach einen. Ich entscheide mich für einen Bon Iver, Phoebe Bridges Style mit diesem Track, und einer der Songs , die mich beim Schreiben dieses Songs wirklich inspiriert haben, war Blood Bank von Bon Iver. Ich habe den Referenztrack heruntergeladen und ziehe ihn einfach hier nach unten. Bewege es natürlich vom Track weg, damit es nicht abstürzt, sondern nur so, dass du rüberspringen und, nachdem du es gehört hast, zu deinem zurückkehren kannst . Denken Sie jedoch daran, dass Ihr Referenz-Track oft bis zur höchsten Lautstärke gemastert wird , die er erreichen kann Seien Sie also immer ausgewogen und die Lautstärke der Referenzspur entspricht der Spur, an der Sie gerade arbeiten. Sie sich nicht zu viele Gedanken darüber, sofort die gleiche Lautstärke zu erreichen. Das ist es, worum es beim Mastering geht, aber ein Referenztrack wird im Laufe der Zeit sehr wichtig sein . Lass uns ihre Spuren von dir löschen und wenn du bereit bist, lass uns mit der nächsten Lektion beginnen. Wir sehen uns dort. 6. Gain Staging: Hallo zusammen, willkommen zurück. In der nächsten Lektion werden wir über Gain Staging sprechen. Aber bevor wir uns damit befassen, was ist überhaupt Gewinn? Du siehst Gewinne, den Prozess, absolut überfallen zu werden, so wie ich. Nein, ich scherze nur. Verstärkung ist im Wesentlichen der Pegel der Toneingabe. Heutzutage wird es sehr oft mit der Lautstärke verwechselt, sich um die Ausgabe des Sounds handelt. Nun, sie scheinen sich sehr ähnlich zu sein, aber Lautstärke und Verstärkung sind eigentlich zwei verschiedene Dinge. Ich stelle es mir gerne wie eine Gitarre vor. Wenn Sie eine Gitarre an den Verstärker anschließen, haben Sie einen Gain-Regler, und wenn Sie diese Verstärkung ganz nach oben drehen, erhalten Sie eine verzerrt klingende Gitarre. Sie passen den Eingangspegel so an , dass er übersteuert wird. Sie können jedoch mit einem Lautstärkeregler steuern , wie laut die Gitarre immer noch ist. Sie können eine verzerrt klingende Gitarre bei niedriger Lautstärke erzeugen . zwar nicht viele rockig scheinen zwar nicht viele rockig verzerrte Gitarristen zu tun, aber so stelle ich mir das gerne vor. Lautstärke steuert die Lautstärke, wohingegen die Verstärkung den Ton und den Eingang des Kanals steuert . In geht Gain, Out goes Volume, falls das Sinn macht. Was ist vor diesem Hintergrund Gain Staging? Gain Staging stellt das Gain-Balance für jedes der Instrumente in unserem Track korrekt das Gain-Balance ein. Das ist entweder eine Anpassung der Verstärkung nach oben oder nach unten. sodass ein bestimmter Sweetspot erreicht wird, wodurch Rauschen und Verzerrungen minimiert werden. Es stellt aber auch sicher, dass Sie aus dieser Aufnahme den bestmöglichen Sound herausholen. Es ist auch wirklich nett, denn wenn wir all unseren Tracks den gleichen Sweetspot geben, bedeutet das, dass alle unsere Instrumente auf dem gleichen Pegel sitzen, also ist es viel netter und schneller wenn es darum geht, die Lautstärke zu mischen und anzupassen. Es ist wirklich wichtig, diesen Schritt zu machen, bevor wir Mischen beginnen, wie etwa Kompression oder EQ oder so, zuerst das Gain-Staging erledigen und wir haben eine wirklich gute Grundlage, von der aus wir arbeiten können. Bevor wir mit der Anpassung der Verstärkung der einzelnen Spuren beginnen, möchten wir sicherstellen, dass alle Lautstärken auf Null dB eingestellt sind. Wie Sie hier sehen können, wollen wir nur sicherstellen, dass die Zahl auf Null steht, oder wenn wir von hier oben arbeiten, wollen wir sicherstellen, dass sie bei Null dB alle neutral sind. Wir wollen auch sicherstellen, dass keines der Instrumente schwenkbar ist, also dieses Zifferblatt hier, das wir für das Schwenken verwenden, dazu kommen wir später. Aber ja, wir werden nur sicherstellen, dass alles zentral ist und alles auf dem gleichen Niveau ist. Was die Logik angeht, um die Verstärkung einer beliebigen Spur einzustellen, klicken wir einfach auf die Spur, wir wollen die Verstärkung einschalten, drücken diese kleine i-Taste und hier siehst du, dass es eine Option zum Anpassen der Verstärkung gibt. Oder wenn Sie möchten, können Sie in den Mixing-Bereich gehen und wir können hier eine Gain-Einheit hinzufügen, wenn wir sie in einer Plugin-Form verwenden möchten. Aber ich benutze es sehr gerne auf dieser Reise, also werde ich das heute tun. Um die Stufe zu erhöhen, müssen wir die Verstärkung so einstellen , dass das Audio einen bestimmten Audio-Sweetspot erreicht. Jetzt können wir diesen Sweet Spot auf zwei verschiedene Arten finden. Am besten verwenden Sie ein sogenanntes DBVu-Messgerät. Ich hinterlasse in der Beschreibung einen kostenlosen Download-Link dazu. Oder Sie können den Lautstärkeregler Ihrer DAW verwenden, um eine Vorstellung davon zu bekommen , wo sich die Lautstärke befindet , und es stattdessen so machen. Hi, ich bearbeite. Ich werde nur hier und da vorbeischauen , um dem, was ich sage , etwas mehr Kontext hinzuzufügen. Nur um etwas mehr über Dezibel und dBFs und solche Dinge zu erfahren. dBFS und dBVu sind nur verschiedene Arten der Volumenmessung. DBFS ist die digitale moderne Version. DBVU ist eher eine analoge Methode der alten Schule zur Volumenmessung. Da sie auf unterschiedlichen Systemen basieren, funktionieren sie ein bisschen anders. Aber alles, was Sie wirklich wissen müssen, ist, dass es nur eine Methode ist, eine Lautstärke zu messen, und die analoge Methode der alten Schule, dBVu, ist eher der Goldstandard, den man anstreben sollte der Goldstandard, den man anstreben wenn man Dinge wie Gain Staging anstrebt. Aber wenn wir mit modernen DAWs arbeiten, werden wir fast ausschließlich in Dezibel oder dBFS arbeiten. Es ist auch erwähnenswert, dass, wenn wir über Null Dezibel gehen, das Signal Spitzenwerte erreicht, was oft zu Verzerrungen und einfach zu unangenehmen Geräuschen führt . Wir wollen fast nie über Null Dezibel steigen. Wenn ich z. B. diese Gitarre spiele kannst du dort die Lautstärkemessung sehen. Dies ist ein Messwert in Dezibel oder dBFS. Ein bisschen technisch, aber im Wesentlichen schauen wir uns hier die Zahlen und Messwerte auf dem Füllstandsmesser an. Der genaueste Weg um zu diesem Audio-Sweetspot zu gelangen, ist, wie gesagt, ein dBVU-Messgerät zu verwenden. Wir können das kostenlos online herunterladen. Wenigstens sind sie im Moment frei. Sie sehen ein bisschen so aus. Was wir anstreben, ist, den Ton auf Null dBvu zu bringen . Nochmals, wenn ich diese Gitarre spiele, können wir sehen, dass es tatsächlich ziemlich nah dran ist. Aber wenn wir das anpassen wollen, können wir einfach auf die Gitarre klicken und zum Gain gehen. Wir wollen nur ein bisschen nach oben gehen , damit es diese Null erreicht. Auf ein bisschen mehr. Offensichtlich wird jedes Instrument die Lautstärke erhöhen und verringern. Das liegt in der Natur jedes Instruments. Was wir hier wirklich anstreben, ist, es so nah wie möglich an diesen Null-DBvu zu bringen . Wenn es ein bisschen übergeht, ist das okay. Ich neige dazu, es gerne unter Null zu halten, wenn ich kann. Aber das kommt mir ziemlich nahe. Ich musste dort nur eine kleine Anpassung bei 1,6 Dezibel vornehmen. Das ist alles, was wir tun, ist, jede Spur durchzugehen und die Verstärkung so einzustellen , dass sie so nah wie möglich an diesem Null-DBvu liegt. Nun, wenn Sie das wirklich nicht in die Hände bekommen können oder Sie nur in einer Notlage sind, sagen viele Leute auch, dass Sie minus 18 dBFS anstreben sollen, was wir an unserem Lautstärkemesser sehen können. Ich finde, dass wir die meiste Zeit versuchen, das Gleichgewicht zu finden , das bei etwa minus 18 und unser Höhepunkt bei minus zehn ist. Das ist in der Regel ein ähnlicher Bereich wie dieser Null-DBVu. Wenn wir hier einen Blick darauf werfen, schauen wir uns diesmal stattdessen unseren Volumenmesser an. Wir können sehen, dass wir um 18 Uhr sehen, ein bisschen mehr Muskelmasse, um die 10, was ungefähr hier ist. Das ist für mich ein ziemlich gutes Niveau . Behalte das im Hinterkopf. Wir streben etwa Null dBVU an oder erreichen einen Spitzenwert von minus 10 dBFS. Ich wähle hier alle unsere Tracks aus und rufe das DBVu-Messgerät für alle auf. Einfach so. Ich werde es einfach eins nach dem anderen durchgehen und das Spiel so anpassen , dass es ungefähr Null dBVU erreicht. Während wir das tun, wollen wir den lautesten Teil des Tracks wiederholen, auf den wir uns konzentrieren können. Du kannst hier mit dem Bass sehen, wir gehen weit rüber. Wir wollen dieses Spiel beenden. Nun wird natürlich jedes Instrument ein bisschen anders sein. Bei Instrumenten mit viel Dynamik, insbesondere Schlagzeug, bei dem plötzlich druckvolle Sounds zu hören sind, müssen wir die Bühne etwas anders gestalten. Zum Beispiel erreicht dieses Recht nicht ganz den Null-DBVu. Wir würden darüber nachdenken, es aufzunehmen, aber wenn wir auf unseren Pegelmesser schauen, nehmen wir das Signal auf, was bedeutet, dass wir Verzerrungen bekommen und es wird einfach nicht sehr gut klingen. Es wird auch mit allem anderen sehr unausgewogen klingen . Wir können nicht zulassen, dass es seinen Höhepunkt erreicht, was bedeutet, dass wir es herunterfahren müssen und das ist in Ordnung. Nicht jedes Instrument wird in der Lage sein , diesen digitalen Sweetspot auf diesem VU-Meter zu erreichen . In einem Fall wie diesem werde ich noch einmal auf die Füllstandsanzeige schauen und versuchen, sie bei minus 18 stehen zu lassen und stattdessen den Höhepunkt bei 10 zu erreichen. Aber auch hier, wenn wir es so nah wie möglich an Null dBvu bringen können , ist das auch großartig. [LÄRM] Das ist gut, es ist ungefähr 18 Uhr dort und sie erreichen ihren Höhepunkt um etwa minus 10. Ich bin cool. Leider kann ich diesen Sweet Spot nicht kennenlernen, aber das ist absolut in Ordnung. Tritt da ziemlich gut rein. Da sitzt auch eine Orgel herum, was gut ist. Für jedes einzelne Instrument, wie diese Gitarre, ist es nur ein bisschen schwierig, genau zu bestimmen, wo es sich befindet. Ich schaue nur ständig zwischen meinem Pegelmesser und meinem DBVu-Meter, ich versuche, es einfach so nah wie möglich einzuwählen. Aber vieles davon ist wie eine sanfte Wissenschaft. Es muss nicht exakt sein. Wir suchen nur nach einem guten Baseball-Niveau. Die meisten Tracks wurden dort also ins Stocken gebracht. Nun, wir müssen nur diese Gesangsharmonien machen , aber was wir tun können, ist etwas ziemlich Cooles, um ein bisschen Zeit für Instrumente zu sparen , die einem nicht zu sehr ins Gesicht fallen, Dinge wie Hintergrundgeräusche oder Harmonien, besonders solche wie diese, die nur ein oder zwei Zeilen gewinnen, eine Inszenierung, die nicht ganz so wichtig ist. Was wir tun können, ist eine sogenannte Audionormalisierung. Dadurch wird die Verstärkung im Wesentlichen an jede Region angepasst , sodass ein bestimmter Höhepunkt erreicht wird. Wenn wir alles auswählen, was wir anpassen möchten, gehen Sie zu den Funktionen und wenden Sie hier die Option Normalize Region Gain an. Dann können wir wählen, ob wir einzelne Tracks oder einzelne Regionen haben wollen , wir entscheiden uns für Regionen, weil wir Liebesregionen ausgewählt haben , und dann, wie wir bereits sagten, streben wir einen Spitzenwert von minus 10 an, [LACHEN] wenn das ein Wort ist. Also können wir hier minus 10 eingeben und auf Anwenden klicken und dann werden all diese kleinen Regionen auf etwa minus 10 erhöht. Siehst du, sie wurden dort alle auf ein ziemlich gutes Niveau gebracht . Was wir jetzt tun können, ist wieder mit einem Messgerät reinzugehen und einfach zu sehen, wie das läuft. Wir können also sagen, dass das viel zu laut ist. Wir können diesen exakten Vorgang also einfach noch einmal durchführen, ihn aber ein wenig reduzieren. Vielleicht gehen wir zu Minus, sagen wir stattdessen minus 16. Versuchen wir es stattdessen mit minus 13. Das ist ein Bärengleichgewicht. Wir können also mit dieser Funktion für die normalisierte Verstärkung eher im Hintergrund, bei den Instrumenten oder wie einem großen Schlagzeug mit einer Menge verschiedener Sounds herumspielen dieser Funktion für die normalisierte Verstärkung eher im Hintergrund, den Instrumenten oder wie . Klingt ein bisschen nach Zeit. Auch hier ist es in Ordnung, um unser Audio in diesen Sweet Spot zu bringen . Nun stellt sich oft die Frage: Müssen alle Instrumente Gain Stage sein? Nun, nicht wirklich, aber es ist eine Überlegung wert. Was ich damit meine ist, dass du auf jeden Fall Bühnentracks im Vorfeld und sehr präsent aufnehmen willst , wie Gitarren, Vocals, Bässe, aber Instrumente wie einen kleinen Shaker oder ein Tamburin oder irgendwelche Umgebungsgeräusche im Hintergrund, solche Sachen. Mach dir nicht zu viele Gedanken darüber, aber das richtige Level zu erreichen, wird nur bedeuten, dass es schwierig sein wird alles schön und einfach zu kombinieren. Solange Sie im richtigen Stadion sind, ist das völlig in Ordnung. Solltest du Stage Midi spielen? In gewisser Weise ja. Zum Beispiel haben wir die Saiten das Amidi. Nun, weil Amidi genau so ist wie Audioinformationen nicht wie eine Aufnahme sind, , wie Audioinformationen nicht wie eine Aufnahme sind, haben sie nicht gerade die gleiche Verstärkung, aber wir können oft in die Plug-ins gehen, wie wir sie hier haben , und sie sind oft wie ein Lautstärkeregler oder eine Art, den Ausgang einzustellen. Wir können das in den Sweetspot bringen , damit es gut den anderen Instrumenten passt, oder falls Sie nicht über einen Lautstärkeregler verfügen, können Sie ein Gain-Plug-In hinzufügen, können Sie ein Gain-Plug-In hinzufügen das wir zuvor gesehen haben, also einfach Utility-Gain hinzufügen, das zu den Effekten und Sie können die Verstärkung von dort aus anpassen. Jetzt können Sie vielleicht hören, dass die Dinge jetzt in einem etwas besseren Gleichgewicht sind , indem Sie einfach diese Verstärkungen anpassen, alles befindet sich einfach auf einem schönen Niveau und Sie können die meisten Dinge hören. Indem wir diese Grundlage für uns selbst schaffen, ist es so einfach, kleine Änderungen vorzunehmen und die gewünschte Mischung zu balancieren. Es schafft einfach eine perfekte Grundlage für die Arbeit und bedeutet, dass wir das Beste aus all unseren Aufnahmen und all unseren Instrumenten herausholen . Als Nächstes werden wir an der Balance und den Volumina arbeiten . Außerdem sehen wir uns in der nächsten Lektion. 7. Volumenausgleich: Als Nächstes werden wir am Volumenausgleich arbeiten. Das ist genau das , wonach es klingt. Wir werden einfach mit der Lautstärke herumspielen und sicherstellen, dass alles auf einem guten Niveau ist . Wir können alles deutlich hören und sind mit der Balance der Strecke zufrieden. Hier wird sich unser Referenztrack auch als sehr nützlich erweisen, da wir einfach die Bände vergleichen können und wo alles mit einer Referenz steht da wir einfach die Bände vergleichen können und . Lassen Sie uns das noch einmal in Schritte unterteilen, damit es wirklich leicht zu verstehen ist. Der erste Schritt besteht darin, den lautesten Teil des Tracks zu wiederholen. Dann wählen wir jedes unserer Instrumente aus. All dies, und wir werden alle Lautstärkeregler auf Null herunterdrehen , sodass Sie alles hören können. Jetzt wählen wir unser wichtigstes Instrument aus. Das ist normalerweise der Gesang, aber je nachdem, in welchem Stil Sie arbeiten, kann es natürlich anders sein. Möglicherweise arbeiten Sie in Lo-Fi, das keinen Gesang hat In diesem Fall haben Sie möglicherweise eine wirklich starke Melodie. Wir werden den Hauptsound in unserem Song auswählen , der der Gesang für diesen Track sein wird. Wir bringen es so, dass es bei etwa minus -5 dB liegt. Sehen Sie, die lautesten Klimazonen der Vergangenheit waren -6 oder -5 Kreisverkehre, das ist in Ordnung. Dann suchen wir uns das zweitwichtigste Instrument und bringen es so , dass es gut zu diesen Vocals passt. Ich denke, für mich ist es wahrscheinlich die Leadgitarre. Es wird das zweitwichtigste sein. Das ist hier. Dann machen wir einfach so weiter, wählen das nächstwichtigste Instrument und das zweitwichtigste Instrument und mischen es einfach in die Instrumente , die bereits vorhanden sind. Nach dieser Leadgitarre kommt für mich wahrscheinlich die Rhythmusgitarre. Als nächstes kommt die Basis. Wir gehen einfach jeden dieser Tracks durch und mischen sie einfach nacheinander ein. Es versteht sich von selbst, dass Sie natürlich zu jedem Instrument zurückkehren können. Du wirst das für den ganzen Track optimieren, da bin ich mir sicher. Aber wir wollen es einfach so nah wie möglich angehen und hier eine wirklich gute Menge Zeit aussetzen. Hören Sie sich einfach den gleichen Abschnitt und kommen Sie diesen Bänden so nahe wie möglich. Es ist erwähnenswert, dass, wenn du den Song von Anfang bis Ende spielst , es einige Stellen am Anfang oder am Ende gibt , die vielleicht nicht ganz richtig klingen, aber das werden wir etwas später korrigieren. Aber vorerst wollen wir nur, der lauteste Teil des Songs gut und ausgewogen klingt , und wir werden etwas später zum Rest des Sommers kommen . Stellen Sie sicher, dass Sie auch eine Pause einlegen. Ich gebe dir eine Gehaltserhöhung und ruh dich aus. Trink eine Tasse Tee oder mach einfach etwas anderes und komme dann etwa eine halbe Stunde später mit etwas frischerem Eis darauf zurück etwa eine halbe Stunde später mit etwas frischerem Eis darauf . Springe auch immer wieder zwischen deinen Referenztracks hin und her. Ich kann hier lösen, dass ich glaube, dass ich ein bisschen mehr von der Hauptgitarre brauche . Auch ein bisschen mehr Kick. Ich denke, ich bin ziemlich zufrieden mit der Balance dort. Es ist ein bisschen einschüchternd, währenddessen filmen zu wollen , aber ich finde, das klingt okay. Damit bin ich vorerst zufrieden. Ich werde wahrscheinlich in etwa einer halben Stunde anders denken [LACHEN] , aber das ist vorerst cool. Wenn wir diesen Song von Anfang bis Ende spielen, wirst du wahrscheinlich denken, dass die Dinge in bestimmten Abschnitten etwas unausgewogen klingen . Das ist völlig in Ordnung. Das ist normal. Wir werden das etwas später mit etwas namens Automatisierung beheben. Manche Leute möchten in dieser Phase vielleicht ein bisschen automatisieren, was total cool ist. Aber für mich werde ich es etwas später machen, nur weil ich weiß, dass durch EQing und Komprimieren Dinge ein bisschen anders klingen können. Aber als nächstes werden wir über Busse sprechen. Darüber werde ich dir in der nächsten Lektion mehr erzählen . Danke, Leute. 8. Busse: Hallo Leute, willkommen zurück. In der nächsten Lektion werden wir über Busse sprechen. Busse haben mich am längsten verwirrt, aber es ist eigentlich super einfach. Das alte Sprichwort lautet ein bisschen so. Stellen Sie sich vor, Sie möchten eine Gruppe von Kindern zur Schule bringen. Der einfachste Weg, all diese Kinder an den gleichen Ort zu bringen , besteht darin, sie in einen Bus zu dem Ort zu schicken , und genau so ist es , Audiobusse zu verwenden. Nehmen wir an, wir haben ein Schlagzeug mit vielen verschiedenen Mikrofonen und Drums, und wir alle wollen sie Hall haben, wir wollen sie auf einen Hall schicken. Anstatt sie einzeln zu versenden, können wir sie alle gleichzeitig versenden. Warum machen wir das? Zuallererst spart es eine Menge Zeit. Anstatt auf jede einzelne Spur Hall anzuwenden, können wir einfach einen Hall erstellen, der uns gefällt, und dann eine Menge verschiedener Instrumente auf denselben Hall schicken . Es macht die Dinge in jeder Hinsicht so viel schneller und einfacher und reduziert auch den Stromverbrauch, den Ihr Computer benötigt, damit alles funktioniert, erheblich . Da wir damit den gleichen Effekt auch auf eine Gruppe von Instrumenten anwenden können , hilft es auch, ihn zusammenzukleben, wie zum Beispiel Reverb. Anstatt dass jeder Hall ein bisschen anders ist, wenn wir viele unserer Tracks an denselben Hall-Bus senden können , klingt es so, als würden sie im selben Raum gespielt , und das verbindet sie gut miteinander. Und wenn Sie den Hall später wieder anpassen möchten , anstatt in jede einzelne Spur gehen und ihn anpassen zu müssen , können wir einfach den Halle-Bus anpassen, den wir für uns selbst festgelegt haben , und wir können das mit beliebigen Effekten wie Reverb, Delay, Kompression, EQ tun mit beliebigen Effekten wie Reverb, . Manchmal ist es schön , ein ganzes Schlagzeug zusammen und nicht einzeln zu EQ zu machen. Auch hier hilft es, es zusammenzukleben. Wir müssen jetzt nicht unbedingt alle unsere Busse einrichten, aber wenn wir zu dem Abschnitt kommen, in dem wir über Dinge wie Effekte und Kompressionshall sprechen , denken Sie daran, dass Sie diese Effekte an einen Bus anschließen können , um sich das Leben ein bisschen zu erleichtern. Lassen Sie uns vorerst einfach lernen, wie wir selbst einen Bus einrichten können . Nehmen wir zum Beispiel diese Leadstimme. Nehmen wir an, wir möchten das an einen Hall-Bus senden , anstatt einen Hall auf diesen Track zu legen. Wir können zu diesem kleinen Abschnitt hier kommen und auswählen, an welchen Bus wir ihn schicken möchten. All das werden nur leere, leere Kanäle sein. Wir können zu Bus 5 fahren und Sie können hier auf Aux 4 sehen, das hat einen neuen Bus für uns geschaffen, also das ist Bus 5 hier. Wir können das unten umbenennen, Reverb und das ist jetzt unser Hall-Bus. Auf dem Reverb-Bus werde ich ein Reverb-Plug-In einbauen. An dieser Stelle können wir den Hall nach Belieben einrichten. Wir werden später noch etwas näher darauf eingehen, aber wir können wählen, wie viel von diesem Effekt wir unserem Track hinzufügen möchten. Mit Blick auf die Leadstimme können wir dieses Einstellrad verwenden, um zu ändern, wie viel Signal an diesen Bus gesendet wird, was bedeutet, dass wir immer noch festlegen können wie viel Hall oder wie viel Effekt wir auf den einzelnen Kanälen haben möchten. Wir haben diesen Hall durch Bus 5, und ich kann diesen Bus ganz nach oben drehen, wenn du viel Hall willst und ihn runterdrehen und wir haben dort einen schönen Hallsound. Nehmen wir an, wir wollten dem gleichen Hall Gesangsharmonien hinzufügen. Wir müssen nur diesen Track auswählen und ihn erneut auf Bus 5-Reverb umschalten, und wir können sie zusammen abspielen und wir können genau dasselbe tun , sodass wir einfach einstellen können , wie viel Hall wir im Backend haben wollen. Sie gehen beide auf den gleichen Hall, wir müssen den Hallkanal nicht zweimal festlegen und mit all den Einstellungen herumspielen, wir können einfach einen Hallsound bekommen, den wir mögen, und dann anpassen, wie viel des Signals in diesen Effekt fließt. Wir können die Intensität des Busses auch mit dem Schieberegler einstellen . Das ist alles Bussing, es ist einfach, verschiedene Instrumente durch einen Effekt zu schicken , macht die Sache für uns viel einfacher und schafft eine schöne Kohäsion zwischen den Tracks und wir sehen uns in der nächsten Lektion. Danke Leute. 9. Datenkompression: Hallo Freunde. Willkommen zurück. In der nächsten Lektion werden wir über Komprimierung sprechen. Komprimierung ist eine der wichtigsten Komponenten des Mixens, daher ist es wirklich wichtig, sie zu verstehen und zu lernen. Aber bevor wir anfangen, über Komprimierung zu sprechen, müssen wir etwas verstehen, das als Dynamikbereich bezeichnet wird. Was ist Dynamikbereich? Im Wesentlichen ist es nur der Unterschied zwischen dem lautesten und dem leisesten Teil einer Aufnahme Nehmen wir also das Beispiel der Aufnahme eines Sängers. Wenn du nun zum Beispiel Gesang aufnimmst, sind das natürlich Beispiel Gesang aufnimmst, Teile, die lauter sind als andere. Der Interpret bewegt sich vielleicht näher ans Mikrofon, schreit vielleicht einfach [NOISE] oder flüstert [NOISE], und das erzeugt bestimmte laute und bestimmte leise Passagen in der Aufnahme, was sich hervorragend für die Aufführung eignet, sie lebendig macht und sie sich menschlich anfühlt. Dies führt jedoch zu Problemen beim Mischen, denn wenn wir versuchen die Lautstärke auf die lauteren Teile auszubalancieren, werden die leiseren Teile ziemlich schwach und etwas zu weit entfernt singen , aber wenn wir die Lautstärke der leiseren Teile ausgeglichen haben, werden die lauten Teile viel zu laut sein. Hier kommt die Komprimierung ins Spiel. Durch die Komprimierung werden im Wesentlichen die lauteren Teile einer Aufnahme heruntergedrückt, sodass die gesamte Aufnahme konsistenter ist. Wir können steuern, wie dieser Kompressor funktioniert, sodass wir im Wesentlichen den Dynamikbereich einer Aufnahme kontrollieren können , einer konsistenteren Lautstärke führt, und viele Leute sagen, dass dies einem Track Präsenz und Punch verleiht . Aber wir müssen vorsichtig sein, denn wenn wir ein Signal zu stark komprimieren, kann es bei einer Aufführung oft einfach absterben und es klingt ziemlich flach, anorganisch und ziemlich verarbeitet. Das ist es, was die Komprimierung bewirkt, sie sorgt nur für einen konsistenteren Lautstärkepegel für jede Aufnahme. Höre dir diese Vocals vor und nach der Komprimierung an und stelle fest, wie die unkomprimierten Vocals von sich aus unsicher und ziemlich unselbstbewusst klingen. Hoffentlich können Sie hören, dass die komprimierte Stimme insgesamt viel selbstbewusster und konsistenter und stärker klingt . Aber wie verwenden wir Komprimierung? Jeder Kompressor besteht aus verschiedenen Zifferblattelementen. Der erste ist der Schwellenwert. Wir legen den Schwellenwert dem die Komprimierung beginnen soll. Wenn wir das als Beispiel verwenden, haben wir hier unser Audiosignal und wir möchten die lautesten Teile davon komprimieren, sodass Sie sich nur auf dieses lauteste Audiosignal konzentrieren sollten. Wir legen den Schwellenwert fest, an dem die Komprimierung beginnen soll Wenn wir also den Schwellenwert hier festlegen , wird alles, was darüber liegt, davon betroffen sein. Je niedriger wir diesen Schwellenwert setzen, desto mehr Signal wird komprimiert. Wir könnten den Schwellenwert hier nach unten setzen, aber das würde eine sehr intensive Komprimierung bedeuten, also wollen wir es auf ein Niveau bringen, das gut und organisch klingt, Idealfall gut und organisch klingt, es sei denn, du willst verrückte komprimierte Drums oder so. Als nächstes haben wir das Verhältnis. Das Verhältnis bestimmt, wie stark die Komprimierung über dem Schwellenwert stattfindet. Wenn wir alles über diesem Schwellenwert komprimieren, klingt das etwas flach und organisch. Deshalb passen wir das Verhältnis an, um zu bestimmen wie viel Komprimierung über diesem Schwellenwert stattfindet . Ich stelle es mir ein bisschen wie einen Filter vor, der über dem Schwellenwert sitzt, und wir können entweder diesen Filter öffnen und einen Teil des Signals durchlassen, es klingt auf und wir können entweder diesen Filter öffnen und einen Teil des Signals durchlassen, diese Weise etwas natürlicher und organischer, oder wir können den Filter wirklich schließen und das Verhältnis erhöhen, um eine viel intensivere Art der Komprimierung zu erreichen. Je höher das Verhältnis, desto mehr Komprimierung, desto niedriger das Verhältnis, desto weniger Komprimierung. Hier sind einige wirklich einfache Meilensteine für Kennzahlen , um Ihnen eine klarere Vorstellung zu geben. Als nächstes haben wir einen Angriff. Attack ist die Zeit, die der Kompressor benötigt , um zu arbeiten. Eine schnellere Attack-Zeit ergibt einen dichten und straffen Sound, wohingegen ein langsamerer Attack-Sound eher druckvoll und organisch klingt. Normalerweise sind langsamere Angriffszeiten angenehmer zu hören. Wie Sie auf diesem Display sehen können, mit einer schnellen Angriffszeit , sobald das Signal den Schwellenwert überschreitet kommt der Kompressor mit einer schnellen Angriffszeit direkt an, sobald das Signal den Schwellenwert überschreitet, gräbt den Kompressor sofort in das Signal ein. Bei einer langsamen Angriffszeit beginnt der Kompressor zu arbeiten, sobald das Signal den Schwellenwert erreicht , aber es ist ein viel langsamerer Abfall, wie Sie hier sehen können, und bei einer langsameren Angriffszeit bedeutet das, dass ein Teil des anfänglichen Signals einfach ein bisschen mehr durchschlägt, sodass bestimmte Leitungen eine gute Wirkung haben werden, also machen sie ein bisschen druckvoller, weil sie gerade erst den Anfang der Komprimierung fangen. Am anderen Ende befindet sich die Veröffentlichung. Wenn der Angriff den Kompressor aktiviert, der Auslöser den Kompressor frei. Das ist also die Zeit, die der Kompressor benötigt , um die Kompression loszulassen. Schnelle Auslösezeiten klingen in der Regel natürlicher und die Leute tendieren dazu, eher zu diesen schnellen Auslösezeiten zu tendieren. Sie können hier also sehen, dass, sobald das Signal wieder unter den Schwellenwert fällt, das Kompressorzeichen dafür ist, dass es nicht mehr funktioniert. Die Reliefs bestimmen, wie schnell der Kompressor von funktionstüchtig zu ausgefallen ist. Sie können hier sehen, dass bei einem langsamen Loslassen der Kompressor langsam wieder herauskommt, aber bei einem schnellen Loslassen geht der Ton sofort wieder auf seinen normalen Pegel zurück , sobald das Signal den Schwellenwert unterschreitet . Als nächstes haben wir das Knie. Das Knie ist der Übergang zwischen der vollständigen Reduzierung des Signals durch den Kompressor zu keiner Reduzierung des Signals, aber für Laien betrachte ich es im Wesentlichen als die Aggressivität des Kompressors. Ein höheres Knie führt zu einer subtileren Kompression, wohingegen ein unteres Knie etwas stärker in Ihrem Gesicht liegt und aggressiv ist. Aber es ist ziemlich subtil, also mach dir darüber keine allzu großen Sorgen. Aber nochmal, nur um dir eine ungefähre Vorstellung zu geben, du kannst hier ein weiches Knie sehen, genau wie Bens die Kompression und macht es einfach subtiler und weicher, wohingegen ein hartes Knie einfach viel direkter und schärfer sein wird . Schließlich haben wir Make-up-Gain. Wenn wir Kompression verwenden, machen wir das Signal leiser, weil wir diese lauteren Teile herunterfahren. Wir verwenden die Make-up-Verstärkung, um den Signalverlust neu einzustellen, also bringen wir ihn einfach wieder auf ein Niveau, mit dem wir zufrieden sind. Außerdem haben Sie in den meisten Kompressoren einen gemischten Stil, und das ist im Wesentlichen nur der Unterschied zwischen dem getrockneten, unkomprimierten Signal und dem nassen, komprimierten Signal. Sie können es einfach einschalten, wenn Sie einem Kompressor die Leistung abnehmen möchten einem Kompressor die Leistung abnehmen möchten Erwähnenswert ist auch die Verstärkungsreduzierung. Kompression wird als Verstärkungsreduzierung gemessen , weil sie das Signal herunterdrückt und leiser macht, wodurch die Verstärkung reduziert Wenn Sie sich jemals einen Kompressor ansehen, wird. Wenn Sie sich jemals einen Kompressor ansehen, sehen Sie ein Zifferblatt oder eine Grafik, und das ist, was anzeigt wie viel Verstärkungsreduzierung stattfindet. Aus diesen Messwerten erhalten wir eine sehr klare Vorstellung davon , wie stark das Signal komprimiert wird. Da steht ziemlich viel auf dem Spiel, nicht wahr? Sie können diese Lektion so oft wiederholen, wie Sie möchten, aber als Nächstes werden wir uns damit befassen, wie wir die Komprimierung im Audio selbst verwenden die Komprimierung im Audio . Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 10. Kompression verwenden: Hallo Leute, willkommen zurück. In der nächsten Lektion werden wir das, was wir in der letzten Lektion über Komprimierung gelernt in der letzten Lektion über haben, auf die Aufnahmen anwenden , die wir in unserem Song haben. In diesem Beispiel werde ich Gesang verwenden. Wenn wir uns diesen Vocal-Track anhören , werden Sie feststellen, dass bestimmte Wörter an bestimmten Stellen ein bisschen schwach und unselbstbewusst wirken. Das ist überhaupt nicht die Schuld von Harriet, der Sängerin. Sie ist eine großartige Sängerin, und es ist völlig natürlich, dass jede Sängerin bestimmte Wörter lauter, bestimmte Passagen leiser singt . Das wollen wir. Wir wollen eine echte Gesangsleistung. Aber wir wollen einfach in der Lage sein, diesen Dynamikbereich so zu kontrollieren, dass er nicht zu leise oder zu selbstbewusst klingt . Wenn wir mal reinhören. Hoffentlich kann man da hören, der Anfang ist ziemlich stark. Aber dann klingen diese späteren Teile hier, denen das Gefühl fehlt, denen das Gefühl fehlt, ziemlich untertrieben. Nun, wenn wir solo spielen würden , würde das gut klingen. Aber wenn wir so viele andere Instrumente und andere Sounds haben , können diese lauteren Teile leicht untergehen, weshalb wir Kompression verwenden. Ich gehe rüber zum Gesang und lege einen Kompressor drauf. Hier sehen Sie alle Zifferblätter , über die wir in der letzten Lektion gesprochen haben. Jetzt haben wir das überhaupt nicht angepasst. Dies ist nur die Werkseinstellung. Aber du kannst die Linie dort sehen. Es gräbt sich in das Signal ein und drückt einfach die lauteren Teile nach unten, diese Linie, die gezogen wird , gräbt sich einfach in das Signal ein. Nun, selbst wenn Sie wissen, was all diese Drehregler bewirken, kann es wirklich überwältigend sein diesen Kompressor anzusehen und zu wissen, was Sie tun. Auch hier unterteile ich es gerne in mehrere Schritte, die jedes Mal befolgt werden müssen, und es scheint für mich immer sehr gut zu funktionieren. Zunächst wollen wir nur sicherstellen , dass wir nicht alleine sind. Wir versuchen, die Kompressionen so zu mischen , dass sie mit dem Track funktionieren, nicht dass sie alleine funktionieren. Idealerweise mischen wir, während der Track läuft, aber wir können zwischen den Solos hin- und herspringen , um genau zu hören, was vor sich geht. Außerdem fällt es mir leichter , es zu erklären. Zu Beginn lege ich den Schwellenwert gerne auf etwa drei zu eins fest , damit wir wissen, dass ein gutes Maß an Komprimierung stattfindet. Als Nächstes passe ich den Schwellenwert an, bis ich merke, dass eine gewisse Komprimierung stattfindet. Ich werde die Schwelle auf Null senken. Ich lege es auf das Messgerät und senke den Schwellenwert , bis es anfängt, das Signal zu komprimieren. Eine sanftere und subtilere Komprimierung liegt normalerweise zwischen zwei und vier Dezibel, wohingegen eine stärkere Komprimierung eher bei minus sechs und minus 10 liegt . Aber darüber würde ich mir keine allzu großen Sorgen machen. Jedes Instrument ist so anders, und ich passe einfach den Schwellenwert bis ich sehe, dass eine gewisse Komprimierung stattfindet und es für mich richtig klingt. Sie können sehen, dass wir minus fünf liegen, was meiner Meinung nach ganz nett klingt. Es klingt nicht zu aggressiv, es klingt einfach nett und subtil. Sie werden dort vielleicht keinen großen Unterschied bemerken. Aber wenn du wirklich genau hinhörst, kannst du einfach spüren, dass alles ein bisschen ausgeglichener ist, als dass dieser Dynamikbereich bestimmte Bits leiser macht. Wir können das richtig aggressiv machen, wenn du willst. Wenn ich das Verhältnis richtig hochdrehe, senke ich den Schwellenwert ein wenig. Das ist mit starker Komprimierung, und du kannst es hier hoffentlich irgendwie verarbeitet und ein bisschen flach und irgendwie langweilig klingen . Wir wollen uns anpassen, um das zu vermeiden. Aber in einigen Genres wie Heavy Metal oder komprimiertem Schlagzeug mögen die Leute manchmal ein hart komprimiertes Signal wirklich. Aber bei dieser Stimme möchte ich dieses natürliche Element beibehalten , also werde ich es wieder reduzieren. Schritt drei wäre , den Make-up-Gewinn wieder auf das Niveau zu bringen , den Make-up-Gewinn wieder , das wir zuvor hatten. Wir wollen nur die Make-up-Verstärkung anpassen, den Kompressor ein- und ausschalten und ihn wieder auf den Pegel bringen , auf dem wir ihn zuvor hatten. Um dies noch einfacher zu machen, können wir uns einfach den Grad der Verstärkungsreduzierung in unserem Diagramm ansehen und die Make-up-Verstärkung entsprechend anpassen. Wenn das Messgerät minus fünf Verstärkungsreduzierung anzeigt, können wir den Makeup-Gain auf plus fünf Gain erhöhen, sodass wir ihn wieder auf den Pegel bringen , auf dem er zuvor war. Als Nächstes können wir das Verhältnis so einstellen , dass die Dinge gut und konsistent klingen. Wenn es einen großen Dynamikbereich gibt, sollten Sie das Verhältnis vielleicht etwas erhöhen. Wenn dir bestimmte Linien wirklich auffallen, ist das ein Zeichen dafür, dass du dieses Verhältnis etwas erhöhen musst, damit du es reduzieren kannst. Aber ich schließe gerne einfach meine Augen und drehe diesen Regler auf und ab, bis ich damit einen optimalen Punkt erreicht habe. Vorerst werde ich diese Harmonien wegnehmen. Okay, ich bin mit diesem Verhältnis dort ziemlich zufrieden. Ich habe es nur ein bisschen heruntergefahren , um es ein bisschen subtiler zu machen. Das klingt für mich ziemlich gut. Als Nächstes setzen wir den Angriff ein. Dies ist ein weiterer Fall, bei dem ich einfach gerne meine Augen schließe und das spüre. Wie ich schon in der letzten Lektion sagte, geht es auch hier darum, wie schnell der Kompressor einspringt. Je langsamer wir das einstellen, desto mehr wird das erste Signal durchkommen. Ja, langsamere Angriffszeiten sind in der Regel angenehmer. Wir werden einfach sehen , wie langsam es gehen kann, ohne dass es zu komisch klingt. Hoffentlich kannst du hören, dass die schnellere Angriffszeit irgendwie bissiger klingt. Je langsamer. Ich will es, alles, was du jetzt hattest. Sehen Sie, wie sich der langsamere einfach ein bisschen natürlicher anfühlt. Auch hier ist es wirklich subtil. Du musst wirklich darauf achten. Ich will es, alles was du hattest jetzt ist mir langweilig und mir fehlt das Gefühl. Harriet hatte keine wirklich auffallenden Zeilen in denen sie plötzlich schrie. Wir müssen die Angriffsgeschwindigkeit nicht zu schnell einstellen. Wenn du plötzlich ein Wort schreien siehst und dieser Angriff zu langsam wird, wird er nicht hinzugefügt, um es richtig zu komprimieren aber weil Harriets Gesang hier ziemlich flüssig war können wir ihn ziemlich langsam einstellen und das verursacht kein allzu großes Problem. zu schnelle Angriffszeit zu sagen, kann einer Aufführung sehr oft das Leben rauben oder ein Instrument fühlt sich an, als wäre es weiter weg, aber mit einer langsameren Angriffszeit wird es einfach etwas druckvoller, natürlicher und organischer sein . Aber langsame Angriffszeiten sind nicht die beste Wahl sehr dynamische Instrumente wie ein Schlagzeug oder einen wirklich laut schreienden Sänger, der plötzlich aus dem Nichts schreit, wirklich zu kontrollieren wie ein Schlagzeug oder einen wirklich laut schreienden Sänger, . Ich will es, alles was du hattest jetzt ist mir langweilig und mir fehlt das Gefühl. [unhörbar]. Als Nächstes passen wir das Release an. Wir haben gelernt, dass dies beim Loslassen des Kompressors der Fall ist. Wenn die Veröffentlichung zu schnell ist, klingt es ein bisschen abgehackt, als würde es sehr schnell rauf und runter gehen, aber wenn es zu langsam ist, klingt es einfach ein bisschen zu leise und langweilig und ich fange aber wenn es zu langsam ist, klingt es einfach ein bisschen zu leise und langweilig und ich an, meine Augen zu schließen und das auszufüllen und du wirst hören, wo die Dinge anfangen, ein bisschen komisch zu werden. Dies ist eine sehr langsame Veröffentlichungszeit. Ich will es, alles was du hattest jetzt ist mir langweilig und mir fehlt das Gefühl. Sie können der Grafik dort entnehmen, dass der Kompressor wirklich langsam losgelassen wird Kompressor wirklich langsam losgelassen aber wenn wir diese Release-Zeit viel schneller machen. Ich will es, alles was du hattest jetzt ist mir langweilig und mir fehlt das Gefühl. Sie können sehen, dass es abgehackter klingt, nicht wahr? Wir können das einfach an einem Ort platzieren, der sich natürlich anfühlt. Ich will alles, was du hattest, jetzt ist mir langweilig und mir fehlt das Gefühl. Leuchtend grüner Forester Park Beetle von August bis September. Für mich fühlt es sich mit etwa 30 an. Nun, ich habe vergessen zu sagen, dass wir bei der Anpassung des Releases im Wesentlichen darauf achten, dass der Kompressor zwischen Wörtern oder Tönen loslässt . In diesem Fall der Gesang, wenn du Harriet singend triffst. Ich will es in allem in dieser kleinen Lücke haben, idealerweise wollen wir, dass der Kompressor nicht mehr funktioniert und wieder aktiviert wird, wenn sie wieder anfängt, sie zu singen. Wenn du zuhörst. Ich will es, alles was du hattest. Hoffentlich kannst du dort sehen, sobald sie aufhört zu singen, lässt die Kompression los und die Grafik wird wieder auf Null dB reduziert und das erzeugt einen schönen natürlichen Klang, die Kompression, die fast so ist als würde man mit der Musik atmen. Wir wollen das Release so anpassen , dass es den Kompressor zwischen den Zeilen oder Sounds loslässt , aber am Ende des Tages machen wir, was auch immer richtig klingt. Es ist egal, wen das interessiert. Zu guter Letzt der Name. Nun, das wird wieder sehr subtil sein. Alles, was wir wirklich wissen müssen, ist, dass die Komprimierung umso aggressiver ist, je niedriger diese ist und umgekehrt. Je höher desto weniger aggressiv. Nochmals, lassen Sie uns das einfach mit unseren Ohren ausfüllen . Ich will es, alles, was du jetzt hattest, ist mir langweilig und ich vermisse es. Lass uns noch einmal so schnell ein Vorher und Nachher machen . Niedriges Knie. Ich will es, alles was du hattest. Ich habe dort ein höheres Knie bevorzugt. Ich will es, alles was du hattest. Bring es mit dem Rest des Tracks wieder rein. Ich will es, alles was du hattest jetzt ist mir langweilig und mir fehlt das Gefühl. Das ist unser komprimierter Gesang. Ich werde jetzt ein paar davor und danach machen und hoffentlich hörst du den Unterschied besser. Ich will es, alles was du hattest jetzt ist mir langweilig und mir fehlt das Gefühl. Es macht diese Vocals nur präsenter und sticht ein bisschen mehr hervor. Einige dieser leiseren Zeilen , die sich anfühlten, als wären sie verblasst und jetzt viel präsenter und man kann sie viel klarer hören. Ich weiß, das ist eine Menge zu tun und deshalb empfehle ich wirklich, jetzt einfach selbst reinzugehen und einfach mit all diesen Wählern zu spielen und einfach zuzuhören und herauszufinden , was jedes einzelne tut. Jetzt müssen Sie nicht mehr für jedes Instrument eine Komprimierung hinzufügen . Frag dich noch einmal, was muss sich an einem Sound ändern? Höre dir eine Gitarre oder ein Schlagzeug an und überlege, ob es Noten gibt, die ein bisschen verblassen oder sind es bestimmte Teile, die zu stark hervorstechen. Wenn Sie diesen Dynamikbereich kontrollieren möchten, verwenden Sie einen Kompressor, aber es ist sehr oft der Fall, dass Instrumente wie Gitarren, Bass, Gesang und Schlagzeug alle sehr dynamisch sind. Daher ist es oft eine sehr gute Sache, diese nach vorne gerichteten Instrumente steuern zu können diese nach vorne gerichteten Instrumente . Als Nächstes werden wir über EQ sprechen . Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 11. EQ: Als nächstes werden wir über EQ sprechen. EQ steht für Equalizer und ist im Wesentlichen eine Möglichkeit, und ist im Wesentlichen eine Möglichkeit die Frequenzen eines beliebigen Sounds anzupassen. Wenn Sie schon einmal ein einfaches Mischpult oder eine Gitarre benutzt haben, haben Sie vielleicht schon einmal Bass, Mittel und Höhen gesehen . Wir können diese Drehregler verwenden, um die Frequenzen eines Tons einzustellen. Kann das High-End mit den Höhen oder den Bass mit dem Bass und der Form oder dem Sound nach unten bringen . Alles, was ein Equalizer ist, ist im Wesentlichen eine weitaus genauere Art , diese drei Wählscheiben zu verwenden. Wir können viele verschiedene Werkzeuge verwenden, um die Frequenz , die ein Geräusch erzeugt, besser zu formen. Es kann verwendet werden, um bestimmte Frequenzen zu erhöhen. Sagen wir, wenn Sie ein bisschen mehr funkelnde Spitzenklänge wollen, können wir das obere Ende gleichmäßig erhöhen, wenn es ein seltsames Raumgeräusch oder Resonanz gibt, nicht so, das können Sie auch mit dem EQ ausschneiden. Das können wir auch nutzen, um Platz für andere Instrumente zu schaffen. Nehmen wir an, die Rhythmusgitarre hat ein bisschen zu viel Bass, wir können einen Teil des Basses herausnehmen und Platz für den Kick und die Bassgitarre schaffen und unsere Instrumente so formen , dass sie etwas klarer zu hören sind. Sie sind nicht so, als würden sie im selben Frequenzband kämpfen . Ich stelle mir das vor, als würde man einen Sound herausarbeiten. Leonardo Da Vinci formt die Davidstatue. Aber in diesem Szenario ist es ein beschissener Snare-Sound statt eines Stücks Herp. Es gibt verschiedene Frequenzbereiche , über die im EQ oft gesprochen wird. Wir haben den Bass, die tiefen Mitten, die hohen Mitten und die Höhen. Jedes Instrument in einem Mix wird seinen eigenen Frequenzbereich haben. Je besser wir diese verstehen können, desto besser können wir fundierte Entscheidungen darüber treffen , was mit einem EQ geschehen soll. Eine sehr verbreitete Technik bei einem geschäftigen Mix besteht darin, den EQ auf das natürliche EQ-Muster des Instruments zu konzentrieren . Auf diese Weise stören diese anderen Frequenzen andere Instrumente im Mix nicht . Für das heutige Beispiel werde ich einen EQ auf unserer Rhythmusgitarre verwenden . So werden die meisten EQ-Plugins aussehen, wenn wir auf der Strecke spielen. Sie sehen, wo sich die Frequenzen bilden. Wir haben dort viel im Low-Mid-Bereich. Jetzt können Sie natürlich jedes EQ-Plugin verwenden , das mit Ihrer Tür geliefert wird. Aber wenn Sie ein Anfänger sind und versuchen herauszufinden, wie jedes Frequenzband klingt und eine wirklich klare Vorstellung davon zu bekommen, was wir hier tun. Ich empfehle wirklich so etwas zu besorgen, das ist das Neuron für den Equalizer Zahlen Sie einfach ein bisschen Geld dafür. Aber im Wesentlichen können Sie damit viele verschiedene Dinge tun. Aber ich denke, das Praktischste ist, dass es Ihnen ein solisiertes Frequenzband zeigen kann. Wenn wir auf Solo klicken, können Sie den gesamten weißen Bereich sehen. Hier ist der Bereich , in dem das Solo gespielt wird. Man kann wirklich deutlich hören wie sich jede Frequenz anhört. Du kannst hören, wenn wir die 60 Hertz hinter uns haben, 60 da unten, es kann nur ein sehr leises Grollen geben. Wir wissen, dass es da hinten nicht viele Informationen gibt, die wir wirklich benötigen. Bei den Basisfrequenzen meine ich hier, dass der Hauptkörper immer noch zwischen 3.000 und 1.500 liegt . Wir haben wirklich rausgesucht , wo das Geräusch sagt. Weil ein netter kleiner Oberton, die Dinge hier. Aber vieles davon ist nur kratzig und wir brauchen hier wahrscheinlich nicht viel mehr als dieses Top-End. Aber im Wesentlichen klingt jede Frequenz so. Wann immer ich mache, springen wir einfach rein und füllen einfach ein Instrument aus und wie kommen die einzelnen Frequenzen durch. Es gibt verschiedene Möglichkeiten, einen EQ zu formen und zu formen, und das machen wir mit verschiedenen Filtern. Der erste ist ein Hochpassfilter. Ein Hochpassfilter sieht so aus. High-Pass wird genau das tun, was es sagt. Es wird all die höheren Frequenzen durchlassen und es wird die niedrigeren Frequenzen wegschneiden. Wie Sie hier sehen können, all diese niedrigeren Frequenzen und es wird wegfallen. Das ist wirklich gut , um unerwünschte Raumgeräusche oder Bulinus zu entfernen unerwünschte Raumgeräusche oder , und wir können auch die Neigung anpassen. So dramatisch ist der Abfall in der Vergangenheit, also kann es dort richtig dramatisch werden und alles über 299 Hertz bringen . Wenn wir damit ziemlich dramatisch werden, oder wir können den Hang etwas flacher machen und es ein bisschen natürlicher klingen lassen . Auch hier können wir es solo spielen, um wirklich zu hören, welchen Bereich wir beeinflussen. Am anderen Ende des Spektrums haben wir buchstäblich einen Tiefpassfilter, und das wird nur am Hochpass sein , aber umgekehrt. Wir können uns alleine zurückziehen ohne die lauten, harten, dummen Geräusche. können wir immer ziemlich Low-Fi-Effekte erzeugen Mit diesen beiden können wir immer ziemlich Low-Fi-Effekte erzeugen. Das ist wirklich gut, um einfach wirklich komische hohe Geräusche oder Symbolbluten und Raum wegzunehmen . Als nächstes haben wir Glocken. Die sehen so aus. Sie haben früher einen ganz bestimmten Bereich vergrößert oder verkleinert. Wenn wir nur eine bestimmte Frequenz gezielt senken wollen , können wir dafür eine Glocke verwenden. Was wir auch tun können, ist eine Warteschlange anzupassen. Und das macht den Knoten breiter oder schmaler, je nachdem, wie viel von der Frequenz wir beeinflussen möchten. Wenn wir es eingrenzen können, wenn wir nur einen seltsamen Bass oder einfach eine wirklich nervige Frequenz aus dem Raum bekommen wollen oder einfach eine wirklich nervige Frequenz oder so, können wir es mit einem hohen Q sehr fein anvisieren. Oder wir können es viel breiter machen. Wir wollen dieser Gitarre einfach ein bisschen mehr Top End hinzufügen. Wir können ein ziemlich breites Q machen und wir könnten diese schöne Frequenz auf der Gitarre erhöhen. Sagen wir, ich mag diese kratzige Ben-Gitarre und will und mehr als das darin. Wir können eine Glocke verwenden, um uns auf diesen Frequenzbereich zu konzentrieren. Schließlich können wir ein Regal benutzen. Ein Shelf zielt auf einen größeren Bereich als die Bäuche ab und es wird einen bestimmten Frequenzbereich flach ausrichten. Es ist einfacher, es dir mit dem Ding selbst zu zeigen. Wenn wir uns für einen Hoch- oder Tiefpassfilter entscheiden, genau wie bei den Hoch- und Tiefpassfiltern , und wenn wir einen Shelf herunterfahren, können Sie sehen, wie er eine Reihe von Frequenzen ausschneidet. Nehmen wir an, wir wollten nur das Basisende abbauen, aber wir wollen es nicht mit einem Hochpass komplett loswerden . Wir können ein Regal verwenden, um einfach das untere Ende zu timen. der Minute, in der es Mais im unteren Preissegment gibt, ist es so intensiv. Aber wir können es einfach richtig timen , indem wir das Regal herunterfahren. Auch hier können wir die Warteschlange anpassen und die Form und die Auswirkungen auf ihre Frequenz ändern . Das ist also eine kurze Einführung in EQ. In der nächsten Lektion werden wir lernen, wie wir EQ verwenden können, um unsere Instrumente besser zu formen , und wir werden den Prozess durchlaufen , was wir tun sollten, wenn wir versuchen, ein Instrument oder einen Sound mit einem EQ zu versehen. Wir sehen uns dort. 12. EQ verwenden: Hey, Leute, willkommen zurück. In dieser nächsten Lektion werden wir lernen , wie wir das, was wir über EQ gelernt haben, in unserem Track nutzen können was wir über EQ gelernt haben, in unserem Track nutzen und lernen , was wir tun sollten und wonach wir suchen sollten und wann das EQ-Instrument. Noch ein paar Schritte, wie man die Dinge gut klingen lässt. Wie wir bereits sagten, alles, was wir mit dem EQ machen ist, die Frequenzen, die wir mögen, zu erhöhen die, die wir nicht mögen, zu reduzieren und Platz für andere Instrumente im Mix zu schaffen. Bevor wir tatsächlich anfangen, mit dem EQ Schritte zu machen, muss ich mir den Sound anhören und darüber nachdenken, was geändert werden muss , und anfangen, mir einige mentale Notizen darüber zu machen , was Sie tun möchten, um ihn zu ändern. Wenn wir an dieser Gitarre arbeiten, hören wir sie uns einfach an und finden heraus, was wir ändern wollen, bevor wir etwas ändern. Nur als Kontext für die Arbeit mit dieser Gitarre, fallen mir da ein paar Dinge ein. Die erste ist, dass es in dieser Gitarre ziemlich viele Bassfrequenzen gibt in dieser Gitarre ziemlich viele Bassfrequenzen und der Bass einen Großteil der Arbeit in diesem sehr tiefen Bereich macht, also kann ich nur sagen, dass wir nicht wirklich viel von diesen tiefen Frequenzen brauchen, und wir können die Gitarre tatsächlich ein bisschen mehr hervorheben , indem wir etwas davon wegschneiden. Ich kann auch ein kleines Zischen am oberen Ende hören. Nichts davon ist so wichtig, weil man es kaum wirklich hören kann, aber es könnte helfen, das zu erreichen und etwas von dem winzigen bisschen wegzunehmen. Es ist fast wie ein elektrisches Geräusch, aber es ist so subtil. Außerdem möchte ich etwas von dem Low-End-Bereich beibehalten, aber es muss nicht annähernd so laut sein. Wir können das Low-End einfach timen und herunterfahren. Außerdem gibt es eine bestimmte Frequenz, z. B. eine mittlere, höhere Frequenz. Ich möchte die Klingelfrequenzen ein wenig erhöhen weil ich finde, dass es ganz nett klingt. Diese Frequenz. Zuerst werde ich einen Hochpassfilter verwenden , um viele dieser unnötigen, extrem niedrigen Bassgeräusche zu entfernen . Auch hier können wir hören, dass hier ziemlich viel los ist. Ich möchte das nicht zu sehr wegschneiden . Ich werde vielleicht einfach in diese Zone gehen und sie ein bisschen weiter nach unten verschieben . All das wirklich bassige Zeug wurde vom Bass gefüllt. Wir wollen etwas mehr Platz für den Bass schaffen, also ist es sinnvoll, das wegzuschneiden. Im Gegensatz zu allem anderen ist es wirklich wichtig, einen Effekt immer ein- und auszuschalten, ihn solo zu einen Effekt immer ein- und auszuschalten, machen und ihn zu entfernen, damit du genau sagst , welche Wirkung er im Kontext eines Songs hat. Im Grunde willst du keine Bewegungen machen, wenn sie keinen Unterschied machen, also solltest du dir immer wirklich bewusst sein , was du tust, und du solltest den EQ so wenig wie möglich berühren . Als Nächstes möchte ich das Low-End einfach etwas herunterfahren. Ich werde ein Regal benutzen, um das ganze Low-End zu reduzieren. Gute an diesem EQ ist auch die Tatsache, dass Sie ihn einfach ein- und ausschalten können ihn einfach ein- und ausschalten , um leicht zu hören, was Sie tun. Nochmals, wenn ich diese Gitarre alleine mischen würde, klingen viele dieser Frequenzen ziemlich gut. Wir würden sie vielleicht nicht alle wegschneiden wollen. Aber weil ich weiß, dass ich dort einen Bass habe und ich mehrere andere Instrumente habe , die diesen Tieftonbereich füllen, fühle ich mich wohl dabei, das wegzunehmen. Als nächstes haben wir darüber gesprochen , dieses Super-High-End zu entfernen. Ein Teil dieser einfach nicht benötigten Frequenz trägt nicht wirklich dazu bei , also können wir einen anderen Pass, einen Tiefpass verwenden und einfach den Super-High-End-Ausgang abschwächen. Nun, was viele Leute beim EQ gerne tun, ist, unerwünschte Summen oder einfach nur unangenehme Frequenzen zu entfernen . Viele Leute halten diese Regel, ein sehr enges Q zu machen und ein Geräusch durchzulassen bis Sie eine unangenehme Frequenz hören. Wenn Sie dann diese böse Frequenz gefunden haben, senken Sie sie jetzt und schneiden Sie diese unangenehme Frequenz aus. Nun, das funktioniert gut, wenn Sie ein bestimmtes Geräusch hören können , das Sie loswerden möchten , wenn Sie es einfach hören . Aber das Problem dabei ist, wenn du durchgehst und auf eine Frequenz achtest, die du nicht magst, wenn du die Frequenzen so stark anhebst, kann jede Frequenz böse klingen. Wenn Sie das dann weglassen, richten Sie dabei mehr Schaden an, als tatsächlich Verbesserungen vorzunehmen. Du solltest wirklich zuhören und herausfinden, was du ändern möchtest, bevor du anfängst, diese Fragen zu stellen. Aber nehmen wir an, wir hatten ein seltsames Knistern oder so. Wir können das verwenden, um herauszufinden, wo das seltsame Geräusch sein könnte, und dann können wir es lokalisieren und diese Frequenz aus dem Sound entfernen. Aber es lohnt sich zu sagen , es immer ratsam ist, einen ziemlich engen Q zu verwenden , weil wir nicht zu viele der schönen Frequenzen , die diesen Sound ausmachen, wegschneiden wollen zu viele der schönen Frequenzen , die diesen Sound ausmachen, wegschneiden , also wollen wir wirklich nur die genaue Frequenz, die wir wollen, mit einem sehr engen Q einschränken. Allerdings auf der anderen Seite, wenn wir Ich möchte irgendwelchen Bereichen einen Schub geben, sagen wir, ich wollte zum Beispiel diese schöne Frequenz in der Gitarre runterprobieren , diesen fast klobigen, kratzigen Sound. Aber wenn wir das verwenden, wollen wir den Q leise reduzieren. Wir wollen nicht, dass es zu radikal ist, weil es ein bisschen unnatürlich klingt, also solltest du, dass der Q ziemlich breit ist. Das alte Sprichwort lautet schmal geschnitten und Stiefel breit. Genau das werden wir hier tun. Dadurch fällt das schnelle Kratzen nur ein bisschen mehr auf. Viele Leute halten sich gerne an die Regel, das Boosten zu reduzieren, wann immer Sie können, was ich bis zu einem gewissen Grad zustimme. Ich denke, du solltest dich hauptsächlich darauf konzentrieren , unangenehme Frequenzen wegzuschneiden und den Sound so zu gestalten , dass er mit den anderen Instrumenten funktioniert. Wenn du jedoch ein bisschen Obertonhöhe hinzufügen oder einfach eine bestimmte Frequenz betonen möchtest, anstatt eine Gitarre erneut aufnehmen und den AMP anpassen zu müssen, kannst du anstatt eine Gitarre erneut aufnehmen und den AMP anpassen zu müssen, diese kleinen Unterschiede am EQ einfach an einer schönen Stelle erhöhen . Ich höre mir den Referenztrack an. Es ist in der Mitte tatsächlich etwas präsenter als meins. Gehen wir noch einmal zurück und passen das vielleicht ein wenig an. Das ist die Sache, es ist in Ordnung, zu experimentieren und sich im Laufe der Zeit anzupassen. Sie können diese Dinge beliebig anpassen. Hör es dir jetzt an, vielleicht möchte ich da etwas mehr Frequenz haben. Es ist auch erwähnenswert, dass die Leute auch nicht dazu neigen, mit Boosts zu verrückt zu werden. Sobald wir die Verstärkung von plus 10 erreicht haben und diesen Pegel erreicht haben, werden sich die Dinge etwas komisch anhören. Oft boosten die Leute gerne ganz konservativ und nehmen nur kleine Anpassungen am Sound vor. Also um dir ein Vorher und Nachher zu geben. Nun, ich weiß, das mag subtil erscheinen, besonders wenn wir uns alles andere angehört haben. Aber wie ich bereits sagte, es geht nur um ein Prozent auf einmal. Sobald wir alles andere angepasst haben, wird es einen viel spürbareren Unterschied geben. Auch hier ist es so, als würde man einen Song wegschneiden, und je mehr Instrumente wir mit ein bisschen EQ wegschneiden können, desto klarer wird jedes einzelne. Zum Beispiel wollen wir etwas Platz für diese Gitarre schaffen, weil sie ziemlich schwer zu hören ist, sodass wir einige Frequenzen vom Orgelsound und dem Basssound wegschneiden können . Dann wird diese Gitarre plötzlich ein gutes bisschen klarer sein. Sie weiterhin kleine Anpassungen am EQ an jedem Instrument vor. Möglicherweise müssen Sie zu bestimmten Instrumenten zurückkehren , zum EQ zu anderen, da sich die Frequenzen beim EQing ständig ändern . Wir sehen uns in der nächsten Lektion. Danke, Leute. 13. Panning: Hallo Leute, willkommen zurück. In der nächsten Lektion werden wir über das Panning sprechen. Das Panning ist super einfach. Alles was es ist, ist, unsere Instrumente entweder nach links oder rechts zu bewegen , um eine breitere Klangbühne für unseren Mix zu schaffen. Wenn Sie eine Band live spielen sehen, werden die Mitglieder der Band von links nach rechts über die Bühne verteilt . Sie würden nicht alle voreinander stehen , denn das wäre wirklich komisch, oder? Es würde auch ziemlich komisch klingen, nicht wahr? All diese Geräusche, die nur aus einer engen Richtung auf dich zukommen , das klingt nicht nett. Es ist, als würde man versuchen , einen Mix durch eine Röhre zu hören. Was wir mit Panning machen können, ist unsere Instrumente über das gesamte Audiofeld zu verteilen, um unserem Mix einen viel breiteren und ausgewogeneren Klang zu verleihen und unserem Mix viel Tiefe und 3D-Effekt zu verleihen. Das macht es auch einfacher, Dinge zu hören, denn anstatt sich die Dinge im selben Raum zu überschneiden, können wir einige Bits hierher, einige Bits dort drüben bewegen und jedes Instrument um den Zuhörer herum platzieren, und jedes Instrument um den Zuhörer herum platzieren anstatt alle vorne. Jetzt können wir Panning verwenden, wie wir wollen. Es kann ein ziemlich kreativer Prozess sein, herauszufinden, welcher Raum für jedes Instrument gut geeignet ist. Es gibt jedoch ein paar vernünftige Grundregeln, die befolgt werden müssen. Die erste besteht darin, alle echten Kerninstrumente oder schweren Bassinstrumente in der Mitte zu belassen. Wie bei Schlagzeug und Bass, wenn sie zur Seite stehen, weil sie ein so dominanter Sound sind, kann es sich in gewisser Weise so anfühlen, als ob Sie schief sind. Das gilt auch für den Gesang an der Lead-Gesangslinie. Du willst nicht wirklich, dass es nach links geschwenkt wird. Du willst, dass das vorne und in der Mitte steht. Das sind die Instrumente, die du wirklich in der Mitte behalten solltest. Aber bei vielen anderen können wir wirklich mit dem Schwenken spielen. Eine weitere gute Faustregel ist, dieses Gleichgewicht beim Schwenken immer im Hinterkopf zu behalten . Wenn du dir das wie eine Waage , wollen wir nicht eine Seite überlasten, denn auch hier wird es etwas schief klingen, also versuche einfach sicherzustellen, dass auch die Instrumente entweder links oder rechts gleichmäßig verteilt sind. Bei Logic ist es wirklich einfach, das Panning zu finden, es ist nur dieses Wählrad hier, sodass wir nach rechts oder links gehen können und wie Sie sehen, haben wir 64 verschiedene Stellen, an denen wir es nehmen können. Eine Menge Platz zum Arbeiten. Bei dieser Leadgitarre nehme ich die nach rechts ab. Das hört man jetzt schon ein gutes bisschen klarer, es hatte vorher Probleme mit dem Mix, aber es ist viel klarer. Ich gehöre zu diesen Vocal Stacks. Ich werde einfach mal richtig experimentieren und sie quasi überall hin schwenken. Es wird sich wie diese coole Stille anhören, die uns umgibt. Ich habe gerade die meisten Instrumente in diesem Bereich überall hin geschwenkt . Ich finde, das klingt schon ziemlich gut. Klingt cool. Nun, einigen von Ihnen ist vielleicht aufgefallen, dass ich hier unten drei Leadstimmen habe. Das klingt ein bisschen komisch, nicht wahr? Warum habe ich sie gemacht? Etwas anderes, das wir mit Panning machen können, das wirklich cool ist, heißt Double-Tracking. Dies ist im Wesentlichen der Vorgang, bei dem zwei gleiche Aufnahmen aufgenommen und nach links und eine ganz nach rechts geschwenkt wird. Dies wird oft auch mit Akustikgitarre und Rhythmusgitarre gemacht . Das gibt ihm ein viel breiteres Klangspektrum und füllt wirklich das Stereofeld aus, anstatt dass nur eine Spur in der Mitte auf dich zukommt. Wenn zwei Dinge durchkommen, klingt jeder Lautsprecher einfach riesig und breit. Nun, das ist toll mit Gitarre und um ehrlich zu sein, jedes Instrument, das du wirklich erweitern möchtest , funktioniert auch hervorragend mit. Bei Vocals ist es heute eine üblichere Technik, einmal ganz nach links und einmal ganz nach rechts zu schwenken links und einmal ganz nach und dabei auch die Mitte zu belassen. Im Wesentlichen wurden drei Tracks alle leicht unterschiedlich aufgenommen. Idealerweise möchte der Stärkste in der Mitte sein und dann schwenken wir ihn nach links und rechts. Damit kannst du auch verrückt werden. Viele Leute wie Billie Eilish legen tonnenweise und tonnenweise verschiedene Doppeltracks zusammen und verteilen sie überall, und das ergibt diesen riesigen, fetten Gesangssound. Für mich werde ich eine Stimme zentrieren, eine ganz links und eine ganz rechts. Jetzt klingt es so. Verglichen damit. Wenn wir uns das nun im Kontext eines Mixes anhören. Jetzt hören wir es uns ohne die Doppelspur an. Du siehst, wie es mit nur dem einen viel einsamer klingt. Nun, wieder, du benutzt es sehr oft so, wie du willst. In der ersten Strophe wollte ich, dass es etwas einsamer klingt, also hatte ich nur die eine Stimme für diesen Abschnitt tief. Aber in der zweispurigen Version, mit all den Instrumenten, wurde der Gesang einfach hervorgehoben und ihnen ein bisschen mehr Selbstvertrauen gegeben, das ist also Schwenk. Genau wie beim Verschieben lassen wir diese Instrumente in verschiedenen Räumen in unseren Kopfhörern oder Lautsprechern laufen in verschiedenen Räumen in unseren Kopfhörern und sorgen so für eine schöne, breite Klangbühne. Danke Leute. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 14. Hall: Hallo Leute, willkommen zurück. In der nächsten Lektion werden wir also über Reverb sprechen. Wenn Sie also schon länger Musiker sind, wissen Sie wahrscheinlich schon genau, was Reverb ist, einer der am häufigsten verwendeten Effekte überhaupt ist. Aber wenn Sie nicht wissen, was Hall ist, ist es im Wesentlichen wie der Klang eines Raums. Wenn du zum Beispiel in einer großen Kathedrale spielst, der Klang deiner Stimme, wird der Klang deiner Stimme, deine Gitarre auf eine ganz andere Art im Raum widerhallen und springen , als ob du deine Gitarre in einem kleinen Raum spielen würdest. Wir verwenden also den digitalen Halleffekt, um zu versuchen , das Gefühl eines Instruments in einem Raum nachzubilden , das einer Aufführung, Leben und es sich wie echt anfühlt und in einem natürlichen Raum gespielt wird. Es kann aber auch die Illusion erzeugen, dass das Instrument weiter vom Zuhörer entfernt ist. Das bedeutet, dass wir die Dinge im Mix tatsächlich verschieben können , indem wir den Hall verwenden, anstatt die Lautstärke anzupassen. Es hat eine eher atmosphärische Wirkung. Wenn Sie sich also an unsere letzte Lektion erinnern, einen neuen Bus, anstatt jeden einzelnen Track mit einem Hall erstelle ich einen neuen Bus, anstatt jeden einzelnen Track mit einem Hall zu versehen. Ich werde es zu unserem Lead-Hallton machen. Warum nenne ich es Lead Reverb? Also, wie ich schon vor einer Sekunde sagte, wir können entweder Reverb verwenden, um Charakter zu verleihen oder um Instrumente in den Mix zurückzudrängen. Was ich persönlich also gerne mache, ist, einen Bus für einen Lead-Reverb zu erstellen . Also werden wir unsere Leadinstrumente durch diesen schönen Hall hochziehen . Aber dann alle, für die wir verwenden wollen, wie Umgebungseffekte und schieben den Mix zurück. Ich werde dafür tatsächlich einen etwas anderen Hall machen. Ich werde dafür einen neuen Bus bauen. Jedes Reverb-Plugin wird also ein bisschen anders aussehen. Ich verwende nur das Standard-Reverb-Plugin von Logic. Es sieht ein bisschen gruselig aus mit all diesen verschiedenen Zifferblättern, aber es ist tatsächlich viel einfacher als es scheint. Aber lassen Sie uns jedes dieser Zifferblätter durchgehen, damit wir genau wissen, womit wir arbeiten. Zuallererst können wir oft die Raumgeräusche ändern. Wie ich schon vor einer Minute sagte, wir können aus jedem dieser verschiedenen Räume wählen , um einen coolen Sound zu erzeugen. Also lasst uns ein bisschen herumspielen. Ich rufe den Klang dieses Kammerhalls aus. Ich bleibe vorerst dabei. Wenn wir jetzt runterkommen, werdet ihr sehen, dass es einen trockenen und einen nassen Slider gibt. Das ist also nur, dass Sie damit die Menge des trockenen und feuchten Signals einstellen können, das aus diesem Hall kommt. Das trockene Signal ist nur die Aufnahme ohne jegliche Auswirkungen, und nass ist das beeinflusste Signal. Also der, auf dem wir Hall haben. Siehst du, je weiter wir nach oben gehen, desto mehr Wirkung wird es. können wir abwägen, wie stark Damit können wir abwägen, wie stark der Hall das Signal beeinflusst. Jetzt, weil wir das als meine Leadstimme verwenden. Ich möchte, dass viel trockenes Signal reingeht, und ich wollte Hall haben. Aber auch hier möchte ich nicht zu nass sein , weil es dadurch zu weit nach hinten verschoben wird. Aber in meinem Ambient-Reverb werde ich diesen Kanal zu einem viel feuchteren Kanal machen. Als nächstes folgt die Abklingzeit. Das ist also im Wesentlichen nur, wie lange der Hall anhält, und er wird in Sekunden gemessen. Es ist also wirklich einfach zu verstehen. Wenn wir den Zerfall erhöhen. Du siehst , wie lang der Hall-Trail ist. Wenn wir das jedoch verschärfen , verblasst es viel schneller. Also nochmal, für ein Leadinstrument würde ich das kürzer nehmen, und für die stimmungsvollere Atmosphäre habe ich ein gutes Stück angefeuert, und abgesehen davon ist es wirklich nur eine Geschmackssache. Sei auch hier immer solo und erzähle diese Dinge ab und zu zu sehen, welchen Unterschied du machst. Das klingt ziemlich gut. Wir können auch auf diese Schaltfläche klicken und hinzufügen für wie viele Takte der Gesang dauern soll. Wir können damit also etwas mathematischer werden, wenn wir wollen. Ich denke, das zweitwichtigste ist die Verzögerung vor der Verzögerung. Das Pre-Delay gibt also im Wesentlichen an, wie lange es dauert, bis der Hall einsetzt. In diesem Beispiel, wenn Harriet anfängt zu singen, tritt der Hall nicht sofort ein, einige Millisekunden bevor der Hall beginnt, und dort befindet sich das Pre-Delay. Je mehr wir das also hochfahren desto länger ist das Pre-Delay, das wird den Hall wirklich übertreiben und ihn auffälliger machen. Auch hier können wir es für mehr Ambient-Hall erhöhen, aber wenn Sie es etwas enger an die normale Stimme halten möchten , würde ich empfehlen, unter 15 Millisekunden zu gehen. Die meisten Reverbs werden auch mit einem EQ-Parameter geliefert. Dieses Ding hier, und das erlaubt dir im Grunde nur den EQ des Halls zu formen. Wir können dies sowohl für das Eingangssignal als auch das Ausgangssignal tun. In der Hauptsache passen wir das eingehende EQ-Signal an. Bei den Details passen wir das ausgehende EQ-Signal an. Machen Sie sich darüber keine allzu großen Sorgen, wenn Sie ein Anfänger sind. Alles, was wir damit tun können , ist , das, was wir in unserer letzten Lektion über den EQ gelernt haben , auf den Hall und die Funktionsweise des Reverbs anzuwenden . Wir können einen Hochpassfilter verwenden um diese schlammigen Geräusche zu reduzieren oder wir können einen Tiefpassfilter verwenden und sie dunkler machen oder wir können beides tun und einen wirklich konzentrierten, mittig klingenden Hall erhalten . Dann können wir auch in die Details gehen und dasselbe mit dem Hall machen , der herauskommt. Aber damit werde ich heute nicht zu viel herumspielen . Ich denke, das ist so viel zu berücksichtigen, wie es ist. Wir werden uns also für den Rest der Lektion nur auf diese Zifferblätter konzentrieren . Dies sind die Zifferblätter, die Sie hier und hier sehen. Dein Reverb hat diese vielleicht nicht, aber falls doch, werde ich sie sehr schnell durchgehen. Der erste ist der Angriff. Je schneller der Angriff ist, desto schneller bauen sich die Hallreflexionen auf. Aber wenn wir es langsamer machen, werden sie in den Überstunden stärker nachlassen. So ziemlich subtil da. Bei den Ambient-Solo-Reverbs wird es deutlicher . Die Größe ist ziemlich selbsterklärend und wirkt sich nur darauf aus, wie groß der Raum klingt. Es ist ziemlich subtil, besonders in dieser ersten Kammer weil es ein ziemlich kleiner Raum ist, den wir replizieren. Die Dichte bestimmt die Menge der Reflexionen, die umherspringen. Wenn Sie sich also vorstellen, dass ein Geräusch entsteht und es an den Wänden herumspringt, ist das im Wesentlichen so, wie oft es reflektiert wird. Auch hier sind all diese Dinge sehr subtil und die Entfernung ist die wahrgenommene Entfernung zwischen Ihnen und dem Instrument , das gespielt wird. Also nochmal, was das Ambient angeht, wenn du etwas im Mix zurückdrängen willst, können wir diese Distanz weiter weg machen, aber mit einem solchen Leadinstrument wollen wir das Echo etwas näher angehen lassen. Fangen Sie wie immer an, sich das neben dem regulären Track anzuhören und mischen Sie es in das, was am besten klingt. Cool. Was ist toll? Wenn ich einstellen möchte, wie intensiv der Hall im Gesang ist, kann ich hier einfach diesen kleinen Bus-Stil verwenden. Was ist, wenn ich mehr daraus machen will? Jetzt kann ich all dieses Wissen nutzen, um einen weiteren Hallbus zu erstellen , den ich für den Umgebungshall verwenden kann. Ich kann einen Kanal erstellen, in dem die Reverbs wirklich übertrieben sind und das wird die Dinge im Mix etwas nach hinten verschieben. Aber es wird ihnen immer noch viel Charakter verleihen. Was mit Hintergrundgesang oder anderen Instrumenten im Ambient-Stil wirklich gut klingt . Jetzt, da ich sie in meinen Bussen habe, kann ich einfach jedes dieser Instrumente durchgehen und wählen , in welchen Bus ich sie schicken möchte. Also lasst uns zum Beispiel diesen Kick machen. Fügen wir den Bus hinzu und wir wollen diesen eher zu einem Lead-Hallton machen , weil er sehr präsent sein wird. Ich passe nur den Stil an. Das ist also unsere Lektion über Reverb. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 15. Verzögerung: Hallo Freunde, willkommen zurück. In der nächsten Lektion werden wir über Verzögerungen sprechen. Delay wird oft mit Reverb verwechselt und das aus gutem Grund denn beide sind sich ziemlich ähnlich, aber sie unterscheiden sich tatsächlich ein bisschen. Reverb emuliert Schallwellen, die von Diensten reflektiert werden , um einen dreidimensionalen Raum zu erzeugen, wohingegen Delay eine Kopie des Klangs erzeugt wohingegen Delay eine Kopie des Klangs erzeugt und ihn wiedergibt, aber in bestimmten Intervallen, um einen Echoeffekt zu erzeugen, als aber in bestimmten Intervallen, um einen Echoeffekt zu erzeugen ob Sie eine große Höhle hinuntersprechen oder so, und dann kommen diese Reflexionen auf Sie zurück. Das ist es, was Verzögerung bewirkt. Ich betrachte es einfach als eine Erweiterung von Reverb, wir verleihen einem Sound nur mehr Raum und Dimension. Das Schöne Verzögerung ist, dass sie wirklich einfach ist. Nochmals, um es uns wirklich einfach zu machen, werde ich eine Verzögerung auslassen. Ja, das Leben ist für mich einfach viel einfacher. Es gibt Verzögerungen. Nun zur Logik, es gibt ein paar verschiedene Verzögerungen. Jetzt werde ich nicht mit Verzögerung zu sehr ins Detail gehen. Ich werde auf diesem Track nur ein bisschen davon verwenden. Es gibt dieses einfache Echo-Plugin, das sehr einfach zu bedienen ist, uns aber dennoch ein gutes Maß an Kontrolle über die Art der Verzögerung gibt . Ich werde das auf den Gesang legen und ich werde den Hall am Gesang ausschalten, damit Sie wirklich deutlich hören können, was die Delays hier bewirken. Wie Sie hören können, ist es so, als würden diese Schallwellen auf akademische Angelart auf uns zurückprallen . Mit diesen Wählscheiben können wir einfach kontrollieren, wie das funktioniert. Die trockene und die feuchte Mischung sind, wie wir bereits erklärt haben, nur die betroffenen Werte. Das Notenrad hier bestimmt nur die Anzahl der Wiederholungen, die Echo erzeugen, und in welchen Intervallen sie geschehen. Damit können wir ziemlich verrückt werden. Wir können die Echos triolett oder punktiert machen. Einfach ein Viertel Takt haben, oder wir können am anderen Ende rechts fahren und ungefähr ein Sechzehntel fahren. Es ist viel schneller. Oder wir können uns für ein Triplett entscheiden. Wir wählen nur aus, was wirklich interessant klingt. Es ist ganz nett, wenn es zu oft mit dem Timing deines Songs übereinstimmt. Du weißt nicht wirklich viel über Rhythmen um zu wissen, wie das funktioniert, schalte einfach dein Match an. Dieses Achtel passt zu unserem Song dort, aber wenn wir es in ein Triolett ändern würden, wirst du sehen, dass es daran liegt wir nicht in Triolen schreiben, das etwas mehr damit übereinstimmt. Das ist an der Zeit, aber es erzeugt dort einen anderen Effekt. Es ist so viel übertriebener. Mir hat der Sound der Achtel sehr gut gefallen. Hörte sich für mich ziemlich gut an. Ich werde das Nasssignal nur ein bisschen leiser stellen. Dies ist nur die Länge der Verzögerung. Da kommen jede Menge Echos zu uns zurück. Aber wenn wir das gleich leiser machen, ist es viel kürzer. Wir kontrollieren nur das Ausmaß der Verzögerung, und zu guter Letzt wird die Farbe beeinflussen, welchen Frequenzbereich die Verzögerungen einnehmen. Normalerweise erhalten Sie bei Verzögerungen einen hohen und einen niedrigen Wert, um festzustellen, wo diese Verzögerungen liegen, aber dieses farbige Zifferblatt macht es für uns noch einfacher. Wir können einfach wählen, auf welchen Bereich des Frequenzspektrums wir uns konzentrieren möchten. Niedriger oder höher. Übertreiben wir es und gehen wir zuerst zum oberen Ende. Diese Verzögerungen treten eher im oberen Preissegment auf, aber auch dann, wenn wir das verringern können. Diese Verzögerungen treten jetzt in geringerer Häufigkeit auf. Nochmals, lass uns einfach ein Lied spielen und das ausbalancieren, bis es gut klingt. füge nur ein subtiles Delay hinzu, ich möchte nicht, dass es zu offensichtlich ist, es füllt nur einen schönen Raum zwischen den Linien und fügt nur die Raumeffekte hinzu, die wir mit dem Hall erzeugen. So einfach ist das, und das ist so ziemlich alles. Wir können das auf jedem Instrument machen, dem wir nur ein bisschen mehr Leben einhauchen wollen, ein Experiment machen und sehen, was dir der Klang gefällt, und wir sehen uns in der nächsten Lektion. 16. Automatisierung: Als Nächstes werden wir über Automatisierung sprechen. Automatisierung in der Musik ist der Prozess, bei dem bestimmte Effekte oder Lautstärken zu bestimmten Zeiten in einem Titel geändert werden. Was meine ich damit? Nehmen wir an, Sie haben die Lautstärke Ihres Tracks ausgeglichen und Refrain klingt alles gut und ausgewogen, aber ihr spielt die Strophe und plötzlich ist die Gitarre viel zu laut. Wir automatisieren die Lautstärke, sodass es in der Strophe etwas leiser wird und dann wieder in Richtung Refrain ansteigt , sodass wir die Lautstärke über den gesamten Track viel besser ausbalancieren können , aber wir können die Automatisierung für alle Effekte verwenden. Nehmen wir an, wir wollen auf der Bridge den Gesang einfach mit Hall überziehen. Wir können es automatisieren, sodass der Hall weit nach oben kommt und wir eine Menge schönen Hall in einer Bridge haben, oder sagen wir, Sie möchten die Verzerrung bei einem Gitarrensolo wirklich aufnehmen . Auch hier können wir die Verzerrung einfach automatisieren , um sie in diesem Abschnitt aufzunehmen . Nun, es ist erwähnenswert , dass dieser Teil der Mischung sehr wichtig ist. Sie sollten viel Zeit damit verbringen, die Lautstärke zu automatisieren , damit alles wirklich ausgewogen ist. Bevor Sie mit der Automatisierung beginnen, sollten Sie wirklich viel Zeit mit dem Volumenausgleich verbringen und sicherstellen, dass Sie damit wirklich zufrieden sind , da es jetzt viel einfacher ist , die Volumes und Bits zu ändern. Gönnen Sie sich eine Pause von 24 Stunden, kommen Sie mit frischen Ohren zurück, gleichen Sie die Lautstärke erneut aus, gönnen Sie sich eine weitere Pause und kommen Sie dann zurück und beginnen Sie, diese Lautstärke zu automatisieren, aber machen Sie sich nicht zu viele Sorgen. Wir können die Lautstärke nach einer Automatisierung immer anpassen, es wird nur ein bisschen kniffliger. Es ist Zugriffsautomatisierung auf Logikbasis Wir können einfach den Track auswählen, dem wir Automatisierung hinzufügen möchten , und A drücken. Jetzt können wir hineinzoomen und vielleicht sehen Sie dort diese schwache graue Linie. Das ist unsere Automatisierungslinie. Wenn wir nun zurück auf den Track schauen, werden wir sehen, dass die verschiedenen Balken erschienen sind. Dies ist ein Automatisierungsparameter. Wir können darauf klicken und ändern welcher Effekt auf die Automatisierung angewendet wird. Wir können die Komprimierung oder den EQ anpassen, aber wir bleiben für die Minute bei der Lautstärke. Wenn ich den Track aus dem ersten Abschnitt spiele, den Teil, zu dem wir den Song noch nicht gemischt haben, sind die Vocals mit der Gitarre einfach ein bisschen laut. Ich möchte den ganzen Abschnitt auch etwas leiser machen bevor alle Instrumente reinkommen denn wenn wir eine Lautstärkeerhöhung haben, wenn all diese Dinge reinkommen, wird das für ein gutes bisschen Spannung sorgen. Ich möchte, dass der erste Strosabschnitt etwas leiser ist. Ich muss nur auf die Leiste klicken, erneut klicken und schon wird dieser Knoten erstellt. Wir können diesen Knoten nach oben und unten bewegen. Das wird die Lautstärke ändern. Ich habe es gerade um minus 2,5 dB in der Strophe heruntergefahren und dann klicke ich einfach auf einen anderen Knoten und hier noch einen, und ich werde es einfach wieder auf den Stand bringen, wo es bei plus 1,7 war. Wir können zu diesem Zifferblatt gehen und Vorderseite nach oben und unten bewegen , um wirklich genau zu sein. Bring es wieder auf 1,7 und es ist dort visuell ziemlich klar. Wir reduzieren es gerade für diesen Abschnitt und dann schleicht sich die Lautstärke einfach an. Wenn die Stimme für diese Chorus-Sektion zurückkommt , wurde sie verstärkt. Ich werde das auch mit der Manne-Gitarre machen. Ich möchte, dass es heruntergefahren wird und dann möchte ich es langsam in den Refrain hochklappen. Nun, es lohnt sich zu sagen, dass wir für so etwas, wo es einen konstanten Sound gibt, wo es einen konstanten Sound gibt, keine Pause haben, in der der Lautstärkeanstieg sehr auffällig sein wird , wir wollen die Kurve ziemlich subtil machen, weil du nicht plötzlich hochfahren willst, weil es so ein bisschen komisch klingt. Wenn ich herausfinde, wo der Chorus ins Spiel kommt, dann wollen wir dort unseren nächsten Knoten haben. Wir wollen, dass es diese Lautstärke erreicht, wenn wir in den Refrain gehen. Ich möchte dort eine wirklich sanfte Steigung machen und werde diese Gitarre einfach ein bisschen runterfahren. Man kann sehen, dass es da oben einfach sehr schön sanft angehoben ist und fast ein bisschen Balken erzeugt man kann auch fast bemerken , dass die Lautstärke zunimmt und etwas passiert. Wie gesagt, wenn du einen ganzen Song mischst, ist es wirklich wichtig, dass du so viel wie möglich durchgehst und automatisierst und dafür sorgst , dass es über jeden einzelnen Abschnitt ausgewogen klingt. Verbringen Sie eine Menge Zeit hier und achten Sie , wie diese Volumina ausgewogen sind, genau darauf, wie diese Volumina ausgewogen sind, aber wir können auch mit der Automatisierung etwas kreativer werden. Zum Beispiel klingt diese kratzige Gitarre, die ich hier habe , gut, aber ich denke, es wäre wirklich cool , wenn der Sound beim Spielen verändert würde. Ich denke, es fügt einfach diesen 3D-Raum hinzu und ich finde, ich klinge einfach cool. Wenn wir zur Lautstärke wechseln, können wir stattdessen Panning wählen. Gehen wir einfach absolut vor. Dann starte ich es ganz links und automatisiere es nach rechts. Wie zuvor wählen wir einen Knoten aus. Ich werde es so schwenken und am Ende möchte ich, dass es auf der anderen Seite landet. Es beginnt eigentlich auf der rechten und geht auf die linke Seite. Mehr fängt hier an, also werde ich es einfach ein bisschen umdrehen. Hoffentlich hört ihr dort, dass die Gitarre um unseren Kopf bewegt wurde. Wie klingt das jetzt insgesamt? Wirklich cool. Verbringen Sie viel Zeit hier, werden Sie kreativ damit und sehen Sie, welche coolen Effekte Sie damit erzielen können , und Ihr Mix wird absolut großartig sein. Ich garantiere es. Unser Mix ist fast da. werden wir über einige coole Effekte sprechen In der nächsten Lektion werden wir über einige coole Effekte sprechen, also sehen wir uns dort. 17. Verzerrung, Exciter und Refrain: Hallo, Freunde. Willkommen zurück. In der nächsten Lektion werden wir über einige wirklich coole Effekte sprechen , die wir zu unserem Track hinzufügen können, um ein bisschen Interesse zu wecken. Es ist erwähnenswert, dass Sie hier aufhören können , wenn Sie möchten, wir haben den Großteil der Mischung durchgesehen. Aber es gibt nur drei Effekte , die unserem ein bisschen Leben Mix ein bisschen Leben einhauchen und sie sind super einfach zu verwenden, also werde ich sie jetzt kurz durchgehen. Die erste ist Verzerrung. Ein sehr beliebter Effekt, Sie wahrscheinlich schon gehört haben. Es verleiht einem Track Charakter, Wärme und Durchhaltevermögen. Es wird häufig für Gitarren, Spaces, Drumkits, Werbung verwendet , ein bisschen mehr Aggressivität und ein bisschen mehr Punch in einem Track. Aber Verzerrungen können einen Mix durcheinander bringen, wenn wir ihn übermäßig verwenden, also müssen wir vorsichtig sein , wie stark wir etwas verzerren. Für mich möchte ich dieser Leadgitarre ein bisschen Verzerrung hinzufügen . Ich habe ein Distortion-Plugin hinzugefügt, das wirklich einfach zu bedienen Wir passen nur den Pre-Game, den Drive und einen Ton an. Es gibt keine richtige oder falsche Art, dies zu verwenden Spielen Sie einfach mit diesen Wählern herum, bis Sie einen Ton erhalten, der Ihnen gefällt. Auch hier wollen wir so sein, als würden wir es solo spielen, ein- und ausschalten, es mit dem Track anhören und ohne. Jedes Social wird ein bisschen anders sein, aber es verleiht dem Ganzen ein bisschen Durchhaltevermögen. Das ist davor und danach. Ich fahre es ein bisschen mehr. Ich drehe die Lautstärke etwas leiser, also sehr subtil, aber ich habe nur ein bisschen Interesse hinzugefügt. Als nächstes kommt ein Exciter. Ein Exciter wird im Wesentlichen einige harmonische Klänge hinzufügen , um anzuziehen. Dadurch werden die Dinge heller, lebendiger und glitzernder klingen . Es verstärkt im Wesentlichen viele der hohen Frequenzen, es kann viel Klarheit schaffen, um anzuziehen. Um etwas zu retten, das in der Mischung vergraben ist, kann es durch Hinzufügen eines Exciters ein bisschen besser zur Geltung kommen. Es wird sehr oft für Dinge wie Gesang verwendet , was auch dem Schlagzeug viel Energie verleihen kann, insbesondere bei Symbolen und ähnlichem. Genau das werde ich tun. Ich werde unseren Aufstieg noch etwas aufregender machen. Auch dies ist eine weitere, die wirklich einfach ist. Damit passen wir nur an, welchem Frequenzbereich der Erreger arbeiten soll, und wir passen diese Obertöne damit Sie hören, wie das klingt. Die Obertöne sind die Intensität des Erregers, und dieser Schieberegler hier ermöglicht es uns, uns darauf zu konzentrieren welche Frequenz wir übertreiben möchten. Vorher, danach, das ist ein starker Aufreger, werde ich mit dem Track spielen und ihn einmischen. Es bringt den Ride zum Funkeln und es hilft ihm, sich im Mix abzuheben, und verleiht dem allgemeinen Sound des Mixes ein schönes bisschen Top End. Ein Exciter kann etwas Härte und zu viel Helligkeit zum Mischen hinzufügen . Denken Sie auch hier daran, Sie möchten es nicht überbeanspruchen, Sie möchten es ausbalancieren, damit es gut klingt. Wir verwenden es nicht für zu viele Dinge, da die Mischung dann eine Menge Härte haben wird. Der letzte ist der Chor. Auch hier haben Sie vielleicht von Chorus gehört, es ist im Grunde ein cooler Audioeffekt, der einem Sound ein gutes bisschen Dicke und Tiefe verleiht, aber er ist sehr charakteristisch und verleiht einem Instrument eine ganz andere Dynamik , und es klingt ein bisschen so. Vorher sehr berühmter Effekt, der auf vielen Tracks in Nevada verwendet ein sehr berühmter Effekt, der auf vielen Tracks in Nevada verwendet wurde, falls Sie es bemerkt haben. Auch hier gibt es nicht wirklich richtig oder falsch. Wir können diese drei Tage einfach anpassen, bis es ungefähr richtig klingt. Das Richtige wird sein, wie schnell diese Frequenzen sind, ohne zu wackeln. Die Intensität ist selbsterklärend und die Mischung auch selbsterklärend. Mit dem Chorus erweitern wir das Stereobild, sodass die Gitarre im Mix etwas mehr Platz einnimmt. Außerdem werden Spiraleffekte hinzugefügt, was dem Sound eine coole, interessante Ebene verleiht. Es wird sehr oft für Gesang sowie für ein gutes Stück Dicke verwendet und kann den Gesang verbessern. Aber für heute belasse ich es einfach bei dieser Elite-Gitarre, ich finde das klingt cool. Aber auch hier ist es wichtig, es nicht zu übertreiben, da zu viel Refrain bei zu vielen Dingen eine Menge Schlamm in der Mischung verursachen kann. Dies ist Ihre Chance , wirklich viel Spaß an diesen Effekten auf verschiedenen Instrumenten zu haben und zu sehen, welche kreativen Sounds Sie sich einfallen lassen können. Wir sind jetzt fast fertig. Es gibt ein paar Dinge, die ich bei unseren letzten Checks durchgehen möchte bei unseren letzten Checks durchgehen um sicherzugehen, dass dieser Mix so gut wie möglich ist, also sehen wir uns in der nächsten Lektion. 18. Endgültige Überprüfungen: Unser Mix sollte jetzt ziemlich gut klingen. Wir haben viel Zeit damit verbracht, all diese verschiedenen Elemente durchzugehen und anzupassen all diese verschiedenen Elemente damit alles so gut wie möglich klingt, und wir haben dem Mix auch unser eigenes künstlerisches Flair verliehen. Jetzt ist es an der Zeit, wirklich einzugrenzen. Wenn es etwas gibt, mit dem wir nicht zufrieden sind oder etwas, das wir ändern wollen, ist es jetzt an der Zeit, dass wir wieder reingehen und diese kleinen Änderungen vornehmen , um es wirklich zu verbessern. Wenn ich in dieser Phase bin, gebe ich mir mindestens 12 Stunden, wenn nicht 24, um einfach eine Pause einzulegen, Ihre Ohren wieder an die normale Welt gewöhnen können, anstatt immer wieder dasselbe Lied zu hören . Wenn du ein oder zwei Tage später zum Mix zurückkehrst, suchst du dir einfach Dinge heraus , die vielleicht nicht ganz richtig passen oder du vielleicht vorher nicht bemerkt als du den Track wieder mischst. Ich würde mir das Lied von Anfang bis Ende anhören und mir Notizen zu allem machen, was auftaucht. Anstatt zu versuchen, es so anzupassen, wie Sie es hören, machen Sie sich einfach viele Notizen, und nachdem Sie den Song ein- oder zweimal gehört haben, ist es an der Zeit , wieder reinzugehen und die Liste, die Sie erstellt haben, durchzuarbeiten. Vergiss deinen Referenztrack nicht, vergleiche ihn immer mit den paar Referenztracks, die du angelegt hast. Sie werden wirklich Ihr Star sein , weil sie von höchstwahrscheinlich sehr professionellen Leuten gemischt und gemixt wurden von höchstwahrscheinlich sehr professionellen Leuten gemischt und gemixt . also immer zwischen diesem Referenztrack und Ihrem eigenen hin und her springen diesem Referenztrack und Ihrem eigenen hin und wird es viel klarer, vielleicht, was geändert werden muss oder wo jedes Instrument oder jeder Sound sitzen soll. Sie sollten auch bedenken, dass, wenn Sie einen Exciter oder einige Distortion oder andere Effekte optimiert haben einen Exciter oder einige Distortion oder andere Effekte optimiert , dies durchaus die Art und Weise ändern kann, dies durchaus die Art und Weise ändern kann wie Sie ein bestimmtes Instrument mit EQ ausstatten. Wenn du zum Beispiel etwas Verzerrung hinzugefügt hast etwas Verzerrung und es jetzt vielleicht ein bisschen zu hart klingt, kannst du einfach direkt in den EQ zurückkehren und vielleicht ein bisschen von dem oberen Ende herausnehmen. Oder wenn Sie etwas komprimiert haben , klingt es dadurch vielleicht etwas leiser. Möglicherweise müssen Sie also zurückgehen und die Lautstärke anpassen. Es ist auch sehr wichtig, dass du deinen Mix in so vielen verschiedenen Umgebungen wie möglich über verschiedene Lautsprecher in verschiedenen Räumen und verschiedene Kopfhörer hörst. Hör dir den Mix in deinem Auto an, finde den billigsten und schlechtesten Lautsprecher, den du finden kannst. Sie können zwar sehr gut zu Ihren spezifischen Kopfhörern oder Lautsprechern mischen , aber Sie müssen bedenken, dass das Soundsystem bei jedem anders sein wird. Du willst also wirklich einen Mix machen , der in vielen verschiedenen Räumen und Lautsprechern und solchen Sachen am besten funktioniert . Es kommt sehr oft vor, dass Mixingenieure einen beschissenen Lautsprecher auf ihrem Schreibtisch haben , durch den sie den Track laufen lassen und dann Mix-Entscheidungen auf diesem wirklich schlechten Lautsprecher , weil die Leute oft Musik über diesen hören. Es ist auch eine gute Idee, andere Leute nach ihrer Meinung zu fragen. Wenn du Freunde oder Familienmitglieder hast , die sich ein bisschen mit Musik auskennen, schau, was sie darüber denken, was ihnen auffällt, weil vielleicht nicht ganz richtig klingt. Jemand außer dir, der ein völlig neues Ohr für einen Track hat, wird die Dinge wirklich deutlich hören. Wenn du keine musikalischen Freunde hast , die dir diese kritische Analyse geben können, sie gerne an das Klassenprojekt schicken. Wie ich bereits sagte, höre ich zu und antworte auf jeden einzelnen. Wenn du Hilfe oder Rat brauchst oder einfach nur möchtest, dass ich mir deine Band ansehe oder was auch immer, poste es gerne in dieser Beschreibung, ich liebe es wirklich zu hören, was sich die Leute einfallen lassen. Wenn dein Mix wirklich gut klingt und du damit wirklich zufrieden bist, ist der nächste Punkt von hier aus oft das Mastering. Mastering ist die Kunst, den Track als Ganzes zu mischen. Anstatt die Lautstärke jedes einzelnen Instruments auszugleichen oder jedes einzelne Instrument zu komprimieren, wirkt sich das Mastering auf den gesamten Track aus. Wir exportieren den Mix oft so, wie er ist, und bringen ihn dann in ein separates Projekt damit wir nicht an einem der Levels herumbasteln. Nun, ich finde, Mastering verdient wirklich eine eigene Klasse. Wir werden heute also nicht darüber sprechen, aber wenn Sie in einer Phase sind, in der Sie diese Musik veröffentlichen möchten, können Sie Programme wie Ozone 9 herunterladen. Dies ist ein Programm, das ich ständig verwende und das im Wesentlichen KI verwendet, um Ihren Track zu maskieren. Es ist super einfach. Alternativ kannst du deine Strecke an hochprofessionelle Unternehmen wie LANDR schicken , die deine Strecke mit einigen der besten Ingenieure und der besten Ausrüstung der Welt meistern besten Ingenieure und der besten Ausrüstung der , oft zu einem recht günstigen Preis. Das verleiht deinem Song wirklich das Sahnehäubchen klingt komplett und bereit zum Streamen. Wir sind so gut wie fertig. Ich werde in der nächsten Lektion ein paar letzte Worte sagen , also sehen wir uns dort. 19. Letzte Kurseinheit: Hallo Freunde, willkommen zurück, also habt ihr es geschafft. Du bist am Ende des Kurses hier und vielen Dank, dass du mich während des gesamten Kurses Ich hoffe wirklich, dass es für dich nützlich war und du viele gute Informationen daraus mitgenommen hast . Hoffentlich fühlst du dich jetzt etwas selbstbewusster , wenn es darum geht, in einen Mix zu gehen und den Song im Wesentlichen so zu gestalten, wie du ihn magst. Das versteht sich von selbst, aber es gibt noch so viel mehr über Mixing zu lernen. Es ist ein bisschen wie eine dunkle Kunst. Es gibt so viele verschiedene Techniken, Vorgehensweisen, verschiedene Plugins und Effekte, verschiedene Plugins und Effekte man herumspielen und mit denen man spielen kann. Es ist eines dieser Fächer, über die du einfach für immer lernen wirst und jeder macht die Dinge auch so anders , aber es ist im Grunde unmöglich wirklich in dieses Reich einzusteigen ohne zuerst die Grundlagen prophylaktisch und herunterzuspielen, wie dein Wissen über EQ und Komprimierung und all die Dinge über die wir in diesem Kurs gesprochen haben. Ich hoffe wirklich, dass dieser Kurs eine wirklich solide Grundlage für Sie gelegt hat . Es ist jedoch erwähnenswert, dass die Themen, die wir in diesem Kurs behandelt haben , allein ausreichen , um aus einer Mischung wirklich professionelle Sounds herauszuholen. Es gibt einfach so viele verschiedene Dinge über Mixing zu lernen und zu wissen. Wenn du etwas, das du in diesem Kurs gelernt hast, in deine eigenen Tracks umsetzt , erwäge bitte, es in dieses Unterrichtsprojekt zu schicken. Ich würde ehrlich gesagt gerne hören, was Sie vorhaben. Ehrlich gesagt, eines meiner Lieblingsdinge Unterricht ist die Interaktion mit Leuten, die ihre Mitarbeiter zu Recht schicken , macht mir immer den Tag, wenn ich eines auftauchen sehe. Wenn Sie teilen möchten, woran Sie gerade arbeiten, oder wenn Sie ein bisschen Feedback und Kritik zu einem Projekt wünschen , es gerne als Stack-Class-Projekt senden Ich würde mich im Allgemeinen freuen, zu hören, was Sie gemacht haben. Auch wenn Sie Fragen haben, Sie sich gerne an uns wenden. Ich beantworte jede einzelne Frage so gut ich kann. Du kannst sie entweder als Teil der Kursseite in die Diskussionen schicken oder mir gerne eine E-Mail oder eine DM auf Instagram schicken. Ich weiß, dass sie sich wie eine Art Trennung von Online-Lehrern und -Kursen und solchen Dingen anfühlen können Online-Lehrern und -Kursen und solchen Dingen , aber ehrlich gesagt, ich checke meine Diskussionen und meine E-Mails wie jeden Tag. Bitte zögern Sie nicht, uns zu kontaktieren und uns zu kontaktieren, wenn Sie möchten. Ich würde einfach gerne helfen, wenn ich kann. Zu guter Letzt, wenn Ihnen dieser Kurs gefallen hat oder Sie gute Informationen daraus gewonnen haben, ist eine positive Bewertung ehrlich gesagt sehr willkommen. Sie haben einen so großen Einfluss auf Leute wie mich, die diese Kurse besuchen. Es hilft wirklich mehr als du weißt. Wenn du die Zeit hast, würde ich das ehrlich gesagt sehr schätzen. Ich weiß, dass du sehr beschäftigt bist, viel zu tun hast, aber wenn du zwei Minuten um einfach ein Positivfeld zu nehmen und einfach zu sagen, danke Mike, du hast keine Ahnung, wie sehr mir das hilft und danke dir im Voraus, wenn du die Gelegenheit dazu hast. Das fasst die Dinge ungefähr zusammen. Vielen Dank, dass du hier geblieben bist. Wenn du in Kontakt bleiben möchtest, mich gerne auf Instagram hinzufügen oder du kannst meinen YouTube-Kanal besuchen, wenn du möchtest und ich werde dich sehr bald erwischen. Nochmals vielen Dank. Hab einen schönen Tag. Tschüss.