Transkripte
1. Intro: Wenn Sie dachten, dass der kreative
Prozess der Produktion eines Songs endet, nachdem jeder
Track aufgenommen wurde, liegen
Sie völlig falsch. Mixen ist einer der unterhaltsamsten, kreativsten und wichtigsten Prozesse, die
ein Produzent lernen kann. Es geht darum,
einen Track
herauszuschneiden und zu formen , um ihn zu
deinem charakteristischen Sound zu formen. Mit ein paar einfachen Effekten kann
ich
aus einer Aufnahme, die schwach, zäh und chaotisch klingt,
zu einem sauberen, vollen und professionellen Klang führen. In diesem Kurs wirst du
lernen, genau das zu tun. Hallo Freunde, wie geht's? Ich wünsche dir einen schönen Tag. Willkommen zu meinem
Anfängerleitfaden zum Mischen von Musik. Ich heiße Mike. Ich bin ein Vollzeitmusiker und
Musiklehrer aus Großbritannien. Ich spiele, schreibe
und produziere seit 13 Jahren Musik und bin auch Mitleiter einer mehrfach ausgezeichneten
Musik-Wohltätigkeitsorganisation namens TIME. Wir veranstalten Musiksessions
und Workshops für Menschen jeden Alters, jeder
Fähigkeit und jeden Hintergrunds. Ich bin auch ein Top-Lehrer
hier auf Skillshare, und ich hatte in den
letzten Jahren
eine Menge Spaß , hier Unterricht zu geben. In diesem Kurs
werde ich
dir alles beibringen, was du
über das Mischen von Musik wissen musst , um
unglaublich klingende Tracks zu erstellen. Dieser Kurs wird anfängerfreundlich
sein, also auch wenn du noch
völlig neu im Mixen bist, solltest du besser
mitmachen und das Ganze hinter dir lassen. Wir beginnen mit einigen
einfachen Vorbereitungen, um die Dinge aufzuräumen und die Arbeit zu
vereinfachen. Anschließend lernen wir, wie
Gain Staging und Volume Balancing funktionieren, um sicherzustellen, dass
alles klar und ausgewogen
klingt. Ich werde dir beibringen, wie du Kompression
einsetzt, um jeden Track
druckvoll und selbstbewusst klingen zu lassen. Anschließend
lernen wir etwas über EQ, um unsere Aufnahmen zu krümmen, zu
formen und
zu bereinigen. Wir werden
Panning, Reverb
und Delay aufschlüsseln, um einen 3D-Raum
zu schaffen, in dem unser Song existieren kann. Ich werde Ihnen auch beibringen, wie Sie diese Effekte mit
Automatisierung und Bussen
bewältigen können, um dem Mix
eine echte professionelle
Qualität zu verleihen . Und zu guter Letzt tauchen
wir in die Welt
der kreativen Effekte
wie Distortion, Exciter und Chorus ein, um unserem Track Flair und Interesse
zu
verleihen. Während des gesamten
Unterrichts werde ich selbst
einen Song mixen , damit Sie
genau sehen können , wie wir jedes
dieser Themen in einen Mix umsetzen. Das einzige, was Sie für diesen Kurs
benötigen, ist ein grundlegendes Verständnis
einer Audio-Workstation. Ich werde heute Logik
verwenden, aber ich habe dafür gesorgt, dass diese
Klasse angemessen ist, unabhängig davon, welche DAW Sie verwenden. Mischen kann sich wie ein sehr
entmutigendes und verwirrendes Thema anfühlen , daher ist es mein Ziel für diesen
Kurs, jedes
Thema wirklich in kleine,
mundgerechte Teile zu
unterteilen und es jedem
so einfach wie möglich zu
machen, die Grundlagen
aufzugreifen und zu lernen. Ich freue mich sehr darauf, ein paar Musikmedien zu
machen, ich hoffe, wir sehen uns im Unterricht.
2. Kursprojekt: Hallo Freunde, wie geht's? Vielen Dank, dass Sie mit
mir an meinem Mixing-Kurs teilgenommen haben. Ich hoffe wirklich, dass es für
dich nützlich ist und du eine Menge wirklich
guter
Informationen zum Mischen deiner eigenen Musik erhältst. Bevor wir mit dem Mixing beginnen, möchte
ich ganz kurz
über unser Klassenprojekt sprechen. Am Ende dieses Kurses wirst
du
eine Menge cooler Dinge
über das Mixen lernen , die du in deinen
eigenen Songs und Aufnahmen anwenden kannst,
und ich würde gerne hören,
was du dir einfallen lässt. Alles, was Sie aus
diesem Kurs in Ihre eigene Arbeit umsetzen , können
Sie gerne in unser Klassenprojekt einsenden
. Es wird ein sicherer
Lernraum sein, in dem wir
alle unsere Songs
oder kleinen Ideen posten können , und das kann alles sein, von einem komplett produzierten gemischten
Song mit etwa 100 Tracks bis
hin einem wirklich schönen Hallsound
, den du für eine Gitarre gemacht hast. Alles, was sich in dieser Stratosphäre befindet, du gerne in diesem
Klassenprojekt posten, und doch
, wer einen coolen Songwriter und Produzenten hat, kann darüber chatten. Ich antworte auf jedes
einzelne Projekt, bei Sie
also jemals Hilfe benötigen oder
zu dem Sie Rat benötigen, lassen
Sie es mich gerne wissen. Alles was Sie tun müssen, ist Ihren Sound oder
Ihren Track auf eine Website wie
YouTube oder SoundCloud
hochzuladen . Wenn du möchtest, kannst du
auch einen privaten
Link erstellen , falls du nicht
möchtest, dass ihn jemand anderes hört, und dann poste diesen Link einfach
in das Klassenprojekt, erzähle mir ein bisschen
über deinen Song oder was du Feedback geben möchtest, und ich melde mich so schnell wie möglich bei
dir. Bitte haben Sie keine Angst
davor, dort zu posten. Es ist so
wichtig als Musiker oder Künstler Feedback zu bekommen und mit anderen Künstlern
und Produzenten über die
Dinge
zu sprechen , die man macht. Das bedeutet, dass du viel
schneller vorankommst und
viele coole Dinge lernst. Bitte zögern Sie nicht, dort
zu posten, und ich freue mich sehr zu
hören, was Sie sich einfallen lassen.
3. Wichtige Mix-Lektionen: Bevor wir uns in
die Einzelheiten
des Mixens und so stürzen , muss
ich nur ein paar
wirklich wichtige Lektionen
durchgehen, die
entscheidend sein werden, um diesen Kurs wirklich zu verstehen und das Beste
aus ihm herauszuholen. Die erste Lektion ist,
nimm es richtig auf. Wir können beim Mixen eine Menge
cooler Sachen machen , um den Sound und
die Qualität einer Aufnahme zu verbessern. Aber es führt kein
Weg an der Tatsache vorbei
, dass
die Aufnahme eines Sounds von , dass
die Aufnahme eines Sounds Anfang an
entscheidend sein wird , um das
Beste aus diesem Sound herauszuholen. Nehmen wir an, während Sie aufnehmen , hören
Sie sich
einige Dinge an und der Raum klingt ein
bisschen komisch oder es ist ein seltsames Summen zu hören, oder vielleicht haben Sie einfach nicht die Aufnahme bekommen, nach
der Sie gesucht haben. Ehrlich gesagt, verbringen Sie so
viel Zeit wie möglich in dieser Aufnahmephase, um die
bestmögliche Aufnahme
zu erzielen. zweiten Lektion hören Sie sich diesen
Kurs an und tragen Sie, wenn
möglich, ein paar
anständige Kopfhörer oder halbwegs anständige Lautsprecher. Viele der
Beispiele, die ich mit
E-Queuing bei der Komprimierung
gegeben habe E-Queuing bei der Komprimierung werden von
einem Telefonlautsprecher oder
einem iPad-Lautsprecher so schwer zu hören sein. Um das Beste daraus zu machen, empfehle
ich dringend, Kopfhörer zu
tragen. Lektion Nummer 3, jeweils 1%. Viele der Beispiele, die wir durchgehen werden, werden nicht unbedingt
bahnbrechend klingen, wenn wir anfangen, mit ihnen zu experimentieren. Aber meine Denkweise hinter dem Mixen ist, dass wir jeweils nur einen Unterschied von
1% machen. Wenn wir lange
genug auf einer Strecke verbringen, verdienen
wir hier ein bisschen 1%, dort
ein bisschen 1%. Im Laufe von
ein paar Stunden nehmen wir genug
dieser kleinen Änderungen vor, diese kleinen Prozente, und es wird
einen großen Unterschied ausmachen. nächste Lektion, wenn Sie können, mir zu
folgen, wird viel einfacher sein, als diese Lektion anzusehen
und dann zu versuchen, sich später an
einige Dinge zu erinnern und sie zu wiederholen. Wenn du einen
Track oder eine Aufnahme machen kannst und während ich über
E-Queuing oder so spreche, wenn du gleichzeitig
damit herumspielen kannst, wirst
du das alles auf eine Weise aufnehmen, viel schneller, als wenn du dir
nur die Videos ansehen würdest. Wenn es ein Lied ist,
das dir wichtig ist, speichere eine Kopie, um damit herumzuspielen und einfach
wirklich zu experimentieren, und dann kannst du
immer einfach zu
deinem Standardlied zurückkehren , wenn
du dich ein bisschen verirrst. Die nächste Lektion wird sein, hinter
allem, was Sie tun, eine Absicht zu haben. In
diesem Kurs werden wir wirklich lernen was jede
Mischtechnik bewirkt. Was ich wirklich möchte, ist, dass
du
dich fragst , wenn du kurz
davor bist, in eine Mischung zu gehen, was möchte ich daran
ändern? Wenn du zum Beispiel eine Gitarre
mischst, anstatt sie einfach
mit vielen Effekten zu versehen, nur weil
du denkst, dass du das tun solltest, höre sie dir
genau an und überlege, wie kann ich den Sound verbessern? Welche Tools stehen
mir zur Verfügung, um es
so zu beeinflussen, wie ich es möchte? Beim Mixen geht es darum, ein Musikstück
anzuhören, herauszufinden, was
geändert werden muss, um ein besseres Ergebnis zu erzielen, und dann die entsprechenden
Tools zu verwenden, um es zu ändern. Um mir da zu widersprechen, die nächste Lektion ist, dass es keinen wirklich
richtigen Weg
gibt, um zu mischen. Es ist ein sehr
kreativer Prozess, genau wie das Schreiben eines Songs. Ich weiß noch, als ich das
erste Mal Mixen gelernt
habe, war ich sehr frustriert über
Lehrer, weil ich
einfach wissen wollte welche
Kompressoreinstellungen ich auf mein Schlagzeug lege oder welchen Hall
ich auf meine Gitarre lege, aber so funktionieren
die Dinge einfach nicht. Ich sage, es ist wie ein künstlerischer, kreativer Prozess an sich. Wie ein Kompressor auf
einem Schlagzeug funktioniert einem Schlagzeug völlig anders als
auf einem anderen, und es
hängt sehr davon ab, für welche Art von Song
du dich entscheidest.
Wir wissen auch, ob du einen
Gesangs- und Gitarrentrack machst, wie Wir wissen auch, ob du einen
Gesangs- und Gitarrentrack machst, du diesen Track
komprimierst,
den EQ und den Mix machst, wird sich einer 10-köpfigen Band
stark unterscheiden. Es geht wieder darum, wirklich zu wissen, was
all diese Tools tun. Wie bereits erwähnt,
analysieren und ändern, was geändert
werden muss. Aber ich weiß, dass es ein
bisschen beängstigend sein kann, wenn ich denke, oh, ich habe keine Grenzen oder
Dinge, an die ich mich wirklich halten kann. Aber ich denke, hier kann man einfach richtig komisch und
experimentierfreudig damit umgehen. Wie gesagt, es gibt
keine richtige Art zu mischen. Oft kommen die coolsten
Tracks von denen, die wirklich
Grenzen überschreiten und sich nicht an
die Regeln halten und so. Zum Beispiel wurde eines
meiner Lieblingsalben aller Zeiten For Emma, aller Zeiten For Emma,
Forever Ago von Bon Iver in einer Holzhütte
aufgenommen. Keine Soundinstallation,
kein richtiges Studio, ein ziemlich billiges Mikrofon und eine sehr, sehr einfache Tür. Das Album ist voll von
seltsamem Summen und Knarren und Raumgeräuschen, und das würde
einer sehr professionellen
Art, einen Track aufzunehmen, absolut widersprechen. Aber ich liebe es absolut und es ist all diese Verrücktheit
, die ihm Charakter verleiht. Sobald Sie wissen, wie
Sie die Tools verwenden, verwenden Sie sie so, wie
Sie es für am besten halten. Ich werde Ihnen einige sehr
grundlegende Parameter geben , an denen Sie sich orientieren sollten. Aber wie gesagt,
experimentiere damit. Du willst wirklich
herausfinden, welcher Produzent und welcher Mix-Engineer
du persönlich bist, genauso wie was für ein
Songwriter du persönlich bist. Jeder wird einen anderen Geschmack
in Bezug auf Musik und Songwriting
haben , genauso wie jeder einen
anderen Geschmack beim Mixen haben
wird . Um daran anzuknüpfen,
ich weiß, es klingt klischeehaft, aber Übung
macht wirklich den Meister. Es ist ziemlich knifflig, Geräusche mit Worten zu
erklären. Manchmal gibt es einfach keine Möglichkeit etwas wirklich
mündlich zu erklären , ohne dass Sie wirklich reingehen und diese
Dinge selbst ausprobieren. Wie bei allem anderen gilt:
Je mehr Sie es tun, desto schneller
können
Sie erkennen, welche Frequenzen nicht ganz richtig passen oder welche Kompressoreinstellungen Ihnen am besten für Gesang
gefallen. Das findest du nur heraus
, indem du übst. Mein größter
Ratschlag, um diese Lektion
abzurunden , ist, diesen ganzen
Prozess einfach unterhaltsam zu gestalten. Nimm es nicht zu ernst, hab Spaß daran, einfach mit Dingen
herumzuspielen. Sie keinen Druck auf
sich aus, sofort zu versuchen , wie der
Top-Engineer zu
mischen. Nehmen Sie sich einfach so lange Zeit, wie Sie benötigen, um
jedes dieser Tools wirklich herauszufinden, was sie tun, welche
Geräusche sie erzeugen. Machen Sie es lustig, machen Sie es regelmäßig und Sie werden in kürzester Zeit ein
absoluter Profi sein. Genug, der Jap Run-On, lassen Sie uns jetzt tatsächlich
in die Mischung eintauchen. Wir sehen uns in der nächsten Lektion.
4. Der Song, den wir mischen werden: Um all
das Mixing
zu demonstrieren , über das wir heute sprechen werden. Ich werde
einen Abschnitt eines Songs mischen
, an dem ich mit ein paar Freunden
gearbeitet habe Um
euch eine gute Vorstellung von
dem Track
zu geben , werden wir heute mischen. Ich werde es einfach
durchspielen. Wir werden nur den Mittelteil
mischen. Nur damit es nicht
so überwältigend ist. Nur damit du dir
des Songs bewusst bist ,
den wir mischen werden. Ich spiele
es jetzt für dich. Dann geht es dort in einen etwas anderen
Abschnitt. Aber es ist dieser erste Teil,
das Geld, dieser Mittelteil, auf den
wir uns heute konzentrieren werden. Nun, es lohnt sich zu sagen
, dass das überhaupt nicht gemischt ist. Wenn Sie erkennen könnten, dass die Lautstärke
überall
ist, können sogar viele Instrumente gehört werden. Was erreichen,
spiele das auch, weil es einfach
ein bisschen chaotisch ist. Aber hoffentlich gibt
dir das einen groben Überblick und das Genre des Songs
und wo wir hingehen. Lass uns eintauchen und anfangen, etwas von diesem Chaos zu
klären. Sherry, wir sehen uns
in der nächsten Lektion.
5. Mischungszubereitung: Hallo Freunde, willkommen zurück. In der nächsten Lektion werden
wir über gemischte Zubereitung
sprechen, was vielleicht schwach klingt. Aber glaub mir, das macht den ganzen Prozess viel
weniger überwältigend und es
macht es einfach viel schneller und einfacher, den Track zu mischen und durch den Track zu springen
. Ich mag es immer,
Dinge in
Schritte zu unterteilen , um es so
einfach wie möglich zu machen. Nummer 1, das mag offensichtlich
klingen, aber wähle deine besten Takes. Das meiste habe ich schon gemacht, weil es eine Weile dauert. Du willst einfach durchgehen und all deine besten Leistungen
auswählen. Es mag wie eine Strophe sein, in der dir der erste Gesangsteil besser
gefallen hat als der zweite. Oder du möchtest vielleicht
jede Gesangslinie kürzen, wenn
du
richtig und großartig damit werden willst . Dann
klingt der zweite Schritt naheliegend, aber lösche einfach alles, was
du nicht brauchst. Jede schlechte Aufnahme vielleicht
ein paar Ideen, mit denen Sie experimentieren, mit denen Sie einfach
nicht ganz geklappt haben, einfach weiter und löschen Sie sie. Als Nächstes werden wir jeden Track
richtig beschriften. Es ist wirklich einfach,
in die Falle von Gitarre 1 oder Instrument 1 oder Audioeingang 5
oder
was auch immer Sie wissen, zu tappen. Das bedeutet, dass Sie
sich ständig
daran erinnern müssen , welcher Track welcher ist. Verbringen Sie einfach ein bisschen
Zeit damit, alles
durchzugehen und einfach
alles seinen richtigen Namen zu geben. Ganz wie Factor,
das ist in Ordnung und Lead, Gitarre, Harmony und
so weiter so. Nur damit alles
wirklich klar ist und ich ändere auch
gerne das Symbol. Einfach nochmal, einfach
ein netter Ort zum Verweilen, eine nette, einfache Art, durch die Strecke zu
schauen. Bei Logik können Sie mit der rechten Maustaste klicken und Ihre
Symbole von dort aus auswählen. Ich werde nur
eine Minute damit verbringen, das zu tun. Wir haben
dort eine viel klarere Vorstellung davon , was die einzelnen Tracks sind. Ich schätze, ein bisschen [unhörbar] hier unten mit
all diesen verschiedenen Vocals. Aber was wir später
tun werden, ist diese in einen Ordner
zu stapeln. Ich habe nicht das Gefühl, dass ich sie
zu sehr etikettieren muss. Aber auch hier wurden Dinge
wie
die Gitarren, der Hauptgesang und all diese Dinge jetzt
gut beschriftet. Als Nächstes organisiere
die Tracks einfach in einer Reihenfolge
, die für dich gut funktioniert. Das ist für jeden anders. Manche Leute mögen es, wenn der
Gesang oben sitzt, andere Leute mögen es, wenn die
Trommel oben sitzt, und dann den Bass und die Gitarre und sie
machen so. Gruppieren Sie sie einfach so, wie es Sinn macht. Ich habe wirklich
gerade alle
wichtigen Instrumente nach
oben geworfen . Dann habe ich den ganzen Gesang
eher nach unten gerichtet. Um diese zu verschieben, können Sie
einfach die
gewünschten auswählen und
sie dann nach oben und unten ziehen. Das wäre bei jedem Doyle,
den Sie verwenden, ziemlich ähnlich. Als nächstes folgt die Farbcodierung.
Wie Sie hier sehen können, sind die
meisten Spuren
blau, was in Ordnung ist. Aber was wir tun können,
um es uns ein bisschen
einfacher zu machen , ist sie alle
farblich zu codieren. Das wird bei jedem Doyle ein bisschen anders sein. Möglicherweise müssen
Sie selbst ein bisschen
googeln , wenn
Sie dies tun möchten. Was Logik angeht, gehen wir zu Logic Pro, den Einstellungen und gehen zur Anzeige. Dann gehen wir zu Tracks. Dann können wir automatisch
eine 24-Farbe oder eine 96-Farbe zuweisen ,
je nachdem, was Sie möchten. Und hier können wir in
einige andere Einstellungen eintauchen ,
sodass wir
jeden einzelnen Track
mit einer anderen Farbe behandeln können . Wenn Sie dort sehen, haben
wir es ausgewählt. Dann wird jeder eine andere Farbe
zuweisen. Wenn wir nun
sagen wollen, dass wir all
diese Dinge auf sehr einfache Weise gruppieren , können
wir sie einfach alle auswählen, mit der rechten Maustaste klicken und dann
zu einer Soundtrack-Farbe wechseln. Wir können
sie einfach alle nach Gruppen ändern. All diese seltsamen
Gesangssitzungen denen
wir wissen, dass sie alle
zusammengefasst sind. Wir können einfach die Strecke durchgehen und sie so ausmalen, wie wir wollen. Als Nächstes
gruppieren wir Instrumente und erstellen
Track-Stacks. Das ist wirklich nützlich,
wenn du
eine Menge Vocal-Stacks hast , mit denen du arbeitest, wie dieser Track. Oder wenn Sie
eine Schlagzeugaufnahme haben ,
bei der Sie etwa 10 verschiedene Mikrofone
verwendet haben , können Sie
all diese Dinge zusammenfassen und sie wie
eine bestimmte Datei
behandeln und sie
verstecken
, sodass Sie nicht ständig durch
Tonnen und Tonnen von Tracks
scrollen. Wenn es darum geht, nur
am Schlagzeug und am Gesang zu arbeiten , tauchst
du einfach in diesen Ordner und alles öffnet sich für dich. In diesem Beispiel werde ich diesen seltsamen Vocal-Stack
verwenden. Es wird bei jedem Doyle ein
bisschen anders sein, aber Sie sollten in der Lage sein,
Ordner zu stapeln , egal welchen
Doyle Sie verwenden. In Logic wollen wir nur alle Titel
auswählen. Wir wollen Gruppen zusammen haben. Rechtsklick. Dann wollen wir zu Create Track Stack
gehen. Es wird uns
zwei verschiedene Einstellungen geben. Der Ordnerstapel wird
sie buchstäblich nur gruppieren, sodass wir den Ordner herausnehmen
und erneut verkleinern
können, was für die Organisation in Ordnung ist. Aber ein Summing-Stack ermöglicht es uns
im Wesentlichen, Effekte zu erzeugen oder die
Lautstärke des gesamten Stacks anzupassen. Das ist bei Schlagzeugen sehr nützlich wenn Sie
das gesamte
Schlagzeug leiser stellen möchten, anstatt jedes
einzelne wie das Mikro leiser zu stellen, wir können alles auf einmal machen. Wenn Sie Logik verwenden, empfehle
ich Summing Stack, wenn Sie etwas
anpassen möchten. Wir können hier sehen, dass all diese Vocals in diesem
einen Track zusammengefasst sind, den wir öffnen und bearbeiten
oder schließen können, und dann haben wir einen etwas genaueren Blick in
die Timeline geworfen. Wir können diesen Stack auch benennen, also seltsame Vocal-Stacks. Dann ja, wir können die
Lautstärke an diese oder die Verstärkung oder wo auch immer anpassen und
es ist viel einfacher. Wir könnten
für all diese Dinge dasselbe tun. Ich weiß, dass das alles
nur die Versharmonien sein werden . Ich kann einen Track-Stack mit
Vocal-Harmonys erstellen. Das hat nur
die schiere Menge an Dingen, die
wir durchblättern mussten, reduziert . Es macht die Dinge einfach einfacher und das macht
für mich jetzt mehr Sinn. Als Nächstes
löschen wir den leeren Sound. In vielen Aufnahmen
wie dieser ist es
zum Beispiel die
Akustikgitarre. Bis hier drüben ist eigentlich kein Ton zu hören. Nochmals, nur um wirklich
klar zu machen , wo jedes Instrument rein und raus
kommt, lösche
ich gerne
den ganzen leeren Sound, ohne etwas
für den Track zu tun. Wenn Sie ein bisschen
Low-End-Rumble oder etwas Seltsames mögen, können Sie das
natürlich gerne lassen. Aber ich mochte ja, lösche so viel leeren
Sound wie möglich. Das könnte so einfach sein wie kürzen, anziehen und einfach
herausfinden, wo es aufhört. Oft gibt es einen einfacheren
Weg, dies zu umgehen. Wenn wir den Titel auswählen, wollen
wir, dass das
Geräusch entfernt wird. Dann zur Logik, gehen wir zu den Funktionen und entfernen die
Stille aus dem Audiobereich. Auch hier wird es
bei jedem Doyle ein bisschen
anders sein , aber es sollte etwas Ähnliches sein. Dann wollen wir nur
den Schwellenwert so anpassen , dass wir die Stille
entfernen. Nun, damit kann man natürlich ganz
gezielt werden. Ich würde jedoch empfehlen, locker wie möglich
zu sein,
damit Sie nichts von der schönen Resonanz herausschneiden. Ungefähr da ist es in Ordnung, nur grob die Stille zu unterbrechen. Wir drücken auf
Okay und du kannst
dort sehen , dass es für uns einfach mit dieser Stille
[LÄRM] unterbrochen ist. Ich gehe einfach
durch und mache dasselbe für jedes Instrument, das Stille
enthält, oder
wir können die Abkürzung,
den Pfeil und x verwenden , zwei einfache, rufen das auf und gehen
einfach sehr schnell durch und sortieren das. Ich würde empfehlen, es einzeln zu
machen damit Sie
sicherstellen können, dass Sie nichts auf Wanted
ausschneiden nichts auf Wanted
ausschneiden und alles wirklich
genau ist. Auch das sieht für mich jetzt
viel klarer aus. Darüber hinaus können wir jetzt Crossfades
erstellen
und Dinge generell ein- und
ausblenden. Manche Dinge
kommen zum Beispiel etwas plötzlich rein,
wie diese Gitarre,
wie diese Leadgitarre zum Beispiel, wird offensichtlich ausgeschnitten sodass
wir, anstatt plötzlich auf logische Weise zu
enden, die
Shift-Control-Taste drücken und dann eine Linie
ziehen und es wird
ein Fade-Out erzeugt. Dafür
muss man zum Beispiel etwas früher ausblenden oder sogar etwas
früher ausblenden , damit es dort endet. Wir können das einfach
zurückschneiden und dann
Shift und Control drücken und
eine Linie zeichnen und das
wird ausgeblendet. Du siehst, dass diese Zeile es zum Erliegen
bringen
wird und es
wird einfach natürlicher verblassen als nur
plötzliche Endungen. Wir können das durchgehen und
das mit jedem machen, wenn du willst. Hab nicht das Gefühl, dass du jeden einzelnen Track
haben musst, sondern einfach irgendeinen kleinen
Ausschnitt haben oder einfach einen plötzlichen Knall machen, wenn du ihn einlädst. Das ist zum Beispiel eine kratzige
Gitarre, wir einfach ein bisschen
machen könnten macht es einfach ein bisschen schöner. Was wir aber auch
tun können, ist Crossfade. Falls du mal
zwei Takes hast und du versuchst, sie
zusammenzufügen und da
drüben ist ein seltsames bisschen Crossover, es ist wie ein Pop oder es übergeht einfach nicht ganz natürlich von einem Typ zum
anderen, wir können ein Crossfade mit exakt
derselben Technik erstellen, also control Shift und wir könnten einfach ein kleines Crossfade und es wird
einen nehmen reinlegen und es wird
einen nehmen und
runter, während
die anderen hochkommen. Sie werden sich sehr nett
treffen. Gib einfach ein
sehr natürliches Geräusch ab. Um es uns noch einfacher
zu machen, können Sie oft einfach ein
Standard-Crossfade anwenden. Wenn Sie zum Track gehen, möchten
Sie Ihre
Crossfades einfügen, indem Sie zu den
Funktionen gehen und dann die
Standard-Crossfade anwenden. Dadurch werden alle
Crossfades dort angewendet, wo sie benötigt werden. Als Nächstes können wir einige
Abschnitte am Anfang unseres Tracks erstellen, sodass wir ganz einfach
wissen können, wo die Strophe und der
Refrain und die Brücken sind. Ist sehr optional, aber auch hier
hilft es Ihnen, einfach herumzuhüpfen
und beschleunigt die Dinge. Logik angeht, wir wollten die globalen Tracks
hier
zeigen und dann kannst du
diese Arrangement-Markierung sehen, damit wir
auf hier
zeigen und dann kannst du
diese Arrangement-Markierung sehen, damit wir Plus klicken und du kannst sagen, dass es einen Markt für
ein Intro für uns
hinzufügt damit wir wissen, dass das Intro ungefähr dort
endet. Wir können es einfach ausdehnen und dann erneut auf Plus drücken und es wird
standardmäßig eine Strophe angezeigt. Wir können einfach so weitermachen und
sie umbenennen
, so dass sie passen, was auch immer passt. Es ist wie ein
Versabschnitt, den ich für mich hören muss. Wir machen einfach
so weiter und es macht es wirklich einfach, auf der
Strecke zu springen. Wenn du willst, kannst du diese auch
entfernen, sodass
wir mit der rechten Maustaste klicken und das Tempo
wegnehmen können, die Signaturmarkierung
würde das
auch loswerden, sodass wir einfach die Summenabschnitte
oben dort oben
haben können . Wenn ich mir
diesen Track so ansehe, wie er ist, ist das für mich viel klarer als der, wo wir am Anfang
waren. Es wird einfach
viel lustiger und zugänglicher
sein , jetzt
reinzugehen und Dinge zu optimieren,
als nur
zwischen wirklich verwirrenden
Titelnamen und solchen Dingen zu kämpfen . Das sieht alles wirklich gut aus, aber es gibt
noch einen weiteren Schritt, den ich gerne mache, wenn ich mich auf einen Mix vorbereite ,
und das ist das Importieren
eines Referenztracks. Ein Referenztrack
wird sehr
hilfreich sein , wenn wir
den Mixprozess beenden. Es ist sehr einfach, wenn man immer
wieder anzieht , um sich an
den Sound zu gewöhnen, den man gemacht hat. Wenn wir nicht wirklich
hin und her mit einem Song
vergleichen, der ein
Industriestandard ist, ist
es ziemlich schwierig, auf dem
richtigen Weg zu bleiben und sich bewusst zu sein,
was Sie anstreben. Denke darüber
nach, welches Genre oder welchen Stil du replizieren oder auf den du
hinarbeiten willst und es ist oft hilfreich ein paar
Tracks wie zwei oder drei zu nehmen, aber für heute schnappe ich mir
einfach einen. Ich entscheide mich für einen Bon Iver, Phoebe Bridges Style
mit diesem Track, und einer der Songs
, die mich
beim Schreiben dieses Songs wirklich inspiriert haben, war
Blood Bank von Bon Iver. Ich habe den
Referenztrack heruntergeladen und ziehe ihn einfach hier nach
unten. Bewege es natürlich vom
Track weg, damit es nicht abstürzt, sondern nur so, dass du
rüberspringen und, nachdem du es gehört hast, zu deinem
zurückkehren kannst . Denken Sie jedoch daran, dass
Ihr
Referenz-Track oft bis zur höchsten
Lautstärke gemastert wird , die er erreichen kann Seien Sie
also immer ausgewogen
und
die Lautstärke der Referenzspur
entspricht der Spur, an der
Sie gerade arbeiten. Sie sich nicht zu viele Gedanken
darüber, sofort
die gleiche Lautstärke zu erreichen. Das ist es, worum es
beim Mastering geht, aber ein Referenztrack wird im
Laufe der Zeit sehr wichtig sein . Lass uns ihre Spuren von
dir löschen und wenn du bereit bist, lass uns mit der nächsten
Lektion beginnen. Wir sehen uns dort.
6. Gain Staging: Hallo zusammen, willkommen zurück. In der nächsten Lektion werden
wir über Gain Staging
sprechen. Aber bevor wir uns damit befassen, was ist überhaupt Gewinn? Du siehst Gewinne, den
Prozess,
absolut überfallen zu werden, so wie
ich. Nein, ich scherze nur. Verstärkung ist im Wesentlichen der Pegel der
Toneingabe. Heutzutage wird es sehr oft mit der Lautstärke
verwechselt, sich um die Ausgabe
des Sounds handelt. Nun, sie scheinen sich sehr ähnlich zu sein, aber Lautstärke und Verstärkung sind eigentlich zwei
verschiedene Dinge. Ich stelle
es mir gerne wie eine Gitarre vor. Wenn Sie eine Gitarre
an den Verstärker anschließen, haben
Sie einen Gain-Regler, und wenn Sie diese
Verstärkung ganz nach oben drehen, erhalten
Sie eine verzerrt
klingende Gitarre. Sie passen
den Eingangspegel so an , dass er übersteuert wird. Sie können jedoch
mit einem Lautstärkeregler steuern
, wie laut die Gitarre immer noch ist. Sie können
eine verzerrt klingende
Gitarre bei niedriger Lautstärke erzeugen . zwar nicht viele rockig scheinen zwar nicht viele rockig
verzerrte Gitarristen zu tun, aber
so stelle ich mir das gerne vor. Lautstärke steuert die Lautstärke, wohingegen die Verstärkung den Ton
und den Eingang des Kanals steuert . In geht Gain, Out goes Volume, falls
das Sinn macht. Was ist vor diesem Hintergrund Gain Staging? Gain Staging stellt
das Gain-Balance
für jedes der
Instrumente in unserem Track
korrekt das Gain-Balance ein. Das ist entweder eine Anpassung
der Verstärkung nach oben oder nach unten. sodass ein bestimmter Sweetspot erreicht wird, wodurch Rauschen
und Verzerrungen minimiert werden. Es stellt aber auch sicher, dass
Sie aus dieser Aufnahme den
bestmöglichen Sound
herausholen. Es ist auch wirklich nett,
denn wenn wir all unseren Tracks den gleichen Sweetspot geben, bedeutet das,
dass alle unsere Instrumente auf dem gleichen Pegel
sitzen, also ist es viel netter und schneller wenn es darum geht, die Lautstärke zu mischen
und anzupassen. Es ist wirklich wichtig,
diesen Schritt zu machen, bevor wir Mischen beginnen, wie etwa Kompression
oder EQ oder so, zuerst das Gain-Staging erledigen
und wir haben eine wirklich gute
Grundlage, von der aus wir arbeiten können. Bevor wir mit
der Anpassung der Verstärkung der einzelnen Spuren beginnen, möchten
wir sicherstellen, dass alle Lautstärken auf Null dB eingestellt sind. Wie Sie hier sehen können, wollen
wir nur
sicherstellen, dass die Zahl auf Null
steht, oder wenn wir von hier oben
arbeiten, wollen
wir sicherstellen, dass sie bei Null dB
alle neutral sind. Wir wollen auch sicherstellen, dass keines der Instrumente schwenkbar ist, also dieses Zifferblatt hier, das
wir für das Schwenken verwenden, dazu kommen
wir später. Aber ja, wir werden nur
sicherstellen, dass alles
zentral ist und alles
auf dem gleichen Niveau ist. Was die Logik angeht, um die
Verstärkung einer beliebigen Spur einzustellen, klicken
wir einfach auf die Spur, wir wollen die Verstärkung einschalten, drücken diese kleine i-Taste
und hier siehst du, dass es
eine Option zum Anpassen der Verstärkung gibt. Oder wenn Sie möchten, können Sie in den Mixing-Bereich
gehen und wir können hier eine Gain-Einheit hinzufügen, wenn wir sie
in einer Plugin-Form verwenden möchten. Aber ich benutze
es sehr gerne auf dieser Reise, also werde
ich das heute tun. Um die Stufe zu erhöhen,
müssen wir die Verstärkung so einstellen , dass das Audio einen
bestimmten Audio-Sweetspot erreicht. Jetzt können wir diesen Sweet
Spot auf zwei verschiedene Arten finden. Am besten verwenden Sie ein
sogenanntes DBVu-Messgerät. Ich hinterlasse in der Beschreibung einen kostenlosen Download-Link dazu. Oder Sie können den
Lautstärkeregler Ihrer DAW verwenden, um
eine Vorstellung davon zu bekommen , wo sich die
Lautstärke befindet , und es stattdessen
so machen. Hi, ich bearbeite. Ich werde nur hier und da
vorbeischauen , um dem, was ich sage
, etwas mehr Kontext hinzuzufügen. Nur um etwas mehr über Dezibel und dBFs und
solche Dinge zu erfahren. dBFS und dBVu sind nur verschiedene Arten
der Volumenmessung. DBFS ist die digitale
moderne Version. DBVU ist eher eine analoge Methode der alten Schule zur Volumenmessung. Da sie
auf unterschiedlichen Systemen basieren, funktionieren
sie ein
bisschen anders. Aber alles, was Sie wirklich wissen
müssen, ist, dass es nur eine Methode ist, eine Lautstärke zu
messen, und die analoge Methode der alten Schule, dBVu, ist eher
der Goldstandard, den man anstreben sollte der Goldstandard, den man anstreben wenn man Dinge
wie Gain Staging anstrebt. Aber wenn wir mit
modernen DAWs arbeiten, werden wir fast ausschließlich
in Dezibel oder dBFS arbeiten. Es ist auch erwähnenswert, dass,
wenn wir über Null Dezibel gehen, das Signal Spitzenwerte erreicht, was oft zu Verzerrungen
und einfach zu unangenehmen Geräuschen führt . Wir wollen fast nie über Null Dezibel steigen. Wenn ich z. B. diese Gitarre spiele kannst
du dort die
Lautstärkemessung sehen. Dies ist ein Messwert in
Dezibel oder dBFS. Ein bisschen technisch, aber
im Wesentlichen schauen wir uns hier
die Zahlen und Messwerte
auf dem Füllstandsmesser an. Der genaueste Weg um zu diesem
Audio-Sweetspot zu gelangen, ist, wie gesagt, ein dBVU-Messgerät zu
verwenden. Wir können das
kostenlos online herunterladen. Wenigstens sind sie im Moment
frei. Sie sehen ein
bisschen so aus. Was wir
anstreben, ist, den Ton
auf Null dBvu zu bringen . Nochmals, wenn ich diese Gitarre spiele, können
wir sehen, dass es tatsächlich
ziemlich nah dran ist. Aber wenn wir das anpassen wollen, können
wir einfach auf die Gitarre klicken und zum Gain gehen. Wir wollen nur
ein bisschen nach oben gehen
, damit es diese Null erreicht. Auf ein bisschen mehr. Offensichtlich wird
jedes Instrument
die Lautstärke erhöhen und verringern. Das liegt in
der Natur jedes Instruments. Was wir
hier wirklich anstreben, ist, es so nah
wie möglich an diesen Null-DBvu zu bringen . Wenn es ein
bisschen übergeht, ist das okay. Ich neige dazu,
es gerne unter Null zu halten, wenn ich kann. Aber das kommt mir ziemlich nahe. Ich musste
dort nur
eine kleine Anpassung bei 1,6 Dezibel vornehmen. Das ist alles, was wir tun,
ist,
jede Spur durchzugehen und die Verstärkung
so
einzustellen , dass sie so nah wie
möglich an diesem Null-DBvu liegt. Nun, wenn Sie das wirklich nicht in die Hände
bekommen können oder Sie nur in einer Notlage sind, sagen viele Leute auch, dass Sie minus 18 dBFS anstreben
sollen, was wir an
unserem Lautstärkemesser sehen können. Ich finde, dass wir die meiste
Zeit versuchen,
das Gleichgewicht zu finden , das
bei etwa minus 18 und unser Höhepunkt
bei minus zehn ist. Das ist in der Regel ein ähnlicher
Bereich wie dieser Null-DBVu. Wenn wir hier einen Blick darauf werfen, schauen
wir uns diesmal stattdessen unseren
Volumenmesser an. Wir können sehen, dass wir um 18 Uhr
sehen, ein bisschen mehr
Muskelmasse, um die 10, was ungefähr hier ist. Das ist für mich ein ziemlich gutes Niveau
. Behalte das im Hinterkopf. Wir streben etwa Null dBVU an
oder erreichen einen Spitzenwert von minus 10 dBFS. Ich wähle hier alle
unsere Tracks aus und rufe
das DBVu-Messgerät für alle auf. Einfach so. Ich werde es
einfach eins nach dem anderen
durchgehen und
das Spiel so anpassen , dass es
ungefähr Null dBVU erreicht. Während wir das tun, wollen
wir den lautesten Teil des Tracks wiederholen, auf
den wir uns konzentrieren können. Du kannst hier mit dem Bass sehen, wir gehen weit rüber. Wir wollen dieses Spiel beenden. Nun
wird natürlich jedes Instrument ein
bisschen anders sein. Bei Instrumenten
mit viel Dynamik, insbesondere Schlagzeug, bei dem
plötzlich druckvolle Sounds zu hören
sind, müssen wir die Bühne
etwas anders gestalten. Zum Beispiel erreicht dieses Recht nicht ganz den
Null-DBVu. Wir würden darüber nachdenken, es aufzunehmen, aber wenn wir auf
unseren Pegelmesser schauen, nehmen
wir das Signal auf, was bedeutet, dass
wir
Verzerrungen bekommen und es
wird einfach nicht sehr gut klingen. Es wird auch
mit allem anderen
sehr unausgewogen klingen . Wir können nicht zulassen, dass es seinen Höhepunkt erreicht, was bedeutet, dass wir
es herunterfahren müssen und das ist in Ordnung. Nicht jedes Instrument
wird in der Lage sein
, diesen digitalen
Sweetspot auf diesem VU-Meter zu erreichen . In einem Fall wie diesem werde
ich noch einmal auf die Füllstandsanzeige
schauen und versuchen, sie
bei minus 18 stehen zu lassen und stattdessen den
Höhepunkt bei 10 zu erreichen. Aber auch hier, wenn wir
es so nah wie möglich an
Null dBvu bringen können , ist das auch großartig. [LÄRM] Das ist gut, es
ist ungefähr 18 Uhr
dort und sie erreichen ihren Höhepunkt
um etwa minus 10. Ich bin cool. Leider kann ich diesen Sweet Spot nicht
kennenlernen, aber das ist absolut in Ordnung. Tritt da ziemlich gut rein. Da sitzt auch eine Orgel herum, was gut ist. Für jedes einzelne Instrument, wie diese Gitarre, ist es
nur ein bisschen schwierig,
genau zu bestimmen, wo es sich befindet. Ich schaue nur ständig
zwischen meinem Pegelmesser und
meinem DBVu-Meter, ich versuche,
es einfach so nah wie möglich einzuwählen. Aber vieles davon ist
wie eine sanfte Wissenschaft. Es muss nicht exakt sein. Wir suchen nur nach
einem guten Baseball-Niveau. Die meisten Tracks
wurden dort also ins Stocken gebracht. Nun, wir müssen nur
diese Gesangsharmonien machen ,
aber was wir tun können, ist etwas ziemlich
Cooles, um ein bisschen
Zeit für Instrumente zu sparen , die einem nicht zu sehr ins Gesicht fallen, Dinge wie
Hintergrundgeräusche oder Harmonien, besonders solche wie
diese, die nur ein oder zwei Zeilen gewinnen, eine Inszenierung,
die nicht ganz so wichtig ist. Was wir tun können, ist eine
sogenannte Audionormalisierung. Dadurch wird
die Verstärkung im Wesentlichen an
jede Region angepasst , sodass
ein bestimmter Höhepunkt erreicht wird. Wenn wir alles auswählen, was
wir anpassen möchten, gehen
Sie zu den Funktionen und wenden Sie hier die Option Normalize
Region Gain an. Dann können wir wählen,
ob wir
einzelne Tracks oder
einzelne Regionen haben wollen , wir entscheiden uns für Regionen,
weil wir
Liebesregionen ausgewählt haben , und dann, wie
wir bereits sagten, streben
wir einen Spitzenwert von
minus 10 an, [LACHEN] wenn das ein Wort ist. Also können wir
hier minus 10 eingeben und
auf Anwenden klicken und dann werden all diese kleinen Regionen
auf etwa minus 10 erhöht. Siehst du, sie wurden dort
alle
auf ein ziemlich gutes Niveau gebracht . Was wir jetzt tun können,
ist wieder mit
einem Messgerät reinzugehen und einfach zu
sehen, wie das läuft. Wir können also sagen,
dass das viel zu laut ist. Wir können diesen
exakten Vorgang also einfach noch einmal durchführen, ihn
aber ein wenig reduzieren. Vielleicht gehen wir zu Minus, sagen wir stattdessen minus 16. Versuchen wir es stattdessen mit minus 13. Das ist ein
Bärengleichgewicht. Wir können also mit
dieser Funktion für die normalisierte Verstärkung eher
im Hintergrund, bei
den Instrumenten oder wie
einem großen Schlagzeug mit einer
Menge verschiedener Sounds herumspielen dieser Funktion für die normalisierte Verstärkung eher
im Hintergrund, den Instrumenten oder wie . Klingt ein bisschen nach Zeit. Auch hier ist es in Ordnung, um
unser Audio in diesen Sweet Spot zu bringen . Nun stellt sich
oft die Frage: Müssen alle Instrumente Gain Stage sein? Nun, nicht wirklich, aber es ist eine Überlegung wert. Was ich damit meine ist, dass du auf jeden Fall Bühnentracks im Vorfeld und sehr präsent
aufnehmen willst ,
wie Gitarren, Vocals, Bässe, aber Instrumente
wie einen kleinen Shaker oder ein Tamburin oder irgendwelche
Umgebungsgeräusche im Hintergrund, solche Sachen. Mach dir nicht zu viele Gedanken darüber, aber
das richtige Level zu erreichen, wird nur bedeuten, dass
es schwierig sein wird alles schön und einfach
zu kombinieren. Solange Sie im richtigen
Stadion sind, ist das völlig in Ordnung. Solltest du Stage Midi spielen? In gewisser Weise ja. Zum Beispiel haben wir
die Saiten das Amidi. Nun, weil Amidi genau so ist wie Audioinformationen
nicht wie eine Aufnahme sind, ,
wie Audioinformationen
nicht wie eine Aufnahme sind,
haben
sie nicht gerade die gleiche Verstärkung, aber wir können oft in
die Plug-ins gehen, wie wir sie
hier haben , und sie sind oft wie ein Lautstärkeregler oder eine
Art, den Ausgang einzustellen. Wir können das in
den Sweetspot bringen , damit
es gut den anderen Instrumenten passt,
oder falls Sie nicht
über einen Lautstärkeregler verfügen, können
Sie ein
Gain-Plug-In hinzufügen, können
Sie ein
Gain-Plug-In hinzufügen das wir zuvor gesehen haben, also einfach Utility-Gain
hinzufügen, das zu den Effekten und Sie können
die Verstärkung von dort aus anpassen. Jetzt können Sie vielleicht
hören, dass die Dinge jetzt
in einem etwas besseren Gleichgewicht sind , indem Sie
einfach diese Verstärkungen anpassen, alles befindet sich einfach auf einem schönen Niveau und Sie
können die meisten Dinge hören. Indem wir diese
Grundlage für uns selbst schaffen, ist
es so einfach,
kleine Änderungen vorzunehmen und die gewünschte Mischung zu balancieren. Es schafft einfach eine perfekte
Grundlage für die Arbeit und bedeutet, dass wir
das Beste aus all
unseren Aufnahmen und all
unseren Instrumenten herausholen . Als Nächstes werden wir
an
der Balance und den Volumina arbeiten . Außerdem sehen wir uns
in der nächsten Lektion.
7. Volumenausgleich: Als Nächstes werden wir
am Volumenausgleich arbeiten. Das ist genau das
, wonach es klingt. Wir werden einfach mit der Lautstärke
herumspielen und sicherstellen, dass alles auf einem guten Niveau ist . Wir können alles
deutlich hören und sind mit der
Balance der Strecke zufrieden. Hier wird sich unser
Referenztrack auch als
sehr nützlich erweisen,
da wir einfach
die Bände vergleichen können und
wo alles
mit einer Referenz
steht da wir einfach
die Bände vergleichen können und . Lassen Sie uns
das noch einmal in Schritte unterteilen, damit es wirklich leicht
zu verstehen ist. Der erste Schritt besteht darin, den
lautesten
Teil des Tracks zu wiederholen. Dann wählen wir
jedes unserer Instrumente aus. All dies, und
wir werden
alle Lautstärkeregler
auf Null herunterdrehen , sodass Sie alles
hören können. Jetzt wählen wir unser
wichtigstes Instrument aus. Das ist normalerweise der Gesang, aber
je nachdem, in welchem Stil
Sie arbeiten,
kann es natürlich anders sein. Möglicherweise arbeiten Sie in Lo-Fi, das keinen Gesang hat In diesem Fall haben Sie möglicherweise
eine wirklich starke Melodie. Wir werden den
Hauptsound in unserem Song auswählen
, der der
Gesang für diesen Track sein wird. Wir bringen
es so, dass es bei
etwa minus -5 dB liegt. Sehen Sie, die lautesten Klimazonen der
Vergangenheit waren -6 oder -5 Kreisverkehre,
das ist in Ordnung. Dann suchen wir uns das
zweitwichtigste Instrument und bringen es so
, dass es
gut zu diesen Vocals passt. Ich denke, für mich ist es
wahrscheinlich die Leadgitarre. Es wird das
zweitwichtigste sein. Das ist hier. Dann machen wir einfach so
weiter,
wählen das nächstwichtigste Instrument und
das
zweitwichtigste
Instrument und mischen es einfach in
die Instrumente
, die bereits vorhanden sind. Nach dieser Leadgitarre
kommt
für mich wahrscheinlich die Rhythmusgitarre. Als nächstes kommt die Basis. Wir gehen einfach
jeden dieser Tracks durch und mischen
sie einfach nacheinander ein. Es
versteht sich von selbst, dass Sie natürlich
zu jedem Instrument zurückkehren können. Du wirst das für
den ganzen Track optimieren, da bin ich mir sicher. Aber wir wollen
es einfach so nah wie möglich angehen und hier eine wirklich
gute Menge Zeit
aussetzen. Hören Sie sich einfach
den gleichen Abschnitt und kommen Sie diesen Bänden so
nahe wie möglich. Es ist erwähnenswert, dass, wenn du den Song von
Anfang bis Ende
spielst , es einige Stellen
am Anfang oder am Ende gibt ,
die vielleicht
nicht ganz richtig klingen, aber
das werden wir etwas später korrigieren. Aber vorerst wollen wir nur, der lauteste Teil
des Songs
gut und ausgewogen klingt ,
und wir werden
etwas später zum Rest
des Sommers kommen . Stellen Sie sicher, dass Sie auch
eine Pause einlegen. Ich gebe dir eine Gehaltserhöhung und ruh dich aus. Trink eine Tasse Tee oder
mach einfach etwas anderes
und komme dann etwa eine halbe
Stunde später mit
etwas frischerem Eis darauf zurück etwa eine halbe
Stunde später mit
etwas frischerem Eis darauf . Springe auch immer wieder zwischen deinen
Referenztracks hin und her. Ich kann hier lösen, dass
ich glaube, dass ich ein
bisschen mehr von
der Hauptgitarre brauche . Auch ein bisschen mehr Kick. Ich denke, ich bin ziemlich zufrieden
mit der Balance dort. Es ist ein bisschen
einschüchternd, währenddessen filmen
zu wollen , aber ich finde, das klingt okay. Damit bin ich
vorerst zufrieden. Ich werde wahrscheinlich in etwa einer halben Stunde
anders denken [LACHEN] ,
aber das ist vorerst cool. Wenn wir diesen Song
von Anfang bis Ende spielen, wirst
du wahrscheinlich denken, dass die
Dinge in bestimmten Abschnitten etwas
unausgewogen klingen . Das ist völlig in Ordnung. Das ist normal. Wir
werden das etwas später mit
etwas
namens Automatisierung beheben. Manche Leute
möchten in dieser Phase vielleicht ein bisschen automatisieren,
was total cool ist. Aber für mich werde ich es etwas
später
machen, nur weil ich weiß, dass durch EQing und Komprimieren Dinge
ein bisschen anders klingen können. Aber als nächstes werden
wir über Busse sprechen. Darüber werde ich dir in
der nächsten
Lektion mehr erzählen . Danke, Leute.
8. Busse: Hallo Leute, willkommen zurück. In der nächsten Lektion werden
wir über Busse
sprechen. Busse
haben mich am längsten verwirrt, aber es ist eigentlich
super einfach. Das alte Sprichwort lautet ein
bisschen so. Stellen Sie sich vor, Sie möchten eine
Gruppe von Kindern zur Schule bringen. Der einfachste Weg, all diese Kinder an
den gleichen Ort zu
bringen , besteht
darin, sie in
einen Bus zu dem Ort zu schicken , und genau so ist es
, Audiobusse zu verwenden. Nehmen wir an, wir haben
ein
Schlagzeug mit vielen
verschiedenen Mikrofonen
und Drums, und wir alle wollen
sie Hall
haben, wir wollen
sie auf einen Hall schicken. Anstatt sie
einzeln zu versenden, können
wir sie alle
gleichzeitig versenden. Warum machen wir das? Zuallererst
spart es eine Menge Zeit. Anstatt
auf jede einzelne Spur Hall anzuwenden, können
wir einfach einen Hall erstellen, der
uns gefällt, und dann
eine Menge verschiedener Instrumente
auf denselben Hall schicken . Es macht die Dinge in jeder Hinsicht
so
viel schneller und einfacher und reduziert auch den
Stromverbrauch, den Ihr Computer benötigt,
damit alles funktioniert,
erheblich . Da wir damit den gleichen Effekt auch auf eine
Gruppe von Instrumenten
anwenden können , hilft
es auch, ihn zusammenzukleben, wie zum Beispiel Reverb. Anstatt
dass jeder Hall ein bisschen anders ist, wenn wir viele
unserer Tracks an
denselben Hall-Bus senden können ,
klingt es so, als
würden sie im selben Raum gespielt , und
das verbindet sie
gut miteinander. Und wenn Sie den Hall
später
wieder
anpassen möchten , anstatt in
jede einzelne Spur gehen
und ihn anpassen zu müssen , können
wir einfach den Halle-Bus anpassen, den wir für uns selbst
festgelegt haben ,
und wir können das
mit beliebigen Effekten
wie Reverb, Delay,
Kompression, EQ tun mit beliebigen Effekten
wie Reverb, . Manchmal ist es schön
, ein ganzes Schlagzeug
zusammen und nicht
einzeln zu EQ zu machen. Auch hier hilft es, es
zusammenzukleben. Wir müssen jetzt nicht unbedingt alle unsere Busse
einrichten,
aber wenn wir zu dem
Abschnitt kommen, in dem wir über
Dinge wie Effekte und
Kompressionshall sprechen , denken Sie
daran, dass Sie diese Effekte
an einen Bus anschließen können , um sich das Leben ein
bisschen zu erleichtern. Lassen Sie uns vorerst einfach
lernen, wie wir selbst einen Bus
einrichten können . Nehmen wir zum Beispiel diese
Leadstimme. Nehmen wir an, wir
möchten das an
einen Hall-Bus senden , anstatt einen Hall auf diesen Track zu
legen. Wir können zu diesem kleinen
Abschnitt hier kommen und auswählen, an welchen Bus wir ihn schicken
möchten. All das werden nur leere, leere Kanäle
sein. Wir können zu Bus 5 fahren und Sie
können hier auf Aux 4 sehen, das hat
einen neuen Bus für uns geschaffen, also das ist Bus 5 hier. Wir können das
unten umbenennen, Reverb und das ist jetzt
unser Hall-Bus. Auf dem Reverb-Bus werde
ich ein Reverb-Plug-In einbauen. An dieser Stelle können wir
den Hall nach Belieben einrichten. Wir werden später noch etwas
näher darauf eingehen, aber wir können wählen, wie viel von diesem Effekt wir unserem Track
hinzufügen möchten. Mit Blick auf die Leadstimme können
wir dieses
Einstellrad verwenden, um zu ändern, wie viel Signal an diesen Bus gesendet
wird,
was bedeutet, dass wir
immer noch festlegen können wie viel Hall oder wie viel Effekt wir auf den
einzelnen Kanälen haben möchten. Wir haben diesen Hall durch
Bus 5, und ich kann diesen Bus ganz nach
oben drehen, wenn du viel Hall willst und ihn runterdrehen und wir haben dort einen schönen
Hallsound. Nehmen wir an, wir wollten dem gleichen Hall Gesangsharmonien
hinzufügen. Wir müssen nur
diesen Track auswählen und ihn erneut auf
Bus 5-Reverb umschalten, und wir können sie
zusammen abspielen und wir können genau
dasselbe tun , sodass wir einfach
einstellen können , wie viel Hall
wir im Backend haben wollen. Sie gehen beide
auf den gleichen Hall, wir müssen den Hallkanal nicht
zweimal festlegen und
mit all den Einstellungen herumspielen,
wir können einfach einen
Hallsound bekommen, den wir mögen,
und dann anpassen, wie viel
des Signals
in diesen Effekt fließt. Wir können die Intensität
des Busses auch mit
dem Schieberegler einstellen . Das ist alles Bussing,
es ist einfach, verschiedene
Instrumente durch
einen Effekt zu schicken , macht die
Sache für
uns viel einfacher und schafft eine schöne
Kohäsion zwischen den Tracks und wir sehen uns in der nächsten
Lektion.
Danke Leute.
9. Datenkompression: Hallo Freunde. Willkommen zurück.
In der nächsten Lektion werden
wir
über Komprimierung sprechen. Komprimierung ist eine der
wichtigsten Komponenten des Mixens, daher ist es wirklich wichtig, sie
zu verstehen und zu lernen. Aber bevor wir anfangen, über Komprimierung zu
sprechen, müssen
wir etwas verstehen, das
als Dynamikbereich bezeichnet wird. Was ist Dynamikbereich? Im Wesentlichen ist es nur der
Unterschied zwischen dem lautesten und dem leisesten
Teil einer Aufnahme Nehmen wir
also das Beispiel
der Aufnahme eines Sängers. Wenn du nun zum Beispiel Gesang
aufnimmst,
sind das natürlich Beispiel Gesang
aufnimmst, Teile,
die lauter sind als andere. Der Interpret bewegt sich vielleicht
näher ans Mikrofon, schreit vielleicht einfach [NOISE] oder flüstert [NOISE], und das
erzeugt bestimmte laute
und bestimmte leise Passagen
in der Aufnahme, was sich hervorragend für die Aufführung eignet, sie lebendig
macht und sie sich menschlich anfühlt. Dies führt jedoch zu Problemen beim Mischen, denn wenn wir versuchen die Lautstärke
auf die lauteren Teile
auszubalancieren, werden
die leiseren Teile ziemlich
schwach und etwas zu
weit entfernt singen , aber wenn wir die Lautstärke
der leiseren Teile ausgeglichen haben, werden
die lauten Teile viel zu laut sein. Hier kommt die
Komprimierung ins Spiel. Durch die
Komprimierung werden im Wesentlichen die lauteren
Teile einer Aufnahme
heruntergedrückt, sodass die gesamte Aufnahme konsistenter
ist. Wir können steuern, wie
dieser Kompressor funktioniert, sodass wir im Wesentlichen
den Dynamikbereich
einer Aufnahme kontrollieren können , einer
konsistenteren Lautstärke führt, und viele Leute sagen, dass dies einem Track
Präsenz und Punch verleiht . Aber wir müssen
vorsichtig sein, denn wenn wir ein Signal zu stark
komprimieren, kann
es bei
einer Aufführung oft einfach absterben und
es klingt ziemlich flach, anorganisch und ziemlich verarbeitet. Das ist es, was die Komprimierung bewirkt, sie
sorgt nur für einen
konsistenteren
Lautstärkepegel für jede Aufnahme. Höre dir diese Vocals vor und nach
der Komprimierung an
und stelle fest, wie die
unkomprimierten Vocals von sich aus unsicher
und ziemlich unselbstbewusst
klingen. Hoffentlich können Sie hören, dass die komprimierte Stimme insgesamt viel
selbstbewusster und konsistenter
und stärker
klingt . Aber wie verwenden wir Komprimierung? Jeder Kompressor besteht aus verschiedenen
Zifferblattelementen. Der erste ist der Schwellenwert. Wir legen den Schwellenwert dem die Komprimierung
beginnen soll. Wenn wir das als Beispiel verwenden, haben wir
hier unser
Audiosignal und wir möchten die
lautesten Teile davon komprimieren, sodass Sie sich nur auf
dieses lauteste Audiosignal konzentrieren sollten. Wir legen den Schwellenwert fest, an dem die Komprimierung
beginnen
soll Wenn wir
also den Schwellenwert hier festlegen ,
wird
alles, was darüber liegt, davon betroffen sein. Je niedriger wir diesen Schwellenwert setzen, desto mehr Signal
wird komprimiert. Wir könnten den
Schwellenwert hier nach unten setzen, aber das würde eine
sehr intensive Komprimierung bedeuten, also wollen wir
es auf ein Niveau bringen, das gut und organisch
klingt, Idealfall gut und organisch
klingt, es sei denn,
du willst verrückte komprimierte
Drums oder so. Als nächstes haben wir das Verhältnis. Das Verhältnis bestimmt,
wie stark die Komprimierung über dem Schwellenwert
stattfindet. Wenn wir alles
über diesem Schwellenwert komprimieren, klingt das etwas flach
und organisch.
Deshalb passen wir das
Verhältnis an, um zu bestimmen wie viel Komprimierung über diesem Schwellenwert
stattfindet . Ich stelle es mir ein bisschen wie einen Filter vor, der über dem Schwellenwert sitzt,
und wir können entweder diesen Filter
öffnen und einen Teil des
Signals durchlassen,
es klingt auf und wir können entweder diesen Filter
öffnen und einen Teil des
Signals durchlassen, diese Weise etwas natürlicher
und organischer, oder wir können den Filter wirklich schließen
und das Verhältnis erhöhen, um eine viel intensivere
Art der Komprimierung zu erreichen. Je höher das Verhältnis, desto mehr Komprimierung, desto niedriger das Verhältnis, desto weniger Komprimierung. Hier sind einige wirklich
einfache Meilensteine für Kennzahlen , um Ihnen eine klarere Vorstellung zu geben. Als nächstes haben wir einen Angriff. Attack ist die Zeit, die der Kompressor
benötigt
, um zu arbeiten. Eine schnellere Attack-Zeit ergibt
einen dichten und straffen Sound, wohingegen ein langsamerer
Attack-Sound eher druckvoll und organisch
klingt. Normalerweise
sind langsamere Angriffszeiten angenehmer zu hören. Wie Sie auf diesem Display sehen
können, mit einer schnellen Angriffszeit ,
sobald das Signal
den Schwellenwert überschreitet kommt der Kompressor
mit einer schnellen Angriffszeit direkt an,
sobald das Signal
den Schwellenwert überschreitet, gräbt den Kompressor sofort in
das Signal ein. Bei einer langsamen Angriffszeit beginnt der Kompressor zu arbeiten, sobald das Signal
den Schwellenwert erreicht , aber es ist ein viel langsamerer Abfall, wie Sie hier sehen können, und bei einer langsameren Angriffszeit bedeutet das, dass ein Teil des anfänglichen
Signals einfach ein bisschen mehr
durchschlägt, sodass bestimmte Leitungen eine gute Wirkung
haben werden, also machen sie ein bisschen
druckvoller, weil sie gerade
erst den
Anfang der Komprimierung fangen. Am anderen Ende befindet
sich die Veröffentlichung. Wenn der Angriff den Kompressor
aktiviert, der Auslöser
den Kompressor frei. Das ist
also die
Zeit, die der Kompressor benötigt , um die Kompression loszulassen. Schnelle Auslösezeiten klingen in der Regel
natürlicher und die Leute tendieren dazu, eher zu diesen
schnellen Auslösezeiten zu tendieren. Sie können hier
also sehen, dass, sobald das Signal wieder
unter den Schwellenwert fällt,
das
Kompressorzeichen dafür ist, dass es nicht mehr funktioniert. Die Reliefs bestimmen,
wie schnell der Kompressor von
funktionstüchtig zu ausgefallen ist. Sie können hier sehen,
dass
bei einem langsamen Loslassen der Kompressor langsam wieder
herauskommt, aber bei einem schnellen Loslassen geht der Ton sofort wieder auf seinen normalen Pegel zurück
,
sobald
das Signal den Schwellenwert unterschreitet . Als nächstes haben wir das Knie. Das Knie ist der Übergang
zwischen der
vollständigen Reduzierung des Signals durch den Kompressor zu keiner
Reduzierung des Signals, aber für Laien betrachte
ich es im Wesentlichen als die Aggressivität des
Kompressors. Ein höheres Knie führt zu
einer subtileren Kompression, wohingegen ein unteres Knie etwas stärker in Ihrem
Gesicht liegt und aggressiv ist. Aber es ist ziemlich subtil, also mach dir
darüber keine allzu großen Sorgen. Aber nochmal, nur um dir eine ungefähre Vorstellung zu
geben, du kannst hier ein weiches Knie sehen, genau wie Bens die Kompression und macht es einfach
subtiler und weicher, wohingegen ein hartes Knie
einfach viel
direkter und schärfer sein wird . Schließlich haben wir Make-up-Gain. Wenn wir Kompression verwenden, machen
wir das Signal leiser, weil wir diese lauteren Teile
herunterfahren. Wir verwenden die Make-up-Verstärkung, um den Signalverlust
neu einzustellen, also bringen wir ihn einfach wieder auf ein Niveau, mit dem
wir zufrieden sind. Außerdem haben
Sie in den meisten Kompressoren einen gemischten Stil, und das ist im Wesentlichen nur
der Unterschied zwischen
dem getrockneten, unkomprimierten Signal und dem nassen, komprimierten Signal. Sie können
es einfach einschalten, wenn Sie einem Kompressor die Leistung abnehmen
möchten einem Kompressor die Leistung abnehmen
möchten Erwähnenswert
ist
auch die Verstärkungsreduzierung. Kompression wird als
Verstärkungsreduzierung gemessen , weil sie das Signal herunterdrückt
und leiser macht, wodurch die Verstärkung reduziert Wenn Sie sich jemals einen Kompressor
ansehen, wird. Wenn Sie sich jemals einen Kompressor
ansehen, sehen
Sie ein Zifferblatt oder eine Grafik, und das ist, was
anzeigt wie viel Verstärkungsreduzierung
stattfindet. Aus
diesen Messwerten erhalten wir eine sehr klare Vorstellung davon , wie stark das
Signal komprimiert wird. Da steht ziemlich viel auf
dem Spiel, nicht wahr? Sie können diese Lektion so
oft wiederholen, wie Sie möchten,
aber als Nächstes werden wir uns damit
befassen, wie wir die
Komprimierung im Audio
selbst verwenden die
Komprimierung im Audio . Wir sehen uns
in der nächsten Lektion.
10. Kompression verwenden: Hallo Leute, willkommen zurück.
In der nächsten Lektion werden
wir das,
was wir
in der letzten Lektion über
Komprimierung gelernt in der letzten Lektion über haben,
auf die Aufnahmen anwenden , die
wir in unserem Song haben. In diesem Beispiel
werde ich Gesang verwenden. Wenn wir uns diesen Vocal-Track anhören
, werden
Sie feststellen, dass
bestimmte Wörter an bestimmten Stellen ein
bisschen schwach und unselbstbewusst wirken. Das ist überhaupt nicht die Schuld von
Harriet, der Sängerin. Sie ist eine großartige Sängerin, und es ist völlig natürlich, dass
jede Sängerin
bestimmte Wörter lauter,
bestimmte Passagen leiser singt . Das wollen wir. Wir wollen
eine echte Gesangsleistung. Aber wir wollen einfach in der Lage sein, diesen
Dynamikbereich so zu kontrollieren,
dass er nicht zu leise
oder zu selbstbewusst klingt .
Wenn wir mal reinhören. Hoffentlich kann man da hören, der Anfang
ist ziemlich stark. Aber dann
klingen diese späteren Teile hier, denen das Gefühl fehlt, denen das Gefühl fehlt, ziemlich untertrieben. Nun, wenn wir solo spielen würden
, würde das gut klingen. Aber wenn wir
so viele andere Instrumente
und andere Sounds haben , können
diese lauteren Teile leicht untergehen, weshalb
wir Kompression verwenden. Ich gehe
rüber zum Gesang und lege
einen Kompressor drauf. Hier sehen Sie alle Zifferblätter ,
über die wir in der letzten Lektion gesprochen haben. Jetzt haben wir das überhaupt nicht
angepasst. Dies ist nur die
Werkseinstellung. Aber du kannst
die Linie dort sehen. Es gräbt sich in das Signal ein und drückt einfach
die lauteren Teile nach unten,
diese Linie, die
gezogen wird , gräbt sich einfach
in das Signal ein. Nun, selbst wenn Sie wissen,
was all diese Drehregler bewirken, kann
es wirklich überwältigend sein diesen Kompressor anzusehen
und
zu wissen, was Sie tun. Auch hier unterteile ich es
gerne in mehrere Schritte, die jedes Mal
befolgt werden müssen, und es scheint für mich immer sehr gut zu
funktionieren. Zunächst wollen wir nur sicherstellen
, dass wir nicht alleine sind. Wir versuchen,
die Kompressionen so zu mischen , dass
sie mit dem Track funktionieren, nicht dass sie alleine funktionieren. Idealerweise mischen
wir, während der Track läuft, aber wir können zwischen
den Solos hin- und herspringen , um genau zu
hören, was vor sich geht. Außerdem fällt es mir leichter
, es zu erklären. Zu Beginn lege ich
den Schwellenwert gerne auf
etwa drei zu eins fest , damit wir wissen,
dass ein gutes
Maß an Komprimierung stattfindet. Als Nächstes
passe ich den Schwellenwert an, bis ich merke, dass eine gewisse
Komprimierung stattfindet. Ich werde die
Schwelle auf Null senken. Ich lege es
auf das Messgerät
und senke den Schwellenwert
, bis es anfängt, das Signal zu komprimieren. Eine sanftere und subtilere
Komprimierung liegt normalerweise zwischen zwei und vier
Dezibel, wohingegen eine
stärkere Komprimierung eher
bei minus sechs und minus 10 liegt . Aber darüber würde ich mir keine allzu großen
Sorgen machen. Jedes Instrument
ist so anders, und ich
passe einfach den Schwellenwert bis ich sehe, dass eine gewisse
Komprimierung stattfindet und es für mich richtig klingt. Sie können sehen, dass
wir minus fünf
liegen, was meiner Meinung
nach ganz nett klingt. Es klingt nicht zu aggressiv, es klingt einfach nett und subtil. Sie werden dort vielleicht keinen
großen Unterschied bemerken. Aber wenn du
wirklich genau
hinhörst, kannst du einfach spüren, dass alles ein
bisschen ausgeglichener ist, als
dass dieser Dynamikbereich bestimmte Bits leiser
macht. Wir können das richtig
aggressiv machen, wenn du willst. Wenn ich das Verhältnis richtig hochdrehe,
senke ich den
Schwellenwert ein wenig. Das ist mit starker Komprimierung, und du kannst
es hier hoffentlich irgendwie
verarbeitet und ein bisschen flach
und irgendwie langweilig klingen . Wir wollen uns anpassen,
um das zu vermeiden. Aber in einigen Genres wie Heavy
Metal oder komprimiertem Schlagzeug mögen die Leute
manchmal
ein hart komprimiertes Signal wirklich. Aber bei dieser Stimme möchte
ich
dieses natürliche Element beibehalten , also werde ich
es wieder reduzieren. Schritt drei wäre
, den Make-up-Gewinn wieder auf das Niveau
zu bringen , den Make-up-Gewinn wieder , das wir zuvor
hatten. Wir wollen nur die Make-up-Verstärkung
anpassen, den Kompressor ein- und ausschalten
und ihn wieder auf den Pegel bringen , auf dem wir ihn zuvor
hatten. Um dies noch einfacher zu machen, können
wir uns einfach den
Grad der Verstärkungsreduzierung in unserem Diagramm ansehen und die
Make-up-Verstärkung entsprechend anpassen. Wenn das Messgerät
minus fünf Verstärkungsreduzierung anzeigt, können
wir den
Makeup-Gain auf plus fünf Gain erhöhen, sodass wir ihn wieder auf den Pegel bringen , auf dem er zuvor
war. Als Nächstes können wir das Verhältnis so einstellen , dass die Dinge
gut und konsistent klingen. Wenn es einen
großen Dynamikbereich gibt, sollten
Sie das Verhältnis vielleicht etwas
erhöhen. Wenn dir bestimmte Linien
wirklich auffallen, ist
das ein Zeichen dafür, dass du dieses Verhältnis etwas erhöhen
musst, damit du es reduzieren kannst. Aber ich schließe gerne einfach
meine Augen und drehe diesen Regler auf und ab, bis ich damit einen optimalen Punkt erreicht habe. Vorerst werde ich diese Harmonien
wegnehmen. Okay, ich bin
mit diesem Verhältnis dort ziemlich zufrieden. Ich habe
es nur ein
bisschen heruntergefahren , um es ein
bisschen subtiler zu machen. Das klingt für mich
ziemlich gut. Als Nächstes setzen wir
den Angriff ein. Dies ist ein weiterer Fall, bei dem ich einfach gerne meine Augen schließe
und das spüre. Wie ich schon in
der letzten Lektion sagte, geht es auch hier darum, wie schnell der Kompressor einspringt. Je langsamer wir das einstellen, desto mehr
wird das erste Signal durchkommen. Ja, langsamere Angriffszeiten
sind in der Regel angenehmer. Wir werden einfach sehen
, wie langsam es gehen
kann, ohne dass es zu komisch
klingt. Hoffentlich kannst du hören, dass die schnellere
Angriffszeit irgendwie bissiger klingt. Je langsamer. Ich will es,
alles, was du jetzt hattest. Sehen Sie, wie sich der langsamere einfach ein bisschen natürlicher
anfühlt. Auch hier ist es wirklich subtil. Du musst
wirklich darauf achten. Ich will es, alles was du hattest jetzt ist mir langweilig und mir
fehlt das Gefühl. Harriet hatte
keine wirklich auffallenden Zeilen in denen sie plötzlich schrie. Wir müssen die
Angriffsgeschwindigkeit nicht zu schnell einstellen. Wenn du
plötzlich ein Wort schreien siehst
und dieser Angriff zu langsam
wird, wird er nicht hinzugefügt, um es richtig zu
komprimieren aber weil Harriets Gesang hier ziemlich flüssig
war können
wir ihn ziemlich langsam einstellen und das verursacht kein
allzu großes Problem. zu
schnelle Angriffszeit zu sagen, kann einer
Aufführung sehr oft das Leben rauben oder ein Instrument
fühlt sich an, als wäre es weiter weg, aber mit einer langsameren Angriffszeit wird
es einfach etwas druckvoller,
natürlicher und organischer sein . Aber langsame Angriffszeiten
sind nicht die beste Wahl sehr
dynamische Instrumente
wie ein Schlagzeug oder
einen wirklich laut schreienden
Sänger, der
plötzlich aus dem Nichts schreit, wirklich zu kontrollieren wie ein Schlagzeug oder einen wirklich laut schreienden
Sänger, . Ich will es, alles was du
hattest jetzt ist mir langweilig und mir fehlt das Gefühl.
[unhörbar]. Als Nächstes
passen wir das Release an. Wir haben gelernt, dass dies beim
Loslassen des Kompressors der Fall ist. Wenn die Veröffentlichung zu schnell ist, klingt
es ein bisschen abgehackt, als würde es sehr schnell rauf
und runter gehen,
aber wenn es zu
langsam ist,
klingt es einfach ein bisschen zu
leise und langweilig und ich
fange aber wenn es zu
langsam ist,
klingt es einfach ein bisschen zu
leise und langweilig und ich an, meine Augen zu schließen
und das auszufüllen und du wirst hören, wo die Dinge anfangen, ein bisschen komisch
zu werden. Dies ist eine sehr
langsame Veröffentlichungszeit. Ich will es, alles was du hattest jetzt ist mir langweilig und mir
fehlt das Gefühl. Sie können der Grafik
dort entnehmen, dass der Kompressor wirklich langsam
losgelassen wird Kompressor wirklich langsam
losgelassen aber wenn wir diese
Release-Zeit viel schneller machen. Ich will es, alles was du hattest jetzt ist mir langweilig und mir
fehlt das Gefühl. Sie können sehen, dass es
abgehackter klingt, nicht wahr? Wir können das einfach an einem
Ort platzieren, der sich natürlich anfühlt. Ich will alles, was du hattest, jetzt ist mir langweilig und mir fehlt das Gefühl. Leuchtend grüner Forester Park Beetle von August bis September. Für mich fühlt es
sich mit etwa 30 an. Nun, ich habe vergessen zu sagen, dass
wir
bei der Anpassung des Releases im Wesentlichen darauf
achten, dass der Kompressor zwischen Wörtern oder Tönen
loslässt . In diesem Fall der Gesang, wenn du Harriet singend triffst. Ich will es in allem
in dieser kleinen Lücke
haben, idealerweise wollen wir, dass der
Kompressor nicht mehr funktioniert und
wieder aktiviert wird, wenn sie wieder anfängt, sie zu
singen. Wenn du zuhörst. Ich will es, alles was du hattest. Hoffentlich kannst du dort sehen, sobald sie aufhört zu singen, lässt
die Kompression
los und die Grafik wird wieder
auf Null dB reduziert und das erzeugt einen
schönen natürlichen Klang,
die Kompression, die fast so ist als würde man mit der Musik atmen. Wir wollen
das Release so anpassen , dass
es den Kompressor zwischen den
Zeilen oder Sounds loslässt , aber am Ende des Tages
machen wir, was auch immer richtig klingt. Es ist egal, wen das interessiert. Zu guter Letzt der Name. Nun, das wird wieder sehr
subtil sein. Alles, was wir wirklich wissen müssen,
ist, dass die
Komprimierung
umso aggressiver ist, je niedriger diese ist und umgekehrt. Je höher desto weniger aggressiv. Nochmals, lassen Sie uns das einfach mit unseren Ohren ausfüllen
. Ich will es,
alles, was du jetzt hattest, ist mir
langweilig und ich vermisse es. Lass uns noch einmal
so schnell ein
Vorher und Nachher machen . Niedriges Knie. Ich will es, alles was du hattest. Ich habe dort ein höheres Knie bevorzugt. Ich will es, alles was du hattest. Bring es mit
dem Rest des Tracks wieder rein. Ich will es, alles was
du hattest jetzt ist mir langweilig und mir
fehlt das Gefühl. Das ist unser komprimierter Gesang. Ich werde
jetzt ein paar
davor und danach machen und hoffentlich hörst du den Unterschied
besser. Ich will es, alles was du hattest
jetzt ist mir langweilig und mir fehlt das Gefühl. Es macht
diese Vocals nur
präsenter und sticht ein bisschen mehr
hervor. Einige dieser leiseren Zeilen
, die sich anfühlten, als wären sie
verblasst und jetzt viel präsenter und man kann
sie viel klarer hören. Ich weiß, das ist eine Menge
zu tun und deshalb empfehle
ich wirklich, jetzt
einfach
selbst reinzugehen und einfach mit all diesen Wählern zu
spielen und einfach zuzuhören und
herauszufinden , was jedes einzelne tut. Jetzt müssen Sie nicht mehr
für jedes Instrument
eine Komprimierung hinzufügen . Frag dich noch einmal, was
muss sich an einem Sound ändern? Höre dir eine Gitarre
oder ein Schlagzeug an und überlege, ob es Noten
gibt, die ein bisschen
verblassen oder sind es bestimmte Teile, die
zu stark hervorstechen. Wenn Sie
diesen Dynamikbereich kontrollieren möchten, verwenden Sie einen Kompressor, aber es ist sehr oft der
Fall, dass Instrumente wie Gitarren, Bass, Gesang und Schlagzeug
alle sehr dynamisch sind.
Daher ist es oft eine sehr
gute Sache,
diese nach vorne gerichteten Instrumente steuern zu können diese nach vorne gerichteten Instrumente . Als Nächstes
werden wir über
EQ sprechen . Wir sehen uns in
der nächsten Lektion.
11. EQ: Als nächstes werden
wir über EQ sprechen. EQ steht für Equalizer
und ist im Wesentlichen eine Möglichkeit, und ist im Wesentlichen eine Möglichkeit die Frequenzen
eines beliebigen Sounds
anzupassen. Wenn Sie schon einmal
ein einfaches Mischpult oder
eine Gitarre benutzt haben, haben Sie
vielleicht schon einmal Bass,
Mittel und Höhen gesehen . Wir können diese Drehregler verwenden, um die Frequenzen
eines Tons
einzustellen. Kann das High-End
mit den Höhen oder den Bass mit dem Bass
und
der Form oder dem Sound nach unten bringen . Alles, was ein Equalizer ist, ist im Wesentlichen eine weitaus
genauere
Art , diese drei Wählscheiben zu verwenden. Wir können viele
verschiedene Werkzeuge verwenden, um die Frequenz
, die ein Geräusch erzeugt, besser zu
formen. Es kann verwendet werden, um
bestimmte Frequenzen zu erhöhen. Sagen wir, wenn Sie ein bisschen mehr funkelnde
Spitzenklänge wollen, können
wir das obere Ende gleichmäßig erhöhen, wenn es ein seltsames
Raumgeräusch oder Resonanz gibt, nicht so,
das können Sie auch mit dem EQ ausschneiden. Das können wir auch nutzen, um
Platz für andere Instrumente zu schaffen. Nehmen wir an, die Rhythmusgitarre hat ein bisschen zu viel Bass, wir können einen Teil des Basses herausnehmen und Platz für den Kick und
die Bassgitarre schaffen und
unsere Instrumente
so formen , dass sie etwas klarer zu hören sind. Sie sind nicht so, als würden sie
im selben
Frequenzband kämpfen . Ich stelle mir das vor, als
würde man einen Sound herausarbeiten. Leonardo Da Vinci
formt die Davidstatue. Aber in diesem Szenario ist
es ein beschissener Snare-Sound
statt eines Stücks Herp. Es gibt
verschiedene
Frequenzbereiche , über die im EQ oft
gesprochen wird. Wir haben den Bass, die tiefen Mitten, die hohen
Mitten und die Höhen. Jedes Instrument in
einem Mix wird seinen eigenen Frequenzbereich
haben. Je besser wir diese
verstehen können, desto besser können wir
fundierte Entscheidungen
darüber treffen , was mit einem EQ geschehen soll. Eine sehr verbreitete Technik
bei einem geschäftigen Mix besteht darin,
den EQ auf das
natürliche EQ-Muster des Instruments zu konzentrieren . Auf diese Weise
stören diese anderen
Frequenzen andere
Instrumente im Mix nicht . Für das heutige Beispiel werde
ich
einen EQ auf unserer Rhythmusgitarre verwenden . So werden die meisten EQ-Plugins aussehen, wenn
wir auf der Strecke spielen. Sie sehen, wo sich die
Frequenzen bilden. Wir haben dort viel im
Low-Mid-Bereich. Jetzt können Sie natürlich
jedes EQ-Plugin verwenden , das mit Ihrer Tür
geliefert wird. Aber wenn Sie ein Anfänger sind und versuchen herauszufinden, wie jedes Frequenzband klingt und eine wirklich klare Vorstellung davon
zu bekommen, was wir hier tun. Ich empfehle wirklich so
etwas
zu besorgen, das ist das Neuron
für den Equalizer Zahlen Sie
einfach ein
bisschen Geld dafür. Aber
im Wesentlichen können Sie damit viele
verschiedene Dinge
tun. Aber ich denke, das
Praktischste ist, dass es Ihnen ein solisiertes
Frequenzband zeigen
kann. Wenn wir auf Solo klicken, können Sie den gesamten weißen Bereich
sehen.
Hier ist der Bereich , in dem das Solo gespielt wird. Man kann wirklich deutlich hören wie sich jede Frequenz anhört. Du kannst hören, wenn wir
die 60 Hertz hinter uns
haben, 60 da unten, es kann nur ein sehr leises Grollen geben. Wir wissen, dass es da hinten nicht viele Informationen
gibt, die wir wirklich benötigen. Bei den Basisfrequenzen meine
ich hier, dass der
Hauptkörper immer noch
zwischen 3.000 und 1.500 liegt . Wir haben wirklich rausgesucht
, wo das Geräusch sagt. Weil ein netter kleiner
Oberton, die Dinge hier. Aber vieles davon ist
nur kratzig und wir brauchen hier wahrscheinlich nicht
viel mehr als dieses Top-End. Aber im Wesentlichen klingt
jede Frequenz so. Wann immer ich mache,
springen wir
einfach rein
und
füllen einfach ein Instrument aus und wie kommen
die einzelnen Frequenzen durch. Es gibt verschiedene
Möglichkeiten, einen EQ zu
formen und zu formen, und
das machen wir mit
verschiedenen Filtern. Der erste ist ein Hochpassfilter. Ein Hochpassfilter
sieht so aus. High-Pass wird
genau das tun, was es sagt. Es wird all
die höheren Frequenzen
durchlassen und es wird die niedrigeren Frequenzen
wegschneiden. Wie Sie hier sehen können, all
diese niedrigeren Frequenzen und es
wird wegfallen. Das ist wirklich gut
, um
unerwünschte Raumgeräusche oder
Bulinus zu entfernen unerwünschte Raumgeräusche oder , und wir können
auch die Neigung anpassen. So dramatisch ist
der Abfall in der Vergangenheit, also kann es dort richtig
dramatisch werden und
alles über 299 Hertz bringen . Wenn wir damit ziemlich
dramatisch werden, oder wir können den Hang etwas
flacher machen und es ein bisschen natürlicher
klingen lassen . Auch hier können wir es solo spielen, um
wirklich zu hören, welchen Bereich
wir beeinflussen. Am anderen Ende
des Spektrums haben
wir buchstäblich einen Tiefpassfilter, und das wird nur
am Hochpass sein , aber umgekehrt. Wir können uns alleine zurückziehen ohne die lauten,
harten, dummen Geräusche. können wir immer ziemlich
Low-Fi-Effekte erzeugen Mit diesen beiden können wir immer ziemlich
Low-Fi-Effekte erzeugen. Das ist wirklich gut,
um einfach
wirklich komische hohe Geräusche
oder Symbolbluten und Raum wegzunehmen . Als nächstes haben wir Glocken. Die sehen so aus. Sie haben früher
einen ganz bestimmten Bereich vergrößert oder verkleinert. Wenn wir
nur eine bestimmte
Frequenz gezielt senken wollen , können
wir dafür eine Glocke verwenden. Was wir auch tun können,
ist eine Warteschlange anzupassen. Und das macht den Knoten breiter oder schmaler,
je nachdem, wie viel von der Frequenz wir beeinflussen möchten. Wenn wir es eingrenzen können, wenn wir nur einen seltsamen Bass
oder einfach eine wirklich
nervige Frequenz
aus dem Raum
bekommen wollen oder einfach eine wirklich
nervige Frequenz oder so, können
wir es mit einem hohen Q sehr fein
anvisieren. Oder wir können es viel breiter machen. Wir wollen dieser Gitarre einfach ein bisschen
mehr Top End hinzufügen. Wir können ein ziemlich
breites Q machen und wir
könnten diese schöne
Frequenz auf der Gitarre erhöhen. Sagen wir, ich mag diese kratzige Ben-Gitarre und will und mehr
als das darin. Wir können eine Glocke verwenden,
um uns auf diesen Frequenzbereich zu konzentrieren. Schließlich können wir ein Regal benutzen. Ein Shelf
zielt auf einen größeren Bereich als die Bäuche ab und es wird einen bestimmten
Frequenzbereich
flach ausrichten. Es ist einfacher, es dir
mit dem Ding selbst zu zeigen. Wenn wir uns für einen
Hoch- oder Tiefpassfilter entscheiden, genau wie bei den Hoch- und
Tiefpassfiltern , und wenn
wir einen Shelf herunterfahren, können
Sie sehen, wie er
eine Reihe von Frequenzen ausschneidet. Nehmen wir an, wir wollten nur das Basisende abbauen, aber wir
wollen es nicht mit einem Hochpass
komplett loswerden . Wir können ein Regal verwenden, um
einfach das untere Ende zu timen. der Minute, in der es
Mais im unteren
Preissegment gibt, ist es so intensiv. Aber wir können
es einfach richtig timen , indem wir das Regal herunterfahren. Auch hier können wir
die Warteschlange anpassen und
die Form und
die Auswirkungen auf ihre Frequenz ändern . Das ist also eine kurze
Einführung in EQ. In der nächsten Lektion
werden wir lernen, wie wir EQ verwenden
können, um unsere Instrumente besser zu formen , und wir werden
den Prozess durchlaufen , was wir tun sollten,
wenn wir versuchen, ein Instrument
oder einen Sound mit einem EQ zu versehen. Wir sehen uns dort.
12. EQ verwenden: Hey, Leute, willkommen zurück.
In dieser nächsten Lektion werden
wir lernen
, wie wir das, was wir über EQ
gelernt haben,
in unserem Track
nutzen können was wir über EQ
gelernt haben,
in unserem Track
nutzen und lernen , was wir tun sollten und wonach wir suchen
sollten und wann das EQ-Instrument. Noch ein paar Schritte, wie
man die Dinge gut klingen lässt. Wie wir bereits sagten,
alles, was wir mit dem EQ
machen ist, die
Frequenzen, die wir mögen, zu erhöhen die,
die wir nicht mögen, zu
reduzieren und Platz für andere
Instrumente im Mix zu schaffen. Bevor wir tatsächlich anfangen, mit dem EQ Schritte zu
machen, muss
ich mir
den Sound anhören und
darüber nachdenken, was
geändert werden muss , und anfangen, mir
einige mentale Notizen darüber zu machen , was
Sie tun möchten, um ihn zu ändern. Wenn wir an dieser Gitarre arbeiten, hören
wir
sie uns einfach an und finden heraus, was wir ändern wollen, bevor
wir etwas ändern. Nur als Kontext für die
Arbeit mit dieser Gitarre, fallen mir da ein paar Dinge ein. Die erste ist, dass es in dieser Gitarre
ziemlich viele
Bassfrequenzen gibt in dieser Gitarre
ziemlich viele
Bassfrequenzen und der Bass einen Großteil der Arbeit in
diesem sehr tiefen Bereich
macht, also kann ich nur sagen, dass wir nicht wirklich viel
von diesen tiefen Frequenzen brauchen, und wir können
die Gitarre tatsächlich
ein bisschen mehr hervorheben , indem wir
etwas davon wegschneiden. Ich kann auch ein kleines
Zischen am oberen Ende hören. Nichts davon ist so wichtig, weil man es kaum
wirklich hören kann, aber es könnte helfen, das
zu erreichen und etwas von
dem winzigen bisschen
wegzunehmen. Es ist fast wie
ein elektrisches Geräusch, aber es ist so subtil. Außerdem möchte ich
etwas von dem Low-End-Bereich beibehalten, aber es muss nicht annähernd so laut
sein. Wir können das
Low-End einfach timen und herunterfahren. Außerdem gibt es eine
bestimmte Frequenz, z. B. eine mittlere, höhere Frequenz. Ich möchte die Klingelfrequenzen ein
wenig erhöhen weil ich finde, dass es ganz nett
klingt. Diese Frequenz. Zuerst werde ich
einen Hochpassfilter verwenden ,
um viele dieser unnötigen,
extrem niedrigen Bassgeräusche zu entfernen . Auch hier können wir hören, dass hier
ziemlich viel los ist. Ich möchte das nicht zu sehr wegschneiden
. Ich werde vielleicht einfach in diese Zone gehen und sie
ein bisschen weiter nach unten
verschieben . All das wirklich bassige Zeug
wurde vom Bass gefüllt. Wir wollen etwas
mehr Platz für den Bass schaffen,
also ist es sinnvoll, das
wegzuschneiden. Im Gegensatz zu allem anderen ist
es wirklich wichtig, einen
Effekt
immer ein- und auszuschalten, ihn
solo zu einen
Effekt
immer ein- und auszuschalten, machen und
ihn zu entfernen, damit du
genau sagst , welche Wirkung
er im
Kontext eines Songs hat. Im Grunde willst du keine
Bewegungen machen, wenn sie keinen Unterschied
machen, also solltest du dir immer wirklich
bewusst sein , was du tust, und du solltest den
EQ so wenig wie möglich berühren . Als Nächstes möchte ich das Low-End einfach etwas
herunterfahren. Ich werde ein Regal benutzen, um das ganze Low-End zu reduzieren. Gute an
diesem EQ ist auch die
Tatsache, dass Sie ihn
einfach ein- und
ausschalten können ihn
einfach ein- und
ausschalten , um leicht zu hören,
was Sie tun. Nochmals, wenn ich
diese Gitarre alleine mischen würde, klingen viele dieser Frequenzen ziemlich gut. Wir würden sie vielleicht nicht alle wegschneiden
wollen. Aber weil ich weiß, dass ich dort
einen Bass habe und ich
mehrere andere Instrumente habe , die diesen Tieftonbereich
füllen, fühle
ich mich wohl dabei, das
wegzunehmen. Als nächstes haben wir darüber gesprochen
, dieses Super-High-End zu entfernen. Ein Teil dieser einfach nicht benötigten Frequenz trägt nicht wirklich dazu bei
,
also können wir einen anderen Pass, einen
Tiefpass verwenden und einfach den Super-High-End-Ausgang
abschwächen. Nun, was viele Leute beim EQ
gerne tun, ist,
unerwünschte Summen oder
einfach nur unangenehme Frequenzen zu entfernen . Viele Leute halten diese Regel,
ein sehr enges Q zu machen und ein Geräusch durchzulassen bis Sie eine
unangenehme Frequenz hören. Wenn Sie dann
diese böse Frequenz gefunden haben, senken Sie sie jetzt und schneiden Sie diese
unangenehme Frequenz aus. Nun, das funktioniert gut, wenn Sie
ein bestimmtes Geräusch
hören können , das Sie
loswerden möchten , wenn Sie es einfach hören
. Aber das Problem dabei
ist, wenn du durchgehst und auf eine
Frequenz achtest, die du nicht magst, wenn du die
Frequenzen so stark anhebst, kann
jede Frequenz böse klingen. Wenn Sie das dann
weglassen, richten Sie dabei mehr Schaden an, als tatsächlich Verbesserungen
vorzunehmen. Du solltest wirklich zuhören
und herausfinden, was du ändern
möchtest, bevor du
anfängst, diese Fragen zu stellen. Aber nehmen wir an, wir hatten
ein seltsames Knistern oder so. Wir können das verwenden,
um herauszufinden, wo das
seltsame Geräusch sein könnte, und dann können wir es
lokalisieren und diese
Frequenz aus dem Sound entfernen. Aber es lohnt sich
zu sagen , es immer ratsam ist, einen
ziemlich engen Q zu verwenden , weil
wir nicht zu viele der schönen Frequenzen
,
die diesen Sound ausmachen,
wegschneiden wollen zu viele der schönen Frequenzen
,
die diesen Sound ausmachen,
wegschneiden , also wollen
wir wirklich nur die genaue Frequenz, die wir
wollen, mit einem sehr engen Q einschränken. Allerdings auf der
anderen Seite, wenn wir Ich möchte irgendwelchen Bereichen einen Schub geben, sagen wir,
ich wollte zum Beispiel diese
schöne Frequenz in der Gitarre runterprobieren
, diesen fast klobigen,
kratzigen Sound. Aber wenn wir das verwenden,
wollen wir den Q leise reduzieren. Wir wollen nicht, dass es
zu radikal ist, weil es ein bisschen unnatürlich
klingt, also solltest du, dass der Q
ziemlich breit ist. Das alte Sprichwort lautet
schmal geschnitten und Stiefel breit. Genau das werden
wir hier tun. Dadurch fällt das
schnelle Kratzen
nur ein bisschen mehr auf. Viele Leute halten
sich gerne an die Regel, das Boosten
zu reduzieren,
wann immer Sie können, was ich bis zu
einem gewissen Grad zustimme. Ich denke, du solltest dich
hauptsächlich darauf konzentrieren
,
unangenehme Frequenzen wegzuschneiden und
den Sound so zu gestalten , dass er mit
den anderen Instrumenten funktioniert. Wenn du jedoch ein bisschen Obertonhöhe
hinzufügen
oder einfach
eine bestimmte Frequenz betonen möchtest,
anstatt
eine Gitarre erneut aufnehmen und den AMP
anpassen zu müssen,
kannst du anstatt
eine Gitarre erneut aufnehmen und den AMP
anpassen zu müssen, diese
kleinen Unterschiede am EQ einfach an einer schönen Stelle erhöhen
. Ich höre mir den
Referenztrack an. Es ist in der Mitte tatsächlich etwas
präsenter als meins. Gehen wir noch einmal zurück und
passen das vielleicht ein wenig an. Das ist die Sache, es ist in Ordnung, zu experimentieren und sich im Laufe der Zeit anzupassen. Sie können diese Dinge
beliebig anpassen. Hör es dir jetzt an, vielleicht möchte ich da etwas
mehr Frequenz haben. Es ist auch erwähnenswert, dass die
Leute auch nicht dazu neigen, mit Boosts
zu verrückt zu werden. Sobald wir die
Verstärkung von plus 10 erreicht haben und diesen Pegel erreicht haben, werden sich
die
Dinge etwas komisch anhören. Oft boosten die Leute gerne ganz konservativ und nehmen nur
kleine Anpassungen am Sound vor. Also um dir ein
Vorher und Nachher zu geben. Nun, ich weiß, das
mag subtil erscheinen, besonders wenn wir uns alles andere
angehört haben. Aber wie ich bereits sagte, es geht nur
um ein Prozent auf einmal. Sobald wir alles andere angepasst haben, wird
es einen viel
spürbareren Unterschied geben. Auch hier ist es so, als würde man einen Song
wegschneiden, und je mehr Instrumente wir mit ein bisschen EQ wegschneiden
können, desto klarer wird jedes
einzelne. Zum Beispiel wollen wir etwas Platz für
diese Gitarre
schaffen, weil sie
ziemlich schwer zu hören ist, sodass wir einige
Frequenzen vom
Orgelsound
und dem Basssound wegschneiden können . Dann wird
diese
Gitarre plötzlich ein gutes bisschen klarer sein. Sie weiterhin
kleine Anpassungen am EQ an jedem Instrument vor. Möglicherweise müssen Sie zu
bestimmten Instrumenten zurückkehren ,
zum EQ zu anderen, da
sich die Frequenzen beim EQing ständig ändern
. Wir sehen uns in der nächsten
Lektion. Danke, Leute.
13. Panning: Hallo Leute, willkommen zurück. In der nächsten Lektion
werden wir über das Panning sprechen. Das Panning ist super
einfach. Alles was es ist, ist, unsere
Instrumente entweder nach links oder
rechts zu bewegen , um eine breitere
Klangbühne für unseren Mix zu schaffen. Wenn Sie
eine Band live spielen sehen, werden
die Mitglieder der
Band von
links nach rechts
über die Bühne verteilt . Sie würden nicht alle
voreinander
stehen , denn das wäre
wirklich komisch, oder? Es würde auch ziemlich
komisch klingen, nicht wahr? All diese Geräusche, die nur aus
einer engen Richtung auf dich
zukommen , das
klingt nicht nett. Es ist, als würde man versuchen
, einen Mix durch eine Röhre zu hören. Was wir mit Panning machen können, ist unsere Instrumente über das
gesamte Audiofeld
zu
verteilen, um unserem Mix einen viel breiteren und ausgewogeneren Klang zu verleihen und
unserem Mix viel Tiefe und 3D-Effekt zu verleihen. Das macht es auch einfacher, Dinge
zu hören, denn
anstatt sich die Dinge
im selben Raum zu überschneiden, können
wir einige Bits hierher,
einige Bits dort drüben bewegen und jedes Instrument
um den Zuhörer herum platzieren, und jedes Instrument
um den Zuhörer herum platzieren anstatt alle vorne. Jetzt können wir Panning verwenden,
wie wir wollen. Es kann ein ziemlich kreativer
Prozess sein, herauszufinden, welcher Raum für jedes Instrument
gut geeignet ist. Es gibt jedoch ein paar vernünftige
Grundregeln, die befolgt werden müssen. Die erste besteht darin, alle echten Kerninstrumente oder schweren Bassinstrumente
in der Mitte zu belassen. Wie bei Schlagzeug und Bass, wenn sie zur Seite stehen, weil sie
ein so dominanter Sound sind, kann
es sich in gewisser Weise so anfühlen, als ob Sie
schief sind. Das gilt
auch für den Gesang an der Lead-Gesangslinie. Du willst nicht wirklich, dass
es nach links geschwenkt wird. Du willst, dass das
vorne und in der Mitte steht. Das sind die
Instrumente, die
du wirklich in der Mitte behalten solltest. Aber bei vielen
anderen können wir wirklich mit dem Schwenken
spielen. Eine weitere gute
Faustregel ist,
dieses Gleichgewicht beim
Schwenken immer im Hinterkopf zu behalten . Wenn du dir das wie eine Waage , wollen
wir nicht
eine Seite überlasten, denn auch hier wird
es
etwas schief klingen, also versuche einfach
sicherzustellen, dass auch die
Instrumente entweder links oder rechts gleichmäßig verteilt sind. Bei Logic ist es wirklich
einfach, das Panning zu finden, es ist nur dieses Wählrad
hier, sodass wir
nach rechts oder
links gehen können und wie Sie sehen, haben
wir 64 verschiedene
Stellen, an denen wir es nehmen können. Eine Menge Platz zum Arbeiten. Bei dieser Leadgitarre nehme
ich die nach rechts
ab. Das hört man jetzt schon
ein gutes bisschen klarer, es hatte vorher Probleme
mit dem Mix, aber es ist viel klarer. Ich gehöre zu diesen Vocal Stacks. Ich werde einfach mal
richtig experimentieren und sie quasi
überall hin
schwenken. Es wird sich wie diese
coole Stille anhören, die uns umgibt. Ich habe gerade die
meisten Instrumente
in diesem Bereich
überall hin geschwenkt . Ich finde, das klingt
schon ziemlich gut. Klingt cool. Nun,
einigen von Ihnen ist vielleicht aufgefallen, dass
ich hier unten drei Leadstimmen habe. Das klingt ein bisschen komisch, nicht wahr? Warum
habe ich sie gemacht? Etwas anderes, das wir mit
Panning machen können, das wirklich cool
ist, heißt Double-Tracking. Dies ist im Wesentlichen der
Vorgang, bei
dem zwei gleiche Aufnahmen aufgenommen und nach links
und eine ganz nach rechts
geschwenkt wird. Dies wird oft auch
mit Akustikgitarre und
Rhythmusgitarre gemacht . Das gibt ihm ein viel breiteres
Klangspektrum und
füllt wirklich das Stereofeld aus,
anstatt dass nur eine Spur in der Mitte
auf dich zukommt. Wenn zwei Dinge
durchkommen, klingt
jeder Lautsprecher einfach riesig und breit. Nun, das ist toll mit
Gitarre und um ehrlich zu sein, jedes Instrument, das du wirklich erweitern möchtest
, funktioniert auch hervorragend mit. Bei Vocals ist es heute eine
üblichere Technik, einmal ganz nach links und
einmal ganz nach rechts zu schwenken links und
einmal ganz nach und dabei auch die Mitte zu
belassen. Im Wesentlichen
wurden drei
Tracks alle leicht unterschiedlich aufgenommen. Idealerweise möchte
der Stärkste in
der Mitte sein und dann schwenken
wir ihn
nach links und rechts. Damit kannst du
auch verrückt werden. Viele Leute wie Billie
Eilish legen tonnenweise und tonnenweise verschiedene Doppeltracks zusammen und verteilen sie überall,
und das ergibt diesen
riesigen, fetten Gesangssound. Für mich werde ich eine Stimme zentrieren, eine ganz links und
eine ganz rechts. Jetzt klingt es so. Verglichen damit. Wenn wir uns das nun
im Kontext eines Mixes anhören. Jetzt hören wir es uns ohne
die Doppelspur an. Du siehst, wie es mit nur dem einen viel
einsamer klingt. Nun, wieder, du
benutzt es sehr oft so, wie du willst. In der ersten Strophe wollte
ich, dass es
etwas einsamer klingt, also hatte ich nur die eine Stimme für diesen Abschnitt tief. Aber in der
zweispurigen Version, mit all den Instrumenten, wurde der Gesang
einfach hervorgehoben und ihnen
ein bisschen mehr Selbstvertrauen gegeben, das ist
also Schwenk. Genau wie beim Verschieben
lassen wir diese Instrumente
in verschiedenen Räumen
in unseren Kopfhörern
oder Lautsprechern laufen in verschiedenen Räumen
in unseren Kopfhörern und sorgen so für
eine schöne, breite Klangbühne. Danke Leute. Wir
sehen uns in der nächsten Lektion.
14. Hall: Hallo Leute, willkommen zurück.
In der nächsten Lektion werden
wir also über Reverb
sprechen. Wenn Sie also schon
länger Musiker sind, wissen
Sie wahrscheinlich schon genau, was Reverb
ist, einer der am häufigsten
verwendeten Effekte überhaupt ist. Aber wenn Sie nicht
wissen, was Hall ist, ist
es im Wesentlichen wie
der Klang eines Raums. Wenn du zum Beispiel
in einer großen Kathedrale spielst, der Klang deiner Stimme, wird
der Klang deiner Stimme,
deine Gitarre auf
eine ganz andere
Art im Raum
widerhallen und springen , als ob du deine
Gitarre in einem kleinen Raum spielen
würdest. Wir verwenden also den digitalen
Halleffekt, um zu versuchen , das Gefühl
eines Instruments in einem Raum
nachzubilden , das einer Aufführung, Leben und es sich wie echt anfühlt und
in einem natürlichen Raum gespielt wird. Es kann aber auch
die Illusion erzeugen, dass das Instrument weiter vom Zuhörer
entfernt ist. Das bedeutet, dass wir die Dinge im Mix
tatsächlich verschieben können , indem wir
den Hall verwenden,
anstatt die Lautstärke anzupassen. Es hat eine eher
atmosphärische Wirkung. Wenn Sie sich also
an unsere letzte Lektion erinnern, einen neuen Bus,
anstatt jeden einzelnen Track mit einem Hall erstelle
ich einen neuen Bus,
anstatt jeden einzelnen Track mit einem Hall
zu versehen. Ich werde es zu
unserem Lead-Hallton machen. Warum nenne ich es Lead Reverb? Also, wie ich schon vor
einer Sekunde sagte, wir können entweder Reverb verwenden, um
Charakter zu verleihen oder um
Instrumente in den Mix zurückzudrängen. Was ich
persönlich also gerne mache, ist,
einen Bus für einen Lead-Reverb zu erstellen . Also werden wir
unsere Leadinstrumente
durch diesen schönen Hall hochziehen . Aber dann alle, für die
wir verwenden wollen, wie Umgebungseffekte und
schieben den Mix zurück. Ich werde
dafür tatsächlich einen etwas
anderen Hall machen. Ich werde dafür einen neuen
Bus bauen. Jedes Reverb-Plugin
wird also ein
bisschen anders aussehen. Ich verwende nur das
Standard-Reverb-Plugin von Logic. Es sieht ein bisschen gruselig aus mit
all diesen verschiedenen Zifferblättern, aber es ist tatsächlich viel
einfacher als es scheint. Aber lassen Sie uns jedes
dieser Zifferblätter durchgehen, damit wir genau
wissen, womit
wir arbeiten. Zuallererst können wir oft die Raumgeräusche
ändern. Wie ich schon
vor einer Minute sagte, wir können aus jedem
dieser verschiedenen Räume wählen ,
um einen coolen Sound zu erzeugen. Also lasst uns ein
bisschen herumspielen. Ich rufe den Klang
dieses Kammerhalls aus. Ich bleibe vorerst
dabei. Wenn wir jetzt runterkommen, werdet ihr sehen, dass es
einen trockenen und einen nassen Slider gibt. Das ist also nur, dass
Sie damit die Menge des
trockenen und feuchten Signals einstellen können, das aus diesem Hall
kommt. Das trockene Signal ist nur die Aufnahme
ohne jegliche Auswirkungen, und nass ist das beeinflusste Signal. Also der, auf dem wir Hall haben. Siehst du, je weiter wir nach oben gehen, desto mehr Wirkung wird
es. können wir abwägen, wie stark Damit können wir abwägen, wie stark
der Hall
das Signal beeinflusst. Jetzt, weil wir
das als meine Leadstimme verwenden. Ich möchte, dass viel
trockenes Signal reingeht, und ich wollte Hall haben. Aber auch hier
möchte ich nicht zu nass sein ,
weil
es dadurch zu weit nach hinten verschoben wird. Aber in meinem Ambient-Reverb werde
ich diesen Kanal zu
einem viel feuchteren Kanal machen. Als nächstes folgt die Abklingzeit. Das ist also im Wesentlichen
nur, wie lange der Hall anhält, und
er wird in Sekunden gemessen. Es ist also wirklich einfach
zu verstehen. Wenn wir den Zerfall erhöhen. Du siehst
, wie lang der Hall-Trail ist. Wenn wir das jedoch verschärfen
, verblasst es viel schneller. Also nochmal, für ein Leadinstrument würde
ich das kürzer nehmen, und für die stimmungsvollere Atmosphäre
habe ich ein gutes Stück angefeuert, und abgesehen davon ist es
wirklich nur eine Geschmackssache. Sei auch hier immer solo und erzähle diese Dinge ab und zu zu sehen, welchen Unterschied
du machst. Das klingt ziemlich gut. Wir können auch auf diese
Schaltfläche klicken und hinzufügen für
wie viele Takte
der Gesang dauern soll. Wir können damit also etwas
mathematischer werden,
wenn wir wollen. Ich denke, das
zweitwichtigste ist die Verzögerung vor der Verzögerung. Das Pre-Delay gibt also
im Wesentlichen an, wie lange es dauert,
bis der Hall einsetzt. In diesem Beispiel, wenn
Harriet anfängt zu singen, tritt
der Hall nicht sofort ein, einige Millisekunden
bevor der Hall beginnt, und dort befindet sich
das Pre-Delay. Je mehr wir das also
hochfahren desto länger ist das
Pre-Delay, das wird
den Hall wirklich übertreiben und
ihn auffälliger machen. Auch hier können wir es für
mehr Ambient-Hall erhöhen, aber wenn Sie es etwas
enger an
die normale Stimme halten möchten , würde
ich empfehlen,
unter 15 Millisekunden zu gehen. Die meisten Reverbs werden auch mit einem EQ-Parameter
geliefert. Dieses Ding hier, und das erlaubt dir
im Grunde nur den EQ des Halls
zu formen. Wir können dies sowohl für
das Eingangssignal als auch das Ausgangssignal tun. In der Hauptsache passen wir das
eingehende EQ-Signal an. Bei den Details passen wir das
ausgehende EQ-Signal an. Machen Sie sich darüber keine
allzu großen Sorgen, wenn Sie ein Anfänger sind. Alles, was wir damit tun können
, ist , das, was wir in
unserer letzten Lektion
über den EQ gelernt haben , auf
den Hall und die Funktionsweise des
Reverbs anzuwenden . Wir können einen Hochpassfilter verwenden um
diese schlammigen Geräusche zu reduzieren oder wir können einen
Tiefpassfilter verwenden und sie dunkler machen oder wir können beides
tun und
einen wirklich konzentrierten,
mittig klingenden Hall erhalten . Dann können wir auch
in die Details gehen und
dasselbe mit dem
Hall machen , der herauskommt. Aber
damit werde ich heute nicht
zu viel herumspielen . Ich denke, das ist so viel
zu berücksichtigen, wie es ist. Wir werden uns also für den
Rest der Lektion nur auf
diese Zifferblätter konzentrieren . Dies sind die Zifferblätter, die
Sie hier und hier sehen. Dein Reverb hat diese vielleicht nicht, aber falls doch, werde ich sie sehr schnell
durchgehen. Der erste ist der Angriff. Je schneller der Angriff ist, desto schneller bauen
sich die Hallreflexionen auf. Aber wenn wir es langsamer machen, werden
sie in den Überstunden
stärker nachlassen. So ziemlich subtil da. Bei den Ambient-Solo-Reverbs wird es
deutlicher . Die Größe ist ziemlich
selbsterklärend und wirkt sich
nur darauf aus, wie groß der Raum klingt. Es ist ziemlich subtil,
besonders in dieser ersten Kammer weil es ein ziemlich
kleiner Raum ist, den wir replizieren. Die Dichte bestimmt die Menge der Reflexionen,
die umherspringen. Wenn Sie sich also vorstellen, dass
ein Geräusch entsteht und es an den
Wänden herumspringt, ist das im Wesentlichen so, wie oft es reflektiert wird. Auch hier sind all diese Dinge sehr subtil und die Entfernung ist die wahrgenommene Entfernung zwischen Ihnen und dem Instrument
, das gespielt wird. Also nochmal, was das Ambient angeht, wenn du
etwas im Mix zurückdrängen willst, können
wir diese
Distanz weiter weg machen, aber mit einem solchen
Leadinstrument wollen
wir das Echo etwas näher angehen lassen. Fangen Sie wie immer an, sich
das neben dem regulären Track
anzuhören und mischen Sie
es in das, was am besten klingt. Cool. Was ist toll? Wenn ich einstellen möchte, wie intensiv der Hall im Gesang
ist, kann
ich hier einfach diesen
kleinen Bus-Stil verwenden. Was ist, wenn ich mehr daraus machen will? Jetzt kann ich
all dieses Wissen nutzen, um einen weiteren Hallbus zu erstellen
, den ich für
den Umgebungshall verwenden kann. Ich kann einen Kanal erstellen,
in dem die Reverbs wirklich übertrieben sind und das wird die Dinge
im Mix etwas
nach hinten verschieben. Aber es wird ihnen immer noch
viel Charakter verleihen. Was mit
Hintergrundgesang oder anderen Instrumenten
im Ambient-Stil wirklich gut klingt . Jetzt, da ich
sie in meinen Bussen habe, kann
ich einfach jedes
dieser Instrumente durchgehen und wählen
, in welchen Bus ich sie schicken möchte. Also
lasst uns zum Beispiel diesen Kick machen. Fügen wir den Bus hinzu und wir
wollen diesen eher zu
einem Lead-Hallton machen ,
weil er sehr präsent sein wird. Ich passe nur den Stil an. Das ist also unsere Lektion über Reverb. Wir sehen uns in der nächsten Lektion.
15. Verzögerung: Hallo Freunde, willkommen zurück. In der nächsten Lektion werden
wir über Verzögerungen sprechen. Delay wird oft mit Reverb
verwechselt und das aus gutem Grund denn
beide sind sich ziemlich ähnlich, aber sie unterscheiden sich tatsächlich
ein bisschen. Reverb emuliert
Schallwellen, die von
Diensten reflektiert werden
, um einen
dreidimensionalen Raum zu erzeugen, wohingegen Delay eine Kopie
des Klangs erzeugt wohingegen Delay eine Kopie
des Klangs erzeugt und ihn wiedergibt,
aber in bestimmten Intervallen,
um einen Echoeffekt zu erzeugen, als aber in bestimmten Intervallen,
um einen Echoeffekt zu erzeugen ob Sie
eine große Höhle hinuntersprechen oder so, und dann
kommen diese Reflexionen auf Sie zurück. Das ist es, was Verzögerung bewirkt. Ich betrachte es einfach als eine
Erweiterung von Reverb, wir verleihen einem Sound nur mehr Raum
und Dimension. Das Schöne Verzögerung ist, dass sie wirklich
einfach ist. Nochmals, um es uns wirklich
einfach zu machen, werde
ich eine Verzögerung auslassen. Ja, das Leben
ist für mich einfach viel einfacher. Es gibt Verzögerungen. Nun zur Logik, es gibt ein paar
verschiedene Verzögerungen. Jetzt werde ich nicht mit Verzögerung
zu sehr ins Detail gehen. Ich werde auf diesem Track nur
ein bisschen davon verwenden. Es gibt dieses einfache Echo-Plugin, das sehr einfach zu bedienen ist, uns
aber dennoch ein gutes Maß an
Kontrolle über die Art der
Verzögerung gibt . Ich werde
das auf den Gesang legen und ich werde den Hall
am Gesang ausschalten, damit
Sie wirklich deutlich hören können,
was die Delays hier bewirken. Wie Sie hören können, ist es
so, als würden
diese Schallwellen auf akademische Angelart
auf uns zurückprallen . Mit diesen Wählscheiben können wir
einfach kontrollieren, wie das funktioniert. Die trockene und die feuchte Mischung sind, wie wir bereits erklärt haben, nur die betroffenen Werte. Das Notenrad hier bestimmt
nur die Anzahl der Wiederholungen, die Echo erzeugen, und in welchen Intervallen
sie geschehen. Damit können wir ziemlich
verrückt werden. Wir können die Echos
triolett oder punktiert machen. Einfach ein Viertel
Takt haben, oder wir können am
anderen Ende rechts fahren und ungefähr ein
Sechzehntel fahren. Es ist viel schneller. Oder wir können uns für ein Triplett entscheiden. Wir wählen nur aus, was wirklich interessant
klingt. Es ist ganz nett, wenn es zu oft mit dem Timing deines Songs übereinstimmt. Du weißt nicht wirklich
viel über Rhythmen um zu wissen, wie das funktioniert, schalte
einfach dein Match an. Dieses Achtel passt zu unserem Song dort,
aber wenn wir
es in ein Triolett ändern würden, wirst
du sehen, dass es daran liegt wir nicht
in Triolen schreiben, das etwas mehr damit übereinstimmt. Das ist an der Zeit, aber es erzeugt dort einen anderen
Effekt. Es ist so viel
übertriebener. Mir hat der Sound
der Achtel sehr gut gefallen. Hörte sich für mich ziemlich gut an. Ich werde das
Nasssignal nur ein bisschen leiser stellen. Dies ist nur die
Länge der Verzögerung. Da
kommen jede Menge Echos zu uns zurück. Aber wenn wir das gleich
leiser machen, ist es viel kürzer. Wir kontrollieren nur das
Ausmaß der Verzögerung, und
zu guter Letzt wird
die Farbe beeinflussen, welchen Frequenzbereich die
Verzögerungen einnehmen. Normalerweise erhalten Sie bei Verzögerungen
einen hohen und einen niedrigen Wert, um festzustellen, wo diese
Verzögerungen liegen, aber dieses farbige Zifferblatt
macht es für uns noch einfacher. Wir können einfach wählen, auf welchen Bereich des Frequenzspektrums
wir uns konzentrieren möchten. Niedriger oder höher. Übertreiben wir es und
gehen wir zuerst zum oberen Ende. Diese Verzögerungen treten
eher im oberen Preissegment auf, aber auch dann, wenn wir das verringern
können. Diese Verzögerungen treten jetzt
in geringerer Häufigkeit auf. Nochmals, lass uns einfach ein Lied
spielen und das
ausbalancieren, bis
es gut klingt. füge nur ein
subtiles Delay hinzu,
ich möchte nicht,
dass es zu offensichtlich
ist, es füllt nur
einen schönen Raum zwischen den Linien und fügt nur die Raumeffekte hinzu, die wir mit dem Hall
erzeugen. So einfach ist das,
und das ist so ziemlich alles. Wir können das auf
jedem Instrument machen, dem wir nur ein bisschen
mehr Leben einhauchen wollen, ein Experiment machen und sehen,
was dir der Klang gefällt, und wir sehen uns in
der nächsten Lektion.
16. Automatisierung: Als Nächstes werden wir über Automatisierung
sprechen. Automatisierung in der Musik ist
der Prozess, bei dem
bestimmte Effekte oder Lautstärken
zu bestimmten Zeiten in einem Titel geändert werden. Was meine ich damit? Nehmen wir an, Sie haben
die Lautstärke Ihres Tracks ausgeglichen und Refrain klingt
alles gut
und ausgewogen, aber ihr spielt die Strophe und plötzlich
ist die Gitarre viel zu laut. Wir
automatisieren die Lautstärke,
sodass es in der Strophe etwas leiser wird und dann
wieder in Richtung Refrain ansteigt , sodass wir
die Lautstärke
über den gesamten Track viel besser
ausbalancieren können , aber wir können die Automatisierung
für alle Effekte verwenden. Nehmen wir an, wir wollen auf der
Bridge den
Gesang
einfach mit Hall überziehen. Wir können es automatisieren, sodass
der Hall weit nach oben kommt und wir eine Menge
schönen Hall in einer Bridge haben, oder sagen wir, Sie
möchten
die Verzerrung bei einem Gitarrensolo wirklich aufnehmen . Auch hier können wir
die Verzerrung einfach automatisieren , um sie in diesem Abschnitt aufzunehmen
. Nun, es ist erwähnenswert
, dass dieser Teil
der Mischung sehr wichtig ist. Sie sollten
viel Zeit damit verbringen,
die Lautstärke zu automatisieren , damit alles
wirklich ausgewogen ist. Bevor
Sie mit der Automatisierung beginnen, sollten Sie wirklich viel Zeit mit
dem Volumenausgleich verbringen und sicherstellen, dass Sie damit
wirklich zufrieden sind ,
da es jetzt viel einfacher ist , die Volumes
und Bits
zu ändern. Gönnen Sie sich eine
Pause von 24 Stunden, kommen Sie mit frischen Ohren zurück, gleichen
Sie die Lautstärke erneut aus, gönnen Sie sich eine weitere Pause und kommen Sie dann zurück und beginnen Sie, diese Lautstärke zu automatisieren,
aber machen Sie sich nicht zu viele Sorgen. Wir können die
Lautstärke nach einer Automatisierung immer anpassen, es wird nur ein
bisschen kniffliger. Es ist Zugriffsautomatisierung auf Logikbasis Wir können einfach den
Track auswählen, dem wir Automatisierung
hinzufügen möchten , und A drücken. Jetzt können wir hineinzoomen
und vielleicht sehen Sie dort
diese schwache graue Linie. Das ist unsere Automatisierungslinie. Wenn wir nun zurück
auf den Track schauen, werden
wir sehen, dass die
verschiedenen Balken erschienen sind. Dies ist ein Automatisierungsparameter. Wir können darauf klicken und ändern welcher Effekt auf die Automatisierung
angewendet wird. Wir können die
Komprimierung oder den EQ anpassen, aber wir bleiben für die Minute
bei der Lautstärke. Wenn ich den Track
aus dem ersten Abschnitt spiele, den Teil, zu dem wir den Song noch nicht
gemischt haben, sind
die Vocals mit der Gitarre einfach ein
bisschen laut. Ich möchte den
ganzen Abschnitt auch etwas leiser machen bevor alle
Instrumente reinkommen denn wenn wir
eine Lautstärkeerhöhung haben, wenn all diese Dinge reinkommen, wird das für ein
gutes bisschen Spannung sorgen. Ich möchte, dass der erste
Strosabschnitt etwas leiser ist. Ich muss nur auf die Leiste
klicken, erneut klicken und schon wird
dieser Knoten erstellt. Wir können diesen
Knoten nach oben und unten bewegen. Das wird
die Lautstärke ändern. Ich habe es gerade
um minus 2,5 dB in
der Strophe heruntergefahren und dann klicke ich
einfach auf einen anderen Knoten und hier
noch einen, und ich werde
es einfach wieder auf den Stand bringen, wo es bei plus 1,7
war. Wir können zu diesem Zifferblatt gehen und Vorderseite nach oben und unten bewegen
, um wirklich genau zu sein. Bring es wieder auf 1,7 und es ist dort visuell ziemlich klar. Wir
reduzieren es gerade für diesen Abschnitt und dann schleicht sich die Lautstärke
einfach an. Wenn die Stimme für
diese Chorus-Sektion
zurückkommt , wurde
sie verstärkt. Ich werde das auch mit
der Manne-Gitarre machen. Ich möchte, dass es
heruntergefahren wird und dann möchte ich es langsam
in den Refrain hochklappen. Nun, es lohnt sich zu sagen, dass
wir
für so etwas, wo es einen konstanten Sound gibt, wo es einen konstanten Sound gibt, keine Pause haben, in
der der Lautstärkeanstieg sehr auffällig sein wird
, wir wollen die Kurve
ziemlich subtil machen, weil du nicht plötzlich
hochfahren
willst, weil es so ein
bisschen komisch klingt. Wenn ich herausfinde, wo der
Chorus ins Spiel kommt, dann wollen wir dort
unseren nächsten Knoten haben. Wir wollen, dass es diese Lautstärke erreicht,
wenn wir in den Refrain gehen. Ich möchte
dort eine
wirklich sanfte Steigung machen und werde diese Gitarre einfach
ein bisschen runterfahren. Man kann sehen, dass es da oben
einfach sehr schön sanft angehoben ist
und fast ein bisschen Balken
erzeugt man kann
auch fast bemerken , dass die Lautstärke
zunimmt und etwas passiert. Wie gesagt, wenn
du einen ganzen Song mischst, ist es
wirklich wichtig, dass du so viel wie möglich
durchgehst und automatisierst und
dafür sorgst , dass es
über jeden einzelnen Abschnitt ausgewogen klingt. Verbringen
Sie eine Menge Zeit hier und achten Sie ,
wie diese Volumina ausgewogen
sind, genau darauf,
wie diese Volumina ausgewogen
sind,
aber wir können auch
mit der
Automatisierung etwas
kreativer werden. Zum Beispiel klingt diese
kratzige Gitarre, die ich hier habe , gut, aber ich denke, es
wäre wirklich cool
, wenn der Sound
beim Spielen verändert würde. Ich denke, es fügt einfach diesen
3D-Raum hinzu und ich finde,
ich klinge einfach cool. Wenn wir zur Lautstärke wechseln, können
wir stattdessen Panning wählen. Gehen wir einfach absolut vor. Dann starte ich es
ganz links und automatisiere
es nach rechts. Wie zuvor wählen
wir einen Knoten aus. Ich werde es so schwenken und am Ende möchte
ich, dass es
auf der anderen Seite landet. Es
beginnt eigentlich auf der rechten und geht auf die linke Seite. Mehr fängt hier an, also werde ich es einfach ein bisschen umdrehen. Hoffentlich hört ihr
dort, dass die Gitarre um unseren Kopf bewegt
wurde. Wie
klingt das jetzt insgesamt? Wirklich cool. Verbringen Sie
viel Zeit hier, werden Sie kreativ damit
und sehen Sie, welche coolen Effekte
Sie
damit erzielen können , und Ihr Mix wird absolut großartig
sein. Ich garantiere es. Unser Mix
ist fast da. werden wir
über einige coole Effekte sprechen In der nächsten Lektion werden wir
über einige coole Effekte sprechen,
also sehen wir uns dort.
17. Verzerrung, Exciter und Refrain: Hallo, Freunde. Willkommen
zurück. In der nächsten Lektion werden
wir über einige
wirklich coole Effekte sprechen , die wir zu unserem Track hinzufügen
können, um
ein bisschen Interesse zu wecken. Es ist erwähnenswert, dass Sie hier
aufhören können , wenn Sie möchten, wir haben
den Großteil der Mischung durchgesehen. Aber es gibt nur drei Effekte
, die
unserem ein bisschen Leben Mix
ein bisschen Leben einhauchen und sie sind
super einfach zu verwenden, also werde ich sie jetzt kurz
durchgehen. Die erste ist Verzerrung. Ein sehr beliebter Effekt, Sie wahrscheinlich
schon gehört haben. Es verleiht einem Track Charakter, Wärme und Durchhaltevermögen. Es wird häufig für
Gitarren, Spaces,
Drumkits, Werbung verwendet , ein bisschen mehr Aggressivität und ein
bisschen mehr Punch in einem Track. Aber Verzerrungen können einen Mix durcheinander bringen, wenn wir ihn übermäßig verwenden, also müssen wir vorsichtig
sein , wie stark
wir etwas verzerren. Für mich möchte ich dieser Leadgitarre ein bisschen
Verzerrung hinzufügen . Ich habe ein Distortion-Plugin hinzugefügt, das wirklich einfach zu bedienen Wir passen nur
den Pre-Game, den Drive und einen Ton an. Es gibt keine richtige oder
falsche Art, dies zu verwenden Spielen Sie
einfach
mit diesen Wählern herum, bis Sie einen Ton erhalten, der Ihnen gefällt. Auch hier wollen wir so
sein, als würden wir es solo
spielen, ein- und ausschalten, es mit dem
Track
anhören und ohne. Jedes Social wird ein bisschen anders
sein, aber es verleiht dem Ganzen ein bisschen
Durchhaltevermögen. Das ist davor und danach. Ich fahre es ein bisschen mehr. Ich drehe die Lautstärke etwas leiser, also sehr subtil, aber ich habe nur ein
bisschen Interesse hinzugefügt. Als nächstes kommt ein Exciter. Ein Exciter wird
im Wesentlichen
einige harmonische
Klänge hinzufügen , um anzuziehen. Dadurch werden die Dinge heller, lebendiger
und glitzernder
klingen . Es verstärkt im Wesentlichen
viele der hohen Frequenzen, es kann viel
Klarheit schaffen, um anzuziehen. Um etwas zu retten, das
in der Mischung vergraben ist, kann
es durch
Hinzufügen eines Exciters ein bisschen besser zur Geltung kommen. Es wird sehr oft für Dinge wie Gesang verwendet
, was auch dem Schlagzeug viel
Energie verleihen kann, insbesondere bei
Symbolen und ähnlichem. Genau das werde
ich tun. Ich werde unseren Aufstieg noch
etwas aufregender machen. Auch dies ist
eine weitere, die wirklich einfach ist. Damit passen wir nur an, welchem Frequenzbereich
der Erreger arbeiten soll, und wir passen
diese Obertöne damit Sie hören, wie das klingt. Die Obertöne sind die
Intensität des Erregers, und dieser Schieberegler hier ermöglicht es uns, uns darauf zu konzentrieren welche Frequenz wir übertreiben
möchten. Vorher, danach, das ist ein starker Aufreger, werde
ich mit
dem Track spielen und ihn einmischen. Es bringt den Ride zum Funkeln und es hilft ihm,
sich im Mix abzuheben, und verleiht dem allgemeinen
Sound des Mixes ein schönes bisschen Top End. Ein Exciter kann etwas
Härte und zu viel
Helligkeit zum Mischen hinzufügen . Denken Sie auch hier daran, Sie möchten es nicht überbeanspruchen, Sie möchten es ausbalancieren,
damit es gut klingt. Wir verwenden es nicht für zu
viele Dinge, da die Mischung dann eine Menge
Härte haben wird. Der letzte ist der Chor. Auch hier haben
Sie vielleicht von Chorus gehört, es ist im Grunde ein
cooler Audioeffekt, der einem Sound ein gutes bisschen Dicke
und Tiefe
verleiht, aber er ist sehr charakteristisch und verleiht einem Instrument eine ganz andere Dynamik
, und es klingt ein
bisschen so. Vorher sehr berühmter Effekt, der auf vielen Tracks in Nevada verwendet ein
sehr berühmter Effekt, der auf vielen Tracks in Nevada verwendet wurde,
falls Sie es bemerkt haben. Auch hier gibt es nicht wirklich
richtig oder falsch. Wir können
diese drei Tage einfach anpassen, bis es ungefähr richtig klingt. Das Richtige wird sein, wie schnell diese Frequenzen sind,
ohne zu wackeln. Die Intensität ist selbsterklärend und die Mischung auch
selbsterklärend. Mit dem Chorus erweitern wir das Stereobild,
sodass die Gitarre im Mix etwas mehr
Platz
einnimmt. Außerdem werden Spiraleffekte hinzugefügt,
was dem Sound
eine coole, interessante Ebene verleiht. Es wird sehr oft für Gesang sowie für
ein gutes Stück Dicke verwendet und kann den Gesang verbessern. Aber für heute
belasse ich es einfach bei dieser Elite-Gitarre, ich finde das klingt cool. Aber auch hier ist es wichtig, es
nicht zu übertreiben, da zu viel Refrain bei
zu vielen Dingen eine Menge Schlamm in
der Mischung verursachen
kann. Dies ist Ihre Chance
, wirklich viel
Spaß an diesen Effekten
auf verschiedenen Instrumenten zu haben und zu sehen, welche kreativen
Sounds Sie sich einfallen lassen können. Wir sind jetzt fast fertig. Es gibt ein paar
Dinge, die ich bei unseren letzten Checks
durchgehen möchte bei unseren letzten Checks
durchgehen um sicherzugehen, dass dieser Mix so
gut wie möglich ist, also sehen wir uns in
der nächsten Lektion.
18. Endgültige Überprüfungen: Unser Mix sollte jetzt ziemlich gut
klingen. Wir haben viel Zeit damit verbracht,
all diese verschiedenen Elemente
durchzugehen und anzupassen all diese verschiedenen Elemente damit alles so gut
wie möglich klingt, und wir haben dem Mix auch unser
eigenes künstlerisches Flair verliehen. Jetzt ist es an der Zeit,
wirklich einzugrenzen. Wenn es etwas gibt,
mit dem
wir nicht zufrieden sind oder etwas, das
wir ändern wollen, ist es
jetzt an der Zeit, dass wir
wieder reingehen und
diese kleinen Änderungen vornehmen , um es
wirklich zu verbessern. Wenn ich in dieser Phase bin, gebe
ich mir mindestens
12 Stunden, wenn nicht 24, um einfach eine Pause einzulegen, Ihre Ohren wieder an die normale Welt gewöhnen können,
anstatt immer wieder
dasselbe Lied zu hören . Wenn du ein oder zwei Tage später zum
Mix
zurückkehrst, suchst du dir einfach
Dinge heraus , die vielleicht nicht
ganz richtig passen oder du
vielleicht vorher nicht bemerkt als du den Track wieder
mischst. Ich würde mir das
Lied von Anfang bis
Ende anhören und mir Notizen zu
allem machen, was auftaucht. Anstatt zu versuchen, es so
anzupassen, wie Sie es hören, machen Sie sich
einfach viele Notizen, und nachdem Sie den Song ein- oder zweimal gehört haben, ist es
an der Zeit
, wieder reinzugehen und die
Liste, die Sie erstellt haben, durchzuarbeiten. Vergiss deinen
Referenztrack nicht, vergleiche ihn
immer mit den paar
Referenztracks,
die du angelegt hast. Sie werden wirklich Ihr Star sein , weil sie von
höchstwahrscheinlich sehr
professionellen Leuten
gemischt und gemixt wurden von
höchstwahrscheinlich sehr
professionellen Leuten
gemischt und gemixt . also immer zwischen
diesem
Referenztrack und Ihrem eigenen
hin und her springen diesem
Referenztrack und Ihrem eigenen
hin und wird
es viel klarer,
vielleicht, was
geändert werden muss oder wo jedes Instrument oder jeder
Sound sitzen soll. Sie sollten auch
bedenken, dass, wenn Sie einen Exciter oder
einige Distortion oder
andere Effekte
optimiert haben einen Exciter oder
einige Distortion oder
andere Effekte
optimiert ,
dies durchaus die Art und Weise
ändern kann, dies durchaus die Art und Weise
ändern kann wie Sie ein
bestimmtes Instrument mit EQ ausstatten. Wenn
du zum Beispiel etwas
Verzerrung hinzugefügt hast etwas
Verzerrung und es jetzt vielleicht
ein bisschen zu hart klingt, kannst
du einfach direkt in den EQ
zurückkehren und vielleicht ein bisschen
von dem oberen Ende herausnehmen. Oder wenn Sie etwas
komprimiert haben
, klingt es dadurch vielleicht etwas leiser. Möglicherweise müssen Sie also
zurückgehen und die Lautstärke anpassen. Es ist auch sehr
wichtig, dass du deinen Mix in so vielen verschiedenen
Umgebungen wie
möglich über verschiedene
Lautsprecher in verschiedenen Räumen und
verschiedene Kopfhörer hörst. Hör dir den Mix in deinem Auto an, finde den billigsten und schlechtesten
Lautsprecher, den du finden kannst. Sie können zwar
sehr gut zu
Ihren spezifischen
Kopfhörern oder Lautsprechern mischen , aber Sie müssen
bedenken, dass das Soundsystem bei
jedem anders sein
wird. Du willst also wirklich
einen Mix machen , der in
vielen verschiedenen Räumen und
Lautsprechern und solchen Sachen am besten funktioniert . Es kommt sehr oft vor,
dass Mixingenieure einen beschissenen Lautsprecher
auf ihrem Schreibtisch
haben
, durch den sie den
Track laufen lassen und dann Mix-Entscheidungen auf diesem wirklich schlechten Lautsprecher ,
weil die
Leute oft Musik über diesen hören. Es ist auch eine gute Idee, andere Leute nach ihrer Meinung zu
fragen. Wenn du Freunde oder
Familienmitglieder hast , die sich ein
bisschen mit Musik auskennen,
schau, was sie darüber denken, was ihnen auffällt, weil vielleicht nicht ganz richtig klingt. Jemand außer
dir, der
ein völlig neues Ohr
für einen Track hat, wird die Dinge wirklich deutlich hören. Wenn du
keine musikalischen Freunde hast , die dir diese
kritische Analyse geben können, sie
gerne an das Klassenprojekt schicken. Wie ich bereits sagte, höre
ich zu und antworte auf jeden einzelnen. Wenn du Hilfe oder Rat
brauchst oder einfach nur möchtest, dass ich mir deine Band ansehe oder was auch immer, poste
es
gerne in dieser Beschreibung, ich liebe es wirklich zu hören,
was sich die Leute einfallen lassen. Wenn dein Mix
wirklich gut klingt und du damit
wirklich zufrieden bist, ist der nächste Punkt von
hier aus oft das Mastering. Mastering ist die Kunst, den Track als Ganzes zu
mischen. Anstatt die Lautstärke
jedes einzelnen
Instruments auszugleichen oder jedes einzelne Instrument zu
komprimieren, wirkt sich das
Mastering auf
den gesamten Track aus. Wir exportieren den Mix oft so, wie er ist, und bringen ihn dann in
ein separates Projekt damit wir nicht an
einem der Levels herumbasteln. Nun, ich finde, Mastering
verdient wirklich eine eigene Klasse. Wir werden heute also nicht darüber
sprechen, aber wenn Sie in
einer Phase sind, in der Sie diese Musik veröffentlichen
möchten, können
Sie
Programme wie Ozone 9 herunterladen. Dies ist ein Programm, das ich
ständig verwende und das im Wesentlichen KI verwendet, um Ihren Track
zu maskieren. Es ist super einfach. Alternativ kannst du deine Strecke an
hochprofessionelle
Unternehmen wie LANDR
schicken , die
deine Strecke mit einigen der besten Ingenieure und
der besten Ausrüstung
der Welt meistern besten Ingenieure und
der besten Ausrüstung
der , oft zu
einem recht günstigen Preis. Das verleiht deinem Song wirklich das
Sahnehäubchen klingt komplett und
bereit zum Streamen. Wir sind so gut wie fertig. Ich werde
in der nächsten Lektion ein paar
letzte Worte sagen , also
sehen wir uns dort.
19. Letzte Kurseinheit: Hallo Freunde, willkommen
zurück, also habt ihr es geschafft. Du bist am
Ende des Kurses hier und vielen Dank, dass du mich während des
gesamten Kurses Ich hoffe wirklich, dass es für dich
nützlich war und du viele
gute Informationen daraus
mitgenommen hast . Hoffentlich fühlst du dich
jetzt
etwas selbstbewusster , wenn es darum geht, in einen Mix zu gehen und
den Song im Wesentlichen so zu gestalten, wie du ihn magst. Das versteht sich von selbst,
aber es gibt noch so viel mehr über Mixing
zu lernen. Es ist ein bisschen
wie eine dunkle Kunst. Es gibt so viele
verschiedene Techniken,
Vorgehensweisen, verschiedene Plugins und Effekte, verschiedene Plugins und Effekte man herumspielen
und mit denen man spielen kann. Es ist eines dieser
Fächer, über die du einfach
für immer lernen wirst und jeder macht die Dinge
auch
so anders , aber es ist im Grunde
unmöglich wirklich in dieses Reich einzusteigen ohne zuerst die Grundlagen prophylaktisch und herunterzuspielen,
wie dein Wissen über EQ und Komprimierung
und all die Dinge über die
wir
in diesem Kurs gesprochen haben. Ich hoffe wirklich, dass dieser
Kurs
eine wirklich solide
Grundlage für Sie gelegt hat . Es ist jedoch erwähnenswert, dass
die Themen, die wir in diesem Kurs
behandelt haben , allein
ausreichen , um aus einer Mischung wirklich professionelle
Sounds herauszuholen. Es gibt einfach so viele
verschiedene Dinge über Mixing zu lernen und zu wissen. Wenn du
etwas, das du
in diesem Kurs gelernt hast, in
deine eigenen Tracks umsetzt , erwäge
bitte, es
in dieses Unterrichtsprojekt zu schicken. Ich würde ehrlich gesagt gerne
hören, was Sie vorhaben. Ehrlich gesagt, eines
meiner Lieblingsdinge Unterricht ist die Interaktion mit Leuten, die ihre Mitarbeiter zu
Recht
schicken , macht mir immer den
Tag, wenn ich eines auftauchen sehe. Wenn Sie teilen möchten, woran Sie gerade arbeiten, oder wenn Sie ein bisschen
Feedback und Kritik
zu einem Projekt wünschen , es
gerne als Stack-Class-Projekt senden Ich würde mich im Allgemeinen freuen, zu
hören, was Sie gemacht haben. Auch wenn Sie
Fragen haben, Sie sich gerne an uns wenden. Ich beantworte jede
einzelne Frage so gut ich kann. Du kannst sie entweder als Teil
der Kursseite in
die Diskussionen schicken oder
mir
gerne eine E-Mail oder eine DM auf Instagram schicken. Ich weiß, dass sie sich wie
eine Art Trennung von
Online-Lehrern und
-Kursen und
solchen Dingen anfühlen können Online-Lehrern und
-Kursen und
solchen Dingen , aber ehrlich gesagt, ich checke meine Diskussionen und meine E-Mails wie
jeden Tag. Bitte zögern Sie nicht, uns zu kontaktieren
und uns zu kontaktieren, wenn Sie möchten. Ich würde einfach gerne helfen, wenn ich kann. Zu guter Letzt, wenn Ihnen dieser Kurs
gefallen hat oder Sie
gute Informationen
daraus gewonnen haben, ist eine positive Bewertung ehrlich gesagt sehr
willkommen. Sie haben einen so großen Einfluss
auf Leute wie mich,
die diese Kurse besuchen. Es hilft wirklich
mehr als du weißt. Wenn du die Zeit hast, würde ich das ehrlich gesagt sehr schätzen. Ich weiß, dass du sehr beschäftigt bist, viel zu tun
hast, aber wenn
du zwei Minuten um einfach ein
Positivfeld zu nehmen und einfach zu sagen, danke Mike, du hast keine
Ahnung, wie sehr
mir das hilft und danke dir im Voraus, wenn du die
Gelegenheit dazu hast. Das fasst die Dinge ungefähr zusammen. Vielen Dank, dass du
hier geblieben bist. Wenn du in Kontakt bleiben möchtest, mich
gerne auf
Instagram hinzufügen oder du kannst meinen YouTube-Kanal besuchen, wenn du
möchtest und ich werde
dich sehr bald erwischen. Nochmals vielen Dank. Hab
einen schönen Tag. Tschüss.