Handgezeichnete 2D-Animation: Zeitsparende Techniken mit nur 3 Zeichnungen

1. Einführung: Bist du ein aufstrebender Künstler oder jemand, der gerade mit dem Zeichnen begonnen hat und du warst schon immer von 2D-Animationen fasziniert. Aber jedes Mal, wenn du es ansiehst, kannst du einfach nicht anders, als zu denken , Gott, das braucht einfach zu viel Zeit. Darin könnte ich navigieren. Wenn das nach dir klingt, dann erzählst du vielleicht meine Geschichte und ich bin hier, um dir zu sagen, dass es besser wird. Hi, ich heiße Jayden. Ich bin Redakteurin, Motion Designer und fast von reinem Happenstance-Animator. Ich hatte mich schon immer für 2D-Animationen interessiert. Ich dachte, es sei ein erstaunliches Medium, das nur durch Ihre Vorstellungskraft begrenzt war. Aber erst bei meiner ersten Vollzeitstelle als Redakteur erhielt ich die Möglichkeit, an vielen 2D-Animationsprojekten zu arbeiten , genau, warum jeder die 2D-Animation sagt, insbesondere vollständige Animation, ist so schwierig weil es in der Tat sehr lange dauert. In der Tat so lange, dass eine durchschnittliche Studioproduktion zwischen 6-12 Monaten benötigt wird, um eine Episode einer Fernsehproduktion zu machen. Ich wurde selbst gebeten, zweiminütige Anzeigen in weniger als einer Woche zu machen . Ich weiß nicht, wie ich noch lebe. Mit dem Internet und der Moderne kommt ein zweischneidiges Schwert. Es ermöglicht Animateuren mit unglaublichem Talent, eine selbstgebaute, erfüllende Karriere bequem von zu Hause aus aufzubauen erfüllende Karriere bequem von zu Hause aus , ohne Teil eines großen Studios sein oder nach LA ziehen zu müssen. jedoch immer noch erwartet , dass Sie das gleiche Qualitätsniveau mit weniger Zeit, weniger Budget und aller Verantwortung haben , dass Sie das gleiche Qualitätsniveau mit weniger Zeit, . In diesem Kurs werden wir behandeln, wie das Funkeln traditioneller handgezeichneter 2D-Animationen erreicht werden kann, jedoch mit so wenigen Zeichnungen wie möglich. Ich zeige Ihnen die Tipps und Tricks, die ich im Laufe der Jahre gelernt habe, nur um den Prozess zu rationalisieren und die Dinge zu erleichtern. Dies wird durch die Nutzung der Leistungsfähigkeit der 12 Animationsprinzipien und besonderer begrenzter Animationstechniken geschehen. Der Begriff „limitiert“ klingt vielleicht etwas fehlerhaft, bedeutet aber in diesem Fall nicht eine geringe Qualität. Es braucht einige Grundlagen der Animation zu kennen. Für Ihr Projekt werden Sie eine kurze Animation machen, die sich lebendig und erstaunlich anfühlt, und alle nur drei Schlüsselzeichnungen sowie einige Ergänzungen hier und da verwenden . Ich benutze Adobe Animate, um meins zu animieren. Einige der tastaturspezifischen Tastaturkürzel werden dafür spezifisch sein. Dies ist jedoch kein softwarespezifischer Kurs, also verwenden Sie bitte alles, womit Sie sich wohl fühlen. Du musst noch nie zuvor animiert haben. Die einzige Voraussetzung ist, dass Sie nur ein wenig Vorzeigefähigkeiten haben . Tut mir leid, das ist der Holocaust. Wir beginnen in der Planungs - und Storyboard-Phase, indem entscheiden, welche Art von Bewegung am einfachsten zu erreichen ist. Wir werden dann zwei oder drei wirklich solide, gut gezeichnete Keyframes erstellen , und danach lernen wir, die Kraft dieser Animationsprinzipien zu nutzen , um diese drei Keyframes in Bewegung zu bringen . Zum Beispiel können wir die Kraft von Follow-Through und Trägheit nutzen , um das Haar oder die Kleidung winken und balgen zu lassen. Am Ende des Kurses haben Sie so etwas in das verwandelt . Du wirst nicht nur eine atemberaubende, hochwertige Charakteranimation haben , von der nur du und ich wissen, dass du betrogen hast, sondern du wirst eine Vielzahl von Techniken und Ansätzen gelernt haben , die du kannst erstellen Sie hochwertige, konsistente Animationen in Ihrer weiteren Karriere. Einige Puristen riefen einige dieser Techniken als schlechte Angewohnheiten oder Betrug. Aber diese Puristen müssen Zugang zu einer Zeitmaschine haben , die der Rest von uns leider nicht tut. Wenn du bereit bist, lass uns kopfüber ins Meer der Animation eintauchen und mal sehen, ob wir es zumindest auf einen See schrumpfen können. Ich hoffe, dass die Analogie funktioniert. 2. Kursprojekt: [MUSIK] Lassen Sie uns durchgehen was Sie in Ihrem Klassenprojekt tun werden, beantworten Sie die Frage, warum animieren. Sie werden eine Charakteranimation vom Storyboard bis zu einem Farbfinish erstellen , aber mit dem Haken, sich auf nur drei Hauptschlüsselbilder zu beschränken . Damit meine ich, dass Sie zwar einige zusätzliche Zeichnungen im Sinn von Haaren hinzufügen einige zusätzliche Zeichnungen im und Bewegungen kleiden, blinken und andere kleine Details. Die Basis-Posen basieren nur auf drei Hauptzeichnungen. Zunächst wählst du deinen Charakter aus. Es kann eine sein, die Sie erstellt haben oder eine bereits vorhandene, und dann werden wir die Planung und das Story-Boarding durchgehen , um Ihren Antrag zu planen. Der Antrag kann absolut alles sein, was Sie wollen, aber wenn Sie keine Ideen mehr haben, werde ich vier Aufforderungen geben , die ich später näher eingehen werde. Im Moment sind sie Charakter, der vom Bildschirm herunterfällt, ein Charakter, der etwas fängt, ein Charakter wird erschreckt, ein Charakter, der umfällt. Ich werde den Charakter animieren herunterfällt, und ich werde alle meine Haupt-Animationsdateien zusammen mit allen Dateien meiner Beispiele einbeziehen alle meine Haupt-Animationsdateien , wenn Sie einen Blick auf diese werfen möchten. Für dieses Stück können Sie jede Animationssoftware verwenden, mit der Sie sich am wohlsten fühlen. Ich werde jedoch Adobe Animate in meiner gesamten Zeit verwenden. Aber wenn Sie auch ein Adobe-Nutzer sind und sich fragen, warum ich es gewählt habe, sagen wir, Photoshop, in dem ich nicht animiert haben kann. Der Hauptunterschied ist die Integration von Ebenen und Schlüsselbildern Animationszeitleiste von Photoshop besteht darin, eine neue Ebene zu erstellen und ihre Zeit auszugleichen, wodurch es näher kommt, etwas wie Adobe zu sagen Premiere. Das ist für kleine Dinge in Ordnung, aber das Navigieren durch die Ebenen wird bei größeren Projekten unglaublich mühsam und zeitaufwändig. After Effects fehlen gute Zeichnungseingaben und obwohl Procreate ausgezeichnet ist, ist es rasterbasiert wie Photoshop, was bedeutet, dass es auf einer festgelegten Auflösung basiert. Da Animate vektorbasiert ist, ermöglicht es mir eine bessere Kontrolle über Skalierung, Komposition, Farbgebung, Dateigröße und vieles mehr. Wie ich schon sagte, jede Software ist in Ordnung, um diesen Kurs zu machen. Denken Sie daran, dass einige der Tastenkombinationen, die ich verwende spezifisch für Animate sind und Sie möglicherweise das Äquivalent in Ihrem Programm Ihrer Wahl nachschlagen müssen. Für eine Alternative zu Animate oder Adobe im Allgemeinen empfehle ich Open Toonz, ein kostenloses Open-Source-Programm , das sowohl Raster- Vektorfunktionen hat und von Likes verwendet wurde von Steven Universe und Studio Gently, wie das ist ein schweres Zeug. Ich empfehle, die Projektbeschreibung zu überprüfen , in der ich einige Links zu einigen Grundlagen von Adobe Animate erstellt habe, und mich auch mit den 12 Prinzipien der Animation vertraut zu machen , wo ich fügen Sie einen Link sowohl zu einem Artikel als auch zu einer Videoserie hinzu, die sie abdeckt. Ich werde einige von ihnen im Kurs ausführlicher behandeln, aber es tut nie weh, eine größere Grundlage zu haben. Ich empfehle Ihnen, Ihre Fortschritte hochzuladen und zu teilen während Sie auf der Registerkarte „ Diskussion“ unten gehen. Bitte scheuen Sie sich nicht, von mir oder Ihren Kommilitonen um Feedback zu bitten . Wenn Sie fertig sind, möchte ich, dass Sie sowohl Ihre exportierte fertige Filmdatei als auch Ihre ursprüngliche Projektdatei in die folgende Projektgalerie hochladen Filmdatei als auch Ihre ursprüngliche Projektdatei . kurzerhand Lassen Sie uns kurzerhand animieren. [MUSIK] 3. Kernkonzepte: [MUSIK] Lassen Sie uns nun einige der Kernkonzepte durchgehen, die wir in dieser Serie behandeln werden. Jetzt hat die Animation viel Jargon, Terminologie und Vokabular, das meinen Kopf selbst jetzt noch irgendwie dreht. Also dachte ich mir, dass dieses Video nur dazu beitragen wird, eine Auffrischung zu geben und die Luft zu einigen dieser Begriffe zu klären. Als erstes müssen wir die Begriffe vollständige Animation und begrenzte Animation definieren vollständige Animation und begrenzte Animation und wie sie unterschiedlich sind. Im einfachsten ausgedrückt bezieht sich die vollständige Animation darauf, wenn es sich bei jeder Zeichnung eine völlig neue und originelle Zeichnung handelt. Keine wiederverwendeten Elemente, keine wiederverwendeten Zeichnungen von früher, alles ist frisch und von Grund auf neu gezeichnet. Manche Leute verwechseln dies damit dass jeder Rahmen eine neue Zeichnung ist. Aber wie ich später in diesem Video erklären werde, ist dies nicht immer der Fall. Während eine begrenzte Animation hingegen die gesamte oder ein Teil einer Zeichnung für verschiedene Zwecke wiederverwendet wird. Jetzt ist das sehr breit und umfasst viele Techniken, aber ich werde einfach versuchen, einige von ihnen hier aufzulisten. Ein Charakter, dessen Körper bis auf ein Glied, das sich bewegt, vollständig still bleibt . Der Körper ist eine Zeichnung und das Glied eine völlig neue Zeichnung. Charakter, der steht und der Wind weht in den Haaren und wölbt ihre lang fließenden Kleider. Oder es könnten Dinge wie Tweening oder Animieren derselben Zeichnung mit Keyframes sein, Dinge wie Kameratricks, Pfannen und Zooms. Begrenzte Animationen sind überall. Einige Leute schreiben eine begrenzte Animation als immer unterlegen der vollständigen Animation ab , dass ihr der Aufwand und die Tiefe fehlt , die die vollständige Animation tut. Ich denke, das ist ein bisschen zu bedauerlich, weil eine begrenzte Animation manchmal nur notwendig ist. Vollständige Animation in der heutigen Zeit, besonders wenn Sie nicht die Gewichte der Ressourcen von Disney oder DreamWorks hinter sich haben , ist die vollständige Animation einfach nicht zeiteffizient. Sie müssen also in der Lage sein, eine Mischung aus beiden Tagen zu verwenden , wenn Sie es als Animator erstellen möchten. Beide haben ihre Verwendung. Vollständige Animation eignet sich hervorragend für flüssige und dynamische Stücke mit viel Action und verschiedenen Punkten und hoher Energie. Während eine begrenzte Animation ideal für Comedy ist, eignet sie sich hervorragend zum Tempo und eignet sich hervorragend für diese stillen, ruhigen Momente. Um nun auf die 12 Prinzipien der Animation zurückzukehren, sind sie alle sehr wichtig. Aber in dieser Serie werde ich einige von ihnen als die wichtigsten hervorheben , die zu behandeln sind. Aber bevor ich es tue, möchte ich nur über etwas sprechen , das heißt, dass diese Prinzipien und keine Regeln aus einem bestimmten Grund genannt werden. Ich denke, zu viele Leute versuchen es als Checkliste zu betrachten. Ich muss den Kürbis haben und strecken. Du musst das haben. wir sicher , dass du das hast. Du musst das haben, du musst das haben, und sie machen das Stück am Ende zu beschäftigt. Sie bereiten sich selbst Kopfschmerzen. Es ist zu kompliziert. Es kann am Ende chaotisch sein. Ich stelle mir die 12 Prinzipien gerne eher als Werkzeuge vor. Stellen Sie sich das wie eine Toolbox vor. Wenn Sie einen Tisch machen, greifen Sie nicht den Hammer, dann die Heißklebepistole und dann den Hammer und dann den Schraubendreher und dann die Summensäge und dann die elektrische Bohrmaschine. Sie wählen die Werkzeuge aus , die Sie zum Erstellen des Tisches benötigen. Ich betrachte die Prinzipien eher als Werkzeuge als als Regeln. Das sollte ein Slogan sein. Keine Tools, Regeln. Keine Regeln, Tools. Ich hab's schon vermasselt. [GELÄCHTER] Der erste, den ich hervorheben möchte, ist Squash und Stretch. Wenn Sie meinen vorherigen Skillshare-Kurs zur Animation eines Logos gesehen haben, wissen Sie, wie wichtig dies ist. Squash und Stretch bezieht sich darauf, wie sich die Form von etwas während der gesamten Animation verändert und verändert. Um die klassische Springball-Animation als Beispiel zu verwenden, wenn der Ball auf den Boden trifft, es Kürbisse von der Kraft und dem Gewicht der Schwerkraft, und dann, wenn er für seine Gegenwirkung wieder aufspringt, ist es freundlich von Längen. Es dehnt sich wie eine Kugel aus, während die Gegenkraft auftaucht. Squash und Stretch ist notwendig, um das Gewicht und das Volumen Ihres Stücks zu verkaufen , und es kann auch die Stimmung ändern , je nachdem, was Sie haben, und es kann auch das tatsächliche Material verändern. Um diesen springenden Ball zu benutzen, wenn es viel Kürbis und Stretch gibt, ist es vielleicht diese Art von Gelkitt. Während es keinen Kürbis und Stretch gibt, ist es vielleicht eine Bowlingkugel oder ein Marmor, etwas sehr, sehr dichtes. Das zweite Prinzip, das ich hervorheben möchte, ist die Vorfreude. Vorfreude ist die Art von Auftakt zu der Aktion, die eine Art von Telegraphen ist, die das Publikum wünschen wird. Ein klassisches Beispiel ist die Art von Boxerschlag. Anstatt einfach nur von der regulären Pose zu einem Schlag zu gehen , merkt man, dass ich noch nie einen ernsthaften Schlag in mein Leben geworfen habe , mit einem Vorfreude Rahmen würde der Arm zurückgehen, bevor er auftauchte . Anstatt einfach so zu gehen und sehr schwach auszusehen, zieht man sich zurück und schlägt dann. Dies ist notwendig für Lesbarkeit und das Gefühl des Stücks, nur um den Dingen Macht zu geben und es so aussehen zu lassen , als wären dies Dinge, die tatsächlich passieren. Das dritte Prinzip, das ich hervorheben möchte, ist überlappende Aktion und das Durchführen. Dies sind sehr, sehr ähnliche Begriffe, aber im Grunde genommen beziehen sie sich auf den Verzögerungs-Schrägstrich, einen Schrägstrich, bei dem sich verschiedene Teile von allem, was sich bewegt, zu verschiedenen Zeiten zur Hauptaktion bewegen von allem, was sich bewegt, zu verschiedenen Zeiten zur Hauptaktion bewegen. Auch dies ist eine andere, die sehr notwendig ist, um die Physik von etwas zu verkaufen. Ich denke, insbesondere diese, überlappende Aktion und Durchfolge, ist eine der, die helfen können, begrenzte Animationen am meisten zu verkaufen begrenzte Animationen am meisten weil nur ein paar Zeichnungen versetzt werden, nur ein paar Zeichnungen nach ein bisschen können Sie einen erstaunlichen dynamischen Effekt erzeugen. Jetzt gehört dieser nicht offiziell zu den 12 Prinzipien. Es ist eine Technik namens Overshoot. Dies ist irgendwie die Kehrseite der Vorfreude. Um zu dieser Punch-Animation zurückzukehren, sobald der Schlag tatsächlich auf die Marke trifft, fügen wir einen Overshoot-Frame hinzu, wo er vorbei geht, wo die letzte Ruhe ist, fast als wäre es so schwer, dass es verpasst hat die Markierung etwas bevor sie zurückgezogen wird. Schnelle Aktionen können immer von einem oder zwei Overshoot-Frames profitieren . Also mach es bitte zu einer Technik , die du oft benutzt. Die nächste Technik ist ziemlich einfach. Auch hier, besonders wenn du mein vorheriges Skillshare-Video gesehen hast , verspreche ich, dass ich es nicht beschimme, verspreche ich, aber es ist langsam und langsam. Das bedeutet, anstatt dass Aktionen mechanisch wie ein Roboter stattfinden mechanisch wie ein Roboter bei dem sie einfach anhalten und starten, bedeutet dies, wenn sie anfangen, langsam beginnen und dann Geschwindigkeit aufnehmen und dann wenn sie aufhören, werden sie auch langsamer. Dies lässt die Dinge nur organischer und anmutiger aussehen, und es kann wirklich helfen zu verkaufen , dass es nicht nur ein Roboter ist. Eine wirklich, wirklich wichtige, über die man sprechen muss, da es mehr um die Funktion und die tatsächliche Technik der Animation geht , und das ist Pose zu posieren und die Animation geradlinig zu machen. Dies ist ein weiterer , bei dem es sehr wichtig ist, die beiden zu unterscheiden. Geradeaus zeichnet man jeden Frame nacheinander. Sie gehen also 1, 2, 3, 4, 5, 6 usw. Während Pose zum Posen die wichtigsten Posen jeder Animation zeichnen . Zum Beispiel könnten Sie 1, 4 und 7 ausführen, und diese Zeichnungen werden Keyframes genannt, und dann gehen Sie zurück und füllen dazwischen mit Frames, die zwischenzeitlich genannt werden. Nun, genau wie bei vollständiger Animation im Vergleich zu begrenzten Animationen, haben sie beide ihre Verwendung. Zum Beispiel ist Pose to Pose Animation ideal für die Charakterbewegung, da Sie ein grobes Gefühl dafür bekommen können, wie es funktionieren wird , bevor Sie zu viele Zeichnungen machen, und Sie können die Form beibehalten und Volumen. Denn wenn Sie eine geradeaus Animation machen , während Sie einen Charakter zeichnen , können Sie Situationen in denen der Kopf plötzlich etwas zu klein wird oder der Charakter nicht mehr an Größe wächst. solche Dinge. So kann es helfen, die Konsistenz aufrechtzuerhalten. Während Straight Ahead Animation am besten für organische und unvorhersehbare Dinge geeignet ist . Zum Beispiel Haare oder Feuer, Wasser, jede Art von natürlichem Vorkommen. Es ist am besten, es geradeaus zu machen, weil es genau diese echte Art von organischem Gefühl verleiht . Als Randnotiz möchte ich darauf hinweisen, dass Keyframes bei größeren, traditionelleren Projekten weiter als Extreme und Pannen eingestuft werden . Extreme sind die am weitesten entfernten, in denen sich der Körper eines Charakters in einem bestimmten Teil bewegt, und Zusammenbrüche sind, wie die Extreme miteinander verbunden sind, und dann können die Zwischenfälle es mit dem verbinden, ja, du verstehst das Bild. Aber aus Gründen dieses Videos beziehen wir uns nur auf jede völlig neue Zeichnung, beziehen wir uns nur auf die wir als Keyframe erstellen, und alles andere, was wir als dazwischen tun. Es ist nicht genau richtig, aber es wird die Dinge für die Zwecke dieses Kurses ein bisschen einfacher und einfacher machen . Das endgültige Prinzip , das meiner Meinung nach für diesen Kurs wirklich wichtig ist , ist das Timing. Traditionell bezieht sich das Timing darauf, wie viele Zeichnungen es in einer bestimmten Charakteranimation gibt einer bestimmten und was das für die Geschwindigkeit, den Stil und die Stimmung bedeutet . Traditionell bedeuteten mehr Zeichnungen eine langsamere Aktion und weniger Zeichnungen bedeuteten ein schnelleres Handeln. Aber offensichtlich ist der Sinn dieser Serie, so wenige Zeichnungen wie möglich zu verwenden. Das wird also irgendwie aus dem Fenster geworfen. In dieser Serie möchte ich das Timing irgendwie wiederverwenden, da es mehr um Rhythmus, Tempo und Stimmung geht . Das endgültige Konzept, das ich in diesem Video untersuchen möchte , sind die Begriffe, die auf 1s, 2s, 3s usw. animieren, 2s, 3s usw. animieren, ist das Szenario, das ich am Anfang erwähnt habe. Angenommen, Ihr Projekt besteht aus 24 Bildern pro Sekunde, eine Standardbildbildrate, die auf 1s animiert wird jeder einzelne Frame eine neue Zeichnung ist. Dies ist diese klassische Art von Disney Bambi Stil, in dem sich alles nur bewegt, lebt und springt. Auch Richard Williams' The Thief and the Cobbler ist ein weiteres berühmtes Beispiel , das auf 1s akribisch animiert wurde. Beim Animieren auf 2s wird jedoch jede Zeichnung für zwei Frames gehalten. Wenn Sie beispielsweise 24 Bilder pro Sekunde hätten, würde es 1-1, 2-2, 3-3, 4-4 usw. Animieren auf 2s ist eine sehr, sehr gebräuchliche Technik. Sogar die Giganten wie Disney und DreamWorks usw. verwendeten ständig das Animieren auf 2s. Animieren auf 2s ist meiner Meinung nach besonders heutzutage der optimale Weg. Aber ich möchte darauf hinweisen , dass Sie Ihr Projekt immer noch auf 24 Frames pro Sekunde setzen. Der Grund dafür ist, dass Sie, wenn es auf 24 Frames pro Sekunde eingestellt ist, es auf 24 Frames pro Sekunde eingestellt ist, die Kontrolle über das Timing haben und Einsen, 2s und 3s mischen und kombinieren können . Ich gebe dir ein anderes Beispiel. Hier ist die gleiche springende Ballanimation von früher. Diese verwenden dieselben neun Zeichnungen. Sie sind beide 15 Frames lang. Sie gehen für die gleiche Zeit. Der linke ist genau auf 2s eingestellt, also ist es 1-1, 2-2, 3-3 usw. Es sieht gut aus. Es verkauft die Action sehr gut. Aber für mich bin ich damit nicht ganz zufrieden. Also habe ich ein bisschen mit dem Timing herumgespielt und 1s, 2s und 3s gemischt und abgestimmt. Wie Sie sehen können, gibt es ein völlig anderes Gefühl des springenden Balls, ein völlig anderes Gefühl für Gewicht und Physik. Selbst wenn Sie entscheiden , dass alles nur auf 2 Sekunden enden wird, stellen Sie Ihr Projekt auf 24 Frames pro Sekunde ein, es gibt Ihnen nur ein viel größeres Gefühl der Kontrolle. Das waren die Kernkonzepte, die wir in dieser Serie verwenden werden. Es gibt noch ein paar Dinge, die ich später erklären werde, aber ich wollte dieses Video nicht zu sehr mit Informationen überladen machen . Dies sind die Grundlagen , die wir verwenden werden. Wir haben viel Material, ich weiß, und das ist bei weitem das längste Video im Kurs. Sei nicht zu überwältigt, wenn du nicht glaubst, dass du alles behalten hast. Ich werde diese Konzepte aktualisieren , wenn sie später auftauchen. Moment möchte ich, dass Sie sich diese Konzepte ansehen, insbesondere die wichtigsten Animationsprinzipien , die ich erwähnt habe, und anfangen, darüber nachzudenken . Wenn Sie sich eine neue animierte Show oder einen neuen Film ansehen, versuchen Sie zu sehen, ob Sie einige davon sehen können. Denken Sie auch darüber nach, für welche Anträge gut wären , diese Prinzipien zu verwenden. Begleiten Sie mich im nächsten Video dem wir unseren Charakter planen und was dieser Charakter tun wird, um unsere eigentliche Animation zu planen. [MUSIK] 4. Charakter-Designs und Storyboarding: [MUSIK] Beginnen wir mit der Planung unserer Charakteranimation. Ich empfehle, einen Originalcharakter zu verwenden, den Sie bereits haben, oder einen Charakter, Sie mit dem Zeichnen sehr vertraut sind. Es wird den gesamten Prozess viel komfortabler und einfacher machen , wenn Sie sie bereits ziemlich gut und ziemlich einfach zeichnen können . Wenn Sie jedoch nur für dieses Video einen Charakter von Grund auf neu entwerfen , empfehle ich, vorher so viele Skizzen wie möglich zu machen vorher so viele Skizzen wie möglich verschiedene Extreme auszuprobieren. Experimentieren Sie zum Beispiel mit ihrem Körpergewicht, wie groß sind sie, hatten sie lange Haare, kurze Haare? Welche Art von Gesichtsstruktur sie haben, gehen Sie so weit, wie Sie wollen, und gehen Sie dann so wenig, wie Sie bereit sind, es zu reduzieren, bis Sie an einen Ort kommen , mit dem Sie sich es zu reduzieren, bis Sie an einen Ort kommen wohl fühlen. Charakterdesign ist eine ganz andere Serie, ein ganz anderer Kurs, bei dem ich mich nicht wirklich wohl fühle , alles hier unten zu verklumpen. Wenn Sie Ideen zur Inspiration benötigen , um Ihren Charakter zu gestalten, gibt es natürlich viele großartige Videos auf skillshare.com. Von hier aus empfehle ich, ein Modellblatt zu erstellen. Es muss nicht sehr detailliert sein. Es muss nicht aus jedem erdenklichen Blickwinkel stammen, aber ich empfehle zumindest eine grundlegende Pose , die die Hauptteile des Charakters zeigt. Vielleicht ein paar Kopfschüsse in einem Profil vom Hinterkopf und ein paar Ausdrücke , von Hinterkopf und ein paar Ausdrücke denen du denkst, dass der Charakter hätte. Versuchen Sie erneut, sich für die Extreme zu entscheiden, gehen Sie ratlos, traurig, emotional von allem auf dieser Welt erschöpft. Vielleicht nicht das, aber versuchen Sie, sich für die Extreme zu entscheiden. Dies gibt Ihnen eine Referenz , um immer wieder zu überprüfen ob Sie jemals stecken bleiben und etwas Inspiration benötigen. Wenn dein Charakter fertiggestellt ist, müssen wir ihm zuerst einen Namen geben. Ich nenne diesen Charakter, sie heißen Holly. Jetzt, da Holly entworfen wurde, ist es an der Zeit, mit der Planung Ihrer Aktion zu beginnen. Jetzt weiß ich in meinem Einführungsvideo, dass ich gesagt habe , dass eines der erstaunlichen Dinge Animation darin besteht, dass es außer Zeit und Vorstellungskraft keine Einschränkungen gibt. Ich glaube fest daran, aber weil ich ein pedantischer Mini bin, werde ich dir jetzt noch ein paar andere Einschränkungen geben. Okay. Dies ist nur so dass Sie nicht zu überwältigt und zu verloren werden, was eine relativ einfache Übung sein soll . Die erste Einschränkung ist, dass es etwas sein sollte , das von Punkt A nach Punkt B ist. Was ich damit meine, ist, dass es einen Startzustand und einen Endzustand gibt , nicht zu viel dazwischen. Alles andere, was mit C, D, E, F, G und dem Rest des Alphabets etwas zu komplex D, E, F, G und dem Rest des Alphabets ist, wird etwas zu überlasten und es beginnt, den Punkt dieser Übung zu besiegen. Die zweite Einschränkung besteht darin, dass es sich um eine horizontale oder vertikale Bewegung handeln sollte . Ich hatte auf diese falsch hingewiesen , aber es spielt keine Rolle. Es sollte oben, unten oder links und rechts sein. , sich auf der Z-Achse zu bewegen, Es ist sehr schwierig, sich auf der Z-Achse zu bewegen, also im 3D-Raum , wenn Sie kein erstaunlicher Zeichner sind. Als wäre ich kein erstaunlicher Zeichner daher finde ich 3D-Bewegungen sehr schwierig. Es wird auch ein bisschen zu zeigen und sie könnten diese Techniken überschatten , weil sich die Leute zu sehr auf „Wow, es kommt direkt auf mich zu“ konzentrieren werden. Abgesehen davon kann es jede Aktion sein, die Sie wollen, alles, was Sie sich vorstellen können. Geh einfach Schinken. Wenn Sie jedoch um Inspiration kämpfen , habe ich hier vier Eingabeaufforderungen, die Sie verwenden können. Erstens, ein Charakter, der in Schuss fällt. Zweitens, ein Charakter, der etwas fängt. Drittens, ein Charakter hat Angst oder erschreckt von etwas. Vier, ein Charakter fällt um. Diese sollten einfach genug sein, um zu entscheiden, wie Sie Ihren eigenen Dreh darauf setzen können. Wer, wie, was, wann, wo, warum, und das sollte bedeuten, dass selbst wenn jeder am Ende die gleiche Aufforderung wählt, keine zwei Animationen gleich aussehen sollten. Für diese Serie werde ich den Dropdown in einen Frame animieren , da ich das Gefühl habe , dass ich am besten alle Techniken zeigen kann , die ich hier demonstrieren möchte. Sobald Sie sich entschieden haben, sollten Sie Ihren Antrag planen. Welche Art von Ton willst du, welche Art von Stimmung, wo ist er festgelegt, diese Dinge. Selbst wenn Sie am Ende keinen Hintergrund zeichnen, können Sie eine Vorstellung davon haben, wo er stattfindet , zu entscheiden, welche Emotionen ich verkaufen möchte. Zeichnen von Grundfiguren oder sogar Strichmännchenskizzen kann Ihnen wirklich helfen zu konzeptualisieren und zu visualisieren , was Sie mit der Animation machen möchten. Eine andere Idee ist, Ihre Bewegung tatsächlich auszuüben. Jetzt wird es sich ein bisschen albern anfühlen und sicherstellen, dass niemand da ist, dann schließt man die Jalousien. Aber es wird dir helfen ein angeborenes Gefühl dafür zu vermitteln, wie sich diese Bewegung anfühlt. Es hilft wirklich , wenn man zum Zeichnen kommt. Denken Sie darüber nach, welche Art von Animation Sie machen möchten. Welche Art von Charakter möchtest du diese Aktion ausführen? Denk über deinen Stil nach. Willst du eine federnd energiegeladene Looney Tunes-Animation, einen Shop und ein dynamisches Action-Piece? Etwas Dramatischeres oder bodenständigeres. Denk darüber nach. Wenn Sie Schwierigkeiten haben, an Ideen zu denken und die Eingabeaufforderungen verwenden möchten, überlegen Sie sich, welche Aufforderung am besten zu Ihrer Antwort auf diese Fragen passt oder welche am besten zu dem passt, was Sie machen möchten. Damit sollten wir unseren Charakter und unser Handeln entscheiden lassen. Im nächsten Video werde ich erläutern, wie Sie Ihre Projektdatei und einige Grundlagen von Adobe Animate einrichten . Wenn Sie ein anderes Programm verwenden, schauen Sie es sich bitte trotzdem an, da es einige Ratschläge und Einstellungen gibt, die in allen Programmen universell sind . Freu mich darauf, dich dort zu sehen. [MUSIK] 5. Grundlagen einrichten und animieren: [MUSIK] Lassen Sie uns Ihr Projekt einrichten. Wie ich schon sagte, werde ich diese Datei in Adobe Animate erstellen, aber das meiste von dem, was ich mache, wird in anderen Programmen ein Äquivalent haben . Bitte wenden Sie diese Einstellungen auf Ihr Programm Ihrer Wahl an. Gehen wir zuerst zu File, New, und erstellen Sie unser neues Dokument. Es gibt ein paar Voreinstellungen , die bereits eingerichtet sind. Lassen Sie uns von dieser Full-HD-Voreinstellung hier abstützen. Stellen Sie sicher, dass das Seitenverhältnis 1920 bis 1080 beträgt. Sie können Ihre eigene benutzerdefinierte Auflösung verwenden, wenn Sie möchten. Da animate jedoch ein Vektorprogramm ist, können wir es später mit Leichtigkeit skalieren und neu positionieren , ohne die Auflösung zu verlieren, und 1080p ist im Grunde genommen der Standard im Internet und über die Übertragung heutzutage ist es fast immer eine sichere Wette. Wie ich im Video der Kernkonzepte erklärt habe, möchten wir unsere Bildrate auf 24 einstellen, nur um uns eine bessere Kontrolle über das Timing zu geben. Im Moment ist das alles, was wir brauchen, also lasst uns kreieren gehen. Wenn Sie völlig neu in der Animation sind, würde ich empfehlen, sich mit einigen der grundlegenden Funktionen vertraut zu machen. Aber alles in allem werden wir in diesem Kurs nicht zu viel tun . Wir werden in der fortgeschritteneren Kategorie keine Symbole, Tweening, mehrere Szenen oder ähnliches verwenden, also werde ich nur kurz darauf eingehen , mehrere Szenen oder ähnliches in der fortgeschritteneren Kategorie keine Symbole, Tweening, mehrere Szenen oder ähnliches verwenden, , was wir in diesem Video brauchen , und werde dann übersät animierend. Dieser Leerraum wird hier Canvas genannt. Es ist ziemlich selbsterklärend. Darauf werden wir zurückgreifen und alles außerhalb des weißen Kastens wird bei Exporten nicht sichtbar sein. Sie können mit dem Maus-Scrollrad klicken die Leinwand zu bewegen. Sie können die Strg gedrückt halten und das Scrollrad zum Vergrößern und Verkleinern verwenden , oder alternativ Steuern plus und Steuerminus zum Vergrößern und Verkleinern. Um den Canvas wieder einzugeben, klicken Sie auf Strg 0. Um den Canvas wieder auf seine volle Auflösung zu zoomen, können Sie die Steuerung1 drücken. Um die Leinwand an Ihren aktuellen Bildschirm anzupassen, können Sie Control 2 drücken. Für unsere Zwecke in diesem Kurs werden wir meistens nur das Pinselwerkzeug zum Zeichnen und das Radiergummi-Werkzeug zum Löschen verwenden , nichts Besonderes. Sie befinden sich hier und hier. Oder Sie können auf der Tastatur B und E drücken , um zwischen ihnen zu wechseln, was den Prozess beim tatsächlichen Zeichnen beschleunigt. Wenn Sie L auf der Tastatur drücken, werden das Lasso-Tool hochbringen, das es uns ermöglicht, eine Form um das zu zeichnen , was wir wollen, und dann haben wir eine Auswahl getroffen, die wir auf jede gewünschte Weise ändern können. Zum Beispiel können wir es skalieren, nach unten skalieren, in die Ecke anheften usw. Auf der rechten Seite befindet sich die Registerkarte Eigenschaften. die Registerkarte „Werkzeug“ ausgewählt ist, können wir ändern, welchen Pinsel wir wollen und wie wir ihn verwenden möchten. Sie können ein paar coole Dinge damit machen, aber ich würde diese Einstellungen für diese spezielle Animation empfehlen . Sie möchten sicherstellen, dass diese Option „Druck verwenden“ ausgewählt ist. Auf diese Weise können Sie beim Zeichnen unterschiedliche Linienbreiten erstellen , indem Sie beim Zeichnen Druck mit Ihrem Tabletstift hinzufügen oder entfernen , was meiner Meinung nach natürlich aussehende Zeichnungen ergibt . Natürlich, wenn Sie alle einheitlichen, ununterbrochenen Strichkunststil mögen , können Sie es ausschalten und ohne sie zeichnen. Das ist vollkommen in Ordnung. Im Allgemeinen behalte ich meine Pinselgröße bei fünf. Ich mag eine mittlere Linienstärke, aber wenn du etwas Endliches willst, gehe vielleicht um 2-3, etwas Dickeres, vielleicht etwa 10. Hier unten haben wir den Glättungsschieber. Dies wirkt sich darauf aus, wie viel Animate die Pinselstriche korrigiert und kurviert , die Sie animieren. Wenn es zum Beispiel auf 0 eingestellt ist, wird es ziemlich 1-1 sein, sobald wir zeichnen, und es wird viel holpriger oder unordentlicher sein. Wenn Sie es auf 100 eingestellt haben, wird alles kurviger und sehr glatter. Schließlich empfehle ich, die Zoomgröße mit ausgewählter Bühne zu haben , was bedeutet, dass der Pinsel beim Vergrößern entsprechend skaliert wird. Andernfalls bleibt es gleich groß, was entweder zu einem zu großen Pinsel beim Verkleinern oder zu einem zu kleinen beim Vergrößern führt. Synchronisierung von Einstellungen mit Radiergummi macht auch alles einfacher, daher würde ich empfehlen, das auch anzuziehen. Unten ist die Zeitleiste, in der sich die eigentlichen Animations-Keyframe-Informationen befinden. Wenn wir beispielsweise eine Form auf diesem neuesten Keyframe zeichnen und dann mit der rechten Maustaste auf den leeren Block daneben klicken, klicken Sie auf Leeres Keyframe einfügen und zeichnen Sie eine andere Form. Wir haben jetzt zwei separate Zeichnungen auf derselben Ebene zu verschiedenen Zeitpunkten in verschiedenen Keyframes. Ein Block repräsentiert einen Frame , der 24 Frames pro Sekunde ist 124 von einer Sekunde. Sie können diese ziehen, um sie so zu positionieren, wie Sie möchten. Der Kreis, wenn der Block den Beginn einer neuen Zeichnung anzeigt und wenn sich hier erstreckt und alles leer ist, bedeutet dies, dass er diese Kreiszeichnung so lange halten wird Kreiszeichnung so lange du hast dieses volle Rechteck hier. Natürlich werden wir mit vielen Ebenen arbeiten. Um also eine neue Ebene zu erstellen, möchten wir dieses Plus-Feld hier anklicken und eine mit dieser Ebene löschen, möchten Sie weiter hervorgehoben klicke hier auf das Mülleimer-Symbol. Dies sind so ziemlich alle grundlegenden Funktionen , die wir verwenden werden, um mit dem Zeichnen in unserem Projekt zu beginnen. Dies sind ziemlich universelle Standardeinstellungen, aber wenn es um Dinge wie Pinselstil, Bildraten usw. geht , hängt dies vom individuellen Stil des Erstellers ab. Wenn Sie mit den Grundlagen von animate ziemlich vertraut sind oder sie in zukünftigen Projekten ausprobieren möchten, sollten Sie Ihre eigenen Animationen berücksichtigen und was Sie stilistisch damit machen möchten. Wir sind alle bereit zu gehen. Begleite mich im nächsten Video, in dem wir den wichtigsten Schritt dieses gesamten Prozesses machen werden. Zeichnen Sie diese drei Haupt-Keyframes, die das Rückgrat unserer gesamten Animation bilden. Lasst uns anfangen. [MUSIK] 6. Main: Beginnen wir mit der Erstellung unserer wichtigsten Keyframes. Wir werden unsere Storyboard-Skizzen , die wir in Lektion 4 erstellt haben und sie in zwei oder drei solide Zeichnungen verwandeln , die so aussehen. Diese werden die Grundlage unserer gesamten Animation bilden, und ich verspreche Ihnen, dass dies die meiste Zeichnung ist Sie in einem einzigen Video machen werden. Bevor wir tatsächlich mit dem Zeichnen beginnen, ist es wichtig, eine Vorstellung davon zu haben wie Sie die Dinge angehen werden. Ich würde damit beginnen, diese Ebene hier umzubenennen Konstruktionszeichnungen und dann damit beginnen, Ihre Leerlaufposition oder die Pose zu skizzieren , die während der gesamten Animation am meisten zu sehen ist. Dies wird normalerweise entweder der erste oder der letzte sein. In meinem Fall ist es das letzte, also fange ich dort an und arbeite rückwärts. Lasst uns anfangen, diese erste Pose zu skizzieren. Dies können einfache Drahtrahmen oder detaillierte Skizzen sein, was auch immer Sie sich am wohlsten fühlen. Aber es ist wichtig, diesen Schritt richtig zu machen. Achten Sie insbesondere auf die Proportionen und das Posen. Es ist besser, hier einen Fehler zu machen, den Sie in dieser schlampigen Chicken Scratch Einstellung beheben können dieser schlampigen Chicken Scratch , als ihn später zu bemerken. Ich fange gerne mit den Skelett-Posen an und mache dann eine zweite Ebene detaillierteren Skizzierens. Schauen wir uns die untere Referenzebene indem wir auf das Vorhängeschloss klicken. Auf diese Weise zeichnen wir, wenn wir unsere Linienkunst-Ebenen zeichnen, nicht versehentlich auf oder über die Konstruktionsschicht, was ich zuvor gemacht habe, es wird Ihnen passieren, es wird wirklich nervig. Sobald dies erledigt ist, möchte ich die Linienkunst dieses Hauptrahmens vollständig vervollständigen , da dies dazu beitragen kann eine umfassendere Referenz für die späteren Frames zu geben. Bevor wir nun die Linienkunst zeichnen, denke ich, dass es eine gute Idee ist, darüber nachzudenken, welche Teile sich getrennt bewegen werden , mit Follow-Through, überlappender Aktion, Vorfreude und solchen Dingen. In diesem Beispiel denke ich, dass ihre Haare und ihre Kleidung ziemlich frei fließen werden. Sie werden sich ziemlich unabhängig vom Rest ihres Körpers bewegen . Also mache ich drei Linienkunst-Ebenen. Nimm dir Zeit damit. Versuche es so glatt wie möglich zu gestalten. Aber haben Sie keine Angst , Abschnitte wie diese zu „schummeln“ , wie z. B. Wenn Sie das Gefühl haben, dass ein Arm ziemlich gut ist , aber nur leicht gestreckt oder leicht gedreht oder neu positioniert werden muss gestreckt oder leicht gedreht , tun Sie es einfach. Einige Puristen mögen sagen, dass dies nicht gut für die Zeichnungskunst oder ähnliches ist , aber dies ist ein zeitsparender Trinkkurs. So sind jederzeit Spartipps in Ordnung. Ich denke, das ist vollkommen in Ordnung. Jetzt, da ich den Körper fertiggestellt habe, fange ich jetzt mit den Haaren an und bin froh, dass ich diese separate Schicht gemacht habe , denn jetzt kann ich das schaffen. Aber wenn Sie auf das Problem gestoßen sind, wie ich es getan habe, wo ich in diesem Beispiel keine für das Shirt gemacht habe, können Sie Schichten leicht trennen, besonders in diesem frühen Stadium, indem Sie die Lasso-Tool, können Sie auf der Tastatur auf „L“ drücken, um den Bereich zeichnen, den Sie ausschneiden möchten, und dann einfach Strg+X und Strg+V, die einfach ausschneiden und einfügen und sicherstellen, dass Sie dies auf Ihre neue Ebene legen. Nachdem Sie diese Hauptpose gemacht haben, würde ich empfehlen, eine Verschnaufpause sogar darauf zu schlafen, um sicherzustellen , dass Sie damit zu 100 Prozent zufrieden sind, denn das wird das Publikum sehen am meisten. Wir sind aus unserer Mittagspause zurückgekommen oder es ist der nächste Tag, und wir werden zum nächsten Frame übergehen. Für diesen haben Sie ein paar Möglichkeiten. Sie können sich entweder entscheiden , direkt zur nächsten Pose zu gehen oder zur letzten Pose zu wechseln. Es gibt keinen richtigen Weg, dies zu tun. Ich persönlich mag es, die Extreme runter zu bringen. Wenn dies Ihr erstes Bild ist, können Sie ein neues Keyframe erstellen indem Sie den Abspielkopf hinüberziehen, auf die Spalte klicken und nach unten ziehen um alle Ebenen hervorzuheben, die Sie erstellen möchten was in diesem Fall alle sind, und klicken Sie dann mit der rechten Maustaste auf „Leeren Keyframe einfügen“. Wenn dies Ihr letztes Bild wie meins ist, klicken und ziehen Sie immer noch nach unten, wählen Sie die gesamte Spalte aus, klicken und ziehen Sie sie nach rechts, wodurch automatisch ein leeres Keyframe erstellt wird und schieben Sie Keyframe-Informationen so zur Seite. Wenn wir dabei sind, drücken „Strg“ und diese gelbe Linie sollte auftauchen und klicken und ziehen, um zu verlängern, wie lange dieser Keyframe abgespielt wird. In diesem großen Teil des leeren Keyframes hier füge ich einen weiteren leeren Keyframe hinzu. Technisch gesehen wird diese Animation ohne sie im Rahmen rotzen, also brauche ich hier am Anfang ein leeres Leerzeichen , um den vollen Effekt zu erzielen. Wir wollen sicherstellen, dass die Zwiebelhäutung läuft. Zwiebelhäutung ermöglicht es uns, Bilder vor und nach dem Zeichnen zu sehen , was für die Aufrechterhaltung der Konsistenz von unschätzbarem Wert ist. Um das Zwiebelhäuten einzuschalten, klicken Sie hier oben auf diese beiden Kreise und wir haben ein blaues und ein grünes Symbol, das sich mit dem Abspielkopf bewegt. Wir können den Bereich dieser erweitern, indem wir diese so anklicken und ziehen. Genau wie beim Hauptrahmen werden wir anfangen, diese extreme Pose zu skizzieren. Für die nächsten beiden möchte ich beide Konstruktionsrahmen abbauen, bevor ich mit der Linienkunst beginne . Dies lässt uns die Zeichnungen in diesen frühen Stadien ändern , wie wir durch das Testen der Bewegung für richtig halten. Wenn wir nun die Loop-Wiedergabetaste einschalten, die Sie hier auswählen oder auf „Alt+Umschalt+L“ drücken und diese erweitern können, wird dieser Abschnitt jedes Mal, wenn wir auf „Enter“ klicken. Also mal sehen, was wir haben. Ich würde mit den Zeiten davon herumspielen. Bewegen Sie diese Abschnitte wie zuvor, bis Sie die gehaltenen Zeiten für das bekommen was sich richtig anfühlt. Überlegen Sie Ihren Stil und welches Gefühl Sie wollen, ob schneller oder langsamer besser funktionieren würde, und lassen Sie sich auf etwas entscheiden , das für Sie funktioniert. Jetzt, da wir mit der Bewegung zufrieden sind, lasst uns die Linienkunst beenden. [MUSIK] Mit diesen drei Zeichnungen haben wir unsere Keyframes für dieses Hauptprojekt fertiggestellt. Ich möchte wirklich betonen , dass es wichtig ist, diese drei Zeichnungen richtig zu machen. Sie möchten viel Zeit verbringen und sicherstellen, dass sie solide gezeichnet sind, Sie sind mit ihnen zufrieden, weil diese die Grundlage für alles andere bilden werden , was wir tun. Wenn es etwas gibt, einen kleinen kleinen Fehler oder etwas, mit dem Sie nicht zufrieden sind bemerken Sie später, wird es sehr schwierig sein, es später zu korrigieren , anstatt es hier zu tun. Wie ich bereits sagte, ist jetzt ein guter Zeitpunkt, um eine Verschnaufpause zu machen, sich darauf zu setzen, vielleicht drauf zu schlafen, etwas später zurückzukommen und zu sehen, ob es etwas gibt, das dir wirklich auffällt , was du nicht tust wirklich mögen, nur damit du mit einer neuen Perspektive zurückkommen kannst. Denken Sie daran, schauen Sie sich Ihre eigenen Animationen an und finden Sie heraus , was mit diesen drei Keyframes gezeigt werden muss, welche drei Schlüsselpositionen Ihre Bewegung am besten verkaufen werden . Es mag ein bisschen verrückt aussehen, aber Sie sollten in der Lage sein, zu erkennen, was passiert nur an diesen drei wichtigen Posen allein. Setz dich wirklich hin und denke, verkaufen meine drei Posen den Antrag allein? Bitte sehen Sie mich in der nächsten Lektion, in der wir uns grundlegenden Verzerrungen befassen werden. [MUSIK] 7. Grundlegende Skewing: In dieser Lektion werden wir die grundlegenden Schrägungen durchgehen und beginnen, unsere Grundlage dafür zu bilden , wie wir diese drei Zeichnungen manipulieren werden . Um zu klären, was ich mit Verzerrung meine, nimmt dies eine vorhandene Zeichnung oder ein Bild an und ändert es einfach oder verzerrt es leicht, normalerweise indem man sie dehnt, skaliert, schrägt oder kegelt es an. Um dies zu visualisieren, verwenden wir unseren alten Freund, die Bouncing Ball Animation. der Ball für den Aufprallrahmen zerquetscht, Wenn der Ball für den Aufprallrahmen zerquetscht, wenn er auf den Boden trifft, wenn wir keine Zeit hätten, tatsächlich eine Ellipse zu zeichnen, könnten wir ihn einfach verzerren, um diese zerquetschte Elliptoidform zu simulieren. Meiner Erfahrung nach funktioniert das Schiefen am besten für schnelle Bewegungen und zwischen zwei Zeichnungen, die bereits ziemlich ähnlich sind. Ich mache diesen Schritt oft ganz am Ende. Als ob Sie wirklich Zeit sparen möchten, ist es am besten, sich zu verzerren, nachdem alle Farben und Extras abgeschlossen sind. Dieser Schritt kann jedoch aus Mangel an besserem Begriff viel Besitz für sehr wenig Arbeit hinzufügen Mangel an besserem Begriff viel Besitz . Ich habe mich aus zwei Gründen entschieden, es hier zu zeigen. Erstens, als ein bisschen Motivator, können Sie anfangen, eine Animation sehr schnell zu sehen, und zweitens können Sie anfangen, eine Animation sehr schnell zu sehen , denn wenn Sie diesen Schritt früh machen, selbst als Test, können Sie herausfinden, was braucht tatsächlich neue Zeichnungen und was kann in Ordnung sein, wie es ist. Denken Sie daran, das Ziel des Spiels in diesem Kurs ist , so wenig wie möglich zu zeichnen Ihre armen kleinen Karpaltunnelhände auszuruhen. Fangen wir am Anfang an und bewegen einen Frame vor dem nächsten. Wählen Sie alle Frames aus, die Sie ändern möchten, und dieses Mal drücken wir einfach „Schlüsselbild einfügen“, nicht auf „Blink-Keyframe einfügen“. Dadurch wird ein Duplikat der vorherigen Schlüsselzeichnung statt vollständig leer sein. erneut sicher, dass sie alle hervorgehoben sind. Drücken Sie Q, wodurch das Grenzfeld und die Skalierungsoptionen angezeigt werden. So können wir unser Image verzerren oder manipulieren. Für diese Animation möchte ich sie ein wenig zerquetschen , wenn ihr Fuß den Boden berührt. Ich klicke Alt und ziehe das mittlere Quadrat der oberen Leiste hier. Ich ziehe es ein wenig zur Seite und los geht's. Mit Verzerrung ist der Name des Spiels Subtilität. Erstens, denn wenn Sie es zu viel tun, werden die Leute bemerken, dass es sich um dieselbe Zeichnung handelt, die nur wirklich verzerrt ist und zwei, denn zu weit kann sich mit den Vektordaten durcheinander setzen und animieren und Sie können seltsam werden wenig Pannen wie diese. Wiederholen wir das Gleiche, aber bei der nächsten Schlüsselzeichnung müssen Sie einen neuen Schlüssel und alle gewünschten Layer hinzufügen . Lassen Sie dieses Mal diesen neuen in Ruhe und kehren Sie zurück zum alten. Gehen wir mit dem Overshoot-Prinzip, das ich in der vorherigen Lektion erwähnt habe , und zerquetschen sie. Lass uns noch einmal einen Frame weitermachen und dieses Mal möchte ich ein bisschen mehr überschießen, wenn ich wieder hochkomme. Stellen Sie sich vor, wie bei einem springenden Ball gibt es wieder diese Art von Shoot Back Force. Da sie in eine Art dieser Richtung gefallen ist, möchte ich, dass sie irgendwie leicht in diese Richtung aufprallt . Es ist auch gut, sich Dinge in Bögen vorzustellen. Ja, denken Sie an die Physik davon, auch wenn es sich um Cartoon-Physik handelt, denken Sie einfach an die Physik davon. Lasst uns weitermachen und noch eine kleine Art von etwas einleben, mit etwas Lockerung oder Lockerung. Eigentlich möchte ich kurz bevor wir das wiedergeben, zurück in den Herbst. Ich möchte nur ein Duplikat von ihr fallen lassen und sie ein wenig hochziehen , damit Sie sehen können, wie ihre Beine herunterfallen, bewegen Sie es nur ein bisschen außer Fokus, nur damit Sie es bekommen können ein bisschen mehr vom Herbst, bevor es tatsächlich passiert. Wenn wir das abspielen, können wir sehen, dass wir die Illusion, dass sie so sehr fallen lässt, so ziemlich gelöst haben, indem wir diese beiden Zeichnungen geändert haben. Machen wir genau das Gleiche für die nächste Zeichnung und denken Sie daran, bei Bedarf neue Keyframes zu erstellen. Es kann schwierig sein, alles im Auge zu behalten . Wenn Sie also Lust haben, können Sie Ihre Hauptschlüssel beschriften, indem Sie sie auswählen, zur Registerkarte Eigenschaften gehen, auf „Beschriftung“ klicken und den Namen eingeben. Denken Sie daran, einige dieser Animationsprinzipien wie Vorfreude im Hinterkopf zu behalten. In diesem Fall möchte ich einen Vorfreude hinzufügen, bevor sie eine Art Fichtensicherung wie ein Frosch, der sich auf den Sprung vorbereitet. Überlegen Sie sich erneut Bögen, erleichtern Sie ein- und aussteigen, diese Art von Dingen übertreiben. Fühlen Sie sich frei, mit dem genauen Timing der Frames herumzuspielen , indem Sie klicken und ziehen. Du kannst es mit zwei oder sogar drei machen oder du kannst mischen und abgleichen. Stellen Sie sicher, dass sie so lange halten, wie sich wohl fühlen, und gehen Sie im Zweifelsfall einfach mit Ihrem Bauch. Wenn Sie Ihre Animation verzerren, versuchen Sie darüber nachzudenken, wie viel Sie benötigen. Ist das eine große Bogenbewegung, die ein großes Überschreiten oder etwas Kleines und Subtiles braucht . Brauche ich nur einen einzigen Schrägrahmen, um Bewegung oder viele einfache In - und Aus-Frames zu implizieren Bewegung oder viele einfache In , damit es sich glatter anfühlt. Es hängt von jedem Fall ab, also bedenken Sie diese Dinge beim Experimentieren. Wie Sie bei etwa fünf Minuten Arbeit sehen können, haben wir dies in dies verwandelt. Skewing ist ein mächtiges Werkzeug. Es hat seine Grenzen, z. B. nur wirklich schnelle Bewegungen für langsame Bewegungen zu verkaufen, Sie werden mehr Zeichnungen benötigen. Aber wenn Sie in einer Not sind oder einfach nur etwas aufpeppen möchten , was sich wie zu wenig Zeichnen anfühlt, ist das ein absoluter Lebensretter. Wenn Sie an der Leitung waren und der Kunde glücklich war, könnten Sie dies sogar als erledigt bezeichnen. Es gibt jedoch noch ein paar Dinge, die wir hinzufügen können , um es noch voller Pizzazz zu machen. Ich brauche ein besseres Wort als das, aber es wird die Handzeichnung dieses Glanzes bringen, ohne zu viel Zeichnen zu machen. Denk dran, das ist der Name des Spiels. Begleite mich in der nächsten Lektion , in der ich eines meiner Lieblingsfunktionen von Animation, Abstrich-Frames behandeln werde . Ich hoffe, wir sehen uns dort. [MUSIK] 8. Schmieren von Frames: [MUSIK] Jetzt gehen wir zu einem meiner Lieblingsteile der Animation, Smear Frames. Abstrich-Frames beziehen sich auf jene Animationsbilder, die sehr übertrieben oder gestreckt um Bewegungsunschärfe zu replizieren. Nehmen wir zum Beispiel an, Sie haben eine Form , die sich sehr schnell über den Bildschirm bewegt. Sie könnten nur mehrere Frames derselben Form direkt dazwischen hinzufügen , aber dadurch sieht es sehr steif aus. Stattdessen könnten wir einen einzigen Schmierrahmen aus einem gestreckten Oval setzen , wodurch es sich viel organischer und lebendiger anfühlt. Abstriche können von subtil bis extrem variieren und manchmal zu peinlichen Momenten führen, und manchmal zu peinlichen Momenten führen alle pausieren, um einen Screenshot zu machen. Aber ich denke, dass sie eine sehr wertvolle und wichtige Technik sind . Lassen Sie uns jetzt etwas davon durchgehen. Wie viel Sie verschmieren, hängt von mehreren Faktoren ab, der Handlung , dem Kunststil, dem Gesamtton und der Stimmung des Stücks. Wenn du zum Beispiel etwas sehr Verrücktes und Komödiantisches mit vielen großen Bewegungen machst , dann kannst du alles machen und einige wahnsinnige Abstriche erzeugen. Aber wenn es etwas Ruhigeres, Dramatischeres und Ernstes mit einem sehr realistischen, seltsamen Stil ist, ist es möglicherweise nicht angebracht, irgendwelche Abstriche zu verwenden. Lassen Sie uns ein paar Abstrichtechniken durchgehen. Am einfachsten ist wahrscheinlich eine Verlängerung der Schrägstellung, und das heißt, einfach eine Zeichnung zu dehnen. Zum Beispiel können wir nach dem gleichen Schrägprinzip einen Keyframe der hockenden Zeichnung erstellen, ihn bis dahin strecken, wo ihr Kopf ungefähr im nächsten Bild landet, und wenn wir das zurückspielen, wir haben eine schöne, flexible, dehnbare, sanfte Bewegung. Das waren viele Adjektive. Smear ist sehr eine Frage des persönlichen Geschmacks. Probieren Sie es selbst aus und sehen welche Bewegungen Sie sich einfallen lassen können. Stretching hat seine Grenzen, aber realistisch gesehen sollten nur die Teile, die sich bewegen, verschmiert werden. Angenommen, Sie haben ein langes Rechteck im Stehen, das umfällt. Die Basis des Rechtecks bewegt sich kaum in Position, daher wäre es nicht sinnvoll, diesen Weg auszudehnen. Die Oberseite bewegt sich jedoch erheblich, daher wäre es besser, dass dieser Rahmen eine Dreiecksform bildet. Testen mit solchen Basing-Formen kann dazu beitragen, die Bewegung zu vereinfachen oder klar zu machen , was tatsächlich gedehnt werden sollte. Wenn Sie zum Beispiel die Aufforderung zum Umfallen gewählt haben, stellen Sie sich den Kopf als Oberseite dieses Rechtecks vor, er wird mehr als ihre Füße blasen. Für mein Hauptstück habe ich beschlossen, dass es subtil ist, ich will nicht so viel verschmieren und ich möchte, dass ein Daumen nach oben am Ende ein wenig albern aussieht , im Gegensatz zum Rest eines coolen und selbstbewusste Pose. Ich verschiebe meine fertige Handpose gegen Ende der Animation, erstelle ein leeres Keyframe auf dieser Handebene und probiere dann mit Zwiebelhäutung einfach ein paar Formen aus. Das Tolle am Verschmieren ist, dass man ziemlich schnell und locker werden kann die Zeichnung zu einigen absolut wild aussehenden Posen führt . Dieser Blob allein sieht nicht wie ein Arm aus und es wäre dir peinlich, diese Zeichnung einem Freund oder Familienmitglied mitzuteilen , aber wenn es gespielt wird, bewirkt es Wunder. Ich werde eine Art Mittelschlüssel machen, wobei sich ihr Arm wieder so ausstreckt, Vorfreude Frame. Dann füge ich zwei weitere Abstriche hinzu, während ihre Hand mit einem weiteren Overshoot-Rahmen herunterkommt. Denken Sie daran, einige dieser 12 Prinzipien immer im Auge zu behalten. Im zweiten Abstrich, den ich hier gemacht habe, sieht man ein anderes Häkchen, das ich oft beim Verschmieren verwende. Nennen wir es vorerst „Trailing“. Anstelle der verrückten, dehnbaren, fleckigen Formen zeichnest du eine ziemlich solide Zeichnung, löschst etwas davon und bedenkt dann die Richtung, in die sie sich bewegt, fülle diese gerichteten Blobs in diesem Raum aus. Dies ist eine gute Sache , wenn Sie ein paar Abstriche hintereinander verwenden , da dies viel mehr darauf hinweist , wie die volle tatsächliche Form des Objekts ist. Zum Beispiel, wenn der Mann vom Ball getroffen wird, sieht man diese Schüssel nicht wirklich still, sie ist immer in Bewegung. Wenn Sie es so mit diesen direktionalen Blobs tun , wird dem Betrachter immer noch genug von diesem Hinweis geben , was das Objekt tatsächlich ist. Nachdem ich mit dem Timing herumgespielt und ein paar verzerrte Leichtigkeit in- und Out-Frames hinzugefügt habe, denke ich, dass das ziemlich gut ist. In diesem Beispiel möchte ich nicht über Bord gehen, aber es gibt noch ein paar weitere Schmiertechniken , die wir durchgehen können. Eine andere sehr einfache sind Geschwindigkeitslinien. Gehen wir zum Anfang zurück, wenn sie herunterfällt, und um ihr ein Gefühl der Schwerkraft und etwas Nachlauf zu geben , können Sie natürlich sehen, dass ich das schon gemacht habe, ich werde ein Handvoll Linien in die Richtung, in die sie fällt. Achten Sie darauf , wo die Extreme der Ecken für den Ausgangspunkt liegen. Zum Beispiel fühlen sich ihre Gliedmaßen ziemlich angemessen an, um ein oder zwei Linien hinter sich zu haben . Du kannst sogar über ihren Körper zeichnen und die Linie nicht überqueren, aber nutze dies sparsam. Unter bestimmten Umständen und wieder je nach Ton des Stücks können Sie je nach Ton des Stücks sogar mit einem Rahmen von nichts als Geschwindigkeitslinien davonkommen . Wenn dieser Mann zum Beispiel wieder aufspringt, wenn er niedergeschlagen wird, der Rahmen zwischen ihm auf dem Boden und dem Schütteln ist der Rahmen zwischen ihm auf dem Boden und dem Schütteln der Faust nur ein Haufen gewölbter Linien. Auch hier sieht das ziemlich albern aus, aber wenn man gespielt wird, merkt man es nicht einmal. Die letzte Technik besteht darin, Duplikate plötzlicher Elemente oder Kanten wie Augen, Hände, Gesichtskante usw. zu zeichnen , Duplikate plötzlicher Elemente oder Kanten wie Augen, Hände, , fast wie ein Echoeffekt. Dies ist ideal, um intensives Schütteln oder sich wiederholende Bewegungen hin und her zu implizieren . Zum Beispiel rasselt der Charakter vielleicht in der Catch-Animation ein wenig von der schüchternen Anstrengung, die erforderlich ist , um die Bewegung des Balls zu stoppen. Smear Frames brauchen ein wenig Zeit, um sich in den Kopf zu stellen. Aber ich denke, wenn man sie einmal beherrscht, sind sie eines der lustigsten Dinge in allen 2D-Animationen, die tatsächlich animiert werden müssen. Es hängt vom Stück ab, vom Ton, von der eigentlichen Bewegung selbst, genau davon, wie viel Verschmieren notwendig ist welche Technik Sie verwenden sollten. Schauen Sie sich bitte noch einmal Ihre Animation an und entscheiden Sie, wie dehnbar ich damit werden kann? Oder alternativ, wie viel kann ich damit davonkommen? Verschmieren ist eines dieser Elemente der 2D-Animation, bei denen Ihre tatsächliche Fähigkeit als Zeichner oder wie gut Sie ein Bild zeichnen können, nicht wirklich so wichtig ist wie Ihre Intuition wie wie Ihre Intuition wie ein Animator für das, was den Antrag verkaufen wird. Denn oft sieht ein Schmierrahmen nicht gut gezeichnet aus, aber wenn Sie ihn wiedergeben, ist er nahtlos. Begleite mich im nächsten Video , in dem wir untätige Posen behandeln werden, hoffe, Sie zu sehen. [MUSIK]. 9. Idle Posing: Jetzt gehen wir zum Leerlauf über, was ein sehr wichtiger Schritt ist. Die meiste Zeit, wenn Sie eine solche Animation erstellen , wird diese Figur in der stehenden oder untätigen Pose wahrscheinlich länger gesehen werden, als die Animation dauert, was dazu führt, dass Sie sich dehnen müssen halten Sie diesen Rahmen für einen ziemlich langen Zeitraum fest. Das kann etwas peinlich und steif aussehen, besonders wenn es extrem lange gehalten wird, sagen wir 10 Sekunden oder länger. Lassen Sie uns also ein paar kleine Tipps und Tricks durchgehen , mit denen Sie sich diese einzelne stehende Pose ein bisschen lebendiger anfühlen können. Die wahrscheinlich einfachste und gebräuchlichste ist es, sie zum Blinzeln zu bringen. Manchmal reicht das allein aus, um zu verkaufen, dass es sich nicht nur um einen Pappausschnitt handelt. Eine durchschnittliche Blinkanimation benötigt nur zwei zusätzliche Zeichnungen, Augen halb geschlossen und die Augen vollständig geschlossen. Ich empfehle, eine neue Ebene zu erstellen und unsere neuen Augenpositionen auf die Basiszeichnung zu zeichnen. Wir müssen vorsichtig sein, um sicherzustellen, dass sie vor und danach Blink-Keyframes haben , damit wir das Original nicht abdecken, sobald es fertig ist. Dies sollte wirklich am Ende des Prozesses nach dem Färben erfolgen . Im Moment lege ich einfach Weiß darunter und repariere es später. Zum Glück müssen wir keine neue Ebene erstellen, um unter unsere Strichkunst zu malen . Wir können zur Registerkarte Eigenschaften aufrufen, sicherstellen, dass die Registerkarte Werkzeug ausgewählt ist, klicken Sie auf das Dropdown-Menü Pinselmodus und ändern es in Farbe dahinter, was bedeutet, dass wir bei jedem neuen Pinselstrich add wird unter alles andere gemalt. Sobald dies erledigt ist, haben wir eine einfache und saubere blinkende Animation , die wir beliebig oft kopieren und einfügen können. Aber um noch einen Schritt weiter zu gehen, verwende ich gerne Blinks, um Veränderungen in den Gesichtsausdrücken zu verbergen . Sagen wir danach, ich möchte, dass es selbstgefällig aussieht, als würde sie genau sagen: „Oh ja, hast du das [unhörbar] gesehen? Ich bin ziemlich cool.“ Zuerst erstelle ich meinen neuen Gesichtsausdruck auf dem Blink-Keyframe nach dem vollständigen geschlossenen Rahmen und gehe später zurück und ändere geschlossenen Rahmen der Augen , um ihn zu einem neutraleren Ausdruck zu machen . Wir können noch weiter gehen und ein wenig schief machen, einen Keyframe in der Hauptzeichnung hinzufügen einen Keyframe in der Hauptzeichnung hinzufügen und einen sehr subtilen Stoßrahmen oder Tuck erstellen. Wir spielen das zurück, ich denke, das sieht ziemlich gut aus. Diese Technik kann unglaublich subtil leistungsfähig sein und kann beliebig oft verwendet werden. Stellen Sie sich zum Beispiel einen Charakter bei einem Telefonanruf vor. Wir könnten diese Technik verwenden, um eine sehr breite Palette von Emotionen ins Gesicht zu bringen, als würden sie den ernsthaftesten Telefonanruf ihres ganzen Lebens führen. Denken Sie also in Ihren eigenen Animationen für diese Übung nach. Wie fühlt sich dein Charakter an, nachdem alles gesagt und erledigt ist, nachdem er den Ball gefangen hat, nachdem er niedergeschlagen wurde, sind sie glücklich, traurig? Gibt es eine Veränderung in ihrem Ausdruck? Sie können diese Technik verwenden, um es nur ein bisschen extra zu machen. Eine andere Technik, die wir verwenden können, ist die Siedelinie. Dies ist ein ordentlicher kleiner Effekt, bei dem die Strichkunst an Ort und Stelle wackelt. Denken Sie an etwas wie Dr. Katz oder [unhörbar]. Dies ist ein weiterer Effekt, bei dem es von Fall zu Fall sein wird, ein komödiantischerer, schneller und lockerer Stil wird perfekt dafür sein. Oder es ist etwas Ernsteres, es könnte unangemessen sein. Die organischste Art, diesen Stil zu erreichen , ist ziemlich einfach. Nehmen Sie einfach Ihre Leerlaufzeichnung und nur zum Zwecke der Demonstration werde ich alle diese zu einer Ebene zusammenführen, indem alle Keyframes hier auswähle, auf Control C eine neue Ebene erstelle und auf Einfügen klicken, wodurch alle unsere Informationen auf eine schöne, saubere Zeichnungslinie zusammengefügt werden. Also haben wir die Leerlaufzeichnung genommen und zwei Frames vorwärts einen neuen Blink-Keyframe erstellt. Sie möchten es mit den Zwiebelhäutungswerkzeugen verfolgen. Sie werden diese Zeichnung zweimal verfolgen wollen. Stellen Sie sicher, wenn Sie die zweite Spur machen, um es Ihrer Originalzeichnung zu machen, damit es noch näher , und ziehen Sie diese drei Zeichnungen einfach auf zwei und Sie haben so etwas. Je subtiler Sie den Effekt haben möchten, desto genauer müssen Sie sein. Aber wenn du so etwas Wildes willst, kannst du ziemlich willkürlich gehen und etwas kreieren , das je nach Kunststil ziemlich cool aussieht. Wenn Sie mit dieser Technik die Posen so leicht ändern , können Sie einige nette kleine Loops machen. Zum Beispiel können Sie eine Lachanimation machen, indem Sie einfach die Brust mit dem Gesicht nach oben und unten heben und die Mundform größer und kleiner machen oder einen Charakter zeigen, der Schwierigkeiten hat, etwas zu heben. Es gibt viele, viele Möglichkeiten , diese Technik anzuwenden. Hoffentlich können Sie sich jetzt Ihr Animationsstück ansehen und die Momente sehen, in denen der Charakter im Leerlauf ist, in denen der Charakter innehält, und ein paar kleine Tricks anwenden, um es zu machen es scheint etwas weniger steif zu sein. Vor allem, wenn Sie etwas machen , das sehr dialogschwer ist, und ein Video erklären, das viele Texte und solche Dinge enthält , und die tatsächliche Länge des Videos wichtiger ist als die Animation selbst kann diese Art absolut notwendig sein. Begleite mich im nächsten Video, in dem wir einen der auffälligsten Schritte durchgehen werden, die es wirklich dazu bringen werden , Folgen hinzuzufügen es wirklich dazu bringen werden , Folgen hinzuzufügen, um die Haare und die Kleidung zu animieren. Ich hoffe, wir sehen uns dort. [MUSIK] 10. Folgt und überlagern von Aktion: [MUSIK] Lassen Sie uns unser Stück wirklich zum Strahlen bringen, indem Sie dem Haar und der Kleidung etwas Follow Through und Überlappung hinzufügen. Dies wird die meiste Zeichnung sein, die wir außerhalb der drei wichtigsten Schlüsselbilder machen. Aber vertrau mir, wenn ich sage, dass es mehr als nur Make-up dafür ist. Für eine schnelle Auffrischung dieses doppelten Prinzips könnte es hilfreich sein, es als das Trägheitsprinzip zu betrachten . Angenommen, Sie haben einen Fahnenmast auf Rädern und hören plötzlich auf, dass sich die Stange bewegt. Die Flagge wird aufgrund der Physik weiter voranschreiten , bevor sie wegen der Schwerkraft zurückgezogen wird und umgekehrt , wenn wir sie plötzlich wieder bewegen. Es ist ein sehr wichtiges Prinzip, um realistische Bewegungen zu erzeugen, aber intelligente Anwendung ist auch eine der einfachsten Möglichkeiten, die Arbeitsbelastung zu reduzieren. Fangen wir mit Haaren an. Ein paar Dinge zu beachten. Die Menge der Verfolgung hängt von einigen Dingen ab: der Kraft und Geschwindigkeit der Bewegung, der Richtung und der Länge der Haare. Je schneller die Bewegung, desto mehr Widerstand oder Trägheit wird es geben. Ganz einfach. Je länger das Haar ist, desto mehr Kurve und komplizierte Bewegung wird es geben, denn je näher das Haar an der Kopfhaut ist, desto weniger bewegt es sich. Zum Beispiel wird jemand mit einem mittellangen Bob-Schnitt nur für einen kurzen Moment leicht verzichten und wahrscheinlich nicht viel seine Form ändern und jemand mit einem sehr kurzen Schnitt wird wahrscheinlich nicht bewegen Sie sich überhaupt. Aber jemand mit einer langen Mähne oder einem langen Pferdeschwanz wird viel länger und chaotisch sein, möglicherweise mit mehreren Pendelschwüngen und Kurven. Was die Richtung angeht, ziehen die Haare mit den Kanten, die in die entgegengesetzte Richtung der Hauptaktion zeigen die entgegengesetzte Richtung der , und sobald die Hauptaktion beendet ist, werden die Haare dann aufholen und dann etwas. für meine Hauptanimation Beginnen wir für meine Hauptanimation mit dem Dropdown-Menü. Ich beginne damit, alle meine Schlüsselrahmen auf der Haarschicht zwischen dem Punkt zu löschen alle meine Schlüsselrahmen auf der Haarschicht zwischen dem , an dem ihr Fuß erreicht und wenn sie zum Stillstand kommt. Ich zeichne auch einen temporären roten Pfeil, damit ich meine Richtung im Hinterkopf behalten und mit Zwiebelhäuten anfangen kann zu zeichnen. Damit werde ich persönlich diesen geradlinigeren Kopf zeichnen , um ihm ein organischeres Gefühl zu verleihen. Aber wenn Sie sich wohler fühlen diese Pose zu posieren, ist das auch vollkommen in Ordnung. Während ich jedes davon zeichne, ich immer daran , dass je näher an der Kopfhaut ist, desto früher wird die Bewegung enden. Bereits im zweiten oder dritten Frame wird sich ihr Kopf bereits festgesetzt haben, während ihre Enden noch fallen. Ich fange damit an und wenn es näher am Ende kommt, werde ich es auf zwei verlangsamen. Die genaue Zeitspanne diese ganze Animation dauern wird hängt davon ab, dass Sie das Bauchgefühl haben. Zögern Sie nicht, zurück zu gehen und Frames hinzuzufügen oder zu entfernen, basierend auf dem, was sich richtig anfühlt, und mischen Sie Dinge auf Einsen und Zweien. Sie keine Angst, hier und da einen schiefen Rahmen zu benutzen, insbesondere zum Ein- und Ausschalten. Denken Sie daran, dass wir versuchen, so viel Zeit wie möglich zu sparen. Lass uns das wiedergeben. Wow, es ist eine Welt des Unterschieds, nicht wahr? Machen wir das Gleiche, wenn sie aufspringt. Diesmal sehe ich aufgrund des Schmierrahmens, den wir hier haben , keinen Sinn darin, etwas Neues zu zeichnen. Beginnen wir von diesem Punkt an und löschen alle Rahmen auf der Haarschicht bis zur Endposition. Zuerst zeichne ich ihre Haare mit diesem anfänglichen Zug sehr gerade und schwer und dann lasse die Mitte und das Ende anfangen sich zusammenzurollen. Ich möchte, dass dies ein sehr welliges und federndes und dehnbares Gefühl hat. Denken Sie daran, je länger die Haare sind, desto schwerer ist es auch. Lass uns das Ganze zurückspielen. Wow, wir fangen an, einen L'Oreal Werbespot zu machen. Sehen Sie, wie viel Leben das hinzufügt. Es ist möglich zu überschätzen, also geh nicht zu weit. Wenn die Haare immer wieder hin und her springen würden, würde es wirklich hervorheben, dass die Hauptzeichnung sich einfach überhaupt nicht bewegt. Versuche das im Hinterkopf zu behalten. Jetzt können wir auch die Kleidung folgen , obwohl sie eine eingeschränkte Anwendung hat und zwei weitere Einschränkungen zu berücksichtigen sind: die Art der Kleidung und mehrere Kontaktstellen. Das Material und wie eng die Kleidung ist, ändert sich je nach Animation. Zum Beispiel wird ein langes Sommerkleid im Wind brüllen und fließen während enge Lederjeans dies nicht tun. Im Gegensatz zu Haaren, die nur die Kopfhaut als Kontaktpunkt haben. Kleidung hat mehrere, wie Arme, Brust, Knöchel usw. Eine gute Faustregel ist, dass nur Jacken, Kleider und lose T-Shirts jemals wirklich durchgezogen werden müssen, weshalb ich nur gezeichnet ihre Jacke auf der separaten Schicht. Meine Herangehensweise an die Jacke ist im Wesentlichen der gleiche wie die Haare, nur eingeschränkter. Ich beginne damit, dass sich diese Teile, die näher an ihrem Arm liegen , zuerst niederlassen, wenn sie fällt, und wenn sie dann Backup springt, lässt sie für einen Moment aufflammen, bevor sie wieder herunterkommt. Kleidung kann etwas schwieriger sein als Haare da das Zeichnen einer realistischen Falte schwer zu vermitteln ist , wie auch in sehr einfachen Animationen und einfachen Zeichenstilen wie diesem, also Subtilität ist König hier. Ich werde nur zwei oder drei weitere Frames zeichnen. Das Durchfolgen ist erstaunlich und es ist die wichtigste Technik meiner Meinung nach die wichtigste Technik, um glaubwürdige Bewegungen zu erzeugen. Es erfordert eine Menge an Investitionen, aber vertrauen Sie mir, wenn ich sage, dass es sich lohnt und am Ende alles dynamischer und flüssiger anfühlt. Es gibt die Illusion, mehr einzigartige Rahmen und flüssige Bewegung zu haben mehr einzigartige Rahmen und flüssige Bewegung als Sie tatsächlich eingesetzt haben, und so eines von denen wie Wow-Prinzipien. Es war einer von denen, als ich zum ersten Mal herausfand, wie man es benutzt, dass es die Art meiner Animationen wirklich verändert hat. Schau dir deine Animation an und überlege deine Bewegung, überlege die Richtung deiner Bewegung und überlege dir, welche Teile deines Charakters getrennt von der Hauptaktion bewegen können. Begleite mich im nächsten Video, in dem wir ein Prinzip durchgehen werden das wir die ganze Zeit unbewusst gemacht haben, aber wir werden es einfach wörtlicher in den Vordergrund stellen , und das ist sekundäre Aktion. Ich hoffe, wir sehen uns dort. [MUSIK] 11. Sekundäre Aktion: Das letzte Prinzip, über das wir in diesem Kurs sprechen werden, ist die sekundäre Aktion. Jetzt haben wir während dieses ganzen Kurses eine unbewusste Anwendung durchgeführt. Aber ich wollte es nur hier durchgehen , nur damit Sie sich ein paar weitere Möglichkeiten vorstellen können , wie Sie es möglicherweise auf Ihre Animation anwenden können. Sekundäre Aktion bezieht sich auf jede Bewegung, die die Hauptbewegung unterstützt. Wenn die Hauptbewegung zum Beispiel ein Schlag ist, könnte die sekundäre Aktion das sein, was der Charakter mit seinem anderen Arm oder seinem Gesichtsausdruck macht. Es ist eine großartige Möglichkeit, Ihren Charakteren Persönlichkeitsinvarianten hinzuzufügen . In meinem Standard-Boxer-Beispiel hat er eine sehr starre Haltung und ein sehr starres Gesicht, was darauf hindeutet, dass er konzentriert und professionell ist. Wenn er seinen anderen Arm zum Schlagen bringt, impliziert das jetzt, dass er ein Neuling mit schlechter Form ist oder vielleicht zeigt er. Wenn wir es mit einem schmierigen Grinsen abschließen, haben wir jetzt einen ganz anderen Charakter gemacht. Wir haben die Hauptaktion überhaupt nicht geändert, die Schläge sind genau gleich. Diese drei Clips fühlen sich jedoch aufgrund der sekundären Aktion sehr unterschiedlich an. In meinem Hauptclip habe ich bereits mehrere Beispiele für sekundäre Aktionen. Daumen hoch am Ende oder ihre Änderung des selbstgefälligen Gesichtsausdrucks. Ich bin ziemlich zufrieden damit. Ich füge nicht wirklich etwas Neues hinzu. Aber wenn ich wollte, könnte ich sie ändern und ein neues Gefühl erzeugen. Zum Beispiel könnte ich ihren Ausdruck durchweg ändern , um ihre Augen immer geschlossen zu haben ihre Augen immer geschlossen als würde dies viel Mühe erfordern. Oder ich könnte ihren Arm faul an der Seite halten , um zu zeigen, dass sie sehr lässig ist. Sie nimmt das eigentlich nicht sehr ernst. Wie ich schon sagte, wir haben das unbewusst jeden Kurs gemacht . Aber jetzt ist es an der Zeit, es wirklich zu verkaufen. Sieh dir deine Animation an. Gibt es ein Glied, das Sie leicht neu positionieren können? Gibt es einen anderen Gesichtsausdruck du ihnen geben könntest? Gibt es etwas, was du mit einem anderen Teil ihres Körpers machen könntest ? Fügen Sie einfach ein bisschen zusätzlichen Charakter hinzu und verkaufen Sie es wirklich. Dies ist eine andere Person durch die wichtigsten Eingabeaufforderungen, die ich zusammengestellt habe. Ich denke, dass sekundäre Maßnahmen die Sache sein werden , die sicherstellt, dass selbst wenn jeder die gleiche Aufforderung wählt, die Sie einreichen werden, aber keine zwei Animationen die in der Projektgalerie eingereicht werden, aussehen werden das Gleiche. Begleite mich im nächsten Video , in dem wir dieses Baby sperren und etwas Farbe hinzufügen werden. Hoffe, dich dort zu sehen. [MUSIK] 12. Einfärben: [MUSIK] Lasst uns diesen Bad Boy einfärben. Jetzt werde ich hier etwas sagen, obwohl ich nur ein einziges Video von der Färbung eingestellt habe, unterschätze nie, wie viel Zeit Färben dauern wird. Ich sehe Animatoren die ganze Zeit machen und ich mache es die ganze Zeit, wo du ans Ende des Projekts kommst und die ganze Zeit Gung-ho gegangen bist . Sie geben sich nur einen Tag oder so wenig Zeit zum Ausmalen und dann beeilen Sie sich, bis zum Stichtag etwas herauszuholen. Es ist schneller und einfacher in Vektorsoftware wie Animate, die wirklich leistungsstarke Optionen für das Ausfüllen von Bucket-Füllwerkzeugen und ähnlichem haben Optionen für das Ausfüllen von Bucket-Füllwerkzeugen und ähnlichem , und natürlich hängt es von der Detailgenauigkeit in Ihrem Stück ab. Etwas Einfacheres wird schneller sein als etwas Detaillierteres. Aber selbst dann würde ich mindestens 2/3 der Zeit beiseite legen, die Sie brauchten, um das Ganze zu animieren und es am Ende zu legen , um Ihnen genug Zeit zum Ausmalen zu geben, nur damit Sie etwas Spielraum haben. Du willst nicht, dass das Färben das ist, was dich am Ende des Projekts zerstört. Es gibt so viel über Farbe zu reden, zu viel in der Tat, dass ich mich nicht richtig fühle, selbst wenn ich auf die Facetten der Farbtheorie eingehe , da es eine ganze andere Serie erfordert. Für dieses Video halte ich die Farbe sehr minimal. Ich verwende keine Schattierung und verwende die genauen Farben aus meinem Charakterdesignblatt. Denken Sie jedoch darüber nach, welche Art von Farbschema Sie verwenden möchten. Willst du kein bisschen oder viel schattieren ? Möchten Sie viele Farben in Effekten oder möchten Sie ein einfarbiges Aussehen? Möchten Sie, dass es hell gesättigte oder weiche Pastelltöne und gedämpfte Töne ist? Es hängt natürlich von Ihrem Kunststil ab. Etwas sehr Geometrisches und Einfaches wird davon profitieren, flach gefärbt zu sein. Etwas detaillierteres und Realistischeres braucht möglicherweise mehr Farben. Selbst dies ist keine eiserne Regel, manchmal sieht sogar ein detaillierter Kunststil mit weniger Schatten besser aus, wenn es viel Bewegung gibt sogar ein detaillierter Kunststil . Mein Rat für diese Übung wäre, so wenig bis gar keine Schattierung wie möglich zu verwenden, da sie nur ein bisschen zu sehr von dem ablenken wird ein bisschen zu sehr von dem ablenken , worum es in diesem Kurs geht. Wenn Sie Schwierigkeiten haben, einige Farbideen zu entwickeln, empfehle ich eine Website und eine App namens coolors.co, mit empfehle ich eine Website und eine App namens coolors.co, der Sie viele coole Dinge tun können. Die wichtigste ist die zufällige Generierung eines fünffarbigen Farbschemas mit einem einfachen Drücken der Leertaste. Es gibt Ihnen auch die Hexadezimalcodes Wenn Ihnen also gefällt, was Sie sehen, können Sie sie einfach direkt in Ihr Programm Ihrer Wahl importieren . Wichtigste zuerst: Wir müssen diese Zeilennotiz aufräumen, da sie gerade ein bisschen chaotisch und überall ist. Bevor wir mit dem Färben beginnen möchten, möchten wir im Wesentlichen , dass alle unsere Hauptlinien verbunden sind, um das Ausfüllen zu erleichtern. Es gibt zwei Möglichkeiten, dies zu tun, sowohl mit Vor- als auch mit Nachteilen. Die erste besteht darin, alle unsere Ebenen zu einem zu konsolidieren. Beginnen Sie damit, die gesamte Sequenz zu durchlaufen und alle Bereiche zu löschen, in denen sich die Linien überlappen könnten, wie Haare und Kleidung oder Gliedmaßen, die Sie auf eine separate Ebene gelegt haben. Lass alles so aussehen, als wäre es nur eine ordentliche, ununterbrochene Zeichnung. Wenn sie alle schön und sauber sind, löschen Sie alle nicht verwendeten Ebenen wie die ursprünglichen Konstruktionslinien oder ähnliches, wählen Sie alle Ebenen aus und klicken Sie mit der rechten Maustaste auf „Layer zusammenführen“. Dies verwandelt technisch alles in ein Symbol, bei dem Sie zum Ausfüllen auf das Symbol doppelklicken müssen, wenn der blaue Begrenzungsrahmen erscheint , und dann nach oben gehen und ausmalen und da ich Symbole oder Bitmap nicht wirklich behandelt habe, bearbeite ich das Bild der Serie. Wenn Sie sich mit dem, was wir zuvor gemacht haben, etwas wohler fühlen , empfehle ich, den Keyframe auszuwählen und zu modifizieren, auseinander zu brechen und dies für alle zu tun. Es wird ein bisschen mühsam sein, aber es könnte Ihnen Kopfschmerzen ersparen. Der Vorteil dieser Methode besteht darin, dass alles auf einer einzigen Schicht schön und sauber ist, sodass Sie beim Färben einfach vorwärts gehen können. Der Nachteil ist, dass Sie mit unseren begrenzten Animationstricks die Dinge am Ende zweimal oder mehrmals färben müssen . Zum Beispiel wird am Ende der ersten Haarbewegung hier, obwohl die Basisebene ein statisches Bild ist, in dem einen Keyframe danach wiederholt, sodass Sie sie zweimal einfärben müssen. Jetzt können Sie dies umgehen, indem Sie zuerst diese statischen Tempo-Frames färben , indem Sie zuerst diese statischen Tempo-Frames und dann zurückgehen und Ihre Schrägstellung machen und alle zusätzlichen Teile hinzufügen , das ist völlig in Ordnung. Aber aus Gründen der Klarheit in dieser Serie habe ich es linear gemacht. Wenn du also mit mir folgst, dann musst du es wahrscheinlich verdoppeln. Tut mir leid. Es macht es auch etwas weniger flexibel wenn Sie sich entscheiden, ein Element in der Zeilennotiz zu ändern. Nehmen wir an, wenn Sie mit dem Timing herumspielen und einige Rahmen der Haare der Jacke hinzufügen oder entfernen möchten einige Rahmen der Haare der Jacke hinzufügen oder entfernen , ist dieser am besten für Sie ausgewählt, wenn Sie zu 100 Prozent sicher sind , dass Sie fertig sind. Die andere Möglichkeit besteht darin, es einfach in Ebenen zu belassen. Anstatt die überlappenden Linien zu löschen, möchten Sie sie zu Punkten schließen , an denen sie ausgeblendet werden. Wenn wir bestimmte Schichten verstecken, können wir sehen, dass Dinge wie Haare, Arme usw. diese riesigen Lücken haben, also wollen wir sie nur verbinden. Da sie alle von anderen Ebenen ausgeblendet werden, müssen Sie überhaupt nicht genau sein. Normalerweise mache ich einfach diese schnelle faule Blob-Form. Sobald alle Schichten erfolgreich geschlossen sind und sichergestellt sind, dass alle Schichten von oben nach unten , sollen ihre Haare beispielsweise die hintere Schicht sein, also bewegen wir das einfach nach unten können Sie anfangen zu färben. Diese Methode ist in Bezug auf die Zeitleiste etwas unordentlicher , ermöglicht jedoch bessere Kontrolle über eine Bewegung wenn Sie sich entscheiden, diese Dinge zu ändern. Ermöglicht es Ihnen, Ihre Keyframes festzuhalten , ohne sie neu färben zu müssen. Jede dieser Methoden ist in Ordnung, ich verwende sie austauschbar, basierend darauf, dass ich Gefühle für diesen Kurs habe, ich habe es mit der ersten Methode gemacht alles auf eine einzige Ebene zu machen. Aber Sie können entscheiden , welche für Sie und Ihre Animation am besten geeignet ist . Wir haben großes Glück in Animate, dass wir sehr leistungsstarke Eimerfüll-Tool-Effekte zum Ausmalen haben . Im Gegensatz zu dem in Photoshop, weil es sich um ein Dienstplanprogramm handelt, sind Pixel manchmal nicht immer perfekt. Da Animate ein Vektorprogramm ist, wird es immer perfekt in die Linie eingefärbt sein. Sie wählen einfach Ihr Werkzeug, Ihre Farbe aus, den Mauszeiger über den geschlossenen Raum auf der gewünschten Ebene, klicken und zu einfach, Sie sind fertig. Es ist jedoch sehr wichtig, diese Leitungen vollständig geschlossen sind. Wenn sie sogar ein bisschen offen sind, färbt es entweder Teile , die nicht hätten gefüllt werden sollen, oder es füllt nichts. Wenn Sie zu diesem Zeitpunkt noch einige Lücken haben , wie Sie es höchstwahrscheinlich tun werden, habe ich hier überall so viele. Sie können entweder die Zeilennotizen ausfüllen , indem Sie zur schwarzen Färbung zurückkehren. Sie können mit dem Füllpunkt ziehen ihn zu erweitern und einfach ein wenig zu schließen, oder stellen Sie sicher, dass das Stiftwerkzeug dahinter malen kann, und verwenden Sie die Farbe, die Sie füllen möchten, einfach eine Linie nach unten plotten oder ein oder zwei Punkte, um es abzuschließen und dann auf den Farbeimer zu schlagen. Wenn Sie eine Schattierung hinzufügen möchten , ist dies übrigens der richtige Weg. Durch Zeichnen einer Linie mit Farbe dahinter legen Sie fest, wo die Schatten beginnen und enden sollen, und füllen Sie sie dann einfach mit Ihrer Grundfarbe und Ihrer schattierten Farbe aus. Jetzt ist es einfach der mühsame Prozess jeden einzelnen Frame auszufüllen . Wie gesagt, es ist leicht zu unterschätzen, wie viel Zeit das in Anspruch nehmen wird. Stellen Sie sicher, dass Sie genug Zeit beiseite legen, damit das Färben nicht das ist, was Sie kurz vor Ablauf der Frist zerstört. [MUSIK]. Damit haben wir unser Stück vollständig gefärbt. Es ist erstaunlich, was ein bisschen Farbe tun kann um einem Stück Leben und Lebendigkeit zu verleihen, sei es nur ein kleiner Spritzer gegen den einfarbigen Look oder etwas sehr lebendiges mit dreimal, viermal Schattierung. Ich möchte dich wirklich betonen, schau, wie energisch und lebendig wir unser Stück mit nur drei Schlüsselzeichnungen gemacht haben . kann ich wirklich nicht genug betonen. Sieh dir dein Stück an und finde heraus, was Farbe für mich tun kann? Wie viel Farbe brauche ich? Ich überfärbe mich? Ich bin unter Färbung? Es wird von Fall zu Fall für jedes einzelne Animationsstück sein. Jetzt sind wir gerade fertig, egal ob Sie bereit sind, es endlich zu exportieren und aufzustellen, oder Sie möchten ein paar kleine kompositive Dinge tun ein paar kleine kompositive Dinge und das Ding zu den Effekten hinzufügen. Wir müssen das nur aus Animate oder aus welchem Programm, das Sie verwenden, herausholen . Bitte schließen Sie sich mir im nächsten Video an, in dem wir den Export behandeln werden. [MUSIK] 13. Exportieren: [MUSIK] Lassen Sie uns nun den Export behandeln. Animate ist eigentlich ziemlich gut beim Exportieren von Optionen. Leider hat es nicht einige der gleichen Vorteile wie Photoshop, After Effects oder Adobe Premiere Pro mit dem dynamischen Link, der im laufenden Betrieb aktualisiert wird. Wenn Sie ein anderes Programm als Animate verwenden, kann sich dieser genaue Prozess ein wenig unterscheiden. Aber die gleichen Prinzipien Dateiformat-Strukturen gelten immer noch, also schauen Sie sich bitte an, um meine Empfehlungen für Ihre endgültige Ausgabe zu erhalten . Zuerst sollten wir unsere Zeitleiste ein wenig bereinigen, damit es keine unnötigen Ebenen gibt, die wir nicht wollen da sie dazu neigen, bei Exporten aufzutauchen. Es gibt zwei Möglichkeiten, wie ich empfehle von Adobe Animate nativ und über Adobe Media Encoder zu exportieren . Lassen Sie uns nativ abdecken. Um dies nativ zu tun, gehen wir zu Datei, Export, Film exportieren, und es wird ein sehr einfaches Feld zum Speichern als Styled angezeigt. Unsere Möglichkeiten hier sind begrenzt, aber alte Schule und mächtig. Wir könnten es als PNG-Sequenz speichern, die buchstäblich jeden einzelnen Frame als eigenes individuelles Bild speichert. Wenn wir also in einem eigenen Ordner speichern, können wir diesen Ordner fast wie ein GIF als gruppierte Bilddatei importieren . Diese Methode schlägt fast nie fehl, aber ich würde sie nur als letzten Ausweg empfehlen , wenn jede andere Option fehlgeschlagen ist, da dies etwas klobig ist. Sie können es auch als JPEG-Sequenz machen, aber JPEGs unterstützen keinen Alphatransparenzkanal, daher empfehle ich es nicht. Persönlich speichere ich gerne als SWF-Datei. Dies ist ein Vektordateiformat anstelle eines Raster-Dateiformats wie PNG oder JPEG, was bedeutet, dass weniger Programme es öffnen oder importieren können. Zum Beispiel kann Adobe Premiere nicht. Aber es hat einen großen Vorteil gegenüber Raster-Formaten, der Auflösung. Wenn wir uns unser PNG-Bild ansehen und es in ein anderes Programm importieren, in diesem Fall After Effects. Wenn wir uns entschieden haben, dass wir die Aufnahme zu einer Nahaufnahme machen wollten , wenn wir vergrößern oder vergrößern, wird sie irgendwann zu pixelig da es nur die reguläre HD-Auflösung gab, mit der wir arbeiten konnten. Aber mit einem Vektorbild, das alles Mathematik und Daten ist, können wir diese kontinuierlich gerasterte Option hier aktivieren. Dies bedeutet, dass wir es so hoch skalieren können , wie wir es nur wünschen könnten , und die Entschließung wird entsprechend skaliert. Es wird überhaupt kein Problem sein. Es ist wie eine Episode von CSI Miami, in der sie auf eine Schraube zoomen, es ist so, aber tatsächlich real. Obwohl ich SWF-Dateien liebe, hat es seine Nachteile, hauptsächlich, dass es alles in Ihrer Projektdatei rendert . Sie haben mehrere Abschnitte oder Layer , die ausgeschaltet sind, oder mehrere Szenen, sagen wir, weil Sie sie separat exportieren wollten. Sie müssen sie in verschiedene Dateien aufteilen und dann so exportieren. Andernfalls sieht Ihre SWF-Datei so aus, wenn Sie es einfach erkunden, ohne es zu trennen . Yikes. Das Trennen von allem kann mühsam werden, also schauen wir uns die andere Art an, mit Media Encoder zu exportieren. Zu diesem Zweck möchten wir zu Datei, Export und Video exportieren gehen , die Option unter Film exportieren. Dies öffnet eine Dialogbox, die uns viele weitere Möglichkeiten zum Spielen bietet. Erstens können Sie die Auflösung hier ändern , was nett ist. Wenn Sie sich entscheiden, dass Sie es für 4K exportieren möchten , können Sie dies hier ändern. Es gibt auch ein Dialogfeld , in dem wir entweder einen Alpha-Transparenzkanal erstellen können, wenn Sie diesen zum Compositing verwenden möchten , oder einfach alles mit Weiß füllen können, wenn Sie sich nicht mit solchen Dingen beschäftigen. Hier unten können Sie Ihre zu exportierenden Szenen auswählen. Jetzt haben wir dies in der Hauptklausel nicht durchgegangen , da wir gerade den einen Antrag gemacht haben, aber Sie können mehrere Szenen innerhalb derselben Projektdatei erstellen , wenn Sie mehrere Aufnahmen machen. Alle meine Beispiele, die ich während dieser Klasse verwendet habe , wurden so erstellt. Dies ist eine viel bessere Option, wenn Sie nur einen von ihnen anstelle von allen zusammen exportieren möchten . Sie können auch wählen einen bestimmten Frameabschnitt exportieren möchten, wenn Sie nur einen bestimmten Endpunkt wünschen und Punkt hinzufügen möchten, wenn Sie möchten. Schließlich haben wir hier unten den Codec und das Dateiformat. Es gibt viel zu viele davon, um zu übergehen, also empfehle ich einfach zwei. Die erste ist, wenn Sie es in After Effects oder in Premiere oder in ein anderes Programm zum Komponieren oder Bearbeiten exportieren , wenn Sie es in After Effects oder in Premiere oder möchten, nehmen wir an, Sie sind noch nicht fertig damit. In diesem Fall möchten Sie QuickTime und Apple ProRes 4444 mit Alpha wählen . Wenn Sie sich jedoch nicht für Alpha-Transparenz entschieden haben, können Sie einfach den regulären Apple ProRes 4444 machen. Dadurch wird eine qualitativ hochwertige nahezu verlustfreie Datei erstellt , mit der Sie beim erneuten Exportieren ohne Datenverlust bearbeiten und verfassen können. Die andere Option, die das endgültige Lieferformat zum Hochladen ist und was ich für alle Programme auf der ganzen Linie empfehle , ist H.264 für den Codec und die Voreinstellung für dieses YouTube 1080 p HD. Dies ist das Format, in dem Sie Ihr abschließendes Projekt hochladen sollen. ob Sie Adobe Animate verwenden oder nicht, schauen Sie sich diese Einstellungen und versuchen Sie, sie in jedem von Ihnen verwendeten Exportprogramm zu replizieren . Stellen Sie sicher, dass dieses geöffnete Medien-Encoder-Warteschlange aktiviert ist und dass Ihr Zielordner korrekt ist, und klicken Sie dann einfach auf „Exportieren“. Gehen wir einfach in den Ordner um zu überprüfen, ob er ordnungsgemäß exportiert wurde. Schön. Genau genommen ist dies das Ende des Animationsabschnitts des Kurses. Es gibt jedoch ein paar kleine Compositing-Tricks, die ich Ihnen beibringen möchte, wenn Sie dies nur ein bisschen mehr erhöhen möchten, plus ein paar andere Strategien, die ich nicht war in dieses Hauptbeispiel integrieren können, aber dann denke ich, dass sie in Zukunft absolut wichtig sind, insbesondere um nicht nur einzelne Aufnahmen, sondern ganze Szenen mit begrenzter Animation zu planen nicht nur einzelne Aufnahmen . Bitte bleib hier für ein abschließendes Video zu anderen Strategien. Lass es uns machen. [MUSIK] 14. Andere Strategien: Ganz am Ende des Kurses möchte ich ein paar andere abschließende Strategien durchgehen, mit denen Sie Ihre Animationen verbessern können. Diese müssen nicht alle zusammen verwendet werden. In der Tat ist es unmöglich, sie alle zusammen zu benutzen , sonst wird es zu überladen und chaotisch. Aber besonders wenn Sie ganze Szenen aus begrenzten Animationen erstellen , können Sie hoffentlich einige davon verwenden, um sich ein wenig Zeit bei dem, was Sie tun, zu erhöhen und sich ein wenig Zeit zu sparen. Vielleicht, nur vielleicht, erstellen Sie so einen Knochen dass es so aussieht, als wären dies alles kluge Auto-Entscheidungen und nicht nur, weil Ihnen die Zeit ausgegangen ist. Lassen Sie uns zunächst einige Tipps zur Farbabstufung und zum Mischmodus durchgehen . Ich werde Adobe After Effects verwenden, um diese zu färben. Viele Programme haben jedoch genau das gleiche Layout, also finden Sie bitte das Äquivalent in Ihrem Programm Ihrer Wahl. Ich habe meine Hauptanimation und aus Gründen des Beispiels auch den aktuellen Hintergrund importiert und aus Gründen des Beispiels auch den aktuellen , den ich gefunden habe. Nehmen wir an, Sie denken, dass diese Farben nur ein bisschen flach sind. Wir können die Einstellungsebenen verwenden, um sie wirklich zum Platzen zu bringen. Gehen wir zu Layer, neuer Einstellungsebene. Eine Einstellungsebene ist eine Ebene, die sich auf alle darunter liegenden Ebenen auswirkt. Wenn Sie beispielsweise einen Schwarz-Weiß-Filter auf eine Einstellungsebene setzen , wendet er ihn dann auf alles unten an. Es ist einfach eine sehr schöne, saubere und saubere Möglichkeit, Effekte auf viele Schichten gleichzeitig anzuwenden. Auf dieser Einstellungsebene möchten wir zu Effekt, Channel, CC Composite wechseln. Jetzt ist dieser Effekt sehr mächtig. Es ist etwas schwierig zu erklären, aber im Moment sagen wir einfach, dass das, was dies getan hat, alle visuellen Informationen unter die Einstellungsebene kopiert visuellen Informationen unter die und in die Einstellungsebene gelegt hat. Im Wesentlichen fungiert es jetzt als doppelte Datei oder doppelte Ebene von allem unten. Dies ist wichtig, da wir hier zu diesem Dropdown-Feld gehen und die Mischmodi unserer Layer ändern. Mischmodi sind im Wesentlichen , wie diese Ebene in Bezug auf Pixel, Farben, Helligkeit usw. angezeigt und über die anderen darunter liegenden gemischt wird in Bezug auf Pixel, Farben, Helligkeit usw. angezeigt und über die anderen darunter liegenden gemischt . Um zu demonstrieren, zeige ich Ihnen was Mischmodi sehen aus wie auf einer normalen Ebene. Normal, was der Standard ist, wie der Name schon sagt, liegt alles bei 100 Prozent. Aber wenn ich es zum Beispiel so ändern würde, dass es multipliziert wird, im Wesentlichen alle Weißwerte unsichtbar und die schwarzen werden unsichtbar und die schwarzen auf die darunter liegenden Ebenen gebrannt. Wenn ich stattdessen den Bildschirm wähle, passiert das Gegenteil, wo das ganze Schwarz unsichtbar wird und das Weiß gebrannt wird. Im Allgemeinen denke ich, dass Overlay der Gehe in den Mischmodus ist , wenn Sie sich nicht sicher sind. Es kombiniert den Bildschirm und multipliziert ihn miteinander, was bedeutet, dass Sie diese Farben und Kontraste erhalten und das Bild nur bei 50 Prozent erscheint. Wenn wir die Mischmodi auf unseren Einstellungsebenen ändern, diejenigen mit diesem CC-Composite-Effekt, multiplizieren wir im Wesentlichen Screening, Überlagerung oder welchen Effekt wir wählen, diese Ebene oben von sich selbst, so dass wir einige sehr leistungsstarke Filter und Looks erstellen können, basierend darauf, welche Pixel und welche Farbinformationen wir hinzufügen möchten. Jetzt haben wir diesen wirklich kontrastierten, interessanten Look. Wenn es ein bisschen hart ist, kann ich auf der Tastatur T drücken und die Deckkraft ändern, um sie herunterzuschalten. Wir können auf dieser Einstellungsebene weiter gehen. Gehen wir zu Effekt, Generieren, Füllen und wählen Sie dann eine Farbe aus, die uns gefällt. Dies wird diesen wirklich interessanten Tönungseffekt erzeugen , mit dem wir dann herumspielen und ändern können , indem die Mischmodi und die Kapazität ändern. Oder wir könnten zu Effekt, Generieren, Gradient Ramp gehen. Jetzt spielen wir mit gerichteten Schatten und Beleuchtung herum gerichteten Schatten und Beleuchtung , wo wir die Punkte bewegen können. Vielleicht ist die Sonne hier oben und sie wirft hier unten höhere Mengen an Licht und Schatten. Oder wir könnten sogar einen Unschärfe-Effekt hinzufügen, sicherstellen, dass Wiederholkantenpixel eingeschaltet sind. Wenn wir dies dann mit unseren Mischmodi verwischen, erstellen wir diesen weichen Ballonbeleuchtung perfekt für einen Sommer oder eine Strandstimmung. Sie können alle diese Effekte auf einmal verwenden , wenn Sie möchten, indem Sie einzelne Einstellungsebenen erstellen und diese Effekte in einem Stapel anwenden diese Effekte in einem Stapel auf dem all diese Mischmodi aktiviert sind. Jetzt haben wir das sehr flache, einfache Bild in etwas verwandelt , das viel lebendiger und voller Leben ist . Einfach so. Experimentieren mit Einstellungsebenen und Farbeffekten kann den Ton des Stücks vollständig verändern und erhöhen. Es lohnt sich, am Ende sogar nur 10, 20 Minuten beiseite zu legen , um mit einer Vielzahl von Kombinationen herumzuspielen . After Effects ist ein ganz anderes Biest und ich weiß, dass es einige Leute einschüchtert. Wenn Sie jedoch darauf eingehen möchten, habe ich bereits einen ganz anderen Kurs zum Animieren eines Logos in After Effects erstellt , den Sie auch dann starten können, wenn Sie es noch nie zuvor benutzt haben. Bitte schau dir das an, wenn du interessiert bist. Als nächstes kommt der bescheidene Ken Burns Effekt, auch als Schwenken und Zoomen bezeichnet wird. Vielleicht haben Sie einen Schuss, der lange halten muss, so lange, dass es offensichtlich wird , dass dies nur eine einzige Zeichnung ist. Nun, manchmal kann nur ein einfacher Schwenk oder Zoom ausreichen. Bevor wir irgendetwas tun, möchten wir dies vorverfassen, damit wir all diese Key-Frame-Daten auf eine einzelne Ebene und nicht auf alle einzelnen Layer anwenden können Key-Frame-Daten auf . Um dies zu tun, markieren wir einfach alle unsere Ebenen. Klicken Sie mit der rechten Maustaste, erstellen Sie vorab, nennen Sie es einfach, was für Sie am einfachsten ist. Jetzt können wir es anwenden, als wäre es nur eine einzige Schicht. Wir können immer noch in diese Ebene gehen, indem wir darauf doppelklicken und jetzt befinden wir uns in dieser neuen Vorkomposition. Wichtig ist, dass Sie immer sicherstellen , dass Sie einen kleinen visuellen Puffer haben. Wenn Sie beispielsweise diese Positions-Pan-Key-Frames ausführen, möchten Sie wahrscheinlich ein wenig vergrößern, nur damit sich dieser Puffer am Rand des Frames befindet dieser Puffer am Rand des Frames , so dass beim Schwenken drüber bekommst du keinen dieser schwarzen Balken. Fügen wir diesem Stück einfach ein paar Positionsschlüssel-Frames hinzu. Automatisch fühlen sich beide Beispiele einfach subtil anders an, subtil voller Leben. Wir können noch weiter gehen und Parallaxe hinzufügen. Parallaxen ist der Effekt, dass je entfernter ein Objekt ist, desto langsamer scheint es sich zu bewegen. Wenn Sie jemals aus einem Autofenster gestarrt haben und bemerken, dass die Bäume in der Nähe der Straße vorbeifahren, aber die Berge in der Ferne relativ gleich bleiben. Das nennt man Parallaxen. Dafür können Sie einfach jede Ebene per Key Frame gestalten, aber sie mit langsameren und schnelleren Raten bewegen lassen. Zum Beispiel, je näher etwas an der ist, naja, nennen wir es eine Kamera, obwohl es nicht die Kamera ist. Je näher etwas an der Kamera liegt, desto schneller bewegt es sich und je weiter es entfernt ist, desto langsamer wird es sich bewegen. Sie möchten vorsichtig sein, die Nähte der Schichten verstecken. In diesem Beispiel würde es so aussehen, dass sie nur über den Boden rutscht. Es ist klüger, die Komposition einfach so zu ändern , dass ihre Füße nicht sichtbar sind. Lasst es uns neu gestalten und die Dinge neu skalieren, damit es eher ein Midshot ist. Mit genau diesen einfachen Ketten haben wir diese Aufnahme mit nur der einzelnen Zeichnung und ein paar Keyframes unglaublich dynamisch gemacht . Wenn Sie mit Ihrer Shot-Komposition schlau sind, können Sie ganze Szenen aus dem Nichts machen. Nehmen wir ein Beispiel für zwei Charaktere , die ein sehr ernstes Gespräch führen. Wenn Sie die Aufnahme so komponieren, wird die Tatsache, dass sie sich nicht bewegen, unglaublich offensichtlich sein und das Publikum wird erwarten, dass einige Bewegungen stattfinden werden. Sie müssen wahrscheinlich am Ende viel Arbeit machen, sonst wird es sich sehr faul anfühlen. Aber teilen wir diesen Schuss in zwei Schüsse auf und machen einen Überschulter-Schuss, Rückwärtsschuss aus nächster Nähe. Plötzlich nimmt die Szene eine viel dramatischere Rolle ohne zusätzliche Charakteranimation hinzuzufügen. Wenn wir noch weiter gehen und unseren Pan-Parallax-Effekt hinzufügen , ist die Spannung jetzt absolut spürbar, als würde etwas abspringen. Dies kann ein Bereich sein, in dem das Studium von Live-Action-Filmen und Fernsehen eine große Hilfe für die Animation sein kann, insbesondere wenn Sie große dialoglastige ernsthafte Szenen suchen. Sie jedoch immer daran , dass es wirklich schwierig ist, eine Z-Achsenbewegung in 2D-Animationen zu erzielen, besonders wenn Sie für die Zeit festgeschnallt sind. Konzentrieren Sie sich hauptsächlich auf die horizontalen und vertikalen Bewegungen und die Drehkomposition von Live-Action-Filmen. Manchmal hast du einfach keine Zeit und deine einzige Option ist ein Schnitt. Aber wenn Sie wissen, was Sie tun, kann dies auch zu Ihrem Vorteil wirken, indem Sie eine Filmtechnik verwenden , die als Kuleshov-Effekt bekannt ist. Dies bezieht sich auf die Idee , dass die Beziehungen zwischen Schüssen die Bedeutung geben, nicht die einzelnen Aufnahmen selbst. Hier ist ein klassisches Beispiel. Du hast eine Chance von jemandem, der schaut, dann eine Aufnahme von einem Welpen und dann zurück zu dieser Person, die lächelt. Dies ist eine Szene von einem netten Mann, der sich einen netten Welpen ansieht. Aber wenn wir diesen mittleren Schuss in etwas ändern jemand umfällt und sich selbst verletzt, wird diese Szene jetzt zu einem Ruck, der über das Unglück anderer glücklich ist. Wir haben nur den mittleren Schuss geändert, aber wir haben die Bedeutung komplett geändert. In der Animation können Sie den Kuleshov-Effekt verwenden, um diesen Mangel an Bewegung zwischen Zuständen zu verbergen. Wenn wir diese beiden Frames des Gesichts dieser Person ohne Übergang von hinten nach hinten hinzufügen . Es würde schrecklich schrotzig aussehen und wir müssten wahrscheinlich einige Zwischenwahlen hinzufügen , was einige Zeit dauern könnte. Aber wenn wir eine Aufnahme ihres Standpunkts zu dem einfügen , was sie sehen. Das Publikum wird es zu 100 Prozent verstehen und es wird sich zu 100 Prozent natürlich anfühlen. Denken Sie darüber nach, wie Sie durch den Schnitt die Bedeutung erzeugen können . Wie kann man Bewegung durch die Kombination von Schüssen implizieren die Kombination von Schüssen anstatt tatsächlich die Bewegung zu haben? Ich persönlich empfehle, den Anime Neon Genesis Evangelion, anzusehen , da er eine Meisterklasse ist, wenn es sich um eine Meisterklasse handelt, um begrenzte Animationsaufnahmen zu verwenden und insbesondere zu bearbeiten, um Ihre Geschichte zu erzählen. Die erste Episode ist actionreich und voller dramatischer Szenen und vieles passiert. Aber es gibt insgesamt nur 1000 Zeichnungen während der gesamten 22 Minuten. Die endgültige Strategie, nehmen Sie einfach Ihre Grenzen an. Manchmal kommen hier einige der denkwürdigsten und kreativsten Entscheidungen her, und besonders für Comedy kann es erstaunlich funktionieren. Schau dir diesen Witz von SpongeBob SquarePants an. Es gibt keine Zwischenwächter von Patrick , der wach ist und er schläft. Aber das dient dazu, den Witz noch viel lustiger zu machen. Wenn alles andere scheitert, nehmen Sie einfach Ihre Grenzen an und versuchen Sie darüber nachzudenken , wie sie für Sie arbeiten können. Wie kann man einen harten Schnitt komisch oder wirkungsvoll oder dramatisch machen? Wie kann man jemanden, rutscht oder sich bewegt, interessant machen? [MUSIK] Ich möchte wirklich betonen, wie sehr ich glaube, dass begrenzte Animation nicht faul oder billig oder schlecht ist oder irgendein anderes negatives Adjektiv , das die Leute darauf werfen wollen. In vielerlei Hinsicht bin ich oft mehr beeindruckt von einem gut ausgeführten Stück limitierter Animation als mit einem vollständigen Zeichentrickstück. Natürlich hat das gesamte Animationsstück viel Talent und Kreativität und viel Mühe und schiere Fähigkeiten. Aber ein begrenztes Animationsstück eins, das wirklich gut glänzt, spricht für die Kreativität und Problemlösungsfähigkeiten des Animators. Früher oder später muss jeder Animator auf der Welt eine begrenzte Animation machen. Anstatt es zu verderben oder zu denken, dass es billig ist oder sich selbst beklagen möchte , dass man etwas tun muss , das begrenzt ist , es besitzen, es für dich funktioniert und etwas machen muss, das wirklich besonders aussieht das Ende des Tages [MUSIC]. 15. Outro / Abmoderation: Obwohl wir jedes Mal nur drei Zeichnungen hatten , vermasselt mein Handgelenk. Das bringt uns zum Ende dieses Kurses. Ich hoffe, das war nützlich für Sie und ich hoffe wirklich, dass ich Ihnen geholfen habe verstehen, dass Sie nicht jede einzelne Zeichnung brauchen, um völlig einzigartig zu sein , um das Funkeln der 2D-Animation zu erhalten . Klar, es ist schön und wann immer du es kannst, mach es bitte. Aber in bestimmten praktischen Anwendungen aus der ist es manchmal einfach nicht machbar. Ich hoffe, dass Sie auf dem Weg ein paar Tipps und Tricks bekommen konnten ein paar Tipps und Tricks , die Ihnen in Ihrer weiteren Karriere helfen können. Der Sinn dieser Übung ist nicht, dass Sie jedes Mal nur Animationen mit nur drei Zeichnungen erstellen sollten . Mehr noch, um Ihnen zu helfen zu verstehen, dass es Möglichkeiten gibt, Bewegungen zu zeigen. Es gibt Möglichkeiten, die Geschichte zu erzählen, ohne neue Zeichnungen zu erstellen oder ohne mehr Kopfschmerzen für sich selbst zu bereiten. Im Laufe dieser Serie haben wir uns mit den 12 Prinzipien der Animation sowie einige andere eingeschränkte Animationsprinzipien befasst und wie Sie sie am besten für Ihre Animation nutzen können. Wie ich anfangs sagte, glaube ich immer noch, dass Animation ein wunderbares Medium ist, nur durch Vorstellungskraft begrenzt ist, aber leider auch die Zeit. Hoffentlich sind Sie jetzt in der Lage, die Kraft dieser Techniken zu nutzen , um Ihre Zeit am effektivsten zu nutzen, damit der Phantasie etwas tun kann. Vielen Dank, dass Sie den Kurs durchgemacht haben und ich freue mich darauf, all Ihre wunderbaren, erstaunlichen Animationen zu sehen. [MUSIK]