Form, Linie und Rhythmus: Ein achtsamer Ansatz für abstraktes Zeichnen

1. Einführung: Wir verbringen so viel Zeit unseres Lebens , alles herauszufinden. Wir wundern uns immer wieder und fragen, ob das funktionieren wird. Ist das eine richtige Wahl? Komme ich wirklich irgendwohin? Aber das Leben gibt uns selten das ganze Bild. Meist können wir nur den nächsten Schritt machen, ohne zu wissen, wohin er genau führen wird. Hi, ich bin Neha Modi. Ich bin ein Künstler und ein Top-Lehrer bei Skillshare. Ich habe Jahre damit verbracht, zu erforschen, wie einfache Linien, Formen und Ruf zusammenkommen können Erschaffe etwas Sinnvolles und Kompliziertes. Und irgendwann wurde mir klar, dass Kreativität nicht immer damit zu tun hat, zu wissen, was man tut Manchmal geht es darum, neugierig zu sein, eine Entscheidung sehen, was passiert, und zu sehen, was passiert, und dann weiterzumachen. Um etwas zu erschaffen, musst du dich dem Prozess hingeben und dir selbst genug vertrauen, um den nächsten kleinen Schritt zu tun. Und das ist die Grundlage dieses Kurses. Wir beginnen mit einfachen geometrischen Formen und lernen, wie man mithilfe von Maßstab, Wiederholung, Gleichgewicht, Bewegung und negativem Raum eine abstrakte Komposition erstellt Wiederholung, Gleichgewicht, Bewegung und negativem Raum Wir werden untersuchen, wie Farbe die Stimmung und das visuelle Gewicht einer Komposition verändern kann und geometrische Formen auf unterschiedliche Weise angeordnet werden können , um ein Gefühl von Geschichte und Bewegung zu erzeugen Und dann werden wir alles verlangsamen und das Kunstwerk durch wiederholtes Markieren erstellen, um Textur, Rhythmus und eine einzigartige Die Absicht dieses Kurses besteht nicht nur darin, ein Kunstwerk zu schaffen, sondern auch die Transformation zu erleben, die stattfindet, wenn einer sehr einfachen Idee Zeit, Aufmerksamkeit und Raum zum Wachsen gegeben wird , Aufmerksamkeit und Raum Egal, ob Sie ein Künstler oder ein Anfänger sind, entdecken Sie mit mir, wie einfache Linien, Formen und Farben zusammenkommen können, um eine intentionale Erzählung zu schaffen. Wir sehen uns in der Klasse 2. Kursprojekt & Material: Willkommen in der Klasse. Ich bin so froh, dass du hier bist. Lassen Sie uns nun, bevor wir beginnen, ein wenig darüber sprechen was Sie erstellen werden und wie Sie Ihr Projekt angehen können. In diesem Kurs werden Sie nun Ihr eigenes abstraktes geometrisches Kunstwerk erstellen , indem Sie Formen, Farben und sich wiederholende Markierungen Sie können mir folgen und nachstellen, was ich mache oder die Techniken anwenden, um etwas zu kreieren, das sich ganz nach Ihrem Geschmack anfühlt Sie können mit den Formen, der Art und Weise, wie Sie sie anordnen, der Farbpalette und sogar dem negativen Raum experimentieren der Art und Weise, wie Sie sie anordnen, der Farbpalette und sogar dem negativen Raum Das Ziel ist nicht, eine perfekte Kopie zu erstellen, sondern die Prinzipien hinter dem Prozess zu verstehen und etwas zu kreieren , das sich für Sie persönlich anfühlt. Und wenn Sie fertig sind, teilen Sie Ihr Kunstwerk bitte in der Projektgalerie. Neben Ihrem Projekt würde ich auch gerne etwas über Ihren Prozess erfahren. Hast du bei der Herstellung etwas entdeckt? Hat sich das Kunstwerk auf eine Weise entwickelt, die Sie nicht erwartet hatten? Lassen Sie uns nun über Materialien sprechen. Ich werde auf 300 g/m2 Papier mit einer Stärke von fünf heißen Pressungen arbeiten da sich der feine Liner aufgrund seiner glatten Oberfläche leicht über die Seite bewegen kann, aber Sie müssen nicht dasselbe Papier verwenden. Jedes Papier mit glatter Oberfläche funktioniert gut. Ich werde farbige Fineliner verschiedener Marken verwenden verschiedener Marken Sie benötigen außerdem einen Bleistift und einen Radiergummi für Ihre ursprüngliche Komposition und ein Lineal wenn Sie sauberere geometrische Linien erstellen möchten Und schließlich benötigen Sie etwas, das genauso wichtig ist wie das Material Zeit und ein bisschen Geduld. Bitte hetzen Sie sich nicht durch dieses Kunstwerk, machen Sie Pausen, wann immer Sie wollen. Legen Sie Ihre Telefone für eine Weile weg, setzen Sie sich an einen bequemen Ort, lassen Sie Ihre Schultern entspannen und geben Sie sich die Erlaubnis, langsamer zu fahren. Denn wie wir in diesem Kurs herausfinden werden, beim Zeichnen nicht immer darum zu wissen, wohin die Linie führen wird. Manchmal geht es darum, bereit zu sein, ihr zu folgen. Sammeln Sie also Ihre Materialien und sorgen Sie sich nicht darum, das perfekte Zeichen zu setzen. 3. Bausteine: Formen und Zusammensetzung: Der erste Schritt bei der Erstellung eines geometrischen abstrakten Kunstwerks ist der Aufbau der Formbibliothek. Stellen Sie sich das als Ihre visuelle Bibliothek vor, eine Sammlung einfacher Formen , die Sie später kombinieren, ändern und anordnen können , um Ihr eigenes Kunstwerk zu erstellen. Beginnen Sie mit einigen geometrischen Grundformen, zeichnen Sie sie freihändig und betrachten Sie sie als Ihren Ausgangspunkt Der nächste Schritt besteht darin, mit ihrer Größe zu spielen. Wenn Sie den Maßstab ändern , entsteht Abwechslung. Später, wenn Sie Ihre Komposition planen, können Sie, indem Sie mit der Skala einer Form spielen, indem Sie mit der Skala einer Form spielen, entscheiden, welchen Elementen Sie mehr Bedeutung beimessen möchten. Dehnen Sie einen Kreis zu einem Oval aus, machen Sie ein Quadrat größer oder breiter, dehnen Sie ein Dreieck in eine Richtung Sie können eine Grundform annehmen und viele Variationen erstellen , indem Sie mit ihren Proportionen spielen Als Nächstes müssen Sie die Richtung der Formen ändern, sie drehen, neigen und auf den Kopf stellen Sobald Sie mit den Grundformen gespielt haben, beginnen Sie, verschiedene Formen zusammenzufügen Lass einige deiner Formen sich berühren. Sie können sich von Kante zu Kante, Punkt zu Punkt treffen oder einfach aneinander anliegen. Dadurch entsteht eine Beziehung zwischen den Formen, ohne dass Details hinzugefügt werden Sie können auch zulassen, dass sich einige Formen überlappen. Durch Überlappungen können Tiefe, Verbundenheit und interessantere visuelle Beziehungen geschaffen , Verbundenheit und interessantere visuelle Beziehungen Und schließlich: Lassen Sie einige Formen über den Rand hinaus fortbestehen. Zuschneiden entsteht Bewegung, und die Komposition fühlt sich an, als ob sie sich außerhalb des Rahmens fortsetzt Wenn Sie genug mit all den Formen und Variationen gespielt haben , fügen Sie sie alle zusammen, und Sie haben Ihre Formenbibliothek visuellem Vokabular , zu dem Sie zurückkehren können , wenn Sie mit einem neuen Kunstwerk beginnen Sobald Ihre Formenbibliothek fertig ist, der nächste Schritt darin, sich zu fragen , was Sie sagen möchten. Vielleicht möchten Sie einen Ort, ein Objekt, eine Erinnerung, eine Emotion oder ein bestimmtes Thema darstellen Objekt, eine Erinnerung, eine , oder Sie möchten einfach Formen erkunden , ohne etwas Bestimmtes darzustellen. Es gibt keine Regeln dafür , wie Ihre Idee aussehen muss. Es ist nur so, dass Sie ein paar Minuten damit verbringen müssen, zu entscheiden, was Sie kommunizieren möchten. Sobald Sie wissen, was Sie ausdrücken möchten, können Sie zur Formenbibliothek zurückkehren und sich fragen , welche Formen mir helfen können, meine Idee zu vermitteln. Und sobald Sie beginnen, der Idee , die Sie vermitteln möchten, verschiedene Formen zuzuordnen der Idee , die Sie vermitteln möchten, verschiedene Formen , einfache Geometrie zu einer visuellen Sprache Hier sind nun ein paar Beispiele dafür, wie Sie eine Idee in eine geometrische Komposition umsetzen können eine Idee in eine geometrische Komposition umsetzen Hier verwende ich organische Formen, vertikale Formen und geschichtete Pflanzgefäße, um einen Garten zu suggerieren Für eine Wüstenlandschaft reichen weite Landformen, ein Kaktus und eine einfache Sonne aus, ein Kaktus und eine einfache Sonne aus, um den Sonnenuntergang zu bestimmen Und hier lassen geschichtete Wellen und ein starker vertikaler Leuchtturm sofort auf eine Meereslandschaft schließen Hier werden die große Tasse und die Kaffeekanne zu einem männlichen Element, während die umgebende Form an den Tisch und den Raum um sie herum erinnert. Und hier wird der geometrische Schmetterling zum Symbol der Transformation, und mithilfe von Symmetrie, Skalierung und eckigen Formen können wir Veränderung und Bewegung suggerieren Und manchmal muss man nicht einmal etwas Literarisches repräsentieren Änderungen in Maßstab, Richtung und Bewegung können einfach auf eine Idee hindeuten. Meine Ausgangsidee für das Hauptkunstwerk war der Phönix, der aus dem Feuer aufersteht. Anstatt also sofort zu versuchen, einen detaillierten Phönix zu zeichnen , habe ich die Idee in einfachere Elemente aufgeteilt: Körper, Flügel, Kopf, Schwanz, Flammen und die umliegende Landschaft. Ich habe ganz klein angefangen und kleine Kästchen in meinem Skizzenbuch verwendet. In diesem Stadium denke ich überhaupt nicht an kleine Markierungen. Ich spiele nur mit den Formen und frage mich immer wieder, wo sollte mein Schwerpunkt liegen? Wie sollen sich die Formen durch die Komposition bewegen? Ich mache mehrere Versionen, anstatt zu versuchen, es gleich beim ersten Mal richtig zu machen Ich verschiebe Formen, ändere ihre Größe, drehe sie, überlappe sie und entferne sie manchmal ganz. Das ist eigentlich nur eine weitere Art , die Formenbibliothek zu verwenden , nur dass ich jetzt versuche, eine bestimmte Idee zu vermitteln. Irgendwann fühlt sich ein Layout richtig an, und das ist das, was ich meiner Abschlussarbeit weiterentwickle. Und selbst dann lese ich das Vorschaubild nicht als Regelwerk Es ist einfach ein Ausgangspunkt, mir zunächst genug Struktur gibt Jetzt können Sie den gleichen Prozess ausprobieren. Erstellen Sie zunächst Ihre Formenbibliothek, wählen Sie dann eine Idee aus, die Sie untersuchen möchten, und erstellen Sie dann einige Miniaturansichten . Und wenn Sie eine klare Vorstellung davon haben, was Sie tun möchten, erstellen Sie das Kunstwerk auf genau der Papiergröße , auf der Sie Ihre endgültige Komposition haben möchten 4. Farbe, Stimmung und Bedeutung: Zu diesem Zeitpunkt habe ich meine Komposition fertiggestellt und sie auf Papier im Format AFI gezeichnet Es ist eine funktionierende Version , die mir hilft, genau zu sehen , wohin alles führen wird, bevor ich mit der endgültigen Arbeit beginne Ich nutze die Bühne, um meine Hauptfarbpalette auszuarbeiten und zu entscheiden , wo diese Farben in der Komposition platziert werden sollen. Jetzt möchte ich, dass sich der Phönix und das Feuer als Energiequelle in der Komposition anfühlen Deshalb verwende ich warme Farben wie Rot, Orange und Gelb. Diese Farben werden auch dazu beitragen, die Idee von Wärme, Bewegung und Transformation zu verstärken . Ich werde die Umgebung kühler halten , indem ich blaue und dunklere Frühtöne verwende , damit die warmen Farben etwas gegen sie haben. Ich muss zu diesem Zeitpunkt nicht das gesamte Kunstwerk einfärben. Ich markiere einfach die Hauptfarben, damit ich weiß, wo die Dinge genau hingehören, wenn ich anfange, das Kunstwerk mit den kleinen Linien auszufüllen . Bevor wir zum nächsten Schritt übergehen, wollen wir uns ein wenig Zeit nehmen, um zu verstehen, wie wir Farben bewusst einsetzen können. Ich betrachte Farbe gerne als eine weitere Sprache in Ihrem Kunstwerk. Sie kann uns sagen, wie wir uns fühlen, wo wir suchen müssen und manchmal sogar, wie wir uns durch eine Komposition bewegen sollen. Es kann Teil der Art und Weise werden, wie Sie Ihre Idee kommunizieren. Sie also bei der Auswahl Ihrer Farben darüber nach, Denken Sie also bei der Auswahl Ihrer Farben darüber nach, was sie bewirken sollen. Eine Farbe kann eine Person an Energie und eine andere Person an Komfort erinnern . Es kann sich je nach Kontext und den Farben um es herum völlig anders anfühlen . Verwenden Sie also die Farbtheorie als Ausgangspunkt, achten Sie aber auch auf Ihre eigene Assoziation und die Idee, die Sie vermitteln möchten. Nun, wenn es um die Auswahl von Farben geht, gibt es wirklich keine magische Zahl. Sie können eine wunderschöne Komposition mit nur zwei oder drei Farben erstellen , oder Sie können sogar eine größere Palette verwenden, um mehr Abwechslung zu erzielen und ein reichhaltigeres und umfassenderes Gefühl zu erzeugen ein reichhaltigeres und umfassenderes Aber wenn Sie jemand sind, der die Farbauswahl überwältigend findet, würde ich Sie ermutigen, klein anzufangen Eine begrenzte Farbpalette kann die Entscheidungsfindung erheblich erleichtern und dazu beitragen, dass sich Ihr Kunstwerk bewusster anfühlt Eine einfache Möglichkeit, über Farbbeziehungen nachzudenken , sind warme, kühle und neutrale Farben Warme Farben können Energie und Wärme bringen. Kühle Farben können ein leiseres oder fadenscheinigeres Gefühl erzeugen , und neutrale Farben können dem Auge einen Ort geben, an dem Anstatt also zu denken, dass jede Farbe die gleiche Bedeutung haben muss, sollten Sie Ihrer Farbe unterschiedliche Rollen zuweisen Sie können eine dominante Farbe haben , die den größten Teil des visuellen Gewichts trägt und Farben unterstützt, die für Ausgewogenheit sorgen können, und eine kleinere Akzentfarbe, die Energie verleiht oder Aufmerksamkeit erregt. Jetzt wird Farbe erst richtig interessant, wenn wir darüber nachdenken, wo wir sie platzieren wollen. Starke Farben vor einem ruhigen Hintergrund können sofort zum Blickfang werden . Wenn Sie jedoch dieselbe Farbe an verschiedenen Stellen des Kunstwerks wiederholen , entsteht dadurch eine visuelle Verbindung und die Komposition fühlt sich einheitlich Farbe kann den Betrachter auch durch das Kunstwerk führen. Sie können von einer leiseren zu einer kräftigeren Farbe wechseln, mit einer neutralen Farbe eine Pause einlegen und dann wieder Kontrast erzeugen und dann wieder Kontrast Auch wenn sich die Form selbst nicht bewegt, kann Ihre Farbauswahl ein Gefühl von Reise vermitteln Bevor Sie Ihre Farbpalette planen, können Sie sich eine der Fragen stellen Was benötigt dieser Teil meines Kunstwerks? Vielleicht braucht es Energie, vielleicht braucht es Raum, vielleicht braucht es Wärme oder Ausgeglichenheit. Diese einfache Veränderung kann Farbe von der bloßen Füllung von Formen zu einer Art machen , deine Geschichte zu erzählen. Bevor Sie nun anfangen, all die kleinen Formen mit Farbe zu füllen , empfehle ich Ihnen dringend, eine schnelle Farbkarte zu erstellen. Das finde ich unglaublich nützlich denn wenn sie an einem kleinen Abschnitt nach dem anderen arbeiten , ist es sehr leicht, die gesamte Komposition aus den Augen zu verlieren. einer Farbkarte können Sie einen Schritt zurücktreten und das Gesamtbild betrachten, bevor Sie sich entscheiden. Probieren Sie zwei oder drei Schnellversionen aus, ändern Sie die dominante Farbe, ändern den Akzent oder machen Sie die Palette wärmer oder kühler. Denken Sie daran, dass Sie nicht nach der richtigen Version suchen. Sie testen einfach, was sich für Ihr Kunstwerk richtig anfühlt. Und schließlich, wenn Sie einige der Grundideen verstanden haben, machen Sie sich die Palette zu eigen. Denken Sie an die Farben, zu denen Sie sich von Natur aus hingezogen fühlen. Denken Sie an Orte, an denen Sie gewesen sind, an Dinge, an die Sie sich erinnern, an Farben, die Sie mit einem bestimmten Gefühl oder einer Zeit in Ihrem Leben verbinden einem bestimmten Gefühl oder einer Zeit in Ihrem Leben Vielleicht wählst du eine Farbe aufgrund dessen, was die Farbtheorie über sie aussagt , oder einfach, weil du es liebst, sie neben einer anderen Farbe zu sehen. Es muss keine richtige Antwort geben. Verwenden Sie diese Ideen als Rahmen, experimentieren Sie ein wenig und vertrauen Sie dann Ihrem eigenen Auge. Das ist der Zeitpunkt, an dem dein Kunstwerk wirklich zu deinem wird. 5. Von der Idee zum Kunstwerk: Jetzt, wo ich meine Komposition geplant habe, werde ich mit der Arbeit an dem endgültigen Stück beginnen. Ich beginne damit, das Papier in kleinere Abschnitte zu unterteilen. Diese Abschnitte sind jeweils einen halben Zentimeter groß. Ich mache kleinere Abschnitte, weil ich möchte, dass das endgültige Muster fein und detailliert aussieht Wenn Sie jedoch ein offeneres Muster bevorzugen oder an einem größeren Blatt arbeiten, können Sie diese Unterteilungen etwas vergrößern. Es gibt keine richtige Größe für die Verwendung. Das hängt von der Art des endgültigen Looks ab, den Sie kreieren möchten. Ich beginne mit dem Phönix, dem Hauptelement meiner Komposition. Ich möchte, dass er der Mittelpunkt des Kunstwerks ist, also gebe ich ihm genügend Platz um sich von den umgebenden Formen abzuheben. Ich versuche hier nicht, einen realistischen Vogel zu zeichnen. Stattdessen vereinfache ich die Form und baue sie mit geometrischen Formen Ich möchte ihr ein Origami-inspiriertes Aussehen geben, also baue ich die gesamte Form mit Dreiecken und scharfen Anstatt jedes Teil einzeln zu zeichnen, lasse ich die Formen jetzt verbinden und überlappen, sodass der Vogel entsteht Ich achte auch auf die Richtung der Formen. Die spitzen Formen tragen dazu bei, ein Gefühl von Bewegung zu erzeugen und dem Phönix das Gefühl zu geben, als würde er aufsteigen. Wenn Sie nun Ihre eigene Komposition zeichnen, denken Sie darüber nach, wie Sie Ihr Motiv auf ähnliche Weise vereinfachen können . Sie müssen etwas nicht genau so zeichnen , wie es im wirklichen Leben aussieht. Betrachten Sie es zunächst anhand seiner Grundformen. Überlegen Sie, welche Formen Sie verwenden können, wie sie sich überschneiden könnten und wie die Richtung dazu beitragen kann, Ihre Idee zum Ausdruck zu bringen. Manchmal vermitteln ein paar einfache Formen viel mehr als eine komplizierte Zeichnung. Und genau das macht diese Art des abstrakten Zeichnens für mich so interessant. Du zeichnest nicht einfach ein Objekt, du erkundest, wie weit du seine Form vereinfachen und gleichzeitig seinen Charakter und seine Bewegung beibehalten kannst seine Form vereinfachen und gleichzeitig . Sobald ich mit der Hauptform des Phönix zufrieden bin, fange ich an, das Feuer um ihn herum aufzubauen. Für das Feuer verwende ich Dreiecke unterschiedlicher Größe und Proportionen Einige sind lang und schmal während andere kurz und breiter sind Ich lasse die Formen überlappen und richte es in verschiedene Richtungen, sodass sich das Feuer anfühlt, als würde es sich bewegen, anstatt still zu stehen. Ich verbinde das Feuer auch mit dem Phönix, um zu zeigen , dass sie Teil derselben Bewegung sind. Sobald die Hauptelemente an ihrem Platz sind, fange ich an, mir den Rest der Seite anzusehen. Ich suche nach Bereichen, in denen eine andere Form dazu beitragen könnte, Ihre Komposition auszubalancieren, und ich suche auch nach Stellen, an denen ich etwas Platz lassen kann. Weißt du, es ist leicht zu glauben, dass jeder leere Bereich gefüllt werden muss, besonders wenn du mit einem abstrakten Muster arbeitest. Aber ich möchte nicht, dass die gesamte Seite um Aufmerksamkeit konkurriert. Ich möchte, dass der Phoenix im Mittelpunkt bleibt und das Feuer ihn unterstützt. Deshalb werde ich einige große geometrische Formen in den Hintergrund zeichnen einige große geometrische Formen in , indem ich eine Mischung aus Rechtecken, Würgen und anderen einfachen Das hilft, die verschiedenen Teile der Komposition miteinander zu verbinden , ohne dass sich alles gleich wichtig anfühlt Gehen Sie bei der Arbeit an Ihrer eigenen Komposition immer wieder einen Schritt zurück und schauen Sie sich die gesamte Seite an Eine Form mag für sich genommen interessant aussehen, aber was zählt, ist, wie sie mit allem um sie herum funktioniert Sie müssen nicht jedes Feld ausfüllen. Manchmal macht es die Komposition stärker, wenn etwas weggelassen wird. Und wenn Sie diesem speziellen Design folgen, sollten nicht das Gefühl haben, dass Sie jede Form genau so reproduzieren müssen , wie ich sie gezeichnet habe. Sie können die Proportionen des Phönix ändern, das Feuer vergrößern, mehr Dreiecke hinzufügen oder sogar dafür sorgen , dass sich das Feuer auf der Seite ausbreitet Sie können auch einige der Hintergrundelemente durch Ihre eigenen Formen ersetzen der Hintergrundelemente durch Ihre eigenen Formen Die Idee ist, dies als Ausgangspunkt zu verwenden und eine Version zu finden , die sich wie Ihre eigene anfühlt. Jetzt, wo die Basis fertig ist, fange ich an, die Abschnitte auszufüllen. Ich beginne mit einer Ecke, da es einfacher ist, die Linienrichtung beizubehalten , wenn Sie mit einer Ecke beginnen. Ich beginne mit Braun, da es eine dieser Hintergrundformen ist. Jetzt beginnt das Muster mit etwas sehr Einfachem, einer kurzen, schrägen Linie, und dann ziehe ich immer wieder eine Linie nach der Ich versuche, den Winkel und den Abstand ziemlich konstant zu halten , während ich die Bewegung weiter wiederhole Ich möchte, dass die Linien gleichmäßig nebeneinander liegen, also versuche ich, einen gleichbleibenden Abstand zwischen ihnen einzuhalten . Nun, sie müssen nicht exakt identisch sein, aber wenn der Abstand gleich bleibt , sieht ein Muster ausgewogen aus. Ich behalte auch die Kanten der Form im Auge und stelle sicher , dass jede Linie innerhalb der Grenzen des jeweiligen Abschnitts bleibt . Sobald die ersten Linien fertig sind, fange ich an, die ersten Schnittlinien mit der nächsten zu verbinden , indem ich diagonal gegenüberliegende Ich beginne am Ende einer Linie und ziehe in Richtung der benachbarten Linie, um eine kleine V-förmige Verbindung herzustellen Ich mache weiter, eine Linie nach der anderen, und achte darauf, dass jede neue Linie einem ähnlichen Winkel und einer ähnlichen Richtung folgt. ich diese Linien weiterführe, können Sie sehen, wie sich die einzelnen Markierungen allmählich zu einem Heringsknochenmuster zusammenfügen Nachdem ich den ersten Abschnitt beendet habe, gehe ich zum nächsten über. Ziel ist es, dieselbe Hin- und Herbewegung beizubehalten. Also zeichne ich zunächst die schrägen Linien und baue sie dann nach und nach zu demselben zusammenhängenden Muster zusammen Bevor ich mit einem neuen Abschnitt beginne, nehme ich mir immer einen Moment Zeit, um mir den vorherigen Abschnitt anzusehen und zu entscheiden , welcher Richtung die Linie folgen soll Dies hilft mir, den Rhythmus des Musters beizubehalten , ohne einen Fehler bei der Richtung zu machen . Wenn Sie sich also nicht sicher sind welche Richtung die nächste Linie gehen soll, versuchen Sie, der Bewegung mit Ihrem Finger oder Stift direkt über dem Papier zu folgen , bevor Sie sie tatsächlich zeichnen. Wenn ich dieses Muster zeichne, versuche ich, mich nicht zu sehr darauf einzulassen, wie das fertige Kunstwerk aussehen wird. Es ist sehr einfach, weiter vorauszudenken, weißt du, über den nächsten Abschnitt, die Farben oder wie viel Arbeit noch übrig ist. Aber wenn ich das mache, neige ich dazu, aus den Augen zu verlieren, was ich eigentlich tue. Also lenke ich meine Aufmerksamkeit wieder auf die Zeichnung. Ich betrachte die Linie vor mir, mache die nächste Markierung und mache weiter. Wenn meine Gedanken abschweifen, ich einfach zum Muster zurück Ich werde nicht frustriert über mich selbst oder verliere den Fokus. Ich fange einfach wieder mit der nächsten Zeile an, und das ist es, was Achtsamkeit wirklich bedeutet Ich versuche nicht, mich zu zwingen, mit dem Denken aufzuhören. Ich schenke meiner Aufmerksamkeit einfach etwas Kleines und Greifbares, zu dem ich zurückkehren kann. Während ich die Abschnitte weiter ausfülle, können Sie sehen, wie die einfachen schrägen Linien nicht nur Farbe hinzufügen, sondern auch angefangen haben, Textur zu erzeugen Hätte ich jede Form mit einer einfarbigen, flachen Farbe eingefärbt, hätte das Kunstwerk ganz anders ausgesehen Aber durch die Verwendung dieser wiederholten Markierungen habe ich eine Detailebene eingeführt, die diesen Formen eine viel kompliziertere Oberfläche verleiht Wenn die Linien näher beieinander liegen, erscheint das Muster dunkler und kompakter Wenn sie leicht voneinander entfernt sind, die einzelnen Markierungen besser sichtbar Wenn Sie also etwas ausfüllen, können Sie auch mit den Abständen spielen Sie können einige Abschnitte dichter machen, indem die Linien sehr nahe beieinander ziehen, während Sie in anderen eine Lücke lassen können. Das könnte dem Muster ein ganz anderes Aussehen verleihen und kann einen Versuch wert sein. Schließlich gibt es keine Regeln, wenn es um kreatives Üben geht. Sie können experimentieren, Ihr eigenes Ausprobieren ausprobieren und herausfinden, was am besten funktioniert. Der Prozess und das Kunstwerk sollten dich glücklich machen. Die Farben, die Sie wählen, sollten erzählen, was Sie ausdrücken möchten Folgen Sie also Ihrem Instinkt und sorgen Sie sich nicht darum, Fehler zu machen oder Fehler zu machen Beim Zeichnen werden Sie feststellen, dass einige Bereiche leichter zu füllen sind als Bei den Zwischenräumen, in denen sich verschiedene Formen überschneiden oder wo die Formen schmal werden, müssen Sie etwas mehr darauf achten , wie sich die Linien durch diesen Abschnitt bewegen Bitte denken Sie daran, dass Sie nicht jeden Abschnitt im gleichen Tempo durchlaufen Wenn Sie mit wiederholtem Markieren noch nicht vertraut sind, werden Sie vielleicht feststellen, dass Sie sich nach einer Weile unruhig fühlen Sie setzen immer wieder dasselbe Zeichen, und vielleicht fragt sich ein Teil von Ihnen , wie lange es noch und vielleicht fragt sich ein Teil von Ihnen dauern wird oder ob Sie tun könnten Und das ist ganz natürlich. Wir sind es so gewohnt, schnell von einer Sache zur anderen zu wechseln , dass es sich zunächst ungewohnt anfühlen kann, eine Weile bei einer einfachen Handlung zu bleiben , aber wenn Sie ihr etwas Zeit geben, werden Sie sehen, wie es sich beruhigend anfühlt Es entwickelt sich ein bestimmter Rhythmus. Du machst eine Markierung, dann eine weitere, und allmählich beginnt deine Hand, ihr eigenes Tempo zu finden. Sie müssen nicht ständig entscheiden, was Sie als Nächstes tun möchten , da Ihnen die Grundbewegung bereits vertraut ist. Das gibt Ihnen etwas mehr Spielraum um auf die Details, die Richtung der Linie, den Abstand zwischen den Markierungen und die Art und Weise, wie sich das Muster entwickelt, zu achten Richtung der Linie, den Abstand zwischen den Markierungen und die Art und Weise, . Und vor allem ist es dieser Ruf und diese Vertrautheit, die Sie in eine meditative Und wenn Sie sich gleichzeitig ungeduldig fühlen, zwingen Sie sich nicht, weiterzumachen Sie können eine kurze Pause einlegen und zurückkehren, wenn Sie bereit sind. Die Idee ist nicht, sich etwas durchstehen zu lassen , das Ihnen keinen Spaß macht. Es geht darum, sich selbst die Möglichkeit zu geben, zu erleben, was passiert, wenn Sie langsamer und etwas länger bei einer Sache bleiben. Und wenn ihr das tut, werdet ihr vielleicht eine Veränderung in der Art und Weise feststellen , wie ihr den Fortschritt betrachtet. Wenn wir uns das gesamte Kunstwerk ansehen, besonders wenn es noch unvollendet ist, kann es sich anfühlen, als ob noch so viel zu tun bleibt Wenn Sie sich jedoch wieder auf den Abschnitt konzentrieren , an dem Sie gerade arbeiten, können Sie sehen, wie der Fortschritt genau dort stattfindet Das sind kleine Änderungen, aber es sind echte Veränderungen. Und wenn Sie immer wieder zur Arbeit zurückkehren, beginnen sich diese kleinen Veränderungen anzusammeln. Irgendwann fangen die Abschnitte an, miteinander zu verbinden, und etwas, das früher nur als Gliederung existierte , nimmt allmählich seinen eigenen Charakter an. Sie also, Ihren Fortschritt bei der Arbeit Versuchen Sie also, Ihren Fortschritt bei der Arbeit nicht nur daran zu messen , wie viele Seiten Sie fertig gestellt haben. Beachten Sie die Abschnitte, die Sie abgeschlossen haben, den Rhythmus, den Sie zu finden beginnen, die Art und Weise, wie Sie sich mit Wiederholungen vertraut gemacht haben, und das Gefühl, das Sie bei der Bearbeitung des Kunstwerks Jetzt gehe ich zum Feuer und werde dem gleichen Farbschema folgen wie beim Phönix Ich werde ein Gelb, zwei verschiedene Rottöne und ein Orange verwenden . Ich werde diese warmen Farben auf die dreieckigen Bereiche des Feuers verteilen auf die dreieckigen Bereiche des Feuers Gelb sorgt für mehr Helligkeit, während Rot und Orange für einen Kontrast zwischen den Formen sorgen Jetzt befolge ich keine strikte Regel , welche Farbe wohin gehört. Ich schaue mir die benachbarten Formen an und entscheide, wie die Farben zusammenwirken können. Wenn sich beispielsweise zwei Dreiecke treffen, verwende ich möglicherweise unterschiedliche Farben um die Grenzen besser sichtbar zu machen Wenn Sie mehr warme Farben in einem ähnlichen Bereich haben, können Sie diese verwenden, um zusätzliche Variationen zu erzielen Sie können ein tieferes Rot, ein helleres Orange oder einen anderen Gelbton einführen . Wenn Sie möchten, können Sie mit Blau, Violett oder Grün eine völlig andere Interpretation erstellen eine völlig andere Interpretation mit Blau, Violett oder Grün Ich meine, Sie müssen nicht die traditionellen Feuerfarben verwenden die traditionellen Feuerfarben Aber das Einzige, was ich in Betracht ziehen würde, ist den Phönix und das Feuer innerhalb des entsprechenden Farbschemas zu halten . Da sie zu derselben visuellen Geschichte gehören, kann die Verwendung verbundener Farben dazu beitragen, Ihre Idee zu stärken. Bei der Arbeit werden Sie wahrscheinlich kleine Unterschiede in Ihren Noten feststellen. Eine Zeile ist möglicherweise länger als die andere, andere Abstände können sich geringfügig ändern. Manchmal entspricht ein Segment dem vorherigen nicht genau so, wie Sie es beabsichtigt haben. Wenn das passiert, versuche ich nicht, jeden Unterschied zu korrigieren , denn obwohl ein Wiederholungsmuster eine gewisse Konsistenz erfordert, muss es mechanisch nicht perfekt sein. Was zählt, ist der Gesamtrhythmus der Markierungen und wie sie zusammenarbeiten. Versuchen Sie also, aufmerksam zu sein, ohne jede Zeile, die Sie machen, zu kritisch zu betrachten. Sie müssen das Muster nicht verwerfen, nur weil einige Linien nicht so ausfallen , wie Sie es erwartet haben Manchmal ist es am besten , einfach weiterzumachen. Sobald ich die Hauptelemente durchgearbeitet habe, fange ich an, die verbleibenden Hintergrundbereiche auszufüllen. Ich verwende Blau, um einen Kontrast zu den wärmeren Farben des Phönix und des Feuers zu schaffen . Das Blau hebt das Gelb hervor und verleiht der Komposition einen kühleren Bereich, um die Wärme auszugleichen. verwende ich auch verschiedene Brauntöne In einigen anderen Abschnitten , um weitere Variationen einzuführen. Während ich weiter an diesem Stück gearbeitet habe, habe ich einige Änderungen am Hintergrund vorgenommen. Ursprünglich hatte ich geplant, etwas Leerraum zu lassen und hatte auch einige zusätzliche Hintergrundbereiche hinzugefügt. Aber als sich die farbigen Bereiche weiterentwickelten, hatte ich das Gefühl, dass die Komposition etwas zu umfangreich wurde. Ich wollte, dass der Phönix und das Feuer weiterhin im Mittelpunkt stehen, und einige der zusätzlichen Abteilungen lenkten die Aufmerksamkeit von ihnen ab. Also beschloss ich, einige dieser Hintergrundbereiche zu entfernen und das Blau mehr Platz einnehmen zu lassen . Dadurch wurde ein kontinuierlicherer Hintergrund geschaffen und die helleren Formen konnten besser zur Geltung kommen. Ich denke, es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass Ihr ursprünglicher Plan nicht während des gesamten Prozesses unverändert bleiben muss . Manchmal versteht man erst, was eine Komposition braucht, wenn man anfängt, sie auszufüllen. Ein Abschnitt, der in der Rohzeichnung notwendig erscheint , kann sich später als Ablenkung anfühlen Möglicherweise stellen Sie fest , dass ein Bereich mehr Freiraum benötigt oder dass das Hauptthema klarer wird, wenn Sie etwas vereinfachen Wenn Sie also Ihr Kunstwerk erstellen, diese Änderungen gerne vornehmen Sie müssen nicht etwas behalten, nur weil es Teil Ihres ursprünglichen Plans war, und Sie müssen nicht ständig Details hinzufügen , nur weil Speicherplatz verfügbar ist. hin und wieder einen Schritt zurück und schauen Sie sich die gesamte Komposition an. Achten Sie darauf, was Ihre Aufmerksamkeit auf sich zieht, ob das Hauptmotiv hervorsticht und ob sich Bereiche unnötig überfüllt anfühlen Manchmal hilft es, etwas hinzuzufügen, und manchmal macht es das Kunstwerk stärker, wenn etwas entfernt Ich werde die verbleibenden Abschnitte mit demselben Verfahren weiter bearbeiten . Und wenn alle Abschnitte gefüllt sind, sieht es so aus. Was als einfaches Zeichnen von Formen begann , wurde durch die Wiederholung einer grundlegenden Markierung allmählich zu etwas viel Komplizierterem etwas viel Komplizierterem Mir gefällt sehr, wie sich der Phönix vom Blau abhebt und wie sich die warmen Farben im Feuer darunter durchsetzen Nun, hier sind einige andere Beispiele. In diesem Beispiel habe ich Stift und Pfad als Hauptelement verwendet und die restlichen Formen stehen für Hindernisse und Widerstandsfähigkeit Ich verwende das Spiel von hellen und dunklen Farben, um zu zeigen, dass es bei Widerstandsfähigkeit nicht nur Es geht auch um Momente des Lichts, des Wandels und der Möglichkeiten, die damit einhergehen . Ich habe hier auch ziemlich viel negativen Raum gelassen, sodass der Pfad viel sichtbarer wird und es Raum zum Atmen gibt . In diesem Fall wollte ich mich nicht auf ein Heldenelement konzentrieren, sondern mit Einschränkungen spielen. Also habe ich eine begrenzte Farbpalette und auch begrenzte Formen verwendet , um eine Komposition zu kreieren , die sich kontinuierlich und dicht anfühlt. In diesem Muster wollte ich eine einfache abstrakte Interpretation einer Stadt schaffen eine einfache abstrakte Interpretation einer , ohne sie viel zu realistisch zu zeichnen Also mach weiter und erstelle deine eigene Version. Es kann so direkt oder abstrakt sein, wie Sie möchten. Ziel ist es, es in Grundformen zu vereinfachen und mit einer Markierung nach der anderen zu verlangsamen. 6. Schlussgedanken: Vielen Dank, dass du diese Zeit mit mir verbracht hast. Wir stellen uns Fortschritt oft als etwas Großes und Offensichtliches vor, aber meistens ist er viel leiser Er zeigt sich, tut ein bisschen , kommt morgen wieder und tut ein bisschen mehr den meisten Fällen, genau wie bei diesen Markierungen, In den meisten Fällen, genau wie bei diesen Markierungen, sieht es isoliert vielleicht nicht nach viel aus, bis Sie einen Schritt zurücktreten und erkennen, wie weit sie Sie gebracht haben. Seien Sie also geduldig mit Ihrem Prozess und denken Sie daran, dass sich Ihre kleinen Anstrengungen nicht nur auf dem Zeichenbrett, sondern im Leben zeigen werden . Ich würde gerne sehen, was Sie erstellt haben, also teilen Sie Ihre Arbeit in der Projektgalerie. Wenn Ihnen dieser Kurs gefallen hat, dann schauen Sie sich meine anderen Skillshare-Kurse an, in denen wir weiterhin achtsame Zeichenmuster und kreative Praktiken auf unterschiedliche Weise untersuchen und kreative Praktiken auf unterschiedliche Weise Und vergiss nicht, mir hier auf Skillshare zu folgen , damit du über meine bevorstehenden Kurse auf dem Laufenden bleibst Du kannst auch auf Instagram mit mir in Verbindung bleiben Wenn du mehr über meine Arbeit erfahren möchtest, kannst du meine Website besuchen, auf der du meine Kunstwerke, Drucke, Workshops und andere kreative Angebote findest Drucke, Workshops und andere kreative Angebote Nochmals vielen Dank, dass du bis zum nächsten Mal mit mir kreiert hast. Zeichne weiter, erkunde weiter und vertraue weiterhin den kleinen Stielen