Filmtechniken: Erstelle cinematische Kompositionen

1. Kurseinführung: Das Erstellen filmischer Kompositionen muss nicht kompliziert sein Sie benötigen keine komplexen Netze. Anleitungen oder eine Zauberformel für effektives Geschichtenerzählen. In diesem Kurs werde ich einige Dinge für Sie klären. Das macht den Prozess der Erstellung von Kompositionen erheblich einfacher. Ziele in den Bereichen Fotografie und Kinematografie zu haben , die tatsächlich greifbar und erreichbar sind Ich bin Sean Dykink. Ich arbeite seit 2005 im Bereich Filmemachen Und ich hatte stundenlange Erfahrung in der Analyse von Kompositionen und deren Beitrag zum Geschichtenerzählen In diesem Kurs dreht sich alles um Rahmung und Komposition und darum , wie man Kompositionstechniken einsetzt, um eine Geschichte effektiv zu erzählen Egal, ob Sie ein aufstrebender Fotograf oder Kameramann mit etwas oder vielleicht keiner Erfahrung sind oder vielleicht Dieser Kurs ist für dich. Sie werden lernen, wo Sie anfangen müssen, wenn es darum geht, Strategien für effektives Storytelling zu formulieren und zu komponieren , um ein tieferes Verständnis einiger dieser Kompositionsregeln zu erlangen , von denen Sie vielleicht Am Ende dieses Kurses werden Sie mit einer praktischen Strategie ausgestattet sein, werden Sie mit einer praktischen Strategie ausgestattet sein wenn es darum geht, Storytelling anzugehen, zu gestalten und zu komponieren Lassen Sie uns damit in die Klasse eintauchen 2. Kursprojekt: Vielen Dank, dass Sie an diesem Kurs teilgenommen haben. Ich freue mich sehr , Teil Ihrer Reise zum Filmemachen sein Teil Ihrer Reise zum Filmemachen Lassen Sie uns über das Projekt für diesen Kurs sprechen. Ihr Projekt kann wirklich so komplex oder so einfach sein , wie Sie möchten. Nehmen Sie ein Foto auf, nehmen Sie mehrere Fotos auf, erstellen Sie eine kurze Sequenz mit drei Aufnahmen . Stellen Sie einfach sicher, dass Sie das Gelernte demonstrieren und, wo möglich, den Denkprozess hinter Ihrem Projekt einbeziehen . Eine Sache, die Sie beachten sollten, ist, dass viele Lektionen zu Unterrichtsübungen anregen, und selbst diese einzelnen Übungen können zu Ihrem Klassenprojekt beitragen. Diese kurze Zeitrafferaufnahme stammt zum Beispiel aus der Übung Acht und könnte als mein Klassenprojekt verwendet werden Und auch hier muss dies nicht im Zeitraffer geschehen. Es könnte nur ein einzelnes Bild sein. Nicht jede Klassenübung muss ein großes Meisterwerk sein. Aber wenn Sie sich von einer Klassenübung inspirieren lassen und daraus ein Klassenprojekt erstellen möchten . Und ich möchte Sie dazu ermutigen. Du wirst besser darin werden, Filme zu machen, wenn du rausgehst und es tust Je mehr Sie also in den Unterricht und die gesamte Klasse investieren, desto mehr werden Sie davon profitieren. Übungen zum Filmemachen müssen kein Meisterwerk sein. Es kann so einfach sein, wie mit Ihrem Smartphone an Framing und Komposition zu arbeiten mit Ihrem Smartphone an Framing und Komposition und einfach Fotos zu machen Das bringt mich zu dem , was du brauchen wirst. Wenn Sie eine Kamera haben, die ein Video aufnehmen kann , ist das großartig. Jede Kamera eignet sich für Ihre Videokamera, Ihre DSLR, ein Telefon Wenn ich inspiriert werde, eine Idee zu entwickeln, oder wenn ich ein Bild habe, das ich testen möchte , und ich habe keine Kamera und nicht einmal mein Handy, um einfach meine Finger als Rahmen zu verwenden und die Bilder in meinem Kopf aufzunehmen, die beste Kamera zum Fotografieren ist die beste Kamera zum Fotografieren die, die Sie dabei haben. Auch wenn das bedeutet, dass du deine Hände benutzen musst um Rahmen wie den großartigen Steven Spielberg zu kreieren Es ist wichtig, beim Lernen SPASS zu haben. Nehmen Sie sich also nicht zu ernst und versuchen Sie, den Prozess zu genießen. Wenn es Ihnen nicht gefällt, machen Sie eine Pause und kehren Sie mit einer neuen Perspektive oder einem bestimmten Ziel darauf zurück. Ich werde nicht in jeder einzelnen Lektion zu Übungen auffordern, aber das heißt nicht, dass du nicht rausgehen und diese Theorien und Techniken ausprobieren kannst , während wir gehen. Es ist niemals Zeitverschwendung. Diese Lektionen sind Übungen. Es wird deine Erfahrung beschleunigen und dich dazu bringen, ein besseres Filmemachen zu werden Ich möchte Sie daher nachdrücklich ermutigen, es so praktisch und praktisch wie möglich zu machen praktisch und praktisch wie möglich zu Denn je mehr Sie wirklich in etwas investieren, desto mehr muss es sich auszahlen. Nachdem das geklärt ist, beginnen wir mit unserer ersten Lektion. 3. Visuelle Kommunikation: Es kann schwierig sein , zu entscheiden, welches visuelle Geheimnis für die Geschichte, die Sie erzählen Und es spielen so viele verschiedene Faktoren eine Rolle, wie ein Publikum das, was es auf dem Bildschirm sieht, interpretiert Und einige dieser Bilder können effektiver sein als In dieser Lektion werden wir also einige allgemeine Kriterien für den Umgang mit visueller Kommunikation durch Kinematografie untersuchen einige allgemeine Kriterien für Umgang mit visueller Kommunikation durch Kinematografie Und ja, das ist keine große Überraschung. Es kommt darauf an, die Geschichte zu erzählen. Und das ist es, was unsere Kinematographie leiten sollte unsere Kinematographie Und wirklich jeder Aspekt des Filmemachens . Wenn Sie sich einer Einstellung nähern, fragen Sie sich: Was versuche ich mit der Aufnahme zu vermitteln Und durch die Kinematografie können Sie eine Reihe von Dingen vermitteln durch die Kinematografie können Sie eine Reihe von Dingen Der Schock könnte darin bestehen, dass Sie Ihren Blick auf eine bestimmte Figur oder ein Objekt innerhalb des Bildes richten und damit vielleicht die Bedeutung dieser Person oder dieses Denkens dieser Person oder dieses Denkens Die Abkürzungen enthüllen lediglich die geografische Lage einer Szene, zeigen uns, wo ein Teil der Geschichte spielt , und helfen uns, einen Kontext zu schaffen Ein Schock kann den Charakter auch enthüllen , wer er ist und welchen Standpunkt er vertritt, und das erstreckt sich auch auf und das erstreckt sich seine Beziehung zu anderen Charakteren sowie auf seinen Status und seine Macht. Ein Schock kann auch dazu beitragen, wichtige Themen in Saving Private Ryan zu vermitteln , wichtige Themen in Saving Private Ryan Ein großes Thema, das sich durch den gesamten Film zieht , ist die Tragödie des Krieges Dies wird anhand der Kamerabewegungen, des Filmmaterials, der Verschlusszeit und einer Reihe anderer filmischer Elemente veranschaulicht der Verschlusszeit und einer Reihe anderer filmischer Eine Aufnahme kann auch Informationen vermitteln , die eine Reihe von Emotionen hervorrufen können Der Film Zodiac, das wäre Angst. Diese besondere Szene manipuliert die Gefühle des Publikums gegenüber unserem Protagonisten und dieser Nebenfigur, die Liste Um die Dinge einfach zu halten, und meiner Meinung nach ist die Einstellung, die eine Geschichte am besten erzählt, am effektivsten und die kann ein bisschen vage und möglicherweise ein bisschen frustrierend sein vage und möglicherweise ein bisschen frustrierend Aber in diesem Kurs werden wir uns eingehender mit den Einzelheiten dessen befassen , was das wirklich bedeutet Und ich hoffe, dass es durch einige Theorie und Techniken beim Filmemachen viel einfacher sein wird, das zu verstehen Also hier ist ein supereinfaches Beispiel , das ich gedreht habe und von dem ich hoffe, dass es diese Denkweise darüber verdeutlicht was man durch eine Aufnahme vermitteln möchte Wir haben diesen Typen , der auf sein Handy schaut und sieht, dass sein Bankguthaben nicht wirklich da ist. Wir waren wahrscheinlich alle dort. Der Stress, kein Geld zu haben. Okay, also ja, nichts allzu Verrücktes. Aber das ist Teil des Kurses. Wir wollen so viele dieser kleinen Bildsequenzen wie möglich filmen . So können wir weiter mit verschiedenen Ideen zum Geschichtenerzählen, verschiedenen Kompositionen und verschiedenen Arten von Aufnahmen experimentieren mit verschiedenen Ideen zum Geschichtenerzählen, verschiedenen Kompositionen und verschiedenen Arten von Aufnahmen Es kommt also wirklich alles auf diesen einen Schuss an. diesem Grund wollte ich das filmen, weil ich diesen Bereich unseres Hauses irgendwie mag und dachte, dass die Bar fast dem Gefängnis ähnelt Das hat mich dazu gebracht, über Themen nachzudenken, die mit dem Gefühl, gefangen zu sein , Und ich dachte, naja, was ist eine Sache, dass sich viele Menschen durch den Mangel an Finanzen gefangen fühlen Ich dachte, ich werde dieses Gefühl anhand einer kurzen Sequenz veranschaulichen . Ob Ihnen, dem Betrachter, diese Idee wirklich einfällt , alles beginnt mit dieser Absicht, mit der Vorstellung, was Sie durch die Aufnahme vermitteln möchten. Der nächste Schritt besteht darin, den Punkt zu identifizieren, der Sie interessiert. Der Interessenschwerpunkt ist das oder die visuellen Elemente in einer Aufnahme , die die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich ziehen sollen . Es muss sich nicht unbedingt um einen einzelnen Punkt mit dem Rahmen handeln. Es können mehrere Punkte sein. Und in diesem Fall geht es um eine Reihe von Dingen, die kommuniziert werden müssen, um eine Idee, um das Thema des Gefühls, sich eingeschränkt und gefangen zu fühlen, zu vermitteln sich eingeschränkt und gefangen zu fühlen Also ja, natürlich versuche ich, die senkrechten Stangen der Handläufe zu benutzen die senkrechten Stangen der Handläufe Und dann versuche ich auch, die Farben zu verwenden, das kühlere Außenlicht kontrastiert mit dem Licht , das aus einem anderen Raum kommt Und wenn ich mich außerhalb dieses warmen Lichts in den kühleren Farbtönen positioniere, erzählt das seine eigene Geschichte, denn die kühleren Farben können auf eine krasse Bildsprache hinweisen oder in diesem Zusammenhang eine Art von Isolation symbolisieren, und wenn man die Tiefe des Hintergrunds mit dem leeren Stühlen und Blumen auf dem Tisch einbezieht, entsteht auch diese Art von interessanter Bildsprache, bei der das seine eigene Geschichte, denn die kühleren Farben können auf eine krasse Bildsprache hinweisen oder in diesem Zusammenhang eine Art von Isolation symbolisieren, und wenn man die Tiefe des Hintergrunds mit dem Tisch und leeren Stühlen und Blumen auf dem Tisch einbezieht, entsteht auch diese Art von interessanter Bildsprache, bei der das Publikum können sich ihre eigenen Vorstellungen davon einfallen lassen, was das bedeutet. Aber ich mag die Leere der Stühle und wie das zu dieser Isolation beitragen könnte, die Rahmung und die Nähe meiner Position zum Rand des Rahmens Treibt an sich schon die Einschränkung an. Hier gibt es nicht viel Kopffreiheit, und das kann beim Zuschauer ein Gefühl von Spannung und Unbehagen hervorrufen Und dann haben wir endlich diese diagonalen Linien, die helfen, das Auge durch den Rahmen von Element zu Element zu führen Also all diese Elemente versuche ich zu verwenden, um die Geschichte zu erzählen. Nun, das sind natürlich nur die Entscheidungen, die ich beim Erzählen von Geschichten treffe, und meine Absicht, wie ich möchte diese spezielle Aufnahme das Publikum erreicht , bedeutet nicht, dass sie tatsächlich funktionieren wird, aber zumindest sind die Absicht und die Rechtfertigung da Genauso wichtig wie der Interessenschwerpunkt des Frames sind die Punkte innerhalb des Frames , an denen Sie nicht möchten, dass Ihr Publikum hinschaut Als ich zum ersten Mal mit der Art der Rahmung experimentierte , die ich für diese Aufnahme haben wollte, hatte ich ursprünglich diese Superweitwinkelaufnahme hatte ich ursprünglich diese Superweitwinkelaufnahme und habe sie offensichtlich nicht verwendet, weil in diesem Bild viel passiert und viele unnötige Sehenswürdigkeiten vorhanden und viele unnötige Sehenswürdigkeiten sind, bei denen das Publikum den Fokus darauf verlieren kann , worum es in der Geschichte geht. Aber weil ich wusste, was ich in der Aufnahme vermitteln wollte in der Aufnahme vermitteln und wo das Publikum hinschauen sollte oder welche Sehenswürdigkeit ich wollte, war ich in der Lage, einzugreifen alle Ablenkungen auszublenden und die Aufmerksamkeit des Publikums enger auf die beabsichtigten Sehenswürdigkeiten zu lenken . wissen, was Ihr Interessenschwerpunkt ist, können Sie leichter bestimmen, wo Sie bei der Gestaltung Ihrer Aufnahme überhaupt anfangen sollen . Und die Sehenswürdigkeit muss natürlich nicht so kompliziert sein Es könnte einfach diese Aufnahme hier sein. Es geht darum, das Bankguthaben zu zeigen. Es geht eindeutig darum, dem, was der Charakter sieht, einen Kontext zu geben . Und mein Ziel war es, vor diesem Hintergrund so klar wie möglich zu sein . Es ist alles verschwommen Ich meine, selbst wenn ich das Bild noch näher schneiden wollte , könnte ich das rechtfertigen Es ist also rein darauf ausgerichtet , dem Publikum mehr von der Geschichte zu erzählen. Der Interessenschwerpunkt hilft dabei, Ihr Publikum anzusprechen und zu verstehen, wo es innerhalb des Frames hinschauen sollte . Dadurch kann es wiederum verstehen, was in der Geschichte vor sich geht, sowohl auf logischer als auch auf emotionaler, somatischer Ebene Und was machen Sie dabei wirklich gut? Sie können Emotionen beim Publikum hervorrufen Und ich sage nicht, dass diese Sequenz irgendeine Art von Emotion hervorruft Aber solange Sie mit diesen Absichten und Zielen an die Kinematografie und Ihre Aufnahmesequenz herangehen mit diesen Absichten und Zielen an die Kinematografie und Ihre Aufnahmesequenz , ist das wirklich alles, ist das wirklich alles Sie hoffen, dass Ihre innerhalb des Rahmens und sogar innerhalb des Schnitts Ideen innerhalb des Rahmens und sogar innerhalb des Schnitts auf die beabsichtigte Weise beim Publikum ankommen , dass es sie interpretiert, wie Sie es Das ist alles, was du tun kannst. Wenn Sie sofort mit dem Filmen beginnen und mit Ihren eigenen Interessen experimentieren und durch Ihre Aufnahmen Thema, Kontext und Ideen vermitteln möchten. Tun Sie das auf jeden Fall. Und eine weitere sehr zugängliche Übung besteht darin, die Sendungen oder Filme zu achten , die Sie sich gerade ansehen. Denken Sie darüber nach, was jede Aufnahme zu vermitteln versucht. Wo befinden sich die Sehenswürdigkeiten innerhalb des Frames? Und denken Sie darüber nach, wohin Ihr Auge von Natur aus gerichtet ist und wohin der Filmemacher Ihrer Meinung nach möchte, dass Sie in den Rahmen schauen und diese Dinge zusammenpassen Und das ist eine Aufnahme, die die Geschichte auf effektive Weise erzählt. Um es noch einmal zusammenzufassen: Es gibt so viele verschiedene Dinge, die durch Kinematographie kommuniziert werden können Sie möchten vermitteln, was in Ihrer Geschichte in Bezug auf die Handlung passiert So ist es für das Publikum einfach zu verstehen, was innerhalb des Frames vor sich geht. Denken Sie über Kontexte nach. Denke über deine Charaktere nach. Denken Sie an Themen, an den Gesamtpunkt der Aufnahme, die Sie erreichen möchten. Und wenn Sie wissen, was Sie von Schuss zu Schuss zu vermitteln versuchen , sollten Sie darüber nachdenken, wie die Interessenlage dazu beitragen kann , diese Idee zu vermitteln. In der nächsten Lektion werden wir also einige Begriffe definieren und den Unterschied zwischen Rahmung und Komposition erörtern 4. Der Unterschied zwischen Rahmung und Komposition: In dieser Lektion werden wir einige Begriffe definieren. Wir sind also auf derselben Seite. Rahmung und Komposition gehen Hand in Hand, sind aber auch etwas anders Ich betrachte den Rahmen, die Grenzen, in denen wir sehen können, sodass wir den Rahmen verschieben können Wir können die vier Wände des Rahmens verschieben. Aber der Rahmen selbst ändert sich nicht es sei denn, wir ändern das Seitenverhältnis, aber das ist eine ganz andere Konversation. Das ist also der Rahmen. Die Komposition hingegen umfasst alle visuellen Elemente innerhalb des Rahmens und die Beziehung zueinander. Also, wie weit sie voneinander entfernt sind. Und dazu gehört auch der Rahmen selbst, wie weit die Objekte von der Rahmenbegrenzung entfernt sind. Und wir können den Rahmen anpassen und verschieben, um diese Beziehung zu ändern. Wir können die visuellen Elemente aber auch einfach innerhalb des Frames verschieben . Nach unserem Geschmack. Der Rahmen oder das Gleichgewicht zwischen Bild und Komposition sind die visuellen Elemente innerhalb des Rahmens. Da Sie nun den Unterschied zwischen Bildausschnitt und Bildkomposition verstanden haben , ist es an der Zeit, zu lernen, wo Sie anfangen müssen, wenn es darum geht, eine tatsächliche Aufnahme einzurahmen und 5. Kreiere effektive Kompositionen: Effektive Kinematographie beginnt mit Bildgestaltung und Komposition. Als du versucht hast, mehr über Kinematografie und Fotografie zu lernen , hast du wahrscheinlich bemerkt, dass es viele verschiedene Regeln und Raster gibt , von denen dir die Leute sagen, dass du Aber sie gehen nicht wirklich auf gute Gründe ein, warum. In den nächsten Lektionen werde ich mein Bestes tun, um einige dieser Regeln zu entmystifizieren, damit du diese Ideen und Theorien praktischer auf deine eigenen Kompositionen anwenden kannst Ideen und Theorien praktischer auf deine eigenen Die erste gebräuchlichste dieser Regeln ist die sogenannte Drittelregel. Die Drittelregel wird in der Regel als Werkzeug definiert, um visuell ansprechende oder ansprechende Kompositionen zu erstellen Nun, ich bin davon noch nicht ganz überzeugt, und ich denke, ich würde gerne versuchen, diese Regel neu zu definieren Und damit wir das tun können, müssen wir dorthin gehen, wo die Regel begann. Die Drittelregel wurde 1797 von John Thomas Smith in seinem Buch mit dem Titel Bemerkungen zur ländlichen Landschaft behandelt . Und er bezieht sich auf ein Werk von Sir Joshua Reynolds. Reynolds spricht über, aber nicht ganz klar, das Gleichgewicht von Dunkel und Licht und ein Gemälde John Thomas Smith erweitert diese Idee dann und nennt sie offiziell die Drittelregel Dieses Zitat direkt aus seinem Buch. Zwei unterschiedliche, gleiche Lichter sollten niemals auf demselben Bild erscheinen. Einer sollte Schulleiter und der Rest untergeordnet sein. Sowohl in Bezug auf Dimension als auch Grad. Ungleiche Teile und Abstufungen lenken die Aufmerksamkeit leicht vom zweiten Teil ab, während Teile gleichen Aussehens, nun, das unbeholfen schweben, als ob Sie nicht in der Lage wären, zu bestimmen, welcher dieser Teile als der untergeordnete zu betrachten ist, und Ihrer Arbeit die größte Kraft und Solidität zu verleihen Ein Teil des Bildes sollte so hell und ein Teil so dunkel wie möglich sein. Diese beiden Extreme sollen dann harmonisiert und miteinander in Einklang gebracht werden harmonisiert und miteinander in Einklang gebracht Und obwohl der Wortlaut etwas schwierig sein kann, ist meine wichtigste Erkenntnis, dass die Drittelregel dazu dient, das Auge leicht von einem Teil des Bildes zum anderen zu leiten , ohne dass der Betrachter sich hin- und hergerissen fühlt , was er sich ansehen soll Die Drittelregel unterteilt ein Bild also in zwei horizontale Linien mit gleichem Abstand und zwei vertikale Linien mit gleichem Abstand Also teilen wir das Bild in Drittel auf. Die wichtigsten Punkte in Ihrem Bild sollen an den Schnittpunkten jeder Linie platziert werden. Diese werden als PowerPoints bezeichnet Und denken Sie daran, was John Thomas Smith gesagt hat: Ungleichheit der Körperteile lenkt die Aufmerksamkeit leicht vom zweiten Teil ab Wenn ich also diese Landschaft filme und Himmel und Land gleichmäßig organisiere. Also 50% der Bilder Himmel, 50% der Bilder landen, dann ist jeder Teil gleich und konkurriert um Aufmerksamkeit. Wenn ich den Rahmen einfach in ungleiche Teile reorganisiere entweder die Landschaft innerhalb der unteren zwei Drittel ausfülle oder sogar den Himmel innerhalb der oberen zwei Drittel ausfülle Ich habe jetzt eine visuelle Hierarchie erstellt. Und diese Organisation kann auch die vertikalen Drittel nutzen. Anstatt visuelle Elemente einfach direkt in der Bildmitte zu komponieren , können wir jetzt die Drittelregel verwenden dynamische Kompositionen zu erstellen Unsere Augen haben jetzt eher einen Grund, um ein Bild herum zu tanzen , als dass sie direkt in die Mitte gelenkt werden. Anhand der Art und Weise, wie ich dieses Bild betrachte, kann ich erkennen, dass einiges davon wahr ist, aber einiges davon nuancierter ist Jedes Bild hat seine eigenen einzigartigen Eigenschaften , die davon profitieren können, es ausschließlich durch die Linse der Drittelregel zu betrachten oder auch nicht davon profitieren können, es ausschließlich durch die Linse der Drittelregel zu betrachten . Ich schlage nicht vor, dass Sie diese Regel einfach blind befolgen , wenn Sie mit der Fotografie oder Kinematographie beginnen Fotografie oder Kinematographie Ich denke, es ist wichtig zu verstehen, was die Drittelregel ist. Aber was noch wichtiger ist, ich denke, Sie müssen verstehen, warum dahinter steckt. Und ich würde die Drittelregel so umdefinieren , dass sie den Rahmen organisiert und eine gewisse Hierarchie schafft Und warum sollte das wichtig sein? Nun, mein Gedanke dahinter ist, wenn ich den Rahmen und die visuellen Elemente oder meine Interessenschwerpunkte strukturieren kann den Rahmen und die visuellen Elemente , habe ich bessere Erfolgschancen , wenn ich das Publikum dazu bringe, zu verstehen, was es sich ansieht, wo es hinschauen soll und welche Bedeutung hinter der Komposition selbst steckt. Schauen wir uns also das Bridge-Beispiel noch einmal an und versuchen, diese Argumentation anzuwenden Verstehe besser, warum hinter der Drittelregel oder noch besser, hinter der Organisation unseres Rahmens steckt. Die Sehenswürdigkeit ist diese Brücke. Und ja, die Skyline der Stadt ist auch ein zweitrangiger interessanter Punkt in diesem Bild Aber wenn wir wissen, was der Interessengegenstand ist , können wir die Drittelregel anwenden, um zu helfen, unseren Interessen mehr Aufmerksamkeit und Aufmerksamkeit zu schenken. Also diese Brückenaufnahme so zu organisieren, dass zwei Drittel des Himmels und zwei Drittel der Landschaft zu sehen sind. Meiner Meinung nach sieht der Himmel, abgesehen von den führenden Linien, etwas besser aus, er trägt nicht wirklich etwas zur Aufnahme bei. Meiner Meinung nach ist es eher ablenkend weil ich versuche herauszufinden, was diese Zäune oder Heuballen sind diese Zäune oder Heuballen und was sie mit dem Schuss selbst zu tun haben Es nimmt dem Foto also ein bisschen mehr weg liefert dann tatsächlich nützliche Informationen dazu Natürlich kann man in gewisser Weise für diese Aufnahme argumentieren, wenn man eine Abfolge von Aufnahmen machen würde , bei denen beispielsweise Leute auf einer Rodel den Hügel hinunterrutschen oder so , das wäre viel sinnvoller Aber im Zusammenhang mit dieser Aufnahme habe ich das Gefühl, dass es besser ist, mehr vom Himmel zu haben und die Aufnahme besser funktioniert , weil der Himmel weniger Details zeigt. So lenkt es Ihren Blick auf die Landschaft, die Brücke und die Skyline selbst. Und dann funktioniert das Zentrieren des Bildes auch nicht ganz wegen all der Informationen rund um unseren Point of Interest Diese externen Informationen nehmen uns fast von dem ab , worauf wir uns konzentrieren wollen. Und ich denke, das zentrierte Bild kann verbessert werden , indem wir einfach all die Dinge in unserer Komposition vergrößern oder ausschneiden , auf die der Betrachter nicht konzentrieren soll Wenn du mir nicht zustimmst, ist das völlig in Ordnung. Ich ermutige Sie nur , zumindest begründen zu können, warum Sie die Drittelregel anwenden. Erfahren Sie mehr darüber, warum Sie ein Bild komponieren. Um es noch einmal zusammenzufassen: Die Drittelregel ist eine Möglichkeit, ein Bild sowohl horizontal als auch vertikal in Drittel zu unterteilen sowohl horizontal als auch vertikal Und um John Thomas Smith zu zitieren, ungleiche Teile und Abstufungen führen ungleiche Teile und Abstufungen die Aufmerksamkeit leicht vom zweiten Teil ab In meinen eigenen Worten bedeutet das für mich, eine visuelle Organisation und Hierarchie zu schaffen , die das Auge, den Hals und das Bild leichter lenkt Hals und Jetzt denke ich natürlich, dass es in Ordnung ist , die Drittelregel anzuwenden. Sie können die Drittelregel auf Ihrer Kamera verwenden , um eine Aufnahme zu komponieren. Aber ich werde Sie auch dringend bitten, diesen Leitfaden zur Drittelregel abzuschalten. Versuche, eine Aufnahme zu komponieren, ohne sie zu verwenden. Versuchen Sie, über den tieferen Grund nachzudenken, warum Sie es verwenden. Und für mich bedeutet das, Organisation innerhalb Ihrer Kompositionen zu schaffen . In der nächsten Lektion werden wir uns eingehender Entmystifizierung von Kompositionsregeln befassen 6. Entmystifizierung von Kompositionsregeln: In dieser Lektion werden wir uns eingehender mit Kompositionsregeln befassen Und ich werde mein Bestes tun, um sie für Sie zu entmystifizieren , damit Sie mehr kreative Kontrolle über Ihre Kompositionen haben über Ihre Um das klarzustellen: Wenn ich das Wort entmystifizieren verwende, ist es nicht dasselbe wie Entmystifizieren heißt klarstellen, etwas verständlicher machen Ich hoffe also, dass ich, wenn wir diese kompositorischen Regeln und Richtlinien untersuchen , Ihnen helfen werde, das tiefere Warum zu verstehen , warum wir uns dafür entschieden haben Sie befolgen diese Regel also nicht einfach blind , weil Ihnen ein Artikel oder jemand im Internet sagt , dass es unerlässlich war , ein guter Fotograf oder Kameramann zu werden oder Kameramann Ich möchte ein bisschen mehr über PowerPoints sprechen. Die PowerPoints sind also die Stellen, an denen sich die Linien kreuzen, und sie gelten als Ort der visuellen Umfrage Und dass Sie wichtige visuelle Elemente auf diesen sich kreuzenden Linien platzieren sollten wichtige visuelle Elemente auf diesen sich kreuzenden Und soweit ich weiß, gibt es keine wirklich gute Erklärung für diese PowerPoints Ich weiß nicht genau , woher sie kamen. Warum solltest du einem Führer folgen wenn es keinen guten Grund dafür gibt? Nun, es könnte einen guten Grund geben. Und ein weit verbreiteter Gedanke hier. Ich bin nicht der einzige, der denkt, dass diese sich kreuzenden Linien als vereinfachte Version des sogenannten Goldenen Schnitts betrachtet werden könnten als vereinfachte Version des sogenannten Goldenen Schnitts betrachtet des sogenannten Goldenen Schnitts Hab Geduld mit mir. Der Goldene Schnitt, auch Goldener Schnitt oder Goldener Schnitt genannt , ist ein mathematisches Konzept, das ein Verhältnis von ungefähr eins zu 1,618 beschreibt ein Verhältnis von ungefähr eins zu 1,618 Dieses Verhältnis wird häufig in Kunst und Design sowie in der Fotografie verwendet. Und es wird verwendet, um Kompositionen zu kreieren, die Auge ästhetisch ansprechend sind Der Goldene Schnitt gilt als ästhetisch ansprechend , da er in vielen natürlich vorkommenden Mustern und Formen in der Natur vorkommt und Formen in Und das berühmteste Beispiel ist die Spiralform der Muschel Der Goldene Schnitt kann verwendet werden, um ein Bild zu komponieren, indem der Rahmen in ein Raster mit horizontalen und vertikalen Linien aufgeteilt ein Raster mit horizontalen und vertikalen Linien , die entsprechend dem Goldenen Schnitt angeordnet sind Dieses Raster wird Phi-Raster genannt und ist nach dem griechischen Buchstaben Phi benannt, der verwendet wird, um den Goldenen Schnitt in mathematischen Gleichungen darzustellen . Mithilfe eines Phi-Rasters können Fotografen den Goldenen Schnitt verwenden, um eine Komposition zu erstellen , die ausgewogen und für das Auge angenehm ist Viele Argumente, die für den Goldenen Schnitt sprechen, sind also , dass er für das Auge angenehm ist, weil er in der Natur vorkommt Ich weiß also nicht, ob das Argument gut genug ist, aber es ist ein weiteres Tool, mit dem wir beim Erstellen von Kompositionen experimentieren können . gibt es viele andere Regeln mit der Komposition einhergehen Neben der Drittelregel und dem Goldenen Schnitt oder dem Phi-Gitter gibt es viele andere Regeln , die Dinge werden noch komplexer und es gibt noch mehr Regeln als diese. Ein interessantes Experiment besteht darin, all diese verschiedenen Gitter übereinander zu legen Und Sie werden sehen, dass jeder dieser Schnittpunkte wichtige Aspekte der Komposition treffen kann und dass bestimmte Bilder, die in irgendeiner Weise erstellt wurden, einer dieser Regeln folgen, ob beabsichtigt oder Natürlich reiße ich diese Regeln etwas aus dem Zusammenhang. Es ist eher ein LUSTIGES Experiment zum Ausprobieren. Ich sage nicht, dass Sie diese Regeln nicht anwenden oder diese Regeln nicht auf Ihre eigenen Kompositionen anwenden sollten anwenden oder diese Regeln . Ich fordere Sie auf, diese Regeln nicht blind zu befolgen Wenn du eine Kompositionsregel anwenden willst, versuche, das tiefere Warum dahinter herauszufinden und verlasse dich nicht darauf weil es für das Auge angenehm ist oder weil es in der Natur vorkommt, sondern versuche, den tieferen praktischen Nutzen dahinter zu entdecken In unserer vorherigen Lektion haben wir zum Beispiel über die Drittelregel gesprochen und darüber, wie sie eine hierarchische Organisation schafft, sodass es für den Betrachter einfacher ist, zwischen den verschiedenen Interessenpunkten zu suchen, die ihm geholfen haben, die Geschichte auf dem Bildschirm zu entziffern , und darüber, wie er über das Bild selbst denken sollte Ein Beispiel von Mad Max Fury Road, sieh dir die Aufnahme an. Die Horizontlinie ist im Bild sehr niedrig, und diese Aufnahme folgt keinen besonderen Kompositionsregeln Die Geschichte, die hier erzählt wird, ist, dass unsere Charaktere innerhalb des Rahmens sehr klein sind. Das verdeutlicht, wie groß dieser Sturm ist. Der Kontrast zwischen der Größe dieser visuellen Elemente erzeugt mehr Angst, Angst und Spannung für das Publikum, das die Szene erlebt. Andererseits können Sie für jede dieser Kompositionsregeln argumentieren für jede dieser Kompositionsregeln Es geht darum, die Aufnahme zu machen , die die Geschichte am besten erzählt. Wenn das beinhaltet, einige Regeln zu verwenden, um bei der Erstellung dieser Aufnahmen zu helfen, und das funktioniert für die Geschichte Dann großartig. Sie haben das Tool erfolgreich verwendet, anstatt es in Ihre Kompositionen aufzunehmen. Um es noch einmal zusammenzufassen: Wir haben eine Handvoll kompositorischer Raster, an denen wir uns orientieren können Denken Sie jedoch daran, dass wir den Leitfaden verwenden, um die Geschichte zu erzählen , anstatt die Geschichte an den Leitfaden anzupassen. Jetzt möchte ich Sie natürlich ermutigen , zu verstehen , warum Sie eine bestimmte Kompositionsregel anwenden und wie sich das auf die Geschichte auswirkt, die Sie erzählen Wir können aber auch mit der Regel beginnen. Und dann finde später heraus, wie sich das auf die Geschichte auswirkt. Optimiere von dort aus und schieße erneut, optimiere ihr Experiment. Probiere Dinge aus. Ich habe diese Overlays zum Herunterladen zur Verfügung gestellt , damit Sie sie in Ihrem bevorzugten Video- oder Bildbearbeitungsprogramm einfügen können Ihrem bevorzugten Video- oder , um damit zu experimentieren Iterierte weiter. Hinterfrage weiterhin, warum du die kompositorischen Entscheidungen triffst, die du triffst Es ist eine langsame Entwicklung. Es wird einige Zeit dauern, aber viel SPASS, denn das soll PFK-1 sein Es macht Spaß, mit diesen verschiedenen Regeln zu experimentieren und sehen, wie sie sich auf die Geschichte auswirken können, die Sie erzählen. Lassen Sie uns unsere Kompositionen noch weiter verbessern indem wir das Konzept des Gleichgewichts untersuchen 7. Visuelle Balance: Ein Schlüsselkonzept, das Kameraleute bei jeder Komposition berücksichtigen , ist Ausgewogenheit Balance kann harmonische Bilder erzeugen und so effektivere Kompositionen schaffen Und es kann zur Geschichte beitragen. Stimmzettel beziehen sich auf die Anordnung visueller Elemente innerhalb einer Komposition, die ein Gefühl von Gleichgewicht und Harmonie erzeugt von Gleichgewicht und Eine Komposition gilt als ausgewogen, wenn diese verschiedenen visuellen Elemente die gleiche visuelle Wirkung haben. Wir können diese Duplo-Blöcke verwenden, um dies auf sehr einfache Weise zu veranschaulichen Dieses Setup ist optisch ausgewogen. Wenn wir einige dieser Elemente auf der linken Seite weglassen , wird unser Blick mehr nach rechts gelenkt Unausgewogene Zusammensetzung des Handels. Ein ausgewogenes Bild kann Ordnung und Ordnung in Ihrem Frame schaffen , sodass Sie die interessanten Punkte in Ihrer Komposition leichter erkennen können. Und es schafft ein Gefühl der Leichtigkeit beim Betrachten des Bildes. Andererseits kann ein unausgewogenes Bild ungeordnet und unorganisiert sein, was beim Betrachter zu Spannung und Unbehagen Dies kann jedoch je nach Kontext noch viel mehr bedeuten. Eine Möglichkeit, über Balance nachzudenken, besteht darin, sich einen Drehpunkt mit Gewichten auf beiden Seiten, der linken und rechten Seite eines Bildes, vorzustellen einen Drehpunkt mit Gewichten auf beiden Seiten, der linken und rechten Seite eines Und dort fungieren visuelle Elemente als Gewichte. Jedes Element hat seinen eigenen visuellen Pol, und die Höhe des Pols bestimmt, wie schwer das visuelle Element innerhalb des Rahmens ist. Es gibt eine Reihe von Faktoren, die zur visuellen Ausgeglichenheit beitragen. Und um diese Erklärung zu vereinfachen, werde ich sehr einfache Bildschirmgrafiken verwenden Die Größe des Objekts. Größere Objekte haben ein höheres visuelles Gewicht als kleinere Objekte. Die Position eines Objekts. Objekte, die sich näher am Rand des Rahmens befinden , können schwerer erscheinen als Elemente, die möglicherweise etwas außerhalb Farbe. Lebendige Farben haben mehr Gewicht als matte Farben Wärmere Farben haben etwas mehr Gewicht als kühlere Farben. Und wenn wir eher an Schwarz und Weiß denken, dann haben die dunkleren Töne mehr visuelles Gewicht als hellere. Es ist aber auch wichtig , den Kontrast zu berücksichtigen , der entsteht, wenn helle und dunkle Teile eines Bildes gegenübergestellt helle und dunkle Teile eines Bildes gegenübergestellt werden, da diese auch ihr eigenes visuelles Gewicht haben Dann haben wir Textur und Muster, und Textur und Muster können technisch gesehen vielleicht in unsere anderen Kategorien fallen. Da diese Attribute jedoch so leicht identifizierbar sind, lohnt es sich, sie zu erwähnen Große Bereiche mit glatterer Textur können ausbalancieren, sagen wir, eine kleinere, detailliertere Textur. Das können ausbalancieren, sagen wir, eine kleinere, Auge wird von komplizierteren Linien und Details angezogen, weil wir als Menschen Mustersucher sind und von Natur aus nach Mustern in der Natur und dem Leben suchen und diese als Menschen Mustersucher sind aus nach Mustern in der Natur und dem Leben suchen vervollständigen Und das war ein Mittel zum Überleben. Die Anziehungskraft auf diese kleineren strukturierten Bereiche kann also die Blicke auf sich ziehen Führende Linien. Sagen Sie einfach unsere Linien, die in Bildern erscheinen, und wieder folgen unsere Augen diesen Linien innerhalb eines Bildes auf natürliche Weise . Und diese Linien können das Auge in verschiedene Richtungen lenken und zur visuellen Balance beitragen. Ein Untertyp von Führungslinien sind vorgeschlagene Leitlinien , bei denen sie nicht wahrnehmbar, sondern angedeutet sind In diesem Beispiel werde ich also mit einem anderen Charakter außerhalb des Bildschirms sprechen , genau dort drüben Hey Kumpel. Hallo, hallo. In diesem Beispiel können Sie also sehen, dass mein Blick, oder wo ich zu Sean aus dem Off schaue, eine vorgeschlagene Führungslinie erstellt Und der negative Raum, das ist eine angepasste Leitlinie. Meine Körpersprache, bei der die Blickposition meines Körpers dazu beiträgt, dieses ansonsten asymmetrische Bild auszugleichen . Das stimmt. Und wenn man zwischen den beiden Aufnahmen schneidet, bleibt ein angenehmes Maß an Abstand zwischen den beiden Charakteren. Jep. Und vergiss nicht , dass dies auch Conversation Space oder Lead Room genannt wird. Wenn wir näher am Bildrand wären, würde das insgesamt viel mehr Spannung erzeugen, was wir in der nächsten Lektion genauer untersuchen werden. Ja, keiner dieser Frames ist unbedingt falsch. Sie erzählen einfach verschiedene Geschichten. Er hat recht. Und viele Dinge , die uns auffallen, wie Dinge, die im Fokus stehen, Menschen, Tiere, Gesichter Diese visuellen Elemente bieten viel mehr Umfragemöglichkeiten. Weil Balance so schwierig zu manövrieren sein kann. Ich möchte, dass Sie diese visuellen Elemente einfach im Auge behalten , wenn Sie Ihrem Tag nachgehen. Auch hier müssen Sie Ihre Kamera nicht dabei haben, um dies zu tun. Sie können einfach einen Ort einrahmen oder mit Ihren Augen sehen und mit Ihren Händen einrahmen oder einfach diese verschiedenen visuellen Merkmale in Ihrer Umgebung identifizieren diese verschiedenen visuellen Merkmale in Ihrer Umgebung Und wenn Sie jede Kamera dabei haben, stellen Sie den Bildausschnitt ein und berücksichtigen Sie das Gewicht und die Aufmerksamkeit, die jedes Element erfordert. Um es noch einmal zusammenzufassen, denkbares Gleichgewicht und eine Mode von links nach rechts wenn die visuellen Elemente auf der linken Seite des Rahmens und der rechten Seite des Rahmens gleichmäßig gewichtet sind Sie haben das Gleichgewicht erreicht. Und noch einmal, mach dir keine Sorgen, es ist nicht wie ein Alles oder Nichts, entweder du bist ausgeglichen oder nicht. Es wird nicht perfekt sein, aber das ist okay. Verwenden Sie Ihr bestes Urteilsvermögen. Praxis macht Fortschritte. In diesem Talking Eds-Setup würde ich sagen, dass wir nicht perfekt sind. Es neigt sich wahrscheinlich etwas weiter zu dieser Seite. Und das ist okay. Es gibt viele visuelle Merkmale , die zu Stimmzetteln beitragen Größe, Position, Farbe, Ton, Kontrast, Textur, Muster, Führungslinien und wirklich alles, was auffällt Ausgewogenheit ist ein wichtiges Konzept, das Sie beim Komponieren von Aufnahmen berücksichtigen sollten Aber denken Sie daran, dass einiges davon subjektiv ist, wenn Sie nicht die ganze Zeit eine perfekt ausgewogene Aufnahme bekommen wollen. Versuche also nicht, perfekt darin zu sein. Experimentieren Sie, haben Sie SPASS und denken Sie daran, darüber nachzudenken , wie Ihre Kompositionen die Geschichte erzählen. Und ich würde sogar vorschlagen, dass Sie ein bewusst unausgewogenes Bild erstellen ein bewusst unausgewogenes Bild um zu sehen, welche Geschichte darin erzählt In der nächsten Lektion werden wir uns eingehender mit dem Thema Balance und einigen Strategien befassen , wie dieses erreicht werden kann. 8. Balance finden: Um dir zu helfen, Balance in deinen eigenen Bildern besser zu verstehen , werde ich in dieser Lektion auf die verschiedenen Arten von Ausgewogenheit eingehen und weitere Beispiele Es gibt zwei Arten von Balance, symmetrisch und asymmetrisch symmetrischer Ausgewogenheit sind die Kompositionselemente gleichmäßig auf beiden Seiten der Mittelachse angeordnet , wodurch eine visuelle Gesamtharmonie Bei symmetrischer Ausgewogenheit sind die Kompositionselemente gleichmäßig auf beiden Seiten der Mittelachse angeordnet, wodurch eine visuelle Gesamtharmonie erreicht wird Diese Art der Ausgewogenheit findet man vor allem bei zentrierten Aufnahmen von Charakteren oder Umgebungen oder Objekten mit Spiegelbild Dies ist auch eine viel einfachere Balance innerhalb deiner Bildsprache Ein ausgewogenes Bild kann ein Gefühl von Frieden und Gelassenheit erzeugen , das verwendet werden kann, um ein Gefühl von Ruhe oder Gelassenheit zu vermitteln oder das Gefühl, dass alles an seinem richtigen Platz ist Und dies wird noch stärker betont, wenn das symmetrische Gleichgewicht verwendet Asymmetrisches Gleichgewicht entsteht, wenn die Elemente nicht gleichmäßig auf beiden Seiten der Mitte des Rahmens verteilt sind und dennoch eine visuelle Gesamtharmonie erreicht Und bei dieser Art von Balance können die Elemente so angeordnet werden, dass ein Gefühl von visueller Spannung entsteht, aber dennoch insgesamt ein Gefühl der Ausgewogenheit erhalten bleibt. Diese Art von Balance tritt oft auf, wenn Charaktere miteinander sprechen. Wie in dieser Szene haben wir diese Figur auf der linken Seite des Bildes, die einer Figur außerhalb des Bildschirms auf der rechten Seite des Bildes spricht . Der negative Raum und die angedeutete Leitlinie gleichen jede dieser Kompositionen Dies kann auch erreicht werden, indem man Aufnahmen über der Schulter verwendet, bei denen das schmutzige Ende des Bildes mit Schulter liegt, wodurch das Bild ausgeglichen wird. Asymmetrisches Gleichgewicht ist auch in Interviews sehr verbreitet Und wieder haben wir den Gesprächsraum oder die vorgeschlagene Leitlinie, die diese asymmetrische Komposition ausgleicht diese asymmetrische Komposition ausgleicht Und Leadroom und Gesprächsraum sind ein bisschen mehr , als nur ein Gleichgewicht und ein angenehmes Maß an Platz zwischen zwei Charakteren zu schaffen Gleichgewicht und ein angenehmes Maß an . Es hat auch mit der Schaffung räumlicher Kontinuität zu tun. Der Raum kann dem Betrachter helfen, besser zu verstehen , wo sich jedes Element in der Szene ungefähr befindet. Diese vorgeschlagenen Leitlinien müssen nicht unbedingt strikt aus zwei Personen bestehen, sondern es können auch Gebäude sein. Allein die Ausrichtung des Gebäudes kann asymmetrischen Schuss rechtfertigen Asymmetrisches Gleichgewicht wird häufig auch durch die Verwendung von Hintergrundelementen oder anderen Elementen erreicht , die außerhalb der Mitte platziert sind Und ein interessantes Experiment ist es, einige dieser Weitwinkelaufnahmen zu machen , die Filme waren. Und wir können einige der visuellen Elemente auf einer Seite des Bildschirms löschen und sehen, wie sich das anfühlt. In diesem Fall fühlt es sich jetzt ohne dieses Element hier oben rechts aus dem Gleichgewicht gebracht an. Es ist viel schwieriger, ein asymmetrisches Gleichgewicht zu erreichen , da Sie sich auf Farb -, Hell- und Dunkelwerte sowie auf Textur und Motiv verlassen -, Hell- und Dunkelwerte sowie auf Textur , um jede Seite des Rahmens zu gewichten, was in gewisser Weise subjektiv sein kann Das Ziel einer asymmetrischen oder symmetrischen Ausgewogenheit besteht also darin, im gesamten Bild eine gleichmäßige visuelle Abstimmung um ein harmonisches Bild zu erzeugen Und warum willst du Harmonie? Harmonie sorgt zwar für Ordnung und Organisation innerhalb des Bildes ohne die Spannung zu erzeugen , die ein unausgewogenes Bild erzeugt, aber wir können die verschiedenen Interessenpunkte innerhalb einer Komposition mit Leichtigkeit betrachten Interessenpunkte innerhalb einer Komposition mit Leichtigkeit Das heißt aber nicht, dass Sie unausgewogene Bilder nicht behandeln können. Und besonders in der Serie Mr. Robot verwenden sie ständig unausgewogene Bilder. Dies ist eine bewusste Entscheidung, die auch unseren Hauptcharakter nachahmt, Eliot ist in unserer Welt, er ist am Rande der Gesellschaft, ein bisschen ein Außenseiter ein bisschen ein Außenseiter Diese Art der Kinematographie macht also Sinn für eine Show wie diese, er an den Außenkanten des Bildes platziert wird und die Spannung und das Unbehagen für den Zuschauer erhöht der Regel gilt: Je näher sich die visuellen Elemente am Bildrand befinden, desto mehr Spannung spüren Sie , wenn Sie dieses Element betrachten. Und natürlich können die vorgeschlagenen Leitlinien diese Spannung erhöhen , wenn sie sich auch zum Rand des Rahmens bewegen. Hier finden Sie ein kurzes Framework, das Ihnen bei der Übung dieser Lektion helfen soll . Wenn ich mich einem Ort nähere, suche ich nach visuellen Elementen, die entweder zu einem symmetrischen oder einem asymmetrischen Gleichgewicht beitragen entweder zu einem symmetrischen oder einem asymmetrischen Das hilft mir zu entscheiden, wie ich an einen Ort herangehen könnte , und mir mögliche Shot-Ideen einfallen lassen. Und in den meisten Fällen wirst du eine Mischung aus asymmetrischem und symmetrischem Gleichgewicht erhalten, abhängig von asymmetrischem und symmetrischem Gleichgewicht deinen Blickwinkeln, Architektur, verschiedenen Merkmalen deines Standorts und dem Bei symmetrischer Balance ist es einfach, das Motiv oder die gesamte Szene zu zentrieren und meistens ein harmonisches Bild zu erhalten Annäherung an die asymmetrische Balance ist schwierig, aber anhand unserer vorherigen Lektionen, anhand der Beispiele für visuelle Gewichte, es etwas einfacher, zu erkennen, wo das visuelle Gewicht innerhalb des Bildes möglicherweise das größte Loch hat, und es hilft Ihnen dabei, den Rahmen möglicherweise das größte Loch hat, und es hilft Ihnen dabei, den ist es etwas einfacher, zu erkennen, wo das visuelle Gewicht innerhalb des Bildes möglicherweise das größte Loch hat, und es hilft Ihnen dabei, den Rahmen neu zu gestalten, um ein Gleichgewicht zu schaffen, oder die Kompositionselemente physisch neu anordnen können Gleichgewicht zu schaffen, oder die Kompositionselemente physisch neu anordnen Versuchen Sie also, Balance nicht als ausgewogen oder unausgewogen zu betrachten als ausgewogen oder unausgewogen In einigen Fällen erfolgt das auf einer gleitenden Skala, weil alle visuellen Elemente auf dem Bildschirm die Blicke verschiedener Personen auf unterschiedliche Weise auf sich ziehen. Es ist also ein bisschen subjektiv. Habe auch diesen angeborenen Sinn. Wenn wir sehen, dass etwas ausgewogen ist oder nicht, werden Sie wahrscheinlich automatisch eine Aufnahme so zusammenstellen , dass sie sich für Sie ausgewogen anfühlt Aber das ist mit viel Übung verbunden. Du wirst deine Fähigkeiten verbessern müssen . Du wirst mit verschiedenen Arten von Balance experimentieren müssen. Und dann überprüfe ich später das Filmmaterial oder die Fotos und entscheide, habe ich das gewünschte Gleichgewicht erreicht? Und trägt dieses Gleichgewicht oder das Nichtgleichgewicht zu der Geschichte bei, die ich erzähle? Um es noch einmal zusammenzufassen: Ausgewogenheit ist ein entscheidendes Konzept bei der Erstellung von Bildern, und es kann Ihnen helfen, Harmonie in Ihren Bildern zu schaffen Es gibt zwei Arten von Gleichgewicht, symmetrisches Gleichgewicht und asymmetrisches symmetrische Gleichgewicht setzt eher auf gleichmäßig zentrierte Bilder oder gespiegelte Bilder, wohingegen ein asymmetrisches Gleichgewicht etwas dynamischer sein kann und etwas mehr visuelle Spannung erzeugen kann, aber dennoch insgesamt ein Gefühl der Ausgewogenheit beibehält Denke über deine Position und andere Elemente innerhalb des Bildes nach, zu einer symmetrischen oder asymmetrischen Balance beitragen , überlege, wie du deine Aufnahmen zusammenstellen kannst , um ein Gleichgewicht herzustellen, oder bringe Dinge sogar absichtlich aus In der nächsten Lektion werde ich Ihnen helfen zu verstehen, wie Sie Ihren Bildern Tiefe verleihen können. 9. Tiefe des Rahmens: dem Bildschirm werden oft auf eine 2D-Ebene projiziert, wie diese hier Dies kann zu flachen und uninspirierten Bildern führen. Es gibt jedoch einige Dinge, die wir tun können, um unseren Bildern mehr Tiefe zu verleihen In dieser Lektion werden wir also besprechen, wie Sie Ihren Bildern Tiefe verleihen können , um Ihrem Publikum ein noch intensiveres Erlebnis zu bieten ein noch intensiveres Erlebnis zu Bildtiefe bezieht sich darauf, ein zweidimensionales Bild aufzunehmen und es so aussehen zu lassen, als ob es so aussehen zu lassen, als ob es also eine Aufnahme machen, die sehr flach aussieht wie diese, können wir sie mit etwas Arbeit so aussehen lassen, als hätte sie mehr Tiefe Beispiel können wir auf den Bildschirm springen oder unsere Hand in den Bildschirm strecken und Teil der Umgebung sein. Und Tiefe zu erzeugen, schafft wirklich ein realistisches, immersives Erlebnis für das Publikum Und das kann für Ihre Geschichte sehr wichtig sein, weil es Ihr Publikum in diesen Zustand des Films versetzen kann Ihr Publikum in diesen Zustand des Films Ich schaue mir Hypnose an, wo du deinen Unglauben aussetzt. Sie tauchen in die Bilder auf dem Bildschirm ein. Und das wiederum kann dazu beitragen , die Erfolgschancen Ihrer Geschichte und ihres Zwecks Um einer Aufnahme Tiefe zu verleihen, ist es wichtig, zunächst Ebenen innerhalb des Rahmens zu erstellen. Das bedeutet, einen eigenen Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund zu schaffen , wodurch ein dynamisches und immersives Erlebnis für das Publikum entsteht und immersives Erlebnis für das Das macht es dem Publikum auch leichter zu verstehen, auf welches visuelle Element sich konzentrieren sollte Und in der nächsten Lektion werden wir einige Strategien untersuchen, mit Ihrer Kinematografie diese Tiefe verleihen 10. Erstelle beeindruckende Bilder: Nachdem Sie den Rahmen und seine Bedeutung verstanden haben, ist es an der Zeit, einige Strategien für die Erstellung immersiver Bilder zu erlernen einige Strategien für die Erstellung immersiver Beginnen Sie mit der Schärfentiefe. Schärfentiefe bezieht sich genau auf das, was innerhalb einer Aufnahme scharf ist Wenn ich die Blende öffne und eine geringere Schärfentiefe eintausche , kann ich mich vom Hintergrund klarere Ebenen erzeugen Die Szene mit einer tiefen Tiefenschärfe zu filmen , die unsere Aufmerksamkeit auf jede Ebene gleichzeitig Bei dieser Aufnahme können Sie sehen, dass all unsere Vordergrund-, Mittelgrund- und Hintergrundelemente scharf sind Sie sind alle zusammengedrückt. Wenn wir also die Schärfentiefe anpassen, können wir uns auf den Fokus dieser Aufnahme konzentrieren, um den Blick des Betrachters auf das zu lenken , was im Bild am wichtigsten ist Hier auch ein Profi-Tipp. Wenn Sie eine noch geringere Schärfentiefe wünschen, nehmen Sie Ihre Kameratasche in die Hand und zoomen Sie hinein. Wenn Sie die Ansicht vergrößern, die Elemente im Rahmen komprimiert Behandlung einer geringeren Schärfentiefe. Perspektive bedeutet wörtlich die Art und Weise, wie Sie etwas betrachten. Dies kann sich auf den Winkel einer Kamera zu einer bestimmten Szene beziehen. Zum Beispiel ist es üblich, Aufnahmen zu komponieren, wenn man mit dem Filmemachen oder der Fotografie anfängt Aufnahmen zu komponieren, wenn man mit dem Filmemachen oder der Fotografie Mit dem Kopf weiter. Dadurch ist das Motiv deutlich im Bild zu sehen, aber es fehlt an Tiefe. Diese direkte Aufnahme führt horizontalen und vertikalen Linien , die Stabilität vermitteln können Und das könnte für diese Art von Schuss in Ordnung sein. Diese horizontalen und vertikalen Linien können auch als Bahnen für das Auge dienen, die unser Auge im gesamten Bild nach links oder rechts oder auf und ab führen , aber es fehlt die gewünschte Tiefe. also Ihre Perspektive anpassen, indem Sie den Winkel der Aufnahme ändern , können diagonale Linien entstehen, die verwendet werden können, um das Auge des Betrachters zu lenken, ähnlich den horizontalen und vertikalen Linien in unserem vorherigen Beispiel erzeugt wurden. Jetzt erwecken wir jedoch die Illusion, dass sich das Ich auf der Z-Achse bewegt , wobei die diagonalen Linien erzeugt werden. Und diese Linie führt unser Auge tiefer in den zweidimensionalen Raum, wodurch die Illusion von Tiefe Es geht im Grunde darum, auf die führenden Linien in Ihrem Bild zu achten und Ihre Winkel so anzupassen , dass sich diese führenden Linien diagonal bewegen Wenn Sie Sehenswürdigkeiten wie Charaktere auf der Leinwand oder in diesem Beispiel mich filmen , ist es am besten, sie weiter von der Wand entfernt zu halten , um unterschiedliche Ebenen zu erzeugen Ich werde nicht direkt an der Wand sitzen , weil es dann so aussieht, als wäre ich Teil der Wand und nicht auf einer separaten Ebene. Wenn ich mich weiter von der Wand entferne, gebe ich mehr Platz und Abstand. Es befindet sich zwischen mir und der Wand, was eine bessere Chance bietet unterschiedlich aussehende Schichten zu erzeugen. Sie können auch in Betracht ziehen, Ihren Rahmen zu verschmutzen, was den Vordergrund einschließt , der normalerweise unscharf ist, und den Passat-Vordergrund in Richtung Ihres Zielpunkts ausfüllt . Aber eine Sache, die Sie beachten sollten , ist, dass es zur Geschichte passen muss In diesem Fall sieht es nicht wirklich richtig aus. Es sieht so aus, als würde mich vielleicht jemand ausspionieren. Kontrast kann erzeugt werden, indem helle Elemente mit Und genau aus diesem Grund können Silhouettenaufnahmen so effektiv sein. Diese Silhouettenaufnahmen scheinen aufgrund der Unterschiede zwischen Hell und Dunkel mehr Tiefe zu haben aufgrund der Unterschiede zwischen Hell und Dunkel Wir können deutlich erkennen, dass diese beiden Dinge unterschiedlich sind. Und je größer der Unterschied, desto klarer heben sich die Ebenen voneinander ab, desto mehr Kontraste innerhalb eines Bildes können interessante Orte sein, wodurch wir die Aufmerksamkeit des Publikums besser kontrollieren können. Eine andere, weniger naheliegende Methode, Tiefe zu erzeugen, ist die Verwendung von Farbe. Der Grund, warum dies weniger offensichtlich ist, liegt darin, dass hierfür in der Regel Lichter verwendet werden müssen , um Bereiche mit Farbkontrast zu entdecken , was offensichtlich etwas seltener ist. Schauen Sie sich dieses Farbrad an. Sie können sich selbst von den verschiedenen Farbkombinationen überzeugen von den verschiedenen Farbkombinationen , die sich gegenseitig kontrastieren. Auch hier gilt: Je größer der Kontrast, desto einfacher ist es, die Ebenen zu unterscheiden was dem 2D-Bild den Eindruck von Tiefe verleiht. Sie können hier also dieses Sprechkopf-Setup sehen. Ich habe versucht, einen Farbkontrast zu den warmen und kühlen Tönen zu erzeugen, um in diesem kleinen Raum etwas Tiefe zu erzeugen. In den meisten Fällen hilft es, das Publikum tiefer in seine Geschichte eintauchen zu lassen, wenn man sich darauf konzentriert , Tiefe innerhalb des Rahmens zu erzeugen hilft es, das Publikum tiefer in seine Geschichte eintauchen zu lassen, wenn man sich darauf konzentriert , Tiefe innerhalb des Rahmens , wodurch der erzählten Geschichte tatsächlich mehr Bedeutung beigemessen wird. Aber es geht nicht unbedingt nur darum jeden einzelnen dieser Leitfäden zu befolgen. Die Geschichte steht an erster Stelle und eine schmeichelhafte Komposition eignet sich am besten für Ihre Geschichte, und das ist in Ordnung Denken Sie nur daran, Wege zu finden diese Strategien zur Tiefenbildung zu nutzen , um ein immersives Publikumserlebnis zu gewährleisten Manchmal gibt es in jeder Komposition, die wir erstellen, unterschiedliche Tiefengrade , wenn wir nicht auf jede einzelne Technik zugreifen können , um eine maximale Bildtiefe Um es noch einmal zusammenzufassen: Durch den Austausch der Tiefe innerhalb Ihrer Kompositionen kann der zweidimensionale Bildschirm zu einem immersiven, Es gibt eine Reihe von Möglichkeiten, Tiefe zu erzeugen, wobei der Schwerpunkt auf der Erstellung mehrerer Ebenen liegt, indem Elemente aus Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund einbezogen Wir können eine deutlichere Trennung zwischen diesen Ebenen herstellen , indem wir unsere Schärfentiefe anpassen. Wir nutzen den Kontrast sowohl bei der Luminanz als auch bei der Farbe. Mithilfe dynamischer Kamerawinkel werden diese horizontalen oder vertikalen Linien in diagonale Linien umgewandelt, wodurch diese horizontalen oder vertikalen Linien in diagonale Linien umgewandelt, Auge des Betrachters tiefer in das Bild Und am praktischsten ist es, die Kompositionselemente innerhalb Ihres Rahmens anzupassen , sie voneinander zu trennen und so einen physischen Raum zwischen ihnen zu schaffen Und denken Sie immer an die Geschichte, die Sie erzählen, wenn Sie Tiefe erzeugen In der nächsten Lektion gebe ich Ihnen einen wichtigen Tipp, der Ihnen helfen wird, besser zu verstehen, wie Sie mit der verfügbaren Beleuchtung umgehen 11. So arbeitest du mit verfügbarem Licht: Es gibt viele Situationen, in denen Sie keine Zeit haben, Lichter aufzustellen. Es ist nicht angemessen, Lichter aufzustellen, oder Sie haben einfach keinen Zugang zu Beleuchtungsgeräten. Aber das ist okay, denn in dieser Lektion werde ich Ihnen eine wichtige Sache beibringen, die Ihnen helfen wird, die Ihnen zur Verfügung stehende Freude optimal zu nutzen . Also, was ist der Trick? Es ist die Beleuchtung hinter der Bühne. Die Beleuchtung im Obergeschoss stammt aus dem Theater. Im Theater bezieht sich die Beleuchtung hinter der Bühne auf jede Vermietung , die hinter der Bühne stattfindet. Und die Beleuchtung im Hintergrund kann den Kontrast in Ihren Kompositionen erhöhen letztendlich für mehr Definition und Tiefe sorgen Um das Upstage-Leasing im Kontext des Filmemachens zu verstehen , müssen wir uns zunächst die Vorgehensweise ansehen Die Aktionslinie ist die unsichtbare Linie , die zwei Subjekte verbindet. In diesem Beispiel können Sie also sehen, dass wir zwei Charaktere auf einer Couch haben , die miteinander sprechen. Und diese Aktionslinie ist die imaginäre Linie , die die Handlung verbindet, die zwischen ihnen stattfindet, nämlich dass sie miteinander sprechen Die Aktionslinie ist nicht auf zwei Charaktere beschränkt , die zwischen wirklich allem sein können. Wenn Sie also wissen, wo die Aktionslinie ist, können Sie die beste Position für Ihre Kamera in Bezug auf Ihre Hauptlichtquelle bestimmen . In diesem Beispiel hier, wo wäre Ihrer Meinung nach die beste Platzierung der Kamera? Nun, zuerst können wir genau hier herausfinden, wo sich die Hauptlichtquelle befindet. Der eher technische Name für diese Hauptlichtquelle wird Schlüssellicht genannt. Und dann bestimmen Sie, wo die Aktionslinie ist. Ich beschäftige mich mit diesem Buch. Das würde bedeuten, dass die Handlungslinie zwischen mir und dem Buch liegt . Also wirklich jeder Kamerawinkel auf der gegenüberliegenden Seite des Hauptlichts und der Aktionslinie nutzt die Beleuchtung hinter der Bühne Wir können also mehrere Kamerawinkel auf der gegenüberliegenden Seite des Hauptlichts ausfüllen auf der gegenüberliegenden Seite und die Aktionslinie nutzen die Beleuchtung hinter der Bühne Und der Grund, warum die Beleuchtung hinter der Bühne so effektiv ist sie den Kontrast innerhalb des Bildes erhöht, eine Form und Definition erzeugt und das Motiv vom Hintergrund trennt, wodurch im Wesentlichen Tiefe entsteht und Ihr 2D-Bild in ein 3D-Bild verwandelt Ihr 2D-Bild in ein 3D-Bild Sie können also sehen, dass der Lichtabfall von hell nach dunkel geht Wir filmen also quasi in die Schattenseite meines Gesichts. Eine andere Möglichkeit, die Beleuchtung im Außenbereich zu verstehen, besteht darin, die Platzierung Ihrer Kamera im Verhältnis zu Ihrer Hauptbeleuchtung zu berücksichtigen die Platzierung Ihrer Kamera im Verhältnis zu Ihrer Hauptbeleuchtung zu Die Kamera, um das Objekt zugänglich zu machen, muss senkrecht zum Licht stehen, das für den Zugriff auf das Objekt , um die Schattenform zu vergrößern Sie können hier also sehen, dass wir wieder einmal in die Schattenseite meines Gesichts filmen in die Schattenseite meines Gesichts tiefere Kontraste, Formen, Definition und Tiefe eintauschen. Nun, wenn ich meine Kamera in die gleiche Richtung wie das Tastenlicht im gleichen Winkel positioniere. Sie befinden sich auf derselben Achse. die Kamera und die Beleuchtung in dieselbe Richtung richten Wenn wir die Kamera und die Beleuchtung in dieselbe Richtung richten, erhalten wir ein flacheres, gleichmäßiger wirkendes Licht Das heißt nicht unbedingt, dass es falsch ist , es ist einfach anders. Und es hilft Ihnen zu verstehen , welche Techniken Sie anwenden müssen, um eine definiertere Form zu erreichen oder sich zurückzuziehen und ein noch flacheres Licht zu erzeugen. In der Regel sieht das Vermieten im Obergeschoss jedoch besser aus und es sieht eher aus, wie die Leute sagen, filmisch Ich muss beachten, dass in diesem Beispiel auch unser Hintergrund dazu beiträgt, diesen Kontrast zu erzeugen. Wir bekommen hier also immer noch ein bisschen Tiefe. Tat hilft Ihnen jeder Winkel auf der gegenüberliegenden Seite der Hauptlichtquelle dabei, Ihren Kompositionen mehr Tiefe zu verleihen. Mit anderen Worten, wenn die Subjektachse der Feigheit an der Achse zwischen Licht und Objekt ausgerichtet ist, erhalten wir dieses flache, erhalten wir dieses flache Und wenn wir beginnen, das Schlüssellicht zur Motivachse senkrecht von Kamera zu Motivachse zu bewegen , erhalten wir mehr Definition, mehr Tiefe und mehr Kontrast Mit diesem Wissen können Sie also den Kontrast, die Definition und die Tiefe Ihrer Aufnahmen steuern Kontrast, die Definition und das verfügbare Licht so verwenden, und das verfügbare Licht so verwenden wie es für Ihr Projekt am besten geeignet ist. Sie möchten vielleicht keine dramatische Beleuchtung für Unternehmensschulungsvideos, aber für einen dramatischen Kurzfilm kann dies sinnvoll sein. Eine tolle Übung ist es also, einfach auf die Filme und das Fernsehen zu achten , die Sie gerade schauen. Überlegen Sie, woher die Hauptlichtquelle im Verhältnis zu den Schauspielern und der Kamera in der Szene kommt . Und die Chancen stehen gut, dass bei den meisten , wenn nicht allen Aufnahmen die Achse der wichtigsten Lichter senkrecht zur Kameraachse Und beachten Sie bei dramatischeren Inhalten, wie sich die Beleuchtung noch weiter nach oben bewegen kann. auch nur empfehlen, sich eine Freundin zu schnappen und auszugehen und diese Methoden selbst auszuprobieren oder sich selbst zu filmen , wie ich es getan habe Und diese Methoden auszuprobieren. Schauen Sie sich Ihre Aufnahmen an und notieren Sie sich die Position Ihres Tastenlichts relativ zur Kamera. Was bevorzugst du für das Konzept, an dem du gerade arbeitest? Um es noch einmal zusammenzufassen: Eine der besten und einfachsten Möglichkeiten, Ihre Beleuchtung zu verbessern, besteht darin, mit Ihrem Hauptlicht im Vordergrund zu filmen. Und im Kontext des Filmemachens bedeutet das, dass Sie auf der gegenüberliegenden Seite des Hauptlichts oder der Hauptlichtquelle und der Aktionslinie filmen der gegenüberliegenden Seite des Hauptlichts oder der Hauptlichtquelle und der Aktionslinie Denken Sie daran , dass die Aktionslinie die unsichtbare Linie ist , die die Handlung innerhalb der Szene verbindet . Sie an der Seite der Aktionslinie filmen , an der sich das Tastenlicht befindet , wird das Licht flacher und gleichmäßiger Eine einfachere Methode zur Steuerung des Kontrasts, der Definition und der Tiefe in zur Steuerung des Kontrasts, der Ihren Bilddaten besteht darin, die Achse von Kamera zu Motiv im Verhältnis zur Motivachse der wichtigsten Lichter zu betrachten . Wenn Sie diese Achsen rechtwinklig halten, können Sie die Form leichter erzeugen Wenn wir diese beiden Achsen in die gleiche Richtung oder parallel zueinander platzieren , erhalten wir ein flacheres, gleichmäßigeres Bild 12. Schlussgedanken: Herzlichen Glückwunsch zum Abschluss des Kurses, und ich hoffe, Sie fanden diesen Kurs hilfreich, um alle Lektionen zusammenzustellen. Hier ist eine letzte Zusammenfassung. Wenn es wichtig ist, eine Geschichte durch Ihre Bilder zu erzählen , fragen Sie sich Was vermittelt diese Aufnahme Und natürlich, was ist Ihre Absicht hinter dem Schuss selbst? Versuchst du, einen Kontext zu schaffen, interessante Charaktereigenschaften zu enthüllen, größere Themen zu kommunizieren Ich habe versucht, so spezifisch wie möglich zu sein. Sobald Sie wissen, was Sie anstreben, ist es an der Zeit, die Interessenpunkte innerhalb Ihrer Komposition zu identifizieren . Wo hoffen Sie, wird der Betrachter hinschauen? Denken Sie darüber nach, die kompositorischen Elemente in Ihrem Rahmen zu organisieren die kompositorischen Elemente in Ihrem Rahmen zu Wir haben über die Gründe für die Drittelregel und das Phi-Gitter oder den Goldenen Schnitt gesprochen Drittelregel und das Phi-Gitter oder den Goldenen Schnitt Und diese Raster können bei der Organisation und Hierarchie Ihrer Kompositionen hilfreich sein Organisation und Hierarchie Ihrer Kompositionen Aber was noch wichtiger ist: Überlegen Sie, wie Balance dazu beitragen kann , Ihr Image zu harmonisieren oder ein gewisses Maß an Spannung Und vergessen Sie nicht Ihrer Bildsprache Tiefe zu Aus 2D wird 3D. Wenn dein Publikum das Gefühl hat, in der Szene zu sein, als ob es da ist, kann das helfen, seinen Unglauben zu unterdrücken Und Sie können das verfügbare Licht auch verwenden , um diese Tiefe zu erhöhen, die Definition und den Kontrast zu erhöhen und so ein filmisches Aussehen Und denken Sie daran, dass Übung Fortschritte macht. Viel SPASS, experimentiere und überprüfe dein Filmmaterial oder deine Bilder später und analysiere, wie die von dir erstellten Kompositionen eine Geschichte erzählen könnten. Ich freue mich auf die Projekte der Seniorenklasse. Und denken Sie daran, das muss nicht besonders ausgefallen oder komplex sein. Sie können einfach ein Foto einreichen , das Sie auf Ihrem Handy aufgenommen haben. Natürlich, wenn Sie ein komplexeres Projekt mit einer Abfolge von Aufnahmen oder einem Kurzfilm oder was auch immer erstellen komplexeres Projekt mit einer möchten. Ich ermutige Sie, dies ebenfalls zu tun. Und ich gebe das beste konstruktive Feedback, das ich kann. Falls du das noch nicht getan hast, folge bitte meinem Profil für neue Kurse, Updates und gelegentliche Werbegeschenke Und bitte hinterlassen Sie eine Bewertung oder ein Feedback, das mir hilft, mein Handwerk zu verbessern und Ihnen einen besseren Service zu bieten. Nochmals vielen Dank, dass Sie an dem Kurs teilgenommen haben. Und denk dran, die Geschichte ist dein Leitfaden