Filmregisseur und professioneller Produzent werden: Die Kunst des Filmemachens

1. Die Kunst des Filmemachens: Hallo, mein Name ist Wabillo Babe. Ich bin Filmregisseur, Schauspieler und Komponist von Filmmusik Aber ich glaube, ich bin nur ein Kurator, eine künstlerische Seele von klein Meine Leidenschaft war schon immer das Erzählen von Geschichten. Am Anfang habe ich es mit meinen Spielzeugen gemacht. Ich sah und fühlte jedes einzelne Detail der Welt, die ich mit ihnen geschaffen hatte. Aber eines Tages war das nicht genug. Es war einfach nicht genug. Dieser Traum hat mich wirklich dazu inspiriert, diese Werkzeuge zu verwenden , um all meine Begeisterung zum Leben zu erwecken So wie ich mit meinen Zeichnungen Geschichten erzähle, erzähle ich sie jetzt, indem ich mit Licht zeichne Ich liebe es, vor und hinter der Kamera zu arbeiten , jedes Detail, das Licht, die Szenen, den Sound zu entwerfen und sogar Charaktere zu kreieren, um mehrere Leben in einem zu führen. Ich habe diesen Kurs ins Leben gerufen, um mit Ihnen alles zu teilen , was ich über das Filmemachen weiß Ich habe durch meine Erfahrung beim Filmen meiner Geschichten gelernt und das Wissen, das ich an der besten Filmschule Spaniens erwerben konnte an der besten Filmschule Spaniens erwerben Ich möchte nur, dass du deine Träume erfüllen kannst, so wie du es auf dem Bildschirm sehen kannst. Filme zu machen ist eine Lebensart. Du musst nur einige mutige Freunde und Künstler wie dich inspirieren einige mutige Freunde und Künstler wie und sie zum Träumen bringen, bis sie sehen, dass der Traum wahr wird. In diesem Kurs lernst du Schritt für Schritt, wie du eine Idee entwickelst , um daraus richtig eine Geschichte zu machen. Sie werden etwas über Semiotik die verschiedenen Arten von Sie werden lernen, ein Produktionsteam zu leiten, das vom Kameramann, den Redakteuren, Redakteuren Sie werden lernen, die Schauspieler , die Sie repräsentieren , richtig auszuwählen , sodass Sie Filme auch mit einem begrenzten Thema drehen können Filme auch mit einem begrenzten Thema drehen Als Abschlussprojekt wirst du die Aufgabe haben, auf einer einzigen Seite eine Zusammenfassung zu verfassen , die von der jeweiligen Zielsetzung und dem hohen Konzept begleitet wird . Sie müssen auch ein Bild auswählen, semiotisch identifiziert Ich wünsche dir viel Glück. Ich heiße Valdilio Penis und das ist mein Freund in vollen Zügen 2. Kamera und Objektive: Hallo Leute. Ich möchte diesen Kurs damit beginnen, Ihnen direkt zu zeigen, was Sie sicherlich am meisten wissen möchten. Die Filmkamera, dieses außergewöhnliche Instrument, dieses Werkzeug, das wir so lange benutzt haben um Geschichten zu erzählen, einfach bewegte Bilder aufzunehmen , sodass wir die Geschichte erzählen können, die wir so gerne erzählen wollen. Lassen Sie mich jedoch erwähnen, dass die Wahrheit darin besteht, dass das wichtigste Wissen, das Sie benötigen , um Filmregisseur zu werden nichts damit zu tun hat, die Kamera tatsächlich zu benutzen. Und genau das werden Sie in diesem Kurs lernen , natürlich später. Aber natürlich müssen wir auch die Kamera kennen. Ich meine, Sie kennen die wichtigsten Aspekte bei einer Filmkamera berücksichtigen müssen , damit Sie sie verwenden oder dem Kameramann oder den Kameraleuten sogar genaue Anweisungen geben können sogar genaue Anweisungen Kameramann oder den Kameraleuten Dann fangen wir an. Die Filmkamera ist ein Instrument, mit dem wir Lichteindrücke durch ein **** festhalten können . Dieses **** interpretiert das Licht auf eine bestimmte Weise lässt es zum Kamerasensor im Inneren gelangen , der jede Sekunde mehrere Bilder aufnimmt, normalerweise 24 Bilder pro Sekunde, um das Gefühl eines bewegten Bildes zu erzeugen In der Vergangenheit wurden diese Fotos auf einer Filmrolle aufgenommen, aber heute wurde all dieser Prozess , der zuvor analog war, in ein digitales Werk umgewandelt Ich meine, alles hat sich weiterentwickelt, bis eine digitale Filmkamera Markt kam , wie diese, die ich hier habe . Anstatt einfach alles auf einer Filmrolle aufzuzeichnen, zeichnete sie alle Informationen auf einer Speicherkarte auf. Sie können sich die ganze Arbeit vorstellen , die eine Digitalkamera spart, nur das Kamerasystem selbst, eine einzige Videodatei erstellt, die all diese Fotos oder Bilder pro Sekunde enthält. Es gibt jedoch Digitalkameras, die die Technologie der Filmrolle mit der Speicherkarte kombinieren , um beide Arten von Aufnahmen zu ermöglichen. Es gibt Regisseure, die sich wirklich für diesen analogen Prozess und die Art der Textur interessieren diesen analogen Prozess und die Art der , die dieser Prozess im Bild erzeugt. Natürlich sind diese Kameras sehr teuer, aber was uns zum jetzigen Zeitpunkt dieses Kurses betrifft , da wir in der Regel unabhängige Filmemacher sind oder vielleicht möchten wir zum Beispiel eine kleine Produktionsfirma beauftragen Es ist wichtig, dass Sie lernen, zwei sehr wichtige Dinge zu unterscheiden, die digitale Kinokamera und die DSLR-Kamera Der Hauptunterschied zwischen der Filmkamera und der DSLR-Kamera ist Aufnahmeformat und die Qualität des Sensors Ich denke, die Größe der Kamera spricht für sich. Im Allgemeinen handelt es sich bei DSLRs um Kameras zum Aufnehmen von Fotos, mit denen wir auch Videos aufnehmen und deren Funktionen es uns ermöglichen, Videos auch auf professioneller Ebene recht gut aufzunehmen auch auf professioneller Ebene Aufgrund der Größe der Kameras und ihrer Eigenschaften selbst weist der Sensor jedoch Kameras und ihrer Eigenschaften selbst weist der im Allgemeinen nicht die Lichtempfindlichkeit auf, die eine professionelle Kinokamera haben kann Ich meine, das System komprimiert das Video in einem reduzierten Format, das einfacher und einfacher zu handhaben ist, aber gleichzeitig fehlt ihnen eine Qualität, die es aber gleichzeitig fehlt ihnen eine Qualität, die einem Editor ermöglicht , die Farbe des Videos tiefgreifend zu korrigieren Was das bedeutet. Ich habe dir gesagt, dass die Kameras 24 Fotos pro Sekunde oder mehr aufnehmen. Jedes dieser Fotos hat eine Auflösung, die Auflösung, die jede Fotokamera hat. Die Auflösung hängt jedoch nicht nur der Anzahl der Pixel ab, die das Bild hat, sondern auch von der Menge an Informationen, die jedes dieser Pixel enthalten wird. Wenn es Ihnen sagt, dass die DSLR-Kamera in einem komprimierten Format aufzeichnet , bedeutet dies, dass jedes Pixel jedes Videoframes weniger Informationen enthält Hier sehen Sie ein Beispiel für ein DSLR-Footage. Obwohl es sehr gut aussieht, die Informationen, die jedes Pixel enthält, viel geringer als die eines unkomprimierten Trotzdem gibt es sehr gute DSLRs, denen Sie ein qualitativ hochwertiges, komprimiertes Format wie beispielsweise das Bress-Format aufnehmen können, das alles tut, um die Bildqualität zu Dies ist wichtig zu wissen, da viele von Ihnen eine DSL-Kamera kaufen werden Dies sollten Sie beim Kauf beachten Stellen Sie also sicher, dass die Kamera über den bestmöglichen Sensor verfügt , obwohl sie das Video in einem komprimierten Format aufzeichnet Ich werde Ihnen in der Beschreibung der Lektion die besten Optionen für mich vorstellen. Auf der anderen Seite gibt es professionelle Kinokameras wie die, die Sie auf dem Bildschirm sehen. Der wichtigste Unterschied besteht, wie bereits erwähnt, darin, dass professionelle Filmkameras in einem unkomprimierten Format aufnehmen , sodass das System alle möglichen Informationen von den Lichtsensoren aufzeichnen kann alle möglichen Informationen von den Lichtsensoren Welche sind sehr empfindlich. Professionelle Kinokameras haben eine hohe Lichtempfindlichkeit. Darüber hinaus ermöglicht der Sensor die Erfassung eines größeren dynamischen Farbbereichs. Dies ist für Video-Editoren sehr nützlich , da sie damit die Farbe der Bilder ändern können die Farbe der Bilder ändern , auch wenn die Beleuchtung nicht perfekt ist. Aus diesem Grund zeichnet das System in Dateien ohne Komprimierung auf, um so viele Informationen wie möglich aufzuzeichnen und ein besseres Ergebnis zu erzielen. Auf der anderen Seite werden professionelle Kameras nicht heiß. Sie müssen viele Stunden hintereinander arbeiten. Darüber hinaus verfügen sie über viel mehr Audioeingänge für die Aufnahme von professionellem Audio. Andererseits können Sie heute mit den meisten von ihnen mit mehr Bildern pro Sekunde aufnehmen, was einer höheren Auflösung entspricht, als eine DSLR leisten kann Auf dem Bildschirm können Sie verschiedene Bilder sehen, die mit professionellen Filmkameras aufgenommen wurden Wir werden uns jetzt mit den wichtigsten Teilen der Kamera befassen , einer Filmkamera wie dieser. Diese Details müssen Sie kennen, um bei einer Filmproduktion und Werbung oder beispielsweise bei einem Kurzfilm Regie führen zu können einer Filmproduktion und Werbung oder beispielsweise bei einem Kurzfilm Regie . Es gibt nicht wirklich viele, aber da Sie Regisseur werden möchten, müssen Sie sie kennen, um Ihre Ideen einem Produktionsteam richtig mitzuteilen . Das Erste, was Sie wissen sollten, ist, was das Bild qualitativ hochwertig macht . Ist es das****? Ist es die Kamera? Ist es das Licht? Sagen wir das. Es ist eine Summe von allem. Fangen wir mit dem ersten an. Was die Qualität des Bildes am meisten beeinflusst, ist hauptsächlich die Qualität des****. Es ist notwendig, dass das**** dort wirklich professionell und anspruchsvoll ist. Fotoobjektiven und Kinoobjektiven besteht darin, Der Hauptunterschied zwischen Fotoobjektiven und Kinoobjektiven besteht darin, dass gefilmte Objektive anspruchsvoller und unbequemer sind, da sie darauf spezialisiert sind , das Beste aus dem, was wir aufnehmen, herauszuholen. Bei Fotoobjektiven sind sie an die Bedürfnisse und die praktische Anwendbarkeit angepasst , die ein Fotograf beim Fotografieren benötigt Beispielsweise ist der Gewichtsunterschied zwischen den Objektiven ein wichtiger Faktor Und das liegt an der Natur des**** selbst. Sowohl Foto- als auch Kinoobjektive zeigen etwas. Sie haben einen ersten Ring zur Steuerung Blende und einen zweiten Ring zur Steuerung des Fokus. dem Aperturblendenring Mit dem Aperturblendenring können wir die Lichtmenge steuern , die in den Kamerasensor und den Fokusring eindringt , die Bildschärfe Da Kinoobjektive von besserer Qualität sind, haben sie natürlich eine größere Blende, das heißt, sie können das Licht besser hereinlassen Dort auf dem Bildschirm sehen Sie ein Beispiel für eine Blende. Je weiter sich das Diaphragma öffnet, desto intelligenter ist die Zahl. Diese Zahlen sind die universelle Methode , um die Öffnung der Blende zu identifizieren. Denken Sie daran, dass die Apertur umso größer ist, je kleiner die Zahl ist. Lass dich damit nicht verwechseln. Bei Fotoobjektiven haben viele von ihnen jedoch einen dritten Ring, dem wir die Summe von **** ändern können. Das heißt, da es sich um praktischere Objektive handelt, kann der Fotograf durch einfaches Bewegen des Rings von 24 Millimetern auf 105 Millimeter 24 Millimetern auf 105 Millimeter wechseln. Das ist wichtig, denn wenn es um Kinoobjektive geht, benötigen wir ein ****-Etui, das jedes der Objektive enthält , die wir verwenden möchten. Das sind 120, 4 Millimeter, weitere 36 Millimeter, weitere 50 Millimeter, also 105 Millimeter usw. Ich werde dir etwas Wichtiges zu den Objektiven , der Brennweite, erklären dir etwas Wichtiges zu den Objektiven , der Brennweite, , aber ich werde das später im Kurs auch erwähnen , damit du dich gut daran erinnerst Die Brennweite ist die Fähigkeit des ****, einem Objekt im Detail näher zu kommen. Je größer die Brennweite des**** ist, desto größer werden die Millimeter sein. Daher werden wir Objekte aus der Nähe sehen. Wir werden sogar in der Lage sein, Objekten sehr nahe zu kommen, um ihre Details zu sehen und sogar Objekten oder Orten in der Ferne näher zu kommen . Auf der anderen Seite ein **** mit einer kurzen Brennweite, ein Verlust, um mehr Platz im Bild einzufangen . Ich meine, der Blickwinkel ist breiter. Ich will damit nicht sagen , dass man einen großen Raum nicht mit **** oder mehr Millimetern erfassen kann . Ich versuche damit zu sagen , dass je kleiner die Millimeter der Objektive sind, desto mehr Raum können Sie einfangen, auch wenn dieser Punkt mit dem anderen **** sehr nah an Ihnen ist . Bei einem höheren Millimeter müssten Sie sich viel weiter aus dem Raum herausbewegen um die gleiche Menge an Raum zu erfassen All das bedeutet natürlich, dass die Objektive das Bild verzerren, und Sie sollten sich das auswendig merken Alle Objektive verzerren das Bild. Diese Verzerrung hat eine filmische Bedeutung. Das werden wir später im Kurs sehen. Achte auf dieses Beispiel. Auf dem Bildschirm können Sie den Unterschied darin sehen, wie jedes **** die Form der Büste verzerrt Bei Verwendung von **** oder mehr Millimetern scheint sich das Bild zu den Seiten hin weiter zu vergrößern, und die Perspektive im Bild ist weniger Jetzt werde ich zu 24 Millimetern wechseln. Bei dieser Foto**** werden Sie vielleicht feststellen, dass die Büste viel weiter entfernt aussieht, obwohl sich die Kamera in derselben Entfernung vom Objekt befindet wie bei Verwendung der vorherigen **** , um dieselbe vorherige Aufnahme zu machen Jetzt muss ich näher an das Boot herankommen. Jetzt können Sie feststellen, wie die starke Perspektive das Bild aufgrund der Beschaffenheit des **** und seines größeren Betrachtungswinkels verzerrt das Bild aufgrund der Beschaffenheit des **** und seines größeren Betrachtungswinkels Schauen Sie sich die beiden Bilder gleichzeitig an, sodass Sie den Unterschied in der Bildverzerrung feststellen Fotoobjektive ähneln Filmobjektiven. Nur leichter und praktischer angepasst an die Umstände , dass Sie als Fotograf unterwegs sind und sich von einer Seite zur anderen bewegen. Daher haben Fotoobjektive ein stabilisatorisches Bild. Viele von ihnen haben Autofokus, die in unseren ER-Tuben mit dem Kameragehäuse verbunden in unseren ER-Tuben mit dem Kameragehäuse Darüber hinaus sollten Sie wissen, dass jede Kamera, sowohl Film- als auch Fotokamera, über eine spezielle Adapterbahn verfügt die das **** an die Kamera angeschlossen Das sollten Sie beim Kauf der Objektive berücksichtigen beim Kauf der Objektive In Bezug auf die Kamera meine ich das Kameragehäuse. Die wichtigsten Merkmale, die USI-Direktoren kennen sollten, sind die folgenden Das erste ist, dass Sie den ISO-Wert und die Temperatur im Kamera-Setup steuern können ISO-Wert und die Temperatur im Kamera-Setup steuern Die ISO-Empfindlichkeit ist die Empfindlichkeit , mit der der Sensor das Licht einfangen muss . So einfach ist es, je höher der Wert ist, desto größer ist die Kapazität der Kamera, Licht einzufangen. , Wenn Sie beispielsweise bei Nachtaufnahmen den ISO-Wert erhöhen kann die Kamera viel mehr Details der Nacht aufnehmen. Je mehr ISO die Kamera hat und je besser der Sensor ist, desto teurer ist die Kamera natürlich die Kamera hat und je besser der Sensor ist, . Andererseits handelt es sich bei der Temperatur um eine Farbe, die die Kamera bei der Aufnahme des Bildes hat. Es gibt warme Temperaturen mit Farben, die eher in Richtung Rot tendieren, und kalte Temperaturen mit Farben, die eher in Richtung Blau gehen. Ein weiteres Hauptmerkmal der Kamera ist die Auflösung und das Format. Was die Auflösung betrifft, gibt es mehrere Formate: HD, zwei K, was größer ist, und sechs Tasten oder auch acht Tasten. Sie sind die Anzahl der Pixel für jedes Bild im Video. Bei Filmkameras können Sie auch das Aspect-Radio ändern. Auf diese Weise können wir die Form des Radius des aufgenommenen Bilds so ändern , dass er zu den Seiten hin breiter oder quadratischer ist zu den Seiten hin breiter oder quadratischer Dies wird verwendet, um das Bild an die möglichen Bildschirme anzupassen. Hier sehen Sie drei Beispiele. Der Vierdrittel-Aspekt des Radios , der der alten Fernseher war, auch der 169 , der heute bei allen digitalen Fernsehgeräten am weitesten verbreitet ist , und der 23091, der wie die Leinwand im Kino aussieht Das hat nichts mit der Auflösung selbst zu tun, sondern mit dem Aussehen des Videos Der andere Parameter, den Sie in der Kamera steuern können, ist die Bildrate. Ich meine, die Bilder pro Sekunde. Das Kino hat in der Regel 24 Bilder pro Sekunde. Wenn Sie jedoch etwas aufnehmen und es später in der Ausgabe in Zeitlupe aufnehmen möchten , denken Sie daran, dass mehr Bilder pro Sekunde vorhanden sein müssen. Denn wenn es keine Zeitlupe ist, müssen wir weiterhin 24 Bilder pro Sekunde sehen , auch wenn sich das Bild sehr langsam bewegt. Wir brauchen also mehr Bilder pro Sekunde. Zum Beispiel 60 Bilder pro Sekunde oder 120 oder noch mehr. Und schließlich ist da noch das Aufnahmeformat. Filmkameras zeichnen in einem komprimierten Format auf. Eines der gängigsten Formate ist das M X, aber im Allgemeinen bieten sie auch die Möglichkeit, ein qualitativ hochwertiges, komprimiertes Format namens Progress aufzunehmen . Alles, was ich Ihnen gerade gezeigt habe , ist alles, was Sie als Filmregisseur über die technischen Elemente der Kamera wissen müssen als Filmregisseur über . Alles andere ist irrelevant. Was Sie zu einem guten Filmregisseur macht , hat nichts damit zu tun , die Kamera zu kennen. Zum Glück werden wir all das in diesem Kurs sehen , und ich meine das sehr ernst Lassen Sie sich nicht auf technische Aspekte ein. Denn selbst wenn du zum Beispiel Kameramann werden willst , brauchst du als Künstler wirklich die Fähigkeit, bis zur nächsten Lektion gute Bilder, gute Geschichten und ein gutes Filmprodukt zu entwickeln gute Geschichten und nächsten Lektion gute Bilder, gute Geschichten und ein gutes Filmprodukt 3. BELEUCHTUNG: Hallo Leute. Diese Lektion ist sehr wichtig , weil alles darauf ankommt , Geschichten mit Licht zu erzählen. Mein Ziel mit diesem Kurs ist es, Ihnen die Werkzeuge an die Hand zu geben denen Sie Geschichten erzählen können, indem Sie Filme drehen. Um dies zu erreichen, müssen wir uns bewusst sein , was Licht in Sinus bedeutet. Eine der besten Inspirationsquellen , die wir haben können, um den Einsatz von Licht zu verstehen ist die Malerei der Barockzeit. Viele Menschen glauben, dass der Realismus der Dramen die Gemälde dieser großen Meister attraktiv gemacht dieser großen Meister attraktiv hat, und das ist nicht der Fall Tatsächlich gibt es heute Maler, Zeichner, die realistische Zeichnungen anfertigen können, die im Detail viel realistischer sind als die der Das Erste, was Sie verstehen müssen, ist, dass es nicht nur einen Weg gibt, die Szenen zu beleuchten Es wäre so, als würde man sagen, dass es nur eine Art zu malen gibt. In diesem Sinne müssen Sie berücksichtigen, dass das, was ich Ihnen in diesem Moment beibringen werde , meine Sicht auf meine Erfahrung ist , Lichtszenen. Ich bin Maler und Zeichner. Ich habe an der renommiertesten Kunstschule meines Landes studiert renommiertesten Kunstschule meines Landes studiert Ich konnte lernen, welche Elemente große Maler zu einer künstlerischen Referenz machten Wenn es in der Kunstgeschichte einen Moment gibt, in dem Licht zu einem künstlerischen Signifikator wurde, dann war es in der Barockzeit Einer der größten Vertreter war Carvallo, sein Leben wirklich der Übertragung von Emotionen mit Licht widmete Übertragung Aber es gab viele andere , die sich von Carvallo inspirieren ließen , auch beim Malen Emotionen zu vermitteln Eines der Hauptziele der Beleuchtung in der Barockzeit war es, die Dreidimensionalität der Gesichter und das Konzept der Figur in den Kompositionen zu bewahren die Dreidimensionalität der Gesichter und das Konzept der Figur in den Kompositionen zu Die Maler fanden, dass der beste Weg, dies zu erreichen, darin bestand, eine Hauptlichtquelle zu verwenden, die von einer Seite kommt Damit der auf dem Gesicht erzeugte Kontrast die Tiefe des Gesichts und seinen Platz im Raum ästhetisch Gesichts und seinen Platz im Raum Dies ist einer der Gründe, warum selbst im Freien die besten Stunden des Tages für die Beleuchtung in der Dämmerung und im Sonnenuntergang sind Weil das Licht von der Seite kommt und die Dreidimensionalität erzeugt, die in diesem Sinne als Regisseure in Mode war die in diesem Sinne als Regisseure in Mode Bei der Beleuchtung eines Innenraums können Sie eine Hauptlichtquelle von einer Seite verwenden, die künstlich oder natürlich sein kann In dem Beispiel, das Sie sehen, ist es natürlich, das natürliche Licht das durch das Fenster fällt. Aber achten Sie auf diesen Barockmaler namens Johannes Beer Meer , der genau das getan hat, was ich hier mache. Seine Werkstatt hatte große Fenster , durch die das Licht von einer Seite drang. Und er schuf Szenen mit Menschen auf die gleiche Weise wie in einem Film. Tatsächlich gibt es einen Film über diesen Maler, in dem Scarlet Johansen die Hauptdarstellerin Ger mit Perlenurin ist mit Das ist das Prinzip, nach dem ich Licht in meinen Sinnen erzeugt habe Licht in meinen Sinnen erzeugt Die Hauptlichtquelle war jedoch nicht immer die einzige Manchmal war es notwendig , das Figurgrund-Konzept beizubehalten. In Gemälden bedeutet dieses Konzept zweierlei. Einerseits die Hauptfigur auf die eine oder andere Weise, losgelöst vom Hintergrund, auch wenn der Hintergrund keine Bedeutung hatte. Und auf der anderen Seite, dass es einen Zusammenhang zwischen der Umgebung und der Figur gab . Um dies zu erreichen, fügten die Maler eine zweite Hintergrundlichtquelle hinzu, die Hauptfigur so umriss , dass sie sich vom Hintergrund abhob Dieses Licht könnte von beliebiger Natur sein, es könnte natürlich sein. Ich meine die Reflexion, die von Spiegeln oder weißen Kleidungsstücken erzeugt wurde, die zu dieser Zeit üblich waren. Heute gibt es ausgefeiltere Tools wie Rebounder, die viel effizienter sind Andererseits könnte das Licht aber auch künstlich sein Zu dieser Zeit wurden Kerzen verwendet. Natürlich werden heutzutage Lampen verwendet, aber wenn es für die Szene notwendig ist, könnten Sie auch Kerzen verwenden. Außerdem könnte sich dieses zweite Licht an verschiedenen Positionen befinden. Erstens, wie gesagt, von hinten, um den Charakter vom Hintergrund zu lösen Es wurde aber auch verwendet, um die Farbe des schattierten Teils des Gesichts zu ändern die Farbe des schattierten Teils des Ich meine, dass der Teil des Tempos, der schattiert ist, ein weiches Licht hat , was seine Textur interessant macht Andererseits erzählt uns dieses sanfte Licht etwas über den Ort, über die beleuchteten Dinge, die sich an diesem Ort befinden, und das bedeutet, Dinge mit Licht zu erzählen Sehen wir uns jetzt ein paar Beispiele auf dem Bildschirm an. In dieser Geruchsszene verwende ich dieses Prinzip. Das Morgenlicht beleuchtet einen Teil des Gesichts, aber die Höhle verdunkelt den anderen Erzeugt dieses natürliche Vokal - und Bildgefühl im Bild Schauen Sie sich nun dieses andere Beispiel an, das sich in einem Haus befindet Das Hauptlicht fällt durch die Fenster ein und beleuchtet eine der Sehenswürdigkeiten, aber durch die Kerzen wird zusätzliches Licht erzeugt diesen beiden Beispielen handelt es sich um Szenen in unterschiedlichen Umgebungen, aber sie haben beide dasselbe Prinzip Natürlich gibt es auch andere Arten kommerzieller Beleuchtung, aber mein Ziel ist es, Ihnen beizubringen, mit Licht Geschichten zu erzählen , damit Ihre Filme überzeugend, künstlerisch und interessant aussehen . Bei der Kamera und den Objektiven muss ein wichtiges Detail berücksichtigt werden. Es ist so, dass die Blende der Linsen niemals das natürliche Licht des Ortes und der Objekte verzerren sollte , da sie die Art der Form der Dinge verändert Außerdem sieht es einfach schrecklich aus. Außerdem müssen wir versuchen, den ISO-Wert so niedrig wie möglich einzustellen , damit der Kamerasensor keine Anstrengungen unternimmt , das Licht einzufangen. Und Sie sollten die Blenden**** so einstellen , dass das Bild wirklich dem ähnelt, was wir direkt mit unseren Augen sehen. Wenn es um die Beleuchtung von Filmen geht, versuchen Kameraleute in der Regel, die Hintergründe unscharf zu machen, um die Hauptfigur bei Bedarf aus dem Hintergrund herauszuholen herauszuholen Um das zu erreichen, werden ND-Filter verwendet. Sie können intern sein, was bedeutet, dass sie standardmäßig mit der Kamera geliefert werden, oder externe, die mit Zubehör hinzugefügt werden. Die Filter werden dann verwendet, um die Lichtintensität zu verringern, sodass Sie die Blende des **** öffnen können, sodass mehr Details in den Sensor gelangen , ohne das Bild zu verbrennen. Infolgedessen ist es uns gelungen, die filmische Qualität des Bildes weiter zu verbessern, da wir die Hintergründe weiter verwischen und alles weicher und filmischer aussehen lassen können alles weicher und filmischer aussehen lassen Zum Glück ist dies nicht die einzige Lektion, in der wir über Licht sprechen werden Weil es ein wesentliches Thema jeder Filmsprache Ich empfehle Ihnen dringend, in die Welt der Kunst, der Malerei, einzutauchen , damit eine echte Sensibilität für Emotionen durch Licht entsteht , wenn Sie Museen besuchen, zum Fotoausstellungen besuchen Etwas sehr Wichtiges. Anstatt für Netflix zu zahlen, für Dreharbeiten zu zahlen oder eine Plattform zu sein , finden Sie dort eine bessere Anzahl von Filmen aus der ganzen Welt. Sehr gut qualifiziert, in denen Licht mit echtem Talent eingesetzt wird. Es spielt keine Rolle, ob Ihr Lebenszweck darin besteht, kommerzielle Filme oder Werbung zu drehen. Es spielt keine Rolle, denn wenn Sie schaffen, bessere künstlerische Referenzen zu haben, wenn Sie es schaffen, eine größere Lichtempfindlichkeit zu entwickeln, wäre alles, was Sie tun das Nebenprodukt all dieser Referenzen Und deshalb werden Sie bis zur nächsten Lektion ein höheres künstlerisches Niveau erreichen bis zur nächsten Lektion ein höheres künstlerisches Niveau 4. Von einer Idee zum Filmemachen: Hallo Leute. Wo wir anfangen, wenn es darum geht, Drehbuch zu schreiben, jeden Film, jedes Filmprojekt. Beginnt mit einer Idee. Eine Idee, die wir erzählen und in die Filmsprache zerlegen wollen in die Filmsprache zerlegen Bevor wir jedoch mit der Eingabe des ersten Wortes beginnen, müssen wir uns darüber im Klaren sein, dass diese Idee das audiovisuelle Konzept des Filmprojekts in sich enthalten muss das audiovisuelle Konzept des Filmprojekts in sich Konzept des Filmprojekts Wir wollen den Kurzfilm machen, den wir machen wollen, oder sogar die Werbung, die wir machen wollen. Sie müssen bedenken , dass Werbung auch diese weiße Filmsprache enthält Wie viele andere audiovisuelle Projekte heutzutage muss auch diese Hauptidee so geschrieben und ausgearbeitet werden , dass jedes Produktionsteam sie verstehen und weiterentwickeln kann In diesem Zusammenhang gibt es ein Arbeitstool, das es uns ermöglicht, eine Idee auf einer Seite, dem Drehbuch oder einem Drehbuch festzuhalten . Dies ist nichts weiter als ein Tool, mit dem wir mit jeder Person in einem Produktionsteam kommunizieren jeder Person in einem Produktionsteam Mit anderen Worten, verschiedene Produktionsteams sollten in der Lage sein, die Hauptidee desselben Filmprojekts bei ihren jeweiligen Dreharbeiten festzuhalten desselben Filmprojekts bei , ohne ein Drehbuch zu stark zu verzerren oder zu modifizieren Aber die Ideen sollen von einer Grundlage ausgehen. Ich meine, bevor Sie ein ganzes Drehbuch erstellen, müssen Sie einen Einblick in Ihr Projekt haben, einen Einblick in Ihre Geschichte Es gibt also Schreibgeräte, die es uns ermöglichen, Ideen zu entwickeln, bevor wir uns auf das Filmprojekt einlassen Im Detail gibt es zwei konzeptionelle Informationen über unsere Geschichte oder das Filmprojekt selbst. Wir können dies auf zwei Arten präsentieren. Auf der einen Seite ist da das hohe Konzept. Auf der anderen Seite gibt es die Tac-Linie. Aber was ist der Unterschied zwischen diesen beiden? Die Tach-Linie ist ein Tool, mit dem wir den Inhalt der Geschichte eines Films zusammenfassen können, um beim Publikum und bei den Zuschauern Verständnis zu wecken Dies ist das Hauptziel der Tac-Linie. Darüber hinaus wird es uns die Tac-Linie nicht ermöglichen, dem Produktionsteam Ideen für die Erstellung des Filmprojekts selbst zu geben die Erstellung des Filmprojekts selbst zu Die Taktlinie ist im Allgemeinen ein Satz, eine Aussage, ein Satz, der das Konzept enthält, was das Büro im Kino sehen wird In Anbetracht dessen können wir nicht nur den Slogan verwenden, sondern auch die Logzeile, die Ladenzeile und schließlich die Zusammenfassung Dieser letzte Schritt wäre der letzte Schritt. Die Zusammenfassung des Slogans ist ein Satz. Die Logzeile wäre zum Beispiel eine Art Absatz, der die ganze Geschichte enthält Und schließlich die Handlung, die fast der Zusammenfassung entsprechen würde Normalerweise nimmt die Zusammenfassung eine ganze Seite und die Handlung eine Ich werde als Beispiel den Film Alien in the Space verwenden Film Alien in the Niemand kann dich schreien hören. Dieser Satz könnte perfekt auf dem Filmplakat oder der Landingpage einer Plattform stehen, um Sie zum Beispiel zum Ansehen des Films einzuladen Dies ist ein perfektes Beispiel für eine Tackline, denn sobald Sie sie sehen, fragen Sie sich, warum ich schreien werde? Werde ich das Gefühl haben, im Kino schreien zu wollen, wenn ich mir den Film ansehe Das ist die Frage. Was ist so furchtbar, dass ich im Kino schreien werde? Es ist also ein Satz, der uns einlädt, den Film direkt zu sehen Einfach, aber auf der anderen Seite funktioniert das hohe Konzept anders. Das hohe Konzept ist nicht für das Publikum gemacht. Es ist so konzipiert, dass es eine grundlegende konzeptionelle Idee vermittelt , sodass die Kreativen, Bühnenbildner , kundenspezifische Designer usw., , kundenspezifische Designer usw., Drehbuchautoren und das gesamte Produktionsteam ein Konzept für die Art des Produkts im Kopf haben , kundenspezifische Designer usw., Drehbuchautoren und das gesamte Produktionsteam ein Konzept für die Art des Produkts im Kopf , das sie kreieren werden Nehmen wir den Film Titanic als Beispiel. Was ist das hohe Konzept dieses Films? Bleiben Sie auf Julia auf einem Schiff Sie können diesen Satz nicht auf das Filmplakat kleben, zuallererst, weil er fast der Spoiler ist Und außerdem fehlt es an Emotionen und Geschichtenerzählen. Das ist das hohe Konzept des Films. Ich meine, James Cameron ging zur Produktionsfirma , um dieses Projekt vorzustellen. Er brach mit einem Gemälde des sinkenden Schiffes, der Titanic, in ihr Büro mit einem Gemälde des sinkenden Schiffes, der Titanic, ein und erzählte ihnen, Romeo und Julia auf diesem Schiff sind, offensichtlich ein Schiff, das sinken wird, was absolut dramatisch ist Der Zuschauer weiß, worum es am Ende geht, aber die Hauptfiguren Das ist die Ironie. Natürlich können wir entweder das Konzept von Tack Line oder High Glen verwenden entweder das Konzept von Tack Line , um unsere Arbeit zu konzeptualisieren , um uns mit jeder Phase der Entwicklung eines Filmprojekts zu befassen jeder Phase der Entwicklung eines Aber nehmen wir an , wir wollen ein Filmprojekt machen Ein Projekt, das wir im Kino sehen wollen . Um die ersten Ideen für das Filmprojekt zu entwickeln, müssen wir wissen, worum es bei unserem Projekt geht. Wird unser Film ein Projekt sein, dessen Ziel es ist, zum Beispiel Menschen in die Kinos zu bringen? Oder wollen wir, dass unser Film zum die offizielle Auswahl eines Beispiel in die offizielle Auswahl eines europäischen Festivals aufgenommen wird? Es gibt zwei verschiedene Ziele. Wollen wir die Aufmerksamkeit des Betrachters vollständig auf uns ziehen oder wollen wir die traditionelle Filmsprache überschreiten Das sind die Fragen, die du stellen solltest. Das sind zwei verfügbare Optionen , die wir von Anfang an festlegen mussten. müssen wir wissen, um die Art der Sprache zu bestimmen , die wir beim Schreiben verwenden werden, zum Beispiel die Vereinigten Staaten. Sie sind auf die globalisierte Handelssprache Ich meine, weil sie einen großen Teil der Branche kontrollieren, ist das eine Option Auf der anderen Seite gibt es den europäischen Markt und sogar den Stern-Markt , dessen Zielgruppe ganz anders ist. Es ist eine Art experimentelles Kino und es richtet sich an fast alle intellektuellen Eliten, die zum Beispiel die Filmkritik auf den wichtigsten Festivals in Europa unterstützen Filmkritik auf den wichtigsten Festivals in Europa In dieser Hinsicht gibt es jedoch etwas sehr Wichtiges zu berücksichtigen Sie müssen die Vorurteile von sich lassen , bevor Sie ein Filmprojekt in Angriff nehmen . Wir müssen verstehen, dass es keine künstlerischere Sprache gibt als andere. Denn sowohl Superhelden als auch soziale Filme haben die Chance, alltäglich zu werden Trotz der Tatsache, dass ein Filmprojekt ein künstlerisches Werk ist, hat seine Entwicklung praktisch den Prozess einer akademischen Weil wir uns über die Ziele und die Instrumente im Klaren sein müssen , die wir einsetzen werden, um diese Ziele zu erreichen. Das Drehbuch wurde zu Beginn des 20. Jahrhunderts von einer Gruppe von Anthropologen, Psychologen, Geschäftsleuten usw. entwickelt Beginn des 20. Jahrhunderts von , die ebenfalls Produzenten waren, die einen industrialisierten Weg finden wollten, um Geld zu verdienen, indem sie so viele Menschen wie möglich in ein Kino bringen der Folge gelang es ihnen, eine vernetzte Werkzeugstruktur zu entwickeln, die auf dem Aufmerksamkeitsprozess des Menschen basiert In der Folge gelang es ihnen, eine vernetzte Werkzeugstruktur zu entwickeln, die auf dem Aufmerksamkeitsprozess des Menschen basiert . Ein Prozess der Aufmerksamkeit zuvor von Psychologen untersucht wurde Das Ergebnis ist die Konstruktion einer Struktur mit unterschiedlichen Aufmerksamkeitspunkten , um das Publikum für einen bestimmten Zeitraum mit dem Bildschirm in Verbindung zu halten . Aber zusätzlich wird diese Struktur durch eine Art von Aufmerksamkeit beim Menschen aufrechterhalten, unwillkürliche Aufmerksamkeit, eine Art Aufmerksamkeit, die Menschen nicht Das ist die Art von Aufmerksamkeit, mit der die Geschichte das Publikum fesselt, die Leute einbezieht Zum Beispiel die Aufmerksamkeit, die wir haben, wenn wir einen plötzlichen Verkehrsunfall sehen mitten auf der Straße einen plötzlichen Verkehrsunfall sehen. Egal wie beschäftigt Sie sind, Sie können nicht anders, als sich dem Unfall zuzuwenden, um zu sehen, was passiert. Ausgehend von diesem Prinzip bauen sie eine Struktur aus drei Akten auf, bauen sie eine Struktur aus drei Akten die durch Handlungspunkte unterteilt , die die Aufmerksamkeit des Publikums während der gesamten Geschichte auf sich ziehen. Darüber hinaus beginnt diese Struktur mit dem ersten Akt und endet am ersten Handlungspunkt. Ich meine, der erste Akt, dann ein zweiter Akt, dann gibt es einen Mittelpunkt genau in der Mitte der Geschichte Und schließlich ein zweiter Handlungspunkt , der zum dritten Akt führt Diese gesamte Reise in drei Akten musste von der Figur erlebt werden , die der Protagonist der Geschichte ist Diese Reise sollte den dramatischen Verlauf unserer Geschichte beinhalten den dramatischen Verlauf unserer Geschichte Dieses dramatische R wird es uns ermöglichen, während der gesamten Geschichte mit dem Charakter verbunden zu sein . Während des gesamten Films beginnt unsere Hauptfigur diese Reise mit einer Art von Gedanken oder Ideen und lernt dann eine Lektion, indem sie diese Reise, diese Geschichte erlebt. Und schließlich, am Ende des Films, ist er innerlich oder äußerlich eine andere Person. Fast alle erfolgreichen Filme in der Geschichte des Kinos haben dieses besondere Merkmal. Darüber hinaus ist es wichtig zu wissen dass kommerzielle Kinos, da die Verbindung zum Publikum sicherstellen müssen , um eine Kinokasse zu gewährleisten, sie die Verbindung zum Publikum sicherstellen müssen, um eine Kinokasse zu gewährleisten, dazu neigen, diese Struktur viel häufiger zu nutzen, da es für Geschäftsleute notwendig ist , Garantien zu haben In diesem Sinne können wir von kommerziellen Filmen für das kommerzielle Kino viel lernen , obwohl wir auch berücksichtigen müssen , dass wir aus genau diesem Grund mehr ähnliche Geschichten in kommerziellen Filmen finden mehr ähnliche Geschichten in genau diesem Grund mehr ähnliche Geschichten in kommerziellen Filmen In gewisser Weise sollten diese Merkmale sowohl im Kino als auch in kommerziellen Filmen vorhanden sein . Aber gleichzeitig müssen wir versuchen, originell zu sein. diesem Grund versuchen wir im Kino, die Regeln zu brechen. Aber die Strukturen an sich zu durchbrechen , bedeutet nicht, dass du gut sein wirst. Wir müssen es kreativ machen. Um erfolgreich zu sein. Dies ist jedoch nicht das einzige wichtige Merkmal des indischen, experimentellen Kinos Tatsächlich ist diese Art von Kino überall zu finden. Nicht nur in Europa, wir finden es auch in Asien, Lateinamerika und den Vereinigten Staaten selbst. In diesem Sinne versucht diese Art von Kino oft, einen Moment, einen Inhalt, eine Zeit, ein altersgeschichtliches Ereignis darzustellen Inhalt, eine Zeit, ein altersgeschichtliches Ereignis das wichtiger ist als die Geschichte an sich Tatsächlich gibt es in den letzten Jahren eine wachsende Welle von Veröffentlichungen dieser Art von Filmen Ein perfektes Beispiel dafür, wovon ich spreche , ist der Film von Rom. In diesem Film hat die Protagonistin, die Hauptfigur, das Hausmädchen, kein wichtiges Ziel, obwohl sie schwanger wurde, ohne es in der Geschichte zu planen Weißt du, sie versucht, dieses Problem zu lösen, aber ihr Ziel ist nicht so wichtig, weil wichtig ist, den Kontext darzustellen , in dem sie lebt Der Kontext, in dem die Geschichte in diesem Kontext spielt , ist die berühmte Tragödie , die sich in den 70er Jahren in Mexiko ereignete, das Fronleichnamassaker Für den Regisseur war es notwendig, Mexiko in den 70er Jahren zu porträtieren, um dem Zuschauer das Gefühl zu geben, Zeuge dessen zu sein, was zu dieser Zeit Zeuge dessen zu sein, was Die Geschichte selbst, der Charakter, ist der Vorwand, um diese Art von Geschichten, diese Art von Filmen Wir könnten sie mit den barocken Gemälden von Clue vergleichen oder mit einigen kleinen Figuren, aber es gab einfach einen Vorwand, um eine wunderschöne Landschaft darzustellen Auf der anderen Seite funktioniert das im kommerziellen Kino normalerweise nicht, denn zurück zu dem Fall, wie viele Menschen generell im Massenverbrechen in Mexiko versteckt sein könnten generell im Massenverbrechen in Mexiko versteckt sein Regel gibt es Intellektuelle, Menschen mit einem anderen Hintergrund, die mehr Interesse haben In der Regel gibt es Intellektuelle, Menschen mit einem anderen Hintergrund, die mehr Interesse haben als die klassische Struktur eines Films Aber lassen Sie uns diese Struktur überprüfen , weil sie nicht so einfach ist, wie es scheint Repräsentiert sich eine Struktur in der Reise des Charakters? Unser Charakter beginnt eine Geschichte in einer Welt, in der relativer Frieden herrscht. Diese Welt wird im ersten Akt dargestellt, aber unmittelbar zu Beginn des ersten Aktes passiert etwas in der Welt des Charakters, passiert etwas in der Welt des Charakters das das Leben des Charakters erschüttert Dieser Charakter muss sich dieser Situation stellen, um endlich eine Entscheidung zu treffen, die ihn voranbringt Diese Entscheidung wird immer darin bestehen, diese Situation zu überwinden , den Konflikt, der ihm zu Beginn der Geschichte präsentiert wurde . Sobald er diese Entscheidung getroffen hat, geht der Charakter in den zweiten Akt über, wo es den Anschein hat, dass er sie wirklich treffen wird. Dies ist der erste Teil des zweiten Aktes, der als letzte Spiele bezeichnet wird, aber dieser zweite Akt hat einen Mittelpunkt, an dem es in diesem Moment ein großes und unerwartetes Hindernis gibt. Die antagonistische Kraft unserer Geschichte, die durch einen anderen Charakter dargestellt und repräsentiert werden kann durch einen anderen Charakter dargestellt und repräsentiert Zum Beispiel vielleicht eine Gruppe von Charakteren oder ein klimatisches Was auch immer es ist, diese Macht scheint es schaffen zu können, unseren Hauptcharakter zu besiegen. Aber am Ende dieses zweiten Aktes denkt unser Charakter wieder tief nach und sammelt die Kräfte, um eine weitere Entscheidung zu treffen Die wichtigste Entscheidung in der Geschichte, die ihn zum zweiten Handlungspunkt der Struktur führt, ist, dass er diese Entscheidung trifft Wir befinden uns im dritten Akt , der Auflösung der Geschichte. Ich kann Ihnen nur empfehlen, sich Filme von Alfonso Quaran anzusehen, da er es schafft, sowohl kommerzielle als auch Indie-Filme zu sowohl kommerzielle als auch Er beherrscht beide Sprachen. Ich hatte Run schon einmal kommentiert, aber er hat auch bei Gravity Regie geführt. Diese beiden Filme hatten völlig unterschiedliche Sprachen, aber sie repräsentieren genau das, was ich Ihnen zu erklären versuche. Außerdem ist es ein getreuer Beweis dafür, dass man mit einer dieser beiden Sprachen außergewöhnliche Filme drehen kann. Das Beispiel der Schwerkraft ist das klassische Hollywood-Kino. Perfekt, weil die Hauptfigur ein unerfahrenes Astronautenmädchen ist , das wegen seiner Fähigkeit, Satelliten zu reparieren, engagiert wurde Wenn der Film die Hauptrolle spielt, scheint alles normal zu sein. Es scheint, dass nichts die Ruhe der Mission beeinträchtigen kann die Ruhe der Mission Das Gefühl eines guten ersten Aktes, denn Sie sollten von allem, was später passiert , sehr überrascht Doch plötzlich nähert sich eine Trümmerlawine eines russischen Satelliten ihrer Mission Das erschüttert die friedliche Welt, in der sie sich befand, völlig. Sie kämpft mit dem Captain ums Überleben, aber der erste Handlungspunkt kommt Sie muss die Entscheidung treffen, alleine zu gehen. Von da an kann sie zurückkehren. Sie kann nicht zurückkehren. Nur sie kann weitermachen und all ihre Ängste überwinden , eine unerfahrene Astronautin zu sein In der Mitte stößt sie auf alle möglichen Schwierigkeiten. Es ist natürlich etwas schwieriger, bis sie am Ende des zweiten Aktes die Hoffnung verliert und das Raummodul herauszieht, das ist kurz vor dem zweiten Handlungspunkt, wo alles verloren zu sein scheint, aber plötzlich taucht wieder die Captime auf, was natürlich nur ihre Fantasie ist Ich denke, du kannst dir den Film auch ansehen, um dir das anzusehen. Aber dieser Traum veranlasst sie, eine andere Entscheidung zu treffen, das Weltraummodell auszuschalten Wieder der Weltraumschatten. Diese Entscheidung ist der zweite Blutpunkt der Geschichte, der uns zur Auflösung des Films führt. So wie ich es dir sage, scheint es sehr einfach zu sein. Aber was wirklich schwierig ist, ist, jede Geschichte an die Struktur anzupassen , sodass sie uns jedes Mal überrascht, wenn wir den Film sehen. Sie könnten diese beiden Sprachen auch kombinieren , um das Publikum zu bewegen und zu überraschen. Weißt du, es ist ein sehr kreativer Weg. Aus meiner Sicht sind diese beiden Sprachen beide kommerziell. Denn sobald Sie den Gesellschaftsvertrag abgeschlossen Leute um Geld für eine Eintrittskarte zu bitten, ich meine, die Eintrittskarte zu verkaufen Ihren Film anzusehen, erwartet das Publikum , im Gegenzug etwas zu sehen. Sie wollen etwas als Gegenleistung für diesen Geldbetrag spüren . Bei eher unabhängigen und experimentellen Filmen handelt es sich um eine Art von Industrie, die von der mittleren und oberen sozialen Schicht unterstützt wird die von der mittleren und oberen sozialen Schicht , die normalerweise diese Art von Filmen konsumiert. Natürlich werden das traditionelle und das klassische Kino viel mehr Zuschauer haben viel mehr Zuschauer , weil es von allen möglichen Leuten gesehen wird. Es ist wichtig, sich dieser beiden Welten bewusst zu sein, besonders wenn wir anfangen, Filme zu drehen , um keine Zeit und kein Geld zu verschwenden. Diese Anpassungsfähigkeit wird uns in jedem Aspekt des Lebens selbst viel erfolgreicher machen . Wie ich Ihnen bereits gesagt habe, ist es notwendig, Vorurteile abzubauen , um kreativer zu sein und vor allem, von dem Moment an , in dem wir eine Idee entwickeln, Produzenten zu werden. Dies sind sehr verbreitete Dissertationen an Filmhochschulen. Wenn Sie vorhaben, sich mit einem solchen zu beschäftigen, müssen Sie all dies wissen bevor Sie Ihr erstes Filmprojekt in Angriff nehmen Andererseits ist eine der Herausforderungen, denen wir uns normalerweise stellen, wenn wir anfangen , Filme zu drehen, der Kurzfilm. Alles, was ich Ihnen zuvor erklärt habe, basiert darauf , dass ich den Kurzfilm richtig angehen kann. Auf die richtige Weise. Der Kurzfilm hat mehrere Funktionen, mehrere Ziele. Zum Beispiel etwas sehr Wichtiges. Es ist unmöglich, die zukünftige Filmgeschichte in einen 15-minütigen Kurzfilm zu packen. Es ist unmöglich. Menschen brauchen mehr Zeit , um komplexe Geschichten zu verstehen. Sie können jedoch einen Kurzfilm verwenden , um mit Ihrem Produktionsteam zu proben Zum Beispiel Ihr Produktionshinweis. Ich meine, alles, was Sie für professionelle Dreharbeiten mit Lügen und Kostümen, professionellen Schauspielern und dem gesamten technischen Team benötigen. Es gibt noch eine weitere sehr wichtige Sache, die du mit den Kurzfilmen ausprobieren kannst. Eine, die Ihnen helfen wird, mit Ihren zukünftigen Filmprojekten wirklich zu prahlen. Und das ist die Konstruktion eines Charakters. Weil der Charakter während der Geschichte das Spiegelbild des Publikums sein wird. Um diesen Charakter zu entwickeln und ihn für das Schreiben vorzubereiten, müssen wir ein Charakterarbeitsblatt erstellen in dem wir alle Überzeugungen, Eigenschaften, Merkmale, Gewohnheiten, Ängste und Geheimnisse des Charakters aufschreiben Eigenschaften, Merkmale, Gewohnheiten, Ängste werden. Andererseits gibt es auch einen Unterschied, Projekt abhängt, das wir durchführen werden. Wenn es sich bei unserem Projekt beispielsweise eine klassische und traditionelle Geschichte handelt, jedes Merkmal des Charakters muss jedes Merkmal des Charakters einen Zweck in der Geschichte haben. Mit anderen Worten, die möglichen Fähigkeiten und sogar Mängel unseres Charakters müssen es ihm ermöglichen, die Ziele der Geschichte zu erreichen. Andererseits hängen in einer experimentelleren Geschichte in Indien Merkmale der Charaktere nicht unbedingt mit den Zielen der Geschichte zusammen, da sie Teil des Hintergrunds der Geschichte sind. Im römischen Rom zum Beispiel werden die Merkmale, der Glaube und die ethnische Zugehörigkeit des Mädchens so ausgewählt, dass sie ihre soziale Klasse, ihren sozialen Kontext repräsentieren Und sie haben überhaupt nichts mit ihrem Ziel und der Ich meine, der Charakter ist Teil des Ziels, die Umwelt darzustellen Schreiben ist ein sehr langer Prozess der Geduld. Ein Filmregisseur muss nicht unbedingt Drehbuchautor sein, aber er muss die Sprache beherrschen, um das, was der Drehbuchautor erzählen möchte, richtig darstellen zu können was der Drehbuchautor erzählen möchte, richtig darstellen Dies ist das Ende dieser Lektion, aber ich werde in der nächsten Lektion auf dich warten , bis zur nächsten 5. Drehbuch-Seite: In dieser Lektion werden Sie sehen, wie die Drehbuchseite aussieht Es ist wichtig zu berücksichtigen , dass jede Seite eines Drehbuchs, jeder audiovisuellen Produktion auch so aussehen wird . Wo sollten wir anfangen? Wir müssen damit beginnen, zu verstehen, dass eine Seite eines Drehbuchs immer eine Minute eines Films darstellt Dieses Format stammt ursprünglich aus der Zeit, die normalerweise benötigt wird , um eine Seite eines Drehbuchs zu lesen Es ist jedoch keine Konstante, da es länger dauern könnte. Das Erste, was Sie darüber erfahren müssen, sind die Überschriften der Szenen. Headings ermöglicht es uns, das Journal an einem bestimmten Ort zu beschreiben , an dem Acene stattfindet Aber nicht nur das, sondern auch die Zeit, zu der die Szene passiert Die Tageszeit ist wichtig, weil das Produktionsteam weiß, welche Beleuchtung in dieser Szene sein wird. Das erste Detail, das wir in der ASN-Überschrift von links nach rechts finden , ist die Information über den Ort, an dem die Szene gedreht wird, drinnen oder draußen Mit der Aggregation NT für den Innenbereich und EXT für den Als Nächstes käme ein Zeitraum direkt nach diesem Zeitraum. Sie müssen den genauen Ort eingeben , an dem die Szene stattfindet. Dann eine weitere Periode direkt nach diesem Zeitraum, Sie müssen den allgemeinen Ort eingeben. Dann gleich danach eine weitere Periode, Sie müssen den Moment des Tages eingeben. Sie können Tag oder Nacht oder Sonnenaufgang oder Sonnenuntergang schreiben, wie Sie möchten. Es sind nur Lichtdetails. Wenn es dagegen um Überschriften geht, müssen wir, wenn sich die Figur aus dem inneren, dem äußeren Raum bewegt, wenn sich die Figur aus dem inneren, dem äußeren Raum bewegt, die Abkürzung INTS, ET schreiben, um anzuzeigen, dass sich unsere Figur auf diese Weise bewegt, weil die Szene sowohl drinnen als auch draußen beleuchtet sein wird sowohl drinnen als auch draußen beleuchtet Ich sage dir das, weil es Orte gibt , die beide Illuminationen haben Wie zum Beispiel das innere Viereck eines Schlosses. Andererseits müssen Sie bedenken, dass ein Drehbuch immer in Handlungseinheiten geschrieben wird Jeder Satz steht für eine Aktionseinheit. Zum Beispiel betritt Odio den Raum, Odilia sitzt in der Stuhlperiode Vodlio isst langsam, Punkt. Jeder Absatz steht für eine Reihe von Aktionen, die zu einem bestimmten Zeitpunkt stattfinden Es ist wichtig zu lernen, mit diesen Aktionen zu spielen, und was noch wichtiger ist, man lernt, mit diesen Zeitsprüngen zwischen den Aktionen zu spielen Da wir so einen langen Zeitraum zusammenfassen können, solltest du die wichtigsten Aktionen der Geschichte hervorheben und auswählen Diese Technik wird Ellipsen genannt. Wenn Sie diese Technik richtig anwenden, können Sie eine große Menge an Informationen zusammenfassen und filtern eine große Menge an Informationen , damit das Publikum die Geschichte besser verstehen kann Eine wichtige Grundlage, um zu wissen, wie Ellipsen funktionieren, besteht darin, den Unterschied zwischen diätetischer Zeit und diätetischer Zeit zu verstehen. Dabei handelt den Unterschied zwischen diätetischer Zeit und diätetischer Zeit es sich um einen fortlaufenden Zeitraum der Erzählung Zum Beispiel, wenn es in der Geschichte um die Biographie einer Person geht, zum Beispiel ein Biopic, in dem die Figur 50 dem die Figur Die diätetische Zeit beträgt 50 Jahre. Aber die Zeit ohne Diät ist die Zeit der Erzählung. Zum Beispiel die 2 Stunden, die der Film dauert. diesem Grund können wir durch die perfekte Verwendung von Ellipsen in kurzer Zeit großartige Geschichten erzählen Beispiele für eine hervorragende Anwendung dieser Technik sind Filme zum Scannen, zum Beispiel Benjamin Button, geschrieben von Eric Growth In beiden Filmen wird ein großer Teil der Lebensdauer während der zwei oder drei Stunden zusammengezählt, die die Filme dauern Andererseits ist der Name des Charakters zu wichtig. Versuche, den Namen des Charakters beim Schreiben nicht zu ändern . Manchmal ändern wir fälschlicherweise den Namen eines bestimmten Charakters , der während der gesamten Geschichte vom Anfang bis zum Ende immer derselbe sein muss Geschichte vom Anfang bis zum Ende Wenn es darum geht, die Dialoge zu erstellen, hat jeder einzelne Dialog eine Überschrift, die dem Namen des Charakters entspricht , der gerade spricht Die Namen werden immer groß geschrieben und zentriert. Zusätzlich müssen wir direkt unter dem Namen der Figur in Klammern die Bewegung schreiben, in der die Figur diesen Dialog vorträgt . Das ist sehr wichtig, aber achte darauf. Manchmal ist die Stimme unseres Charakters präsent. Aber wir sehen keinen Charakter. Ich meine, wir hören seine Stimme. Aber wir sehen in diesem Moment eine andere Figur, oder die Kameras konzentrieren sich auf ein Objekt, eine Ansicht oder eine Landschaft. Wenn das passiert, müssen Sie neben das Zeichen die Abkürzung Punkt, also Bildschirm , schreiben das Zeichen die Abkürzung Punkt, also Bildschirm , , um anzuzeigen, dass die Stimme da ist, das Zeichen aber zu diesem bestimmten Zeitpunkt nicht auf dem Bildschirm sichtbar ist . Wenn wir andererseits ein Voice-Over hören, also die Stimme, die nicht von einem Charakter selbst in der Szene kommt. Ich meine, es ist zum Beispiel ein Erzähler oder eine Figur, die etwas erzählt. Wir müssen neben der Überschrift des Zeichens die Abkürzung zwischen Klammern eingeben (V Punkt), was Mindmap, ich ich nicht Ego. Wenn wir für dich sind. Auf der anderen Seite ist es wichtig zu beachten, dass auch Übergänge zwischen den Szenen im Drehbuch dargestellt werden im Drehbuch dargestellt Das ist kein besonders wichtiges Detail , denn während des Schnitts spielen Redakteure und Regisseure oft besser mit den Übergängen, um den Rhythmus der Geschichte zu verbessern Es sollte jedoch eine Anleitung geben, damit die wichtigsten Übergänge im Drehbuch enthalten sind Zuallererst, wenn wir von ACN zu einem anderen wechseln, wird davon ausgegangen, dass es einen Übergang zwischen ihnen gibt Aber manchmal müssen wir darauf hinweisen, dass es eine Abschwächung gibt. In diesen Fällen sollte zum Beispiel am Ende der Szene in einer Zeile nach rechts geschrieben werden . Wir könnten auch schreiben, zum Beispiel Ausblenden“ oder „Auflösen damit das Ergebnis der Lösung 2 entspricht, usw. Zusätzlich und nicht weniger wichtig ist natürlich, dass die Übergänge, wenn sie sich am Anfang der Szene befinden, zum Beispiel ein Einblenden usw., auf der linken Seite geschrieben werden sollten Im Allgemeinen wären dies die wichtigsten Elemente, die jedes Drehbuch haben sollte, damit es richtig geschrieben ist Aber ich muss gestehen, dass jeder Autor seinen eigenen Stil hat. Zum Beispiel fügen Autoren manchmal mehr Details hinzu, wie zum Beispiel Kamerabewegungen Dies ist jedoch nur erlaubt, wenn Sie der Regisseur Ihres eigenen Drehbuchs sind Woran Sie immer denken müssen, ist, dass Ihr Drehbuch in Bildern geschrieben sein muss Sie müssen die Bilder beschreiben und poetische Sätze vermeiden. Das Drehbuch ist ein Arbeitsinstrument für ein Produktionsteam, um einen Leitfaden für die Entwicklung der Geschichte nur in filmischer Sprache zu haben für die Entwicklung der Geschichte nur in filmischer Ich sehe dich in der nächsten Lektion. 6. Semiotik: Hallo Leute. In dieser Lektion werden wir über Semiotik sprechen Wenn es etwas gibt , das mit Filmregie zu tun hat , dann ist es Semiotik Semiotik ist die Wissenschaft, die die Bedeutung von Bildern untersucht Die Ideen in einem Bild. Filmemacher müssen das Drehbuch interpretieren. Um das zu tun, soll der Regisseur so viele Konzepte wie möglich sammeln so viele Konzepte wie , die sich auf die Geschichte, den Stil und das Thema beziehen Die wichtigsten konzeptionellen Elemente der Geschichte müssen in den Bildern enthalten sein. Jede Szene, jedes Bild, jede Sequenz muss das Konzept des Films in unserer Geschichte enthalten . Aber wo sollten wir anfangen, um dem in der audiovisuellen Sprache begegnen zu können ? Wir müssen mit dem Konzept beginnen, das aus dem Gemälde der Renaissance stammt. Während der Renaissance, als all die großen Maler, die wir heute kennen, auftauchten, dachten sie über zwei grundlegende Elemente nach dachten sie über zwei grundlegende Elemente Charakter und Hintergrund Das Figurgrund-Konzept. Man könnte zusammenfassen, dass der Charakter und der Hintergrund dieser Zeit zu dieser Zeit mit dem Charakter und dem Kontext zusammenhängen Ein Charakter in der Szene ist genau derselbe. Es gibt eine Figur an einem bestimmten Ort oder in einem bestimmten Moment, in dem diese Figur Aktionen ausführt. In den Barock - und Renaissance-Gemälden gab es immer eine oder mehrere Figuren, die sich von anderen Dingen abhoben. Dieses Merkmal versuchte, uns eine Geschichte zu erzählen. Aber nicht nur der Charakter erzählt von der Geschichte, sondern alles, was ihn umgibt, diese Geschichten, die durch Gemälde erzählt werden, wurde vom Betrachter verstanden, weil der Betrachter viel Zeit damit verbrachte, über das Gemälde nachzudenken Wenn wir genug Zeit investieren , um ein Bild zu betrachten, können wir Dinge entdecken Finden Sie heraus, was der Autor uns im Kino zu sagen versucht , ist genau dasselbe Wenn wir einem Bild im endgültigen Schnitt genügend Zeit geben, können wir dem Zuschauer ermöglichen, Dinge wahrzunehmen , die mit bloßem Auge vielleicht nicht zu sehen sind. , Solange Sie als Filmregisseur in der Lage sind dem Zuschauer die größtmögliche Menge an Informationen und die beste Informationsqualität zu vermitteln Informationen und die beste Informationsqualität , wird die Qualität Ihrer audiovisuellen Sprache besser sein. Ich sage nicht, dass Sie den Zuschauer mit Informationen versorgen sollten , aber Sie müssen versuchen, kreativ künstlerisch und raffiniert, dem Zuschauer genügend Informationen zu geben, um Ihre Geschichte zu verstehen und tief zu spüren verstehen Das Bild selbst hat Fähigkeit, unseren Geist direkt Weil Menschen tatsächlich in Bildern denken, müssen wir dies berücksichtigen, denn je nach Kontext, in dem die Ereignisse oder Handlungen unserer Geschichte stattfinden, kann die Szene eine völlig andere Bedeutung haben. Dies ist von grundlegender Bedeutung , um Geschichten erzählen und Emotionen vermitteln zu können . Aber was wäre das wichtigste Element, um die Smotik des Bildes in Bezug auf das Drehbuch zu verstehen Smotik des Bildes in Bezug auf das Drehbuch zu Die dramatische Ironie. Das ist ein selbstsüchtiges Werkzeug. Dies ist ein Tool, das der Autor beim Schreiben verwendet , um den Zuschauern das Gefühl zu geben, dass sie mehr Informationen darüber haben, was in der Szene passiert als über die Charaktere der Szene selbst Dieser Prozess erzeugt beim Zuschauer Emotionen, weil wir als Zuschauer wissen wollen, wie der Charakter reagieren wird wenn er herausfindet, was in dieser Szene wirklich passiert. Zum Beispiel in Horrorfilmen, in denen wir sehen, dass sich der Protagonist dem Ort nähert, von dem wir wissen, dass dies eine große Gefahr für ihn oder sie Ein anderes Beispiel wäre, wenn die Protagonistin einem Raum nähert , in dem ein Geist auf ihn wartet oder ein Mörder auf sie wartet Was hat das mit Semiotik zu tun? Es funktioniert ganz ähnlich, denn wir müssen uns die Frage stellen, wie viel weiß der Betrachter über Thema, das in unseren Zeichen-Anymatik-Rahmen eintritt? Mit anderen Worten, aufgrund des allgemeinen Wissens das das Publikum möglicherweise hat, unser Rahmen in seinen Symbolen und Schildern Informationen enthalten , die dieses Publikum bereits im Kopf hat Dieser Kommunikationsprozess ist grundlegender Bedeutung, da wir als Filmemacher wissen müssen, wie wir die Kodierungen unserer Gesellschaft oder unseres möglichen Publikums interpretieren müssen, unserer Gesellschaft oder unseres möglichen Publikums um effektiv und kraftvoll mit ihnen kommunizieren zu und kraftvoll In dieser Hinsicht hat selbst die Farbverteilung unserer Aufnahme großen Einfluss auf die Bedeutung unserer Szene und Sequenzen Ich wage also zu sagen, dass die meisten Probleme im Zusammenhang mit dem Drehbuchschreiben nichts mit künstlerischen Fähigkeiten zu tun haben, sondern mit der Fähigkeit, richtig mit dem Publikum zu kommunizieren Wir müssen uns immer eine Frage stellen. Funktioniert der Kommunikationsprozess zwischen Autor und Zuschauer gut? Kurzfilme sind in dieser Hinsicht sehr nützlich, denn wenn wir Regisseure sind , vor allem an Filmhochschulen, neigen wir dazu, das Publikum dafür verantwortlich zu machen dass es unsere Filme nicht verstehen kann, obwohl wir in Wirklichkeit nicht in der Lage sind , die Informationen zu vermitteln, die wir wollen. Weil wir den Aufnahmen, dem Hintergrund und der Klangdimension nicht genügend Informationen hinzufügen den Aufnahmen, dem Hintergrund und der Klangdimension nicht genügend Informationen der Klangdimension und vor allem nicht jedem Bild genügend Zeit einräumen. Letztlich sollte all dieses Verständnis für uns oberste Priorität haben. Nehmen wir zum Beispiel die Filmplattform. Die Geschichte dieses Films ist nicht das Wichtigste. Tatsächlich würde ich wagen zu sagen, dass selbst sein Ende übermäßig konzeptionell und vage ist Aber das Interessanteste an diesem Film, die Metapher, ist, dass er die Plattform in Bezug auf den Klassenkampf darstellt Plattform in Bezug auf den Klassenkampf Dieser Klassenkampf ist in der westlichen Welt präsent. Wir alle kennen diesen Kampf, und wir alle eine oder andere Weise sind auf die eine oder andere Weise von diesem Klassenkampf betroffen. Es ist unmöglich, sich nicht identifiziert zu fühlen , wenn wir eine Plattform sehen, bei der es sich um einen Aufzug handelt , dessen Buchstaben für jede der sozialen Klassen stehen. Darüber hinaus können wir auch in der Filmwelt, ich meine auf der Plattform, der Filmwelt, ich meine auf der Plattform, auf jeder Ebene aufwachen und die Realität der verschiedenen sozialen Klassen hinter uns lassen. Ein weiteres perfektes Beispiel wäre der Film Rom-Drama. Jeder, der ihn gesehen hat, zumindest in Mexiko, wusste von der Existenz des Massakers in den 70er Ein Massaker, bei dem mehr als 100 Studenten einem Platz von mit dem Staat verbundenen Kräften getötet wurden Dies ist ein Hintergrund des Films. Wie ich dir in einer früheren Lektion erzählt habe, ist die Geschichte des Mädchens nicht so wichtig. Es ist das Wichtigste. Es ist der Inhalt des historischen Moments , in dem sie gelebt hat. Eines der Dinge , die in diesem Film auffallen , sind diese tragischen Ereignisse , von denen wir uns im Film bewusst sind. Die Protagonistin selbst ist sich des Ausmaßes dessen, was passiert, nicht bewusst Und es ist etwas, das auch den Charakter beschreibt. Es sind ihre Denkweise und ihr Bildungsniveau, die sie auf die soziale Bedeutung aufmerksam machen, die sie umgibt Das ist eine dramatische Ironie , die den Film künstlerisch attraktiv macht All das ist Teil der Macht der Semiotik in einem Film, und wir müssen lernen, sie zu nutzen, und wir müssen lernen, sie zu nutzen Andererseits muss man auch ein Zitat eines großen Kommunikationsphilosophen, Marshall Mclichhan, kennen und sich daran erinnern Marshall Mclichhan, Marshall Das Medium ist die Botschaft. Das bedeutet, dass die Art und Weise , wie wir Inhalte kommunizieren, die Art und Weise, wie diese Inhalte das Publikum erreichen, die Botschaft selbst übersteigt Das Kino ist voll davon. Manchmal spielt es keine Rolle, wie tief unsere Botschaft ist, aber die Art und Weise, wie wir diese Botschaft vermitteln, kann beim Zuschauer zu einem tieferen Verständnis führen. Zum Beispiel, wie viele Filme sprechen heute über dasselbe Thema? Wie viele Filme sprechen heutzutage von Liebe oder Tapferkeit oder Hass oder Leidenschaft oder Rache? Sind die erzählerischen, poetischen und semitischen Ressourcen, die es dem Zuschauer ermöglichen, sich tiefer mit der Botschaft verbunden zu fühlen tiefer mit der Botschaft verbunden Viele Filmlehrer an meinem College sagten, alle Geschichten seien bereits erzählt worden und es gebe nichts Neues Es ist völlig wahr. Das Einzige, was sich ändern wird, ist die Art und Weise, wie wir diese Geschichten erzählen , diese Sichtweise und wie wir diese audiovisuellen Ressourcen nutzen , um die Geschichte zu erzählen. Auf der anderen Seite sollten Sie keinen Spielfilm unterschätzen. Die meisten Regisseure von John unterschätzen die klanglichen und musikalischen Ressourcen des Films Und das würde bedeuten, dass sie ein wesentlicher und grundlegender Bestandteil des Inhalts des filmsemetischen Bedeutung aller Elemente in einem Film. Und alles in einem Film erzählt etwas vom Zoll bis zum letzten Teil des Mandats. The Revenant ist ein perfektes Beispiel für was ich dir sage Dieser Film ist eine einfache Rachegeschichte. Die klassische Geschichte eines Charakters, der sich an jemandem rächen will , der einen seiner Verwandten getötet hat. Wie viele Filme hast du gesehen , die uns diese Geschichte erzählen. Es gibt eine ganze lange Liste von Zitaten von Gladiator bis hin zu den kommerziellsten und einfachsten Filmen Aber die Wahrheit ist, dass in The Revenant sein Rahmen als Verbindung zwischen Menschen und der natürlichen Welt, der menschlichen Umwelt, geschaffen Menschen und der natürlichen Welt, der menschlichen Umwelt, der Und trotz allem, was der Charakter durchmacht, hält der Charakter für einen Moment inne um darüber nachzudenken, was ihn umgibt, denn die Natur hat immer die Möglichkeit, uns zu überraschen Das ist zutiefst ökologisch. Wissen Sie, es erzählt uns der Ausbeutung und dem Missbrauch der amerikanischen Ureinwohner. Das ist viel bedeutsamer und wichtiger als der Racheakt selbst. Tatsächlich, am Ende des Films, der antagonistische Charakter Erzählt der Hauptfigur. Bist du den langen Weg hierher gekommen, nur um dich zu rächen? Dieser Satz gibt dem ganzen Film eine Bedeutung? Es verleiht dem Film einen Wert, weil wir sagen: Whoa. Es hat sich gelohnt, weil wir auf dieser langen Reise die ganze Zeit über so viele Dinge tief nachdenken konnten so viele Dinge tief nachdenken auf dieser langen Reise die ganze Zeit über Aus diesem Grund wurde Alejander Gonzalez mit dem Oscar für die beste Regie ausgezeichnet , denn seine Geschichte ist in der Tat äußerst einfach Aus meiner Sicht würde ich sagen , dass es sogar eine Schwäche des Films ist Trotz alledem hat der Regisseur mit seinem Film bewiesen, dass er mit seinem Film bewiesen, dass er in der Lage ist, aus dieser grundlegenden Geschichte etwas Außergewöhnliches zu machen . Ich würde sagen, dass der Schlüssel, das Geheimnis darin besteht, sich bewusst zu sein, wie die Menschen heute denken. Ich meine, worüber reden die Leute heute? Worunter leiden die Menschen heute? Ich meine, die Art und Weise, wie wir den Standpunkt jeder Geschichte, die wir haben, variieren könnten , aber wir müssen einen besseren Weg finden , um mit dem Publikum zu kommunizieren. Ein weiteres perfektes Beispiel für diesen Prozess ist der Film Marias Geschichte. Dieser Film gibt uns eine andere Sichtweise auf die Ehe. Ich meine, so viele Baker sprechen von unmöglichen Ehen. Unmögliche Lieben mit tragischem und romantischem Ende. Aber dieser Film vereinfacht alles in einem Kontext, so üblich ist wie ein Scheidungsprozess, ein gewöhnliches Paar Es ist nicht nur der Scheidungsprozess, sondern auch der emotionale Prozess, den das Paar während der Scheidung durchmacht. Und selbst das Ende des Films überrascht, denn obwohl wir wollen, dass alles gelöst wird, ist die Scheidung endlich vollzogen. Das war ein sehr erfolgreicher Film. Alle Menschen, die sich scheiden ließen , fühlten sich vollständig identifiziert. Jeder könnte sagen , dass dies absichtlich für kommerzielle Zwecke getan wurde absichtlich für kommerzielle Zwecke Der Unterschied besteht jedoch darin, dass der Direktor wollte, dass sich die Leute damit identifizieren Und das führte zu einem großen kommerziellen Vorteil. Er hat etwas Tiefgründiges geschaffen, das gut ist, und weil es gut ist, ist es kommerziell. Auf der anderen Seite könnten wir etwas Einfaches, Vergängliches und Überraschendes machen, das auch kommerziell sein könnte und das vielleicht nicht in den Herzen der Menschen bleiben Es ist die Fähigkeit, in der Kunstgeschichte, in der Geschichte des Kinos und auch in unseren Erinnerungen zu bleiben in der Geschichte des Kinos und auch in unseren Erinnerungen Das verleiht Filmen einen großen Wert. Ich meine, es gibt sogar preisgekrönte Filme, die nicht in den Herzen der Menschen bleiben , weil sie aufgrund der aktuellen Umstände ausgezeichnet wurden . Ich meine, weil es keinen besseren Film gab, aber manchmal gibt es fantastische Filme, die überhaupt nicht ausgezeichnet werden, aber einen großartigen künstlerischen Inhalt hatten und für immer in den Herzen der Menschen bleiben. Als Andy verbrachte er diese Pause, hundert im Schatten, verstauchte sich ein kleines Lächeln auf seinem Gesicht Es ist auch wichtig, sich daran zu erinnern, dass eines der Hauptmerkmale des unabhängigen und experimentellen Kinos darin besteht , dass die Regisseure den Dreharbeiten viel mehr Zeit widmen. Das heißt, der Betrachter kann jedes Detail der Aufnahmen betrachten , als wären es Gemälde Damit sie versuchen, den Inhalt der Aufnahmen genauer zu verstehen Seien Sie sich jedoch bewusst, dass die Aufnahmen manchmal nichts bedeuten. Regisseure versuchen zum Beispiel nur , damit zu prahlen, intelligent zu sein. Aber manchmal enthalten die Aufnahmen tiefgründige semiotische Elemente , die sorgfältig gelesen werden müssen, um tiefere Empfindungen wahrzunehmen Andererseits spielen Werbespots auch mit Semiotik, weil sie darauf abzielen, dass sich der Zuschauer so schnell wie möglich verliebt, um der Zuschauer so schnell wie möglich verliebt ein Produkt oder eine Idee zu verkaufen Die besten kommerziellen Produzenten sind Experten für semiotisches Geschichtenerzählen, da sich der Erfolg des audiovisuellen Geschäfts direkt in da sich der Erfolg des den Einnahmen niederschlägt Experten für semiotisches Geschichtenerzählen, da sich der Erfolg des audiovisuellen Geschäfts direkt in den Einnahmen niederschlägt. Ich denke, dass Werbespots heute versuchen, uns immer schneller zu verlieben Heutzutage muss man in sozialen Netzwerken sehr schnell sein Weil der Wettlauf um die Kontrolle Gedanken massiv und kontinuierlich ist. Andererseits müssen wir verstehen, dass wenn wir ein Bild, eine Aufnahme betrachten, ein unbewusster Teil unserer Beobachtung ist Das ist das Empfangen von Informationen , wenn wir uns vielleicht auf die Hauptfigur konzentrieren , die Teil des Go-Grand-Konzepts ist Und man muss sich dessen ständig bewusst sein , wenn man Filmemacher werden will Dafür gibt es gute Beispiele im Kino. Der Film Parasites ist ein unglaubliches Beispiel weil der Hintergrund des Films mehrere Elemente enthält. Ich meine zum Beispiel an den Orten, in den Merkmalen, in denen die Familien leben. Diese Details erzählen uns von den sozialen Schichten in der Geschichte. Zum Beispiel lebt die arme Familie unter der Erde, während die reiche Familie auf den Hügeln lebt. Außerdem ist der Vater der armen Familie am Ende der Geschichte ist der Vater der armen Familie am Ende der zum Beispiel in den Kellern des Hauses gefangen Diese Dinge erzählen uns über das Konzept der Geschichte sogar über das Regenwetter in den tragischsten Phasen der Geschichte Bei all dem geht es um Semiotik. Und es ist ein langsamer Lernprozess, der erfordert, Fehler zu machen und uns nach dem Inhalt unserer Filme, unserer Kurzfilme und der einzelnen Hörstücke zu fragen dem Inhalt unserer Filme, , unabhängig davon, welchem Mein größter Ratschlag ist, dass Sie Ihren Geist mit verschiedenen künstlerischen Sprachen füllen sollten Ihren Geist mit verschiedenen künstlerischen Malerei, Theater, Musik, Poesie, Literatur, denn das Kino und die Filme beinhalten tatsächlich all diese Ressourcen. Die siebte Kunst ist im Grunde die Ästhetische Union, fast alle bekannten Kunstformen vor dem Kino H Cinema sind nicht nur bewegte Bilder, es ist viel mehr als das. Es steckt voller sehr tiefgründiger Konzepte , die über das Wissen hinausgehen , wie man eine Kamera bedient oder irgendwelche technischen Elemente der Produktion. Versuchen Sie, all dies in die Praxis umzusetzen. Versuche dein Leben mit Kunst zu füllen. Auf diese Weise müssten Sie sich nicht anstrengen, wenn eine Aufnahme mit einer tiefen Bedeutung für Ihre Geschichte erstellen. Ich sehe dich in der nächsten Lektion. 7. Die Szene: Hallo Leute. In dieser Lektion werden wir über die Szene sprechen. Was ist eine Szene? Eine Szene ist eine Reihe ästhetisch geordneter Aktionen, die darauf abzielen, einen bestimmten Teil der Geschichte zu erzählen Aus Sicht der Produktion und der Regie das zentrale Produktionsereignis, bei dem das Drehbuch Aber wenn es um Drehbuchschreiben geht, ist das ganz anders Was sind die Arten von Szenen wenn es um Drehbuchschreiben geht Es gibt drei Arten von Szenen, die hauptsächlich ineinander liegen können Die Actionszenen, die Reaktionsszenen und die beschreibenden Essenen Fangen wir mit den Actionszenen an. Das hat nichts mit Spezialeffekten oder komplizierter Kampfchoreographie zu tun Spezialeffekten oder komplizierter Kampfchoreographie Wir sprechen zum Beispiel über das Drehbuchschreiben. den Actionszenen handelt es sich um Szenen in denen der Charakter beispielsweise mit einem Ziel vor Augen an einem Ort ankommt beispielsweise mit einem Ziel vor Augen an einem Dieser Charakter schafft es , unser Ziel zu erreichen. Oder nicht so einfach. Offensichtlich wird dies eine Konsequenz haben, eine Fortsetzung der Geschichte Auf der anderen Seite sind die beschreibenden Szenen ganz anders Das einzige Ziel dieser Szene ist es, den Kontext darzustellen, in dem unser Charakter lebt Oder die Umgebung, in der er lebt, in der die Ereignisse der Geschichte stattfinden Aber es gibt immer ein direktes oder indirektes Ziel, unserem Verstand nicht bewusst Zum Beispiel denkt unser Charakter manchmal über ein Ereignis oder eine Tatsache nach, dass eine Handlung normalerweise die Meinung des Charakters ändert , um in der Geschichte weiter voranzukommen Das heißt, dass es immer eine Fortsetzung hervorbringt , die der Geschichte hilft, voranzukommen Andererseits sind Reaktionsszenen Actionszenen sehr ähnlich Der einzige Unterschied besteht darin , dass unser Charakter an einem Ort ankommt und ihm oder ihr etwas passiert, was bei diesem Charakter eine Reaktion hervorruft. Dies wird natürlich zu einer Fortsetzung führen und die Geschichte verändern oder auch voranbringen Im Grunde besteht der Unterschied zwischen den Actionszenen und dem Reaktionssinn darin, dass bei Reaktionssünden die Ereignisse in den Szenen durch ein äußeres Element des Charakters erzeugt werden durch ein äußeres Element des Charakters erzeugt All dies hat jedoch eine dünne Grenze , in der die beiden Arten von Szenen getrennt oder gemischt werden. Zum Beispiel könnte sich ein Charakter mit einem Ziel vor Augen einem Ort nähern, aber ihm passiert etwas völlig Unerwartetes , das offensichtlich das Ziel der Szene verändert . Versuche, das kreativ zu nutzen , um die Geschichte und die Ereignisse zu enthüllen. Sehen wir uns ein anderes Beispiel an. Stellen Sie sich diese Situation vor. Sie kommen zum Beispiel nach Hause zurück , um Ihren Rücken zu trainieren. Und du hast es geschafft und du machst mit deinem Tag weiter. Das wäre eine Actionszene. Aber die Reaktion, ein Sinus bei diesen Actionszenen wäre, dass Sie zum Beispiel nach Hause zurückkehren, um Ihre Tasche zu holen Aber es kommt vor, dass vor Ihrem Haus zwei Räuber Sie angreifen und Sie gegen sie kämpfen und sie schlagen Sie Ihre Aktionen werden sich aus der Aktion ergeben , die von einer anderen Person ausgelöst wurde all das berücksichtigt, was ich zuvor erwähnt habe, ist es wichtig zu wissen, dass wir die Sinnesarten mischen können , weil die beschreibenden Elemente auch mit einer anderen Art von Sinn gemischt werden auch mit einer anderen Art von Sinn gemischt Ich meine die Reaktion von Sünden und die Handlung von Sünden, wodurch die semiotische Qualität unserer Filmsprache verbessert wird unserer Filmsprache zum Beispiel zu Beginn jeder Szene etwas Beschreibendes hinzufügen , können wir Informationen zusammenfassen, die möglicherweise für eine zusätzliche Szene während der Dreharbeiten benötigt würden Wenn es außerdem etwas gibt, das uns zu großartigen Filmemachern und Autoren macht, dann uns zu großartigen Filmemachern und Autoren macht, ist es die Fähigkeit, wirklich tiefgründige Dinge im Bild zu beschreiben Es reicht nicht aus, einen Charakter bei einer Aktion zu zeigen. Es gibt so viele Details , die eine Szene sein können. Deshalb gibt es Szenen, die so beschreibend und attraktiv sind , dass wir völlig vergessen, was der Charakter an diesem Ort tun könnte Was passiert ist, dass der Ort und das, was wir sehen, so mächtig sind , dass wir uns völlig überwältigt fühlen Manchmal gibt es einzelne Momente in der Geschichte, in den Szenen, sogar in einer einzigen Einstellung, aber sie bringen unsere Geschichte auf die nächste Ebene Auf der anderen Seite gibt es ein weiteres sehr wichtiges Element bei der Konstruktion von Szenen, die Bewegung. Die Bewegung ist ein Prinzip , das Kurosawa entdeckt hat. Es ist eng mit dem Fugal Ground-Konzept verwandt. Aufgrund des zuvor untersuchten psychologischen Phänomens von Menschen Im Laufe der Geschichte des Kinos wurde gezeigt, dass Menschen, die sich einen Film ansehen, es nicht ertragen können, ihn über einen längeren Zeitraum auf einer Leinwand zu sehen . Charaktere, die sich in demselben Ruhezustand befinden , in dem sich die Leute einen Film ansehen, ich meine, der Prozess der Kontemplation muss Ruhe. Aber wir brauchen, dass in den Bildern immer Bewegung ist. Das ist der Grund dafür. In guten Filmen, auch wenn zwei Charaktere nur reden, gibt es immer eine Choreographie von Bewegungen, bei denen die Schauspieler zum Beispiel aufstehen, zum Beispiel aufstehen, vielleicht einfach die Straße entlang gehen , eine Zigarette rauchen oder zu Mittag essen Charaktere tun alles , damit sich das Publikum wohl fühlt , als würde es eine echte Szene sehen, einen echten Moment Tatsächlich ist das Rauchen einer Figur so weit verbreitet, dass es fast alltäglich ist. Im Fall von Ursa hat er durch den Hintergrund der Szenen für Aufsehen gesorgt durch den Hintergrund der Er kreierte zum Beispiel eine Konversation, bei der es im Hintergrund regnet oder vielleicht ein Fluss im Hintergrund fließt Die Schauspieler mussten keine Choreographie machen , um den Szenen Bewegung zu verleihen Es ist also ein sehr grundlegendes Prinzip. diesem Grund lieben große Zuschauer Actionfilme und Spezialeffekte. Die Bewegung ist in den Augen des Betrachters sehr attraktiv. Das bedeutet nicht, dass wir überlegt oder zu unnötigen Maßnahmen führen müssen, um diese Regel zu respektieren Es ist unsere Aufgabe, dafür zu sorgen, dass diese Handlungen völlig gerechtfertigt und natürlich sind , damit sich der Zuschauer wohl fühlt Andererseits hat ASN in der Regel eine klassische Struktur, die der einer kompletten Geschichte ähnelt, da viele von ihnen klare Ziele hatten Daher hatten sie einen Anfang, eine Konfrontation und am Ende eine Lösung Daran müssen Sie sich im Drehbuch erinnern. Die Szenen werden mit Energien erzählt , die erzählen, dass Handlung immer in der Gegenwart ist Es ist wichtig, auf die Perspektive der Szene zu achten auf die Perspektive der Szene zu Ich möchte dem Zuschauer das Gefühl geben, dass er den Standpunkt des Charakters sieht den Standpunkt des Charakters , der die Geschichte leitet. Ich meine, das ist ein häufiger Fehler, weil manchmal ein schlechter Standpunkt zu einem Missverständnis führt Weil wir den Gesichtsaufnahmen des Charakters nicht genug Zeit widmen besonders wenn dieser Charakter über die Ereignisse in der Szene nachdenkt Dies muss im Drehbuch detailliert sein, damit es nicht zu Verwirrung oder Zerstreuung Die Zusammenfassung des Drehbuchs ist eine Kette von Ereignissen, die aus der Sicht einer Person geschehen, die für die Person Auf der anderen Seite sollten Sie bei der Aufnahme der Szenen nicht vergessen, wie wichtig die Beleuchtung für den visuellen Aspekt ist Beleuchtung Bei den visuellen Details müssen wir uns fragen, welche Farben unseren Sinn hervorrufen Ist unsere Szene glücklich? Ist es tragisch? Ist es informativ? Welches Gefühl möchten Sie beim Betrachter erzeugen? Darauf müssen wir besonders achten , da wir durch unangemessene Beleuchtung der Zielsetzung der Szene widersprechen können der Zielsetzung der Szene widersprechen unangemessene Beleuchtung der Zielsetzung der Szene widersprechen Beleuchtung hat die Fähigkeit, jede außergewöhnliche schauspielerische Arbeit zu verderben Die Beleuchtung wird eine Atmosphäre erzeugen , die die Leistung des Schauspielers sogar verbessert. Ich meine, Schauspielerei ist ein sehr schwieriger Job. Es erfordert viel Konzentration, und während eines Shootings gibt es zu viele ablenkende Elemente Wir müssen alles tun, um diese Konzentration zu verbessern. Aber nicht nur das, sondern während du übst und die Szenen schreibst und überlagerst, sie aufnimmst und den endgültigen Schnitt machst, wirst du feststellen, dass oft nicht die Szenen schlecht waren, sondern die Beleuchtung, denn aus meiner Sicht ist Beleuchtung ein Werkzeug, das sofort in Betracht gezogen werden sollte , wenn wir eine Geschichte schreiben. Denken Sie jedoch daran, dass wir als Filmregisseure die Beleuchtung von Sen variieren können , um die Erzählkraft zu verbessern. Ebenso wie die Beleuchtung sind Farben wichtig und stehen in sind Farben wichtig und stehen engem Zusammenhang mit der Beleuchtung. Daher gibt es für das globale Publikum eine globale Interpretation der Bedeutung von Farben. Zum Beispiel sind Ampeln überall auf der Welt gleich. Die Wirkung dieser drei Farben wurde wissenschaftlich analysiert. Ich meine, wir sollten versuchen, Farbe als universelle Sprache zu verwenden , die uns hilft, emotional mit dem Publikum zu kommunizieren. Auf der anderen Seite gibt es auch die Klangsprache , die für den Betrachter als vierte Dimension fungiert. Denken Sie daran, dass das Publikum alles mit seinen Sinnen wahrnimmt und alles durch seinen Verstand verarbeitet wird Das Sounddesign ist eine weitere Informationsebene. Wir müssen versuchen, es zu beherrschen , um den Zuschauer in die Filmatmosphäre und die Empfindungen einzubeziehen die Filmatmosphäre und die Empfindungen die während des Films auftreten werden. Das gilt nicht nur für Filmregisseure, sondern auch für Filmautoren. Wir müssen das Klangelement als filmisches Medium hinzufügen , um die Geschichten zu erzählen Ich werde dir ein Beispiel geben. Nehmen wir an, unser Drehbuch sagt uns das. Ein sehr müder Soldat läuft in der Mitte des Körpers Der Soldat stößt auf Leichen der anderen Soldaten. Während er geht, sieht der Soldat die Leiche einer indigenen Frau und dreht sich dann um und sieht in der Ferne eine weitere indigene Frau weinen Okay, das könnte unsere Szene sein, aber wir haben die Möglichkeit, Bilder durch Geräusche zu ersetzen, Bilder wie die weinende Frau in der Ferne zum Beispiel Bilder wie die weinende Frau in der Ferne. Schauen wir es uns an. Haben Sie bemerkt, dass Sie erkannt haben, wie Sie ein visuelles Bild im Drehbuch ignorieren ein visuelles Bild im und durch ein Tonbild ersetzen Das ist die Kunst des Filmemachens. Im Drehbuch stand, dass in der Ferne eine weinende Frau war Tatsächlich ist die weinende Frau da. Aber wir sehen sie nicht auf dem Bildschirm, aber wir hören ihr in der Ferne zu, was der Geschichte, der Szene noch mehr Geheimnis und Tiefe verleiht . Das ist dein Job als Filmregisseur. Als Filmemacher kann ich dir nur empfehlen, nicht auf ein Shooting zu warten, um dir solche Ideen auszudenken Natürlich könnten diese Ideen in den Tagen vor den Dreharbeiten kommen , aber ich schlage wirklich vor, dass wir uns vorstellen, dass wir uns dann, zum Zeitpunkt des Drehbuchschreibens oder zum Zeitpunkt der allgemeinen Lektüre des Drehbuchs vor den Dreharbeiten, zum Zeitpunkt des Drehbuchschreibens oder zum Zeitpunkt der allgemeinen Lektüre des Drehbuchs vor den Dreharbeiten, eine weitere Szene mit derselben Figur ansehen werden , eine ganze Sequenz, in der diese Figur das Ziel, seinem Vater den Grund zu verraten, warum er das Haus verlassen hat Es ist eine ziemlich lange Szene. Schauen wir es uns an. Schau mal Dios los Los Paocai Dios los Los Paocai A speichert Vitamin. A speichert Vitamin. Ja, ich bin Presswein. Ja, Tao kann mir landen, mir Papa Matt Papa Matt Yeboa. Wenn ich schwöre, bemerkt E. Pedro Yo die unterschiedlichen Empfindungen in der Szene Die meisten Dinge, die ich bisher erwähnt habe und die in Szene sein sollten, werden angezeigt. In diesem Beispiel. Die Charaktere bewegen sich , während sie am Tisch sprechen. Einer von ihnen steht zum Beispiel vom Stuhl auf, und dann ist da eine Stimme, die uns etwas direkt zu sagen scheint . Aber in Wirklichkeit erzählt sie das seinem Vater während der ganzen Szene. Der Sound ist in diesem Beispiel sehr wichtig, aber das werden wir später in einer anderen Lektion über Soundtracks sehen einer anderen Lektion über Soundtracks Versuche, dich an die Farbe, die Bewegung, die Ziele der Charaktere und die wenigen guten Bodenkonzepte zu erinnern die Ziele der Charaktere und die wenigen guten , die du zuvor gesehen hast Es gibt zum Beispiel Filme verwirrenden Geschichten, denen es kein ganz klares Ziel, kein klares Ziel gibt, aber es gibt Szenen, die konsistent genug sind , um den Zuschauern Aufmerksamkeit zu schenken und uns dazu zu bringen , über tiefgründige Dinge nachzudenken. Szenen, die uns dazu einladen, uns Fragen über unser Leben, über unsere Alltagssituationen, solche Szenen zu stellen, auch aus der Sicht einer anderen Zeit. Szenen, die tiefe Dinge durch die semiotischen Elemente verbinden durch die semiotischen Elemente Versuchen Sie schriftlich, Ihre eigenen Fragen zu stellen. Ist Mycin eine Actionszene? Ist mein Sinus eine Reaktion? Ist eine Szene beschreibend? Sie werden diese Fragen benötigen. Wenn es ums Schreiben geht. Sie all dies in die Praxis umsetzen, sehe ich Sie in der nächsten Lektion. 8. Das Produktionsteam: Das Produktionsteam. Das Produktionsteam ist die Armee, der wir mit Durchführung unseres Filmprojekts beauftragen werden. Um jede einzelne Phase eines Filmprojekts durchzuführen. Aber was ist das Fundament dieses Teams? Was ist die Achse? Die zentrale Kolonne dieses Teams? Alles beginnt mit dem Produzenten. Der Produzent ist der Manager unseres Filmprojekts. Ein Projekt selbst sollte sich nicht vom Bau eines Hauses, der Führung eines Unternehmens, der Gründung eines Unternehmens usw. unterscheiden . Tatsächlich entstehen die meisten Probleme im Zusammenhang mit der Produktion, weil wir nicht wissen, dass die Produktion den oben genannten Beispielen sehr ähnlich ist . Aber wer ist der Hersteller? Der Produzent ist ein administrativer Manager , der alle Phasen eines Filmprojekts überwacht , mit dem Ziel, aus der ursprünglichen Idee einen Film zu Das bedeutet, dass der Produzent je nach den Bedürfnissen unseres Projekts bereits in der Anfangsphase der Recherche zu dem Thema, das unser Film haben wird , einbezogen Anfangsphase der Recherche zu dem werden muss Auch die Castings, die Drehorte, die das Drehbuch benötigt, die gesamte Logistik der Ich meine, alles, was Sie für eine erfolgreiche Durchführung der Dreharbeiten benötigen für eine erfolgreiche Durchführung der Dreharbeiten , muss vom Produzenten verwaltet werden Und vor allem die ordnungsgemäße Verwaltung des Filmbudgets, damit alle Phasen erfüllt sind. Alle Phasen sollten von der ersten Idee bis zum Zeitpunkt des Filmverleihs abgeschlossen sein . Der Erfolg eines Produzenten besteht darin, den Film mit den Zielen fertigzustellen , die zu Beginn festgelegt wurden. Aus meiner Sicht ist der Produzent daher nicht der wichtigste, sondern zumindest einer der wichtigsten Manager im Filmprojekt. Oft sind die Regisseure ihre eigenen Produzenten. Es ist wichtig, diese Verantwortung von Anfang an zu übernehmen , zumal der Produzent auch daran beteiligt ist , die Geschichte des Projekts beispielsweise an eine Filmfirma zu verkaufen . Andererseits sind die reichsten Leute in der Filmindustrie die Produzenten Weil sie es sind, die die Weitsicht haben, zu analysieren, welchen Film das Publikum möglicherweise anfordert und dann darauf aufbauend Filmprojekte zu entwickeln Es ist wichtig zu wissen , dass als John Regisseure, John Filmemacher, die ihre Filmkarriere beginnen Wir müssen lernen, jede der verschiedenen Rollen zu übernehmen, die den Aufbau eines Films über Ble ausmachen Denn im Fall des unabhängigen Kinos wird es in der Regel aus zwei Hauptquellen finanziert. Erstens, Eigenfinanzierung. Sie werden das Geld für Ihren ersten Kurzfilm sammeln und müssen daher Ihre Bud Jets so verwalten, dass das Geld alle Ziele des Projekts abdecken kann. Zweitens das Finanzierungsprogramm. Finanzierungsprogramme, bei denen es sich um private oder staatliche Institutionen handelt, die Mittel zur Finanzierung nichtkommerzieller Filmprodukte gewähren Auf der anderen Seite arbeiten Produzenten nicht alleine. Sie haben Produktionsassistenten, die für die verschiedenen Aufgaben verantwortlich sind die verschiedenen Aufgaben verantwortlich , die der Hersteller möglicherweise hat. Unter Berücksichtigung all dessen hat der Hersteller viele Aufgaben. Daher muss sie oder er viele Aufgaben erledigen, die an diese Produzenten delegiert werden Das bedeutet, dass wir so viele Assistenten haben können, wie wir wollen. Es hängt alles vom Budget unseres Filmprojekts ab. Als nächstes steht der Regieassistent auf der Liste. Der Regieassistent ist die rechte Hand des Filmregisseurs, aber nicht im kreativen Sinne. Ich denke, fast jeder, wenn wir anfangen, von Regieassistenten zu hören, denken wir, dass dies der Arbeit des Regisseurs ziemlich ähnlich sein muss . Aber in Wirklichkeit ist es das nicht. Deshalb waren wir am Ende etwas frustriert. Regieassistenten nehmen grundsätzlich erleichterte Aufgaben wahr, der Regisseur sollte das nicht tun Der Regisseur konzentriert sich ausschließlich auf das künstlerische Schaffen. Aber ich würde sagen, dass die Hauptaufgabe des Regieassistenten darin besteht, die Zeit während der Dreharbeiten zu verwalten. Das AD muss eine Liste aller Szenen haben, die gedreht werden müssen. Zum Beispiel an einem Tag , der nur 4 Stunden hat. Die Werbeagentur muss garantieren, dass all diese Szenen in dieser Zeit gedreht wurden. Um das zu erreichen, muss er sich um das Timing kümmern, einschließlich der Zeit , die die Crew mit Essen oder einem Snack verbringen wird . Ein weiterer Aspekt, der in den Händen des Regieassistenten liegt, ist die Disziplin der Filmcrew. Sie können sich nicht vorstellen, wie wichtig das ist, weil Produktionsteams aus Menschen bestehen, die persönliche Bedürfnisse haben, Menschen, die sich mit anderen austauschen und die sich auch ablenken lassen können Ich will damit nicht sagen, dass die AD eine Art Polizist sein sollte, aber sie oder er muss versuchen sicherzustellen, dass sich die gesamten Teams auf die Szene konzentrieren und überwachen, dass sie ihre Aufgabe erfüllen In der Tat, wer sagt, dass Action beim Schießen ist, ist der AD. Der Rest der Regieassistenten, bei denen es sich um ein oder zwei weitere handeln kann, erledigt alle logistischen Aufgaben , die dem Regisseur die Arbeit erleichtern Als nächstes in der Liste steht das Drehbuch. Dies ist derjenige, der dafür verantwortlich ist , eine Liste zu erstellen. Und die Reihenfolge aller Szenen , die während der Dreharbeiten aufgenommen wurden, beizubehalten und , die während der Dreharbeiten aufgenommen wurden, alle Eventualitäten hervorzuheben, die während der Dreharbeiten passiert Wenn die Szene zum Beispiel wirklich gut war, sollte das Drehbuch sie aufschreiben . Wenn in der Szene etwas nicht stimmt, sollte das Drehbuch es auch aufschreiben Im Allgemeinen halten Regeln die Reihenfolge der einzelnen Szenen fest , sodass während des Schnitts , also der Montage des Films, nichts anderes übrig bleibt. Der Editor kann alle Dateien auf der Speicherplatte identifizieren und weiß, ob jede einzelne Datei verwendet werden soll oder nicht Was waren die wichtigsten Einstellungen der Dreharbeiten? Im Grunde ist das Drehbuch eng mit der Arbeit des AD verknüpft, weil es mit der Steuerung der Dreharbeiten zu tun hat. Es ist sehr wichtig, dass das Drehbuch die Reihenfolge aller Eventualitäten berücksichtigt, die bei den Dreharbeiten auftreten können Das heißt zum Beispiel, wenn der Regisseur in letzter Minute zufällig etwas am Drehbuch ändert, sollte das Drehbuch es aufschreiben Weil diese Änderung möglicherweise zu Änderungen in der Zukunft führen wird Denn ich meine, ein Detail, das in der Geschichte geändert wurde oder ein Drehbuch sollte, könnte die Zukunft der Geschichte beeinflussen Der Klapperlader ist derjenige, der das Klöpperbrett trägt Das Clapper Board ist ein Werkzeug , mit dem wir zu Beginn des Spiels die Szene innerhalb des Frames identifizieren können Beginn des Spiels die Szene innerhalb des Frames Im Allgemeinen beinhalten die Anforderungen an das Clapper Board die folgenden Informationen Der Name der Speicherplatte, die Nummer oder der Name der Szene und die Take-Nummer. Weil Sie wissen müssen, dass die Szene mehrmals wiederholt werden kann. Aus vielen Gründen muss der Editor die Aufnahmeinformationen in der Bearbeitungssoftware visuell erkennen. Einer der Hauptgründe, warum die Klöppel nützlich ist, liegt natürlich die Klöppel nützlich ist in der Tatsache, dass Sie den Ton mit dem Bild synchronisieren müssen . Die Reibung projiziert, dass die Wärme, durch den oberen Stick auf der Schindel erzeugt wird , uns ermöglicht, zu wissen, an welchem Punkt Audio und Video in der Bearbeitungssoftware synchronisiert und Video in der Ich meine, da Audio und Video oft auf verschiedenen Geräten aufgenommen werden In jeder Abteilung gibt es andere Rollen, deren Funktion darin besteht, die Arbeit des Hauptbedieners zu erleichtern. Im Bereich der Beleuchtung gibt es einige spezialisierte Mitarbeiter, wie Gaffer und den Cheflichttechniker, zum Beispiel dafür zuständig ist, genau das Licht zu messen , das in der Szene angewendet werden soll Er weiß zum Beispiel genau, welche Leistung jede Lampe hat, um ein bestimmtes Licht zu erzeugen zwar im Grunde genommen von ihrem Assistenten des Kameramanns Im Allgemeinen besteht der Unterschied zwischen einer kostengünstigen und kostenintensiven Produktion genau in der Anzahl der Assistenten im Team. Denn die Wahrheit ist, dass sich der Direktor jeder Abteilung zwar der Direktor jeder Abteilung mehr auf den kreativen Teil als auf die Lösung betrieblicher Probleme konzentriert , das Qualitätsergebnis jedoch besser sein wird. Es gibt Fälle wie den mexikanischen Kameramann Emmanuel Luveski, der es gewohnt ist , mit der Kamera zu arbeiten, weil dies der Beweis dafür ist, dass er aus einer Ausbildung kommt, in der Kamera zu arbeiten, weil dies der Beweis dafür ist, dass er aus einer Ausbildung kommt der er jeden Teil des Prozesses lernt Scheuen Sie sich also nicht, mehrere Rollen in einem Projekt mit geringem Budget zu übernehmen mehrere Rollen in einem Projekt mit geringem Andererseits ist die Art Direction die Abteilung, die sicherstellt, dass alle Elemente , die sich in der Szene befinden, zum Beispiel das Bühnenbild, die Kostüme, die Requisiten, all diese Elemente der Geschichte verbunden sein müssen All diese Elemente sollten uns genauso viel sagen wie das Drehbuch Diese Elemente, die im Bühnenbild vorkommen, müssen Eigenschaften haben , was die Farbstruktur und auch die Semiotik angeht , was die Farbstruktur und auch die Semiotik Damit diese verzweifelten V-Szenen, die ich bereits erwähnt habe, ihre Ziele erfüllen Offensichtlich handelt es sich um eine gemeinsame Anstrengung zwischen dem Regisseur des Films und dem Art Director, und sie müssen den gleichen Weg beschreiten, der dazu führt, die Geschichten durch Bilder zu erzählen. Die Kunstabteilung und die Abteilung für Schilder sind eng miteinander verknüpft, denn die semiotischen Elemente, die wir den Szenen hinzufügen , sind vor allem teurer und komplexer Das wird höhere Kosten für den Film und mehr Geld bedeuten . Andererseits sind auch die Tontechniker wichtig, was nicht vergessen werden sollte denn der Ton muss bei den Dreharbeiten korrekt aufgenommen werden , das Catering-Team für die Fußdetails zuständig ist die Fußdetails zuständig Und vor allem sollten Sie nicht glauben, dass es die Produzenten sind, die für die Lösung der Fußprobleme verantwortlich Es ist ein Amateurfehler. Eine weitere wichtige Abteilung , die mit dem Produktionsteam verbunden ist , ist das Kostümdesign, die Kostümabteilung. Diese Abteilung ist auch eng mit dem Kunstteam verbunden, da es die Kunstabteilung und der Regisseur und die visuellen Kreativen sind, die die Farben der Kostüme auswählen , aber der Kostümdesigner ist derjenige, der sie herstellt Es gibt auch einen Wardrop-Supervisor, der sich während der Dreharbeiten um die Kostüme kümmert während der Dreharbeiten um die Kostüme Aber bei den meisten Shootings gehört dieser Betreuer der Ward Drop zu den Assistenten des Make-up-Teams Es ist wichtig , dass immer genügend Personen für diese Art von Arbeit delegiert werden Manchmal sind es sehr einfache Aufgaben, aber sie werden delegiert Leute, die kreativ an den Dreharbeiten arbeiten und das ist ein Problem Dies wirkt sich nachteilig auf die Produktionsqualität aus. Wenn es darum geht, ein Produktionsteam zu leiten, ist es notwendig, die Personen, die kreativ arbeiten, und diejenigen, die technische Arbeit leisten, zu referenzieren kreativ arbeiten, und diejenigen, die technische Arbeit leisten diejenigen Die ersten sind die wichtigsten. Das technische Personal muss sicherstellen, dass diese kreative Arbeit so gut wie möglich ist. Obwohl eine einzelne Person während der Produktionsphase für mehrere Aufgaben verantwortlich sein kann , müssen Sie diese Aufgabe gut kombinieren. Sie wissen beispielsweise, dass der Produktionsprozess verschiedene Phasen hat. Zum Beispiel könnte der Art Director vor dem Dreh mit der Grafikabteilung zusammenarbeiten. Der Filmregisseur muss mit allen Abteilungen des Films zusammenarbeiten usw., aber am Set funktioniert es anders Ich kann zum Beispiel am Set Regie führen und gleichzeitig Schauspieler sein Ich finde damit kein Problem, weil diese Aufgaben entweder künstlerisch und kreativ sind, aber sie sind miteinander verbunden. Aber eigentlich bin ich nicht in der Lage, gleichzeitig Regisseur und Produktionsleiter zu sein . Weil die Leiter am Set eine Menge Probleme lösen muss . Sie müssen am Anfang einen großartigen Produzenten haben. Derselbe Produzent kann der Leiter einer Produktion sein und auch diese Person muss es lieben, zu sein und Manager zu sein. Ich meine, ein Produzent muss sich mit der Excel-Softwareverwaltung auskennen , und dieser Produzent muss Netzwerkkenntnisse haben , um mit Leuten zu interagieren , die unser Filmprojekt durchführen können. Ich würde sagen, dass der künstlerische Teil der Produktion darin besteht , eine Idee zu visualisieren und wissen, ob sich diese Idee lohnt. Endlich der Filmregisseur. Der Filmregisseur ist der kreative Manager , der den kreativen Teil der Filmproduktion übernimmt. Regisseure müssen jede Abteilung des Produktionsteams sehr gut kennen . Ein guter Filmregisseur muss alles wissen. Musikkinematographie, Geschichte, Nachrichtenschreiben. Je mehr Wissen Sie haben, desto mehr Fähigkeiten müssen Sie haben, um mit den anderen kreativen Managern Ihres Projekts zu kommunizieren kreativen Managern Ihres Außerdem werden Sie in der Lage sein, dem Publikum durch die Filmsprache alles zu vermitteln dem Publikum durch die Filmsprache alles zu Regisseure müssen auch in der Lage sein, einen guten kreativen Überblick über den Film zu haben einen guten kreativen Überblick über , und zwar nicht nur im visuellen Teil Ich stelle fest, dass das Lied sehr wichtig ist, es macht 50% der Filmsprache aus Andererseits ist einer meiner besten Ratschläge, dass Regisseure größtenteils in den Schreibprozess einbezogen werden sollten Drehbuch, bei der Konstruktion der Geschichte. Es ist wichtig, als Regisseur etwas zu sagen und seine Stimme mit Stil zu erzeugen Es lohnt sich wirklich, bei Geschichten Regie zu führen, die mit unserem Leben zu tun haben , denn nur so können Sie sich einen Film besser vorstellen Auch wenn es außergewöhnlich sein kann, das Drehbuch eines anderen zu inszenieren sein kann Wir müssen unsere eigene Stimme haben , wenn wir unseren Standpunkt formulieren Ich meine, die besten Regisseure in der Geschichte des Kinos haben die Fähigkeit, Geschichten zu schreiben , weil sie die Sprache sehr gut kennen. Das ist der Unterschied zwischen Autorenkino und traditionellem Kino, aber unabhängig davon, ob es gedreht oder Hollywood ist oder nicht. Unabhängig davon, ob es sich einen Film mit Spezialeffekten handelt oder nicht, oder um eine Superheldengeschichte oder nicht Der Regisseur ist in den Schreibprozess involviert und fügt eine einzigartige Vision seines Geschichtenerzählens Andererseits sollte Wissen für Filmemacher keine Einschränkung sein Sie müssen immer bereit sein, Tag für Tag zu lernen. Versuche, alle Arten von Filmen anzusehen, du kannst von allen lernen. In allen finden Sie wertvolle Tools, die Ihnen helfen, Ihre eigene Sprache zu entwickeln. über Kenntnisse verschiedener Abteilungen verfügen, können Sie das Filmprojekt außerdem verschiedener Abteilungen verfügen, können Sie schützen. Weil Sie wissen können, ob das, was der Art Director oder Sounddesigner Ihnen sagt, wahr ist oder nicht. Ich werde dir ein Beispiel geben. Vor einiger Zeit habe ich bei einem Shooting als Tonassistentin gearbeitet , aber so professionell war es nicht. Weißt du, ich habe einer Freundin, die Regie studierte, einen Gefallen getan Freundin, die Regie studierte, einen Sie wusste nicht und unterschätzte das Wissen, das ich über Tonaufnahmen hatte. Ich mache ihr überhaupt keinen Vorwurf , denn das ist Teil des Aber das kann Ihnen passieren und wird Ihnen wahrscheinlich passieren. Was passiert ist, war, dass wir beim Einfügen einer Szene den Ton einer Konversation aufnehmen mussten Ich hielt das Mikrofon mit dem entsprechenden Verlängerungsstab in der Hand, so auf diese Weise, aber das hatte sie noch nie gesehen Die Sache ist, dass ich es auf diese Weise gemacht habe, weil wir ein unidirektionales Mikro verwendet haben Deshalb habe ich das Mikro so von unten nach oben gehalten , dass es auf Mund des Charakters zeigt Die Stimme wurde korrekt aufgenommen. In diesem Moment wusste ich das, weil ich Erfahrung mit Mikrofonen hatte, weil ich mein ganzes Leben lang mit ihnen gearbeitet hatte, nicht nur in Film-, sondern auch in Musikstudios, wo ich sah, wie der Toningenieur sie benutzte, um den Klang der Trommel aufzunehmen Wenn Sie dort beispielsweise ein Schlagzeug aufnehmen wollten , sollten Sie die Mikrofone an verschiedenen Positionen platzieren , um den Klang der einzelnen Teile des Schlagzeugs aufzunehmen den Klang der einzelnen Teile des Bei den Trommelsymbolen müssen Sie sie oben positionieren, müssen Sie sie oben positionieren da sie sich oben befinden Aber wie dem auch sei, bei den Dreharbeiten habe ich dieses unidirektionale Mikrofon in Richtung des Mundes der Figur positioniert , in dieser Position von unten nach oben Aber die Regisseurin war völlig verwirrt, weil sie nur auf den Fotos von den Dreharbeiten gesehen hatte , dass der Soundassistent das Mikrofon von einem Bot Soundassistent das Mikrofon von Das war ein großes Problem für sie, weil sie mich gezwungen hat, meine Position zu ändern , nur damit sie sich auf dem Foto, das Sie sehen, sicher fühlt In diesem Moment verwendet der Soundassistent ein omnidirektionales Mikrofon bedeutet, dass dieses Mikrofon im Allgemeinen den Klang des dreidimensionalen Raums vor Ihnen aufnehmen des dreidimensionalen Raums vor Ihnen Das ist die einzige Möglichkeit, Mikrofone dieser Art so nah an den Gesichtern zu platzieren Mikrofone dieser Art so nah an den Gesichtern zu , dass sie nicht im Bild erscheinen Aber der Regisseur hat es nicht bemerkt. Sie hat den Fehler gemacht, mir die falschen Anweisungen zu geben. Der Ton wurde oder wurde aufgrund mangelnder Kenntnisse zu diesem Thema unangemessen aufgenommen aufgrund mangelnder Kenntnisse zu diesem Thema unangemessen Kenntnisse zu diesem Thema Deshalb betone ich, dass es besser ist, Nachforschungen anzustellen neugierig auf jede Abteilung zu sein , um während der Dreharbeiten in allen Phasen des Filmprojekts die richtigen Entscheidungen allen Phasen des Filmprojekts die Aber wir werden uns das alles ansehen, damit Sie einen Plan haben, dem Sie in dieser schönen Karriere folgen können einen Plan haben, dem Sie in dieser schönen Karriere folgen , Filmregisseure zu werden und jede Art von Filmprojekt durchführen zu können . Ich sehe dich in der nächsten Lektion. 9. Aufnahmen und Objektive: Die Arten von Kameraaufnahmen und die Verwendung von Objektiven. Dieses Thema ist wirklich interessant , weil es mit einer großartigen Frage beginnt. Eine Frage, die ich mir immer stelle , weil es ein ständiger Zweifel ist , wenn es ums Schießen geht. Es ist der Filmregisseur, der die Objektivtypen und das Set auswählt, oder der Kameramann oder der Kameramann, wenn es der Filmregisseur ist, der für die Gestaltung verantwortlich ist, insbesondere für die Rahmung, die für die Ausgewogenheit des insbesondere für die Rahmung, die für die Ausgewogenheit Bildes sorgt Warum wird dem Kameramann die volle Anerkennung für die Regie beim Fotografieren zugesprochen? Es liegt auf der Hand, dass der Kameramann oder Kameramann dafür verantwortlich ist , den endgültigen Rahmen einer Einstellung sicherzustellen, aber die Ideen für diese Aufnahmen stammen vom Regisseur verantwortlich ist , den endgültigen Rahmen einer Einstellung sicherzustellen des aber die Ideen für diese Aufnahmen Films. Die Hauptaufgabe des Kameramanns ist die Beleuchtung des Films. Die Hauptaufgabe des Kameramanns ist die Beleuchtung des Films. Auf jeden Fall geht es uns bei dieser Lektion darum zu wissen, welche uns bei dieser Lektion darum zu wissen, welche formalen Aspekte die Aufnahmen haben müssen um gut gemacht und professionell inszeniert zu sein Es ist wichtig zu wissen , dass diese Lektion nicht die einzige sein wird, in der es um die Elemente der Aufnahmen in den Lektionen geht : Kamerabewegungen und Bewegungen innerhalb der Aufnahmen. Wir werden auch über Dinge sprechen, die das Gleichgewicht und die Elemente der Komposition betreffen , sowie über semiotische Elemente, die helfen, die Geschichten zu erzählen Ich lade euch ein, immer zu versuchen frei und offen für Experimente zu fühlen, Regeln zu brechen und zu versuchen, eure falsche Vorgehensweise zu entwickeln Fangen wir mit einem Weitblick an. Das Ziel dieser Aufnahme ist es, den Charakter in einem Kontext zu präsentieren. Um diesen Charakter in einem bestimmten geografischen Raum zu identifizieren . Denken Sie daran, dass dieser Raum uns Dinge sagen kann. Bei dieser Art von Aufnahmen ist es wichtig, dass wir das Figure-Ground-Konzept verwenden , weil es sterile Schichten geben wird, die uns Informationen über die Geschichte und diese Art von Aufnahmen geben. Es gibt auch die extrem weiße Aufnahme , bei der es sich um eine weiter entfernte Version handelt. In der Regel wird solchen Aufnahmen bei der Bearbeitung, im endgültigen Schnitt, genügend Zeit eingeräumt , damit sie auf dem Bildschirm im Detail richtig gelesen werden können auf dem Bildschirm im Detail richtig gelesen werden , da die Details in einer kleineren Größe zu sehen sind. Außerdem könnten wir zwei oder drei Sätze in unserem Drehbuch haben , die in einer einzigen weißen Aufnahme wiedergegeben werden in einer einzigen weißen Aufnahme wiedergegeben Daher muss der Zuschauer genügend Zeit haben , um das Bild korrekt zu lesen Eine weitere wichtige Aufnahme ist die Vollaufnahme. Ziel ist es, sich mehr darauf zu konzentrieren, dass der Charakter eine Aktivität ausführt, bei der der Körper bewegt wird, egal ob er kämpft, einen Koffer packt oder eine Straße entlang geht Der Hintergrund ist bei diesen Aufnahmen auch wichtig , um zu wissen, wo diese Aktion stattfindet Dieser Charakter kann ein Tier sein, kann ein Auto sein, eine Person, was auch immer. Eine Aktion im Singen machen, das ist die volle Chance. Im Gegensatz zu den vorherigen Aufnahmen nimmt unser Charakter viel Platz im Bild ein. Diese Aufnahme ist auch wichtig, um die Begegnungen zwischen Menschen im Gespräch darzustellen die Begegnungen zwischen Menschen im Gespräch Zum Beispiel Konversation aus allgemeiner Sicht. Im Allgemeinen gehen wir bei der Bearbeitung nach einer guten allgemeinen Aufnahme normalerweise zu den Originalaufnahmen über. Das ist zwar keine Regel, aber es ist eine gute Möglichkeit für den Zuschauer, die bequem zu lesen Sequenzen und Bilder, die unser Drehbuch repräsentieren , frisch und unser Drehbuch repräsentieren , Diese Aufnahmen sind normalerweise sehr beeindruckend, besonders wenn wir mit perspektivischen Elementen spielen , die es uns ermöglichen, die Tiefe eines großen Raums mit verschiedenen Elementen in der Ferne zu spüren mit verschiedenen Elementen in der Ferne Der nächste ist The Cowboy Shot, der für Cowboy-Filme, die Western, gedreht wurde, um den Charakteren Waffen zu zeigen Hier neigt der Schuss dazu, etwas über den Knien zu liegen. Es ist ein mittelgroßer Schuss, aber näher. Hier sehen wir ein Beispiel. Unser Charakter ist ziemlich nah dran und wir können den Ausdruck durch sein Gesicht und seinen Körper sehen. Es ist offensichtlich nicht etwas, das nur Cowboy-Filmen vorbehalten ist. Das Lustige an dieser Aufnahme ist, dass sie trotz der Tatsache, dass sie für Cowboys erfunden wurde, die still stehen und darauf warten, zu Heutzutage werden diese Aufnahmen fast immer mit Bewegungen kombiniert , bei denen sich der Mann dem Charakter nähert oder sich von ihm entfernt Der nächste ist der mittlere Schuss. In dieser Einstellung werden wir den Charakter viel näher am Hüftkopf sehen . Es ist dem Cowboy-Shot sehr ähnlich . Tatsächlich gibt es Regisseure, die es für die gleichen Arten von Szenen verwenden Gespräche zum Beispiel. ist es jedoch viel häufiger , den Medianwert der Aufnahme zu sehen In Gesprächen ist es jedoch viel häufiger , den Medianwert der Aufnahme zu sehen als bei Cowboyaufnahmen Es ist eine ausdrucksstarke Aufnahme. Ziel ist es, den Gesichtsausdruck des Charakters zu erkennen, obwohl der Fokus nicht auf das Gesicht gerichtet ist. Es gibt auch die mittlere Nahaufnahme , die etwas näher ist. Die Auswahl dieser Aufnahmen der Szene hängt insgesamt davon ab, wie wichtig die Aufmerksamkeit ist, die ein Charakter in der Szene einem Gegenstand schenkt. Zum Beispiel, wenn eine Figur aufmerksam der Rede einer Person zuhört. Dieses Gefühl gibt es auch in der Nähe, das ist der maximale Aufmerksamkeitspunkt eines Charakters. Der Hintergrund verliert total an Bedeutung. Es ist normalerweise unscharf, weil wir uns nur auf die Phase konzentrieren , in der wir uns um etwas kümmern. Diese Phase kann natürlich darin bestehen, ein Objekt im Detail zu betrachten, ein wichtiges Gespräch oder ein Gedankenaustausch Diese Aufnahmen müssen sehr sorgfältig beleuchtet werden, da wir an den wertvollsten Instrumenten für den Auftritt arbeiten Das Tempo, mit dem die Beleuchtung Gesichtsausdruck des Schauspielers beeinträchtigen kann , erfordert zum Beispiel große Sorgfalt und die Beleuchtung ist an die Gesichtszüge des Schauspielers angepasst Auf der anderen Seite gibt es auch die extreme Nahaufnahme, die sich nur auf die Augen konzentriert , um noch mehr Aufmerksamkeit Diese Aufnahme kann beispielsweise auch für Objekte oder Dinge verwendet werden , von jemandem genau betrachtet Diese wichtigen Elemente in der Geschichte, die detailliert sein müssen. Aufgrund ihrer Bedeutung ist es wichtig zu berücksichtigen, ist es wichtig zu berücksichtigen dass, wenn wir zum Beispiel etwas Geschriebenes lesen müssen, um die Geschichte zu verstehen, ein Bild nah genug sein muss und dass es auch lang genug sein muss , um die Informationen ohne Zweifel richtig lesen zu können. Ich meine, um nicht an einen Punkt in der Geschichte zu gelangen an dem wir gewusst haben müssten dass das Lesen dieser Informationen, vorherige Informationen sicherlich unerlässlich waren , um den Kern der Geschichte zu verstehen. All diese Aufnahmen wurden für den Regisseur ausgewählt. Tatsächlich machen viele der Regisseure eine Geschichte, bei der es sich Referenzzeichnungen der Art der Aufnahme handelt, die gedreht werden soll Ein weiterer wichtiger Aspekt ist, in welchem Winkel und an welchem Ort sich die Kamera befinden wird Das ist der Standpunkt der Aufnahme. Die erste Art von Aufnahme in Bezug auf den Winkel ist die Aufnahme selbst. Eine Aufnahme von oben erfolgt aus großer Höhe, schaut auf den Charakter herab und ein gutes Maß an Wesen umgibt ihn oder umgibt ihn hier. Sie können diesen Winkel auch mit den vorherigen Aufnahmen kombinieren. Ich meine, sie können nah oder fern sein. Denken Sie daran, dass die gesamten vorherigen Aufnahmen mit der Balance und der Form des Rahmens zu tun hatten. Aber diese beziehen sich auf den Winkel. Die Kreativität, die Sie möglicherweise haben, wird Ihnen helfen, bessere Ergebnisse zu erzielen. Diese beiden Eigenschaften werden in all unseren Aufnahmen immer präsent sein, und sie werden praktisch die visuelle Kalligrafie Sie die Geschichte des Drehbuchs darstellen werden die Geschichte des Drehbuchs darstellen Die nächste ist die Aufnahme aus dem hohen Winkel. Die Kamera zeigt nach unten auf deinen Charakter. Es erzeugt normalerweise ein Gefühl der Minderwertigkeit oder wenn Sie auf Ihr Motiv herabschauen Hier ist ein Beispiel für eine Aufnahme aus der Vogelperspektive aus einem meiner Kurzfilme Sie müssen berücksichtigen, dass Sie auch verschiedene Arten der Rahmung verwenden können auch verschiedene Arten der Rahmung verwenden Das heißt, die Aufnahme kann auch bei einem solchen Winkel näher oder weiter entfernt Dieser Winkel kommt sehr häufig vor, wenn wir Ihren Charakter in seiner geliebten Fähigkeit darstellen möchten Ihren Charakter in seiner geliebten Fähigkeit darstellen Du kannst es auch verwenden, um intime Momente darzustellen, in denen der Charakter isoliert ist, ohne sich um etwas um ihn herum oder Das Folgende ist die Aufnahme mit niedrigem Winkel in der Kinematographie. Eine Aufnahme mit niedrigem Winkel ist eine Aufnahme irgendwo unterhalb der nach oben gerichteten Augenlinie positioniert Es kann sich sogar unter den Füßen der Figur befinden, was als Aufnahme aus extrem niedrigem Winkel bezeichnet wird, genauso wie Sie es mit den vorherigen Winkeln gesehen haben Es kann sich um eine Nahaufnahme aus einem niedrigen Winkel und auch um eine Aufnahme aus der Ferne handeln. Es hängt immer davon ab, was Sie im Rahmen darstellen möchten Ich denke, dass eine grundlegende Referenz für Aufnahmen sowohl mit hohem als auch mit niedrigem Winkel darin besteht , die Höhe Ihres Horizonts zu berücksichtigen, wenn Ihre Augen darüber sind, ist die Aufnahme aus dem hohen Winkel Wenn sie sich unten befinden, handelt es sich um eine Aufnahme aus einem niedrigen Winkel. Aus dieser Sicht ist es ziemlich einfach. Es gibt keinen bestimmten Winkel , den Sie haben müssen. Fühlen Sie sich frei, Ihrer Kreativität freien Lauf zu lassen. Aber in Regel ist es ein Winkel von 45 Grad, vielleicht etwas mehr oder etwas weniger, egal um welchen Winkel es sich handelt, solange sich der Betrachter beim Betrachten des Bildes nicht unwohl fühlt. Die nächste in der Liste ist die Over-the-Shoulder-Aufnahme, eine beliebte Aufnahme, bei der ein Charakter hinter der Schulter eines anderen Charakters aufgenommen wird . Sie können die Charaktere an einer beliebigen Stelle für eine mittlere Nahaufnahme aufnehmen , z. B. wenn Sie die Schulter, den Hals oder den Hinterkopf des anderen Charakters sehen können . Sie wissen, dass diese Art von Aufnahmen nützlich ist, um die Gesichtsreaktion bei Gesprächen zu zeigen. Es wird tendenziell mehr Wert auf eine Verbindung zwischen zwei Lautsprechern gelegt. Diese Aufnahmen sind der Klassiker der Konversation, vor allem, wenn wir dem Zuschauer das Gefühl geben wollen wir die Person wären, die der anderen Figur in der Szene zuhört . Das Interessanteste an dieser Art von Aufnahme ist jedoch , dass sie auch mit einer ganzen Aufnahme kombiniert werden kann. Zum Beispiel, wenn wir den anderen Charakter in der Ferne sehen , einen Charakter in der Ferne. Aber wir sehen die Kontur des Rückens eines anderen Charakters , der diesen Charakter in der Ferne betrachtet Sie können mit allen möglichen Bildern spielen, sowohl in der Nähe als auch in der Ferne Sobald Sie die Interaktion zwischen zwei Charakteren darstellen . Es gibt auch die Rückansicht, es ist einfach die Neupositionierung der Kamera, füge direkt hinter unserem Charakter Es wird normalerweise verwendet, um den Standpunkt des Charakters zu sehen , aber um den Charakter innerhalb des Frames einzubeziehen Wie Sie an den Beispielen auf dem Bildschirm sehen können, habe ich es in meiner Kinematographie mehrmals verwendet, sodass ich das Ganze und Ari vor der Figur zeigen Ganze und Ari vor der Figur Diese Aufnahmen sind gemacht , um zusammen mit der Figur, die über einen Ort nachdenkt , Zeugen und Protagonist zu sein zusammen mit der Figur, die über einen Ort nachdenkt , Zeugen und Protagonist nachdenkt , Es könnte aber auch ein Charakter sein, der vor etwas steht , das viel größer ist als er. Eine Herausforderung. Zum Beispiel die Aufnahme der Profilrahmung. Dadurch können wir den Charakter nur von einer Seite sehen. Es wird im Allgemeinen verwendet, um den Charakter in einem Moment der Kontemplation zu sehen den Charakter in einem Moment der Kontemplation zu In dieser Einstellung betrachtet die Figur zum Beispiel das tote Mädchen auf dem Felsen Aber mit viel Aufmerksamkeit ist die niederländische Aufnahme, die niederländische Aufnahme einfach eine geneigte Aufnahme, die im Allgemeinen den Zweck hat, ein Ungleichgewicht bei der Darstellung von Actionszenen zu erzeugen bei der Darstellung von Actionszenen Die Wahrheit ist jedoch, dass dies nicht immer der Fall ist. Manchmal verwenden Regisseure dies nur für ästhetische Zwecke. Das heißt, um der Kinematographie des Films eine andere Note zu verleihen Kinematographie des Films eine andere Note zu In den 80er und 90er Jahren war es sehr üblich, diese Einstellung zu verwenden, um die Ästhetik der Szenen und Sequenzen zu verbessern und der Kinematographie einen raffinierten Touch zu verleihen Denken Sie daran, dass unter Filmwissenschaftlern manchmal Spekulationen über die Sprache der Kinematographie auftauchen In der Tat ist dies einer der Hauptmängel des unabhängigen Kinos Ich meine, manchmal versuchen sie, die Szenen zu vervollständigen und mit künstlerischen Konzepten , die im Film nicht real sind Sie neigen dazu, mit dieser Aufnahme zu spekulieren. Das passiert oft, deshalb müssen wir bei der Verwendung sehr vorsichtig sein und nicht versuchen, uns und andere damit zu täuschen Ich lade Sie jedoch ein, es frei zu verwenden, aber nicht zuletzt die Frontalaufnahme , so wie Sie mich in diesem Moment sehen würden , völlig frontal Ich werde Ihnen ein paar Beispiele für all diese Aufnahmen zeigen , damit Sie sie sich ein paar Sekunden lang ansehen können. Aber wie wichtig sind Kinoobjektive die Konstruktion eines Kinobildes Was sind sie so wichtig? Die meisten von Ihnen, die sich diesen Kurs ansehen , sind Leute, die lernen möchten was aus meiner Sicht in der audiovisuellen Welt anfängt . Eines der wichtigsten Dinge Sie in diesem Kurs lernen können, dass alle Kinoobjektive das Bild verzerren, auch wenn er Ihnen als Hilfsmittel für Ihre Filmkarriere dienen wissen, dass alle Kinoobjektive das Bild verzerren, auch wenn er Ihnen als Hilfsmittel für Ihre Filmkarriere dienen wird alle, zu 90%, werden das Bild, das wir mit der Kamera aufnehmen wollen, verändern wir mit der Kamera aufnehmen wollen, Das Objektiv ist ein Gerät. Es ist ein Glas, das das einfallende Licht interpretiert das einfallende Licht um ein Bild auf einen digitalen Sensor der Kamera zu projizieren. Aber warum sind die Objektive für den Filmregisseur so wichtig? Weil die Art der Objektive vom Regisseur ausgewählt wird . Der Kameramann kann auch Pumpen vorschlagen und sogar eine Entscheidung treffen Aber der Regisseur muss das letzte Wort haben. Ein weiteres wichtiges Detail ist, dass ich auf viele Videokünstler gestoßen bin , die nicht wirklich wissen was ein Bild wirklich großartig aussehen lässt. Ich sage Ihnen das, weil ich mir nicht vorstellen kann , dass viele von Ihnen darüber nachdenken , zum Beispiel in Audio-Dieselgeräte zu investieren . Daher werden Sie versuchen zu entscheiden, welche Geräte Sie kaufen möchten, um die beste Qualität zu möglichst geringen Kosten zu erzielen. Ich kann Ihnen mit Zuversicht sagen, dass das, was das Bild großartig aussehen lässt , das Objektiv ist. Eigentlich können Sie eine Kamera von vor zehn Jahren verwenden, aber wenn diese Kamera ein komplett professionelles Objektiv hat, und wenn ich professionell sage, meine ich vielleicht 100.000$ für Objektive Ich versichere Ihnen, dass das Bild, das Sie machen sollten, perfekt aussehen wird. Kann ich dir das sagen? Falls Sie ein Objekt haben, mit dem Sie Ihr Filmprojekt durchführen können? Sie haben einen Buc Jet, der dem Objektiv mehr Aufmerksamkeit schenkt als der Kamera Natürlich reicht es nicht aus, unglaubliche Objektive zu haben. Sie müssen wissen, wie man sie benutzt und wie man sie richtig benutzt. Um das zu erreichen , müssen wir die Sprache der Wahrnehmung im Raum und in der Malerei lernen . Realistisches Malen ist eine großartige Quelle der Inspiration und des Lernens, weil diese Menschen keine anderen Werkzeuge hatten , als sich hinzusetzen und genau zu beobachten, wie das Bild im menschlichen Sehen verzerrt wird im menschlichen Sehen verzerrt , wenn wir uns Objekten nähern und uns von ihnen entfernen Zum Beispiel, wenn Sie eine großartige allgemeine Aufnahme einer Linienlandschaft machen wollen eine großartige allgemeine Aufnahme einer Linienlandschaft Sie könnten es mit jedem Objektiv machen, aber Sie müssen sich darüber im Klaren sein, was Sie mit jedem dieser Objektive aus dieser Linienlandschaft aufnehmen können . Sie könnten beispielsweise ein 16-Millimeter-Objektiv verwenden. Das Objektiv drückt das Bild so zusammen, dass die Entfernung zwischen der Kamera und dem Raum, den Sie darstellen möchten, zwar Entfernung zwischen der Kamera und dem Raum, den nicht so groß ist, die Kamera aber in der Lage einen sehr großen Raum zu erfassen Aber dieses 16-Millimeter-Objektiv muss das Bild verzerren, um das zu erreichen Daher würde es anders aussehen. Wenn wir jedoch ein 120-Millimeter-Objektiv verwenden und dieselbe Landschaft einfangen wollen, müssen wir uns so weit entfernen, dass die gesamte Landschaft in den Rahmen passt Weil das Objektiv die Landschaft nicht verzerren wird , damit sie in den Rahmen passt Zusammenfassend hätten wir zwei Landschaften mit den gleichen Details im Rahmen aber mit völlig unterschiedlichem Aussehen All diese Details sollten bei der Verwendung von Objektiven berücksichtigt werden , denn in dem Maße, in dem wir das Bild aus ästhetischen Gründen verzerren, um bei den Aufnahmen ein schönes perspektivisches Gefühl zu erzeugen , werden wir einen visuell schöneren Film haben Und sogar die Bedeutung der Bilder ändern, die Bedeutung des Sinnes Andererseits werden die Lensens auch mit unserem Casting zu tun haben , denn je nach Gesichtszügen eines Schauspielers eine Linse für diese Person besser geeignet oder nicht Und wir müssen einen gewissen Abstand zwischen der Kamera und dem Schauspieler einhalten , um das Erscheinungsbild des Schauspielers nicht nachteilig zu verfälschen, was den Körperbau des Schauspielers oder die Gesichtszüge einer Schauspielerin angeht Körperbau des Schauspielers oder die Gesichtszüge einer Manche Regisseure versuchen zum Beispiel manchmal, Hauptdarsteller mit einer ähnlichen Spur für denselben Film zu finden Hauptdarsteller mit einer ähnlichen Spur , um dies zu erreichen ist überhaupt kein Weg, weil man die Einstellungen der Hauptdarsteller unterschiedlich bearbeiten könnte die Einstellungen der Hauptdarsteller unterschiedlich bearbeiten Und das passiert in der Regel von hochqualifizierten Fachleuten. Kameramänner sind diejenigen, die eine Atempause Atempause Sie schaden der Schönheit des Schauspielermodells nicht. Außerdem konzentrieren sie sich darauf, mit allen Elementen der Komposition zu spielen . Sie beschränken sich jedoch nicht darauf, die Kamera näher an die Phase des Schauspielers heranzuführen , um das Gefühl zu erzeugen. Das größte Problem besteht darin, dass die Verzerrung der Phase eines Schauspielers ein visuelles Signifikant ist und wir das nicht zufällig tun können zum Beispiel bei jedem zweiten Teil der Rest die Capris-Phase verzerrt , um die psychologische Dimension des Charakters zu untersuchen des Es ist ein perfektes Beispiel für das, was ich dir sage. Ich meine Stein bewusst und durchdacht. Das ist ein Charakter , der aufgrund seines Wahnsinns über all die Dinge um ihn herum nachdenkt all die Dinge um ihn herum Es ist ein Film, dessen Ton selbst von der Verbindung zwischen dem Menschen und seiner Umwelt handelt der Verbindung zwischen dem Menschen und Manchmal verwenden snovidische Regisseure Objektive , um das Bild willkürlich und gedankenlos zu verzerren, um damit zu prahlen, dass sie dazu in der Lage sind Aber hinter der Auswahl des Objektivs steckt keine filmische Bedeutung . Das ist schrecklich, denn eine zufällige Auswahl von Objektiven, zum Beispiel nur zum Experimentieren, kann der Botschaft hinter dem Drehbuch widersprechen Filmregie basiert auf dem Drehbuch und der Verwendung des Es ist ein weiteres Instrument, um das Beste aus der Geschichte herauszuholen und den Zuschauer mit Emotionen und Empfindungen zu erfüllen den Zuschauer mit Emotionen und Empfindungen Denken Sie daran, dass eines der häufigsten Probleme beim Filmemachen der Kommunikationsprozess zwischen Autor und Publikum ist zwischen Autor und Publikum Es muss unsere Priorität sein, dass jeder Kommunikationsprozess klar genug oder zumindest klar ist , sodass wir die kleinsten Details in beiden Objekten erfassen und weitergeben Andererseits sind Objektive mit hohem Millimeter dem menschlichen Sehen am ähnlichsten, da sie das Bild nicht zu stark verzerren Wir können mit der gesamten Palette von Objektiven spielen , um mehr oder weniger Details einzufangen Andererseits konzentrieren sich die Objektive mit einem niedrigeren Millimeter darauf, mehr Raum zu erfassen. Trotz der Entfernung, die die Kamera zu diesem Raum hat, können Sie diese beiden Optionen verwenden, um mehr Raum zu erfassen oder Details aufzunehmen Fühlen Sie sich frei, damit zu spielen. Ich habe dir ein Beispiel mit dem menschlichen Gesicht gezeigt. Das Bild eines Mannes, dargestellt mit verschiedenen Objektiven, im Bereich von 60 Millimetern bis 135 Millimetern Unterbrechen Sie die Lektion, wenn Sie möchten, und beobachten Sie jede einzelne Veränderung, denn das verändert wirklich das Aussehen dieses Typen Es gibt noch eine weitere wichtige Sache, die ich Ihnen sagen muss, insbesondere Objektive mit einem niedrigeren Millimeter sind viel teurer als die höheren. Ich weiß nicht genau warum. Aber ich nehme an, dass diese Fähigkeit einen großen Raum einzufangen, obwohl sich die Kamera in der Nähe eines Raums befindet, impliziert, dass das Objektiv zu impliziert, dass das Objektiv einer Klasse mit einem komplizierteren Design gehört. Ich kann Ihnen das am Anfang nur empfehlen, wenn Sie sich kein gutes Objektiv mit niedrigem Millimeterwert leisten können Versuchen Sie, Ihre Filme oder Kurzfilme oder was auch immer mit den Filmen mit höheren Millimetern Denn wenn wir zum Beispiel ein 24-Millimeter-Objektiv von geringer Qualität verwenden , können wir das geringe Budget unseres Filmprojekts aufdecken Ein weiteres wichtiges Detail ist, dass Objektive mit einer größeren Apertur mehr Licht in den Sensor eindringen lassen Daher wird das Bild viel besser aussehen. Tatsächlich besteht das Problem bei Objektiven mit niedrigem Millimeter darin, dass es für sie teurer ist, eine größere Blende zu haben Und ich denke, das ist der Grund, warum Objektive mit einem niedrigeren Millimeter teurer sind als die anderen Das Problem ist immer, dass wir als Filmemacher immer motiviert sind, das Bild zu verzerren, weil die besten Kameraleute es offenbar ästhetisch und wunderschön machen. Aber wir dürfen nicht vergessen, dass das Kino sehr teuer ist und dass selbst in vielen Filmen, die in einem Lob-Objekt unabhängig zu sein scheinen , sehr teure Objektive verwendet werden, sehr teure Objektive verwendet werden selbst Handaufnahmen zu machen man Ein weiterer wichtiger Faktor , der mit Objektiven zu tun hat, ist die Zeit, die benötigt wird, um die Objektive zu wechseln Wenn es um Aufnahmen geht, meine ich, die Zeit, die die Kameraassistenten benötigen, um von einem Objektiv zum anderen zu wechseln, das ist eine wertvolle Zeit während der Dreharbeiten, also sollten Sie versuchen, Ihre Aufnahmen so weit wie möglich danach zu organisieren Ich meine, manchmal ist es einfacher die Kamera von einem Ort zum anderen zu wechseln , als die Objektive zu wechseln, weil die Objektive extrem empfindlich sind behandelt werden müssen Und außerdem benötigt jedes Objektiv unterschiedliche Einstellungen für das Zerkleinern der Kamera Es ist wichtig zu wissen , dass die Auflösung der Kameras heutzutage einen großen Vorteil hat, und ich gebe Ihnen ein Beispiel Nehmen wir an, du musst Sünde bei Sonnenuntergang fotografieren. Nur noch 30 Minuten bis zum Ende. Auch in dieser Szene wird es ein Gespräch geben, ein Königsgespräch. Sie hatten keine Zeit, die Objektive zu wechseln , um alle benötigten Aufnahmen aufzunehmen. Sie müssen beispielsweise zwei lange Aufnahmen mit den beiden Charakteren und mehreren Nahaufnahmen des Gesichts der Figur erstellen den beiden Charakteren und . Apropos, wenn Ihre Kamera mit vier Tasten aufzeichnet, gibt es eine Möglichkeit, alles aufzunehmen, ohne Zeit zu verschwenden Wenn Sie beispielsweise ein 50-Millimeter-Objektiv verwenden und die Kamera weit genug entfernt positionieren, ein 50-Millimeter-Objektiv verwenden und die Kamera weit genug entfernt positionieren um die beiden Charaktere in der Ferne aufzunehmen, haben Sie bereits die weiße Aufnahme Da Sie jedoch mit vier Tasten aufgenommen haben, können Sie den Rahmen später im Bearbeitungsprozess so zuschneiden , dass nur das Gesicht der Und glauben Sie mir, Sie werden ein Ergebnis erzielen, das dem eines 80-Millimeal-Objektivs oder mehr sehr ähnlich eines 80-Millimeal-Objektivs oder Aber auch wenn genaues Zuhören nicht genau dasselbe ist, es wichtig, etwas in Bezug auf die Verwendung einer Steadicam oder Lügen und Objektive auf Reisen zu betonen etwas in Bezug auf die Verwendung einer Steadicam oder Lügen und Objektive Wenn es um die Verwendung eines Objektivs mit hohem Millimealwert geht, die Vorwärts- und Rückwärtsbewegung ist die Vorwärts- und Rückwärtsbewegung der Aufnahme schwieriger zu erkennen, da das Objektiv im Bild einrastet Die seitliche Bewegung wird sich jedoch nicht nur dadurch deutlicher bemerkbar machen, sondern auch im Wackeln der Kamera aufgrund der Reibung auf der Schiene, beispielsweise aufgrund der Bewegung des All das wird sich bei einem Objektiv mit einem höheren Millimeter viel stärker bemerkbar machen Versuchen Sie, gutes Kino zu sehen, um eine gute Referenz zu haben , der Sie folgen können, wenn es darum geht , Kinoobjektive wie Quentin Tarantino, James Cameron oder Gut genug zu verwenden James Cameron oder Gut genug Aber auch Tarkowski, der russische Filmemacher, war in dieser Hinsicht unglaublich gut Er machte seine Filme zu einem Vermächtnis des visuellen Lernens für zukünftige Generationen von Berücksichtigen Sie all dies, setzen Sie all dies in die Praxis um, und ich sehe Sie in der nächsten Lektion 10. Kamerabewegungen: Die Bewegung der Kamera. Was ist das Wichtigste in dieser Lektion? Es hätte keinen Sinn, diese Lektion damit zu verschwenden , Ihnen beizubringen, worum es bei einer Puppe rein oder ganz raus , oder bei einer Reise oder einer Reise raus geht. Ich denke, das kannst du auch bei dir finden , in jedem Tutorial. In jedem Tutorial werden sie Ihnen leicht erklärt. Es lohnt sich nicht, diese Lektion damit zu verschwenden, im Grunde genommen, weil all diese Bewegungsnamen die Richtung erklären, in die sich die Kamera bewegt, entweder auf der statischen Ebene oder auf der Schiene oder einer. Auch wenn diese Bewegung von einer Drohne ausgeführt wird , funktioniert sie genauso Auf der anderen Seite gibt es einige altmodische Filmwissenschaftler, die falschen Theorien über die Kamerabewegungen festhalten, ganz ähnlich dem, was ich Ihnen über die niederländische Aufnahme erklärt habe Ihnen über die niederländische Und sie setzen die Kamerabewegungen und Reisen mit bestimmten Emotionen in den Szenen in Das macht überhaupt keinen Sinn, weil das Kino die Einstellungen weiterentwickelt hat. Ich meine, es gibt Aufnahmen, die ursprünglich für Serienfilme verwendet wurden und heute für Komödien verwendet werden. Weil sich die Sprache verändert, entwickelt sich die Sprache weiter. Es ist also, als ob ich dir gesagt hätte , dass Bilder über Liebe immer gelesen werden sollten oder in einem bestimmten Format So funktioniert es nicht. Kino ist Evolution. Arquaron sind der Beweis dafür. Die einzige Bewegung , die meiner Meinung nach immer noch auf die gleiche Weise verwendet wird und für Sie nützlich sein kann, ist, sich einzumischen, um Interesse und Gedanken zu vertreten Wenn eine Figur nachdenklich auf ein Objekt oder auf eine andere Person schaut , bewegt sich die Kamera normalerweise langsam auf Gesicht der Figur oder langsam auf das Objekt Auf dem Bildschirm siehst du mehrere Beispiele den Tic verlassen Sag mir wann, wann ist es gegangen? Es ging auf keinen Fall. Das V, die einzige Möglichkeit zu sehen, wie man die restlichen Bewegungsabläufe nutzt , besteht darin, sich viele Filme anzusehen. Damit Sie sehen können, wie sich die Kamera heute bewegt, wie die Sprache heute ist. Vor allem aber verliert man nicht die Lust am Experimentieren. Tatsächlich ist die Schießstunde in diesem Sinne viel wertvoller. Wenn man all diese Faktoren berücksichtigt, das Wichtigste in Bezug auf Bewegung der Kamera, unabhängig davon, welche Art von Gerät man damit benutzt, der filmische Anker, weil er der häufigste Fehler ist, der bei Dreharbeiten gemacht wird. Viele Kameraleute und Kameraleute vergessen die Qualität der Aufnahmen und die Komposition, wenn sie mit der die Qualität der Aufnahmen und die Komposition, wenn sie mit der Kamera unterwegs sind. Das Hauptmerkmal eines guten Reisens ist, dass der Bewegungsablauf auf Reisen so ästhetisch ausgewogen wie möglich bleibt ästhetisch ausgewogen wie möglich Um das zu erreichen, brauchen wir den filmischen Anker. Im Grunde besteht das darin, während der Fahrt, während des Weges, einige Orientierungspunkte festzulegen , die unsere Kamera benötigt, um das Gleichgewicht des Bildes und die Bildqualität während der Fahrt aufrechtzuerhalten das Gleichgewicht des Bildes und die Bildqualität während der Fahrt Der vom Kameramann erstellte Bildausschnitt muss auf diesen Leitpunkten beruhen, um die Bewegung in Richtung des nächsten Bewegungspunktes voranzutreiben in Richtung des nächsten Bewegungspunktes Diese Ankerpunkte ermöglichen es uns, in Serienaufnahmen eine Karte zu haben, auf der die Wurzeln unserer Reisen abgebildet Das ist ein Muss, denn in Bezug auf die Produktion erfordert der Einsatz einer stationären Kamera verschiedene Bediener und Assistenten, um sicherzustellen, dass die Szenen korrekt aufgenommen werden. Andererseits müssen wir die Beschaffenheit der Oberfläche untersuchen, auf der wir uns bewegen werden, und wir werden diesen Weg verfolgen. Ich meine, das Reisen hat zwei Hauptziele. Zuallererst geht es darum, dem Zuschauer das Gefühl zu geben, dass er am Ort der Szene präsent ist. Und in vielen Fällen auch, um den Standpunkt des Charakters so darzustellen , als wären wir der Charakter selbst. Was auch immer das semiotische Ziel ist, wir müssen verstehen, dass das Wichtigste darin besteht, dass wir es technisch umsetzen müssen , damit Sie es jederzeit verwenden können Der Ankerpunkt ist eine Art Sternbild, eine Konstellation , die aus einer Reihe von Sternen besteht , die eine größere Form bilden Zum Beispiel besteht die Orient-Konstellation aus Punkten, die die gesamte Form bilden Aber diese Konstellation kann jede Form haben. Pferd, ein Bär, zum Beispiel, alles. Versuchen wir uns einen Pfad der Kamera als die Linien der Konstellation vorzustellen Kamera als die Linien der Konstellation Das Reisen funktioniert genauso. Was wir brauchen, ist, die Punkte auf dem Pfad, den die Kamera nehmen wird, so zu lokalisieren Pfad, den die Kamera nehmen wird, so zu , dass diese Punkte der Rahmen in Bezug auf Balance, Form und Tiefe perfekt Bezug auf Balance, Form und Tiefe Ich meine, dass auch die Bildqualität und die Ästhetik perfekt sein müssen Die Hauptidee ist natürlich, dass die Kamera während des gesamten Reisens ausgewogen sein kann . Je nach Reise wird dies jedoch nicht immer möglich sein. Denn bei einer Art von Reisen, die vorwärts und rückwärts ist, ist die Bewegung einfacher Bei unregelmäßigem Fahren ist es jedoch viel schwieriger, wenn die Steady-Cam bedeutet , sich unregelmäßig durch einen Ort , sich In diesem Sinne müssen wir uns immer an die Herrschaft der Erden erinnern Diese Regel schlägt vor, dass ein Bild ein Gleichgewicht haben sollte , das auf dem binokularen Sehen von Menschen basiert Means ist eine wissenschaftlich analysierte Theorie, die bewiesen hat, dass das menschliche Sehvermögen sein Interesse an der Wahrnehmung auf die vier Treffpunkte konzentriert sein Interesse an der Wahrnehmung auf die vier Treffpunkte , die das Bild, das Sie gerade betrachten, trennen das Sie gerade betrachten Dies geschieht, weil sich das Gehirn auf ein Auge konzentriert , während das andere das Sehvermögen ergänzt Diese Technik besagt , dass die Ausrichtung eines Motivs diesen Punkten mehr Spannung, Energie und Interesse in der Komposition erzeugt, als wenn das Motiv einfach in der Mitte des Bildes zentriert wird Motiv einfach in der Mitte des Bildes zentriert Diese theoretische Regel sollte nicht nur bei Reisen mit der Kamera angewendet werden , sondern auch bei Stahlaufnahmen Sie ist Teil der Komposition. ist es wichtig, dies zu berücksichtigen Für Regisseure und Kameraleute ist es wichtig, dies zu berücksichtigen Ich werde Ihnen ein Beispiel für einen filmischen Moderator und eine Serienaufnahme geben, die wir in einem meiner Werke gemacht haben Der Charakter starrt hinter einem Stein und geht dann weiter, bis er seinen Vater tot vorfindet Ich möchte wissen, was das sieht. Hast du bemerkt, hast du bemerkt, dass sich die Figur in dem Moment hinter dem Stein befindet und kurz davor ist aufzustehen? Es gibt einen filmischen Anker, der perfekt geschaffen ist. Der Charakter steht auf und fängt an zu laufen, und sofort wird er von der Kamera aufgenommen Die Einstellung setzt sich in einer amerikanischen Einstellung fort, der Cowboy, der den Filmmoderator umrahmt, ist auch während des Spaziergangs anwesend und er sieht seinen Vater Offensichtlich bewegt sich die Kamera rückwärts, aber es gibt auch eine Auf-/Ab-Bewegung, die sich an die Position des Charakters anpasst Man merkt aber, dass auf Reisen immer diese Grundregel der dritten Regel eingehalten wird , sodass der Zuschauer Freude daran hat, sich die gesamte Sequenz anzusehen Wir müssen auch mit den Elementen spielen , die sich in der Sequenz bewegen werden. Dass sie sich auf die eine oder andere Weise an die Ästhetik des Bildes anpassen . Das heißt, dass es trotz der Freiheit, die der Schauspieler in den Szenen haben kann, eine Art Choreographie geben muss, die es uns ermöglicht, das Gleichgewicht zwischen den Bildern zu respektieren Dies ist ein weiteres Beispiel, bei dem der Soldat in der Körpermitte läuft Die Reihenfolge ist auch während der gesamten Reise ausgewogen. In dem Moment, in dem die Leichen am Boden zu sehen sind, bleibt die Qualität der Kinematographie erhalten Es ist wichtig, sich daran zu erinnern , dass der filmische Anker in vielen Fällen auch bei Drohnen verwendet werden muss auch bei Drohnen verwendet werden Es ist wichtig zu beachten, dass je nach Flugkopf einfacher sein wird, es je nach Flugkopf einfacher sein wird, die Qualität aufrechtzuerhalten, aber manchmal wird es aufgrund der Art des Fluges und des Windes schwieriger sein aufgrund der Art des Fluges und des Windes schwieriger In dieser Sequenz, die mit der Dauerkanne aufgenommen wurde , die Sie gerade beobachten, bewegt sich die Kamera zu den Sehenswürdigkeiten, aber es gibt Momente, in denen die Kamera fest steht In diesen Momenten müssen wir versuchen, die Bildbalance zu respektieren Dies, ein weiteres Beispiel, ist eine perfekt ausbalancierte Aufnahme, gefolgt von einem weiteren ästhetischen Sinus, der sich mit bloßem Auge durch alle Bäume bewegt . Die gesamte Bewegung wirkt sehr weich und zart, aber in Wirklichkeit gibt es aufgrund der Beschaffenheit des Bodens, auf dem die Kameraleute und Kameramänner arbeiten, große Schwierigkeiten auf dem die Kameraleute und Kameramänner . Die Wahrheit ist, dass die Kameraleute und der Kameramann selbst unter perfekten Bedingungen Kameraleute und der Kameramann nicht immer in der Lage sind, die Ästhetik des Reisens zu respektieren. Dies ist entscheidend, um dem Film oder einem anderen Projekt von Audi Visual eine hervorragende Kinoqualität zu verleihen eine hervorragende Kinoqualität zu Film oder einem anderen Projekt von Audi Visual Heute gibt es automatisierte Tools, um dies durchzuführen. Reisende Produktionsfirmen geben viel Geld aus, um ihre Sequenzen perfekt verfilmen zu lassen, da diese Perfektion dem Zuschauer ein größeres visuelles Vergnügen bereitet. Andererseits müssen Sie bedenken, dass Unvollkommenheit auch eine Sprache ist Manchmal können Daueraufnahmen ein wenig wackeln, aber dadurch fühlen wir uns neben dem Charakter, der etwas Stressiges erlebt, wie zum Beispiel bei einem Kampf oder einer Verfolgungsjagd Diese unvollkommene Bewegung der Kamera hat für den Betrachter eine gewisse Bedeutung Wir müssen auch lernen, sie zu benutzen. In der Regel ist die Kamera die Sichtweise des Betrachters. Wenn Sie The Revenant gesehen hätten, wo es praktisch keine Schnitte gibt All diese Serienaufnahmen sollen uns das Gefühl geben, Zeugen der Geschichte Das ist die filmische Kraft langer Einstellungen und kontinuierlicher Sequenzen Versuche, viel zu proben und zu üben, damit du die Fähigkeit entwickelst, die Kamera in jedem Raum zu bewegen die Kamera in jedem Wie ich dir bereits gesagt habe, sind die Bewegungen so viele, wie du willst, in die gewünschte Richtung Das Wichtigste ist die Qualität, die Gewalt, die visuelle Ästhetik der Emotionen , die Ihre Aufnahmen haben können. Ich sehe dich in der nächsten Lektion. 11. Bewegung innerhalb des Shots: Hallo Leute. In einer früheren Lektion habe ich euch von der Bewegung erzählt , die in den Aufnahmen vorkommen sollte, obwohl die Aktionen, die zwischen den Charakteren passiert sind, nicht in Bewegung sind. Das ist natürlich auch deshalb subjektiv, weil es manchmal gerechtfertigt ist, sich innerhalb eines Frames nicht zu bewegen. Aber auf jeden Fall habe ich Ihnen gegenüber bereits von dem Ansatz gesprochen, bei dem das Bild eine gewisse Bewegung haben muss , um die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich zu ziehen. Ich werde Ihnen ein Beispiel für eine Szene aus einem Kurzfilm zeigen , den ich zuvor gedreht habe , obwohl dieser Kurzfilm tatsächlich mein erster Kurzfilm war , offensichtlich aufgrund meiner Unerfahrenheit voller Unvollkommenheiten Aber es waren gute Dinge drin. Und eines dieser Dinge war insbesondere ASN, wo die Hauptfigur, ein Soldat , seinen Liebhaber trifft, der an einem Fluss stirbt Und dieser Fluss bewegt sich immer noch im Hintergrund. Manchmal passieren solche Dinge, ganz ohne Planung und während der Dreharbeiten Und ich muss gestehen, dass das im Moment einfach aus dem einfachen Grund auftauchte, weil wir dachten , dass der Rahmen besser zu sein scheint, wenn der Aber was uns damals nicht bewusst war, ist, dass unser Verstand unbewusst das Bild fand , hinter dem der Fluss fließt Ich fühlte mich eher zum Kurosawa-Prinzip hingezogen. Dann schauen wir uns die Szene an. Masa Masada hat verstanden, was ich dir erklären wollte Es gibt zwar etwas Bewegung in den Charakteren, weil, naja, weil sich der Soldat eng bewegt Trotzdem gibt es keine Bewegung im Bild, sondern im Hintergrund, das Wasser fließt immer noch. Kurosawa hat das oft gemacht, vor allem beim Filmset und beim Sonnenstrahl. Berücksichtigen Sie dies bei der Entwicklung Berücksichtigen Sie dies Versuche es direkt nach dem Drehbuch zu machen. Aus dem Drehbuch geht ein filmisches Gefühl hervor, das vom Regisseur besser dargestellt werden kann vom Regisseur besser dargestellt werden Und es könnten zum Beispiel Dinge sein, die sich im Hintergrund bewegen, einige Autos oder die Meereswellen Aber versuche damit zu experimentieren, mit dem Bild deiner eigenen Arbeit. Egal um welche Art von Projekt es sich handelt. Es könnte auch eine Werbung sein. Aber dieses filmische Instrument war bis heute von großem Wert in der Geschichte des Kinos Diese Entscheidungen hängen offensichtlich auch der Zusammensetzung des Shot-Us-Zeitalters Als es noch keine so ausgeklügelten Tools für Kinoreisen gab , war es nützlich. Kamerafahrten tragen auch dazu bei, dieses Gefühl beim Betrachter zu erzeugen. Da wir diese Art von Werkzeugen jedoch nicht immer haben werden, müssen wir lernen, ohne sie zu arbeiten, um ohne ein großes Objekt kreativer und künstlerischer zu sein . Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 12. kreative Vision: Filmregie und kreative Vision. Dies ist eine der wichtigsten Lektionen dieses Kurses. Es gab einen guten Ratschlag , den sie uns an meiner Filmschule immer gegeben haben, nämlich dass ein guter Filmregisseur nicht nur derjenige ist , der einen großartigen Film dreht, sondern auch einer, der es schafft, mit einem begrenzten Budget einen großartigen Film zu drehen. Wenn Sie ein Filmproduzent oder ein Filmregisseur sind, verwalten diese wenigen Mittel oder in dem Maße, in dem Sie diese wenigen Mittel oder das reduzierte Budget auf sehr kreative Weise Ich meine, Sie haben Ihr audiovisuelles Projekt teurer erscheinen lassen als das , was es wirklich war Auf die eine oder andere Weise wird Ihr Filmprojekt erfolgreich sein, sodass Sie sich als guter Filmemacher abheben werden Die kreative Vision hat nicht nur mit dem Budget zu tun, sondern auch mit den menschlichen Anstrengungen, die das Arbeitsteam im Filmprojekt zeigt Ich werde dir ein Beispiel geben. Nehmen wir an, unser Film wird eine Szene der Party in einer Wohnung haben , aber diese Szene wird mit einer Sequenzaufnahme von 20 Sekunden dargestellt. Ich muss nicht unbedingt eine unglaubliche Party mit all ihren Details produzieren eine unglaubliche Party mit all ihren Details und dadurch das Budget meines Filmprojekts erhöhen. Man könnte perfekt einen kleinen Teil dieser Party machen und bestimmte Details der Party festhalten , die wirklich dem Drehbuch entsprechen Und nehmen Sie sich genau diese Zeit filmische Soundelemente hinzu, die stark genug um diese Party darzustellen, ohne explizit das ganze Chaos in einer Sofern es für die Geschichte nicht wirklich notwendig war, müssen Sie nicht die ganze Party kreieren Alles, was wir dem Drehbuch hinzufügen, muss miteinander verknüpft sein , damit wir alle Phasen des Projekts durchlaufen können Das ist von der ersten Idee bis zur Veröffentlichung des Films. In diesem historischen Werk, diesem historischen Kurzfilm , den ich Ihnen im Unterricht gezeigt habe, gibt es mehrere Szenen, die nach diesem Prinzip funktionieren. Alle Szenen im Haus sind ein Beispiel dafür. Weil das Haus nicht ganz so aussieht. Die Komposition und das Layout der Aufnahmen wurden so eingestellt , dass Sie denken, dass es sich ein altes Haus aus dem 17. Jahrhundert handelt. Ich musste nicht alle Details des Hauses perfekt nachbilden, weil ich nicht all diese Details verwenden wollte Dieser Faktor ist entscheidend, um das Filmprojekt besser verwalten zu können Filmprojekt besser verwalten zu Andererseits können wir die großen Hollywood-Produktionen nicht als Beispiel nehmen großen Hollywood-Produktionen nicht als , um ein unabhängiges Projekt zu verwirklichen Es ergibt keinen Sinn. Die Bedingungen sind nicht dieselben. Vielleicht könnten sie es sich in Hollywood leisten, ein ganzes Dorf neben dem Haus zu errichten ein ganzes Dorf neben dem Haus zu , weil es vielleicht gebraucht würde, wie zum Beispiel im Fall von Titanic Ich meine, es wurden viele Orte auf dem Schiff gebaut , die nie genutzt wurden, aber das liegt daran, dass sie es sich nicht leisten können Aber die meisten Orte und Orte kommen im Film vor. Ich empfehle Ihnen dringend, in dieser Hinsicht immer zu versuchen, sich Mühe zu sparen. Auf der anderen Seite gibt es in derselben Arbeit einen weiteren wichtigen Faktor , den Minimalismus In vielen Szenen sehen wir dieselbe Figur, die durch wunderschöne Landschaften den Szenen, in denen sich der Charakter durch den Gültigen bewegt, musste ich zum Beispiel sich der Charakter durch den Gültigen bewegt, kein Schloss bauen, um dem Zuschauer das Gefühl zu geben, sich im 17. Jahrhundert zu befinden. Indem Sie einfach ein hervorragendes Kostümentwurf erstellen, können Sie dem Publikum genügend Informationen über die Zeit der Geschichte geben . Ich versuche zu sagen, dass weniger manchmal mehr ist. Denn wenn wir nur zwei Charaktere sehen, die unglaubliche Kostüme in einer unglaublichen künstlerischen Richtung tragen und nur wenige Elemente verwenden, nur wenige Elemente verwenden, müssen wir nichts weiter verschönern All diese Elemente kombiniert mit einigen wunderschönen Landschaften, die Tausende von Jahren alt sind, der Rest komplett, wir können dieses Prinzip auf alle Elemente des Films anwenden alle Elemente des Films So lernen beispielsweise all die Signifikanten, die Schauplätze auszuwählen , an denen die Szenen gedreht werden sollen Außerdem ist es wichtig, eine Art Bühnenforscher zu werden eine Art Bühnenforscher Scouting ist der Prozess , bei dem wir nach den Orten suchen , an denen wir unseren Film drehen werden dem Moment, in dem die Zukunft Ihres Projekts festgelegt ist, sollten wir diese Aufgabe nicht unterschätzen Ein weiteres gutes Beispiel dafür ist der Film Terminator. Der erste, der erste, Terminator, der Film kostete rund 1.000.000$. Wir können davon ausgehen , dass für diese Zeit, die 80er, 1 Million $ Aber im Kontext von Hollywood in LA, wo Actionfilme vielleicht zwischen 50 und 100 Millionen $ kosteten , passte das, was James Cameron gemacht hat, wirklich Zuallererst ist es eine großartige Geschichte mit einem außergewöhnlichen mit Und zweitens der Minimalismus. Nicht zuletzt wird dieser Film größtenteils anhand von drei Charakteren erzählt Das Casting ist großartig. Arnold Schwarzenegger sieht wirklich aus wie ein Cyber, aber nicht nur das, auch das innere Skelett des Cybers ist nur in wenigen Szenen zu sehen, und das Metallskelett ist auch unglaublich James Cameron hat das Cyber-Design anhand von Zeichnungen, vielen Kunstwerken und Skizzen gestaltet, damit das Kunstkreativteam es so gut wie möglich gestalten konnte es so gut wie möglich gestalten Der Rest des Films ist ein Straßenjagdfilm. Wie in einem anderen Film in dieser Zeit, in dem jemand vor dem Mörder davonläuft Aber ich finde Terminator unglaublich. Die Geschichte dahinter besteht darin, dass sie alle Elemente der Geschichte enthält nur drei Charaktere verwendet Nur drei Personen teilen eine einzige Geschichte, eine einzige Nacht Und es ist ein außergewöhnlicher kommerzieller Film, so tiefgründig wie die Auswirkungen der Technologie auf das Schicksal der Menschheit James Cameron ist ein außergewöhnliches Beispiel, weil er sein Drehbuch in Terminator One selbst schreibt Er hat es so gemacht, dass er nicht zu viele Szenen aus der Zukunft hinzufügen Was es bedeuten würde, die Zahl der Buck-Jets um 1 Million zu erhöhen. Eine gute Strategie besteht darin, sich bewusst zu sein , was diese Elemente in unserer Umgebung sind Ich meine, nehmen wir an , wir leben in der Nähe eines Strandes , an dem sich die Überreste eines Schiffswracks befinden Wir müssen uns fragen, ich könnte aus dieser Landschaft eine Geschichte schreiben, die ich dann in einer, in einer Geschichte verwenden kann Wir müssen uns diese Dinge zunutze machen. Vielleicht machen wir einen Ausflug zu einem interessanten Ort, zu dem wir leicht gelangen können. Vielleicht haben wir interessante Orte kennengelernt, die für unsere Geschichte als unabhängige Regisseure geeignet sind. Du solltest also nicht anfangen, Ideen zu schreiben, bevor du dir überlegst, wie du sie umsetzen kannst. Es wird viel schwieriger sein , weil Sie ein ganzes Produktionsteam benötigen , das das durchführen kann. Wenn Sie also ein unabhängiger Regisseur oder Produzent sind, sind Sie letztendlich ein unabhängiger Regisseur oder Produzent sind, derjenige, der die ersten Schritte des Produktionsteams des Produktionsprojekts erledigen muss . Deshalb ist eine kreative Vision so wichtig, weil sie es uns ermöglicht, Projekte und Geschichten mit echten Entwicklungschancen zu entwerfen . Andererseits ermöglicht uns die kreative Vision eines Regisseurs, Metaphern zu verwenden, um den Elementen in der Geschichte Bedeutung zu verleihen und so die poetische Sprache des Films zu verbessern Poesie in Filmen ist sehr wichtig. Denke nicht, dass Poesie nur etwas für Künstler und tiefgründige Menschen ist. Alle Menschen mögen Poesie. Filmemacher sind tiefgründige Menschen. Der Grund, warum Sie im kommerziellen Fernsehen oder in kommerziellen Filmen vielleicht nicht so viel Poesie sehen , liegt nicht daran, dass oberflächliche Schöpfer Poesie nicht mögen, sondern daran, dass es viel Zeit kostet , Poesie zu kreieren Du musstest dich also mit Kunst füllen. Man musste auf einem Stuhl sitzen und viel nachdenken, um poetische Ideen zu entwickeln Andererseits wollen die meisten Geschäftsleute, Geschäftsproduzenten, meisten Geschäftsleute, Geschäftsproduzenten, schnelle Antworten, obwohl diese schnellen Antworten viel Geld kosten Schnelle Antworten sind einfacher, als sich hinzusetzen und Gedichte aufzuschreiben. Es sind sehr poetische Ideen, die sehr teure Vermögenswerte darstellen können Manchmal besteht das Problem bei Filmen darin, dass sie sehr explizit sind nichts der Fantasie überlassen Geschichtenerzählen hat damit zu tun. Die Kunst des Geschichtenerzählens besteht genau darin Menschen dazu zu bringen, sich Dinge anhand dessen vorzustellen , wovon Sie erzählen Denken Sie bei Ihren Filmprojekten immer daran. Ich sehe dich in der nächsten Lektion. 13. Beste Schauspieler: Wie wählt man die besten Schauspieler aus. Ich denke, das ist eines der abstraktesten und tiefgründigsten Themen, vor allem weil es nicht nur mit der Sensibilität zusammenhängt , die Sie vielleicht haben, sondern auch mit der Wahrnehmung, die Sie möglicherweise von Filmen haben , wenn es darum geht, wie Sie das Verhalten von Menschen in Ihrer Umgebung wahrnehmen. Schauspieler sind die Gesichter, die unseren Film identifizieren werden . Der Schauspieler wird auch den Weg des Drehbuchcharakters einschlagen , dieser Schauspieler wird in gewisser Weise zu den Ereignissen gehen, die wir aufbauen werden indem wir eine Geschichte in filmischer Sprache schreiben Es gibt jedoch etwas, das wir wissen müssen. Die Phase, für die wir uns entscheiden werden, wird nicht von der Wahrnehmung abgekoppelt , die die Menschen im globalen Dorf haben Ich meine, Menschen haben eine feste Vorstellung davon, was von einer Person mit bestimmten Eigenschaften und Verhaltensweisen erwartet werden kann von einer Person mit bestimmten Eigenschaften und Verhaltensweisen erwartet bestimmten Eigenschaften und Verhaltensweisen Ich erzähle Ihnen das alles, weil eine der ersten Phasen eines Filmprojekts das Casting ist. Beim Casting stehen wir vor der Herausforderung, den Schauspieler auszuwählen der die meisten Eigenschaften und Eigenschaften aufweist , die zum Charakter der Geschichte passen. Der Auswahlprozess hinter den Castings beginnt damit, zu verstehen, was wir auf dem Bildschirm sehen Was wir auf dem Bildschirm sehen, sehen wir den Charakter, sehen wir den Schauspieler Sehen wir die Person , die zum Vorsingen gekommen ist? Im Grunde ist das, was wir auf sehr einfache Weise auf dem Bildschirm sehen , eine Mischung aus drei grundlegenden Dingen Im ersten Fall geht es um den Charakter, was im Drehbuch steht, in der Geschichte, ich meine, all die Eigenschaften, die unser Charakter hat, ich meine, wie entwickelt der Charakter ist und wie wahr seine Eigenschaften sind, um das Publikum während der gesamten Geschichte zu überzeugen Das zweite, was wir auf der Leinwand sehen , sind die Fähigkeiten des Schauspielers Die Fähigkeit, die er oder sie hat, um eine überzeugende Leistung zu erbringen. Aber lass dich davon nicht verwirren. Ich spreche nicht davon, den Charakter zu spielen, ich spreche nur von der Fähigkeit des Schauspielers oder der Schauspielerin, überzeugend zu handeln . Um es noch einmal zusammenzufassen: Die erste ist das, was in der Geschichte steht, und die zweite die Fähigkeiten der Schauspielerin Aber es gibt noch eine dritte, die sehr wichtig ist, und die meisten Menschen vergessen , wer die Person ist, die das Individuum ist, wer die Person hinter dem Schauspieler oder der Schauspielerin ist Ich meine, haben Sie sich jemals gefragt, wer dieser Schauspieler ist , wenn er oder sie nicht auftritt? Die Person, die zum Vorsingen gekommen ist. Diese Person wird auch auf dem Bildschirm zu sehen sein. Was Sie auf dem Bildschirm sehen, ist die Einheit, die aus drei Elementen besteht , als wäre es der Heilige Geist. Diese Einheit hat offensichtlich ein gemeinsames Ziel, nämlich den Charakter darzustellen und Empathie zu erzeugen. Andererseits gibt es eine kommerzielle Idee, dass die Gesichter, die auf dem Bildschirm erscheinen und die auf dem Bildschirm erscheinen sollten, schöne Gesichter sein müssen. In den meisten Fällen ist dies weit von der Realität entfernt, da alles von der audiovisuellen Produktion abhängen wird , die wir machen werden. Tatsächlich ist dieser Fehler einer der häufigsten in der Welt des Kinos. Tatsächlich besteht das Problem darin, dass wir den Eindruck haben , dass das Kino als schnelle Werbung funktioniert. Für schnelle Werbung gelten andere Regeln, denn das normale Publikum hat nicht einmal Zeit, das normale Publikum hat nicht einmal sich die Werbung bis zum Ende anzusehen. Auch wenn es nur 20 Sekunden dauert, wird der Zuschauer den Charakter für eine sehr kurze Zeit durch seine physische Erscheinung begleiten . Ich denke, es ist etwas sehr Grundlegendes und Einfaches. Werbung müssen Sie etwa 15 oder 20 Sekunden auf den Bildschirm schauen , um zu beobachten, wie attraktiv die Person aussieht. Wenn ich Ihnen ein Produkt oder eine Dienstleistung verkaufe, schauen Sie sich außerdem möglicherweise die Werbung an und Sie werden das Produkt oder die Dienstleistung sehen. Oder in einem einfacheren Fall, wenn ich ein Shampoo kaufen möchte, soll ich auf dem Bildschirm ein sehr schönes Haar sehen. Wenn es eine Zahnpasta ist, muss ich schöne Zähne sehen. Alle Gesichter, die in der Werbung gezeigt werden, basieren ebenfalls darauf, sich schnell auf das Publikum auswirkt. Das Problem tritt auf, wenn Werbung anfängt , Geschichten zu erzählen. Wenn sie versuchen, das Publikum mit den Geschichten in Verbindung zu halten , die der Realität ähneln, ändern sich die Regeln automatisch. Diese Regeln ändern sich, weil der Zuschauer anfängt, viel mehr nachzudenken. Und als Konsequenz entsteht bei diesem Zuschauer ein Bedürfnis nach Empathie, eine der am schwierigsten zu findenden Eigenschaften, da sich der Zuschauer mit der Figur in der Geschichte identifiziert fühlen muss . Dies ist eines der wichtigsten Details, und wir müssen bei der Konstruktion des Films alles richtig machen, denn egal, um welche Art von Projekt es sich handelt, wenn wir die Geschichte mit einer Figur erzählen müssten. Wir müssen die Eigenschaften dieses Charakters eingehend analysieren . Ich meine, du solltest dich ehrlich fragen , wie dieser Charakter im wirklichen Leben wirklich aussieht. Ich gebe dir ein Beispiel. Stellen wir uns vor, unser Charakter ist ein Wissenschaftler, ein Wissenschaftler, der reif sein könnte, vielleicht 40 Jahre alt, oder vielleicht ist er ein 30-jähriger Wissenschaftler. Er ist nicht so wichtig, aber er ist Wissenschaftler. Von dort aus müssen wir uns die richtigen Fragen stellen. Was ist die Art von Film, die wir machen wollen? Ist es ein Film wie Avengers zum Beispiel? Daraus können Sie sich fragen, ob ein Wissenschaftler in Avengers wirklich wie ein echter Wissenschaftler aussieht oder Wie sieht ein Wissenschaftler im wirklichen Leben aus? Das ist die erste Frage, die wir uns stellen müssen. Haben wir jemals mit einem Wissenschaftler gesprochen ? Haben wir jemals mit einem Ermittler gesprochen? Wie sieht ein Mathematiklehrer aus? So sieht der Charakter wirklich aus. Oder ist es so, dass wir bewusst versuchen, das Gesicht, das uns schön erscheint, in unseren Charakter zu passen, nur weil wir denken , dass es ein schönes Gesicht ist, das vor der Kamera stehen sollte. Das sind die Fragen. Deshalb müssen wir ehrlich zu uns selbst und vor allem zu unseren Charakteren sein. Andererseits sind Intelligenz und Sexualität zwei sehr komplexe Dimensionen, und beide zeigen sich in unseren Körperausdrücken. Zum Beispiel ist es für einen Schauspieler, der im wirklichen Leben keine sehr intelligente Person ist, fast unmöglich . Es ist unmöglich für ihn oder sie einen intelligenten Charakter richtig darzustellen, denn Intelligenz ist die Dimension , die sich in unserem Körper, in unserer Stimme, im Rhythmus unserer Stimme, in unserem Blick und sogar in der Bewegung der Gesichtsmuskeln zeigt in unserer Stimme, im Rhythmus unserer Stimme, in unserem Blick und sogar in der Bewegung der Gesichtsmuskeln Eine sehr gutaussehende Person benimmt sich physisch nicht wie eine durchschnittliche Und einer der Gründe ist, dass Sie mich in vielen Fällen, aber das ist überhaupt keine Regel, nicht beurteilen, aber in vielen Fällen ist die Welt für sie einfacher, weil jeder bereit ist, sie anzulächeln Ich weiß, dass es nicht leicht zu verstehen ist. Aber ich spreche nicht von Schauspielerei, sondern wie sich eine intelligente Person verhält und was eine Person intelligent macht, ist eine gute Frage Warum ist Merrill Strip zum Beispiel eine bessere Schauspielerin als Weil sie selbst in Interviews und in vielen Interviews gesagt hat, dass sie nicht die schönste Schauspielerin war Deshalb wusste sie, dass sie sich mehr anstrengen sollte. Infolgedessen ist sie die beste Schauspielerin. Auf der anderen Seite Megan Fox, die am Anfang so schön war Ich versichere Ihnen, dass sie aus allen Werbespot-Castings ausgewählt wurde , bis sie in einem Film mitgespielt hat, ohne sich anstrengen zu Die Mühe, die Mel Strip gemacht hat, Megan Fox nicht Das ist normal. Die Welt funktioniert unbewusst so Wir alle wissen, dass es so funktioniert. Wir können ein Beispiel sehen, wenn wir über Avengers sprechen, denn es ist interessant, wie der Auswahlprozess hinter dem Casting Lassen Sie uns einen Vergleich zwischen dem Schauspieler, der Thor vertritt, und dem älteren, der Ironman vertritt, Warum der Regisseur des Films zusammen mit dem Casting-Team Cream Ham Worth für Thor und Robert Downing Junior für Irman ausgewählt Thor und Robert Downing Junior für Auf den ersten Blick scheint es, dass es nur daran liegt, dass Robert älter ist, aber es ist nicht ganz so weil der erste Ironman-Film, in dem er der Protagonist war, 2008 war und er immer noch zuschaut Die Wahrheit ist, dass Robert Downey Junior, zumindest in physischer Hinsicht, äußerlich, nicht so gut aussieht wie Schiedsrichter Hemworth. Robert sieht nicht aus wie ein Herzensbrecher. Tatsächlich, je älter er wird, desto mehr sieht er aus wie jemand, der intelligent Und ein Beweis dafür sind einige der Filme, in denen er mitspielt, immer jemanden, der intelligent ist einige der Filme, in denen er mitspielt, immer jemanden, , wie der Fall von Sharlock Holmes Aber schauen wir uns ein anderes Beispiel an, den außergewöhnlichen Film Shawshank Redemption Eines der Dinge , die diesen Film fantastisch machen, ist Aber falls Sie es nicht wussten, war Brad Pitt eine der Optionen, um diesen Film zu starten Aber Tim Robbins ist eine viel klügere Person. Nicht nur das, man könnte auch sagen, dass Tim Robbins in Bezug auf Schönheit ein durchschnittlicher Mensch ist Wenn wir den Charakter sehen, bewundern wir also nicht seine körperliche Erscheinung, seine körperlichen Eigenschaften, wie wir es vielleicht tun würden, wenn er Brad Pitt wäre Umgekehrt sehen wir nur seine innere Welt und seine inneren Eigenschaften , die uns einen völlig ernsten Ton der Geschichte wahrnehmen und fühlen lassen einen völlig ernsten Ton der Geschichte wahrnehmen und fühlen Ich will damit nicht sagen, dass Brad Pitt ein schlechter Schauspieler ist, ganz und gar nicht In der Tat ist er ein ausgezeichneter Schauspieler, aber die meisten seiner Charaktere sind normalerweise keine sehr intelligenten Menschen Sie sind wütende, leidenschaftliche, mutige Herzensbrecher und großartige Soldaten Schauen wir uns ein anderes Beispiel an, den Fall von Anthony Hopkins Er ist eine andere Person, die aussieht wie jemand, der intelligent ist. Aber die Wahrheit ist , dass er im wirklichen Leben tatsächlich ein gut ausgebildeter und intelligenter Mensch ist . Und all diese Intelligenz zeigt sich in seinem körperlichen Ausdruck bis hin zu seinem körperlichen Ausdruck Wir werden feststellen, dass Intelligenz in seiner Stimme steckt und in der Art, wie er jedes Wort ausspricht Im wirklichen Leben ist Anthony Hopkins eine sehr intelligente Person. Er ist Musiker Er ist Künstler, also muss er sich keine Mühe geben, gut zu sprechen. Und der Grund ist, dass er nicht so gutaussehend war, also hat er sich viel mehr Mühe gegeben in Filmen mitzuspielen als Brad Wir alle wissen also , dass Brad Pitt seit seiner Jugend auf der Leinwand Und obwohl er ein hervorragender Schauspieler ist, musste er gegen dieses manchmal unfaire, aber universelle Vorurteil kämpfen dieses manchmal unfaire, aber universelle Deshalb mussten wir uns über die Merkmale der Charaktere im Klaren sein . Denken Sie daran, dass unabhängig von den Fähigkeiten des Schauspielers eine individuelle Person hinter dem Schauspieler steht. Diese individuelle Person ist Teil dessen, was wir auf dem Bildschirm sehen, was wir in unserem Charakter sehen werden. Wenn du bewusst damit spielen willst, um den Zuschauer in die Irre zu führen, ist Perfect natürlich bewusst damit spielen willst, um den Zuschauer in die Irre zu führen, berechtigt, dass du mit dem spielen kannst , was der Zuschauer von einer schönen Person respektiert oder nicht Ein Beispiel dafür ist der Film American Beauty. Am Ende des Films wurde uns klar, dass das typische hübsche blonde Mädchen im Stil der 90er tatsächlich wie eine Briefmarke war, wie Sie es erwartet hatten Zuallererst liebte sie ihre Freundin wirklich und war eindringlich, sie hat alle getäuscht, sowohl ihre Freunde als auch die Zuschauer, und in der Geschichte, durch ihre Reden und durch ihr äußeres Erscheinungsbild das Gegenteil durch ihre Reden und durch ihr äußeres Erscheinungsbild Andererseits ist ein weiterer wichtiger Aspekt beim Casting, dass Sie versuchen sollten , den Standpunkt , den Sie von der Person hinter dem Schauspieler haben, loszuwerden , den Sie von der Person hinter dem Schauspieler haben Manchmal hat die Auswahl, die wir treffen, nichts damit zu tun, ob der Schauspieler wie der Charakter aussieht oder nicht, sondern damit, dass die reale Person hinter dem Schauspieler uns wirklich mag. Das ist typisch, es ist ein sehr häufiger Fehler. Es gibt sehr schlechte Schauspieler , die sehr nette Leute sind und dazu neigen, beim Casting und beim Casting sehr authentisch zu wirken. Ein weiteres wichtiges Thema ist die sexuelle Dimension des Charakters Dieses Thema ist heikel, weil Leute manchmal auch anspielen, wenn sie sich ernähren. Aber die Wahrheit ist, dass sich die sexuelle Dimension in unserem Geist in unseren körperlichen und körperlichen Ausdrücken zeigt unseren körperlichen und körperlichen Ausdrücken Manchmal gibt es heterosexuelle Menschen, die versuchen, homosexuelle Menschen zu repräsentieren und umgekehrt Sie haben die körperliche Dimension der Sexualität nicht verstanden , weil wir die sexuelle Orientierung in ihrem Körper wahrnehmen können die sexuelle Orientierung in Viele Menschen haben sich darüber beschwert , weil viele Regisseure heterosexuelle Menschen als Vertreter homosexueller Menschen einsetzen . Aber das ist keine Regel. Aber die Wahrheit ist, dass es begabte Schauspieler gibt, die eine außergewöhnliche Fähigkeit haben, jedes Geschlecht zu repräsentieren, unabhängig von ihrer sexuellen Orientierung im wirklichen Leben Weil sie sich wirklich bewusst sind wie sich die Charaktere bewegen und sprechen, damit sich der Zuschauer nicht von der Geschichte abgelenkt fühlt Ich werde dieses Thema des Castings noch einmal zusammenfassen, weil ich möchte, dass Sie bedenken, dass Casting sowohl eine großartige Gelegenheit als auch ein direkter Weg zum Scheitern bei der Auswahl von Schauspielern sein kann sowohl eine großartige Gelegenheit als auch ein direkter Weg zum Scheitern bei der Auswahl von Und ich sage Ihnen Folgendes: Weil wir Menschen sind, die Fehler machen, sind wir nicht davor gefeit, Fehler zu machen Als Erstes müssen Sie verstehen , dass das Casting ein Vorstellungsgespräch ist. Daher werden alle Variablen des Vorstellungsgesprächs vorhanden sein. Vor allem dem Charme einer Person kann entgegengesetzt werden. Ich kann Ihnen nur empfehlen, dass das Auswahlverfahren zu mindestens 70% mit dem Video, der Realität oder dem Videobuch des Schauspielers verknüpft werden kann. Das ist am Ende die fairste Art, es zu schaffen, es ist der wahre Lehrplan des Schauspielers ist üblich, dass wir die Person treffen und vielleicht auf die eine oder andere Weise bestimmte Fähigkeiten des Schauspielers überprüfen eine oder andere Weise bestimmte Fähigkeiten des Schauspielers Cassin muss auch den Hintergrund des Schauspielers kennen, wo er lernt, woher er kommt usw. Aber sicherlich werden Sie die Schauspieler einige Zeilen sagen lassen. Aber die Wahrheit ist, dass uns das Casting selbst oft nicht genügend Informationen darüber liefert , welche Schauspieler auf der Leinwand erscheinen werden. Nur das Videobuch kann das mit Sicherheit tun , denn beim Casting gibt es zwei grundlegende Faktoren, die sich nachteilig auf die endgültige Entscheidung auswirken können sich nachteilig auf die endgültige Entscheidung auswirken können Einer von ihnen ist der Charme der Person. Und ich werde dir eine Geschichte erzählen , die damit zu tun hat. Als ich einmal nach einem Schauspieler gesucht hatte, nach einer Figur, die einen alten und erfahrenen Infanteriekapitän für einen Kurzfilm spielen sollte, hatte ich zwei Möglichkeiten Eine Option war ein sehr guter, aber nicht bekannter Theaterschauspieler Und ich hatte eine andere Option, nämlich ein bekannter Fernsehschauspieler in meinem Heimatland. Das Problem war , dass die Person, die Theater spielte, kein Videobuch hatte. Und da er in vielen anderen visuellen Dingen nicht mitgespielt hatte, hatte er keine Möglichkeit, mir zu zeigen, wie er auf dem Bildschirm aussah. Tatsächlich wusste er das, als er zum Vorsingen ging. Also nahm er eine schüchterne und vorsichtigere Haltung ein , die ich falsch verstanden habe Denn tatsächlich bereitete sich die Person heimlich auf die Rolle verbesserte ihre Reitkünste probte zum Beispiel die möglichen Herausforderungen aus und lernte sogar, alte Waffen zu beherrschen, um sie dem Charakter entsprechend zu beherrschen, er tat alles, um die Rolle zu bekommen Aber er fand keine Möglichkeit zu beweisen, dass er für die Rolle qualifiziert war Und das war schade, denn hinter ihnen steckte eine große Chance. In Wirklichkeit muss jeder Casting-Prozess, hinter einem Film steht, dieses Ereignis antizipieren Auf der anderen Seite hatte der zweite Schauspieler, als er zum Casting, zum Casting, kam, mit der zuverlässigsten Einstellung der Welt Ich meine, als ich seiner Stimme zuhörte, war er sich seiner selbst so sicher Gleichzeitig konnten wir uns mehr oder weniger eine Vorstellung davon machen, wie er auf dem Bildschirm aussehen würde, weil wir ihn bereits im Fernsehen gesehen hatten. Daher war es am logischsten, ihn zu wählen. Und so ist es passiert, und wir haben ihn ausgewählt , weil wir dachten, er wäre am besten geeignet. Tatsächlich hatten wir nie Zweifel daran. Aber dann, nach den Dreharbeiten, wurde mir klar, dass die Person für die Rolle noch nicht bereit war, und die Antwort war immer da und wir wussten nicht, wie wir sie sehen sollten. Die Wahrheit war, dass alle Fernsehreferenzen, die wir hatten, aus Comedy-Filmen stammten. Nicht von einem Schauspieler, der ein Drama auf ernste und eindringliche Weise inszenieren könnte . Nicht nur das, sondern auch das Ego, das Selbstvertrauen der Person beeinträchtigten seine Leistung Denn da er bekannt war und unsere Produktion nicht so ausgefallen war, dachte er, dass er auf jede Herausforderung vorbereitet sein würde Das Ergebnis war, dass wir die Geschichte des Kurzfilms neu schreiben mussten , um zu versuchen, alle Zeilen dieses Charakters loszuwerden alle Zeilen dieses Charakters loszuwerden Das sage ich dir. Das Wichtigste ist sicherlich das Videobuch. Tatsächlich glaube ich, dass die großartigen Hollywood-Produktionen so gemacht werden, denn obwohl sie eine Art Casting, eine Art Ergänzung, machen , die Videobücher der Schauspieler zuvor ausführlich analysiert. Daher hat der Regisseur bereits eine vorherige Auswahl getroffen. Nur das Videobuch kann uns diese Informationen liefern. Aber nicht nur das, es gibt auch die Energie eines Schauspielers, die man erst im letzten Schnitt des Films erkennen kann. Das kann man beim Vorsingen nicht erkennen. Daher garantiert Ihnen das Videobuch des Schauspielers umso besser seinen Erfolg Aber es kann vorkommen, dass Sie in der Filmwelt anfangen und mehrere Schauspieler, die zu Ihrem Vorsprechen gehen, dann ein Videobuch haben Sie als Regisseure sollten das Casting, das Vorsingen gut genug mit guten Kameras vorbereiten und eine bestimmte Art von Kulisse so gut wie möglich nachbilden eine bestimmte Art von Kulisse so gut wie möglich Und Sie als Regisseure werden einen besseren Überblick darüber haben , wie der Schauspieler auf der Leinwand aussehen wird Meiner Meinung nach sollten Sie, wenn Sie ein zuverlässiges Ergebnis erzielen wollen, Sie ein zuverlässiges Ergebnis erzielen wollen, alles mischen, das Videobuch mit dem Vorsprechen Das Letzte, was ich Ihnen sage, ist, wenn es darum geht Kurzfilme zu starten und zu drehen, ist ein Schauspieler, der die Rolle wirklich spielen möchte , viel zuverlässiger und lohnender als ein sehr guter Schauspieler, der sich nicht zu viele Gedanken über Ihr Filmprojekt Die Figur wirklich spielen zu wollen , wird sich immer lohnen. Ich sehe dich in der nächsten Lektion. 14. Schauspieler:innen-Führung: Regieschauspieler. Dieser Teil ist sehr wichtig, da wir damit können, wie die Beziehung, die wir zum Schauspieler haben müssen nicht nur aus Sicht des Regisseurs, sondern auch aus Sicht des gesamten Produktionsteams sein sollte aus Sicht des Regisseurs, sondern auch aus Sicht des gesamten Produktionsteams Diese Beziehung beginnt von dem Moment an, in dem wir die Schauspieler auswählen, vom Audit bis zum Casting. In diesem Moment beginnt eine Reise, die wir mit dem Schauspieler während des gesamten Filmprojekts unternehmen werden . Unsere Arbeit mit dem Schauspieler besteht aus zwei Phasen. Eine in der Reproduktionsphase und die andere bei den Dreharbeiten. Beim Filmen besteht der Reproduktionsteil aus der gesamten Vorbereitung und Konstruktion unser Schauspieler benötigt , um eine Figur zu spielen. Dies unterteilt sich auch in zwei Dinge, die physischen Aspekte und die dramaturgischen Eigenschaften Die körperliche Vorbereitung besteht darin , dass unser Schauspieler oder unsere Schauspielerin manchmal dem Charakter entspricht, ihm oder ihr jedoch bestimmte körperliche Voraussetzungen fehlen , die die Merkmale der Charaktere plausibel machen Das muss ernst genommen werden. Wir müssen mit den Schauspielern und Schauspielerinnen sprechen und wir müssen Vereinbarungen treffen Aber nicht nur das, sondern auch die Vorbereitung des Charakters, die physische Vorbereitung müssen im Haushaltsplan enthalten sein Ich meine, manchmal ist es nicht die Beschränkung eines Schauspielers, aber es liegt nicht in seinen Möglichkeiten , für diese Vorbereitung zu bezahlen. Manchmal denken wir, dass es nur die Aufgabe des Schauspielers ist, sich auf den Charakter vorzubereiten. Und wenn er ein geduldiger Schauspieler ist und über gewisse wirtschaftliche Mittel verfügt, vielleicht derselbe Schauspieler oder investiert vielleicht derselbe Schauspieler oder dieselbe Schauspielerin in seine Vorbereitung. Wir können dies jedoch nicht als Variable zum Projekt hinzufügen. In den meisten Fällen muss der Schauspieler oder Schauspielerin ihr Geld nicht dafür investieren. Natürlich spreche ich mit Ihnen in dem Kontext, in dem Sie anfangen , Filmprojekte zu machen. Aber was ich damit sagen will, ist, dass, wenn wir Geld für das Budget, die Vorbereitung des Schauspielers, zur Seite legen , wir die Vorbereitung des Charakters vor der Kamera sehen werden. Der Schauspieler muss der Charakter sein. Denken Sie daran, dass dies im Grunde der Unterschied zwischen Kino und Theater ist. Theater ist eine Repräsentation, das heißt, alle Elemente, die auf der Bühne stehen, und sogar die Kostüme und das Aussehen der Schauspieler sind Allegorien Es sind metaphorische Elemente , die im Theater sehr gut funktionieren, weil wir uns bewusst sind , dass wir uns ein Theaterstück ansehen Aber im Kino ist das anders. Im Kino ist es, als ob Sie die Realität sehen würden. Es wird nicht genauso funktionieren. Die Kamera ist wie eine Flucht in die Realität. Also wenn der Charakter Fähigkeiten wie Springen, Laufen und sogar das Publikum davon überzeugen muss Fähigkeiten wie Springen, Laufen , dass er physisch auf Aktivitäten vorbereitet ist. All diese Fähigkeiten oder körperlichen Eigenschaften müssen auf dem Bildschirm sichtbar sein. Manchmal braucht es viel Vorbereitung, um es zu erreichen, es zu schaffen. Diese Vorbereitung wird sich nicht nur auf den physischen Aspekt beziehen, sondern auch auf die effektiven Beziehungen, die zwischen den Charakteren im Film bestehen werden. Die Wahrheit ist, dass dies eine Herausforderung ist, an die viele Regisseure nicht auf diese Weise herangehen. Es gibt Regisseure, die konservativer sind. Aber ich denke, wenn man zum Beispiel eine Geschichte machen will , in der es ein Paar gibt, das sich liebt oder während einer Geschichte ein Liebespaar wird , dann muss die Chemie zwischen den Schauspielern stimmen. Ein Funke, eine Chemie, die zwar zunächst nicht existiert, aber entwickelt werden muss. Diese Art von Chemie muss vorhanden sein, weil sonst das Unbehagen weil sonst das Unbehagen in der Kamera sichtbar wird, was sich natürlich nachteilig auf den Film Aber aufgepasst, wenn ich sage, dass es Chemie geben sollte Ich meine nicht, dass der Schauspieler während der Dreharbeiten eine Affäre haben oder im wirklichen Leben ein Liebhaber werden sollte . Aber diese Art von Chemie, die verhindert, dass man sich nicht schämt, wenn man sich berührt. Deshalb muss es beim Casting und bei der Kälte einige Grundprinzipien beim Casting und bei der geben, die den Schauspieler wissen lassen sollen sind im Allgemeinen und nach allgemeinen Regeln die herausforderndsten Aktionen , die er im Rahmen des Filmprojekts ausführen wird. Zum Beispiel gibt es Menschen, die sich nicht wohl fühlen , wenn sie romantische Szenen in einem anderen Film drehen. Die sich nicht wohl fühlen, wenn sie erotische Szenen mit einem bestimmten Schauspieler machen , Schauspielerinnen, mit denen sie spielen mussten All dies sind nachteilige Faktoren für das Projekt. Deshalb musste man die Schauspielerin beim Casting gewissermaßen wissen lassen , dass sie oder er all diese Dinge und Herausforderungen bewältigen muss , weil diese Art von Emotionen nicht einfach zu spielen Glaub mir, die aufführenden Mets wollen das wirklich machen. Sehen wir uns ein Beispiel an Auf dem Bildschirm siehst du zum Beispiel einen Werbespot, auf dem ich gespielt habe. Und da ist ein Mädchen, das vor der Herausforderung steht meinen Freund aus Gul in der Geschichte zu repräsentieren . Alles sieht toll aus. Aber dieses Gefühl liegt daran, dass er seit Jahren mein Freund ist und wir uns seit Jahren kennen. Wir sind überhaupt keine Liebhaber, aber seitdem kennen wir uns seit Jahren. Wir hatten das Selbstvertrauen , diese Aufführung zu machen. Mit anderen Worten, es gab einen fortgeschrittenen Weg, was für die Vertretung der Liebenden von Vorteil war. Aber wenn dieser Weg nicht beschritten wird, müssen wir eine Koexistenz zwischen den Akteuren schaffen, damit die Schauspieler wohl fühlen , miteinander zu sprechen und sich zu berühren Dass es keine Schwierigkeiten beim Filmen gibt. Dass es nicht unangenehm ist, gesagt, es könnte auch sein, dass sie sich nicht kennen und es perfekt machen. Aber im Allgemeinen proben sie die komplizierten Szenen, um diese Probleme vor den Dreharbeiten oder während der Dreharbeiten lösen zu können während der Dreharbeiten Diese Probleme können auf sad nicht gelöst werden , weil jede Sekunde viel Geld kostet Dies gilt nicht nur für Gefühle zwischen Liebenden, sondern auch für die Beziehungen zwischen einem Vater und einem Sohn, einer Mutter und einer Tochter, Großeltern und allen Arten von Verwandten, die große Zuneigung implizieren Meiner Erfahrung nach ist Freundschaft zwischen Schauspielern etwas Stärkeres, sogar noch mächtiger als zwischen Römern Es ist viel mehr dieses Vertrauen , das man seinen Freunden entgegenbringen kann. Als Regisseure muss man versuchen, ein Umfeld zu schaffen , das es den Schauspielern ermöglicht , diese Freundschaft aufzubauen. Es gibt einige Beispiele in der Geschichte des Kinos, großartige Filme, in denen der Schauspieler eine gute Verbindung zu haben scheint, diese Chemie, die so gut ist , dass man sie nutzen muss. der zweiten Phase der Regie des Schauspielers geht es um die Herausforderungen im Hinblick auf die Disziplin am Set. Das hat mit den Bedingungen zu tun, die am Set herrschen müssen , damit die Schauspieler optimal spielen können. Ich meine, das Wichtigste für Schauspieler beim Spielen ist Konzentration und Entspannung. Um das zu gewährleisten, ist es notwendig, dass der Produktionsleiter in der Lage ist , das am Set zu erzeugen, um für Disziplin unter den Crewmitgliedern zu sorgen. Das ist keine so einfache Aufgabe. Oft müssen die Schauspieler auf die Technik des emotionalen Gedächtnisses zurückgreifen, die darin besteht, sich Technik des emotionalen Gedächtnisses zurückgreifen, die darin besteht, mit einem persönlichen Gedächtnis jeglicher Art zu verbinden , um die Bewegung hervorzurufen, die die Szene benötigt Dieser Prozess ist sehr komplex und erfordert absolute Stille am Set ist manchmal schwierig, diese Stille Es ist manchmal schwierig, diese Stille am Set aufrechtzuerhalten, weil 20 oder 30 Personen an einer bestimmten Aufgabe arbeiten und es eine übliche Situation ist, Leute über Produktionsprobleme sprechen usw. Trotzdem versuchen die Schauspieler , sich auf Emotionen zu konzentrieren und eine Realität in ihren Köpfen nachzubilden, und dieser Prozess ist sehr schwierig Gleichzeitig ganz zu schweigen davon, dass der Schauspieler oder Schauspielerin vor einem ganzen Produktionsteam spielen muss vor einem ganzen Produktionsteam Es gibt eine ganze Reihe von ablenkenden, einschüchternden Faktoren, die berücksichtigt werden müssen Andererseits müssen Regisseure im Umgang mit Schauspielern die Atmung berücksichtigen Dieser Prozess ist wichtig , um Emotionen zu stimulieren. Der normale Atemprozess ist für die Schauspieler unerlässlich. Sie müssen darauf achten , dass die Nerven die Schauspieler nicht am Atmen hindern. Manchmal hören die Schauspieler aufgrund der erzeugten Spannung auf zu atmen, aber das Geräusch ist am Set. Deshalb habe ich dir gegenüber von Disziplin gesprochen. Disziplin ist das Einzige, was diesen Beginn garantiert. Offensichtlich kann sich das geschaffene Team nicht darum kümmern. Es muss einen Produktionsleiter geben, der das macht. Auf der anderen Seite gibt es andere Aspekte , die beim Filmen wichtig sind. Wenn wir eine Szene drehen, in der eine Schauspielerin irgendwann in ihre Blickrichtung schaut Es kann kein Crewmitglied verärgert werden , weil sich die Schauspielerin auf ihren Geist konzentrieren muss auf ihren Geist konzentrieren und das, was sie sieht, sie ablenken kann Ich meine, wir können es kaum erwarten , dass der Schauspieler uns sagt, hey, tut mir leid, könntest du an einen anderen Ort ziehen Weil sie die Konzentration verliert. Das kann nicht passieren. Und gesagt, das müssen wir von Anfang an wissen, denn es gibt Momente in der Aufführung , die nicht wiederholbar sind Im Fall einer Konversation ist das einfacher, weil nur der Hauptdarsteller der Szene in unserem Bild ist, aber der andere Schauspieler kann vor der Vision des Hauptdarstellers stehen, um der Konversation Raum zu geben Aber wenn wir uns in einer kontemplativen Szene befinden, wenn unsere Figur oder Schauspielerin irgendwo oder etwas genauer hinschaut und darüber nachdenkt, können sich vor ihrer Sicht keine ablenkenden Elemente vor ihrer Sicht keine ablenkenden Nicht einmal der Regisseur sollte vor dem Schauspieler stehen. Manchmal muss man die Anzahl der Personen am Set begrenzen , damit die Konzentration nicht verloren geht. Auf der anderen Seite wird das Gleiche passieren, wenn die Kamera unterwegs ist. Keine Kamerabewegung sollte die Leistung des Schauspielers einschränken, weder die Kamerabewegung die Richtung der Fotografie. Manchmal konzentriert sich der Regisseur oder Kameramann beispielsweise so sehr auf die Ästhetik der Aufnahme, dass er den Schauspieler zu einer natürlichen Bewegung zwingt, um ein perfektes Gleichgewicht zur Bildkomposition zu erreichen Das ergibt keinen Sinn, wenn das passiert. Das ist ein grundlegendes Problem bei der Schießerei. Aber es gibt noch einen weiteren wichtigen Aspekt bei der Regie von Schauspielern, nämlich den Unterschied zwischen theatralischer und filmischer Schauspielsprache zu verstehen theatralischer und filmischer In den meisten Fällen ist die Künstlerwelt der Meinung, dass Theaterschauspieler besser sind als Dies ist ein großer Fehler, da die beiden Sprachen völlig unterschiedlich sind. Wir können uns Filmschauspielern nicht aus der Sicht eines Theaterregisseurs nähern . Das Hauptproblem besteht darin , dass Theaterstücke in Bezug auf die Produktion für ein Publikum gedreht werden, das viel weiter entfernt ist als die Entfernung, die wir zur Leinwand haben werden. Deshalb müssen die Schauspieler gestikulieren, ich meine, ihre Gesichter und Körper so bewegen, dass sie eine Sprache verwenden , die die letzte Person im Theater hier vollständig sehen, verstehen und die Geschichte füllen kann verstehen und die Geschichte füllen Im Kino passiert das nicht, die Entfernung zwischen den Schauspielern und der Kamera ist sehr kurz Die Aufführung muss völlig natürlich sein. Es ist eine ganz andere Herausforderung. In vielen Fällen gibt es in den Castings Theaterregisseure , die diesen Unterschied nicht verstehen können Andererseits ist Theater in Bezug auf die Schauspielerei Repräsentation und Kino Realität Es ist zum Beispiel möglich, dass Sie aufgrund Ihrer astronomischen Fähigkeiten ein großartiger Theaterschauspieler sind , sich an diese Sprache anpassen, aber Sie können sie nicht an die Kinosprache anpassen Ich meine, das ist insofern völlig normal, als die astronische Sprache jede Bewegung im Theater perfekt darstellen kann Theater perfekt darstellen Und das ist der Grund, warum es oft Regisseure gibt , die Schauspieler aus dem täglichen Leben auswählen Ich meine, sie wählen eine Person aus, die ihnen interessant erscheint, und sprechen sie dann vor, um zu sehen, ob sie in der Lage sind , sich vor der Kamera genauso zu verhalten In Filmen zu spielen ist sehr komplex, grausam und aufrichtig. Weil es in Filmen sehr schwierig ist zu lügen. Sehr schwierig. Vielleicht könnten Sie im Theater das Publikum täuschen, indem Sie Ihr Verbrechen übertreiben Zum Beispiel, wenn du deine Wut in einem Theaterstück übertreibst. Es könnte funktionieren, weil sich jeder bewusst ist, dass das ein Theaterstück ist. Aber wenn du echte Emotionen zeigst, in einer Filmszene ganz natürlich verhältst, ist es eine , deinen Fokus zu behalten und nicht zu denken, dass du schauspielerst sehr schwierige Aufgabe, deinen Fokus zu behalten und nicht zu denken, dass du schauspielerst. Ich meine, man musste sich bewusst sein, wie sich die Stimme eines Menschen in einem natürlichen Gespräch verändert. Die verschiedenen Töne der Stimme, wie wir uns bewegen, wie wir aussehen. Abschließend kann ich Ihnen als Regisseuren nur empfehlen , die Menschen um Sie herum im Alltag zu beobachten. Lerne von der Schwerkraft, von deinen eigenen Verwandten, wann sie weinen, wenn sie wütend sind, wenn sie glücklich sind. Ich sehe dich in der nächsten Lektion. 15. Sound-Design: Das Sounddesign. Diese Lektion ist strategisch wichtig, denn die Idee ist, dass Sie die Fähigkeit haben , die Soundabteilung zu leiten, und allem, dass Sie die Angst verlieren, sich mit Sounddesign zu befassen, es gibt Tonbearbeitung und Tonaufnahme. Fangen wir mit der Tonaufnahme an. Das Grundprinzip besteht darin, die Leistung des Schauspielers akustisch aufzuzeichnen . Das ist das Wichtigste, wenn es um Dreharbeiten geht, weil die Handlungen der Schauspieler oft unwiederholbar sind Es ist das Talent des Schauspielers in seiner reinsten Natur. Der Sound sollte der Leistung entsprechen, die bei den Dreharbeiten gezeigt Damit dies möglich ist, müssen professionelle Mikrofone verwendet Bei Kondensatoren gibt es unidirektionale und omnidirektionale Mikrofone. Wir sollen ihnen beibringen, sie alle zu benutzen , je nachdem, was wir am Set machen werden Das wird auch davon abhängen, was der Sounddesigner als Nächstes bei der Bearbeitung tun wird Generell gilt: Wenn es darum geht , den Sound of Sin aufzunehmen, wird es zwei akustische Hauptquellen geben. mit Bomb aufgenommenen Quellen, also dem Stab, der das Mikrofon über dem Galgen hält , können tatsächlich sowohl unidirektionale als auch omnidirektionale Mikrofone aufnehmen sowohl unidirektionale als auch omnidirektionale Das ist sehr einfach. Das omnidirektionale Mikrofon ermöglicht es uns, den allgemeinen Klang des Ortes in einem relativ offenen Bereich in der Nähe des Mikrofons aufzunehmen des Ortes in einem relativ offenen Bereich in der Nähe des Mikrofons Andererseits verwenden wir unidirektional, um eine bestimmte Schallquelle aufzunehmen Ich meine, wir nehmen den gleichen Boomstick, indem zum Beispiel das Mikrofon auf den Mund der Person richten Dieses unidirektionale Mikrofon kann aber auch verwendet werden , um den Ton einer Handlung eines Schauspielers aufzunehmen Zum Beispiel die Schritte des Schauspielers, die Kleidung, alles andere. Das Mikrofon isoliert den Umgebungsschall zu einem großen Teil, sodass nur der gewünschte Ton übrig bleibt All diese Audios , die wir aufnehmen, werden später vom Soundeditor verwendet Andererseits können wir diesen Boom nutzen, um eine andere Art von Mikrofonen zu ergänzen Zum Beispiel können wir ein Krawattenmikrofon verwenden, wie ich es gerade verwende, um die atmende oder keuchende Stimme des Schauspielers so genau wie möglich einzufangen atmende oder keuchende Stimme des Schauspielers Das Problem mit diesen Mikrofonen besteht darin , dass sie in der Kleidung versteckt sind, der Reichtum der höheren Natürlich schränkt die Größe des Mikrofons auch die Klangqualität Aber wir können diesen Boom perfekt kombinieren, indem wir entweder die beiden Arten von Mikrofonen verwenden , omnidirektional oder unidirektional Andererseits müssen wir uns des Prinzips der Filmregie bewusst sein, Prinzips der Filmregie bewusst wenn es darum geht, jede dieser Kombinationen zu verwenden Wenn wir zum Beispiel Sünde filmen, entscheiden wir, wie oder wie weit die Kamera von den Schauspielern entfernt ist Nehmen wir an, wir wählen eine Meeting-Aufnahme oder eine amerikanische Cowboy-Aufnahme, die bis zu den Knien reicht Und es gibt zwei Charaktere , die sich unterhalten. Der vom Zeitmikrofon aufgenommene Ton ist nicht am besten geeignet, da zwischen der Kamera und dem Gesicht des Schauspielers ein Abstand besteht, nicht mit dem Abstand zwischen dem Zeitmikrofon und dem offenen Mund des Schauspielers übereinstimmt dem Zeitmikrofon und dem offenen Mund des Schauspielers . In diesem Fall wäre es am besten, den Boom mit dem Richtmikrofon so zu verstecken dem Richtmikrofon , dass er im Bild nicht sichtbar ist. Zeigen Sie auf den Mund des Schauspielers und nehmen Sie eine gute Tonstimme mit ausreichender Entfernung auf, die der mittleren Aufnahme entspricht. Oder dieser amerikanische Schuss. Ich habe gesehen, dass dieser Fehler auch auf professioneller Ebene gemacht wurde. Aber pass auf. Das heißt nicht, dass dein Mikrofon für diese Art von Aufnahme nicht funktionieren kann. Aber wenn wir sie später in der Ausgabe verwenden würden, müssten wir Revert zum Sound hinzufügen, sodass er den Abstand zwischen der Kamera und dem Mund des Schauspielers repräsentiert der Kamera und dem Mund des Schauspielers Wenn wir einen Weg finden, den Boom zu nutzen, wird die Klangqualität viel besser und realer sein Das Zeitmikrofon kann jedoch sehr nützlich und ästhetisch sein. im folgenden Fall Stellen wir uns im folgenden Fall vor, dass wir eine offene Aufnahme machen müssen. Diese weit geöffnete Aufnahme mit denselben beiden Charakteren , die sich im Hintergrund unterhalten. Der Klang des Zeitmikrofons stellt die Intimität wieder her , die sie haben, als ob wir Zeugen dieses Gesprächs wären Aber sie aus der Ferne zu sehen, sie von außen zu sehen, ist filmisch, es ist künstlerisch, und das ist ein Aber im Allgemeinen müssen wir die Entfernung respektieren Offensichtlich. Je näher der Schuss am Gesicht ist, desto näher ist die Stimme kaum zu hören. Auch wenn Sie das Flüstern im Mikrofon aufnehmen müssen, scheint das Thy-Mikrofon dafür geeignet zu sein Das unidirektionale Mikrofon wäre aufgrund der Nähe der Aufnahme viel nützlicher und schöner Der Tontechniker hat die Möglichkeit, sich während der Aufnahme zu bewegen und näher heranzukommen , sodass das Mikrofon zum Mund zeigt Und wir werden eine qualitativ hochwertige Aufnahme haben. Natürlich sind sie sehr teuer, Level Ear oder Mikrofone sind genauso gut wie ein durchschnittliches unidirektionales Mikrofon Aber ich spreche von einem Kontext, in dem Sie einen Kurzfilm oder einen Low-Back-Jet-Film drehen möchten Kurzfilm oder einen Low-Back-Jet-Film drehen Es ist wichtig zu wissen, dass der Tontechniker auf das Drehbuch abgestimmt ist. Diese Person, die die Reihenfolge der Aufnahme vornimmt, damit der Redakteur die Daten auf dem Aufnahmegerät später identifizieren kann . Denk daran, was ich dir über das Klapperbrett erzählt habe. Das Klöpplerbrett und der obere Stick werden vom Gerät aufgezeichnet, und die Szenenidentifikation, die der Klöpplader angibt, wird ebenfalls Auf der anderen Seite, als wir Sin bereits gedreht hatten und die Darbietungen der Schauspieler aufgenommen haben, es notwendig, einen wilden Track zu machen Ein wilder Track ist nichts anderes als die Aufnahme all der Geräusche , die die Schauspieler in den Szenen, dem Stoff, den Schritten der Umgebung machen . Diese Geräusche werden später vom Sound verwendet , um die Tonbearbeitung in Schichten durchzuführen, wodurch ein immersiveres akustisches Erlebnis erzielt werden kann ein immersiveres akustisches Erlebnis Um es noch einmal zusammenzufassen, denken Sie daran, dass es unidirektionale und omnidirektionale Mikrofone gibt unidirektionale und omnidirektionale Mikrofone Unidirektional ermöglicht es Ihnen , aufzuzeichnen, was wir in dem Ziel, das wir mit dem Boom anvisieren, vor uns haben Auf der anderen Seite können Sie mit der omnidirektionalen Funktion alles aufnehmen, was sich rund um das Mikrofon befindet In der Nähe des Bildschirms sehen Sie ein Diagramm, in dem dargestellt ist, wie sich das Mikrofon verhält Die Blase ist der Raum , aus dem der Ton aufgenommen wird. Jedes Mikrofon hat diese Grafiken in seiner Anleitung, damit Sie genau wissen, wie es funktioniert. Denken Sie auch daran, dass der Abstand zwischen dem Mund des Schauspielers und dem Mikrofon mit der Aufnahme übereinstimmen muss Das ist wichtig, weil es Ihrer Arbeit eine sehr professionelle Note verleiht Ein Beispiel dafür könnte eine Szene sein , in der die Schauspieler schreien Zum Beispiel darf sich das Mikrofon nicht im Mund des Schauspielers befinden Es kann kein Ti sein, ein Mikrofon. Denn damit der Schrei echt klingt, muss der Schrei den ganzen Raum durchdringen, in dem sich der Schauspieler immer aufhält Denken Sie daran, dass sich Geräusche durch die Luft bewegen. All das ist Teil des Sounddesigns für die Tonbearbeitung. Aus meiner Sicht ist es das Wichtigste als Regisseur, Hosen dabei zu haben. Als erzählerisches Element wird Sounddesign in Schichten gestaltet. Wir können mit jedem Element spielen in der Szene klingt, und auch mit den Proportionen in Bezug darauf, wie weit und wie nah es sich befindet Daher hatten wir die Möglichkeit, mit diesem Instrument zu spielen , um Sichtweisen zu entwickeln, Umgebungen zu gestalten und entfernte Elemente der Sünde hinzuzufügen, die Teil des erzählerischen Reichtums des Drehbuches sind erzählerischen Reichtums des Wir können sehr komplexe Umgebungen schaffen, indem Klangelemente in der Ferne hinzufügen Genau genommen müssen wir als Regisseure in der Lage sein, dem Sound diese Anweisungen zu geben dem Sound diese Anweisungen zu , damit er ihn als Sprache verwendet Ich werde Ihnen ein Beispiel dafür zeigen. Es ist dieselbe Szene , die ich dir in den letzten Lektionen gezeigt habe , in der die Frau in der Ferne weinte. Aber dieses Mal wirst du auf etwas anderes achten . Versuche, ein paar gute Kopfhörer zu finden und achte darauf, wie sich die Schritte der Charaktere von rechts nach links bewegen Du weißt, wie interessant das ist. Ich meine, wir erweitern, damit Sie das Gefühl haben, dass die Präsenz des Charakters im Raum ein großartiges erzählerisches Mittel ist. So wie die weinende Frau in der Ferne. Es ist auch wichtig, dass Sie Sensibilität für Nachhall entwickeln Nachhall ist der Effekt , der es ermöglicht, den Raum zu vergrößern, in dem ein Es ist zum Beispiel möglich, dass in Ihrer Aufnahme die einzige akustische Quelle, die Sie haben, der Ton des Time-Mikrofons ist Aber Racine steckt in der Sound-Edition in einer Ladungslücke. Sie sollten in der Lage sein, dem Sound-Editor die genauen Anweisungen zu geben , um diese Effekte zu den Stimmen hinzuzufügen , und eine allgemeine Vorstellung davon haben wie viel Rever auf diese Stimmen angewendet werden sollte Dies gilt nicht nur für den Sound-Editor. Sie müssen auch Ihren Standpunkt und genaue Anweisungen angeben . Aber nicht zuletzt müssen wir den Wind und die Umwelt berücksichtigen . Ich meine, die atmosphärischen Details. Sie müssen der Soundbearbeitung schichtweise hinzugefügt werden. All dies ist Teil des Sounddesigns und dient als erzählerisches Mittel, das dem Publikum ein immersives Erlebnis Setzen Sie all dies in die Praxis um und denken Sie daran, niemals Angst zu haben, Fehler zu machen Ich sehe dich in der nächsten Lektion. 16. Stärke des Regisseurs: Die Stärke des Regisseurs. Diese Qualität ist die zentrale Achse des Filmprojekts. Das ist es, was die Haltung des Regisseurs und die Verbindung, die er möglicherweise zu seiner Armee hat, bestimmt . Diese kleine Armee, also das Produktionsteam oder das Produktionsteam, unterscheidet sich nicht wesentlich von einem Orchesterdirektor Der Filmregisseur ist die Person, der man kreativ und künstlerisch vertrauen kann , ist die Person, die dem Arbeitsteam Ruhe und Zuversicht vermitteln muss, um Aktionen zu delegieren, die auf der allgemeinen Vision basieren, die er Ein Filmregisseur kann nicht jemand sein, der nur weiß, wie man die Kamera bedient oder wie man ein man die Kamera bedient oder wie man Ein Filmregisseur muss alles wissen , er oder sie muss viele Dinge wissen, viele alltägliche Dinge, Allgemeinwissen, Kunstgeschichte. Der Filmregisseur sollte viele Dinge wissen, um über Werkzeuge zu verfügen , die es ihm oder ihr ermöglichen , mit dem kreativen Produktionsteam zu kommunizieren. Und natürlich, um seine eigene Sprache zu entwickeln. Um Vertrauen in verschiedenen Abteilungen zu schaffen, ist es notwendig, mit einem klaren Standpunkt zu sprechen. Wir müssen in der Lage sein, in der Sprache zu sprechen , die der Sounddesigner, der Toningenieur spricht. Die Sprache des Kameramanns spricht die Sprache des Drehbuchautors Aus diesem Grund müssen Regisseure wissen, wie ein Drehbuch aussieht, was die Schreibgeräte sind und auch die Blutwerte, mit denen man Wir können eine gute allgemeine Idee haben, aber wenn wir nicht wissen, wie wir sie in der entsprechenden Fachsprache erklären sollen , der Kommunikationsprozess mit dem gebildeten Team wird der Kommunikationsprozess mit dem gebildeten Team nutzlos in dem Sinne, dass er wichtig ist Eine innere Demut ist die Art von Demut , die niemand beobachtet, bei der niemand merkt, dass du sie hast Aber diese innere Demut ermöglicht es dir ermöglicht es dir Das heißt, habe niemals das Gefühl, dass du zu viel über etwas in deinem Kopf weißt zu viel über etwas in deinem Kopf Ein weiterer wichtiger Aspekt, insbesondere wenn es um die Hauptrolle und ein kleines Filmteam geht, ist, dass Sie Ihrem Team ein Vorbild für Leistung sein müssen. Wenn es etwas gibt , das in einigen Filmen, bei Dreharbeiten häufig vorkommt, dann sind es Ego-Kämpfe Manchmal scheint es, dass eine Person mehr arbeitet als Und ich glaube, dass der Direktor in dieser Angelegenheit ein Beispiel für Disziplin und Anstrengung sein sollte . Obwohl der Filmregisseur am kreativen Teil beteiligt ist, müssen Sie dem Team das Gefühl geben, dass Sie genauso hart arbeiten wie alle anderen. Geben Sie ihnen das Gefühl, dass Sie genauso beschäftigt sind wie alle anderen. Ich habe es in all den Jahren oft gesehen, vor allem bei Werbeprojekten, in Werbekontexten, wo der Regisseur einfach auf einem Stuhl sitzt, nur auf den Monitor schaut und am Ende aus einer bequemen Position spricht, aus einer bequemen Position spricht am Ende im Endergebnis zu sehen sein wird Weil der Regisseur sich dieser kleinen Details nicht bewusst ist , die Ihren Film oder Ihr Filmprojekt auf die nächste Ebene bringen Ich meine, um das zu erreichen, ist es immer notwendig, eine allgemeine künstlerische Vision zu haben , um die sich der Regisseur auf die eine oder andere Weise ständig kümmert. Es spielt keine Rolle, ob es sich um Werbung handelt, es gibt immer diese allgemeine künstlerische Vision , um die man sich im Detail kümmern muss. Das Wichtigste an dieser Vision ist Wissen. Wissen ist das einzige, was es dem Regisseur ermöglicht, festzustellen oder herauszufinden , ob die Ideen der verschiedenen zusammengestellten Teams möglich sind oder nicht, ob sie plausibel sind oder nicht, ob sie sich für das Filmprojekt lohnen oder nicht Andererseits ist es wichtig, über Respekt zu sprechen. Es ist so wichtig, in dieser Zeit darüber zu sprechen. Weil viele von Ihnen anfangen werden als Assistenten jeglicher Art im Film zu arbeiten , und Sie werden im Laufe Ihrer Karriere in höhere Positionen aufsteigen . Es ist wichtig, den Regisseur, die Entscheidungen und die Führungsrolle zum Zeitpunkt der Dreharbeiten zu respektieren . Manchmal ist es üblich , dass erfahrene Schauspieler, die schon seit vielen Jahren filmen, so tun, als würden sie John Directors Richtlinien geben. Ich sage nicht, dass sie keine Vorschläge machen können, aber sie müssen die Führung des Regisseurs respektieren, weil das Team ihm oder ihr Vertrauen geschenkt haben soll ihm oder ihr Vertrauen Und diese Einstellung kann sich nachteilig auf dieses Vertrauen dadurch den Arbeitsablauf am Set beeinträchtigen Das Arbeitsteam muss sich darauf verlassen können, was der Regisseur tut, ob Sie Schauspieler oder Schauspielerin, Assistent oder Techniker sind, und anfangen, mit dem Regisseur zu streiten Zum Zeitpunkt der Dreharbeiten über seine Ideen. Es ist eine totale Respektlosigkeit, denn unabhängig davon, ob Sie Recht haben oder nicht, weil Sie vielleicht Recht haben, aber es liegt nicht in Ihrer Verantwortung Es ist nicht dein Job und du wirst dem Selbstbewusstsein und dem Set des Regisseurs schaden , und vor allem werden sie dich dafür hassen Denken Sie außerdem immer daran , dass der Regisseur manchmal eine Idee im Kopf hat und wir sie nicht umsetzen können. Deshalb müssen wir den Direktoren ruhig und respektvoll folgen , um immer zu lernen und offen für Hilfe zu sein Ich lade Sie wirklich ein, eine Art Wissensschwamm zu werden , über Wissenschaft, Politik oder alles, was Ihrer Kreativität entspricht, zu lernen oder alles, was Ihrer Kreativität entspricht, Andererseits müssen Sie sich mit den neuen audiovisuellen Technologien beschäftigen, die mit den neuen Formen der Kommunikation und des Geschichtenerzählens zu tun haben neuen Formen der Kommunikation und des Geschichtenerzählens Heutzutage ist es immer schwieriger, das Publikum zu überraschen , weil sich die Erzählweisen immer wieder wiederholen wissen unsere audiovisuelle Sprache zu verbessern, ist es notwendig, über neue Erzählungen und Geschichtenerzählen Bescheid zu Aber ein Beispiel dafür ist auf jeden Fall Kunst. In seinen neuesten Filmen hat er die neue Sprache der Videospiele auf das Kino übertragen . Ich meine, es gibt Videospiele namens Open World, bei denen der Charakter, den wir kontrollieren, einen Avatar darstellt. Dieser Charakter ist Interaktion. Und in einer Welt zu leben, als ob wir selbst in der Kunst wären , um diese Empfindungen und Erfahrungen ins Kino übertragen zu wollen . Vor allem in The Revenant und Bertman fühlen wir uns in diesen Filmen wie in einem Videospiel Im Allgemeinen sind diese Filme voller kontinuierlicher Sequenzen, die es uns ermöglichen, die Stelle auszufüllen Das Fehlen von Schnitten ermöglicht uns ein immersives Erlebnis Und diese Art von Erfahrung ist Gegenstand der neuen Technologien Aber nicht nur Nartu hat damit gearbeitet, auch in einem anderen Film namens 1917 von Sean Mendez spielt er damit Es ist wichtig zu berücksichtigen , dass das nicht im Drehbuch stand Es war die Meinung des Regisseurs, weil er im Kontext der neuen Art des Geschichtenerzählens stand. Wir müssen uns fragen , ob wir genügend Kontakt mit den neuen Sprachen und Technologien haben. Deshalb sage ich Ihnen, dass ein Regisseur über kreative Fähigkeiten verfügen muss , um alle Herausforderungen des Drehbuchs kreativ und künstlerisch lösen Denken Sie daran, dass die Filmregie immer ein Drehbuch interpretiert Je mehr Tools Sie dafür haben, desto besser wird es sein. Aus diesem Grund glaube ich, dass die heutige Zeit erfordert , dass wir über alles ein wenig wissen. Denn heutzutage gibt es überall immer mehr Zugang zu den Informationen. Ich meine, der Zugang zu Wissen ist nicht mehr so eingeschränkt wie zuvor. Andererseits muss der Filmregisseur auch ein Verantwortungsnetzwerk mit seiner Umwelt haben . Nicht nur die Umwelt, sondern auch die Gesellschaft , der er angehört. Fast jeder von uns hat eine Botschaft zu vermitteln. Manchmal sind wir uns unserer eigenen Botschaft nicht bewusst. Aber diese Botschaft hat mit dem zu tun , was wir als Menschen leben, was wir in unserem Leben um uns herum gesehen haben, und auch mit unseren Unzulänglichkeiten. Das ist der wahre Treibstoff des Filmregisseurs, egal was jemand anderes sagt. Was deine Geschichte wirklich auf die nächste Ebene bringt , ist die Motivation, die du dafür hast. Wie viel Lust hast du, diese Geschichte zu erzählen. Denn nur wenn wir eine Geschichte zu sehr lieben, haben wir es geschafft, uns die nötige Mühe zu geben und die kleinsten Details zu erkennen, die Ihr Projekt zum Erfolg führen würden. Nur wenn wir uns mit viel Engagement für ein Projekt einsetzen, können wir andere Menschen inspirieren. Zu Beginn müssen wir ein Arbeitsteam zusammenstellen. Und dieses Arbeitsteam muss Ihrer Idee vertrauen. Vertraue dir sogar, wenn du Fehler machst. Und um das tun zu können, müssen Sie andere dazu bringen, sich in Ihr Projekt zu verlieben , mit Ihrer Motivation eine Vision davon zu haben, dass Ihr Projekt erfolgreich sein wird , um das Wortteam davon zu überzeugen , dass Sie die Ziele erreichen werden, die sie sich zu Beginn gesetzt haben. Ich muss auch gestehen , dass Sie es kaum erwarten können bis alle Antworten von Anfang an geklärt sind Es gibt einen Prozentsatz , der immer gefährdet ist. Risiken einzugehen ist also immer gut. Wer kein Risiko eingeht , gewinnt nicht. also zunächst keine Angst davor, riskantere Dinge zu tun, denn von da an werden Sie feststellen, dass manchmal möglich ist, plausibles zu tun, obwohl Sie ein kleines Budget haben Ich lade Sie auch ein, einen wissenschaftlichen Prozess namens Fokusgruppe durchzuführen einen wissenschaftlichen Prozess namens Fokusgruppe Sobald Sie Ihren Film oder Ihre Werbespots einer Fokusgruppe widmen, ist das viel zuverlässiger, als Ihre Filmlehrer nach Ihrem Film zu fragen Was Sie tun werden , ist, genügend Leute um sich zu versammeln , von denen Sie denken, dass sie klar sind Offensichtlich Leute, die Kino mögen und sie nach Ihrem Film fragen. Schaffen Sie sich einen Diskussionsraum, um herauszufinden , was ihre Meinung zu Ihrer Arbeit ist. Berücksichtigen Sie sie immer. Und ich sehe dich in der nächsten Lektion. 17. Das Bearbeiten: Die Montage, der Schnitt. Der aufregendste Moment , als wir unsere Dreharbeiten beendet hatten. Sobald wir den Ton aufgenommen haben, naja, sobald wir alle Elemente hatten, aus denen wir den Film zusammensetzen werden, ist es an der Zeit, ihn zu schneiden. Aber es gibt Fähigkeiten, die der Filmregisseur entwickeln muss , wenn es um den Schnitt geht, dessen Grundlagen in der Phase des Drehbuchschreibens liegen? In dieser Angelegenheit natürlich das Drehbuch. Es ist auch wichtig, ich meine, dass das Crewmitglied die Richtlinien hat, um die Reihenfolge der Szenen einzuhalten und auch, welche Aufnahmen, Sequenzen und Sounds die besten sind , die aufgenommen wurden. Um eine zuverlässige Vorstellung davon zu haben was der Editor in der Montage verwenden wird . Aber die Wahrheit ist, dass beim Filmemachen nicht alles komplett festgelegt ist Das bedeutet, dass unerwartete Dinge passieren. Ich meine, unvorhergesehene Ereignisse , die oft gut sind und manchmal erkennen wir diese Details zum Zeitpunkt der Dreharbeiten nicht diese Details zum Zeitpunkt der Dreharbeiten Manchmal sind wir uns einiger Details, die die Kamera während der Aufnahmen einfangen konnte, nicht bewusst einiger Details, die die Kamera während der Aufnahmen einfangen konnte weil wir von so vielen Dingen abgelenkt sind , dass es möglich ist , dass uns einige sehr gute Elemente oder Details entgehen Wenn wir uns das Filmmaterial zum ersten Mal ansehen , ich meine die Daten, mussten wir jedoch Filmmaterial zum ersten Mal ansehen , ich meine die Daten, in der Lage sein, neue Dinge daraus zu extrahieren, Dinge, die zum Film passen, die Geschichte fördern, die ihn wachsen lassen Weil wir Signifikatoren brauchen , die uns helfen, all die Ideen zu begleiten , die auf der Grundlage des Drehbuchs gedreht wurden Sobald wir die Daten visualisiert haben, die zweite Aufgabe darin, herauszufinden, was die besten Momente der einzelnen Szenen Als Regisseure, vielleicht während der Dreharbeiten, haben wir dem Drehbuch gesagt, es solle sich eine bestimmte Szene notieren , die wir für gut hielten Aber vielleicht haben wir später, als wir das Rohmaterial visualisiert haben, festgestellt, dass ein anderer Sinus fetter ist und wir in der Lage sein mussten, ihn zu Gute Redakteure tun das normalerweise, aber wir können ihnen nicht die ganze Verantwortung überlassen. Als Regisseure müssen wir die besten Momente der Aufnahmen auswählen. Denken Sie daran, dass in der Regel mehrere Aufnahmen derselben Aufführung in mehreren Takes aufgenommen werden. Wir müssen das Feingefühl haben, das Beste vom Besten in Bezug auf Kinematographie, Farbe, Kamera und Darstellerleistung zu verwenden Beste vom Besten in Bezug auf Kinematographie, Farbe, Kamera und Darstellerleistung Ich weiß, dass du vielleicht gerade denkst, was macht der Redakteur Redakteure sollen das also selbst machen. Das Problem ist, dass Sie derjenige sind, der die Vision des Films hat. Wenn der Redakteur wirklich gut ist, wird er die Arbeit besser machen als Sie. Aber ich bestehe darauf, dass wir anfangen, Filme zu machen. Das wird zum Beispiel bei Projekten mit wenig Objekten nicht passieren . Es gibt immer Einschränkungen aller Art. Manchmal verlieren Redakteure , die nicht in der Lage sind, diese Arbeit zu erledigen, die Gelegenheit, großartige Arbeit zu leisten. Gut, wer weiß nicht, wie man die besten Aufnahmen und Sequenzen auswählt. Es ist eine Schande, dass Ihr Projekt , an dem Sie so hart gearbeitet haben , um es zu ermöglichen, deswegen Verschwendung ist. Aber was ist bei der Bearbeitung wichtig? Was ist das grundlegendste Prinzip? Die Bearbeitung muss mit dem Drehbuch beginnen. Da wir wissen, dass die Drehbuchseite 60 Sekunden lang ist, sollten wir in der Lage sein, diese Seite so zu bearbeiten, dass die 60 Sekunden zusammen Mit anderen Worten, in den Daten haben wir wahrscheinlich eine Menge Filmmaterial, das sich auf eine Seite des Drehbuchs bezieht, aber der Editor muss dieses Filmmaterial so organisieren , dass es diese 60 Sekunden nicht überschreitet Das Problem ist, dass Sie das Tempo und die Erzählung des Films zerstören können, wenn Sie diese Zeit in einem bestimmten Moment des Drehbuchs überschreiten Drehbuchs Tempo und die Erzählung des Films zerstören können, wenn Sie diese Zeit in einem bestimmten Moment des Ich meine, die Zeit ohne Diät. Das Interessanteste an diesem Prozess ist, dass wir herausfinden können, wie lange die Aktionen in einer Geschichte wirklich andauern Durch die Bearbeitung werden wir bessere Autoren, weil wir manchmal versuchen einen Sinus zusammenzudrücken, um eine ziemlich lange Handlung in einem einzigen Absatz zusammenzupressen , diese Aktion dauert tatsächlich länger als eine Minute. Das Problem ist, dass, wenn wir diese Handlung in einem erzählerischen Teil des Drehbuchs schreiben diese Handlung in einem erzählerischen Teil des Drehbuchs , der insgesamt 35 Minuten dauern sollte, wir diesem Teil des Drehbuchs zusätzliche Minuten und Minuten hinzufügen diesem Teil des Drehbuchs und dadurch den Rhythmus und die Position der Handlungspunkte in der Geschichte zerstören den Rhythmus und die Position der Handlungspunkte in der Geschichte All das hängt mit der Struktur zusammen , die wir bereits in den vorherigen Lektionen gesehen Vielleicht ist es nicht das Problem, wenn wir es in einer oder zwei Sequenzen einer oder zwei Sequenzen eines Spielfilms machen. Ich meine, wir überschreiten in einem bestimmten Sinne eine Minute oder sogar zwei. Aber wenn es darum geht, einen Kurzfilm anders zu drehen, hat das Auswirkungen, weil die meisten Kurzfilme 15 Minuten oder weniger dauern sollen. Diese exponentielle Gleichung des Hinzufügens von Minuten zu den Sequenzen wird für Sie wirklich ein Problem darstellen Dieser ganze Prozess wird Ihre Meinung als Filmregisseur ändern , weil Sie erzählerische Fähigkeiten entwickeln müssen, die es Ihnen ermöglichen, einen Teil des Drehbuchs zusammenzufassen Ich meine, wenn man weiß, was für das Drehbuch wirklich wichtig ist oder nicht, die Wahrheit ist, dass wir als Filmregisseure, wenn wir eine Reihe von Szenen drehen, Schnitt in unserem Kopf vornehmen müssen Ich denke, das sollte schon beim Schreibprozess beginnen, aber der einzige Weg, ein besserer Autor zu werden , besteht darin, zu wissen, wie lange eine Szene wirklich dauert, oder jede Einheit, ein Bruchteil davon Ein Ratschlag, den ich Ihnen gebe, ist, dass Sie beim Schreiben versuchen sollten, Musikstücke zu verwenden, um die Zeit der Aktionen zu kontrollieren. Auf diese Weise könnten Sie mit den Schauspielern im Rhythmus und der Zeit dieser Musikstücke proben Rhythmus und der Zeit dieser Musikstücke Sie werden genau wissen, wie lang die Aktionen dauern und wie das Drehbuch Andererseits ist es notwendig, der Musikalität und dem Rhythmus der Szene besondere Aufmerksamkeit zu schenken und dem Rhythmus der Emotionen müssen im Verlauf der Szenen kontrolliert werden , denn manchmal müssen wir sie austauschen, um dem Zuschauer kein Unbehagen zu bereiten Es ist möglich, dass ein Teil des Drehbuchs zwischen aufeinanderfolgenden emotionalen Szenen in der Montage eine sehr starke emotionale Ladung aufweist zwischen aufeinanderfolgenden emotionalen Szenen in der Montage eine sehr starke emotionale Ladung , aber wir sind in der Lage, das zu lösen Ich meine, genauso wie ein Sohn mehrere Teile hat, entspannt sich das Publikum und ist in bestimmten Momenten aufgeregt In unseren Filmen wird es dieses Feature auch geben. Zusammenfassend würde ich sagen, dass die wichtigsten Elemente diese sind, die Auswahl und Filterung der besten Momente der Aufnahmen und Szenen Denken Sie daran, dass der Rhythmus und die Bewegungen in den Szenen ästhetisch und angenehm für den Betrachter sein sollen Das Wichtigste ist außerdem, dass wir, wenn wir mit einem Drehbuchautor zusammenarbeiten, auch mit diesem Drehbuchautor besser kommunizieren können, sofern wir über mehr Bearbeitungsfähigkeiten verfügen kommunizieren können, sofern wir Drehbuchautor besser Weil wir wissen werden, ob das, was sie schreiben, Sinn macht oder Vielleicht kommt der Drehbuchautor aus der Literatur und wir sollten ihn in den Bereich des Kinos bringen All diese Details sind wichtig für die Herstellung. Verstehen Sie, wie lange die Aktionen auf dem Papier wirklich dauern. Auf der anderen Seite gibt es viele Programme, wenn es um die Bearbeitung von Premiere, Abbott, Da Vinci geht . Alle sind perfekt Andererseits führen Redakteure im Allgemeinen auch Bildfarbkorrekturen Aber auf wirklich professioneller Ebene gibt es zwei völlig unterschiedliche Jobs. Die Farbkorrektur erfordert wirklich eine Technik anderer Art, auch ein bestimmtes Gerät und spezielle Bildschirme, um die Farbe der Bilder richtig zu korrigieren. Das Wichtigste beim Schnitt ist zu wissen, dass der Film erst fertig ist, wenn der Bearbeitungsprozess abgeschlossen ist. Außerdem, wenn es jemanden gibt , der ein großartiger Filmautor werden kann, dann ist es ein Schnitt, weil er fast immer die Fehler korrigieren muss , die zuvor im Drehbuch gemacht wurden Professionelle Redakteure haben so viele Sequenzen und Szenen gesehen so viele Sequenzen und Szenen dabei genug Ideen über den Rhythmus und die emotionale Struktur einer Mondage Andererseits kann man beim Schnitt manchmal Regiefehler korrigieren oder die Kinematographie in Bezug auf die Lichtmenge korrigieren die Kinematographie in Bezug auf die Lichtmenge , die AC Zum Beispiel ist es heutzutage üblich, mit einer viel höheren Auflösung aufzunehmen als das Endprodukt Wir können die Aufnahmen neu ausrichten und eine neue Aufnahme mit besserer Balance erstellen In visueller Hinsicht ist es zum Beispiel eine zweite Chance. Eigentlich ist es etwas sehr Einfaches, das in jeder Bearbeitungssoftware gemacht werden kann , sodass Sie aus jeder Aufnahme praktisch eine neue Richtung der Fotografie ziehen können. Auf der anderen Seite eine Frage, die mir immer gestellt wird, sollte der Editor in der Lage sein, den Ton zu bearbeiten? Ja, er kann das. Aber auf einem nicht professionellen Niveau, ich meine, wenn Sie ein absolut professionelles Ergebnis erzielen möchten, sollte es von einem professionellen Sounddesigner in einer Software durchgeführt werden einem professionellen Sounddesigner in , die ausschließlich darauf ausgerichtet ist. Videobearbeitung ist etwas, das jeden immer zugänglicher wird. Ich meine, beruflich gibt es viele zugängliche Software . Tatsächlich sind YouTuber oder die meisten von ihnen sehr gut darin, Videos zu bearbeiten, aber eine Sache ist, ein Video für Youtube oder Instagram zu bearbeiten , und eine ganz andere ist Bearbeitung eines Films oder eines Werbespots Die Fähigkeiten sind nicht dieselben. Die Spezialisierung auf Software ist eigentlich nicht dieselbe, und vor allem wird das Wissen über das Kino von keiner Bearbeitungssoftware vermittelt. Um Kino gut bearbeiten zu können, ist es notwendig, alles zu wissen, worüber wir bisher gesprochen haben , um über die genauen Werkzeuge zu verfügen, um jede Software für jedes Filmprojekt sehr gut handhaben zu können. Ich sehe dich in der nächsten Lektion. 18. Soundtracks: Filmmusik und Soundtracks. Vielleicht ist das eines der Themen, mit denen ich mich in Bezug auf Sound und Musik verbinden muss mit denen ich mich in Bezug auf Sound und Musik verbinden Weil der Soundtrack die Musik ist, die im Hintergrund unserer Szenen stehen wird. Wählen Sie aus, wo die Musik in die Montage aufgenommen werden soll, wo sie abgespielt werden soll. Und das Stoppen ist eine Aufgabe, die viel Übung erfordert. Es erfordert, viele Filme anzusehen und möglichst viel Sensibilität zu entwickeln , um herauszufinden, welche Musik für unsere Geschichte am besten geeignet ist . Im Grunde beginnt dieses Wissen damit, die Punktevergabe zu verstehen. Auf der anderen Seite die diätische Musik. Diätische Musik sind all jene Lieder oder Musik von Elementen in der Geschichte, in den Szenen erzeugt Zum Beispiel ist es in Titanic, dem kleinen Orchester, das auf der Party spielt , und selbst wenn das Schiff sinkt, dem kleinen Orchester, das auf der Party spielt, und selbst wenn das Schiff sinkt, natürlich eine sehr kreative Art, Musik zu verwenden , die zum Soundtrack gehört Tatsächlich war es im Fall von Titanic der Komponist selbst, James Horner, der die Musik des Orchesters komponierte Quentin Tarantino verwendet dies aber auch für Dinge wie Musikgeräte in Räumen wie Ein anderes Beispiel ist der Film Braveheart. In diesem Film, in der Szene , in der wir den Schotten bei der Beerdigung von Wallaces Vater Dudelsack spielen sehen , ist das eine außergewöhnliche diätische Musik, weil sie es ermöglicht, eine Musik, die der Komponist speziell für den Film geschaffen hat, mit der Realität der Geschichte zu verbinden speziell für den Film geschaffen hat, mit der Realität der Geschichte zu Das verleiht dem Film einen Mehrwert, weil nicht nur das Publikum die Melodien hört, sondern auch die Charaktere sie Eine weitere Herausforderung bei der Auswahl des Soundtracks besteht darin auszuwählen genau die emotionale Note auszuwählen, die die Musik haben könnte Dieser emotionale Ton hat mit der Zeit zu tun , in der wir das Filmprojekt machen. Wenn ich Zeit sage, meine ich das Jahr. Was ich dir sagen will, denn egal wie sehr wir in diese Soundtracks aus den 90ern oder noch älter verliebt sind , die Musik in Filmen hat sich verändert und ändert sich ständig Als Filmregisseur müssen wir verstehen, dass die Technologie die Musik verändert hat, und wir müssen diese Veränderungen in Bezug auf den Sound kennen und wie die traditionelle Orchestrierung zur digitalen Orchestrierung geworden ist Natürlich hängen alle durch die Musik hervorgerufenen Empfindungen vom Filmgenre Aber in Bezug auf das, was ich Ihnen gegenüber über die Mischung von Musik und Technologie erwähnt habe , Hände ein Beispiel dafür Es gibt eine Szene aus Moving Interestler, in der Hand Simmers seine gesamte kompositorische Kraft durch digital synthetisierte Instrumente entfesselt seine gesamte kompositorische Kraft durch digital synthetisierte Instrumente um eine Musik zu komponieren , die der Größe der großen Meereswelle auf diesem Planeten voller Wasser entspricht großen Meereswelle auf diesem Es ist ihm gelungen, die niedrigen Frequenzen digitaler Instrumente zu nutzen , um dieser riesigen Meereswelle, die den Himmel überquert, ein immersives Erlebnis zu bieten. Offensichtlich war das der Wunsch des Regisseurs Christopher Nolan, der Han sagte, ich brauche die Musik, die die ganze Kraft dieses unbekannten Ozeans verkörpert Andererseits müssen wir uns als Filmregisseure der Verwendung niedriger Frequenzen bewusst sein Zum Beispiel klingt diese Musik so tief, dass sie nicht mit dem Klang eines Sinus in den Dialogen kollidiert Klang eines Sinus in den Dialogen Das war vor 20 Jahren nicht möglich , weil die Technologie es nicht zuließ, weil traditionelle Orchester eine so niedrige Frequenz nicht erreichen können so niedrige Frequenz nicht erreichen Aber heutzutage ist man dazu in der Lage, weil digitale Instrumente heute fast jede Frequenz erreichen können Sogar um manchmal so tief wie der Suppenpuffer auszulösen. Das bedeutet, dass Komponisten diese Elemente verwenden, um Dinge zu schaffen , die der Komponist der 90er nicht schaffen konnte Schauen Sie sich dieses Beispiel für einen Soundtrack an , den ich für eines meiner Myosinen mit niedrigen Frequenzen komponiert habe . Ja auch. Siehst du, ich gebe dir Catalano für mich, Papa Papa Mata. Yago Pepa, wenn ich schwöre, dass P. Pedro geht, oh ich. merkst du, wie interessant das Es ist ein Soundtrack, der ausschließlich mit digitalen Instrumenten gemacht wurde. Es hat auch traditionelle Orchestrierungsarrangements unter Verwendung von Medientechnologie, aber es hat einen modernen Klang Es ist notwendig, diese Sprache zu verstehen, um auch mit den Komponisten richtig kommunizieren zu können mit den Komponisten richtig Um diesen Kommunikationsprozess zu fördern, ist es notwendig, die Bemerkung zu verstehen. Notieren ist der Prozess, bei dem wir der Montage, dem Schnitt Musikstücke aus beliebigen Quellen hinzufügen , um die Szenen mit dem möglichen Rhythmus und der Musik, die sie haben könnten, zusammenzusetzen Szenen mit dem möglichen Rhythmus und der Musik, die sie haben könnten Das ist extrem wichtig, weil es keine Möglichkeit gibt, mit Worten genau zu beschreiben, welche Art von Musik Sie für Ihren Der Komponist muss klare Referenzen in Bezug auf Instrumente, Ton, Melodien und Rhythmus Das ist sehr verbreitet, auch auf professioneller Ebene. Sie können sich vorstellen, wie häufig es ist, diesen Fehler einfach zu machen , weil Sie nicht über dieses Wissen verfügten, wodurch ein Komponist dazu gebracht wird, Musik zu machen , ohne ihm eine Referenz zu geben. Ich meine, einfach mit ihm zu reden und zu versuchen, die Musik, die du willst, in Worten zu beschreiben. Dadurch wird der Komponist viel Zeit und Mühe verschwenden . Als Filmregisseur muss man in der Lage sein, dem Komponisten durch die Verwendung von Notizen genügend Referenzen zu geben . Der Komponist sagt dir ehrlich, ob er in der Lage ist, diese Musik zu machen oder nicht. Diese Bilder, die Sie sich gerade ansehen , stammen aus dem Film Cast Away , der eine außergewöhnliche Bemerkung hat, natürlich einen großartigen Soundtrack von Alan Silvestre Sie wissen, dass der Charakter einen großen Teil des Films auf der Insel hinterlässt einen großen Teil des Films auf der Insel Wir hören keine Musik. Nur das Rauschen des Meeres in der Stille , das uns von der Einsamkeit des Charakters erzählt Einsamkeit des Charakters Aber erst wenn er die Insel auf dem Floß verlässt und diese große Welle überquert , um dem Moment zu entkommen , in dem er weiter in Richtung Meer rollt Und dann dreht er sich um und sieht die Insel von ganz rechts. In diesem Moment beginnt die Musik zu spielen. Diese Musik wurde von Alan Silverstreet komponiert. Warum spielt es genau dort? Weil wir die Insel jetzt aus dem Gedächtnis betrachten. Die Musik repräsentiert also alles, was der Charakter in sich fühlt. Sobald er gegangen ist und sich mit seinen Augen von der Insel verabschiedet hat, brauchen wir keine Erinnerungen mehr daran zu haben, was er auf der Insel getan hat. Das haben wir schon gesehen. Und wir haben es in unserer Erinnerung. So wie es der Charakter jetzt hat. Wir fühlen uns einfach genauso wie der Charakter. Ich meine, wir erinnern uns an die Liebe, den Schrei, die Mühe und die Zeit, die er auf der Insel lebt. Das sind die Momente, denen wir uns in das Kino verlieben. Es ist eine außergewöhnliche Art, etwas zu notieren. Eine sehr gute Bemerkung, dass der Komponist nicht zu viel Musik für den Film schreiben musste, da nur die richtige Menge für eine bestimmte Szene benötigt wurde. Es gibt Filme mit viel Musik und sie sind auch außergewöhnlich. Aber obwohl ich versuche , die Musik gut einzufangen, also um nicht das zu tun, was schlechte Filme normalerweise tun, meine ich, 2 Stunden Musik zu schreiben und dann die Lautstärke der Musik während des gesamten Films zu verringern und zu erhöhen Musik während des gesamten Films Abschließend kann ich Ihnen nur empfehlen , viel Musik zu hören Wir alle mögen Musik. Je mehr Musik wir hören, desto mehr Tools stehen uns zur Verfügung, um mit dem Komponisten und den Herausgebern zu kommunizieren. Vielen Dank und wir sehen uns in der nächsten Lektion. 19. Spezialeffekte und visuelle Effekte: Die Spezialeffekte und visuellen Effekte. Wenn es etwas gibt , das sich direkt auf das Filmobjekt auswirkt , dann ist es die Menge an Spezial- und visuellen Effekten , die unser Film haben kann. Wir dürfen jedoch versuchen, Spezialeffekte oder visuelle Effekte nicht als etwas zu betrachten , das Ihrem Filmobjekt einen feuchten Biss verleiht Ihrem Filmobjekt einen feuchten Biss verleiht und dadurch die Herstellungsmöglichkeiten einschränkt. Wir müssen versuchen, dies nicht als etwas anzusehen, das mit begrenzten Mitteln unmöglich ist. Im Gegenteil, wir mussten es als eine Möglichkeit sehen, als unabhängige Regisseure unglaubliche Dinge zu tun. Ich meine, durch den richtigen Einsatz von Spezialeffekten und visuellen Effekten hatten wir die Möglichkeit, Dinge zu tun , die auf herkömmliche Weise vielleicht unmöglich wären. Zuallererst mussten wir zwischen den Spezial- und den visuellen Effekten unterscheiden . Es ist etwas sehr Einfaches. Spezialeffekte sind physisch erzeugte Effekte, wie Wunden, echte Explosionen, Blutfeuer Andererseits können die visuellen Effekte bei Verwendung eines Computergeräts unter Verwendung digitaler Technologien exakt dieselben sein Verwendung eines Computergeräts unter Verwendung digitaler Technologien exakt dieselben . Wenn es um die Erstellung von Effekten geht, ist es immer am besten, zunächst die grundlegenden Grundlagen von filmischen Effekten und Beobachtungsebenen zu verstehen grundlegenden Grundlagen von filmischen Effekten und Beobachtungsebenen zu filmischen Effekten und Beobachtungsebenen Als ich anfing, an historischen Filmen zu arbeiten, verstand ich das Thema Beobachtungsebenen. Dabei stieß ich auf Anbieter, die maßgeschneiderte Dienstleistungen für jede Art von Filmprojekt Mir war klar, dass je nach Art der Aufnahme und auch den Eigenschaften des Filmprojekts alle Details, die auf der Leinwand in Form von Kostümrequisiten erscheinen , mehr oder weniger detailliert dargestellt werden Ich habe damals nach einem Angebot für einige Requisitengewehre gefragt , für eine große Anzahl Und das Erste, was sie mich fragten, war, wie weit ist diese Armee vor Ort Schauen sie weit? Schauen sie in der Nähe? Denn je nachdem, wie viele Details von den Gewehren in der Kamera zu sehen waren, mussten mehr oder weniger Details auf die Gewehre aufgebracht werden, wodurch der Backjet vergrößert wurde , der bei der Herstellung eines Film-Rückstrahls von grundlegender Bedeutung ist Stellen Sie sich vor, Sie würden das exponentiell auf eine große Produktion übertragen. Wir könnten eine Menge Geld für nutzlose Dinge ausgeben und damit den Hinterjet vergeuden Dieses Thema richtet sich nicht nur an Filmregisseure, sondern auch an gute Filmproduzenten Ich werde dir ein Beispiel geben. Nehmen wir an, das ist der Schuss. Schau dir an, wie weit diese Audios in dieser Entfernung entfernt sind. Es ist nicht möglich, die kleinen Details zu sehen, Daten mussten völlig real sein Ich meine, es ist nicht notwendig all diese Bräuche echt sind. Daher ist es auch nicht notwendig, dass alle Effekte in dieser Entfernung Spezialeffekte sind. Denn wenn wir diese allgemeine Aufnahme mit einer Nahaufnahme mischen , bei der vielleicht sechs oder zehn Soldaten auftauchen, meine ich wenige Soldaten, die völlig echte Gewehre und Kleidung haben völlig echte Gewehre und Kleidung Der Zuschauer würde nicht bezweifeln, dass die Gewehre und die Kleidung dieser Distanzaufnahme exakt identisch sind Dieselbe visuelle Täuschung tritt bei visuellen Effekten auf. Wenn wir also visuelle Effekte verwenden, um Dinge zu ersetzen, für die wir nicht in der Lage sind, werden wir in der Lage sein, mit demselben Prinzip zu spielen , um sie herzustellen. Natürlich werden wir Spezialeffekte aus nächster Nähe einsetzen und andererseits visuelle Effekte aus der Ferne einsetzen, wodurch wir eine Menge Geld sparen. In Bezug auf den menschlichen Aufmerksamkeitsprozess ist es wichtig zu wissen, wie visuelle Effekte und auch Spezialeffekte funktionieren. Wenn sich eine Person einen Film ansieht, erhöht sich ihre Psyche aufgrund der Motivation um 20 Punkte Mit anderen Worten, der Zuschauer kann wirklich erkennen wann ein visueller Effekt überzeugt oder nicht Das darf nicht unterschätzt werden. Um den Zuschauer mit unseren Effekten zu überzeugen, ist es daher notwendig, mit der Dauer der Aufnahmen zu spielen, insbesondere wenn die visuellen Effekte nicht von höchster Qualität sind Ich versuche Ihnen also beizubringen dass Sie von Anfang an wissen mussten, was die Aufnahmen Ihrer Aufnahmen sind, wo die visuellen Effekte in diesen Aufnahmen sein werden und wie lange diese visuellen Effekte dauern. All das, sodass die Designer von Defekten echte Chancen hatten, diese Effekte zu erzielen. Das können Feuerpferde, Explosionen, Wetter sein, digitale Armee ist alles Ich gebe dir ein Beispiel, wenn du eine Pferdearmee aufbauen willst Ich meine, du willst eine Pferdearmee auf deinem Körper haben, aber was du hast, sind fünf Pferde am Set. Man könnte Nahaufnahmen dieser fünf Pferde perfekt mit einer großen Aufnahme kombinieren , sodass drei Pferden eine ganze Pferdearmee entsteht. Modellieren. Denn im Kontext eines Indie-Films ist es einfacher, ein paar gute Pferde zu bekommen und dann einen Drei-D-Animator zu engagieren , der die restlichen Pferde in einer cleveren Einstellung gut genug gestaltet , nicht zu viele Details zeigt und so ein absolut professionelles Aussehen erhält Sie können sich nicht vorstellen, wie viele Filme Sie gesehen haben, in denen diese Strategie angewendet wurde Und du hast es nicht bemerkt. Denken Sie noch einmal daran, dass es sich bei den Spezialeffekten solche handelt, die physisch am Set hergestellt wurden , und den visuellen Effekten um digitale Effekte. Auf der anderen Seite gibt es trotz technologischer Fortschritte Regisseure, die es vorziehen, echte Effekte als digitale zu verwenden. Man musste lernen, sie so gut wie möglich zu mischen , um das visuelle Gefühl hervorzurufen. Beide Arten von Effekten erfordern Ressourcen, Bok Jet, weil Spezialeffekte Objekte, Substanzen, Stunts, flüssige Brennstoffe und spezielle Dinge benötigen Substanzen, Stunts, flüssige Brennstoffe und spezielle Dinge Andererseits erfordern die visuellen Effekte ein spezialisiertes Team , das Stunden und Stunden vor einem Computer verbringen muss, um daran zu arbeiten Sie sollten also von Anfang an mit der Planung beginnen , vom Drehbuch Aus meiner Sicht muss der Drehbuchautor lernen, ein Drehbuch zu schreiben auf einem bestimmten Projekt basiert . Ich meine, wenn ich einen unabhängigen Film schreiben will, zumindest in Bezug auf visuelle Effekte und Spezialeffekte müssen die Szenen zumindest in Bezug auf visuelle Effekte und Spezialeffekte im Kontext eines unabhängigen Films geschrieben werden im Kontext eines unabhängigen Wir können keine unmöglichen Dinge schreiben. Schauen wir uns das an. Auf dem Bildschirm siehst du ein Beispiel für das, was ich dir sage. Wir werden Pferde in der Szene sehen, und die ersten Pferde, die wir sehen, sind offensichtlich echt. Aber in der Aufnahme, in der das Haus brennt und im Hintergrund brennt, sind die Pferde mit visuellen Effekten gestaltet. Wenn Sie diese Szene zum ersten Mal sehen , zweifeln Sie nicht daran. Denn wenn Sie sich auf die Geschichte konzentrieren und zuvor die echten Pferde gesehen haben, würden Sie nicht daran zweifeln, dass die Pferde Sie später sehen werden, falsch sind. Später gibt es sogar eine weitere Szene, in der sich eine Armee an diesem Punkt der Geschichte einem Berg nähert. Wenn Sie sich auf die Geschichte konzentrieren würden, würden Sie sich nicht fragen, ob die Soldaten real sind oder nicht Und das ist auf den menschlichen Aufmerksamkeitsprozess zurückzuführen. Ich werde dir die Heilige Szene hinterlassen, damit du alles genauer sehen kannst. Er hat es dir vielleicht bemerkt , wenn du es in diesem Moment isoliert siehst, du kannst es bemerken. Aber die Wahrheit ist, dass Sie zu diesem Zeitpunkt in der Geschichte bereits mehrere echte Szenen mit echten Pferden und Soldaten gesehen haben. also unwahrscheinlich, dass Sie auf einmal daran zweifeln, ob sie echt sind oder nicht ist also unwahrscheinlich, dass Sie auf einmal daran zweifeln, ob sie echt sind oder nicht Der Schuss ist nicht so lang. Vielleicht, da ich dir schon gesagt , dass sie digital gemacht wurden, bist du bereit, sie auf diese Weise zu sehen Aber wenn Sie den Film zum ersten Mal gesehen haben , ist es sehr schwierig, ihn zu bemerken Schauen Sie sich zum Beispiel diesen Kampf am Anfang an. Tatsächlich kann man sogar in Bezug auf die Produktion erkennen, ob sie in der Lage waren, diesen Kampf mit Pferden und Requisiten usw. zu bestreiten. Sie werden sich nicht wundern , warum diese kleine Gruppe von Soldaten am Ende nicht real sein sollte Beachten Sie, dass Soldaten blaue Uniformen tragen. Die Soldaten, die wir am Ende gesehen haben, sich dem Berg näherten, waren ebenfalls blau Sie können beliebig viele Referenzfaktoren hinzufügen, die zur genauen Ablesung beitragen, wenn Sie die genaue Ablesung wünschen , die Sie für diese Szene benötigen Natürlich ist James Cameron ein Experte darin, weil er es in Terminator und Titanic so geschafft hat, dass Sie sich nicht es in Terminator und Titanic so darüber beschweren werden, selbst wenn Sie ein Profi wären und feststellen, dass digitale Elemente mit echten Aufnahmen vermischt sind, Sie sich nicht darüber beschweren werden , weil alles so mächtig ist , dass Sie sich nicht zu sehr darauf konzentrieren werden visuelle Effekte Ich meine, ich versuche zu sagen, dass die beste Strategie, um einen speziellen und visuellen Effekt zu verbergen , darin besteht, eine gute Geschichte zu haben , wenn der Zuschauer während des gesamten Films verbunden ist. Also sollten sie natürlich nicht auf diese Details achten, es sei denn, sie sind wirklich schlecht. Aber im Allgemeinen handelt es sich, wie Sie bisher gesehen haben, um eine Mischung aus verschiedenen ablenkenden Faktoren und Elementen Was lässt die Spezial- und visuellen Effekte echt aussehen? Aber Sie fragen sich vielleicht, was Sie tun können, um auf digitale Technologie zuzugreifen , um die visuellen Effekte zu erzielen. Die Wahrheit ist natürlich, dass es bestimmte Arten von visuellen Effekten gibt , bei denen Sie keinen großen professionellen Experten benötigen, damit sie echt aussehen und gut genug für Ihre Geschichte aussehen. Die Schuss- und Bluteffekte , die Sie gesehen haben, wurden mit einer Bibliothek namens Action Essentials gemacht , die es schon seit einigen Jahren gibt , die es schon seit einigen Jahren Diese Bibliotheken sind nichts anderes als zuvor kurze Videos mit all diesen Elementen wie Funken, Explosionen, Blut, Staub usw. Und diese kleinen Videos werden mit einem grünen Bildschirm oder einem grünen Hintergrund aufgenommen mit einem grünen Bildschirm oder einem grünen Hintergrund Dann entfernen sie mit dem Chromakey-Prozess den Hintergrund Dann packen sie eine App zusammen, diese kleinen Videos als Produkt namens Action Idealerweise sollten Sie diese Videos selbst machen, aber das erfordert Geld. Wenn Sie nicht genug Geld haben, um es sich leisten zu können, diese visuellen Effekte von Grund auf neu zu erstellen, empfehle ich Ihnen natürlich es sich leisten zu können, diese visuellen Effekte von Grund auf neu zu erstellen, dringend, Action Essentials oder ein ähnliches Video zu kaufen Action Essentials oder , das Sie in der Reihe finden können. Denn der falsche Weg wäre, zu versuchen, das zu tun, was das Unternehmen getan hat, das die Action Essentials entworfen hat, aber nicht genug Geld dafür zu haben. Wenn du also umziehst , wird es so aussehen, als würdest du irgendwie versuchen, professionell auszusehen und scheitern. Das Wichtigste an diesem Wissen ist, erfolgreich zu sein, weil man sogar das ganze Geld der Welt hat. Denken Sie daran, dass, wenn Sie keine gute Geschichte haben, ein gutes Projektpublikum wahrscheinlich mehr mit den Spezialeffekten als mit den Charakteren verbunden ist mehr mit den Spezialeffekten als mit den Charakteren verbunden , und das ist absolut schädlich für das Filmprojekt Ich sehe dich in der nächsten Lektion. 20. Beenden der Kunst des Filmemachens: Nun, dieser Kurs zum Filmemachen hat dieses Ziel. Das Wichtigste ist , dass ich ihn irgendwann mit weiteren Lektionen aktualisieren werde , insbesondere was das Verständnis der Filmsprache betrifft das Verständnis der Filmsprache Ich glaube, dass dies unerlässlich ist, um bessere, bessere Filmemacher zu werden . Bessere Videofilmer setzen auch Wie ich Ihnen gesagt habe, konsumieren Sie hochwertige Kunst, entwickeln Sie Ihre eigene Sensibilität für bewegte Bilder und auch für die Klangdimension Nun, wenn dir dieser Kurs gefällt, kannst du mir eine Bewertung hinterlassen denn er wird mir sehr helfen, noch bessere Kurse als diesen zu erstellen . Bis zum nächsten Mal.