Filmproduktion mit Mikrobudget: Regie führen

1. EINFÜHRUNG: Hallo an alle. Dies ist meine Klasse für Mikrobudget-Filmregie, die Teil drei meiner Mikro-Budget-Filmemacher-Serie ist, die Sie durch den gesamten Prozess des Filmemachens von Anfang an bis zum Vertrieb führt. In dieser Klasse konzentriere ich mich hauptsächlich auf das, was ich als Regisseur am Set mache. Wenn Sie mehr über den Drehbuchprozess oder den Vorproduktionsprozess wissen wollen, dann würde ich Sie ermutigen, am Anfang der Klasse zu beginnen. So verstehen Sie die wichtigsten Schritte, die erforderlich sind, bevor Sie bereit sind, die Kamera einzuschalten und Aktion zu schreien. Es könnte Monate Arbeit erforderlich sein, um Sie für den Erfolg einzurichten. Und während Sie vielleicht die Waffe springen wollen und einfach anfangen zu schießen, ich garantiere Ihnen, dass Sie die Arbeit vorher einlegen wollen, damit Sie nicht am Anfang und unvorbereitet enden. Wenn Sie meine vorherigen Klassen gesehen haben, dann wissen Sie, ich hatte zu der Zeit erlebt, als ich ein Kind war und als Kinderschauspieler begann. Als Teenager fing ich an, meine eigenen Filme zu kreieren und sogar mit denen auf internationalen Filmfestivals zu konkurrieren. Als ich 18 Jahre alt war, wurde ich zu einem preisgekrönten Filmemacher. Meine jüngste Arbeit wurde auf BAFTA und vor Qualifying Filmfestivals gezeigt, sowie mein aktuelles Passionsstück, Samaritan als Semifinalist bei den Academy Awards qualifizierenden Flackern, Rhode Island International Film Festival . Ich führe auch eine Gemeinschaft von 1500 Indie-Filmemachern hier in London, wo ich lebe, es nennt sich Kino Kurzfilm. Und wir bieten eine Vielzahl von Vorführungen, Networking, Produktionsunterstützung und das People's Film Festival an. Weitere Informationen finden Sie auf Kino short film.com. Genug über mich. In dieser Klasse geht es um dich und deinen Film machen zu lassen. Da ich mich in dieser Serie auf das Mikro-Budget-Filmemachen konzentriere, ist es mein Ziel, dich dazu zu bringen, deinen Film unabhängig von deinen einzigartigen Einschränkungen zu machen. Viele Klassen versuchen, Sie dazu zu bringen, sich auf den richtigen Weg zu konzentrieren, um Dinge zu tun. Sie können Gewerkschaften Standards unterrichten, vorausgesetzt, dass Sie vollständig von einem Studio finanziert werden und mit einer großen Crew arbeiten in der jeder Mensch sich auf die Minutia ihrer besonderen Arbeit konzentrieren kann. Aber für die Zwecke dieser Klasse gehe ich davon aus, dass du mit nicht mehr als zehn Leuten arbeitest. Ich verstehe voll und ganz, dass einige von Ihnen vielleicht mit noch weniger arbeiten, aber keine Sorge, erstaunliche Filme wurden immer noch von nur einer Crew von wenigen Leuten gemacht. In dieser Klasse. Ich werde sehr kurz auf den Vorproduktionsprozess eingehen und mich dort aufheben, wo ich mit Teil zwei dieser Serie aufgehört habe. Aber meistens konzentriere ich mich auf meinen Prozess, arbeite mit Schauspielern, arbeite mit Crew, Tempo und Atmosphäre, während ich Tricks und Tipps für Mikro-Budget-Filmemacher und einige Kinematographie-Grundlagen im Auge behalten werde. Ich werde mich auch in meinen Analogien und Beispielen in dieser Klasse stark auf Kurzfilme konzentrieren. Und das ist nicht zu sagen, dass diese Prinzipien nicht für Spielfilme verwendet werden können, aber ich denke immer, es ist eine gute Idee, mit einem kurzen Film zu beginnen, wenn Sie keine Erfahrung haben, wird Ihre Füße nass zu oft Ich habe talentierte Leute gesehen , die nur drehen ihre Räder zu Beginn ihrer Karriere. Sie gehen zu Produzenten, sie gehen zu Agenten, sie gehen zu Distributoren, sie gehen zu Filmfestivals. Und wo immer sie hingehen, werden ihnen die Türen ins Gesicht zugeschlagen, weil sie weder das Portfolio noch die Erfahrung haben. Was ich leidenschaftlich bin, ist es, jeden zu ermächtigen, einen Film als eine Form des persönlichen Ausdrucks zu machen und ein Portfolio aufzubauen , damit Sie in der Branche Fortschritte machen können. Alles klar, bereit für den Einstieg. 2. Preproduction Grundlegende Dokumente: Im zweiten Teil meines Mikrobudget Filmschaffungskurses habe ich kreative Wege behandelt, um Finanzen zu erhöhen und wie Sie Ihr Drehbuch in eine Vielzahl von Verwaltungsdokumenten aufteilen können, die Ihnen helfen, Ihre Produktion vor Ihrem Beginn zu organisieren. Zu diesem Zeitpunkt gehe ich davon aus, dass Sie Ihren Schießzeitplan, Ihre Shortlist, Ihre Anrufblätter, Verträge und Seiten erstellt haben . Wenn Sie nicht wissen, was diese Dokumente sind oder ob Sie Ihre noch nicht vorbereitet haben. Und ich würde Sie ermutigen, diese Klasse aufzuhalten, zurück in die Vorproduktionsklasse zu gehen und so viel darüber anzufangen, ein Regisseur zu sein. Beginn ist über das Rollen mit den Schlägen wenn die Umstände des Tages werfen Sie einen Kurvenball, es wird ständig Veränderungen geworfen werden Ihren Weg. Es kann zu Wetteränderungen kommen, ein Schauspieler erscheint möglicherweise nicht. Sie müssen Notfallpläne ausdenken. Und in solchen Situationen werden Sie alle Ihre Enten in einer Reihe wollen, damit Sie bereit sind, auf einem Cent zu schwenken, was auch immer Ihr Produktionstag braucht. Da dies ein sehr reaktiver Prozess ist, wird es schwierig für mich sein, Ihnen Tipps zu einigen spezifischen Themen zu geben , die Sie individuell mit Ihren Produktionen haben könnten. Also, wenn Sie irgendwelche Fragen haben, bitte hinterlassen Sie einfach einen Kommentar unten und ich werde mein Bestes versuchen, Ihnen zu helfen. Oder Sie können einige Ratschläge von einigen anderen Personen innerhalb der Skill-Share-Community erhalten . Als Regisseur wird es Ihre Aufgabe sein, Ihre kühl zu halten , wenn die Dinge nicht nach Plan gehen. Und Sie können Ihre Vorproduktionsdokumente verwenden, um sie zu analysieren und alle notwendigen Anpassungen vorzunehmen , um sicherzustellen, dass Sie mit dem gesamten Material, das Sie benötigen, um Ihre Naht zusammenzuschneiden. Denken Sie daran, zwei Drittel eines Films, der perfekt gedreht wird, ist weniger wert als ein voller Film, der die ganze Geschichte erzählt, Das könnte einige raue Kanten haben. Eine Sache, die ich in meinem Vorproduktionskurs nicht abdeckte, war das Proben mit Schauspielern. Und obwohl das definitiv ein Stück der traditionellen Vorproduktion ist, denke ich, ich habe beschlossen, es nicht aufzunehmen, weil es ein Luxus , den viele Mikro-Budget-Filmemacher nicht haben. Wenn Sie mit einem sehr kleinen Budget arbeiten, haben Sie möglicherweise keine Probezeit und Sie müssen möglicherweise vor der Durchführung der Aufnahmen proben. Wenn Sie vor der Zeit proben können. Großartig. Aber für die Zwecke, dies zu beginnen, werde ich jetzt beginnen, Sie durch meinen Prozess der Arbeit mit Schauspielern beginnen zu sprechen. 3. Preproduction Casting: Sogar im kleinsten Budget von Produktionen, in denen Sie alle Hüte tragen, das Drehbuch, die Hälfte der Regie, die Kinematographie, den Sound. Selbst unter solchen Umständen gibt es normalerweise eine Sache, die Sie nicht vermeiden können, einen Willen brauchen, um Mitarbeiter zu finden, und das sind Ihre Schauspieler. Sicher, dass Sie in der Lage sein, Freunde und Familien zu finden. Manche haben vielleicht mehr Talent als andere. Aber wenn Sie ein begrenztes Budget für etwas ausgeben können, wären die Akteure eine meiner absoluten ersten Prioritäten. Erstaunliche Leistungen können den mittelmäßigen Film erhöhen und selbst der beeindruckendste technische Film wird flach auf sein Gesicht fallen. Wenn das Publikum nicht in Ihre Hauptfiguren investiert wird, müssen die Zuschauer ihren Unglauben aussetzen und davon überzeugt sein , dass sich die Szene, die Sie ihnen gezeigt haben, echt und authentisch anfühlt. Offensichtlich haben Sie unter Budgetbeschränkungen als Mikrobudgetfilmemacher als Mikrobudgetfilmemacherwahrscheinlich keinen Zugang zu professionellen Schauspielern der Spitzenklasse. Aber Sie wären überrascht, wie viele Arbeiterklasse, sehr, sehr talentierte Schauspieler da draußen sind, die bereit sind, mit kleineren Produktionen zu arbeiten, für die sie sich leidenschaftlich fühlen. Die Sache ist, dass Sie nur wissen müssen, wo Sie nach dieser Art von Talent suchen. Clubs, Theaterschulen und Gemeinschaftstheater sind ein großartiger Ort, um Schauspieler zu gewinnen. Sie sind in der Regel mit Menschen gefüllt, die ihr Handwerk sehr ernst nehmen. Auch Websites wie mandy.com oder sogar soziale Medien können großartige Ressourcen schaffen, um sich mit Talenten in Verbindung zu setzen. meinem jüngsten Kurzfilm war ich in der Lage, jemanden zu besetzen dessen vorherige Credits die Netflix-Serie die Krone beinhalten, indem ich ihn auf Twitter kontaktierte und ihn fragte, ob er daran interessiert wäre, die -Skript. auch nie Angst, groß zu träumen. Nun, ich sage nicht, dass du Tom Cruise dazu bringen wirst, in deinem nächsten Kurzfilm zu spielen. Aber was ich sage, ist, dass einige Akteure mit einem gewissen Grad an Credits, von denen Sie denken über Ihnen stehen oder vielleicht von ihnen eingeschüchtert sind und sie nicht zu sehen in Reichweite waren. Ich traf eine Schauspielerin während der Vernetzung. Sie hat Credits bei Amazon Prime und macht einige Originalinhalte für sie, Netflix Originalinhalte. Und vor kurzem hat sie herausgefunden, dass kleine Indie Produktionen nicht mehr für Gussteile an sie herangreifen. Sie verbringt einen großen Teil ihrer Zeit mit dem Vorsprechen. Und ja, du könntest ab und zu auf Big Gig kommen. Aber eine Menge Vorsprechen für Schauspieler, die Mehrheit von ihnen endet tatsächlich in Ablehnung. Die Schauspieler sind also sehr, sehr hungrig, um Onset zu bekommen. Die Hauptkriterien, nach denen sie suchen, wenn sie zu einem reduzierten Satz arbeiten , wird ein Gefällt ihnen das Projekt? Gefielen ihnen die Inhalte, für die Sie ihnen zur Verfügung stellen? Gefällt ihnen die Szene? Und sind Sie eine interessante Person, mit der Sie arbeiten können? Sehen sie Potenziale in Ihrer Karriere? Werden Sie sich vorwärts bewegen und vielleicht in die nächste große Sache, mit der sie eine frühe Beziehung bekommen wollen. Das sind also die Möglichkeiten, sie zu beeindrucken. Okay, also hier sind meine Takeaways. Arbeiten Sie mit Leuten, die Schauspieler sind. Es spielt keine Rolle, wie viel Hollywood bereit ist, diese Leute zu bezahlen. Es ist wichtig, wie ernst sie ihr Handwerk nehmen. Selbst wenn Sie wenig oder kein Geld haben, erreichen Sie Akteure unabhängig zu etablieren, die Antwort ist immer nein. Wenn Sie nie fragen, nähern Sie Talent mit Zuversicht und selbst wenn Sie ihnen anbieten ist nicht würdig ihrer Position und Talent, Sie könnten nur überrascht sein, wer Sie bekommen, um Ja zu sagen. 4. Arbeiten mit Schauspieler:innen: Vorräte: Nun ist das Vorsprechen definitiv Teil des Vorproduktionsprozesses. In der Tat bin ich irgendwie ein bisschen zu treten, weil ich es nicht in meiner Vorproduktionsklasse abdeckte. Aber egal, ich werde es jetzt abdecken, da wir auf dem Thema Schauspieler sind. Das Vorsprechen gibt es schon lange. Und als jemand zu sprechen, der auf beiden Seiten dieser Erfahrung saß. Es ist natürlich kein sehr lustiger Prozess mit größeren Produktionen. So zum Beispiel Spielfilme, in denen Sie andere Produzenten beteiligt haben. Also werden Sie ihre Meinungen wollen oder Sie haben Investoren, die Sie unter diesen Umständen beeindrucken möchten, werden Sie auf jeden Fall ein Vorsprechen halten wollen. Aber für eine Produktion von Mikrobudget, fühlen Sie sich nicht dazu gezwungen, Vorsprechen abzuhalten nur weil es der Industriestandard ist, dies zu tun. bedeutet nicht, dass es keine Dinge gibt, die Sie versichern müssen, dass sie innerhalb Ihrer Schauspieler-Fähigkeit sind , bevor Sie sie einstellen. Wissen Sie, ich sage nur, dass Sie Zeit sparen können und Geld sparen können, indem Sie das Vorsprechen vermeiden. Und es gibt eine einzigartige Reihe von Dynamiken, die das Vorsprechen schwierig oder unmöglich für einige Mikro-Budget-Filmemacher machen können . Zum Beispiel, wenn Sie sich einem arbeitenden Schauspieler nähern, der Ihrer Produktion als Gefallen beitritt , indem Sie einen reduzierten Satz oder kostenlos tun , weil sie wirklich einen Glauben an Sie und Ihr Projekt haben, dann wollen Sie es so einfach machen wie möglich, damit sie ja zu Ihnen sagen. Sogar beim ersten, um sie zu erreichen. Wenn du zu ihrem Ego spielst und ihnen die Rolle gibst, dass, hey, ich denke, du wirst perfekt in dieser Rolle sein, die Rollen deiner, wenn du es willst, dann kann diese Schmeichelei einen langen Weg gehen. In solchen Fällen ist es einfach, einen Raum zu mieten, in dem ein Vorsprechen gehalten wird, aus Ihrem Budgetposten zu schneiden. Wenn Sie begrenzte Finanzen haben, auch, Vorsprechen sind nicht immer der beste Weg, jemandes Talent zu beurteilen. Das Vorsprechen kann sehr, sehr einschüchternd sein und oft machen Schauspieler nicht wirklich ihre beste Arbeit im Vorsingen. Ich fand, dass der beste Weg, um ein genaueres Bild von der Fähigkeit des Schauspielers zu bekommen , ist die Betrachtung seiner früheren Arbeit. Die meisten Schauspieler werden Demo-Rollen haben, die eine Reihe von kurzen Clips enthalten , um ihre Reichweite als Schauspieler hervorzuheben. Das sind großartige Einblicke in ihr Talent. Schauen Sie sich auch ihre Websites und alle anderen Portfoliostücke an, die sie haben könnten. Ein wesentlicher Punkt für mich ist, dass es nicht immer um die Fähigkeit des Schauspielers geht und mit wem ich arbeite. Manchmal geht es mehr um die Arbeitsbeziehung zwischen euch beiden und darum, wie gut ihr miteinander auskommt. Anstatt eine Machtdynamik eines Vorsprechens, das ein Vorstellungsgespräch ist, sind Sie der Arbeitgeber dort, der Angestellte, wenn es begrenztes Geld gibt, werden sie nicht diesen Anreiz haben, sich zu leisten. Du willst also wirklich mit jemandem arbeiten, der wirklich leidenschaftlich für deinen Film und deine Ideen ist. Und der beste Weg, dies zu tun, ist, in ein Zimmer mit einer Person zu bekommen, ihm eine Tasse Kaffee zu kaufen und ihre Gedanken über das Projekt zu fragen und zu sehen, wie leidenschaftlich sie sich in Ihrem Passionsprojekt engagieren. Seien Sie auch vorsichtig, wenn Sie mit einem Schauspieler sprechen. Tu nicht zu viel von dem Reden. Hören Sie mehr zu, stellen Sie ihnen interessante Fragen über den Charakter, über den Film, und dann bekommen ihre Reaktionen daraus. Sie zuhören, werden Sie in der Lage sein zu verstehen, wie sehr sie Ihr Projekt verstehen und welche Richtung sie wahrscheinlich ihre Leistung nehmen wollen. Beurteilen Sie das. Und wenn es für dich funktioniert, dann hast du deinen Schauspieler angeheuert, ohne ein Vorsprechen zu haben. Betrachten der vorherigen Arbeit eines Schauspielers gibt Ihnen eine bessere Vorstellung von ihrer Fähigkeit als ein Vorsprechen. Wenn Sie treffen, ermöglichen Sie dem Schauspieler, ihre Gedanken zu teilen, um sicherzustellen, dass Sie auf der gleichen Seite sind. 5. Mit Schauspieler:innen: Proben arbeiten: Je mehr Zeit Sie haben, um über die Leistung zu sprechen und zu proben, desto besser wird die Leistung sein. Obwohl in einigen mildernden Umständen, eine unerprobte erste Take tatsächlich authentischer und natürlicher obere Leistung sein kann , dann nach dem Nehmen, wo die Wiederholung davon irgendwie das Leben aus der Aufführung in eine Mikro-Budget-Produktion, wo Sie ziehen einige Gefälligkeiten und fragen nach Senkung der Preise, Proben vor der Zeit, es könnte ein Luxus, den Sie sich nicht leisten können. Aber egal, es gibt keine Möglichkeit, dass du jemals in der Lage sein wirst , diesen Probenprozess loszuwerden , selbst wenn es passiert beginnt ein paar Minuten, bevor du Aktion schreien. Das ist also mein Prozess, wenn es um die Arbeit mit Schauspielern geht. Ich denke, was ich zu sagen versuche, ist, was wenn, wenn ich eine Gelegenheit gab, jemanden zu treffen, um mir ein Biegeleben für den Tod zu bringen, wissen Sie, in einer idealen Welt, sollten Sie mit einer Tabelle beginnen, die innerhalb weniger Wochen gelesen wurde , bevor Sie planen, in der Produktion zu sein. Bringen Sie alle zusammen und lesen Sie einfach die Skripte, die den Schauspielern keine Richtung geben. Lehnen Sie sich einfach zurück und sehen Sie, was sie tun. Lassen Sie sich die Schauspieler mit dem Material wohl machen und sich bequem zueinander machen. Nach dem Durchlesen ist es jetzt an der Zeit, die Szene auf die Beine zu bringen, anstatt den Schauspielern etwas zu blockieren und ihnen zu sagen, wann und wo sie sich bewegen sollen. Ich lasse sie oft einfach die Szene für sich selbst spüren. Ich sehe zuerst, welche einzigartigen Ideen sie den Charakteren bringen, ihren natürlichen Instinkt mit Blockierung. Und dann verwende ich all diese Dinge und zwecke sie, bis es in einer Position ist, in der die Performance fertig ist. Es ist mehr wie das Gestalten und Formen der Performance als das Diktieren der Performance. Dies ist eine großartige Methode, weil es Akteure das Gefühl gibt, sie hätten die Kontrolle über ihre eigenen Performances, was sie emotionaler in Ihr Projekt investiert. Sie sollten in der Tatsache schwelgen, dass ein Schauspieler etwas auf den Tisch bringt über das , was Sie in Ihrer Vision gesehen sind wirklich gut ausgebildete Schauspieler erreicht tief in ihrer Erfahrung zu ziehen einige emotionale Lektüre einer Linie, die fühlt sehr authentisch zu ihnen. Und während diese Lektüre vielleicht nicht so klingt, wie Sie es in Ihrem Kopf vorgestellt haben, fordere ich Sie auf, immer Ihre Absicht in Frage zu stellen, zu sehen, ob die Richtung, die der Schauspieler zieht. Es ist eine interessante Richtung zu gehen. Sag nicht immer, es muss mein Weg sein. So habe ich es gehört. Gehen Sie auf dieses Wort, enden Sie mit diesem Wort. Sie werden eine sehr, sehr robotische, unnatürliche Leistung haben, wenn Sie auf diese Weise lenken. Einige der erfolglosesten Auftritte, die ich je gesehen habe , haben sich immer auf die Mikroverwaltung dieses Schauspielers, um zu versuchen, sie dazu zu bringen, etwas speziell technisch zu tun , das Sie wollen, dass sie tun. Sie sagen ihnen, eine bestimmte Art und Weise zu sitzen, und was ihr Kopf auf diese Weise und Kauket wie diese. Es ist das Äquivalent zu einem ungeschickten Problemfoto. Ich glaube, es ist Alfred Hitchcock, der berühmt ist für die Bezugnahme auf Schauspieler als Kapital und wird massiv leben respektieren seinen Beitrag zum Kino. Ich konnte nicht mehr widersprechen. Eines meiner Lieblingszitate stammt von Paul Schroeder. Und wenn Sie meinen Drehbuchkurs gesehen haben, sollte das vertraut klingen. Es ist wahr, sobald du angefangen hast, Menschen in der Schöpfung, deinem Film zu entwickeln, zu leben , zu atmen , wird es ein eigenes Leben annehmen. Schauspieler sind nicht nur Fleischstücke, um Materie zu schützen oder zu manipulieren. Okay, ich würde mir eine Minute Zeit nehmen, um über die Verwendung von Manipulation als Werkzeug zu sprechen , um eine bestimmte Leistung von einem Schauspieler zu bekommen. Einige der berühmtesten Regisseure in der Vergangenheit haben Manipulation verwendet. Vielleicht war das Leistungsniveau nicht dem Standard gerecht, den es hätte sein sollen. Anstatt die Probleme mit dem Schauspieler oder dem Regisseur durchzuarbeiten, beschließt also , den Schauspieler in eine psychologische Kompromisssituation zu versetzen , um den Schauspieler zu manipulieren, um eine bestimmte Art und Weise zu reagieren. Oder vielleicht haben sie dem Schauspieler nie einmal die Möglichkeit gegeben, eine großartige Leistung zu liefern, bevor sie ein Gedankenspiel mit ihnen spielen, weil sie den Schauspieler in diesen Headspace bringen wollten, von dem sie dachten, dass sie etwas liefern würden, das authentischer war. Zum Beispiel, einige der bekannteren sind, wie Oliver Stones begann sich wie ein Bohren Sergeant auf der Reihe von Zug zu benehmen, um seinen Schauspielern die authentischere militärische Erfahrung zu geben oder wie Stanley Kubrick Shelley Duvall am Set missbraucht des Glänzenden. Seit Chile spielte devolve eine zerschlagene Frau und er wollte, dass ihre Leistung eher viszeral und real erscheint. Aber für mich wäre derjenige, der den Kuchen absolut als das Schlimmste nimmt , der letzte Tango in Paris. Bernardo Bertolucci, der Regisseur, erzählte der Schauspielerin Maria Schneider nicht, dass es eine Vergewaltigungsszene geben würde. Also bekam er ihren Anfang und alles, was sie wusste , war, dass Marlon Brando plötzlich aus dem Drehbuch ging und sie angreift. Denn er wollte, dass sich ihre Reaktion echt anfühlt. Nun, offensichtlich, das ist ein extrem unethisches berufliches Verhalten zu der Zeit haben, es war aus künstlerischen Gründen gerechtfertigt. Aber ich mache immer das Argument, dass das psychologische Wohlergehen Ihrer Schauspieler immer wichtiger ist. Und wenn Sie wirklich, wirklich tolle Schauspieler einstellen, können sie erstaunliche Auftritte liefern, ohne sie manipulieren zu müssen. Stellen Sie Leute ein, die wirklich gut darin sind, was sie tun, und lassen Sie sie ihre Leistung leiten. Als Regisseur ist es deine Aufgabe, diese Leistung zu lenken und diese Anpassungen am Set vorzunehmen. Du machst also immer die natürlichste Leistung, aber du willst kein Diktator sein. Ich kann Ihnen nicht sagen, wie oft ein Schauspieler mir eine Performance liefern ließ , die sich sehr von der Art, wie ich auf der Seite geschrieben sah. Ich hätte Diktator sein können und sagen können, nein, du musst es auf meine Weise machen. Aber die psychologische Sache dabei, dann bittet ihr sie, gegen ihre natürlichen Instinkte zu gehen. Und das ist, wo man wirklich in das Territorium einer Aufführung gelangt. Fangen an, sich gefälscht zu fühlen. Beginn zu sein ist ein Prozess der Schöpfung, aber es ist auch ein Prozess des Loslassens? Ja. Als Regisseur sind Sie dafür verantwortlich, die Qualität der Leistung zu gewährleisten. Und wenn die Leistung nicht auf dem Niveau ist, sollten Sie immer sprechen. Aber wenn ein Schauspieler Ihnen eine andere Version präsentiert als erwartet, dann fordere ich Sie heraus, sich der Möglichkeit zu öffnen , sie durch ihre Augen zu sehen. Oft liefert der Prozess der Zusammenarbeit etwas unendlich Interessanteres. Dann die Einstellung eines Schauspielers zu B0 Roboter Leben in Ihr Storyboard bringen. In ähnlicher Weise würde ich Sie als Drehbuchautor ermutigen, die Worte, die Sie auf der Seite geschrieben haben, loszulassen. Ja. Sie möchten sicherstellen, dass der Schauspieler auf der Spur bleibt und sie das Skript nicht mit einer Reihe von unnötigen Wörtern klopfen , die Ihr Tempo später in der Zeile beeinflussen wird . Ihr Ziel als Regisseur ist es jedoch, die authentischste Performance zu erhalten. Also, wenn Worte geändert werden müssen, damit diese Leistung authentischer ist, und Sie sollten sicherlich offen sein, dies zu tun. Und befehlen Sie nicht, dass jedes Wort, das Sie geschrieben haben, genau so gelesen wird, wie Sie es geschrieben haben. Das Publikum wird kein Drehbuch zum Film Vergleich machen. Also gut, Tarantino ist absolut berühmt dafür, ein Tyrann zu sein , wenn es darum geht, sicherzustellen, dass die Schauspieler sich an seinen Dialog halten, den er schrieb. Und ich denke, viele Indie-Filmemacher, die sein Talent vergöttert haben das gleiche Ethos aufgegriffen und die gleiche Kostbarkeit in ihre eigenen Drehbücher gebracht . Selbst angesichts eines Schauspielers, der darum kämpft, diesen Dialog zum Leben zu erwecken, verdoppeln sie sich und sagen Nein, man muss es auf meine Weise tun. Der Punkt, den ich versuche zu machen, ist, was Priorität hat ist immer das, was funktioniert, um eine natürliche Leistung zu liefern. Sei weniger wertvoll. Beginnen Sie mit einem Tisch zu lesen, dann bekommen Sie die Szene auf die Füße. Umleiten. Die natürliche Leistung ist, dass Ihre Schauspieler geben Sie gegen Diktieren Richtung? Befragen Sie Ihre Vision, wenn Sie mit inspirierten Widersprüchen von vertrauenswürdigen Mitarbeitern präsentiert und seien Sie weniger wertvoll. 6. Tools für die Arbeit mit Schauspieler: Menschen, die schreckliche Dinge tun, um ihr Leben zu bewahren, können nicht vergeben werden. Irgendwie Gott vergib alles und jedem für alles, was sie tun, egal wie Craven jetzt, feige. Basiert. Zunächst einmal ist es wichtig, den Hintergrund eines Schauspielers zu verstehen , in dem er als Methodenakteur trainiert wurde. Haben sie eine Menge Gemeinschaftstheater gemacht? Sind sie stärker in Modellierung und kommerzielle Arbeit involviert? All diese Dinge beeinflussen tatsächlich, wie Sie mit ihnen kommunizieren und welche Art von Arbeit sie gewohnt sind. Lernen Sie auch über Ihre Schauspieler Geschmack kennen. Was sind ihre Lieblingsfilme? Was ist, wer waren einige ihrer Lieblingsdarsteller? Dies sind alles kleine Informationen, die Sie verwenden können, um Referenzen zu erstellen , um ihnen kreative Ideen leichter zu vermitteln. Sagen Sie, wenn zum Beispiel eine wirklich, wirklich Liebe und Respekt für die Arbeit von Kate Winslet. Und weißt du, in deinen Referenzen, dass du den Film gesehen hast, und es gibt eine ähnliche Performance, die Kate Winslet in ihrer Filmgeographie gegeben hat. Sie können diese Szenen verwenden, um Art von Highlight und illustriert ähnliche Ideen. Dies ist wichtig, weil das Mikro-Budget-Filmemachen so schnell wie möglich gemacht wird , dass Sie den einfachsten Weg finden möchten , um so schnell wie möglich zu einer Performance zu gelangen. Und als Nebenanmerkung ist dies auch eine Strategie, die nicht nur für Akteure funktioniert, die mit jedem einzelnen Mitarbeiter arbeitet, den Sie haben. Zum Beispiel, wenn Sie mit Ihrem Kameramann arbeiten und Sie wissen, dass Sie eine Aufnahme wollen, die sehr Wes Anderson ist. Und die andere Person ist mit der Arbeit von Wes Anderson vertraut. Wie ich mir vorstellen würde, sind die meisten Kameramann. Es gibt eine gewisse Ästhetik, die sie verstehen werden, dass du hinter dir her sein wirst. Also komme ich aus einem Theaterhintergrund. Ich begann im Alter von fünf Jahren zu spielen und war in wahrscheinlich über 30 Bühnenproduktionen in meinem Leben. Ich habe etwas im Film gespielt, aber vor allem war ich daran interessiert, was hinter der Kamera passiert , anstatt Filmschauspieler zu werden. Jetzt sind Bühnenschauspiel und Filmschauspiel zwei sehr unterschiedliche Dinge. Aber es gibt einige Dinge, die ich während meiner Zeit als Bühnenschauspieler gelernt habe , die mir helfen, mit Schauspielern zu kommunizieren, wenn ich am Film arbeite. Typischerweise ist ein Theaterschauspieler daran gewöhnt, auf der Bühne zu überagieren Sie müssen einige Emotionen von der ersten Reihe bis zur Rückseite des Hauses ausdrücken, was bedeutet, dass sie große breite Gesten und eine sehr laute Stimme verwenden. Aber auf dem Film ist alles viel enger. Manchmal ist die Kamera sehr, sehr hautnah und der Schauspieler kann einfach dort sitzen und mit einer sehr subtilen Bewegung, können Sie verstehen und emotionale Beugung, dass, wenn Sie es mehr tun, würde es als erscheinen sehr, sehr gefälscht . Also, wenn ich es mit vielen Bühnenschauspielern zu tun habe, werde ich ihnen normalerweise fast ein Barometer geben , wo ich will, dass ihre Performance sein wird. Und es ist immer abgewandt, wenn sie mir etwas liefern, es ist übertrieben. Es hat sich wie eine Zehn gehandelt und ich bin wie, OK, der Instinkt hatte wahrscheinlich Recht, die Emotion war wahrscheinlich richtig, aber es schien nicht echt genug zu sein. Also lasst uns das benutzen und dann schalten wir es Downloads um, wählen es zurück auf eine Sieben oder Sechs. Diese Wahl von Performances als tatsächlich ein, ein weiteres sehr hilfreiches Ich bin Kommunikationstool, das Sie bei der Arbeit mit Schauspielern haben. Deswegen betone ich auf dieser Linie. Wissen Sie, genau, geben Sie immer Richtung mit einem positiven Spin. Du willst nicht in die Akteure in der Sicherheit einsteigen. Wenn sie etwas tun, das nicht funktioniert, sagen Sie etwas mehr wie, hey, lassen Sie es uns einfach so ausprobieren und sehen, ob das funktioniert. Und machen Sie diese winzigen Anpassungen, um dorthin zu gelangen, wo Sie hingehen müssen, anstatt Ihrem Schauspieler das Gefühl zu geben, dass er nicht liefern kann, was Sie von ihnen verlangen. Das ist der sichere Weg, um eine Bombe vollständig in die Leistung zu bringen und jeder Take wird immer schlimmer. Ich verspreche dir, Schauspieler wollen nur die Gewissheit von Ann draußen, dass sie vertrauen, und das ist deine Rolle als Regisseur. Sie bewerten ständig ihre Leistung von innen nach außen. So wie sich die Performance anfühlt, so dass sie vielleicht nicht so in Kontakt mit, wie sie von anderen Menschen wahrgenommen wird. Du, der Regisseur schaut von außen hinein, und es ist die Art magische Kombination dieser beiden Dinge, die emotionale Erfahrung, die der Schauspieler mitbringt, und die objektive Erfahrung, die der Regisseur sieht. Du heiratest die beiden zusammen. Und dann passiert hier wirklich die Magie. Und wie Sie wahrscheinlich sagen können, liebe ich den Prozess der Arbeit mit Schauspielern und ich sollte wahrscheinlich eine ganze Klasse machen , um nur mit Schauspielern zu arbeiten, wenn meine Micro Budget Serie fertig ist. Also, jetzt werde ich aufhören, über die Arbeit mit Schauspielern zu sprechen. Ich werde zu den anderen Aspekten der Regie übergehen, weil es ein sehr facettenreicher Job ist, bei dem man an viele verschiedene bewegliche Teile denken muss . Nicht nur Schauspieler, auch wenn sie eine der wichtigsten beweglichen Teile sind. Lernen Sie Ihre Schauspieler Hintergrund kennen, lernen Sie Ihre Mitarbeiter, Geschmack und Filme kennen. Nutzen Sie die Beispiele, die sie Ihnen geben, als Werkzeug, um Ihre Ideen in einem Kontext zu vermitteln, den sie bereits verstehen und respektieren und immer Vertrauen in Ihre Akteure aufbauen. 7. Mit Crew arbeiten: Als Mikro-Budget-Filmemacher sind Sie vielleicht versucht, Ihren Film alleine zu drehen, anstatt mit einer Crew zu arbeiten. Nun, ich habe mein eigenes Director-Portfolio aufgebaut und meine eigenen Mikrobudget-Inhalte erstellt. Ich habe auch auf vielen anderen Filmsets gewesen. Ich habe gehandelt und Filme, ich habe Filme für andere Regisseure produziert. Ich war der Kameramann auf ein paar Kurzfilmen, war der Regieassistent auf einem Musikvideo. Und ich war sogar Produktionsassistent und Läufer bei größeren Produktionen, nur damit ich bei Leuten in der Branche sein konnte , die mehr Erfahrung hatten als ich. Ich ermutige jeden, der zusieht, so viel Erfahrung zu sammeln, wie sie beginnen können, auch wenn es nicht in der Eigenschaft als Regisseur ist, wenn Sie anfangen, andere verschiedene Besatzungspositionen zu fühlen, die Menge an Wissen, die Sie in der Lage zu bekommen wird Ihnen nur helfen, wenn es Zeit ist, Ihren eigenen Film zu lenken. Und Sie müssen mit anderen kommunizieren, die in den Positionen sind, die Sie einmal gehalten haben. Bei meiner eigenen Mikro-Budget-Produktionen musste ich oft die Rollen erfüllen, als ich mein eigener Regieassistent bin, als meine eigenen Kameramann, Drehbuchbetreuer, Produzent, Redakteur und vieles mehr. Ich bin fest davon überzeugt, dass Sie alles tun müssen, um Ihr Projekt zu realisieren, und das Fehlen einer Crew sollte Sie nicht zurückhalten. Aber du musst irgendwo anfangen. Ich bin fest davon überzeugt, dass das Lernen durch Praxis perfekt macht, aber wenn ich selbst Filme mache , habe ich wirklich meine eigenen Schwächen gelernt. Und ich glaube wirklich, dass Filme besser gemacht werden, wenn der Prozess kollaborativ ist. Wenn du deinen eigenen Film selbst finanzierst, hast du vielleicht das Gefühl, dass du dir keine Crew leisten kannst. Und wenn Sie sich die Abspann ansehen, einen Hollywood-Film machen, haben Sie Recht, Sie werden sich keine so große Crew leisten können. Dennoch müssen Sie wissen, was all diese Positionen sind weil Sie und Ihre Crew, die Sie haben, Überstunden machen, um all diese Aufgaben zu erfüllen, um sicherzustellen, dass der Film, den Sie machen, so von hoher Qualität wie möglich ist. Persönlich denke ich, dass die bloße minimale Besatzung , die Sie brauchen, um einen guten Film zu machen, drei Personen sind. Verwenden Sie den Regisseur, Kameramann und einen Tonrekorder. Ich kenne einige Leute, die tolle Filme mit noch weniger gemacht haben, vielleicht eine Crew von zwei Leuten vielleicht alleine. Aber ich weiß aus meiner Erfahrung, dass ich das Gefühl habe, die besten Ergebnisse zu erzielen wenn ich wenigstens mit zwei anderen Mitarbeitern hinter den Kulissen arbeite. Mein Rezept für eine Drei-Mann-Crew ist wie folgt. Ihre Rolle als Regisseur besteht darin, mit Schauspielern zu arbeiten, Kamerawinkel zu entwickeln und dem DOP mitzuteilen, wo der Endpunkt der Kamera platziert werden soll. Achten Sie auf Kontinuität. Konzentrieren Sie sich auf die Produktion Design, Kostüm, Haare und Make-up. Legen Sie das Tempo des Tages fest, um sicherzustellen, dass Sie im Zeitplan sind. Ich werde später mehr darüber reden. Ich verstehe, dass alle Stärken und Schwächen völlig unterschiedlich sind. Und es ist Ihre Aufgabe, ehrlich zu sich selbst zu sein und sich zu fragen, welche Positionen ich realistisch an meine Aufgaben des Direktors anknüpfen kann und welche bin ich nicht? Die Rolle der Kameramann ist es, Ihre Richtung zu folgen und die Aufnahme einzurichten. Sie stellen sich vor. Sie sagen ihnen, wo sie die Kamera aufstellen sollen, und dann lassen Sie sie das Stativ aufstellen, die Lichter einrichten, und cetera. Es ist besonders wichtig, diesen Job zu delegieren, wenn Sie Zeit haben müssen , um mit Ihren Schauspielern auf einem großen Set zu proben. Ein Kameramann würde mit einem Assistenten, einem Gaffe arbeiten oder mit Lichtern helfen. Gaffer haben in der Regel Hilfe als die besten Jungen oder Funken genannt. Einige DOPS bedienen die Kamera nicht einmal. Sie arbeiteten mit einem Kameramann. Die Kameraabteilung eines großen Films könnte riesig sein. Offensichtlich auf den engsten Mikro-Budget-Produktionen, dem Kameramann, werden wir all diese Rollen besetzen. Die Rolle der Klangperson ist einfach, aber im Wesentlichen ist es, den ganzen Sound für die Szene aufzunehmen. Und das beinhaltet die Verwendung eines Boom-Mikrofons und liebte Mike's, um Schauspieler zu befestigen. Und ich werde in einem späteren Teil dieser Klasse näher auf einige Geräusche eingehen. Eine Crew zu finden ist sehr ähnlich wie die Suche nach Akteuren online in sozialen Medien oder auf Websites, die speziell entwickelt wurden, um Ihnen bei der Suche nach Crew wie mandy.com zu helfen. Und dort können Sie ihre Realitäten in ihrem Portfolio überprüfen, um ihre Fähigkeit zu beurteilen. Sobald Sie an bestimmten Personen interessiert sind, treffen Sie sie persönlich und sehen, ob sie die Art von Person sind, mit der Sie auskommen können. Oftmals arbeiten DOPS und andere Besatzungsmitglieder sind überlastet mit der Arbeit an Corporate Gigs und kommerzieller Arbeit. Und wenn Sie ihnen also eine Erzählgeschichte mitbringen, an der Sie sie bitten, zu arbeiten, das vielleicht mehr interessiert, nur weil es mehr Spaß macht, an der Arbeit zu arbeiten oder weil sie ihr Portfolio diversifizieren wollten. Im Gegensatz zu Schauspielern meiner Erfahrung nach sind sehr gute Besatzungsmitglieder jedoch viel weniger wahrscheinlich, dass sie kostenlos oder zu einem reduzierten Tarif arbeiten. Dies liegt daran, dass sie oft mit einem eigenen Arsenal an Ausrüstung kommen , das für sie sehr teuer war zu kaufen. Sie müssen also die zahlenden Gigs priorisieren, um ihre eigenen Rechnungen bezahlen zu können. Und du musst das respektieren, da du Ausrüstung brauchst, um einen Film zu machen, Einstellung anfallen, die ihr eigenes Kit besitzt. Das macht nur Sinn. Sie würden das Geld sowieso ausgeben, entweder für die Miete oder den Kauf der Ausrüstung. So können Sie auch die Leute einstellen, die wissen, wie man das Beste aus dieser Ausrüstung herausholen kann. Es wird definitiv billiger sein als der Kauf der Ausrüstung. Und oft wird es der gleiche Preis sein, als ob Sie nur gearbeitet , um den Kopf Whitman zu mieten. Nehmen Sie weg. Als bloßes Minimum, arbeiten Sie mit einer Drei-Mann-Crew. Regisseur, Kameramann, Tonrekorder. 8. Terminologie für die Arbeit mit Kameracrew: Vertrauen in eine andere Person zu haben, um die technischen Aspekte der Handhabung einer Kamera zu behandeln , ist eine vollständige Last off während des Einsatzes. Ein toller DOP nimmt Ihre Vision auf und konzentriert sich auf alle kleinen Details, um sicherzustellen, dass Ihr Film professionell aussieht. Sie werden sich auf Beleuchtung, Framing, Bildraten, Belichtungen, Objektivauswahl konzentrieren Framing, Bildraten, Belichtungen, , die wahrscheinlich sehr eigensinnig sein, auf welcher Kamera sie schießen wollen. Und das wollen in das endgültige Aussehen des Films mit Farbkorrektur einbezogen werden. Sobald du in der Postproduktion bist. Um nicht zu sagen, dass Sie all diese technischen Aspekte des Filmemachens nicht verstehen müssen. Aber mit meinem Regiestil habe ich immer herausgefunden, dass es mein Job ist, eine breitere Vision gegenüber Mikromanagement-Minutien zu bringen . Wenn Sie ein erfahrener DO sind, werden die nächsten paar Dinge, die ich lehren werde zweifellos sehr, sehr grundlegend erscheinen. Dies ist also eher auf Mikro-Budget-Regisseure ausgerichtet, die entweder zum ersten Mal selbst schießen oder zum ersten Mal mit einem DOP arbeiten. Beginnen wir mit der Definition dieser Aspekte. Ich habe gerade erwähnt. Objektiv-Auswahl. Das Objektiv ist das Glasstück, das das Licht in die Kamera einlässt. Es ist das Kamera-Fenster, so dass es die Szene sehen und erfassen kann , die Sie vor ihm ausführen. Verschiedene Objektive haben unterschiedliche Brennweiten. Ein Weitwinkelobjektiv ist im Wesentlichen ein breiteres Fenster, um mehr von der Szene zu erfassen. Und ein Teleobjektiv ist im Wesentlichen ein kleines Fenster, das eine Aufnahme wie eine Nahaufnahme aussehen lässt, auch wenn die Kamera weit weg ist. Alle Linsen haben eine Anzahl von Millimetern an ihnen befestigt. Je niedriger die Zahl, desto breiter die Linse. Einrahmung. Ein Rahmen ist die Ecken Ihrer Kameras. Fenster. Framing ist die Platzierung und Position von Motiven in Ihren Aufnahmen. Aufnahmen geht es um Komposition, ähnlich wie bei einem Gemälde, anstatt die Kamera auf das Motiv zu zeigen und nur zu sehen, was passiert. Sie müssen einen Plan haben und einen Schuss auf ästhetisch interessante Art und Weise komponieren. Bildrate Film wurde von einer Reihe von Standbildern erstellt , die schnell abgespielt werden, um die Illusion von Bewegung zu geben. Eine Bildrate gibt an, wie viele dieser Standbilder pro Sekunde aufgenommen werden. Belichtung. Bei Film geht es darum, Licht durch das Fenster Ihres Kameraobjektivs einzudringen. Die Belichtung bezieht sich auf die Lichtmenge, die Sie einlassen. Wenn das Kameraobjektiv ein Auge ist, wäre die Belichtung so breit, wie die KI die Beleuchtung öffnet. Das ist genau das, wonach es klingt. Es kann natürliches Licht von der Sonne beinhalten, wenn Sie draußen schießen, es kann Gleichgewicht enthalten, die kein Licht ist, sondern ein Gerät, um Licht von der Sonne umzuleiten. Und natürlich gibt es ein Medley aus verschiedenen elektrischen Lichtern und farbigen Gelen. Farbverschneidung. Wenn der Film fertig ist, wird er in der Postproduktion farbig abgestuft. Hier kann man wirklich einen bestimmten filmischen Look auf den Film setzen. Es gibt viele, viele, viele andere Dinge, die Sie über die technischen Aspekte der Arbeit mit einer Kamera lernen können . Aber vorerst werde ich dich nur mit diesen Grundlagen überlassen. 9. Auswahl für Kamera und Objektiv: Das erste, worüber ich mit dir reden werde, ist die Bildrate. Traditioneller Film wurde als 24 Standbilder aufgenommen , die innerhalb einer Sekunde gespielt wurden, um die Illusion von Bewegung zu geben. Die 24 Bilder pro Sekunde Ästhetik ist eine, die so stark in der Kinogeschichte verwurzelt ist , dass, wenn Sie etwas anderes verwenden, es wahrscheinlich entweder wie eine Amateurproduktion oder eine Seifenoper mit Verbrauchern begann, Heimvideokameras zu kaufen, hatte eine Bildrate von 30 Frames pro Sekunde. Und so fühlte sich die Ästhetik sehr, ganz anders an als einen Film zu sehen. Heute. So ziemlich jede Kamera, mit der Sie arbeiten, wird mindestens diese beiden Optionen haben, 2430. Selbst wenn Sie an so etwas wie einem iPhone arbeiten, werden sie diese beiden Optionen haben. Stellen Sie immer sicher, dass Sie mit 24 Bildern pro Sekunde fotografieren um sicherzustellen, dass Sie den filmischen Look erzielen. Natürlich gibt es immer Ausnahmen von der Regel und unsichere High-End-Kameras, die Sie vielleicht mit einer anderen Bildrate aufnehmen möchten, solange sie dann in der Postproduktion auf 24 Bilder pro Sekunde übertragen werden kann, wenn Ihr Ziel ist, verkaufen Sie Ihren Film von einigen internationalen Märkten, erfordern eine andere Bildrate als 24 Frames pro Sekunde. Daher kann Ihr Kameramann Ihnen raten, mit einer anderen Bildrate zu fotografieren. Wenn das der Fall ist, vergewissern Sie sich, dass Sie dieses Gespräch mit Ihrem Kameramann führen. Am Ende des Tages haben Sie mindestens eine Version des Films, die am meisten filmisch zu Ihrer Vision passt. Lassen Sie uns nun kurz über die Auswahl der Kamera sprechen. Sie können alles von einem iPhone bis zu einer Kinokamera fotografieren und wie ein roter oder luftiger Alexa verändern sich die Kameras ständig und erstaunliche Technologie wird billiger und billiger. Anstatt Ihnen meine Meinung zu bestimmten Kameras zu geben, überlasse ich das als Gespräch für Sie mit Ihrem Kameramann oder für Sie, um Ihre eigenen Recherchen online zu führen. Denken Sie daran, dass die teuerste Kamera nicht unbedingt bedeutet, dass Sie einen besseren Film machen werden. Film geht es um Kreativität. Es geht darum, wie man die Kamera benutzt. So kann sogar eine erstaunliche Kamera einen schrecklichen Film machen, und sogar ein iPhone kann etwas machen, das erstaunlich zu sehen ist. Ich werde Kameras in drei Gruppen zerlegen. Kamera-Handys, DSLRs und Kinokameras. An dieser Stelle in meiner Karriere bekomme ich immer eine Kinokamera in die Hände. Allerdings habe ich erlebt Aufnahmen auf allen drei von denen, Ich würde empfehlen, ein Kamera-Telefon nur, wenn es Ihre einzige Wahl ist oder wenn es aus narrativen Gründen besser funktioniert. Zum Beispiel machst du einen Horrorfilm wie Blair Witch. Ja, das Telefon ist bereits in der Tasche. Ja, es gibt einige erstaunliche Apps da draußen, die ihr Bestes tun , um Ihnen einen filmischen Blick aus dem Telefon zu geben. Aber meiner Erfahrung ich noch nie voll zufrieden mit meinen Ergebnissen, die von einem Kameratelefon kommen. Wenn Sie etwas Kamera-Budget als eine DSLR haben, ist viel besser. Sie werden mit abnehmbaren Linsen geliefert, so dass Sie viel mehr Vielseitigkeit haben. Ein tolles Objektiv kann sogar die Qualität eines geringeren Kanadas erhöhen. Selbst wenn ein iPhone schießt und 4K und eine alte DSLR vielleicht nicht, würde ich immer noch die DSLR wegen dieser Tatsache wählen. Und natürlich, wenn Geld kein Problem ist, dann sind Kinokameras erstaunlich. Sie sind sehr kompliziert, weshalb ich immer ein DOP benutze, wenn ich mit ihnen arbeite. Aber die Ergebnisse, die Sie bekommen, sind Nacht und Tag unterschiedlich, indem Sie Ihren Film von einem Amateur-Look zu einem professionellen Look heben . Lassen Sie uns nun über die Auswahl der Linsen sprechen. Wenn Sie mit einer Kamera fotografieren, die über ein integriertes Objektiv verfügt, haben Sie möglicherweise nicht sehr viel Vielseitigkeit. Allerdings machen sie sogar kleine Clip-on-Objektive für iPhones in diesen Tagen. Wenn Sie mit einem Kameratelefon arbeiten, beachten Sie, dass das Zoomen über Ihre Kamera-App die Bildqualität beeinträchtigt. also nicht. Wenn Sie brauchen, um eine Nahaufnahme. Es gibt so viele Möglichkeiten da draußen. Aber die Wahrheit ist, dass Sie einen Film mit nur einer einzigen Linse machen können, wenn Sie so geneigt sind. Idealerweise würde ich empfehlen, mit drei verschiedenen Objektivtypen, einem Weitwinkelobjektiv, einem Mid-Range-Objektiv und einem Teleobjektiv zu fotografieren einem Weitwinkelobjektiv, einem Mid-Range-Objektiv . Wenn Sie für Bargeld geschnallt sind und Sie etwas schneiden müssen, das Teleobjektiv wäre das erste Objektiv , das ich schneiden würde, weil ich normalerweise den geringsten Betrag verwende. Hier ist ein Beispiel dafür, wie diese drei verschiedenen Objektivtypen aussehen. Ich habe die Kamera in keinem dieser Beispiele bewegt, alles, was ich getan habe, war, die Kamera an der gleichen Stelle zu halten und Objektive zu wechseln. Nicht alle Objektive sind gleich, aber meiner Erfahrung haben mir erstklassige Kinoobjektive immer meine Lieblingsergebnisse geliefert. Ein Primobjektiv verkleinert nicht oder verkleinert. Es hat nur eine einzelne Satz Brennweite. Und deshalb ist es in der Regel eine höhere Qualität, weil es diese Vielfalt nicht liefern muss. Takeaways verwenden für eine Bildrate immer 24 Frames pro Sekunde. Kameras mit abnehmbaren Objektiven sind denen überlegen, die es nicht sind. Und meine Idee LensKit hätte drei verschiedene Brennweiten, eine breite, eine Mittelklasse und ein Teleobjektiv. 10. Bildrahmen- und Composition: In meiner Vorproduktionsklasse habe ich dir geholfen, deine Shot-Liste zu erstellen. Also gehe ich davon aus, dass du das schon getan hast. Wenn Sie es nicht getan haben, wissen Sie, wo Sie in dieser Klasse suchen, ich nehme eine Szene aus einem meiner Filme und seziere all die verschiedenen Aufnahmen, die ich verwendet habe, um diese Szene zusammenzustellen. Jetzt möchte ich mich kurz auf Framing und Komposition konzentrieren. Nun, ähnlich wie in meinem Abschnitt über Schauspielerei, könnte ich wahrscheinlich eine ganze Klasse darüber unterrichten, wie man die Kamera lenkt. Aber um dieser Klasse willen überlasse ich es nur einigen Top-Level-Tipps. Natürlich sind sie wirklich endlose Optionen beim Einrichten einer Aufnahme, aber gute Framing geht nicht nur darum, den schönsten Winkel zu finden. Sie müssen über das große Bild nachdenken und wie diese Aufnahmen tatsächlich zusammenpassen, sobald sie im Bearbeitungsschacht zusammengebaut sind. Als Beispiel werde ich eine Szene für meinen Kurzfilm nehmen, Das letzte Geständnis, um ein paar Punkte zu illustrieren. Entschuldigung m Länge. Der Verkehr im Vorderbuch zu dieser Zeit des Jahres, wenn man Patienten einer Seite oder eines Vaters versucht , erscheint, bin ich noch nicht gestorben. Es ist sehr Duncan hier. Soll ich die Vorhänge zeichnen? Es ist ein schöner Winternachmittag da drauf. Vielen Dank. Lass mich wenigstens das Fenster öffnen. Es ist furchtbar stickig. Willst du, dass ich meinen Code-Schreibtisch schnappe? Wenn du heiß bist, zieh deine Jacke aus. Ich habe diesen Film auf eine ganz klassische Art gedreht. Ich konzentrierte mich auf die Leistung und bewegte die Kamera nur, wenn es unbedingt nötig war. Was nicht nur im Stil des Zeitdramas funktioniert, sondern auch die Produktion extrem sparsam macht. Anstatt mich auf eine Vielzahl von Aufnahmen zu konzentrieren, habe ich mit meinem Kameramann zusammengearbeitet, um eine kleine Handvoll Aufnahmen zu perfektionieren und den Rahmen mit den Performances interessant zu halten. Beachten Sie, wie sich die Zeichen auf gegenüberliegenden Seiten des Rahmens befinden. Der Priester nimmt die linke Seite des Rahmens auf und der Mann im Bett nimmt die rechte. Halten Sie dies im gesamten Film konsistent, selbst wenn Sie Schüsse unterschwellig wechseln, gibt das Publikum und Verständnis des Raumes ähnlich wie Schauspieler auf der Bühne, die Augen des Publikums hüpfen hin und her zwischen die Charaktere, wie sie eine Konversation von links nach rechts haben. Natürlich scheint das unglaublich einfach und einfach zu sein, aber Sie wären überrascht, wie viele Mikro-Budget-Filmemacher sind. Erstmalige Filmemacher achten nicht auf diese Regeln. Publikum ist es gewohnt, Filme mit der gleichen Technik zu mainstreamieren. Wenn Sie es also nicht benutzen, ist es sehr wahrscheinlich, dass das Publikum das unbewusst aufgreifen wird, auch wenn sie nicht verstehen warum, werden sie sich fühlen, als ob sie einen Amateurfilm anstatt einen Profi-Film. Natürlich müssen Sie diese Regel nicht immer befolgen. Sie können z. B. Center Framing verwenden, wenn sich die Zeichen immer in der Mitte des Rahmens befinden. Und das sorgt in der Regel für einen humorvollen Look , den man in so etwas wie einem Wes Anderson-Film finden würde. Sobald Sie ein Verständnis dafür haben, wie Zielgruppen visuelle Informationen verarbeiten, können Sie beginnen, einige dieser Regeln zu brechen und ein bisschen Spaß zu haben, solange Sie ein Motiv dazu haben. Aber die linke und rechte Zeichenorientierung für Dialogszenen ist ein einfaches und effektives Werkzeug, mit dem man beginnen kann. Jetzt werde ich zwei einfache Tricks teilen, die dir beim Framing helfen können. Die erste ist die Regel der Drittel. Stellen Sie sich Ihren Kamerarahmen als eine Reihe von neun Boxen vor, ein Gitter wie so. Nun hat dieses Raster vier Linien, die sich in vier verschiedenen Bereichen schneiden. Diese Kreuzungen, oder Ihre Sweet Spots für Action. Denken Sie darüber nach, die Augen, den Mund, et cetera, in die Querschnitte des Rahmens zu setzen . Typischerweise führt dies zu interessanteren Aufnahmen. Jetzt gibt es viele Videos über die Regel der Drittel. Und ich ermutige euch, tief in einige dieser anderen Videos einzutauchen, wenn ihr mehr wissen wollt. Aber für die Zwecke dieser Klasse war es mehr nur eine Technik, auf die ich Sie aufmerksam machen wollte. Die zweite Sache ist die 180-Grad-Regel. Denken Sie daran, als ich darüber sprach, Charaktere konsequent auf der Seite des Rahmens zu halten , auch wenn sich der Shan nicht ändert. Nun, ein einfacher Weg, dies zu tun, ist, die 180-Grad-Regel zu befolgen. Stellen Sie sich vor, es gibt eine Linie auf dem Boden zwischen Ihren beiden Subjekten. Wenn Sie Ihre Kamera immer auf einer Seite dieser Linie platzieren, folgen Sie eher dieser Regel. Auch hier empfehle ich Ihnen, eine vollständige Klasse zu sehen, die der 180-Grad-Regel gewidmet ist. Und einige dieser Klassen geben Ihnen sogar kreative Ideen wann und wie Sie diese Regel effektiv brechen können. Außerdem, wenn Sie nach irgendwelchen Buchempfehlungen suchen, die fünf C der Kinematographie ein großartiges Buch, das ich beim Studieren des Filmemachens gelesen habe. Als Amerikaner entschied ich mich, jetzt nicht zur Filmschule zu gehen , weil ich nicht dachte, dass ich dort nichts lernen würde, sondern weil ich den Rest meines Lebens nicht in Schulden verbringen wollte. Also, was ich tat, ist, dass ich angefangen habe, zu forschen , welche Filmschulen wir als Teil ihres Lehrplans unterrichten. Und ich ging und kaufte ein paar von diesen Büchern. Ich lese selbst diese Bücher durch und begann, einige dieser Grundlagen zu verstehen. Das ist also ein wirtschaftlicher Weg, um sich der Filmschule Semi-Erfahrung zu geben. Eine Sache, die ich vermisst habe, indem ich nicht zur Filmschule gehe, waren eher die Verbindungen anderer Industrieleute, die ich kennenlernte. Es gibt jedoch viele interessante Möglichkeiten, sich in der kreativen Community zu vernetzen. Von Filmfestivals über die Filmclubs bis hin zu einer Reihe von Dingen, die viele der großen Städte auf der ganzen Welt bieten. Ich denke, das Wichtigste ist, ein lebenslanger Student zu sein und immer weiterzuentwickeln und immer zu wachsen. Auch wenn Sie viel wissen, können Sie immer mehr wissen. Aber ich muss dem Chor hier nicht predigen, weil du hier bist, um die Klasse zu nehmen. Meine Takeaways sind also die Drittelregel, die 180-Grad-Regel. Übernehmen Sie Ihre eigene Ausbildung. 11. Die Psychologie der Kameraauswahl: Nun möchte ich Ihnen ein paar Clips aus einigen meiner Filme zeigen, damit ich illustrieren kann, wie bestimmte Kameraoptionen den psychologischen Zustand Ihres Publikums beeinflussen können. Jetzt werden viele Dinge, die ich illustrieren werde, sehr einfach und somit sehr leicht zu stehlen scheinen . Aber ich empfehle Ihnen, alle diese zu stehlen , die Sie denken, wäre nützlich in Ihrem eigenen Filmemachen? Habe ich. Das sind alles Techniken, die ich von früheren Filmemachern vor mir gestohlen habe. Und sie haben großartig für mich gearbeitet. Stehlen Sie wie ein Künstler. Ich habe gehört, es sind vorübergehende Passagiere auf diesem Raumschiff. Die Natur wird sich ohne soft.com erholen. Ich möchte ein gutes Vermögenskonto sein. Eine, die kein Kampfflugschiff setzt, das es sickert. Genug Apps, diese Zeitachse, Leben und Leben in der Stadt. Aber diese Aufnahme endet als Teil der Montage, die Sie grundlegend anders als eine Dialogszene aufnehmen werden , wie im vorherigen Beispiel. Da es sich um eine Montage handelt, gibt es keine Notwendigkeit für Kontinuität oder Einhaltung der 80-Grad-Regel. Es ist nur eine Reihe von zufälligen Schüssen, um den Lauf der Zeit zu zeigen und Charakter zu bauen. Das befreit uns natürlich, viel spielerischer in Sachen Framing und insbesondere bei Kamerabewegungen zu sein . Viele der Aufnahmen in dieser Sequenz sind das, was ich Special Shots nennen würde. Also Aufnahmen, die ich zu Beginn meines Shooting-Tages nicht priorisieren würde , denn wenn der Zeitplan knapp wird, gibt es schnellere und einfachere Möglichkeiten, die Geschichte innerhalb dieser Aufnahmen zu erzählen. Die Gimbal Aufnahmen oder auffällig, aber mehr als das, diese Aufnahmen erzählen eine Geschichte. Also erinnere dich zuerst an die Geschichte. Ich glaube, dass Kamerabewegungen immer motiviert sein sollten. Also für mich ist meine Standardaufnahme immer ein Standbild, und ich wähle nur, um die Kamera zu bewegen, wenn ich denke, dass ich dies für emotionale oder erzählerische Zwecke tun muss. Der Schuss, den ich in der Sequenz darauf hinweisen möchte, ist der Gimbal-Shot , die sich um die Hauptfigur dreht. Die Bewegung der Aufnahme taucht das Publikum wirklich in die Welt des Charakters ein. Wir sehen seine Reaktion auf das Leben als Einsiedler in der Natur, dass er mit diesem Leben zufrieden ist. Und dann enthüllen wir die Natur, die er bewundert. Sofort werden wir in die harte Gegenüberstellung des Stadtlebens gestoßen, der Charakter einst geführt hat. Es ist der Kontrast dieser beiden Aufnahmen, der es zu einem so starken psychologischen Übergang macht . In der ersten Aufnahme haben Sie die Schönheit und die glatte Bewegung nicht Dimension, die schöne Partitur. Und bei der nächsten Aufnahme ist es handheld und abgehackt. Und da ist dieses furchtbare Geräusch. Kamerabewegungen wirken sich psychologisch auf das Publikum aus. Bevor Sie sich entscheiden, eine Kamera zu bewegen, stellen Sie sicher, dass Sie verstehen, welche psychologischen Auswirkungen diese Bewegung auf Ihr Publikum haben wird. Und ist es die psychologische Wirkung, die Sie wollen, dass sie als Mikro-Budget-Filmemacher haben, die möglicherweise Ecken schneiden müssen, bewegen Sie die Kamera nicht, wenn Sie nicht brauchen. Hier ist ein weiterer Clip aus demselben Film, Samaritan, und ich hoffe, er wird übersetzt, wenn er aus dem Kontext genommen wird. Manchmal erzeugt der Mangel an Bewegung Spannung für diese Szene, bei der es um einen Charakter geht, der sich aus dem Haus schleicht. Ich wollte das Publikum am Rande ihres Sitzes zu halten ob er gefangen werden würde oder nicht in dem, was sonst ist, Ich bin relativ schnell Tempo Film. Dies ist die einzige Sequenz, in der die gesamte Szene eine Aufnahme ist, die fast zwei Minuten dauert. Die Wahl, die Szene auf diese Weise zu spielen, baut Angst innerhalb des Publikums auf. Sie wollen den Cambrian Schnitt. Sie wollen Zeit, um schneller zu gehen. Sie sind nervös für den Charakter und mögen ihn. Sie wollen dem Raum entkommen, indem sie ihnen nicht die Flucht zur Verfügung stellen, Sie haben Spannungen innerhalb dieses Publikums aufgebaut. Hier ist ein drittes Beispiel unter all diesem Horror, er hat es angedeutet. Ein erlösender Akt. Erzählen Sie mir davon. War September 1944. Häftlinge aus Ungarn waren hier wie immer gebracht worden, Gefangene, aber Schulen in den Wechsel in den Zimmern, sie unadressiert Vorbereitung eines zerschmetternden und D Laozi will, dass die Kammer versiegelt wurde. Dies würde eingeführt werden. Wie lange hat es gedauert? 20 Minuten, bis der Schrei des Bildschirms verschwunden ist. Ehemänner zittern oder ohne Ehefrauen, Mütter stehen oben auf, dass Kinder tun auf einem Kommando Gewirr, durcheinander Pyramide der Gliedmaßen-Torsos. Und an diesem Septembermorgen begann anders. Nun, das ist eine sehr einfache Szene. Was hält es interessant sind die Soundeffekte und die Leistung ist, haben Sie den langsamen und fast unauffälligen Zoom bemerkt? Dies hilft wirklich, Zuschauer zu gewinnen. Es sagt ihnen, dass es etwas ist, auf das sie achten müssen. Das ist wichtig. Ich wollte das Publikum am Rande ihrer Sitze halten. Anstatt darauf zu warten, dass sie sich näher lehnen, entschied ich mich, den Charakter näher an sie zu bringen, indem ich subtil hineinzoomen. Auch bemerkte die Reaktionsschüsse. Diese Aufnahmen, über die ich in meiner Postproduktionsklasse noch mehr sprechen werde, haben wirklich dazu beigetragen, dem Publikum zu sagen, wie sie sich über die Szene fühlen sollen, die sie gerade sehen. Es gibt ihnen einen Bezugspunkt zu beziehen, wenn der Charakter über etwas spricht, das so eindeutig schrecklich ist. Es ist, als wenn jemand anfängt, in einem Kino zu lachen, plötzlich wissen andere Leute, dass es in Ordnung ist, die Schlange zu lachen. Und jetzt, hier ist ein viertes Beispiel. Jetzt ist diese Szene aus einem kommenden Film von mir, also ist sie immer noch ein wenig rau an den Rändern. Es gab keine Farbkorrektur auf der Szene und der Sound wurde nicht richtig gemischt. Aber ich will dir zeigen, was ich hier mache. Hey, ich weiß sowieso, okay, naja, ich wollte einen Happen essen und dachte, nun, vielleicht könnten wir es. Gates und ziemlich müde, also werde ich einfach darauf klicken. Und ich dachte, wir könnten die Präsentation durchlaufen. Wissen Sie, im Interview scheinen Sie zu kämpfen, um diese Trainings zu treffen. Das tust du. Herr Beförderung? Warum denke ich, dass ich über dir war oder so was? Gut? Ist das ja. Wir haben nicht gefunden oder Nachtleben zeigt an, was Sie brauchen, ist ein echter Mann vor Ihnen stand und Geschirr abwaschen. In dieser Szene geht es um eine Invasion des persönlichen Raums. Habe ich die traditionellen Framing-Regeln befolgt? Nun, ja und nein, die Charaktere beginnen mit der Beibehaltung der Seiten ihrer Rahmen. Aber als der männliche Charakter aggressiv in den weiblichen Charakteren Raum eindringt, habe ich ihn auch in den Rahmen eindringen. Er dringt in den Raum des Publikums ein und macht das Publikum genauso unangenehm, wie er das Heldinenfeld macht. Dies ist ein Beispiel dafür, wie Sie Framing und Regeln aus einem sehr spezifischen psychologischen Erzählgrund brechen können . Also meine Takeaways sind, immer bewegen Sie die Kamera mit Motivation, entweder emotionale oder erzählerische Motivation. Verstehen Sie, welche psychologische Wirkung Ihre Kamera-Framing und -Bewegung haben wird. Kennen Sie die Regeln, bevor Sie die Regeln brechen. Und brechen Sie nicht die Regeln, ohne zu wissen, warum. 12. Director's Ohr: Autofokusaufnahmen, Kontinuitätsprobleme, et cetera, und wie all diese Dinge Fehler sind. Aber die Wahrheit der Sache ist, all diese Fehler sind Dinge, die die meisten Zuschauer entweder vergeben oder nicht einmal bemerken, im Vergleich zu klanglichen Fehlern, die im Kopf sogar Amateurpublikum einzigartig unverzeihlich sind. Gut eingefangener Dialog, professionell gemischt mit Soundeffekten, Atmosphäre und Musik, kann einen groben, billigen Film in einen Weltklasse-Film verwandeln. Trotzdem solltest du Sound nicht an einen Mitbewohner delegieren , der sich in deinen Film verwickeln will, aber nicht weiß, was sie tun. Klang zu erfassen ist eine Kunstform, und wenn es richtig gemacht wird, ist es ein absoluter Glücksfall in der Postproduktion. Manchmal musste ich meine eigenen Filme drehen, wenn ich Budgetbeschränkungen hatte und keinen Kameramann einstellen konnte. Aber das Einzige, was ich nie herumkriegen konnte, war ein guter Sound-Typ. Während ich großartigen Sound schätze, weiß ich, dass die Aufnahme von Ton und Bearbeitung von Sound nicht mein Vier-Tag ist. Es ist nicht mein Können. Also werde ich nicht so tun, als würde ich dir etwas beibringen, wofür ich mich nicht qualifiziert fühle. Aber als Regisseur ist es absolut wichtig, dass Sie verstehen, wonach Sie bei einer guten Person suchen müssen, um sicherzustellen, dass sie ihre Arbeit erledigen und den Sound liefern, den Sie für Ihren Film benötigen. Hier sind ein paar Dinge, die Sie sicherstellen sollten, dass Ihre gesunde Person tut. Natürlich sollte es selbstverständlich sein, dass Sie ein richtiges Mikrofon benötigen. Verwenden Sie nicht das Mikrofon an der Kamera selbst. Eine gute Tonaufnahmen werden einen Overhead-Boom, ein Liebesmike an Schauspieler befestigt, und vielleicht sogar zusätzliche Mikrofone um verschiedene Bereiche des Raumes platziert mehrere Ebenen von Audio für die Szene zu erfassen, so dass es richtig gemischt werden kann. Das Boom-Mikrofon kommt so nah an das Motiv, es nimmt wie möglich auf. Das Boom-Mikrofon sollte nur knapp außerhalb des Rahmens sein und sein Winkel sollte direkt auf die Aktion oder die Probanden Mund gerichtet werden. Wenn Sie einen Dialog aufnehmen, möchten Sie die höchste Qualität natürlichen Klang wie möglich aufnehmen, um etwas namens ADR zu vermeiden. Adr ist, wenn Sie in ein Studio gehen, nachdem der Film gemacht wurde und die Schauspieler bitten, Lippensynchron zu ihrer Leistung. Es ist eine sehr schwierige Sache, richtig zu bekommen, und es macht in der Regel die Leistung, es schien sehr gefälscht. außerdem sicher, dass Ihr Tonrekorder etwas als Raumton aufnimmt. Kelvin, drei Sekunden. Raumton ist der Klang der Stille in der besonderen Atmosphäre, die Sie gefilmt haben. Aber es ist nie wirklich still. Es ist das winzige Summen des Gerätes, die Natur, die Vögel, der Wind, et cetera. Es sind die subtilen Geräusche mit niedriger Lautstärke, die immer im Hintergrund vorhanden sind. Also das Takeaway ist, die Mikes in die Nähe zu bringen. Verwenden Sie mehrere Mikes und erfassen Sie den Raumton. 13. Schritt des Tages: Wenn Sie nur mit einem einzigen Ratschlag weggehen würden, wäre es das. Perfektionieren. Ein einzelner Schuss ist nie so wichtig wie mit einer Reihe praktikabler Aufnahmen wegzugehen , um Ihre Szene zusammenzufassen. Am Ende Ihres Shooting-Tages möchten Sie in der Lage sein, mit der Zuversicht zu gehen, dass Sie alles in der Dose geschossen haben , was Sie brauchen, um Ihre Szene zusammenzustellen. Wenn ich eine Sache über die Postproduktion gelernt habe, ist, dass Ihre Lieblingsaufnahmen oft diejenigen sind, die auf dem Boden des Schneidezimmers landen. - Warum? Denn bei der Erstellung dieser Aufnahmen zu oft konzentrieren wir uns darauf sie auffällig zu machen, damit wir etwas Cooles für unsere Regisseure real haben können, Vielleicht ist es ein gimble Schuss oder vielleicht ist es ein Drohnenschuss. Aber in diesen Fällen sind Sie sehr oft weniger wahrscheinlich, dass Sie sich darauf konzentrieren, Ihre Geschichte vorwärts zu bewegen. Sie geben mehr nur eine Textur, um zu beeindrucken. Und wenn etwas einkaufen muss, wird er nicht gehen. Der unnötige Drohnenschuss wird gehen. Wenn du gleichzeitig einen großen Dolly Schuss eindrücken kannst, werden wir dir dann mehr Kraft geben. Aber oft sind diese Aufnahmen am Ende unwesentlich und sie brauchen so viel länger, um einzurichten, dass, wenn Sie sich auf sie konzentrieren, Sie sehr leicht in Ihrem Tempo des Tages zurückkommen können und Sie nicht mit den wesentlichen Aufnahmen, die Sie brauchen, um Ihre Geschichte zu erzählen. In Ordnung, also dauert der erste Schuss des Tages typischerweise am längsten. Es braucht Ewigkeiten, um sich einzurichten. Und in der Regel beginne ich den Tag ein wenig hinter dem Zeitplan, aber keine Sorge. Wenn ich beginne, in den Fluss des Tages zu kommen, dann brechst du normalerweise, wenn du zum Mittagessen Pause machst, brechst du diesen Fluss. Also, wenn du vom Mittagessen zurückkommst, wird es ein bisschen ein Lol geben. Deshalb versuche ich immer, die meisten Aufnahmen einzupacken, die ich vor dem Mittagessen kann, und mache meinen Nachmittag ein wenig einfacher für mich in Bezug auf die Anzahl der Aufnahmen, die ich zu erfassen versuche. Eines der zeitsparendsten Dinge, die Sie tun können, ist bereits darüber nachzudenken, wie die Szene zusammen bearbeitet wird, noch bevor Sie sie schießen. Allzu oft wissen Erst- oder Amateurregisseure nicht, wie sie die Naht tatsächlich zusammenstellen. So schießen sie ein Haufen Material, das auf dem Boden des Schneidezimmers landet. Sie können beginnen, die gesamte Szene weit zu fotografieren, wenn sie nur die ersten fünf Sekunden der Szene weit benötigen , um den Raum zu schaffen. Es Mikro Budget Filmemachen, es ist wahrscheinlich, dass Sie der Redakteur sein werden. So können Sie eine enorme Menge an Zeit sparen, wenn Sie die Bearbeitung vor dem Filmen visualisieren und nur die Aufnahmen schießen, wissen Sie, werden Sie verwenden. Wenn Sie nicht wissen, wie Sie eine Szene mit der Bearbeitung strukturieren, dann ist die Zeit, diese Fertigkeit zu lernen, jetzt vor Ihrem Beginn. Analysieren Sie, wie andere Filme Szenen zusammengeschnitten haben, und verwenden Sie ihre Strukturen als Blaupause. Sobald Sie die Grundlagen der Bearbeitung verstanden haben, können Sie Ihre eigenen Strukturen erstellen und diese Regeln brechen. Ein weiteres zeitsparendes Werkzeug, um mit dem Tempo des Tages zu helfen, ist das von nichtlinearen Aufnahmen. Was ich damit meine, ist, dass einige Regisseure eine Szene genau so filmen, wie sie sie sich vorstellen. Wenn sie wissen, wollen sie mit einem breiten Schuss von der linken Seite des Raumes beginnen. Sie werden den Schuss bekommen und dann gehen sie zum nächsten Schuss, der ein Medium von der rechten Seite des Raumes ist. Und dann wissen sie, dass sie eine Nahaufnahme des anderen Charakters sehen wollen. Es wird also von der linken Seite des Raumes aufgenommen und dann immer wieder hin und her springen, wie sie die Szene in ihrem Kopf sehen. Was Sie versuchen zu Beginn zu tun, ist die Minimierung von Kamera-Setups und Beleuchtungseinrichtungen. Jedes Mal, wenn Sie die Kamera bewegen und die Lichter bewegen müssen, wird es Zeit kosten. Also schießen Sie alles, was Sie können von einer Seite des Raumes. Selbst wenn das bedeutet, im Skript außer Ordnung zu gehen, kann das bedeuten, dass Sie Ihre Schauspieler bitten, einen Teil der Szene zu überspringen, vielleicht die Öffnung gefilmt, einige Zeilen vom Ende der Szene zu überspringen. Und solange du deine Probe gemacht hast, wissen professionelle Schauspieler, wie das geht. Sie wissen, wo sich ihre Bögen innerhalb der Szene befinden, und sie können diese Emotionen nach Bedarf ein- und aussteigen. In Ordnung, also sind meine Takeaways priorisiert. Wesentliche Story-Aufnahmen über auffällige Trickaufnahmen. Reservieren Sie unwesentliche Trickaufnahmen für das Ende des Tages, falls Sie zurücklaufen und Ihre Shortlist schneiden müssen, planen Sie Ihren ersten Schuss des Tages, um den längsten zu nehmen, erwarten Sie einen Lowell nach dem Mittagessen und sparen Sie Zeit beginnen, indem Sie verstehen wie Sie den Film bearbeiten möchten, bevor Sie ihn drehen. Und indem Sie alles von einer Seite des Raumes fotografieren, bevor Sie weitermachen, auch wenn das bedeutet, außer Betrieb zu schießen. 14. Atmosphäre auf dem Set: In der Filmindustrie ist längst anerkannt, dass der Beginn der Atmosphäre sehr stressig ist. Aber ich bin hier, um dir zu sagen, dass es nicht sein muss. Wenn Sie eine Umgebung fördern können, die schnell, produktiv, positiv, ermutigend und unterhaltsam ist , dann klammern sich Mitarbeiter an Sie. Anfangs ist es wahrscheinlich, dass Sie viel Arbeit mit vielen Leuten machen werden , die kostenlos oder billig arbeiten, um ihre Portfolios aufzubauen. Wenn Sie also nicht angenehm sind, damit zu arbeiten, werden Sie diese Leute nicht wieder dazu bringen, an Ihren Projekten zu arbeiten. Und was ich fand, ist typischerweise, wenn die Zeit kommt, um einen zahlenden Gig zu bekommen, Ihr Tor zu diesem zahlenden Gig ist durch jene Beziehungen, die Sie beim Portfolioaufbau fördern. Und wenn du nicht angenehm bist, damit zu arbeiten, wenn der zahlende Gewinn kommt, wirst du den Anruf nicht bekommen. Als Regisseur sind Sie dafür verantwortlich, den Ton am Set zu setzen. Einige Regisseure entscheiden sich dafür, zwischen den Takes Musik zu spielen , damit jeder Spaß hat und sie sich entspannen können. Andere Regisseure entscheiden sich, sehr fokussiert zu bleiben und dafür zu sorgen, dass jeder nicht abgelenkt wird, damit er in der Zone bleiben kann. Die Entscheidungen wirklich bis zu Ihnen, unabhängig von Ihrem Ansatz, ein wichtiges Element ist das Direktorium Vertrauen. Verströmen Sie immer Selbstvertrauen Beginn, unabhängig davon, ob Sie sich intern sicher fühlen oder nicht. Es gibt nichts Schlimmeres als eine Crew, die riecht, dass ihr Regisseur keine Vision hat. In Ermangelung dieser Vision, obwohl wahrscheinlich beginnen, mit mehr Anregungen zu überschritten. Es wird wahrscheinlich mehr Machtspiele geben. Crew-Mitglieder könnten versuchen, der Regisseur zu sein, der Sie nicht sind, und sie könnten Köpfe schlagen und die gesamte Produktion kann schnell die kreative Hierarchie mit einem Regisseur an der Spitze ist da aus einem bestimmten Grund. Und es ist wahrscheinlich, dass Sie mit einer Mikrobudgetproduktion auch der Produzent sein werden. Die Industrie. Oft ist der Produzent die absolute Hierarchie, obwohl der Regisseur die kreative Kontrolle über das Projekt hat. Das ist nicht zu sagen, nehmen Sie keine Vorschläge, nur bereit zu führen, haben Sie einen Plan. Und wenn Ihr Plan nicht funktioniert, seien Sie zuversichtlich in den Plan, auf den Sie wechseln, anstatt diese Unsicherheit das ganze Jahr über auseinander ziehen zu lassen. Ein weiterer wichtiger Aspekt für die Aufrechterhaltung einer guten Atmosphäre am Set ist das Ausgleich von Pausen, während unter engen Zwängen, wenn Leidenschaften hoch sind und die Menschen aufgeregt sind, an einem kreativen Projekt zu arbeiten, es ist üblich, dass Menschen vergessen Essen. Ich meine, wenn es an einem Shooting-Tag nach mir wäre, würde ich wahrscheinlich nichts essen. Zuvor. Ich habe zwei der drei Bereiche erwähnt, die in Bezug auf das Budget am wichtigsten sind. Schauspieler klingen. Und jetzt füge ich ein drittes Essen hinzu. Wenn Sie Gefälligkeiten mit den Raten der Leute ziehen, können Sie nicht an Ihrem Nahrungsmittelbudget sparen. Gutes Essen macht die Besetzung und Crew sehr geschätzt für ihre sehr harte Arbeit. Und ich spreche nicht nur von Mahlzeiten, sondern auch von Snacks und Getränken. Idealerweise wäre es toll, wenn man jemanden dazu bringen könnte , sich ausschließlich auf das Essen zu konzentrieren, damit man sich auf die kreativen Dinge konzentrieren kann , aber das ist nicht immer der Fall. Es gibt viele Male, die ich den ganzen Tag geschossen habe und dann kochen die Pasta-Abendessen für alle will, um Tag zu schießen war fertig. Du musst tun, was du tun musst. Also mein Takeaway für diesen hier ist einfach. Es ist einfach anders zentriert, kein Egomane. 15. Zurück dein Footage... JETZT: Ordnung, also bearbeite ich alle meine eigenen Filme und in meinem nächsten Teil der Mikro-Budget-Serie werde ich euch über meinen Bearbeitungsprozess unterrichten. Also die Sache, die Sie brauchen, um einen Film zu bearbeiten, ist natürlich Ihr Filmmaterial. Je nachdem, wie Sie Aufnahmen aufnehmen, ist es wahrscheinlich eine gute Idee, mehrere Pausen im Laufe des Tages zu planen, um dieses Material auf mehrere Festplatten zu übertragen , um sicherzustellen , dass Sie es sichern und nichts verlieren. Ein großes Hollywood-Set, es gibt eine Person, deren einzige Aufgabe es ist, ein Datenwrangler zu sein und Filmmaterial auf Festplatten zu übertragen. Jetzt auf einem Mikro-Budget-Set, das wird entweder Sie selbst sein oder vielleicht sind Sie DOP. Wenn Sie genug Platz haben, um das gesamte Filmmaterial auf Vielleicht eine SD-Karte oder was auch immer Sie filmen ohne Dumps während des Tages zu machen. Stellen Sie immer sicher, dass Sie Filmmaterial am Ende des Tages deponieren. Das Letzte, was Sie tun wollen, ist, sich in der kleinen SD-Karte zuversichtlich zu fühlen und sie dann zu vergessen. Und wenn du dann deinen Film bearbeitest, merkst du, dass etwas mit ihm passiert ist. Ich habe gelegentlich Filmmaterial verloren, und es ist keine gute Position, um in zu sein. Übertragen Sie Ihr Filmmaterial sofort auf Ihre Festplatte und sichern Sie das Filmmaterial immer auf einer zweiten Festplatte Senden Sie dann die zweite Festplatte mit jemand anderem nach Hause. Also werden sie nicht an derselben Stelle gelagert. Seien Sie auch nicht faul bei der Übertragung von Audio auf die gleichen Festplatten. Übertragen von Filmmaterial kann manchmal Stunden dauern, aber die Audiowiedergabe dauert nur wenige Minuten. Sie also immer sicher, dass alle Ihre Teile auf der Festplatte sind , um Festplatten zu trennen, separate Orte. 16. SCHLUSSBEMERKUNG: Danke fürs Zuschauen. Ich hoffe wirklich, dass Sie diese Klasse nützlich gefunden haben, wenn es um Filmemachen geht. Du könntest weitermachen, weil es so ein komplexer Prozess ist. Aber ich hoffe, dass mein einzigartiger Prozess zumindest einen Überblick ausreicht, um uns anzufangen und Sie zu inspirieren, einfach da raus zu gehen und Ihren Film zu machen , unabhängig von den begrenzten Ressourcen, die Sie haben. Sobald meine fünfteilige Mikrobudget-Serie online verfügbar ist, werde ich wahrscheinlich anfangen, mehr Klassen zu erstellen, die in bestimmte Minutien der Produktion eintauchen. Also halten Sie Ausschau nach denen. Wenn Sie diese Klasse hilfreich finden, erwägen Sie bitte, eine Rezension dafür zu schreiben, damit andere sie finden können. Und ich habe versprochen, nicht zu lange zu dauern, bevor ich meinen nächsten Teil der Serie kreiere und das online stellte, was auf die Postproduktion gehen wird. Also, wenn Sie sich diese Klasse ansehen und es ist ein paar Monate her, seit ich sie zum ersten Mal gepostet habe. Vielleicht möchten Sie sich in dieser Klasse umsehen, möglicherweise verfügbar sein. Nun, wenn nicht, kommt es bald. Danke fürs Zuschauen.