Figuren zeichnen 106 Komposition und Design | Scott Harris | Skillshare
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Figuren zeichnen 106 Komposition und Design

teacher avatar Scott Harris, Painter and Illustrator

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Einheiten dieses Kurses

    • 1.

      Figuren zeichnen 106 Einführung

      1:20

    • 2.

      Schwerpunkt

      4:48

    • 3.

      Assymetrie in der Charakterzeichnung

      6:20

    • 4.

      Squash und Stretch: Animationskonzepte zum Zeichnen

      2:46

    • 5.

      Zeichnen und Reaktion

      5:18

    • 6.

      Geschlecht und Altersunterschiede

      7:10

    • 7.

      Grundlagen des Charakterdesigns

      10:58

    • 8.

      Charakter-Schwerpunkte

      10:16

    • 9.

      Entwerfen ikonischer Figuren

      4:52

    • 10.

      Symbolik beim Zeichnen von Figuren

      3:03

    • 11.

      Silhouettenwert für die Charakterzeichnung

      4:53

    • 12.

      Die drei Kernelemente des Charakterdesigns

      3:52

    • 13.

      Die 5 Kernelemente einer guten Charakterkomposition

      26:03

    • 14.

      Dein gesamtes Zeichenwissen nutzen

      2:41

  • --
  • Anfänger-Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Jedes Niveau

Von der Community generiert

Das Niveau wird anhand der mehrheitlichen Meinung der Teilnehmer:innen bestimmt, die diesen Kurs bewertet haben. Bis das Feedback von mindestens 5 Teilnehmer:innen eingegangen ist, wird die Empfehlung der Kursleiter:innen angezeigt.

138

Teilnehmer:innen

--

Projekt

Über diesen Kurs

Willkommen bei Draw Characters 106 Komposition und Design, dem sechsten eines 10-teiligen Zeichenkurses, in dem du alles lernst, was du zum guten Zeichnen von Figuren wissen musst.

Hey, das ist Scott! Lass mich dir sagen, warum dies der beste Charakterzeichnungskurs ist, der je gemacht wurde, und wie ich dir helfen kann, deine Kunstträume und -ziele zu erreichen, egal ob du gerade erst anfängst oder schon ein paar Leute kennst.

Was ist eigentlich das Zeichnen von Charakteren?

Charaktere zeichnen ist ein Charakterzeichenkurs, in dem du lernst, wie du professionelle Figuren in jedem Stil für Bücher, Spiele, Animation, Manga, Comics und mehr zeichnen kannst. Dies ist ein 10-teiliger Zeichenkurs, der einzige Kurs ist, den du wirklich brauchst, um alle grundlegenden Grundlagen und fortgeschrittene Techniken zum guten Zeichnen und Skizzieren von Figuren zu erlernen.

Wenn du ein absoluter Anfänger bist oder bereits auf einem mittleren Niveau bist, wird der Kurs deine aktuellen Zeichenfähigkeiten auf ein professionelles Niveau bringen. Der Kurs ist ein 10-teiliger geführter Videokurs, bei dem die einzige Grenze für deine Progression deine Entschlossenheit und dein Engagement in den lohnenden Aufgaben ist.

Egal, ob du Charaktere zeichnen und designen, Konzeptkunst-Charaktere für Filme und Spiele, Illustrationen, Comics, Manga, Disney-Stil oder andere Stile erschaffen möchtest – mit diesem Kurs kommst du dorthin.

Ich bringe dir bei, Figuren ohne Angst zu zeichnen, und ich bringe dir bei, Figuren zu zeichnen – das ist mein Versprechen an dich!

 

Schließlich das Zeichenzeichnen gut erlernen

Egal, ob du ein kompletter Anfänger oder Fortgeschrittene im Zeichnen von Figuren bist, du wirst Dinge lernen, von denen du nie wusstest, dass du sie nie wusstest. Echt. Von Meistern inspiriert und auf der Theorie der Riesen aufgebaut, ist Draw Characters  einer der, wenn nicht der umfassendsten Charakterzeichnungskurse, die es gibt.

 

Klare, leicht zu verstehende Lektionen (Scotts No Fluff Promise!)

Kristallklar. Charakterzeichnen zu lernen und wie man Menschen effektiv zeichnet, bedeutet, dass die Informationen logisch und kohärent präsentiert werden. Dieser Kurs ist modular aufgebaut, leicht zu verstehen und ermöglicht es dir, in einem gut strukturierten Tempo zu lernen. Nimm den Kurs chronologisch teil und überarbeite jedes Modul in deiner Freizeit. Konzepte wie das Zeichnen von Lippen, Augen, Gesichtern und mehr schneller als je zuvor – hier gibt es keinen Flausch.

 

Aufgaben, die lohnend sind

Die Aufgaben jedes Moduls dienen der Überbrückung der Brücke zwischen Theorie und Praxis und wurden so gestaltet, dass sie die Theorie stärken und sich lohnen. Ich habe den Kern der Theorie gelernt und jede Aufgabe speziell entwickelt, um dir zu helfen, schnell Fortschritte zu machen, und du wirst den Unterschied in deiner eigenen Arbeit fast sofort sehen. Bei der Kunst geht es ums Tun, also lass uns loslegen – lass uns etwas Großartiges zeichnen!

 

Was ist dein Stil?

Egal, ob du das Zeichnen lernen möchtest, um für Spiele, Comics, Cartoons, Manga, Animation und mehr zu zeichnen – dieser Kurs hat die richtige Lösung für dich. Ich bringe dir keine „Methode“ oder „Weise“ zum Zeichnen bei, sondern du sollst grundsätzlich gut darin sein, Charaktere zu zeichnen, egal ob du traditionelle Bleistiftzeichnungen bevorzugst oder digital zeichnst.

 

Was sagen die Teilnehmer über diesen 5-Sterne-Kurs?

"Der wahrscheinlich beste Kunstkurs, den ich je besucht habe - online oder an der Uni. Wunderbar präsentiert und hat mir geholfen, Fehler zu korrigieren, die ich gemacht hatte, die mein Kunstwerk wirklich zurückgehalten haben. Nach 30 Tagen des Trainings des Kursmaterials habe ich phänomenale Fortschritte gesehen. Sehr zu empfehlen." 

Dan Rahmel

 

"Nur eine perfekte 5-Sterne-Bewertung. Es ist wirklich komplett und voller Ratschläge, Theorien und konkrete Beispiele. Wie er sagte, ist es wahrscheinlich der letzte Zeichenkurs, den du besuchen wirst. Mehr wollte ich nicht. Vielen Dank Scott Harris!" 

Mario

 

"Toller Kurs. Ich habe noch nicht einmal mit dem Zeichnen begonnen, weil ich staune, wie einfach der Kursleiter selbst die kompliziertesten Techniken aussehen lässt. Endlich ist das Zeichnen wie ein Profi zum Greifen nah! Ich mag auch, dass ich mit dem Kursleiter das erste Mal zuschauen kann, ohne mich ums Zeichnen kümmern zu müssen, bis ich mit den Konzepten vertraut bin. Mein nächstes Mal bin ich vorbereitet und selbstbewusster als je zuvor mit dem Zeichnen beginnen. Trotzdem habe ich einige der Konzepte dieses Kurses schon ab und zu für eine Skizze verwendet, wenn ich mich zum Zeichnen inspiriert fühle, und ich kann zwischen meinen früheren und neueren Zeichnungen Welten unterscheiden. Entspannter Kursleiter, aber sehr sachkundig. Ich kann diesen Kurs nur wärmstens empfehlen."

Eric

BeatyEin letztes Ding!
Die traurige Realität ist, dass andere Kursleiterinnen meine Inhalte und meine Arbeit kopieren – aber ich möchte, dass du weißt, dass dich NIEMAND wie ich beibringen wird.

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Scott Harris

Painter and Illustrator

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Transkripte

1. Zeichne Charaktere 106 Intro Neu 1080p: Hallo und willkommen , Charaktere 106, Komposition und Design zu zeichnen . In diesem Teil des Kurses werfen wir einen Blick auf die wichtigsten wesentlichen Komponenten der Charakterkomposition und des Charakterdesigns. Diese beiden Elemente sollen uns helfen die visuelle Hierarchie auf der Seite festzulegen. und Gott dem Betrachter helfen, wo man hinschauen muss, was wichtig ist, was nicht wichtig ist, und hilft ihnen auch, sie mit den Charakterzeichnungen , die wir erstellen, zu beschäftigen . Wir beschäftigen uns eingehend mit der Posing-Komposition sowie mit Elementen der Symmetrie und Asymmetrie und wie man visuelle und symbolische sowie ikonografische Elemente manipuliert visuelle und symbolische sowie ikonografische Elemente sowie mit Elementen der Symmetrie und Asymmetrie und wie man visuelle und symbolische sowie ikonografische Elemente manipuliert, um den Betrachter auf Trab zu halten unsere Arbeit. Charakterkomposition ist wirklich eine Unterkategorie der Kunstkomposition im Allgemeinen. Und in diesem Teil des Kurses werde ich Ihnen zeigen, dass es nicht ausreicht, nur Anatomie zu kennen und nur zu wissen, wie man Anatomie gut zeichnet und zu wissen, wie man Anatomie gut zeichnet und einfach zu wissen, wie man gut posiert , um einen guten Charakter zu erzeugen und wie Sie wichtige kompositorische Elemente verwenden müssen , um ansprechende und ansprechende Charaktere zu kreieren . Wie immer möchte ich, dass Sie zuerst alle Lektionen durchgehen und sie dann erneut durchgehen und die Aufgaben erledigen. Ich freue mich sehr, Ihnen diesen Inhalt beibringen zu können. Das sind wirklich High-Level-Inhalte und Sie müssen nicht in der Lage sein, sie zu lernen, aber sie stehen ganz oben in der Wissenspyramide. Also ja, ich freue mich sehr, es dir beizubringen, und wir sehen uns im Cheers des Vermieters. 2. Zentrum der Schwerkraft: Willkommen zur ersten Lektion von Modul sechs. Und in dieser Lektion werden wir uns ansehen, wie Ihre Charaktere im Gleichgewicht halten können. Jetzt stellen Sie vielleicht fest, dass Sie Ihre Charaktere so zeichnen , dass sie möglicherweise von einer Seite zur anderen umfallen oder dass sie sich möglicherweise von einer Seite zur anderen umfallen irgendwie neigen und einfach nicht ausgeglichen erscheinen. Und einer der Gründe dafür ist, dass es im Allgemeinen daran liegt, dass der Kopf oder der Schwerpunkt im Allgemeinen, aber der Kopf nicht mit den Füßen auf dem Boden ausgerichtet ist. Und wann immer das passiert, scheint der Charakter umzufallen. Nun ist die einfache Regel, wenn Sie daran denken können, sicherzustellen , dass sich der Kopf des Charakters zwischen den Beinen oder in einer Linie mit einem einzelnen Bein befindet , dann fühlt sich der Charakter im Allgemeinen ziemlich ausgeglichen an. Ich skizziere hier nur ein Beispiel, eine sehr einfache temporäre grobe Pose. Und hier haben wir den Kopf unseres Charakters, schön und in der Mitte der Füße, genau zwischen den Füßen. Und Sie können sicherlich denselben Kopf mit nur einem Fuß in eine Linie ziehen . Lass uns ein anderes Beispiel machen. Und der Charakter wird immer noch ziemlich ausgewogen erscheinen. Immer wenn der Kopf die Reichweite der Füße verlässt, scheint die Pose eher unausgewogen zu sein. Hier wird es jedoch hauptsächlich in Bezug auf stehende Posen diskutiert . Was wäre, wenn z.B. dein Charakter geneigt, überstimmt, sich bückte? Also ist z.B. ihr Kopf hier. Ich werde den Körper so zeichnen. Vielleicht sind ihre Beine hier drüben. Vielleicht greifen sie nach unten, um sich etwas zu schnappen. Warum sieht das immer noch ausgewogen aus? Und das bringt uns zum Thema Schwerpunkt. Solange der Schwerpunkt des Schaums in einer Linie mit den Füßen oder um den Bereich der Füße fällt Linie mit den Füßen oder um den Bereich der Füße , in der Regel in der Mitte der Füße. Du solltest gut sein. Dein Charakter scheint nicht auf eine bestimmte Weise umzufallen. Stellen Sie also sicher, dass Sie verstehen, wo der Großteil des Gewichts des Formulars befindet. Wenn ein Charakter zur Seite schaut, schaut er vielleicht über einen Peer oder so ähnlich. in diesem Fall an, Nehmen wir in diesem Fall an, dass die Beine des Charakters nicht der Theorie passen , die wir hier gelernt haben. Solange der Großteil der Masse in einer Linie mit den Füßen liegt oder dieser Schwerpunkt irgendwie in die Mitte der Füße oder auf ein einzelnes Bein ragt . Du solltest gut sein und deine Charaktere scheinen nicht herunterzufallen. In diesen Beispielen hier eine gute allgemeine Regel lautet eine gute allgemeine Regel, dass wir versuchen möchten, sicherzustellen, dass die Hand normalerweise am Bein oder zwischen beiden Beinen ausgerichtet ist . Und in Bezug auf das Bücken über Posen oder Posen, bei denen sich der Kopf deutlich außerhalb der Form und überhaupt nicht mit den Beinen ausgerichtet ist. Dass der allgemeine Schwerpunkt an der Form ausgerichtet ist, sodass die Masse oder das Gewicht bis zwischen den Beinen ausgerichtet ist , ist eine zufällige Varianz. Und in diesem dritten Fall hier, wo der Kopf überhaupt nicht alles ausrichtet, sondern der Großteil der Masse wieder zwischen den Beinen liegt . Du solltest gut sein. Deine Charaktere werden nicht aussehen, als würden sie umfallen. Und dann fragen Sie sich vielleicht, was ist, wenn ein Charakter durch die Luft rennt oder springt oder fliegt, oder was haben Sie, wie stellen Sie sicher, dass nicht zu fallen scheint? drüben in diesem Fall. Jetzt ist der Schlüssel wirklich, wenn Sie es tatsächlich so zeichnen dass klar ist, dass der Charakter eine aktive Pose einnimmt, dann werden Sie nicht wirklich ein großes Problem haben. Weil der Betrachter aufgrund der Aktivität wirklich davon ausgeht, dass dieser Charakter in Bewegung ist. Und als solches muss es nicht wirklich aufeinander abgestimmt werden. Es ist sinnvoll, basierend auf dem Kontext dessen, was Sie zeichnen. Sie also an diese drei Dinge Denken Sie also an diese drei Dinge und Sie sollten gut sein und Ihre Charaktere werden nicht umfallen. Das ist nett, leicht zu merken. Großartig. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 3. Assymetrie in Charakterzeichnung: Werfen wir nun einen Blick darauf, Parallelen und Tangenten in unseren Charakterzeichnungen zu vermeiden . Und wenn wir vor allem an Parallelen denken, wollen wir nicht nur an zwei parallele Linien denken . Wir wollen über alles nachdenken, Ideen entspricht, die parallele Formen dieses parallelen negativen Raums bilden , der parallelen Objekten parallel verläuft. Das erste, was wir vermeiden wollen, ist das sogenannte Spiegeln. Spiegelung liegt vor, wenn eine Körperseite dazu neigt, sich übermäßig zu spiegeln oder die andere. Also werde ich zum Beispiel in dieser Grundzeichnung die Arme auf eine besondere Art und Weise erstellen. Sie spiegeln sich gegenseitig wider. Also tu so, als hätte ich geplant, dass dies eine endgültige Zeichnung wird und ich bin noch damit beschäftigt, meine dynamischen Formen zu machen . Ich werde die Arme dieses Charakters im Grunde genau die gleiche Pose machen lassen . Das ist Spiegelung, oder? Im Wesentlichen ist die Form hier also auf beiden Seiten gespiegelt und es entsteht eine visuelle Parallele für den Betrachter. Und visuelle Parallelen sind wirklich schlecht. Sie sind ätzend, sie sind langweilig, trüben das Bild für den Betrachter und wir wollen sie vermeiden. Und um das zu korrigieren, würden wir uns natürlich darauf konzentrieren, vielleicht einen der Arme in eine andere Pose zu bringen. Das erste, was wir vermeiden wollen, ist Spiegelung, richtig? Wir wollen keine Spiegelung. Okay. Leg das zur Seite. Das nächste, was wir vermeiden wollen, ist etwas namens Sawtooth Ding. Und sort2 Ding ist diese Art von Muster oder Form. Sie sehen dies am häufigsten , wenn Menschen Haare oder Fell zeichnen. Der Grund, warum sort2 Ding ziemlich schrecklich ist, ist , dass es auch eine visuelle Parallele ist. Alle diese kleinen dreieckigen Strukturen sind genau gleich und spiegeln sich gegenseitig wider. Und was Sie eher anstreben möchten , ist die formbasierte Kompositionstheorie, bei der Sie die Größe der Elemente variieren. Hier haben wir also unterschiedliche Größen von Elementen, auf die wir hören können, und wir haben nicht zwei Dinge gesehen. Behält also die sort2-Sache im Hinterkopf und vermeidet es um jeden Preis, besonders wenn Sie es hier tun. Und an den Rändern sägezahn nicht. Ordnung, das ist also das, was sort2 Ding ist. Dann werden wir noch einmal über Kurven sprechen, Meerengen, besonders in einer Form, da, richtig, besonders in einer Formszene. Nehmen wir an, Sie sind damit beschäftigt, den letzten Schliff an einem Arm zu machen und wir beginnen hier mit der Schulter und tun so, als hätten wir bereits alle unsere dynamischen Formen geplant und so weiter. Und wir wollen den Arm ziehen, und wir haben den Oberarm hierher gezogen, und dann können wir hierher kommen und wir werden hier einfach die Unterarmelemente einziehen , z. B. ist dieser Bereich hier sehr parallel. Und man könnte sagen, ist das nicht verrückt danach , dass ich zu sehr ins Detail gehe? Ich denke, das sieht alles gut aus. Ich würde sagen, wissen Sie, wir müssen im Grunde einen Großteil unserer Zeit damit verbringen , Parallelen zu beseitigen. Was wir hier tun wollen ist die Theorie der Geraden gegen Kurve zu verwenden um zu versuchen, eine Seite aufzurichten und die andere Seite kurvig zu lassen. In diesem Fall könnten wir also wirklich sagen, oh, nun, lassen Sie uns den Trizeps eher in eine gerade Form bringen. Und Sie können sehen, dass wir insgesamt einen viel dynamischeren Arm erhalten, weil wir diese visuelle Gerade im Kontrast zu dieser Kurve haben. Was wir hier tun, ist dass wir Parallelen beseitigen. Wir wollen also viel Zeit damit verbringen Parallelen in unserer Arbeit zu eliminieren, und direkt gegen die Kurve, um Parallelen zu eliminieren , ist eines der besten Werkzeuge, die wir verwenden können. Und zu guter Letzt wollen wir definitiv eine Position einnehmen , in der wir Tangenten eliminieren. Und Tangenten schleichen sich auf Sie zu, wenn Sie nicht auf Ihre Linienüberschneidungen achten werden all dies ein bisschen kleiner, nur damit wir hier etwas mehr Platz zum Zeichnen haben. Als grundlegendes Beispiel zeichne ich eine Tangente aus Arm und Schulter. Es ist ein üblicher Bereich, in dem Aufmerksamkeit erregt wird. Nehmen wir an, wir haben hier unsere Brust gezogen. Und wir legen unseren Arm hier drüben hin. Und jetzt mache ich mich bereit, hier oben einige meiner detaillierten Anatomiezeichnungen zu machen . Was Sie also manchmal sehen werden, ist, dass die Leute diese Form einfach so anbringen und wir uns in den Arm bewegen. Und was passiert ist , dass wir vergessen die Überlappung dem Betrachter zu vermitteln. Es ist nicht klar, ob der Bizeps hier oder der Armmuskel hier der Arm selbst ist, sollte ich sagen, dass er vor der Brust ist oder nicht? Oder wenn sich die Brust vor dem Arm befindet. Es gibt Fälle, in denen Sie das wirklich zeigen müssen. Was wir also tun müssen, wir haben bereits darüber gelernt, aber ich wollte in dieser Lektion bekräftigen, dass es sich um Überschneidungen handelt, oder? Wir wollen Überschneidungen und wir müssen uns dieser Tangenten, die in unseren Stücken auftreten, sehr bewusst sein. Auf diese vier Dinge wollen wir wirklich , wirklich achten. Die ganze Laufzeit. Sie haben Übungen im Umgang mit uns, die Ihnen helfen, sicherzustellen, dass Sie sich immer bewusst sind und immer auf sie achten Nennen wir sie die vier Übel des Zeichnens. Ordnung? Parallelen beseitigen. Stellen Sie sicher, dass wir keine Elemente in unserem Stück spiegeln. Das sind visuelle Parallelen, symbolische Parallelen. stellen sicher, dass wir keine Parallelen in Sägezahnform haben. Und natürlich wollen wir sicherstellen, dass wir unsere Überschneidungen deutlich zeigen. Es gab unterstützende Formen, an deren Erstellung wir so hart gearbeitet haben, in unseren Zeichnungen. Lass uns weitermachen. 4. Squash und Stretch- für das Zeichnen: In dieser Lektion werfen wir einen kurzen Blick auf ein Konzept namens Squash and Stretch. Und Squash and Stretch bedeutet wirklich nur , dass wenn sich etwas auf der einen Seite dehnt, es auf der anderen Seite quetscht. Im Allgemeinen hat dies normalerweise mit Betätigungspunkten zu tun. Wenn wir also so tun, als wäre das unsere Hand hier drüben, und das ist unser Unterarm und der Oberarm. Wenn sich der Betätigungspunkt hier auf diese Weise nach oben bewegen würde , würden wir auf der einen Seite eine Kompression bekommen und auf der anderen Seite eine Dehnung bekommen. Und das sind wirklich die Grundlagen von Squash und Stretch. Das liegt an einer mechanischen Eigenschaft der Anatomie. Wenn die Bewegung stattfindet, werden wir auf der einen Seite eine Muskelkompression und auf der anderen Seite eine Dehnung des Muskels bekommen. Nun, wo das auch zutrifft und äußerst relevant ist. Und wir werden dies später im Kurs ausführlicher behandeln , was die Gesichtsausdrücke des Charakters betrifft. Jetzt hat der Kopf auch einen Betätigungspunkt darauf , der Kiefer irgendwo in der Nähe. Und natürlich wird das erwartete Quetschen und Dehnen auftreten, wenn sich der Mund öffnet und schließt. Und das ist etwas, dessen wir uns bewusst sein wollen , damit wir immer im Hinterkopf behalten , was mit den Muskeln passiert? Was passiert klinisch wenn wir die tatsächliche Hautoberfläche unserer Charaktere zusammendrücken und dehnen sollten tatsächliche Hautoberfläche unserer Charaktere zusammendrücken und dehnen ? Aber wenn wir ins Gesicht kommen, weil es so viele Muskeln im Gesicht gibt, gibt es eine ganze Reihe von Bewegungen. So kann sich der Mundbereich bis zu einem gewissen Grad bewegen. Die Nase hat einen kleinen Bewegungsbereich, aber sie kann sich bewegen. Die Augenbrauen haben auch eine Reihe von Bewegungen. Wir haben auch die Augenlidbewegungen, die Brauenbewegungen und so weiter. Es gibt viele verschiedene Bewegungen, die auftreten können. Squash und Stretch treten also in der Regel auch auf muskulärer Ebene auf, auch wenn es keine Betätigungspunkte in Bezug auf die tatsächliche Knochenstruktur gibt. Wir wollen uns also wirklich nur kurz ansehen, was das Konzept von Squash und Stretch ist. Es ist wirklich kein sehr breites Thema für uns, obwohl wahrscheinlich für Animatoren bei etwas, das sie wirklich unter die Lupe genommen haben, weil sie sich dessen natürlich in jeder einzelnen Szene bewusst sein müssen in jeder einzelnen Szene bewusst die sie skizzieren. Nichtsdestotrotz ist Squash and Stretch eine wichtige Sache, die wir im Hinterkopf behalten möchten , um diesen Realismus in dieser Glaubwürdigkeit zu bewahren . Sagen Sie einfach mehr über die Glaubwürdigkeit unserer Stücke , damit ihre Haut wie Haut aussieht, ihre Muskeln wie Muskeln erscheinen. Deshalb überzeugen wir den Zuschauer mehr von der Existenz dieses Charakters. Und das ist unser schneller Überblick über Squash und Stretch. 5. Zeichnen von Action und Reaktionen: In dieser Lektion werfen wir einen Blick auf sekundäre Animationen oder sekundäre Aktionen. Und gleich aus dem Offset, bevor wir uns überhaupt Beispiele ansehen, weil wir dort das Wort sekundär haben. Es lässt uns dann denken, nun, was ist die primäre Animation oder die primären Aktionen? Sekundäre Animationen oder sekundäre Aktionen und ihre Rolle bei Aktionen sind fortan wirklich die Dinge, die sekundär zur primären Aktion der Pose geschehen . Hier haben wir zwei Beispiele für gestische Beispiele für einen laufenden Charakter und einen stehenden Charakter, der einen Koffer trägt. Und in diesem Fall können wir hier sehen, dass die primäre Richtwirkung jedes dieser Elemente, wie durch eine Aktionslinie angezeigt, einen bestimmten Winkel dazu hat, eine bestimmte Art von Neigung oder bestimmte Aktionsrichtung in der Pose. Jetzt macht der Charakter, der läuft, natürlich etwas viel Aktiveres als der Charakter, der einfach still steht. Gleichzeitig können wir diese Theorie nutzen, um beide zu verbessern. Ein häufiger Fehler besteht darin, dass Menschen die sekundären Elemente zeichnen und nichts tun. Hier läuft unser Charakter. Wir haben die Haare in einer statischen Position, das Hemd und die ästhetische Position und die Hose ist wirklich in einer statischen Position. Es gibt keinen Sinn, dafür zu bezahlen sich diese Elemente vielleicht als sekundäres Ergebnis der Primärkraft bewegen. Und ähnlich nehmen wir hier im statischen Charakter einfach an, dass, weil der Charakter statisch ist, alles andere statisch sein sollte für das, was der Charakter stillsteht. Vielleicht ist alles andere sehr still. Die Haare der Figur hier sind einfach sehr gerade. Der Schal ist gerade nach unten, das Kleid ist gerade nach unten und das Gehäuse ist sehr parallel. Ein besserer Weg, dies anzugehen, wäre dann jedoch zu sagen, welche sekundären Dinge als Ergebnis der primären Kraft passieren könnten . Hier im Runner. Die Haare winken jetzt zurück. Und wir haben dieses Shirt auch hinten hochgeklappt. Und die Pence flattern jetzt ein bisschen im Wind. Und es verleiht dem Stück eine immense Menge an Energie, Dynamik und Fluss , damit seine sekundären Aktionen stattfinden. Ähnlich ist es in dem Charakter , der still steht, fast so, als hätten wir eine Momentaufnahme von ihr im wirklichen Leben, die Dinge bewegen sich und wir halten einfach inne. Diese Bewegung in unserer Zeichnung. Hier ist leicht nach hinten geneigt und ihr Schal schlägt ein wenig nach vorne, wer hat in einem dynamischeren Winkel Angst und ist vielleicht ein bisschen vom Wind betroffen. Und wir haben auch den Gehäusewinkel angepasst, vielleicht aufgrund dessen, wie sie das Gewicht in ihrem Körper ausgleicht. Sekundäre Aktionen sind also jene Aktionen, die der primären Aktion, die in der gesamten Form stattfindet , untergeordnet sind der primären Aktion, die in der gesamten Form stattfindet , untergeordnet . Die Charaktere, die den Kampf eines Charakters mit Sport oder Laufen schlagen , auch wenn sie auf eine bestimmte Weise stehen, wir werden uns immer fragen wollen, was die sekundären Aktionen sind? Oder habe ich irgendwelche sekundären Aktionen vorgenommen? Zeichne ich Dinge , die sich hätten bewegen können, das hätte es auf statische Weise tun können. Dies ist äußerst wichtig, um sich in Ihren Stücken daran zu erinnern , da sekundäre Elemente, die ich nennen werde, die gesamte Arbeit, die Sie investiert haben, um die primäre Aktion dynamisch zu gestalten, wirklich zunichte machen können . Als praktisches Beispiel sekundäre Aktionen in einem letzten Stück haben wir hier diesen Blutelfen-Topcharakter , der einen Zauber wirkt. Der Zauber ist nicht in dieser speziellen Zeichnung enthalten , weil er tatsächlich später eingemalt wurde. Nichtsdestotrotz passiert in dieser Gegend eine Art Zauberspruch . Und als Ergebnis der Kraft dieses Zaubers wehen die Haare des Charakters als sekundäre Aktion in dem Stück zurück. Also wehen die Haare zurück. Aber gleichzeitig geht sie auch voran. Sie rennt hier vorwärts, damit wir sehen können, wie dein Bein, ein Bein, ein anderes Bein nach vorne kommt und das andere Bein ebenfalls nach vorne kommt. Wir haben hier eine sekundäre Aktion in ihren Kleidungselementen. Da sich unsere Körper in Bewegung befinden, , wenn wir ihren Schmuck betrachten schwanken Ohrringe, wenn wir ihren Schmuck betrachten, und flammen zurück. Ordnung, und diese kleinen Juwelen an ihrem Hals auch. Sie stehen irgendwie in einem leichten Winkel. Nichts ist wirklich statisch. Und hier sehen wir auch diese Juwelen, die zurückschweben, während sich der Charakter bewegt. Es gibt also einige Elemente sekundärer Aktionen, die in diesem speziellen Stück stattfinden. Wir haben sogar einige sekundäre Maßnahmen aus einer unbekannten Quelle. Wir haben zwar Steine im Hintergrund fliegen, das hat nichts mit dem Charakter zu tun , aber es ist immer noch ein Beispiel für sekundäre Aktionen die auch hier im Kleid auftreten. Hoffentlich haben Sie eine sehr klare Vorstellung davon , wie wertvoll und nützlich die Implementierung sekundärer Maßnahmen in Ihre Arbeit ist. Und du willst sie wirklich mit einbeziehen. Du willst sie nicht draußen lassen. Etwas, das Ihre Arbeit wirklich verbessern kann. Warum würdest du es also weglassen? und stellen Sie sicher, Achten Sie also im weiteren Verlauf des Kurses auf sekundäre Maßnahmen dass Sie sie überall dort umsetzen, wo Sie sie benötigen. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 6. Geschlechter- und Altersunterschiede: In dieser Lektion werden wir uns einige Schlüsselkonzepte ansehen , die zwischen der weiblichen und der männlichen Form unterscheiden , oder? Und wir wollen diese Elemente nutzen, um unsere Männer männlich aussehen zu lassen, eine Frau weiblich aussehen zu lassen oder umgekehrt. Du kannst auch basierend auf der Art des Charakters, den du spielst, kreuzen und mischen und kombinieren , egal ob es sich um Männer oder Frauen handelt. Dies sind jedoch die allgemeinen Regeln, die wir befolgen möchten. Die allgemeinen Richtlinien, denen wir folgen und die wir in unserer Arbeit umsetzen möchten , wenn wir versuchen, weiblich aussehende Frauen und männlich aussehende Männer zu gestalten. Darüber hinaus werden wir uns einige wichtige Punkte ansehen , die das Alter unterscheiden. Ordnung, lassen Sie uns darauf eingehen. Das erste, was wir beachten möchten , ist, dass wir beim Zeichnen weiblicher Formen generell weichere, kurvenreichere Linien verwenden und generell versuchen, harte Winkel in den Linien zu vermeiden. Ähnlich oder sollte ich umgekehrt sagen, in den männlichen Formen wollen wir einige Winkel haben. Dies verleiht dem Erscheinungsbild der Linie Steifigkeit und Strukturierung. Und so sieht alles, was Sie mit diesen Arten von Linien zeichnen , etwas robuster, ein bisschen maskuliner steifer aus. Und umgekehrt gibt es natürlich mehr Anmut in den weiblichen Linientypen. Das ist wirklich einfach, aber es ist wirklich eines der wichtigsten Dinge, wenn Sie versuchen, einem bestimmten Charakter einen femininen oder maskulinen Look zu verleihen. Das nächste, was wir betrachten wollen, sind die Unterschiede zwischen den Hüften und der Beckenbreite zwischen der männlichen und der weiblichen Form. Wie wir bereits in unserem Modul für anatomische Formen festgestellt haben, haben Hauptteams einem schmaleren Becken und Frauen tendenziell ein breiteres Becken. Und umgekehrt haben Frauen tendenziell kürzere Schultern und Männer tendenziell breitere Schultern. Und so haben Sie dieses allgemeine Muster in der maskulinen Form von breiten Schultern, schmalem Becken endenden schmalen Hüften. Und umgekehrt in der weiblichen Form kürzere Schultern, breiteres Becken und damit breitere Hüften. Und wirklich, wenn Sie nur dieser sehr grundlegenden Struktur folgen, ist es ein sehr schneller Weg, Ihre weiblichen Charaktere zu haben Ihre weiblichen Charaktere und ein weiblicher und männlicher Charakter sieht männlich aus. Davon ausgehend eine kritische, kritische Sache, auf die geachtet werden muss, besonders offensichtlich hier im Gesichtsbereich , der ein großer Schwerpunkt für Charaktere Hals eine kritische, kritische Sache, auf die geachtet werden muss, besonders offensichtlich hier im Gesichtsbereich , der ein großer Schwerpunkt für Charaktere ist. Dicke. Wenn Sie Charaktere mit einem dünnen Hals versehen, ganz ähnlich wie hier auf der weiblichen Seite. Im Kopf- und Nackenbereich sieht der Kopf tendenziell viel weiblicher aus. Und umgekehrt, wenn der Hals dicker und breiter wird , sieht der Kopf männlicher aus. Und das ist wirklich, sehr wichtig, denn wenn Sie versuchen, einem Charakter einen dünneren Hals zu geben, beabsichtigen Sie, männlich zu werden. Der männliche Charakter sieht eher weiblich oder zu weich aus. Natürlich, wenn das dein Ziel mit dem Charakter ist , dann macht das Spaß. Aber im Allgemeinen, wenn Sie sich für einen Mann entscheiden, möchten Sie einen dickeren Hals haben. Wenn Sie sich für eine Frau entscheiden, möchten Sie einen dünneren Hals haben. Natürlich noch einmal allgemeine Regeln. Das nächste, was ich mir ansehen möchte, ist unsere Größe. In der Regel sprechen wir hier natürlich im Zusammenhang mit der Bilderzeugung. Wir wollen weibliche Charaktere haben oder wenn feministische Charaktere größere Augen haben. Und um einen Charakter männlicher und robuster aussehen zu lassen, möchten wir, dass der Charakter kleinere Augen hat. Dies ist also nur eine weitere allgemeine Regel, die befolgt werden muss. Größere Augen sind weiblicher. Kleinere Augen sind männlicher. Und dann gehen wir natürlich zu Nasengrößen über. Es ist wirklich eine sehr ähnliche Sache, nur umgekehrt. weiblichere Nase ist normalerweise kleiner und ein männlicherer Knoten ist normalerweise größer, oder? Natürlich hält dich nichts davon ab, diese verschiedenen Dinge zu mischen und aufeinander abzustimmen. Wenn Ihr Ziel jedoch darin besteht, eine männliche oder eine männliche weibliche Form zu haben , sind dies die Richtlinien, die Sie befolgen möchten. Stimmt's? Gehen wir zu den Altersunterschieden über. Und wir werden uns hier die Altersverhältnisse ansehen. Ordnung? Also zuerst links haben wir einen typischen weiblichen Körper mit Kopfgröße, aber die breiten Hüften und die Schultern. Aber das, worauf wir achten wollen, ist wirklich die allgemeinen Acht-Kopf-Proportionen, die hier vor sich gehen. Und umgekehrt haben wir ein anderes Formular. Es könnte ein kleiner Junge oder ein junges Mädchen mit nur sechs Köpfen sein. Was wir also getan haben, um diesen Kantenunterschied zu erreichen , ist im Allgemeinen, den Torso auf eine kleinere Kopfmenge zu komprimieren. Hier ist es in drei Köpfen. Und hier haben wir das Alter etwas gesenkt. Wir haben den gesamten Torso in zwei Köpfe gesteckt. Und natürlich sind auch die anderen Proportionen betroffen. Wir haben sie auf eine kleinere Kopfmenge komprimiert, obwohl wir die Kopfgröße ziemlich ähnlich halten. Im Allgemeinen, wenn Sie Charaktere kanten möchten, das erste, was Sie wirklich tun möchten, ist das erste, was Sie wirklich tun möchten, den Torso zu komprimieren. Egal, ob Sie einen Charakter mit vier oder drei Köpfen oder sieben Köpfen spielen, die den Oberkörper zusammendrücken das erste, was Sie tun möchten, um diesen Altersunterschied sichtbar zu machen. Aber die andere Sache, die Sie tun können, und es sieht hier auf der rechten Seite ein bisschen verrückt aus, ist die Vergrößerung des Kopfes eines jüngeren Charakters. Sobald Sie ihre Kopfgröße vergrößern, sehen sie sofort etwas jünger aus. Obwohl diese beiden Charaktere hier gleich groß sind, sieht dieser Charakter tendenziell etwas jünger aus, wenn wir sie in dieselbe Welt bringen müssten, diesen Charakter rechts wäre wahrscheinlich ein bisschen kürzer und ein bisschen jünger als der Charakter auf der linken Seite. Wir möchten bedenken , dass wir, wenn wir den Unterschied im Alter zeigen wollen, die Proportionen ändern und den Oberkörper komprimieren und die Kopfgröße ein wenig erhöhen wollen. Das ist das allererste. Die zweite Sache ist ziemlich einfach, dass die Stirngröße einer der größten Indikatoren für das Alter ist . Hier haben wir also vier kurze, grob gezeichnete Diagramme, die den Unterschied zeigen , den die Stirngröße zur Kante macht. Wenn wir älter werden, werden unsere Stirnen kürzer. Also beginnen wir hier mit der Nummer eins als ältestem Charakter. Hier. Wir bewegen uns in Nummer zwei, etwas größere Stirnfigur sieht etwas jünger aus. Nummer drei, eine etwas größere Stirn, und der Charakter sieht jünger aus. Geschäft. Und dann hier drüben auf Nummer vier und mehr ein extremes Beispiel. Wenn man sich Babys anschaut, haben sie absolut massive Stirnen, oder? Es ist also wirklich nur eine Grundregel, die befolgt werden muss. Offensichtlich gehören drei mehr Ihrer Teenager-Altersgruppe und dann zu Ihrem jungen Erwachsenen, und dann einer, bei dem Sie älter sind und so weiter. Und dies sind einige wichtige Richtlinien, um geschlechtsspezifische Unterschiede und Altersunterschiede relativ einfach in Ihre Arbeit zu bringen geschlechtsspezifische Unterschiede und Altersunterschiede . Lass uns weitermachen. 7. Grundlagen für Charakterdesign: Willkommen zur Lektion über die Grundlagen des Charakterdesigns. Und ich betone das Wort Design. Es wird eine kleine Rednerstunde, aber extrem, extrem wichtig. Ordnung, wenn wir also über Charakterdesign sprechen, ist das Erste, was wir uns wirklich bewusst sein wollen , die Vision. Nun, früh im Kurs betont, wie wichtig das ist. Vision oder die Geschichte, oder das Gefühl, richtig? Oder die Idee. Okay? Gut zeichnen zu können und gute Charaktere erschaffen zu können sind zwei verschiedene Dinge. Du kannst gut zeichnen, ob beobachtend oder fantasievoll, aber ob der Charakter , den du selbst machst , ein großartiger Charakter ist, ein gut gestalteter Charakter ist, ist eine ganz andere Sache. Und was wir also tun wollen, bevor wir auf die Seite kommen, richtig, um den eigentlichen Charakter zu zeichnen. Vielleicht könnten wir es auf einer anderen Seite tun, um etwas zu planen oder zu denken , wollen wir uns ständig bewusst sein und uns fragen, was die Geschichte dieses Charakters ist? Was sind sie? Gefühle des Charakters? Was ist die Idee hinter dem Charakter? Und im Grunde fällt das alles in Vision. Sie möchten eine starke Vorstellung davon haben, was Sie tun möchten. Und ich meine nicht ein starkes Bild in deinem Kopf, wie der Charakter aussieht. Jetzt möchte ich, dass wir mehr darüber nachdenken, nicht, ich wollte dieses Ding eher so zeichnen , als ob ich diese Person erschaffen möchte. Also wirst du keine IT machen, du wirst ein Recht machen. Und wenn Sie in diese Denkweise einsteigen, erhalten Sie eine viel , viel reichere und tiefere Zeichnung eines Charakters. Am Ende des Tages möchten Sie, dass sich die Leute idealerweise Ihre Arbeit ansehen und sich für den Charakter, den Sie kreieren , einkaufen und an ihn glauben. Um das zu tun, muss man bereits verstehen, wer sie als Person sind, außerhalb des Bereichs des Denkens über die Zeichnungsimplementierung und außerhalb des Falschen an der Zeichnungstheorie die Umsetzung der Art und Weise, wie wir Dinge zeichnen. Denn hier wollen wir an unserer Idee arbeiten. Ordnung, hier ist ein weiteres Beispiel, über das Sie nachdenken sollten. Wenn Sie eine schlechte Idee haben , die wirklich gut gezeichnet ist, ist das immer noch eine schlechte Idee, oder? Wenn Sie eine großartige Idee haben , die schlecht gezeichnet ist, ist es immer noch eine großartige Idee. Vielleicht ist die Idee nicht, wenn sie effektiv kommuniziert wird, aber die Idee selbst ist immer noch sehr gut. Das ist ein Grund, warum ich persönlich glaube, dass jeder die Fähigkeit hat zu zeichnen, weil jeder kreativ ist. Zeichnen ist wirklich die Umsetzung dieser Kreativität. Ordnung? Weil wir uns alle wirklich gute Ideen vorstellen können. Wir können alle wirklich coole Charaktere in unseren Köpfen erschaffen. Ordnung, also einige Fragen, die wir stellen wollen , während wir darüber nachdenken und planen, sind die erste große wichtige Frage, was denkt oder fühlt der Charakter? Was denkt oder fühlt der Charakter? Stimmt's? Also wollen wir uns sagen: Okay, wir haben diese Idee. Wir wollen diese Art von Charakter in dem Moment machen , in dem du sie zeichnest, in dem Moment, in dem du versuchst, sie im Bild festzuhalten. Was denkt der Charakter? Wie fühlt sich der Charakter an? Und warum wollen wir uns diese Fragen stellen? Welchen Einfluss wird es auf die Zeichnung haben? Nun, wenn wir wissen, was der Charakter denkt, wissen wir, wie er sich bewegen könnte. Wenn wir wissen, was sie fühlen, wissen wir vielleicht, wie sie sich bewegen oder ausdrücken können. Diese Dinge waren möglicherweise mit dem verbunden, was sie an diesem bestimmten Tag tragen. Und man kann sehen, wie tief der Kaninchenbau tatsächlich geht. Es ist eine ziemlich komplexe Welt , die wir versuchen zu schaffen. Denn wenn du tiefe Charaktere erschaffst, erfordern sie tiefes Nachdenken. Fragen Sie sich auch, welche Entscheidungen dieser Charakter in der Szene treffen wird ? Also z.B. wenn ich zu dir sage: Nun, lass uns eine Figur zeichnen, die ein Glas Wasser trinkt. Wenn du nur bei dir gedacht hast, Charakter trinkt Wasser, dann zeichnest du , was der Charakter tut. Und der beste Rat, den Sie beim Zeichnen von Charakteren bekommen können, ist zu zeichnen, was der Charakter denkt, nicht was er tut. Also, wenn du deinen Verstand bekehrt hast , um einzuzeichnen, wo der Charakter denkt, warum trinkt er dann den Glanz von was auch immer? Haben sie Durst? Ist das Wasser? Ist, sind sie ausgehungert? Wie fühlen sie sich , wenn sie es trinken? Stimmt's? Und das könnte die Feinheiten des Stücks ändern. Wie sie den Glanz halten, der Ausdruck auf ihrem Gesicht aussieht , wenn sie wirklich durstig sind, oder sie trinken nur einen großen Drink, oder sie sind in einem Restaurant oder sie sind gerade fertig ein Rennen laufen lassen. Und das wirkt sich so sehr darauf aus, wie wir es in unseren Zeichnungen umsetzen, oder? Wie setzen wir um, was die Charaktere denken und fühlen, wenn sie die Zeichnungen machen, oder? Andere Fragen oder wer sind die Charaktere? Wer sind sie? Haben sie Namen, oder? Was sind ihre Bestrebungen? Und das zu wissen hilft dir, wieder zu konkretisieren, was sie tragen, wie sie sich bewegen. ZB könntest du sagen, nun, was ist das alles wovon er spricht und sagt, wie sie sich bewegen? Hat es wirklich irgendwas beeinflusst? Natürlich denkt es darüber nach. ZB bemerkt man einen Mann im Einkaufszentrum und er sieht irgendwie traurig aus. Du hast ihn nie getroffen, du hast nie mit ihm gesprochen. Er scheint nicht zu weinen, aber Sie sind sich ziemlich sicher , dass diese Person unten ist, vielleicht hat sie ihr Glück verloren. Und was sagt dir, dass die Art und Weise, wie sich der Charakter bewegt, vielleicht seine Schulterpositionen, richtig? Vielleicht hängen seine Kopfposition, vielleicht hängen diese Arme sehr parallel, das sind Seiten und er wischt herum. Und warum macht sein Körper das? Weil etwas in seiner Hitze vor sich geht, etwas in seinem Inneren vor sich geht. Und so kommen wir in die Herzen unserer Charaktere, die zeichnen konnten, sie sind draußen, sie sind äußere Bewegungen und sie posieren draußen , um zu reflektieren, was sich darin befindet. Das ist nur ein Teil der Magie des Charakterdesigns, bei dem wir Charaktere zeichnen können, die glaubwürdig sind, weil sie so heiß auf sie sind. Es sind gewissermaßen nicht nur Zeichnungen. Es sind Bilder von Charakteren, die durchaus real sein könnten, oder? Und sie haben eine Welt und die Geschichte und müssen leben. Stimmt's? Die andere Sache hier ist, dass du das Gefühl bekommen willst, du bekommst das Gefühl, fühlst, was die Charaktere fühlen. Überlege dir ihren Zweck, richtig? Also lasst uns das hier platzieren. Fühle, was die Charaktere fühlen. Und bedenken Sie auch ihren Zweck. Und du wirst herausfinden, wann du fühlst und versuchst zu fühlen, was die Charaktere fühlen. Du kannst die Rolle eines Schauspielers oder einer Schauspielerin übernehmen , oder? Wo man etwas anderes werden muss, damit sich die Leute diesen Charakter oder die Geschichte, die man wirklich mit dem Charakter erzählt, einkaufen . Sie können sehen, dass diese Geschichte die Idee spürt, die Emotionen hinter dem, was Sie tun, extrem wichtig sind und sie verleihen so viel Wert Ihrem Zeichnen so viel Wert, der über Ihre Fähigkeiten im Zeichnen hinausgeht knapp über Ihre Fähigkeit hinaus, Anatomien und Arbeitsabläufe und all diese Jahre zu implementieren . Andere Dinge. Etwas anderes, über das wir nachdenken möchten, ist, wenn Sie anfangen, sich in diese Art Ideen und Visionen und Geschichten und solche Dinge zu bekommen . Wir neigen dazu, ziemlich klischeehafte Arbeiten zu machen, oder? Es ist ziemlich klischeehaft. Sehen wir uns hier einfach den Schatten an. Okay, ich weiß nicht, warum ein kleiner Vorteil keine Rolle spielt. Wir neigen dazu, leise und klischeehaft zu arbeiten. Und was wir tun wollen, ist dies zu vermeiden , weil ein Klischee an sich, die Idee der Akkretion, z. B. ein Zauberer, das irgendwie wie Gandalf aussieht. Es ist ein sehr klischeehafter Charakter. Das Klischee an sich ist eine Art symbolische Parallele. Wenn man ein Klischee zeichnet, sieht jemand, dass es ein Klischee ist. erkennen sie. Sie sagen sich: Nun, das habe ich schon mal gesehen. Das würden sie wahrscheinlich sagen. Also habe ich das schon einmal gesehen, ich habe diese Art von Zauberer schon einmal gesehen. Sie stellen sich also den Zauberer vor, den sie zuvor gesehen haben. Sie stellen sich dein Stück vor. Und diese beiden Bilder in der Menge von zwei parallelen Linien. Und wie wir im Charakterdesign wissen, hassen wir Parallelen. Wir wollen sie eliminieren. Was kannst du tun, um Ideen aufzunehmen, die du liebst? Du willst aus deinen Lieblingscharakteren heraus fächern. Du willst neue Ideen entwickeln, du willst Zauberer lieben und du liebst Fantasie um der Argumentation willen. Was machst du? Und der Schlüssel ist, dieses bestimmte Genre zu nehmen und sich zu fragen, wie kann ich eine Wendung hinzufügen, oder? Wie kann ich dem einen Twist hinzufügen? Wie kann ich es so verwechseln, dass es zu etwas Neuem wird, dass es keine Parallele mehr ist. Da willst du also wirklich hin. Sie möchten der Idee eine Art symbolische Asymmetrie verleihen . Und die Dinge, über die wir in dieser Lektion gesprochen haben , unterschätzen sie nicht. Man kann wirklich nicht davonkommen darüber nachzudenken, wie sich der Charakter fühlt und so weiter, eine Geschichte, sie fühlen die Welt, die Idee in all den verschiedenen Dingen, die wir angesprochen haben. Und dann erwarte immer noch, dass das Stück wirklich gut und für die Zuschauer wirklich ansprechend ist. Wenn Menschen Bilder betrachten, müssen Sie als Künstler erkennen, dass die Konsumzeit eines Bildes sehr kurz ist, oder? Sie schauen sich ein Bild an und vielleicht können Sie in nur einer Sekunde auf das nächste Bild klicken. Und so haben wir als Künstler einen sehr kleinen Zeitrahmen, einen sehr kleinen Zeitrahmen um zu versuchen, die Vorstellungskraft des Betrachters anzuregen, auch wenn Ihre Zeichnung wirklich gut ist, aber diese Elemente fehlen. Nach einer Sekunde klicken die Leute einfach auf Weiter. Und was wir wirklich tun wollen, ist zu versuchen die Anzeige auf 2 s, 3 s zu erweitern. Vielleicht laden sie das Bild herunter und speichern es. Vielleicht gefällt ihnen das Bild. Vielleicht fügen sie dich zu ihren Lieblingskünstlerlisten hinzu, auf welcher Plattform auch immer du dich befindest, vielleicht erinnern sie sich an dich. Und wir machen das so, ihnen nicht nur eine gute Zeichnung geben. Gib ihnen eine Welt und einen Charakter und eine WHO, an die sie glauben können. Ordnung, ich hoffe, ich war nachdrücklich und ich hoffe du fängst an, ein Bild von einem potenten Zeug zu sehen . Lass uns mit der nächsten Lektion fortfahren. 8. Character: In dieser Lektion lernen wir etwas über Charakterzusammensetzung und Schwerpunkte. In Ordnung? Wenn Sie schon einmal fotografiert haben, etwas über Kunst gelernt haben, haben Sie vielleicht von dieser Drittelregel gehört, oder? Die Bildebene ist also, wie sie sagen, in Drittel geteilt. Und die Bereiche hier, in denen sich die Linien schneiden, Überlegen Sie die guten Stellen , um Fokusbereiche Ihres Bildes zu platzieren. Also werde ich nur eine sehr einfache Umgebung machen. Lass uns hier oben einen Berg aufstellen. Und wir können hier oben ein Schild anbringen, nichts. Und das würde als ziemlich vernünftige Komposition angesehen werden als ziemlich vernünftige Komposition da wir den Gipfel des Berges dort auf diesem Brennpunkt positioniert haben . Und wir machen hier einfach ein paar Hintergrundberge. Und wir werden dort nur etwas mehr Nachdruck geben. Aber es spielt wirklich keine Rolle. Der Punkt ist, dass wir hier ein System haben , bei dem es sich um die Seite oder die Bildebene handelt, mit dem wir berechnen können, wo sich die guten Fokusbereiche befinden. Nun ist dies natürlich ein System oder mehrere Systeme, die Sie verwenden können. Was wir also tun, ist, dass wir sagen, in Ordnung, wir werden die Seite definieren und in diese Drittel teilen. Und wo immer es Schnittpunkte dieser drei Punkte gibt, können wir Schwerpunkte setzen. Und dann können Sie Systeme aufbauen, in denen Sie lesen, die Seite in weitere Quadrate unterteilen und neue Schwerpunkte finden und ein Eins-Zwei-Drei-System von Brennpunkten haben ein Eins-Zwei-Drei-System von und so weiter und so fort. Aber das Problem mit dieser Spitze des kompositorischen für kompositorischen Systems, das aufgrund dieses Bildebenenbereichs in Rot ein seitenbasiertes Kompositionssystem ist, ist, dass wir nicht Verwenden Sie diese Art von Kompositionssystem, um die Zusammensetzung der Charaktere zu komponieren. Ich bin mir nicht sicher, ob wir einen Charakter auf dieser Seite anordnen, z. B. ja, es wäre eine gute Idee, hier vielleicht einen Charakter einzufügen. Wir setzen hier einen Charakter ein, wenn dieser vertikal wäre und wir können den Charakter hier drüben stehen lassen und so fort. Und das würde Spaß machen , weil wir sie nach den Regeln der Seite auslegen . Aber wie komponiert man einen guten Charakter? Nun gibt es natürlich eine ganze Reihe von Theorien dazu. Aber bevor wir dazu kommen, wollen wir als Erstes die Wichtigkeit des Gesichts und der Hände in einem Charakter lernen . Zeichnen. Der Kopf eines Charakters ist immer unser oberster Schwerpunkt. Es ist immer unser oberster Schwerpunkt unabhängig davon, was im Rest der Form passiert, der Kopf ist immer der Schwerpunkt Nummer eins. Und der sekundäre Schwerpunkt sind wirklich die Hände. Die Hände sind immer unsere wichtigsten Schwerpunkte. Der Grund dafür ist, dass wenn wir andere Menschen sehen, dazu neigen, zuerst auf ihre Köpfe zu schauen. Vielleicht reden sie oder sie sagen etwas. Und dann schauen wir uns ihre Hände an. was gestikulieren ihre Hände zu? Was machen ihre Hände? Deshalb neigen wir dazu, in gewisser Hinsicht zu ignorieren , was mit dem Rest des Formulars passiert. Das heißt nicht, dass wir es schlecht zeichnen oder plötzlich nicht ignorieren können , aber die Schwerpunkte der Friedensteams in erster Linie der Kopf und dann die Hände. Und was bedeutet das für unsere praktische Umsetzung des Zeichnens? Nun, es bedeutet zum einen, dass wir den Kopf gut zeichnen, den Kopf gut zeichnen und das Gesicht gut zeichnen wollen zeichnen, den Kopf gut . Okay, wir wollen wirklich viel Aufmerksamkeit darauf richten, den Kopf und das Gesicht gut zu zeichnen. Nun, das zweite, was das bedeutet, ist, dass es die Leute von Tom sind, richtig gut Hände zu zeichnen, oder? Wir müssen die Hände ziehen. Nun, wenn du die Hände vermasselst, kann es tatsächlich das ganze Stück durcheinander bringen. Und natürlich können Sie das gesamte Stück durcheinander bringen, wenn Sie Kopf und Gesicht durcheinander bringen. Nehmen wir an, um der Argumentation willen, du zeichnest, einen perfekten Körper gezeichnet, toller Kumpel, tolle Hände und du hast den Kopf durcheinander gebracht. Sie können das Stück genauso gut wegwerfen, weil der Schwerpunkt des Stücks durcheinander gebracht wurde. Nun ist es sehr wichtig, dass wir das sehr ernst nehmen. Man kann tatsächlich mit einem mittelmäßigen Körper, fantastischen Kopf oder ein paar Händen davonkommen, aber umgekehrt kommt man sicherlich nicht durch. Es gibt jedoch noch etwas anderes, was wir in Bezug auf die Komposition tun wollen, wenn wir über das Zeichnen von Charakteren sprechen. Und das liegt daran, dass wir wissen, dass der Kopf in den Händen von Brennpunkten, wir dies manipulieren können, um eine visuelle Schleife zu erzeugen. Und was meine ich damit? Nun, wir wissen, dass sie im Allgemeinen kopfüber schauen werden. Was wäre, wenn wir die Hände so positionieren würden, dass sie in einem System schweben, sagen wir mal, dieser Charakter hier zeigt auf sich selbst. Mit den Händen schweben auf eine bestimmte Weise, um eine visuelle Schleife zu erzeugen , habe ich hier nicht in den Körper gezeichnet , aber haben Sie Geduld mit mir. Zeichne das einfach schnell ein. Und was wir hier machen ist sagen wir, seine Hand ist auf seiner Hüfte. Am Ende schauen wir uns hier den Schwerpunkt Nummer eins an, nämlich den Kopf, das Gesicht. Und dann haben wir angefangen, uns in dem Stück umzusehen. Aber Sie können hier sehen, dass wir diese Direktionalität mit kleinen Charakteren auf der linken Hand haben. Und trotz allem, was in den Beinen oder Füßen passieren kann , hat diese Hand dort eine Richtwirkung und sie hat einen hinterhältig eingefügten Zeiger im Daumen, der zurück auf das Gesicht des Charakters zeigt. Was wir also tun, ist eine visuelle Schleife zu schaffen. Und warum ist diese visuelle Schleife wichtig, oder warum ist diese visuelle Schleife eine gute Idee? Weil es die Sicht behält, beschäftigt sich mit unserem Stück und sie können nicht verstehen, warum sie es sich immer wieder ansehen. Jetzt haben Sie hoffentlich den Kopf und die Hände und das Gesicht richtig gut umgesetzt . Das ist also schon ein interessanter Grund das Kunstwerk, das Sie machen, wirklich ein schönes Kunstwerk ist , wenn Sie Ihre Struktur verfeinert haben Ihre Struktur verfeinert und alles wirklich gut ist. Aber das sind irgendwie, ich möchte nicht sagen hinterhältig, aber es sind, das sind einige unbewusste Dinge, die wir tun um den Überblick zu behalten und uns mehr mit unserer Arbeit zu beschäftigen Erstellen visueller Loops. Und das ist kein neues Konzept. Das ist kein verrücktes neues Konzept. Es wird ständig gemacht, von Landschaftsmalereien bis hin zu Porträtmalereien. verschiedene Techniken zum Einsatz. Egal, ob sie mit dem Wert oder den Kanten spielen oder mit der Menge an Details, oder mit der Menge an Details sie tun Dinge, damit Sie ihr Stück betrachten können. Und oft wundert man sich, ich weiß nicht warum mir dieses Kunstwerk so gut gefällt. Nun, werfen Sie einen Blick darauf und sagen Sie sich, ob sie eine visuelle Schleife zwischen Brennpunkten schaffen, Brennpunkten, die so zueinander führen , dass sich meine Augen auf der Seite bewegen. Okay, hoffentlich war das eine aufregende Sache für dich, wenn du es noch nicht wusstest, denn es macht auch ziemlich viel Spaß. Natürlich wird nicht jede Charakterpose, die Sie machen, und jede Zeichnung, die Sie machen, diese besondere haben . Wenn Sie Konzeptkunst machen, konzentrieren wir uns mehr auf das Design von der Charakter in Bezug auf sein Outfit und sein Kostüm, und nicht so sehr darum, sich zu engagieren , weil diese Arbeit für etwas anderes geschaffen wurde, für ein Videospiel oder für eine Form. Aber wenn wir über explizite Charakterzeichnungen und Charakterkunst sprechen explizite Charakterzeichnungen und , um gesehen und genossen zu werden. Diese visuellen Loops zu machen ist eine sehr gute Idee. Aber wir wollen auch ein zusätzliches Thema behandeln. Dieses Thema ist das Gesicht. Und was ich hier hervorheben möchte, ist, dass das Gesicht eine wunderbare Leinwand für seine eigene Art von Komposition ist . Und es hat keine strukturierte Reihenfolge dessen, was im Gesicht wichtig ist. Wenn wir nur über das Gesicht allein sprechen, dann wären die Augen der wichtigste Schwerpunkt des Gesichts. Natürlich scheint es ziemlich offensichtlich zu sein, aber lassen Sie es uns trotzdem sagen. Unsere Nummer eins hier sind die Augen, und dann wären unsere wichtigsten Schwerpunkte im Gesicht der Mund, oder? Während es hier viel schwieriger ist, visuelle Schleifen zu erstellen, ist es wichtig zu beachten, dass die Leute zuerst das Ehrliche betrachten und dann den Mund als sekundären Fokus betrachten an, was die Augen tun. Also z.B. könnte das sehr seltsam aussehen, wenn ich den Charakter sagen lasse und aufschaut und lächelt, obwohl sie jetzt etwas unsicher aussehen , das sieht ein bisschen komisch aus, aber trotzdem, wo ich Ich habe versucht, den Charakter traurig aussehen zu lassen. Um zu sichern, was bei Fokus 0,1 in den Augen passiert, möchte Olivin mit dem übereinstimmen, was im Mund passiert. Vielleicht bewegt sich die Mathematik eher zu einem traurigen Mund. Ordnung? Und etwas, worüber man in diesem Zusammenhang nachdenken ist die Reihenfolge der Wichtigkeit in Bezug auf die Gesamtzusammensetzung. Wo in erster Linie die Augen oder die Überschrift. Das ist in Bezug auf unsere Emotionen. Bei der Kommunikation von Emotionen. Sekundär. Die Mathematik stützt die Augen, der Mund ist die Unterüberschrift. Und dann die Leiche. In erster Linie beginnend mit den Händen und dann unterstützt der Körper das Geschehen im Gesicht. Ordnung, also wollen wir über diese Schwerpunkte nachdenken In Ordnung, also wollen wir über diese Schwerpunkte nachdenken, da der gesamte Körper, der Kopf und die Hände im Rest des Körpers sehr wichtig sind. Im Fokus stehen 0.3. Wir wollen über diese Schleifen nachdenken und wir wollen über die Reihenfolge der Zusammensetzung und Wichtigkeit im Gesicht nachdenken die Reihenfolge der Zusammensetzung und Wichtigkeit im Gesicht wobei die Augen wirklich wichtig sind. Und dann sekundär die Mund- und Handprobe und der Rest des Körpers, der das Geschehen im Gesicht unterstützt. Und das sind wirklich unsere Schwerpunkte bei der Charakterkomposition. Fahren wir mit der nächsten Lektion fort. 9. Gestalten von ikonischen Figuren: In dieser Lektion werden wir ein wenig über das Entwerfen ikonischer Charaktere oder Charakter-Ikonographie sprechen . Wenn Sie nun an das Wort Symbol denken, als ob jemand eine Ikone ist, oder warum ist diese Person eine Ikone? Oder du denkst an Charaktere , von denen du weißt, dass sie dir sehr vertraut sind, egal ob sie aus Büchern oder Videospielen oder Filmen stammen oder was hast du dich gefragt? Was ist das für eine Sache? Wenn es diesem Charakter weggenommen würde, würde dieser Charakter aufhören, der zu sein, der er ist? Wenn Sie diese eine ästhetische visuelle Sache an ihnen ändern , würden sie aufhören, zu sein, wer sie sind. Ikonographie im Charakterdesign geht es darum, Dinge wegzunehmen , sodass es nur wenige Dinge gibt, die die visuelle Ästhetik dieses Charakters wirklich definieren. Wenn Sie zum Beispiel ein magisches Mädchen gezeichnet haben, haben Sie Millionen von Taschen zu oder in magischen Kleidern und medizinischen Handschuhen sowie einer Krone und einer Eins hinzugefügt magischen Kleidern und medizinischen , und diese Arten von Stiefeln und diese verschiedenen Farben Schemata und so weiter. In diesem Sinne hätte sie viele Elemente, die definieren, wer sie war und was sie mit Ihren Charakteren versuchen wollte, ist, sie zu destillieren und Elemente zu entfernen, damit Sie eine bestimmte Schau, das ist ziemlich definitiv für diesen Charakter. Um dies weiter zu erläutern, schauen wir uns einige Beispiele an. Hier habe ich nur einen einfachen gesichtslosen Charakter gezeichnet , der einen Charakter ohne Namen hat. Sie existiert in keinem Kontext wirklich für irgendjemanden. Es gibt keine Geschichte für sie oder ähnliches. Aber wenn wir anfangen, ihr ein gewisses Maß an Ikonographie hinzuzufügen, werden Sie feststellen, dass sie anfängt, jemand zu werden. In diesem Fall sieht sie ein bisschen wie Wonder Woman aus, und das liegt daran, dass sie die Frisur in der Krone und diesen Stand auf der Krone hat . Dinge, die bei Wonder Woman ikonisch sind Woman würde in vielerlei Hinsicht aufhören , Wonder Woman zu sein, du könntest den Unterschied zwischen ihr und jemand anderem nicht den Unterschied zwischen ihr und jemand erkennen, wenn sie ihre Krone nicht hätte. , dass Sie im zweiten Beispiel Ich bin mir sicher, dass Sie im zweiten Beispiel erraten können, wer das ist Prinzessin Leia aus Star Wars. Ihre Haarbrötchen oder ihre wichtigsten ikonografischen Elemente. Sie definieren, wer der Charakter ist. Und wenn wir nur eine Silhouette von Princess Layer sehen würden, würden wir wissen, dass sie es ist, wegen der ausgeprägten Form und der ausgeprägten Ikonographie ihrer Haarbänder. einmal ein beliebter Videospielcharakter. Diese Figur sieht jetzt aus wie Tracer aus einem Videospiel namens Overwatch und ihrer großen Brille und ihrer funky Frisur oder ihren endgültigen Elementen. Aber noch mehr als das, es ist wirklich Ihre Brille , die sie definiert. Wenn wir ihre Brille wegnehmen würden, könnten wir annehmen, dass es sich um Tracer handelt, aber wir sind uns nicht ganz sicher, ob es wirklich verletzt wurde. Ihre Brille wirklich, oder ihre Hauptsache hier, das Hauptsymbol. Und nebenbei habe ich diesen letzten hinzugefügt. Ich weiß nicht, ob Sie erraten können , wer dieser Teil sein könnte. Aber es gibt bestimmte Elemente , die diesen besonderen Charakter definieren. Und wenn wir dieser speziellen Szene hier nur einen kleinen Farbtupfer hinzufügen , machen wir uns ein Bild von anderen sehr beliebten Ikone, oder? Und das bedeutet in diesem Sinne, Farbe als auch Gestaltungselemente für die Ikonographie zu verwenden . Um also auf den Anfang über das Entwerfen ikonischer Charaktere und Charakter-Ikonographie zurückzukommen , ist die Kurzversion wirklich so, dass, wenn Sie Charaktere entwerfen und möchten dass Ihre Charaktere einzigartig oder ikonisch, besonders deine Heldencharaktere oder deine Hauptcharaktere. Was Sie anstreben möchten, ist nicht das Hinzufügen von Elementen, um sie einzigartiger zu machen, sondern zu sehen, wie viele Dinge Sie entfernen können , um den Charakter in eine puristische, reinste Form von , die benutzt wurden, um diese eine Sache zu entfernen, würden sie aufhören, dieser Charakter zu werden. Aber wenn Sie diese eine Sache hinzufügen, werden sie zu dem Charakter, für den Sie sie entworfen haben. Die Frage, die wir uns stellen wollen, wenn wir unsere eigenen Charaktere entwerfen, ist, was eine Sache, wenn ich sie entfernen würde, dazu führen würde, dass mein Charakter nicht mehr ikonisch ist oder ob dein Charakter aufhören würde, Charakter, du hast sie so entworfen, dass sie sich so auf die Destillation konzentrieren, wenn du so willst, und nicht Millionen von Details hinzufügen, die vielleicht leichtfertig oder bedeutungslos sind, oder? Das ist das Ende dieser Lektion. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 10. Verwendung von Symbolismus bei der Zeichenfolge: In dieser Lektion lernen wir die Symbolik von Formen kennen und wie sie sich auf das Charakterdesign bezieht. Nun haben die Grundformen von Quadrat, Kreis und Dreieck eine bestimmte Art von fast eingebetteten Bedeutungen in uns. Sie bedeuten uns besondere Dinge. Und wenn wir diese allgemeinen Formen, also unsere Charakterentwürfe, anwenden also unsere Charakterentwürfe, können wir unseren Charakteren auch diese besonderen Bedeutungen verleihen und die Formensprache der Formensymbolismus verwenden Formensprache der Formensymbolismus um unsere Ziele in Bezug auf unsere Zeichnungen zu erreichen. Werfen wir zunächst einen Blick auf den bescheidenen Platz. Und das Quadrat steht unter anderem für Stärke, Vertrauenswürdigkeit, Zuverlässigkeit und Macht. Quadrate und quadratische Formen wie Rechtecke und andere ähnliche Formen scheinen stark, robust, haltbar und so weiter zu sein. Und wenn wir unseren Charakteren, bestimmten Charakterköpfen und ihren Körperformen diese Art von Formquadrat verleihen bestimmten Charakterköpfen und ihren Körperformen , scheinen sie starke, zuverlässige und zuverlässige Charaktere zu sein . Wenn wir an Kreise denken, bekommen wir eine ganz andere Stimmung. Sie sind kurvig, sie sind rund. Und so denken wir über Dinge wie freundlich, weich, süß, sanft, nett, sogar nach. Und runde Formen werden normalerweise für Charaktere verwendet , die sehr freundlich oder Hubble oder kuschelig sind, die guten Charaktere oder die niedlichen, süßen Charaktere. Und dreieckige Formen hatten ein Gefühl von Geheimnis. Da scharf, diese drei Ecken sind sehr scharf. Sie geben ein Gefühl des Bösen. Sie geben auch ein Gefühl der Gefahr. Selbst in unserer Gesellschaft warnen viele Söhne, die wir haben und die dreieckig sind, Sie normalerweise vor etwas. Dreiecke sind also auch sehr viel Warnung. Ich habe also noch einige Beispiele, nur drei Charakterköpfe zeigen und die unterschiedlichen Formen dieser Köpfe aufgrund der Charaktere zeigen. Der erste Charakter auf der linken Seite ist ein Typ. Er sieht aus wie ein zuverlässiger, alltäglicher Typ, dem man vertrauen kann. Jemand könnte wahrscheinlich schwere Kisten für dich heben. Dann ist die zweite Figur ein feindliches Mädchen oder ein Mädchen im Manga-Stil. Und sie sieht süß und weich aus und sie hat viele runde Formen. Und zu guter Letzt haben wir einen Charakter , der nicht zu vertrauensvoll ist und der ein bisschen misstrauisch aussieht. Und seine Gesamtform-Silhouette ist natürlich die eines Dreiecks. Überlagern Sie die Formen. Hoffentlich bekommst du eine allgemeine Vorstellung davon, wie mächtig die Verwendung Symbolik von Grundformen sein kann , um deinem Charakter einen Archetyp zu verleihen, egal ob sie gut oder böse, zuverlässig oder eine Mischung sind . von Formen. Es ist Ihre Entscheidung, wie Sie sie nutzen möchten. Aber ich möchte Sie darauf aufmerksam machen , dass wir die geformte Symbolik nutzen können, wenn wir Charaktere entwerfen. Lass uns weitermachen. 11. Silhouette für Character: Silhouettenwert bezieht sich auf den Wert, den die gesamte Silhouette unserer Charakterzeichnungen dem Stück hinzufügt und dem Stück verleiht . Ein guter Silhouettenwert ist klar, verständlich, lesbar und sinnvoll der Betrachter. Wie Sie vor sich sehen können, haben wir fünf Silhouetten. Und ich muss nicht beschriften, was sie sind, weil man schon anhand ihrer Silhouette erkennen kann , was diese Objekte sind . Hoffentlich können Sie bereits sehen , dass die Silhouette in Bezug auf die Verständlichkeit des Themas ziemlich viel Gewicht hat in Bezug auf die Verständlichkeit des Themas ziemlich viel Gewicht . In unserer Charakterarbeit möchten wir sicher sein, dass wir eine klare und lesbare Silhouette erstellen und dass wir einen Teil des Werts einbringen können , den die Silhouette dem Stück insgesamt verleiht. Schauen wir uns ein Beispiel an. Dieses Stück hier ist ziemlich schwer zu unterscheiden. Wir konnten nicht wirklich sagen , was hier passiert. Und Sie können versuchen, zu raten, was dieses Stück ist. Für mich sieht es irgendwie wie Mutanten aus. Könnte jemand sein, der auf einem Pilz sitzt. Ich bin mir nicht ganz sicher. Sie haben eine Art männliche Frisur und vielleicht einen Pferdeschwanz oder etwas Ähnliches drin. Ich bin mir nicht sicher. Stimmt's? Dies ist ein Beispiel für eine schlechte Silhouette. Es gibt nicht wirklich viele Informationen. Wir haben einige Hinweise darauf , dass es sich um einen Menschen handelt. Es hat eine Kopfform, ish, vielleicht etwas Harish, und das sind wahrscheinlich Finger, aber es gibt nicht viel anderes hier. Man konnte einen Fünfjährigen nicht wirklich fragen : Hey, was ist hier los? Sie wären sich wahrscheinlich nicht sicher, was das tatsächlich ist. Aber wenn wir sicherstellen, dass sich unsere Silhouetten in unseren Stücken gut lesen, haben wir plötzlich eine völlig andere Vorstellung davon was vor sich geht. Klare und lesbare Silhouetten sind also definitiv etwas, dessen wir uns bewusst sein wollen und das wir anstreben wollen. führt uns das normalerweise Wenn wir jedoch etwas über Silhouetten lernen, zu einem anderen Problem. Und dieses Problem wird Fliegenklatsche genannt. Wenn wir versuchen, bessere Silhouetten zu erstellen, geraten wir manchmal in Versuchung, jede einzelne Komponente des Körpers außerhalb der Form zu zeichnen . Und so haben wir am Ende Charaktere, die aussehen, als wären sie von einem Fliegenschlag getroffen worden. Ich werde diesen kleinen Kerl einfach hier rauslocken. Und er ist ein bisschen ein extremes Beispiel, aber Sie verstehen meinen Standpunkt. Er sieht aus, als wäre eine Karteikarte gekommen und hat ihm buchstäblich komplett eine riesige Zahnseide geschlagen , was versteckt ist. Und er ist wirklich irgendwie auf die Seite gequetscht , als wäre er direkt auf die Seite gespritzt worden. Jetzt wollen wir natürlich lesbare Silhouetten, aber gleichzeitig wollen wir, dass sich die Silhouette und die Formen der Zeichnung insgesamt gut lesen, damit wir die Zuschauer, dass wir realistische, glaubwürdige Formen haben. Wir müssen Überschneidungen in unsere Arbeit einführen und manchmal müssen wir Körperteile verstecken. Wenn das also z.B. eine Zeichnung von jemandem mit einer Hand auf der Hüfte und der anderen am Bein wäre, würde sich wahrscheinlich immer noch ziemlich lustig als Silhouette lesen. Aber wir verstecken den rechten Seitenarm. Und weil wir den Arm verstecken, bekommt der Betrachter das Gefühl , dass der den Arm überlappt. Und so haben wir ein Gefühl von Tiefe eingeführt, richtig? wo es Überschneidungen gibt, führen wir Tiefe ein. Und hier können wir sogar das Hinterbein mit dem Vorderbein verstecken und die Silhouette wird wahrscheinlich noch lesen, oder? Was wir also tun wollen, ist ein Gleichgewicht zwischen dem Wert der Silhouette und unseren Überlappungen zu finden Wert der Silhouette und und sicherzustellen, dass unser Bild nicht ins Wanken gerät. Nehmen wir zum Beispiel die beiden Personen auf der Bank, wir können allgemein sehen, dass sie sich hinsetzen und aufeinander schauen. Wir können ihre Arme nicht so gut sehen, aber wir können ihre Beine sehen. Und doch wissen wir, dass es Überschneidungen gibt und dass Tiefe stattfindet. Und das ist die Art von Ausgewogenheit , die wir anstreben wollen. Guter Silhouettenwert, Waren silhouettiert, klar und leicht verständlich. Aber gleichzeitig wollen wir keine Klatschenfiguren fliegen, sie so zusammendrücken, dass alle Gliedmaßen und alle Elemente der Zeichnung gleichzeitig sichtbar sind . Denn das tötet dann die Dreidimensionalität und die Tiefe, die wir wollen. Das hat sich als nützlich für Sie erwiesen. Lass uns weitermachen. 12. Die drei Kernelemente des Charakterdesigns: Es können drei scheinbar einfache, leicht verständliche Dinge sein. Diese drei Elemente sind jedoch im Wesentlichen die wichtigsten übergreifenden Dinge, auf die wir uns beim Zeichnen von Charakteren immer konzentrieren möchten . Der Gesichtsausdruck, die Pose der Figur sowie ihre Kleidung und Accessoires. Aber einfache Looks täuschen und das hat viel mehr Tiefe in Bezug auf den Gesichtsausdruck. Immer wenn wir an einem Charakter arbeiten, steht der Kopf im Mittelpunkt und natürlich auch das Gesicht. Der Gesichtsausdruck muss klar lesen, genau das Gefühl und die Emotion , die wir in dem Stück anstreben, was auch immer das sein mag, ob der Charakter stoisch ist, ob der Charakter ist aufgeregt, traurig oder nachdenklich. Wir brauchen den Gesichtsausdruck zum Lesen. Und es steht an erster Stelle und ganz oben auf dieser Liste, einfach weil Kompositionalität, dieser Kopf die Nummer eins ist und wir uns immer daran erinnern wollen. Dieser Schwerpunkt Nummer eins muss jedoch durch die Pose unterstützt werden. Was auch immer das Gesicht emotional oder tut basierend auf den Gefühlen, die der Charakter erlebt. Die Pose muss das für den Beitrag unterstützen, muss gut gelesen werden, sie muss dynamisch sein. Es muss eine tolle Silhouette haben. Es muss Dynamik haben. Es muss Überschneidungen haben und entgegengesetzte Kurven fließen und viele andere Theorien , die wir auf dem Weg gelernt haben. Und das Posieren ist ein besonders schwieriger Teil weil viele Menschen feststellen, dass sie dazu neigen, den Kopf zu beherrschen und die Köpfe, die sie wollen, in dem Stil zu bekommen , den sie wollen, gut gemacht werden. Aber wenn es um Charakterposieren geht, bleibt es ein Rätsel. Im nächsten Video werden wir dies jedoch ausführlich behandeln. Dennoch ist die Pose entscheidend für die Unterstützung des Gesichtsausdrucks. Und zu guter Letzt es die Kleidung und Accessoires oder das Outfit oder das Kostüm , das der Charakter trägt. Warum das wichtig ist, ist, dass es dem Betrachter von der größeren Welt erzählt dem Betrachter von der größeren Welt , in der sich der Charakter befindet. Stellen Sie sich vor, wenn Sie so wollen, der Charakter in einem Konstruktionsoutfit oder ein Charakter in einem U-Boot-Outfit, es erzählt uns viel mehr über die größere Welt. Es gibt uns eine bessere Vorstellung von Kontext und Geschichte des Charakters. Und wir können viel über die Persönlichkeit des Charakters sagen , was er trägt, wie er ihn trägt, die Farben, die er trägt, die Stile, die er wo und wie seine Haare macht und so weiter und so weiter weiter. Wenn Sie Charaktere entwerfen, stellen Sie sicher, dass Ihre Workflow-Reihenfolge in Bezug auf die Idee des Charakters darin besteht, sicherzustellen, dass der Gesichtsausdruck gelesen wird , und stellen Sie sicher, dass der Pose unterstützt diesen Gesichtsausdruck und stellt dann sicher , dass Kleidung und Accessoires auch zusammenpassen. Dies ist eines der Schlüsselgeheimnisse eines guten Charakterdesigns. Decken Sie diese Grundlagen ab und denken Sie ständig darüber nach, während Sie Ihr Stück durcharbeiten. Diese Lektion mag etwas simpel und unkompliziert erscheinen. Lassen Sie sich jedoch nicht von der scheinbaren Einfachheit dieser drei Elemente täuschen . Wenn Sie jemand sind, der sehr scharfsinnig ist, werden wir feststellen, dass diese drei Elemente relevant für eine Fahrzeugdesignumgebung, Design und Industriedesign übersetzt werden können relevant für eine Fahrzeugdesignumgebung, Design . Und sie markieren wirklich die drei Hauptelemente aller Designs, auf die wir uns konzentrieren möchten. In den kommenden Demos werden wir uns eingehend der praktischen Realität der Umsetzung dieser drei Kernthemen befassen. Betrachten Sie diese also als Ihre drei Hauptziele und Ihre drei Hauptschwerpunkte bei der Gestaltung Ihrer Charaktere. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 13. Die 5 Kernelemente einer guten Character: Was wir jetzt lernen werden, ist vielleicht die einfachste Erklärung, die Sie wahrscheinlich jemals für dynamisches Charakterposieren erhalten werden . Posieren von Charakteren kann oft sehr schwierig sein. Oft müssen Künstler zu viel Referenzen nutzen und sich darauf stützen , weil es ihnen sehr schwer fällt, sich gute Posen auszudenken. Oder wenn sie an gute Posen denken, ist es sehr schwierig, diese Posen so zu implementieren , dass die Dinge nicht statisch oder seltsam aussehen. Aber mit diesen fünf sehr einfachen Regeln würde ich sie wohl nicht Regeln mit diesen fünf einfachen Richtlinien nennen wollen , Sie werden in der Lage sein, dynamisch posiere auch Charakter. Lassen Sie mich kurz bevor wir anfangen, uns diese Dinge anzusehen, sagen , dass dies eines dieser, eines der wichtigsten Dinge ist , die ich Ihnen jemals beibringen würde . Also wirklich, wenn Sie sich verpflichten , sich diese fünf Dinge zu merken oder zum Teufel, wenn Sie sie aufschreiben und sie als Checklistenmode verwenden , oder? Während Sie zeichnen, können Sie Charaktere dynamisch sehr gut posieren , indem einfach diese Richtlinien befolgen. Natürlich braucht man auch die ganze andere Theorie. So funktioniert das einfach. Aber diese fünf Richtlinien oder eine Abkürzung, wenn Sie so wollen, um leicht zu verstehen, wie Sie dynamisch posieren und welche Elemente Sie einbeziehen müssen, wenn Sie Ihre Charaktere dynamisch posieren möchten. Ich werde sie auflisten. Und dann schauen wir uns an, was sie sind. Die allererste ist die Aktionslinie. Aktionslinien, das wäre die primäre Aktionslinie. Und dann die sekundären Aktionslinien. Die nächsten großen sind die horizontalen und die vertikalen Neigungen. Die dritte sind verdrillte Elemente, oder? Du könntest wie das Verdrehen von Elementen sein. Was heißt das? Elemente verdrehen? Der vierte ist Verkürzung, oder? Und der fünfte ist mehrfach. Objekt überlappt sich. Lass uns diese Typen nehmen, sie in die Ecke bringen, richtig? Und sieh sie dir nacheinander an. Diese fünf Elemente beinhalten jedes dieser fünf Elemente in Ihrer Charakterzeichnung. Du wirst eine dynamische Pose haben, oder? Natürlich möchten wir noch einmal, bei all den vorherigen Theoriegesten bei all den vorherigen Theoriegesten, dass die Geste stark ist usw. usw. Aber diese fünf Elemente können Sie wirklich ankreuzen und sagen: Habe ich das, habe ich das verstanden, ich habe es richtig verstanden. Schauen wir uns die Aktionslinie an, die primäre Aktionslinie, die Sekundärinfektion. Die Aktionslinie bezieht sich, wie wir in Modul vier besprochen haben, auf die primäre Linie der gestischen Bewegung in der Form. Wenn wir hier in Bezug auf dynamisches Posen sprechen , wollen wir sicherstellen, dass der Gesamtrhythmus der primären Aktionslinie , bei der es sich um diese große Linie handelt , durch die Formular hier. Und der Rhythmus der sekundären Elemente. Das heißt, die Arme und Beine fließen miteinander. Dass es eine Art Flow gibt, einen rhythmischen Fluss, den wir nicht haben. Seltsam, lass mich das in einer anderen Farbe in seltsamen Winkeln machen wie eine Linie herauskommen, und Arme das in einem OMS tun. Da ist kein Flow drin. Es widerspricht gewissermaßen dem Rhythmus und dem Fluss, den wir sehen, wenn wir eine gute primäre und sekundäre Aktionslinie haben . Lassen Sie mich das in einer anderen Farbe , nur um sie hervorzuheben. Das wären also unsere sekundären Aktionslinien. Und dann ist der große rote in der Mitte unsere primäre Handlungslinie. Wenn Sie sich also Ihr Stück ansehen und sicherstellen, dass Ihre primäre Aktionslinie und Ihre sekundären Aktionslinien gut zusammenfließen. Das ist das erste Schlüsselelement für dynamisches Posen. Lassen Sie mich auch sagen , dass Sie natürlich sicherstellen müssen, dass Ihre Formen, diesem zu folgen, fließen. Und das würde uns zu unserer Theorie der entgegengesetzten Kurven bringen , in der Elemente natürlich entgegengesetzt sind , basierend auf dem Winkel der Gliedmaßen und dem Winkel der verschiedenen Elemente des Körpers. Aber wir brauchen die entgegengesetzten Kurven, um zu funktionieren. Und hier bekommen wir noch einmal den Begriff Rhythmus, damit Sie ihn pulsieren sehen können, alles fließt in einem Rhythmus. Sie möchten das Kästchen aktivieren, das Sie posieren werden hat eine starke primäre Aktionslinie, oder? Und das wollen wir übertreiben. Das, weil wir wissen, dass Details und kühne Details oben die Geste ziemlich, ziemlich stark töten. Und dann wollen wir sekundäre Aktionslinien haben , die mit der primären Aktionslinie fließen. Und das ist unser erstes , worum wir uns kümmern wollen wenn wir dynamische Charakterposierungen machen. Raj, horizontale und vertikale Neigungen. Wir haben dies im Gestenmodul, Modul vier, behandelt. Und das stellt wirklich sicher, dass Sie zwar diesen Flow-Going-Effekt haben, aber lassen Sie uns das vorherige Beispiel verwenden. Während wir diesen Fluss in Gang haben, wollen wir sicherstellen, dass die Fluggesellschaft, die Schulterlinie, die Beckenlinie, wenn möglich, die Knielinien nicht parallel zueinander sind, oder? Sie können sehen, dass alle diese Linien irgendwann zusammenlaufen würden. Okay. Und das sind die horizontalen und die vertikalen Neigungen sich nur auf die vertikalen Versionen dieser Kippungen beziehen. Wenn es möglich ist, möchten Sie also sicherstellen, dass es sich noch nicht um Parallelen handelt. Denken Sie daran, dass dies eher eine Richtlinie ist , da es Zeiten sein werden in denen Sie die Fluggesellschaft und die Schulterlinie möglicherweise parallel haben oder was haben Sie. Die Idee ist jedoch, dass Sie ständig danach streben möchten , diese Parallelen zu durchbrechen , weil dies die Dynamik erhöht. Dadurch sieht das Stück nicht statisch oder wie ein Aufkleber oder wie ein toter Gegenstand oder vielleicht wie eine Figur aus. Es lässt den Charakter echt aussehen als hättest du ihn in einem Moment gefangen. Sie möchten also sicherstellen und das Kontrollkästchen aktivieren , dass die horizontale und vertikale Neigung stark ist und dass es keine Parallelen zwischen diesen Linien gibt , oder? Jetzt in Bezug auf verdrillte Elemente. Dies bezieht sich darauf, dass Sie möglicherweise inzwischen jedes Element in die gleiche Richtung gezeichnet haben . Als Demonstration zeichnen wir hier Charakter nur zum schnellen gestischen Zeichnen. Okay, da haben wir unsere Formulare. Und ändern wir die Neigung des Beckens. Erstellen Sie dynamische, schnelle dynamische Formulare, skizzieren Sie sie. Gerade jetzt in diesem Beispiel haben wir den Kopf in diese Richtung gerichtet. Die Brust ist in diese Richtung gerichtet, oder? Das Becken ist in diese Richtung gerichtet. Die Knie sind beide in diese Richtung gerichtet. Wir haben nicht wirklich die Hände, Arme, Arme und Dinge eingezogen , während sich diese Typen tatsächlich ein bisschen spiegeln. Trotzdem können Sie den Großteil dieser großen Elemente sehen. Sie blicken alle in die gleiche Richtung. Jetzt bezieht sich Twist auf das Hinzufügen von Rotationen zu Dingen, und Rotationen können in Armen erfolgen. Also kannst du z.B. Arme und Hände ziehen oder du ziehst vielleicht eine Faust, die so nach vorne kommt. Stimmt's? Um es jedoch zu verdrehen, würden wir es tatsächlich ein bisschen drehen und uns drehen. Und das ist ein Element oder eine Möglichkeit für uns, unserem Stück mehr Dynamik zu verleihen. Also in diesem Beispiel, wenn wir den Kopf dieses Charakters nehmen und ihn einfach umdrehen würden. Wir haben jetzt ein dynamischeres Teil der Brust, das eine Richtung zeigt und der Kopf in die andere Richtung zeigt. Und in der Tat können wir das Becken sogar in die entgegengesetzte Richtung zeigen lassen. Und wirklich geht es darum, über diese Artikulationspunkte in der Form im Körper nachzudenken . Wo können wir Dinge verdrehen? Wo können wir die Dinge drehen, richtig? Und wir verwenden diese Drehungen in Kombination mit einer horizontalen und vertikalen Neigung, um dem Stück viel Dynamik zu verleihen. Das sieht also einer etwas unmöglichen Pose aus, nur weil der Grad der Verdrehung jemandem erfahren wird, dass dies wahrscheinlich reproduzieren kann. Aber ich bin mir nicht sicher, welche Pose das genau sein würde. Aber die Idee ist, dass wir Elemente rotieren. Wir drehen uns, wir fügen Rotationen an Armen, Beinen und Füßen hinzu, wollen Dinge verdrehen, oder? Verdrehte Elemente haben wir hier gedreht. Sie hatten also genug Gesichter auf diese Weise, in den Brustgesichtern auf diese Weise und die Beckengesichter auf diese Weise. Und die meiste Zeit werden Sie sehen, dass die Rotation um den Beckenbereich und den Kopfbereich stattfindet . Das sind die wichtigsten, das sind die Hauptzonen, oder? Die Hauptzonen. Aber wie gesagt, nichts hindert Sie daran, das Handgelenk zu drehen oder die Fußknöchel zu drehen den Speisepunkt in verschiedene Richtungen zu haben. Du kannst so viel mit dem Twisting machen. Und es ist ziemlich einfach. Denken Sie nur darüber nach, wo diese Artikulationspunkte sind , richtig? Und das ist es, was Elemente verdreht dafür sorgt, dass der gesamte Körper nicht nur in eine Richtung zeigt. Und wenn möglich, versuchen Sie, drei verschiedene drei oder vier Wendungen in dem Stück zu erzielen. Drei oder vier, für uns etwas offensichtlich, das der Betrachter deutlich sehen kann. Eine Sache weist in diese Richtung und andere Dinge weisen in diese Richtung, und eine andere Sache weist in diese Richtung. Auf diese Weise fügen wir dieses dynamische Detail, wenn Sie es als dynamisches Detail bezeichnen möchten , zu einem Stück hinzu, ohne tatsächlich Tonnen von Millionen Details rendern zu müssen, um Dynamik wie dass. Wir durchdringen es irgendwie mit diesen subtilen Dingen wie dem Verdrehen von Elementen, richtig? Dann komme ich zu 0,4, Verkürzung. Eine Verkürzung, wie ich es bei diesen Risiken bisher getan habe, ist, dass wir im Allgemeinen nicht zu viele Verkürzungen vornehmen, weil wir, wie wir befürchten, im Allgemeinen sind, weil es kompliziert erscheint um Elemente vorzusordern. Aber das geht wirklich auf uns zurück, wenn wir in 3D zeichnen. Wenn du eine Faust ziehen würdest , die so herunterkommt, könntest du sie z.B. so zeichnen. Es könnte jedoch dynamischer sein, wenn der Charakter den Arm hochhebt und die Hand tatsächlich den Armrücken überlappt. Und so haben wir diese dynamische Verkürzung, die mit der Hand geschieht , ist deutlich näher am Betrachter, oder? Und es kommt auf sie zu. Jetzt bekommst du etwas, das man extreme Verkürzung nennt. Und das sind die Szenen, in denen der Kopf der Figur so aussieht wie hier unten. Und vielleicht ist es ein Superheld und sie fliegen ihrer Faust vorwärts, ist wirklich riesig so. Und das kannst du auch tun. Es sind wirklich die gleichen Prinzipien beim Durchzeichnen in 3D und beim einfachen Ändern der Größe basierend auf der Entfernung. Ordnung? Vielleicht ist da unser Charakter. Okay, das ist eine extreme Verkürzung. Aber extreme Verkürzung, es ist großartig für zusätzliches Drama und so. Aber ich denke, in Ihren allgemeinen Charakterdesigns, stellen Sie nur sicher, dass Sie einige verkürzte Elemente im Stück haben und dass es nicht speziell den Körper geben muss. Es könnte ein Schwert sein, z.B. der Charakter, stell dir vor, dieser Charakter hält ein Schwert. Es könnte ein Schwert sein, das so auf die Kamera zukommt . Und dass Sie mindestens, ich würde sagen, 123 verkürzte Elemente in dem Stück haben ich würde sagen, 123 verkürzte Elemente , wenn möglich. Und wieder, dies verleiht dem Stück jetzt zusätzliche Dynamik , denn Sie haben nicht nur eine Figur in einer Szene, sondern es gibt auch Dinge, die Tiefe in der Szene zeigen, Dinge kommen auf die Kamera zu und zeigt, dass der Charakter vielleicht weiter hinten oder weiter vorne ist oder was hast du. Verkürzung ist also unsere vierte wirklich, wirklich, wirklich wichtige Sache, die wir in unserer Charakterposierung umsetzen wollen . Und lassen Sie mich einfach innehalten und sagen , dass wir alle viele Demos haben werden, in denen Sie sehen werden, dass dies ständig passiert und Sie mich ständig darüber sprechen hören werden . Und so können wir ein dynamisches Charakter-Posing erreichen. Und natürlich ist der letzte sehr wichtig. Mehrere Objekte überlappen sich. Wenn wir uns diesen Charakter hier ansehen, lass mich eine andere Farbe zum Zeichnen bekommen. Wenn wir den Charakter hier betrachten, zumindest in dieser dynamischen Sichtweise, müssen wir uns fragen, was sich überschneidet? Nun, offensichtlich gibt es noch nicht viele Details, aber die einzigen Überschneidungen, die ich sehen kann, sind der Kopf über dem Hals. Und ich gehe davon aus, dass das Schwert hier ist, das Schwert überlappt diese Körperelemente. Und das würde nur als zwei Überschneidungen gelten. Und das ist ziemlich schrecklich. Wir wollen mehrere Objektüberschneidungen haben. Ob es sich also um Objekte und Kleidung handelt, die Elemente auf der Form des Charakters überlappen , dann überlappt sich die Kopfobjekte des Charakters, vielleicht ein Gürtelriemen , der sich überlappt. Sie möchten sicherstellen, dass Sie mehrere Überlappungspunkte haben . Und wieder, fliege nicht mit Klatsche, das Stück. Fliege keine Klatsche, wenn du kannst, bewege einen Arm hinter dem Stück kann immer noch großartig und dynamisch aussehen , weil der Arm so hart ist, denn dann führst du eine weitere Überlappung ein und du kannst kreisen Sie tatsächlich ein und zählen Sie die Überlappungen im Stück. Mehrere Objekte überlappen sich und stellen sicher, dass es eine Reihe verschiedener Objekte gibt , die all Ihre großen überlappenden Objekte enthalten, ich würde sagen, mindestens fünf bis sieben. Natürlich sind alles, was ich sage , wirklich nur Richtlinien, zeichne und setze Dinge so um, wie du sie brauchst. Denken Sie jedoch daran, dass Sie eine Menge verkürzter Elemente und mehrere Objektüberlappungen im Stück haben möchten. Denn wenn wir uns überlappen, implizieren wir Tiefe und dann implizieren wir auch Dynamik in dem Stück oder fügen hinzu, dass es glaubwürdiger aussieht. Und diese Dinge sind wirklich entscheidend eines der größten Kunstgeheimnisse. Ich nehme an, dass all diese fünf Dinge in einem Stück gemacht werden. Bringen Sie Ihre Kunstwerke auf noch nie dagewesenes Niveau. Ordnung, schauen wir uns nun einige Beispiele an, in denen wir diese Elemente in diesen beiden Teilen identifizieren werden . Und ich verwende hier nur verschiedene Farben, um sie zu kennzeichnen. Und es wäre auch eine gute Übung für Sie, ein Kunstwerk zu finden , das Ihnen wirklich gefällt oder das Sie inspiriert, und dieselben Drawovers über diese Stücke zu machen und zu sehen, ob Sie es finden können das Mehrfachobjekt überlappt sich und das Verdrehen und Kippen und so weiter und so fort. Ordnung, also werfen wir zuerst einen Blick auf die Vorgehensweise hier. Dieser Typ hier, er hat diese Art von Aktion in Bezug auf seine primäre Handlungslinie. Und dann seine sekundären Aktionslinien hier. Dieser Arm hier macht das und der andere läuft irgendwie so. Dieser kommt vorbei, dieser zieht ein. Dann sind die Beine hier nicht wirklich detailliert. Ordnung, das sind also Aktionslinien. Könnte ein bisschen stärker sein, könnte definitiv ein bisschen stärker sein. Die Truhe, könnte sie ein bisschen mehr draußen sein? Natürlich gibt es immer Dinge, verbessert werden müssen, aber sind unsere Handlungslinien, die sicherstellen, dass der Fluss da ist. Ausschlag. Wir können unsere horizontalen und vertikalen Neigungen betrachten. Da ist unser Online, sie hat eine Schulterlinie. Die Beckenlinie ist hier etwas schwer zu lesen. Aber basierend auf der Angabe des Gürtels ist er wahrscheinlich in der Nähe. Stimmt's? Und so haben wir keine Parallelen in unseren horizontalen Torts. Und im Allgemeinen haben Sie in diesem Fall im Allgemeinen auch keine Parallelen in Ihren vertikalen Neigungen. Obwohl das Becken hier ähnlich sein mag, ist es schwer, das zu lesen. Ordnung. In Bezug auf das Verdrehen findet in diesem Stück kein Verdrehen statt. Also werde ich hier eigentlich kein Verdrehen schreiben. Und wenn Sie Ihre Roughs machen und feststellen, dass Sie vielleicht einige Wendungen in das Stück einführen möchten , spreche ich von einer großen Wendung. Siehst du, ich sehe wirklich keine größere Wendung. Sein Kopf ist etwas geneigt. Man könnte argumentieren, dass es eine kleine, kleine Wendung ist. Aber generell würde ich sagen, dass es keine Wendungen gibt, große Wendungen passieren. Die Risiken beim Verdrehen entweder an den Händen. Notieren Sie sich das also bei Ihren Stücken, denn es ist etwas, das Sie verbessern können und etwas, das Sie in der schwierigen Phase definitiv verbessern können, oder? Und Verkürzung. Hier können wir sehen, dass sich diese Hand verkürzt. Es kommt auf uns zu, sicherlich viel größer als das Backend. Und es gibt natürlich weitere kleinere Beispiele für Verkürzungen. Das kleine Horn hier verkürzt sich ein bisschen. Und der Schwertgriff hier, wenn er in den Sortierbereich hinuntergeht, sieht man, dass es hier keine Parallele gibt. Es geht auch zurück in die Ferne. Also die Hand und das gesamte Schwert selbst oder verkürzte Elemente. Und es gibt ein gewisses Maß an Verkürzung am Arm. Es kommt auf uns zu, richtig, verkürzt sich. Und dann nehme ich diese Schichten einfach weg. Für unsere Analyse der Überlappungen mehrerer Objekte werden Sie sehen, wie wichtig Überlappungen mehrerer Objekte in der Anzahl der Objekte in diesem Stück sind. Und das ist es, was ihm in gewisser Weise ein Gefühl von Dynamik verleiht. So überlappen sich z. B. die Hörner, die Vorderseite des Rings, überlappen sich dort mit dem Ohrring, der das Jahr überlappt. Der ganze Kopf überlappt den Hals, der Kopf überlappt die Haare hier und hier. Wir haben dort also ein paar Überschneidungen. Die Schulter und der Arm überlappen sich. Wieder das Schwert tragende Ding. Ich habe seinen Namen plötzlich vergessen, aber wir belassen es trotzdem dabei. Die Hand überlappt hier die Brust, Nicholas überlappt die Brust, die Schulter überlappt die Haare. Diese Elemente überlappen die Haare. Dieser ganze Hand- und Armteil, der die Charaktere überlappt, ganze Körper, die Hand überlappt das Schwert, oder? Das Schwert überlappt den Daumen. Aufgrund dieser Elemente werden verkürzt. Wir haben hier diesen Griffabschnitt , der die Schwertklinge überlappt. Und dann haben wir all diese Elemente sich mit dem Gürtel überlappen, das Tuch die Schwertscheide und das Tuch, das hier das Knieschoner überlappt. Dieser Hone überlappt mehrere Dinge. Es überlappt seine eigene Basis und es überlappt sich. Die Schwertscheide hat eine Stoffüberlappung. Wenn Sie also anfangen, viele dieser Überschneidungen einzuführen, erhalten Sie Tonnen und Tonnen Dynamik in dem Stück. Aber Sie müssen sich dessen bewusst sein und mutig sein und Ihre Zeichnung, um sicherzustellen, dass Sie das Stück nicht mit Zahnseide halten. Nun, klar, ich kann definitiv sagen, ich bin mir ziemlich sicher , dass die Silhouette dieser Figur nicht besonders stark liest, normalerweise wegen des Pferdeschwanzes, sie verändert die Form des Kopfes. Aber ich gehe davon diese Überschneidungen wirklich Dynamik verleihen , wenn Sie nicht auf die Silhouette schauen. Wenn ich mich auf das konzentriert hätte , was ich hier vielleicht eine negative Raumform hinzugefügt hätte eine negative Raumform hinzugefügt , nur um zu zeigen, dass dies ein Charakter ist, dessen Arm auf der Brust liegt und so weiter. Diese Dinge könntest du tun , wenn du in dieser Denkweise bist. Dies ist jedoch das Beispiel die Überlappung mehrerer Objekte. Also schauen wir uns ein anderes Beispiel an. Bitte machen Sie weiter und finden Sie Gelegenheitsarbeiten, die Sie inspirieren und schmecken. Testen und genehmigen Sie diese Elemente , über die ich spreche, diese fünf Schlüsselelemente. Schauen wir uns hier noch ein anderes Beispiel an. Wir haben diese Dame schon mal gesehen. Schauen wir uns ihre Vorgehensweise an. Eine ziemlich nette Linie hier. In ihrer Form. Sagen wir einfach, es ist so etwas. Es ist eine schöne S-Kurve. Ich möchte nur sichergehen , dass das zu 100% stimmt. So etwas, oder? Und wir lassen die Armelemente fließen. Wenn ich fließend sage, muss man immer in Bezug auf entgegengesetzte Kurven darüber nachdenken. Wie ist die, was ist die allgemeine dynamische Form dieser Hand? Okay, das ist es, also weiß ich, dass es in diese Richtung fließen wird , was bedeutet, dass die nächste Flusslinie entgegengesetzt sein wird, oder? Und so stellen wir sicher , dass alles fließt, stellen sicher, dass die gegenüberliegenden Kurven gut ineinander fließen. Ähnlich ist es hier am Bein und am linken Bein so entgegengesetzt. Und so haben wir einen schönen Flow. Und jetzt nehmen wir Kurven an. Während des gesamten Stücks. Stimmt's? Werfen wir einen Blick auf die horizontalen, vertikalen Neigungen. Es gibt also die Fluggesellschaft, die Schulterlinie, die Beckenlinie und die Knielinie, alles völlig unterschiedlich. Großartig. Dieses Kästchen ist angekreuzt. Cool. Richtiges Drehen. Hier haben wir also eine Art dynamisches Maß an Verdrehung. Ihre Brust dreht sich auf diese Weise. Ich versuche da irgendwie einen 3D-Pfeil zu zeichnen. Es ist irgendwie auf uns gerichtet. Ihre Brust, ihr Kopf ist zu drei Vierteln rechts von uns gerichtet . Ihr Becken steht zu drei Vierteln zu unserer Linken. Jetzt hat er hier an ihrem Fuß eine Instanz, in wir tatsächlich zusätzliche Verdrehungen hätten hinzufügen können. Der Fuß hätte eher so herunterkommen können. Und du kannst sofort sehen, wenn ich es drehe, es sieht tatsächlich besser aus, oder? Es wäre besser gewesen, wenn ich die Wendungen gründlich durchgemacht und darüber nachgedacht hätte , was vor sich ging. Hier. Wir haben eine schräge Handdrehung nach rechts, nur einen Schlitz. Es hätte ein bisschen weiter verbessert werden können. Und auch hier scheint sich die Hand nicht so stark zu drehen. Dies scheint also eine weitere verpasste Gelegenheit bei der sich diese Hand für diese zusätzliche Dynamik etwas mehr nach rechts hätte drehen für diese zusätzliche Dynamik etwas mehr nach rechts können. Ordnung, das sind also unsere Wendungen in dem Stück. Und dann in Bezug auf die Verkürzung haben wir dieses Knie nach vorne und dann das Bein nach hinten. Wir haben diese Hand nach vorne und einige Verkürzungen finden an diesem Arm statt. Diese Hand verkürzt sich auch nach vorne. Stimmt's? Es kommt also im Weltraum voran. Sieht sich um, es sieht für den Großteil der Verkürzung nach, wir könnten argumentieren , dass dieses Stück Haar auch nach vorne kommt. Ordnung, und zu guter Letzt gehen wir zu den Überlappungen mehrerer Objekte über. Hier haben wir nur Tonnen und Tonnen von ihnen dem Ohr über den Haaren passieren und Urin über dem Ohr. Zoomen wir einfach hier rein. Der Kopf über dem Hals, der Nicholas darüber, dieses Stück Haar über mehreren Objekten. Das Haar überlappt sich an mehreren Stellen. Dieses Stück Haar überlappt den Arm. Dieser Arm überlappt das Haar, diese Hand überlappt das Kleid, das Kleid überlappt das Knie, das vordere Knie überlappt die Rückseite der Beine. Der Stress, der das Bein überlappt. Sie können also sehen, dass es große und kleinere Überschneidungen gibt. Diese Überschneidung hier. Es gibt kleine Überlappungen, die Kleidung überlappt die Brüste, den Brustbereich, was eine große Überlappung darstellt und das Haar und den Hintergrund überlappt. Geringfügige Überlappung dieses Ornaments an ihrem Arm. Sie können sehen, dass in dem Stück mehrere Objektüberlappungen auftreten. Und diese, wieder einmal, tragen hier wirklich zu dieser Dynamik bei. Dieses Stück Stoff überlappt das Hintergrundstück aus Stoff, und der Fuß überlappt die Rückseite des Kleides. Und zweifellos gibt es noch viel mehr, wenn wir das Stück durcharbeiten Es gibt einige dieser Fälle von Überschneidungen, oder? Das ist also im Grunde das Ende dieser Lektion. Diese fünf Schlüssel-, Schlüssel- und Schlüsselelemente für ein dynamisches Charakter-Posen. Ich glaube nicht, dass dies jemals sozusagen einfach direkt gesagt wurde . Aber trotzdem haben Sie es hier. Folgen Sie diesen, aktivieren Sie die Kästchen und Sie können Ihrem Kopf heraus dynamische Charakter-Posen erstellen. Ordnung, ich sage nicht, dass ich darauf verzichten soll. Manchmal sind es sehr komplexe Posen , auf die Sie sich wirklich beziehen müssen. in den meisten Wenn Sie diese Richtlinien befolgen, können Sie Fällen die häufigsten Posen und die häufigsten Aktionen zeichnen . Wenn Sie diese fünf Elemente haben, diese fünf Tools zur Verfügung. Okay, wir haben eine Menge Demos vor uns, aber wir haben noch ein paar Theoriestunden vor uns. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 14. Verwendung all deiner Drawing: Hier ist ein Satz, von dem ich glaube, dass Sie ihn im Kurs nicht erwartet haben, verwenden Sie den gesamten Buffalo. Was heißt das jetzt? Nun, lassen Sie mich Ihnen zuerst sagen, woher ich das zum ersten Mal gehört habe. Ein Freund von mir erzählte mir vor ein paar Jahren von einem bestimmten Podcast, den er mit einem bestimmten Regisseur, Brad Bird, gehört hatte , der an The Incredibles at pixel arbeitete. Und er ist einer der Spitzenreiter dort. Und zu dieser Zeit, anscheinend in diesem Podcast, hat er mit seinen Animatoren oder seinen Künstlern oder so etwas gesprochen . Und er sagte ihnen , sie sollten den gesamten Puffer benutzen. Und dieser Hinweis auf den Büffel stammt von den Indianern , die niemals einen Teil eines Büffels, den sie getötet hatten, verschwendet lassen würden. Also würden sie die Haut benutzen, sie benutzen sie für Kleidung. Sie essen vielleicht das Fleisch, das dafür die Hörner benutzt , und dafür die Hufe und dafür die Knochen. Und sie haben den ganzen Büffel benutzt. Sie lassen niemals zu, dass etwas verschwendet wird. Und ich wollte euch wirklich davon erzählen, denn was es für uns wirklich bedeutet, ist alle Elemente der Theorie zu verwenden, die ihr benutzt, jeden Trick im Buch, den ihr braucht , um euer Kunstwerk fantastisch zu machen. Wenn wir also über etwas Einfaches nachdenken , sagen wir mal Zeichnen in 3D. Wir wollen durch ein Stück schauen und sicherstellen, dass wir alles in 3D gezeichnet haben. Lass uns nichts Flaches zeichnen. Und wenn wir etwas Flaches gezogen haben, haben wir eine Gelegenheit verpasst. Wir haben ein Stück Büffel verschwendet , das wir hätten benutzen können, oder? Wir wollen also versuchen, nicht verschwenderisch zu sein. Wir wollen sozusagen alle ihre Büffel benutzen. Wenn wir also über horizontale Neigungen und Drehungen Bescheid wissen und all die verschiedenen Theorien , die wir bisher gelernt haben, entgegengesetzte Kurven und Linien warten und locker sind und so weiter und so fort. Und natürlich gibt es viele Theorien, ich bin sicher, Sie kennen inzwischen all diese vielen Theorien, die wir gelernt haben, wir wollen sie alle verwenden und wir wollen unsere Geschichte eines Charakters vorantreiben , weil die Geschichte ein weiteres Stück Büffel und Gefühl und Emotion. Es ist ein weiteres Stück des Büffels, das wir benutzen wollen. Wir wollen jedes erdenkliche Element nutzen , um unsere Charaktere wirklich, wirklich großartig zu machen. Also wollte ich das mit dir teilen. Hoffentlich ist es nützlich für Sie und Sie werden sich daran erinnern. Benutze alle Büffel, benutze alle Theorien. Lassen Sie nichts aus, verpassen Sie keine Gelegenheit, Ihr Stück mit 1.000 winzigen Stücken ein bisschen besser zu machen , Sie können ein wirklich tolles Stück haben. Danke Leute, und wir sehen uns in der nächsten Lektion.