Erstellen Sie mit Adobe After Effects Erklärungen, Bewegungsdesign und Animationen auf professionellem Niveau

1. Kurseinführung! : So erstellen Sie Ihr erstes professionelles Motion-Design-Projekt in After Effects ohne jahrelanges Ausprobieren und ohne Doom-Scrolling-Tutorial Die meisten Anfänger gehen davon aus, dass Animationen auf Client-Ebene so einfach sein werden wie das Befolgen eines Tutorials Es sind keine Tutorials, die Tools vermitteln, kein professionelles Denken Ich habe das auf die harte Tour gelernt. Ich habe den Clip gelandet. Zehn Tage in der Warteschlange. Ich hatte After Effects-Kenntnisse, aber kein System, keinen Prozess, nur Tutorials. Ich habe innerhalb von 17 Tagen geliefert, zu spät, ausgebrannt und verlegen. Ich kannte die Grundlagen, aber als es an der Zeit war, selbst etwas zu kreieren, mein Verstand völlig leer Also kehrte ich zu den Grundlagen zurück. Ich habe untersucht, wie echte Motion-Designer Projekte planen, strukturieren und ausführen, bevor sie sie überhaupt animieren Und so habe ich den Plan für die Animationsproduktion erstellt , ein 11-stufiges System, das zeigt was in jeder Phase zu tun ist, warum jede Entscheidung getroffen wird und wie ein Full-Motion-Design-Projekt ohne Rätselraten abgeschlossen ohne Rätselraten Am Ende dieses Kurses werden Sie in der Lage sein, überzeugende Konzepte und eine klare Geschichte zu entwickeln Konzepte und eine klare Geschichte Sie werden in der Lage sein, komplette Motion-Design-Projekte zu planen und durchzuführen . Sie werden in der Lage sein, wie ein Profi zu denken, auch wenn Sie ein absoluter Anfänger sind. In diesem Kurs werden Ihnen keine Tutorials beigebracht. In diesem Kurs lernen Sie , wie Sie innerhalb und außerhalb von After Effects denken und Entscheidungen treffen können. Mit diesem Blueprint können Sie Erklärvideos, Inhalte für soziale Medien, Kurzfilme, Animationsfilme, Bildungsanimationen und Kundenarbeit erstellen Erklärvideos, Inhalte für soziale Medien, Kurzfilme, Animationsfilme, Bildungsanimationen und Nun, dieser Blueprint ist für Sie, wenn Sie die Grundlagen von After Effects kennen, aber Schwierigkeiten haben, das Projekt fertigzustellen Tutorials haben Ihnen nicht dabei geholfen, professionell aussehende Arbeiten zu erstellen Du willst ein klares System, keinen zufälligen Tipp. Sie stehen vor einem leeren Zeitplan fest und wissen nicht, was Sie zuerst tun sollen. Sie möchten ein wirklich ausgefeiltes Motion-Design-Projekt abschließen . Sie möchten das Selbstvertrauen haben, Projekte selbst zu starten und zu beenden. 2. Wählen Sie Ihren Berg: Ly, es gab dieses Video von einem Pinguin, richtig? Es ist viral geworden und es ist eine großartige Geschichte. Also ein Pinguin lebt normalerweise in der Luft, wo alles sicher ist, als ob er genug Nahrung bekommt und mit anderen Pinguinen Aber dieser Pinguin geht auf diesen Berg zu, fast 70 Kilometer von dem Ort entfernt ist , an dem er geschossen wird Und diese Bilder, ich weiß nicht warum, aber sie inspirieren das Internet wirklich, und sie inspirieren mich auch Okay? Also habe ich einen Vorschlag für dich , dass du dir deinen Berg aussuchen musst, okay? Zum Beispiel produziert der Berg für mich gerade diesen Kurs so schnell wie möglich. Berg für dich könnte bedeuten, einfach konstant zu bleiben , oder Berg für dich könnte es sein schnell wie möglich After Effects zu lernen , sodass du tun oder Geld verdienen kannst, indem du tust, was du liebst. Berg, für manche Menschen könnte es bedeuten, gesund zu bleiben. Berg für manche Leute könnte es sein, ins Fitnessstudio zu gehen. Berg für manche Menschen könnte alles sein. Was auch immer dein Berg ist. Wähle es sofort aus. Es könnte zum Beispiel sein, diesen Kurs zu beenden, oder es könnte Ihr erstes Erklärvideo oder Ihr erstes Animationsvideo produzieren , oder Sie müssen einen Kunden finden, was nicht einfach ist Und egal was passiert, du hörst nicht auf, bis du den Gipfel des Berges erreicht hast, okay auch wenn niemand bei uns ist oder auch wenn wir unterwegs umkommen könnten und wir das Dazu inspiriert uns dieser kleine Pinguin, uns auf den Berg zuzubewegen, auch wenn niemand bei uns ist oder auch wenn wir unterwegs umkommen könnten und wir unterwegs umkommen könnten und wir Gefühl haben könnten, dass das völlig in Ordnung ist Okay? Also, wenn dieser kleine Pinguin auf einen Berg gehen kann, nun, ich bin mir ziemlich sicher, dass du ein verdammtes Video machen kannst Okay. Also achte darauf, dass du bei deinem Bauchgefühl bleibst, dass du deiner Glückseligkeit folgst, dass du jagst und dich deinem Berg zubewegst 3. Kursprojekt: Kundenbeschreibungen: Klassenprojekt, ich habe Ihnen sechs fiktive Kundenbriefe gegeben sechs fiktive Kundenbriefe Diese sind so konzipiert, dass sie sich wie echte Kundenarbeit anfühlen, und es sind keine zufälligen Übungsideen Okay? Sie können also ein beliebiges Briefing auswählen und den gesamten Prozess verfolgen. Okay? Also muss ich dir etwas sagen, das wirklich wichtig ist. Also werde ich Ihnen die Animation nicht zeigen, wie wir es normalerweise tun, als Tutorial, okay, und Sie bitten, mir zu folgen. Ich werde das für diesen Kurs nicht tun. Okay. Stattdessen werde ich das Projekt Schritt für Schritt aufschlüsseln, genau so, wie ein Profi denkt und arbeitet, damit ich es genauer erklären kann. Okay? Und so werde ich Ihnen zeigen, wie Entscheidungen getroffen werden, warum ein bestimmter Ansatz gewählt wird und wie Probleme während der Animation gelöst werden. Okay? Also , wenn ich den alten Lehransatz nehme, quasi ein Tutorial, ich dir sage, was ich gerade mache , währenddessen vergesse ich vielleicht, einzubeziehen, wie ein Profi denken könnte, okay? Und deshalb habe ich das gemacht 4. Entwurf für die Animationsproduktion: Entwurf der Animationsproduktion. Lassen Sie mich Sie nun schnell durch alle zehn oder elf Schritte der Produktion Zuerst haben wir die Vorproduktion, dann die Produktion und dann die Postproduktion. Manchmal ist die Bearbeitung zwar Teil der Postproduktion, aber da wir nicht so viel bearbeiten wie der Editor, habe ich bei Animationen den Schnitt in der Produktion belassen, statt dass wir mit der Postproduktion beginnen. Okay? Also zuerst verstehen wir den Auftrag des Kunden. Sobald der Kundenauftrag verstanden ist, fahren wir mit dem zweiten Schritt fort , der Konzeptualisierung Hier erstellen wir Konzepte von Grund auf. Dann fahren wir mit Schritt drei fort , der Visualisierung. Bei Visualisierungen versuchen wir also, das Aussehen und die Haptik des Endprodukts zu visualisieren das Aussehen und die Haptik des Endprodukts Also wählen wir im Grunde Farben aus, wir sehen, wie die Dinge aussehen und wie sie sich anfühlen werden Okay. Dann fahren wir mit dem vierten Schritt fort, der Erkundung. Bei der Erkundung untersuchen wir also im Grunde die Referenzen und Inspirationen , die wir für unser Projekt benötigen, fahren dann mit dem fünften Schritt fort Der fünfte Schritt ist also anders. Es ist Strategie, okay? Strategien sind also wirklich entscheidend. Hier entwickeln wir also im Grunde Strategien, die uns helfen , das Projekt rechtzeitig abzuschließen. Okay? Das sieht gruselig und lang aus, aber mach dir keine Sorgen, der Kurs dauert nicht so lange. Okay. Sobald das erledigt ist, ist die Vorproduktion abgeschlossen. Und wir brauchen nicht die Zustimmung des Kunden, alles, was AA hat, braucht eine Genehmigung, okay? Sobald das erledigt ist, fahren wir SC Story und Voiceover Okay? In diesem Schritt schreiben wir das Drehbuch oder wir schreiben die Geschichte. Wir verwenden drei X-Strukturen oder die Strukturen, die im Kurs vermittelt werden , und nehmen den Voiceover auf, okay? Wenn du also ein Erklärvideo drehst, bräuchtest du ein Drehbuch, bräuchtest du ein Drehbuch Und dann bekommst du das Drehbuch genehmigt und dann gehst du mit Wenn Sie kein Erklärvideo drehen , handelt es sich nur um ein Video mit einer Geschichte Du bräuchtest nur eine Geschichte, dann kannst du die Genehmigung einholen und dann mit dem nächsten Schritt fortfahren, okay? Jedes Eins hier bedeutet also, dass Sie eine Genehmigung benötigen. Okay. Dann gehen wir zum Storyboard und zum Style-Frame Im Storyboard und im Style-Frame werden wir ein Storyboard und einen Style-Frame erstellen Storyboards sind grobe Bilder davon, was passieren wird. Okay. Es ist im Grunde eine Zeichnung dessen, was passieren wird. Style Frame ist im Grunde ein Screenshot von deinem endgültigen Video, aber wir machen ihn, bevor wir das eigentliche Video machen. Bei der Erstellung von Assets werden wir dann Assets für unsere Animation erstellen. Dieser Schritt ist wirklich wichtig, aber Sie benötigen hier keine Genehmigung. Übrigens habe ich vergessen zu erwähnen, dass Sie beim Storyboard und beim Style-Frame die Zustimmung Ihres Kunden einholen müssen, Sie beim Storyboard und beim Style-Frame die Zustimmung Ihres Kunden einholen müssen denn wenn Sie keine Genehmigung erhalten, werden Sie hier Probleme haben, okay? Stellen Sie also sicher, dass Sie die Zustimmung Ihres Kunden einholen, und sobald das erledigt ist, können Sie mit der Erstellung der endgültigen Elemente für die Animation beginnen der Erstellung der endgültigen Elemente für die Animation Bearbeitung. Okay, also was Animation und Bearbeitung angeht, ist es offensichtlich. Okay, hier animieren und bearbeiten wir. Dann haben wir Sounddesign und Musik. Wir wählen Soundeffekte und was auch immer wir brauchen, wir brauchen Musik, weil Musik und Sounddesign wirklich entscheidend sind. In diesem Kurs werde ich Ihnen auch zeigen, wie Sie großartige Musik auswählen und was Sie dagegen tun können. Es ist wirklich einfach. Okay. Dann ist der letzte Schritt, wir liefern, und wenn unsere Kunden eine Überarbeitung wünschen, bieten wir eine Überarbeitung an. Dies ist der grundlegende Plan dieses Kurses. Okay? Also, wenn du eine Animation machen willst, okay, was das ist, bräuchtest du das. Die meisten Menschen konzentrieren sich so sehr darauf , dass sie die einzelnen Teile vergessen , richtig? Pre weiß nicht, wie man die Vorproduktion macht. Und das ist der Grund, warum sie diese schlechten Konzepte entwickeln, und diese schlechten Konzepte führen nicht nur zu schlechten Animationen, sondern sie werden auch keine Auswirkungen auf Ihr Publikum haben , okay? Aber wir tauchen tief in unser Konzept ein, darin, Dinge zu visualisieren und zu erforschen Dieser Entwurf kann für Filme verwendet werden. Es kann für die Videobearbeitung verwendet werden. Es kann für fast alles verwendet werden, was mit Videos zu tun hat. Okay? Das war's also für den Plan für die Animationsproduktion Wir sehen uns in der nächsten Vorlesung. 5. Schritt 1: Analyse der Kundenbeschreibung: Lassen Sie uns also verstehen , wie man das Kundenbriefing analysiert, okay? Also war das Erste, was ich früher gemacht habe die gesamte Kundenbeschreibung durchzugehen. Das ist ein Logo. Dies sind die visuellen Referenzen , die sie gesendet haben. Okay? Nachdem ich das gesamte Briefing durchgearbeitet habe, möchte ich auf den wichtigsten Teil hinweisen. Die Kernaussage hier ist zum Beispiel, dass Umweltverschmutzung Meereslebewesen schädigt, aber mit Sorgfalt und Handeln kann der Ozean heilen, okay? Das ist also die Kernbotschaft, die sie teilen wollen, okay? Das wird also wirklich entscheidend sein, wenn wir Geschichten schreiben und unsere Bilder entwerfen, okay Dann wird das Publikum auch wirklich entscheidend sein. Es ist für allgemeine Zuschauer im Alter 10 bis 30 Jahren, Familienschüler und Öko-Publikum, okay? Leute, die sanftes, freundliches Geschichtenerzählen dem aggressiven Aktivismus vorziehen freundliches Geschichtenerzählen aggressiven Aktivismus Und das musst du auch im Hinterkopf behalten . Weil es das ist, was die Kunden wollen, okay? Dann sind diese Kunden wirklich nett, weil sie uns auch Ton und Stil gegeben haben. Okay? Also hier wollen sie sanfte, freundliche, zugängliche, emotionale, aber nicht schwere, saubere, illustrative Bilder, ein warmes und hoffnungsvolles Ende, minimalen Text, starke Bilder, okay? Also die Punkte, all das sind wirklich, wirklich entscheidend. Also werde ich sie aufschreiben oder in ein anderes Dokument eintippen , damit ich mich daran erinnern kann wann immer wir Konzepte oder so entwickeln, richtig? Dann ist das auch wirklich wichtig, okay? Denn hier wird dir die Zeit gegeben, okay? Timing bei Animationen ist also wirklich entscheidend, denn wenn du aus einem Tutorial lernst, ihnen das Timing ziemlich egal , oder? Weil sie sich nur darauf konzentrieren, zu vermitteln , wie man diese Sache erledigt oder wie man diesen Effekt richtig erzielt. Aber was ist, wenn es diese Zeitspanne gibt, in der Sie das Ganze in 20 bis 25 Sekunden zeigen Wie wirst du das zeigen? Also das oder wie willst du das in 20 bis 25 Sekunden zeigen? Wenn du darüber nachdenkst, ist es wirklich eine Herausforderung. Es ist, als würde man eine ganze Geschichte in 25 Sekunden erzählen, und das ist nicht einfach, richtig, denn man muss ihnen die Auswirkungen der Umweltverschmutzung zeigen, man muss ihnen die Probleme der Eskalation zeigen Man muss eine Rettungsaktion vorweisen. Du musst sie vorzeigen oder vor oder nach dem Staat transferieren, okay? Und wie du das zeigen willst, liegt ganz bei dir. Sie können die Schritte auf jede kreative, symbolische oder wörtliche Weise interpretieren , oder? Und sie haben uns auch diese kreativen Einschränkungen auferlegt. Es muss also einen Wal mit einbeziehen , es muss die Umweltverschmutzung zeigen, die beseitigt werden muss, und es sollte mit einem positiven Gefühl enden, ohne realistische Versuche oder beunruhigende Bilder Okay? Also das ist der Name der Marke, die, nun ja, sie ist künstlich generiert und gefälscht. Mach dir darüber keine Sorgen. Okay, es ist also ein blauer Himmel 6. Schritt 2: Konzeptionalisierung: Der erste Schritt in jedem kreativen Prozess ist die Konzeptualisierung. Dies geschieht sofort, nachdem Sie aufgeschlüsselt und verstanden haben Sobald das Briefing klar ist, erstellen Sie das Konzept von Grund auf. In dieser Phase muss das Konzept nicht perfekt sein. Es muss Ihnen nur eine klare Richtung geben, eine ungefähre Vorstellung davon, wie die Grafik aussehen könnte Eine wichtige Regel, an die Sie sich erinnern müssen, ist , dass Konzepte aus Geschichten stammen müssen, nicht nur aus Bildern Als Motion-Designer konzentrieren wir uns oft zu sehr auf das Visuelle und vergessen dabei unseren eigentlichen Job Nun, unser eigentlicher Job ist es, den Leuten ein Gefühl zu geben , wenn deine Animation keine Emotionen hervorruft, es spielt keine Rolle, wie gut sie aussieht Das Ziel ist nicht, andere Animatoren zu beeindrucken. Es geht darum, mit einem breiten Publikum zu kommunizieren und Veränderungen anzuregen Ein schwaches Konzept entspricht einer schwachen Geschichte, und kein noch so großer visueller Feinschliff kann das beheben Um starke Konzepte zu entwickeln, folge ich einem vierstufigen System Zunächst stellst du dir die richtigen Fragen. Zweitens extrahierst du Stichwörter, hörst, erstellst grobe Geschichten und viertens erstellst du eine Skizze aus deinen Ideen. Okay? Schritt eins ist also, die richtigen Fragen zu stellen. Der größte Unterschied zwischen Anfängern und Profis besteht darin, wie sie denken. Wenn Sie die richtigen Fragen stellen, wird Ihr Denken sofort auf eine professionelle Denkweise umgestellt Also hier sind die Fragen. Erstens, was will der Kunde und was ist meine Rolle? Nun, das ist für Sie, nicht für den Kunden. Okay? Also Fehler sind in Ordnung. In diesem Fall wünscht sich der Kunde eine kurze emotionale Animation über die Meeresverschmutzung, eine klare Vorher-Nachher-Geschichte, einen familienfreundlichen, hoffnungsvollen Ton, klare und sanfte Bilder und ein Video, das auf allen Plattformen nutzbar ist Jetzt ist es Ihre Aufgabe, daraus eine klare Geschichte, ein klares Design und eine Animation zu machen, klares Design und eine Animation zu machen idealerweise ohne Dialoge Zweitens, welches Konzept inspirieren die bereits existierenden Ideen Bei einigen unmittelbaren Ideen handelt es sich um eine zentrale Figur, wie zum Beispiel ein Wal der die Auswirkungen der Umweltverschmutzung zeigt, und retten ein starkes Gefühl der Veränderung in der Figur. Eine Idee ist also, dass Wale unter Umweltverschmutzung leiden und später gerettet werden, eine andere ist, dass Mutter und Baby getrennt und am Ende wieder vereint werden, aber das mag für einen Anfänger zu komplex sein und eine Frist von sieben Tagen, also halten wir es Die dritte Frage lautet: Was ist die Kernaussage und das zentrale Gefühl? Die Botschaft würde in einer klaren Zeile definiert werden. So schädigt beispielsweise die Umweltverschmutzung das Meeresleben, aber mit Sorgfalt und Maßnahmen kann sich der Ozean selbst heilen Und emotional sollten die Zuschauer Besorgnis, Empathie, Traurigkeit, Erleichterung und Hoffnung empfinden Empathie, Traurigkeit, Erleichterung Nun, diese Emotionen sind grob geschrieben, okay? Also, ich habe diese Emotionen geschrieben, indem das Konzept, das wir in der letzten Frage definiert haben , im Hinterkopf behalten habe, okay? Wenn Sie sich die Emotionen also nicht einfallen lassen können , ist das völlig in Ordnung. Aber du musst bedenken , dass diese Emotionen Farbe, Tempo und Komposition bestimmen Wenn Sie diese Emotionen also nicht für jede Szene definieren können, weil wir noch keine Szenen definiert haben, weil wir noch keine Szenen definiert haben, aber ich schon, seit ich wach bin, arbeite ich seit sieben Jahren in diesem Bereich Also, wenn es dir nicht ganz gut geht. Sie können mit zwei oder drei Emotionen beginnen , die Sie für richtig halten. Okay? Nummer vier, was ist die einfachste visuelle Metapher für dieses Projekt Jetzt ist die klarste Lösung „Vorher und Nachher“. Also zum Beispiel, bevor es Umweltverschmutzung, Finsternis und Brummen gab , danach haben wir Rettung, Klarheit und Heilung Es ist wirklich einfach, es ist lesbar und es ist effektiv. Sobald Sie all dies definiert haben, fahren wir mit Schritt zwei fort, dem Extrahieren von Schlüsselwörtern. Schlüsselwörter helfen Ihnen also dabei, das Design und die endgültige Animation zu visualisieren . Diese Schlüsselwörter werden also aus den kurzen und bereits beantworteten Fragen extrahiert , okay? Zum Beispiel Wale davor und danach, Umweltverschmutzung, Heilung, sauberes Plastik im Meer, Dunkelheit, Rettung und so weiter. Okay? Sie werden also unser Leitfaden für Skizzieren und Geschichtenerzählen Schritt drei besteht darin, eine grobe Geschichte zu verfassen. Okay, wirklich einfach. Erste Geschichte: Ein Wal, der in der Umweltverschmutzung gefangen ist, leidet. Und im Grunde rettet und reinigt der Kunde in einer späteren Version den Ozean und der Wal überlebt Dann habe ich eine weitere Geschichte kreiert . Das ist also emotional , aber komplex. Okay? Also eine Mutter und ein Walbaby sind wegen der Umweltverschmutzung getrennt und am Ende vereinigen sie sich wegen des Rettungsteams. Und für Anfänger und enge Deadlines funktioniert Story One am besten, okay? Dann fahren wir mit dem letzten Teil fort, dem vierten Schritt, und das ist Sketch, okay? Verwenden Sie also Stichwörter, um grobe Ideen zu skizzieren, okay? Sie müssen nicht gut aussehen. Einfach klar. Dieser Schritt dient der Klarheit, nicht dem Perfektionismus. Okay? Und wenn Zeichnen nicht deine Stärke ist, kannst du Referenzen verwenden. Wir werden in den späteren Kapiteln auf Referenzen eingehen, oder Sie können KI dafür verwenden, insbesondere bei kurzen Schlagzeilen. Ich denke, Sie sollten sich auf KI verlassen. KI ist wirklich hilfreich, oder? Aber hier ist das Ziel nicht Perfektionismus. Es sind Klarheit und das Gewinnen dieser Dynamik, die uns helfen werden, unser Projekt auf eine Weise durchzuführen , die hilfreich ist und pünktlich erledigt werden kann 7. Schritt 3: Visualisierung: Visualisierung, wir stellen uns das Erscheinungsbild der endgültigen Animation vor. Hier untersuchen wir grobe Ideen, die uns später bei der Erstellung und Ausführung von Skripten helfen werden später bei der Erstellung und Ausführung von Skripten helfen Die Leute sagen zwar oft, es sieht aus und fühlt sich an, wir definieren sie in umgekehrter Reihenfolge Zuerst das Gefühl und dann das Aussehen. Der erste Teil ist das Fühlen. Dies ist die Emotion, die das Publikum erleben soll. Die wichtigste Frage , die Sie sich stellen sollten, ist , welche Emotionen das Publikum am Ende empfinden soll. Sobald Sie diese Frage beantwortet haben, wird Ihre emotionale Richtung klar. Bei diesem Projekt möchte ich, dass sich das Publikum hoffnungsvoll, sanft, freundlich, sanft und warmherzig fühlt sanft, freundlich, sanft und warmherzig Sobald das Gefühl klar ist, setzen wir es in ein Aussehen Okay? Fragen Sie sich also, welche Farben , Formen, Elemente und Texturen diese Emotionen vermitteln. Weil unsere Gefühle warm und hoffnungsvoll sind , wird es viel einfacher, den Look zu definieren Du kannst sogar deine Emotionsliste in ChagPD oder Gemini einfügen und fragen, welche Farbe, welche Formen, welche Elemente und welche Textur diese Emotionen und Gefühle repräsentiert Wenn es um Farbe geht, bekommst du normalerweise warme Farben wie Gelb oder Orange, und das wird unsere Hauptfarbe für Sobald die Farbe ausgewählt ist, bleibt sie nun während des gesamten Projekts konsistent. Wenn das E beispielsweise orange ist, bleibt es während des gesamten Projekts orange. Nur Helligkeit oder Dunkelheit können sich je nach Stimmung ändern. Ich werde hier nicht tief in die Farbtheorie eingehen. Weil wir bereits einen ganzen Kurs haben, der diesem Thema gewidmet ist. Der Punkt ist einfach der, Sie benötigen eine Farbpalette. Um eine Farbpalette zu erstellen, müssen Sie zunächst das Gefühl auswählen, das hoffnungsvoll, weich, freundlich, sanft und warm ist weich, freundlich, sanft und warm Dann kannst du Gemini oder Cha GPT fragen , welche Farben dazu passen Nehmen Sie die vorgeschlagene Primärfarbe und gehen zu einer beliebigen Website für Farbschemata, z. B. Adopt Cooler und verwenden Sie das Farbrad und verschiedene Harmonien rund um die Primärfarbe, um Ihre Farbpalette zu erstellen Auch hier ist Farbe ein tiefgründiges Thema, also werden wir es hier einfach halten. Dann vermitteln Formen auch Emotionen. Da das zentrale Gefühl hier Hoffnung ist, verwenden wir abgerundete Formen Dies wurde bereits in der Skizze festgelegt, sodass Sie nicht zu lange darüber nachdenken müssen Eine weitere Sache, die Sie hier hinzufügen müssen , sind Ihre persönlichen Vorlieben Das ist dein Projekt. Ihre Vorlieben sind also wichtig. Für mich gehören dazu Farben wie Gelb und Blau. sind meine liebsten Farben, Rauschen, Texturen, Farbschatten, ein Halbton , der mein persönlicher Favorit ist, und ich nehme ihn in jedes Projekt auf, das ich kann, okay? Auch wenn diese Entscheidungen nicht absolut logisch sind, spiegeln sie wider, wer ich bin. Und das ist mir wichtig. Und ich möchte, dass du dich daran erinnerst. Dein Stil ist wichtig, du bist wichtig, okay? Jetzt haben wir die Referenzen intensiv auf den neuesten Stand gebracht. Referenzen kommen später. Nicht erzwungen. Die meisten Leute beginnen mit Referenzen, und genau da machen sie Fehler. Wenn Sie sich zu früh auf Referenzen verlassen, werden Sie am Ende kopieren, anstatt etwas zu erstellen. Wenn Sie sich über Emotionen, Farben, Formen und Texturen im Klaren sind , werden Sie genau wissen , welche Referenzen Sie akzeptieren und welche Sie ablehnen müssen. Bleib dir selbst treu, auch wenn das bedeutet, Stile abzulehnen , die cool aussehen, aber nicht zu dir passen Schließlich definieren wir die Elemente. In diesem Projekt haben wir bereits den Wal, Flasche und die Welle. Wir können auch Sonne, Bretter, Müll oder Boote hinzufügen . Elemente ergeben sich aus der einfachen Frage, welche Objekte sich auf das Projekt und das Thema beziehen. Okay? Liste sie auf und das war's. der Visualisierung geht es also darum, Emotionen, Farben, Formen, Texturen und Elemente klar zu definieren . Im Grunde visualisieren wir, wie unser Abschlussprojekt oder unser letztes Video aussehen könnte Sobald diese klar sind, alles andere einfacher 8. Schritt 4: Erkunden: Schritt ist Erkundung. Bei der Erkundung suchen wir nach Inspiration, die auf unseren Bedürfnissen basiert. Sobald wir sie gefunden haben, verwenden wir sie, um eine Strategie zu entwickeln , die uns hilft, das Projekt rechtzeitig abzuschließen. Dies sind die Referenzen , die ich gesammelt habe. Nun, Referenzen sind wichtig, aber Sie müssen aufpassen, dass Sie sich nicht darin verlieren, denn es ist wirklich attraktiv, sich Referenzen anzusehen und zu blättern, anstatt an Ihrem Projekt zu arbeiten Okay? Die meisten Menschen verbringen zu viel Zeit damit, Referenzen zu sammeln , und am Ende sieht ihre Arbeit genauso aus wie die, die sie sammeln. Wir verwenden Referenzen nicht zum Kopieren, wir verwenden sie als Inspiration. Wenn Sie Referenzen einfach neu erstellen, führen Sie die Kunden in die Irre , aber Sie betrügen sich auch selbst, und das sollten Sie vermeiden Das Finden von Referenzen muss nicht tiefgründig oder kompliziert sein Deshalb ist dieser Teil extrem kurz. Die einzige Regel, an die Sie sich erinnern sollten, ist eine nützliche Referenz Ihr Konzept unterstützen muss. Ein einfacher Ansatz besteht darin alles, was wir bisher gemacht haben, die kurze Konzeptualisierung und Visualisierung des Kunden , dann in den Chat GPT oder Gemini einzufügen und ihn zu bitten, nützliche Schlüsselwörter für Ihre Referenzen für dieses Projekt zu extrahieren Ihre Referenzen Sobald Sie klare Schlüsselwörter haben, wird es einfach, die richtigen Referenzen zu finden Der größte Fehler, den Menschen machen, besteht darin zu viel Zeit mit Referenzen zu verbringen. Sie verirren sich und kämpfen dann bei der Hinrichtung. Das passiert, weil sie sich zu sehr auf Referenzen verlassen und nicht auf ihre eigenen Fähigkeiten und nicht auf ihr eigenes Denken. Verlassen Sie sich immer zuerst auf Ihr Denken und Ihre Fähigkeiten. Referenzen sind nur Referenzen. Erwarten Sie auch nicht, Referenzen zu finden , die perfekt zu Ihrer endgültigen Animation passen. Wenn Ihr Projekt aus mehreren Szenen besteht, ist das unrealistisch. Und wenn Sie die perfekten Partner finden, kommen Sie damit zurecht, und das wollen wir nicht Das Ziel ist es, etwas zu schaffen, das ehrlich und ehrlich zu dir selbst Es muss nicht komplett originell sein, aber es muss authentisch sein. Anfänger kopieren oft Referenzen, und das ist verständlich. Ihnen fehlt die Anleitung. Sie ahmen Profis nach, um zu lernen, aber jetzt haben Sie einen Weg Das müssen Sie also nicht tun. Sie haben einen klaren Denkprozess. Sie wissen, wie man denkt, wie man plant und wie man entscheidet. Die Zeit, die Sie für Referenzen aufwenden, wird sich also natürlich verringern, und genau so ist es 9. Schritt 5: Strategie: Der nächste Schritt ist Strategie. Die meisten Animatoren und die meisten Kurse sprechen nicht über Strategie, aber sie ist unverzichtbar Strategie ist also ein klarer Plan, um das Projekt pünktlich und ohne Burnout abzuschließen Ohne Strategie wird eines dieser drei Dinge passieren. Erstens könnten Sie ausbrennen oder zweitens fragt der Kunde nach Änderungen, für die Sie noch nicht bereit waren, und drittens haben Sie die Frist verpasst Nun, alle drei haben Ihrer Gesundheit, Ihrem Selbstvertrauen und Ihrem Einkommen geschadet. Ohne Strategien fühlen sich Projekte überwältigend an. Sie wissen nicht, wo Sie anfangen sollen, also erstarren Sie. Mit der Strategie wird alles klar und überschaubar. Strategie ist der Unterschied zwischen dem Abschluss eines Projekts und dem Abbruch. Profi, der liefert, und ein Anfänger, der nie anfängt Okay? Strategie ist also entscheidend. Definieren Sie zunächst den Umfang, entscheiden Sie über die Länge der Animation, Anzahl der Szenen, was wichtig ist und was vereinfacht werden kann. Hier können Sie sich fragen, wie lang die Animation sein wird. Wie viele Szenen wird sie haben? Welche Momente sind entscheidend und welche können vereinfacht werden. Denken Sie jetzt daran, dass Sie als Anfänger nicht jeden von ihnen beantworten müssen. Wenn Sie sich jetzt irgendwo festgefahren fühlen, können Sie einfach weitermachen und diese Frage überspringen. Okay? Du brauchst noch nicht alle Antworten. Für dieses Projekt wird das Video also 20 bis 25 Sekunden dauern. Es wird vier bis fünf Szenen haben, wodurch verhindert wird, dass das Projekt außer Kontrolle gerät. Nummer zwei: Entscheiden Sie sich für den Ansatz. Wähle den Stil, der zur Deadline passt, okay? Fragen Sie sich, welcher Stil tatsächlich innerhalb der Frist erreichbar Okay? Also hier wird der Ansatz flach, einfach, abgerundet, minimal sein. Das ist realistisch und machbar. Nummer drei: Entscheide dich für die Tools. Fragen Sie sich, welche Tools mir helfen schnell voranzukommen und welche Tools ich für dieses Projekt benötige. Hier brauche ich also After Effects, Illustrator, KI, damit KI Reibung reduziert und die Dinge beschleunigt Wenn du nicht in Illustrator gehen und die Dinge trennen willst , kannst du KI verwenden, okay? Es macht die Dinge wirklich einfach. Nummer vier, entscheide über die Details der Szene, okay? Nun, das ist Fortpflanzung. Wir sind in der Vorproduktionsphase, kein Perfektionismus, okay? Also denk dran. Also werden die Szenen einfach und sauber sein. Gerade detailliert genug, um Emotionen und Veränderungen zu zeigen. Nummer fünf, wähle die Technik. Fragen Sie, welche Animationstechniken für mein Können realistisch sind. Wenn Sie ein absoluter Anfänger sind, wird sich das herausfordernd anfühlen, und das ist normal. Sobald Sie sich Ihr Storyboard angesehen haben, werden Sie verstehen, was animiert werden muss Von dort aus können Sie feststellen, welche Fähigkeiten und Tutorials Sie benötigen , um das Projekt abzuschließen Sie können diese Frage später beantworten. Für dieses Projekt benötige ich eine formvollere Animation, grundlegende Positions- und Maßstabsanimationen sowie einfache Wellenschleifen Ich möchte übrigens keine normalen Wellen, ich möchte Wellen, die sich reich anfühlen, fast wie Wasserfarben Die Animation selbst ist für mich einfach, aber sie gut aussehen zu lassen, ist der schwierige Teil Ich stelle also klar fest, dass ich Wellenlooks im Aquarellstil lernen oder erforschen muss Wellenlooks im Aquarellstil lernen oder erforschen Nummer sechs, teile es in Schritte auf. Jetzt brechen wir alles auf. Also hier, frag dich, welche Schritte ich unternehmen muss , um dieses Projekt rechtzeitig fertig zu stellen. Okay? Also werde ich zuerst Assets erstellen, dann werde ich Szenen in After Effects oder Illustrator vorbereiten in After Effects oder Illustrator Dann werde ich zuerst die Kernelemente animieren. Zum Beispiel Wellen, Sonne, Wasserbewegung. Diese Elemente bleiben während der gesamten Animation konsistent . Wenn ich sie also einmal animiere, kann ich sie überall verwenden Nur Farben oder Ausdrücke werden sich ändern. Dann konzentriere ich mich auf die Animation der Hauptgeschichte mit dem Wal. Eine Flasche ist hier besonders wichtig. Sie dient als Behälter für die gesamte Geschichte. Danach müssen wir die Übergänge polieren, Dinge gut aussehen lassen, und ja, es sehr wichtig, die Dinge gut aussehen zu lassen. Okay? Wenn die Animation toll ist, aber schlecht aussieht, haben Kunden das Gefühl, dass etwas fehlt. Wenn die Animation durchschnittlich ist, aber fantastisch aussieht, bemerken es die Kunden oft nicht. Ich bitte dich nicht, Kunden zu betrügen. Ich sage dir, dass visueller Feinschliff mächtig ist. Okay? Und der letzte Schritt ist das Rendern und Überprüfen. von diesem Schritt werden wir nun einen Zeitplan für unser Projekt erstellen, okay? Eine einfache Zeitleiste. erste Tag wird also Vorproduktion und der Kreation des Sets beginnen. An den Tagen zwei bis vier wird es um Animation gehen. Am fünften Tag geht es um den Feinschliff oder die endgültige Animation, an Tag sechs um das Rendern und Überprüfen und am siebten Tag um die endgültige Lieferung. Jetzt ist die Vorproduktion die Grundlage. Wenn du es überspringst, wird alles zusammenbrechen. Es ist wie das Fundament des Hauses. Wenn Sie früher oder später das Fundament des Hauses überspringen, fallen Ihnen Ziegelsteine auf den Kopf. Dann haben wir Nummer acht, die darin besteht, Ihre Prioritäten zu klären. Fragen Sie sich, was muss ich priorisieren , um rechtzeitig fertig zu Okay, um pünktlich fertig zu werden, halte die Geschichte einfach Konzentrieren Sie sich auf wichtige Szenen , verwenden Sie Elemente und Animationen so oft wie möglich wieder, beenden Sie zuerst grobe Animationen, vermeiden Sie Perfektionismus Emotionen sind wichtiger als Details. Wenn Sie also Mist bauen, stellen Sie sicher, dass die Emotionen und stellen Sie sicher, dass die Emotionen und der Kern der Szene am richtigen Ort sind. Schließlich sind die Animationen, an die sich die Leute erinnern, nicht die komplexesten, okay? Sie sind es, die ihnen ein Gefühl gegeben haben. Wenn Ihr Publikum etwas fühlt, wird es sich daran erinnern, auch wenn es nicht perfekt ist. Aber um das umzusetzen, benötigen Sie eine Strategie. Okay? 10. Schritt 6: Story, Drehbuch und VO: Also das Drehbuch oder die Geschichte, was auch immer du machst, ob es ein Animationsvideo oder ein Erklärvideo oder sogar ein Geschenk ist ob es ein Animationsvideo oder ein Erklärvideo oder , Jiff, wie auch immer du es sagst, das Drehbuch und die Geschichte sind das Herzstück deiner Wenn du etwas Unvergessliches machen willst , musst du dich daran erinnern Menschen sind und werden immer von Geschichten getrieben sein , egal wie fortschrittlich die Technologien werden, okay? Selbst wenn es eine Zeit geben wird, Mensch und KI zu einem Körper zusammengeführt werden, werden wir uns dennoch von Geschichten inspirieren lassen Wenn du keine Geschichten erzählen kannst, die Menschen bewegen, werden deine Animationsvideos keine Wirkung haben Du erschaffst vielleicht etwas visuell Beeindruckendes, aber die Leute vergessen ständig visuell atemberaubende Videos. Was sie nicht vergessen, sind Geschichten, Geschichten, die ihr Herz bewegen. Daran müssen Sie sich immer erinnern wenn Sie in After Effects Animations arbeiten. Nun, es gibt zwei Arten von Skripten, und das sind die beiden Komponenten hier. Okay? Das erste ist also, wenn Sie ein erklärendes Video erstellen, das zweite ist, wenn Sie ein Video mit einer Geschichte erstellen wie das, an dem wir hier arbeiten Okay? Lassen Sie uns also zuerst die Videoskripte mit Erklärungen erklären Ein Erklärvideoskript ist also eine wichtige Komponente , die das Endergebnis des Videos bestimmt Endergebnis des Es ist die Blaupause, die Designer verwenden, um Charaktere und Umgebungen zu kreieren und zu animieren. Und erklärende Skripte werden hauptsächlich für das Voice-Over geschrieben Okay? Also nimmst du zuerst das Voice-Over und animierst es dann auf der Grundlage des Drehbuchs, und aus dem Drehbuch erstellst du das Storyboard Videos, die auf Geschichten basieren, gibt es nun auch Storytelling, aber es gibt einen wesentlichen Unterschied In Erklärvideos verfügen Sie über Voiceover, wodurch Sie viel Kontrolle über Tempo, Klarheit über Tempo Videos wie diesem, die auf Geschichten basieren, gibt es kein gibt es Das bedeutet eine doppelte Herausforderung. Das bedeutet, dass die Geschichte selbst stark genug sein muss , um alles sicher zu vermitteln. Man muss viel bewusster darauf achten , wie die Geschichte abläuft, wie die Bilder das sind, was die Charaktere tun, oder? Schauen wir uns jetzt an, wie man die Geschichte schreibt, okay? Um eine Geschichte zu erzählen, braucht man eine Struktur. Eine sehr beliebte Struktur, die in den meisten erfolgreichen Filmen verwendet wird. Sie wird die Drei-X-Struktur genannt. Der erste Akt zeigt also das Problem. zweite Akt zeigt, wie das Problem angegangen oder angegangen wird. Der dritte Akt zeigt die Lösung. Okay, in Erklärvideos stellt der erste Akt zum Beispiel den Konflikt, den Charakter und die Situation vor, in der sich der Charakter befindet zweite Akt zeigt die Hindernisse und Komplikationen und zeigt den Kunden auch Produkte als Lösung Und der dritte Akt liefert die Lösung dafür, wie die Produkte des Kunden sein Problem lösen. Wir werden das in nur einer Sekunde durchgehen. Okay? Nun, diese Struktur ist extrem nützlich, wenn Sie explantc schreiben Hier erfahren Sie, wie Sie sie tatsächlich verwenden können. Sie beginnen buchstäblich damit Akt eins zu schreiben, Akt zwei, Akt drei. Okay? Was ist das Problem im ersten Akt? zweiten Akt geht es darum, wie das Produkt oder die Dienstleistung des Kunden das Problem löst? Dritter Akt, warum sollte der Zuschauer den Kunden anderen vorziehen? Das ist es. Okay? Nun, lassen Sie uns diese Struktur auf unser Projekt anwenden, okay? Also fangen wir mit dem Vorher an , bevor wir Konflikte einführen. Wir erhöhen langsam das Ausmaß des Konflikts auf eine Weise , die für das Publikum emotional schmerzhaft ist. Zuerst zeigen wir den Wal, der von Plastik umgeben ist. Dann zeigen wir den Wal tot mit noch mehr Plastik, und die Sonne ist traurig. Nun, das ist der emotionale Tiefpunkt. Hier stellen wir die Lösung vor. Die Lösung ist der Service des Kunden, der den Ozean reinigt. Wir zeigen, wie der Ozean gereinigt wird. Und am Ende ist der Wal glücklich, die Sonne ist glücklich, der Vogel fliegt und der Ozean ist wunderschön, er ist sauber Okay? Und zum Schluss schließen wir mit dem Logo des Kunden. Das ist also die Geschichte, oder? Also, hier ist etwas Wichtiges. Struktur ist wichtig, besonders wenn Sie ein Anfänger sind. Folgt ihm. Das ist völlig in Ordnung. Strukturen wie die Drei-X-Struktur. Und es gibt viele Strukturen des Geschichtenerzählens, nicht nur eine Drei-X-Struktur, okay? Aber wichtiger als Struktur ist Intuition. Nicht jeder großartige Film folgt einer Stream-Struktur. Sie müssen keine Formel kopieren. Was zählt, ist das? Deine Charaktere müssen etwas Sinnvolles durchmachen. Es muss eine klare Transformation entweder im Charakter oder in der Welt. Und die Geschichte muss dem Publikum ein Gefühl geben. Es muss nicht immer einen tiefen, bleibenden Eindruck hinterlassen, aber es muss diese emotionale Verbindung schaffen, oder? Wenn das Publikum etwas fühlt, haben Sie bereits gewonnen, unabhängig davon, ob Sie TX-Struktur perfekt folgen oder nicht. Das ist das Wichtigste, an das Sie sich erinnern sollten. Stimmt das? Wenn du also an einem Erklärvideo arbeitest, ist das die Phase, in der du das gesamte Drehbuch schreibst Sobald es geschrieben ist, senden Sie es nach der Genehmigung an Ihren Kunden, um Feedback Sie nehmen das Voice-Over zu erhalten. Sie nehmen das Voice-Over auf und fahren dann mit der Deshalb ist diese Phase so wichtig. Aus diesem Grund stehen Drehbuchgestaltung und Storytelling im Mittelpunkt des Produktionsprozesses Und das war's mit dem Geschichtenerzählen, dem Drehbuch und 11. Bedeutung des Skizzenbuchs: Wir sind bei After Effects, und das Erste, was ich erklären möchte , ist die Bedeutung von Lassen Sie mich Sie kurz durch meine Skizzen führen, die meiner Meinung nach nicht die besten von allen sind , und das ist Okay? Der Grund, warum wir skizzieren, ist nicht um anderen zu zeigen, wie großartig wir sind, weil, naja, Sie können sehen, wie großartig ich bin, sondern um diese Angst zu überwinden schlechte Dinge zu schaffen, hässliche Dinge. Wenn Sie mit dem Zeichnen beginnen und kein Experte sind, werden Sie sich wahrscheinlich unwohl fühlen. Warum? Weil die Welt will, dass wir perfekt sind. Und nun ja, wir sind überhaupt nicht perfekt. Und was Sie am Ende machen werden , werden Dinge sein , die nicht perfekt sind. Und das wird dich auslösen. Also, wenn dich das auslöst, musst du einfach dabei bleiben, okay, und du musst skizzieren, auch wenn es sich unangenehm anfühlt. Also, das hier ist zum Beispiel aus meinem persönlichen Tagebuch. Im Grunde wollte ich mir angewöhnen pünktlich zu schlafen und pünktlich aufzuwachen Und so zeichne ich das bei dieser Gelegenheit, okay. Und so kannst du so viele Dinge tun. Aber Sie müssen sich daran erinnern, dass Sie sich beim Skizzieren unwohl fühlen werden Die Gewohnheiten, bei denen Sie sich momentan unwohl fühlen, aber Sie wissen, dass sie eines Tages nützlich sein werden, sind die Gewohnheiten, die Sie so schnell wie möglich entwickeln müssen Okay? Deshalb habe ich mir angewöhnt, pünktlich zu schlafen und pünktlich aufzuwachen Das ist das Erste, und eine weitere Angewohnheit, die ich mir angewöhnt habe, war das Skizzieren, okay? Und lass mich dir etwas anderes zeigen. Okay? Okay, ich habe versucht, einen meiner persönlichen Lieblingscharaktere zu kreieren, okay. Aber leider, naja, ich bin mir ziemlich sicher, dass du erkennen kannst, wer das ist, aber wenn nicht, naja, dann habe ich aus einem Skizzenkurs gelernt Okay, du siehst, das nennt man Aktionslinie. Darauf werde ich nicht viel näher eingehen. Dies ist ein weiterer Eintrag aus meinem persönlichen Tagebuch. Ich skizziere meine Ideen über mich lieber als dies aus einem älteren Tagebuch von mir stammt. Okay, das ist also im Grunde ein Cover, und wie Sie sehen können, ist es hier verrostet, sehen Sie Es ist verrostet und es ist wirklich alt, naja, aber es hat mir gefallen. Dann ist das eine Wolke. Ich weiß nicht, warum es hier klein ist, aber nun, es ist eine Wolke und da ist diese Schaukel und sie ist süß. Dann haben wir diesen Kaktus, okay? Dieser ist mein persönlicher Favorit. Ich habe keine Möglichkeiten gefunden , das zu animieren. Nun, aber wenn du kannst, dann mach weiter. Okay? Und dann endlich dieser. Das hat das inspiriert. Okay? Und diese Skizze war nur ein zufälliger Gedanke, den ich hatte. Und bevor ich zeichnete, fand ich Inspirationen auf Pinterest, und dann dachte ich, warum nicht? Also habe ich das wahrscheinlich vor Jahren gezeichnet, und dann war es für dieses Projekt praktisch Okay? Also, dieses Skizzenbuch, dieses Skizzenbuch zu behalten, wird sich in Zeiten als nützlich erweisen, in denen Sie es nicht einmal 12. Schritt 7: Storyboard, Stilrahmen und Animatik: Storyboard, Styleframes und Animatics. Ein Storyboard ist eine Darstellung dessen was passieren wird, aber es Storyboarding ist Planung von Bewegung. Es ist keine Zeichenkunst. Wie zeichnen wir also ein Storyboard? Also beginnen wir damit, das Drehbuch in Beats zu zerlegen, okay? Ein Beat entspricht also einer klaren Idee oder Handlung in der Geschichte, und du zeichnest die wichtigsten Beats, nicht alles Okay? Rahmen im Stil. Stilrahmen sind eine einfache visuelle Darstellung , wie die endgültige Animation aussehen wird. Okay? Stellen Sie sich das wie einen Screenshot aus dem endgültigen Video vor, aber wir machen diesen Screenshot, bevor wir animieren Also auch eine Warnung hier. Verwenden Sie KI nicht, um Style-Frames zu generieren, denn wenn Kunden dem zustimmen und Sie nicht dasselbe Erscheinungsbild in After Effects kreieren können , fühlt sich Ihr Kunde betrogen und hinterlässt einen schlechten Ruf bei Ihnen Okay, das war's mit den Style-Frames. Dann haben wir Animatic. Okay? Also animiert ist dein Storyboard plus dein Voice-Over in ein grobes Video verwandelt, okay? Es zeigt also Timing, Tempo und Ablauf vor der Animatic ist also entscheidend für Erklärvideos, okay, weil du damit Timing, Tempo und Klarheit festlegen kannst, bevor teure Animationen beginnen, und Klarheit festlegen kannst, bevor teure Animationen beginnen Animatic ist der Ort oder die Zeit, an dem du erkennst, welches Storyboard oder welche Beats mehr Zeit benötigen und welche Perlen weniger Zeit Okay? Animatics werden also hauptsächlich für Filme verwendet, aber sie können auch für Explant-Videos verwendet werden. Klarheit bei Erklärvideos ist wirklich, wirklich entscheidend, okay? Also hier sind die Dinge , die Animatic zeigt, okay? Animatic zeigt dir also , ob deine Botschaft funktioniert oder Es zeigt dir , ob manche Szenen zu schnell oder zu langsam sind, okay? Und es wird dir auch zeigen , ob deine Bilder das Voiceover tatsächlich unterstützen oder nicht Das Ziel der Animation ist es also, zu testen, bevor wir es versuchen, Wenn sich die Animation also langweilig oder verwirrend anfühlt, wird die endgültige Animation das Problem nicht beheben Es wird nur ein ausgefeiltes Problem sein, okay? Also lass mich dir Werkzeuge dafür geben. Okay, also kannst du Storyboards auf dein Papier zeichnen. Okay? Für Stilrahmen verwenden wir normalerweise Adobillustrator Okay? Aber wenn Sie Adobillustrator nicht mögen, können Sie Aber ich wiederhole, dass Sie KI nicht für Stilrahmen verwenden weil Sie dadurch in Schwierigkeiten geraten würden, weil Sie möglicherweise nicht in der Lage sind, Dinge zu erstellen, okay Wenn Sie also sicher sind, dass Sie all diese Effekte erzeugen können , dann machen Sie weiter. Okay? Aber wenn du nicht kannst und wenn du ein Anfänger bist, geh nicht zur AIA. Okay? brauchst du nur einen Video-Editor, importiere einfach dein Voiceover, importiere dann deine Storyboards und richte das Storyboard an deinem Voiceover aus und rendere es einfach und sieh es dir einfach im Vollbildmodus an und du wirst sehen , ob es Vollbildmodus an und du wirst sehen Und für Animatic brauchst du nur einen Video-Editor, importiere einfach dein Voiceover, importiere dann deine Storyboards und richte das Storyboard an deinem Voiceover aus und rendere es einfach und sieh es dir einfach im Vollbildmodus an und du wirst sehen , ob es funktioniert oder nicht. Okay? Diese drei Schritte sind wirklich, wirklich entscheidend. Okay, du musst nicht ständig den animatischen Schritten folgen ständig den animatischen Schritten Aber wenn Sie hohe Gebühren verlangen und festangestellte Leute haben, nun ja, ich denke, Sie sollten Animatic machen, weil die meisten Animationsfilme das verwenden Okay? Viele große Studios nutzen das, und sie machen keinen einzigen Schritt bis sie das Animatische 13. Schritt 8: Asset-Erstellung: Wir beginnen mit der Animation. Der letzte Teil der Produktion, den wir benötigen, ist, dass wir einige Ressourcen benötigen. Okay? Die Erstellung von Assets ist also die Phase , in der wir alles erstellen , was für die Animation benötigt wird. Ich weiß nicht, warum ich dauernd mit dem Finger auf den Bildschirm zeige. Mir ist bewusst, dass ich hier keine Kameras benutze, aber ich habe diese seltsame Angewohnheit entwickelt. Sowieso. Okay, lassen Sie uns mit der Schaffung von Vermögenswerten fortfahren Lass mich das einfach auf Vollbild umstellen, okay? Also zuerst, dieser Wal ist wirklich süß. Das gefällt mir. Okay? Also dieser Wal ist KI-generiert. Dies wird ebenfalls von KI generiert. Okay? Also werden wir beide benutzen, oder dann habe ich dieses Boot benutzt, aber dieses Boot ist nicht KI-generiert. Es ist ein Vektor. Ich habe diesen Vektor aus dem Internet bekommen und werde ihn auch verwenden , weil ich versucht habe, ein KI-generiertes Boot zu verwenden. Aber ich wollte, dass sich das auch bewegt. Außerdem müssen Sie Ihre Kunden fragen, ob sie mit KI-generierten Inhalten in ihren Videos einverstanden sind oder nicht. Weil viele Kunden das nicht tun, weil das neu ist, sich die Leute bereits unwohl in Bezug auf KI, okay. Deshalb fragen wir die Kunden im Voraus , dass wir kein KI-generiertes Video verwenden werden, sondern dass wir das Video erstellen werden, aber wir können generierte Inhalte im Video verwenden. Dies ist beispielsweise KI-generiert, wird aber in After Effects animiert. Das ist wirklich einfach. Stellen Sie sich vor, Sie erstellen das in Illustrator. Es wird einige Zeit dauern, oder? Also musst du sie fragen, du musst dir darüber im Klaren sein. Okay? Und das war's mit der Vermögensbildung. Der nächste Schritt ist dein Lieblingsteil, nämlich die Animation. 14. Schritt 9: Animation B: In Lektion möchte ich Ihnen zeigen, wie Sie eine Geschichte in klare Beats zerlegen können, bevor Sie mit der Animation beginnen. Okay? Und so dieses Projekt, obwohl ich es bewusst sehr einfach gehalten habe , damit ich es den Anfängern genauer erklären kann. Und so gibt es hier nur vier Beats. Eins, zwei, drei und vier. Okay, das sind die vier Teile dieses Storyboards. Okay? Nun, einfach heißt nicht immer unbedingt einfach. Die Ausführung wird nur dann einfach, wenn Sie klar denken. Wenn Sie nicht klar denken, wenn Ihr Denken chaotisch ist, wird Ihr Projekt diese Unordnung widerspiegeln, okay Stellen Sie also sicher, dass Sie richtig denken. Du bist ruhig mit dir selbst. Du bist darüber nicht besorgt. Okay, es ist nur ein dummes Video. Du schaffst das. Okay. Also lasst uns Beats in Motion Design ganz schnell verstehen, okay? Wie ich bereits in den vorherigen Vorlesungen erwähnt habe , entspricht eine Szene einer Idee, und das entspricht einem Beat Okay? Also ein Beat in Motion Design ist ein wichtiger Moment in der Geschichte, okay? Also ein Moment, in dem etwas Sinnvolles passiert. Wenn etwas nicht wichtig ist, machen wir das nicht, okay? Deshalb, wenn ich das Storyboard gezeichnet habe, das ich nicht aufgenommen habe, lass mich zurückgehen Okay? Also habe ich diesen Text vor und nach dem Text nicht hinzugefügt, weil sie nicht wichtig sind, oder? Und deshalb sind sie nicht enthalten. Deshalb sollten Sie beim Storyboard nur die wichtigsten Elemente zeichnen , nicht alles Nun, warum zeigst du nicht alles im Storyboard? Wenn ich zum Beispiel gehe, bin ich schon bei der Rando-Comp Und Sie werden feststellen, dass einige Elemente später erscheinen. Zum Beispiel haben wir das nicht, den Stand. Okay, der Stand ist hier, richtig, dann haben wir die Farbe oder das Geräusch unten, richtig? Es gibt also viele Dinge , die später auftauchen. Sie sind nicht im Storyboard gezeichnet, aber sie erscheinen, nachdem wir die Entscheidungen getroffen haben, oder? Und das ist völlig in Ordnung. Dafür musst du flexibel bleiben, aber du musst bedenken, dass sie beim Storyboarding im Moment nicht entscheidend für die Geschichte sind Sie erstellen ein Storyboard , um eine Geschichte, das Drehbuch und die Botschaft zu zeigen das Drehbuch und die Botschaft Wenn Sie also die Vorproduktion überspringen, werden Sie nie die Klarheit haben , von der ich gerade spreche Die Vorproduktion ist also wirklich entscheidend. Reproduktion ist im Grunde das Herzstück Ihres Bewegungsdesigns und Ihrer Animation Okay? Wenn du keine Vorproduktion machst, hast du keine oder du wirst keine klare Geschichte haben, und du wirst kein starkes Storyboard haben, und du wirst im Gegenzug keine großartigen Animationen haben , weil deine Geschichte zwar schlecht ist, dein Konzept aber dein Video ist schlecht. Okay? Und ohne Vorproduktion wird Animation zum Rätselraten Stellen Sie also sicher, dass Sie die Kapitel vor der Produktion noch einmal verstehen Kapitel vor der Produktion , falls Sie das nicht getan haben denn sie sind wirklich, wirklich wichtig Okay? Nun, viele Leute glauben dass Sie ein guter Motion Designer sein werden, nur weil Sie After Effects kennen . Nun, lassen Sie mich Ihnen etwas sagen , das eine harte Wahrheit ist. Wenn du dir keine starken Konzepte und großartige Geschichten einfallen lassen kannst, deine Animationsfähigkeiten keine Rolle, okay? Weil es keine Geschichte gibt, die sie unterstützt. Okay? Wie wirst du dein Publikum dazu bringen, sich für den Charakter zu interessieren, wenn du keinen großartigen Charakter hast, oder? Kehren wir also zu Beats und unseren Storyboards zurück. Jeder Beat beantwortet also eine Frage. Lassen Sie mich zum Beispiel zur ersten Szene übergehen. Die Frage ist also, was ist der aktuelle emotionale Zustand dieser Welt, okay? Und jeder Beat oder jede Szene hier beantwortet diese Frage. Schau dir zum Beispiel an, wie alles so klar ist. Zum Beispiel sieht die Sonne traurig aus, der Vogel fliegt, der Wal ist von Plastik umgeben, er ist nicht sehr glücklich. Okay? Also musst du dir nur eine Frage stellen. Richtig, zum Beispiel leidet der Wal, der Körper ernährt sich davon. Das Plastik hat enorm zugenommen der emotionale Schmerzpunkt ist auf ein anderes Niveau gestiegen, wenn man darüber nachdenkt Die Sonne ist trauriger als früher, siehst du? Hier ist es wie, nun, es ist in Ordnung, oder? Aber hier versteht die Sonne die Folgen von mehr Plastik, und die Sonne hat hier quasi ihren Freund verloren, oder? Und das ist es, was hier vor sich geht, okay? Also musst du verstehen , dass du deine Emotionen, deine Geschichte in Beats und dann in die Animation übersetzen musst deine Geschichte in Beats . Gehen wir jetzt zur ersten Szene. Wo ist Szene eins? Also gehe ich zurück zu Szene eins. Ich werde das vorerst verstecken. Ich werde das vorerst verstecken. Wir brauchen sie nicht mehr. Ich werde nichts erklären, Animation zu tun hat. Im Moment bringe ich dir nur bei , wie man professionell denkt, oder? Also hier wird die Frage, wie der aktuelle emotionale Zustand dieser Welt ist, durch Farben beantwortet. Durch Ausdrücke, durch Komposition, durch Elemente, verschiedene Elemente. Ein Element, das Sie hier sehen, ist zum Beispiel die Wellenfarbe. Es hat hier eine ähnliche Textur, oder? Siehst du, okay? Und es spiegelt im Grunde die Stimmung dessen wider, was wir dem Publikum zu sagen versuchen, oder? Und jetzt vergleichen wir Szene eins mit Szene zwei, okay? Also, Szene zwei ist extrem dunkel und daher wird auch die Farbe dunkler, okay, sehen Sie hier, diese ist mild. Aber dieser ist extrem, okay? Und das spiegelt die Stimmung wider. Das schafft eine Stimmung. Nun, beide Szenen, wenn Sie genau hinschauen, Szene eins und Szene zwei, sind beide Szenen Duplikate, okay? Aber die Stimmung, die Emotionen und die Botschaften sind völlig unterschiedlich. Okay. Und das ist die Macht der Beats, das ist die Macht des Storyboards, das ist die Macht von Farbe und Komposition Jetzt benötigen Sie nicht jedes Mal neue Ressourcen. Sie brauchen nur eine klare Absicht und klares Denken. Wenn Sie nicht klar denken können, spiegelt Ihr Produkt Ihr Denken wider. Leider spiegelt alles unser Denken wider. Deshalb müssen Sie sich darüber im Klaren sein , was auch immer Sie denken. Wenn Sie sich nicht sicher sind, werden Ihre Kunden es herausfinden. Okay? Nun, eines der Dinge, unter denen meisten Anfänger leiden werden oder, ich weiß nicht, darunter leiden werden, aber Probleme haben werden ist das Problem der übermäßigen Animation. Man braucht keine übertriebene Animation , um großartige Geschichten zu erzählen. Du brauchst einfach keine verrückten Animationen, okay? Zum Beispiel sind in diesen Szenen, in dieser Szene Animation oder Emotion minimal. Die Animation ist kontrolliert, nichts ist übertrieben, außer diesen Plastiktüten, aber sie sind übertrieben, nur um die Bedeutung und die Folgen menschlichen Handelns zu zeigen die Bedeutung und die Folgen , oder? Da der Takt hier klar ist, wirkt Animation unterstützend und nicht ablenkend Jetzt muss ich mir das nur noch ansehen und herausfinden, wie ich das animieren werde Und das ist das Ergebnis einer großartigen Geschichte, eines großartigen Konzepts, kurz gesagt, einer großartigen Reproduktion Okay? Die wichtigste Erkenntnis aus diesem Kapitel ist, dass Sie zuerst die Beats festlegen und sicherstellen müssen, dass jeder Beat eine Idee vermittelt Es ist klar, dass Sie nicht zwei Schritte gleichzeitig machen müssen, sondern nur einen Schritt nach dem anderen Okay, dann fang an zu animieren. Okay? Außerdem wird sich das Denken in deiner Komposition widerspiegeln. Wenn dein Denken chaotisch ist, sich das in deiner Animation wider Ich werde es in deiner Komposition reflektieren, okay. Stellen Sie also sicher, dass Sie gut denken. Du bist nett. Okay? Du verdienst gute Dinge in deinem Leben. Okay? Also verdienst du es, auch gute Animationen zu machen. Okay? Das war's also für dieses Kapitel. Und übrigens, starke Animation. Ich muss das sagen. Okay? Eine starke Animation beginnt also schon, bevor Sie After Effects öffnen. Es beginnt mit Klarheit. Okay? Stellen Sie also sicher, dass Sie sich an dieses Zitat erinnern, und wir sehen uns in der nächsten Vorlesung. 15. Schritt 9: Animation C: In dieser Lektion möchte ich Ihnen zeigen, wie Sie entscheiden, was bewegt soll und was drinnen oder sichtbar bleiben soll , denn wenn Sie darüber nachdenken, denken Sie vielleicht: Okay, also ich werde diese Plastiktüten bewegen. Ich werde auch den Wal zum Schwimmen bringen. Ich werde diesen Vogel dazu bringen, etwas zu tun. Ich werde die Sonne animieren. Ich könnte sogar die Flasche animieren, als würde sie sich mit den Wellen drehen, und das könnte alles ruinieren Und genau hier machen Anfänger etwas falsch. Sie animieren oder wollen alles animieren , seit sie diese erstaunliche Software lernen, und jetzt wollen sie ihre Fähigkeiten einsetzen, um den Leuten einfach zu zeigen, wie großartig sie sind Stimmt das? Und wenn sich alles bewegt, fühlt sich nichts wichtig an. Okay, du musst also auch damit bewusst sein. Okay? Also, bevor Sie etwas in After Effects tun, fragen Sie sich selbst, oder während Sie gerade Ihr Storyboard durchgehen, stellen Sie sich eine Frage Okay? Also, was versucht diese Szene zu sagen? Die Antwort entscheidet darüber, was sich bewegt , was still bleibt und wie viel Bewegung erforderlich ist. Und ich muss Ihnen auch sagen , dass ein Antrag keine Dekoration ist. Der Antrag muss Ihre Geschichte unterstützen. Sie muss den Takt unterstützen , den Sie zu erzählen versuchen. Sobald die Szene fertig ist, musst du nur noch einen Schwerpunkt wählen, okay? Also sollte jede Szene einen Schwerpunkt haben. In diesem zweiten Takt gehe ich zum Beispiel zu Szene zwei über. Hier ist der Mittelpunkt dieser Szene eine leidende Figur und der Vogel , der im Grunde den Wal frisst, obwohl das nicht so blutig ist, aber naja, es ist impliziert, oder? Sobald der Schwerpunkt geklärt ist, wird alles andere zweitrangig Wenn mehrere Dinge um Aufmerksamkeit konkurrieren, fühlt sich die Szene laut an Aus diesem Grund ist eine übermäßige Animation eine schlechte Sache für Ihre Karriere Primäre Bewegung versus Sekundärbewegung. Okay? Also, was ist das? Also die primäre Bewegung ist die Bewegung, die deinen Beat direkt unterstützt, okay? Und die Sekundärbewegung unterstützt die Stimmung der Szene. Zum Beispiel ist der Wal hier die primäre Bewegung. Nun, die Wellen hier und traurigen Gesichtsausdrücke dieser Sonne sind die sekundäre Bewegung. Die Sekundärbewegung muss die primäre Emotion unterstützen. Wenn zum Beispiel der Wal hier ist und leidet und die Sonne lächelt und der Ozean klar ist, nun, dann hätte die Botschaft etwas ganz anderes und sie wäre beunruhigender gewesen als das Blut, richtig, okay? Und es wäre eine schreckliche Wahl gewesen. Und deshalb sollte die Sekundärbewegung subtil sein. Aufgabe ist es, Leben einzuhauchen, und ihre Aufgabe ist es nicht, die Aufmerksamkeit zu stehlen, richtig? Wenn der Vogel zum Beispiel nicht hier wäre, siehst du? Okay? Wäre der Vogel nicht hier gewesen, wäre die Sonne im Mittelpunkt gestanden, aber das wollen wir nicht. Und um den Wal zu unserer Hauptfigur zu machen, mussten wir Segel o oder diesen Vogel hinzufügen, und wir mussten das hinzufügen, damit sich unser Publikum darauf konzentrieren kann , denn in den meisten Szenen sieht man nur Vögel, die an derselben Position fliegen, okay? Und wenn die Zuschauer das sehen, denken sie, okay, das ist ein normaler Teil dieser Welt, okay? Aber wenn Sie denselben Vogel sehen, der einmal geflogen den Blitz des Wals hasste , sind Sie schockiert darüber Und so werden sie dafür sorgen , dass der Wal im Mittelpunkt steht Jetzt benötigen Sie keine komplexen Animationen. Gute Szenen brauchen keine komplexen Animationen. In den meisten Fällen sind kleine Positionsverschiebungen, geringfügige Skalenänderungen und geringfügige Skalenänderungen und Timing-Offsets mehr als ausreichend Die komplizierteste Animation, wenn Sie mich fragen, ist die Animation der Wellen Okay. Abgesehen davon ist alles wirklich einfach. Ich habe dafür keine Plug-ins verwendet, weil dieses Projekt wirklich, wirklich einfach ist. Wenn man also zu viel animiert und wenn sich alles bewegt, wird die Geschichte unklar Okay? Der Zuschauer weiß nicht, wo er hinschauen soll, die Animation fühlt sich wie ein Anfänger an, oder? Und hier sind die wichtigsten Erkenntnisse daraus. Entscheiden Sie sich also zuerst für den Takt, wählen Sie einen Schwerpunkt und animieren Sie mit Absicht Okay? Bei gutem Bewegungsdesign geht es nicht um mehr Bewegung, es geht um die richtige Bewegung. 16. Schritt 9: Animation D: Lektion, ich möchte über Timing, Tempo und Übergang sprechen Timing, Tempo und Übergang Ab diesem Zeitpunkt fühlt sich die Animation professionell an, auch wenn die Bewegung selbst sehr einfach ist Lassen Sie uns also den Unterschied zwischen Timing und Tempo verstehen . Timing ist also, wie lange es dauert, bis etwas passiert, und Tempo ist, wie Momente im Laufe der Zeit angeordnet werden, okay Man kann also gute Animationen mit schlechtem Tempo haben. Und das ist der Grund, warum Sie vielleicht diese Animationen gesehen haben , die sich langweilig anfühlen, obwohl Sie feststellen können, dass sie wirklich, wirklich gut animiert sind , okay? Das Tempo ist also wirklich, wirklich entscheidend, wenn Sie Ihr Publikum im Laufe der Zeit bei der Stange halten möchten Ihr Publikum im Laufe der Zeit bei der Stange Okay? Also, wie entscheidest du über den Zeitpunkt? Der Zeitpunkt wird also nicht zufällig festgelegt. An diesem Punkt kommt Animatic ins Spiel, okay? Animatic wird also hauptsächlich für das Timing verwendet. Wenn Sie zum Beispiel animierte und erklärende Videos anhand des Storyboards und des Voice-Overs erstellt haben animierte und erklärende Videos , wird Ihnen die Animation sagen, wann Sie langsamer werden müssen, wann Sie beschleunigen müssen und welcher Teil der Animation gelöscht werden muss und welcher Teil der Animation mehr Zeit benötigt , okay ? Wenn der Moment wichtig ist, gib ihm Zeit. Wenn es nur darum geht, Ideen miteinander zu verbinden, also fassen Sie es kurz. Das ist das ganze Prinzip dahinter, oder? Lass uns über Übergänge sprechen, okay? Übergänge sind also wirklich entscheidend. Okay. Übergänge sind auch keine Dekorationen. In einigen meiner anderen Videos habe ich zum Beispiel habe ich einige fortgeschrittene Übergänge erstellt, zum Beispiel sind sie passgenau geschnitten oder sie könnten etwas anderes sein. Aber hier sind sie sehr, sehr einfach. Und der Grund, warum sie einfach sind, ist, dass der Übergang nicht von meinen Fähigkeiten abhängt. Der Übergang hängt von der Geschichte ab, okay? Wenn die Geschichte also einen Übergang braucht, komplex ist, schafft man einen Übergang, der komplex ist. Wenn eine Geschichte einen einfachen Übergang erfordert, behalten Sie einen einfachen Übergang bei. Was die meisten Anfänger tun, ist, dass sie ihre Fähigkeiten sehen und dann die Animationen erstellen. Das sollten Sie nicht tun . Was du tun solltest, ist , die Geschichte zu sehen und zu fragen, was diese Geschichte verlangt, okay? Wenn sie also fortgeschrittene Übergänge erfordert und Sie die fortgeschrittenen Übergänge nicht kennen, sollten Sie sie lernen und sie dann ausführen. Aber wenn es einfache Übergänge erfordert weil die Geschichte einfach ist, die Kunden wollen, dass es einfach ist, dann muss es einfach sein, okay? Konzentrieren Sie sich also nicht auf Ihre Fähigkeiten , denn Fähigkeiten können im Laufe der Zeit aufgebaut werden. Konzentrieren Sie sich auf das, was die Geschichte verlangt. Okay? Ein guter Übergang hat also drei Hauptqualitäten. Erstens wird er die Blicke der Zuschauer lenken. Es wird die nächste Idee vorbereiten, okay? Und es wird den Rhythmus beibehalten , ohne das Publikum zu Ich meine damit, manche Übergänge manchmal so aus heiterem Himmel kommen , dass sie das Publikum aus dem ganzen Video herausziehen Und sie machen ihnen klar, dass, okay, ich schaue mir keine Geschichte an, ich schaue mir nur ein Video Und das ist der Schlag , von dem ich spreche, okay? Das solltest du nicht tun. Sie sollten keine Übergänge haben , die nicht mit der Geschichte übereinstimmen. Wenn du dir diese Ebenen ansiehst, bestand die Hauptarbeit in diesem Video in den Übergängen, okay? Also lass es mich dir zeigen, okay? Also hier findet der Übergang 30 Sekunden oder ein paar Frames vor den eigentlichen Übergängen statt. Okay? Also hier beginnt der Übergang, und hier beginnt der Übergang. Okay. Lass mich das einfach auf den dritten Platz bringen. Okay. Und dann erscheint die nächste Szene. Beide haben übrigens dieselbe Zusammensetzung. Und der Grund, warum das gemacht wird, ist, dass das Publikum auf den Übergang vorbereitet, okay, und es muss sich nicht wie ein Schlag anfühlen. Es muss sich natürlich anfühlen, okay? Also so sieht es aus, wenn du Bild für Bild vorgehst, okay? Also das könnte ein kleiner Fehler sein. Ich denke, es ist kein Fehler. Es heißt Kontinuitätsfehler. Okay? Also hat jeder Film diesen Kontinuitätsfehler. Was also passieren sollte , ist immer dann, wenn mehrere Szenen inszeniert werden, nehmen wir an, dass der Schauspieler auf der rechten Seite steht, aber irgendwie macht der Schauspieler jetzt in der anderen Szene etwas anderes Und das nennt man Kontinuitätsfehler. Grundsätzlich gibt es in zwei Szenen keine Kontinuität. Okay? Also das könnte man einen kleinen Kontinuitätsfehler nennen. Aber da das sehr schnell geht, die Zuschauer es beim ersten Anschauen vielleicht nicht bemerken. Okay? Also das Einzige, was sich hier ändert, ist der Standort von Smiles, richtig? Okay. Deshalb sind Übergänge wirklich, wirklich wichtig. Sie sollten sich in eurer Welt natürlich anfühlen. Okay, das ist momentan meine Welt, und dieser Übergang fühlt sich natürlich an, weil, A, die Farbe dem entspricht, was ich sagen will. Beispiel: Hier war die Farbe des Übergangs rot. Und das lag daran, dass Sie sehen können, was vor sich geht, oder? Aber hier wird der Übergang grün sein, und er ist grün, weil, nun ja, das ist es , was ich dem Publikum sage, oder? Also machen diese kleinen Dinge einen riesigen Unterschied, oder? Nun, eines der Dinge, die ich bereits gesagt habe, ist, dass Sie Übergänge nicht übertreiben müssen Aus Sicht des Motion-Designs sind Übergänge wirklich, wirklich cool Sicht des Motion-Designs , weil sie manchmal wirklich herausfordernd Aber wenn der Übergang lauter ist als die Szene und wenn er der Geschichte nichts hinzufügt und er trotzdem lauter ist als die Szene, nun ja, dann machst du es falsch, okay? In den meisten Fällen könnte es also eine einfache Enthüllung sein. Es könnte ein einfacher Schnitt sein. Es könnte ein einfaches Wischen oder etwas Ähnliches sein. Okay, das ist auch genug. Denken Sie daran, dass Transition dazu da ist, Ihre Geschichte zu unterstützen. Es ist nicht dazu da, deine Fähigkeiten unter Beweis zu stellen. Dieser ist wirklich, wirklich entscheidend. Okay, der Zeitpunkt der Übergänge könnte für manche Leute chaotisch sein , denn wenn Sie neu sind, werden Sie es schwer haben Und wir haben den Übergang in verschiedenen Kernbereichen behandelt, also werde ich nicht näher darauf eingehen, aber um einen guten Übergang zu haben, muss man etwas verstehen, und das heißt Kontinuität Hier sind also der Kern oder die wichtigsten Erkenntnisse daraus. Okay? Also mit Absicht animieren Zweitens müssen Sie das Tempo und das Timing in der Hauptkomposition kontrollieren das Tempo und das Timing in der Hauptkomposition Nun, eine andere Sache ist, dass deine Übergänge die Geschichte unterstützen müssen, okay? Nicht deine Fähigkeiten. Wenn du keine Fähigkeit hast, baue eine Fähigkeit auf, aber sie muss deine Geschichte unterstützen, okay? Bei professioneller Animation geht es also um Rhythmus. Es geht nicht darum, etwas zu zeigen 17. Schritt 10: Sound-Entwurf: Design ist wirklich wichtig , weil es das Publikum anspricht. Es hilft bei der Bereitstellung von Informationen und erhöht den Produktionswert Auch wenn Ihr Video billig ist, kann Ihnen das Sounddesign dabei helfen, dass es sich hochwertig und teuer anfühlt Es ruft emotionale Reaktionen hervor. Es betont, was auf dem Bildschirm zu sehen ist, und es wird verwendet, um die Stimmung anzuzeigen Okay. Es gibt also fünf verschiedene Aspekte des Sounddesigns, an die Sie sich erinnern müssen. Okay? Also das erste ist das Ambiente. Ambiente ist also der Sound, der den Ton und die Umgebung der Animation bestimmt. Zum Beispiel das Geräusch des wehenden Windes oder der Vögel und wir haben Torheit Okay? Folie wird also verwendet, um darzustellen, was gesehen wird Zum Beispiel die Schritte auf dem Boden, das Geräusch der sich bewegenden Blätter im Gebüsch, richtig? Dann haben wir Soundeffekte. Soundeffekte sind ein Aspekt des Sounddesigns, oder? Soundeffekte sind Effekte, die andere Sounds, Aktionen oder Elemente verbessern. Zum Beispiel das leise Knurren hinter den Büschen, das subtile Geräusch des Charakters, der vor Angst zittert , während er sich dem Busch nähert Stimmt das? Dann haben wir Voiceover Nun, Voiceover ist Voiceover, aber zum Beispiel der mysteriöse Erzähler , der dir die Geschichte Dann haben wir Musik. Die E-Musik im Hintergrund gibt zusammen mit dem Ambiente und all den anderen Aspekten den Ton der Geschichte an. Okay? Nun, Sounddesign erzählt uns nicht nur die Geschichte, sondern es teleportiert uns auch in die Geschichte hinein Es ist dieser immersive Faktor , der es ermöglicht, eine Animation wirklich erlebbar zu machen und Botschaften zielgerichtet zu vermitteln, okay? Jetzt müssen Sie nicht mehr alle Aspekte des Sounddesigns bei sich haben , Du brauchst zum Beispiel keine Torheit. Wenn Sie ein Erklärvideo drehen, benötigen Sie vielleicht manchmal Atmosphäre, aber Sie benötigen Soundeffekte, aber Sie benötigen Soundeffekte, Voice-Over Okay? Lassen Sie mich Ihnen kurz erklären wie man Soundeffekte auswählt. Wie wählt man die Musik aus, richtig? Also werde ich dir schnell sagen, wie das geht. Okay? Soundeffekte sind also ziemlich einfach. Alles, was Sie tun, ist einfach auf den Bildschirm zu schauen und zu sehen, was passiert, und sich selbst zu fragen das klingt? Wie klingt dieses Bild? Und du wirst ein Gefühl haben oder du wirst einen Gedanken haben und einfach zu Google oder Chat GBD gehen und sie fragen. Richtig? Das ist der erste Weg. Und der zweite Weg ist , die Musik zu finden. In all unseren Erklärvideos unterteilen wir beispielsweise das gesamte Drehbuch in drei Teile, den Anfang, die Mitte und das Ende Das ist im Grunde eine Struktur mit drei Akten, oder? Also Akt eins, Akt zwei und Akt drei. Jeder Akt hat also ein anderes Gefühl. Und basierend auf diesem Gefühl, benutze die Musik. Zum Beispiel ist der erste Akt traurig, okay, also werden wir traurige Musik spielen. Der zweite Akt ist nicht gerade glücklich. Der Charakter ist nicht gerade glücklich, aber er geht irgendwohin, oder? Und so könnten wir etwas Motivation hinzufügen , etwas motivierende Musik Ich gebe übrigens nur ein Beispiel. Okay, es könnte also motivierende Musik sein oder etwas, das ein bisschen aufmunternd ist, Dann, im dritten Akt, sehen wir, wie der Charakter einen Durchbruch erzielt, okay? Also hier werden wir ganz andere Musik haben, oder? Also teile deine Geschichte in drei Teile auf oder was auch immer du für das Richtige hältst. Und dann, basierend auf diesen Teilen, frage dich, welches Gefühl das bedeutet oder welches Gefühl ich beim Publikum während dieses Aktes hervorrufen möchte beim Publikum während dieses Aktes Okay? Also zum Beispiel ist der erste Akt traurig, okay? Also gehst du zum Chat GPT und fragst, hi, ha GPT, was ist die beste Musik für Und gehen Sie nicht, es gibt viele Urheberrechtsgesetze für die Musik, also stellen Sie sicher, dass Sie sich dessen auch bewusst sind Gehen Sie also nicht einfach blind darauf ein und wählen Sie aus, was auch immer es Ihnen sagt, okay? Und die beste Plattform dafür ist YouTube. Okay. YouTube hat bereits ein Studio gebaut, das viele Soundeffekte absolut kostenlos bietet. Sie sind urheberrechtlich frei. Und wenn Sie können, können Sie die Musik auch kaufen. Aber die meiste Zeit kannst du Dinge mit YouTube erledigen und jetzt kannst du auch KI-Musik generieren. Wenn du also keinen Song findest , der dem Gefühl entspricht, okay, du kannst ihn kreieren, oder? Und das war's mit dem Sounddesign, Sounddesign ist meine persönliche Lieblingsbeschäftigung, okay? Weil ich viel Zeit mit Sounddesign verbringe. Ich weiß nicht warum, aber ich liebe es einfach , mich persönlich mit dem Sounddesign auseinanderzusetzen, okay? Und es macht wirklich Spaß, okay? Und stellen Sie sicher, dass Ihnen der Prozess auch Spaß macht, o 18. Schritt 11: Lieferung: Schließlich liefern wir das Video für das Feedback. Wenn es den Kunden nun gefällt, senden wir es ihnen in verschiedenen Qualitäten und manchmal schicken wir es ihnen mit Rechnung. Nehmen wir zum Beispiel an , dass einige Kunden 50% vor Produktionsbeginn und 50% danach zahlen . Wir verlangen also die restlichen 50% sobald der Deal abgeschlossen ist, oder? Oder wenn es kleinere Änderungen gibt, ändern wir sie und machen es fertig, oder? Und das Wichtigste, woran Sie denken müssen, ist, dass Sie Ihre Kunden nach den Referenzen fragen müssen weil Sie die meisten Kunden durch Mundpropaganda und nicht nur durch Marketing gewinnen werden . Und um Ihnen die Wahrheit zu sagen, wir hatten nie eine Website oder ein Social-Media-Konto , so etwas. Okay? Wir hatten das nie, so wie heute, aber damals hatten wir nichts, hatten wir nichts weil wir es uns nicht leisten konnten, um ehrlich zu sein. Und das ist also in Ordnung. Was wir getan haben, ist einfach ausgegangen, wir haben Kunden getroffen, wir wurden abgelehnt. Wir haben einen anderen Kunden getroffen, wir wurden abgelehnt, bis wir bekommen haben, was wir wollten. Okay? Also musst du dich vielleicht mit viel Ablehnung auseinandersetzen, bevor du eine Akzeptanz bekommst, und das ist Teil des Lebens, und das ist völlig okay.