Comics schreiben: ein umfassender Leitfaden

1. WComics L1 Einführung: Vortrag, ein warum und wo, in dem ich mich im Grunde vorgestellt habe und eine Zusammenfassung dessen, was abgedeckt werden soll . Hey, ich bin Autor Stefan für Trickett. Ich habe über 20 Bücher von großen Verlagen und Hunderte von Geschichten für Comics und Graphic Romane geschrieben . Einige von dem, was Sie vielleicht gehört haben, einige von denen Sie vielleicht nicht, aber ich würde es wirklich mögen, wenn Sie es hätten. Seit einigen Jahren lehre ich Online-Kurse über die University of Massachusetts, einschließlich dieses, was Sie vielleicht von erraten. Der Titel ist speziell darauf ausgerichtet, Comics zu schreiben. Warum sollte ich das Schreiben von Comics unterrichten wollen? Teilweise, weil , naja, angesichts meines Hintergrunds, ich kann, aber auch, weil es zwei populäre Missverständnisse über Comicbücher und deren Schreiben gibt , die ich gerne meinen kleinen Teil tun würde, um zu korrigieren. Um es zu erklären. In den ersten Jahren war ich auf einer Convention Panel mit einigen großen berühmten Comic-Autoren, wo ich sanftmütig sagte: Wäre es nicht toll, wenn Comics vom Mainstream direkt neben Fernsehen, Filmen und Büchern akzeptiert würden ? Ein besonders berühmter Comicbuchautor korrigierte sofort Mai. Man kann nicht sagen, dass Comics keine Mainstream-Superheldenfilme sind, die Milliarden verdienen. allem Respekt für diejenigen, die viel mehr Fans haben, als ich weiß. Ich weiß es nur. Das einzige, was der Erfolg der Mainstream-Superhelden-Filme beweist, ist, dass Superhelden oder Mainstream der Superheld ein Genre ist, eine Vorlage für Storytelling. Comics, Graphic Romane, sequentielle Kunst Was auch immer Sie verwenden möchten, ist ein Medium wie Fernsehfilm waren Profis während Superhelden historisch im Comic Medium entwickelt. Du brauchst keine Comicbücher, um Superhelden Geschichten mehr zu erzählen, als du Superhelden brauchst, um Comics als Medium Comics zu erstellen, die jede Art von Geschichte aus jedem Genre zusammenstellen. Romantik. Har postmoderne zweifelhafte Erzählungen. Strom von bewussten Oden zu deiner Katzenkatze, was auch immer. Als Kombination aus Wörtern und Bildern könnten Comic-Bücher alles tun. Wörter und Bilder Kanu auf eigene Faust und wohl mehr. Das zweite Missverständnis ist spezifischer für die Schreibseite von Comics. Viele Leute sowohl in als auch außerhalb der Branche denken, dass tief unten Comic-Autoren nur frustrierte Künstler Leute sind , die Comics so sehr lieben, dass sie sich mit der geringeren Rolle des Schriftstellers begnügen , nur um in ihrer Nähe zu sein. Nicht jeder denkt so, aber Tatsache ist, während niemand jemals davon ausgeht, dass ich die Cover für meine Romane male. Wenn jemand entdeckt, dass ich ein Comicbuchautor bin, ist ihre häufigste Frage: Können Sie eine Skizze für mich machen? Und die zweite? Was meinst du damit, dass du nicht zeichnest? Ich verstehe die Verwirrung. Artwork ist ein großer Teil des Comic-Erlebnisses. Comic-Künstler neigen dazu, mehr Auszeichnungen zu verdienen und die selteneren Fähigkeiten haben tatsächlich eine einfachere Zeit, Arbeit zu finden. Warum ist diese Fähigkeit seltener, teilweise weil die meisten Schulen unterrichtete visuelle Kommunikation direkt nach Kindergarten Fingerfarbe. Aber es liegt auch daran, dass die Schriftsteller nicht verbal sind. Storytelling ist tief eingebettet in, wie wir denken, SMS, Chatten, was auch immer wir denken jede Geschichte atmen. Einige professionelle Schriftsteller nehmen große Beleidigung, wenn nur jemand sich hinsetzt und denkt, dass sie eine Geschichte schreiben können . Aber schade, es ist wahr. Jeder kann, äh, mich nicht falsch verstehen. Eine Geschichte zu erstellen ist nicht das gleiche, bedeutet, dass jemand dafür bezahlen muss. Es ist nicht einmal das gleiche ist, jemanden zu bekommen, um es kostenlos zu hören. Professionelles Schreiben beinhaltet eine Fülle von Praxis, Können und Talent, die sehr in der Lage ist, die Praxis, Fähigkeiten und Talent, die beteiligt sind, ein Künstler zu werden, weil unsere grundlegende verbale Veranlagung , obwohl ein Comic Buchkünstler ohne Schriftsteller kann leicht einen Stich auf ihre eigenen Geschichten zu tun. Ein Schriftsteller ohne Künstler, obwohl er feststeckt. Es gibt auch ein gemeinsames Argument, dass große Kunst in einem Comic lausiges Schreiben retten kann. Aber tolles Schreiben kann nie miese Kunst retten. Erstens, ich weiß nicht, dass das wahr ist. Ich könnte mir leicht vorstellen, ein paar Zeilen von Emily Dickinson vollständig speichern Seite für Seite von Crayon Scroll. Das andere Problem mit diesem Argument ist, dass es darum geht, das Schlimmste zu speichern, anstatt das Beste zu schaffen. Wie Sie wissen, war die Kombination eines großen Künstlers ein großartiger Schriftsteller. Natürlich wird nicht jeder Schriftsteller Dickinson. Nicht jede Kunst Divinci oder wählen Sie Ihre eigenen Lieblings, aber nur seine Worte und Bilder haben das Potenzial, mehr zusammen als auseinander zu tun. Wenn Schriftsteller und Künstler ihre Stärken spielen, ist das Ganze immer größer als die Summe der Teile. Am Ende, der Schriftsteller und Künstler sind gleichberechtigte Partner und was ist wirklich der einzige wichtige Teil des Prozesses die Schaffung der fiktiven Welt, die der Leser ohnehin als Folge dieser Vorurteile, real oder vorgestellt, praktisch oder ego getrieben, während es Tonnen, natürlich, natürlich, ist Bücher und Videos über Zeichnen von Comics. Sehr wenige konzentrieren sich ausschließlich auf das Schreiben. Im Gegensatz zu diesem , der aus 11 spannenden Videovorträgen besteht, die sowohl fesselnde Comic-Schreibtheorie als auch eine Fülle von Muttern und Bolzen, pragmatischen Ratschlägen und Regeln bieten Comic-Schreibtheorie als auch eine Fülle von Muttern und Bolzen, , sind diese Lektionen warum und wo. Was du jetzt siehst, in dem ich über alles spreche, worüber ich bis jetzt gesprochen habe, einschließlich dieses Comic-Buch Grundlagen, in dem ich Comic-Formate diskutieren werde, Comic-Begriffe wie Panels und Splash-Seiten, wo die Worte gehen von, wie man einen Comic zum Lesen von Comics liest und die unter die Haube ein wenig bekommen, um darüber zu sprechen was macht Comic-Bücher direkt dort funktionieren. Natur aus unterscheiden sich von Fillmore-Profis und gleichzeitig gleichermaßen als eine Form der Unterhaltung, Bildung und Selbstausdruck. Die Rolle der Autoren, die den Mainstream-Comics-Workflow abdeckt und wie er sowohl die Art und Weise beeinflusst, wie Autoren bezahlt werden , als auch die Art und Weise, wie sie Geschichten erstellen. Ich habe auch die beiden häufigsten Formen diskutiert, die Autoren, Künstler und Redakteure verwendet haben, um die wunderbare Art und Weise zusammenzuarbeiten, und die vollständigen Skript-Pitches Sprungbretter in den Zusammenfassungen, die Geschichten Grundlagen abdecken. Wie Autoren Geschichten aus passendem Inhalt in diesen kurzen Raum aufheben und wie der Prozess der Zusammenfassung zwei unterschiedliche, aber kompatible Schreibmethoden widerspiegelt. Wort und Kunst, die die Art und Weise abdecken, wie Wörter und Bilder sich gegenseitig verändern. Was genau macht Comic aus den sieben Kategorien von Wort-Bild-Beziehungen beschrieben von Scott McCloud in seinem Buch machen Comics Panel Beschreibungen Teil 1, die dramatische versus physikalische Beschreibungen abdeckt. Sichtbar und unsichtbar und Story-Design. Wie man Filmbegriffe in Comic-Skripten verwendet. Und wie man Panel-Komposition impliziert, ohne es zu schreiben. Panel-Beschreibungen Teil 2, in dem wir abdecken, welche Reihenfolge wir am besten alle Elemente einer Panel-Beschreibung präsentieren. Motivierende Bewegung zwischen Panels und Seiten. Wie viel passt zu tragen und wie wählt man die richtige Plattengröße und das Motiv. Theo Wörter, die der Leser sieht, die beschreibt, wie man in den begrenzten Raum eines Panels schreibt. Deal with Exposition brechen Dialog für Auswirkungen auf drei Wege Dialogue definiert Charakter und schließlich die Grenzen des Dialogs. Redundanz, Redundanz, Redundanz. Wenn Sie in diesem Jahr einen Vortrag sehen, sollte es dies sein, vor allem, wenn Sie Comics für drei Kategorien von Redundanz schreiben wollen, die ich hier beschreibe. Wird helfen, Ihr Schreiben zu schärfen, so dass es sowohl effektiv ist als auch in ein Panel passt. Ich bespreche auch, unter welchen Umständen Redundanz tatsächlich nützlich sein kann. Und schließlich, schließlich, Comics für ein Living zu schreiben, das Formatierungsspezifikationen umfasst, meine eigene Erfahrung mit der Industrie aus den drei grundlegenden Pfaden zwischen Ihrer Arbeit und dem Leser, Mainstream-Comics, Buchverlage und Self-Publishing. Und das, wie sie sagen, macht einen kompletten Satz. Danke fürs Zuhören. Bisher. Alle Fragen Fühlen Sie sich frei, über das Dashboard in Kontakt zu treten. Zwischenzeit freue ich mich darauf, Sie in der nächsten Vorlesung zu sehen. 2. WComics L2 L2: Vortrag zu Comicbuch-Basics, in denen ich Comic-Formate diskutieren werde, Comic-Begriffe wie Panels und Splash-Seiten, von denen die Worte stammen, wie man einen Comic liest. Hallo, ich bleibe Stefan Patrica. Wenn Sie ein normaler Comic-Leser sind, werden viele davon alte Nachrichten sein. Aber ich hatte nicht nur oft Studenten, die zum ersten Mal durch diesen Kurs zu Comics kommen , was fantastisch ist, nebenbei bemerkt, einige der Begriffe hier sehr und überlappen sich in einer Weise, die verwirrend sein kann. Wie Sie jetzt mit Publishing-Formaten und dem ersten Vortrag sehen werden, habe ich darauf hingewiesen, dass der Superheld Geschichten ein Genre, während das Comic-Buch ist ein Medium und dass man oft mit dem anderen vermischt, die gleiche Art von Sache passiert mit das Medium und das Format. Es scheint, es beginnt mit dem Begriff Comicbuch selbst, wenn es um das Medium geht, einige bevorzugen den Begriff sequentielle Kunst. Aber wann immer ich es benutze, finde ich immer noch, dass ich Comic-Bücher hinzufüge dass ich , andere mögen Graphic Novel, aber das kann sich nicht nur auf ein Druckformat beziehen, sondern auch auf die Länge des Inhalts. Hier. Ich bleibe bei Comics und Comic-Büchern, weil, ehrlich gesagt, es am einfachsten ist. In jedem Fall ist die Überlappung in Begriffen so etwas wie ein Durcheinander, das ich nicht in der Lage bin zu beheben, aber zumindest kann ich versuchen zu beschreiben. So wird das Format, das am meisten mit dem Comicbuch und Zeitschriften verbunden ist, Saddle Stitch genannt, das aus glatten Abdeckungen und Innenseiten besteht, die in Stallungen in der Mitte gefaltet sind. Als historische Notiz, 1930 drei berühmte Funnies in der Regel gutgeschrieben. Nicht nur das erste Saddle Stitch Comicheft, sondern auch als erstes Comicheft, das uns zu unserer ersten Kollision von Form und Inhalt bringt. Siehe Famous Funnies war eine Sammlung von Comic-Strips, die ursprünglich in Zeitungen erschienen . Comic-Strips wurden so genannt, weil sie in der Regel lustig waren, Comic und erschien auf einer einzigen Reihe von 1 bis 4 Kumpels, einem Streifen. Und wenn Sie sicher Ohren, obwohl Comic-Bücher waren spezialisiert auf längere, mehrseitige Geschichten, Unterschied in der Länge wurde die populäre Unterscheidung zwischen ihnen und Comic-Strips Problem zu sein. In den 19vierziger Jahren, Dinge wie erkennt der Geist erschien in Zeitungen, nahm mehr als nur einen Streifen. Sie besetzten mehrere Seiten des Sonntag-Farbabschnitts, der als die lustigen Don't get Me started bekannt war. Zusammenfassend gilt ein Reprints von Comic-Strips als das erste Comicbuch, obwohl man einen Comic-Strip nicht als Comicbuch bezeichnen würde, obwohl Comic-Strips die gleiche Art von Langform enthalten können wie ein Comicheft. Hab es trotzdem. Saddle Stitch Bücher sind in der Regel in Farbe gedruckt, obwohl Unabhängigkeit und Self-Publisher manchmal für Schwarz-Weiß-Interior Art finanziellen und oder ästhetischen Gründen. Als nächstes im quadratischen gebundenen Format, die Seiten Luft an den Rücken geklebt, geben ihm eine quadratische Form, sie könnten weichen Einband sein, auch bekannt als Taschenbuch oder Hardcover. Manchmal wird ein quadratischer Comic, der Originalmaterial enthält, als Graphic Novel bezeichnet , im Gegensatz zu einer Sammlung von Sattelstichfragen, die gleichzeitig als Handelsbroschüre oder TP Be bezeichnet werden können. Andere definieren grafische Roman auf der Grundlage des Inhalts als eine einzige neuartige Längengeschichte, die ursprünglich im Sattelstichformat erscheinen könnte. Allan Morin Dave Gibbons Watchman, zum Beispiel, war ursprünglich Sattelstich, bevor er in einem einzigen Band auf einer anderen historischen Note, dem ersten Hardcover-Comicbuch, oder zumindest proto Comics ist Es hatte nicht Word Balloons genannt wurde The Adventures of Mr. Obadiah Old Book, das in Europa veröffentlicht wurde 18 37 auf den U.S. U.S. in 18 42. Ein weiteres interessantes Beispiel für eine frühe Graphic Roman sind 1970, Black Mark von Gil Kane, die in einem standardmäßigeren, kleineren Format Taschenbuchformat gedruckt wurde . Als Nächstes gibt es Manga , der seine eigene reiche, komplizierte Geschichtehat komplizierte Geschichte im Grunde auf ein japanisches Comicbuch bezieht. Manga ist auch assoziieren sie mit einem bestimmten Kunststil, der bis ins 19. Jahrhundert zurückgeht. Die modernere Version entstand in den späten 19 vierziger Jahren mit und Vergib Meine Aussprache macho, Hasegawa sagt ich Asanund Suzuko, Osamas Glanz Tucker Rahima In Japan umfasst Manga Dutzende von Genres, und es macht etwa 40% des Verlagsmarktes aus. Anstatt eine Geschichte in einem einzigen Buch zu vervollständigen, neigen Manga-Tails dazu, mehrere Bände abzudecken. Monica bezieht sich auch auf das gemeinsame Publishing-Format für das Material a k a Tokyo Pop-trim verwendet , sein Quadrat gebunden etwa fünf Zoll von 7,5 Zoll, in der Regel mit Farbabdeckungen und Schwarz-Weiß-Innenräume. Schließlich haben wir digitale Comics, die glücklicherweise digitale Comics kaufen, unabhängig von ihrer Länge oder Inhalt, obwohl ich nehme an, man könnte sie digitale sequentielle Kunst nennen, wenn man es wirklich wollte. Sie stehen entweder seinen Webinhalt oder herunterladbare Dateien zur Verfügung. Digitaler Comic könnte ein Bild zu einer Zeit, eine Seite zu einem Zeitpunkt präsentiert werden. Wir sind auf dem, was Scott McCloud eine unendliche Leinwand nannte, die den Bildschirm als mehr Fenster als eine Seite behandelt . Comic-Strips, Comic-Bücher, Graphic Romans und Manga können natürlich digitalisiert werden. Während das Format Terminologie hat seine Probleme. Ha ha! Wenn man zu den eigentlichen Teilen eines Comics kommt, beruhigt sich die Terminologie erheblich. Und mit kleinen Ausnahmen reden alle so ziemlich über das Gleiche. Zum Beispiel wird die Box, die normalerweise jedes Bild umgibt, so ziemlich immer als Panel bezeichnet, und das Panel ist die grundlegende Einheit der Komposition. Sowohl für den Schriftsteller als auch für den Künstler kann das Panel jede Form haben, sogar unsichtbar. Die Grenzen oder Schalttafelränder können für verschiedene Effekte gebrochen werden, wie in diesem Beispiel aus dem Jahr 1904 von Winsor McCay. Wie die Panels auf der Seite platziert werden, ist entscheidend, damit der Leser mitverfolgen kann . Es kann auch ein wichtiger Teil der Seiten ästhetische Komposition sein. Wir werden später darüber sprechen, wie viele Panels auf der Seite standen, aber wenn Sie nur eine haben, wird es als Splash bezeichnet. Köder dort verwendet, um den Leser mit der Bedeutung des Bildes zu überwältigen, wie in diesen Beispielen. Dann gibt es die doppelseitige Splash oder Doppelseite für die Art der Sache, die sogar eine Splash-Seite nicht hoffen kann, enthalten. Wenn Sie Ihre Skripterstellung. Es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass Seite eins in der Regel auf der rechten Seite eines gedruckten Comics erscheint , jede Doppelseite auf einer gerade nummerierten Seite beginnen muss, die sich um die Bilder kümmert . Sehen wir uns nun die Worte In Comics an. Die Wörter erscheinen in fünf Grundformen. Wortballons, Gedankenballons, Bursts, Untertitel und Soundeffekte. Manche Leute benutzen Blase anstelle von Ballon. Ich nehme an, es hängt davon ab, was Ihnen beigebracht wurde, aber um meine eigene Voreingenommenheit zu rechtfertigen, werde ich darauf hinweisen, dass, wenn Sie die sprudelnde Form einer Gedankenblase erreichen, es verwirrend wird. Also Ballons, sowieso, ein Wortballon ist ein ovaler umgebender gesprochener Dialog, mit einem Schwanz, der auf den Lautsprecher zeigt. Alles in einem Wortballon wird davon ausgegangen, dass es durch das Zeichen erlaubt ist. Das ist im Gegensatz zu, Ah, dachte Ballon. Ah, sprudelnde oder wolkenähnliche Form, die unausgesprochene Worte umgibt, mit einer Spur kleiner Wolkenblasen, die die Quelle anzeigt. Sie werden für eine innere Stimme verwendet, alles, was ein Charakter nicht will, belauscht oder gar etwas Invasivasierteres, wie die Stimme eines besitzenden Dämons. Wenn man nur schreien muss, gibt es den Burst, einen großen, einen großen, gezackten Wortballon, der neben dem Schreien Lautstärke anzeigt. Es kann auch für einen lauten Soundeffekt verwendet werden. Die mehr beruhigende Beschriftung. Ein Rechteck traditionell mit einem gelben Hintergrund als ein paar verwendet es kann die dritte Person Erzählung umgeben oder durch Anführungszeichen die Stimme eines Charakters oder Zeichen, die von der aktuellen verschoben werden . Gesehen entweder physisch ist in diesem Beispiel oder emotional, wie in diesem Beispiel. Zu guter Letzt haben wir Soundeffekte. Soundeffekte können Wörter wie Knall oder Smash oder eine Sammlung von Buchstaben sein, die nicht verbalen Klänge wie oder, bekannter, Snick oderdie Peitsche anzeigt verbalen Klänge wie oder, bekannter, . Sie können in das Bild selbst eingebaut werden, wie in diesem Beispiel der legendäre Jack Kirby, in einem Burst oder für einen subtileren Effekt in einer Bildunterschrift präsentiert wird. Ich habe bereits die fünf Arten behandelt, wie Wörter erscheinen, aber darüber hinaus sind die Panels auf jeder Seite rot von links nach rechts, und dann, innerhalb des Panels, funktioniert es genauso, wie die Wörter gelesen werden, von links nach rechts und von oben nach unten, zumindest von ihrem Platz richtig. Wenn dies nicht der Fall ist, werden Dinge schwieriger, und die armen Leser verließen, die Dinge aus dem Kontakt zusammenzutragen. Natürlich lesen nicht alle Sprachen von links nach rechts, und so auch nicht ihre Comics. Eine Menge Manga, auch wenn sie ins Englische übersetzt wird, hält den Fluss des Originals, in diesem Fall fließen die Panels von rechts nach links dann nach unten. Während die Ballons innerhalb der Panels ebenfalls dem Muster nach rechts links unten folgen, betrachten Fans die Arbeit gegen ihre Lesegewohnheit als Teil der lustigen anderen nicht so sehr . Auf jeden Fall, wenn Sie hoffen, jemanden in Comics mit dieser Art von Manga einzuführen, warnen Sie sie vor dem Lesen, es sei denn, Sie mögen sie nicht oder interessieren sich nicht für die Verbreitung Mediums, und das ist es für die Grundlagen. Wie ich am Anfang sagte, ist vieles von diesem eine zweite Natur für normale Comic-Leser. mich betrifft, ist Comic-Bücher, wie mir das Lesen beigebracht wurde. Also bin ich immer ein wenig überrascht, wenn ich jemanden treffe, der Schwierigkeiten hat, sie zu verstehen . Aber letztendlich gibt es keinen Grund mehr zu erwarten, dass jemand komisch lesbar ist. Dann gibt es von ihnen zu erwarten, dass sie eine Fremdsprache verstehen. Und wie wir in der nächsten Vorlesung sehen werden, hat die Sprache der Comics mehrere Aspekte, die sie besonders einzigartig machen. Ich werde ihre gleiche Fledermauszeit sehen, dieselbe Fledermaus, Kanal , Art und Weise. 3. WComic L3 über Reading: Vortrag drei über das Lesen von Comics und die ein wenig unter die Haube bekommen, um darüber zu sprechen, was Comic-Bücher direkt dort funktionieren, Natur aus anders als Fillmore-Profis und gleichzeitig gleichermaßen gültig als eine Form der Unterhaltung, Bildung und Selbstausdruck. Hey, ich bin immer noch Stefan Petricka, und ich werde diesen Vortrag mit einer anderen Anekdote beginnen, weil ich bin immer noch Stefan Petricka, und ich werde diesen Vortrag mit einer anderen Anekdote beginnen, weil manchmal Leute sie mögen. So war es, die Förderung der Nancy Drew Graphic Romane auf der jährlichen New York Book Expo, als ein Teilnehmer näherte, schaute auf unsere harte Arbeit an dem ikonischen Mädchendetektiv und sagte mit einem sehnsüchtigen Achselzucken. Jetzt müssen Kinder sie nicht lesen. Schließlich war es ein Comicbuch, kein Buchbuch. Für mich. Dieser äußere Kommentar hat ordentlich drei langjährige und völlig falsche Überzeugungen über Comics erfasst . Erstens, dass der Inhalt ist es am besten oberflächlich und im schlimmsten Fall, emotional, intellektuell oder moralisch schädlich. Zweitens, dass die Form selbst irgendwie unterlegen ist, sagen wir, sagen wir, Buchbüchern. Und drittens, vielleicht interessanterweise, dass Comics irgendwie nicht gelesen werden. Dieses erste bisschen Unsinn ist nicht nur eine lange Zeit über Jahrhunderte gewesen, es wurde auf alle möglichen Dinge angewendet, von 18 neunziger Jahren Dime-Romane bis zu 19 50er Jahren Horrorcomics , die, nebenbei bemerkt, führte zu einer Anhörung im Kongress, wie sie jugendliche Straftaten verursachen. Es geht sogar bis zum Lieblings-Idioten-Box-Fernsehen und zuletzt zu den schrecklichen Videospielen von heute, die, wie wir sprechen, die Milliarden von Menschen, die sie spielen, in geistlose verwandeln, desensibilisierte Mörder. Ich weiß, ja, Handys. Aber lustiges Ding . Es geht sogar bis zu den ersten Massenproduzenten Romanen zurück. Weißt du, Bücher, die ich sehen muss, um zu gießen, nur Eltern zu konsultieren, in vorzeitige Gräber fallen, elende Opfer ihrer Töchter, entehre und war neuartige Lektüre. Die Ursache dafür antworte ich. Ja, das ist aus der neuartigen Lesung und Ursache weiblicher Verderbtheit, veröffentlicht 17 97 und wenn es sich inzwischen vertraut anhört, sollte es das. Die zweite Ausgabe bezieht sich direkt auf das Medium selbst, als ob es eine Kernkomponente eines gegebenen Kommunikationsmodus gibt, die verhindert, dass es etwas anderes als Drivel produziert. Deshalb wurde das Fernsehen einst als „Boob Tube“ bezeichnet. Trotz dieser atemberaubenden Dramen ausgestrahlt auf sie seit den 19fünfziger Jahren, und viele haben immer noch keine Ahnung, dass die Videospiele verwendet werden könnten, um Geschichten mit neuartigen wie Tiefe zu erzählen . Wann immer ich das nicht weiß, wird unbegründete Angst auf etwas Neues angewendet. Es ist Befürworter besteht immer auf Nein. Diesmal ist es anders, wenn es nachweislich nicht ist. In anderen Ländern, wie Frankreich oder Japan, werden Comics als gültige Kunstform akzeptiert, direkt an Film- und, ja, Buchbüchern in den USA. den wie Frankreich oder Japan,werden Comics als gültige Kunstform akzeptiert, direkt an Film- und, ja, Buchbüchern in den USA. diese eigentümliche Voreingenommenheit bleibt völlig fair zu sein. Immer mehr US-Erzieher suchen Comics für widerwillige Leser, aber sie sind immer noch in erster Linie verwendet, um Schüler in Bücher die reale Sache zu ziehen, anstatt als ein Selbstzweck. Trotz vieler Eingriffe in die hohe Literatur von Autorinnen wie Art Spiegelman mit Maus oder Marjan Satrapi mit Wahrnehmungskraft, um nur zwei zu nennen, wird die Kombination von Wörtern und Bildern immer noch oft betrachtet, Irgendwie weniger. Warum? Zweifellos prägen viele Faktoren diese Einstellung, aber das Argument selbst scheint auf dem dritten Glauben zu basieren, dass Comics dort nicht rot sind, ich weiß nicht, sah auf eine seltsame Art und Weise, die nicht tief in den Geist eingreift. Aber dieser Einwand impliziert ein noch lächerlicheres Argument, dass visuell kommunizierte Informationen der schriftlichen Kommunikation unterlegen sind. So viel lässt sich leicht widerlegen, während Bilder und Worte ihre eigenen Stärken und Grenzen haben. Jeder, der von einem großen Bild oder Foto bewegt wird, kennt die unglaubliche Kraft der Bilder. Das andere Missverständnis ist, glaube ich, der große Punkt. Sicher, jeder erkennt, dass man lesen muss, was in den Ballons und den Untertiteln ist. Aber für einige, die Bilder dort zu haben, macht ein Comic scheinen zu einfach, um mehr wie eine Lese-Grundierung zu folgen als der echte Deal. Fast wie es betrügt, wie in Was muss ich ein Bild für Sie zeichnen? Aber ein Comic-Buch ist keine Leseprimer, es sei denn, Sie wissen, dass es entworfen ist, ist das gleiche wie ein Buch oder ein Video sein könnte. Die Sache ist, in Comics, die Sequenz der Bilder und ihre Beziehung zu den Wörtern haben eine ganz eigene Grammatik. Eine Grammatik, die fähig ist, auf eine Weise zu kommunizieren, ist einfach und so komplex wie jede andere Sprache. Es gibt tatsächliche Untersuchungen, die das unterstützen, einschließlich einer Studie aus dem Jahr 2012, die gezeigt hat, dass dieselben Teile des Gehirns, die beim Lesen verwendet werden auch verwendet werden, um sequentielle Bilder zu verstehen. Aber einer dieser Teile des Gehirns tut und was es macht, ist gut oder sogar besser, als ein Buch zu lesen oder ein Bild anzuschauen. Im Falle von Medien verwendet das Gehirn irgendeine Form von codierten Anweisungen, um eine fiktive Welt zu erschaffen. Fiktiv bedeutet einfach? Nicht wirklich. Wenn Sie über etwas lesen, das tatsächlich passiert ist, finden diese Ereignisse nicht statt. Während Sie sie richtig lesen, stellt Ihr Gehirn eine Darstellung dieser Ereignisse bereit. Beim Lesen von Profis macht das Gehirn das, indem es sich ein paar Zeilen ansieht, dass es trainiert wurde, seine Worte zu interpretieren . Ich schreibe Hund. Wenn Sie sich einen Hund vorstellen, schreibe ich Rinde. Du hörst das raus. In ähnlicher Weise mit einer Zeichnung interpretiert das Gehirn mit einer Zeichnungeine Reihe von Flatlines, hat etwas, das dreidimensionalen Raum einnimmt. Ich zeige dir das. Du siehst dein Gesicht. Natürlich, abgesehen von der effektiven physischen Welt, Worte und Bilder können auch die nicht-physischen Dinge wie Interstates und abstrakte Ideen zum Ausdruck bringen. Aber ich würde argumentieren, dass dies nur möglich ist, ist eine Variation der Fähigkeit des Gehirns, das physische intern darzustellen. Da ist es Smoking. Wir mussten in der Welt leben, bevor wir in unseren Köpfen lebten, aber das ist kompliziert genug, und ich will nicht zu weit in das Unkraut hinauskommen. Also Comics, wenn man auf das Bild in einem Comic-Panel trifft, das gleiche wie bei jedem Bild. Das Gehirn schafft eine fiktive, dreidimensionale Welt. Nun aber schafft es auch jede Bewegung, die das Bild impliziert. Zwei zusätzliche Details basierend auf den Wörtern drei. Eine Beziehung zwischen den Bildern und den Wörtern, und vier Ereignisse, die zwischen den Panels stattfinden. Es gibt also einige zusätzliche Schritte. Ja. Abgesehen davon, gibt es etwas anderes an der fiktiven Welt, die wir von Comics bekommen? Dann, was wir von anderen Medien bekommen könnten. Willst du lesen? Warum nicht ein Buch lesen? Wenn Sie seine Geschichte in Bildern sehen wollen, warum nicht Ihren Film bekommen? Was ist der Unterschied? Teilweise geht es um Kontrolle, teilweise um Ihre Einbeziehung in den Prozess. In einem Buch stellen Sie nicht nur alle Töne und Bilder zur Verfügung, Sie können wählen, um die gleiche Passage immer und immer zu lesen, oder vor, zu entscheiden, was die verweilen auf und wann Sie vorwärts oder zurück zu bewegen. Deine Auseinandersetzung mit der fiktiven Welt verschwindet, sobald du aufhörst, darüber nachzudenken, und Film oder Video Thean Bilder und Sounds sind für dich zur Verfügung gestellt, also kannst du dir das nicht vorstellen. Und während Sie sicherlich Video pausieren oder aus dem Theater gehen können. Das Erlebnis selbst spielt sich in Echtzeit jenseits der Kontrolle des Betrachters ab. Comics gibt es zwischen den beiden zur Verfügung gestellten Visuals, aber auch mehr Leserbeteiligung und Kontrolle. Das ist ein Teil davon, aber es gibt auch einen subtileren Unterschied. Um zu versuchen, es zu bekommen. Sehen wir uns an, wie drei verschiedene Medien, Filmpros und Comics das gleiche Ereignis ausdrücken. Eine Explosion hier Film hat einen einzigartigen Vorteil. Wir sehen und hören die Explosion in Echtzeit mit einem guten Soundsystem. Wir spüren, dass es unsere Knochen rasselt. Keine Beschreibung kann das tun und jede Illustration und am besten präsentiert einen einzigen Moment in der Zeit eingefroren . Betrachten Sie nun die Gedanken eines Charakters, der in dieser Explosion gefangen ist. Ich weiß nicht, ob meine Augen offen oder geschlossen waren, aber alles, was ich sah, war ein leuchtend rot-orangefarbenes Glühen, als ob ich die Insekten renne. Auf der Spitze einer Geburtstagskerze stand eine Reihe fast friedlicher Empfindung über mich. Ich nahm an, es bedeutete, dass ich schon tot war, und dann traf die Stoßwelle. Natürlich kann ein Schauspieler all das sagen, kein Zweifel besser als ich es gerade getan habe, aber ihre Stimmen von Natur aus extern, so dass es per Definition weniger intim und weniger wie Denken sich selbst. Und Prosa. Die Stimme, die der Leser hier ist, ist immer ihre eigene Partei, die von Ihrem Verstand und in diesem Sinnevon Ihnen erzeugt wird Sinne . Und es wird als Gedanke von und in deinem Gehirn erzeugt. In einem Comic würden die Wörter durch Ballons und Untertitel zerbrochen werden. Prosa präsentiert sie ist ein ununterbrochener Strom wieder, näher an das Gefühl des Bewusstseins selbst. Grund würde ich argumentieren, dass Profis der Reproduktion der Gedanken eines Charakters und in einer Explosion, dann Film oder Comicfilm näher kommen . Der viszerale Aspekt. Prosiere die Charaktere in die Perspektive. Aber welches Medium vermittelt die Gedanken und die Explosion des Charakters am besten gleichzeitig? Falls Sie wegen der einzigartigen Art und Weise, wie es die beiden Modi kombiniert, nicht erraten haben, es Comics, die vielleicht ein bisschen über die mittlere Stärke erklären, aber nicht unbedingt, warum die Form so überzeugend mit allen möglichen Konzepten sein kann. Haben Sie eine endgültige Antwort dafür, aber ich denke, zumindest ein Teil des Verstandes geht zurück auf die Art und Weise, wie das Gehirn jede fiktive Welt konstruiert , die wiederum auf dem Gewicht basiert, Realität wahrnimmt und interpretiert. Insbesondere der unvermeidbare Unterschied in der Art und Weise, wie wir Dinge hören, die auch als die wählbare Modalität des visuellen und der in wählbaren Modalität des Gehörs bekannt sind. Einfach gesagt, wir hören immer die Dinge rechtzeitig. Ein Geräusch nach dem anderen, aber wir sehen immer Dinge im Raum, eine Sache nebeneinander. Es stimmt, das Alphabet erscheint im Leerzeichen und die Buchstaben befinden sich nebeneinander. Aber anstatt Bilder repräsentieren sie Geräusche, die seit der Geburt indoktriniert wurden, wenn wir jene Bereiche des Gehirns lesen, die mit dem Hörlicht verbunden sind. Also, wenn es um einen Comic geht, tut das Gehirn Doppelpflicht. Und ja, ich sagte Pflicht. Es interpretiert eine Reihe von Klangzeilen, die in der Zeit stattfinden, während eine andere Reihe von Zeilen als Objekte interpretiert wird, die Raum einnehmen. Das mag wie ein langer Spaziergang für eine relativ einfache Schlussfolgerung scheinen, aber ich denke, dass die Kreuzung der Gehirnfunktionen schafft einen angenehmen Fonds natürlichen High. Also, um wieder zu dieser originellen Anekdote über Kinder, die Nancy Drew nicht mehr lesen müssen , jetzt, da sie Grafikromane sind, würde ich sagen, dass Sie nicht nur lesen, wenn Sie sich einen Comic ansehen, Sie setzen und möglicherweise viel mehr zurück. Als nächstes ist es Zeit, in die Muttern und Schrauben mit der Rolle des Schriftstellers zu kommen. Für jetzt. Leb wohl, mein tapferer Hobbits . 4. WComics L4 Autor:innen Rolle: Vortrag für die Rolle der Autoren, die den Mainstream-Comic-Workflow behandelt und wie er sowohl die Art und Weise beeinflusst, wie Autoren bezahlt werden , als auch die Art und Weise, wie sie Geschichten erstellen. Ich habe auch die beiden häufigsten Formen diskutiert, die Schriftsteller, Künstler und Redakteure verwendet haben, um die Marvel-Art und das vollständige Skript zusammenzuarbeiten. Ich bin Stefan Petricka, an den Sie sich aus meinen früheren Vorträgen weise und womit und unter der Würde der Affen erinnern können , was auch immer das Medium ist, alles Schreiben beinhaltet das Geschichtenerzählen dieser Tage. Einen Verkauf zu machen bedeutet auch zu wissen, wie man diese Geschichte in sehr kurzer Reihenfolge herausholen kann. Das ist das Ergebnis von drei grundlegenden Faktoren. Die Anzahl der Autoren bedeutet viele, die Art und Weise, wie die überwiegende Mehrheit beschäftigt ist, was bedeutet, freiberuflich und die Art und Weise, wie die meisten Herausgeber Inhalte regelmäßig Bedeutung benötigen. Es war nicht immer genau so während Hollywood-Studio-Fehler. Sie könnten tatsächlich ein Gehalt als Junior-Schriftsteller mit Vorteilen und Urlaubszeit bekommen. Heute gibt es in Hollywood kaum Angestellte, die Positionen schreiben, und sie existierten nie in Comics außer Self-Publishern und kleinen historischen Werken. Comic-Schöpfer, Schriftsteller und Künstler waren schon immer freiberuflich, was bedeutet, dass sie von der Arbeit in der Regel pro Seite bezahlt werden, mit möglichen zusätzlichen Zahlungen basierend auf Umsatz. Redakteure und Produktionspersonal hingegen sind in der Regel auf Gehalt. Nun, Sie können sich fragen, warum ist das? Macht es nicht sinnvoller, die Schöpfer, die Menschen im Kern der Produktion Ihres Produkts als diejenigen auf Gehalt zu haben? Nun, zum Teil für die Verlage, ist es eine Möglichkeit, Inhalte frisch und flexibel zu halten, um den ständig wechselnden Geschmack des Publikums gerecht zu werden. Verlage brauchen immer Supportmitarbeiter, aber wer weiß, wann ein bestimmter Schöpfer arbeiten wird aufhören zu verkaufen, Grassley legte. Warum die Kuh kaufen, wenn man einfach für die Milch bezahlen kann? Ah, es ist komplizierter als das. Für beide Seiten macht der freiberufliche Deal es auch für den seltenen Schöpfer, der es ein großer ist, mehr basierend auf dem Verkauf ihrer Arbeit zu machen . In diesen Studio-Tagen arbeiteten diese angestellten Schriftsteller zusammen an Drehbüchern, aber sie teilten sich nicht in den Filmen. Profit damals, Sobald Sie Ihr Handwerk beherrschen, Sie könnten dieses zuverlässige Gehalt hinter sich lassen und verhandeln ein besseres Geschäft direkter dem Propheten, dass Ihre Arbeit produziert verwandt. Heute sind es nur freischaffende Schildkröten den ganzen Weg runter. Freiberufler akzeptieren den Deal und denken, sie werden derjenige sein, der es groß schlagen wird, sie akzeptieren es auch, denn wenn Sie im Mainstream arbeiten wollen , gibt es keine Wahl. Jetzt, da das Internet einen freien Beweis für die Schöpfer in ihrer Arbeit bietet, gibt es wenig Motiv für einen Verlag, in entstehende Talente zu investieren, anstatt eine bekannte Menge zu engagieren . Um klar zu sein, es ist nicht so, als ob Freiberufler keinen Karriereweg haben. Je beliebter ihre Arbeit wird, desto mehr Möglichkeiten haben sie darüber, für wen sie arbeiten müssen, was sie aufladen, auf welche Art von Arbeit sie dio. Das gilt für Zimmerleute, wie es für Comicbuchautoren ist. Aber Job-Sicherheit, um den feigen Löwen zu zitieren. Nein, wie, auf keinen Fall, Thea. Der Grund, warum das System auf diese Weise entwickelt hat, ist, dass regelmäßige Inhalte benötigt werden, um existieren zu können . Mainstream-Comic-Verlage müssen nicht nur Produkte termingerecht anbieten, sie müssen dies in einer Weise tun, die konsistente Umsätze erzeugt. Tageszeitungen brauchen tägliche Inhalte. Monatliche Comics benötigen monatlichen Inhalt von Anfang an. Diese strenge Terminabhängigkeit erforderte einen zuverlässigeren Fertigungsansatz . Angesichts einer gelegentlichen Lücke in der Linie, anstatt jemand ein Gehalt zu sammeln, nur für den Fall, dass Sie sie brauchen, war es sinnvoller, einen Freiberufler anzurufen. Wichtig ist, dass ein Teil dieser Denkweise ist. Erstellen von Inhalten wird als stückweise mechanischer Prozess betrachtet. Es klingt wie eine Fabrikgedankenhaltung. Ist es, aber ich sage absolut nicht, dass das kreativ minderwertig ist. Sicher, einziges Genie, das Jahre an einem einzigen Projekt verbringt, kann unglaubliche Ergebnisse liefern. Aber trotz derer, die behaupten, dass keine große Kunst vom Komitee geschaffen werden könnte, gibt es keinen Mangel an Brillanz aus den Schreibräumen, die Dinge wie das Bösen hervorbringen . In der Tat, Produktion auf einer regelmäßigen Basis wird kreativen Fähigkeiten auf die gleiche Weise verbessern Übung baut Muskeln für etwa 10 Jahre, ist ein Freiberufler für Eggman Publishing. Ich habe sechs oder sieben Comicgeschichten pro Monat mit Mickey Mouse and Friends aufgeschlagen . Diese Arbeit führte zu mehr als 500 Geschichten, die in 34 verschiedenen Sprachen veröffentlicht wurden. Manchmal erwache ich in den Toten der Nacht schreiende, charaktergesteuerte Handlungsideen und 100 Wörter oder weniger. Aber diese Praxis und schnell und ständig mit interessanten, unterhaltsamen Geschichten zu kommen, war von unschätzbarem Wert. Ebenso wirkt sich der Fließband Workflow auf die Art und Weise ein Freiberufler Ihre Rechte, und es tut es in mehr als einer. Ich komme in mehr Details nächste Vorlesung. Aber allein im Herzen verkauft Romanist ihre Arbeit im Allgemeinen, nachdem sie ihre Startplätze beliebig abgeschlossen haben, einen Sieg, eine plötzliche Inspiration oder einen Anruf von der Muse. Freischaffende Comic-Autoren hingegen präsentieren oder präsentieren mehrere Ideen, bevor sie mit dem Drehbuch beginnen. Welche Idee auch immer anspricht, die meisten Redakteure werden derjenige, der pünktlich abgeschlossen werden muss, anstatt eine Gewicht-Inspiration . Der Freiberufler muss sie verwenden nennen und hoffen, dass die Antwort, sobald die Story-Idee an grundlegende Methoden verkauft wurde, die für den Autor Künstler im Editor entwickelt wurden, um innerhalb des Produktionsflusses zusammenzuarbeiten. Im Allgemeinen werden sie Marvel Way und das vollständige Skript genannt. Zumindest nenne ich sie so. Ich höre, Marvel arbeitet heutzutage ziemlich mit vollen Skripten, aber da ich weiß, dass sie diese 6-Stufen-Methode angeführt haben, nenne ich es immer noch auf den Marvel-Weg um der Kürze willen. Dieses Diagramm schließt den belästigten, fleißigen Editor aus, der bei jedem Schritt auf dem Weg Notizen und Genehmigungen zur Verfügung stellt. Werfen wir nun einen genaueren Blick auf jede Phase mit einem Akzent auf die beiden Schritte, die direkt den Autor, die Handlung und das Skript und die Handlung betreffen . Der Autor beschreibt die Geschichte, die gesehen wird, indem er Broken Down by Comic-Seite für eine typische 22 Seiten monatlich sieht. Ah Handlung wird etwa 3 bis 5 Seiten laufen. Plots können aber in der Regel keine Snippets des Dialogs enthalten. Meine Nancy Drew Graphic Romane für Papierschnitte wurden tatsächlich seine vollständigen Skripte geschrieben, aber als Beispiel, hier ist, wie die Handlung für die 1. ausgesehen haben könnte 1 Der Dämon von River Heights Seite eins. Wir öffnen mit einem Cliff Kleiderbügel buchstäblich. Nancy hängt an den Finger von einer Klippe über der Rushing River Seite zu ihrem Freund. Ned versucht verzweifelt, sie zu erreichen, scheitert aber und sie stürzt ab. Seite drei. Eigentlich, Nancy und Co. Sehen die Tageszeitungen aus einem Indie-Film, der von zwei streitenden Filmstudenten gemacht wird. Es geht um eine erfundene Kreatur namens River Heights Dämon und so weiter. Fühlen Sie sich frei zu pausieren und den Rest zu lesen. Beachten Sie, dass ich die Charaktere Aussehen nicht beschreiben, da sie bereits in diesem Fall von Show Marassi etabliert wurden. Wenn du schreibst, sag Spiderman, du musst sein Kostüm nicht beschreiben. Jeder weiß es schon. Einmal genehmigt, die Handlung geht an einen Künstler, der Bleistifte oder rau jede Seite, Erstellen von Panels, Figuren und Hintergrund. Während einige noch aktuelle Papier verwenden, viele arbeiten vollständig auf dem Computer. Von dort geht ein Fotokopierabdruck aus den Ruff's zurück an den Schriftsteller, der sie benutzt, um das Drehbuch zu komponieren . Dieses Skript enthält alle Wörter, die der Leser Untertitel sehen wird, Dialog in allen Soundeffekten, die der härteste noch nicht als Design-Element enthalten . Anstatt die Worte auf die Kunst zu setzen, die sie retten. In einem separaten Dokument verwendet der Autor dann eine magische Markierung oder eine digitale Entsprechung auf den Dächern, ihre Platzierung mit entsprechenden Formen angibt, die nummeriert sind, um dem Skript zu entsprechen . Um dir zu zeigen, wie das aussieht. Hier ist das Skript für unser Nancy Drew-Beispiel. Neben der nummerierten groben in größeren Verlagen mit mehreren Fristen, könnte der Plot-Autor in diesem Fall anders sein als der Drehbuchautor, um zurück zu unserem alten Kumpel Fonds mit Terminologie, die Plot-Autoren manchmal gutgeschrieben mit der Geschichte, um sie von der Drehbuchautor zu unterscheiden. Während ich in sehr seltenen Fällen nach Änderungen im Prozess fragen konnte , viel öfter mit dem Skript, ist die Arbeit des Schriftstellers erledigt und sie gehen zum nächsten Projekt über. Inzwischen sind die Schrift und Dächer zu einem Brief geschickt tatsächlich kombiniert die Worte mit der Kunst, wobei sicher nicht zu vertuschen jede entscheidende Geschichte oder ästhetische Aspekte. Schriftzug ist viel einfacher per Computer, aber einige immer noch Brief von Hand. Wie mein Kumpel Rick Parker haben Handschriftzug richtig gemacht, wie Rick es tut, produziert persönlichere, ansprechende Ergebnisse. Die beschrifteten Dächer werden als nächstes an den Künstler für Finishes oder ANC's geschickt, wo schwarze Textur und Detailer bei dem Künstler, der die Dächer in der Regel erledigt die Fertigstellung. Aber das ist nicht immer der Fall. Und es gab viele berühmte Bleistift-er Wut Partnerschaften im Laufe der Jahre. Schließlich, aber definitiv nicht zuletzt die Coloristen Anzeigen. Wie Sie vielleicht erraten, die Farben. Das ist der Marvel-Weg veröffentlicht, was ich den Marvel-Weg genannt habe, die andere Option, die es fast so lange gibt. Aber es ist viel häufiger in diesen Tagen, ist das vollständige Skript. Das vollständige Skript ändert den Fluss, indem die Plotphase eliminiert wird, Dinge zumindest anfänglich, viel mehr in die Kontrolle des Schreibers bringt . Jedes Panel wird im Voraus beschrieben, und alle Untertitel, Dialoge und Soundeffekte werden geschrieben, ich widme nicht einen, sondern zwei Vorträge, um diese Beschreibungen zu erstellen. Aber kurz Winkel, Panel-Größe und manchmal sogar Seitenlayouts können einbezogen werden, abhängig von der jeweiligen Schriftsteller-Künstler-Arbeitsbeziehung. Sobald ein vollständiges Skript abgeschlossen ist, genehmigte die Autoren ziemlich fertig, und der Rest des Flow verläuft auf die gleiche Weise wie ein Beispiel. Hier ist das eigentliche vollständige Skript von der ersten Seite des gleichen Nancy Drew Graphic Novel, und hier ist, wie die letzte Seite sah aus, wie von der talentierten Show Morass E. gemacht um ein Gefühl davon zu bekommen, wie sich diese Methoden kreativ unterscheiden. Beachten Sie, dass Ned Nickersons Gesicht nicht sichtbar ist. Das ist gut visuell, aber so habe ich mir die Szene ursprünglich nicht vorgestellt. dies auf Marvel-Weise gemacht worden, hätte ich die Kunst gesehen und vielleicht Nancys Erzählung verwendet, um darauf hinzuweisen, dass der Leser auf den Hinterkopf von Ned schaut. Was uns zu unserem letzten kurzen Thema bringt. Ist ein Format besser als das andere? Die Antwort, die Sie wahrscheinlich nicht überraschen wird, ist, dass es abhängt. Jede Methode hat klare Vor- und Nachteile im Herzen. Das vollständige Skript ähnelt viel mehr einem Film- oder Fernsehskript, mit der bemerkenswerten Ausnahme, dass sich die Bilder nicht bewegen, mit der bemerkenswerten Ausnahme, dass sich die Bilder nicht bewegen, es gibt dem Autor viel mehr Kontrolle über das Tempo und die Geschichte Zugriff auf die Marvel Art und Weise . Wenn man die grobe Kunst sieht, kann der Schriftsteller seine Worte besser an die Bilder anpassen , ist es einfacher, sich vorzustellen, was ein Gesicht sagen könnte, wenn man es sehen kann. Es macht es auch einfacher, sicherzustellen, dass die Wörter passen, möglicherweise mehr organische Ergebnisse zu schaffen. Aber tolle Comics haben sich aus beiden Methoden ergeben. Auf der einen Seite könnte Stanley Jack Kirby einfach bitten, einen unglaublichen Kampf für drei Seiten zu ziehen, und er würde es tun. Auf der anderen ist Alan Moore bekannt für seine langen, wandernden, informellen und brillanten Drehbücher, wie hier die Beschreibung des ersten Panels der ersten Seite seiner legendären Watchman-Skript Abschließend. Während Sie wahrscheinlich irgendwann mit diesen Formularen arbeiten werden, denken Sie daran, dass am Ende, was auch immer funktioniert, Sie sehen 5. WComics L5 Pitches: Vortrag fünf Seillängen. Springboards und Zusammenfassungen, die die Grundlagen der Geschichte abdecken, wie Autoren Geschichten aufzeichnen, wie Inhalte in diesen kurzen Raum passen und wie der Prozess der Zusammenfassung zwei unterschiedliche, aber kompatible Schreibmethoden widerspiegelt . Überraschung. Ich bin's wieder, Stefan Petricka. Es ist ein großer Planet, und die Schriftsteller, die auf oder unter seiner Oberfläche leben, arbeiten alle möglichen Wege. Einige beginnen mit einem zufälligen Wort, um herauszufinden, wie die Dinge enden, sobald sie dort sind. Andere skizzierten jede Szene in quälenden Details, unabhängig vom Pfad. Wenn wir nicht über abstrakte Poesie oder eine andere nicht erzählerische Form sprechen, ist das Endprodukt eine Geschichte. Was ist die Geschichte? Das ist ein sehr großer Kurs an sich, aber es ist eine große Übervereinfachung. Es ist eine fiktive Spannung zu schaffen, als sie zu lösen, mit den grundlegenden Komponenten von Charakterkonflikt, Gehäuse, jemand oder etwas hat einen Wunsch. Etwas oder jemand steht der Erfüllung dieses Wunsches im Wege. Und am Ende finden wir heraus, ob sie es bekommen. Die vierten Komponentenkomplikationen, die im Wesentlichen viele Konflikte auf dem Weg zur Lösung des Hauptkonflikts darstellen, betreffen die einfache Dreitonen-Melodie zu einer Symphonie. In Bezug auf den kreativen Prozess, viele Straßen können Sie dorthin bringen. Das einzige, was zählt, ist das Endergebnis. In Bezug auf den Verkauf einer Geschichte oder das Überzeugen von Aufträgen, mit Ihnen zu arbeiten, werden die Dinge schnell anders. Ein vielbeschäftigter Redakteur mit Deadlines hat keine Zeit, ein langwieriges, vollständiges Skript direkt von der Fledermaus zu lesen , selbst von Pro. In ähnlicher Weise möchte ein Künstler, mit dem Sie zusammenarbeiten möchten, zumindest eine allgemeine Vorstellung davon haben, worauf sich einlässt, bevor er sich für ein Projekt engagiert. Irgendwann muss ein Schriftsteller sein brillantes Epos erbarmungslos in ein paar prägnante, kohärente und fesselnde Sätze in der gesamten Medienindustrie aufkochen . Für diese wichtigen Zusammenfassungen wurden drei Begriffe verwendet. Pitch Logline und Sprungbrett. Nun, diese Begriffe werden oft austauschbar verwendet. Wie wir mit anderen so reizvollen Jargon gesehen haben. Es gibt einige Unterschiede. Ein Pitch ist ein Verkaufsbegriff, der für jedes Produkt verwendet wird. Es ist ein kurzer, eingängiger Satz, der die Grundidee vermittelt. Eine Menge Zeile bezieht sich genauer auf Film und Fernsehen, wo Skript-Leser buchstäblich kurze Beschreibungen in ein Protokoll eingeben, um zu verfolgen, was bereits überprüfte Sprungbretter oder nur ein bisschen länger enthält komplette, aber nackte Knochen Geschichte. Im Gegensatz zur Comichandlung sprachen wir über das letzte Mal. Springboards sind keine Anweisungen für einen Künstler, und daher sind sie nicht nach Seiten aufgeschlüsselt oder notwendigerweise visuell orientiert. Es gibt zwei bekannte Variationen auf dem Stellplatz, der Aufzugsplatz kurz genug, um während einer kurzen Fahrt mit dem Aufzug zu gelangen. Und vielleicht die kürzeste von allen. Der hohe Concept Pitch , der sich generell auf ein einfaches Mashup bestehender Konzepte wie Back to the Future bezieht, trifft auf The Sopranos, eine treffende Beschreibung des Films Looper mit Logline. Einige dieser grundlegenden Story-Komponenten werden mehr erkennbar, um zu sehen, wie schnell diese Art von Sommer können Sie die Geschichte über. Schauen wir uns ein paar lange Zeilen aus populären Filmen an und sehen, ob wir den Titel bekommen können, oder? Ein naiver, aber ehrgeiziger Bauernjunge vereint sich mit einer feisty Prinzessin, einem Söldnerpiloten und einem alten Kriegerzehe führen eine Rebellion gegen ein finsteres Imperium, das natürlich Star Wars ist natürlich . Eine junge Frau verfolgt ihre Leidenschaft für Fußball gegen die Wünsche ihrer traditionellen Sikh-Eltern . Okay, das ist biegen Sie mit Beckham Transport in eine surreale Landschaft. Ein junges Mädchen tötet die erste Person, die sie trifft, und setzt sich dann mit drei Fremden zusammen, um es wieder zu tun. Witz Ja, es ist ein alterWitzund Entschuldigung, wenn du es gehört hast. Aber es weist darauf hin, dass eine gute Zusammenfassung nicht nur Plot-Ereignisse rezitieren kann, die dies in einer Weise tun müssen , die auch den Story-Geschmack wie folgt erfasst. In einem magischen Land gestrandet, macht sich das einsame Kansas Mädchen auf eine gefährliche Reise, um einen Zauberer zu finden, der sie nach Hause schicken kann , um zur Geschichte zurückzukehren. Basics bemerkten, dass diese Log-Zeilen geben uns die 1. 2 Geschichte Komponenten Charakter und Konflikt ambitionierten Bauernjunge rebellieren gegen das finstere Reich. Eine junge Frau rebelliert gegen die traditionellen Eltern um ihrer Leidenschaft willen. Ein gestrandetes Mädchen auf einer gefährlichen Heimreise. Aber sie beinhalten keine Schließung in einer langen Schlange. Du erfährst nicht, was passiert. Teilweise liegt das daran, dass die Geschichtenschließung durch den Konflikt impliziert wird. Sobald dieser Konflikt etabliert ist, gibt es wirklich nur drei Möglichkeiten für das Ergebnis. Die Fahrwünsche erreicht, nicht erreicht oder verändert. Es liegt auch daran, dass das Konzept der Logline von der großen Budget-Filmindustrie stammt , wo zumindest anfangs die Grundidee der wichtigste Teil ist und die Details sortiert werden können später heraus. Viele Schriftsteller und ein tolles Leben sind Hollywood-Drehbuchärzte. Das gilt weniger für das Fernsehen und überhaupt nicht. Und Comic-Redakteure, die sich mit einem Workflow mit Dutzenden von Geschichten beschäftigen, brauchen das vollständige Bild nicht nur, um eine Entscheidung darüber zu treffen, was zu kaufen, sondern sich sicher zu fühlen, dass ein Neuling weiß, wie man eine befriedigende Schlussfolgerung schafft. So kann es hilfreich sein, einen Pitch an der Spitze einer längeren Präsentation zu haben, aber Sie wollen nie wirklich eine Geschichte ohne Ende präsentieren. Was uns zum Sprungbrett bringt. Sprungbretter sind Lochzeilen sehr ähnlich, aber sie beinhalten Schließung. So können viele Lochlinien leicht in Sprungbretter umgewandelt werden. Wie bei diesem Logline, denn es ist ein wunderbares Leben. Ein Familienmann kämpft darum, dieser kleinen Stadt für ein erfolgreicheres Großstadtleben zu entkommen. Wenn es konstant ist, scheitern die Bemühungen. Er denkt an Selbstmord, aber sein Schutzengel zeigt ihm, wie die Welt wäre, wenn er nie geboren worden wäre. Wenn Sie einen einzelnen Satz hinzufügen, der die Schließung beschreibt, wird die Logline in eine einfache Synopsis umgewandelt. In Anerkennung seiner Auswirkungen auf diejenigen, die er liebt, er umarmt sein Leben mit Dankbarkeit Angesichts der leichten Unterschiede, Ich hoffe, Sie können sehen, warum diese Begriffe manchmal austauschbar verwendet werden. noch wichtiger ist, abernoch wichtiger ist, was haben sie damit zu tun, Comics in Comics zu schreiben? Wenn Sie sich von einem Editor für Ideen nähern, senden Sie in der Regel 45 Springboard jeweils einen einzigen Absatz, der etwa 3 bis 5 Sätze läuft . Beachten Sie, dass ich sagte,, Wenn Sie angesprochen werden, wenn es um die großen Waffen wie Marvel in D C thes Tage kommt, sie kontaktieren etablierte Schriftsteller anstatt mit unerwünschtem Material umzugehen. Auf der anderen Seite, wenn Sie hoffen, eine bestimmte Graphic Novel an einen Buchverlag oder einen kleineren Comic-Verlag zu verkaufen , der unerwünschte Materialien überprüft, würden Sie eine Abfrage senden, eine einseitige Beschreibung, die konzentrierte sich auf ein einziges Sprungbrett, um zu fragen, ob sie mehr sehen wollen. Viel mehr finden Sie, wie man diese Abfragen in meinem Kurs für einen Lebensunterhalt konstruiert . In jedem Fall, immer einige Recherchen über einen bestimmten Publisher Verfahren, bevor Sie etwas einreichen. In der letzten Vorlesung meine Beschreibung des Workflows davon aus, dass bereits eine Form von Pitch verkauft wurde. Es gibt jedoch Situationen, in denen ein zusätzlicher Schritt ins Spiel kommen kann, insbesondere wenn es darum geht, für lizenziertes Material zu schreiben, also Charaktere oder Welten , die einer anderen Person als dem Herausgeber. Batman, zum Beispiel, ist im Besitz von Warner D. C. Comics gibt ihnen endgültige Zustimmung über alle Dinge Batman. Das gleiche gilt für Captain America und Disney Marvel in beiden Fällen, der Freiberufler arbeitet direkt mit dem Besitzer. Nancy Drew hingegen hingegen ist im Besitz von Simon und Schuster. Comic-Verlag Paper Cuts lizensierte die Rechte von ihnen, ihren Graphic Roman zu machen, Siri mit Eigentümern, die rechtmäßig ihr geistiges Eigentum schützen. Ihre Zustimmung ist ebenfalls erforderlich. Prozeduren, sehr. Aber für den Schriftsteller bedeutet es meistens, eine Story-Synopsis speziell für die Genehmigung des Lizenzvertrags in der Marvel-Weise zu produzieren , die Handlung kann ziemlich viel als Synopsis verwendet werden, aber im vollständigen Skript, dass die Bühne im Wesentlichen wieder aufgenommen wird, ohne dass ein Schriftsteller grobe Kunst sieht bevor er sie schreibt. Um den Unterschied zu verstehen. Kehren wir zu unserem Grund zurück. Es ist eine wunderbare Lebenssynopsis. Eine Comic-Handlung für einen Künstler würde es alle Geschichtenereignisse buchstabieren und könnte einige Teile des Dialogs wie diesen beinhalten . Seite eins. Bedford Falls Heiligabend. George Bailey ist seit Jahren tief beunruhigt, von seinen Freunden und Familie. Aufstieg in den Himmel Seite zu diesem bewirkt, dass Engel einen zweiten Klasse Engel, Clarence, um ihn zu retten zuweisen Clarence, . Clarence. Wirklich er. Er ist dran. Hier bin ich, Seite drei. Sie werden überprüft Georges Leben, beginnend im Alter von 12, als Georgias jüngerer Bruder, wie er durch das Eis auf einer gefrorenen Bindung fiel. Ich hole dich, Harry. Aufgrund dieser Aktion verlor George eine Anhörung in seinem linken Ohr. Aber was ist das? Sagst du? Eine Zusammenfassung für einen Lizenzgeber ist sehr ähnlich. Es würde Lee einige bestimmte Story-Ereignisse enthalten, aber nicht unbedingt die Seitenaufschlüsselung. Diese Art von Synopsis kann auch für jemanden nützlich sein, der versucht, einzubrechen. Wenn ein Redakteur Lecture Springboards, aber noch nicht mit Ihnen gearbeitet hat, kann er nach einer Synopsis als Zwischenschritt fragen, bevor er sich zu einem vollständigen Skript begibt. Wenn ein Buchverlag Interesse an Ihrer Graphic Novel Abfrage zum Ausdruck bringt,könnte der nächste Schritt sein, diese Art von Zusammenfassung ist Teil eines größeren Vorschlags,der, wenn überhaupt möglich, Wenn ein Buchverlag Interesse an Ihrer Graphic Novel Abfrage zum Ausdruck bringt, könnte der nächste Schritt sein, diese Art von Zusammenfassung ist Teil eines größeren Vorschlags, der, wenn überhaupt möglich, enthalten einige Kunstwerke in Bezug auf die Länge. Eine Zusammenfassung für einen monatlichen 22 Seiten Comic wäre 1/2 Seite oder Seite lang für einen vollständigen grafischen Roman. Es könnte 4 bis 5 Seiten sein. Zum Vergleich Eine typische neuartige Synopsis läuft 10 bis 15 Seiten, so gibt es viele Gründe, Ihre Arbeit an vielen Formaten zu verdichten, in denen dies zu tun ist. Was uns zu der großen Frage bringt. Wie für viele scheint das Zusammenfassen geradezu antithetisch gegen den kreativen Prozess zu beginnen. Ein sterblicher Feind dessen, was viele von uns leidenschaftlich für das Schreiben an erster Stelle macht, dass phantasievolle Erforschung von Intuition als eine weitere große Übervereinfachung angetrieben wird, könnte der intuitive Schreibprozess so aussehen. Der Schriftsteller umarmt zuerst die Muse, spült Worte aus und einen fiebrigen Anfall. Dann gehen sie zurück und formen diese groben Ergebnisse zu einer Geschichte. Zusammenfassend ist bestenfalls ein langwieriger Nachgedanke, sobald die wirkliche Arbeit erledigt ist, nachdem all das Blut, Schweiß und Tränen investiert all das Blut, wurde, die verdichten, dass die Arbeit nicht nur ein Kopfschmerz der Reverse Engineering ist, es kann sich anfühlen, als ob Sie etwas töten Sie lieben wie ein Welpe. Und wer will ein Welpen-Ding töten? Tötet Ihr gar nichts? Sehen Sie die Welpen gut, auch wenn Sie zusammenfassen und bestehende Arbeit, die Sie tatsächlich etwas anderes erstellen. Nicht eine harte Seele ist ein Tier, dessen Existenz ist ein Spott von allem, was Sie lieben, aber etwas, das über die Idee des Welpen gerade genug bekommen wird, um die Menschen wollen es streicheln. Nur eine za-Zusammenfassung kann gedacht werden, unterscheidet sich von der Arbeit selbst. Zusammenfassen kann als eine deutliche Fähigkeit betrachtet werden, eher wie abstrakte Rätsellösung. Übergeben Sie sich der Muse als eine Fähigkeit, die durch Übung gelernt und geschliffen werden kann . Im Laufe der Zeit könnte es von selbst interessant werden, wie ein Kreuzworträtsel zu machen. Als zusätzlichen Bonus wird es Ihr Schreiben verbessern. Viele Anfänger machen den Fehler zu versuchen, so viele Details aus ihrer Geschichte wie möglich in den Sommer zu quetschen . Two Key Pa ist viel von dem Welpen ist, dass sie nicht können. Der Trick besteht jedoch darin, diese Details zu vergessen und bewusster analytischer zu werden. Denken in Bezug auf die vier geschossigen Komponenten, Charakter, Konflikt, Komplikationen und Schließung und im Wesentlichen füllen Sie die Leerzeichen. Mit anderen Worten, bauen Sie sich nicht nach unten. Die Gefahr wird dann mit wenigen Sätzen zu weit gehen. Es ist einfach, das große Badewasser wegzuwerfen den emotionalen Kern im Austausch für ein trockenes Rezitation von Ereignissen zu verlieren. Also, wo ist das Gleichgewicht? Was zählt? Im Falle des Welpen es viel wirklich um die Augen. Ja, im Falle der Geschichte, schauen wir uns ein berühmtes Beispiel an, das von E. M. Forster umschrieben M. wurde. Die Königin starb und dann starb der König ist eine trockene Rezitation von Fakten. Die Königin starb und dann starb der König an einem gebrochenen Herzen ist eine Geschichte. Der Unterschied ist nur vier Worte, aber sie bieten nicht nur einen Charakter für den König als jemand, der tief liebt, sie bieten einen Konflikt, der mit diesem Charakter in Resonanz. Das ist nicht nur Körper MK Boat Gesicht bekämpft den bösen Mr. Submarine. Wer wird gewinnen? Antwort. Körper MK Boot Gesicht Wie kann ein liebevoller König ohne seine geliebte Antwort leben? Er kann nicht. uns Hamlet an, Sehen wiruns Hamlet an, einen dänischen Prinzen, dessen Onkel seinen Vater ermordet, seine Mutter heiratete und seinen Thron umsetzte. Der grundlegende Konflikt hier ist, was du jetzt dagegen tun wirst, das ist ein großer Konflikt, wohl allein überzeugend ist. Aber was Hamlet Geschichte lebendiger macht, ist ein einziges Wort, das oft verwendet wird, um ihn zu beschreiben. Er ist nicht irgendein dänischer Prinz. Er ist der melancholische Däne. Dieses ein Wort zeichnet nicht nur ein lebendigeres Bild davon, wie wir mit jedem Konflikt umgehen, es bezieht sich wiederum direkt auf seinen speziellen Konflikt, indem er ihn anhebt. Es ist nicht nur, Oh, ich werde das tun. Es ist Oh, Mann, was soll ich drei Stunden lang so diotieren, wie sich der Charakter auf ihre Situation bezieht? Wie die Geschichte tatsächlich aus dieser Beziehung hervorgeht, macht den Unterschied, den er hatte. Kernpersönlichkeit eines Charakters ist die einzige Sache, die die meisten meiner Schüler im ersten Sommer auslassen . Und wenn Sie sich darauf konzentrieren, wie wir gesehen haben, ist es die Art von Sache, die mit nur wenigen Worten korrigiert werden kann. Es ist ein Unterschied zwischen Joe muss zur Bank gehen und eine Zahlung um drei bezahlen, um sein Haus zu behalten . Und Joe und Agora phobic müssen zur Bank gehen und bis drei Uhr eine Zahlung leisten, um sein Haus eins zu halten, das bestehende Werk zusammenfasst. Das ist der Kern, den Sie erfassen möchten. Wenn die Geschichte nicht auf irgendeiner Ebene, haben Sie diesen Kern, vielleicht wollen Sie die Geschichte überdenken. Was mich zu einem anderen Punkt zusammenfasst und die Art und Weise, wie es in den Workflow passt. Bieten Sie eine Reihe von Werkzeugen, die verschiedene Möglichkeiten geschaffen haben, eine, die immer attraktiver wird, sobald Sie beginnen, regelmäßige Aufgaben zu erhalten und Geschichten auf Anfrage zu produzieren. Einfach gesagt, Sie können lernen, wie man anders herum arbeitet, anstatt nach der Essenz eines fertigen Stückes zu jagen . Sie können Nachrichten erstellen, beginnend mit den Bones, eine Pyramide drehen und den Schreibprozess beginnen, indem Sie die Leerzeichen für Charakter und Konflikt ausfüllen . Entscheiden Sie sich für die Schließschicht in einigen Komplikationen und dann, wenn Ihr Scripting das Endprodukt versuchen, die Muse zu umarmen, um Dinge zum Leben zu erwecken während immer noch alle Blitze der Inspiration zu respektieren, die ganze Schwein erscheinen können, Sie die Erstellung des Sprungbretts und der Zusammenfassung, während Sie gehen. Und wenn ein Redakteur vorschlägt, sich zu ändern, ist es relativ einfach, die Geschichte auf der Pitcher Sprungbrett Bühne zu verändern, verglichen etwas, das bereits ausgearbeitet wurde. Vor diesem Hintergrund kann die Bewegung von Tonhöhe zu Skript als Schichtprozess angesehen werden. Die Tonhöhe bietet einen ziemlich abstrakten Konflikt und Charakter. Das Sprungbrett fügt Verschluss in einer Grundform. Die Synopsis erstellt die Komplikationen von Story-Ereignissen, und das Skript stellt die Details bereit. Großes Bild. Dieser stückweise Schreibansatz könnte als reduktionistisch bezeichnet werden, indem man etwas versteht, indem man es auseinander nimmt und die Stücke studiert. Die daraus resultierende Geschichte Magie könnte als aufkommende Eigenschaft bezeichnet werden, ein größeres Ganzes, produziert durch die Summe seiner Teile. Ebenso könnte der von Muse gesteuerte Ansatz als ganzheitlich bezeichnet werden, der das gesamte System betrachtet Ihr Talent als Intuitionen und nicht als Fähigkeiten entwickelt. Zum Beispiel muss das Schreiben, ohne zu wissen, wie die Geschichte endet und sich durch einen Prozess, den Sie verwenden , nicht starr sein, wie sie immer und immer wieder sagen werden. Was auch immer funktioniert, wenn man einen Roman schreibt. Ich benutze immer Umrisse, aber ich fühle mich auch frei, diesen Umriss zu überarbeiten, wenn eine bessere Idee auftaucht, um auf professioneller Ebeneklar zu sein , um auf professioneller Ebene diese Art von Revisionen wird schwieriger, sagen einmal eine Lizenz oder genehmigt Synopsis oder Plots, die bereits nach einem bestimmten Punkt mit Bleistiften versehen wurden, müssen Sie mit dem arbeiten, was Sie haben. Trotz seiner Nützlichkeit einige Schriftsteller, insbesondere Anfänger, finden einige Schriftsteller, insbesondere Anfänger,den reduktionistischen Ansatz im Gegensatz zur wahren Kreativität. so bewusst arbeiten, werden sie daran gehindert, was Magie die fiktive Welt dazu bringt, den Welpen zu töten oder zumindest zu missbrauchen. Ich sympathisiere, Aber nach meiner Erfahrung bietet die reduktionistische Methode eine andere, aber gleichermaßen befriedigende Herausforderung. Finden Sie das Leben in einem vordefinierten Moment. Es geht mehr darum, zu lenken, anstatt zu beseitigen, amüsieren. Jeder hat natürlich natürlich seine eigenen Stärken und Schwächen. Eine Person. Herzlichen Glückwunsch, ITAR Geige mit ihm für ein paar Monate und produzieren schöne Musik. Ein anderer könnte gedeihen, indem man Musik liest, Akkordstruktur und Musiktheorie studiert. Wieder funktioniert, was auch immer funktioniert. Ich möchte vorschlagen, dass anstatt an ganzes Denken und Reduktionismus Gegenteil ist , es nützlicher ist zu sehen, dass sie verschiedene Werkzeuge sind. Intuition kann einen Blitz der Brillanz liefern, aber sie ist selten zuverlässig. Die reduktionistischen Werkzeuge sind immer da, bereit und warten auf die einsamen Nächte, wenn Sie herumsitzen und auf das Musical warten. Darüber hinaus, wenn üben fleißig Fähigkeiten im Laufe der Zeit intuitiv werden. Üben von Skalen zum Beispiel wird zum Beispielzum Körpergedächtnis und fühlt sich schließlich instinktiv an. Wahrscheinlich steht dieser Prozess eine bessere Chance, jemandem zu helfen, seine Kunst weiter zu nehmen, als nur nach Ohrpräferenzen und Neigungen beiseite zu spielen und zu entscheiden, wie man arbeitet. Vielleicht möchten Sie auch Ihre Ziele in Erwägung ziehen, wenn Sie aus reiner Freude schreiben und nicht wollen , dass Erfahrung durch Handel an sie und mehr Macht zu Ihnen zu nehmen. Es ist eine gute Möglichkeit, Ihre Zeit zu verbringen, und ich empfehle es sehr. Aber wenn Sie regelmäßig professionell schreiben möchten, wird Produktivität unerlässlich. Um Bruce Springsteen zu paraphrasieren, können Sie 20 Jahre dauern, um Ihre erste Ausgabe eines monatlichen Comics zu schreiben, aber Sie haben nur einen Monat Zeit, um die zweite zu bewerten. Manchmal ist es notwendig, den Welpen gesund zu halten, ihn aus Stein zu werfen. Ich möchte mit einem Vorbehalt abschließen. In diesem Vortrag habe ich den Pitch in vorgestellt. Das Sprungbrett ist die primäre Möglichkeit, einen Verkauf zu tätigen. Aber jedermanns Geschichte ist anders, und so bin ich nicht eingebrochen. Ich habe Sprungbretter hergestellt. Ja, und Comic-Redakteure mögen sie noch, aber sie haben mich in etwas von einem Catch 22 gebracht. Nach dem Feedback, die Sprungbretter, die ich gesendet habe, nicht beweisen, dass ich einen Dialog oder ein vollständiges Skript schreiben konnte. Und um eine der netteren Ablehnungen zu zitieren, hat niemand Zeit, einen Anfänger zu trainieren. Also, in den späten 1980er Jahren, gegen jeden gegenteiligen Rat, nahm ich einen meiner ursprünglichen Vorschläge, die ein Redakteur namens The Kiss of Death, schrieb ein vollständiges Skript dafür und schickte es an eine Reihe von Redakteuren. Das war es, was schließlich Aufmerksamkeit erregte, resultierte in einer vier Ausgabe Miniserien aus dem ersten Verlag, mit Covers von JK Potter und Art des verstorbenen Tom Sutton. Es hieß Squalor. Sobald Syriens bewiesen hat, dass ich schreiben konnte, war es einfacher für mich, Geschichten zu verkaufen, die auf Sprungbrettern basieren, um klar zu sein, dass das vollständige Skript auf einem Sprungbrett basiert. Also habe ich nie das Gefühl, dass meine zusammenfassenden Bemühungen verschwendet wurden. Die Praxis verbesserte mein Schreiben, und die Fähigkeit wurde entscheidend auf der Linie Punkt. Obwohl ich denke, dass diese Grundlagen ein großartiger Ort sind, um zu beginnen, gibt es so viele Möglichkeiten, Comics zu schreiben, gibt es Comic-Autoren. Probieren Sie etwas aus, sehen Sie, wie es funktioniert. Und haben Sie keine Angst, den Kurs anzupassen und etwas anderes auszuprobieren. Nichts gelingt wie Erfolg umschließen. Erinnerst du dich daran? Es gab nicht die Flugzeuge zu seiner Schönheit töteten die Bestie. Auf keinen Fall 6. WComics L6 Wort und Kunst: Vortrag sechs Wort und Kunst, die die Art und Weise beschreibt, wie Wörter und Bilder sich gegenseitig verändern. Was genau stellt Comicbuch aus den sieben Kategorien von Wortbildern Beziehungen Scott McCloud in seinem Buch Comics beschrieben hat? Ja, ich bin Stephan Petricka. Es sei denn, ich beobachte mich selbst. Aus irgendeinem Grund geht es Ihnen nicht gut, so ziemlich alles, was das geschriebene Wort betrifft, erfordert eine Art von Visualisierung des Schreibens . Comics erfordert nicht nur ein Verständnis der Panel-Grammatik, sondern auch, wie die Wörter und Bilder und jedes Panel sich gegenseitig beeinflussen und tatsächlich verändern können . Es ist ziemlich einfach zu sehen, wie ein Bild die Bedeutung der Wörter verändern kann. Sobald die Gesichter hinzugefügt wurden, wird der Ton der Wörter und ihre Bedeutung verändert. Aber was ist mit andersherum? In seinem Buch und Fernsehen von 1972 macht Siris Sehweisen John Berger einen hervorragenden Punkt, indem er dieses Gemälde Wheatfield with Crows von Vincent Van Gogh verwendet, oder, wenn Sie Briten sind, Ben Golf, Wheatfield with Crows von Vincent Van Gogh verwendet, oder, wenn Sie Briten sind, Ben Golf, Schauen Sie. Lasst das ein wenig reinsinken, Wir Feldkrähen. Jetzt schauen Sie noch mal. Sobald Sie die Beschriftung, das Bild, oder zumindest, wie Sie es sehen. Es gibt nicht mehr das gleiche zu Zitat Burger die Worte unveränderlich e ändern das Bild. Ist das ein Comicbuch? Vielleicht, aber es ist definitiv komplizierter, als einfach irgendwelche Wörter zu jedem Bild hinzuzufügen. In seinem ersten Buch, Understanding Comics. Der Go to Guy. Wenn es darum geht, sich über das Medium zu informieren, unterscheidet Scott McCloud zwischen einem Comicbuch und einer Illustration. Eine Illustration wie diese. Die Kunst beleuchtet den Text, liefert aber keine neuen Informationen. Diese Beispiele liefern jedoch jedoch keine Informationen aufgrund der Art und Weise, wie sich die Wörter ein Bild gegenseitig ändern. Es wird ein Ganzes durch die Summe der Teile kommuniziert. Ich würde argumentieren, dass, solange sie sich nicht gegenseitig überstehen, Wörter und sogar ein einziges Bild die einzigartige Comic-Erfahrung schaffen, die ich in der Vorlesung besprochen habe . Drei. Scott und viele andere würden nicht zustimmen und glauben, dass ein richtiger Comic eine Abfolge von Bildern erfordert, wie im Begriff sequentielle Kunst und dass daher diese Beispiele ein Panel sind. Comic-Strips wie Family Circus passen nicht zur Rechnung. Es ist kein einfaches Problem, und Teil der Argumentation, die Scott betont, ist, dass Sie keine Worte brauchen, um hier ein Comicbuch zu erstellen. Allein die Bilder produzierten die vollständige Information, die Bewegung der Figur. Wenn du keine Worte für einen Comic brauchst, wie können Wörter Teil der Definition eines Comics sein? Die Sache ist, selbst diese zu Panelsequenz hat eine Grammatik, und die Art und Weise, wie wir diese Grammatik interpretieren, ist sehr ähnlich der Art, wie wir Wörter interpretieren. Wie ich bereits erwähnt habe, wenn ich bespreche, ob Comics lesen oder nicht, dieselben Teile des Gehirns, die am Lesen beteiligt sind, verwendet, um sequentielle Bilder zu verstehen . Ich bin Schriftsteller, also bin ich voreingenommen. Aber meiner Meinung nach gibt es etwas, das in der Comic-Erfahrung innewohnt, das auf dieser Wort-Kunst-Kombination beruht . Ob durch ein wirkliches Zusammenspiel der beiden oder übrigens, die Kunst allein kann Aspekte von Wörtern jenseits präziser Definitionen leihen, während ein Comic schweigen kann. Hinzufügen von Wörtern erweitert die Möglichkeiten exponentiell, um das Medium optimal nutzen zu können. Schriftsteller und Künstler brauchen ein funktionierendes Verständnis dieser Möglichkeiten. Glücklicherweise bietet Scott McCloud die perfekte Grundlage für das Verständnis von Comics und Comics, indem er diese Möglichkeiten in sieben praktische Dandy-Kategorien organisiert. Ich werde diese Kategorien hier überprüfen und meine eigenen Gedanken hinzufügen, aber ich möchte klar sein, dass sie mit Scott stammen, und ich empfehle Ihnen, dass Sie sehen, bekam seine Bücher. Meiner Erfahrung geben die Kategorien den Schülern Ärger. Also, bevor Sie in die Liste tauchen, einige Vorbehalte. Erstens, Zwar wird es viele visuelle Beispiele geben, Ich werde über sie sprechen mit, na ja, Worte. Wenn sich das Gehirn zwischen Bild und Wort verschiebt, kann es desorientierend sein. Zweitens, während die Kategorien in der Praxis konzeptionell solide Luft sind, gibt es einige Überlappungen, die sie auf ein bestimmtes Panel anwenden können. Verwirrend. Ich bespreche diese Überlappung am Ende ein wenig. Drittens sich in einem Comicwort-Bild können sich in einem Comicwort-Bild Beziehungen von Szene zu Szene ändern, sogar von Panel zu Panel. Denken Sie also in jedem Fall hier, wir sprechen nur von einem Panel, nicht von einer Sequenz. Mit dem. Hier sind Scott McCloud. Sieben Word-Bildbeziehungen Machen Sie einen bestimmten Punkt, in dem die Wörter und das Bild die gleichen Informationen liefern . Wörter spezifisch, wo die Wörter liefern alle Informationen, während das Bild Akzente Aspekte der Wörter Bild spezifisch, in dem das Bild bietet alle Informationen in den Wörtern Akzent Aspekte der Bild interdependent, wo die Wörter im Bild kombiniert, um Informationen zu vermitteln, die Weder allein schneiden, wo die Informationen durch die Wörter und das Bild überlappt parallel , wo die Informationen, die die Wörter im Bild vermitteln scheint nicht in einer sinnvollen Weise verbunden. Und schließlich, Montage, in der die Wörter im Bild visuell kombiniert, ist die Reihenfolge hier etwas anders als das Buch, hoffentlich für einen einfacheren Fluss, der das Schreiben betont. Ich habe die Kategorien auch in Abschnitte unterteilt. In der ersten, müssen Sie nie die beiden Wörter auf dem Bild folgen. In der zweiten, müssen Sie immer sowohl die Wörter als auch das Bild folgen. Was die Montage betrifft, nun, es ist eher ein Designelement, und wie Sie sehen werden, bin ich nicht überzeugt, dass es überhaupt gehört. Schauen wir uns jeden an, der damit beginnt, genau zu tun, wo , wie gesagt, die Worte und das Bild liefern die gleichen Informationen. Mit anderen Worten, sie sind überflüssig. zum Beispiel In diesem Panel aus den Nancy Drew-Grafikromanen sagt uns das Bildzum Beispielvon selbst, dass Nancy sich umgedreht hat und einen Bären gesehen hat. Ebenso sagt uns diese Beschriftung ganz von selbst dasselbe. Stellen Sie sie zusammen, und heute müssen Sie ein bestimmtes Panel machen. Da Bilder und Worte werden von verschiedenen Teilen des Gehirns interpretiert, tun eine bestimmte kann eine interessante, oft amüsante Echo erstellen . In diesem Beispiel erhalten wir die Informationen drei Möglichkeiten im Bild, in der Beschriftung und in der Gedankenballon. Machen Sie eine bestimmte ist wahrscheinlich am einfachsten zu verstehen, und es hat eine knallige Qualität, die es schwer zu verpassen macht. Es ist auch derjenige, den Comic-Autor vermeiden sollte. Wie die Pest neigt die Wiederholung jeglicher Form dazu, den Leser daran zu erinnern ,dass sie Linien auf einer Seite interpretieren , sie aus der fiktiven Welt herausziehen. Das heißt, es gibt einige Situationen, in denen eine bestimmte funktionieren könnte. Einer ist, wenn die Worte der poetischen oder haben eine Trittfrequenz, die einen Geschmack jenseits der bloßen Fax endet, wie in meinem vagen Versuch hier. Auch in diesem Fall fühlt es sich eher wie eine illustrierte Geschichte an und kein echter Comic. In anderen Fällen kann Redundanz verwendet werden, um melodramatische Betonung hinzuzufügen, wie in diesem Panel, weil es eine wirklich große Überraschung war, dass Galactus fühlte, dass es einfach nicht etwas war, was Kollektive sehr oft taten. Als nächstes in einer wortspezifischen Beziehung liefern die Wörter alle Informationen. Während das Bild Akzente Aspekte der Wörter wie Duo spezifische. Die Szene wird vollständig durch Wörter kommuniziert, wie in dieser Beschriftung. Auch, wie ein bestimmtes tun. Das Bild fügt keine neuen Informationen hinzu. In der Tat gibt es uns hier weniger. Es sagt uns nicht, dass dieser Bär Nancys Freunde angegriffen hat, aber das Bild ist nicht völlig überflüssig. Stattdessen trägt es zur Fokussierung bei, indem wir unsere Aufmerksamkeit nicht auf Nancys Freunde richten. Aber in dem Moment, in dem sie den Bären durch seine Zusammensetzung sieht. Es betont auch die Bären ungewöhnlich große Größe. Der Bär dominiert nicht nur die Seite, dank einem langen Schuss. Wir sehen genau, wie viel größer es die Nancy ist, mit Worten, die den Lesern geben, was sie wissen müssen , um dieser Geschichte zu folgen. Das Bild ist frei, sich auf jeden Aspekt davon für verschiedene Effekte zu konzentrieren. Hier konzentriert sich das Bild ganz auf den Bären. Das Gefühl seiner exakten Größe ist verloren, aber diese Wahl bringt den Leser näher an die Bestie, eher als wären sie in Nancy Schuhen. Wenn das Bild auf Nancy fokussiert, bekommt der Leser ein stärkeres Gefühl für ihre körperliche Bewegung und erschreckte Reaktion. Während das Aussehen des Bären der Phantasie bleibt, gibt die Neigung von Nancys Kopf immer noch einen Hinweis auf seine Höhe. Wichtig ist, dass das Panel nicht viele Wörter haben muss, um Wörter spezifisch zu sein. In diesem Beispiel aus der Avengers Number 58 gibt es nur fünf Wörter, und es gab nur Sie brauchen, um zu bekommen, was los ist. Er ist ein Androide. Du würdest nicht denken, dass er weinen könnte, aber ja, er kann nicht, was dieses Wort spezifisch macht, und nicht ein spezifisches für mich tun? Ein Wort, selbst die einzigartige, unerwartete Qualität der Tränen wird durch das Bild nicht vermittelt. Auch hier fügt das Bild der Erfahrung hinzu, aber nur in Bezug auf Akzent, nicht neue Informationen. Es hätte sich auf den Kopf des Androiden, seine Hand, seinefurchtige Stirn oder die Träne selbst konzentrieren seine Hand, seine können. Aber durch die Einbeziehung der vollen Figur, es verleiht eine formale Qualität für die Android-Haltung, während die Burstlinien hinter ihm sagen uns , dass das, was wir sehen, wichtig ist. Auf der anderen Seite, da ist das, was viele Worte jemand hat. Ich werde dich bitten, das Video zu pausieren und es dir vorzulesen. Okay, willkommen zurück. Auf den ersten Blick mag dieses Panel duo-spezifisch erscheinen, aber es gibt viele Informationen im Text, die nicht im Bild enthalten sind. Wie die Brust spät funktioniert die Tatsache, dass er stirbt und nicht, zum Beispiel, schlägt Ehe oder Gesang. Kumpel, kannst du einen Cent ersparen und 60 Sekunden lesen? Ja, technisch gesehen diese schöne blaue Lampe nicht im Text, aber es fehlen keine relevanten Informationen in den Worten mehr darüber, was ein wenig später gedruckt wird oder nicht . Aber bedenken Sie, dass sich das Bild hier auf eine Reihe von Dingen konzentrieren könnte. Die Lushness des Herrenhauses, die greifende Hand, sein scheiterndes Herz. Stattdessen betont es Iron Mans körperlichen Kampf, sein halber Sturz informiert, greift in Richtung des Lesers, dass leichte Neigung zu den Schlitzen auf seiner metallischen Gesichtsmaske, sogar in Bezug auf das Gefühl der Verzweiflung. Technisch gesehen können Sie keine Wort-Bild-Beziehung ohne Wörter in einem Bild haben, aber Sie können kein Panel mit nur Wörtern haben. Man könnte argumentieren, dass dies wortspezifisch ist. Setzt zu viele Worte. Onley-Panels zusammen, obwohl, und während sie ein komisches Gefühl von Sequenz zu einem gewissen Grad behalten, schließlich schreiben Sie nicht mehr einen Comic. Deine Schreibweise reine Prosa. Abgerundet Abschnitt eins, haben wir die Flipside Bild spezifisch, wo das Bild liefert alle Informationen über die Worte Akzent Aspekte des Bildes. Gehen wir zurück zu der lieben alten Nancy in diesem verdammten Baron, vorausgesetzt, es gibt nichts, was wir über den Bären wissen müssen, außer dass es ein Bär ist und dass Nancy sich umgedreht hat, um ihn zu sehen. Das Bild sagt alles. Mit dem Gewicht der Geschichte durch das Bild getragen, sind die Worte frei zu ändern. Die Leser konzentrieren sich, machen sie mehr bewusst, sagen wir, die Bedrohung durch die Klausel, wie klein Nancy ist oder die kurze Distanz zwischen. Sobald Sie diesen Fokus gewählt haben, kann der Schriftsteller für eine kunstvollere Beschreibung gehen. Die Wörter müssen nicht auf einen Aspekt des Bildes eingehen. Solange sie keine Informationen hinzufügen oder uns alles geben. Das Panel bleibt bildspezifisch. Der verbale Fokus muss nicht physisch sein. Entweder kann emotional oder sogar philosophisch sein, wie in diesem Panel, von Fantastic. Für die jährliche Nummer drei von 1965, wo die Worte ihre eigene Sinnlosigkeit hervorheben, haben die Worte hier nicht einmal die Worte. Ein einziger Soundeffekt konzentriert den Leser nicht nur auf den Fotografen, sondern auch auf die flüchtige Natur des Augenblicks, betont, wie lange das Panel in der Zeit dauert, sie sagen, ein Bild malt 1000 Wörter, aber wirklich, es hängt vom Bild von den Wörtern ab, während zu vielen Panels ohne Bilder Profis werden. Eine Erzählsequenz von Bildern ohne Worte ist immer noch ein Comicbuch und wohl immer bildspezifisch, wie in dieser Reihenfolge für die wandelnden Schulden. Aber was, wenn es keine narrativen Strukturen für die Sequenz wie diese gibt? Ist das immer noch ein bildspezifisches Comicbuch? Der Wunsch des Geistes, Muster zu sehen, auch wenn wir nicht unbedingt existieren, ist ein wesentlicher Partner in jeder fiktiven Erfahrung. Aber es macht so etwas auch zu einem harten Anruf. Ich kann mir eine Erzählung vorstellen, in der die Uhr eine außerirdische Schlange über einen glücklichen Termin informiert , für das, was Sie brauchen, ist fliegende Untertasse. Holen Sie sich, wenn, wie wir gesehen haben, verschiedene Wörter können ein Bild unterschiedliche Bedeutungen geben. Was bedeutet inhärent wirklich? Irgendwo gibt es eine Linie, aber ich weiß nicht genau, wo sie hinfällt. Apropos Worte und Bilder, die sich gegenseitig verändern, beginnt Stufe 2 mit dem, was möglicherweise die häufigste und doch entscheidende Art von Beziehung miteinander verknüpft sind, waren die Wörter im Bild kombiniert, um Informationen zu vermitteln, die weder allein der Backtrack ein wenig in diesem Wort spezifischen Kumpel die Worte vermitteln Informationen. Das Bild sagt nicht, dass der Bär Nancys Tafeln angreift. In dieser bildspezifischen Version vermittelt das Bild Informationen. Die Worte sagen nicht, dass Nancy einem Bären in einem voneinander abhängigen Paddel gegenübersteht. Sagen Sie uns auch nicht alles. Lesen Sie einfach die Worte und Sie haben keine Ahnung, mit wem Nancy spricht. Sieh dir das Bild an und du hast keine Ahnung. Nancy dachte, sie redete mit jemand anderem, bevor sie sich wandte. Stellen Sie sie zusammen und Sie bekommen die ganze Idee. Die Ergebnisse können stark variieren. Hören Sie die Worte im Bild wohl zu den Stärken spielen, die ich bereits in Lecture Threat diskutiert habe . Der Text vermittelt ein Interstate das Bild der physischen Welt, aber es kann umgekehrt sein. Die Wörter können eine physische Position beschreiben, während das Bild einen Zustand des Geistes als weiteres Beispiel ausdrückt. Hier ist das, was ich ungewollt lustig vermute. Justice League Panel aus den 1960er Jahren. Auch hier gibt es viele Worte, also bitte pausieren Sie den Videomomoment und lesen Sie ihn selbst. Vertrau mir, so macht es mehr Spaß. Ohne das Bild kennen wir die sinnvolle Identität der Denker nicht, also würde ich das interdependent nennen. Die gegenseitige Beziehung kann sich stärker auf die Worte oder das Bild stützen. Dieser Ein-Panel-Comic-Strip von Nancy ist wohl bildspezifisch, aber ohne die Worte macht es keinen Sinn. Schließlich hätten die Männer ein unsichtbares Klavier in allen drei spezifischen Kategorien tragen können, in denen die Erzählung durch das Bild oder den Text getragen wird. Die Erfahrung ähnelt eher dem Lesen, aber die gegenseitige Beziehung schafft etwas anderes, etwas, das sich eher wie Film oder Video anfühlt. Das kann sein, weil es erfordert, dass der Leser dem Inhalt hinzufügen muss, um es sinnvoll zu machen . Okay, in diesem Fall hören wir den Dialog und setzen ihn zusammen mit der Bewegung der Spurbiegung. Doch selbst wenn die Worte nicht in der Szene sind, sagen wir, ist 1/3 Person objektive Erzählung. Die Erfahrung hat eine einzigartig animierte Qualität in diesem Fall, um zu bekommen, was los ist, muss der Leser die Momente zwischen Nancy denken, dass sie am besten spricht und sich wendet, um zu sehen, dass sie es nicht ist. Dann wieder, dieses frühere bildspezifische Beispiel macht hier viel dasselbe, obwohl nicht argumentiert wird, dass, weil das Wort auf einen Teil des Bildes zeigt, der Leser sonst Kloss vorbei könnte. Obwohl technisch bildspezifisch, waren die Ergebnisse eher voneinander abhängig. Mit anderen Worten, der Text vermitteln etwas, das das Bild nicht vermittelt Der erste Blick. Kann eine stille Sequenz dasselbe erreichen? Irgendwie, aber nicht ganz meiner Meinung nach. Ohne Worte, Die Bewegung von Panel zu Panel hier fühlt sich immer noch mehr wie Lesen. Es gibt viel Raum für Meinungsverschiedenheiten, aber für mich ist es nur in den Panels, die sowohl Worte als auch Bild erfordern, um Sinn zu machen, dass das Comic-Erlebnis wirklich einzigartig wird. Diese Qualität überträgt sich in unsere nächste Kategorie, die auch die verwirrendste Kreuzung in einer sich überschneidenden Beziehung ist. Die Information. Die Worte im Bild vermitteln Überlappungen, was bedeutet, dass sie einige Aspekte der Erzählung wiederholen, aber andere unabhängig voneinander vermitteln . Ich hasse es wirklich, dass hier meine Schaltungen sind, selbst wenn ich glaube, ich habe es. Es macht jedoch Sinn, jedoch Sinn, auch wenn klare Beispiele schwer zu finden sind. Wir fangen mit Nancy auf dem Bild an, sagt uns Yada, Yada, Yada. Sie hat sich umgewandt und einen Bären rechts gesehen. Sie hatten eine Beschriftung mit den gleichen Informationen, und wir haben zu einem bestimmten setzen in einer Beschriftung, die uns alles sagt, was das Bild tut, aber fügt ein neues Detail und sein Wort spezifisch. Ändern Sie nun ein Wort, und das Panel schneidet sich. Die Worte sagen uns nicht genau, was Nancy konfrontiert ist, aber sie sagen uns, dass der Angriff ihre Freundin macht. Das Bild sagt uns, dass Nancy einem Bären gegenüber steht, aber nicht, dass es ihre Freunde angegriffen hat und sich mit Worten und Bild überschneidet, bringt einige Informationen, die einzigartig sind. Und einige, die nicht sind. Wenn nur die Wörter diese eindeutige Information haben. Die Panels wortspezifisch. Wenn nur das Bild diese eindeutigen Informationen hat. Die Panels Bild spezifisch, bekam es sich überschneiden könnte schwer zu erkennen sein. Schauen wir uns also einige Beispiele an. Okay, hier erzählen uns sowohl das Bild als auch die Worte. Spiderman ist schockiert, aber nur das Bild sagt, dass ein Spiderman einen bewusstlosen Mann hält, während nur die Worte uns sagen, dass er ein Gauner ist. Spioniert. Er hätte hier anhalten können. Sowohl das Bild in den Worten sagen uns, dass jemand fällt. Nur das Bild sagt uns, dass ein Mann fällt, als Batman in der Nähe schwingt. Während nur die Worte uns Details über den Fall geben und die Tatsache, dass das Beobachten anderer Menschen Schmerzen hilft Batman schlafen. Diese sind meines Erachtens ziemlich unkompliziert. Das Problem ist, dass die Beispiele schnell komplizierter werden. Hier ist ein Scott verwendet, um Comics aus der Hand zu machen. Ich möchte es als „interdependent“ bezeichnen, aber schauen wir uns die Stücke genau an. Hören Sie die Worte sagen, wenn jemand neue Kleider hat, sie sind stolz auf sie. Ihr Baby kann sie sehen. Sie wollen wissen, was ihr Baby über die Kleidung denkt. Und angesichts des Stereotyps, dass unser Sprecher wahrscheinlich männlich ist, sagt uns das Bild, dass ein Mann stolz auf etwas über sich selbst ist. Er redet mit jemandem darüber und trägt Kleidung, die meisten für knallig halten würden. Er könnte stolz auf seine Kleidung sein, aber das ist nicht inhärent in dem Bild. Er könnte genauso stolz auf einen Job sein. Soweit ich sagen kann, die einzige Information, die sowohl von Bild und Worte geteilt wird, die Charaktere Stolz, So es in Second nennen fühlt sich wie ein langer Spaziergang. Ich könnte es sein, aber mehr dazu in Kürze. Moment schauen wir uns parallel an, was einfach genug ist, aber irgendwie seltsam ist. Wir haben gesehen, wie Worte und Bild einander ergänzen und verbessern können, und wie zusammen etwas völlig Neues in den parallelen Beziehungen einfach ausgedrückt produzieren , sie haben nichts miteinander zu tun. Okay, zumindest im Kontext eines einzelnen Panels. Okay. Über die Sequenz hinweg versammelten sich die Wörter und Bilder, eine spezifischere Beziehung enthüllen. Dieses Beispiel ist ein bisschen wie eine Wange, da die Anführungszeichen in den Untertiteln in der Regel Lautsprecher in der Gegenwart bedeuten. Aber ich denke, es kommt über die Idee. Schauen wir uns ein anderes hier an. Die Parallelbeziehung wird auf der Seite beibehalten wird nur im letzten Panel voneinander abhängig. Es ist auch möglich, dass die Worte und Bilder nie zusammenkommen. Aber der menschliche Geist liebt es, Ordnung zu schaffen, und dieser könnte annehmen, dass der Hund, auf den in den Untertiteln Bezug genommen wird, die Mädchen jagt. Auch wenn das hier nicht unbedingt der Fall ist. Wir könnten vermuten, dass Spider Man ein Rätsel löst, das den Gauner betrifft und die Tatsache, dass Salz aufgelöst wurde, oder hier, dass er verrückt ist oder wirklich wie Shakespeare. Aber innerhalb des Panels bleibt die Beziehung parallel. Carol hat ein paar praktische erzählerische Anwendungen, die Luft sauber in der Herstellung von Comics laufen Dialog von einer Szene über die andere skizziert , kann eine geschichtete Geschichte Textur erstellen, einen interessanten Übergang einrichten und oder sicheren Raum. Die Parallelbeziehung ist auch insofern einzigartig, als sie hier die Möglichkeit von mehr als einem Wort Bild-Beziehung in einem einzigen Panel ermöglicht. Die Beschriftung ist parallel, aber das Wort Sprechblase ist voneinander abhängig. Mehr als eine Beziehung in einem bestimmten Panel funktioniert nur, wenn ein Typ parallel ist eine bildspezifische Wörter spezifische Kombination wäre. Machen Sie ein bestimmtes, zum Beispiel, Recht. Schließlich gibt es die Montage, in der Wörter und Bilder bildlich miteinander verbunden sind, was bedeutet, dass die Worte Teil der Kunst werden, wie in diesem Beispiel, wo sie in der Luft hängen, da sie mit unseren Erwartungen in Begriffe, wie die Worte der präsentierten die Montage-Beziehung ist besonders leicht, die brillante erkennen , die berühmt für war , unter anderem, seine Verwendung von Montage, wie in diesem Hinweis, die Wispy V oben links hatte Eisner eine Möglichkeit, Text in seine Titelseiten zu arbeiten, die den Unterschied zwischen Kunst und Wort wirklich verschwommen . Im Laufe der Jahre haben viele Comics Montage mit großer Wirkung verwendet, wie in diesem oft kopiert von Jim Storing Co. Für 1968 Hulk jährliche Nummer Eins. Abgesehen davon, wie sollen wir das interpretieren, dass der Hulk tatsächlich sein Logo hält. Es gibt auch diese wirklich interessante Variante von Frank Miller Sin City, wo der Soundeffekt zu den Panelrändern wird. Wie gesagt, ich bin nicht überzeugt, dass Montage gehört. Es ist eindeutig ein nützliches Konzept und eines, das eine bestimmte Wort-Bild-Beziehung definiert. Zur gleichen Zeit. Alle anderen Kategorien definieren diese Beziehung in Bezug auf erzählerische Informationen, was bedeutet, dass Sie per Definition keine Montage haben können, die nicht auch zu einer der anderen Kategorien passt . Ist das nicht auch bildspezifisch? Das hier? Tun Sie ein spezifisches, dieses Wort spezifisch und dieses voneinander abhängig, denn ohne das Wort wissen wir nicht, dass die Waffe abgefeuert wurde. Kann Montage also zu Recht als Kategorie betrachtet werden? Nun, es hängt davon ab, was die Kategorien tun sollen. Scott McCloud hat diese Aufschlüsselung erstellt, so dass das letzte Wort über seine Zwecke trifft. Aber wenn wir wollen, dass sie auf der Grundlage der Art, wie Leser einer Comic-Erzählung folgen, meine Antwort ist nein. Und das schließt unsere Überprüfung der Kategorien ab. Wenn Sie jetzt, wie versprochen, möchte ich einen Blick darauf werfen, wie, während die abstrakten Definitionen in der Praxis Sinn machen, das Distinctions konglomerate, zum Beispiel in einem bestimmten die Informationen im Text auf dem Bild sollen gleich sein, oder? Nun, selbst in unserem einfachen Beispiel sagt uns das Bild tatsächlich einige Dinge, dass Texas nicht die Größe des Bären Nancys Abstand davon hat, die Art des Kleides, das sie dort in einem Wald trägt. Diese Art von Liste kann ad infinitum erhöht werden. Die Worte sagen uns nicht, die Bären, die hinter einem Baum auftauchen, dass er leicht gebeugt ist, dass Nancy und der Bär halb hinter einer Art Busch und so weiter und so weiter. Je detaillierter wir eintauchen, desto mehr verzieht sich die Kategorie. Macht es das eigentlich bildspezifisch? Nicht in irgendeinem nützlichen Sinn, da keine dieser zusätzlichen Daten, wie ich bereits erwähnt habe, relevant oder entscheidend ist, um der Geschichte zu folgen. Der Gesamteffekt bleibt also bestehen. Tun Sie ein bestimmtes, was die Bedeutung definiert, den narrativen Kontext. Wenn zum Beispiel zum Beispiel der Bär wütend auf einige Jäger war, die rote Westen trugen und Nancys Kleid rot war, wäre die Farbe relevant. Eine größere praktische Überlappung zwischen voneinander abhängigen, schneidenden Comics gibt uns Dies ist ein Beispiel für eine interdependente Beziehung. Aber nicht Worte und das Bild vermitteln, dass ein Zeichen von der anderen überrascht. Und macht das nicht das Überschneiden, nicht voneinander abhängig, Wo die Überlappung klar ist? Das Panel schneidet sich offensichtlich. Wenn es nicht klar ist, erfordert, sagen wir, ein langer Spaziergang kann nützlicher in Abhängigkeit betrachtet werden, da die Erfahrung ist mehr Kombination als eine Überlappung. Letztendlich sitzen Comic-Autoren nicht herum und sagen: Oh, Oh, ich erstelle ein Panel aus Kategorie zwei und drei aus Kategorie sieben. Am Ende der Wert dieser Kategorien nicht so sehr über eine bestimmte Anwendung, sondern die Art und Weise, wie sie Sie dazu bringen können, über die fruchtbarste Art nachzudenken, das Medium zu verwenden. Und damit, bis zu unserem nächsten spannenden Vortrag, hier schauen Sie sich Ihr Kind so an. 7. WComics L7 Beschreibungen L7-Beschreibungen: Vortrag, sieben Panelbeschreibungen, Teil 1 , der dramatische versus physische Beschreibungen für sichtbares und unsichtbares und Story-Design abdeckt . Wie man Filmbegriffe in Comic-Skripten benutzt und wie man Panel-Komposition impliziert, ohne es zu schreiben. Es ist Mai, wenn es darum geht, ein komplettes Comic-Skript zu schreiben. Neben der Bereitstellung aller Wörter, die der Leser sieht, muss der Autor auch das Bild in jedem Panel beschreiben, während das Endprodukt hoffentlich ein Publikum von Millionen haben wird. Panel-Beschreibungen haben ein Publikum für den Editor und den Künstler So Justus, würden Sie Dialog und Untertitel mit dem Leser im Kopf schreiben. Panelbeschreibungen werden für den Künstler geschrieben. Teilweise bedeutet das, herauszufinden, was am besten zu einer bestimmten Partnerschaft passt. In allen Fällen bedeutet es jedoch, jedoch, Worte zu verwenden, um dieses Bild auf eine Art und Weise in den Kopf zu zaubern, die eine künstlerische Fähigkeit und Kreativität inspiriert . Zu diesem Zweck möchte ich mit einem wichtigen Hinweis beginnen. Es ist so wichtig, dass ich es in eine Kiste stecke, um es für immer und ewig sicher zu halten. Es gibt einen entscheidenden Unterschied zwischen einem Comic-Skript in einem Filmskript. Die Bilder bewegen sich nicht als Comicbuch. Was auch immer Sie beschreiben, muss statisch bewegungslos sein. Warum ist das so wichtig? Weil Anfänger häufig Panel-Beschreibungen wie dieses Panel erstellen. Pete läuft zu einem Tisch mit Buchstaben auf, er hält an und greift den Buchstaben. Was ist daran los? Pete macht drei Dinge laufen, anhalten und etwas aufheben, und die Bilder bewegen sich nicht. Ja, Laufen beinhaltet Bewegung, aber ein Künstler kann dies in einem einzigen Bild durch Körperhaltung und Bewegungslinien wie diese kommunizieren . Es stimmt auch, dass eine verschwommene Figur in Verbindung mit Bewegungslinien mehrere Aktionen in einem einzigen Bild anzeigen kann , wie hier, wo Wonder Woman mehrere Kugeln ablenkt. Aber in der Sprache der Comics bedeutet dies entweder Supergeschwindigkeit oder eine belästigte Panik um des Geschichtendramas willen. Oder wenn Ihnen einfach nur der Platz ausgeht, kann es sehr verlockend sein, mehrere Aktionen in einem einzigen Panel zu stopfen. Aber es sei denn, es gibt einen bestimmten narrativen Grund, tu es nicht. Das ist das Zeichen eines Amateurs. Überdenken Sie die Sequenz. Wenn Pete nicht superschnell ist, am Rande eines Nervenzusammenbruchs stehen, sollte es eine Aktion für Panel eins geben. Pete läuft auf einen Tisch mit einem Buchstaben drauf. Panel zwei Pfirsichanschläge am Tisch Panel drei Peak packt den Buchstaben aus dem Tisch. Es gibt andere, viel bessere Möglichkeiten, die Anzahl der Panels zu überzeugen. Solange der Erzählfaden klar ist, füllt der Leser gerne die Leerzeichen aus. Es ist Teil der Comic-Erfahrung. Zum Beispiel, Pal könnte man zeigen, dass eine Frau die Tür zu ihrem Haus öffnet, um dieselbe Frau den Schrank in ihrem Schlafzimmer zu öffnen und ihr zu zeigen, dass sie durch das Haus die Treppe hinauf zu ihrem Schlafzimmer geht, ist nicht notwendig, es sei denn uns etwas anderes gesagt. Wir denken, dass sie nicht von Aliens dazwischen entführt wurde. Also geh zurück, um sein Panel zu pinkeln, es sei denn, du hast einen Grund, das Timing hier zu verlängern. Nicht wirklich. In ähnlicher Weise könnten einige Aktionen in einem einzigen Panel impliziert werden, anstatt in zwei Panel eins angezeigt zu werden. Aus dem Atem schwitzen, packt P eifrig einen Brief vom Tisch Hier zum Beispiel ist der Lauf impliziert und bringt seinen Rücken in einem Sinne, wo wir mit einem Panel angefangen haben. Aber es ist ein Panel mit einer wichtigen Unterscheidung. Das Bild bewegt sich nicht. Bewegen Sie sich weiter. Sie haben wahrscheinlich schon gehört, dass die beste Schrift zeigt, anstatt erzählt, zeigt uns in den Moment der Geschichte. Das Erzählen bringt uns raus. Es sei denn, man versucht, einen bestimmten klanglichen Effekt zu suchen, würde ein Schriftsteller nicht tot erwischen. So etwas wie Pete zu schreiben ist traurig. Die Show sagt nichts. Regel bleibt absolut wahr für alle Untertitel und Dialog, die der Leser sehen wird . Aber wenn es um Panelbeschreibungen für einen Künstler geht, wo Klarheit entscheidend ist, sagte Peters, kann das perfekte, was zu sagen. Darüber hinaus hängt die richtige Beschreibung unter anderem vom Künstler ab. Ein Künstler mag detaillierte mechanische Hinweise bevorzugen, ein anderer die Freiheit, die Angst einer Figur auf ihre ganz besondere Weise darzustellen. So wie der Schriftsteller möchte, dass der Künstler auf seine Geschichte achtet, bewegt es den Schriftsteller, sich der Stärken eines Künstlers bewusst zu sein, wenn es darum geht, den richtigen Stil zu finden , der sowohl Ihnen als auch den Stärken des Künstlers entspricht. Es gibt zwei grundlegende Modi zu betrachten, die ich die dramatische nennen, und die physikalische bezieht sich auf die greifbaren Aspekte eines Bildes ein Tabellen, Holzmaserung oder die Perlen der Feuchtigkeit auf einem verschwitzten Zeichen. Gesicht dramatisch bezieht sich auf die immateriellen und Interstate, wie das Elend von jemandem, der gerade einen Liebhaber verloren hat, sind ein Ambiente, wie die Spannung, die in der Luft eines Tatorts zu verweilen scheint. Eine physische Panel-Beschreibung von Pizza und dies könnte die Haut um sein. Petes Augen knistert wie Tränen. , Was wir sehen,sagt uns etwas, das wir nicht sehen können, wie Pete sich fühlt. Im Inneren des Dichters nannte T. S. S. Eliot diese Art physischer Beschreibung das objektive Korrelat, das greifbare, das das Immaterielle beschwört. Ah, rein dramatische Beschreibung, auf der anderen Seite, vermeidet physische Hinweise. Überlassen dieses Ziel Carla tive dem Künstler, wie in Pete betrachtet die Verwüstung seiner Existenz. Entweder sind Motive gültig und können verwendet werden, um das andere aufzurufen. Entweder kann auch Künstler dazu führen, unendliche Variationen zu produzieren, die für eine gegebene Geschichte über Petes Tränen wünschenswert sein können oder auch nicht. Und du könntest eines davon bekommen. Während eine einfache dramatische Beschreibung alles inspirieren könnte, vom Bild links bis zum rechten mit Homer von The Simpsons. Großen und die effektivsten Beschreibungen in der Regel Kombinationen, die das Drama ausdrücken, aber auch genügend physische Details enthalten, um die Ergebnisse besser passen zu können. Die Geschichten müssen als Kunstschnee sein Pete betrachtet die Verwüstung seiner Existenz. Die Haut um seine Augen knistert und reißt. Nun, was auch immer die Beschreibung des Panels ist, die Ergebnisse werden immer sichtbar sein, weil Sie wissen, dass es Kunst zur gleichen Zeit ist, wie wir es bereits gesehen haben . Das Sichtbare kann auch eine Beziehung zum Unsichtbaren haben, und nicht nur in Bezug auf emotionale Zustände. Sie sehen nicht die Wünsche eines Charakters oder den Konflikt, der sich daraus ergibt, sondern nur ihre sichtbare Manifestation. Wenn es um Storytelling geht, diese sichtbare, kann diese sichtbare, unsichtbare Beziehung eine von drei Formen annehmen. Vereinbarung, Kontrapunkt oder Neutralität. Bei einer Vereinbarung spiegeln sich die sichtbaren und unsichtbaren gegenseitig. Wie in der Höhle lebt ein Einsiedler in dem teuren Schmuck, der von einer reichen Person getragen wird, einem Ehebrecher mit einem scharlachrot und auf ihrer Kleidung genäht wird. En Kontrapunkt. Das Sichtbare existiert in irgendeiner Form von Spannung mit dem Unsichtbaren, wie in Ah, Liebesgeschichte in einem Gefängnis Ah, Pistole. Im Besitz eines Pazifissten, einer sanften Seele, die wie ein Serienmörder und Neutralität aussieht, hat das Sichtbare keinen wirklichen Einfluss auf das Unsichtbare. Ein Mörder in einem Raumanzug, ein Stift eines Tieraktivisten, ein korrupter Anwalt mit schwarzen Haaren, während ein Künstler versuchen kann, abstrakte Konzepte wie Wahrheit oder Liebe zu visualisieren . Generell in einer Erzählung lassen sich die sichtbaren Elemente in drei Kategorien unterteilen. Orte, Objekte und Charaktere in Bezug auf Orte. Und Abandoned Mansion, zum Beispiel, könnte Atmosphäre eine kleine Stadt mit besonderem Ambiente haben. Aber wie bekommt man das zum Künstler? Eine einfache Möglichkeit besteht darin, Referenzmaterial zu verwenden, wenn der Künstler ein gruseliges Waldbild des Google Spooky-Waldbildes zeichnen und in Ihr Skript einfügen soll. Wie dieses Panel eins. Dorothy steht in einem Wald, der so aussieht. Wichtig ist, dass jedes Bild auch urheberrechtlich geschützt ist. Stellen Sie also sicher, dass es gemeinfrei ist oder stellen Sie in Ihrem Skript klar, dass es zur Inspiration auf Lee dient. Während sich alle Comic-Autoren und -Künstler bis zu einem gewissen Grad auf Referenzmaterial verlassen, je spezifischer Ihr Schreiben wird, desto mehr sollten Sie sich auf Ihre Worte verlassen. in diesem Fall Konzentrieren Sie sichin diesem Fallauf die spezifischen visuellen Details, die Ihr Story-Panel verbessern oder als Kontrapunkt dienen . Ein Verlust verkrustete Kiefern um Dorothy so krank, dass sie kaum zwischen ihnen laufen konnte, so groß sie ihren Blick auf den Himmel hier blockieren, der Wald wird in Bezug auf Charakter beschrieben, wie sie die Dinge für Dorothy schwierig machen, Schaffung eines Gefühls von Finsternis und Klaustrophobie. Einzigartige Beschreibungen fügen auch ein Maß an Realismus und nicht ein generisches gewünschtes. Haus beschreiben eine verfallene georgische Pflanzenwachstum zerstört eine Mauer statt eines alten Bürogebäudes einen glänzenden Stahlturm auf dem höchsten Hügel der Stadt, dessen Spitze scheint die Sonne zu berühren. Dasselbe gilt für Objekte. Das Familienauto. Ihr Laptop scheint eine ganz eigene Persönlichkeit zu haben. Wenn ein Objekt für die Geschichte wichtig ist, bringen Sie diese Bedeutung durch Details hervor. Ah, warnen Sie das Buch Hund davor, eine Strahlenpistole zu lesen, die wie ein Spielzeug aussieht, ein Bleistift, der schlecht gekaut wurde. Im Gegensatz zu Orten oder Objekten werden Charaktere auch durch das definiert, was sie tun oder sagen. Das ist nicht zu sagen, wie sie aussehen, ist unwichtig, wie die glückliche blaue Bohne anzeigt. Entführer müssen nicht einmal menschlich sein, wie das denkende Glas zeigt. Ihre nicht-menschlichen Qualitäten können zu einem Kontrapunkt zu ihrem inneren Leben werden. Neben der Reflexion oder Widersprüfung ihrer Persönlichkeit hilft das Aussehen einer Figur dem Leser nicht nur, eine Beziehung zu ihnen zu entwickeln, die sie von Szene zu Szene erkennbar macht. Wenn es darum geht, wie man das mit menschlichen oder anthropomorphen Charakteren macht, gibt es viele Möglichkeiten, aber schauen wir uns einige Grundlagen an. Gesichtszüge, eine Narbe, eine gebrochene Nase, die Form des Schädels oder Haar- und Augenfarbe Größe. Sind sie groß durchschnittlich? Du bist kurz, Barry, so wie sie sich selbst getragen haben. Stehen sie steif oder schlaff? Schlafen sie aus einer alten Wunde oder streben arrogant wie ein Pfau? Ich meine, kann sich auf Mimik beziehen. Aber hier, ich meine, sie sind Aura oder persönliches Ambiente. Sind sie weitäugig und aufmerksam? Verlorene und Gedanke sind immer ein bisschen ängstlich. Kleidungstyp und Stil können auf soziale Klasse oder Kultur verweisen. Dashiki. Entschuldigung. Jeans, Jacke und Krawatte. Sloppy Kleid könnte eine entspannte Haltung bedeuten oder mit einem verzweifelten Blick gepaart. Selbstzerstörende Tendenzen. Saubere und gepresste Kleidung könnte auf ein gutes Selbstbild hinweisen. Zu viel besorgt mit dem, was andere Gestank oder reine Eitelkeit Tourney faltig. Ihr Blut, das in der Nähe verschmiert wird, kann auf die jüngsten Aktivitäten einer Figur hinweisen. Der letzte Satz kann schwierig sein, innerhalb von Comics zu arbeiten, weil Sie wissen, dass sich die Bilder nicht bewegen, aber es könnte alles bedeuten, von der schmug Art des Charakters Flicks auf einem Lichtschalter. So, wie sie immer mit zwei Händen trinken. Sie wollen nie all diese Aspekte ständig für jeden Charakter verwenden. Aber der richtige ein oder zwei kann nicht nur dazu beitragen, einen Charakter zum Leben zu erwecken, den er definieren kann. Wenn wir eine Hand sehen, die einen Hut und eine Peitsche hält, müssen wir Ihr Gesicht nicht sehen. Wir wissen, dass es Indiana Jones ist. Ebenso, wenn wir eine Figur namens Jasmine vorstellen, die später ein grünes und ein blaues Auge hat, das ihre Augen allein sieht, muss sein älterer Leser sie identifizieren. Während eine gute Beschreibung nur eine Frage der Aufnahme der richtigen Elemente sein kann, die Art und Weise, wie sie in dem Panel in dem Winkel angeordnet sind, den sie sehen, hat die Art und Weise, wie sie in dem Panel in dem Winkel angeordnet sind, den sie sehen, auch einen großen Einfluss nicht nur emotional, sondern auch auf die Fokussierung des Lesers Geschichte Punkte, zum Beispiel, zeigt eine Nahaufnahme der Waffe in der Bösewichte Hand diese Platzierung Anordnung und Fokus wird Komposition jede gute genannt. Andere werden ihren eigenen entwickelten Sinn für Komposition haben, aber der Schriftsteller kann auch ein Mitspracherecht haben. Wie viel von uns sagen, der Schriftsteller hat auf Panel-Zusammensetzung hängt wieder von der Partnerschaft und dem Workflow ab. Es kann von praktisch gemacht, vor allem in der Handlung Bühne des Marvel-Weges, bis zu den kunstvollen Besonderheiten, die im vollen Skript möglich sind, variieren vor allem in der Handlung Bühne des Marvel-Weges, . In diesem vollständigen Skript, obwohl der Künstler vielleicht ein besseres Verständnis für die Komposition haben, ist es keine schlechte Idee für den Autor, eine Grundlinie mit dem Auge zu geben, die Geschichte als einen guten Ort, um zu beginnen. Film und Fernsehen haben eine langjährige Abkürzung für die Grundkomposition, von denen ein Großteil in Comic-Skripte übertragen werden kann. Diese Liste, zusammen mit Abkürzungen, wurde in Abstand und Bewegung unterteilt. Die meisten Schriftsteller und Künstler sind mit zumindest einigen von ihnen vertraut, aber lassen Sie uns durch jede beginnen mit Abstand. Ein einleitender Schuss hat, ist sein Thema. Ah, voller Blick auf einen Szenenort, drinnen oder draußen. Sichtweise zeigt das Thema des Sehens durch die Augen eines bestimmten Charakters. Ein niedriger Winkel schaut auf das Thema, in der Regel macht es größer, während ein Overhead-Schuss auf das Thema schaut, in der Regel macht es kleiner. In der Nahaufnahme, a k Ein enger Schuss oder manchmal eng auf das Thema nimmt das ganze oder den größten Teil des Bildes. Der mittlere Schuss ist ein wenig weiter zurück vom Motiv, in der Regel die Brust nach oben und kann zwei Zeichen zeigen, wie in einem mittleren zwei Schuss in der langen Schuss oder weit Schuss. Die Umgebung nimmt den größten Teil des Bildes ein, und das Motiv ist klein. Sowohl die Nahaufnahme im Long Shot kann durch Hinzufügen des Wortes extrem geändert werden. Hier können Sie den Unterschied zwischen einer Nahaufnahme auf einer extremen Nahaufnahme sehen. Technisch gesehen kann das zweite Bild auch als Nahaufnahme eines Auges beschrieben werden, aber die Verwendung von Extrem fühlt sich dramatischer an. Das kümmert sich um die Distanz. Jetzt schauen wir uns die Bewegung an. Okay? Ja, ich habe eine große Sache gemacht, wie Comic-Bilder sich nicht bewegen. Sie können also zu Recht fragen, wie Kompositionen mit Kamerabewegungen möglicherweise nützlich sein können. Nun, obwohl es wahr ist, dass sich das Bild in einem einzigen Panel nicht bewegt, da der Leser die Lücken zwischen den Panels ausfüllt, kann das Gefühl einer beweglichen Kamera durch die Verwendung mehrerer Panels angenähert werden. Wie wir durch jeden gehen, schauen Sie sich die Comic-Panel Beispiele und sehen, wie sie diese Bewegung über bekommen , beginnend mit einem Track oder Dolly Schuss. Hier bewegt sich der Winkel durch den Ort, entweder um dem Pfad eines sich bewegenden Subjekts hier zu folgen, ein beleuchtetes Flair oder um mehr von der Szene zu enthüllen, ohne die Perspektive zu verändern. Ein Zoom bewegt sich näher an das Motiv oder nach außen, um mehr von der Umgebung in einem Schwenk anzuzeigen. Die Ansicht wird horizontal von einem einzelnen Punkt aus gedreht, wie auf einem Stativ, wodurch mehr von der Szene sichtbar wird. Und es kippt, obwohl die Ansichtsgrube vertikal ist, so dass die Szene schräg aussieht, um diese in einem vollständigen Comic-Skript nachzuahmen, die Kamerabewegung kann in einer separaten Zeile angezeigt werden, zusammen mit der Anzahl der beteiligten Panels, wie in ah, drei Panel Sequenz kippen das Bild Panel ein, ein Mann auf dem Telefon, seine linke Hand zu seinem Ohr Panel auf das gleiche Bild, leicht nach rechts geneigt. Drei. Gleiches Bild mehr geneigt, so dass der Mann nicht ein 45-Grad-Winkel ist. Eine weitere Kurzschrift des Drehbuchs, die praktisch sein könnte und Comic-Skripte ist die Bezeichnung eines Szenenortes mit Innen- oder Außenseite. Darauf folgt eine Beschreibung mit einem oder zwei Wörtern, ein Schrägstrich und die Tageszeit. Alle in Kappen hat eine Platte, ein inneres Vorstadthaus Nachmittag. Wichtig ist, dass im Gegensatz zu den anderen dies im Gegensatz zu den anderennicht auf eine Komposition hinweist. Nur ein Ort. Verwendung von Innen oder Exterieur kann für einige eine Einführungsaufnahme bedeuten, aber technisch gesehen könnte die erste Aufnahme in der folgenden Szene irgendetwas Overhead Point of View oder sogar eine Nahaufnahme mit dem vollständigen Standort sein , der später festgelegt wurde. Zum Beispiel, Panel One Interior Suburban House Nachmittag, Nahaufnahme Hand hält eine Zeitung Panel. Zwei Longshot Pete steht in der Mitte des Raumes, liest das Papier links vom Bildfenster über, und ich halte Couch. Lass uns in der Sonne und so weiter. Sobald der Ort und die Uhrzeit des Tages oder festgelegt, gibt es keine Notwendigkeit, sie erneut zu benennen, bis sie sich ändern. Panel eins. Innen unvollendet Keller Nacht. Im Fenster wird ein Schatten angezeigt. Panel zum Fenster ist kaputt. Glas fällt auf den Betonboden. Panel. Drei Außen-Vorstadt-Haus. Ein Einbrecher klebt seine Hand in das zerbrochene Fenster. Hier, Panel erfordert nicht die Wiederholung der Position, während Panel drei uns sagt, der Standort hat sich geändert. Das heißt, Künstler arbeiten oft in der Reihenfolge und halten nur eine Seite gleichzeitig griffbereit. Zu diesem Zweck kann es nützlich sein, die Position im ersten Bereich jeder Skriptseite zu wiederholen. Zusätzlich zu den Winkeln, die wir abgedeckt haben, hat die Panel-Zusammensetzung 1/3 eigene Tiefe, die zum Beispiel die Ansicht nach unten, eine Reihe von Eisenbahngleisen, die in den Horizont gehen, oder ein Blick durch ein Fenster über eine Charakterschulter zeigt ein entferntes Haus der Einfachheit willen , es ist einfach, an diesen Tod zu denken, der auf bis zu drei Ebenen existiert. Der Vordergrund ist dem Leser hier am nächsten, am besten in George in Richtung des Panels. Unten sind im Vordergrund. Mittelgrund ist etwas weiter vom Leser entfernt. Hören Sie die volle Figur von Nancy Drew hält die Taschenlampe nimmt den mittleren Boden zuletzt. Der Hintergrund ist am weitesten vom Leser entfernt. Das ist die Ausrüstung, auf der die Taschenlampe strahlt, und wieder der Wald. Das sind bis zu drei Tiefenstufen. Du musst sie nicht alle benutzen. Eine Nahaufnahme eines Charakters zum Beispiel impliziert den Vordergrund und erfordert nicht notwendigerweise eine Mitte oder einen Hintergrund. Ebenso erfordert ein Charakter, der vor dem Bauen steht, nicht notwendigerweise Mittelgrund. Ich begann damit zu sagen, dass die meisten Künstler und Redakteure einige dieser Begriffe kennen, meisten werden wissen, was eine Nahaufnahme oder eng an ist, aber sie können nicht bekannt Abkürzung wie See You RMS When Working mit jemandem zum ersten Mal. Es ist am besten, diese Bedeutung anzugeben, wenn der Begriff anfänglich wie in Panel 1 verwendet wird. Nahaufnahme. Wir sehen uns, Martha. Der auslöschende er hungrig Augen den Leser. Jetzt, da ich eine ganze Reihe von Begriffen und Definitionen auf Sie geworfen habe, reden wir darüber, ob Sie tatsächlich einen von ihnen verwenden wollen. Wie ich schon sagte, was auch immer funktioniert. Ein erfolgreiches Comic-Skript besteht aus dem, was für Sie, den Künstler und den Herausgeber funktioniert . Solange die Panel-Beschreibung das richtige Bild hervorruft, ist alles andere Dekoration Ende. Wenn Sie das Glück haben, im Laufe der Zeit einen guten Partner zu finden, entwickeln Sie Ihre eigene Kurzschrift. Es war ein letzter Hinweis für diesen Vortrag. Ich möchte darauf hinweisen, dass es auch möglich ist, viele dieser Kompositionen zu implizieren, ohne sie zu benennen. Zum Beispiel, Panel in Martha, der auslöschende er hungrig Augen den Leser. Technisch gesehen konnte ein Künstler dies lesen und eine extrem lange Aufnahme von Martha zeichnen, die weit draußen am Horizont steht . aber angesichts des Kontextes scheint eine Nahaufnahme die vernünftigste, intuitive Wahl. Ebenso impliziert diese Phrasierung so etwas wie ein extrem nahes Paddel. Ah, kaltes Glas Eis. Ein einziger Tropfen Feuchtigkeit entlang der klaren Kante des Glases reflektiert das Licht, und dieser impliziert Vordergrund und Hintergrund. Panel eins. Das alte Mietshaus steht vor Harry lässt nur einen Himmelsstreifen sichtbar, abhängig von Ihren eigenen Neigungen. Fokussierung Ihrer Beschreibungen auf das Thema kann einfacher sein, als die Komposition zu meistern. Holen Sie sich die Geschichte Grundlagen über, und ein guter Künstler wird die implizierten Winkel erkennen. Besser noch, ein großer Künstler kann einen interessanten Grund haben, Dinge auf eine andere Weise zu tun, die Sie als nächstes überraschen und begeistern wird . Im zweiten Teil werde ich meine Bestellung besprechen, ist es am besten, all diese Panel-Elemente zu präsentieren, wie man Bewegung zwischen Panels und Seiten motiviert , wie viel passt zu tragen und wie man die richtige Panel-Größe und Thema zu wählen. bis dahin, Fragen Sie sichbis dahin,was ein Affe eine Puppe macht, die so spricht 8. WComics L8 Beschreibungen L8 L8-Vorlagen: Vortrag, acht Panelbeschreibungen Teil 2, in dem wir abdecken, in welcher Reihenfolge am besten alle Elemente eines Panels Beschreibung motiviert Bewegung zwischen Platten und Seiten, wie viel passt Verschleiß und wie man das richtige Panel wählen Größe und Motiv. Hallo, Ich bin Sie wissen,, Letztes Mal habe ich eine Menge Elemente abgedeckt, die in Panel-Beschreibung verwendet werden könnten. Wenn Sie jedoch ein Comic-Skript schreiben , müssen Sie nicht nur entscheiden, welche dieser Elemente Ihre Geschichte am besten vermitteln, Sie müssen das so tun, dass spezifische und kurze, aber spezifische und kurze Ziele widersprüchliche Ziele sind . Je mehr Details Sie einschließen, desto länger ist die Beschreibung. Jemand wie Alan Moore kann weitergehen und weiter und weiter und weiter über ein einziges Panel für eine Seite oder so. Aber im Allgemeinen kann zu viel Detail Oberschenkel. Anstatt einen Künstler auf der Flipside zu wenig zu inspirieren und der Autor könnte einige wichtige Geschichtenerzählungstools abdanken . Oder schlimmer, der Künstler wird nicht in der Lage sein zu sagen, was los ist. Lassen Sie uns also beginnen, indem wir einen Blick auf beide Enden der Skala zu wenig Beschreibung und zu viel werfen. Dann werde ich besprechen, wie man den Sweet Spot dazwischen findet. Ah, sehr kurze Panelbeschreibung könnte wie dieses Panel aussehen. Eins. Innenraum Auto Tag. Zwei Kinder sitzen im Rücken. Dad fährt wütend ohne anderen Kontext. Was könnte ein Künstler zeichnen? Das Auto könnte alles sein, von einem alten Klapser bis zu einem Rolls Royce. Es könnte auf einer Autobahn oder in einer Auffahrt sein. Die Kinder könnten kleine Jungen oder Mädchen, Kleinkinder oder Tweens sein . Dad könnte jünger oder älter sein. Hier ist das gleiche grundlegende Panel mit einer viel, viel längeren Beschreibung. Es ist eine Menge. Warten Sie hier, während Sie das Video posieren, um es zu lesen. Okay, willkommen zurück. Diese Version würde sicherlich spezifischere Ergebnisse liefern. Aber es ist nicht nur ein Slog, wie viel von diesem Detail ist eigentlich wichtig für die Geschichte. Muss kein SpongeBob T-Shirt sein. Ist die sichtbare Bandhilfe notwendig? Es spielt keine Rolle, dass ein Kopfverhaftung fehlt oder wie die Straßen heißen. Die Antwort ist, es hängt davon ab, wenn dies die Hauptfiguren sind und diese Details in ihre Geschichte spielen , könnte alles wichtig sein. Aber wenn wir nur Papa in diesen Kindern für ein Panel sehen, weil sie im Begriff sind, kurze Schlepptau zu stoppen , vermeiden Sie unsere riel Hauptfigur. Die Antwort lautet „Nein“. Die kürzere Beschreibung könnte durchaus ausreichen, auch wenn sie die Hauptfiguren sind. Sie möchten nicht so viele Details in jede Beschreibung des Bedienfelds einfügen, in der sie angezeigt werden. Langwierige Beschreibungen sind in der Regel nur in drei Fällen am Anfang einer Geschichte nützlich oder gesehen, wenn jemand oder etwas Neues eingeführt wird, oder für komplexe Aktionen mit mehreren Charakteren. Wenn die Geschichte gerade erst beginnt, ist es wichtig, Zeit damit zu verbringen, die Charaktere in der Szene zu etablieren. Also natürlich, das erste Panel auf der ersten Seite, wo alles und jeder zum ersten Mal erscheint, tendiert dazu, länger zu sein. Auf der anderen Seite, sobald wir alle in dieser Geschichte kennen, ist der Fluss klar. Die Panel-Beschreibungen können viel kürzer werden. Hier ist das vollständige Skript für die ersten 2 Panels der Nancy Drew-Sequenz. Wir haben früher bemerkt, dass die erste Beschreibung der Splash-Seite einen Absatz enthält. Das erste Panel auf der zweiten Seite auf Lee einen Satz hatte, dass das erste Panel enthielt Zeichenbeschreibungen. Es wäre viel länger gewesen, aber in diesem Fall, Teil der Show Morass, hatte er bereits Look of Nancy und Net entworfen. In ähnlicher Weise Panel nach dieser langwierigen ersten Beschreibung könnte das zweitePanel nach dieser langwierigen ersten BeschreibungPanel 2 lesen. Als Mark auf die Bremse knallt, lauert jeder nach vorne. Komplizierte Aktionen und Charakterpositionen neigen auch dazu, die Beschreibung zu verlängern, manchmal bis zu dem Punkt, einen Schriftsteller und Künstler verrückt zu machen. Ein Mann, der Suppe isst, hat eine Schnur befestigt, die an einem anderen Löffel zieht, aber einen Cracker an einen Vogel sendet . Und es gibt eine Uhr und eine Rakete und ein paar Pfund. Oh, übrigens, habe ich erwähnt, dass der Mann ein Schnurrbart ist? An diesem Punkt? Der Klarheit halber ist eine Rationalisierung von entscheidender Bedeutung. Eine Möglichkeit zur Rationalisierung besteht darin, jegliche Redundanz zu eliminieren. In Ihren Beschreibungen. Ich spreche darüber, wie man die verschiedenen Formen der Redundanz in Lecture erkennt und korrigiert. 10. Was du wirklich nicht verpassen willst. Die andere große Ursache für Geld Panel-Beschreibungen ist ein Mangel an Struktur. konsistente Bestellung von Panel-Elementen kann sowohl Klarheit als auch Kürze in Ihre Skripte bringen . Die beste spezifische Reihenfolge kann je nach Story-Kontakt variieren, aber als Faustregel, beginnen Sie mit der Position, beginnen Sie mit der Position, fügen Sie dann den Winkel, dann den Betreff und enden Sie mit bestimmten Details. Wenn Sie innen und außen verwenden, erscheinen sie im Voraus hier als Innen kleine Studio-Wohnung Schrägstrich Tag. Darauf folgt der Winkel, ein mittlerer Schuss und das Hauptthema, Gerald. Von dort werden zusätzliche Details von den meisten zu den am wenigsten wichtigen hinzugefügt. Die Tatsache, dass er rückwärts schwindet, ist für diesen Moment mehr Schlüssel als das, was er trägt, also kommt das zuerst. Es gibt zwei wichtige Dinge zu beachten, wenn Sie diese Reihenfolge zuerst verwenden, wie ich in der letzten Vorlesung erwähnt habe. Sobald Sie einen Standort eingerichtet haben, müssen Sie ihn nicht nochmals erwähnen, es sei denn, er ändert sich. Die zweite ist, dass diese Details mehr Wirkung haben und weniger Platz in Anspruch nehmen, wenn sie in das Subjekt gewebt werden, anstatt einen separaten Satz für Jareds langes schwarzes Haar zu verwenden. Diese Beschreibung erwähnt sie im Kontext seiner Bewegung. Weben von Details auf diese Weise lässt die Geschichte nicht nur lebendig fühlen, sie klärt ihre Bedeutung und braucht weniger Worte. Sobald Sie mit dem ersten Panel fertig sind, geht es wieder zum nächsten. Sie sollten nicht wiederholen, was Sie bereits beschrieben haben, aber Sie müssen entscheiden, wie jedes neue Panel mit dem letzten verbunden ist. Während die Variationen unendlich sind, muss jedes neue Panel genügend Informationen für den Leser zur Verfügung stellen, um den Sprung aus dem vorherigen Gefecht zu machen . Scott McCloud macht Comics erörtert, wie sich die Wahl des Moments auf den Panel-Fluss auswirkt . Ich überlasse das seinem Buch und nochmals ist Vorgeschlagen ein wertvoller Führer und spricht über die Autorenseite der Dinge. Ich möchte betonen, wie der Inhalt dem Leser nicht nur erlaubt, die Veränderung zu verstehen , sondern auch die Bewegung zwischen den Panels zu sehen, was ich meine. Gehen wir zurück zu unserem früheren Beispiel über Pete den Brief und die Tabelle, so dass wir nicht sehen Schritt auf dem Weg, den wir verstehen, was in Panel eins passiert ist. Petes Ansturm auf den Brief motiviert den Umzug in die Tafel dorthin, wo er ihn packt. Einfach genug. Lassen Sie uns einige weitere Variablen hinzufügen. Panel drei Close up Pete Sicht. Ein handgeschriebener Brief. Pete, wenn ich dich nicht sehe, kaufe drei. Ich raube das Bank-Panel aus. Vier mittlere Schuss Pete Kopf nach oben, Augen weit und Schock, als er sieht aus Panel Panel fünf. Nahe Petes Standpunkt. Ah, Wanduhr. Es ist fünf von drei Panel sechs Außenbank Tag. Langer Schuss. Eine Frau steht an der Tür impanel drei. Die in dem Brief erwähnte Zeit motiviert Pete Toe Blick nach oben in Panel vier. Die Leser wollen sehen, was Pete schaut, motiviert den Umzug auf die Uhr und Panel fünf in der späten Stunde, dann motiviert die Standortverschiebung zur Bank in Panel sechs. Hier. Die Erzähldynamik liefert die Motivation, die uns von Panel zu Panel führt. Aber es ist nicht die einzig mögliche Motivation im Folgenden, wo Justine, die eine irrationale Angst vor Messern hat, in ein Küchengeschäft eintritt. Das Panel, The Panel Bewegung, wird durch unsere zunehmende Angst motiviert. Okay, Panel eins. Wir sehen Justine im Laden, was die Luft motiviert, in zwei zu schauen, was uns zu drei bringt, wo wir gelernt haben, dass sie sich auf die Messer konzentriert, wollen. Ihre Reaktion, motiviert den Schritt zu vier, enthüllt ihre anfängliche Nervosität. Das führt uns zu einem bestimmten Messer in fünf Jahren, das die ängstlichere Reaktion in Panel 6 hervorruft, die wiederum eine noch gruselere Sicht auf das Messer in Panel sieben und Justin letzte Reaktionspanel acht ruft. Schließen Sie ihre Augen. Wichtig ist, dass diese beiden Beispiele mit Ereignissen befassen, die sich rechtzeitig entfalten. Neben der Unterstützung kann die Zeit selbst das Paneel zu einer Panel-Bewegung motivieren. Wir haben zuvor gesehen, wie Panelsequenzen die Zeit verdichten können, indem der Leser die fehlenden Schritte ausfüllt . Aber die Sequenz kann auch verwendet werden, um die Zeit zu verlängern. Verlängerung oder Verkürzung der Anzahl der Bilder, die einer fallenden Katze gewidmet sind, erzeugt ein anderes Gefühl. Schauen wir uns an, wie sich das in einem schriftlichen Skript abspielen könnte. In diesem ersten Beispiel wurden die Dinge sehr schnell gelöst. Panel eins. Nachdem Nancy aus einem Fenster gefallen ist, landet er auf dem Stahlrahmenglasdach einer Gewächshausplatte zu den Glasrissen und lässt Nancy wieder fallen. Aber gutes Geschichtenerzählen geht nicht immer darum, so schnell wie möglich zu einem Schluss zu kommen, kann auch über das Verweilen an bestimmten Momenten sein, um dieser Schlussfolgerung mehr Monat zu geben. Okay, wenn das Dach langsam über eine Reihe von Paneelen reißt, sorgt für mehr Spannung. Es gibt eine Grenze, wie lange Leser wollen, dass Glas geknackt sehen, bevor Nancy fallen, aber der richtige Patient kann wirklich machen, dass sie Nancy Plummet fühlen. Andere mögliche Motivationen sind experimentelle Stücke, Träume, in denen die Verbindungen metaphorisch oder poetisch sein könnten, oder sogar in Daten. Ist Frieden zufällig? Aber in allen Fällen bringt etwas den Leser von £1 zum nächsten, darüber nachzudenken, was das ist, wird nicht nur Ihre Geschichte mächtiger machen, es wird es einfacher für Sie zu entscheiden, welche Details in Ihrem Beschreibungen. Bisher habe ich all diese Elemente inhaltlich besprochen. Aber wie viel passt, hängt natürlich von den physikalischen Aspekten des Comics ab, insbesondere von der Beziehung zwischen Panels und Seiten. Das digitale Zeitalter hat einige wilde Möglichkeiten geschaffen, mit Beispielen wie der zuvor erwähnten richtigen Nummer von Scott McCloud, in der ein Panel tatsächlich in einem anderen enthalten ist. In diesem Fall ist die einzige wirkliche Einheit das Panel. Im Allgemeinen, obwohl, werden die virtuellen oder physischen Panels immer noch auf irgendeiner Form der Seite erscheinen, und die Existenz dieser Seite schafft seine eigene Reihe von Möglichkeiten und Einschränkungen in Bezug auf die Kommunikation und Design. Wechsel von Seite zu Seite zum Beispiel motiviert werden, DerWechsel von Seite zu Seite könnte zum Beispiel motiviert werden,so wie er sich von Kampf zu Kampf zur gleichen Zeit bewegt, weil Sie eine Reihe von Bildern verlassen. Zum anderen hat es ein größeres, größeres Gefühl. Teilweise ist es, als ob Sie eine längere Strecke reisen, was es zu einer nützlichen Wahl macht, um einen neuen Standort zu verbessern und zu wechseln. Andere Optionen für diesen großen Moment wäre so etwas, wo Künstler Steve Ditko verwendet Panel Bewegung in einer Kombination mit der Bewegung zu einem ganzseitigen Splash zu bringen das Gefühl von Spiderman und Kampf in einem wirklich mächtigen Art und Weise. Um es klar zu sein. Es geht nicht nur um die Größe dieser Splash-Seite. physische Drehen oder Wischen der Seite ist Teil dessen, was das Relief im endgültigen Bild spürbarer macht . Panels selbst haben auch verschiedene Aspekte erworben, wenn sie einerseits als Teil einer Seite gesehen werden. Zwielige Grenzlinien, zum Beispiel, können immer verwendet werden, um einen Traum anzuzeigen. Aber es ist nur auf der Seite, dass so etwas wie das Zulassen der Grenzen ein expansiveres Feld erzeugt . Ebenso erhöht sich die Intensität, wenn Zeichen oder Sprechblasen die Fensterrahmen durchbrechen, so als ob das Bedienfeld die Aktion nicht festhalten kann. Aber das ist auch im Zusammenhang mit umgebenden Panels viel effektiver. Das gilt weniger für Paneelformen, die, wie diese quiggly Linien, ihre Wirkung in Nützlichkeit behalten. jedoch Sie werdenjedochwie eine kreisförmige Tafel präsentiert, die auf einem kleinen Detail und oval für ein Porträt oder Zwillingskreise die Ansicht durch ein Fernglas darstellt. Gleichermaßen bei, unabhängig davon, ob sie ein Panel oder eine Seite gleichzeitig behalten bestimmte andere Formen ihre Nützlichkeitbei, unabhängig davon, ob sie ein Panel oder eine Seite gleichzeitigangezeigt werden. Quadratische Panels zum Beispiel neigen dazu, für eine einzelne Aktion, ein Gespräch oder ein Thema nützlich zu sein . Horizontale Paneele sind in der Regel für eine Vista- oder Gruppenszene geeignet, während vertikale Paneele für große Dinge geeignet sind. Aber es gibt immer Ausnahmen wie diese, bei denen horizontale Panel den zusätzlichen Raum nutzt, um seine Subjekte isoliert erscheinen zu lassen. Und eine Reihe von vertikalen Paneelen bewegt sich von einem langen Schuss meist leeren Himmel Zehe eine Nahaufnahme eines Auges. Neben der manchmal Änderung der Leserwahrnehmung eines Panels im Story-Flow bringt die Seite auch bestimmte Grenzen mit sich, die für den Autor wichtig sind zu wissen. Zum Beispiel die Anzahl der Panels, die auf eine Seite passen können. Eine typische moderne Comic-Seite enthält etwa 3 bis 7 Panel 3 bis 5 für Manga-Bücher. Eine 22-seitige Story enthält in der Regel auch ein paar Begrüßungsseiten oder eine Doppelseite . In der Praxis jedoch gibt es jedocheine Menge Variation. Der klassische Wächter wurde berühmt auf einer strengen neun Panel-Körnung produziert. Dies bedeutet nicht, dass jede Seite neun Panels hatte, aber auch größere Panels nehmen einen bestimmten Anteil dieses Rasters ein. Obwohl es seltsam erscheinen mag, Watchman und Mickey Mouse im gleichen Satz erwähnt zu hören, wurden die Skripte, die ich für Edmunds Disney Comics in Dänemark geschrieben habe, ähnlich auf einem strengen Acht Panel Raster produziert . Jede Geschichte begann mit einem großen Panel, das die Hälfte der Seite oder so genannte Picks, 1 bis 4 des Rasters, einnahm . Ebenso endete jede Geschichte mit einer horizontalen Tafel, die ein Bild siebten Rate für die Autoren nahm. Diese Zahlen waren Teil des Drehbuchs. Zum Beispiel, wählen Sie 1 zu 2, ein langer Schuss Entenburger. In allen Fällen. Offensichtlich, je mehr Panel eine Seite teilen, desto kleiner sie heute. Wenn Sie beispielsweise 12 Panels auf einer Seite haben , sind einige Bedenken nur größer als andere. Aber wenigstens einige werden ziemlich klein sein. Ebenso lässt die Verwendung eines besonders großen Paneels weniger Platz für die anderen. Abgesehen von der relativ seltenen Verwendung eines strengen Gitters ist es der Künstler, der gleichzeitig über die genaue Größe und Form des Panels entscheidet, kann der Schriftsteller eine Reihe von Dingen fordern, zusätzlich zu etwas Spezifisches für die Geschichte wie, sagen wir, dass Fernglas geformte Platte sahen wir früher. Großen und umfassen diese Optionen eine Begrüßungsseite, ein doppelseitiges Splash, ein großes Panel, ein kleines Panel, eine Sequenz gleichmäßiger Paneele, die horizontale Platte oder eine vertikale -Bedienfeld. Beachten Sie, dass die Größe des großen und kleinen Panels relativ zu den anderen Panels auf der Seite ist . So zum Beispiel kann zum Beispiel jedes Panel auf einer Seite nicht groß sein. Sie könnten denken, dass die Größe des Themas der Schlüssel ist, um die Panel-Größe zu bestimmen, die große Dinge brauchen große Panel. Aber obwohl das manchmal wahr ist, ist es nicht unbedingt der Fall. Eine Stadtlandschaft oder sogar der Planet Erde selbst kann bequem in ein kleines Paddel passen, während der Kopf eines Stiftes einen doppelseitigen Spritzer aufnehmen kann. Die wichtigsten Faktoren bei der Bestimmung der Panel-Größe sind die Detailgenauigkeit, die Sie benötigen, um die Geschichte zu erhalten, und die dramatischen Auswirkungen, die Sie ein Bild in Bezug auf Details geben möchten . Wenn ein Panel, das ein Stadtbild zeigt, klein ist und Künstler schwer gedrückt werden würde, einzelne Gebäude oder architektonische Besonderheiten zu zeigen , die in Ordnung sein können, je nach Bedarf dieser Geschichte. , Eine kleine Tafel,die eine Gruppe von Menschen zeigt, würde es dem Künstler schwer, wenn nicht unmöglich machen , all ihre individuellen Qualitäten oder emotionalen Zustände hervorzubringen. Eine große Menge könnte auf eine Reihe von Silhouetten reduziert werden, so dass auch wichtige Charaktere undeutlich so. In einem Sinne sollte die Wahl des Schriftstellers von Panel-Größe und -Form relativ zu den Story-Elementen sein, die das Bild dramatisch kommunizieren muss. Obwohl die Panel-Größe dem Leser auch sagt, wie wichtig etwas ist, fühlen sich große Panels wichtige kleine Panels, nicht so sehr. Ah, Punsch, zum Beispiel, kann in einem kleinen Panel getan werden, aber hat mehr Auswirkungen Schmiede große ähnlich sagen, ein Charakter kriecht aus der Wüste für ein paar Platten sterben Durst und dann schließlich findet ein Glas Eiswasser. Physisch kann das Bild des Glases in einem kleinen Panel gerendert werden, aber ein großer Kumpel oder sogar eine Splash-Seite hat dramatischere Auswirkungen im Kontext der Szene . Ebenso kann eine große Aktionssequenz nur zwei oder drei große Panels pro Seite haben. Nun, es ist ein Date. Konversation kann bequem zu sechs oder sogar acht Panels gehen. Wenn es um diese dramatische Wirkung geht, ist der Story-Rhythmus der Schlüssel, um zu entscheiden, ob ein größerer, kleiner Panel Toe Akzent verwendet werden soll . Ein Schlag über den anderen. Aber es ist nicht immer der Schlag für das Eisglas, der am besten funktioniert. Während die Verwendung einer Begrüßungsseite für alles überhaupt nicht funktioniert, die offensichtlichste Wahl nicht immer die effektivste. Wie genau treffen Sie diese Entscheidung? Ein Weg ist durch Versuch und Irrtum, wie wir in Lecture sechs mit Worten gesehen. Spezifische Panels, die sich auf verschiedene Aspekte der Szene konzentrieren, liefern unterschiedliche Ergebnisse. In ähnlicher Weise nach manchmal eine Übung verwenden, in der sie eine einzige Zeile des Dialogs wiederholen, ein anderes Wort hervorheben, bis zu finden, was am besten zum Moment passt wie in. Sein oder nicht sein, sein oder nicht sein, sein oder nicht sein. gleiche Idee kann nützlich sein, um die Wirkung eines größeren Panels oder Splash-Seite auf verschiedene Story Beats hat Ihr Schreiben zu erkunden . Das kannst du in deinem Kopf tun. Aber um zu sehen, wie es funktioniert, gehen wir zurück zu unserer 6-Panel-Sequenz mit Pete in der Notiz und überlegen, wie jedes Bild spielen könnte eine große Panel- oder Splash-Seite ist. Beginnend mit Pete läuft zu einem Tisch mit einem Buchstaben drauf. Eine Splash-Seite hier wäre nützlich, ist eine Einführungsaufnahme, die dem Künstler Raum gibt, um Details über Pete im Raum zu füllen . Und es wäre besonders angebracht, wenn dies die erste Seite einer mehrseitigen Geschichte wäre, die auch Platz für den Titel benötigen würde. In Story-Credits packt Pete den Brief vom Tisch. Dies würde den Fokus auf die größte physische Aktion in der Sequenz setzen. Wenn Pete Impulskontrolle hätte, könnte es verwendet werden, um diesen Charakterhandel hervorzubringen, aber auf Kosten des Geschichtenschwungs, da in diesem Stadium der Leser will, was Pete sehen will. Was steht in dem Brief? Schließen Sie besänftigen Standpunkt. Ein handgeschriebener Brief. Pete, wenn ich dich nicht um drei Uhr morgens sehe und eine Bank ausraubt. Ah, großes Bild dieser Notiz würde die Geschichte Details auf den Boden bringen. Wenn wir in den Überraschungsbriefen an Pete gebunden sind, könnte das eine große Wirkung haben. Mittlerer Schuss Pete Kopf Augen weit, und Shaq ist. Er schaut aus der Tafel. Ein großes Panel hier würde Petes Reaktion verstärken. Der Effekt würde wieder von unserer Bindung an Pete abhängen, aber wahrscheinlich würde es nicht funktionieren. Dann wieder, Blicke des Terrors haben viele Comicseiten gefüllt. Als Nächstes ist Petes Standpunkt aus der Nähe. Eine Wanduhr. Es ist fünf von drei. Dies ist eine wichtige Geschichte Detail und, in gewissem Sinne, die Szenen Höhepunkt. Wenn die ersten 4 Tafeln die Wörter im Satz wären, würde eine große Tafel oder Begrüßungsseite hier mit einem Ausrufezeichen enden. Schließlich haben wir Außenbank Tag, lange Schuss Frau steht an der Tür. Dies ist wahrscheinlich die offensichtlichste Wahl, da wir beide Szenen wechseln und einen wichtigen Moment der Geschichte zeigen. Ein größeres Bild hier würde Details über die Bank und die Frau als auch erlauben. A die nächste Szene in Bezug auf den Raum auf der Seite einrichten, Panel-Größen und die Autoren Onley Betrachtung. Es gibt auch, wie viele Wörter in ein Panel passen auf der gesamten Seite sind, die ich das nächste Mal eingehen werde. Währenddessen in diesen beiden letzten Vorträgen behandelt, habe ich in diesen beiden letzten Vorträgen behandelt,was eine entmutigende Anzahl von Begriffen, Tipps und Tools erscheinen mag . Auch hier sind sie alle in gewissem Sinne Dekoration. Sie darüber nachdenken, sie zu verwenden, können Sie Ihre Skripte erweitern und verbessern. Aber die Geschichte bleibt der Kern. Kommunizieren Sie das mit Klarheit. Bauen Sie Stück für Stück nach außen, passen Sie sich an Ihre Arbeitssituation und Ihre finale Sprache in einem Tempo an, das am besten für Sie und Ihre kreativen Partner geeignet ist. , Ich wünschte,wir könnten länger plaudern, aber ich habe einen alten Freund zum Abendessen . 9. WComics L9 L9: Vortrag neun. Die Worte, die der Leser sieht, die beschreibt, wie man in den begrenzten Raum eines Panels schreibt, befassen sich mit Exposition, brechen Dialog für Auswirkungen auf den Drei-Wege-Dialog definiert Charakter und schließlich die Grenzen von -Dialog. Ja, ich bin es, wo Sie besorgt sind, wie wir gesehen haben Gutes Sprungbrett Synopsys und Panel-Beschreibungen erfordern alle hervorragende verbale Fähigkeiten, aber am Ende haben sie nur ein Publikum für den Redakteur im Künstler. Es sind die Untertitel, Wortballons und Gedankenballons, die von der Welt im Großen und Ganzen gelesen werden, so dass der Ort, an dem Schriftsteller wirklich ihre Sachen schlagen können, ist Wortschmiede, die alles aus dem Fluss der bewussten Erzählung Distrikt Haiku in Service von Story-Inhalten. In Comics ist alles möglich. Schriftsteller sind auf Lee durch die Wunder der menschlichen Vorstellungskraft beschränkt. Der Platz, der im Endprodukt vorwärts zur Verfügung , ist jedoch steht, ist jedochentschieden begrenzt. Um ein Gefühl davon zu bekommen, wie endlich die durchschnittliche Station für eine Standard-Comic-Seiten im Allgemeinen als etwa 200 Wörter multiplizieren kann , dass mit einer durchschnittlichen grafischen Novelseitenzahl von 100 40 und Sie erhalten 28.000 Wörter pro Graphic Novel. Zum Vergleich Der typische Roman umfasst etwa 80 bis 100.000 Wörter. Dies ist nicht zu sagen, dass die Worte im Comicbuch weniger wichtig sind. Ein einziges Wort über ein Bild kann grandiose Kraft haben. Die richtige Bildunterschrift könnte seine einzigartige und eindrucksvolle sein Ist das Werk eines jeden Autors der richtige Dialog konglomerieren sie aus dem Wasser? Doch während alle Schriftsteller ihre Worte sorgfältig auswählen sollten, gilt das besonders für den Comicbuchautor, weil man einfach nicht so viele hat. Knappheit nicht nur züchtet Wert, während ein paar Worte viel in einem Panel tun können, viele Wörter sind fast immer zu viel. Und dieser Batman-Panel-Humor. So kann es sein, dass die Worte körperlich verkrampfen das Bild, nehmen die Hälfte des Raumes, aber dominieren das Panel. Diese Art von überschüssigem Verbiage ist mehr als nur ein Weltraum-Problem. Wie wir in Lecture 6 gesehen haben, kann ein Comic-Panel komplett aus Wörtern zusammengesetzt sein, aber zu viele zusammenreißen und man driftet zu reinen Prosa. Verlieren, was es ist, das einen Comic einzigartig macht, dass begrenzter Raum oder Verbiage wie ein Nachteil erscheinen mag , und in gewisser Weise natürlich ist es natürlichauf der dunklen Seite. Es kann Schriftsteller entweder auf einen dumpfen, trockenen Stil oder die faule Kurzschrift von Klischee drücken . Für unsere besseren Engel, obwohl es eine faszinierende Herausforderung. Die Schaffung von konzentrierter Sprache, Sprache, die Grenze oder sogar Poesie werden kann. Persönlich meine Prosa abzusparen zwingt mich nicht nur, Redundanz zu beseitigen, sondern hilft mir, aus der Nähe zu sehen. Was das Schreiben funktioniert oder nicht mit diesem engen Raum umgehen zu müssen, war ein unglaubliches Lernwerkzeug für meine späteren Bemühungen als Schriftsteller. Aber wo fängst du an? Wie finden Sie heraus, was in dem, was zu viel genug ist? Was zu wenig anbelangt, so ist die Antwort einfach. Da Panels und ganze Sequenzen leise sein können, gibt es in einem Comic keine minimale Wortzahl, da es keine Verbindung zwischen Wortzahl und ästhetischem Erfolg gibt. Und Comic-Autoren werden nicht durch das Wort bezahlt. Es gibt kein steuerliches oder künstlerisches Motiv, um mehr Wörter einzubeziehen. Es gibt jedoch eine Grenze, jedoch eine Grenze, und es hängt von zwei Dingen ab. Die Panels, physische Größe und ihren Inhalt in Bezug auf die physische Größe, eine Begrüßungsseite und offensichtlich halten mehr Wortballons und Beschriftungen als ein kleines Panel auf einer £9 Seite. bedeutet nicht, dass Sie aus dem Weg gehen sollten, um Maurin Splash Page zu schreiben, nur weil Sie können. Ein paar zusätzliche Worte über einen etablierten Ort, um Ambiente zu schaffen oder Backstory zu füllen sicherlich nicht schaden, wie wir in Kürze sehen werden, wenn wir Exposition diskutieren. Aber wenn Sie eine wunderschöne Splash-Seite haben und könnte am besten sein, um das Bild tun die meisten, wenn nicht alle, der Gespräche mit Paige und Panel-Größe variiert wild ein Gefühl von genau, wie viele Wörter passen. Wo bauen sich Comic-Autoren im Laufe der Zeit auf? Aber man muss irgendwo anfangen, da Anfänger dazu neigen, zu viel zu schreiben, anstatt zu wenig. Sie können diese extrem groben Maximen nützlich finden, wie bereits erwähnt, Abbildung etwa 200 Wörter pro Seite für fünf Panelseiten. Ein einzelnes Panel, einschließlich aller Sprechblasen und Beschriftungen, würde bei etwa 35 Wörtern maximal ausfallen. Für eine neun Panelseite wäre es mehr wie 25 Wörter pro Panel. In jedem Fall können einzelne Ballons und Untertitel sicher etwa 20 bis 25 Wörter halten. Aber noch einmal, bedenken Sie, wie viel Variation möglich ist. Selbst auf der Seite mit vier oder 5£ kann die Größe des Panels variieren, wodurch mehr oder weniger Platz für die Wörter geschaffen wird. Ebenso, wenn in einem gegebenen Panel viel los ist, können nur ein paar Worte die Aktion blockieren. Autoren können und sollten daran arbeiten, Platzprobleme im Voraus zu vermeiden, indem sie für eine Panel-Größe und Inhalt in Ihrem Skript aufrufen und dann nicht nur die Geschichte, sondern auch den räumlichen Bedarf an Wörtern, um diese Geschichte zu erzählen. Alle Schriftsteller aus Roman den Film kämpfen mit der Ausstellung, die Präsentation von irgendwelchen Hintergrundinformationen. Zielgruppen oder Leser müssen diese Geschichte verstehen, indem sie clevere Wege finden, was im Wesentlichen ein Datenabbild ist, ohne die aktuelle Geschichte zu behindern . Momentum ist ein kontinuierliches kreatives Puzzle, wie so und so bekam die Fähigkeit Feuer aus ihren Ohren schießen? Oder wie wäre es, wenn du beide Gesicht machst, hat seinen Namen bekommen. Interessante Geschichte. Immer wenn der Autor eines monatlichen Comics sich hinsetzt, um eine neue Ausgabe zu schreiben, , das erste,was ihnen gegenübersteht, herauszufinden, wie man die letzte Ausgabe für neue Leser mit Rückblendbildern, die viel Platz in Anspruch nehmen, die Worte in der Regel tun die schweren Hebe- und Superhelden-Teambücher wie die verschiedenen X Men Avengers 10 mal oder Justice League Titel oder einen beliebigen Titel mit einer großen Besetzung. Das Recht hat nicht nur dem Leser zu sagen, was zur aktuellen Situation geführt hat, sondern auch die Namen, Kräfte, Persönlichkeiten und Motive aller Spieler. Ich erinnere mich an eine ganze X Men-Ausgabe, die nur aus Charakteren bestand, die über frühere Geschichten sprachen . Nichts Neues ist bis zur letzten Seite eins passiert. Ein Überraschungsgast tauchte an der Tür und ich habe keine Ahnung, wer sie waren. Herausgeber versuchen oft, das Problem mit einem eindeutigen Text auf der ersten Seite zu lösen. Aber viele begierige Leser überspringen, dass, Blick auf die Wörter Ballons, Beschriftungen im Kontext, um die Arbeit zu erledigen. Um Platz für diese zusätzliche Verbiage zu schaffen, könnte es nützlich sein, nach einem Panel zu rufen, das entweder geht und nahe auf etwas Kleines in einer Szene fokussiert oder für einen langen Schuss gesichert wird. Wie in diesen Beispielen eine Nahaufnahme einer Hand mit einem Streichholz, einem Stift oder einem Messer oder einer weiten Ansicht des Gebäudes außen, kann eine Nahaufnahme einer Hand mit einem Streichholz, einem Stift oder einem Messer oder einer weiten Ansicht des Gebäudes außen, ein Raum oder eine andere Aussicht Atemraum für die Worte bieten. Diese Beispiele zeigen uns auch, dass nicht jedes Wort ganzes Schwein in einer einzigen Beschriftung erscheint. Ebenso muss nicht jeder Teil des Dialogs von jemandem in einem einzigen Ballon erscheinen, was uns zu unserem nächsten Thema bringt. teilweise Aufteilen von Wortballons und Beschriftungen hat getan, um große, hässliche Textblöcke zu vermeiden . Aber wenn es richtig gemacht wird, kann es ein weiteres dramatisches Werkzeug für den Autor bieten. Gerechtigkeit. Verschieben von Panel zu Panel hat verschiedene Effekte Wenn Sie den richtigen Moment auswählen, um Ihren Text zu brechen , können Sie mehrere Dinge tun. Fügen Sie dem Ambiente einer Szene hinzu, widerspiegeln Sie die Könige der Sprache oder betonen Sie dramatische Beats. Beachten Sie den Unterschied in diesem Beispiel von unserem alten Kumpel Nancy Drew. Wir wären in kürzester Zeit hier raus. Wenn ich das Auto starten könnte, sind wir in kürzester Zeit hier raus. Wenn ich das Auto im zweiten Beispiel starten könnte, kann man praktisch spüren, dass Nancy die Zündung verdreht. Key Brakes können auch verwendet werden, um auf einen bestimmten Aspekt eines Bildes innerhalb eines bestimmten Panels oder sogar über Panels zu verweisen,um Panels oder sogar über Panels zu verweisen, spannende und einzigartige Ergebnisse zu erzielen. Verzeihen Sie mir, aber mein Lieblingsbeispiel ist ein Blooper aus einer 1960er Jahre Captain America Geschichte von Stan Lee und Jack Kirby. In den ersten Feld-Caps wird der Dialog in zwei Sprechblasen aufgeteilt. Die zweite Sprechblase beginnt einen Satz, der erst im zweiten Panel endet. Zusammen zieht die Worte und das Bild den Leser so stark in die Handlung, dass Sie diesen Satz zweimal lesen müssen , um den Fehler zu erkennen engagiert. Du hast es verpasst. Ich gebe Ihnen ein paar zusätzliche Sekunden, bevor Sie zum nächsten Thema übergehen. Huh? Während Aussehen, Gesichtsausdruck und Körperständer einen langen Weg zur Definition eines Charakters gehen können, was Charakter sagt und die Worte, die sie zu sagen pflegten, macht es oft den Unterschied zwischen der fesselnden Illusion einer lebendigen Welt auf einem Bündel von Linien. Auf einer Seite. In den Vorträgen über Panelbeschreibungen habe ich darauf hingewiesen, dass das Hinzufügen von Besonderheiten dazu führen kann, dass sich die Dinge lebendiger anfühlen, aber sie nehmen auch mehr Platz in Anspruch. Hier stehen wir vor dem gleichen Dilemma. Das Hinzufügen einer Menge Zeichen neigt dazu, mehr Wörter aufzunehmen. Angesichts der Platzbedenken kann das Schreiben von nackten Knochen verlockender sein und die alte Gefahr erhöhen, das Baby mit dem Badezimmer auszuwerfen. Dieser Austausch, zum Beispiel, bietet Charakter und Exposition, aber es ist 50 Worte, es ist ziemlich lang geschnitten, dass bis zu vier Wörter uns benötigte Plot-Details geben könnte, aber die Ergebnisse zum Teil wenig oder keine Persönlichkeit auf der Kehrseite eines bestimmten Charakters gut etabliert und der Künstler effektiv kommuniziert ihren emotionalen Zustand. Diese extreme Abkürzung kann funktionieren. In der Tat , ein bestimmtes Zeichen verwenden nur ein Wort. Sätze könnten ein Persönlichkeitsmerkmal sein. Aber wenn der ganze Dialog kurz, trocken und langweilig ist , wird die Geschichte auch sein . Jedenfalls ist es immer eine verpasste Gelegenheit, den Dialog eines Charakters nicht zu benutzen, um die Persönlichkeit in irgendeiner Weise auszudrücken , wie es bei so vielen Dingen im Leben, im Universum und allem ist. Der Trick ist, eine Balance zu finden, Honen in ein paar Wörter, die immer noch Charakter importieren. Hier ist der gleiche Dialog mit einem vernünftigeren 17 Worte. Okay, es gibt viele Möglichkeiten, Persönlichkeit und Dialog auszudrücken, aber die meisten fallen in drei Kategorien. Schlagworte, Sprache, Sprache, Macken und Wortwahl. Ein Schlagwort ist ein pikanter Satz, der im Laufe der Zeit mit dem Charakter verbunden wird. Zum Beispiel, diese Sätze nur lesen oder hören, werden die Zeichen für die meisten identifizieren. Selbst wenn die Bilder Luftschaufel als solche, kann ein Schlagwort tatsächlich jemandes Anwesenheit ankündigen, bevor der Leser sieht ihn sogar bietet nicht nur ein Gefühl für den Charakter, sondern potenzielle Merchandising-Möglichkeiten. Da ein Schlagwort nur eine Sache sagt. Sie sind Storytelling, Verwendung ist begrenzt, und selbst die besten Fang Phrasen entstehen in der Regel von Autoren, die die beiden anderen viel flexibleren Tools, Sprachmacken und Wortwahl verwenden flexibleren Tools, . Die Spracharbeit ist eine Frage der Phrasierung, die sich von der Norm abhebt. Ein Beispiel, wie ich bereits erwähnt habe, könnte ein Zeichen sein, das nur ein Wort verwendet. Sätze, anderer, ein obsessiver Charakter, der nur eine Befreiung verwendet, wo ein schüchterner Charakter ständig zögert zwischen den Wörtern. Die letzte Option Wort Choice ist vielleicht die flexibelste, konzentriert sich auf die Begriffe des Charakters könnte basierend auf ihrer Persönlichkeit anstelle von bestimmten Inhalten in breiten Strichen verwenden . Und intellektuelle könnten lange Wörter verwenden, während jemand, der kein Vertrauen hat, Probleme haben könnte auf den Punkt zu kommen, um ein besseres Verständnis davon, wie Wortwahl funktioniert. Werfen wir einen Blick darauf, wie verschiedene Persönlichkeiten hier die gleichen grundlegenden Informationen vermitteln könnten . Die einfache Anfrage. Kann ich etwas Wasser trinken? Kann verwendet werden, um eine Vielzahl von Persönlichkeitsmerkmalen auszudrücken. Manipulativ. Wirst du das Wasser für dich behalten? Jetzt kommandieren wir Wasser, Industrias. Warum sollte ein Glas Wasser wie das ich die Welt höflich beherrschen könnte. Es tut mir leid. Es ist nur so, dass ich so durstig und bedrohlich bin. Ich habe wegen Wasser getötet, bevor ich introvertierte. Wenn ich mich nur dazu bringen könnte, nach dem Wasser zu fragen. Beachten Sie, dass keines von ihnen viele Wörter verwendet, aber immer noch über etwas über den Charakter hinauskommt. Wie bei unserer früheren Splash-Page-Übung kann das Üben der Variation ein gutes Lernwerkzeug sein. In jedem Fall, wenn Sie jemals stecken versuchen, herauszufinden, wie ein bestimmter Charakter etwas sagen würde, versuchen, sich vorzustellen, wie ein anderer Charakter sagen würde, dass es ein Zeichen aus dem Raum auf der Seite helfen kann , gibt es einige Grenzen, was der Dialog in einem Comicbuch erreichen kann, im Gegensatz zu anderen Formen von Medien. Ich denke, das liegt vor allem daran, dass die Stimme, die der Leser hier ist, immer ihre eigene Bedeutung sein wird , intern, nicht extern, von einem Darsteller erzeugt nicht extern, wird. Wenn es um eine Performance geht, geht es nicht mehr nur um die Worte. Es wurde gesagt, dass ein wirklich großartiger Schauspieler aus einem Telefonbuch lesen und es überzeugend machen kann. Wenn Richard Burton oder Ian McKellen reden, die Worte nicht so sehr wichtig. Ein Afrikaner sagt die 1000 verschiedenen unerwarteten Wege, ihren Ton in Lautstärkeverschiebung, ihr Gesicht verdreht und dreht sich mit großer Komplexität in einem Comic. Entschuldigung, während man so etwas tun kann, nein, man kann das nicht wirklich tun, um zu den Stärken und Schwächen der verschiedenen Medien zurückzukehren . Während Comics Werkzeuge zur Verfügung stellen, die Ton und Trittfrequenz der Sprache nachahmen können und Künstler Haltung, Geste und Ausdruck verwenden können , ist selbst das beste Bild eines Gesichts und eines Comics statisch. Selbst die besten Worte werden nicht extern ausgeführt. Infolgedessen ist es sehr schwierig, etwas wie eine Soliloquy oder sogar lange Strecken der Konversation für sich selbst interessant zu halten . Um dies zu sagen, möchte ich einen Blick darauf werfen, was eines der bestmöglichen Beispiele für eine lange Rede in komischer Form sein könnte . Will Eisner, einer der besten Autorenkünstler Comics, die jemals gesehen hat , hat Hamlets berühmt gemacht, als Comic in seinen ausgezeichneten und sehr empfehlenswerten Buchcomics und sequentiellen Kunst zu sein , die Sie sollte direkt nach oder während der Herstellung von Comics lesen. Einige werden mir vehement widersprechen, dass es Will Eisner ist. Er kann nichts falsch machen. Aber meiner Meinung nach sind die Ergebnisse bestenfalls gemischt. Um zu sehen, was ich meine, Werfen Sie einen genaueren Blick auf die beiden folgenden Seiten, und während Sie lesen, darüber nachdenken, wie die Sequenz funktioniert. Okay, willkommen zurück. Nun, Sie bekommen ein gutes Gefühl für die emotionalen Extreme in meinem Kopf. Man bekommt nicht die gleichen Feinheiten und Schauspieler könnte überzeugen. Äh, da ist der Reib für in diesem Schlaf des Todes. Welche Träume kommen, wenn wir diese sterbliche Spule abgeschmischt haben, muss uns eine Pause geben. Während Hamlets Rede natürlich offen für Interpretation ist natürlich und eine Performance sich von einer anderen unterscheidet, gibt es eine richtige Qualität zu diesen Wörtern, die im Comic überhaupt nicht vorkommen. Es ist alles schmerzhaft ernst, aber ich denke, der größere Teil meines Problems hier ist, dass fachmännisch gemacht und hübsch wie es ist , wir schauen immer noch nur auf einen Kerl, der posiert und spricht, und ich denke, das ist inhärent in der -Formular. Wenn du in diesen flüchtigen Momenten ein Soliloquy hörst und siehst, bringen die Worte deinen Geist an verschiedene Orte in einem Comic. Da dein Geist bereits damit beschäftigt ist, die Bewegung zwischen den Paneelen beizutragen und sie mit den Worten zu verbinden . Die Bilder hier gewissermaßen halten dichgewissermaßenauf dem Dach fest. Zu Beginn des Kurses habe ich das alles gesagt. Worte und Bilder vermitteln getrennt, Worte und Bilder vermitteln zusammen und wohl mehr, während meine Standpunkte zu diesem Frieden und Dialog im Allgemeinen sich wie ein Widerspruch anfühlen mögen, ist es nicht. Ich glaube immer noch, dass ich davon überzeugt bin, dass etwas, das alle Feinheiten von Hamlets Rede vermittelt, in Comics gemacht werden kann. Forward Looking at Here geht es mehr darum, etwas zu nehmen, das für eine andere Form geschrieben wurde, die ausgeführt werden soll , und es wörtlich auf sequentielle Kunst zu zwingen , anstatt etwas aufzubauen , das die Form nutzt schrumpft, um dieselben Ideen zu vermitteln. Versteh mich nicht falsch. Ich bin zum Experimentieren und werde ein Genie lizenzieren. Aber der Punkt ist, wenn es ihm nur irgendwie gelingt, eine soliloquy in komischer Form zu machen, wohin bleibt das der Rest von uns? Für mein Geld gibt es mehr zu gewinnen, indem man sich auf die mittlere Stärke für Schriftsteller konzentriert. Das bedeutet nicht nur die Worte, sondern ihr Zusammenspiel mit Bildern, die, wie Sie sich erinnern, nicht zu diesem Zweck bewegen. Wenn es um den Dialog geht, gibt es eine allgemeine Regel nicht unbedingt meine eigene, die ich in ein Oval setzen werde, um es für immer sicher zu halten. Nie. Und es ist, versuchen Sie immer, Ihren Dialog mit etwas anderem als oder zusätzlich zu Charakteren zu kombinieren . Ich spreche nur. Ich meine nicht nur, dass Charaktere während der Kampfszenen sprechen, obwohl das oft funktioniert. Ich meine, sich auf verschiedene Aspekte jeder gesehenen abgewandten Augen zu konzentrieren, zitternde Finger, diese Art von Sache, was auch immer, aber vorzugsweise etwas, das ihre Persönlichkeit abwechselnd ausdrückt, zeigen die Lautsprecher nicht überhaupt, wenn sie über jemand anderen sprechen, stellen Sie ihren Dialog und Untertitel über ein Bild dieser Person für über einen Handlungspunkt, den die Sprecher nicht bewusst sind, aber nur um jeden Preis zu vermeiden. Panel nach Panel sind statische Sprechköpfe, es sei denn , natürlich, dass von Natur aus langweilig, dronierend Aspekt Teil des Punktes ist, den Sie zu machen versuchen. Aber all das sagte, ich möchte wiederholen, dass es Umstände gibt, in denen keine der Regeln wahr ist. Das ist ein Teil des Spaßes. Also, während Werkzeuge und Regeln wichtig sind, an einem großartigen Ort, um immer wieder und wieder zu beginnen , funktioniert alles,was funktioniert gleichzeitig. , funktioniert alles, Wenn Sie die Regeln brechen müssten, ist es viel einfacher, sie fruchtbar zu brechen, wenn Sie wissen, was sie sind und warum sie existieren . Inzwischen, Spitze der Welt MMA oben auf der Welt Weg, Weg. 10. WComics L10 Redundanz: Vortrag. 10. Redundanz, Redundanz, Redundanz. Wenn du dieses Jahr einen Vortrag siehst, sollte es so sein. Und es beschreibt, wie man die drei Arten von Redundanz erkennt und eliminiert. Und unter welchen Umständen kann Redundanz tatsächlich nützlich sein. Hi, ich bin Stefan Petricka, und es sei denn, Sie haben die anderen Vorträge nicht gesehen, sollte das redundante Informationen sein, die noch überflüssiger gemacht werden, indem ich meinen Namen unter einen Teil gesetzt habe, bedeutet, dass ich seit ein paar Jahrzehnten meine eigenen erfolgreichen Skripte zu schreiben. In den letzten Jahren habe ich auch Arbeit von Hunderten von Studenten gelesen. Einige davon ist erstaunlich, einige mehr, offensichtlich von Leuten, die gerade anfangen. Darauf aufbauend möchte ich einen genaueren Blick darauf werfen, was mir auffällt. Ist der größte Stolperstein für Anfänger und alte Hüte gleichermaßen, nicht nur beim Schreiben von Comics, sondern auch beim Schreiben von irgendetwas. Wie Sie vielleicht aus dem Titel erraten haben. Es ist Redundanz. Ich denke, es ist so wichtig. Wenn Sie eine Sache von diesem Kurs nehmen, sollte es diese Vorlesung sein. Ich meine es ernst mit diesem absolut ernst, absolut, absolut ernst. Sehen Sie, was ich dort gemacht habe? Zwei Worte, die ich ernst bin, hätte genügt, für diese Angelegenheit, Warum sagen Sie es überhaupt? Glaubst du nicht, dass ich es ernst meine? Was ist also Redundanz? Das handliche Online-MacMillan Dictionary definiert es als eine Situation, in der etwas nicht benötigt wird , vor allem, weil das Gleiche oder Ähnliche bereits existiert. Kurz gesagt, es ist eine unnötige Wiederholung. Aber was stimmt damit nicht? Nun, wie die sprechenden Köpfe in Psycho Killer sagen, sagen Sie einmal etwas. Warum sagen, um unnötige Wiederholung nicht nur Ruinen fließen. Es ist ein schneller Weg, Schriften zu zerstören. Große Illusion, die Leser daran erinnert, dass sie bloße Worte anstarren und keine Welt in einem Comic erleben , nur so viel Platz für die Worte hat, um damit zu beginnen nimmt es Immobilien auf der Seite, die besser zu nutzen. Dies ist nicht zu sagen, dass Wiederholung hat keinen Nutzen dritten Mal, wenn Sie Ihre Leser über eine Handlung Details erinnern oder einen stilistischen Rhythmus erstellen möchten . Mehr dazu später. Die entscheidende Sache ist, dass in gutem Schreiben Redundanz auf Leahs bewusste Wahl verwendet werden sollte, nie als Abdankung der Anstrengung, Problem zu sein. Für die meisten von uns, Wiederholung kommt natürlich, wenn wir Recht, wir suchen nach dem richtigen Wort oder Satz auf. Oft kommt im kreativen Ansturm eines ersten Entwurfs mehr als einer in den Sinn. Wir neigen dazu, sie alle zu verwenden, auch in Revisionen, abhängig von der Art der zu wiederholenden Informationen und der Art, wie sie wiederholt werden. Redundanz kann schwer zu erkennen sein, wie in dem berühmten Satz, der von Firesign Theater im Jahr 1970 geprägt wurde, wird von Ihrem Department of Redundancy Abteilung und natürliche Wache garantiert werden . Redundanz wird oft von seiner reinen Wortwiederholung gedacht, aber es könnte mehr sein als das, das auf verschiedenen Ebenen operiert. Selbst der Scherz des Firesign Theaters ist in mehr als einer Hinsicht überflüssig und bezieht sich nicht nur auf das Konzept des Wortes selbst, sondern auf die überflüssigen Abteilungen, die in den Bürokratien der realen Welt gefunden werden. Ich fand es nützlich, über die verschiedenen Arten von Redundanz in Bezug auf drei Kategorien nachzudenken , die alle sonst gutes Schreiben ruinieren können, indem Alliteration verwendet wird, um sie leichter zu merken. Die Kategorien sind Kernredundanz, konzeptionelle Redundanz und kontextbezogene Redundanz. Andere haben vielleicht ähnliche Konzepte entwickelt, aber ich habe sie noch nie so aufgestellt gesehen. Die Kernredundanz bezieht sich auf diese grundlegende Wortwiederholung, wie im Firesign Theater Witz, die Welt ist ein trauriger und lustiger Ort. Riel Leben. Beispiele für Gerichtsentlassungen darüber, dass Kernentlassungen leicht mit einem ähnlichen, aber anderen Problem verwechselt werden können. Überbeanspruchung. Die Übernutzung des Wortes oder der Phrase kann die gleiche Wirkung haben und sollte ebenfalls vermieden werden. Aber anders als Redundanz die Information selbst nicht wiederholt. Gefängnisse. Die Katze war klein, klein, klein wäre eine Kernredundanz, da ja, wir bekommen es schon. Die Katze ist klein. Die Katze war klein, der Hund war klein und das Haus war klein. Wäre ein Beispiel für Übernutzung. Wir sagen, dass die Katze klein war, gibt andere Informationen, als uns zu sagen, dass der Hund klein war , aber es ist auch nicht sehr effizient, eine schnellere, aber vielleicht weniger rhythmische Art, das gleiche zu sagen, wäre die Katze Hund und Hauswelt. Klein auf dem kleinen Raum eines einzigen Comic-Panels. Sowohl Übernutzung als auch Core-Redundanz sind ziemlich einfach zu erkennen, vorausgesetzt, Sie suchen nach ihnen und länger funktioniert. Überbeanspruchung, insbesondere, kann schwieriger sein, auszuspeichern, insbesondere, kann schwieriger sein, auszuspeichern,mit einem Wort oder einer Phrase, die perfekt gewesen sein könnte. Das erste Mal kann schnell mühsam für den Leser werden. Selbst geliebte Schlagwörter können dünn tragen und sie über mehrere Seiten zu verfolgen ist nicht immer einfach. In diesem Fall behalten Sie eine Liste von Verdächtigen. Wenn Sie Proofing geben Sie sie in Ihre Textverarbeitungs-Suchfunktion ein, diesie nicht nur findet,wird sie nicht nur findet, es zählen, wie oft Sie das bestimmte Wort oder den Ausdruck verwendet haben. Kernentlassungen und Überbeanspruchung beinhalten identische Wörter oder Phrasen. Die konzeptionelle Redundanzinformation wird wiederholt, aber mit verschiedenen Wörtern. Infolgedessen könnten konzeptionelle Entlassungen kurz wie zwei Wörter sein. Viele der beiden Wortvielfalt oder gemeinsame ein paar Beispiele umfassen aufhören und desist kollaborierten Gruppen versammelt und absolut wichtig. Interessanterweise in meinen Klassen werden Schüler in meinen Klassenmanchmal argumentieren, dass die Sommerrolle dieser Sätze nicht überflüssig ist. Während ich in jedem Fall sympathisiere, zeigt ein genauerer Blick die Wiederholung. Aufhören bedeutet, zu verzichten. Sie können nicht zusammenarbeiten, ohne eine Gruppe zu sammeln ist zusammenzubringen, und es ist entweder wichtig oder es ist keine Bedeutung. Wenn es wichtig ist, ist es schon absolut wichtig, essentiell? Nicht essentiell. Das sind die Entscheidungen. Ein Grund, warum konzeptionelle Redundanzen schwieriger zu erkennen sind, ist, dass sie so oft informell verwendet werden , dass sie sich natürlich fühlen. Selbst diese Beispiele klingen eher nach einer Möglichkeit, etwas zu betonen, anstatt es zu wiederholen, um aufzuhören und zu unterlassen, klingt viel wichtiger als nur aufzuhören oder zu unterlassen. Aber das ist es nicht. Es sagt nur das Gleiche zweimal. Wenn es um konzeptionelle Entlassungen geht, sind diejenigen, die über zwei Worte hinausgehen, am schwierigsten zu erkennen. Die schwierigeren Beispiele können mehrere Sätze oder sogar Absätze wie Tränen frei aus Martins Augen geflossen sind, enthalten. Er hat geweint. Warum ist das überflüssig? wissen wir schon. Martin weint wegen der Tränen, oder der Hund drückte seine Beine hart und bewegte sich so schnell wie möglich. Es lief. Wenn der Hund seine Beine hart drückt und sich so schnell wie möglich bewegt, läuft er natürlich. Das ist es, was Laufen ist. Diese Beispiele, wie ich hoffe, sind offensichtlich. Vorgesehen, um die Idee zu bekommen. Natürlich in der Praxis deutlich könnte esin der Praxis deutlichhärter sein. Je breiter die wiederholte Information ist, desto schwieriger ist es, zu notieren, Tränen flossen frei aus Martins Augen. Er stolperte über den Raum versuchte, seine Gedanken zu sammeln, konnte aber nicht. Er weinte zur gleichen Zeit, zumindest mit Mais konzeptionellen Entlassungen, wir haben es immer noch ausschließlich mit Worten zu tun. Das ist keine wahre kontextabhängige Redundanz, wenn die Wiederholung auftritt, weil die Situation oder Kontext bereits bestimmte Informationen deutlich macht. Angesichts der Kombination von Wörtern und Bildern. Comic-Bücher waren besonders anfällig für kontextbezogene Redundanz. Gehen wir zurück zu unserem Beispiel eines duo-spezifischen Panels aus dem Vortrag über Wort und Kunst. Das Bild zeigt einen Superhelden, der über die Stadt fliegt. Auf der Beschriftung steht. Unser Held fliegt über der Stadt Gedankenballon von unserem Helden liest. Als Held werde ich wohl über die Stadt fliegen. All das hat der Kontext der Szene bereits etabliert und die Worte überflüssig gemacht. In der Praxis jedoch gibt es jedochFälle und Comics, in denen die Handwerker Clears sind. Es könnte sein, und die Informationen, die sie vermitteln soll, sind entscheidend, um die Geschichte zu verstehen, zum Beispiel, dass ein Charakter eine Waffe in diesem Fall hält, wenn man die Waffe nicht klar sehen kann oder es nicht offensichtlich ist dass es eine Waffe ist, mit den Worten, um die Situation zu klären, ist legal. Wie viele von uns haben E-Mails oder Briefe als weiteres Beispiel für allgemeine kontextabhängige Redundanz erhalten? Erinnerst du dich an diejenigen, die sich mit Sätzen öffnen, wie ich dir heute schreibe? Wenn du jemandem schreibst, hast du natürlich Recht. Und wann sonst würdest du schreiben, wenn nicht an dem Tag, an dem du schreibst. Selbst wenn du Zeit reisen könntest, würdest du heute noch auf deinem reiten. Sie beim Schreiben von Tonhöhen bis hin zu vollständigen Skripten BerücksichtigenSie beim Schreiben von Tonhöhen bis hin zu vollständigen Skriptendie Situation. beispielsweise Wenn SiebeispielsweiseIhren Redakteur bezüglich eines Graphic Novel kontaktieren, sagt ihm der Kontext bereits mindestens drei Dinge. Ein, das du schreibst, dass du über einige kreative Arbeit schreibst und siehst, dass die kreative Arbeit dir gehört. Aber ich habe oft Student Pitches mit Phrasen wie ich schreibe, um Ihnen von meiner Fiktion Geschichte zu erzählen , die die Geschichte erzählt Wie viel davon sollten Sie behalten? Keiner. Es ist nicht nur aus dem Kontext erkennbar, es braucht einen wertvollen Platz, der für Ihre Inhaltsbeschreibung verwendet werden könnte. übrigens Dieses Beispiel enthältübrigensauch zwei konzeptionelle Redundanzen. Kannst du sie erkennen? Die Zeit ist um. Eine Geschichte ist per Definition Fiktion. Das natürlich erzählt natürlicheine Geschichte. Da kontextbezogene Redundanzen nicht aus Wörtern bestehen, ist es verlockend, sie überhaupt nicht in Betracht zu ziehen. Das ist vor allem, wenn er, wenn es um Comics geht, und Sie wollen, dass Handlung Punkt absolut klar. Aber ob Sie nur eine weitere Linie schneiden müssen, um Ihre Tonhöhen auf einer einzigen Seite zu passen, wo Sie schreiben möchten. Ist Titus möglich? Oder auch wenn Sie nur Klarheit und Organisation Ihrer innersten Gedanken wollen? Vertrau mir. Eliminierung von Redundanz kann unglaublich nützlich sein. Apropos Nützlichkeit, während ich fest glaube, dass getan wurden und sehen in all seinen Formen ist ein hinterhältiges Hindernis gutes Schreiben Wenn absichtlich wie Feuer verwendet, es kann ein leistungsfähiges Werkzeug sein. Wie ich bereits sagte, Manchmal werden Sie den Leser oder etwas erinnern wollen, wie ich gerade jetzt, als ich mich wiederholte, um Sie wissen zu lassen, dass wir jetzt zu einem zuvor erwähnten Thema zurückkehren und hoffentlich Sie versichern, dass es eine gewisse Struktur in diesen Vorträgen gibt. Ebenso, und länger funktioniert. Es könnte wichtig sein, auf eine wichtige Handlung oder Charakterdetail zurückzugreifen, besonders wenn dieses Detail vor 20 Seiten eingeführt wurde. Gut, dass ich die Kugeln aus der Waffe in Cincinnati genommen habe. Wir sind nicht, er kann auch für dramatische Wirkung verwendet werden. Er ist tot. Jim tot zur gleichen Zeit, ist eine warnende Geschichte. Diese Linie wurde so oft in der ursprünglichen Star Trek verwendet, es wurde ein Klischee. Schließlich könnte die Wiederholung verwendet werden, um den ästhetischen Fluss, die Rhythmen des Dialogs oder die Poetik einer beschreibenden Passage zu verbessern . Werfen Sie einen Blick auf diese Strophe aus den Glocken von Edgar Allan Poe. Ok, merke auf. Wiederholt Wörter wie Glocken, Kribbeln und Zeit mit großer Wirkung. Hier zaubert die Wiederholung den Klang selbst. Der Punkt ist wieder, Wiederholungen bewusst zu verwenden. Und der einzige Weg, dies zu tun, ist, Ihre Schrift nach allen drei Formen zu durchforsten. Haben Sie eine Redundanz gefunden, die Sie behalten möchten? Stellen Sie sicher, dass Sie einen großen ironclad Grund haben. Ansonsten, wie sie jetzt in Apokalypse sagen, beseitigen Sie es mit extremen Vorurteilen. Weg. Auf keinen Fall. 11. WComics L11 Comics für ein Leben: Vortrag 11 Writing Comics for a Living, die Formatierung Spezifikationen, meine eigene Erfahrung mit der Industrie aus den drei grundlegenden Pfaden zwischen Ihrer Arbeit und dem Leser abdeckt meine eigene Erfahrung mit der Industrie aus den drei grundlegenden Pfaden zwischen Ihrer Arbeit und dem . Aber ich bin es, Typ , der ein letztes Mal darüber redet die Schwierigkeiten der Exposition und die Probleme mit der Redundanz hingewiesen hat. Ich denke, es ist nur richtig zu erwähnen, dass, obwohl viel von diesem feinen Elektra sein wird, entzückend und anstachelend wie üblich, einige davon etwas wie ein Daten-Dump sein wird. Ich werde auch ein paar Dinge wiederholen, die zuvor behandelt wurden. Aber hier, im Kontext der Entscheidungen, mit denen beginnende Comic-Autoren konfrontiert sind, beginnen wir mit dem hoffnungslos trockenen Thema, weil es, seien wir ehrlich, keine spannende Art und Weise gibt, über dicht und Rand zu reden. Die Skriptbeispiele, die ich in diesen Vorträgen verwendet habe, wurden alle ungefähr so formatiert , wie ich meine Arbeit einem Redakteur übergebe, einem Künstler mit einer bemerkenswerten Ausnahme. Die Schriftart hier. Ich habe Courier neu verwendet, um es im wirklichen Leben mehr hervorzuheben, obwohl ich 12 Punkt mal neue Roman verwende, teilweise da ich es besonders lesbar finde, teilweise an einer Gewohnheit. Nun, Sie wollen nie einen seltsamen Fonds verwenden, der Ihre Ohren verletzen wird, ästhetische Empfindlichkeiten und oder ihre Augen, die spezifischen Entscheidungen. Mehr über den persönlichen Geschmack. Wie für die anderen Formatierungs-Spezifikationen als Beispiele, werde ich mit Auszügen aus meinem vollen Skript aus den Papierschnittscheiben Parodie Harry Potty und die Deathly Boring mit Kunst von der herrlich verrückten Rick Parker. Und hier gehen wir. Die Anzahl der Comicseiten, die der Skriptdokumentseite entgegenstehen, erscheint zentriert in den Beschreibungen des oberen Bereichs oder bündig links und nummeriert pro Seite, was bedeutet, dass das erste Panel jeder Seite angezeigt wird. eine Panel-Nummer folgt eine Registerkarte, um die Beschreibung festzulegen Dies ist ein einzelnes Leerzeichen mit einer Zeile zwischen Absätzen, Beschriftungen, Soundeffekten und Zeichennamen. Luft eingerückt 2,5 Zoll von links und erscheint in allen Kappen. Wenn der folgende Text etwas anderes als eine Wortballon ist, die in Klammern wie in Thought oder SFX für Sound-Effekt angegeben ist , werden alle Wörter, die der Leser sieht 1,5 Zoll auf der linken und rechten betonten Wörter Luft eingerückt in Fettdruck angegeben, so wie sie im fertigen Comic erscheinen. Schließlich sollte jede neue Comic-Seite auf einer neuen Dokumentseite beginnen. Gelegentlich nimmt das Skript für eine einzelne Comicseite mehr als eine Seite in Ihrem Dokument ein. in diesem Fall Wiederholen Siein diesem Falldie Comic-Seitennummer oben, gefolgt von Fortsetzung in allen Groß- und Klammern. Und hier ist das vollständige Skript, Seiten an Seite mit den Endergebnissen dokumentiert. Ich fand dieses Format ähnlich einem Filmskript, nützlich und leicht zu verstehen, aber es gibt keine harte schnelle Regel. Manche Autoren , erfinden den Dialog überhaupt nicht, während andere keine Seitenumbrüche zwischen Skriptseiten verwenden. Während vollständige Skripte am häufigsten sind, wie Sie sich erinnern können, der Schriftsteller im Marvel Way die grobe Kunst, verwendetder Schriftsteller im Marvel Way die grobe Kunst,um die Wörter zu erstellen, die der Leser sieht und zeigt ihre Platzierung auf der Seite an. In diesem Fall möchten Sie Ihr Skript so formatieren, dass es mit der Nummerierung der Beschriftungen und des Dialogs entlang der gesamten Seite übereinstimmt , wie hier zu sehen. Und das ist besser für Four Matic. Wie gesagt, langweilig, aber wichtig. Jetzt möchte ich über den Beruf selbst sprechen, beginnend mit, beginnend mit, zum Besseren oder Schlimmerem, mir. Ich traf 1967 zum ersten Mal Comics, als mein Großvater mich mit dieser Ausgabe von Supermans Kumpel Jimmy Olsen auf seinem Knie setzte . Es wurde vielleicht ironisch von der ersten hinzugefügt geschrieben, Wer gab mir die Tageszeit Jim Shooter. Ich war nicht nur von neuen Worten wie Festung und Einsamkeit in einem sehr jungen Alter für Jahre süchtig , zusammen mit Kindheitskumpel Jim Sala Krupp, ich las gesammelt in genossen Comics. Schließlich fügte ich Bücher hinzu, und irgendwo auf der Linie entschied ich, dass ich Schriftsteller werden wollte. Nachdem ich mein B A in der Literatur bekam, verkaufte ich ein paar Übungsblute zum Staunen. Der erste ist ein Gott schrecklicher Arzt. Seltsame Geschichte für Fitnessstudio Shooter. Aber ich machte keine echten Fortschritte bis in die späten 1980er Jahre, als ich mehrere Siris für die erste Veröffentlichung erstellt. Wie viele unabhängige Comic Cos. Am Ende der achtziger Jahre, Comic-Boom zuerst traurig, ging aus dem Geschäft, obwohl einige der Arbeit, die ich für sie geschrieben hatte schließlich endete veröffentlicht von Dark Horse und bewundert Epic Linie. Danach habe ich irgendwie ein ziemlich anständiges Leben geschrieben Comic-Skripte, die nie veröffentlicht wurden. Wir reden über 10 oder so Projekte mit mehreren Problemen. Manchmal würde der Verleger aus dem Geschäft gehen. Manchmal würde ein Redakteur gefeuert werden. Seit einigen Jahren fühlte ich mich wie der Barton Fink der Comic-Branche in Bezug auf die Popularität. Meine große Pause kam Mitte der neunziger Jahre als Autor von The X Files Comic für Tops. Kindheitskumpel Jim Sell a Crop war Herausgeber in Chief Charlie Add Lard, am besten bekannt für seine Arbeit an den Walking Dead, war der Künstler und die Gorgeous Covers oder von Meron Kim. Mehrere Sammlungen wurden im Laufe der Jahre veröffentlicht, und ich bin begeistert zu sagen, dass sie immer noch Post X Files gelesen werden. Ich habe über 350 Geschichten für Mickey Mouse geschrieben und gehe für die dänische Firma Sigma. Diese wurden in 34 Sprachen übersetzt und weltweit verkauft, aber jahrelang habe ich sie nie auf Englisch gesehen. Heutzutage schreibe neben dem Online-Unterricht ich neben dem Online-UnterrichtRomane und Sachbücher in verschiedenen Genres für Erwachsene und junge Erwachsene. Ich halte immer noch meine Hand in Comics mit Projekten wie Bail, die Vantage, eine Graphic Romane, Power Rangers, Hotel Transylvania und verwalten Wunden. Insgesamt, obwohl, sie sind nur ein paar seltene Gelegenheiten, wo ich einen Lebensunterhalt gemacht habe ausschließlich ist ein Comicbuchautor , der spezifischer für meinen speziellen Weg sein kann, aber mein Gefühl ist, dass es mehr die Regel als die Ausnahme Punkt, dass diese Mauer ist, ist es möglich, sie zu schlagen. Rich ist ein Comicbuchautor. Es ist so, als würde man eine Lotterie gewinnen, eine Lotterie, die eine gewisse Menge an Geschick erfordert, nur etwa ein Ticket, was bedeutet, dass es nicht etwas ist, dass die meisten Autoren eine Menge Geld oder irgendetwas erwarten sollten . Es ist etwas, was du tust, weil es dir gefällt. Es gibt keinen anderen zwingenden Grund, der sagte, es ist auch durchaus sinnvoll, Ihre Arbeit dort und in den Händen der Leser zu bekommen . Was uns zu unserem nächsten Abschnitt bringt. Für den Comicbuchautor gibt es drei grundlegende Wege zur Veröffentlichung. Mainstream-Comic-Verlage, große und kleine, traditionelle Buchverlage und Selbstveröffentlichung. Mainstream umfasst das Big Fish Marvel, im Besitz von Disney DC Comics, im Besitz von Warner Dark Horse und einer Vielzahl von kleineren Independence. Obwohl einige dieser Unternehmen für ihre Action-Superhelden-Bücher und ihre Hollywood-Krawatten bekannt sind , produzierten die großen Spieler Comics und Graphic Romane in verschiedenen Genres, Stilen und Formaten, einschließlich Manga, und sie tun dies in einem regelmäßigen Zeitplan mit etablierten und neuen Charakteren. Auch die größten Comicbuchfirmen sind immer schwieriger geworden, einzubrechen. Die Marvel Comics-Website zum Beispiel liest derzeit. Wenn Sie ein aufstrebender Comic-Künstler oder Schriftsteller sind, empfehlen wir Ihnen, veröffentlichen oder öffentlich Postermaterial weiter zu erstellen, und wenn Sie das richtige Zeug haben, werden wir Sie finden, wie ich bereits in der Vorlesung für die Schriftsteller Rolle. Die Produktion im Mainstream ist zwar nicht notwendigerweise hektisch oder maschinenähnlich auf diesen stetigen Materialfluss ausgerichtet. Dies neigt dazu, die Atmosphäre einer Zeitschrift oder einem Zeitungsbüro ähnlicher zu machen. Dann sagen wir ein traditioneller Buchverlag, Storylines können in Gruppen und Teamzusammenarbeit erstellt werden. Ermutigte Comic-Autoren und der Mainstream werden auf freiberuflicher Basis eingestellt und arbeiten in der Regel an bestehenden Charakteren, die entweder im Besitz des Verlags sind oder lizenzierte Zahlung wird auf der Grundlage der Seitenrate bestimmt. Mit dem Schriftstellergebäude füllen der Verleger einen Gutschein aus, wenn das Werk genehmigt wird, erscheint der Tscheche in der Regel ein paar Wochen bis einen Monat später, zusätzliche Zahlungen oder möglich aufgrund des Verkaufs des Werkes. Diese Luft bezog sich auf seine Anreizzahlungen im Gegensatz zu Lizenzgebühren, die ich in Kürze besprechen werde . Wenn der Schriftsteller einen neuen Charakter für ein existierendes Universum erstellt , kann er zusätzliche Zahlungen erhalten. Eins. Und wenn dieser Charakter anderswo hier verwendet wird, wird es ein wenig knifflig, weil die größeren Unternehmen eine Vielzahl von Abdrücken auf die Vertragsbedingungen haben Convey variieren von Impressum Impressum. Das Hinzufügen eines neuen Superschurken zum riesigen Marvel-Universum bietet eine Reihe von Begriffen unter anderen Umständen. Für bestimmte Impressionen oder kleinere Comic-Verlage können YouTubern flexiblere Angebote angeboten werden, bei denen sie das Urheberrecht behalten. Zum Beispiel, für My Work on Lands Barnes für Marvels epische Linie, habe ich das Copyright meiner Erfahrung vorbehalten. Selbst in diesen Fällen erwarten Comic-Unternehmen, einen Anteil an den Nebenrechten an den Charakteren zu behalten, was Rechte über das Veröffentlichen hinaus bedeutet, einschließlich Sachen wie Film- und Fernsehrechte. Wichtig ist, dass dies bei herkömmlichen Buchverlagen im Allgemeinen nicht der Fall ist. In Bezug auf die stetige Arbeit, einem besonders erfolgreichen Mainstream-Schöpfer könnte ein exklusiver Vertrag versprechender Studienarbeit für einen Zeitraum im Austausch für den Schöpfer angeboten werden , der zustimmt, an Lee für dieses Unternehmen für die Dauer von den Vertrag. Andere Comic-Verlage, wie Tokyo Pop in Visit, spezialisiert auf Manga, sowohl Übersetzungen aus dem Original Japanisch als auch neue Materialien ihre Atmosphären, tatsächlich irgendwo zwischen einem Magazinbüro und einem Buch Herausgeber. In der Tat, vor allem dank des Manga-Booms , der Mitte der neunziger Jahre Comics auf finanziell beeindruckende Weise in traditionelle Buchhandlungen brachte , nahmen die traditionellen Buchverlage zur Kenntnis und begannen, ihre eigene Graphic Romane, entweder selbst oder durch eine Tochtergesellschaft und in dem Prozess, wurde eine lebensfähige, aber sehr unterschiedliche Wahl für Comic-Macher, die in ihre Geschichte gehen. Buchverlage behandeln Comics natürlich eher wie, ja Buch Bücher in Bezug auf die Atmosphäre, Fristen und die Vertragsbedingungen, die sie anbieten. Es gibt einige Unterschiede, obwohl Justus, D. C. Oder Marvel produzieren laufende Siris Buchverlage kann wie was, aber ihre Bemühungen nicht in der Regel erscheint häufig oder regelmäßig ist, sagen wir, ein monatlicher, sattelgenähter Comic. Aber das heißt, einige Buchverlage arbeiten mit einer ähnlichen Montagelinen-Mentalität und tun dies seit Jahrzehnten. Vom späten 19. bis zur Mitte des 20. Jahrhunderts waren die Schalen voller Dime-Romane in Pulp Fiction mit ernsthaften, wie Nancy Drew oder die Hardy Boys. Die Grundfiguren wurden nicht von allein Schriftsteller konzipiert, sondern vom Verlag , der dann Absatz lange Grundstücke zugewiesen, ungekredigte Freiberufler unter den Namen Carolyn Keene und Franklin Dixon präsentiert werden , die leider nicht existieren. Aber nachdem ich mit Carolyn Keene gearbeitet habe, möchte ich sagen, dass sie eine wunderbare, fleißige, nicht-Person ist fleißige, . Ebenso eine kleine Romantik Geheimnis oder Horror Verlag, dessen Erfolg basiert mehr auf einer Reihe von genau der gleichen. Nur verschiedene Titel können ein ähnliches Feld haben. Gleiches gilt für Lizenzromane, die beliebte Charaktere aus Film und Fernsehen verwenden. Ich weiß nicht, ob das immer der Fall ist, aber meiner Erfahrung behandeln Buchverleger die Beziehung zwischen Schriftsteller und Künstler anders als Comicverlage , die den Künstler eher wie eine illustrierte Darbietung eines getrennte Aufgabe traditionell, und Kinderbuch Veröffentlichung. Zum Beispiel, wenn der Schriftsteller die Geschichte übergeben hat, hat der Künstler verlassen, um ihre Arbeit auf eigene Faust zu produzieren, ohne oder nur wenig Kommunikation zwischen den beiden. Bei der Arbeit an Babel für HarperCollins , wurde ich davon abgeraten,mich direkt mit der Künstlerin Cody Chamberlin in Verbindung zu setzen. Ich denke, dies wird als eine Form des Respekts für die Talente im Bereich des Künstlers und Schriftstellers gesehen , und vielleicht als Angst vor zu vielen Köchen, die die Ergebnisse verderben. Natürlich, wenn ein Verlag von einem Künstler- und Autorenteam angesprochen wird, würde er nicht unbedingt in eine Partnerschaft eingreifen, die bereits vorhanden ist. Es ist jedoch eine ganz andere Erfahrung als Mainstream-Comics, jedoch eine ganz andere Erfahrung als Mainstream-Comics, wo Kommunikation aktiv gefördert wird und jeder seine Gedanken hat. Eine weitere besonders wichtige Unterscheidung der Vertragsbedingungen, die traditionelle Buchverlage anbieten, die wiederum natürlich auf ihre Geschichte zurückzuführen sind, eher Buchverträge ähneln. Wenn das Material vollständig originell ist, behält sich der Autor das Urheberrecht vor. Wenn Sie einen halbwegs anständigen Agenten haben, behalten Sie auch den Film und Nebenrechte statt eine Seite bewertet Anreiz Boni. Buchverlage bieten im Voraus gegen Tantiemen aus der Differenz ist es wert, einen genaueren Blick ähnlich einer Seitenrate in einem Sinne und schreitet eine bestimmte Menge an Geld, die der Autor erhält im Voraus. Es gibt einige Variationen, aber im Allgemeinen, anstatt das gesamte Reittier nach Genehmigung zu erhalten, erhält der Autor 1/3 des vereinbarten Vorschusses bei der Unterzeichnung des Vertrags. Ah, drittens, eine endgültige Version des Drehbuchs akzeptiert zu haben und das letzte Drittel auf Veröffentlichung. Die Lizenzgebühren werden in der Regel alle sechs Monate berechnet und basieren auf dem Preis der Deckung des Einzelhandelspreises . Für ein Gefühl, wie das funktioniert, lassen Sie uns einige einfache Zahlen verwenden. Angenommen, Sie haben einen Vorschuss von 5000 USD gegen einen 5% -Tantiemensatz für ein Buch erhalten, das für 5 USD verkauft . Das macht den Anteil des Autors am Coverpreis 25 Cent pro Buch. Wann und wenn das Buch 20.000 Exemplare verkauft, entspricht der Betrag Ihrer 5% Tantiemen jetzt dem $5000 Vorschuss, den Sie erhalten haben, und es soll sich verdient haben. Mit anderen Worten, die Verlage machten den Vorschuss zurück, und für jedes Exemplar des Buches, das über 20.000 Exemplare verkauft wurde, schuldeten die Autoren 25 Cent. Selbst wenn das Buch null Kopien verkauft, der Autor den Vorschuss behalten, aber wieder kein zusätzliches Geld, bis diese 20.000 Exemplare verkauft wurden. In Wirklichkeit basiert dieser Tantiemensatz sehr auf dem Book-Club-Massenrabatt auf Restverkäufe. Aber das ist die Grundidee. Die endgültige Option, am einfachsten zu erreichen und immer beliebter wird, ist es, einen zugänglichen Künstler zu finden, der das Werk selbst produziert und digital veröffentlicht wurde. Die Vorteile Luft größere Kontrolle über Ihre Arbeit, und wenn es Gewinne einen viel größeren Anteil von ihnen. Self Publishing Online hat so ein geringes finanzielles Risiko. Ehrlich gesagt würde ich nicht empfehlen, Geld für das Drucken physischer Kopien überhaupt auszugeben, bis Sie einen gewissen Erfolg bei der Gewinnung eines folgenden hatten . Denken Sie daran, es sei denn, Sie haben erhebliche Ressourcen, ist das Geld für Ihr erstes Projekt ausgegeben wird nicht unbedingt da für Ihre zweite sein. Werfen Sie all das Geld, das Sie in eine frühe Anstrengung haben, könnte Ihre Fähigkeit, noch einmal auf der Linie versuchen . Und es ist eine harte Strecke, weil die Konkurrenz online über steif ist. Bei so vielen verfügbaren Inhalten ist es schwierig, Aufmerksamkeit zu verdienen. Und mit so viel von den Inhalten kostenlos, ist es immer noch schwieriger, Geld in allen Bereichen der kreativen Arbeit zu verdienen. Promotion war schon immer wichtig mit einem Bücherregal, das so groß wie das Internet ist. Es ist kritisches Marketing. Ihre Arbeit ist natürlich ganz allein. Aber selbst die besten Vermarkter werden zugeben, dass es mehr Magie ist als Wissenschaft. Glück spielt eine große Rolle. Der beste Weg, um die Chancen zu verbessern, ist, auf lange Strecke zu gehen, bereit zu sein, klein zu beginnen und Ihr Publikum langsam im Laufe der Zeit aufzubauen. Denken Sie daran, viele nächtliche Erfolge sind Jahrzehnte in der Herstellung, also sind dies die drei Wege. 1 mag überlegen klingen, aber der Teufel ist immer im Detail. Während große etablierte Unternehmen mehr Kontrolle ausüben und einen größeren Anteil an den Gewinnen behalten. Sie bieten auch professionelle redaktionelle Betreuung, bewährte Vertriebssysteme und zumindest einige Einnahmen im Voraus. In ähnlicher Weise klingt die Tatsache, dass ein Buchverlag dem Schöpfer erlaubt, die Filmrechte zu behalten, wie ein besseres Geschäft, aber in der Praxis sind diese Rechte nur wert, wenn jemand bereit ist, für sie zu bezahlen. Und der Buchverlag versucht nicht aktiv, ihre konzentriert sich auf den Verkauf von Büchern zu verkaufen. der Mainstream-Comic-Verlag aktiv versucht, seine Inhalte für Filme, TV und Spielzeug zu entwickeln , haben sie wohl eine bessere Chance, Einkommen zu generieren als ein Buchverleger oder allein Schöpfer, der alleine arbeitet. Setzen Sie einfach 10% von einem $1.000.000. Es ist viel besser als 100% von nichts. Auf der anderen Seite produzierten Kevin Eastman und Peter Lad Teenage Mutant Ninja Turtles ganz alleine und wurden viele Male zu Millionären. In der Tat, früh in ihrem Erfolg, wurde ihnen ein Deal von einem Mainstream-Verlag angeboten und verweigert, da sie bereits mehr verdienen, als der Verlag angeboten. Offensichtlich für sie die richtige Entscheidung, war es für sie die richtige Entscheidung,zu einem Satz zurückzukehren, den ich in diesem Kurs oft verwendet habe. Es ist ein Balanceakt. Die richtige Entscheidung für Sie hängt von Ihren Zielen, Ihren Fähigkeiten, Ihre Ressource ist Ihr Umstand und eine Menge sorgfältiger Gedanken. Und das bringt uns zum Ende dieser Vorlesung und des Kurses. Danke fürs Zuhören. Ich hoffe, Sie haben es genossen. Aber mehr als das, ich hoffe, Sie fanden es nützlich. So oder so, lassen Sie es mich wissen. Gleichermaßen. Wenn Sie Fragen haben, mir eine Zeile in den Kommentaren, und ich werde mein Bestes tun, um zu beantworten. Zwischenzeit treffen wir uns wieder, wissen nicht wo, weiß nicht wann, aber ich weiß, dass wir uns wieder an einem sonnigen Tag treffen werden.