Bessere Melodien: Lektionen von Bäumen, Rauch, Muskeln und Wellen (Musikkomposition)

1. Kurs-Einführung: Hey, mein Name ist Jonathan Hitle. In dieser Klasse geht es darum, wie man stärkere Melodien schreiben kann. Fangen wir mit einer Frage an. Warum genau spielen einige Lieder und einige Melodien so tief bei uns? Als ich ein wenig mit dieser Frage saß, hier ist, was zu mir kam. Die meiste Zeit, wenn etwas wirklich tief mit uns Resonanz, ist, weil es imitiert oder ähnlich wie die natürliche Welt um uns herum, die Natur. Zum Beispiel, überall auf der Welt, in jeder Kultur, werden Menschen mit einem stetigen Beat zur Musik hingezogen. Wie ist das der Natur ähnlich? Nun, in unserem Körper haben wir ein Herz, das zu einem konstanten Puls schlägt, und darauf sind wir für unser Überleben angewiesen. Natürlich schwingen wir mit Dingen, die einen stetigen Beat haben. Rhythmus hält uns buchstäblich am Leben. Für diese Klasse, wenn wir in Möglichkeiten eintauchen, wie Sie stärkere Melodien schreiben können, werde ich Beispiele aus der Natur als Rahmen und einen Weg in das Material verwenden. Wir werden uns ansehen, was Bäume, Rauch, Muskeln und Wellen uns beibringen müssen, stärkere Melodien zu schreiben. Wenn das für Sie faszinierend klingt, melden Sie sich für diese Klasse an und werden tief in die Anatomie einer Melodie gelangen, die nur eine Phantasie ist, und finden Sie unsere Art, Musiktheorie zu sagen. 2. Bäume: Was müssen Bäume uns darüber beibringen, stärkere Melodien zu schreiben? Wie ich bereits erwähnt habe, resonieren wir mit Dingen, die der natürlichen Welt um uns herum ähnlich sind . Wenn Sie einen Baum betrachten, eines der markantesten Merkmale das Muster in den Zweigen. Es überrascht nicht, dass Sie das gleiche Muster in unserem Körper finden können. Dies ist ein Bild von Lungenvenen, den Blutgefäßen, die in unseren Lungen sind. Mit den beiden Ästen in deinen Adern möchte ich deine Aufmerksamkeit auf etwas Bestimmtes lenken. Sie haben eine Reihe von kleineren Mustern, die einander sehr ähnlich sind, und sie kombinieren, um eine größere Form zu bilden. und das ist genau die gleiche Struktur wie eine Melodie. Melodien haben auch eine Reihe von kleineren Mustern, die sich zu einer größeren Form kombinieren. In einer Musiktheorie haben diese spezifische Namen. Das kleinste Muster wird als Motiv bezeichnet, und Sie kombinieren diese zu einer Phrase. Arnold Schönberg, ein berühmter Komponist, definierte ein Motiv als Einheit, die eine oder mehrere Merkmale von Intervall und Rhythmus enthält , deren Präsenz im gesamten Stück beibehalten wird. Nun, das ist eine extrem akademische Definition eines Motivs. Ich werde versuchen, Ihnen eine einfachere Version zu geben. Ein Motiv ist der Baustein, aus dem man eine Melodie macht. Ähnlich wie h ow Legos haben diese sehr einfachen und schlichten Formen. Aber von ihnen können Sie eine erstaunliche Vielfalt von Dingen schaffen. Ein Motiv hat im Wesentlichen zwei Elemente, einen unverwechselbaren Rhythmus und ein Notenintervall. Um das wirklich zu verstehen, hören wir uns das wohl berühmteste Motiv aller Zeiten an. Beethovens Fünfte Symphonie ist auch so ein großartiges Beispiel, weil er das Motiv direkt in den Anfang stellt, und es ist so schlicht und so einfach, man kann wirklich sehen, die Magie, die er schafft, was dieses Stück. Wenn wir uns dieses Motiv genauer ansehen, können Sie die beiden Elemente sehen. Wir haben den Rhythmus und wir haben das Intervall. Hören wir uns an, wie er dieses Motiv nimmt und es in eine Phrase verwandelt, und genau dort hat er schon etwas Bedeutendes mit diesem Motiv gemacht. Er hat es wiederholt, aber er hat es auf eine andere Note verschoben, und das hat das Intervall hier von Major Third auf ein kleines Drittel geändert, und das ist die Essenz der melodischen Entwicklung. Du nimmst ein Motiv und änderst es auf subtile Weise. Lassen Sie uns das jetzt noch einmal anhören. In diesem nächsten Abschnitt hält er den rhythmischen Teil des Motivs konsistent. Aber er fängt wirklich an, mit der Variation in den Notenintervallen zu spielen. Wir haben ein großes Drittel, eine kleine Sekunde, ein kleines Drittel, ein perfektes Viertes, und Sie können es hier nicht wirklich sehen, aber es ist eine weitere kleine Sekunde. Hören wir uns an, wie sich das anhört. Lassen Sie uns Beethoven inspirieren, und wir bauen unsere eigene Melodie, aber machen sie ein wenig zeitgenössischer. Ich werde absichtlich eine Melodie erstellen, die sehr einfach und einfach ist, vor allem weil ich möchte, dass Sie das Motiv und die Entwicklung sehr deutlich sehen können . Ich habe eine grundlegende Melodie erstellt, mit der wir arbeiten können. Lass uns zuerst zuhören und dann werde ich es für dich zusammenbrechen. Zur Erinnerung: Wir versuchen nicht, die beste Melodie aller Zeiten zu kreieren. Lassen Sie sich nicht davon abgelenkt, ob Ihnen diese Melodie gefallen hat oder nicht. Wir verwenden es als Illustration, um den Prozess der melodischen Entwicklung zu verstehen, etwas, das man mit jeder melodischen Idee tun kann. In dieser Melodie haben Sie vielleicht bemerkt, dass es zwei primäre Motive gibt. Da ist diese Idee, die noch zwei Mal wiederholt wird, und da ist diese Idee. Man könnte sogar argumentieren, dass das zweite Motiv wirklich kein neues Motiv ist. Es ist wirklich nur eine Entwicklung der ersten, die dieses Intervall hier verwendet, immer und immer wieder. Beginnen wir unsere Entwicklung mit der Arbeit an dem ersten Motiv, und ich werde Sie durch den gleichen Prozess führen , den ich durchmache, wenn ich an Melodien arbeite und Ideen entwickle. Ich nehme diese anfängliche melodische Idee, das Motiv und drehe sie um einen Versuch herum. Unterschiedliche Dinge. Manchmal fühlt sich ein bisschen wie ein Tetris-Spiel an. Fangen wir mit dem ersten Motiv an. Gib ihm noch mal zuhören. Eines der ersten Dinge, die ich tun könnte, ist, es einfach umzudrehen und es rückwärts zu spielen. Es ist kein wahrer Rückwärtsgang, wo ich auch den Rhythmus umkehre. In diesem Beispiel halte ich den Rhythmus gleich. Ich ändere nur die Notizen, und dann stelle ich sie vielleicht auf den Kopf. Auch hier ändern wir nicht den Rhythmus, wir ändern nur die Notenanordnung. Wir könnten versuchen, es zu bewegen, um mit einer anderen Note zu beginnen, und was ich hier tue, ist nur zu versuchen, zu sehen ob es eine andere Art, dieses Motiv zu verdrehen, die ich besser mag. Ähnlich wie bei der Bearbeitung eines Satzes, den Sie vielleicht schreiben. Zum Beispiel, wenn Sie zu hart versuchen, kann es nach hinten losgehen. Es kann nach hinten losgehen, wenn Sie es zu hart versuchen. Versuchen Sie es nicht so schwer. Wenn Sie Sätze wie diese neu schreiben, versuchen Sie zu sehen, ob es eine direktere Möglichkeit gibt zu sagen, was Sie zu sagen versuchen, und dasselbe gilt für Musik, wenn Sie daran gearbeitet haben , Ihre Motive oder Ihre Sätze neu zu schreiben. Nun, machen wir das Gleiche mit dem zweiten Motiv. Hören Sie, es ist wieder, und wir können das hier auf den Kopf stellen. Oder probieren Sie es auf einer anderen Notiz aus. Nun, da wir diese beiden Motive genommen haben und mit ihnen gespielt haben, wie Tetris ihn umdrehte, lassen Sie uns einige von ihnen kombinieren, um einige Variationen über diese ganze Melodie zu machen. Wir nehmen das erste Motiv, das wir rückwärts drehen, und kombinieren das mit dem zweiten Motiv unverändert. Ich mag auch, dass wir das erste Motiv auf den Kopf stellen können, und wir werden das mit dem zweiten Motiv kombinieren, das zu einer anderen Note bewegt wurde. Wie wäre es nun, wenn wir das erste Motiv auf eine andere Note verschoben haben und das mit dem zweiten Motiv auch zu einer anderen Note kombinieren? Jetzt können wir auch anfangen, es noch mehr zu ändern. Nimm das zweite Motiv, wir setzen es am Anfang, wiederholen es und fügen dann das erste Motiv auf den Kopf gekippt hinzu. Wie Sie vielleicht anfangen zu sehen, könnten wir das noch eine Weile länger tun, und das ist nur eine sehr einfache Melodie mit zwei Motiven. Manchmal bekommt man eine Idee und die Melodie direkt aus der Box ist großartig. Sie brauchen es nicht weiterzuentwickeln. Aber wenn Sie jemand sind, der wirklich stärkere Melodien schreiben möchte, ist diese Praxis, wie Sie zu Ihrer besten Arbeit kommen, indem viele Variationen Ihrer Idee erstellen und dann die stärkste auswählen. Am Anfang dieses Kapitels haben wir uns angesehen, was Bäume uns über das Schreiben stärkerer Melodien beibringen müssen, und das Wesen davon ist Muster, und Motive sind die Muster, die Sie verwenden können, um Melodien zu erstellen. In diesem nächsten Kapitel werden wir uns ansehen, was Rauch hat, um uns über die Verwendung des Elements der Überraschung beizubringen . 3. Rauch: Nun, was hat uns Rauch über das Schreiben stärkerer Melodien beizubringen? Wieder einmal werde ich vorschlagen, dass wir mit Kunst, die der Natur ähnlich ist, Resonanz finden. Wenn man sich Rauch anschaut, denke ich, das entscheidende Merkmal ist die Turbulenz, die nicht nur im Rauch, sondern im Feuer und im Wasser zu finden ist. Ich denke, was turbulente so attraktiv für uns ist, dass es ein Element der Überraschung gibt , es ist visuell unberechenbar. Es gibt diese Balance zwischen Ordnung und Chaos, zwischen Muster und Überraschung. Wenn man sich den Rauchfluss anschaut, gibt es zwei Hauptteile. Da ist das Laminar und die Turbulenzen. Es gibt eine Reihe von Einflussfaktoren , die bestimmen, wie lange dieses Laminar dauern wird , bevor es sich in Turbulenzen dreht und wie intensiv diese Turbulenz sein wird. Nun, wie bezieht sich das auf das Schreiben von Melodien? Melodien haben auch eine laminare Strömung und Turbulenz. Der laminare Fluss ist, wie viel Wiederholung Sie in Bezug auf Ihre Motive verwenden werden. Die Turbulenz ist, wie viel Veränderung und Überraschung, die in die Phrase eingeführt werden wird. Denn wenn man Musik schreibt, versucht man immer, Ordnung und Chaos, Muster und Überraschung auszugleichen. Lassen Sie uns einige Beispiele hören, damit Sie hören können, wenn ich spreche, und das wird nicht nur zu einer abstrakten Illustration. Ich werde euch diejenigen zeigen, von dem, was ich auf dem äußersten Extrem zwischen viel Turbulenz in der Melodie oder sehr wenig halten würde . Ich denke, ein gutes Beispiel für eine Low Turbulence Melodie Linie wäre Twist and Shout von den Beatles. [ unhörbar] Der Song läuft im Wesentlichen auf zwei einfache Motive mit etwas Verzierung aus. Man könnte sogar sagen, es ist nur ein Motiv, das auf den Kopf gestellt und wiederholt wird, um die Entwicklung, über die wir im letzten Kapitel gesprochen haben. Ich denke, ein großartiges Beispiel eine hohe Turbulenz-Melodie wäre alles von Arnold Schönberg. Die meisten Stücke, die er schrieb, waren atonal, was bedeutet, dass sie nicht an einem bestimmten Schlüssel existieren. Beachten Sie, wie diese Melodie-Linie über den ganzen Ort geht und sich wirklich nie wiederholt. Nun, trotz der Tatsache, dass diese beiden Beispiele aus völlig unterschiedlichen Genres stammen und dass Popmusik in den Melodie-Linien viel mehr Wiederholung und Einfachheit hat als klassische Musik. Die Balance, die Sie in Ihrer eigenen Melodie Linien zwischen Ordnung und Chaos finden Ihrer eigenen Melodie Linien zwischen Ordnung und und wie viel Turbulenz Sie einführen möchten, wird es Batch Ihren eigenen Geschmack und Vorliebe sein. Gehen wir zurück zu der Melodie-Linie, die ich im letzten Kapitel verwendet habe , um zu veranschaulichen, wie man ein Motiv entwickelt. Trotz der Tatsache, dass dies eine wirklich einfache und einfache Melodie ist, denke ich, Sie können helfen, zeigen, wie Sie mit Turbulenzen spielen können , um Ihre Melodie weiter zu entwickeln. Lassen Sie uns als Auffrischung dieses melodischen Phrase nochmals hören. Wir hatten zwei Motive. Hier ist der erste, und hier ist der zweite. Wenn wir nun diese Melodie auf der Skala zwischen hoher und niedriger Turbulenz analysieren würden, würde ich dies definitiv auf das Low End setzen. Es gibt eine enorme Menge an Wiederholungen hier. Das erste Motiv wiederholt sich dreimal hintereinander. Lassen Sie uns nun experimentieren, um dieser Melodie-Linie noch mehr Turbulenzen hinzuzufügen. Wenn Sie nur ein wenig hinzufügen möchten, können Sie Folgendes tun. Sie könnten das erste Motiv ein paar Mal wiederholen und dann einfach das dritte Motiv ändern, indem Sie es auf eine neue Note verschieben. Nehmen wir an, wir wollten das noch weiter gehen und mehr Turbulenzen hinzufügen. Eine Möglichkeit, dies zu tun, besteht darin, größere Änderungen am Motiv vorzunehmen. Wir könnten das tun, indem wir dieses erste Intervall ausdehnen, wenn wir es wiederholen, was es weniger vorhersehbar machen würde. Dann ändern Sie dieses Intervall hier von einer Sekunde auf die dritte für ein wenig Überraschung. Nun, obwohl wir dem Intervall einige Turbulenzen hinzugefügt haben, blieb dieser Teil des Motivs ziemlich konsistent und vorhersehbar. Wenn Sie dieser Melodie-Linie noch mehr Turbulenzen hinzufügen möchten, müssen wir die Dinge noch weiter strecken und die Menge an Wiederholungen reduzieren , damit wir sie unberechenbar machen können. Eine Möglichkeit, dies zu tun, wäre, auf dem letzten Beispiel aufzubauen, wo wir dieses anfängliche Intervall genommen und ausgestreckt haben. Wir könnten sogar versuchen, es abzuschneiden oder dieses ganze Motiv zu verkürzen, indem wir eine der Noten weglassen. Wir haben das definitiv viel komplexer gemacht, wir haben einige der Wiederholungen entfernt, wir haben Turbulenzen hinzugefügt. Ich frage mich, ob wir es noch weiter machen könnten. Um das zu tun, müssen wir die Dinge wahrscheinlich noch mehr aufrütteln. Lasst uns mit diesem Motiv spielen, wir machen es noch kürzer, nur auf zwei Noten und strecken den Rhythmus aus. Dann nehmen Sie diese beiden Noten und wiederholen Sie sie, was fast ein drittes Motiv erzeugt. Wie ich bereits erwähnt habe, ist dies eine ziemlich einfache Melodie-Zeile , die ich nur für die Zwecke dieser Illustration erstellt habe. Sie könnten einfach anfangen zu erkennen, dass wir sogar noch viel weiter gehen können, wir arbeiten nur mit dem ersten Motiv und wir haben nicht einmal das zweite angefasst. Sie haben vielleicht eine Version gehört, die Ihnen besser gefallen hat, und es kommt wirklich auf den Vorzug. Was wichtiger ist und was ich hoffe, dass Sie davon wegnehmen , ist, dass Sie einige Techniken lernen, um Ihre melodischen Ideen zu nehmen, egal in welchem Stil und in welchem Genre Sie schreiben, und dann zu sehen, ob es einen Weg gibt, es weiter zu entwickeln. Dann suchen Sie nach Möglichkeiten, mit denen Sie entweder die Menge an Turbulenzen zurückskalieren oder sie nach Geschmack erhöhen können. Nun gehen wir zum nächsten Kapitel über Muskeln. 4. Muskeln – Teil 1: Was haben Muskeln, um uns darüber beizubringen, stärkere Melodien zu schreiben? Wieder einmal werde ich vorschlagen, dass wir auf Dinge reagieren , die der natürlichen Welt um uns herum ähnlich sind. Muskeln spielen natürlich eine sehr wichtige Rolle bei jeder Bewegung und Aktion, die wir ergreifen. Die Grundlagen der Funktionsweise eines Muskels sind Spannung und Entspannung. Sagen Sie, Bewegung und Balance zu schaffen, Spannung und Entspannung ist auch der Schlüssel zum Schreiben von Musik. Aber im Gegensatz zu einem Muskel , der nur wirklich eine Möglichkeit hat, Spannung aufzubauen, die durch Kontraktion ist, kann man Spannung in der Musik auf verschiedene Arten aufbauen. Die wichtigste ist die Verwendung Dissonanz, die in Form von harmonischer oder rhythmischer Dissonanz kommen kann. Wiederholung und Tonhöhe sind andere Möglichkeiten, wie man Spannung und eine Melodie-Linie aufbauen kann. Schauen wir uns zuerst Dissonanz an, aber bevor wir das tun, denke ich, es ist wichtig zu beachten, dass Dissonanz ziemlich relativ ist. Was in der Bach-Zeit als Dissonanz betrachtet wird, ist für das, was in der Popmusik oder gar der zeitgenössischen klassischen Musik dissonant betrachtet wird, ganz anders . Geschweige denn, wenn wir uns entschlossen haben, imMittelalter oder in verschiedenen Kulturen wie in der indischen Musik inDissonanz Mittelalter oder in verschiedenen Kulturen wie in der indischen Musik in zu geraten, weil die harmonische Struktur damals oder in diesen Kulturen so anders ist als die westliche Musik. Für die Zwecke dieser Klasse wir uns auf westliche Musik in der traditionellen Musiktheorie konzentrieren. Man kann erst anfangen, Dissonanz zu verstehen, wenn man Konsonanten versteht. Konsonanten in der westlichen Musik, basiert auf dem Fundament eines Akkord. Falls du nicht weißt, was ein Akkord ist oder eine schnelle Auffrischung benötigst, nehme ich 20 Sekunden hier, um ihn zu definieren. Ein Akkord besteht aus drei Noten und zwei Intervallen; das Intervall von einem Fünften und dann von einem Drittel. Wenn es ein großer Akkord ist, wird es ein großes Drittel in der Mitte haben, was so klingt, und wenn es ein kleiner Akkord ist, wird es ein kleines Drittel in der Mitte haben, was so klingt. In den meisten westlichen Musik wird die Melodie gegen die Akkordprogression gesetzt. Wenn die Noten Ihrer Melodie perfekt mit dem Akkord übereinstimmen, der darunter gesetzt ist, werden Sie eher einen konsonanten Klang haben. Wenn dies zum Beispiel ein Akkord ist, den Sie in Ihrem Song verwenden, ist dies ein C-Dur-Akkord mit C, E und G Wenn Ihre Melodie-Linie auf eine dieser drei Noten fällt, wird es konsonant klingen. Wenn die Noten Ihrer Melodie außerhalb dieser drei Noten in Ihrem Akkord fallen, wird es dissonant klingen. Wie wir im letzten Kapitel besprochen haben, kann Ihre Melodie-Linie auf das Spektrum zwischen hoher und niedriger Dissonanz fallen. Ein gutes Beispiel für einen Song, der geringe harmonische Dissonanz hat, ist wieder Twist and Shout. Bevor wir zuhören, lass mich erklären, was wir hier sehen. Die blauen Noten sind die Melodie-Linie und die orangefarbenen Noten sind die Akkorde. Wenn sich hier die blauen Noten und die orangefarbenen Noten überlappen, sind dies die Momente, in denen Sie sich entspannter oder konsonanter fühlen werden. Wenn sie sich nicht überlappen, wird es harmonische Dissonanz oder Spannung erzeugen. Im Song könnte man bemerken, dass es wirklich nur diese eine Note ist , die sich nicht mit den Akkorden ausrichtet, aber die Spärlichkeit gegenüberstellt, ist die Tatsache, dass sie mit dieser Note beginnen und sie sich durch die ganze Phrase darauf lehnt. Wenn wir uns das nochmals anhören, möchte ich, dass Sie bemerken, wie sich diese Notiz im Vergleich zu den anderen anfühlt. Genau wie bei Ihren Muskeln ist Verspannungen nie nachhaltig. Es wird immer einen Zug geben, um von Spannung zur Entspannung zu gehen , und das Gleiche gilt für Musik. Jede Art von Dissonanz will immer eine Lösung finden. In Twist and Shout zieht diese dissonante Note zur nächsten Note. In diesem Muster von Spannung und Entspannung und dieses Motiv ist, was ich denke, ist das prägende Merkmal Twist and Shout. Wenn wir Ihnen ein Beispiel für ein Stück mit hoher harmonischer Dissonanz geben, könnten wir leicht zu diesem Stück von Schönberg zurückkommen , weil er nicht einmal wirklich Akkordprogressionen verwendet. So ziemlich jede Note wird angespannt und dissonant sein. Kommen wir zurück zu der Melodie-Linie, die ich für diese Klasse geschrieben habe, und wir analysieren das im Kontext der harmonischen Dissonanz. Wenn wir das auf unser Spektrum von hoher oder niedriger Dissonanz setzen würden, würde ich es wahrscheinlich irgendwo in der Mitte setzen. Hier ist die ursprüngliche Melodie-Linie, die in blau ist, und die Schnüre sind in Orange. Nun, wenn wir einen Mittelpunkt für diese Melodie-Linie definieren würden, denke ich, es müsste diese Note E sein und nicht nur, weil wir sie mehr wiederholen als jede andere Note, obwohl wir sie sieben Mal in diesem Satz hören, sondern auch, weil sich unsere Phrase ständig um diese Note dreht darunter oder darüber driftet. Da diese Note unseren Schwerpunkt bildet und die meiste Zeit mit den darunter liegenden Akkorden ausrichtet, außer hier, wird unsere gesamte Phrase einen Gesamtton haben, sehr konsonant und harmonisch mit den darunter liegenden Akkorden zu sein. In diesem Sinne hören wir uns das noch einmal an. Wenn wir uns ansehen, wie Spannung und Entspannung eine Rolle dabei spielen, wie sich diese Melodie anfühlt, dann ist wahrscheinlich diese dissonante Note hier das prägende Merkmal. Fühlst du diese Spannung genau da und die Auflösung? heißt, der einzige Grund, warum diese Note dissonant ist, ist, weil sie nicht mit der ursprünglichen Akkordprogression ausgerichtet ist, die ich für dieses Stück gewählt habe. Wenn ich die Akkordprogression ändern würde, würde es ändern, welche Noten dissonant waren. Um meinen Punkt zu veranschaulichen, lasst uns damit ein wenig spielen und eine Version machen , in der wir alle harmonischen Spannungen beseitigen. Ich werde die gleiche Melodie-Linie verwenden, aber ich werde nur die Akkordstruktur ändern , so dass alle Noten der Melodie-Linie mit den Akkorden darunter liegen. Hier ist unsere Melodie-Linie. Ich habe die Akkorde geändert, um keine harmonische Dissonanz zu schaffen. Wenn man sich diese Noten anschaut, sieht man, dass sich die Melodie und die Akkorde zu 100 Prozent überlappen. Lasst uns hören, wie das klingt. Nachdem Sie sich das angehört haben, können Sie das Gefühl haben, dass Sie diese Version am besten mögen. Was sind gute Informationen über Ihre eigenen Vorlieben zu haben. Dass Sie es vorziehen, viel weniger Dissonanz oder Spannung zu geben. Nun lasst uns eine andere Version machen, die im Grunde alle Dissonanz ist. Wir werden unsere gleiche Melodie-Linie verwenden, aber ich werde die Akkorde ändern, um die Menge an harmonischer Spannung zu erhöhen. Hier ist wieder unsere Melodie-Linie und hier ist die neue Akkord-Progression. Beachten Sie, wie viele Noten sich nicht mit den Akkorden ausrichten. Es gibt ein paar Notizen, die sich überschneiden. Ich wollte, dass unser Beispiel mindestens so musikalisch wie möglich klingt. Versuchen Sie, etwas klingen zu machen 100 Prozent dissonant ist nicht wirklich so schwierig zu tun. Ich könnte einfach ein paar zufällige Akkorde auswählen und sie dort hineinwerfen, aber noch einmal wollte ich Ihnen ein musikalischeres Beispiel geben. Bevor wir uns das anhören, möchte ich Ihre Aufmerksamkeit auf eine weitere Sache lenken. Wir haben bereits darüber gesprochen, wie diese E-Note hier der Schwerpunkt für diesen Satz ist. Mit unserem neuen Akkordfortschritt sich keine dieser Noten mit dem darunter liegenden Akkord , der den ganzen Satz dissonanter anfühlt. Während diese Note hier die dissonante Note im Original war, mit der neuen Akkordprogression, sind dies nun die dissonanten Noten. Lassen Sie uns hören, wie sich das anhört. Nun, da Sie diese Version gehört haben, fühlen Sie sich vielleicht wie diese eine der beste, aber der Punkt, den ich versuche zu machen und den Sie mich immer wieder sagen hören werden, ist, dass die Menge an Spannung, die Sie verwenden, kommt nach unten, um zu schmecken. Der Schlüssel hier ist zu verstehen, wie harmonische Dissonanz als Werkzeug dient, um Spannungen zu erzeugen. Als nächstes werden wir über rhythmische Dissonanz sprechen. Der musikalische Theoriebegriff dafür ist Synkopation. Wie ich bereits erwähnt habe, wie es bei westlicher Musik um eine Melodie gegen eine Akkordprogression geht, zentriert sie sich auch rhythmisch um einen stetigen Beat. Rhythmische Dissonanz oder Synkopation tritt auf, wenn Sie eine Note haben, die vom Beat versetzt ist. Um dies zu veranschaulichen, lassen Sie uns diese sehr einfache Melodie-Linie verwenden. Die erste Iteration wird überhaupt keine Synkopation haben. In diesem einfachen Beispiel jede Note der Melodie perfekt zum Beat an. Um es synkopiert zu machen, müssen wir diese Noten einfach überschieben, damit sie spät kommen oder so, dass sie früh kommen und hier ist, wie diese klingen. Sie haben vielleicht bemerkt, dass diese einander ziemlich ähnlich sind. Zu meinen Ohren, wenn man den Beat springt oder wenn man früh kommt, ist es ein bisschen aggressiver, die Synkopation ist ausgeprägter. Wenn du nach dem Beat kommst, fühle ich mich, dass es ein bisschen entspannter ist, was Sinn macht, weil du die Änderung erst nach dem Beat machst. Ich denke, es ist auch wichtig zu beachten, dass rhythmische Dissonanz und harmonische Dissonanz oft zusammengehen. Synkopation ist eine der wichtigsten Möglichkeiten, um harmonische Dissonanz zu schaffen. Kehren wir zu unserer Melodie zurück, um dies zu veranschaulichen und lassen Sie uns unsere melodische Linie noch weiter bewegen, was die harmonische Dissonanz an diesen beiden Spots noch deutlicher macht. Weil wir diese Noten jetzt noch weiter in einen Bereich ausdehnen , in dem sie sich nicht mit den Akkorden ausrichten. Hören Sie näher an, wie dies die Dissonanz und diese Bereiche erhöht. Nur zum Spaß, lassen Sie uns dies noch weiter ausdehnen, um dies noch mehr zu betonen. Wie ich schon gesagt habe, kommt viel davon auf den Geschmack. Der Zweck dieser Illustrationen ist einfach, Ihnen einige Ideen zu geben, wie Sie Synkopation verwenden können , um rhythmische Betonung und auch harmonische Dissonanz zu schaffen. Eine andere Möglichkeit, Spannungen in der Musik aufzubauen, ist durch Wiederholung, die entweder harmonische Wiederholung oder rhythmische Wiederholung sein kann . Normalerweise ist es ein bisschen von beidem. Immer wenn Sie etwas wiederholen, erzeugt es Spannung. Immer wenn Sie etwas wiederholen, erzeugt es Spannung. Denn die Zuhörer fragen sich, wann Sie aufhören werden oder wann sich etwas ändern wird. Die Erwartung ist, dass es eine Art Lohn geben wird. Ich denke, ein gutes Beispiel, das ist der Song von Katy Perry , der auch eine wirklich starke Synkopation darin hat. Lasst uns zuerst zuhören, dann besprechen. Ich sagte Ihnen, es hatte eine Menge Wiederholung darin, das Hauptmotiv spielt sechs Mal. Ich jetzt gibt es das eine Mal in der Mitte, wo es sich ein winziges bisschen verändert , aber es ist im Grunde das gleiche Motiv. Wiederholung ist in gewisser Weise wie eine Folie zu Turbulenzen. Denn um mehr Turbulenzen zu bekommen, kann man nicht so viel Wiederholung haben, aber wenn man mehr Wiederholungen hinzufügt, wird man die Turbulenzen reduzieren. Denn dieser Song wäre definitiv am unteren Ende der turbulenten Skala, aber das bedeutet nicht, dass er langweilig ist. Denn ironischerweise, wenn man etwas lange genug wiederholt, erhöht es tatsächlich die Erwartung, dass sich etwas ändern wird. Was in diesem Song kommt in diesem Moment genau hier. Wenn die Synkopation endet und es beginnt direkt auf dem Beat und die Phrase geht nach oben. Das steht im direkten Gegensatz dazu, wie das Hauptmotiv synkopiert wurde und abging. Mit all dem im Sinn, hören wir uns das noch ein Mal an. Sie haben vielleicht bemerkt, dass diese Technik, die immer wieder ein Motiv wiederholt, was am Ende zu einer großen Veränderung führt, dieselbe ist, die ich in dieser ursprünglichen Melodie-Linie verwendet habe. Wiederholen Sie dieses Motiv mehrmals, bevor wir es am Ende ändern. Der letzte Weg, um mit Spannung und Entspannung in Ihren Melodie-Linien zu spielen , ist das Ändern der Tonhöhe. Wenn eine Tonhöhe steigt, führt sie zu Spannung und wenn sie senkt, verringert sie die Spannung. Dies wird am einfachsten auf jedem Streichinstrument illustriert einschließlich Ihrer Stimme, die mit vibrierenden Stimmbändern zu tun hat. Um die Tonhöhe zu erhöhen, müssen Sie die Spannung der Saite erhöhen und dies erzeugt schnellere Vibrationen, so dass Sie buchstäblich die Zunahme der Spannung hören können. Wahrscheinlich das Klischee-Beispiel, dies ist der steigende Saitensound in Horrorfilmen. Der Punkt hier ist, dass, wenn die Tonhöhe steigt, es wird die Spannung erhöhen, egal ob das plötzlich oder schrittweise geschieht. Um dies zu veranschaulichen, lassen Sie uns einige der Variationen, die wir zu den Melodie-Linien im letzten Kapitel über Rauch gemacht haben, nochmals besuchen . Wo wir wirklich angefangen haben, das Motiv über seine ursprüngliche Form hinaus zu dehnen , nahmen wir dieses Intervall hier, und wir haben es an diesen beiden Stellen vergrößert. Was die Wiederholung dieses Motivs intensiver macht, während wir zusätzlich zu der gesamten Phrase gehen, die hier bis zu diesem Punkt geht. Hören wir uns diesen Abschnitt an und ich möchte wirklich, dass Sie darauf achten , wie sich die Tonhöhe auf die Spannung auswirkt. Wir haben uns angeschaut, was uns deine Muskeln über das Schreiben stärkerer Melodien beibringen , und das geht um Spannung und Entspannung. Wir haben uns jede dieser Möglichkeiten angesehen, wie Sie die Spannung in Ihrer Musik erhöhen können, indem Sie Dissonanz entweder harmonisch oder rhythmisch verwenden, indem Sie Wiederholung verwenden und auch die Tonhöhe manipulieren. Aber es gibt noch eine Sache, die Muskeln uns darüber beibringen müssen, stärkere Melodien zu schreiben , und wir werden darüber in Teil 2 sprechen. 5. Muskeln – Teil 2: Es gibt noch ein Element an Muskeln, das etwas Einzigartiges hat, das uns über das Schreiben stärkerer Melodien beibringt. Um dies zu entdecken, lassen Sie uns ein wenig tiefer in die Skelettmuskulatur graben, die Muskeln, die unsere Knochen bewegen. Wir werden feststellen, dass Sie im Grunde zwei Arten von Muskelfasern haben, schnelle zuckende Fasern und langsame zuckende Fasern. Schnelle zuckende Fasern sind leistungsfähiger, da für schnelle Bewegungen, aber sie ermüden leicht und sie sind eher für Aktivitäten wie Sprinten oder Gewichtheben. Langsame zuckende Fasern dagegen sind weniger leistungsfähig für stabilere Bewegungen, aber sie ermüden nicht so schnell, und sie werden mehr in Aktivitäten wie Gehen verwendet. Was hat das mit dem Schreiben von Melodien zu tun? Nun, so wie diese Muskelfasern nicht gleich sind und sie Spannung für verschiedene Zwecke verwenden, in ähnlicher Weise, wie Sie Spannung in Ihren Melodie-Linien verwenden könnten , ist auch nicht notwendigerweise gleich. Zum Beispiel könnten Sie harmonische Dissonanz in einer Weise verwenden, die wirklich mächtig ist, aber wie schnelle zuckende Muskeln, wenn Sie das tun, wird es sehr schnell ermüden. Hier ist, was ich damit meine, wenn wir zu dieser Melodie zurückkehren und uns diese eine dissonante Note genauer ansehen, spüren Sie diese Spannung genau dort? Wenn du das weiter machst, wirst du das sehr schnell ermüden. Auf der anderen Seite, wenn Sie harmonische Dissonanz verwenden, die etwas milder und nicht ganz so schwerwiegend war, könnten Sie sie für einen längeren Zeitraum fortsetzen und ihre Wirkung wäre subtiler. Um zu veranschaulichen, dass wir zu dieser Melodie zurückkehren können, und wir ändern die Akkordprogression, um sie dissonanter zu machen. Dies war unsere wichtigste dissonante Note, die das meiste Gewicht hielt. Gegen diese Akkordprogression ist die Dissonanz viel milder. [ unhörbar] Es ist definitiv dissonant, aber es ist eine Dissonanz, die noch ein bisschen länger weitergehen könnte, was es in dieser Version getan hat. Hören Sie noch einmal, wie diese Dissonanz einen Gesamtton der Dissonanz geschaffen hat , ohne zu ermüdend zu werden. [ unhörbar] Lassen Sie mich diese noch einmal vergleichen , um den Punkt zu betonen. Wenn Sie eine Technik verwenden, um mehr Spannung hinzuzufügen, wenn Sie eine mildere Version davon verwenden, können Sie sie öfter für einen subtileren Effekt verwenden, und wenn Sie mehr Spannung verwenden, dann möchten Sie es vielleicht sparsam verwenden, weil es könnte ziemlich schnell davon ermüden. Dieses Konzept gilt nicht nur für harmonische Dissonanz, sondern für jede dieser Möglichkeiten, wie Sie Spannung erzeugen können. Jetzt denke ich, dass es noch eine Einsicht gibt, die wir aus Muskelfasern ziehen können , die uns helfen, wenn wir Melodie-Linien schreiben. Das ist diese interessante Tatsache, dass diese schnellen zuckenden Muskelfasern und die langsamen zuckenden Muskelfasern nicht getrennt sind. Sie existieren innerhalb desselben Muskels. Wie das mit dem Schreiben besserer Melodien zusammenhängt, ist, dass diese zwei verschiedenen Arten von Spannung, eine, die ein bisschen intensiver wird, aber schnell Reifen, die andere, die subtiler ist, die Sie für Lichteffekte verwenden können, dass beide Dinge innerhalb der gleichen melodischen Phrase auftreten können. Sie müssen weder eine Situation noch eine Situation sein. Um zu veranschaulichen, wie diese in der gleichen Phrase nebeneinander existieren können, schauen wir uns speziell auf die Tonhöhe für ein Beispiel an. Wir haben darüber bereits im ersten Teil darüber gesprochen , wie diese Intervalle hier ein größerer Sprung sind und dass Spannungen hinzufügte, aber auch, wie die Bewegung der gesamten Phrase anstieg, was Spannungen hinzufügte. Dies ist wirklich leicht zu erkennen, wenn wir versuchen, die Tonhöhe zu erhöhen und zu senken, um Spannung hinzuzufügen oder zu subtrahieren, da Sie sich die Tonhöhe zu erhöhen und zu senken, um Spannung hinzuzufügen oder zu subtrahieren, durch einen großen Sprung nach oben bewegen können. [ unhörbar]. Oder Sie können es nach und nach tun. [ unhörbar]. Größere Sprünge sind wie die schnellen Zuckmuskeln, sie werden einen dramatischeren Einfluss haben, aber Sie werden es schneller ermüden, während das Anheben und Absenken der Tonhöhe in der gesamten Phrase durch einen Sprung passieren kann, oder es kann auch passieren, wenn Sie auf sehr stufenweise Weise von einer Note zur nächsten wechseln. Schritt für Schritt zu gehen, wird viel subtiler sein. Es ist wie die langsamen zuckenden Muskeln. Du läufst dich einfach rauf oder spazierst dir einen Weg runter. Der Schlüssel ist, dass beide Dinge gleichzeitig passieren können, und das bedeutet, dass sie manchmal unabhängig voneinander arbeiten können. In diesem ersten Beispiel, das wir uns angeschaut haben, die Sprünge und die allgemeine Bewegung der Phrase arbeiten die Sprünge und die allgemeine Bewegung der Phrase nach oben zusammen, um Spannungen hinzuzufügen. In einer der anderen melodischen Variationen, die wir im letzten Kapitel erstellt haben, springt die Richtung der Phrase hier sehr schnell hoch, unterstützt durch diesen sehr großen Sprung hier, und dann verjüngt sie sich im Grunde sehr schrittweise nach unten Art und Weise, außer dass es diesen großen Sprung hier in der Mitte gibt. Dies fügt einer Phrase ein bisschen eine Wendung oder einen Ruck hinzu, die sonst nur von diesem Gipfel in einer sehr allmählichen Art und Weise in einen entspannteren Zustand schlängeln würde. wir das wieder spielen, möchte ich, dass Sie dem Zusammenspiel dieser beiden Arten von Spannung zuhören , und wie sie arbeiten, manchmal zusammen und manchmal gegeneinander gegeneinander [unhörbar ]. Nun, es gibt unzählige weitere musikalische Beispiele, die wir verwenden könnten, um dies zu veranschaulichen, aber hoffentlich bekommen Sie die Idee, dass dieses Konzept von Spannung und Entspannung eine weitere Ebene gibt . Es geht nicht nur um die Anwendung dieser Techniken, die wir bereits besprochen haben. Der Grad, in dem Sie sie anwenden, ist auch sehr wichtig. Wir haben gerade viel Zeit damit verbracht, darüber zu reden, was zwei Muskeln uns beibringen müssen, stärkere Melodien zu schreiben. gehört, dass Spannung und Entspannung ein so wichtiger Bestandteil der Musik sind, denn genau wie im Leben, wie Muskeln hinter unseren Bewegungen stehen, Spannung und Entspannung sind, wie wir Drama und Bewegung in unserer Musik bekommen. Aber wir werden zu unserem letzten Kapitel über Wellen übergehen. 6. Wellen – Teil 1: Nun, was haben Wellen, um uns zu lehren, stärkere Melodien zu schreiben? Nun, du hast mich das schon mal sagen hören, aber ich werde es nochmal sagen, dass ich denke, dass wir mit Dingen in Resonanz treten, die der natürlichen Welt um uns herum ähnlich sind. Während es viele verschiedene Arten von Wellen gibt, ist der Ozean das, was ich zuerst denke, wenn wir über Wellen sprechen. Der Ozean ist ausgiebig romantisiert, und es gibt sicherlich viele Wellen am Meer, besonders an der Küste, aber wenn wir die Frage stellen, warum der Ozean so romantisiert ist, sollten wir tiefer schauen als einfach nur zu sagen: „Es ist schön.“ Was ich denke, ist charakteristisch über das Muster der Meereswellen an der Küste, ist die Tatsache, dass sie ständig überlappen miteinander. Einer geht rein, während ein anderer herauskommt, sie wirbeln herum, eine Welle stürzt in eine andere, und es gibt eine Komplexität, die ich persönlich stundenlang beobachten könnte. Du denkst vielleicht, das ist wunderbar, aber was hat das, um uns zu lehren, stärkere Melodien zu schreiben? Nun, ich denke, das musikalische Äquivalent hier ist Kontrapunkt. Kontrapunkt ist alles über sich überlappende Melodie-Linien, und während es nicht oft in der modernen Popmusik verwendet wird, kann man es leicht im Musiktheater finden. Dieser Mann, der sicher mein Verbrechen kennt, wird sicherlich ein zweites Mal kommen, eines Tages mehr. Ich habe keine Welten weggelassen. Was es so einfach macht, Kontrapunkt im Musiktheater zu unterscheiden , ist, dass Sie verschiedene Charaktere haben, die diese Teile singen. Einen Tag mehr. Morgen wirst du Welten weg sein. Okay, halten Sie eine Minute. Was wir gerade gehört haben, dieser Teil hier. „ Morgen wirst du Welten weg sein. Ist Harmonie, und das ist nicht das Gleiche wie Kontrapunkt. Harmony ist, wenn man eine melodische Linie hat, die von zwei Personen gesungen oder gespielt wird und die Form und der Rhythmus genau gleich ist, außer dass es mehrere Noten auseinander gespielt wird. Lassen Sie uns unsere ursprüngliche Melodie-Linie als Beispiel verwenden. Um Harmonie zu schaffen, würden wir einfach alle diese Notizen nehmen und sie nach oben verschieben, um mit einer anderen Notiz zu beginnen. Wir müssten ein paar Notizen ändern, um es in der gleichen Taste zu halten. Wir bewegen das A scharfe nach unten zu einem A, und wir bewegen das F scharf nach unten zu einem F. Jetzt sind alle Noten in der Tonart C. Die ursprüngliche Melodie ist dunkelblau und die Harmonie ist hellblau. Jetzt hören wir uns an, wie es mit der Harmonie klingt. Auch hier ist das kein Kontrapunkt, das ist Harmonie. Gehen wir zurück zu Les Miserables mit diesem Gedanken. Morgen wirst du Welten weg sein. Du verstehst die Idee. Lassen Sie uns zu dem Teil überspringen, wo der Kontrapunkt wirklich eintritt. Vermutlich verstehst du die Idee. Das Musiktheater ist vielleicht nicht unbedingt dein Ding und du magst vielleicht nicht, wie das klingt. Der Grund, warum ich dies als Beispiel gewählt habe, ist, weil wieder, es ist so klar artikuliert, was Kontrapunkt ist. Dass Sie überlappende Melodie-Linien und Musiktheater haben , weil es von verschiedenen Charakteren gesungen wird, erlaubt Ihnen, das sehr deutlich zu sehen. Bevor wir uns nun einige moderne Beispiele von Kontrapunkt ansehen, denke ich, es ist hilfreich zu verstehen, woher er er kam. Um das zu tun, müssen wir in die mittelalterliche Zeit zurückkehren. Bis zu diesem Punkt passierte die meisten Musik in der Kirche oder Sie sagen nur eine Melodie-Zeile, die monophone Musik genannt wird, aber um das Mittelalter begann sie, andere melodische Linien hinzuzufügen. Sie änderten sie von monophonen Musik zu polyphonen Musik, aber obwohl sie anfingen, neue melodische Linien hinzuzufügen, dachten sie überhaupt nicht an Harmonie oder Akkorde. Jede dieser melodischen Linien hatte das gleiche Gewicht, was anders ist, als wir heute normalerweise über Melodie denken. Wo wir ein Akkordmuster haben und dann eine Melodie-Linie, die oben drauf ist. Das kam erst im Barock , als Bach diese Stücke schrieb. Das klingt vielleicht etwas vertrauter, vor allem, wenn Sie jemals Kirchenlieder gehört haben, aber auch, weil dies eine sehr ausgeprägte Akkordprogression hat, was wir mit moderner Popmusik verbinden. 7. Wellen – Teil 2: Nun, bevor wir uns diesen Bach-Chorale genauer ansehen, gehen wir zurück zu unserer Illustration über Wellen am Meeresufer. Sie können hier in diesem Video sehen, wie diese Wellen aus verschiedenen Richtungen aufeinander kommen und eine reinkommt, während eine andere ausgeht. So bezieht sich das auf das Schreiben stärkerer Melodien, Bach verwendet Kontrapunkt in einem Muster , das sehr ähnlich ist, was wir in diesen Wellen diskutiert haben. Um mehr Komplexität hinzuzufügen und seine Melodie-Linien interessanter zu machen, die Melodie-Linie an sich eher einfach. Der Kontrapunkt oder wie diese anderen Stimmen mit der Melodie-Linie interagieren werden , wird auf vier Arten geschehen. Es kann sich in parallelen Bewegungen, ähnlichen Bewegungen, entgegengesetzten Bewegungen oder schrägen Bewegungen bewegen. Parallelbewegung bewegt sich der Kontrapunkt in die gleiche Richtung und in das gleiche Intervall wie die andere Note. In diesem Beispiel bewegen sich beide Noten um einen Schritt nach oben. ähnlicher Bewegung geht es darum, wie es klingt und sich in die gleiche Richtung bewegt, aber es ist nicht das gleiche Intervall. Wenn sich die Stimmen in entgegengesetzter Bewegung bewegen und in verschiedene Richtungen gehen, und es spielt keine Rolle, was das Intervall ist. Bei „Oblique Motion“ bleibt eine Note gleich und die andere Note bewegt sich. Die stationäre Note kann entweder wiederholt oder gehalten werden. Sehen wir uns nun an, wie Bach jede dieser vier Kontrapunktarten in seinem Korral verwendet . Lassen Sie mich Ihnen eine kurze Erklärung geben, was wir hier betrachten, bevor wir uns eingraben. Bach-Chorale haben vier unterschiedliche Stimmen Sopran, Alt, Tenor und Bass. Der Sopranteil oder die höchste Stimme ist fast immer die Hauptmelodie-Linie, und so ist es auch für die meisten modernen Musik. Schauen wir uns zuerst den Kontrapunkt an, der zwischen dem Sopranteil und der Basis geschieht . Denken Sie nun daran, das Ziel eines Kontrapunkts in diesen Stützlinien ist es, mehr Komplexität und Interessen zu schaffen. Werfen wir einen genaueren Blick darauf, wie Bach das macht. Die erste Instanz des Kontrapunkts ist eine ähnliche Bewegung, sowohl der Sopranteil als auch der Bassteil bewegen sich nach oben, aber nur unterschiedliche Intervalle. Der nächste Satz ist auch eine ähnliche Bewegung, und dann haben wir eine schräge Bewegung, bei der der Sopranteil auf der gleichen Note bleibt und der Bassteil nach unten geht. Dann haben wir eine entgegengesetzte Bewegung, in der die Soprannote untergeht und der Bass nach oben geht, und dann haben wir wieder eine entgegengesetzte Bewegung, wo der Sopran nach oben geht und der Bass sinkt. In diesem nächsten Abschnitt haben wir zuerst eine schräge Bewegung, bei der die Bassnote gleich bleibt und der Sopranteil nach oben bewegt, und dann die entgegengesetzte Bewegung, dann wieder schräg, wobei der Sopranteil gleich bleibt und die Basisteil wird nach oben verschoben. Entgegen Bewegung wieder, dann haben wir eine stationäre Note und dann ähnliche Bewegung. Um zusammenzufassen, haben wir ähnliche Bewegung, ähnlichere Bewegung, schräge Bewegung, entgegengesetzte Bewegung, entgegengesetzte Bewegung, schräge Bewegung, entgegengesetzte Bewegung, entgegengesetzte Bewegung, schräge Bewegung, entgegengesetzte Bewegung. Die gleichen Noten und ähnliche Bewegung. Wenn das viel zu absorbieren schien, dann ist das eigentlich der Punkt. Der Grund, warum ich Bach als unser erstes Beispiel gewählt habe ist, weil er irgendwie der König des Kontrapunkts ist. Der ganze Zweck des Kontrapunkts ist es, die Dinge interessant zu halten und sie ständig zu verändern. Wirklich der einzige Teil, in dem der Kontrapunkt in diesem Abschnitt nicht stattfindet, ist am Anfang, der Rest ist voller Kontrapunkt. Der Grund, warum ich mich gerade auf den Kontrapunkt zwischen dem Sopranteil und dem Basisteilkonzentriert den Kontrapunkt zwischen dem Sopranteil und dem Basisteil habe, ist, weil das oft der einfachste Weg ist, einen Kontrapunkt in Ihr eigenes Schreiben einzuführen. Um dies zu veranschaulichen, schauen wir uns einige zeitgenössische Beispiele an. Seven Nation Army von The White Stripes, ist ein perfektes Beispiel für Kontrapunkt zwischen der Melodie-Linie und dem Bass. Der Bass ist blau und die Melodielinie wird gelesen. Also lassen Sie uns einen Teil des Kontrapunkts aufschlüsseln, der hier passiert. An sich ist die Melodie-Linie eigentlich sehr einfach. Wenn wir uns diesen einen Abschnitt hier ansehen, ist es wirklich nur eine Notiz. Die Basslinie ist sehr einfach zu selbstverständlich, es ist ein sehr eingängiger Haken, aber es ist auch wirklich repetitiv. Es wiederholt sich immer und immer wieder. Die Magie dieses Stückes ist, wie die beiden Teile interagieren, was der Kontrapunkt ist. Die erste Instanz des Kontrapunkts tritt hier auf und es ist schräg Bewegung, wobei die Bassnote gleich bleibt und die Melodie-Linie nach unten bewegt. Der nächste Abschnitt ist völlig schräg, wobei die Melodie-Linie auf der gleichen Note bleibt, so dass die gesamte Bewegung von der Grundlinie kommt. In diesem nächsten Abschnitt wiederholt es das gleiche Muster. Wir haben schräge Bewegung am Anfang, der einzige Unterschied ist, dass der obere Knoten oder die Melodie-Linie dieses Mal etwas höher steigt, und dann ist dieser nächste Abschnitt wieder schräg Bewegung, mit der Basslinie bewegt herum und der Sopranteil bleibt gleich. In diesem nächsten Abschnitt schüttelt er schließlich die Dinge ein wenig mehr auf, wo wir eine schräge Bewegung haben, dann eine entgegengesetzte Bewegung, eine ähnliche Bewegung und dann parallele Bewegung, und dann durch eine ähnliche Bewegung beendet. letzte Abschnitt des Vers ist schräg Bewegung wieder, und dann ist der Kurs auch schräg Bewegung. Die Stärke dieses Stückes liegt also wirklich im Kontrapunkt und im Zusammenspiel zwischen der Melodie-Linie und dieser Basslinie, und es wird von schräger Bewegung dominiert, bis auf diesen einen Abschnitt hier, und Ich denke, das bietet eine wirklich benötigte Pause durch die Einführung ähnlicher und paralleler Bewegung als Kontrast zu all dieser anderen schrägen Bewegung. 8. Wellen – Teil 3: Nun, bevor wir in das nächste Beispiel von Kontrapunkt springen, bin ich gespannt, ob Sie einige Elemente aus den letzten paar Kapiteln bemerken , die sich auf Jack White's Stück beziehen. Erstens, dass es hier in diesem Baseline-Teil ein sehr starkes Motiv hat. Es hallt in der Melodie-Linie und wie es nach oben und unten springt. Er beschäftigt sich auch mit Wiederholung, um Spannungen aufzubauen, nicht nur in der Ausgangslage, da sich dies immer wieder wiederholt. Der Hauptpunkt der Erleichterung kommt, wenn er sich hier im Chor ändert, aber auch in der Melodie-Linie, dass es diese eine Note so oft wiederholt , so dass, wenn sie diese Note verlässt, das ist, wenn Sie die Freigabe von Spannung, außer jederzeit, wenn es seine Sprünge nach oben lässt. Wir haben in unserem Kapitel über Muskeln gelernt, dass, wenn Sie sich bewegen, um zu heben, das erhöht die Spannung. Also, mit all dem im Sinn, hören wir uns das noch einmal an. Wenn wir nun für eine Minute wieder zum Bach-Choral zurückkehren, , was wir vorher besprochen war das, was wir vorher besprochenhaben, der Kontrapunkt zwischen Sopran- und Basisteil geschah. Aber es gibt auch eine Menge Kontrapunkt, der in der Mitte passiert. Es gibt auch eine Menge Bewegung, die im Alt- und Tenorteil stattfindet , um mehr Interesse an diesem Stück zu schaffen. Manchmal, wenn der Sopran oder die Grundlinie stationärer sind, setzt er Bewegung in diese Mittelteile. Dies ist eine andere Möglichkeit, dass Sie Kontrapunkt in Ihre Stücke einfügen können, die eine melodische Linie definieren, die irgendwo in der Mitte der Mischung zwischen der Sopranlinie und der Basislinie sitzt , im Gegensatz zu dem ersten Beispiel, das wir sah sich in Jack White's Stück an, wo es wirklich zwischen der Hauptmelodie-Linie in der Basis war, wo dieser Kontrapunkt passierte. Ich denke, ein großartiges zeitgenössisches Beispiel dafür ist dieses Stück von Wilco, die roten Noten sind die Hauptgesangslinie und die gelben Noten sind der Geigenteil. Aber ich möchte, dass du zuhörst, ist der Kontrapunkt, der zwischen diesen beiden Teilen passiert. Ich werde nicht jeden Kontrapunkt im Song sezieren, weil es eine Menge davon gibt und wir haben das schon sehr gründlich mit den letzten beiden Stücken gemacht. Ich möchte Ihre Aufmerksamkeit auf einige allgemeine Formen lenken, die Bezug auf diese Kontrapunktbeziehung geschehen. Das erste, was ich möchte, dass Sie bemerken, ist der ganze gegenteilige Antrag. Sie können es sogar hier in den Notizen sehen, wenn ein Teil nach oben geht, der andere Teil geht nach unten und umgekehrt. Gegenwärtige Bewegung wird weiterhin stark durch diesen ganzen Abschnitt verwendet. Ich denke, es ist das charakteristische Merkmal, ähnlich wie schräge Bewegung zu The White Stripes Stück war. Es gibt einen winzigen Moment, parallele Bewegung hier am Ende, und weil wir so viel entgegengesetzte Bewegung hatten, die zu ihm führt, nimmt Ihr Jahr auf, obwohl es nur für zwei Noten passiert. Mit all dem im Sinn, hören wir uns das noch einmal an. Es gibt noch ein Element, das in diesem Kontrapunkt erwähnenswert ist. Diese drei Noten hier sind ein Motiv der Art, das mehrmals auftaucht, wenn auch mit Variation im Rhythmus. Wenn wir das auf den Kopf stellen, schauen Sie, wie ähnlich es der Linie ist, die die Geige spielt. Wir haben einen Schritt gefolgt von einem Sprung um ein Drittel, und obwohl der Rhythmus etwas anders ist, ist es immer noch eine Variation dieses Motivs. Um zusammenzufassen, welche Wellen uns über das Schreiben stärkerer Melodien beibringen müssen, können wir uns das Muster ansehen, wie Wellen sich überlappen und miteinander an einer Küste interagieren, um uns Inspiration darüber zu geben , wie wir verschiedene melodische Linien, die miteinander interagieren und überlappen, um mehr Interesse an Ihrer Musik zu schaffen. 9. KURSPROJEKT: Wir haben uns gerade viele Möglichkeiten angesehen, wie wir uns von der Natur inspirieren lassen können , wie wir uns dabei helfen können, stärkere Melodie-Linien zu schreiben. Wir sahen uns Bäume an und was sie uns beibringen mussten, ein Motiv und wie man dieses Motiv nehmen und es ändern kann, um eine größere Phrase zu erstellen, und wir schauten uns Rauch an und welche Turbulenzen uns über das Element der Überraschung und wie man arbeiten, die in Ihre Musik, wir sprachen über Muskeln und die Bedeutung von Spannung und Entspannung, um Bewegung in Ihren Stücken zu schaffen und wie Sie damit spielen können, und wir sprachen über Möglichkeiten, wie Sie überlappende melodische Linien verwenden können , um mehr Interesse und Komplexität zu schaffen. Während Sie idealerweise all diese Ideen verwenden könnten, um stärkere Melodien für die Zwecke dieses Klassenprojekts zu erstellen , möchte ich, dass Sie einfach eine auswählen und dann einige dieser Techniken auf Ihre Melodie anwenden. Entweder eine, die Sie zuvor geschrieben haben, oder eine, die Sie speziell für diese Klasse schreiben werden. Um Ihnen zu helfen, habe ich ein Arbeitsblatt erstellt, um Ihnen zu helfen, wie Sie jede dieser verschiedenen Ideen auf Ihre Melodie-Linie anwenden können. Wieder ermutige ich Sie, einfach einen auszuwählen, um mit zu beginnen. Nachdem Sie das entwickelt haben, gehen Sie weiter und wenden Sie eine weitere auf die gleiche Melodie-Linie an. Wenn Sie fertig sind, können Sie es in den Projektabschnitt hochladen. Klicken Sie hier, um Ihr Projekt zu erstellen, und fügen Sie dann einen Titel hinzu, der die Beschreibung der Technik enthält , mit der Sie Ihre Melodie-Linie entwickeln. Dann machen Sie eine Aufnahme, entweder Audio oder per Video. Beginnen Sie, indem Sie Ihre ursprüngliche Idee und dann jede der Varianten, die Sie entwickelt haben, einbinden . Sie können all dies in einer Reihe tun, so dass es sich alles im selben Video oder in der gleichen Audiodatei befindet. Bitte beachten Sie, dass Sie kein Video oder Audio direkt auf Skillshare hochladen Sie müssen es woanders wie YouTube oder SoundCloud hosten und dann den Link hier einfügen. Bitte denken Sie daran, dass es sich um einen groben Entwurf handelt, kein fertiges Stück, und der Zweck der Übungen besteht darin, Sie zum Nachdenken zu bringen und viele verschiedene Variationen auszuprobieren. Seien Sie also nicht schüchtern, was Sie gerade arbeiten zu posten. Wenn Sie das Gefühl haben, dass Sie wirklich etwas aus dieser Klasse gelernt haben, schreiben Sie bitte eine Rezension oder einige Kommentare und sagen Sie mir, was vor allem Sie wirklich beeinflusst hat. 10. Student (Teil 1): Für diese Video-Lektion werde ich Sie durch eine Kritik an einem Stück führen, das von einem Schüler eingereicht wurde, damit Sie sehen können , wie die Konzepte für diese Klasse auf etwas zutreffen, das sich noch in der Entwicklung befindet. Das Stück, das wir in diesem Video betrachten werden, ist eines von Josh eingereicht, und ich konnte ihn ans Telefon bringen und mit ihm reden über sein Stück und wie wir es weiterentwickeln könnten. In diesem Video werde ich zwischen einem gemeinsamen Sediment, das ich direkt an Sie, den Betrachter, und auch einige Auszüge aus meinem Gespräch mit Josh machen werde, hin und her schneiden zwischen einem gemeinsamen Sediment, das ich direkt an Sie, den Betrachter, und auch einige Auszüge aus meinem Gespräch mit Josh machen werde . Hier ist, wie das aussehen wird. Ich werde dir mein erstes Gespräch mit Josh spielen. Dann hören wir uns sein Stück an. Ich werde einige erste Gedanken und Beobachtungen geben , die auf den Konzepten in dieser Klasse basieren, und dann werde ich Ihnen eine Reihe von Auszügen aus spielen, als ich mit Josh arbeitete , wie wir das weiter entwickeln können und schließlich Ich werde Ihnen ein paar Auszüge aus unserem Gespräch spielen , wo ich ein paar letzte Gedanken mit Josh geteilt habe. Josh, erzähl uns, was dich dazu inspiriert hat, das zu kreieren und einige Ideen hinter dem, was du hierher gebracht hast. Natürlich. Ich spiele gerne in der G-Moll-Taste und dachte nur daran, mit der Idee des Motivs zu experimentieren. Weil ich finde, dass Motive wirklich eingängig sind, und sie sind wie eine einzigartige Präsenz zu einem Lied, wie man einfach das Motiv hört und man weiß, was es ist. Meine Idee war, hey, kann ich mir ein Motiv einfallen lassen, was Jonathan in der Klasse gelehrt hat , und dann versuchen, damit zu experimentieren, versuchen, es noch interessanter zu machen. Vielleicht versuchen Sie, etwas Spannung, einige hohe Noten hinzuzufügen , und spielen Sie dann einfach mit ihm herum. Also habe ich mir gerade etwas ziemlich Grundlegendes ausgedacht. Nun, früher, wenn Sie Musik geschrieben haben, wo Sie mit diesem Konzept der Verwendung eines Motivs vertraut sind, oder war das eine neue Idee, nachdem Sie diese Klasse besucht haben? Ich glaube, ich wusste davon, weil ich es meistens beobachtete, aber ich hatte keinen Namen dafür. Dass ich nicht wusste, es in Worte zu fassen, oder es hatte eine Struktur. Aber ich hatte schon gehört, dass dieser Song ein Riff hat oder es hat dieses Intro, das sich im Song wiederholt. Aber ich wusste nicht, dass es ein Motiv genannt wurde, und diese Klasse half mir, die Theorie dahinter zu verstehen. Wenn du vorher Musik geschrieben hast, würdest du oft Haken oder Riffs schreiben, wie du sie nennst? Ich habe eigentlich noch keine Musik geschrieben. Das ist einer der Gründe, warum ich diesen Kurs genommen habe, ist, wirklich zu verstehen, hey, wie kann ich über das Schreiben von Melodien gehen? Ich habe mich hauptsächlich darauf konzentriert, einige interessante Akkordprogressionen zu finden, aber ich habe nie wirklich eine Melodie darauf anbringen müssen. Ich habe dich. Ok. - Ja. Cool. Nun, wenn wir hier in Ihr Stück eintauchen, sehe ich ein sehr klares Motiv in diesen ersten Notizen. Warum spiele ich das hier nicht einfach durch und gebe jedem die Chance, es anzuhören. Okay, also lasst uns das ein bisschen kaputt machen. Am Anfang haben Sie hier ein sehr klares Motiv. Wenn Sie sich erinnern, besteht ein Motiv aus zwei Teilen. Es hat ein rhythmisches Element und bestimmte Intervalle. Der Rhythmus ist sehr klar. Es ist dun, dun, dun, dun, und die Intervalle beginnen mit einem Sprung und dann einem Sprung zurück nach unten, und dann ein Schritt nach oben, und wir sehen, dass das gleiche Muster zwei weitere Male wiederholt. Die Notenintervalle sind unterschiedlich. Aber im Allgemeinen haben wir einen Sprung, weiteren Sprung nach unten und dann einen Schritt nach oben. Dieselbe Sache hier. Ein Sprung nach oben, ein Sprung nach unten und dann ein Schritt nach oben. Dann haben wir ein zweites Motiv, das reinkommt, das ein Haufen von fünf absteigenden Noten ist wenn sie sich nach unten bewegen und dann beginnen wir die ganze Phrase wieder von vorne. Nun haben Sie vielleicht bemerkt, wie ich es getan habe, als ich diese Melodie-Zeile hörte, dass es dem, den ich in der Klasse vorgestellt habe, ziemlich ähnlich ist, weil es ein Motiv hat , das sich dreimal wiederholt und dann ein zweites Motiv im Ende, und ich möchte etwas dazu sagen. Wenn Sie ein Anfänger Schüler wie Josh ist, gerade erst mit dem Schreiben von Melodien beginnt, ist das Beste, was Sie tun können, andere Leute zu stehlen und zu kopieren. Wenn Sie anfangen, ist dies nicht die Zeit zu versuchen, etwas ganz Neues zu erschaffen. Ich glaube nicht einmal wirklich, dass es etwas Neues gibt. Es geht um das Wiederholen und Remixen, was bereits da draußen ist. Aber wieder, zu Beginn Ihres Studiums, ist es unglaublich wichtig, zu nehmen, was bereits da draußen funktioniert und damit zu spielen, damit Sie sich mit dem vertraut machen, was eine starke Melodie-Linie ausmacht. Wenn wir nun diese Melodie selbst analysieren, also ohne Akkorde darunter, ist es für uns sicherlich leicht, das Motiv zu betrachten und ein paar andere Elemente zu analysieren, wie in der rhythmischen Dissonanz, die sich aus der Synkopation ergibt. Auch, wie die Phrase hier ein wenig nach unten geht und dann Spitzen an diesem Punkt, was eine bestimmte Menge an Spannung erzeugt, die am Ende der Phrase freigesetzt wird. Ohne Akkorde ist es schwer für uns festzustellen, ob das Stück generell konsonant oder die Menge an Dissonanz ist. Josh fügt hier Akkorde zum zweiten Teil hinzu. Gleich neben dem Fledermaus würde ich sagen, dass dieser Song mehr in die Pop-Musik-Kategorie fallen würde , weil er ziemlich zugänglich ist zu hören, was bedeutet, dass es nicht viele Abschnitte gibt, die den Hörer wirklich mit einem hohen Grad an Dissonanz oder rhythmische Komplexität, und die meisten Noten richten sich mit den darunter liegenden Akkorden, Ausnahme dieses Akkord direkt hier. Ich war neugierig, ob dies beabsichtigt war, und deshalb fragte ich Josh danach. Ja. Eigentlich ist das ein guter Punkt. Ich habe versucht, es konsonant zu halten, und dann wurde mir klar, dass ich etwas Dissonanz hinzufügen muss. Also dachte ich, hey, weißt du was, ich schiebe die Zusammenarbeit nach unten, aber ich halte das Motiv an der gleichen Stelle und das fügte die Dissonanz hinzu. Das war also eine bewusste Anstrengung, die ich unternommen habe. Ok. Also ein paar Gedanken dazu. Wieder, ich denke, es ist wirklich lobenswert für Josh, denn er fängt gerade an, all diese Techniken im Zusammenhang mit dem Schreiben seiner eigenen Melodie-Linie auszuprobieren , um nicht zu beurteilen und einfach zu sehen, was passiert. Denn je mehr Sie diese Ideen experimentieren, desto fließender werden Sie bei der Verwendung bekommen und schließlich werden Sie auf, wie Sie sie verwenden. Aber wenn Sie nicht experimentieren, werden Sie am Ende stagnieren und nie wachsen. Also haben Sie keine Angst, sie auszuprobieren, auch wenn die Ergebnisse am Ende etwas sind, mit dem Sie nicht zufrieden sind. Okay, zurück zu seiner Melodie-Linie mit den Akkorden darunter. Gleich neben dem Fledermaus habe ich ein paar Vorschläge. Ich denke, der erste Akkord funktioniert gut. Der zweite Akkord hat definitiv eine gewisse Dissonanz, die ich fühle, ist ein wenig aus dem Charakter mit einem Pop orientierten Stück, wo es neigt, ziemlich konsonant zu sein und nicht viel Dissonanz zu haben. Es könnte jedoch nur das Element des Gewürzes sein, das es wirklich einzigartig macht. Also würde ich es vielleicht verlassen. Die Stimme auf dem dritten Akkord schafft einige Herausforderungen vor sich. Ich möchte nicht wirklich auf zu viel Detail darüber eingehen, aber ich würde vorschlagen, diese Noten stattdessen zu ändern, also klingt es jetzt so. Vor allem, weil er bereits ein Muster etabliert hat, dass diese beiden Noten einen Akkord spielen, und sie sich nach unten bewegen, würde ich diesen Fortschritt einfach weitermachen. Während die Melodie-Linie nach oben geht, geht die Grundlinie nach unten. Das muss auch nach unten verschoben werden. Nun, dieser Akkord, denke ich, ist ein echtes Problem. Mit diesem Akkord entsteht der Eindruck, dass die Phrase endet. Wir könnten einfach aufhören und aufhören, obwohl das ein bisschen peinlich klingt. Ich denke, was besser funktionieren würde, wäre, wenn wir zu einem F-Dur-Akkord zurückkehren würden. Im Moment haben wir G-Moll, F-Dur, Es-Dur, geht zurück zu F und dann wieder G. Hier ist, wie das klingt, nachdem ich die Akkorde gewechselt habe. Die andere Sache, die ich vorschlagen könnte, ist, diesen Akkord in einen c-Moll zu ändern. Hören wir uns jetzt an, wie das klingt. Dies sind einige kleinere Vorschläge, aber sie ändern die Akkordprogression ein wenig mehr im Einklang mit der Art von Akkordprogressionen, die Sie in der Popmusik finden könnten. Nicht, dass ich versuche, Josh Stück in einen Popsong zu verwandeln, aber wie er bereits erwähnt hat, ist das schon die Richtung, in die er ging. Also versuche ich Vorschläge zu machen, die dem Genre entsprechen, das er anstrebt. 11. Student (Teil 2): Für den letzten Abschnitt dieses Videos, werde ich einige Auszüge von einem, den ich mit Yash gearbeitet habe , auf Möglichkeiten, wie er das weiter entwickeln könnte. Wir betrachten dieses Ausgangsmaterial als Vers, und dann improvisierte ich einige Ideen, die für den Chor funktionieren könnten. ( MUSIK) Vielleicht gehe ich dort zu etwas anderem. Lassen Sie mich mit Ihnen reden, ein paar Dinge, die mir in den Sinn kamen, als ich diesen Chor spielte. Wenn Sie sich Ihr erstes Stück hier ansehen, schauen Sie hier rein, alle zwei Maßnahmen, die Sie einen Akkord ändern. Es gibt zwei Maßnahmen. Hier ist ein weiterer Akkordwechsel, außer für diesen kleinen Abschnitt hier, vielleicht ändert er sich etwas schneller. Aber meistens fühlt es sich an, dass du auf diesem Akkord landest, und du sitzt darauf, und was ich dachte, ist, wenn wir zum Refrain kommen, lass uns das jede Maßnahme ändern, um es zu ändern. Was das tun wird, ist, dass es mehr Bewegung erzeugen wird. Gibt es auch mehr Turbulenzen? Ja, aber wir bringen es voran. Es gibt mehr Veränderungen, die geschehen. Es wird die Menge an Drama erhöhen, die in diesem speziellen Abschnitt kommt. [ MUSIK] Ich könnte das rhythmische Element dieses zweiten Motivs nehmen und es zu einem Chor entwickeln, vielleicht einige der Sprünge einbezieht, die da sind. Ich spiele diesen Chor und lasse ihn hier ausschreiben, damit die Leute sehen können, wie er aussieht. [ MUSIK] Mir gefiel es nicht, als ich das letzte Stück am Ende spielte. Dieses Mal, das ich durchgespielt habe, ist ähnlicher und abgeleiteter des zweiten Motivs gegenüber dem ersten. Als ich das zum ersten Mal ausprobierte, habe ich den Kurs etwas ähnlicher dem ersten Motiv gemacht. Hören wir uns das hier an. [ MUSIK] Das ist etwas ähnlicher wie das erste Motiv, und ich habe versucht, es hier drüben wieder durchzuspielen. Diesmal habe ich die rhythmische Struktur dem zweiten Motiv ähnlicher gemacht. [ MUSIK] Es hängt nur davon ab, wie Sie gehen wollten, aber das sind zwei verschiedene Optionen für Sie. Sag mir, worüber du denkst. Welchen bevorzugst du vielleicht oder magst sie überhaupt nicht? Ich gebe Ihnen nur einige Beispiele, wo Sie vielleicht auf der Idee aufbauen können. Ich glaube, ich mag den zweiten noch. Ich weiß nicht warum, aber das gefällt mir ein bisschen mehr. Es hat auch einen schönen Wechsel zwischen dem, was Sie mit der linken Hand und der rechten Hand spielen , so dass alle Seiten mehr Turbulenzen mögen. Es fügt dem Song mehr Emotion hinzu. Das gefällt mir mehr. Ja, das gefällt mir auch ein bisschen besser. Was ich sagen würde, ist ein Grund dafür ist, dass ich es zum ersten Mal gemacht habe , dass wir dieses erste Motiv schon mehrmals durchgespielt haben. Du hast es hier dreimal gehört. Wir haben es dreimal wieder gehört, und dann kommen wir zum Refrain. Wenn wir wieder die gleiche rhythmische Idee spielen, fängt es an, zu diesem Zeitpunkt ein wenig müde zu werden. Was ich denke, macht die zweite Version, die ich hier entwickelt habe, etwas besser arbeiten, ist, dass Ihr zweites Motiv; und die rhythmische Struktur davon haben wir es wirklich nur zweimal gehört, und es führt direkt in den Chor. Dieses Motiv hier in dieser rhythmischen Struktur zu nehmen und es auf einigen verschiedenen Noten fortzusetzen , erlaubt es uns, etwas mehr Variation zu haben, und wir bauen auf dem zweiten Motiv auf. Es ist wie die Verse über das erste Motiv mit einem kleinen Hinweis auf das zweite hier, und dann kommen wir zum Chor; und es könnte eine gute Idee sein, das umzudrehen und den Chor hauptsächlich über das zweite Motiv zu machen, und dann vielleicht ein kleines Stück des ersten rhythmischen Elements aus dem ersten Motiv hineinwerfen, nur um sie zusammenzubinden. Wenn wir dann wieder zum Vers kommen, wir bereit sein, dieses Motiv zu hören, weil wir den zweiten schon ein bisschen mehr erschöpft haben. Nun, dieser Gipfel hier fühlt sich definitiv an , als hätte er eine Menge Energie, weil er so hoch ist, und wir wiederholen ihn mehrmals. Genau die gleiche Phrase. [ MUSIK] Das wäre eine Möglichkeit, es zu tun, ist vielleicht, den Kurs etwas länger zu machen und hier hoch zu gehen, um ihn noch höher zu machen. Lass mich das als Chor spielen. ( MUSIK) Ich werde das noch mal versuchen, den Chor. Ich schätze , es hängt von der Reichweite ab. Schön am Klavier ist, man vom Gesang keine Grenze hat. Melodie-Linie könnte weiter nach oben und oben gehen. Aber wir neigen dazu, auf Popmusik zu reagieren oder auch wenn es mit dem Klavier ist, etwas, das sich ein bisschen singbar anfühlt. Oder vielleicht könntest du so gehen. Ich mag es, wenn es hier bis zu dieser Note geht, gibt es sogar, nimmt einen Chor, der bereits dramatisch füllt und ihn noch höher schiebt. Nun, das ist vielleicht nicht die Richtung, die Sie mit Ihrem Stück gehen wollen. Vielleicht wollen Sie, dass es etwas gedämpfter ist? Aber ich versuche nur mit zu experimentieren. Lass es uns noch weiter gehen, und du kannst es immer ein bisschen zurückziehen, wenn du „Meh“ sagst, vielleicht war das ein bisschen zu viel. Deshalb schiebe ich es ein bisschen höher in seiner Reichweite und sehe, könnte die Melodie-Linie sogar höher gehen. Um zu sehen, wie weit es gehen könnte. Also, wenn Sie schreiben, was ich hoffe, dass Sie davon profitieren, ist zu versuchen, sich manchmal noch weiter zu treiben, in Bezug auf die Reichweite. Indem Sie das Motiv mehrmals wiederholen, als Sie denken, dann mögen Sie vielleicht, und Sie können es hören. Dann, wenn es beginnt, auf Sie zu ermüden, ziehen Sie es zurück oder ändern Sie es in irgendeiner Weise. Aber haben Sie keine Angst, Ihre Motive zu nehmen und mit ihnen verrückt zu werden, die Reichweite viel höher zu schieben, dem Rhythmus etwas mehr Turbulenzen hinzuzufügen, Turbulenzen wegzunehmen und Reichweite zu nehmen und zu sehen, ob das funktioniert. Die meisten Popsongs haben Vers eins, Chor, Vers zwei. Also kommen Sie zurück zur gleichen Melodie-Zeile in der zweiten Vers, aber Sie verwenden verschiedene Wörter. Das wird also eine gewisse Variation für den zweiten Vers liefern. Wenn es nur auf dem Klavier sein wird, dann werden Sie zurück zu der zweiten Vers, die eine Menge mehr Herausforderung nicht müde durch die Tatsache, dass Sie auf dieser Wiederholung sind. Wenn Sie Drums oder Strings oder etwas anderes hinzufügen, kann das helfen, eine Variation zu erstellen. Solo-Klavierstücke selbst sind sehr schwierig, weil man keine Wörter hat, die man verwenden kann, um es zu ändern. Du hast keine anderen Instrumente, die du mitbringen kannst. Möglichkeiten, Variation zu bieten, wäre möglicherweise in der Begleitung, oder durch Ändern der Oktave, wie ich bereits sagte. Sogar es nur zu ändern könnte es wirklich hoch dauern. Das hilft, einige dieser Variation zur Verfügung zu stellen und sie zu ändern. Das sind manchmal zwei verschiedene Dinge. Meist haben wir uns die Grundstruktur deiner Melodie-Linie angesehen, nicht das Arrangement, weil du kein Arrangement hast, du hast nur die Grundstruktur. In gewisser Weise sind das zwei verschiedene Dinge, wenn du darüber nachdenkst, dein Stück zu entwickeln. Haben Sie weitere Fragen dazu? Ich denke, eine Sache, die ich dachte, ist wie, beginne ich mit wie eine Akkordprogression zuerst oder wie ich die erste Idee rauskriege , die ich am herausforderndsten fand. Denn wenn man einmal wie eine Grundstruktur hat, dann kann man damit herumspielen. Aber das erste Ding heraus zu bekommen, fand ich es ein bisschen hart und für mich half es mir, etwas Akkord-Regression zu haben und dann Melodie um sie herum zu bauen, aber, ist das wie eine gemeinsame Sache zu tun? Auf jeden Fall. Ich würde für mich selbst sagen, ich mache wahrscheinlich einige dieser Dinge mehr oder weniger gleichzeitig , weil ich es für eine lange Zeit mache , weil ich das schon eine Weile mache. Also höre ich oft die Akkordprogression und die Melodie-Linie gleichzeitig. Es gibt jedoch viele Male, dass ich mich hinsetze und vielleicht spiele ich nur durch ein paar Akkorde, ich könnte etwas darüber singen, was anders wäre als die Noten, die ich auf dem Klavier spiele. Manchmal gibt es eine Melodie-Linie und dann versuche ich, die Akkorde dadurch zu verändern. Es gibt keinen richtigen oder falschen Weg, es zu tun. Ich möchte Sie ermutigen, sich dazu zu bewegen, beides zu versuchen. Erstellen Sie also einige Akkordprogressionen, die Sie mögen, und sehen Sie dann, ob Sie darüber hinaus eine Melodie-Linie entwickeln können. Dann setzen Sie sich manchmal hin und versuchen Sie, eine Melodie-Zeile zu schreiben, dann fügen Sie Akkorde hinzu und sehen Sie, ob Sie etwas Einzigartiges herausfinden können, um das zu unterstützen. Je mehr Sie Zeit damit verbringen, beide Dinge zu tun, können Sie feststellen, dass Sie es am Ende gleichzeitig tun , weil Sie sie isoliert gemacht haben. Aber auch ich würde sagen, dass ich über dieses volle Spektrum schwinge. Wirklich, wenn Sie versuchen, Ihre Kompositionsfähigkeiten zu entwickeln, wollen Sie es nicht zu viel tun. Ich würde Sie auf jeden Fall ermutigen, wieder, sich zu bewegen, um Variationen zu erstellen, was Sie tun, und versuchen Sie es auf verschiedene Weise, nur um Ihre Fähigkeiten zu stärken. Als ich diese Klasse erstellt habe, und ich habe einige dieser Beispiele zur Verfügung gestellt, um zu zeigen, wie Sie eine Melodie-Linie nehmen und sie weiter schieben können , dann sogar, was Sie mögen. Die Version, die wirklich viel Turbulenzen hinzugefügt hat oder das Motiv wirklich verändert hat, kann man am Ende entscheiden „Ich mag diese Version nicht wirklich.“ Aber je mehr, dass Sie vor Ihnen eine Menge verschiedener Optionen ausbreiten können, wird es Ihnen helfen, die eine auszuwählen, die Sie am Ende am besten mögen. In meiner Kritik versuche ich, das Motiv, das Sie geschaffen haben, und den Stil, in dem Sie spielen,zu nehmen das Motiv, das Sie geschaffen haben, und den Stil, in dem Sie spielen, und es dann in Ihrer eigenen Stimme zu erweitern. Es ist schwer, meine eigenen Ideen nicht in diesen Prozess einzubeziehen, aber ich versuche, in deine Schuhe zu treten und zu sagen: „Wenn das die Art melodische Idee und das Gefühl und die Stimmung ist , die du für deine Musik hast, was kannst du tun? das zu nehmen und zu erweitern und zu entwickeln?“ Wenn du Musik schreibst, geht es so viel um dein Ohr und zu lernen, zu schärfen, was du magst und was dir nicht gefällt. Ich habe das eine ganze Reihe von Malen in der Klasse erwähnt, dass es wirklich keinen richtigen oder falschen Weg gibt, Dinge zu tun? Es gab eine Zeitspanne in der Musikgeschichte , in der sie viel strengere Regeln darüber hatten, wie die Dinge klingen sollten. Hauptsächlich wie in einer Zeit von Bach, Beethoven oder Mozart. Die Leute wurden wirklich wütend, als einige Komponisten begannen, außerhalb dieser Regeln zu gehen. Ich weiß nicht, ob Sie mit einem Komponisten namens Strawinsky vertraut sind, aber er schrieb dieses Stück, dass es das erste Mal gespielt wurde, es war sein Ritus des Frühlingsballetts. Ich glaube, es war im Jahr 1911, als die Leute es hörten, sie dachten, es sei so unverschämt und so ein Affront musikalische Traditionen zu der Zeit, dass sie einen Aufstand und einen Kampf im Ballett hatten, weil die Menschen so beleidigt waren von dieser Musik, er erschaffen hat. Es scheint jetzt etwas albern zu sein, weil es so viel mehr Musik gibt, die da draußen ist. Die Menschen akzeptieren heutzutage viel mehr. Manchmal kann diese größere Akzeptanz dazu führen, dass Leute sagen: „Nun, was auch immer, es liegt nur an dir. Es gibt kein Recht oder Unrecht in der Art, es zu tun.“ Ich versuche, das auszugleichen, indem ich sage, dass das wahr sein mag, aber es gibt eine Art musikalischer Grundlagen, die, wenn Sie sich in sie lehnen, helfen können, Ihr Schreiben stärker zu sein. Obwohl es immer noch auf dein Ohr ankommt, bestimmt, wie viel Dissonanz du da drin willst, wie viel Turbulenz du einschließen willst, wie viel Wiederholung du für diese melodische Linie hören willst. Philip Glass war ein Komponist, der eine enorme Menge an Wiederholung verwendet, bis zu dem Punkt, dass viele Menschen kaum ertragen können, seine Musik zu hören, weil er sie immer und immer und immer wieder wiederholt, um Übelkeit für einige Menschen. Also denke ich, das Wichtigste zu tun, ist, auf sich selbst zu achten und sogar einige der Ideen, die ich hier rausgeworfen habe. Beachten Sie, was Sie schnappt. Du sagst: „Ja, ich liebe es, wie das klingt“, und dann versuche, etwas tiefer darin zu graben, um in diesen Sound zu drücken und zu schauen, was diesen Sound macht. Ist es die Wiederholung? Ändert es die Akkordprogressionen? Du sagtest, du merkst etwas im Chor, das ich den Akkorden angetan habe, das dir wirklich zustimmte. Vielleicht nehmen Sie das, was ich hier geschaffen habe, und schauen Sie sich das etwas näher an und sehen Sie, ob Sie mehr davon in Ihre Musik aufnehmen können, oder irgendetwas anderes, das Sie hören, wenn Sie etwas hören und es mit Ihnen resoniert. Versuchen Sie, es mit einigen der Ideen zu brechen, die ich in dieser Klasse vorgebracht habe. Ich mag das, weil die Melodie-Linie nicht sehr hoch und runter geht, sie bleibt so ziemlich in einem sehr kleinen Bereich. Großartig. Nun, sehen Sie, ob Sie Stücke schreiben können die die Melodie-Linie in einem sehr engen Bereich bleibt, vielleicht hören Sie Stücke und Sie sagen: „Gott, ich liebe es, wie sie überall gehen, sie gehen so hoch und so niedrig“, und dann versuchen Sie es , um einige Stücke zu schreiben, die mehr im Einklang damit stehen würden. Macht das Sinn? Ja.