Ausdrucksstarke Tinte: Pinselstift-Illustration mit Procreate

1. Einführung: Hallo, mein Name ist Zira Marx. Als Karikaturistin und Illustratorin ist Federtinte ein großer Teil meiner Aber ich will ehrlich sein, es gab viele Versuche mit Irrtümern , bevor ich diese unglaublich ausdrucksstarken, aber herausfordernden Werkzeuge wirklich in den Griff bekommen konnte diese unglaublich ausdrucksstarken, aber herausfordernden Werkzeuge wirklich in den Griff bekommen ausdrucksstarken, aber Also dachte ich, es wäre an der Zeit, einen Kurs zu machen, der meine persönliche Penink-Technik wirklich meine persönliche Penink-Technik Hier sind die Fähigkeiten, auf die wir uns heute konzentrieren werden. Linienführung entwickeln, Licht und Schatten ausdrücken, flache Formen in drei D-Formen umwandeln, mit Textur Akzente setzen und vor allem mehr mit weniger Linien ausdrücken. Dieser Kurs besteht aus vier einfachen Lektionen und einem zielorientierten Projekt — Dinge, auf die Sie sich einen Nachmittag lang konzentrieren können oder die Sie Ihr ganzes Leben lang versuchen können, sie zu meistern. Lassen Sie mich Ihnen also eine neue Sichtweise auf Stift und Tinte vorstellen . 2. Stiftwerkzeug-Reihenfolge: Willkommen im Unterricht. Bevor wir mit unserer Zeichenpraxis beginnen, wollen wir unsere Werkzeuge besprechen. Nun, ich möchte, dass sich dieser Kurs an digitale und analoge Künstler richtet. Es ist wirklich ein Kurs über Denken und das Tool ist wirklich zweitrangig, wenn es darum geht, wie man denkt, wenn man eine Linie zieht. Also kommen wir gleich zu den digitalen Tools. Aber lassen Sie uns über traditionelle Tools sprechen. Sie kennen vielleicht dieses Band, Pigma, auch bekannt als Mikron. Es ist in allen möglichen technischen Spitzengrößen erhältlich, mit Pigma, auch bekannt als Mikron. Es ist in allen möglichen technischen Spitzengrößen erhältlich, wirklich raffinierten, dünnen Linien, aber sie eignen sich auch für einen Pinselstift Sie können sehen, dass die Spitze dieses Stifts aus Filz besteht und dass er die Spitze eines Pinsels simuliert Aber im Gegensatz zu einem Pinsel beginnt er nicht, seine Borsten auseinander zu spreizen Er hält seine Filzspitze sehr fest. Solange sich die Spitze nicht abnutzt, haben Sie diese wirklich raffinierte Linie auf Ihrem Pinselstift. Die Tinte ist ebenfalls archivierbar, sodass Sie sie mit Wasserfarbe übermalen könnten Wenn du deine Stifte nur ein bisschen aufpeppen möchtest, würde ich Kuratak empfehlen, eine japanische Marke , eine weitere Archivtinte, und es gibt eine größere Auswahl an Wenn Sie sich also wirklich mit der Linienstärke, der Qualität und Dicke einer Linie befassen möchten der Qualität und Dicke , ist dies die richtige Marke Sie halten länger als die Mikrometer, die ich finde, aber sie kosten nur 1$ mehr Wohingegen die Mikrometer etwa 2:50 Uhr. Der KuraTak kostet etwa 3:50 pro Stift. Und wenn Sie mit einem Pinselstift arbeiten, stellen Sie sicher, dass Sie ein gutes kompatibles Papier haben Ich empfehle das Strathmore Bristol Board. Es hat eine glatte Oberfläche. Es wiegt ungefähr 100 Pfund, was ein bisschen wie Karton ist, und das nimmt Ihre Stifttinte sehr gut auf, ohne zu bluten Okay. Wenn wir jetzt unser Zeichenwerkzeug auswählen und uns fortpflanzen, wollen wir das Gefühl des Pinselstifts simulieren Gehen wir also in unsere Bibliothek. Im Bereich Stift wollen wir suchen und einen Stifttyp auswählen , der an einem Ende eine wirklich schmale, am anderen Ende spitz zulaufende und in der Mitte schön breit wird Sie können erkennen, dass es sich um leichte Berührung, starke Berührung, wieder leichte Berührung Jeder von ihnen, der einen starken Körper hat, der sich in einem Punkt entscheidet, wird eine gute Wahl für uns sein Wir können es zum Beispiel mit dem Sanderlin versuchen und diesen Wert dort auf etwa 25% in Ihrer Größe einstellen Und teste es einfach aus. Unser Ziel ist es, ohne viel Aufwand eine wirklich schmale Spitze auf einer Seite zu erfassen, breit zu werden und dann wieder richtig schmal von klein zu groß zu winzig zu werden. Egal, ob Sie eine schöne glatte Linie mögen oder eine mögen, die ein bisschen Textur hat, was bedeutet, dass sie sich ein wenig trocken anfühlt. Beide eignen sich für die Lektion, die wir heute hier behandeln. Stellen Sie auf der linken Seite sicher, dass Ihre Größe nicht zu klein ist. Wenn Sie bei 5% beginnen, wird Ihre Linie niemals so dynamisch sein, weil Sie an eine Wand stoßen, wenn es darum geht dynamisch sein, weil Sie an eine Wand stoßen, wenn , wie groß dieser Stift wirklich schnell werden könnte. Versuchen Sie es also mit den Extremen, richtig schmal und richtig breit Aber mehr in der Mitte ist ein idealer Punkt, an dem Sie beide Gefühle festhalten können , ohne die Einstellung zu stark zu verändern Also werde ich mit dem Ivarsque-Stift arbeiten , weil mir die Textur gefällt, die damit einhergeht Aber du kannst gerne wählen, was du willst. 3. Lektion 1 Folge 01: Unsere erste Lektion besteht darin, uns mit der Linienführung und der Linienstärke unseres Zeichenwerkzeugs vertraut zu machen und unsere Arme um sie zu legen der Linienstärke unseres Zeichenwerkzeugs vertraut zu machen und unsere Arme um . Jetzt kann ich mich noch an das erste Mal erinnern, als ich versucht habe, mit einem Pinselstift zu arbeiten , und an die chaotische Natur dieses Stifts, weil ich nicht wusste, wie viel Handdruck mir welche Linienqualität verleiht Und die Lernkurve war höher als bei anderen Zeichenwerkzeugen wie einem Bleistift oder einem Kugelschreiber Aber ich konnte sofort verstehen warum ich mir diese neuen Fähigkeiten aneignen wollte Es kommt auf ein Wort an, Charakter. Als Erzählkünstler kommt der Charakter aus verschiedenen Aspekten wie meinem Schreiben, die Stimme meiner Arbeit hat Charakter. Aber im Wesentlichen ist die Linie, die ich auf die Seite setze wahrscheinlich die stärkste Präsenz von Charakter in der Arbeit eines Illustrators Selbst in dieser kleinen Textbehandlung ich hier auf der Seite habe, können Sie sehen, wie dynamisch der Charakter dieser Linie sein kann Es kann hier bei dieser Nummer eins sehr schwer sein, oder es kann auch zufällig sehr schmal und kostbar und spröde und zerbrechlich sein Wenn wir anfangen, unsere Linie selbst als Stimme in unserer Arbeit zu betrachten , dann können wir uns die chaotische Natur des Tools zu eigen machen und versuchen, es zu verfeinern und ein wenig Kontrolle darüber Entwicklung einer Technik mit deinem Pinselstift geht es darum, deine Handbewegung zu modifizieren, aber auch die Kontrolle ein wenig loszulassen, was eine großartige Lektion für den Künstler ist Aufbau von Fähigkeiten angeht, wollen wir uns in dieser Lektion auf den Druck der Hände, die Geschwindigkeit unserer Hand und die damit verbundene Unvorhersehbarkeit des Werkzeugs konzentrieren Geschwindigkeit unserer Hand und damit verbundene Unvorhersehbarkeit des Diese erste Übung dauert etwa zehn bis 15 Minuten und es geht wirklich nur darum, Ihre Liniensteuerung zu verwalten. Wir werden anfangen. Es wird eine neue Ebene erstellt, damit ich Dinge einfach ein - und ausschalten kann. Wir werden oben auf unserer Seite sechs Punkte und unten sechs Punkte machen oben auf unserer Seite . Jetzt ist es unser Ziel , eine schöne, gleichmäßig gewichtete Linie auf der Seite von einem Punkt zum anderen zu erstellen gleichmäßig gewichtete Linie auf der Seite von . Jetzt können Sie sofort sehen, dass das sehr ungleichmäßig ist. Es geht von schmal zu superschmal und dann wieder dick. Ein großer Teil davon ist die Art und Weise, wie ich meine Hand bewege. Beachten Sie, dass wir, wenn wir unsere Hand instinktiv mit dem Stift bewegen, dazu neigen, uns schreibend zu bewegen, weil wir meistens Wörter bilden und ein Großteil dieser Bewegung vom Handgelenk Aber beim Zeichnen brauchen wir größere Gesten, damit wir den Charakter der Linie besser kontrollieren können Wir wollen nicht nur unser Handgelenk benutzen, weil das nach etwa dieser Entfernung sehr überschaubar wird nach etwa dieser Entfernung sehr überschaubar Mal sehen, wo die Linie zu brechen beginnt. Anstatt sich einfach so vom Handgelenk aus zu bewegen, sollten Sie erwägen, sich so vom Ellbogen oder sogar von der Schulter aus zu bewegen. Wenn ich mich mehr von meinem Arm aus bewege, und zwar sehr schnell, kann ich sehen, dass ich ein stärkeres Kontrollgefühl habe. Egal, wie viel du zeichnest, es gibt immer eine Aufwärmphase , die getan werden muss. An diesen sechs Linien, die Punkt zu Punkt verbinden, können Sie sehen, dass ich immer mehr Kontrolle habe. Ich erinnere mich daran, was es braucht , um meinen Handdruck unter Kontrolle zu bekommen. Aber lassen Sie uns weitere technische Fähigkeiten entwickeln. Mit einer anderen Übung. Wir wollen die sechs Punkte wieder auf dem Bildschirm haben. Dieses Mal wollen wir von schmaler Linienstärke zu wirklich breiter Linienstärke wechseln . Ich habe meinen Stift auf etwa 23% eingestellt, Oberseite ist schmal, die Unterseite ist sehr dick. Ungefähr auf halber Höhe willst du dich irgendwo in der Mitte der Linie befinden Unser Ziel ist es, einen schönen, gleichmäßigen Anstieg bis zur vollen Dicke der Linie Wie Sie anhand dieser kleinen Lektion feststellen, gibt es in meiner Linie zu diesem Zeitpunkt nicht viel Symmetrie zwischen Anfang und Ende , denn egal, ob Sie Rechts- oder Linkshänder sind, die Verjüngung Ihrer Linie wird sich am Anfang anders anfühlen , bis Sie wirklich viel Kontrolle über Ihre Stifttechnik Ich würde ehrlich gesagt für mich selbst sagen, dass ich nicht viel Kontrolle habe Ich finde, das unbequeme Gehen ist wirklich überzeugend. Warum glaube ich das? Weil Charles Schultz vielleicht einer der bekanntesten Künstler war, der mit Linien arbeitete , und sein Wert als Künstler war die Tatsache, dass seine Linie diesen nervösen, einzigartigen Charakter hatte, einzigartigen Charakter auf seine Figuren projiziert wurde Ihre Persönlichkeit war direkt der Qualität der Linie verbunden, die Charles Schultz 4. Ablauf von Lektion 2: Ordnung. Lektion zwei, Höhepunkt, Schatten und Tiefe. Lassen Sie uns zunächst selbst beweisen, wie schnell Linienstärke tatsächlich die Tiefe einer Szene bestimmen kann. Lassen Sie uns einfach eine Kiste zeichnen. Es stellt eine Komposition dar, ein Fenster, einen Raum- und Zeitrahmen Wir werden eine Kreisform festlegen. Und die Mitte des Rahmens mit einer mittelgroßen Linienstärke. Stellen Sie sich vor, dieser Rahmen hat eine Bühne, und lassen Sie uns hier eine Linie platzieren die die Horizontlinie, den Himmel, den Boden und das Objekt auf dem Boden darstellt den Himmel, den Boden . Nehmen wir nun an, wir möchten einen weiter entfernten Kreis in den Hintergrund stellen . Wir wollen ihn nicht nur näher am Horizont zeichnen, sondern auch die Linienstärke ändern. Wenn wir eine geringere Linienstärke wie diese verwenden, fühlt sich das Objekt weiter entfernt an. Es hat ein Gefühl für die sogenannte atmosphärische Perspektive, was im Grunde bedeutet, dass Luft undurchsichtig ist Je weiter etwas entfernt ist, je mehr Luft zwischen unserer Sicht von dem Ding und dem Ding liegt, desto leichter fühlt es sich an Wenn wir nun einen Kreis aus der Nähe in den Vordergrund stellen wollen , skalieren wir unser Linienwerkzeug ein wenig und zeichnen ihn hier. Da ist der Rand eines Kreises ganz in unserer Nähe. Es passt kaum, überhaupt nicht in den Rahmen. Jetzt können wir dieses Spiel noch mehr spielen. Nehmen wir an, wir möchten zwei Objekte zwischen diese beiden Objekte platzieren . Jetzt haben wir hier einige Regeln. Das ist Mittelgrund, das ist Hintergrund und das ist Vordergrund Etwas befindet sich zwischen dem Vordergrund und dem Mittelgrund , die Linienstärke muss zwischen diesen beiden Da passt ein seltsamer kleiner Kreis genau hinein. Nehmen wir an, es ist zwischen dem Mittelgrund und dem Hintergrund. Wenn die Linienstärke zwischen diesen beiden liegt. Sobald wir einige Regeln für unsere Linienstärke festgelegt haben, kann sich unsere Zusammensetzung einheitlich, glaubwürdiger, ansprechender und klarer anfühlen, wenn wir anfangen, uns an diese Regeln zu In diesem Fall hat die Linienstärke innerhalb dieser Zusammensetzung eine eigene Sprache Nehmen wir nun an, wir möchten die Linie verwenden , um Lichtwerte zu ermitteln. Eine ziemlich häufige Zeichenübung, wenn Sie zum ersten Mal lernen, Ihre Bleistiftwerkzeuge zu benutzen Ihre Bleistiftwerkzeuge , ist das Zeichnen einer Skala mit fünf Werten. Eins, zwei, drei, vier, fünf, wobei eins für den hellsten, hellsten und fünf für den tiefsten Punkt steht, was als Kernschatten bezeichnet wird veranschaulichen Diese fünf Lichtwerte wollen wir nun anhand der sogenannten Schraffur es sich in diesem Fall im Grunde nur um vertikale Linien mit gleichmäßiger Stärke unterschiedlicher Dichte . Je näher die Linien beieinander liegen, desto dunkler ist es. Je mehr Abstand zwischen den Linien, desto heller ist es. Ich werde einfach wirklich gleichmäßig sehr dichte vertikale Linien zeichnen. Der Punkt, an dem sie sich tatsächlich überlappen. Das ist in dieser Welt dieser Komposition, das ist der tiefste Wert des Schattens, den wir erzeugen können und das ist die hellste Menge an Glanzlichtern, die wir Anstatt eins, zwei, drei, vier zu gehen, springen wir jetzt in die Mitte, wir gehen zu Feld Es ist einfacher, unsere Lichtquelle auf diese Weise auszubalancieren. Jetzt wollen wir in Bezug auf die Liniendichte etwas finden , das zwischen diesen beiden Optionen passt. Ich werde meine Linien schön gleichmäßig verteilen sodass mein Grauwert zwischen starkem Licht und Kernschatten liegt. Versuchen wir nun, vier zu machen. Es wird in seiner Linienstärke und Linienführung nicht so dicht sein wie bei fünf, aber es wird nicht so dünn sein wie drei, es wird etwas enger sein Jetzt werden zwei etwas spärlicher sein. Es gibt eine Skala mit fünf Werten. Glanzlicht, drei Grauwerte und der tiefste Kernschatten Wenden wir das auf eine wirklich einfache Zeichenübung an. Lassen Sie uns ein Rechteck im Raum zeichnen. Mit Raum meine ich nicht einfach im Raum zu schweben, sondern auf einem Tisch zu sitzen. Stellen wir uns nun vor, die Lichtquelle kommt aus dieser Richtung und zeigt schräg nach unten. Jetzt besteht unsere Herausforderung darin, unser Farbwerkzeug zu nehmen und diese fünf Werte für Licht und Schatten zu verwenden diese fünf Werte für Licht , um die Lichtquelle für diesen Raum zu bestimmen Nun, ich weiß, dass die Rückseite dieses Felds am wenigsten Licht bekommt Ich mache es wirklich dunkel und stelle Wert fünf dar Nehmen wir nun an, die Oberseite erhält mehr Wert von zwei bis drei. Beachten Sie die Richtung, in die ich meine Linien ziehe. Ich folge den Winkeln der Oberflächen. Nennen wir das eine Zwei und dann sagen wir, das ist eine Drei. Jetzt können wir noch ein bisschen weiter gehen und weil es sich um einen Raum mit einer flachen Oberfläche handelt, können wir unseren Kernschatten über den Boden ziehen. Nun, selbst diese wirklich einfache Übung zeigt uns die Macht der Liniendichte und wie sie sofort evozieren kann, ohne zu sehr zu erklären, wo sich Lichtquellen im Raum befinden, sowie die Form des Objekts im dreidimensionalen 5. Ablauf von Lektion 3: Okay. Lektion drei wird sich darauf konzentrieren, Form zu verwandeln, eine zweidimensionale Wiedergabe eines Dings in die Form des Dings, das heißt, das Gefühl einer dritten Dimension hinzuzufügen, einem Objekt das Gefühl zu geben, dass es in einer Zeit und an einem Ort existiert. Die gute Nachricht ist, dass wir bereits verstehen, wie Linie Licht darstellen kann . Licht ist der wesentliche Aspekt etwas von einer Form in eine Form zu verwandeln. Für diese Übung wird es sehr hilfreich sein, ein Referenzfoto zu finden, mit dem man arbeiten kann. Ich bin schon so weit gegangen, zu Pintris zu springen und ein Stillleben zu finden Ich werde seine Grundform skizzieren , ungefähr einen Kreis Sind Schatten ein Kreis und seine kleine Spitze ist ein Ding. Es ist ungefähr da. Es hat diese Unvollkommenheit hier. einigen schönen, klaren, einfachen, aber breiten Gesten werde ich die Form dieses Objekts finden, aber auch meine Linie nutzen, um den Charakter zu entwickeln und meinen Stil auszudrücken Getönt. Ich neige dazu, zuerst die Schattenbereiche zu zeichnen, weil es einfacher ist die dunkleren Bereiche einzufangen . Sobald ich mich daran gewöhnt habe, kann ich etwas heller nach unten drücken Es gibt eine Skizze des Objekts. Nur zum Spaß. Lass uns ein Farbwerkzeug mischen und schauen, was passiert, wenn unsere Linie ein bisschen sauberer ist Nur der Abwechslung halber wir hier ein wirklich unordentliches Farbwerkzeug Schauen wir uns unsere drei Skizzen an und was passiert, wenn wir uns mit einem Objekt vertraut machen Je mehr wir es zeichnen, desto mehr verinnerlichen wir einige seiner Eigenschaften und können ein Gefühl für Abstraktion und Stil entwickeln Die erste Version ist etwas pingeliger, was den Stiel angeht. Das Gleiche gilt für den zweiten. Als ich zu diesem Pinselwerkzeug wechselte, hatte ich etwas an sich, das mich dazu brachte , mich etwas mehr mit diesem Element zu befassen. Als ich dann zu einem unordentlichen Werkzeug zurückkehrte, einem Tool, das sehr chaotisch war, konnten wir sehen, dass es einfach ist Ich habe es mit einer gewissen Geschwindigkeit gerendert und es hat entschieden, dass die Informationen dieses kleinen Stammes, die visuellen Details , so wie sie existieren wirklich an Bedeutung verloren haben und es abstrakt wurde Es wurden rücksichtslose kleine Strichzeichner, ein paar kleine Zickzackmuster Sie verleihen ihm eine einzigartige Qualität, sagen dir aber nicht genau, was das Entwicklung unseres Tuschstils haben wir dieses Gleichgewicht zwischen dem, was wir auf eine Weise wiedergeben, die Informationen liefert, und dem, was wir abstrahieren , um einen Stil zu entwickeln Wenn wir mit diesen beiden Dingen hin und her rechnen, finden wir schließlich einen Look unsere Arbeit, der absolut einzigartig ist 6. Ablauf von Lektion 4: In Lektion vier wollen wir etwas näher erläutern und vertiefen, das wir in Lektion drei behandelt haben. Diese Idee, sich mit Ihrem Thema so vertraut zu machen , dass Sie Ihren Stil in Abstimmung mit dem, was das Ding tatsächlich ist, entwickeln können Ihren Stil in Abstimmung . sich mit dem Design so vertraut, dass Sie Dinge weglassen und den Ton ändern und es sich zu eigen machen können. Schauen wir uns ein ziemlich geschäftiges Stilllebenfoto an. Wenn ich das in meinem eigenen Stil zeichnen möchte, muss ich in der Lage sein, es in seine wichtigsten Elemente zu zerlegen . Lassen Sie mich eine Skizze über dem Foto anfertigen, um Ihnen genau zu zeigen , was ich gerade betrachte und was ich wissen muss, um meine eigene Version davon zeichnen zu können. Lass es uns auf Schwarzweiß umstellen. So können wir uns auf seine Lichtwerte konzentrieren. Noch wichtiger ist es , sich von dem zu distanzieren , was das Thema eigentlich ist. Betrachte es einfach als Dinge Es sind nicht mehr Fisch und Zitronen und Brot und Petersilie. Es sind ein Haufen von Objekten in einem Raum. Lassen Sie uns herausfinden, wie sie positioniert sind und was ihre grundlegende Formsprache ist. Lassen Sie uns zunächst beurteilen , in welcher Richtung einige dieser Objekte platziert werden. Die beiden Fische bewegen sich so. Das Brot steht so schräg. Die Zitronen fühlen sich rund und flach an. Und das sind kleine Flachbarsche. Schauen wir uns nur die grundlegenden Geometrien an, die hier vorkommen. Wir haben diesen Kreis, diese langen Ovale und wenn wir diese Dinge zum Leben erwecken wollen, müssen wir einfach ein bisschen mehr visuelle Informationen hinzufügen ein bisschen mehr visuelle Informationen Hier gibt es eine ziemlich übersichtliche illustrierte Skizze. Wir können sagen, was unser Thema ist. Wir können meine Vorstellung von den Oberflächen erkennen, auf denen es sitzt und etwas mehr Schatten darunter wirft. Wir können kleine Informationen hinzufügen, die uns die Textur mitteilen, und sogar kleine Informationen , die Licht implizieren. Diese Skizze bietet eine gute Ausgewogenheit an Informationen, die wir über das Stillleben wissen wollen, sowie viel Freiheit, das Ganze auf unterhaltsame Weise zu lockern und einzufärben, ohne das Gefühl zu haben, dass wir alle visuellen Details des Designs festhalten müssen alle visuellen Details des Designs festhalten Vor diesem Hintergrund gehe ich zurück zum Originalfoto und werde die locker mit Tinte übermalen Mein Skizzierprozess hat mir geholfen, es kennenzulernen. Technische Aspekte dieses Entwurfs. Die Sichtweise, die Anordnung der Dinge zueinander , Ersatz auf dem Tisch und mir selbst eine Vorstellung davon zu geben , wie ich will und was ich über sie darstellen möchte. nun die Details angeht, verbessern Dinge, die ich zeichne, in der Regel einen Aspekt der Form des Entwurfs oder einer Textur. Da haben wir's. Ein schöner lockerer Stil mit leichter Tinte. 7. Klassenprojektsequenz: Klassenprojekt sind für mich immer zwei Ziele. Das eine ist ein Gefühl des persönlichen Ausdrucks und das Herausbringen einiger Ideen, die vielleicht schon eine Weile in Ihrem Kopf leben, und etwas zu schaffen , das für Sie einfach den Moment anspricht. Die andere ist der Versuch, die technischen Aspekte neuer Fähigkeiten unter einen Hut zu bringen und sie in Ihren kreativen Prozess einzubeziehen Für unser Klassenprojekt werden wir zunächst die einzelnen Schritte und Ziele besprechen Schritt eins besteht darin, ein wirklich einfaches Stillleben einzurichten. Eines, das etwas über Ihren kreativen Raum verrät. Persönliches Thema, Dinge, die mit Ihren Kunstvorräten oder Ihren Inspirationen zu tun haben , oder einfach Dinge, die Sie essen und die Sie ernähren, während Sie Kunst machen Schritt zwei, mit einem Stillleben besteht darin, eine gute Gelegenheit zu schaffen diese neuen Fähigkeiten zu üben Es sollte Dinge am Stillleben-Setup geben, die uns dazu inspirieren werden , Folgendes zu tun. Arbeite an unserem Sinn für Linienkontrolle, arbeite an unserem Sinn für Lichter, Schatten und Tiefe. Arbeite an unserem Gefühl, Form in Form zu verwandeln , und arbeite an unserer Klarheit, unserem Ton und unserem Stil. Unser Stillleben sollte idealerweise aus der Beobachtung heraus entstehen, aber um den Aufbau dieser Lektion zu vereinfachen, habe ich hier ein paar Fotos, die Ihnen zeigen was ich mir bei der Arbeit tatsächlich anschauen werde. Natürlich sind Fotos immer ein guter Bezugspunkt, damit Sie lernen, das Thema wirklich als das zu sehen, was es tatsächlich ist, und wie Licht und Schatten in einem Raum wirken. Lass mich dir die Fotos zeigen, die ich gemacht habe. Ich habe es sehr einfach gehalten. Ich habe kein schickes Fotostudio. Ich habe gerade einen meiner Zeichenblöcke genommen, ihn mit ein paar sauberen Blättern geöffnet und ihn an die Wand gelehnt, einem seltsamen Winkel zu einigen Lichtern an der Decke in meinem Studio Zufällig funktioniert das ganz gut, um ein Stillleben einzurichten Also, das war mein erstes Foto. Oft muss ein Stillleben ein wenig überarbeitet werden, um wirklich zu einer großartigen Lösung für Ihre Ziele mit Ihrer Zeichnung zu gelangen . In diesem Fall habe ich ein bisschen zu viel Thema. Ich denke, ich muss nicht all diese Dinge zeichnen, um die Techniken zu üben, auf die ich mich konzentrieren möchte. Ich habe vereinfacht. Ich nahm den Buntstift und den Pinsel heraus und konzentrierte mich einfach auf die Idee der Tinten. Was mir auffiel, als ich anfing, den Stift zu bewegen, ist einen wirklich schönen Schatten an der Wand erzeugt, wenn man ihn im richtigen Winkel neigt. Man kann sich den Stift selbst und die kleine Schlüssellochöffnung darin tatsächlich gut ansehen kleine Schlüssellochöffnung darin Ich habe mein Stillleben in Procreate importiert und werde zunächst die Sättigung anpassen, um Farbabweichungen im Grunde zu entfernen, und ein bisschen mit der Helligkeit spielen, um mir ein Gefühl dafür zu geben mir ein Gefühl dafür wo die Schatten und Lichter am stärksten sind Wenn ich anfange, die Helligkeit zu erhöhen, bleiben die Flaschen selbst, ihre Verschlüsse, der Stift, Dinge, die mir hier auffallen, diese schöne Unschärfe die durch das Glas entsteht, einige kleine Highlights , die die Form betonen. Warum bringe ich es dann wieder runter und die Schatten kommen rein? Also, das habe ich vielleicht unbewusst gemacht, aber wir haben diese schöne Hand auf einer Uhr, die sich an der Wand spiegelt und genau zwischen diesen Formen in diesem schönen negativen Raum fotografiert genau zwischen diesen Formen in diesem schönen negativen Raum Wir haben hier diesen schönen Bogen. Schau dir dein Foto genau an. Und denken Sie insgesamt nicht daran, was die Motive sind, sondern welchen positiven und negativen Raum sie bilden. Bevor ich anfange, meine Szene mit dem Bleistift zu skizzieren , nehme ich einfach meinen Tintenstift und mache eine sogenannte Notanstudie, und genau das habe ich hier Ich nehme einfach Rot und markiere das Ganze, damit du weißt, wovon ich spreche Eine Notan-Studie ignoriert was die Probanden sind, und betrachtet nur die Werte von Hell und Dunkel innerhalb der Komposition Dinge, die wirklich dunkel sind, sind die Flasche, dieser Verschluss, der Stift Von dort aus haben wir den nächsten Grauton auf der ganzen Linie, das ist dieser Schatten hier, diese Vorstellung von diesem Schatten an der Wand und sogar an den Rändern des Glases. Das sind unsere tieferen Grautöne. Und dann, wenn auf die andere Seite unserer Werteskala springen, haben wir, was sind unsere Highlights? Nun, da ist dieser schöne Raum. Ich habe diesen schönen Raum rund um das Thema. Selbst bei diesem Design erscheint die Flasche selbst größtenteils weiß, die Flasche selbst größtenteils weil die Tinte innen weiß ist. Dann haben wir sogar auf dem Tisch diesen schönen weißen Raum. Die Notan-Studie ist eine Methode , um sich von den Subjekten und ihrer Bedeutung und ihrem sentimentalen Wert und dem Sprung ins Detail zu trennen den Subjekten und ihrer Bedeutung und ihrem sentimentalen Wert und dem Sprung ins Detail zu Sei, dass eine Komposition an ihren Wurzeln zuerst mit ihren Gesamtformen spricht, und dann schauen wir genauer hin, wir finden die Details, wir finden die Bedeutung Aber ich denke, es ist wirklich wichtig, dass die Künstler die positive und negative Raumbilanz ihres Designs erkennen . sie die Komposition mit ihrer Skizze und ihrer Tusche oder dem Medium, das Sie verwenden, erstellen die Komposition mit ihrer Skizze und ihrer Tusche , haben Sie mehr Selbstvertrauen und können sich darauf konzentrieren, was dieses Gesamtbild zum Funktionieren bringt, und Sie verbinden sich sofort Alles klar? Also legen wir das zur Seite. Jetzt, wo wir ein gutes Gefühl dafür haben was in dieser Szene vor sich geht, nehme ich einen Bleistift und skizziere einfach die Platzierung der Dinge und den Maßstab. Ich werde sie nicht mit irgendwelchen Details zeichnen. Ich werde einfach ein paar Formen auf das Blatt bringen und so locker wie möglich eine Struktur aufbauen, die ich mit Tinte übermalen kann, also hier ist unser Eindruck von einer Horizontlinie. Unsere Flasche, diese, unsere Tintenflasche wird da herumlaufen , unsere kleine weiße Tintenflasche wird da rumhängen, und dann das Glas, es ist genau da. Jetzt fange ich an, diese Formen ein wenig auszufüllen und achte dabei sehr genau auf die Entfernung von hier nach hier, die Entfernung von hier nach hier, die Entfernung von dort nach dort, dort, wo sich dieses Ding tatsächlich innerhalb der Komposition befindet . Lassen Sie uns nun den Winkel des Stifts fixieren. In erster Linie ist der Winkel des Stifts wichtig , der ungefähr dem entspricht. Sobald ich den Winkel und die Gesamtlänge kenne, könnte ich damit beginnen, den eigentlichen Stift zu entwerfen. Ein großer Teil der Entwicklung künstlerischer Praxis besteht also darin, nach Schritten zwischen den Stufen zu suchen nach Schritten zwischen den Stufen , weil man dann nie wieder zurückgehen muss. Du baust immer weiter und weiter, Stück für Stück, und du sagst nicht, hoppla, ich muss zurückgehen und diese Dinge reparieren und löschen Je langsamer Sie arbeiten, desto schneller arbeiten Sie und desto stärker sind Ihre Bilder Sobald ich ein Gefühl für die Gesamtformen habe, fange ich an, ein bisschen mehr Formen an sie zu denken. Aber bevor wir das tun, lassen Sie uns diesen Schatten hier an die Wand bringen. Der Bogen geht von dort nach dort. Markieren wir das und machen wir diesen schönen Winkel dieses Stiftschattens an der Wand. Für mich war dieser Stiftschatten ein glücklicher Zufall, und in dieser Phase meines kreativen Prozesses er zum wichtigsten Aspekt. Ein kreativer Prozess wie dieser, Raum für neue Ideen lässt. Das ist es, was Ihr Gehirn vom KI-Gehirn unterscheidet. KI-Gehirn zieht voreilige Schlüsse und hat nicht diese organische Reise eines kreativen Prozesses, bei dem Sie unterwegs Dinge entdecken , die das, was Sie machen, einfach grundlegend verändern All diese Entscheidungen finden in der Arbeit ihren Widerhall und machen es interessant, darüber zu sprechen Wenn Sie darüber nachdenken möchten, wie wir uns von diesen automatisierten Tools abheben, die uns in vielerlei Hinsicht übernehmen, bauen Sie einen umfassenderen kreativen Prozess und Ihre Arbeit wird immer mehr Resonanz finden, wenn Sie das für sich selbst tun. Macht das Sinn? Das hoffe ich. Jetzt, wo ich alles ausgeblendet habe, werde ich anfangen, die Formen und den Winkel dieser Flasche zu finden . Auch hier bin ich nicht wirklich auf der Suche nach Präzision. Ich suche nach einem allgemeinen Sinn für Komposition, um das Tuschen zu inspirieren 8. Klassenprojektsequenz 2: Es gibt genug Skizzen, um mir ein gutes Gefühl beim Einfärben zu Ich werde wieder zu dem Stift wechseln, den ich insgesamt verwendet habe , und nur um mich ein wenig aufzuwärmen. Ich komme hierher und schätze die Breite des Stifts anhand der prozentualen Größe ab die Breite des Stifts anhand der prozentualen Größe Ich möchte eine schöne Variation meiner Linienstärke. Ich möchte in der Lage sein, wirklich kleine Linien zu ziehen, aber auch schön breit zu werden und ohne großen Aufwand feste schwarze Linien auszufüllen Da haben wir's. Löschen wir das und fangen wir neu an. Scheuen Sie sich nicht, einfach Aspekte wegzulassen denen Sie sich noch nicht sicher sind, was Sie damit machen werden Also versuche ich ein angenehmes, lockeres Gefühl zu geben diesen Objekten ein angenehmes, lockeres Gefühl zu geben, ohne mich wirklich auf zu viele feste Schwarztöne festzulegen zu viele feste Schwarztöne weil ich das Gefühl habe, dass ich mit einigen Schatten in dieser Szene verhandeln und mir kreative Freiheiten nehmen möchte einigen Schatten in dieser Szene verhandeln und mir kreative Freiheiten nehmen , besonders wenn ich ins Jahr komme, weil ich im Moment tiefe Grautöne gegen Schwarz habe und ich arbeite wirklich hoher Kontrast mit diesem Stift Das wird Schwarz gegen Schwarz sein, wenn ich anfange, sie auszufüllen, was vielleicht nicht genau das ist, was ich anstrebe. Ich könnte ein bisschen zu matschig werden, um nicht zu verstehen, was wir hier sehen Kanten zuerst, eine nette lockere Hand. Es macht Spaß, mit verschiedenen Materialien zu spielen. Es macht Spaß, das Glas hier, das leer ist, von dem Glas hier, das voll ist, kleine Dinge wie, nun, wie rendere ich dieses kleine Farbdetail an der Seite? Wie wichtig ist das für mein Design. Ich denke, es ist ein subtiles Detail , das Sie vielleicht bemerken oder auch nicht. Es zeigt nur, dass die Flasche benutzt wurde. Eine andere Version davon könnte das unterstreichen. Schauen wir uns diesen Stift für eine Sekunde an. Im Moment fühlt er sich sehr flach an und einen Hauch von Kontur hinzufügen, wird Sie einen Hauch von Kontur hinzufügen, wird dies viel dazu beitragen, die Form und auch die Sichtweise zu zeigen . Wenn wir uns dieses Foto ansehen, lassen Sie mich die Farben wechseln, damit Sie sehen können , dass dies ein sehr wertvoller Blickwinkel ist, genau wie dieser. Das ist super nützlich. Jetzt in unserer Tintenversion weiß ich, dass ich wirklich nur brauche, dass diese Linie und diese Linie hier ziemlich gut zusammenpassen , und das sagt viel über diesen Stift aus. Lassen Sie mich jetzt einfach ausblenden , wohin dieser Schatten gehen wird. Dinge, die ich hinzufüge, wie diesen kleinen Schatten hier auf dem Tisch, Absicht, die Flasche mehr hervorstechen zu lassen und Dinge wie die Platzierung auf der Oberfläche festzulegen, nicht um Ihnen mehr über die Flasche zu erzählen, sondern ihr nur mehr Masse zu verleihen. Da ist ein netter kleiner Schatten , der das Ganze nach vorne schiebt Wir könnten auch diesen kleinen Schatten hervorheben, der sich auch hier unten abspielt Schauen wir hier nach hinten. Wir haben diese nette kleine Lücke, und dann füge ich hier diesen Schatten hinzu. Ich lasse ein bisschen Platz um die Flasche herum, nur um das Detail ihrer Form beizubehalten. Man muss vorsichtig mit Schatten sein weil sie manchmal die Formen von Dingen ausradieren können die Formen von Dingen ausradieren Vorerst stoße ich rein und fast so, als ob diese Aura des Lichts am Rand der Flasche erhalten bleibt Wenn ich das mache, lasse ich diese kleine Lücke, dann kann ich selbstbewusster andere Aspekte der Flasche ausfüllen andere Aspekte der Flasche Das kleine nipplige Ding hier oben hat ein schönes Highlight, dann ist es Ich werde das kleine Highlight dort beibehalten und anfangen, das Ding generell zu schwärzen Benutze ein paar schraffierte Linien zum Füllen , um einige kleine Highlights auf der Flasche selbst zu sparen Bewegen Sie sich in einer Konturlinie die die Form des Objekts enthüllt. Selbst wenn etwas mit Festkörpern gefüllt wird, lohnt es sich wahrscheinlich, sich in der Form des Objekts zu bewegen. Wenn ich Dinge zeichne, die sich in anderen Dingen befinden, versuche ich, meine Linienstärke so zu verringern, dass das Etikett hier eher an der Oberfläche liegt Ich werde etwas schwieriger damit umgehen , einen Hauch von der Typografie und den Formen darin einzufangen von der Typografie und den Formen darin Ich werde sie abstrakt halten denn wenn Sie anfangen, die Schrift auszublenden, zieht das die Aufmerksamkeit auf eine Weise an, die vielleicht nicht das ist, wonach Sie suchen Halten Sie die Dinge abstrakt, vor allem, wenn es sich Informationen wie Buchstaben, Zahlen oder Logos handelt Okay. Kommen wir zu diesem Stift. Etwas, das ich darauf bewahren möchte , ist die Vorstellung vom Charakter des Stiftkörpers. Ich wollte erklären, dass da ein netter kleiner Riss passiert. Ich will das speichern. Das ist die Textur vom Typ Kork. Dann nur ein paar schraffierte Linien, um zu zeigen, dass es ein Material handelt, das sich von dem darunter liegenden Material unterscheidet Nun, der Griff selbst hat ein schönes Highlight, aber er ist größtenteils durchgehend schwarz Das Highlight befindet sich auf der gegenüberliegenden Seite, genau dort. Ich werde versuchen, das zu speichern und es so beizubehalten , wie ich im Körper des Stifts bin. Kommen wir nun zurück zum Schatten des Stifts selbst. Als Karikaturist ist Silhouette eine große Sache für mich. Silhouette ist gleichbedeutend mit Ikonographie, Vertrautheit. Das ist etwas, das sich wirklich gut für Erzählungen eignet. Ich liebe es einfach, die Silhouette von etwas zu finden und es so richtig zur Geltung zu bringen. Dieser Stift hat zu diesem Zeitpunkt fast eine karikaturhafte Silhouette Ich nehme mir nur eine künstlerische Freiheit und lasse ihn so hervorstechen, dass er vielleicht nicht ganz stimmt, was meine Fotoreferenz eine künstlerische Freiheit und lasse ihn so hervorstechen, dass er vielleicht angeht So schnell wir hier sind, können wir fertig sein. Schau dir das kleine Detail an. Das ist in Ordnung. Das werden wir da hinkriegen. Also hier ist mein Tintenstillleben, ein paar Objekte aus meiner kreativen Praxis, in einem schönen, lockeren, texturierten indischen Stil spiele mit der Linienstärke, konzentriere mich auf Lichter und Schatten und versuche, diesen Objekten in der Szene ein wenig Tiefe zu diesen Objekten in der Szene ein wenig Tiefe Das ist meine Aufgabe, diese Linie tatsächlich zu vermitteln. Mein, Horizont, läuft in meinen Schatten. Ich verwandle meine Formen in Formen, indem ich die Konturen der Objekte hinzufüge, und ich erzähle ein wenig über das Gefühl, mit diesen Materialien zu arbeiten, die Unordnung der Tinte, die auch ihr Charakter ist , dieses Gleichgewicht chaotischer Materialien, aber auch die Präzision des Ich denke, das ist alles da und so, wie ich tinte, und ich denke, das ist eine großartige Möglichkeit , darüber nachzudenken, wie man seinen eigenen Stil entwickeln kann, unabhängig von der Balance zwischen Klarheit und Ton. Das ist unser Klassenprojekt. Im nächsten Kapitel werden wir nur ein wenig zusammenfassen. Gehen wir also dazu über. 9. Wrap-it Up-Sequenz: Okay, ich hoffe, Sie hatten Spaß beim Erkunden von Stift und Tinte, und wenn dieser Kurs Sie dazu inspiriert hat ein Klassenprojekt zu erstellen, würde ich es gerne sehen. Sie können es im Bereich Klassenprojekte auf Skillshare veröffentlichen Bereich Klassenprojekte auf Skillshare Ich schaue jeden Tag vorbei , um zu sehen, ob es neue Arbeiten von aufstrebenden Künstlern gibt , und ich liebe es, Feedback zu geben und dich zu den nächsten Schritten auf deiner kreativen Reise zu führen zu den nächsten Schritten auf deiner kreativen Reise Ich habe einen Kanal über 20 Kursen, die sich auf erzählerische Kunst, Cartooning, Comics und weitere Techniken mit Stift und Tinte konzentrieren Cartooning, Comics und weitere Techniken mit Stift und Tinte wie wir sie heute behandeln Wenn Sie also einen Moment Zeit haben, um eine positive Bewertung für diesen Kurs abzugeben, wäre das wirklich nett, weil es hilft Andere entdecken es. Als Bonuskapitel werde ich mich nun mit einigen Künstlern befassen, die meine Arbeit und diesen Kurs im Allgemeinen beeinflussen. Wenn Sie sich mir dort anschließen möchten, wäre das großartig. Ansonsten treffe ich dich beim nächsten Mal und freue mich auf deine Arbeit. 10. 10 Inspirationssequenz: Ich habe über die Techniken nachgedacht, auf die ich mich in diesem Kurs konzentrieren wollte Ich konnte nicht anders mich an einen meiner Lieblings-Graphic Novels zu erinnern, illustriert von Jillian Tamaki, einer zeitgenössischen Illustratorin und Karikaturistin Sie arbeiten in den Bereichen Comic-Kunst, Illustration und Kinderbücher Illustration und Kinderbücher Dieser eine Sommer ist vielleicht meine Lieblingsarbeit, an der sie beteiligt waren. Es sind inspirierte Dinge, die ich gemacht habe. Gillians Tuschearbeit zeichnet sich Lockerheit und Kontrolle und eine bemerkenswerte Klarheit Und sie zeichnen alltägliche Motive, sie haben emotionales Gewicht, aber sie fühlen sich auch an, als wären sie Auszüge aus Sie sind so persönlich und einfach , fast ein Gedankengang und sie sind launisch Da ist diese nette, fast kursive Schreibweise ihrer Strichzeichnungen. Es fühlt sich elegant und locker an und es gibt so viel Textur der Werkzeuge Man merkt, wie sicher sie mit ihrer Arbeit sind. Obwohl sie in ihren Strichzeichnungen so viele Ideen und Themen untersuchen , gibt es eine Lockerheit, die dafür sorgt, dass sie sich immer noch leicht ungelöst oder offen anfühlen , wie eine verblassende Kann sein. Das ist Jillian Tamaki Als Nächstes werden wir uns den Karikaturisten Walt Kelly ansehen Karikaturisten Er ist vor allem als Schöpfer des Pogo-Comics bekannt, von den frühen 40ern bis in die 1970er Jahre lief Da sich Strichzeichnungen wie ein Gummiband anfühlen , würde ich sie wohl so beschreiben Es ist elastisch. Es ist effizient. Es ist voller Energie, potenzieller Energie, aber es gibt auch diese Wärme in seinen Charakterdesigns, die durch seine Strichzeichnungen zum Ausdruck gebracht wird. Sie eignen sich hervorragend für einen Motivausdruck sowie für lockere, klebrige, fast szenhafte Designs Es ist eine perfekte Formel für Cartoons. Ganz gleich, ob er diese riesigen Bäume oder eine Schildkröte oder einen Vogel zeichnet , es herrscht ein unglaubliches Arbeitsempfinden , das durch seinen lockeren, konsistenten Stil vereint wird guter Letzt werden wir uns Tomi Ungger ansehen , der ein produktiver Illustrator ist Ihre Karriere reicht von politischen Cartoons mit sehr Plakatkunst, redaktionelle Arbeit und Kinderbücher. Sind Tuschezeichnungen von dieser mutigen, wirklich sparsamen Präzision. Sie sind furchtlos in der Art und Weise, wie sie mit wenigen entscheidenden Strichen kommunizieren Aber natürlich können sie trotzdem verspielt sein, und dieser Ton ist den starken Kontrast und die grafische Klarheit zurückzuführen, die vorhanden und nicht so sehr auf die kleinen Details Sein Stil zeigt wirklich, wie eine starke illustrative Stimme an alle verschiedenen Erzählformen anpassen kann alle verschiedenen Erzählformen und dabei unverkennbar klar und individuell bleibt