Auguste Rodin: zwischen klassischer und moderner Skulptur

1. Ein Intro zu diesem Kurs in der Kunstgeschichte: Hallo Leute, und willkommen zu dieser neuen kraftvollen Kunstgeschichtsstunde. Wir machen einen guten Spaziergang durch die erste moderne Skulptur. In früheren Lektionen haben wir etwas über die impressionistischen, robusten Zeitgenossen gelernt. Deshalb lade ich Sie ein, zurückzugehen, um das heutige Lernen zu ergänzen. Ich bin Paulina. finden Sie ständige Updates und Neuigkeiten sozialen Medien finden Sie ständige Updates und Neuigkeiten über meinen Kunstgeschichtstunnel. Denken Sie daran, dass die heutige Klasse für jedes Niveau geeignet ist. Sie benötigen also keine Vorkenntnisse, um das Quiz beantworten zu können , das Sie im Projekt finden, bei dem Sie die Radararbeit unter anderen Bildern ohne weiteres identifizieren müssen . Lasst uns in der heutigen Klasse anfangen, Anfälle zu überlagern. 2. Rodin, das moderne: Hallo Leute. Heute werden wir über die berühmteste Skulptur Frankreichs sprechen, einen Ghost Hold on. Zeitgenössisch, obwohl nicht gerade Teil der impressionistischen Bewegung, und gilt als Vater der Mutterkultur. Mit ihm. Die Suche nach mir, Mrs., endete. Und das neueste kulturelle Konzept wurde in Bezug auf das Denkmal und die öffentliche Skulptur geschaffen . Er kritisierte seine Zeit für das unvollendete Aussehen vieler seiner Werke. Aber das ist spontane und ausdrucksstarke Modellierung wird, wie wir wissen, die Zukunft sein. Mit ihm verabschieden wir uns zum ersten Mal von den Mänteln der Royal Academy of Painting and Sculpture. Das bedeutet natürlich nicht, dass die Künstler die Regeln der Ästhetik seiner Zeit und der Zeit seiner Vorgänger nicht kannten oder beherrschten Regeln der Ästhetik seiner Zeit und der . 3. Vor Rodin die Ursprünge: In der Kunst wie im Leben wird nichts aus dem Nichts geboren. Und Rodin, unser moderner Mann, wurde ständig von den Klassikern der Renaissance und dem Barock angezogen und beeinflusst . Michelangelo zum Beispiel glaubte, dass in jedem Marmorblock eine Seele steckt, ein lateinisches Wort, das er wiedererlangen wollte. Im Fall von David, den multiplen Brüchen und falschen, die der Buchhut hat, führen wir Michelangelo zur endgültigen Form der Skulptur. In Michelangelos David sehen wir ein Bild von Zehner Ruhe, in dem der Held in den Momenten vor seiner Konfrontation mit Goliaths auftaucht , Davids Körper ist der eines muskulösen Mannes, nicht das des Jungen, den wir in den beiden vorherigen Versionen dieser Skulptur von Donatello und Baroque sehen, erscheint David angespannt, anstatt wie in den beiden vorherigen Versionen als Sieger wie in den beiden vorherigen Versionen zu wirken und bereit für den Kampf. Sein Körper ist mit einem leichten Kontrapposto angeklagt, seine Augen auf sein Ziel gerichtet hält und die Stirn runzelt. In der Hochrenaissance, der Contrapposto betrachten wir ein Symbol der alten Skulptur, zu der Zeit hoch geschätzt, Der David wurde das Paradigma der Renaissance ist Kultur. Dank dieser intelligenten Nutzung dieser ästhetischen Elemente. In diesem Bild sehen wir andererseits Berninis Version von David. Im Gegensatz zu Michelangelos David sehen wir einen Charakter in voller Aktion, in totaler Anstrengung und Konzentration. Es ist der grundlegende Unterschied zwischen Renaissance und Barockkunst. In dieser Phase des Barocks muss Rodin den Naturalismus der Formen, Materialität und die Art und Weise, wie das Helldunkel des 2D beispielsweise von der Caravaggio-Malerei zur Skulptur transportiert 2D beispielsweise von der Caravaggio-Malerei wird, übernehmen. Als gäbe es keine Barrieren zwischen den verschiedenen künstlerischen Disziplinen. Da Bernini zunächst ein Revolutionär war, war er derjenige, der das Werk dem Betrachter näher brachte und ihn dazu brachte, an der Aktion teilzunehmen und die traditionellen Grenzen der Kunst zu durchbrechen. Als guter Barock schätzte er Bewegung. Seine Kleidungsstücke zum Beispiel vergrößern die Falten nicht mehr auf klassische Weise, sondern er dreht und formt sie, um die Dynamik und Aufregung zu erhöhen. Die komplexen Beziehungen zwischen der Skulptur und ihrem umgebenden Raum sind ebenfalls sehr neu. Natürlich. Hier gibt es einen Unterschied, den Sie bei der Unhöflichkeitsarbeit feststellen werden. Bernini dachte, dass viele von ihnen ab einem bestimmten Punkt beobachtet werden sollten. Während Rodin weiß, dass seine Skulpturen aus allen möglichen Blickwinkeln absurd sein werden . In diesem erstaunlichen, verdrehten Kontraposto gelang es Bernini, den Marmor in Fleisch zu verwandeln. Die Figuren scheinen am Leben zu sein, für einen Moment eingefroren in der Raserei des Kampfes. Es ist das dritte Mal, dass wir vom Vorsitzenden contrapposto sprechen. Es wäre praktisch , es klar zu definieren. Auch bekannt als Schlüsselasthma. Es ist ein italienischer Begriff, der die harmonische Opposition verschiedener Körperteile in der menschlichen Figur bezeichnet der die harmonische Opposition verschiedener , die für eine bestimmte Bewegung sorgt und dazu beiträgt, das Gesetz der Frontalität zu brechen. Das ist ein harter Wettbewerb. Bekannt auch von Antonio Canada , der 150 Jahre nach Bernini daran arbeitet, das Wesentlichkeitsthema und einen strukturierten zu einem polnischen Neoklassizismus zu transportieren das Wesentlichkeitsthema und einen . Es beeinflusst die Disziplin einer Skulptur in ganz Europa bleibt ein Hinweis auf das 19. Jahrhundert, insbesondere bei den Skulpturen in der akademischen Gemeinschaft. Seine Arbeit, Taktilität, ist von größter Bedeutung. Und aus dieser Wahrnehmung heraus werden seine Skulpturen geschätzt. Aus diesem Grund sprechen wir, wenn wir uns auf die Betrachtung seines Eides beziehen , von der Vision der Hände. Irrtümer und Psyche zeichnen sich durch die Übertragung von Elitismus in diesem Einstellungsmaterial und durch seine Linien mit einem starken Sinn für Richtung und Rhythmus sowie durch einen meisterhaften Umgang mit Marmor aus. Wir sehen auch ein sehr gegenwärtiges Merkmal in der Arbeit der Skulptur Poly Focality. Um über den Willen des Stücks nachzudenken, müssen wir es in einer Reihe von Positionen durchgehen , die Altair unsere Vision bereichern. Eine Eigenschaft, die unser Freund gerade Skulptur 100 Jahre später sehr gut studiert haben wird . In Echtzeit. Der Einfluss all dieser Klassiker und Neoklassizismus ist offensichtlich. Aber ein Experiment und Odisha diese Zeit ist ebenso sichtbar in ihm arbeitet in ständiger und radikaler Innovation. Es wird gesagt, dass es in seiner Studio-Werkstatt auffallend war, nackte Models zu sehen , ohne zu posieren, und Rodin beobachtete sie in ihrer Bewegungsfreiheit und fängt sie in ihrer Gesamtheit ein. Der Bildhauer pflegte zu sagen: Ein Künstler sollte kein Sklave des Modells sein. Vielleicht ist seine Arbeit deshalb so fließend, lebendig und voller Nuancen. Francoise, weil hoedown im November bis 121840 in Paris in einer bescheidenen Familie in einem Haus des fünften Bezirks der Pariser Hauptstadt geboren wurde im November bis 121840 in Paris in einer bescheidenen Familie in einem Haus des fünften Bezirks der Pariser Hauptstadt geboren in einer bescheidenen Familie in einem Haus des . Im Jahr 1848, anstatt die Schule der Brüder der christlichen Lehre zu betreten . Und 1850 begann zu zeichnen, nachdem er die Schule endgültig verlassen hatte. Interessant, Die Künste wurden schon früh enthüllt , als er 14 war, sein Vater schickte ihn zum Special Imperial ist cool im Zeichnen in Mathematik, bekannt als der Potato Call. Er versuchte dreimal erfolglos, die School of Fine Arts zu besuchen. Aus diesen Gründen begann er seine Karriere außerhalb der institutionellen Kanäle mit einem Studium der Anatomie bei Antoine am National Museum of Natural History. diese guten Talente nutzen, um selbst die größten Talente zu kennen, kennen wir unsere Kraft auf harte Weise. Nachdem er in seinen ersten kreativen Jahren verschiedene Werke der kreativen Künste gemacht hatte. Erst 1875 begann er , an einem seiner ersten großen Erfolge zu arbeiten , der Bronzezeit. Wie bei anderen Künstlern gab es ein bestimmtes Ereignis , das sein Leben veränderte. Die Reise nach Italien, wo er die Gelegenheit hatte , die großen Meister der Renaissance zu treffen. In einem Brief an den Braten sein langjähriger Begleiter aus Italien auf und schrieb: „ Man kann etwas nicht auf den ersten Blick beurteilen, aber man wird sich Man kann etwas nicht auf den ersten Blick beurteilen, nicht wundern, wenn ich Ihnen sage, dass ich Michelangelo studiert habe . seit meinem ersten Turm in Florenz. Und ich denke, der große Zauberer verrät mir einige seiner Geheimnisse. Zurück in Brüssel er den Putz der Bronzezeit fertig , den er 1877 ausstellte, wo er seine eigene begrenzte Beherrschung des Körpers unter Beweis stellte. Ein Journalist schrieb, das Stück habe eine ebenso seltene wie kostbare Qualität. Diese Vitalität brachte die Kritiker Sache, dass die Maulwürfe zusammengebaut wurden, direkt aus dem Körper des Modells und nicht aus einem Ton der vom Künstler hergestellt wurde, wie es bei der Methode von getan werden muss Bronzeguss. Diese Meinung warf Gerüchte die sich Rohde verteidigen musste. Eine solche Anschuldigung war für jede Skulptur unehrenhaft. Und Rohde hatte die Hilfe. Einflussreiche Freunde wie impressionistische Maler und ein Bildhauer des Gottes schafften es , aus dem Streit herauszukommen. Nicht nur siegreich, sondern auch berühmt, was ihn sofort zu den wichtigsten Künstlern in Paris machte. Die Kontroverse um die Bronzezeit weckte großes Interesse an Rodin. Es scheint überraschend, dass jemand, der nie an der Akademie studiert hat, im Mai 1880 so perfekte Formen formen konnte , das Anwesen, aber dieses Tabu und von dort aus, anstatt nicht aufgehört zu empfangen Kommissionen. Um einige Jahre zuvor, 1974, und allein gegen den Preis, in den Kontext zu kommen, eine Gruppe rebellischer Künstler stellte eine Gruppe rebellischer Künstler im Pariser Studio des Gasweges aus, das ziemlich immer noch nicht gezeigt wurde, bekannt als ein anderer unter ihnen, wo Geld Salvo ist, das Kerlsystem. Läutet es eine Glocke? Wir sprechen über die Anfänge des Salons, die Gesamtheit der Abgelehnten. Während dieser ganzen Zeit trennte sich Rodin von der Gruppe der Impressionisten und lebt immer noch in Brüssel Er hatte einen Großteil seines Saftes dem gesammelten Wissen über die menschliche Anatomie gewidmet gesammelten Wissen über die menschliche Anatomie mehr als eine Gelegenheit brachte ihm den MV und die Ermäßigung der von der Akademie der bildenden Künste in Paris anerkannten Skulpturen ein. Dieses heute so berühmte Werk erinnert an einen tragischen Verlust von Paolo und Francesca in Dantes Göttlicher Komödie, nahm Charaktere auf, die vom Ehemann des Mädchens getötet wurden , als er sie schnitt Keasling. Die Künstler erkannten jedoch, dass der Bildhauer tatsächlich Glück und Sinnlichkeit vermittelte. Also beschloss er, daraus eine autonome und unabhängige Arbeit zu machen. Und die Öffentlichkeit taufte es schließlich als Schlüssel und abstrakten Titel, der sich gut in seinen universellen Charakter niederschlägt und einen Triumph reiner leidenschaftlicher Liebe symbolisiert. Rodin kommentierte, Liebe sei eine Blume des Lebens. Als er ein junges Paar in dieser Pose in seinem Studio posierte , um einen realistischen Effekt einzufangen. Die drei Jahre später fertiggestellten Blätter wurden mit der Absicht erstellt , eine Versammlung oben vor den Toren von**** zu bilden , der wichtigsten Inbetriebnahme des Lebens des Künstlers. Sie sind eine Wiederholung des Schattens, wiederum aus dem ersten Studium von Adam oder der Schöpfung des Menschen stammt . Aber diese drei Figuren kontrollieren es viel mehr mit einer sehr ausgeprägten Nackenspannung und einem expliziten Extrema auf einer Achse, Inhaber würde buchstäblich das Konzept ändern wie Sprache a definiert Skulptur, die sich von einer selektiven und greifbaren Nachahmung der Natur zu einer Kunst der Verstärkung und Übertreibung des repräsentierten Lebens entwickelte. Warum sollte es also so lange dauern, bis er wirklich erkannt wird? Er war 37 Jahre alt, bevor er ernsthafte Anerkennung erhielt, und 40, bevor er seine erste öffentliche Kommission erhielt. Aufgeschrieben, nach der traditionellen Methode gearbeitet. Tatsächlich war sein Workshop einer der weniger, die als solcher betrachtet werden können. Früher arbeitete er an dem Konzept der Zettel und fertigte die Stücke dann in Gips, Spaziergängen oder Ton an. Nachdem er mit der Kreation zufrieden war, war er für die Reproduktion der Gipsarbeiten aus diesen Maulwürfen verantwortlich . war es möglich, Marble Works zu zeichnen oder Bronzegussteile in Auftrag Unter der Aufsicht des Meisters war es möglich, Marble Works zu zeichnen oder Bronzegussteile in Auftrag zu geben. Parallel zu seiner Tätigkeit als Skulptur durchlebt Rodin zu allen Zeiten seines Lebens Modale als gemeinsames Element seiner grafischen Produktion. Ab 1890 wurden seine weiblichen Models allgegenwärtig. Der große Erfolg seiner Skulpturen verdunkelte teilweise seine Papiersammlung rund 10.000 Zeichnungen, von denen die meisten in den hilfreichsten Archiven aufbewahrt werden . Nun, viele seiner Zeichnungen oder Skizzen für Skulpturen. Es gibt auch ernsthafte, die zu eigenständigen Werken wurden. Viele davon können nicht als vorbereitende Studien betrachtet werden da es keine Skulptur gibt, die später von ihnen inspiriert wurde. Betrachten Sie für Zeit von untergeordneter Bedeutung in Bezug auf Skulpturen. Sie wurden zu zweit anlässlich der Weltausstellung der Jahrhundertwende vorgestellt . Wie ein Bildhauer selbst sagte, ist es sehr einfach. Meine Zeichnungen sind der Schlüssel zu meiner Arbeit. Entweder in Gips-Ton oder Modellierpaste redounds Ästhetik verwenden Sie den unendlichen Gegenstand D auf fertig. Dieser Begriff wurde von Michelangelo im 16. Jahrhundert eingeführt , bezieht sich auf das Leben in einer Skulptur, die ich fertig bin , und definiert nicht ihre Grenzen. Kritiker haben in einer solchen Aktion ein modernes Konzept gesehen , das dem Betrachter die Tür zur Interpretation öffnet . Rodin begann 1880, diese Fliese zu erforschen, was seinen Skulpturen besonderen vorübergehenden Charakter verlieh, als hätte die Skulptur diese laufende Arbeit aufgegeben. Was den Eindruck erweckt , dass die Figur nach und nach aus einem Block hervorgeht. Gips war für Dans Lieblingsmaterial. Formbarkeit ermöglichte es dem Meister, die Foren zu erkunden und seine Kreationen weiter zu perfektionieren. Die sogenannten unmöglichen Positionen seiner Arbeit waren auf die Tatsache zurückzuführen, dass die Künstler Teile des Körpers verschiedener Werke nahmen und sie zusammenbauten, um eine neue Skulptur zum Leben zu erwecken. Wie in dem Beispiel, das wir links sehen, ist er Gips, ich bin wunderschön von 1882. Aufgeschrieben arbeitete in Gips , um den neoklassizistischen Elitismus zu kritisieren , um den neoklassizistischen Elitismus , der in der Kunst seiner Zeit fortbestand Marmor als einzige offizielle Methode der Warenkultur betrachtete . In Wirklichkeit war das erste, wonach wir in einer Skulptur gesucht haben, Ausdruckskraft unabhängig von anatomischen Regeln. Trotzdem stellt der Putz den ersten Schritt eines Stücks dar , bevor es in Bronze gegossen oder in Marmor geschnitzt werden soll. Das Wachsausschmelzverfahren wird seit über fünftausend Jahren angewendet. Obwohl sich die Techniken und Materialien geändert haben. Die Vorliebe für diese Methoden beruht auf ihrer extremen Treue zum Originalwerk sowie ihrer Haltbarkeit. Der Prozess besteht darin, ein formbares Material auf die vom Künstler geschaffene Skulptur aufzutragen . Auf diese Weise können Sie eine Form erstellen. duktiles Virussystemmaterial Anschließend wird duktiles Virussystemmaterial in die Form eingeführt, sodass ein Duplikat des Originalmodells hergestellt werden kann, das als erstes Kostüm bezeichnet werden kann. Dies wird der Kern der letzten Arbeit sein. Die Dicke des ersten Kostüms ist etwas dünner und wird mit Metallnägeln in die Form zurückgeführt , damit der Kern an Ort und Stelle bleibt. Dadurch entsteht eine Lücke zwischen dem ersten Cassianer und der Form selbst, die mit dem Wachs gefüllt wird. Nach dem Schließen der Form wird heißes Wachs zwischen den ersten Guss und die Häutung gegossen. Das Ergebnis ist, erscheint mit einem Kern aus feuerfestem Material, das mit Wachs bedeckt ist, das originalgetreu von Hand fertiggestellt wird und zu dem die Unterschrift des Künstlers, die Seriennummer und diese Temperatur von Die Gießerei wird üblicherweise eingebaut. Um das Stück herum sind Kanäle eingebaut, die das Entweichen von Wachs und Luft ermöglichen. Auf die gleiche Weise das geschmolzene Metall, in diesem Fall Bronze. Wir können den Platz der Spaziergänge auf einheitliche Weise einnehmen , um diese Skulptur zu schaffen Eine feinkörnige Mischung aus Keramik und Gips wird auf die Oberfläche des Teils aufgetragen und es beginnt. Die geschmolzene Bronze wird dann in die Einbettform gegossen, wo sie an die Stelle des Wachses tritt. Wenn alles abgekühlt ist, zerbricht die Form und das Metall erscheint. Und exakte Arbeit an der vom Künstler geschaffenen Skulptur. Die Überreste der Enten werden entfernt, um keine Spuren zu hinterlassen. Dieses handgefertigte Produkt wird gemeißelt genannt. Wenn die in Bearbeitung befindliche T-Zelle abgeschlossen ist, eine Partner- oder dünne Oxidschicht wird eine Partner- oder dünne Oxidschicht auf die Skulptur aufgebracht. Dass neben dem Schutz Gibbs Farbe und Glanz des Stücks der Prozess aufgrund seiner handwerklichen Natur teuer ist, ist auch sehr aufregend zu beobachten. 4. Nach Rodin die Revolution der Skulptur: Aber eines meiner Lieblingsstücke für seine komplizierten Details Ausdrucks ist, dass die Makler Kelly haben. Er kritisiert die Schärpe von Kelly. Jeff hat gesessen, erzählt. Für König Edward den dritten von England der französische Hafen von Kelly war der französische Hafen von Kelly von größerer strategischer Bedeutung. Im September 1346, nach der Schlacht von Plassey, leitete er nach mehreren Versuchen eine Eroberung der Stadt, aber Englisch, um die Stadt einzunehmen, traf König Edward die Entscheidung die Einwohner der Stadt aufzuhalten. Als König Philipp das sechste Frankreich seine Truppen zurückzog, bot der Spiegel von Kelly dem englischen König die Entkapselung der Stadt an Unter der Bedingung die Einwohner frei werden könnten. Königen, denen Empörung verweigert wurde, dass die Säure bald sinken würde. Und das hat ihn so viel Zeit gekostet, Männer und Geld damit, Bedingungen aufzuerlegen. Die eigene Ma'am des Königs wies jedoch darauf hin, dass der einzige Fehler der Stadt bestand, gewaltsam für ihren König gekämpft zu haben. Schließlich bot der König an, das Leben der Bürger und Einwohner zu respektieren . Wenn sechs bemerkenswerte Männer stattdessen zusammen mit den Schlüsseln der Stadt zu ihm umgaben, gekleidet in Nachthemden und mit einem Seil, das an ihren nächsten gebunden war. Auf diese Weise meldeten sich sechs prominente Bürger freiwillig und übergaben die Schlüssel und ihr Leben. Die Königin, Phillipa einer Eule, hatte Mitleid mit ihnen und bat den König um ihr Leben , der zustimmte und ihnen erlaubte , mit Pay-Cardi in verschiedene Städte zu fliehen Die Farbe blieb bis 1558 in englischer Hand. Im Herbst 1884 an die Gemeinde Kelly bei wieder aufgenommen Projekt für die Schaffung des Denkmals als Hommage an die Bürger zu illustrieren. Erhielt die Kommission 1885. Und nach fast vier Jahren Arbeit an Skizzen war die Skulptur 1888 fertig , mit fast zwei Meter hohen Figuren , die schließlich 1895 eingeweiht werden sollten. Jahre danach präsentierten sie das erste Modell. Rodin entwickelt die Figuren getrennt und verwendet energische Männer als Vorbild. Er führte unzählige Studien in verschiedenen Maßstäben und Haltungen von Miho Good Opferung durch. Dem Künstler ist es gelungen, einen einzigartigen emotionalen Zustand einzufangen. Dramatiker über Herzschmerz, das Heldentum, das in der Handlung gekennzeichnet ist, und nicht unbedingt in den charakteristischen Merkmalen. Zusätzlich zur Ausdrucksleistung, anstatt innovativ zu sein, indem das Denkmal bodenbündig vorhergesagt wird. Es kann also von der menschlichen Dimension aus gesehen werden. Wir haben Terminalis-Gesichter bedient. Ballen ist daher Cremes enthalten Angst. Der Lehrer Dan wies darauf hin, ich nie gezögert habe, sie dünn, so schwach wie möglich zu machen . Sie fragen sich immer noch, ob sie die Kraft haben , das ultimative Opfer anzunehmen. Im August 16—1880 bei MTTR-Kit, unter dem Sekretär für öffentliche Anweisungen und Kommission für bildende Künste, entweder Cardiff Tür, die Dantes Göttliche Komödie für das zukünftige Museum der kreative Kunst. Und arrangiere einen Workshop , in dem er an diesem Projekt arbeiten kann. Geschmack nach oben wie die Tore von****. Die Arbeit stellte die größte künstlerische Herausforderung des Künstlers dar, bei der er beschloss, nicht nur zwei Welten zu vereinen, sondern auch zwei Sichtweisen der Kunst, die Antike und die Moderne. Von dort leitete er seine emblematischsten Skulpturen ab, wie den Denker , die Schlüssel und Ogilvy Noah und seine Söhne, Skulpturen, die Schlüssel und Ogilvy Noah und seine Söhne, Skulpturen, die 1886 zum ersten Mal in einer großen Ausstellung präsentiert wurden . Obwohl das Projekt abgesagt wurde, arbeitete der Künstler bis zu seinem Lebensende daran. Und es sollte schließlich als roter Faden zwischen den Bewegungen des späten 19. und 20. Jahrhunderts dienen . Es hat einen kleinen Teil dieses Ensembles erscheint eines der am meisten applaudierten Werke des Künstlers, des Denkers, als Prinzip sich selbst angetan werden sollte. Angesichts der individuellen Ausdruckskraft, die er erreichte, dachte Rodin jedoch daran, eine unabhängige und größte Skulptur zu schaffen , die alle Schöpfer in die Geschichte einbettete . Aufgrund seiner Post-Absorption Todd, Aufmerksamkeit der Muskeln, um eine Box zu bilden. Nicht nur Kreativität, sondern auch das Studium der Philosophie. Alles in dieser Skulptur ist Denken. Es ist die körperliche Manifestation des Denkens, eher selbst hat es bereits gesetzt. Was meine Denker zur Sache macht , ist, dass er das nur mit seinem Gehirn denkt, aber mit seinem Stirnrunzeln. Er hat diese gepflegten Nasenlöcher. Er trägt den Titel Blätter mit jedem Muslim seine Arme, Rücken und Beine mit geballter Faust und Finger. Oben an der Tür zu sehen. Die drei Farben arbeiten nach den Prinzipien, die der klassischen Ordnung entgegenstehen. Verglichen zum Beispiel mit möglichen Darstellung der drei Grazien. Wie die 1813 vom Bildhauer Antonio ANOVA angefertigten, zeigt uns dieselbe Figur verändert die traditionelle Idee von Gleichgewicht und Symbolik durch die Anordnung der Körper. So sind die Tore von**** Stück für Stück eine totale Repräsentation des Künstlers und vieler einzelner Werke , die seine Werkstatt durchlaufen würden. Eine Werkstatt, die um die Jahrhundertwende rund 50 Mitarbeiter hatte. Alle waren talentierte Skulpturen, eigenständige Künstler. Viele von ihnen machten sich beim Verlassen der Meisterwerkstatt einen Namen . Es muss berücksichtigt werden, dass wie viele Zeitgenossen, eher als auf Skulpturen zurückgegriffen werden, insbesondere für Aufträge so groß wie die Tore von****. Die Tatsache, dass der Meister nicht derjenige war , der seine Stücke in Marmor geschnitzt hat, oder nicht derjenige war, der den Wachsausschmelzprozess durchführte , wurde im Laufe der Zeit kritisiert. Da haben viele die Originalität der Arbeit in Frage gestellt. Es muss jedoch klargestellt werden, dass diese Praxis zu dieser Zeit sehr verbreitet war. Das Konzept der Schöpfung wurde ihr vollständig zugeschrieben , dass der Meister den gesamten Prozess persönlich und ständig verfolgt und Ihnen Anweisungen gab, wie Sie das Werk entsprechend modifizieren können seine ästhetische Vorstellung. Individualistische Bildhauermotive werden aus dem allgemeinen Werk extrahiert. An der Tür. Wir finden sie eingebettet in eine Textur, die man magmatisch nennen könnte, während Verfestigung der Körper oder Heilung im Moment die Botschaft klar ist. Letztes Geschwätz über deine Speranza. Voi kann alle Hoffnung hinter sich lassen, wer auch immer eintritt. Der alte Mann, der L'Aquila war, als er jung war, als er jung war, geht in ein hohes Alter und lange genug, um mit Matisse, meinem Gesetz, zu unterhalten. Und Brancusi. In einer überraschenden Begegnung wurde er auch von Diego Rivera fotografiert. So involviert in ihren künstlerischen Kreis der 1800er Jahre Paris , der ihn 1917 zusammen mit einer Delegation anderer mexikanischer Künstler besuchte , durchläuft, wird dann einvernehmlich als Vorläufer des zwanzigsten akzeptiert -Jahrhundert skulptural wie Fliesen. Eher als ein Autor aus dem 19. Jahrhundert. Etwas ist seltsam für Künstler seiner Zeit, die in den allgemein posterior in die Geschichte letzten Jahren seines Lebens allgemein posterior in die Geschichte eingegangen sind. Anstatt die Früchte seiner Arbeit zu ernten, erhielt er mehrere Anerkennungen. Er wurde 190 zum Präsidenten der International Society of Painters, Plastics der International Society of Painters, Plastics und gravierte Verse für die University of Glasgow und Oxford. Auf unseren ihn mit der Ehrendoktorwürde 190567. Die Gemeinde Rom feierte ihn in der Hauptstadt. Und die Society of John Check Künstler verlieh ihm in der Praxis königliche Auszeichnungen. Das Metropolitan Museum of Art in New York eröffnete 1912 einen Raum , der den Künstlern gewidmet , der den Künstlern gewidmet war, als er noch lebte. Und gut. Es gibt ein allgemeines Sprichwort, dass hinter jedem großartigen Mann eine großartige Frau steckt. In diesem Fall ist diese Frau Camille Claudia. Camille Caudell wurde Truss unter den Quellen und Inspiration für ihre Arbeit genannt , wo sie selbst, Donatello, Celestine und griechisch-römische klassische Darstellungen der Mythologie. war es für eine Frau keine leichte Aufgabe, Künstlerin zu werden Mitte des 19. Jahrhunderts war es für eine Frau keine leichte Aufgabe, Künstlerin zu werden . sowie der vorherrschenden männlichen Dominanz im Ministerium für Bildende Kunst und Talentjurys fertig In ihrer künstlerischen Ausbildung musste sie mit moralischen Vorurteilen und geschlechtsspezifischen Einschränkungen sowie der vorherrschenden männlichen Dominanz im werden. Oh, und sie musste sich auch mit einer turbulenten Affäre mit dem Geist Rodin auseinandersetzen . Wie bei vielen Künstlern ist Tories. Die Rolle der Muse wurde dem Punkt romantisiert, an dem es fast natürlich erscheint oder erwartet wird, dass seinem jungen Assistenten nach unten inspirieren ließ . Aber für Caudell, Rebounds Shadow war zu lang und diese wurden zu einer Hassliebe. Sie liebte ihren Lehrer, aber sie hasste ihn dafür die ganze öffentliche Anerkennung, ständige Aufträge und Lob erhielt. Es gab ein anderes Problem, anstatt in den letzten 20 Jahren in einer Beziehung mit Ross Perot gewesen zu sein. Und er wollte ihre Kleidung L nicht verlassen , nachdem er 1892 eine Abtreibung hatte. Der intime Aspekt ihrer Beziehung zum Drilldown, obwohl sie sich bis 1898 regelmäßig sahen. Aber das Talent, das sie mir zeigte, ihre Arbeit ging über alle romantischen Angelegenheiten hinaus , in die sie verwickelt war. Camille wollte schon immer Künstlerin werden. Sie besuchte den Unterricht an der Akademie Farbe Rossi, weil die prestigeträchtigsten genannt Vasa, nicht aufgenommen Frauen zu der Zeit, wurden dann seine wichtigsten Aufträge in den frühen 1880er Jahren erhielt, versammelte er ein Team von Hilfe bei der Zusammenarbeit mit ihm. Er ist ein Studio. Camille tauchte um 1884, als er 44 Jahre alt war, als junger 19-jähriger Student in der Arbeit des Künstlers in einem Studio auf. Während ihrer Arbeit für ihn verbrachte sie die meiste Zeit mit komplexen Stücken, wie den Händen und Füßen von Figuren für monumentale Skulpturen, einschließlich der berühmten Die Tore von****. Hier in einem persönlichen Stück namens L ist inspiriert von der Hypothese degradieren Weg für diese wunderbaren skulpturalen und zusammengesetzten drei Badenden, die halten, also kauern vor einer Welle , die über sie kommt. Wie bereits erwähnt, der Einfluss von Japanern und Raven zeigt sich der Einfluss von Japanern und Raven in der Geschichte der modernen Kunst. Impressionismus stützte sich direkt auf diese bezaubernden orientalischen Zeichnungen. Und Caudell, der zu den damaligen Künstlern gehörte, wollte dieser exotischen und attraktiven Technik immer Tribut zollen . Leider konnte als Frau und Schülerin eines der wichtigsten Künstler Frankreichs zu der Zeit namens l nicht die Finanzierung erhalten, um viele ihrer gewagten Ideen zu verwirklichen. In vielen Fällen wegen ihrer expliziten Sinnlichkeit. Sie war gezwungen, entweder auf Reiten angewiesen zu sein oder mit ihm zusammenzuarbeiten und ihn den vollen Kredit bekommen zu lassen. Diese Kultur ist ein Werk von überwältigendem Talent. Sie hatten natürlich einige Merkmale des Impressionismus und der Symbolik. Immer auf der Suche nach Emotionen, die in Drama übersetzt werden. Dank eines perfekten Meisters der Techniken ist eine enorme Sensibilität. Dank ihr wurde gezeigt, dass es möglich ist, Emotionen zu formen. Bildhauerisch, unsolide. Camille wird gezeigt, wie sie vor ihrer Pause ohne Geist kniet und dupliziert, manchmal Glied, Klaue, Hand genannt. Für ihre flehende Natur. Sie richtet ihre Hände auf Rodin , der ihr den Rücken zukehrt, während eine Frau, Engel Gesundheit, die Rose Borough repräsentiert, ihn wegnimmt, den ultimativen Gewinner. Heute findet man eine der Brom-Versionen bei der Mücke sagen wir in Paris. Ihr Bruder würde zum Schreiben führen. Meine Schwester Camille, flehend, auf den Knien gedemütigt, ist großartig. Sie ist stolz und weiß, was ihr entgeht. In diesem Moment, vor ihren Augen. Es ist ihre Seele. Nach der Pause zwischen kommunizierbaren dort, anstatt später, versuchte Camille indirekt zu helfen und erhielt eine staatliche Kommission für sie vom Direktor der Schönen Künste nach Rodin. Im Alter der Reife im Jahr 1899 reagierte er zum ersten Mal mit Schock und Wut. Als solcher stellte er plötzlich seine Unterstützung für Clotel vollständig ein. Möglicherweise hat er Druck auf das Ministerium für Bildende Kunst , die Finanzierung der Bronzeaufträge, die sie 1902 erhalten würde, zu streichen . Nun, wer bei arbeitet, hat einige Erfolge erzielt und Artikel über sie erscheinen häufig in Kunstmagazinen. Inmitten einer emotionalen Krise schließt sich Camille in ihr Studio ein, zieht sich aus der Welt und veranstaltet im Dezember 1905 ihre letzte große Ausstellung. Danach zerstörte sie viele ihrer Status. Bei längerem Fehlen. Anzeichen von Paranoia zeigen, wurde mit Schizophrenie diagnostiziert. Sie beschuldigte, ihre Ideen gestohlen zu und eine Verschwörung geführt zu haben, um sie zu töten. Ihre Familie hat Temperatur in einer Anstalt. Das Krankenhauspersonal schlug Camille, Mutter und Bruder, regelmäßig vor , zu entlassen, aber sie lehnten es unnachgiebig ab. Jedes Mal. Camille Adele starb im Oktober 1943, nachdem sie 30 Jahre in der Anstalt gelebt hatte. Aber es ist ermutigend zu glauben, dass der Künstlerin gelungen ist, sie zu finden, um Autonomie zu bewahren Und 2017 wurde ein ihr gewidmetes Museum in der Champagne eröffnet. Metar der Rosseau und Constantine Brancusi, denen wir eine besondere Klasse widmen werden, können als Vorläufer vieler Aspekte der modernen Skulptur nach Rodin betrachtet werden , von einer technischen, formalen, und konzeptuelle Sichtweise, sie sind skulpturiert, konfrontiert direkt Aspekte, die später die Arbeit unbestreitbarer Bezüge in der Skulptur des 20. Jahrhunderts in ihren Vorstellungen vom Raum beschäftigen unbestreitbarer Bezüge in der Skulptur des 20. Jahrhunderts werden, Durch die Materialität einer Skulptur und den Herstellungsprozess wurden im Wesentlichen moderne Konzepte vorangetrieben. Rosseau zum Beispiel arbeitete durch Modellieren in Ton , der sofort in Putz gelegt wurde, um dann die letzten Arbeiten in Spaziergängen oder Bronze durchzuführen. Weglassen der Zeichnung und Vermeidung von Ergänzungen seiner Arbeit, die Einzelstücke sind. Brancusi seinerseits schützte eine direkte Einladung zur Teilnahme am Return-Workshop. In Anbetracht dessen, dass ein Samen nicht im Schatten eines großen Baumes wachsen kann , hätte dies kürzlich getan. Seitdem ging er als unabhängiger Künstler weiter. Gut geschrieben, nutzte zahlreiche Hilfen um seine Skulpturen zu gießen oder zu schnitzen. Brancusi zog es vor, seine mit seinen eigenen Händen zu kreieren eine enge Verbindung mit den Materialien herzustellen. In den meisten Fällen durch direktes Carven. Rodin lehrt uns, wie er es mit all diesen jungen Künstlern getan hat , über die Schönheit der Unvollkommenheit, über die Bewahrung des Rough in unserer Kunst und über die Achtung der Macht des Unvollendeten. Diese Weigerung, die Wahrheit seiner Materialien zu verbergen, wurde einem Zeichen für ein Werk , das bereits revolutionär, ehrgeizig und ausgeführt war . Und dies sind nur einige der vielen Möglichkeiten, anstatt Generationen von Künstlern beeinflusst zu werden Generationen von Künstlern beeinflusst , die in seine Fußstapfen getreten sind. Er hat deine Fantasie beflügelt. Du denkst, er ist immer noch relevant und belebend. Lass es mich in den Kommentaren wissen. Vielen Dank, dass Sie mit mir eine weitere Lektion in Kunstgeschichte absolviert haben. Und wir sehen uns beim nächsten Mal. 5. Fazit englisches Rodin: Wenn man etwas über die Kunstgeschichte lernt, ist es sehr wichtig die erlernten Künstler mit den Techniken und Ideen der Vergangenheit in Verbindung zu bringen. Dies gilt insbesondere für Nagetiere, wer war diese Brücke zwischen der Antike und der Moderne? In dem Dokument, in dem Sie das Klassenprojekt finden, finden Sie eine Reihe von Vergleichen zwischen Bildern. Identifizieren Sie sich mit dem Team in uns, Rodin, welches Bild er im Geiste hatte. Vielen Dank, dass Sie in dieser Kunstgeschichtsstunde hier waren und bis zum nächsten Mal.