Die Impressionisten: eine Revolution in der Welt der Kunst

1. Eine Einführung in den Impressionismus: Hallo, Hallo Leute. Heute werden wir über eine Bewegung und einen Stil sprechen , von dem Sie wahrscheinlich schon einmal gehört haben. Es ist sehr unwahrscheinlich, dass Sie das Wort Impressionist noch nie gehört haben, oder? Es ist bereits in unserer Kultur und wir betrachten es im Grunde als einen Klassiker der Kunst. Wenn der Gesprächseindruck heutzutage vorkommt, gibt es einige Worte, die mir nicht genau in den Sinn kommen würden. Revolutionär, Rebellen, abenteuerlustig. Aber es stimmt. Heute werden wir herausfinden, wie es ist, dass eine Gruppe größtenteils Franzosen und ein paar sehr kühne Frauen Ihre Liebeskunst für immer verändert haben und die Türen der Modalität öffnen. 2. Die Geburt einer Revolution: Es war Louis Leroy, Kunstkritiker, der das Wort Impressionismus verwendete das Werk als bloßen Eindruck weit von der Realität betrachtete an sorgfältig komponierte, lebensechte Gemälde verwendet wurde, die jährlich im Pariser Salon ausgestellt wurden. Leroy war schockiert über ihre lockeren Pinselstriche und zufällige Komposition des Geldes. Und seine Freunde. Er dachte, das Thema hauptsächlich Landschaften oder Szenen der Straßenbewohner, die ihrem Alltag nachgehen , vulgär und alltäglich. Darüber hinaus hielt er die Art des Malens für weit einfach fangbar und unvollständig. Genau durch den Titel dieses Gemäldes inspiriert, betitelte er seine Gastgeber haben Kritiker in der Zeitung. Sie stellen den impressionistischen Vornamen in einem dritten aus, freundlich zu dem Bewegungsausstellungskanal den die Maler im 19. Jahrhundert hatten Frankreich war der Pariser Salon, verbunden mit der Hochschule der Schönen Künste, die eine renommierte Jury hatte , die ausgewählt wurde, die Werke gesendet hat. Das einzige Problem war, dass Künstler, die versuchten, modern zu sein oder eine kleine Veränderung in den Salon zu bringen , sofort abgelehnt wurden. Die Künstler befanden sich in einer verzweifelten Position, weil sie dazu akzeptiert wurden, zusammen mit der einzig wirklichen Möglichkeit , andere dazu zu bringen, Ihren Namen kennenzulernen. Finanzielle Sicherheit haben. Ventral würde dies die einzige Lösung sein. Die Maler, die sich im Netz versammelten , beschlossen, ein anderes Ausstellungsforum zu schaffen ein anderes Ausstellungsforum das offizielle Forum, in dem alle unabhängigen Künstler ihre Arbeit zeigen konnten. So entsteht. Die erste Ausstellung der Anonymen Gesellschaft der Maler, Skulpturen und Graveur fand zwischen April und Mai 1874 in den Räumen statt, die der Fotograf ihnen weder leihte. 3.500 Besucher kamen, aber die meisten von ihnen, und nur um über die Mutterbilder zu lachen, die sie sahen. Um nur ein paar Beispiele zu nennen. In diesem Element werde ich sagen, dass wir anfangen, Symphonie Nummer eins zu malen, junges Mädchen und Weiß wurden vorgestellt, was einen großen Schock verursachte, da er sowohl vom französischen Salon als auch von den Briten bereits abgelehnt wurde Königliche Akademie. Wir müssen bedenken , dass er zuerst nur das junge Mädchen in Weiß betitelt und versucht, jede Art von sekundärer Botschaft zu vermeiden. Sein Standpunkt, ein Gemälde, sollte keinen erzählerischen oder mündlichen Inhalt haben, aber wir schätzen es ganz von selbst die gleiche Weise wie eine Lizenz für ein musikalisches Werk. Erst danach begann er einfach diese anderen Titel, Harmonie, Symphonie, Arrangement, Nocturne hinzuzufügen , um diese Brücke mit all den Musikstücken zu schaffen , die er liebte und bewunderte. Es wird zu derselben Gelegenheit sein, in der mein Netz seine umstrittenste Arbeitsvision präsentiert. Auch. Es wird von der offiziellen Jury abgelehnt und von den Kritikern vollständig zensiert. Obwohl er wieder die Belüftung der jungen Künstler erhalten hat, die sich von seiner Arbeit sehr angezogen fühlten. Diese winzige Malerei ist insofern neuartig, als sie Knoten aus dem Alltag darstellt, ohne dass wir in der Vergangenheit mythologische Figuren wiederherstellen müssen , um weibliche Schönheit zu zeigen. Ohne zu schließen, setzte er sein Lieblingsmodell zwischen Roman ein, der begleitet von der Herzogin-Skulptur Ferdinand dem Huf, Angus Tap, dem Malerbruder, erscheint der Herzogin-Skulptur Ferdinand dem Huf, . Am auffälligsten ist jedoch ein Kontrast zwischen der Nacktheit der menschlichen Frau und den beiden Männern , die sie begleiten, sie vollständig schließen. Dies ist auch der Fall bei der Arbeit, die wir auf der rechten Seite sehen. In dieser Arbeit präsentiert die Malerin eine Figur einer hochklassigen Prostituierten, nackt, die auf einer Couch liegt, begleitet von ihrem Dienstmädchen und einem schwarzen Hut. Für dieses Gemälde würde Geld von Tizian is Venus inspiriert werden. Die Neuheit von Monette ist jedoch wieder, dass er die nackte Figur ohne die Unterstützung von Mythologie oder Orientalismus präsentiert die nackte Figur ohne die Unterstützung . Es ist eine sehr zeitgenössische Szene. Von hier aus. Viele andere werden dazu inspiriert, andere brüderliche Szenen zu machen, die später berühmt wurden, wie Toulouse-Lautrec. In dieser Klasse werden wir lernen, dass wir nicht von einem einzigen Künstler sprechen können von einem einzigen Künstler sprechen wenn es um Impressionismus geht, wir müssen von allen als Ganzes sprechen, als Team, das, obwohl sie es nicht getan haben arbeiten notwendigerweise zusammen und die Welt arbeitet auf das gleiche Ziel hin , sich endlich von dem befreien, was die akademische Kunst von ihnen als Künstler verlangt hat. Wir werden versuchen, uns in die Lage des Künstlers zu versetzen und versuchen, wirklich über das hinaus zu sehen, was wir normalerweise sehen. Wir wissen beispielsweise, dass wir in diesem Bild verstehen, was unsere grundlegendsten Sinne dass wir eine Landschaft sehen, dass wir einen Sonnenuntergang und eine Reflexion des Wassers sehen. Aber wie fangen wir die Farbe einer Szene ein? Der letzte, nur einen Augenblick. Ich will nicht voraus springen. Aber wenn wir das heute auflisten, sind wir sehr daran gewöhnt, den Moment mit der Fotografie einzufrieren. Damals war die Fotografie für viele Leute neu. Die Idee, einen Augenblick einzufrieren, war also immer noch etwas, das sie verstehen mussten . Es gibt sogar noch ein weiteres technisches Problem. Bis zu Beginn des Impressionismus verwendeten akademische Maler keine Rohpigmente. Die Kunst des Malers bestand darin sie zu mischen und in Schichten zu überlagern, um sie zu nuancieren und Töne nachzuahmen. Eine andere zeigt sie nur als traumatische Sorten. Was bedeutet das, dass in den Vögeln eine neue Kunst haben, einer der wichtigsten Punkte, die wir normalerweise ignorieren, ist die Rolle, die in Wissenschaft und Technik voranschreitet. Technologie hat Dinge als kleinste Dinge, die ein Metallstück verwenden, um die Bürste zu berühren, Borsten am Griff. Die neuen Bürsten waren viel widerstandsfähiger als die alten und ermöglichten intensive und präzise Pinselstriche. In der Mitte des 19. Jahrhunderts trafen sich die ersten synthetischen Pigmente von industriellen Milchärzten, die vermarktet werden, wie Gelb, Cadmiumgelb, orangefarbenes Blau, Ultramarinblau, karmesinrot und preußisches Blau. Derjenige, den wir heute kennen , der es oxidiert, wird schwärzt. Dies bringt uns zu einem der wichtigsten Punkte der Arbeit des Impressionisten, wie Geld, die Möglichkeit im Freien eine einfache Luft zu arbeiten. Bis dahin mischten Künstler pulverförmige Pigmente, mahlen sie manchmal auch selbst mit Leinöl erzielten so die gewünschte Menge und Dichte. Was uns zu diesem schönen Sommertag führt, von Monet in seiner ganzen Pracht mit all dem Bestechungsgeld und dem Pop gefangen wurde, werden die wispy Wolken an einem klaren blauen Himmel beglückwünscht, die Konturen verwässert und konstruiert Eine Farbe für Rhythmus mit Farbklecks begann mit einer Prise Welpen, die diese proportional großen Flecken in der Höhlenvorherrschaft im Vordergrund hatten, er visuellen Eindruck machte. Ein Schritt in Richtung Abstraktion war unternommen worden. 3. Den flüchtigen Moment fangen: der Gruppe der Impressionisten gehört, obwohl es sich nicht um eine exklusive Liste handelt, Muttermal. Beehive geht, warum nicht? Alfred Sisley? Ich habe vergessen, es ihnen nur zu sagen, dass sie mich verderben. Camille Pissarro, Sohn des Chefs. Und ich erkläre es dir. Warum schließe ich keinen Zwerg ein? Nun, das liegt daran, dass er ein Print-Impressionist war. Er ist dennoch die Basis dieses Gesprächs, weil er von vielen dieser Künstler bewundert und verfolgt wird vielen dieser Künstler bewundert und verfolgt , die wir heute sehen werden. Er war immer der Vater der anderen Impressionisten. Und neben Cezanne und Picasso wird er einer dieser Charaktere sein, die der europäischen Welt die Moderne öffnen werden . Die dritte, von links nach rechts, sehen wir die Wache Degas als Edgar von Gott, weil er aus einer aristokratischen Familie stammte. So darstellte man dar, woher du kommst. Das schwerste wird nicht bewegt, wie Mono-Basis Tunis die Natur interpretieren müssen. Er versteht auch nicht , dass die Interessen, die die Landschaft bei Malern wie Pissarro weckt , wie Sizilien sind. Wie mein Hals. Der Typ ist ein Liebhaber von Paris, wenn er Freuden auf Mathe herumwandert , den Bewohnern der großen Stadt in Cafés der Oper zu dienen . Abseits von natürlichem Licht. Wir nennen das das „ mentale Gemälde“. In seiner Werkstatt eingesperrt mit dem Rücken wandte sich der Natur zu. Er findet sich von einer IT-Spontaneität distanziert. Er würde während der Transformation sehen, die Vorstellungskraft arbeitet mit dem Gedächtnis zusammen und der Maler reproduziert, was ihn am meisten interessiert hat. Das heißt, was am nötigsten ist. Zum Beispiel besteht das Hauptziel in der Malerei des Opernorchesters darin, das Porträt seines Freundes in dieser Ära zu machen . Teil des Gemäldes wird jedoch ein Teil des Themas zur Entwicklung der Pariser Oper Im oberen Teil des Gemäldes wird jedoch ein Teil des Themas zur Entwicklung der Pariser Oper vorgeschlagen. Ein Thema, das letztendlich in die gesamte Komposition eindringt, wird zu einem seiner Lieblingsmotive, da es ihm ermöglicht, das Studium von Form, Bewegung und Farbe zu kombinieren . Wir können seine Darstellung und seinen Umgang mit den Charakteren mit der Art und Weise vergleichen , wie viele Menschen repräsentierten. Geld, das 1832 geboren wurde, war entschlossen, Maler zu sein. Er erwarb eine solide Ausbildung in Thomas Couture-Workshops. So hatte er großes Glück, ergänzt durch zahlreiche Auslandsreisen , um die Arbeit der Klassiker in C zu sehen, unter anderem die Werke von Tizian, Rembrandt, Velazquez Hallen zu kopieren unter anderem die Werke von Tizian, Rembrandt, Velazquez Hallen und bewunderte Maler des spanischen Barocks zutiefst. Man kann Geld erkennen, weil seine Charaktere meistens in anstößigeren Posts sein werden anstößigeren Posts oder wissen, dass ein Porträt erstellt wird. So viele von ihnen schauen sich an, was die Kamera sein würde. Und die Themen um sie herum sind Themen , die der Pariser Salon wahrscheinlich akzeptieren würde. Auf der anderen Seite verdankt er seinen Ruhm vor allem der Serie der Tänzer. Ein Universum, das nicht in Künstlern leben konnte sich mit Balance und Bewegung beschäftigen, gleichgültig. Die Welt des Balletts bietet einem Mann ein riesiges Repertoire an Motiven. Tänzer binden den Schuh, ruhen sich aus, machen Barübungen, Kumpels in den Händen, die unter der Anstrengung leiden. Aufgrund eines instabilen Gleichgewichts trotzt es dem Gesetz der Schwerkraft. Der Tanzkurs ist eine Hommage an Joule parallel, die große Tänzerin und Choreografin von Romantic Ballet. Paralleles Lehnen oder sein Stock nimmt den Mittelpunkt der Komposition ein und kontrastiert mit der Leichtigkeit der Tänzer. Obwohl die Katze die Form nicht auflöst, der Einfluss des Impressionismus zeigt sich der Einfluss des Impressionismus in der Verwendung von hellen Tönen. Das kennt die Konturen. Welche Fotografie die Katze entdeckt, dass das Auge wie ein Projektor ist , der in jeder Höhe und an jedem Ort platziert werden kann . Daher sind die Fragmente , die die Vision, die Einführung neuer Blickwinkel, Ansichten von oben oder von unten, auch Nahaufnahmen, natürlich ebenso wichtig, die den Details aus den japanischen Drucken gewährt werden. Die Farben auch über die systematische Assymetrie der Komposition. Dies ist etwas, das für den westlichen Betrachter sehr originell ist. Es gibt ein paar Dinge oder Details, die heutzutage keine große Sache zu sein scheinen. Aber in diesem Moment waren sie es. Zuallererst ist es die Dynamik der Szene? Zweitens gibt es zum ersten Mal in der Kunstgeschichte die meisten Charaktere und es viele, und dies wird gesehen, meist anonym. dritte Effekt, und dies ist wahrscheinlich der wichtigste, ist, dass wir jetzt verstehen, dass die menschliche Natur tatsächlich im Moment ist und in dem Moment lebt, in dem wir versuchen den Augenblick einzufrieren dass wir abreisen. Auch wenn es nicht etwas ist , das wirklich heroisch ist. Sie sind schließlich nicht, lebensverändernde Momente sind lebensverändernde Momente, aber daraus besteht das menschliche Leben. 4. Impressionismus, die Lebensfreude: Konventionell war 1839 die Fotografie, die nur ein Jahrzehnt später bereits die beliebteste bildende Kunst des Jahrhunderts sein würde die beliebteste bildende Kunst des Jahrhunderts sein die nur ein Jahrzehnt später bereits die beliebteste bildende Kunst des Jahrhunderts sein würde, das einflussreichste Element der visuellen Sensibilität der Zeit. In dem Maße, dem der akademische Maler Paul der La Roche 1850 behauptete, in dem der akademische Maler Paul der La Roche 1850 behauptete, die Malerei sei tot. Einige wie die SAM-Curl, das Siegel, der Typ benutzen nur eine neue Erfindung als Bezugspunkt und Inspiration und mehr als eine Gelegenheit. Obwohl einige von ihnen es nur ungern anerkannten. Der Ausgangspunkt der modernen Malerei Gegensatz zum akademischen Verkauf darin, den Charakter des bestand im Gegensatz zum akademischen Verkauf darin, den Charakter des Gemäldes des Werkes zu vergleichen und hervorzuheben und es von der Fotografie zu unterscheiden. was schon der härteste Konkurrent war. Schauen wir uns diese Beispiele an. Auf der linken Seite sehen wir die Schachtel der Künstler akzentuiert und Beweise sind ein Gemälde und was es wirklich ist, das ist fleckiges Tuch. Der Betrachter, auch als Betrachter, sieht diese Szene nicht mehr wie durch das Fenster, wir müssen anhalten und das Gemälde auch als Fläche auf der anderen Seite rechts betrachten. Ohne auf einen sentimentalen Islam oder einen moralischen Kommentar zurückgreifen zu müssen. Das Auto konfrontiert uns durch diese sechs Sackkomposition mit diesen betrunkenen, marginalisierten und einsamen Figuren. Lot, trotz ihrer Nähe zu anderen Menschen in ihrer eigenen Einsamkeit. Statt dessen dienen samtig, wie sie von den akademischen Gemälden verteidigt werden. Die Impressionisten machen lose Pinselstriche mit viel Sackgasse sichtbar , die Relief erzeugen oder so verdünnt sind, dass die Breite der Leinwand spürbar ist. In jedem Fall zeigt die Materialität der Oberfläche. Zur Verteidigung der visuellen Realität entdecken die Impressionisten, dass die Natur lebendig ist und sich verändert. Schatten oder Transformation. Sie spiegeln sich in den Nuancen der Umwelt wider. Reine Farben gibt es nicht. Sie sind vollständig von der chromatischen Umgebung beeinflusst . Das Licht ist kein statisches, sondern veränderbar, unerschütterlich. Hattest du das jemals in deiner Umgebung wirklich bemerkt ? Die Geburt einer neuen Klasse, das Buch Gua, war eine weitere Konsequenz der Industriellen Revolution. Die meisten Impressionisten wie viele ihrer Kunden gehören wie viele ihrer Kunden zu ihren Familien. Die einzigen Ausnahmen, bei denen Geld, wir in diesem Bild sehen, ein bisschen ironisch ist, dass genau er der monistischste Impressionist werden würde , der es zu schätzen weiß, der Freude am Leben im Paris seiner Zeit. Der Rest unserer Künstler stammte aus aristokratischen Familien. Zum Beispiel mit Magistrateltern oder Geschäftsleuten, Händlern, Vermietern, Immobilien von Spekulanten. Am Ende waren sie Teil eines wohlhabenden Frankreichs, das zu dieser Zeit in Afrika und Indien, China, expandiert und Piraten hatte . Die impressionistische Zeit zwischen 18751914 fällt mit dieser Tadschikischen Belle Epoche zusammen. In diesem Moment, in dem Paris irgendeine ländliche Spur blättert, um zu den Kriterien zu werden, kennen wir die Hauptstadt nach ihren Zielen, eine vollständige Transformation Zeiten zu Napoleon dem dritten und dem viralen Hausman, der den größte Stadtreform. Man konnte es sehen neue Wassersysteme, Abwasserkanäle, die die schlechten Gerüche von der Straße eliminierten und Pandemien reduzieren. Der Bau neuer Stationen und Märkte. Große Privathäuser, spektakuläre öffentliche Gebäude wie Boulevards, öffentliche Parks sowie Cafés und Restaurants im Freien. Der Favorit dieser Einrichtungen für unsere Künstlergruppe. Sie Orlando in Amman Mathe befindet sich immer noch am Rande der Stadt mit einer ländlichen Luft , die sie immer noch verlieren würde. Aber das Wort, dass sie kontinuierliche Versammlungen und eine festliche Atmosphäre genossen , in der viele ihrer wichtigsten Gemälde das Licht erblickten. Viele der Impressionisten, insbesondere die Erneuerung, würden scharf kritisiert werden, weil viele der Gemälde harmlos oder weich erscheinen würden. Und wenn wir seine Kritiker nicht empfangen werden, die sagten, ja, versuchen wir Schönheit zu finden und Schönheit zu zeigen und unser Leben im Fluss zu zeigen und mit unseren Freunden zu gestehen. Und ja, dieses Leben ist glücklich und hübsch. Ja, Pretty. Ihr Hauptziel bestand schließlich nicht beleidigende oder dunkle Themen zu haben, sondern eine revolutionäre Technik zu haben. Und genau über Technik sprechen. Welche Rolle spielt die Ziehhälfte in diesem Prozess? Das Zeichnen wurde von vielen Impressionisten verworfen, die es für ein Hindernis für Akademiker halten. Sie zogen es vor, direkt auf Canvas zu malen. Der Typ auf der anderen Seite dachte, die Zeichnung sei der Weg, die Realität wirklich zu festnehmen. Er sagte: Es ist nicht die Form, es ist die Art und Weise, wie wir das Formular sehen. Zum Beispiel im Sänger mit dem Handschuh. Der für diese Nahaufnahme gewählte Standpunkt ist der des Zuschauers oder unterhalb der Schemaentscheidung der Linien und der cartoonartigen Luft sowie das Thema der Welt werden Ressourcen sein das Toulouse-Lautrec benutzen wird. Diese Plakate öffnen die Tür der Technik der Werbung. 5. Die Rolle der Fotografie in der Welt der Kunst: Ein weiterer revolutionärer Künstler dieser Zeit war die Geburt Morrison. Sie begann, eine Art visuelle Kurzschrift von schnellen, kurzen Strichen zu entwickeln, um mit dem zu malen, was sich vor ihren Perlenobjekten oder Menschen befindet. Sie erfasste die Bewegung und stieg aus, indem diskontinuierliche Linien mit der Oberfläche des Pinsels, schnelle Linien mit der Pinselspitze und dann ein Kratzen der Farbe mit dem Griff verfolgte der Oberfläche des Pinsels, schnelle Linien mit der Pinselspitze . hat keinen Eindruck, dass Kollegen auf solch experimentelle Weise gearbeitet hatten. Wie hat sie einen so authentischen Stil entwickelt? Sie hatte das Glück in Luftzitate, keine Art von Schule oder Wissenschaft zu besuchen. Sie malte im Grunde das, was sie sah, und es wurde ihr sogar verboten, sich beim größten Blockeffekt zu treffen , bis sie Impressionismus besser verstand als jeder andere. Indem du keine Schulen betreten darfst. Ihr Gemälde war nie mit der akademischen Saison imprägniert , die ihre Kollegen rückgängig zu machen versuchten. Frisur war viel einzigartiger als jeder andere Maler. Also ja, sie würde kritisiert und lächerlich als zu weiblich sein. Aber es gab einige Leute, die versuchten ihr zu helfen, und er erkannte ihr Talent. Einer von ihnen war unser Geld, wir sahen, waren die ersten Print-Impressionisten. Wie du irgendwann seinen Bruder Eugene heiraten würdest . Er half ihr, in den Kreis zu kommen , obwohl Marissa zu einer Zeit arbeitete , als Frauen keinen Anatomieunterricht nehmen durften , aus Angst dass sie solide in unreinen Gedanken wären. Es wurde angenommen, dass Frauen die abstrakierenden Kräfte fehlen , die notwendig sind, um Nacktheit in Akte zu verwandeln. Als Frau in einem Buch bekam ich auch Familie. Sie war auf die Themen um sie herum beschränkt, wie ihr Haus, den Park, ihren Ehemann, ihre Tochter. Sie arbeitete ihr ganzes Leben lang, nahm an allen impressionistischen Ausstellungen mit Ausnahme einer teil. Und es lag daran, dass Julie, ihre Tochter gerade geboren wurde. Sie brachte den Impressionismus in die Vereinigten Staaten und die American Heart Association und verkaufte saisonal oder Pissarro mehr Gemälde als Geld erreichte sogar Einzelausstellungen. Leider wollte das patriarchalische System nicht, dass eine Frau die Anerkennung erhält, die sie verdient hatte. Und sie wurde wegen ihres heimeligen Themas zu einer Künstlerin verbannt . Ebenso wie viele ihrer Kollegen wie Amerika saßen. Und wenn ich das heute verkaufen kann, obwohl sie als große Dame der Malerei bekannt ist. Marika sagte also, sie sei eine der anderen Künstlerinnen, die von höchster Arbeitsqualität seien und die eine Frau ausstellen oder nicht Wir würden in den Museen auf der Ebene eines ihrer Kollegen über sie sprechen impressionistische Freunde. Amerika gilt als der erste amerikanische Impressionist. Sie war von Anfang an Teil der Gruppe und schloss sich begeistert ihren Kosten an. Sie nahm in der Vergangenheit nicht so teil wie Morisot-Treffen, aber sie traf sich privat und in Ausstellungen mit ihnen. Die Wachen wurden ihr großer Verbündeter. Er war einer der ersten ihr half, diese Grenzen der Kommunikation zwischen amerikanischer Kunst zu durchbrechen Kommunikation zwischen amerikanischer Kunst und als Europa erwartete dass ihre Arbeit nicht nur deshalb relevant ist , weil ihre Technik ist auch revolutionär, aber wegen der Tatsache, dass sie sehr zynisch war und versuchte, in ihrer Arbeit als Bild der aktuellen Angelegenheiten zu arbeiten, obwohl wir immer noch einige der Themen sehen , die als heimelig galten. Aber Amerika war eine Feministin und sie unterstützte aktiv das Frauenwahlrecht kämpfte für Gleichheit. Und ich neige dazu, die Freiheit und das Recht zu gewinnen , für Frauen zu stimmen. Ihr Freund, der Typ, wurde zunehmend blind, als er älter wurde. Schließlich begann er immer mehr in Skulpturen in Spaziergängen zu arbeiten . Dieser 14-jährige kleine Tänzer ist ein Bildhauer, der 1881 von ihm geschaffen wurde und die junge Tänzerstudentin namens Marie wurde vertritt . Der Bildhauer wurde ursprünglich aus Spaziergängen hergestellt und wurde erst 1922 in Bronze gegossen. Dieses Haustier Erfahrungen und neue Knochen auf einmal, Arbeiten waren eine seltene Materialauswahl für die Zeit. Darüber hinaus ist die Skulptur in einen Karikaturisten Kurt gekleidet, und ein Stirnband ruht auf einem Holzsockel. Als die kleine Tänzerin während der sechs impressionistischen Ausstellung von 1881 in Paris ausgestellt wurde . Es erhielt gemischte, aber größtenteils negative Bewertungen. Die meisten Kritiker waren empört über das Stück. Sie hielten es für hässlich, grotesk primitiv. Dies waren nur einige der Wörter, die sie benutzen. Also natürlich mit gebrochenem Herzen, dass Gott beschloss nie wieder zu zeigen oder sich in Spaziergängen zu engagieren. entgegen seinen Willen Der Bildhauer ERS entgegen seinen Willen beschloss, 27 seiner Tattoos in Bronze zu leeren . Deshalb besteht diese Zeitlücke von 40 Jahren zwischen der Herstellung der Stücke. Die Bronzen, Tatas, 69 Originalskulpturen aus Wachs und anderen Materialien überleben den Gießprozess. Jetzt können wir sehen, obwohl viele der Künstler sehr unterschiedliche Nachrichtenkacheln und im Thema waren , sie waren alle sehr mit der Technik des Impressionismus gefährdet . Als Erster zeigt eine Rasterkonsistenz. Während seiner gesamten Arbeit. Diese Arbeit ist näher am Ende seines Lebens, aber wir sehen Themen, die wir zuvor gesehen haben. Er. Ein Porträt, eine Beziehung von eins zu eins mit einer Person, die dargestellt wird. In diesem Fall gibt es einige technische Probleme , die zuvor kritisiert wurden, aber dass er immer sagte, Wir sind absichtlich. Zum Beispiel die Skala und Position der Beine des Trapezes oben links. Und die Reflexion, die wir sehen, obwohl wir die Person im Voraus sehen, ist irgendwie geneigt. Andere Impressionisten hingegen werden flüchtigere Momente und vor allem anonymer zeigen . Dieses Pastellgemälde gehört zu einer großen Sammlung, in der ähnliche Figuren ähnliche Gesten zeigen. Hier, nachdem sie diesen Schlag benetzt hat, die Frauenband und stützt sich auf die eine Hand, hebt die Frauenband und stützt sich auf die eine Hand, die andere, um sie zurückzuwaschen. Versuchen wir, über die Alltagsszene hinauszugehen , wir in die Intimität der Frau einbrechen. Wie analysiert man die Stärke, das Gleichgewicht der Körperhaltung? Wie versteht man die Ebenen des Gemäldes? Seltsame Arität geht manche von den Nachrichten aus, aber es ist nicht der Ausdruck des Verlangens im gewohnten Sinne. Im Gott gibt es Besessenheit , Bewegung vorzuschlagen. Immer mit dem Wunsch nach dauerhaftem, wie Geld uns getroffen hat, nicht malen zu verfolgen. Was ist flüchtig, was ist vorübergehend, sondern stoppt eher die Geste, die alle Gesten synthetisiert und zusammenfasst. Er würde sagen, nichts in der Kunst sollte wie ein Unfall erscheinen , nicht einmal Bewegung. All diese Teile gehen Hand in Hand mit einem bestimmten Knoten zur Modernität. Wir müssen bedenken , dass Maler jetzt nicht wirklich Richtigkeit zeigen mussten, damit sie durch ihre Arbeit tatsächlich Emotionen und eine Reihe anderer Konzepte zeigen konnten . Außerdem hatten sie die Möglichkeit der Verbindung mit der östlichen Welt. Es war zum ersten Mal, dass der Blockdruck aus Japan gebracht wurde. Künstler wie Hokusai oder zum ersten Mal bekannt. Das waren sie. Am Ende aufregende Zeiten. Stellen Sie sich vor, wie viele Dinge erfunden und entdeckt wurden , wenn sie kommen, begleitet meinen Hals zu den Rennen. Eine Ablenkung, die während der Regierungszeit Napoleons die dritte sehr leidenschaftlich ist. Er interessiert sich nicht für das weltliche Spektakel, sondern an der anmutigen Bewegung der Pferde. Die Spannung vor dem Rennen oder sogar die Farben des Kurses schließt sich. Und der Witz ist, wie es in der Geschichte heißt, als Murray Bridge mit seinen Freunden zum Rassisten ging, nicht herausfinden konnten, ob es einen Moment gab, in dem das Pferd aufhört, den Boden vollständig zu berühren. Und so begann er schneller mit Fotografie zu experimentieren , weil die Leute normalerweise stundenlang sitzen mussten, um ein Porträt zu machen. Dies ist also im Grunde die Geburt dessen, was Kino werden würde. Und wie Sie sehen, beginnen alle Kunst zusammen Händler. 6. Die Ankunft der modernen Welt: All dieser Aufsatz, dass die moderne Welt bereits hier war. Wahrscheinlich wurden viele unserer Großeltern bereits geboren. Kandinsky, der zu einem der wichtigsten abstrakten und modernen Künstler des 20. Jahrhunderts kommen würde der wichtigsten abstrakten und modernen Künstler . Schließlich sagte er , dass er sehr von Monets Heuhaufen inspiriert sei , nicht vom Thema, sondern vom musikalischen Rhythmus seiner Farbe. Sie würden eine echte Offenbarung für ihn und zu einem wichtigen Meilenstein oder seinem Weg zur Zerstörung werden. Er würde sagen, es ist Farbe und Form eine emotionale Reaktion auslöst und nicht die Objekte, die Eiltexte selbst. Es ist, als gäbe es kein Thema in der Malerei, nur Licht und Atmosphäre. Als der Begriff Impressionist um 1887 akzeptiert wurde, ein Kritiker mit der Gruppe Josh Libyen schlug eine noch breitere Definition , die für saisonale Arbeitsreihen gilt. Behandle jedes Subjekt an den Zehen und nicht durch das Subjekt selbst. Hier ist, was Impressionisten von allen anderen Malern unterscheidet . Er malte etwa 15 Gemälde dieser Dorfkirche zu verschiedenen Tageszeiten und zu verschiedenen Jahreszeiten. Das eine ist das Spiel hier wurde mit einer Geldstrafe ausgeführt, sogar im alten 94. Basierend auf der zweiten Etage eines Hauses, meinem Plasmaweg, Sisley Protector, seine visuellen Eindrücke direkt auf Canvas. Die klaren, kräftigen Farben wenden diese meisten Striche an, die flüchtigen Effekte des Abendlichts einfangen . Trotz der Spontaneität dieser Vision. In diesen Gemälden finden wir auch die architektonische Strenge und die Suche nach Schulden, die die gesamte Malerkomposition kennzeichneten. Cc hatte so viele andere in der Gruppe, sehr viel Glück. Er wurde in Paris geboren, Sohn eines wohlhabenden englischen Kaufmanns, der ihn nach London schickte, und das entropische Team um seinen kommerziellen Status zu beginnen. Aber der junge Mann widmete sich dennoch dem Studium der englischen Malerei, insbesondere Gemälde nach Konzept. Und Turner beschloss, seinen Lebensunterhalt von der Malerei zu verdienen. Sisley kehrte 1862 nach Paris zurück, und seine Familie unterstützte ihn und ermutigte ihn, Kunst zu studieren. Das Bauen ist hier mit saisonal genauso viel Geld. Nicht mehr als eine Hintergrundausrede , um den authentischen Protagonisten der Komposition zu zeigen. Die Kraft des Gemäldes, die dynamische Qualität des Lichts und der Atmosphäre darzustellen dynamische Qualität des Lichts und der Atmosphäre in der Lage ist, etwas so Tony und Unbelebtes als imposante Fassade der Kirche oder Kathedrale zum Leben zu erwecken. Als Monet diese falsche Cathedral Serie malte , war es eine viel größere Serie von 40 Gemälden. Mandy dieser Schwenk zwischen 18921894 war er längst beeindruckt von der Art und Weise, wie Licht in Teilen zu einem Thema war. Es ist deutlich anders Charakter zu verschiedenen Tages- und Jahreszeiten. Und eine Traurigkeit ändern sich sehr die Bedingungen. Für Geld. Die Auswirkungen von Licht auf ein Thema wurden genauso wichtig wie das Subjekt selbst. Diese Arbeiten sind ein Versuch, die Bedeutung des Lichts, unsere Wahrnehmung zu einem bestimmten Zeitpunkt und an einem bestimmten Ort zu veranschaulichen . Indem sich Monet durch eine ganze Reihe von Gemälden auf dasselbe Thema konzentrierte , konnte sich Monet darauf konzentrieren visuelle Empfindungen selbst aufzunehmen. Die Aufgabe war eine große Herausforderung. Geld fand heraus, dass malen wegen seiner sich ständig verändernden Natur und seiner extremen Subtilität fast unmöglich war , Licht zu . Durch seine Fähigkeit, die Essenz einer Szene schnell einzufangen, beenden Sie sie später mit einer Skizze, die mit seiner Erinnerung an diese Szene kombiniert wurde. Für diese Bilder verwendete er dicke Schichten reichlicher Texturfarbe, die der Komplexität des Motivs Ausdruck verleihen. Diese Serie würde als Höhepunkt des Impressionismus bekannt werden . nächste Mal bist du vor der impressionistischen Malerei. Egal der Autor der Zeit, in der es sich paarte. Betrachten Sie, über die Landschaft hinaus oder über den dargestellten Charakter hinaus zu sehen. Versuchen Sie, zum Gefühl zu gelangen und die Essenz des Malers zu vermitteln, versuchen Sie, seinen Entscheidungsprozess der Position Apollinaire, der Tageszeit, der atmosphärischen Bedingungen zu verstehen Entscheidungsprozess der Position Apollinaire, , jede Kleinigkeit, wie in vielen anderen Themen, über die wir in der Kunstgeschichte sprechen werden , ist eine Entscheidung. Moody mit nehmen Sie diese Idee dieser Serie auf die Spitze, wo er ungefähr 250 Canvas bemalte, bezieht sich auf Seerosen und seinen Garten orientalischer Inspiration. Und schenken Sie mir an und für sich ein Kunstwerk , das Sie immer noch nur 20 Minuten von Paris entfernt besuchen können . Heute ist er zu Hause, beherbergt sie auf einem Fundament und einem botanischen Garten, dem Sie mit der gleichen Sorgfalt und Faszination gearbeitet haben wie die Gemälde selbst. Motiv pflanzte die Wasserführer, bevor er sie malte. Er organisierte sein Eigentum, um mir zu geben als wäre es ein riesiges Gemälde. Dank der kleinen Armee von Gärtnern. Er hat den Fluss umgeleitet. Planet, Seerosen, exotische Blumen, weinende Weidenbäume und andere exotische Pflanzen. Er sitzt auf dem Teil und fügte Gehege mit weißen Hühnern , Enten und Kot hinzu. Die Natur wurde vom Künstler neu zusammengestellt und begann sein Herz zu versammeln. Er würde sagen, mein schönstes Meisterwerk ist mein Garten. Er würde auch viel Geld für diese Zwiebeln und jungen Setzlinge ausgeben. Die Strömung umfasst eine Fläche von 15 Hektar, einschließlich der botanischen Sammlung, der lokalen Vegetation und einer kleinen Baumschule seltener Arten. Ich drucke 261974. Eigentum schrieb den Titel historischer Denkmäler. Der Eingang, der Garten, die Werkstatt, der Pavillon. Und es wurde auch als Jack sie aufgeführt, Hey, Mark behielt bemerkenswerten Garten. Im Jahr 1976. Der Garten selbst brachte dem Geld mehr Glück, wahrscheinlich das meiste seiner Lebenswerk. Diese Landschaften des Wassers und Reflexion sind zur Obsession geworden. Ich werde erodieren. Und im August 198 geht dies über diesen Trend eines alten Mannes hinaus. Und doch möchte ich ausdrücken, was ich fühle. Ich habe einige der Campus zerstört. Ich fange noch einmal an. Ich hoffe, dass etwas von all diesen getrennt wird. Oh, wenn diese Anstrengung nach dem Tod seiner Frau wirklich bald Veränderungen und etwas Leben für ihn bringt, kommt er zurück auf diese Leinwand ist ein humischer, einige radikale Veränderungen. Er ändert das Ausmaß der Campus jetzt sind sie monumental im Maßstab. Und er ändert auch die Palette mit brillanten Farbflecken , um die Blumen vorzuschlagen. Er hat keine Herangehensweise. Und seine außergewöhnliche Verwendung von Punkt in Farbe begann die Spur für nachfolgende Kunstbewegungen. Seine zeitgenössischen Impulse, Sam wurde mit dem Post-Impressionismus verbunden. Matisse, der Geld angegriffen hatte, wurde einer der ersten expressionistischen Künstler. Ich überlasse Ihnen genau dieses Beispiel , das uns zu unserer nächsten Lektion bringt, um seine Arbeit mit der Ästhetik zu senden, die seine Vorgänger sehr helle Farbpaletten und Behandlung von leicht. Bei Debattierern. Er betrachtet fast Landschaft wie durch die Linse eines Architekten. Bei ihm dreht sich alles um Form und Geometrie. Und es ist sehr strukturell. Er wurde trainiert, vom Eindruck zu einem logischeren, analytischeren architektonischen Auge zu wechseln . Aber er nahm hauptsächlich den Prozess nach draußen zu gehen und das Licht einzufangen. Der Unterschied zwischen Sonne und Impressionismus besteht jedoch darin, dass er die Überflutung genug Platz vergrößert hat . Er nutzte die Farbpalette des Impressionisten, verzerrte sie aber, um das Konzept von Zeit und Moment zu ändern . Dieses Tempo neu ausrichten , während er es durchsetzt. Impressionismus war eine visuelle Revolte. Die allerersten abtrünnigen Künstler die gegen das System fließen. Sie malten das Leben so wie es war. Es geht darum, die Natur zu beobachten das Leben so zu untersuchen, wie es ist, da es das eines Objekts widerspiegelt. Am Ende der impressionistischen Zeit fühlten sich Künstler von strengen Regeln für Wettbewerb, Thema und Technik befreit . Sie sind nicht mehr von der Meinung des Salons abhängig. Künstler können heutzutage pingen , was sie mit neuer Technologie experimentieren wollen , und ihre eigenen Ideen und Talente verfolgen. Und das meiste davon ist den Impressionisten zu verdanken. Vielen Dank, dass Sie hier sind, Ihre Zeit mit mir geteilt haben und dass Sie mich über diese Themen sprechen lassen, für über die ich so leidenschaftlich bin. Ich hoffe, du bist es auch. Und wenn Sie Fragen haben, wenn Sie irgendwelche Kommentare haben, bespreche ich sie gerne. Du weißt, wo du mich findest. Danke. Wir sehen uns das nächste Mal. 7. Impressionists Klassenprojekt: Obwohl in einem einzigen Satz, trug jeder Künstler in seinem Schwanz zur impressionistischen Bewegung bei. Nach den Eigenschaften und Eigenschaften jedes Künstlers, versuchte, den Autor der Stücke zu identifizieren , die ich hier im Klassendokument unten zeige. Bitte teilen Sie Ihre Ergebnisse und Kommentare als Klassenprojekt mit. Und ich werde es mir ansehen und alle Fragen beantworten , die Sie möglicherweise haben. Vielen Dank, dass Sie sich diese Lektion über Kunstgeschichte angesehen haben, und bis zum nächsten Mal.