Audio Mastering 101: Ein Anfängerleitfaden für modernes Music

1. Einführung: Hast du von Mastering gehört, bist dir aber nicht sicher, was es ist? Hast du schon immer davon gehört, dass Marsmenschen in einer Art dunkleren oder voodoo-magischen Note Jungs für dich geschlafen haben, oder hast du versucht, sie zu meistern und Endergebnis ist inkonsistent und deine Songs klingen flach und komprimiert. Und zu guter Letzt, möchtest du Mastering verwenden , um einen fantastisch klingenden Song zu kreieren? Mastering war sicherlich etwas, das ein Geheimnis war , als ich anfing, etwas darüber zu lernen. In diesem Kurs entmystifizieren wir das Mastering, indem dir meine männlichen Grundlagen beibringen. Wenn du also mehr über die Grundlagen des modernen Masterings lernen möchtest , dann ist dieser Kurs genau das Richtige für dich. Mein Name ist Darin Smith, aber nennen Sie mich bitte Smudge, und ich bin ein professioneller Mastering-Ingenieur und Pädagoge mit Sitz in Großbritannien. Und in diesem Kurs werde ich Ihnen einige der wichtigsten Techniken und Prinzipien beibringen , die als professioneller Mastering-Ingenieur angewendet werden . In diesem Kurs lernst du, was Mastering ist. Die gebräuchlichen Begriffe im Zusammenhang mit modernem Mastering. Die Grundlagen der Normalisierung der Lautstärke und wie Streaming-Plattformen Ihre Songs verarbeiten. Limiting und wie man den Limiter im Mastering-Kontext einsetzt , Equalizer und berücksichtigt, was er in deinem Song ausbalanciert hat. Komprimierung. Müssen Sie einen Kompressor verwenden und wie Sie einen verwenden, um die besten Ergebnisse für den Export und die Herbstkonvertierung zu erzielen für den Export und die Herbstkonvertierung und welche Dateien Sie benötigen, um einige wirklich zu zeigen. Im Anschluss an den Kurs erlernst du das grundlegende Verständnis und Mastering, das dir hilft, Songs zu erstellen, die bereit für die Veröffentlichung sind. In dem Kurs können Sie nachweisen, dass Sie verstehen was Sie beherrschen, und die Kernterminologie erklären. Wenden Sie Ihr Wissen darüber an, wie Streaming-Plattformen die Lautstärke Ihrer Songs verändert haben. Und nutzen Sie dieses Wissen, um die wirksamsten Ergebnisse zu erzielen. Effektiver Einsatz des Limiters, um das optimale Gleichgewicht zwischen Lautstärke und Dynamikbereich zu erreichen. Holen Sie das Beste aus einem Equalizer heraus, indem Sie breite EQ-Moves bei Definitionen verwenden . Verstehen die Rolle der Komprimierung beim Mastering und verwenden Kompressoren, um Ihren Songs Ausgewogenheit und Zusammenhalt zu verleihen Ihren Songs Ausgewogenheit und Zusammenhalt zu und Ihre veröffentlichten Songs in die ganze Welt zu exportieren. Ich hoffe, Ihnen hat dieser Kurs gefallen und ich kann es kaum erwarten, Ihre Ergebnisse in der Projektgalerie zu hören. 2. KURSPROJEKT: In dieser Klasse habe ich ein Klassenprojekt erstellt , in dem ich möchte, dass du einen Song meisterst. Dies kann einer deiner eigenen Songs oder ein anderer sein, daher haben wir die Erlaubnis, ihn zu verwenden. Aber wenn Sie keine zur Verfügung haben, geraten Sie nicht in Panik. Über die Cambridge Music Techno Technology, Ihre Website, sind zahlreiche Songs verfügbar . Auf dieser Website stehen unzählige Songs zum Üben zur Verfügung. Ich muss nicht wirklich etwas finden , das entlarvte Mikrofone hat. Laden Sie die Datei herunter, und dann können Sie dieses Lied als Lied für Ihr Klassenprojekt verwenden . Sobald du ein Lied von ihnen gefunden hast, kannst du das Lied mit den in diesem Kurs erlernten Fähigkeiten meistern. Aber vergiss nicht, dir deine eigene Persönlichkeit zu geben. Mastering ist ein sehr kreativer Prozess und ich möchte, dass du die Tipps und Techniken, die ich dir in diesem Kurs zeigen möchte, als Richtlinie verwendest die Tipps und Techniken, die ich dir in diesem Kurs zeigen möchte . Verleihen Sie ihm Ihre eigene Persönlichkeit und drücken Sie ihm Ihren eigenen Stempel auf. Aber vor allem vertraue deinen Ohren. Sobald Sie den Sommer gemeistert haben, haben wir es nicht benutzt, zwei Dateien einzureichen, eine ist die Master-Version und die andere die Premaster-Version. Vor jeder Bearbeitung können Sie den Bereich Projektgalerie dieser Klasse verwenden den Bereich Projektgalerie dieser , um Ihre Songs hochzuladen. Und ich möchte, dass du etwas einreichst, vielleicht St. wie einen Google Drive - oder Dropbox-Link oder etwas Ähnliches. Alternativ können Sie ein Filesharing-System Ihrer Wahl verwenden . Wir transponieren hier generell eine gute Option , da Sie im Rahmen des kostenlosen Preisplans Dateien mit einer Größe von bis zu 2 GB kostenlos übertragen können . Ich würde nicht empfehlen, YouTube- und YouTube-Links zu verwenden , da die YouTube-Verarbeitung die Gesamtqualität und den Klang Ihres Gesangs beeinträchtigt . Zusammen mit den Links für den Herbst wäre es toll, wenn du in der Projektgalerie eine kurze Beschreibung darüber schreiben könntest , wie du an das Mastering herangehen würdest. Gib mir eine Vorstellung von deiner Absicht. Wenn du dir den Track zum ersten Mal anhörst. Was waren Ihre ersten Eindrücke? Woran mussten Sie Ihrer Meinung nach arbeiten? Was wolltest du an dem Song verbessern? War das etwas, das dir nicht gefiel? Und was hast du getan, um zum Endergebnis zu kommen? diese Weise kann ich nicht nur ihren Master mit dem Original vergleichen, sondern Sie erhalten auch eine Vorstellung von dem Sound, den Sie anstreben. Dadurch kann ich dir dann ein aussagekräftigeres Feedback geben, das dir auf deiner Mastering-Reise helfen wird. Aber vergiss nicht, Spaß zu haben. Mastering ist in hohem Maße ein kreativer und künstlerischer Prozess. Also amüsiere dich. Hab Spaß. Vertraue deinen Ohren und ich kann es kaum erwarten , mir die Ergebnisse in der Projektgalerie anzuhören . 3. Was brauche ich für diesen Kurs?: Die Einstiegskosten für moderne Musikproduktionen sinken mit der Zeit. Es war also noch nie einfacher oder kostengünstiger , Musik zu machen. Es gibt jedoch einige Geräte , die ziemlich technisch werden. Deshalb habe ich das in ein paar einfache Schritte unterteilt , um das Beste aus diesem Kurs herauszuholen Es gibt ein paar Dinge , die Sie benötigen. Sie benötigen einen Computer, Mac oder PC, Desktop oder Laptop oder eine Regelsuche. Für einige Software gelten Mindestsystemanforderungen oder es wird empfohlen, dass bestimmte Software reibungslos läuft. Stellen Sie daher sicher, dass die technischen Daten des von Ihnen verwendeten Computers für den Betrieb einer digitalen Audio-Workstation geeignet sind. Die meisten modernen Computer werden absolut in Ordnung sein. Du benötigst eine digitale Audio-Workstation oder eine DAW-Software, um deinen Song zu mastern. Diese Software dient als Hauptanwendung und Editor zum Mastern Ihres Songs. Diese Klasse ist DAW-unabhängig, sodass Sie keine bestimmte DAW benötigen, um dieser Klasse zu folgen. Verwenden Sie eine, die funktioniert und Sie dazu inspiriert , großartige Musik zu machen. Die meisten DAWs plattformübergreifend. Also was werden wir beide Mac oder PC, aber es gibt ein paar Ausnahmen. Wenn Sie neu in der Welt der DAWs sind, würde ich empfehlen, Caucus Reaper auszuprobieren, da es eine voll funktionsfähige 60-tägige Testphase gibt. Sie erhalten also 60 Tage lang kostenlos vollen Zugriff . Aber ich werde Studio One für diesen Kurs verwenden. Es ist meine bevorzugte DAW, aber du musst Studio One nicht verwenden , um diesem Kurs zu folgen. Zusätzlich zur DAW benötigen Sie für Plugins einen Limiter, einen Kompressor-Equalizer und einen Pegelmesser. Diese Plugins werden in der Regel als Teil Ihrer DAW enthalten sein. Stellen Sie also sicher, dass Ihre DAW diese vier Plugins enthält. Diese sind alle in Cocoa Reaper enthalten. Wenn Ihre DAW nicht über diese Plugins verfügt, stehen zahlreiche Optionen von Drittanbietern zur Verfügung. Ich würde auch vorschlagen, dass Sie überprüfen, ob Ihr Füllstandsmesser L-UFS-Messwerte lesen kann, die möglicherweise als modale EBUS R1 28-Voreinstellung angezeigt werden. Wenn nicht, würde ich empfehlen, entweder das DP Meter Five Plugin von TB Pro Audio oder das Eulerian Loudest Meets A-Plugin herunterzuladen entweder das DP Meter Five Plugin von , die beide kostenlos sind. Als Haupt-Sound-Hub für Ihr Setup benötigen Sie ein Audiointerface. Die Rolle eines Audio-Interfaces zu erklären ist ein ziemlich komplexes Thema, das eine eigenständige Klasse sein könnte. Einfach ausgedrückt benötigen wir jedoch ein Audiointerface, um den Ton in einer höheren Qualität wiederzugeben und unsere Überwachungsgeräte anzuschließen. Über die Schnittstelle können Sie Kopfhörer und Studiomonitore anschließen und den ganzen Tag von digital auf analog konvertieren , sodass Sie Ihren Song von Ihrem Computer hören können. Es wird nicht empfohlen, Kopfhörer direkt über die Kopfhörerbuchse des Computers anzuschließen , da diese Qualität nicht ausreicht, um eine genaue Wiedergabe Ihres Songs wiederzugeben. Schließlich benötigen Sie entweder Kopfhörer oder Studiomonitorlautsprecher , um ein Lied zu hören. Dies ist wieder ein weiteres umfangreiches Thema , bei dem viele Faktoren erörtert werden, die ehrlich gesagt den Rahmen dieses Kurses sprengen. In einer idealen Welt hätten wir alle eigene Studioräume mit vielen maßgeschneiderten akustischen Behandlungen, eine optimale Hörumgebung schaffen. Aber wir leben nicht in einer idealen Welt. Sofern Sie also kein spezielles Hörgewürz haben, wird es akustisch behandelt. Ich würde empfehlen für diesen Kurs Kopfhörer zu verwenden. Kopfhörer gibt es in allen Formen und Größen , die ihre eigenen Herausforderungen haben. Empfehlen Sie einfach die Verwendung von Assessor-Studiokopfhörern, die sich über ER befinden und für ein optimales Hörerlebnis vorzugsweise mit offener Rückseite ausgestattet sind. Aber das Wichtigste dabei ist, dass die Ausrüstung nicht im Weg ist. Es gibt zahlreiche Beispiele für fantastische Santos-Songs, die mit nicht optimaler Ausrüstung erstellt wurden . Lassen Sie sich also nicht abschrecken, wenn Sie nicht die neueste und beste Ausrüstung haben. 4. Was ist Mastering?: Nun, lassen Sie uns in der ersten Lektion kurz besprechen, was Mastering in der modernen Musikproduktion ist Wir können den Songentstehungsprozess im Allgemeinen in definierbare Aktionen unterteilen . In der Regel lauten diese Aktionen wie folgt. Songwriting, wo wir die Summe schreiben , die wir kreieren wollten, aufnehmen und produzieren, wo wir den Song mit der notwendigen Instrumentierung aufnehmen , um den Hauptteil des Songs zu kreieren. Mischen und Bearbeiten aller Tracks zu einer ausgewogenen Version des Songs. Beim Mastering geben wir den letzten Schliff und bereiten die Tracks für die Veröffentlichung vor. Und dann endlich der Vertrieb, bei dem wir deine Musik der Welt veröffentlichen. Mastering ist ein sehr wichtiger Teil der Kette und kann in vier Hauptaktionen unterteilt werden . Qualitätskontrolle, bei der wir auf Knallgeräusche und Klicks, Ausschnitte, Verzerrungen und andere Probleme achten. Objektives Zuhören. Nun, wir stellen sicher, dass die Schrift von Sam der Absicht des Künstlers entspricht. Kreative Verbesserung, bei der wir die Songmasse verbessert haben eine ausgefeilte Endversion erstellt haben, und eine informelle Präsentation, bei der wir die Gesamtlautstärke der Tracks erhöhen , wenn dies für das gewählte Medium angemessen ist. In der Startphase, um einen reibungslosen Übergang zwischen den Songs zu gewährleisten. Fügen Sie bei Bedarf Metadateninformationen für Kredit - und Lizenzgebühren und erstellen Sie die erforderlichen Dateien für die Veröffentlichung. Mastering wird oft als Ergänzung zum Mischprozess betrachtet , weist jedoch einige einzigartige Unterschiede auf, die es vom Mischprozess unterscheiden. In erster Linie arbeiten wir in der Regel mit einem einzelnen Stereo-Fall einzelne Instrumentenspuren relevant ist. Wir betrachten also die formelle Präsentation des Songs in seiner Gesamtheit über einzelne Elemente. Mastering konzentriert sich auch stärker auf das gesamte Frequenzspektrum als auf einzelne Instrumente. Daher neigen wir im Master generell dazu, mehr über breite Frequenzbereiche als über einzelne Frequenzen nachzudenken breite Frequenzbereiche als über . Und wir schauen uns auch an, wie die Songs auf Ihr Publikum übertragen würden. Da Ihr Publikum Songs möglicherweise auf einer Vielzahl von Geräten hört , müssen wir im Rahmen des Mastering-Prozesses sicherstellen, dass der Song auf so viele Geräte wie möglich übersetzt wird. Und schließlich müssen wir auch sicherstellen, dass wir eine objektive Denkweise beibehalten um sicherzustellen, dass das Fremde oder Klang der Absicht des Künstlers entspricht. Das sind alles Komponenten , die als Mastery-Mindset bezeichnet werden und ein Schlüssel, der dich vom Mix trennt und einen letzten, ausgefeilten, veröffentlichungsfertigen Song kreiert. Um es noch einmal zusammenzufassen: Das Mastering ist ein wichtiger Teil des Musikproduktionsprozesses, bei dem wir uns auf vier Hauptbereiche konzentriert haben: die Qualitätskontrolle des gesamten Songs, Objective Listening, um die Absicht des Künstlers zu erreichen, die kreative Verbesserung, um einen ausgefeilten, veröffentlichungsreifen Song zu erstellen , und die formelle Präsentation, einschließlich Lautstärke , Ausblenden von Metadaten und Erstellung einer Audiodatei. In unserem nächsten Kurs werde ich dir die gebräuchlichen Begriffe im Zusammenhang mit Mod-Mastering zeigen die gebräuchlichen Begriffe im Zusammenhang mit Mod-Mastering dir zu helfen, die Terminologie zu verstehen , auf die du beim Mastern deines Songs stoßen wirst . 5. Häufige Mastering: Bevor wir uns mit dem Inhalt des Kurses befassen, möchte ich mit Ihnen einige der gebräuchlichen Begriffe im Zusammenhang mit Mastering teilen . Das wird dir wirklich helfen, einige der wichtigsten Begriffe zu verstehen , auf die du beim Mastern deines Songs stoßen wirst . Ich werde mich während des gesamten Unterrichts auf diese Begriffe beziehen. Einige von Ihnen sind sich dessen vielleicht bewusst, aber einige von ihnen werden eher mit Mastering als mit Mischen oder Aufnehmen in Verbindung gebracht . Die wichtigsten Begriffe, die mit modernem Mastering in Verbindung gebracht werden, sind unser Spitzenniveau. True Peak Level, Digital Ceiling, Digital Clipping, Headroom, Dynamic Range und L UFS-Lautheitseinheiten im Verhältnis zum Originalmaßstab. Spitzenpegel ist ein Maß, das den aktuellen Pegel eines Audiosignals angibt . Spitzenpegel schwankt je nach Lautstärke des Songs, misst aber auch die lauteste Spitze oder den lautesten Teil des Songs. Spitzenpegel wird in Dezibel gemessen, genauer gesagt in Dezibel-Endstufen oder dBFS. wahre Spitzenwert ähnelt dem Spitzenwert, ist jedoch ein weitaus genaueres Maß. Warum ist das so? Ein Spitzenpegelmesser in einer DAW misst tatsächlich die digitale Klangwiedergabe. Also nehmen wir Sound in die DAW auf und die Analog-Digital-Wandler in unseren Interfaces erstellen digital eine Sounddatei. Aber um die Sounddatei von der DAW zu hören, müssen unsere Interfaces dieses digitale Signal wieder in ein analoges Signal umwandeln , damit wir es über Kopfhörer oder Studiomonitore hören können . Während der Rekonstruktion von digital nach analog kann es zu Abweichungen im Pegel zwischen der digitalen und der analogen Leseerzeugung kommen. Daher misst der wahre Spitzenpegel die analoge Wiedergabe und ist das genauere Maß sobald das Signal wieder in ein analoges Signal umgewandelt wurde, denn das ist es, was wir hören. Der Spitzenwert wird auch in Dezibel gemessen. Die digitale Obergrenze ist der maximal zulässige Spitzenpegel , bevor Verzerrungen auftreten. Die digitale Obergrenze kann in den meisten Fällen einfach als Null dBFS bezeichnet werden . Digital Clipping ist, vereinfacht ausgedrückt, eine unerwünschte Klangverzerrung, die auftritt, wenn der Spitzenpegel versucht, die digitale Decke zu überschreiten. Das ist ein unerwünschtes Geräusch und etwas, das wir vermeiden müssen. Headroom ist das Maß den Unterschied zwischen dem Spitzenpegel an der lautesten Stelle des Songs und der digitalen Decke. Also z. B. wenn ich zulasse, dass dieser Peak bei minus fünf dBFS liegt. Und die digitale Szene und diese Null-DBFs, dann haben wir fünf dB Headroom. Dynamikbereich ist ein eher technischer Begriff und kann für viele Menschen vieles sein , da es keine direkte Bedeutung von Dynamikbereich gibt. Dynamikbereich für die Sonne kann den Unterschied zwischen den lautesten und leisesten Spitzen eines Songs ausmachen. Für manche kann es der Unterschied sein, uns ein Durchschnittsmaß erlaubt ist. Aber ohne die technischen Aspekte einzugehen, ist der Dynamikbereich im Allgemeinen ein Begriff, der verwendet wird, um Variationen zwischen dem leiseren und dem erlaubten Teil eines Songs zu beschreiben Variationen zwischen dem leiseren . Ein stärker komprimierter Sound hat einen geringeren Dynamikbereich als ein weniger komprimierter Sound. Es wird dynamischer sein. besseren Übersicht halber beziehe ich mich auf Dynamikbereiche oder Lautheitsbereich, da er genau das merkt, was er beim DAP-Messgerät mit fünf Steckern fängt , das ich in dieser Klasse verwenden werde. Lautheitseinheiten relativ zu Full-Scale (EFS) ist ein relativ modernes Konzept und wird verwendet, ist ein relativ modernes Konzept und um die wahrgenommene Lautstärke zu messen. Die wahrgenommene Lautstärke ist eigentlich ziemlich wichtig. Und in einfachen Worten, genauer dar, wie wir als Menschen zuhören und wie wir Geräusche wahrnehmen. Es berücksichtigt also die menschliche Wahrnehmung. Efs oder Liebe werden in der Regel auf drei verschiedene Arten gemessen . Kurzfristig unser UFS, das die letzten 3 Sekunden oder den Ton misst die letzten 3 Sekunden oder , um eine gemitteltere, weniger ereignisabhängige Lautstärke darzustellen . Momentary L. Ufs misst die letzten 400 Millisekunden des Schalls, um die augenblickliche Lautstärke zu messen. Und das integrierte LFS misst die wahrgenommene Lautstärke von Anfang bis Ende und wird verwendet , um die wahrgenommene Lautstärke des gesamten Songs zu messen. Und jetzt lassen Sie uns diese gängigen Mastering-Begriffe noch einmal zusammenfassen. Spitzenniveau, wahres Spitzenniveau. Digitale Decke, digitales Clipping, Headroom, Dynamikbereich, und L UFS, Lautheitseinheiten im Verhältnis zum Originalmaßstab. Und Breve ist hier eine Menge Informationen, die Sie sich ansehen können, aber keine Sorge, ich werde mich Laufe des Kurses auf die Begriffe beziehen. Sie werden sehen, wie diese Begriffe in der Praxis angewendet werden. Aber vergiss nicht, du kannst jederzeit zur Auffrischung zu diesem Kurs zurückkehren . Und die gängigsten Begriffe, die ich im Rahmen dieses Kurses verwenden werde , sind wahre Spitzenpegel - und Lautheitseinheiten Verhältnis zur Gesamtskala auf der integrierten Messgröße. Integrierte Liebe, was für unseren nächsten Kurs zur Normalisierung der Lautstärke von großer Bedeutung sein wird . 6. Lautheitsnormalisierung - Die Grundlagen: Mehr als Morphium. Und mit der Einführung neuer Technologien ist die Viren-Streaming-Plattform das mit Abstand beliebteste Medium zum Musikhören in der heutigen Zeit. Denken Sie an Spotify oder Apple Music, Tidal und dergleichen. Eine der größten Herausforderungen für die Streaming-Plattformen wenn man bedenkt, dass sie Millionen von Songs auf ihrer Plattform haben , besteht darin, sicherzustellen, dass alle Songs mit einer gleichbleibenden Lautstärke abgespielt werden , was wiederum zu einem besseren Hörerlebnis für das Publikum führt . Also, wie haben sie das gemacht? Sie wenden die Lautstärkenormalisierung auf alle Songs auf ihren Plattformen an, um für alle Songs, die gehört werden, eine gleichbleibende Lautstärke zu erzielen. Um dem ein paar Kontexte zu geben, haben Sie vielleicht von dem Begriff Loudness Wars gehört . Einfach ausgedrückt beziehen sich die Loudness Wars auf eine Zeit , in der die Leute so laut wie möglich Musik machen wollten. Als Menschen nehmen wir lauter wahr, um besser zu sein. Es gab also einen Wettbewerb , um Songs zu machen lauter sind als die Konkurrenz. waren der Ansicht, dass es besser wäre, wenn wir unsere Songs lauter machen würden, als das Publikum es für besser halten würde. Dies war insbesondere in der Rundfunkbranche der Fall. Wir haben Radiosender und sogar Fernsehwerbung, die die Lautstärke als Instrument nutzen , um mit anderen Sendern und Marken zu konkurrieren . Die Rundfunkbranche übernahm jedoch bald die Kontrolle über die Situation. Es wurden zwei wichtige Gesetze eingeführt. Internationale Fernmeldeunion, ITU, oder B, S 17, 70, und Europäische Rundfunkunion, EBU, R1, 28. Es gibt noch andere, aber dies sind die wichtigsten Gesetze für die Vereinigten Staaten und Europa weltweit allgemein angenommen werden. Diese Gesetzgebung schuf einen Rahmen, der sicherstellt, dass alle Rundfunkmedien Audio auf einem regulierten und konsistenten Niveau wiedergeben . Aber wie Sie vielleicht wissen, gilt dies für Rundfunkmedien. Nur a gilt eigentlich nicht für Streaming-Plattformen. Tatsächlich gibt es ab 2023 keine Regelung, die für unsere Normalisierung der Lautstärke für Streaming-Plattformen gilt . Streaming-Plattformen übernehmen jedoch einige der Prinzipien dieser Gesetzgebung. Da es jedoch nicht reguliert ist, gibt es immer noch einige Inkonsistenzen zwischen einzelnen Streaming-Plattformen und der Art und Weise, wie sie die Normalisierung anwenden. Also, welche Prinzipien haben sie übernommen? Hier müssen wir uns auf unsere Messskala beziehen, es sich um Lautheitseinheiten im Verhältnis zum Skalenwert handelt. Insbesondere die integrierten Messungen. Streaming-Plattformen verwenden das integrierte UFS-Messgerät, um die wahrgenommene Lautstärke der Songs auf ihren Plattformen zu berechnen . Und die Lautstärke normalisiert die Songs auf ein konsistentes Niveau. Darüber hinaus wenden sie eine echte Empfehlung für Spitzenwerte an, um sicherzustellen , dass während des Upload - und Kodierungsprozesses kein digitales Clipping erfolgt . Was wurde also nicht adoptiert? Einfach ausgedrückt, es gibt kein einheitliches Maß für Liebe, Integration oder echte Menschen , das von den Streaming-Plattformen übernommen wurde . Schauen wir uns das in der Praxis an. Hier haben wir die Website loudness penalty.com, ein großartiges Tool, um herauszufinden, welche Auswirkungen die Normalisierung der Lautstärke für die wichtigsten Streaming-Plattformen hat. Normalisierung der Lautstärke wird verwendet um entweder die Lautstärke Ihres Senkkopfs verringern oder vielleicht sogar zu erhöhen, um die gleichbleibende Lautstärke zu erreichen, nach der das Publikum sucht. Wir können diese Website verwenden, um einen Song zu analysieren, und sie wird uns die Auswirkungen der Normalisierung der Lautstärke für die wichtigsten Plattformen aufzeigen. Nur eine Randnotiz, der Name Loudness Pregnancy ist ein wenig irreführend, da er darauf hindeutet, dass ein zu lautes Mastering den Song beeinträchtigt oder bestraft. Das ist eigentlich nicht die Absicht es deutet lediglich darauf hin , dass wir mehr Dynamik erzeugen könnten , indem wir nicht so laut mastern und gleichzeitig weniger hart mit einem Limiter umgehen. Mehr dazu folgt in der Grenzklasse. Hier habe ich das Lied hochgeladen, dass ich vor Kurzem MasterCard gekauft habe , wo alle Engel durch Sfumato-Effekt ein koloniales Album haben , um ihre Songs für diesen Kurs zu verwenden. Ich habe einen Song gemastert , dessen UFS -12,6 L misst und als Maß für die wahrgenommene Lautstärke integriert ist. Anhand der Ergebnisse werden YouTube, Spotify, Tidal und Amazon diesen Song im Standardmodus um 1,4 dB herunterdrehen und auf etwa -14 l integriertes UFS normalisieren . Apple, wir drehen einen Song um -3,4 D Bs leiser und normalisieren ihn auf ungefähr -16. Lof hat integriert und Diesel dreht den Song um -2,4 dB herunter , normalisiert auf etwa -15 oder UFS integriert. Sie können sehen, wie verwirrend das sein kann. Es gibt auch weitere Unregelmäßigkeiten in Bezug auf die tatsächlichen Spitzenempfehlungen für jede Plattform. Sie alle bieten auch verschiedene Modi zur Normalisierung der Lautstärke, und die Varianz hängt von den Vorlieben des Zuhörers ab. Einer der häufigsten Mythen rund um das Mastering ist, dass es für Streaming-Plattformen eine Ziellautstärke gibt, die oft als -14 l UFS Integrated angegeben wird. Wie Sie sehen, gibt es kein Ziel, da es kein reguliertes Maß Normalisierung für alle Streaming-Plattformen gibt. Dies ist ein sehr dichtes und technisches Thema, aber die wichtigsten Erkenntnisse sind Streaming-Plattformen. Wir verwenden die Normalisierung der Lautstärke , um sicherzustellen, dass das Publikum ein konsistentes Hörerlebnis hat. Normalisierung der Lautstärke wird sogar verwendet, um Ihren Song möglicherweise lauter oder leiser zu stellen. Die Normalisierung der Lautstärke basiert auf der wahrgenommenen Lautstärke. Also lacht integriert wird als Maßeinheit verwendet. Sie werden aber auch den wahren Spitzenwert der Songdatei berücksichtigen , um die Wahrscheinlichkeit zu minimieren , dass digitale Clips entweder beim Upload oder Verschlüsselungsprozess erscheinen, wenn es darum geht beim Verschlüsselungsprozess erscheinen, wenn es darum geht, die Dateien auf die Streaming-Plattformen hochzuladen. Auch hier gibt es viel zu lernen, aber ich werde Ihnen einige praktische Beispiele zeigen, wenn wir in aber ich werde Ihnen einige praktische Beispiele zeigen , wenn wir die limitierende Klasse kommen. Wir können sehen, Wir können sehen Wissen tatsächlich in die Praxis umgesetzt wird. Aber lassen Sie uns jetzt zur nächsten Klasse übergehen , in der es darum geht, eine Mastering-Session einzurichten. 7. So richtest du eine Mastering ein: In unserem ersten praktischen Kurs werde ich dir zeigen, wie du einen Song für das Mastering vorbereitest. Bereite dich auf eine erfolgreiche Mastering-Session vor. Den Sommer, den ich für diese Kurse verwenden werde, ist das Lied Born to be free von Tomato Effect, der mir freundlicherweise die Erlaubnis gegeben hat, seinen Song für diese Kurse zu verwenden. Das habe ich gemeistert und ist auf allen wichtigen Streaming-Plattformen verfügbar. Wenn Sie sich die ehemalige Masterversion anhören möchten. Eines der ersten Dinge, die es zu besprechen gilt, ist, wie wichtig eine eigene Mastering-Session abzuhalten, um deinen Song zu mastern. Ich werde oft gefragt, ob es okay ist, die Mix-Session zu mastern? Ich empfehle immer, eine eigene Mastering-Session abzuhalten, um einen Song zu mastern , da es wichtig ist, die Denkweise des Masterings gegenüber dem Mixing zu erlernen. Wenn Sie versuchen, die Mix-Session zu mastern, werden Sie immer versucht sein, sich auf einzelne Personen zu konzentrieren, also auf Elemente und nicht auf den Song als Ganzes. Und beim Mastering achten wir vor allem auf die Gesamtpräsentation des Songs und nicht auf einzelne Elemente. Wir müssen hier auch bedenken und nicht jeder hat einen leistungsstarken Computer. Und wenn Sie einen dichten Mix mit vielen Tracks und Plugins haben , kann das Hinzufügen weiterer Plug-ins Ihren Computer zusätzlich belasten. Dies kann zu einem Engpass führen. Sobald wir eine leere Session haben, müssen wir sicherstellen, dass die DAW-Sitzung dem Songfall im Verhältnis zu den Sampleraten und der Bittiefe entspricht . Ich werde nicht zu sehr Samplerate und Bittiefe eingehen, da dies tiefgründige Themen sind , die den Rahmen eines Mastering-Einzelkurses sprengen . Wenn Sie jedoch Ihr Wissen in Bezug auf Stichprobenraten erweitern möchten , würde ich Ihnen empfehlen, das Thema des Nyquist-Theorems zu untersuchen , das detailliert auf die Stichprobenraten eingeht. Sie müssten jedoch die Details zur Samplerate und Bittiefe Ihres Songs Foil herausfinden die Details zur Samplerate und Bittiefe Ihres und die DAW-Sitzungen so einstellen, dass sie passen. Im ersten Studio kann ich die Samplerate und die Bittiefe über den Sun Tab und durch die Auswahl des Song-Setups ändern . Dieser Vorgang ist jedoch unterschiedlich, je nachdem , welche DAW Sie verwenden. Sobald eine DAW-Sitzung die richtige Samplerate und Bittiefe hat , können wir unsere Datei importieren. Dieser Vorgang unterscheidet sich je nach der von Ihnen verwendeten DAW. Im Allgemeinen befinden sich die Eingabeoptionen für den Herbst jedoch in den meisten DAWs im Herbst-Tab. Aber der Song-Tab in Studio One. Für unsere letzte Sitzungsänderung müssen wir sicherstellen, dass wir die Puffergröße des Audio-Interfaces so hoch wie möglich machen. Die Puffergröße wird von unserem Schnittstellen-Softwaretreiber gesteuert . Für Mastering benötigen wir eine Hypothese , um unsere Computer weniger zu belasten. Der Schnittstellenpuffer ist im Allgemeinen ziemlich niedrig eingestellt, wenn es um die Aufnahme geht. Da eine hohe Puffergröße zu Latenz führen kann. Latenz ist eine Herausforderung bei der Aufnahme, da es eine Verzögerung zwischen dem Signal das in die Aufnahmequelle, ein Mikrofon, eingeht , und der Rückkehr des Signals handelt. Freudian reicht für Wiedergabezwecke aus. Beim Mastering nehmen wir nicht auf. Wir können den Puffer so hoch wie möglich einstellen , um die Belastung und unseren Computer zu reduzieren. Schließlich können wir unsere Plugins vor jedem Prozess in die Session einfügen , und wir werden das aus Gründen der Übersichtlichkeit tun. Ich würde empfehlen, die Plugins direkt zu dem Track hinzuzufügen , der einen Songfall enthält. In vielen DAWs können wir Plugins entweder direkt auf dem Song Foil platzieren , auf dem Track, der einen Songfall enthält, oder auf einem Master-Kanal, der die endgültigen Ausgänge zu Ihren Kopfhörern oder Lautsprechern steuert . Der Einfachheit halber würde ich empfehlen, die Plugins zu dem Track hinzuzufügen , der einen Songfall enthält, wie hier in dieser Klasse gezeigt. Die Reihenfolge, in der wir unsere Plugins hinzufügen, ist wichtig, da dadurch unsere Mastering-Kette entsteht. Und jedes Plugin verändert den Song, der die Kette durchläuft. Empfehlen Sie daher, zuerst den Kompressor und dann den Equalizer-Limiter hinzuzufügen. Und dann nehme ich den Lautheits - oder Pegelmesser. Das Wichtigste dabei ist, dass das Limit nach unserem Kompressor hinzugefügt wird. Ein Equalizer. Als Limiter muss als letzter in der Zeile ein formales Ergebnis einer Verarbeitung kontrolliert werden. Unsere Lautstärke erfüllt einige Bedürfnisse nach unserem Limiter, damit er das Telefon oder die Lautstärke ablesen kann . habe ich auch ein Spektrummessgerät beigefügt Demonstrationszwecken habe ich auch ein Spektrummessgerät beigefügt, das ist jedoch nicht unbedingt erforderlich. Um es noch einmal zusammenzufassen: Um eine Mastering-Session einzurichten, müssen wir eine leere Mastering-Sitzung in unserer DAW erstellen. Sie die Samplerate und Passen Sie die Samplerate und die Bittiefe an den Song an, an dem wir gerade arbeiten. Importieren Sie die Datei in unsere Sitzung, ändern Sie unsere Schnittstellenpuffereinstellung und fügen Sie die Plugins hinzu. Wir werden es für den Track verwenden , der die Songdatei enthält. In unserem nächsten Kurs werden wir uns die Qualitätskontrollseite und das Mastering ansehen . 8. Qualitätskontrolle: In diesem Kurs werde ich Sie durch die Qualitätskontrolle und das Mastering führen, aber auch die Lautstärke der Songs messen, bevor das Master-Processing notiert, was unserer Meinung nach verbessert oder kontrolliert werden muss. Und schauen Sie sich auch das Konzept des Headrooms an und wie sich dies auf alle Mastering-Entscheidungen auswirkt, die wir treffen. Dazu spiele ich das Lied von Anfang bis Ende durch. Während des Spiels werden wir auf Folgendes achten. Gibt es hörbare Klicks und Knallgeräusche? Diese sind in der Regel auf eine Überlastung des Computersystems während der Aufnahmephase zurückzuführen. Es können aber auch Klick- und Popgeräusche sein die vom Gesang durch Mausgeräusche aufgenommen werden. Darauf müssen wir auch achten. es zu viele Geschwister vom Gesang, das sind diese harten S-Sounds , die Mikes intoniert sind. Hat der Song digitale Ausschnitte oder eine Reihenfolge, irgendwelche Anzeichen von Clipping oder ungewollter Verzerrung, wird nicht nur darauf geachtet , dies zu ermöglichen, bedeutet den maximalen Durchsatzpegel abzulesen. Aber wenn ich auf irgendwelche verzerrten oder Herzgeräusche achte, klingt der Mix natürlich, irgendwelche Sounds, die wirklich auffallen , die nicht zum Song passen. diese Weise können wir dann eine fundiertere Entscheidung darüber treffen , ob es möglicherweise Empfehlungen gibt möglicherweise Empfehlungen die Mischung noch einmal zu überprüfen. Neben der Qualitätskontrolle werde ich mir auch einige Notizen machen, werde ich mir auch einige Notizen machen um die folgenden Fragen zu beantworten. Gibt es Geräusche, die beim Anhören des Songs herausspringen ? Wenn ja, klingen sie natürlich? Und kannst du die gesamte Instrumentierung hören? Denken Sie also an alle einzelnen Teile des Songs. Denken Sie an das Schlagzeug, den Bass, die Gitarre , die Gitarren, den Gesang usw. usw. Ist der Song ausgewogen und der Frequenzbereich? Also denk über den Sound nach. Sind es zu viele Grundfrequenzinhalte? Ergänzen die Basisfrequenzen den Rest des Rumpfes? Und stellte dann dieselben Fragen für die mittleren Frequenzen und die hohen Frequenzen. Ergänzen sie sich alle oder gibt es ein Ungleichgewicht? Und schließlich, entspricht der Gesamtsound der Absicht des Künstlers? Wenn du der Künstler und Toningenieur bist, ist das der Sound, den du angestrebt hast, als du den Song geschrieben hast , oder ist das etwas, an dem sie arbeiten? Dies sind alles Fragen, die du beantworten kannst, um deinen Song mithilfe des Masters und der Denkweise zu verbessern . Aber das ist auch ein toller Punkt um zu erwähnen, dass, wenn du an den Unterrichtsprojekten teilnimmst und deinen eigenen Song mastest, es toll wäre, wenn du in den folgenden Informationen eine Notiz schreiben könntest . ersten Eindrücke, als du dir den Track Was waren deine ersten Eindrücke, als du dir den Track zum ersten Mal angehört hast? Woran hast du dich bedürftig gefühlt? Was wolltest du beim Song verbessern? Mochtest du das nicht? Das Geräusch von. Dies sind alle Informationen , die Sie in dieser speziellen Phase des Mastering-Prozesses notieren können . also ohne weitere Umschweife Lassen Sie uns also ohne weitere Umschweife das Lied überprüfen. Ich öffne, was uns am lautesten macht. Wir können das also in Aktion sehen. Berlin für immer die Rutsche und die Größe hoch die Rutsche . Das ist also der Ozean. Schon wieder. Flammend. Sei gut mit der Arbeit unseres Lebens. Aber die Treppe fliegt gern. Nein. Aus Sicht der Qualitätskontrolle klang der Song also großartig. Es gab keine bestellbaren Klicks und Pops und es gab keine Ausschnitte oder Verzerrungen. Sie haben vielleicht ein leichtes Klicken gehört, das ich Ihnen zeigen werde. Jetzt. Dieser Clip wurde während der Aufnahme dieses Kurses durch eine Bildschirmaufzeichnungssoftware verursacht und ist im Song nicht enthalten. In Bezug auf die Qualitätskontrolle sind wir also alle gut. In Bezug auf meine Mastering Notes gab es ein paar Beobachtungen. Ich fand, dass kein Mixed großartig klang, aber ich hatte das Gefühl, dass es funktionieren würde. Höre mehr Gesamtenergie zu. Der Basisinhalt klingt nett und die definierende Saga hört man den Bass, Gitarre und die Kickdrum, aber es fühlte sich nicht allein an. Mittelfrequenzen klangen ziemlich gedämpft und schlammig. Mir ist etwas in dem Song aufgefallen, das mir das Gefühl gab, dass es eine Verzerrung geben könnte. Aber beim genaueren Hinhören stelle ich fest, dass im Hintergrund perkussive Elemente zu hören sind und mir Nasir-Verzerrungen ins Ohr gefallen sind. Ich finde auch, dass die allgemeine Frequenzbalance gut klang, aber wir könnten vielleicht versuchen, die mittleren Frequenzen herauszuholen und mehr zuzuhören und dem Song vielleicht etwas Hochfrequenzfunkeln zu geben , um den Gesang hervorzuheben. Aber was denkst du? Hier kann Mastering kreativ werden und es gibt keine richtigen oder falschen Antworten. Nur kreative Entscheidungen, die auf dem basieren, was wir hören. Denken Sie jedoch immer daran, die Absichten des Künstlers zu berücksichtigen und bei Ihrer Entscheidungsfindung objektiv zu sein . Dies sind die Überlegungen, die Ihnen helfen werden, Ihren Song zum Leben zu erwecken. Üben Sie also unbedingt. Das ist Teil des Masterings und konzentriere dich wirklich darauf, deine Hörfähigkeiten zu verbessern. Bevor wir uns mit dem Headroom befassen, möchte ich Ihnen einen Top-Tipp geben, wie Sie Ihre Hörfähigkeiten verbessern können. Wenn Sie das Gefühl haben, hören zu können, dass etwas nicht ganz richtig klingt, Sie aber nicht wissen, wo im Frequenzbereich es sich befindet. Es gibt ein kostenloses Plugin und eine Technik, Sie Ihre Hörfähigkeiten wirklich verbessern können. Dieses Plugin wird von einer Firma namens Tokyo Dome Labs TD ANOVA genannt. Dieses Plugin ist ein Plug-In-Typ, der als dynamischer EQ bezeichnet wird. Wir werden dieses Plugin in der Klasse nicht verwenden. Das Tolle an diesem Plugin ist jedoch , dass Sie verschiedene Frequenzbänder solo spielen können. Das ist großartig, da Sie die Bänder verwenden können , um zu verschiedenen Teilen des Frequenzbereichs zu wechseln und nur diese Frequenzen solo zu spielen. So können Sie lernen, welche Instrumente bestimmte Teile des Frequenzbereichs einnehmen . Hier ist ein kurzes Beispiel, oder? Diese Technik kann im Allgemeinen auch mit einem anderen Plug-In-Typ verwendet werden, der als Multiband-Kompressor bezeichnet wird. Solange es über eine Band-Solo-Funktion verfügt, müssen Sie keine Einstellungen ändern, außer um die Frequenzen zu ändern, die Sie hören möchten. Jetzt gehen wir zum Headroom über, was beim Mastering sehr wichtig ist . Wie in den allgemeinen Begriffen erwähnt, ist die Klassenkopffreiheit ein Unterschied in der Lautstärke zwischen der digitalen Decke, in diesem Fall Null dBFS, und dem höchsten Spitzenpegel. Wir haben auch besprochen, dass der wahre Root-Level genauer ist als der Spitzenwert. Wenn wir einen Blick darauf werfen, ist die gesamte Lautstärke so eingestellt, dass wir sehen können, dass dieser Song einen wahren Spitzenpegel von -4,4 dBFS hat , was bedeutet, dass unser Headroom bei 4,4 dB liegt. Es gab einen weit verbreiteten Mythos, dass die Beherrschung der Osterlieder 60 ein Heroin wert war, bevor man sie meisterte. Der Wert von minus sechs dB stammt aus einer Zeit vor digitalen Audio-Workstations, als sich bestimmte Aufnahmegeräte vor der digitalen Obergrenze verzerrten. Daher war es immer sicher, zusätzliche Kopffreiheit zu lassen , um das Risiko dieser Verzerrung zu minimieren. Kommen wir nun zum modernen Yo mit DAWs. Es ist nicht wirklich nötig, viel Headroom zu lassen , da wir den Pegel des Songs zerstörungsfrei an einen von uns gewählten Pegel anpassen können den Pegel des Songs zerstörungsfrei an einen von uns gewählten Pegel anpassen , solange der Mix nicht digital abgeschnitten wird. Wenn der Song mindestens 0,1 dB Headroom hat, können wir die Lautstärke vor dem Master-Processing anpassen. Wenn wir jetzt zu unserem Song mit 4,4 dB zurückkehren , wo für Headroom, kann dies auch einige Herausforderungen beim Mastering mit sich bringen. Nämlich, dass dies zu einer zusätzlichen Verarbeitungsbelastung führen könnte , wodurch die Gefahr einer übermäßigen Kompressionsverzerrung besteht. Besprechen Sie dies in unserem nächsten Kurs und der Einschränkung genauer. Eine gute Faustregel ist jedoch, zwei dB Headroom für unseren Master-Prozessor zuzulassen . Das bedeutet, dass wir die Verstärkung unseres Songs um ca. 2,4 dB erhöhen müssen . Oder wir können dies erreichen, indem wir den Gain erhöhen und den Song oder das Jahr erneut erhöhen, Plugin In Studio One wird dies manuell erreicht, indem das Song-Follow-up auf die erforderlichen Mengen gezogen wird. Alternativ können die meisten DAWs ein Hörverstärkungs-Plug-In verwenden, mit dem das gleiche Ergebnis erzielt werden kann. Dieses Plug-in muss ganz oben in unserer Mastering-Kette platziert werden . Der Grund, warum ich überall, wo Headroom vorhanden ist, zwei dB empfehlen würde , liegt an der Lautheitsnormalisierung der Streaming-Plattform, die in den meisten Fällen einen wahren Spitzenpegel von nicht mehr als minus einem dB erfordert , was wir bei der Verwendung eines Limiters berücksichtigen werden. Die zusätzlichen dB Kopffreiheit als Sicherheitsmaßnahme tragen zur Varianz zwischen dem Spitzenpegel, der die DAW erhöht , und dem wahren Spitzenpegel in unserem Messgerät bei. Denken Sie daran, dass die manuelle Gain-Anhebung des Songs in Ihrer DAW als Spitzenpegel und nicht als wahrer Spitzenpegel gemessen wird . Es ist wichtig, dass die Einstellungen stimmen, bevor wir mit der Einschränkung beginnen, welche Klasse als nächstes kommt. Zusammenfassend müssen wir uns den Song komplett anhören, alle möglichen Clips, Knallgeräusche, Verzerrungen oder Knistern hervorheben und korrigieren . Machen Sie sich beim Mastering Notizen, wem wir darüber im Klaren sind, was wir tun müssen, und stellen Sie den Headroom vor unserem Master-Processing auf minus zwei dB ein. Lassen Sie uns nun über die Einschränkung sprechen. 9. Begrenzung 101: In diesem Kurs zeige ich Ihnen, wie Sie den Limiter verwenden, um ein gutes Gleichgewicht zwischen Lautstärke und Dynamik zu erreichen. Aber du denkst vielleicht an Smudge. Wenn der Limiter das letzte Plugin in der Verarbeitungskette ist , warum beginnen wir dann mit dem Limiter? Eine der größten Herausforderungen stellt sich für ihn als Neuling, und er versucht, einen Sound zu erreichen eine konkurrenzfähige Lautstärke hat , ohne dass und er versucht, einen Sound zu erreichen, der eine konkurrenzfähige Lautstärke hat , ohne dass die Songs flach oder es ihnen an Energie mangelt. Aus meiner Erfahrung als Pädagoge und aus Gesprächen mit vielen Anfängern habe ich festgestellt, dass viele, die mit Kompression und Equalizer beginnen und eine gute tonale Balance erreichen. Aber wenn die dynamische Energie verliert, wenn sie anfangen, einzuschränken, denke ich, dass dies im Allgemeinen auf zwei Hauptprobleme zurückzuführen ist. Sie übertragen den Lautstärkepegel, der passt nicht zum Song und schränkt daher zu sehr ein. Oder sie wenden zu viel Komprimierung vom Mastering-Kompressor an, bevor sie den Limiter erreicht. Die Verwendung eines Limiters ist der erste Vorgang. Wenn die Gesamtlautstärke auf ein wettbewerbsfähiges Niveau angehoben wird, verringert sich die Wahrscheinlichkeit, dass die Lautstärke vorher zu stark verringert sich die Wahrscheinlichkeit, dass die begrenzt oder zu stark komprimiert wird. Der Hauptgrund, warum die Verwendung eines Limiters manchmal eine Herausforderung darstellt, ist, dass es sich im Wesentlichen um einen Kompressor handelt, aber um einen sehr aggressiven Kompressor. Die Aufgabe des Kompressors besteht darin, ein dynamisches Audiosignal zu glätten , indem er den Pegel der Allelspitzen reduziert und gleichzeitig den Pegel der Qualitätsspitzen erhöht, wodurch ein ausgewogenerer und gleichmäßigerer Klang erzielt wird. Ein normaler Kompressor hat viele Einstellungen, wobei eine insbesondere eine Übersetzungseinstellung ist. Das Verhältnis des Kompressors wird verwendet, um zu bestimmen, wie viel Audio im Verhältnis zu der Menge der Eingänge ausgegeben wird. So B. ein Kompressor mit einem Verhältnis würde z. B. ein Kompressor mit einem Verhältnis von zwei zu eins bedeuten, dass für jeweils zwei dB ein Signal, das in den Kompressor eingegeben wird, nur ein dB ein Signal ausgegeben wird. Ein Verhältnis von vier zu eins für die Bs des Eingangs würde ein dB Ausgangsleistung bedeuten und so weiter. Ein Limiter ist jedoch ein Kompressor, der im Allgemeinen ein unendliches Verhältnis hat. Aus diesem Grund werden sie möglicherweise als Backsteinwandbegrenzer bezeichnet, da sie so konzipiert sind, dass sie das ausgehende Signal stark einschränken , um die Wahrscheinlichkeit eines digitalen Clippings an der distalen Decke zu minimieren . sich um einen Kompressor handelt, dient er nicht nur Da es sich um einen Kompressor handelt, dient er nicht nur als Sicherheitspuffer, sondern erhöht auch den Pegel der leiseren Molche und erhöht so die Gesamtlautstärke. Wir müssen jedoch vorsichtig sein, da dies auch den Dynamikbereich verringern wird . Da wir alle Dinge im Griff haben und sein Spiel einschränken müssen , einen Kompromiss zwischen dem Erreichen von Lautstärke und der Aufrechterhaltung eines angemessenen Dynamikbereichs zu finden. Aber schauen wir uns einen Limiter an. Gehen Sie zu den Kernfunktionen über, bevor ich Ihnen dann eine einfache, aber effektive Methode zeige , wie Sie einen Amateur für Ihr Mastering verwenden können. Limiter unterscheiden sich geringfügig in ihrer Funktionalität, aber im Allgemeinen gibt es einige Kernkomponenten. Ich verwende die Stocklimits hier in einem Studio und von links nach rechts haben wir einen Verstärkungsregler, einen Deckenparameter, einen Fresh-Hold-Regler. Und schließlich haben wir die Attack- und Release-Einstellungen. Die gängigsten Parameter eines Limiters oder eines Verstärkungsreglers und eines Deckenreglers. Mit dem Verstärkungsregler können Sie die Lautstärke im Limiter erhöhen . Je mehr Sie also die Verstärkung erhöhen, desto lauter wird der Ton. Die Decke. Andererseits der Zugang zu einer Barriere mit dem Ziel, digitales Clipping zu verhindern. Das heißt, wir können die Decke auf den gewünschten Pegel einstellen und dann die Gain-Regelung verwenden , um die Lautstärke zu erhöhen bis das Signal die Decke erreicht. Sobald das Signal die Decke erreicht, beginnt das Signal, die Spitzen zu begrenzen und zu komprimieren. Je mehr Sie die Verstärkung in die Decke drücken, desto mehr Kompression wird erreicht. es zu weit drücken, werden Sie den Druck überwinden und beginnen, den Ton zu verzerren. Als nächstes haben wir die Schwellenwertsteuerung, die nicht in allen Limitern zu finden ist, aber in vielen Plug-ins im Kompressor-Stil üblich ist. Der Schwellenwert verhält sich sehr ähnlich wie die Obergrenze und legt den Schwellenwert fest, an dem der Kompressor begrenzt werden soll , um mit der Komprimierung zu beginnen. Wenn wir also die Obergrenze haben, das ist die letzte Verteidigungslinie, kann der Schwellenwert verwendet werden, um den Startpunkt für den Beginn der Komprimierung festzulegen den Startpunkt für . Also sagen wir z.B. , wir haben einen Sohn mit fünf dB, ob sich Headroom lohnt und wir verwenden den Limiter Gain Regler zwei bei fünf dB. Auch hier können wir die Obergrenzen nutzen, um die letzte Verteidigungslinie zu verbiegen. Und wenn wir den Anwendungsfall der Streaming-Lautheitsnormalisierung nehmen , bei dem wir sicherstellen möchten, dass der wahre Spitzenpegel nicht über minus ein dB (True Peak) steigt. Wir können die Obergrenze auf minus ein dB festlegen und die Signalgrenzwerte auf minus ein dB festlegen. Der Schwellenwert kann jedoch verwendet werden, um den Dezimalstartpunkt zu senken. Nehmen wir an, wir möchten, dass die Komprimierung bei minus zwei dB einsetzt und trotzdem dieselbe wie die letzte Verteidigungslinie verwendet . Dann können wir einen Schwellenwert auf minus zwei dB setzen. Das Signal beginnt bei der Überwachung der DB zu komprimieren. Und eine Decke kann dann jedes weitere Signal steuern , das der Kompressionsschwellenwert nicht erfasst. allerwenigsten haben wir die Steuerungen für eine zweite Auslösung, und diese Systeme regeln die Geschwindigkeit, mit der der Kompressor reagiert und freisetzt. Ein Beispiel, um zu zeigen, wie Attack and Release funktionieren, ist, dass unser Finger der Hand , an dem meine Hand vollständig geöffnet ist kein Werkzeug wie der Schwellenwert reagiert , vorausgesetzt , die Audiospitzen wurden nicht erreicht. Aber wenn die Audiospitzen einen Schwellenwert oder Caelian erreichen, bestimmt der Angriff die Geschwindigkeit, mit der sich meine Hand schließt, und dann bestimmt der Auslöser die Geschwindigkeit, mit der sie sich wieder öffnet. So können wir verschiedene Kombinationen von Nah- und Freiraum einstellen von Nah- und Freiraum , um Ihren speziellen Bedürfnissen gerecht zu werden und unterschiedliche Komprimierungsergebnisse zu erzielen. Nachdem wir das alles gesagt haben, möchte ich Ihnen eine einfache Möglichkeit zeigen , ein Limit zu verwenden, um die wirksamsten Ergebnisse zu erzielen, ohne die Dynamik zu beeinträchtigen. Dazu konzentrieren wir uns auf die Parameter Gain und Ceiling und ignorieren den Schwellenwert komplett, indem wir ihn auf Null setzen. Warum machen wir das? Indem Sie den Schwellenwert verwenden, um den Startpunkt für die Komprimierung zu reduzieren . Wo sofort Kompromisse und Dynamik eingegangen sind, bevor wir die Obergrenze erreichen. Und wir haben alle Limiter, die ein unendliches Verhältnis haben. Dies ist ein schwerfälliger Ansatz und wird ohne viel Liebe zum Detail nicht zu den Ergebnissen führen , nach denen wir streben. Sobald wir unser Limit festgelegt haben, gewinnt die Obergrenze. Wenn wir zusätzliche Komprimierung benötigen, können wir dann unseren Kompressor verwenden , auf den wir in unserer nächsten Klasse näher eingehen werden. Fangen wir mit einer Decke an. Ein guter Ausgangspunkt ist die Obergrenze von minus einem dB. Dieser Wert von minus einem dB entspricht vielen Streaming-Plattformen, die einen echten Spitzenpegel von nicht mehr als minus einem dB benötigen . Sobald wir anfangen, den Gain zu addieren und er auf Angenommen trifft, müssen wir hauptsächlich die Obergrenzen anpassen , um sicherzustellen , dass wir den Minuspegel beibehalten , da einige Signale immer noch in der Lage sind, das Zölom zu analysieren. Sobald wir das Speichern vorgenommen haben, spielen wir diesen Song ab und passen die Verstärkung bis wir die gewünschten Ergebnisse erzielen. Was sind also die gewünschten Ergebnisse? Sie denken vielleicht, es gibt zwei Dinge, nach denen ich suche. Insbesondere möchte ich die Lautstärke auf ein Niveau erhöhen, das gut klingt, bevor es anfängt, die Lautstärke zu überschreiten, zu brechen oder zu verzerren. Sobald wir zeigen, dass das letzte Level mindestens -14 erreicht , ist UFS integriert. Wie immer zu gehen und für das Baby einen Gewinn hinzuzurechnen , reicht nicht aus, um mindestens -14 LU zu erreichen Risiko , dass der Song auf den Streaming-Plattformen zu leise gesungen wird. Etwa das Erhöhen der Verstärkung auf neun dB macht den Sound. Die Store-Coupons mehr Jahre sind rund 46 DVDs wert noch einmal steigen. Sie haben vielleicht bemerkt, dass die Wörter bewusster verwendet werden, zumindest wenn es um Dimension -14 geht. Ja, UFS. Wie wir in der Klasse zur Normalisierung der Lautstärke besprochen haben, gibt es keinen UFS-Zielwert L, der auf allen Plattformen konsistent ist. Daher integriert y -14 l UFS, es wird nicht als Ziel betrachtet. Tatsächlich müssen wir uns nicht einmal Gedanken über den UFS-Pegel machen, solange er mindestens -14 ADFS integriert ist, da es sich um den UFS-Pegel machen, solange er mindestens -14 ADFS integriert ist, da es mindestens -14 ADFS die Streaming-Plattformen handelt, die einen normalisierten Sound haben. Das müssen wir nicht. Wir müssen uns nur darauf konzentrieren , den Software-Lautheitspegel zu finden. Das klingt gut und nicht übermäßig komprimiert oder verzerrt. Ich empfehle immer, mindestens -14 LU FS Integrated da die Streaming-Plattformen die Songs zwar herunterdrehen, aber nicht immer lauter drehen. Sie tun dies durch einen einfachen Dämpfungsprozess, indem sie den Spitzenpegel reduzieren , um einen gleichbleibenden L-UFS-Pegel für alle Songs zu erreichen einen gleichbleibenden L-UFS-Pegel , die Sie gerade hören. In unserem Beispiel mit der Website mit den lautesten Strafen konnten wir also sehen, um wie viel sie den Song leiser stellen würden. Aber sie können das Lied nicht immer lauter drehen. Die Streaming-Plattformen benötigen, wie wir bereits besprochen haben, einen echten Spitzenpegel von mindestens minus einem dB, um sicherzustellen, dass während des Upload- und Kodierungsprozesses kein Clipping auftritt. Wenn wir also einen Song auf ein Level meistern, das leiser ist als -14 früher fs -16, unser UFS. Aber wenn ich den wahren Spitzenpegel bei minus einem dB belasse, kann er den Song ohne Clipping nicht lauter drehen . Sie werden sich also überhaupt keiner App zuwenden. Und es gibt Songs, die leise klingen, und andere auf ihren Plattformen. Hier spielen so viele Variablen eine Rolle, wir müssen uns nur darauf konzentrieren, das Niveau zu erreichen , das gut klingt, und die Reihe von Plattformen den Normalisierungsprozess übernehmen lassen . Jeder Song ist anders, also übe wieder innerhalb der Grenzen, wie in den Einstellungen zu sehen, um eine Lautstärke zu erreichen , die für dich gut klingt. Stellen Sie jedoch sicher, dass Sie einen Pegel von mindestens -14 oder UFS integriert erreichen und den wahren Spitzenpegel von minus einem dB beibehalten. Und wenn Sie die Möglichkeit haben, die Attack- und Release-Einstellungen anzupassen, können Sie hier beginnen, mit dem limitierenden Sound zu experimentieren. Der Angriff und das Loslassen müssen in Verbindung miteinander betrachtet werden in Verbindung miteinander betrachtet , um herauszufinden, warum sie zusammen reagieren , um unterschiedliche Geräusche zu erzeugen. Ein schneller Angriff und ein langsames Loslassen können das Geräusch ausgleichen , wodurch eine Kürbiszelle entstehen kann, wie hier gezeigt. Dieser Kürbis ist eher ein anhaltendes Geräusch als die Pumpe. Es tritt auf, sobald die Schweine freigelassen wurden. Also dass Pixar Angriffe dann durchgehalten und dann veröffentlicht hat. Aber ein falscher Angriff der Phosphorylase lässt Craig hier weniger pumpen, dafür aber mehr Reduktionssicherheit gewinnen. Bei einem langsamen Angriff und einem langsamen Loslassen kann es jedoch auch zu einem Kürbissound kommen, der jedoch weniger nachhaltig ist als bei einer schnelleren Zeit. Zum Reinhören hier. Verlust von allem, mit einem schnellen Angriff, einem langsamen Loslassen, kann es sein, dass Sie weniger pumpen, Fußballspiele reduzieren Grenzen der Klemmen auf die Schweine schnell senken. Dies sind sehr viele Variablen, mit denen Sie spielen können, sodass Sie mit Ihrem Sound experimentieren können. Aber dieser Song oder Sound klingt nach einer mittleren Attacke, sodass die Peaks nicht so schnell heruntergeklemmt werden , gepaart mit einem schnellen Auslösen. Die Einschränkung wird also nicht aufrechterhalten. Dadurch bleibt ein natürlicherer Klang für meine Ohren. Lassen Sie uns also kurz seinen Kurs zum Thema Limitierung zusammenfassen. Der Limiter ist ein Kompressor mit unbegrenztem Übersetzungsverhältnis. Limiter wird verwendet, um die Dynamik eines Songs zu glätten und die Gesamtlautstärke zu erhöhen . Er auch als Sicherheitsbarriere, um Übersteuerungen zu verhindern. Ein Limiter verfügt über einen Gain- und einen Cedding-Regler, die zusammen verwendet werden , um die Lautstärke zu erhöhen. Die Obergrenze ist auf einen Pegel festgelegt, bei dem der tatsächliche Spitzenwert bei minus einem dB bleibt. Die Verstärkung erhöht die Lautstärke, indem der Pegel in die Decke gedrückt wird. Wir wollen eine integrierte Lautstärke von mindestens -14 l UFS erreichen , ohne dass der Song überkomprimiert oder verzerrt klingt und die Streaming-Plattformen einen Song normalisieren lassen . Wir können die Attack- und Release-Einstellungen verwenden , um den Stil oder den Sound des Limitings zu ändern oder den Sound des Limitings je nachdem, welche Sonne wir beherrschen. unserer nächsten Lektion schauen wir uns einen Kompressor an und beantworten die Frage. Müssen wir beim Mastering einen Kompressor verwenden? 10. Kompression – brauche ich einen Kompressor?: Im nächsten Kurs werden wir uns mit der Rolle eines Kompressors im Mastering-Kontext befassen und die Frage beantworten, benötige ich einen Kompressor für das Mastering? Und die Antwort lautet, vielleicht. Wie wir in unserer letzten Klasse besprochen haben, ist der Limiter auch ein Kompressor mit unbegrenztem Übersetzungsverhältnis. Wir haben also bereits eine gewisse Dynamikverarbeitung angewendet. Die Art und Weise, wie die Grenzwerte funktionieren, ist jedoch sehr aggressiv und konzentriert sich mehr auf die Kontrolle von Peaks und Lautstärke. Ein typischer Kompressor hingegen ermöglicht einen viel subtileren Kompressionsgrad , der dazu beitragen kann, den Gesamtklang zu formen. Kompressor wird fast das gleiche Aussehen und die gleiche Haptik haben und in der Regel einige der gleichen Bedienelemente haben, der Limiter, aber vor allem hat er eine weitaus bessere Kontrolle über das Verhältnis. Und es ist die Subtilität des Verhältnisses, die uns viel mehr Kontrolle über den Sound geben wird. Also zurück zu unserer Frage, brauche ich einen Kompressor für das Mastering? Wenn Sie mit der Dynamik der Summe des Grenzfeldes als guter Gesamtenergiebilanz zufrieden sind des Grenzfeldes als guter Gesamtenergiebilanz , lautet die Antwort vielleicht nein. Aber wenn ich zu meinen Mastering-Noten zurückkehre, möchte ich dem Song etwas mehr Energie verleihen, und Kompression kann ein großartiges Werkzeug für die Adenin-Energie sein. Bevor wir uns mit dem Kompressor befassen, werden Sie feststellen, dass es sich um das erste Plugin in der Mastering-Kette handelt. Der Kompressor ist mit einem Equalizer austauschbar. Du könntest also den Equalizer vor dem Kompressor haben. Aber im Allgemeinen kontrolliere ich gerne die Dynamik vor dem Ausgleich, aber Sie können gerne experimentieren, da Ihr TA zu leicht unterschiedlichen Ergebnissen führt. Aber sie müssen beide vor dem Limiter in der Kette sein. Beenden Sie hier entweder die Komprimierung der Studio-Version, die ein für einen Kompressor typisches Layout hat. In der Regel verfügt ein Kompressor über Regler für das folgende Schwellenverhältnis: Attack, Release und Upgrade-Gain. Wir haben bereits besprochen, was das Threshold Ratio Attack and Release System in der limitierenden Klasse bewirkt. Ich werde also nicht auf diese und viele Details eingehen, aber ich möchte den Make-up-Gain mit einem Limiter erwähnen. Wir haben uns sehr auf die Lautstärke und die ausgewogene Dynamik konzentriert, indem wir die Verstärkung bis an die Decke gedrückt haben. Das würde uns ein lauteres Lied und gleichzeitig die Spitzen begrenzen. Aber der typische Kompressor arbeitet immer umgekehrt, sodass der Song dadurch leiser klingen kann. Wenn wir zu unserer Diskussion über das Verhältnis zurückkehren, wobei es den Ausgangspegel steuert je nachdem, wie viel wir eingeben. Ein hartes Verhältnis von eins zu eins immer weniger aus als das, was neu eingegeben wird. Wir verwenden die Verstärkungsbegrenzer, um dem entgegenzuwirken, und wieder wurden die Grenzwerte reduziert, wodurch unser Song lauter klang. Wenn der Kompressor den Song jedoch leiser klingen lässt, wird der Makeup-Regler verwendet, um die Verstärkung oder Lautstärke auszugleichen , die wir durch die Fruchtkompression verlieren. Sie werden auch feststellen , dass der Makeup-Gain eine sekundäre Kontrolle ist und der Schwellenwert eine dauerhaftere Kontrolle ist. Da wir keine Obergrenze haben. Bei einem Limiter haben wir nicht den Schwellenwert verwendet , den wir mit dem Kompressor tun werden. Die Steuerelemente werden sich hier auf das Schwellenverhältnis, den Angriff, die Auslösung und die Make-up-Verstärkung konzentrieren das Schwellenverhältnis, den Angriff, . Der Schwellenwert dient als Startpunkt, an dem die Komprimierung beginnen soll. Das Verhältnis bestimmt, wie viel Pegel ausgegeben wird im Vergleich zu der Menge, die eingegeben wird. Der Angriff steuert, wie schnell der Kompressor reagiert. Und ein Release bestimmt wann die Kompression mit der Verstärkung nachlässt, wodurch Verlustvolumen hinzukommt. Fangen wir mit einem Verhältnis an. Beim Mastering verwenden wir normalerweise kein sehr hohes Verhältnis, da aggressive Komprimierung in Verbindung mit Limiting dazu führen kann, dass deine Songs flach klingen. Eine gute Faustregel ist, das Verhältnis irgendwo zwischen 1,5 zu eins zu zwei zu eins einzustellen . Die Komprimierung ist also ein subtiler Ausgleich der Dynamik. Sobald das Verhältnis innerhalb eingestellt ist, muss der Schwellenwert gesenkt werden, um den Startpunkt für den Beginn der Komprimierung festzulegen . Also lass uns das jetzt machen. Aber bei diesem Song gefällt mir dein Verhältnis von 1,6 zu eins mit einem Schwellenwert von etwa Monozyten in dB. Und hier können Sie experimentieren. Je weiter Sie den Schwellenwert senken, desto mehr Komprimierung erhalten Sie. Und je höher das Verhältnis, das Sie verwenden, desto mehr Komprimierung erhalten Sie. Es wird also darauf geachtet, ein Gleichgewicht zwischen dem Schwellenwert und dem Verhältnis zu finden, um das Ergebnis zu erzielen Gleichgewicht zwischen dem Schwellenwert und dem Verhältnis zu , das Ihnen am besten gefällt. Denken Sie an das Falsche, hier gibt es keine Regeln. Daher ist es wichtig, sich die Ergebnisse der Komprimierung anzuhören. Normalerweise strebe ich danach, nicht mehr als zwei dB zu erreichen und die Verstärkungsreduzierung im Mastering-Kontext, wie wir wollen Subtile Ergebnisse, indem ich ein wenig Kompression hinzufüge die Grundfrequenzen wirklich angehoben , werden die Grundfrequenzen wirklich angehoben, um dem Song Energie zu verleihen. Aber ein Kompressor wirkt anders, verschiedene Songs auf unterschiedliche Weise. Denken Sie also daran, genau zuzuhören und sich Ihre Notizen anzusehen, um sicherzustellen, dass Sie die gewünschten Ergebnisse erzielen. Sobald wir unser Schwellenverhältnis für Sitzungen festgelegt haben, können die tatsächlichen Einstellungen des Angreifers nach Belieben angepasst werden. Die Ergebnisse sind hier viel subtiler. Normalerweise bevorzuge ich bei meiner Mastering-Komprimierung einen langsameren Angriff und eine schnellere Veröffentlichung. Aber das wird von Song zu Song unterschiedlich sein. Muss experimentieren und abhören, wie sich die Kompression auf das gesamte Frequenzgleichgewicht auswirkt. Schließlich müssen wir die verlorene Lautstärke ausgleichen, indem wir als Faustregel den Makeup-Gain-Regler verwenden , der dem Gain-Reduktions-Meter anzeigte, um wie viel Lautstärke durch die Komprimierung reduziert wurde , und dann den Make-up-Gain um einen ähnlichen Betrag erhöhen . Ich empfehle jedoch immer, die Arrays als Leitfaden zu verwenden und die Plugin-Bypass-Funktion zu verwenden, um die Ergebnisse zu überprüfen, da wir sicherstellen möchten, dass vor und nach der Komprimierung ein konsistentes Volumen vorhanden ist. Da sich jede Lautstärkeänderung auf den Pegel auswirken kann , der in den Limiter eingeht. Zur Zusammenfassung der Lektion haben wir gelernt, dass ein Kompressor den Dynamikbereich steuert, aber nicht so aggressiv ist wie ein Limiter. Ein Kompressor bietet uns eine Übersetzungssteuerung, um die Leistung im Vergleich zu den Eingängen zu steuern. Ein Kompressor reduziert die Lautstärke. Deshalb verwenden wir einen Makeup-Gain-Regler , um den Volumenverlust auszugleichen. In einem Mastering-Kontext verwenden wir normalerweise ein Verhältnis von 1,5 zu eins zu zwei zu eins. Wenn das Verhältnis festgelegt ist, wird der Schwellenwert reduziert, um Startpunkte für die Komprimierung festzulegen. Je mehr Sie den Schwellenwert senken und das Verhältnis erhöhen, desto mehr Verstärkungsreduzierung erhalten Sie. Attack- und Release-Sessions werden verwendet , um den Sound der Kompression zu probieren. Und schließlich verwenden wir das Make-up, um die Lautstärke auszugleichen. unserer nächsten Lektion werden wir uns die kreativen Einsatzmöglichkeiten von Equalization beim Mastering unseres Songs ansehen . 11. Equalization: Jetzt haben wir uns den Equalizer angeschaut und erfahren, wie wir breite EQ-Moves verwenden können , um unseren Song zu verbessern. Aber bevor wir zum EQ kommen, nehmen wir uns einen Moment Zeit, um uns an unsere Mastering-Notizen zu erinnern . kann es mir leisten, etwas Tolles zu mischen, aber ich denke, es könnte insgesamt etwas mehr Energie bringen. Komprimierung haben wir besprochen, wie wir mehr Energie hinzufügen können In unserer letzten Klasse und bei der Komprimierung haben wir besprochen, wie wir mehr Energie hinzufügen können. Der Basisinhalt klang gut und definiert. Ich kann also die Bassgitarre auf der Kickdrum gut hören, aber ich habe gespürt, wie die tiefen, mittleren Frequenzen ziemlich gedämpft und schlammig ausstrahlen. Ich finde auch, dass die Gesamtfrequenz gut ist. Wir können vielleicht versuchen , die Mittenfrequenzen etwas stärker herauszuholen und diesem Song vielleicht etwas Hochfrequentes zu verleihen , um den Gesang hervorzuheben. Angesichts meiner Notizen werden dies also meine EQ-Schwerpunktbereiche sein. Hier habe ich das Standard-EQ-Plug-In im Studio, und wir können dieses Plug-in verwenden, um einen bestimmten Frequenzbereich entweder zu verbessern oder etwas daraus zu entfernen. Ein EQ besteht in der Regel aus bestimmten beweglichen EQ-Punkten in verschiedenen Bereichen des Frequenzbereichs, wobei einige Punkte aufgrund veränderbarer EQ-Formen unterschiedliche Verwendungszwecke haben als andere. Es gibt drei Queue-Formen, die im EQ häufiger vorkommen. Die folgenden sind ein Cut- oder Pass-Filter, der speziell dazu dient, Low-End-Rumpeln oder übermäßig hohe Informationsmengen zu entfernen. Ein Regal. Dieser hat weniger steile Kurve als ein Cut- oder Pass-Filter, kann aber unerwünschte niedrige oder hohe Frequenzinhalte hinzufügen oder entfernen . Und dann eine Glockenkurve, die am häufigsten mit niedrigen, mittleren bis hohen Frequenzen in Verbindung gebracht wird. Und es ist eine fokussiertere Form. Zusätzlich zu den verschiedenen EQ-Kurvenformen im Allgemeinen können wir auch die Breite der Kurve über den Q-Regler anpassen und dann den Gain Control verwenden, um diese bestimmte Frequenz zu erhöhen oder zu dämpfen. Jetzt, wo wir ein bisschen mehr über einen EQ wissen, wie benutzt man einen der Mastering-Kontexte, wenn wir beim Mastern komprimieren, und wir suchen im Allgemeinen nicht nach großen, mutigen Änderungen, sondern subtile Verbesserungen heben den Mix auf und ersetzen ihn nicht. Daher werden Sie selten feststellen, dass Mastering-Techniker entweder Booster-Frequenzbereich um mehr als drei dB, oft weniger als ein dB, gestrichen haben, nur um bestimmte Bereiche anzuheben. Es ist auch üblich, sich auf Züge mit breitem Strich zu konzentrieren , bei denen ein breites Q irgendwo zwischen Null Punkt 5.2 liegt. Jeder EQ-Move-Modus erfasst also einen größeren EQ-Abschnitt und sorgt eine natürlichere Verbesserung als jede chirurgische Änderung. Also hören wir uns das mal an. Wenn es um Mastering-Processing geht, würde ich nicht empfehlen etwas nur um der Sache willen zu tun. Denn jeder Song wird, wie wir bereits besprochen haben, unterschiedliche Bedürfnisse haben. Aber eine Sache, die ich bei jedem Song überprüfe, ist, ob der Low-End übermäßig benötigt wird. Wir sprechen hier sehr tief unten im Frequenzbereich von etwa 20 bis 30 Hz, alles ohne ein niedriges Shelf mit etwa einem dB Verstärkungsreduzierung beim Abspielen, der Song fruchtet und übergeht alle paar Sekunden. Während ich zuhöre, denn hier ist er indem er das niedrige Regal benutzt, ich räume den Song auf. Es gibt einen Song Sam, sauberer oder klarer, oder fügen diese Frequenzen dem Song etwas hinzu? Wenn das Lied mit diesen Frequenzen besser klingt , habe ich sie nicht drin gelassen. Wenn nicht, verwenden wir ein niedriges Regal um etwas von dem unerwünschten Low-End-Bereich zu entfernen. Als Nächstes möchte ich mich auf die tiefen Mitten konzentrieren , die etwas schlammig oder gedämpft klingen. Dies ist normalerweise auf eine Frequenzweiche zwischen Bassgitarre und E-Gitarre in diesem speziellen Genre zurückzuführen Frequenzweiche zwischen Bassgitarre und E-Gitarre . Aber auch gesprochene und betrunkene Frequenzen sind vorhanden. Es kann sich also schnell im unteren Mittenbereich aufbauen und diese bei einem niedrigen Mittelfrequenz-Q-Punkt wieder abgeben bei einem niedrigen Mittelfrequenz-Q-Punkt oder nach einer Frequenz von 200-5350 Hz suchen, wo der Song am gedämpftesten klingt. Und ich fange an, einige der Frequenzen zu entfernen. In diesem Beispiel habe ich festgestellt, dass das Entfernen von nur Unterwäsche-dB mit einem breiten Nullwert von 0,87 Q bei 272 Hz den Zweck erfüllt hat. Nun zu den mittleren Frequenzen, und wir müssen ein bisschen vorsichtig sein wenn wir im 2-kHz-Bereich verstärken. Hat dieser Bereich neigt dazu, empfindlich auf Arien zu reagieren. Nach einigem Suchen zwischen 1 kHz, 3 kHz. Oft erhöhte diese eine dB-Erhöhung um 1,4 kHz den gesamten Bereich, ohne hart zu klingen , und verlieh der Falle mehr Fülle und Balance. Nur der dB-Boost mit einem Q-System von eins reicht aus. Und zu guter Letzt, bei den hohen Frequenzen, wollte ich den Song nicht zu hell machen, sondern einfach ein bisschen zu hoch reinstellen, um sondern einfach ein bisschen zu hoch reinstellen Hochtonbereich anzuheben oder eine Shelf-Curve zu empfehlen. Und wieder einmal hob ein subtiler Anstieg von rund einem dB das High-End gut an. Die Frequenz, ich sagte, sie lag bei etwa 9 kHz, die den oberen Teil des Gesangs und der Symbole ohne erfasst hat, führt zu einem Ungleichgewicht mit dem Rest der Instrumentierung. Lassen Sie uns nun vorher und nachher anhören, wobei der EQ umgangen und dann aktiviert ist. Der Schlüssel zum Einsatz des Akutes zur Meisterung besteht darin, subtile Bewegungen mit einer breiten Q-Einstellung zu machen subtile Bewegungen mit einer breiten Q-Einstellung , um soziale Verbesserungen hinzuzufügen bestimmte Bereiche zu verbessern. Denken Sie sehr weit gefasst durchqueren Sie den gesamten Frequenzbereich. Ist der Song ausgewogen oder fehlt etwas? Versuchen Sie dann herauszufinden , wo das fehlende Etwas liegt, und verbessern Sie es entweder oder nehmen Sie es weg, um die gewünschten Ergebnisse zu erzielen. Hier können Gehörtraining und das Hören von viel Musik von Ihren Lieblingskünstlern sehr nützlich sein. viel Musik gehört und mache dir ein Bild davon, wie deine Lieblingslieder klingen. Und ich habe sie mit deinem Meister verglichen. Was klingt anders? Und wenn ich darüber nachdenke, kann ich einen EQ-Move erstellen, um dem Song entweder hinzuzufügen oder ihn zu entfernen, um meiner Referenz näher zu kommen. Verzettele dich nicht auf einzelne Instrumente und versuche, gezielt auszugleichen und breiter zu denken deine EQ-Moves gezielt auszugleichen und breiter zu denken. Lassen Sie uns also die REQ-Lektion noch einmal zusammenfassen. Habe immer einen klaren Plan aus deinen Mastery-Notes und was du mit einem EQ erreichen willst. Verwenden Sie entweder einen Shelf-Cut- oder Pass-Filter, insbesondere bei einem Low-End-High-End-Filter. Verwenden Sie Glockenkurven für die niedrigen, mittleren bis hohen Mittenfrequenzen. Immer denken wir an Verbesserung vor Veränderung , indem wir versuchen, einen EQ auf weniger als drei dB zu halten. Konzentrieren Sie sich darauf, warum die Warteschlangeneinstellungen in der Regel zwischen Null 0,5 liegen, um grundlegende Änderungen zu erzielen. Denken Sie daran, regelmäßig ein Teil - oder EQ-Plugin zu kaufen, um zu sehen, ob Ihre EQ-Moves die gewünschten Ergebnisse erzielt haben. Und verwende deine Lieblingslieder oder Referenzen, um deine Maske mit der Maske zu vergleichen und deine Hörfähigkeiten zu verbessern, um deine EQ-Balance zu erreichen. Das ist alles für unsere EQ-Lektion. Schauen wir uns nun den endgültigen Export oder das Rendern an , bevor Sie Ihre Fallen der Welt veröffentlichen. 12. Endgültiger Export und Rendering: Für ihren Teil zum Unterricht werde ich die letzten Phasen des Mastering-Prozesses durchlaufen , um unseren Song für die Veröffentlichung in der Welt vorzubereiten. Aber bevor wir das tun, hören wir uns ein letztes Mal Songs an. Wir können das vor und nach der Überprüfung unseres Mastering-Prozesses machen. Ich werde auch einen Vergleich mit und ohne Limiter machen. Ich sage es dir. Wie Sie sehen können, haben wir nur kostenlose Plugins und eine einfache Verarbeitung. Wir können im Master-Track einen großartigen Sound kreieren , der bereit ist, der Welt veröffentlicht zu werden. Für eine letzte Überprüfung würde ich empfehlen, den Song von Anfang bis Ende durchzuspielen , um den integrierten Loves-Takt genau lesen zu können. Wie ihr seht, habe ich diese Version des Tracks auf -12,8 l UFS integriert gemeistert diese Version des Tracks auf . Aber für den Fall, dass unser zusätzlicher Prozess im wahren Peak-Max-Level etwas erhöht wird. Also kann ich jetzt zum Limiter zurückkehren und die Deckeneinstellung anpassen, um den wahren Spitzenwert auf minus ein dB einzustellen. Sobald wir mit dem Gesamtmaster zufrieden sind, können wir weitermachen und die Strecke trimmen und alle unnötigen Kämpfe hinzufügen. Für diesen Song gibt es am Anfang und am Ende des Tracks ziemlich viel Würze. Also lasst uns die jetzt kürzen. Hallo, es ist die Antwort hier. Und seit Checkers höre ich mal zu. Als Nächstes müssen wir sehen, dass der Song ein- und ausgeblendet werden muss , um den Übergang zwischen den Songs nahtlos zu gestalten Der Künstler hat am Ende bereits ein Foto hinzugefügt, das ich mache, also bin ich damit zufrieden. Aber hören wir uns den Anfang an. Der Anfang. Das klingt für mich als gewollte Schrift vor dem Einsetzen der Gitarren eigentlich gut. Wenn Sie Ihrem Master Phase hinzufügen möchten, haben die meisten DAWs Pfeile in den oberen Ecken, die dort, wo Sie ziehen können, anziehen, werden sie verblassen, wie jetzt gezeigt. Und bevor wir den Herbst exportieren und rendern, empfiehlt es sich manchmal, den gesamten Song zu wiederholen und den Loop-Bereich für den Export zu verwenden. In Studio One kann ich die blaue Schleifenleiste oben auf der Timeline von Anfang bis Ende ziehen und den Loop-Modus im Transportbereich aktivieren. Dies wird jedoch je nach DAW variieren. Wir haben jetzt den Song unseres Masters, der getrimmt und in Loops geschnitten wurde und für den Export bereit ist. Gehen wir nun zu unseren Exporteinstellungen. In Studio One verwende ich die Songseite für diesen Master oder ich kann zum Song-Tab gehen und die Mixdown-Auswahl exportieren. Die meisten DAWs verfügen jedoch über eine Export- oder Rendereinstellung auf der Registerkarte Datei. Sobald du in den Exporteinstellungen bist, können wir den endgültigen Titelnamen ändern und wählen, wo der Export deiner Datei gespeichert werden soll . Außerdem können wir das Standard-Top wählen , das der endgültige Master sein soll. Wenn Sie Ihren Song über eine Streaming-Plattform veröffentlichen, sollten Sie sicherstellen, dass Sie ein verlustfreies Format von höchster Qualität wählen . In so ziemlich allen Fällen wird dies eine WAV-Datei sein. Bitte wählen Sie nicht MP3, da eine MP3-Datei ein verlustbehafteter Codec ist , der die Qualität des Songs beeinträchtigt. Die meisten, wenn nicht alle digitalen Händler akzeptieren ohnehin nur Wildblumen. Verwenden Sie also die Option Wife Fall als Ihren bevorzugten Dateityp. Möglicherweise stellen Sie auch fest, dass wir die Option haben, die Bittiefe und Samplerate des endgültigen Masters zu ändern . Wenn Sie Ihre Songs über einen digitalen Vertriebspartner auf den Streaming-Plattformen veröffentlichen , ist es wichtig, die vier Anforderungen zu überprüfen , die diese möglicherweise haben. Die meisten akzeptieren jetzt Dateien mit einer Bittiefe von 24 Bit. Und da es sich bei dem Song Fall um eine 24-Bit-Datei handelt, müssen wir sicherstellen , dass der endgültige Export dem Song Fall bei 24 Bit übereinstimmt. Und ich würde empfehlen, auch die Samplerate gleich zu lassen. Wenn für Ihre digitale Distribution eine Datei mit einem großen Volumen von 16 Bit benötigt wird, müssen wir sicherstellen, dass der endgültige Export für ein Div erfolgt, ein Prozess, wenn der Song fälschlicherweise bei 24 Bit gestartet wurde. Vielfältig, vereinfacht ausgedrückt, ist die gezielte Anwendung von leisem Rauschen, das eingeführt wird, um Quantisierungsverzerrungen zu beseitigen , die entstehen, wenn die Bittiefe einer Audiodatei im Studio reduziert Bittiefe einer Audiodatei im Studio wird. Standardmäßig wird ein anderes automatisch angewendet. Wenn deine DAW jedoch ein Tippfeld hat , in dem du gefragt wirst, ob du Deliver anwenden möchtest, musst du sicherstellen, dass dieses Kästchen angekreuzt ist, bevor du deinen Song exportierst . Wenn du zufrieden bist, kannst du deinen Song exportieren und du hast nun einen fertigen und ausgefeilten gemasterten Song. 13. Schlussbemerkung und Abschluss: Nun Leute, das ist, wie gesagt, ein Rab. Du bist am Ende angelangt. Gut gemacht, dass Sie diesem Kurs gefolgt sind, denn es war eine absolute Freude diesen Kurs zusammenzustellen. Und ich hoffe, Sie können diese Techniken anwenden , um in Mastern großartigen Sound zu erzeugen. Und danke, dass du deine Zeit mit mir geteilt hast und dir meinen Einzelunterricht zum Audio-Mastering angesehen hast. Es bedeutet mir wirklich viel und ich hoffe, Sie fanden diesen Kurs nützlich. Mastering kann eine sehr typische Disziplin sein, aber wenn man einige einfache Techniken befolgt, kann das ein mächtiges Werkzeug sein , um Lysosomen wirklich zu bearbeiten. In dieser Klasse decken wir viele Bereiche ab. Wir haben die theoretische Seite von der Normalisierung der Lautstärke behandelt . Also die gebräuchlichen Begriffe Wir haben uns sogar angesehen, wie wir ein einfaches Meilenstein-Setup einführen können. Das ist einfach und wiederholbar, um sich wirklich auf Erfolg vorzubereiten. Und dann haben wir uns angesehen, wie wir die EQ-Komprimierung einschränken und wie wir diese Tools verwenden können , um uns wirklich weiterzuentwickeln. Also nächstes Level, vor allem eine Sache , die du diesem Kurs nicht wegnehmen solltest. Und das ist diese einfache Botschaft. Halte die Dinge einfach. Trustor ist kreativ. Viel Spaß beim Musizieren. Du kannst diesem Kurs mit deinen eigenen Unterrichtsprojekten folgen indem du deinen gemasterten Song in die Projektgalerie hochlädst. Stellen Sie sicher, dass Sie Links für die Masterversion und den Premaster sowie eine kurze Notiz darüber angeben, wie Sie diesen Song mastern. Dann hör dir deinen Mastersong an und gib dir Feedback , das dir auf deiner Mastering-Reise hilft. Und wenn Ihnen der Kurs gefallen hat, vergessen Sie bitte nicht, die Klassenbewertung zu hinterlassen. Ich könnte dir zeigen, dass du meinem Skillshare-Profil folgst da ich in Zukunft viele anstehen werde. Nochmals vielen Dank, nach diesem Kurs, viel Verlust für mich.