Tinta expressiva: ilustração com caneta pincel no Procreate

1. Apresentação: Ei, meu nome é Zira Marx. Como cartunista e ilustradora, tinta de caneta é uma grande parte da minha Mas vou ser honesto, houve muitas tentativas de erro antes que eu pudesse realmente entender essas ferramentas incrivelmente expressivas, mas Então, achei que era hora de fazer um curso que realmente aprimorasse minha técnica pessoal de tinta peniana Aqui estão as habilidades nas quais vamos nos concentrar hoje. Desenvolver o controle de linha, expressar luz e sombra, transformar formas planas em três formas D, definir um tom com textura e, o mais importante, dizer mais com menos Esta aula é composta por quatro aulas simples e um projeto orientado a objetivos, coisas nas quais você pode se concentrar por uma única tarde ou passar a vida inteira tentando dominar. Então, deixe-me apresentar a você um novo ponto de vista sobre caneta e tinta. 2. Sequência das ferramentas de caneta: Bem-vindo à aula. Antes de começarmos com nossa prática de desenho, vamos discutir nossas ferramentas. Agora, quero que esse curso sirva artistas digitais e analógicos Na verdade, é um curso sobre pensamento e a ferramenta é realmente secundária à forma como você pensa quando cria uma linha. Então, falaremos sobre as ferramentas digitais daqui a pouco. Mas vamos falar sobre ferramentas tradicionais. Você deve estar familiarizado com essa pulseira, Pigma, também conhecida como mícron, ela está disponível em todos os tipos de tamanhos de pontas técnicas, linhas muito refinadas e finas, mas também faz uma caneta pincel Você pode ver que a ponta dessa caneta é feltrada e está simulando a ponta de um pincel Mas, ao contrário de um pincel, ele não começa a separar suas cerdas Ele segura sua ponta de feltro com muita força. Desde que a ponta não comece a se desgastar, você terá essa linha realmente refinada em sua caneta pincel. A tinta também é arquivística, então você pode pintar com aquarela por cima Se você quiser melhorar um pouco suas canetas, eu recomendaria a Kuratak, que é uma marca japonesa, outra tinta de arquivo, e há mais variedade de pontas de Então, se você quiser realmente se aprofundar no peso da linha, na qualidade e na espessura de uma linha, esta é a marca para você. Eles duram mais do que o mícron que eu encontrei, mas custam apenas $1 a mais Já os mícrons estão em torno de 2:50. O KuraTak custa cerca de 3:50 uma caneta. E se você estiver trabalhando com uma caneta pincel, certifique-se de ter um bom papel compatível. Eu recomendo a prancha Strathmore Bristol. Tem uma superfície lisa. Tem cerca de 100 libras de peso, o que é um pouco como cartolina, e isso vai aguentar muito bem a tinta da caneta sem sangrar OK. Agora, ao selecionar nossa ferramenta de desenho e procriar, queremos simular a sensação daquela caneta com ponta de pincel Então, vamos à nossa biblioteca. Seção de caneta e queremos navegar e escolher um tipo de caneta que tenha um cone muito estreito em uma extremidade, na outra extremidade e fique bonita e larga no meio Você pode dizer que isso é toque leve, toque pesado, toque leve novamente. Qualquer uma dessas que tenha um corpo forte que se resolva em um ponto será uma boa opção para nós Por exemplo, podemos tentar definir o Sanderlin para cerca de 25% do seu tamanho E apenas teste. Nosso objetivo é conseguir, sem muito esforço, capturar uma ponta muito estreita de um lado, ficar larga e depois ficar muito estreita novamente, de pequena a grande a minúscula. Se você gosta de uma linha lisa e bonita ou de uma que tenha um pouco de textura, o que significa que parece um pouco seca. Ambos funcionam para a lição que estamos abordando aqui hoje. À esquerda, verifique se seu tamanho não é muito pequeno. Se você está começando com 5%, sua linha nunca será tão dinâmica porque você está se deparando com uma dúvida sobre o tamanho que deparando com uma dúvida sobre o essa caneta pode ficar muito rapidamente Então experimente os extremos, muito estreitos e muito largos Mas, mais no meio, há um ponto ideal em que você pode capturar os dois sentimentos sem ajustar muito a configuração. Então, vou trabalhar com a caneta Ivarsque porque gosto da textura que vem Mas você pode escolher o que quiser. 3. Aula 1 Sequência 01: Nossa primeira lição é aprofundar e abraçar o controle de linha e o peso da linha de nossa ferramenta de desenho. Agora, ainda me lembro da primeira vez que tentei trabalhar com uma caneta pincel e da natureza caótica dela, sem saber quanta pressão manual me dava, qual a qualidade da linha E a curva de aprendizado foi maior do que outro tipo de ferramenta de desenho, como lápis ou caneta esferográfica Mas eu pude ver instantaneamente por que eu queria construir esse novo conjunto de habilidades. Tudo se resume a uma palavra, personagem. Como artista narrativo, personagem vem de diferentes aspectos, como minha escrita, a voz do meu trabalho tem caráter. Mas, em essência, a linha que coloquei na página é provavelmente a presença mais forte de caráter no trabalho de qualquer ilustrador Mesmo com esse pequeno tratamento de texto que tenho aqui na página, você pode ver o quão dinâmico o caráter dessa linha pode ser. Pode ser muito pesado aqui neste número um, ou pode, por acaso, ser super estreito e precioso, quebradiço e frágil Se começarmos a pensar em nossa própria linha como uma voz em nosso trabalho, poderemos abraçar a natureza caótica da ferramenta e também procurar refiná-la e assumir algum controle Desenvolver uma técnica com a caneta pincel significa modificar o movimento da mão, mas também liberar um pouco o controle, que é uma ótima lição para o artista Em termos de desenvolvimento do conjunto de habilidades para esta lição, queremos nos concentrar na pressão da mão, velocidade de nossa mão e em lidar com a imprevisibilidade Este primeiro exercício levará cerca de dez a 15 minutos e, na verdade , trata-se apenas gerenciar seu controle de linha. Nós vamos começar. Isso criará uma nova camada para que eu possa ligar e desligar coisas facilmente. Vamos fazer seis pontos parte superior da nossa página e seis pontos na parte inferior Agora, nosso objetivo é criar uma linha bonita e uniformemente ponderada na página, de um ponto ao outro Agora você pode ver imediatamente que isso é muito desigual. Ele vai de estreito a superestreito para se tornar espesso novamente. Uma grande parte disso é a maneira como estou movendo minha mão. Observe que, quando instintivamente movemos nossa mão com o lápis, tendemos a nos mover de forma escrita porque, na maioria das vezes, estamos criando palavras e muito desse movimento vem do pulso Mas o desenho precisa ter um gesto maior para que possamos ter mais controle sobre o caráter da linha Não queremos usar apenas nosso pulso porque ele fica muito fácil de controlar depois dessa distância Veja onde a linha começa a se romper. Em vez de simplesmente se mover do pulso dessa forma, considere mover-se do cotovelo dessa forma ou até mesmo do ombro dessa forma Se eu estiver me movendo mais do meu braço, muito rapidamente, posso ver que tenho um senso de controle mais forte. Agora, não importa o quanto você desenhe, sempre há um aquecimento que precisa ser feito. longo dessas seis linhas conectando ponto a ponto, você pode ver que estou tendo mais controle à medida que avança. Estou me lembrando do que é preciso para controlar a pressão da minha mão Mas vamos desenvolver mais algumas habilidades técnicas. Com outro exercício. os seis pontos de volta na tela Desta vez, queremos passar de linha estreito para um peso de linha muito largo. Eu tenho meu conjunto de canetas em cerca de 23%, parte superior é estreita, a parte inferior é muito grossa Mais ou menos na metade, você quer estar em algum lugar na largura média da linha Nosso objetivo é criar uma subida agradável e uniforme até a espessura total da linha Agora você percebe nesta pequena lição não há muita simetria entre o início e o fim na minha linha neste momento , porque se você é destro ou canhoto, a conicidade em sua linha parecerá diferente no início até que você realmente tenha muito controle sobre a técnica da caneta Eu diria honestamente que não tenho muito controle Acho que o incômodo andar é muito convincente . Por que eu acredito nisso? Porque talvez um dos artistas mais famosos que trabalharam com linhas tenha sido Charles Schultz e seu valor como artista era o fato de sua linha ter um caráter nervoso e único e ser projetada em Sua personalidade estava diretamente ligada à qualidade da linha que Charles Schultz 4. Sequência da aula 2: Tudo bem. Lição dois, destaque, sombra e profundidade. Vamos primeiro provar a nós mesmos a rapidez com espessura da linha pode realmente estabelecer a profundidade de uma cena. Vamos desenhar uma caixa. Representa uma composição, uma janela, uma moldura de tempo e espaço, vamos estabelecer a forma de um círculo. E o centro da moldura com uma linha de tamanho médio. Imagine que essa moldura é de um palco, e vamos colocar uma linha aqui que represente a linha do horizonte, o céu, o chão, o objeto no chão. Agora, digamos que queremos colocar um círculo mais distante no fundo. Não queremos apenas desenhá-la mais perto do horizonte, mas também alterar a espessura da linha. Se usarmos uma linha mais leve como essa, o objeto parecerá mais distante. Tem uma sensação do que é chamado de perspectiva atmosférica, que basicamente significa que o ar tem uma opacidade. Quanto mais longe algo está, quanto mais ar entre nossa visão da coisa e da coisa, mais leve ela mais longe algo está, quanto mais ar entre nossa visão da coisa e da coisa, o que basicamente significa que o ar tem uma opacidade. Quanto mais longe algo está, quanto mais ar entre nossa visão da coisa e da coisa, mais leve ela se sente. Agora, se quisermos colocar um círculo perto no primeiro plano, vamos ampliar um pouco nossa ferramenta de linha e desenhá-la Há a borda de um círculo bem perto de nós. Eu quase nem me encaixo na moldura. Agora podemos jogar esse jogo ainda mais. Digamos que queremos colocar dois objetos entre esses dois objetos. Agora temos algumas regras aqui. Isso é meio plano, isso é plano de fundo, e isso é primeiro plano Algo está entre o primeiro plano e o meio do plano, o peso da linha precisa estar entre essas Há um pequeno círculo estranho se encaixando bem ali. Digamos que esteja entre o meio e o plano de fundo. Se a espessura da linha existir entre esses dois. Depois de estabelecermos algumas regras para o peso de nossa linha, nossa composição pode parecer unificada, mais confiável, mais envolvente e mais clara quando começamos a seguir essas regras Nesse caso, o peso da linha tem um idioma dentro dessa composição. Agora, digamos que queremos usar a linha para estabelecer valores de luz. Um exercício de desenho bastante comum ao aprender a usar suas ferramentas de lápis pela primeira vez é desenhar uma escala de cinco valores. Um, dois, três, quatro, cinco, sendo um o mais brilhante, destacado e cinco sendo o mais profundo, o que é chamado de sombra central Agora, queremos ilustrar esses cinco valores de luz usando o que é chamado de eclosão, que é basicamente, neste caso, apenas linhas de peso vertical e uniforme em diferentes quantidades de densidade Quanto mais próximas as linhas estiverem , mais escura ela será. Quanto mais espaço entre as linhas, mais leve ele é. Vou desenhar de maneira muito uniforme linhas verticais muito densas. O ponto em que eles estão realmente se sobrepondo. Isso é neste mundo dessa composição, esse é o valor mais profundo da sombra que podemos criar e essa é a quantidade mais brilhante de destaque que podemos Agora, em vez de ir um, dois, três, quatro, vamos pular para o centro, vamos para a caixa três. É mais fácil equilibrar nossa fonte de luz dessa maneira. Agora, queremos encontrar algo em termos de densidade de linha que se encaixe entre essas duas opções. Vou espaçar minhas linhas de forma agradável e uniforme para que haja meu valor de cinza entre a luz alta e a sombra central. Agora, vamos tentar fazer quatro. Não será tão denso em sua espessura de linha e trabalho de linha quanto cinco, mas não será tão esparso quanto três, será um pouco mais apertado Agora, dois serão um pouco mais esparsos. Há uma escala de cinco valores. Destaque, três valores de cinza e a sombra central mais profunda Vamos aplicar isso a um exercício de desenho muito simples. Vamos desenhar um retângulo no espaço. Por espaço, não quero dizer apenas flutuar no espaço, mas sentar em uma mesa. Agora vamos imaginar que a fonte de luz está vindo dessa direção e apontando para baixo em um ângulo. Agora, nosso desafio é usar nossa ferramenta de tinta e usar esses cinco valores de luz e sombra para estabelecer a fonte de luz desta sala Agora, eu sei que a parte de trás desta caixa está recebendo a menor quantidade de luz, vou deixá-la bem escura e representar o valor cinco. Agora, digamos que o topo esteja obtendo mais de um valor de dois a três. Observe a direção em que estou desenhando minhas linhas. Estou seguindo os ângulos das superfícies. Vamos chamar isso de dois e, em seguida, digamos que seja três. Agora podemos ir um pouco mais longe e, como isso existe em um espaço com uma superfície plana, podemos continuar nossa sombra central pelo solo. Agora, até mesmo esse exercício muito simples nos mostra o poder da densidade da linha e como ela pode ser evocada instantaneamente sem explicar demais onde as fontes de luz estão na sala, bem como a forma do objeto no espaço tridimensional 5. Sequência da aula 3: OK. A lição três se concentrará em transformar a forma, uma representação bidimensional de uma coisa na forma da coisa, o que significa adicionar a sensação de uma terceira dimensão, fazendo com que um objeto pareça existir em um tempo e em um lugar Agora, a boa notícia é que já entendemos como a linha pode representar luz. A luz é o aspecto essencial transformar algo de forma em forma. Para este exercício, será muito útil encontrar uma foto de referência com a qual trabalhar. Eu já fui tão longe a ponto de ir até Pintris e encontrar uma natureza morta Vou esboçar sua forma básica, aproximadamente um círculo As sombras são um círculo e seu pequeno topo é uma coisa. Está logo ali. Tem essa imperfeição Em alguns gestos claros, simples, mas amplos, vou encontrar a forma desse objeto, mas também usar minha linha para desenvolver o personagem e expressar meu estilo Colorido. Costumo desenhar as áreas sombreadas primeiro porque é mais fácil capturar as áreas mais escuras e, depois, quando estou aquecido, posso pressionar um pouco mais Há um esboço do objeto. Só por diversão. Vamos misturar uma ferramenta de tinta e ver o que acontece se nossa linha estiver um pouco mais limpa Só por uma questão de variedade, aqui está uma ferramenta de tinta muito confusa Vejamos nossos três esboços e o que acontece quando nos familiarizamos com um objeto Quanto mais o desenhamos, mais internalizamos algumas de suas qualidades e podemos desenvolver um senso de abstração e estilo A primeira versão é um pouco mais complicada com a parte da haste. A mesma coisa com o segundo. Quando mudei para essa ferramenta de pincel, havia algo que me fez querer lidar um pouco mais com esse elemento Então, quando voltei para uma ferramenta bagunçada, uma ferramenta muito bagunçada, podemos ver que há uma simplicidade Eu o renderizei rapidamente e ele decidiu que as informações daquele pequeno caule, que detalhes visuais da forma como existem realmente se tornaram menos importantes e se tornaram abstratos Tornaram-se pequenos artistas imprudentes, alguns pequenos ziguezagues Eles lhe conferem uma qualidade única, mas não dizem bem o que é. À medida que desenvolvemos nosso estilo de tinta, temos esse equilíbrio entre o que renderizamos de uma forma que fornece informações e o que abstraimos de forma a desenvolver o estilo Ao considerar essas duas coisas, acabamos encontrando uma aparência totalmente única em nosso trabalho 6. Sequência da aula 4: quarta lição, queremos elaborar e Na quarta lição, queremos elaborar e aprofundar algo que abordamos na lição três Essa ideia de se familiarizar o suficiente com o assunto, onde você pode desenvolver seu estilo de acordo com o que a coisa realmente é. Ficando tão confortável com o design que você pode deixar as coisas de fora, mudar o tom e torná-lo seu. Vamos dar uma olhada em uma foto de natureza morta bastante movimentada. Se eu quiser desenhar isso no meu próprio estilo, preciso ser capaz de dividi-lo em seus elementos-chave. Deixe-me fazer um esboço por cima desta foto para mostrar exatamente o que estou vendo e o que preciso saber para poder desenhar minha própria versão dela Vamos mudar para preto e branco. Assim, podemos nos concentrar em seus valores de luz. Ainda mais importante é se desassociar do que o assunto realmente é. Pense nisso apenas como coisas. Não é mais peixe e limão e pão e salsa. É um monte de objetos em um espaço. Vamos conhecer como eles estão posicionados e qual é sua linguagem básica de formas Primeiro, vamos avaliar a direção alguns desses objetos são colocados. Os dois peixes estão indo assim. O pão está sentado em um ângulo como este. Os limões têm um toque redondo e achatado. E esses são pequenos baixos planos. Vamos ver apenas as geometrias básicas que estão acontecendo aqui Temos esse círculo, temos esses ovais longos e, se quisermos dar vida a essas coisas, simplesmente precisamos adicionar um pouco mais de informação visual Há um esboço ilustrado bem claro aqui. Podemos dizer qual é o nosso assunto. Podemos dizer minha ideia das superfícies em que ele está assentado colocando um pouco mais de sombra lá embaixo. Podemos adicionar pequenas informações que nos dizem textura e até mesmo pequenas informações que impliquem luz Este esboço tem um bom equilíbrio de informações que queremos saber sobre a natureza morta, além de muita liberdade para soltá-la e pintá-la de uma forma muito divertida, sem sentir que precisamos capturar todos os detalhes visuais do design Com isso em mente, vou voltar para a foto original e vou pintar levemente por cima Meu processo de desenho me ajudou a conhecer. Aspectos técnicos desse design. O ponto de vista, a disposição das coisas em relação umas às outras, a substituição na mesa e me dá uma ideia de como eu quero e o que quero representar sobre elas. Agora, em termos de detalhes, as coisas que eu escolho desenhar geralmente realçam algum aspecto da forma do desenho ou da textura. Lá vamos nós. Um belo estilo de tinta leve e solto. 7. Sequência do projeto do curso: O projeto de classe é sempre dois objetivos para mim. Uma delas é o senso de expressão pessoal e a divulgação de algumas ideias que estão na sua cabeça há algum tempo e a criação algo que fale sobre o momento para você. A outra é tentar conciliar os aspectos técnicos de um novo conjunto de habilidades e incorporá-los ao seu processo criativo Para nosso projeto de classe, discutiremos primeiro as etapas e os objetivos dele. O primeiro passo é criar uma natureza morta muito simples. Um que revele algo sobre seu espaço criativo. Assuntos pessoais, coisas que têm a ver com seus materiais de arte ou suas inspirações, ou apenas coisas que você está comendo e que nutrem enquanto você faz O segundo passo, com uma natureza morta é criar uma boa oportunidade para praticar essas novas habilidades. Deve haver coisas sobre a configuração da natureza morta que nos inspirarão a fazer o seguinte. Trabalhe em nosso senso de controle de linha, trabalhe em nosso senso de destaque, sombra e profundidade. Trabalhe em nosso senso de transformar forma em forma e trabalhe em nossa clareza, tom e estilo. Idealmente, nossa natureza morta deve ser extraída da observação, mas para fins de configuração desta lição, tenho algumas fotos para mostrar o que realmente vou ver enquanto trabalho. Obviamente, as fotos são sempre um ótimo ponto de referência para ajudar você a realmente aprender a ver o assunto como ele realmente é e a forma como a luz é reproduzida e a sombra funciona em um espaço. Deixe-me mostrar as fotos que tirei . Eu mantive as coisas muito simples. Eu não tenho nenhum estúdio fotográfico chique. Acabei de pegar um dos meus blocos de desenho, abri-lo com algumas folhas de papel limpas e encostá-lo na parede, em um ângulo estranho em relação a algumas das luzes do teto do Acontece que isso funciona muito bem para criar uma natureza morta. Agora, essa foi minha primeira foto. Muitas vezes, uma natureza morta precisa um pouco de revisão para realmente chegar a uma ótima solução para seus objetivos com seu desenho. Nesse caso, eu tenho um assunto um pouco demais. Acho que não preciso desenhar todas essas coisas para praticar as técnicas nas quais quero me concentrar. Eu simplifiquei. Pego o lápis de cor e o pincel e me concentrei apenas na ideia das tintas. O que comecei a notar quando comecei a mover a caneta é que ela cria uma sombra muito bonita na parede se você a inclinar no ângulo reto Na verdade, você dá uma boa olhada na caneta em si e pequena abertura da fechadura nela Eu importei minha natureza morta para o Procreate e primeiro vou ajustar a saturação, para eliminar qualquer distração de cor, basicamente, e brincar um pouco com o brilho para ter uma ideia de onde as sombras e os Se eu começar a aumentar o brilho, o que resta das próprias garrafas, suas tampas, a caneta, o que eu noto aqui é esse belo borrão que acontece através do vidro, alguns pequenos destaques que enfatizam a alguns pequenos destaques que Então por que eu o derrubo de volta e aquelas sombras entram? Tipo, isso na verdade é algo que talvez eu estivesse fazendo inconscientemente, mas temos esse belo ponteiro em um reflexo de relógio na parede que aparece diretamente entre essas formas nesse belo espaço negativo Temos esse belo arco aqui. Dê uma boa olhada na sua foto. E pense, em geral, não no que são os assuntos, mas no espaço positivo e negativo que eles ocupam. Agora, antes de começar a esboçar minha cena com o lápis, vou pegar minha caneta de tinta e fazer o que é chamado de estudo notan, e é isso que tenho Vou pegar vermelho e marcar por cima para que você saiba do que estou falando. Um estudo de notan desconsidera quais são os assuntos e apenas analisa os valores de luz e escuridão dentro da composição Coisas que são realmente escuras são a garrafa, essa tampa, a caneta. partir daí, temos o próximo tom de cinza no final da linha, que é essa sombra aqui, essa ideia dessa sombra contra a parede e até mesmo as bordas da jarra. Esses são nossos tons mais profundos de cinza. Além disso, pulando para o outro lado da nossa escala de valor, temos quais são nossos destaques Bem, há aquele espaço agradável lá. Tenho um bom espaço em torno do assunto. Mesmo nesse design, a garrafa em si aparece principalmente branca porque a tinta é branca por dentro. Então, mesmo na mesa, temos esse belo espaço em branco. O estudo Notan é uma forma de separar seu cérebro dos assuntos e de seu significado e valor sentimental e do salto direto aos detalhes Seja uma composição em sua raiz que fala primeiro com suas formas gerais, depois olhamos mais de perto, encontramos os detalhes, encontramos o significado. Mas acho que é muito importante que os artistas vejam o equilíbrio espacial positivo e negativo de seu design. À medida que eles constroem a composição com o esboço e a tinta ou qualquer meio que você esteja usando, você tem mais confiança e se concentra no que está fazendo essa imagem geral funcionar e se conectar instantaneamente Tudo bem? Então, vamos deixar isso de lado. Agora que temos uma forte noção do que está acontecendo nessa cena, vou pegar um lápis e apenas esboçar o posicionamento das coisas e a escala Não vou desenhá-los com nenhum tipo de detalhe. Vou colocar algumas formas na página e, o mais soltas possível, construir uma estrutura para eu pintar então aqui está nossa sensação de uma linha do horizonte. Nossa garrafa, essa, nossa garrafa de tinta vai ficar lá, nossa pequena garrafa de tinta branca vai ficar lá, e então o vidro , está logo ali. Agora vou começar a preencher essas formas um pouco, prestando muita atenção à distância daqui até aqui, a distância daqui até aqui, a distância de lá até lá, ali, onde essa coisa está realmente dentro da composição. Agora vamos fixar o ângulo da caneta. Em primeiro lugar, o que importa é o ângulo da caneta, que é mais ou menos isso Então, uma vez que eu saiba o ângulo e seu comprimento total , eu poderia começar a desenhar a caneta real. Portanto, uma grande parte do desenvolvimento da prática artística é procurar etapas entre as etapas , porque assim você nunca precisará voltar atrás. Você está sempre construindo cada vez mais, pouco a pouco, e você não fica tipo, opa, eu tenho que voltar atrás, consertar essas coisas e apagá-las Quanto mais devagar você for, na verdade, mais rápido você trabalha e mais fortes são suas imagens Depois de ter uma ideia das formas gerais, começo a pensar nelas com um pouco mais de formas. Mas antes de fazermos isso, vamos colocar essa sombra na parede aqui. O arco vai de lá para lá. Vamos marcar isso e colocar esse belo ângulo dessa sombra de caneta na parede. Para mim, aquela sombra de caneta foi um feliz acidente e nesta fase do meu processo criativo, está se tornando o aspecto mais proeminente dela. Então, um processo criativo como esse, deixando espaço para novas ideias. É isso que separa seu cérebro do cérebro da IA. cérebro da IA tira conclusões precipitadas e não tem aquela jornada orgânica de um processo criativo em que você descobre coisas ao longo do caminho que mudam fundamentalmente o que você está fazendo Todas essas escolhas ressoam no trabalho e tornam interessante falar sobre isso Se você quiser pensar em como nos separamos dessas ferramentas automatizadas que estão nos dominando de várias maneiras, você cria um processo criativo mais rico e seu trabalho sempre terá mais repercussão se você tiver isso acontecendo por Isso faz sentido? Espero que sim. Agora que bloqueei tudo, vou começar a encontrar as formas o ângulo dessa garrafa. Novamente, não estou realmente procurando precisão. Estou procurando uma noção geral da composição para inspirar a tinta 8. Sequência 2 do projeto do curso: Há um esboço suficiente para que eu me sinta bem com meu processo de pintura. Vou voltar para a caneta que estou usando em geral e, só para me aquecer um pouco , venho aqui e sinto a largura da caneta com base na porcentagem de tamanho. Quero uma boa variação do peso da minha linha. Quero ser capaz de construir linhas muito pequenas , mas também ser bonitas e largas e preencher pretos sólidos sem muito esforço Lá vamos nós. Vamos deletar isso e começar do zero. Ao pintar, não tenha medo de simplesmente omitir aspectos que você ainda não tem certeza do que vai fazer com eles Então, estou tentando dar uma boa sensação de folga a esses objetos sem realmente me uma boa sensação de folga comprometer muitos pretos sólidos porque sinto que vou querer negociar e tomar algumas liberdades criativas com algumas das sombras dessa cena, especialmente quando eu entrar na idade, porque agora eu tenho tons de cinza profundos contra preto e estou contra com muitos pretos sólidos, porque sinto que vou querer negociar e tomar algumas liberdades criativas com algumas das sombras dessa cena, especialmente quando eu entrar na idade, porque agora eu tenho tons de cinza profundos contra preto e estou trabalhando de verdade. alto contraste com este lápis. Isso vai ser preto contra preto se eu começar a preenchê-los, o que talvez não seja exatamente o que eu estou procurando. Talvez eu fique um pouco confuso para não entender o que estamos vendo Primeiro, uma bela mão solta. É divertido jogar com materiais diferentes. É divertido distinguir o copo aqui, que está vazio, do copo aqui que está cheio, pequenas coisas como, bem, como vou renderizar esse pequeno detalhe de tinta na lateral? Quão importante é isso para o meu design. Acho que é um detalhe sutil que você pode ou não notar. Isso apenas mostra que a garrafa está em uso. Outra versão disso pode enfatizar isso. Vamos dar uma olhada nessa caneta por um segundo. No momento, parece muito plano e adicionar um toque de contorno ajudará muito a mostrar sua forma e também seu ponto de vista Se olharmos nesta foto, deixe-me trocar as cores para que você possa ver que esse é um ângulo muito valioso, assim como esse. Isso é muito útil. Agora, em nossa versão em tinta, eu sei que eu realmente só preciso que essa linha e essa linha aqui combinem muito bem e isso diz muito sobre aquela caneta. Agora, deixe-me bloquear onde essa sombra vai. Coisas que estou adicionando, como essa pequena sombra aqui na mesa, sua intenção é fazer a garrafa estourar mais e estabelecer coisas como posicionamento na superfície, não para falar mais sobre a garrafa, mas apenas dar mais massa Há uma pequena sombra bonita que empurra isso para a frente Também podemos enfatizar essa pequena sombra que está acontecendo aqui embaixo. Vamos dar uma olhada aqui atrás. Temos uma pequena lacuna e, em seguida, vou adicionar essa sombra aqui. Vou deixar um pouco de espaço ao redor da garrafa apenas para preservar esse detalhe de sua forma. Você tem que ter cuidado com as sombras porque às vezes elas podem erradicar as formas das coisas Por enquanto, vou me deparar e quase como essa aura de luz preservada ao redor da borda da garrafa Se eu estiver fazendo isso, estou deixando essa pequena lacuna, então eu posso preencher com mais confiança outros aspectos da garrafa A coisinha pequena aqui na parte superior tem um belo destaque, depois é preta sólida Vou preservar esse pequeno destaque e começar a escurecer a coisa em geral Use algumas linhas de hachura para preencher economizando alguns pequenos destaques na própria garrafa. Movendo-se em uma linha de contorno revelando a forma da coisa Mesmo quando algo está sendo preenchido como sólido, provavelmente vale a pena se mover na forma do objeto. Quando desenho coisas que estão dentro de outras coisas, tento aliviar o peso da minha linha, enquanto a etiqueta fica mais na superfície Vou me esforçar um pouco mais para capturar um toque da tipografia e das formas contidas capturar um toque nela Vou mantê-los abstratos porque se você começar a bloquear as letras, isso chama a atenção de uma forma que pode não ser o que você está procurando Mantenha as coisas abstratas, especialmente se forem informações como letras, números ou logotipos. OK. Vamos até esta caneta. Algo que eu quero preservar é ideia do caráter do corpo da caneta. Eu estava explicando como essa pequena rachadura está acontecendo aqui. Eu quero salvar isso. Aqui está a textura do tipo cortiça. Em seguida, apenas algumas linhas de hachura para mostrar que esse é um material distinto do material abaixo dele Agora, a alça em si tem um bom destaque, mas é principalmente preta sólida. O destaque está nesse lado oposto, logo ali. Vou tentar guardar isso e mantê-lo presente como estou no corpo da caneta. Agora vamos voltar à sombra da caneta em si. Como cartunista, a silhueta é muito importante para mim. Silhueta é igual a iconografia, familiaridade. Isso torna algo muito adequado para a narrativa. Adoro encontrar a silhueta de algo e realmente fazer com que se destaque Esta caneta quase tem uma silhueta caricatural neste momento, estou apenas pegando uma licença artística e fazendo com que ela se destaque de uma forma que talvez não seja totalmente verdadeira Assim que chegarmos aqui, podemos terminar. Veja esse pequeno detalhe. Isso é bom. Nós vamos tirar isso daí. Então aqui está minha natureza morta de tinta, alguns objetos da minha prática criativa, feitos em um estilo indiano bonito, solto e texturizado, brincando com a espessura da linha, focando no destaque, na sombra, tentando criar uma pequena sensação de profundidade para esses objetos na cena Essa é a minha, vamos cruzar essa linha, na verdade. Meu, uh, Horizon, está fazendo nas minhas sombras. Estou transformando minhas formas em formas adicionando o contorno dos objetos e estou compartilhando um pouco sobre o tom de é trabalhar com esses materiais, a bagunça da tinta que também é sua característica, esse equilíbrio de materiais caóticos, mas também a precisão da ferramenta Acho que está tudo aí e é como eu pinto, e acho que é uma ótima maneira pensar em desenvolver seu próprio estilo, seja qual for o equilíbrio entre clareza e tom. Esse é o nosso projeto de classe. No próximo capítulo, vamos apenas fazer um pequeno resumo. Então, vamos ao que interessa. 9. Encerramento da sequência: Ok, espero que você tenha se divertido explorando a caneta e a tinta, e se esse curso o inspirou a criar um projeto de classe, eu adoraria vê-lo. Você pode publicá-lo na seção de projetos de classe no Skillshare Eu consulto todos os dias para ver se há novos trabalhos de artistas aspirantes e adoro compartilhar feedback e orientá-lo nas próximas etapas de sua jornada criativa Tenho um canal com mais de 20 cursos que se concentram em arte narrativa, desenhos animados, quadrinhos e mais técnicas de caneta e tinta, e mais técnicas de caneta e tinta como as que abordamos hoje. Então, se você tiver um momento para deixar uma avaliação positiva sobre este curso, seria muito bom porque ajuda. Outros descobrem isso. Agora, como capítulo bônus, vou me aprofundar em alguns dos artistas que influenciam meu trabalho e esse curso em geral. Então, se você quiser se juntar a mim lá, seria ótimo. Caso contrário, te encontro na próxima vez e estou ansioso para ver seu trabalho. 10. Sequência de 10 inspirações: Eu estava pensando nas técnicas nas quais queria me concentrar neste curso. Não pude deixar me lembrar de uma das minhas histórias em quadrinhos favoritas, ilustrada por Jillian Tamaki, ilustradora e cartunista contemporânea Eles trabalham com arte em quadrinhos, ilustração e livros infantis Este verão talvez seja meu trabalho favorito no qual eles estiveram envolvidos. São coisas inspiradas que eu fiz. A tinta de Gillian tem uma folga, um controle e uma clareza notável E eles desenham assuntos do dia , carregam peso emocional, mas também parecem trechos de Eles são tão pessoais e simples , quase uma linha de pensamento e são caprichosos Há uma bela quase itálica de sua arte de linha. Parece elegante e solto, e há muita textura nas ferramentas presentes. Você pode dizer o quanto eles estão confiantes em seu trabalho. Embora explorem tantas ideias e tópicos em sua arte de linha, há uma frouxidão que ainda faz com que pareça um pouco não resolvida ou aberta, como uma lembrança desvanecida Pode ser. Essa é Jillian Tamaki A seguir, vamos dar uma olhada no cartunista Walt Ele é mais conhecido como o criador da história em quadrinhos Pogo, que foi publicada do início dos anos 40 até a Como a arte de linha parece um elástico, eu acho que é a maneira como eu a descreveria. É elástico. É eficiente. É cheio de energia, energia potencial, mas também há esse calor em seus designs de personagens que vem de sua arte de linha, que é ótimo para a expressão de motivos, bem como para trabalhos soltos, bem como para trabalhos soltos, pegajosos e quase cenográficos É uma fórmula perfeita para desenhos animados. Se ele está desenhando essas grandes árvores uma tartaruga ou um pássaro, há esse incrível senso de trabalho na construção que é unificado por seu estilo solto e consistente Por último, mas não menos importante, veremos Tomi Ungger, que é uma ilustradora prolífica que é uma ilustradora prolífica Sua carreira varia de cartuns políticos com tópicos muito sérios e pesados Trabalho editorial de arte em pôster e livros infantis. desenhos a tinta têm essa precisão ousada e realmente econômica. Eles são destemidos na forma como usam apenas alguns golpes decisivos Mas é claro que eles ainda podem ser divertidos e esse tom vem do forte contraste e da clareza gráfica presentes e não tanto dos pequenos detalhes Seu estilo realmente mostra como uma voz ilustrativa forte pode se adaptar a todas as diferentes formas narrativas mantendo-se inequivocamente clara