Tinta e papel tonado: crie belas flores

1. Apresentação: Pintar flores em seu estado natural pode parecer tão intimidante, pois há muito a considerar com uma infinidade de formas, tamanhos e texturas exclusivos. Obviamente, as flores podem ser muito coloridas, o que só aumenta esse desafio. É aqui que estudos sobre papel colorido podem ser um primeiro passo incrivelmente útil. Oi. Sou Ohn Mar. Sou desenhista de cadernos de desenho, ilustrador de embalagens de alimentos, roupas para presentes e livros. Trabalhei com a BBC, YouTube e UNICEF e também sou autor de Go With The Flow Painting. Sou um dos melhores professores aqui no Skillshare e ajudo artistas de todos os níveis aprimorar suas habilidades em aquarela compartilhando minha riqueza de conhecimento preencher 40 cadernos de desenho com paisagens, naturezas-mortas e flores. Essa técnica de papel tônico nos permite criar esboços dinâmicos com foco na simplificação dividindo as áreas nas áreas mais claras, médias e escuras. Para ajudar a nos guiar pelo processo de desenho, fornecerei imagens de referência que permitirão que você experimente uma variedade de formas e estilos. Durante a aula, compartilharei as principais decisões sobre como eu interpreto todos os diferentes elementos das fotos que afetam a composição, a forma e o contraste. Além disso, nos aprofundaremos no conceito de espaço negativo, uma técnica em que as formas são criadas pintando ao redor delas. Essa abordagem pode adicionar profundidade e dimensionalidade aos nossos esboços. Não pense que você precisa gastar muito material. Basta tinta ou tinta marrom e branca e você pode usar qualquer papel tonal de envelopes antigos ou até mesmo do interior de caixas de papelão. Se você gosta de pintar flores, quero te levar para o próximo nível. Esse tipo de estudo o ajudará a refinar suas habilidades observacionais e conhecimento sobre o valor do contraste. Espero que você esteja animado para se juntar a mim nesta jornada e mal posso esperar para ver suas lindas interpretações de flores em papel tonificado. 2. Seu projeto: Muito obrigado por se juntar a mim nesta aula. Eu tenho trabalhado em papel timbrado no último ano, além de melhorar meu conhecimento sobre valores, especialmente destaques. Acho que isso melhorou muito minhas peças de caderno de desenho, pois sou forçada a procurar áreas claras e escuras e simplificá-las em formas e usar o contraste para dar a ilusão de luz direcional. Para esta aula, você pode usar qualquer uma das imagens de referência de alta resolução que usei para as demonstrações desta aula. Há um download em PDF disponível chamado referências de flores para papel timbrado, e ele pode ser encontrado na guia de projetos e recursos, aqui no lado direito, abaixo da palavra recursos. Seu projeto é criar um estudo floral em papel tonificado com tinta branca e marrom a partir de uma imagem de referência usando as técnicas que demonstrarei nos vídeos. Inclua um ou mais estudos de tinta e papel colorido do floral escolhido além de suas ideias sobre o processo, a lição aprendida e quaisquer desafios que você enfrentou. É normal ser honesto aqui. Você pode escolher suas próprias imagens, mas não se esqueça de incluir sua foto de referência em seu projeto. Isso é importante, especialmente se você quiser um feedback construtivo sobre seus esboços para que eu possa ver com o que você estava trabalhando. Quando estiver pronto para enviar seu projeto de aula, vá até a guia de projetos e recursos e clique no botão “Criar projeto”. Primeiro, dei a você um projeto para a foto da capa e um título para que ela realmente se destacasse. Aqui, você pode adicionar o conteúdo do seu projeto, incluindo as fotos e o texto para refletir sobre o processo e o que você achou interessante. Depois de adicionar seu conteúdo, não se esqueça de clicar em “Publicar”. Quando terminar, você pode voltar a qualquer momento para editar ou até mesmo adicionar mais fotos ao seu projeto. Sei que pode ser muito assustador divulgar seu trabalho no mundo, especialmente quando você está começando, mas eu o encorajaria a ser ousado e compartilhar para que eu possa lhe dar feedback. Dê uma boa olhada na galeria de projetos e deixe algumas curtidas e comentários sobre outros projetos estudantis. Vamos espalhar essa boa energia, pois um comentário encorajador tem o poder de realmente transformar o dia de alguém. No próximo vídeo, veremos as ferramentas e materiais necessários para esta aula. Quando estiver pronto, junte-se a mim lá. 3. Materiais: Vamos começar analisando os materiais que precisaremos para essa aula. O papel tonificado é simplesmente um papel que tem um valor diferente do branco. Ou, em outras palavras, não é papel branco. Geralmente vem em diferentes tons de cinza ou marrom e também preto. Você pode comprar um papel tonificado em várias formas. Eu tenho este caderno de desenho em papel cinza de Hahnemuhle, que você verá mais tarde. Hahnemuhle também faz uma versão para cappuccino. Você terá que conferir minha outra aula de papel colorido se quiser ver essas páginas de perto. A Strathmore produz um pacote de papéis de tons diferentes, como esses. É feito para pastéis, mas você também pode usá-lo para este projeto. Também vale a pena considerar um pacote de papel kraft padrão que você pode comprar muito barato. É muito provável que você tenha papel tonificado espalhado pela casa sem perceber, talvez do papel de embalagem ou do interior de caixas de embalagem de alimentos como esta. Se você os desmontar, eles vêm em todas as formas e tonalidades. Surpreendentemente, eles são papéis tonificados prontos. O melhor é que você não precisa pagar mais por essas minhas caixas de barras de proteína, envelopes da Amazon. Eu até guardei este papel, mas algumas flores estão embrulhadas. Eu também tenho um envelope de Manila de alguns anos atrás, no qual desenhei flores em caneta branca. Achei que valia a pena mostrar para você, pois é muito bonito. O que estamos fazendo nesta aula são principalmente estudos, e eles não pretendem ser obras de arte acabadas e elaboradas. Você pode realmente usar qualquer pedaço de papel timbrado que tiver por aí. Além disso, se você é novo nessa forma de trabalhar, se errar um pouco, não se sentirá precioso por ter que jogar fora papel caro. Basta encontrar outra caixa de papelão e desmontá-la. Como precisamos indicar sombras e destaques. É aqui que entram as tintas. Vamos começar examinando uma seleção de tintas marrons. Começo com tintas acrílicas. Eles são essencialmente uma versão extremamente fluida da tinta acrílica. A tinta acrílica é à base de pigmentos e esses pigmentos se fixam permanentemente na superfície do papel quando secarem e não podem ser retrabalhados. Você tem que trabalhar bem rápido. Geralmente, a tinta acrílica é mais resistente ao desbotamento por causa dos pigmentos contidos nela. Eu tenho essas três tintas acrílicas mordendo ao meu redor. Eles precisarão bem agitados, pois parte do pigmento ficará presa na parte inferior. Vamos ver como eles ficam em papel de rascunho. Aqui é Tara Rosa. É um marrom bem avermelhado, provavelmente um pouco vermelho demais para o meu gosto. Este é marrom antílope. É um pouco como marrom-noz, mas é um tom esverdeado claro. Este é sépia. Quando olhei pela garrafa, parecia um verde escuro escuro escuro. Mas quando eu o aplico, na verdade é um marrom bem profundo. Essas duas tintas marrons são de Winsor e Newton. Temos marrom-noz e marrom-turfa. O castanho-noz tem uma cor mais avermelhada e terrosa. Essa turfa marrom é mais parecida com sienna crua. É um tom bem dourado. Ambas são muito mais translúcidas do que as tintas acrílicas. Também vale a pena mencionar essa tinta acrílica de número queimado da Liquitex. Eu diria que é quase marrom. É uma cor bem quente. Se você não tiver nenhuma tinta, não se preocupe, basta misturar um pouco de guache marrom até uma consistência de creme único. Agora, para as tintas brancas, novamente, existem algumas variedades que oferecem resultados diferentes. Primeiro, estou começando com a Kuretake, uma tinta branca altamente opaca. Está saindo muito rápido, mas você pode diluí-lo. próxima é a tinta branca à prova de sangramento do Dr. Ph. Martin. Isso é bem grosso e é muito parecido com o Kuretake. O próximo é de Daler Rowney. É uma tinta acrílica. Eu provavelmente deveria ter lavado meu pincel. Ainda havia tintas das duas versões anteriores que estavam coladas nesse pincel. Recebeu um resultado diferente. Esta é a tinta branca Liquitex. Eu lavei meu pincel antes de experimentá-lo e ele não é tão grosso quanto os outros. Se você não tiver tintas brancas, basta misturar um pouco de guache branco ou até acrílico branco. Eles também funcionarão bem para isso. Finalmente, você precisará de alguns pincéis pequenos. São apenas pincéis sintéticos e darão um toque muito bom. Quaisquer tintas marrons e brancas que você tenha. Eu sugiro fortemente que você experimente tudo em um pedaço de papel tonificado como eu. Você tem uma boa ideia da cobertura e de como eles se comportam. Se você fizer isso, provavelmente terá uma experiência muito melhor ao criar seus estudos. 4. Meus exemplos: Mesmo antes de saber que criaria essa classe, eu estava testando várias abordagens diferentes de forma independente. Na verdade, isso acabou formando a base das demonstrações que vou mostrar a vocês nesta aula. Você verá a experiência que eu adquiri várias tentativas e iterações nesta aula. Você terá a oportunidade de testemunhar a evolução de suas próprias habilidades e técnicas e obter uma compreensão mais profunda do processo de aprendizado que pode ser alcançado por meio de persistência e exploração. Alguns de vocês devem ter visto este caderno cinza de Halloween da minha aula anterior de papel timbrado. Sinto o início deste caderno de esboços com retratos que renderizei apenas em caneta preta e branca. Eu queria continuar com esse tema, então decidi facilitar a vida capturando flores simples. Primeiro, temos isso, não me esqueça, com tinta branca e caneta pincel Kuretake. Na verdade, estou apenas procurando a forma para reunir a essência da flor, e há muita simplificação acontecendo aqui. A seguir, algumas gotas de neve. Eu os desenhei no início da primavera e fiquei realmente inspirado pelo que estava vendo ao meu redor. Isso teria sido feito de forma incrivelmente rápida, mas os resultados são realmente fantásticos. Este vídeo em particular foi gravado em Norfolk no fim de semana do meu aniversário e foi uma visão tão gloriosa. Na verdade, pintei mais gotas de neve enquanto estava lá. Eu vou te mostrar no final desta aula. Uma das minhas favoritas é a flor de macieira, que anuncia as partes mais quentes da primavera. Eles têm botões tão distintos que são tão delicados, mas se transformam em frutas incríveis. Essas maçãs em particular são tão doces. Meus filhos os amam. Aqui estão um pequeno lado nazista muito fofo e o lírio do vale. Novamente, apenas estudos muito simples com caneta e tinta Kuretake. flores de cerejeira são tão encantadoras e vê-las sempre ilumina meu dia. Essas amostras específicas foram colhidas junto ao rio. Eu não sou um grande amante de helly balls, mas agora descobri uma grande apreciação por eles. Eles ainda trazem aquelas lindas vibrações da primavera. Você pode ver aqui que meus traços estão ficando bem expressivos. Nessa fase, achei que meu caderno de esboços era pequeno demais para o tipo de exploração com a qual eu queria brincar. Felizmente, eu tinha um monte de papel pardo por aí. Eu uso um pouco do papel de embalagem em torno de alguns pacotes para experimentar algumas ideias diferentes. Aqui, você pode ver neste primeiro exemplo, que é uma flor de espinheiro. O papel está um pouco enrugado, mas realmente não importava. No entanto, foi muito bom trabalhar com esse envelope de papelão . Devo dizer que fiquei muito impressionado com os resultados. Apenas repetindo o processo, usando a mesma imagem de referência, você obtém resultados maravilhosos. Eu aprendi muito. Continuei observando os climas floridos do inverno. Eu sei que o papel está muito enrugado, mas acho que isso aumenta o efeito. É uma imagem bastante complicada. Então, isso significava que eu tinha que realmente olhar e simplificar esses tons escuros e claros. É um estudo muito importante para mim. Este é um pouco mais complicado. É de uma fotografia que tirei na primavera passada, quando estava colhendo raminhos de flores desabrochando enquanto fazia minhas caminhadas diárias. Eu ainda aprendi muito com esses dois exemplos, mas achei que o valor tonal do papel neste artigo era um pouco pálido para nós que tentávamos alcançar. Novamente, algo assim é muito importante para eu entender daqui para frente. Eu posso pegar essas informações e usá-las em uma data posterior. Também tenho outra aula sobre timbrado chamada papel tonificado, ilustrações impressionantes e simples em preto e branco. Usamos referências reais de frutas, vegetais e vasos para dividir as formas em suas áreas escuras e claras essenciais a fim de entender melhor o assunto. Confira esta aula se quiser mais exemplos de observação cuidadosa e uso de observação cuidadosa e uso canetas pretas e brancas para focar nas formas e no contraste. Vou deixar um link para essa aula na descrição. 5. Vantagens dos estudos: A cor é provavelmente uma das qualidades mais atraentes das flores e há uma infinidade de cores para escolher. Mas acredite ou não, quando você está tentando retratar flores, valor é na verdade mais importante do que a cor para o design e o sucesso de uma pintura. Valor; as luzes e as trevas são a razão pela qual não precisamos ver um esboço em nossa pintura. As bordas dos objetos não são necessariamente definidas pela cor , mas pelo valor relativo. Nesta aula, estamos usando papel timbrado para aprimorar nossa compreensão do contraste e da profundidade de nossas referências florais. O papel timbrado em si atua como base, permitindo que realces e sombras se destaquem com destaque. Os estudos de tom não devem ser descartados como uma perda de tempo. Pelo contrário, eles desempenham um papel crucial no aprofundamento de sua compreensão da arte floral em vários níveis. Embora possa ser tentador mergulhar diretamente na versão colorida, ignorar o estudo do tom significaria perder oportunidades significativas de aprendizado. Ao dedicar um tempo para criar estudos de papel tônico, você estabelece as bases para uma compreensão mais abrangente de seus florais. Esses estudos permitirão que você explore e compreenda os fundamentos da forma, valor e composição sem a distração da cor. Eles fornecerão a base sólida para capturar a essência da flor, suas formas e a interação entre luz e sombra. Ao observar e renderizar cuidadosamente os florais em papel colorido, você desenvolverá um olhar atento às nuances sutis de valor e contraste. Essa maior consciência beneficiará muito seu futuro trabalho com cores, pois você terá uma maior compreensão da relação entre diferentes tons e tonalidades e como eles interagem. Além disso, os estudos de papel tônico oferecem uma oportunidade para experimentação e planejamento. Como geralmente são mais rápidas e consomem menos tempo do que uma peça colorida, você tem a liberdade de experimentar técnicas diferentes, explorar composições diferentes e fazer ajustes sem a pressão de se comprometer com o resultado final. Isso permite que você refine suas ideias, teste várias abordagens e ganhe confiança antes de começar com uma versão de cores mais complexa. Esse processo evolutivo de aprendizado e refinamento fortalecerá sua habilidade artística e o ajudará a crescer como artista. Esses estudos realmente estabelecerão uma base sólida para qualquer peça de cor em potencial, permitindo que você a aborde com maior confiança. 6. Espaço negativo: Às vezes, uso espaço negativo em meus esboços como meio de definir forma e forma. Como você pode ver, estou preenchendo a área de fundo e atrás das flores de cerejeira usando uma caneta de pincel. Eu originalmente pintei isso em aquarela e tinta, mas achei que faltava profundidade, então estou usando essa caneta nos espaços negativos para ajudar a fornecer contraste visual com o assunto principal, que são as flores de cerejeira. Durante as demonstrações da aula, talvez eu comece a falar sobre espaço negativo. Eu gostaria de explicar um pouco mais sobre esse termo. espaço negativo é a área ao redor do assunto ou, em outras palavras, espaço positivo é o foco principal, enquanto o espaço negativo está em segundo plano. Ao bloquear intencionalmente o fundo ou as áreas circundantes, o assunto se torna mais pronunciado e visualmente proeminente. espaço negativo atua como uma moldura visual, chamando a atenção para o olhar do espectador em relação ao assunto principal, que no nosso caso serão os florais. Ao prestar atenção às formas formadas pelo espaço negativo ao redor do assunto, os artistas podem definir e aprimorar com eficácia a forma geral das flores. A interação entre o espaço positivo e negativo cria um diálogo visual que adiciona profundidade, dimensão e interesse visual à sua arte. Usar espaço negativo permite espaço para interpretação e pessoalmente, acho que evita que a obra de arte pareça superlotada ou sobrecarregada, e é um dispositivo muito útil para entender como usar. Vou te mostrar mais alguns exemplos. Este é um templo zen-budista em Kyoto, Japão. A imagem de referência mostra este templo na neve. Eu uso a linha de árvores no fundo para definir a borda do telhado que estava coberto de neve e acho que esse é um ótimo exemplo de usar espaço negativo para dar a sensação da borda em vez de usar linha porque o papel era branco. Aqui está outro ótimo exemplo em que eu preenchi o fundo por trás desse corvo **** com uma cor muito escura para acentuar a forma de seu corpo. Não sei o que estava no fundo, mas esse é o dispositivo que eu uso para ver as penas da cauda dele. Nesta versão, o verso é muito pálido e contra o papel branco teria sido muito difícil de definir, então, difícil de definir, então, usando uma ameixa bordô bem escura, consegui dar muito mais definição e o mesmo novamente, com este copo de cerejas. Nesta natureza morta, usei um marcador acrílico azul muito escuro para definir a borda dessa cebola que está crescendo e também a alça desse bule. Neste oposto, você pode ver o azul escuro novamente entre os caules e as bordas dessas folhas para dar a impressão que você pode ver através daquela planta o fundo. Finalmente, neste exemplo dos cardos, usei o espaço negativo, novamente, usando uma caneta para dar um fundo muito mais escuro porque as folhas tinham uma forma muito incomum e a parte superior dos cardos também era fofa e achei que essa era a melhor maneira de abordar esses cardos. Eu sei que é uma quantidade incrível de informações, especialmente se você nunca usou espaço negativo antes. Mas espero que as próximas demonstrações coloquem algumas dessas teorias em prática. 7. Flor 1: Clematis: Na verdade, essa clematis estava crescendo no meu jardim e achei que era um arranjo muito bonito. Você pode ver a luz e a escuridão de forma muito distinta, com as próprias flores de clematis sendo incrivelmente leves em valor. As áreas mais escuras estão diretamente abaixo desses florais centrais e, à medida que você sai dessas áreas, começa a ver as formas de folhas inteiras. Para esta demonstração, vou usar tinta branca curie com um desses papéis em tons de strathmore do bloco. Vou colocar a maior flor de clematis, que está no canto inferior direito. Todos eles têm quatro pétalas, o que facilita a vida, embora não estejam completamente em ângulos de 90 graus entre si. Lembre-se de que essas são coisas de cultivo orgânico, então não vamos ficar muito perfeitos desde o início. Existem três informações que se sobrepõem, então você deve decidir quais pétalas estão na frente e quais pétalas ficam atrás das outras. Pétalas e folhas sobrepostas podem ser muito confusas e você não precisa retratá-las com precisão. Esses são apenas estudos. Você terá que fazer um julgamento e sua decisão é absolutamente correta. Esse um pouco menor, embora seja um pouco mais rosa, ainda vou usar tinta branca. Porque é muito leve em comparação com esse fundo. Na verdade, não acho que o posicionamento de algumas dessas pétalas seja preciso, mas o que estou tentando fazer é observar a relação de cada pétala e folha uma ao lado da outra, para que ainda pareça uma clematite, como se estivessem crescendo organicamente. Os estudos de tom servem como um ótimo exercício de resolução de problemas. Aqui temos a primeira camada, que é a tinta branca. Agora vamos usar um pouco da tinta Sienna queimada da Liquitex. Estou escolhendo absolutamente as áreas mais escuras que ficam entre as pétalas nesta área central, embora eu esteja atento às videiras e seções que provavelmente se enquadram nas áreas de tom médio. Vamos examinar primeiro as formas desses lugares mais escuros. Isso ajuda você a entender a estrutura subjacente e as proporções, e isso permitirá que você crie uma representação mais precisa. Como mencionei em outras aulas, é muito boa ideia apertar os olhos fechando-os até a metade. Ao fazer isso, você realmente verá menos da cor e mais apenas das luzes e das trevas, e esses são os valores de suas cores. Esta área aqui, a seção em que estou trabalhando é na verdade uma folha, então vou usar pintura negativa para extrair essa forma do papel colorido. Podemos entender o que vemos porque reconhecemos sua forma. Consegui definir essa borda da folha e essa próxima a ela. Minha técnica é descrevê-lo primeiro e depois preencher esse espaço negativo Provavelmente existem outras maneiras de fazer isso, mas esse é o processo em que estou me inclinando no momento. Estou adicionando esse caule agora e a folha que está pairando logo acima dele. Eu sei que parece meio acabado, mas vou voltar a ele daqui a pouco. Os estudos de tons realmente incentivam a simplificação de formas e formas. Quando estamos trabalhando sem distrações de cores, você pode se concentrar em capturar as formas e estruturas básicas do objeto. Você não pode esperar capturar tudo, então, em algum momento, você terá que decidir o que incluir e o que deixar de fora, a fim de dar aquela aparência de camadas e profundidade. Você notará que estou voando ou me movendo de uma área para outra, e essa é apenas a minha maneira de tentar me decidir, tentando descobrir como tudo se encaixa, porque nem sempre consigo ver isso imediatamente. Percebi que o caule que acabei pintar está realmente no lugar errado e percebi sua relação com a pétala. Eu vou ter que tomar uma decisão sobre isso. Por enquanto, vou deixar isso esboçado, sei que algo não está certo, mas não consigo descobrir no momento. Há muita coisa acontecendo lá agora, e eu não quero incluir tudo porque pareceria muito ocupado. Vou ter que fazer uma chamada de ajuste. Porém, ainda estou tentando transmitir essa aleatoriedade das folhas à tecelagem ao fundo. É como analisar a distribuição da luz e da escuridão para identificar essas formas principais, e isso permitirá que o espectador compreenda o que realmente está ocorrendo aqui. Passando para o caule, que você pode ver saindo da esquerda. Provavelmente é um pouco pesado, mas vamos preencher essa seção com tinta negativa. Para mim, quando estou em dúvida, sempre preencho primeiro as áreas mais escuras, porque isso faz com que meu cérebro reflita sobre qual será meu próximo passo. Estou usando o espaço negativo e positivo para retratar as folhas da clematis e dos caules, porque eles estão se misturando. Mesmo que eu tenha acelerado esse vídeo, você ainda pode ver que há um pouco de hesitação e sou só eu decidindo qual será a próxima etapa. Continuo olhando a referência e olhando meu artigo, descobrindo a maneira mais simples de retratar o que estou vendo. Essa linha que desenhei logo à esquerda é na verdade, um dos postes da minha cerca, e acho que criará uma borda muito bonita. Estou olhando para a borda desta flor de clematis. Eu poderia preenchê-lo com tinta branca, mas acho que o que decidi fazer deixar o papel timbrado aparecer. Acho que funcionou muito bem. Agora estamos terminando adicionando os estames ao meio de cada flor de clematis. Decidi usar apenas pontos, porque quando aperto os olhos, não consigo ver muito do que está acontecendo, então essa é a melhor aproximação que posso transmitir. Mas tudo bem, porque é a simplificação que permite aos artistas identificar rapidamente o que é essa parte da flor. Só para lembrá-lo novamente, esses são apenas estudos. Eles estão aqui para nos permitir melhorar nossa observação, percepção de profundidade e nos tornar mais confiantes na tomada de decisões. Você sabe que eu sempre gosto de fazer uma crítica cuidadosa depois, na qual avaliamos o que criamos. Devo dizer que, na minha primeira tentativa, estou muito satisfeito com o resultado. Acho que dá uma boa impressão daquelas lindas clematis rosadas. Há uma qualidade orgânica muito viva, quase como um padrão de luz escura percorrendo todo esse grupo. Quanto mais eu olho para essa peça, mais observo como a luz incide sobre diferentes superfícies e cria esses destaques e sombras, que nos permite definir algumas das formas tridimensionais dessas pétalas e folhas. 8. Flower 2: Hawthorn: Esses espinheiros crescem em todos os lugares do meu bairro local. Adoro vê-los na alta primavera. Se fizermos o truque de apertar quando fechamos os olhos, podemos ver a flor do espinheiro realmente estourar contra aquele fundo verde escuro e também contra a maioria das folhas em si. Anote as áreas mais escuras, especialmente onde aqueles caules delicados que são realmente claros aparecem na frente dessas manchas escuras no fundo. Felizmente, flores e brotos de espinheiro são bem simples e é com isso que vamos começar. Na verdade, estou usando uma sacola de papel para viagem para isso. Começando com a tinta branca Daler-Rowney e um pincel redondo número 8, as flores brancas são traços muito simples. Você pode aplicá-los ou começar do meio para fora. Lembre-se de sobrepor algumas das flores, pois é o que elas fazem naturalmente. É melhor se concentrar em juntar as formas de todos os aglomerados de flores todos os aglomerados de flores, em vez de tentar pintá-los individualmente. Lembre-se de que o cérebro pode preencher as lacunas. Ele pode fazer suposições sobre o que está acontecendo. Os estudos de tom não pretendem ser réplicas perfeitas. Em vez disso, eles têm como objetivo incentivar os artistas a observar e interpretar seu assunto. Ao permitir formas e proporções aproximadas, você pode se concentrar em capturar a essência e o caráter de seus florais, em vez de se envolver em algo muito preciso. Isso permite interpretações mais expressivas e pessoais do assunto. Acho que isso está começando muito bem. Agora, vamos entrar com a tinta Daler-Rowney. Isso é sépia. Lembre-se de sacudir um pouco esses frascos de tinta para que os pigmentos não fiquem presos na parte inferior. Se eu apertar os olhos, essa área é uma das mais escuras e fica diretamente ao lado da flor. No entanto, à medida que você desce, há mais folhas, então teremos que contorná-las. Vou adicionar a folha que é adjacente. Acho que meu posicionamento está um pouco errado, mas posso viver com isso. Podemos voltar para ver isso. Agora vou voltar a preencher outra área muito escura. Percebi que as folhas dos espinheiros são muito distintas e têm o formato de três pontas. Nesta seção, você pode ver alguns dos caules realmente delicados, e eu gostaria de incorporá-los. Isso significa ter uma pincelada realmente estável para que esse papel tonificado apareça enquanto pintamos o espaço negativo ao redor dessas hastes muito finas. Decidi adicionar mais algumas flores brancas depois de observar essa imagem de referência um pouco mais. Acho que trabalhar dessa maneira é como seguir uma estrada, mas você não tem certeza de onde ela está te levando, mas você só precisa confiar que chegará ao destino final. Agora estou trabalhando nesta seção superior, que tem aquele pequeno galho do qual todos os raminhos parecem estar saindo. É uma boa ideia acrescentar isso agora para servir como um ponto de referência para que eu possa avaliar onde algumas das folhas estão em relação a elas. Agora, vou de uma área escura para outra escura. Porém, devo admitir que às vezes fico muito confuso porque não consigo entender o que está acontecendo. Tenho que trabalhar com uma aproximação e continuar voltando à imagem de referência para fazer observação muito cuidadosa e obter mais insights. Tenho certeza de que todos vocês terão suas próprias interpretações da mesma imagem, e tudo bem. Acho que o papel timbrado oferece aos artistas uma gama mais ampla de possibilidades expressivas e você pode criar isso seu. Você verá que eu ainda estou fazendo isso voando de uma área para outra, apenas tentando reunir informações. Pouco a pouco, acho que estou chegando lá. Eu costumo não ficar em lugar nenhum por muito tempo. Caso contrário, eu poderia acabar sobrecarregando certas áreas e eu realmente não quero isso porque isso serve apenas para ser um estudo. Eu decidi esta área no canto inferior esquerdo. Eu só tive que inventar porque está um pouco embaçado na foto, mas se eu apertar os olhos, essa área é incrivelmente escura, então acho que essa é a melhor solução. Os estudos do Tone Paper oferecem uma oportunidade de experimentação e refinamento à medida que tentamos estabelecer a relação entre certos itens. Nesse caso, são folhas e flores. Eu sempre acho que é um pouco como mágica quando você preenche o espaço negativo e vê aquelas folhas emergindo daquele pedaço de papel. Essa área no canto superior esquerdo precisa um pouco mais de definição para ajudar esta peça a ser lida melhor. Uma coisa que vale a pena mencionar aqui é estudos aproximados como esses podem ajudar os artistas a superar o medo de cometer erros, pois incentivam uma abordagem mais descontraída e exploratória que promove uma sensação de liberdade e criatividade. Está realmente abraçando o processo. Agora é hora de adicionar os pequenos estames no meio, que são muito delicados. Provavelmente tenho sido um pouco pesado aqui. Outra analogia pode ser preencher partes do mapa à medida que você avança. Você está tentando traçar as diferentes partes dessa flor de espinheiro. Ao obter informações extras, você pode preencher outra parte. Acho que as pequenas áreas dos caules delicados precisam um pouco mais de definição porque são uma parte importante desse agrupamento de flores de espinheiro. Embora esses pequenos caules de espinheiro sejam incrivelmente pequenos e difíceis de pintar como espaços negativos, eles são extremamente importantes para apoiar a história desse ramo de flores de espinheiro. Estou apenas acrescentando que isso ajuda a caracterizar as formas distintas das folhas que vemos nos espinheiros. Vamos dar uma olhada no que fizemos aqui. Sim, parece um pouco áspero nas bordas e está inacabado, mas isso é totalmente aceitável. O principal é que enfatizamos o essencial, que são as relações de valor e a composição geral. Além disso, ao deixar intencionalmente certas áreas inacabadas, você pode chamar a atenção para os elementos mais importantes que transmitem a essência do seu floral. Essa abordagem seletiva ajuda a priorizar os aspectos essenciais do seu trabalho e deixá-lo inacabado pode servir como uma representação visual do processo artístico. É um trabalho em andamento e captura um momento específico em sua jornada criativa. Pessoalmente, acho que isso adiciona uma sensação de espontaneidade e qualidade gestual à minha arte. Lembre-se de que o objetivo de um estudo de tom é capturar elementos essenciais e servir como uma ferramenta de aprendizado. Desde que você tenha transmitido de forma eficaz os principais aspectos do assunto, deixá-lo um pouco inacabado permite a interpretação. Você pode abraçar a estética inacabada como escolha artística deliberada e explorar as possibilidades criativas que ela oferece. 9. Flor 3: Bouquet misto: Este é um lindo buquê que montei durante uma caminhada na primavera do ano passado. Temos uma mistura de calamitosas, campainhas e também espinheiros. Duas delas você já abordou antes nesta aula. Eu sei que esse buquê parece bastante intimidante, mas ainda pode ser bem simples. Para começar, eles geralmente são todos mais claros que o fundo, então as pétalas e as folhas devem aparecer. No entanto, uma área que eu quero destacar são as campainhas, pois elas provavelmente valor mais próximo do tom médio. Acho que vamos deixá-los como papel timbrado aparecendo nas áreas em que estão sentados. Este papel pardo é o verso de um envelope da Amazon. Para esta demonstração, vou usar o Dr. PH. Tinta branca à prova de sangramento de Martin. Como fizemos antes com as outras flores calamitosas, vamos começar com as pétalas distintas. No entanto, tenho que estar atento à forma que eles criam quando as pétalas se tocam, especialmente esta à esquerda que está inclinada para longe de nós. Por favor, aperte os olhos para ver a forma. Agora vamos adicionar alguns desses brotos de espinheiro apenas para dar mais informações a essa estrutura básica. Na verdade, há uma terceira flor calamitosa à direita e as pétalas desta são um pouco maiores que as outras duas. Depois, há uma versão muito pequena ao lado. Vamos terminar com os botões de espinheiro e lembrar de preencher a forma da massa dos botões para dar uma impressão, em vez de tentar adicionar cada um individualmente. Agora que temos uma estrutura estabelecida, acho que há o suficiente aqui para começar a adicionar um pouco da tinta marrom. Estes são Winsor e Newton Pete Brown. A área central aqui é muito confusa, pois é apenas uma massa de folhas escuras lá e estou tentando desesperadamente descobrir o que está acontecendo. No entanto, temos essa folha distinta de Hawthorne aqui na frente, então acho que vou adicioná-la primeiro. Ela aparece por causa das enormes folhas mais escuras por trás dela. Conforme meus olhos se movem ao redor do papel, percebo que há muitas bordas escuras na lateral dessa calamitosa, então vou adicioná-las agora, porque isso provavelmente me ajudará a garantir essa posição. Decidi bloquear essa pequena área aqui até descobrir o que está acontecendo com todos os diferentes relacionamentos. Nesta composição, preciso descobrir a relação entre os caules dos brotos do espinheiro e existem muitos deles. O que eu fiz foi apenas dar uma sugestão. Não consegui adicionar todas as hastes. Agora, esse movimento descendente é na verdade parte da minha mão. Agora, acabei de adicionar algumas formas positivas, algumas formas básicas de folhas e, subindo, volto ao negativo para adicionar mais áreas escuras. Estou tendo que simplificar uma quantidade fenomenal aqui porque há muitas folhas nesse plano de fundo. Agora estou adicionando as hastes desses botões. Percebi que as flores do espinheiro estão um pouco fora do lugar. Mas acho que quando tivermos as campainhas, elas ficarão muito melhores. Não vou me preocupar muito com eles. Ao começar essas campainhas, quero acrescentar muitos detalhes, mas estou me esforçando muito para não me envolver em todas as pequenas cabeças de flores separadas. O que eu decidi fazer é apenas delinear as bordas das campainhas. Estou tentando não me preocupar com a maior parte do que realmente está acontecendo nessa área. É por isso que me limitei ao esboço. Eu sei que parece muito estranho agora e não faz muito sentido, mas o que eu acho que ajuda é estabelecer parte desse fundo escuro. Mesmo que sejam apenas arbustos ao fundo, se você apertar os olhos, é difícil descobrir o que eles são além dessa massa escura. Agora que há algo emoldurando as campainhas, me sinto um pouco mais confiante em adicionar as lacunas em algumas dessas formas de sino separadas. Agora precisamos estabelecer as bordas do outro lado desse grupo de sinos azuis. Parece confuso, mas acho que melhorou dramaticamente em termos de como podemos comunicar esse buquê. Eu posso dizer que há algo floral acontecendo naquele espaço. Agora vamos expandir esse espaço negativo ao redor da metade superior desse buquê. Eu realmente deveria ter usado um pincel maior para isso. De qualquer forma, e também adicionar aquela mancha escura acima dos botões de espinheiro à direita realmente deu algum contexto. Voltando para o centro do buquê novamente, estou fazendo meu truque usual de apenas tentar encontrar as áreas mais escuras e definir as formas das folhas no papel, e você pode ver que elas estão surgindo bem, o que é muito satisfatório. Essas folhas, em particular, batem contra a flor. Preciso ter certeza de que eles parecem estar abaixo desse agrupamento e para dar essa ilusão de profundidade, não tenho certeza se essa parte estava certa, mas funcionará por enquanto. Decidi que precisamos da última florzinha calamitosa e talvez da sugestão de outra. Enquanto eu estiver com meu pincel na mão, vou adicionar mais algumas massas de flores de espinheiro e reivindicar seu espaço ali. Se nos concentrarmos nesse grupo por enquanto, podemos ajudá-los definindo a podemos ajudá-los definindo borda inferior desse grupo com um pouco de tinta escura e, em seguida, adicionando essa forma de folha para definir outra borda. Isso está realmente começando a se comunicar melhor e isso adiciona clareza à composição e melhora a legibilidade geral desta peça. As principais relações espaciais deste buquê estão estabelecidas e nosso olhar está sendo direcionado para aquelas flores maiores e calamitosas. No entanto, não estou muito satisfeito com essas campainhas. Eles são muito planos. Acho que precisamos introduzir um contraste mais forte entre os valores claros e escuros. Vou pegar um pouco dessa tinta branca e escolher os menores destaques nas campainhas. Eles estarão na ponta das flores. Os destaques são essenciais para capturar o jogo de luz em diferentes serviços e indicam as áreas mais diretamente expostas à luz. Agora é hora de entrar e criar esses estames. Você provavelmente poderia ter um contato um pouco mais leve do que o que você me vê fazendo aqui. Eu provavelmente deveria ter trocado meu pincel, mas não importa. Esses pequenos pontos realmente adicionam um toque agradável de contraste para atrair sua atenção para o meio. Acho que fizemos um trabalho muito bom aqui. Talvez eu pudesse ter olhado um pouco mais de perto essas campainhas quando elas estão agrupadas assim, mas elas são incrivelmente complexas e eu não queria me sobrecarregar. Sinto que com esta peça em particular eu tinha que ter mais cuidado as bordas, pois havia muitos elementos pois havia muitos tipos diferentes de flores e folhas. Definir bordas nos estudos de tons é essencial para criar separação visual e transmitir profundidade. É importante estabelecer uma sensação de separação e definir os limites entre as diferentes formas de folhas e flores para comunicar a vibração desse buquê. Quero finalizar este vídeo destacando a importância desses estudos exploratórios rápidos, pois permitem que os artistas experimentem diferentes técnicas, meios e ideias antes de se comprometerem com , meios e ideias antes uma pintura maior e mais complexa. Eu sei que parecem incrivelmente confusos e ásperos, mas a beleza é que aprendemos com cada um deles e nossas habilidades podem ser refinadas. Quando eu era estudante de arte, tínhamos muitos estudos exploratórios rápidos muitas vezes com um limite de tempo muito curto. Ao criar esses estudos menores primeiro, podemos identificar e resolver quaisquer problemas em potencial e isso evitará desperdício de tempo e esforço em peças maiores e mais demoradas. Ele permite que ajustes e refinamentos sejam feitos de maneira mais eficiente e, em última análise, leva a um processo de pintura mais focado no futuro. 10. Considerações finais: Obrigado por dedicar seu tempo para assistir minha aula. Vale lembrar que, mesmo sem nenhuma cor, conseguimos identificar com muita facilidade quais eram as flores. Isso ocorre porque nossos cérebros são altamente hábeis em reconhecer e identificar objetos como flores com base apenas nos padrões de escuridão e luz. Isso vem da notável capacidade do nosso sistema visual de priorizar e processar o contraste. Eu realmente espero que você seja capaz de pegar o que aprendeu nesta aula e aplicá-lo em futuras obras de arte. Divirta-se descobrindo as formas e seus florais e mal posso esperar para ver em quais pedaços incomuns de cartão ou embalagem você usa para pintar. Lembre-se de enviá-los na seção do projeto. Eu adoraria que você deixasse um comentário para esta aula, pois ela realmente ajuda a mim e a seus colegas. Se você quiser compartilhar o que criou nesta aula no Instagram, marque-me @ohn_mar_win e use o # ohnmyskillshare, para que eu possa encontrar suas peças incríveis e compartilhá-las no meu feed. Agora eu prometi a você uma olhada em outra versão dos flocos de neve que pintei no meu caderno de desenho. Isso foi iniciado no local , compartilhando e estacionando em Norfolk. Na verdade, esse é o plano de fundo do meu caderno de esboços antes de eu adicionar qualquer outra coisa. Parece uma aquarela abstrata, mas o que eu realmente fiz foi criar meu próprio fundo tonificado. A maior parte disso é, na verdade, de médio porte, além das árvores que estavam ao fundo e incrivelmente escuras e eu pude trabalhar em cima disso, você verá que criei duas versões. Um usando canetas posca e o outro usando lápis de cor. No entanto, é o mesmo princípio de encontrar as áreas mais escuras e usar o espaço negativo para bloquear partes do plano de fundo. Acho que é uma continuação do que apresentei nesta aula. Mas passando para o próximo estágio, aplicando as mesmas considerações de contraste e sombra, mas usando meios diferentes. Criar meus próprios planos de fundo de tons espontâneos é algo com o qual venho brincando muito recentemente em meus estudos de cadernos de esboços. Eu usei tinta no fundo, aplicada de forma muito aleatória, para que ela não reagisse com nenhuma aquarela ou caneta com a qual eu quisesse trabalhar por cima. Depois de ter as bases, você poderá aplicar a mesma estrutura. Na verdade, eles foram retirados do meu caderno de esboços no local. Se eu transformar algumas dessas páginas em uma imagem em preto e branco, você pode ver que eu basicamente criei papel colorido. Consegui adicionar destaques usando uma caneta posca e canetas de pincel mais escuras. Entender a relação entre cor e valor facilita o trabalho com cores diferentes. Mesmo aqueles que parecem antinaturais, como os salpicos vermelhos acidentais sobre a tinta acrílica neste caderno de esboços. Na verdade, mesmo sem nenhuma cor, nosso cérebro pode identificar facilmente objetos em uma imagem. Isso ocorre porque nossa atenção é atraída principalmente para os padrões de luz e escuridão. Quando há contraste entre elementos claros e escuros, nossos olhos são imediatamente cativados. Embora muitas vezes pensemos cor e valor como conceitos separados, eles estão intimamente interconectados. Ao considerar o valor de uma cor, podemos capturar com eficácia a essência de um objeto ou cena, independentemente de sua coloração. Ao reconhecer a importância do valor e sua relação com a cor, podemos tomar decisões informadas ao escolher a cor em nossa arte. Entender que o valor desempenha um papel significativo na forma como percebemos e interpretamos as cores nos ajuda a criar composições mais impactantes e visualmente envolventes. 11. BONUS: Estudo da cor Clematis: Eu queria incluir esta videoaula bônus para mostrar como eu interpreto a mesma clematis da Demo 1 como uma versão colorida. Agora você pode comparar como realização de uma versão em papel colorido influenciou minha tomada de decisão ao criar um estudo em aquarela em cores. Você não precisa realizar a interpretação de cores como parte do seu projeto de aula, isso é puramente opcional. No entanto, se você decidir pintar uma, envie sua versão colorida junto com o estudo do papel colorido e algumas palavras sobre sua experiência comparando os dois estudos diferentes. Agora que criamos uma versão em papel tonificado dessa clematite, temos muito mais informações à nossa disposição desse primeiro estudo. Podemos usar essa experiência ao ver uma versão em aquarela da mesma imagem de referência. Não se sinta intimidado porque agora estamos trabalhando com cores. Como ainda precisamos estar atentos a quase as mesmas coisas, ainda deve haver uma forte ênfase na forma e nos valores. Antes de realizar estudos de papel tonificado, é muito provável que tivesse começado com pétalas pálidas como esta. Mas é muito difícil de ver. Vou mudar isso e trabalhar primeiro com o espaço negativo, assim como em nosso estudo. Vamos entrar com um pouco de seiva verde, onde eu adicionei uma gota de índigo. Estou deixando o papel branco ou sem pintura e depois usando o verde para pintar o espaço ao redor da forma dessas pétalas. Ainda é um caso de procurar as áreas mais escuras, principalmente entre cada pétala. Quando estou pintando as áreas mais escuras, estou usando o cinza de Payne misturado com aquele verde seiva. Não regue demais. Certifique-se de que haja muito pigmento para esses valores mais escuros, pois as aquarelas secarão mais claras. Você pode ver essas pétalas surgindo, o que eu absolutamente adoro. Na verdade, estou examinando mais a imagem de referência agora do que meu estudo, porque acho que perdi algumas coisas na primeira vez e, como sou o responsável, posso interpretá-la da maneira que eu quiser. Às vezes, é muito interessante ver quais são as diferenças quando você compara dois trabalhos que podem ter derivado da mesma imagem. Ainda estou tentando descobrir as pétalas principais novamente. Eles variam um pouco do meu estudo total porque ainda estou trabalhando com espaço negativo e agora ele está dando resultados diferentes. Eu estava tendo muita dificuldade em acertar as proporções dessas pétalas e seu posicionamento. Mas acabei de esquecer e continuo. Se criar um estudo de tons e depois passar para uma versão colorida no mesmo estudo é novidade para você. Quero abordar rapidamente algumas das razões pelas quais a repetição é tão importante. A principal delas que mencionei é a construção de confiança. À medida que os artistas repetem e praticam várias técnicas, eles se tornam mais familiarizados e confortáveis com elas. Isso gera confiança, reduz algumas dessas dúvidas e nos permite lidar com peças mais complexas como essa. Além disso, é muito importante para aumentar memória muscular praticando repetidamente essas técnicas e pinceladas. Nós treinamos nossos músculos. Quando fazemos isso, na verdade existem vias neurológicas em nossas cabeças que realizam os movimentos desejados vez após vez. Torna-se muito mais eficaz e fácil. Isso leva a um melhor controle, precisão e consistência em nossa arte. Agora, queremos trazer algumas folhas mais brilhantes ou um pouco mais claras na área superior aqui. Agora é verde seiva misturado com amarelo. Você pode ver como isso corresponde às áreas do papel tonificado que deixamos sem pintura. Se você tiver partes do papel timbrado aparecendo, é aqui que algumas de suas folhas podem entrar , porque elas têm um valor mais médio. Estou deixando os pigmentos se misturarem no papel. Então, deixe alguns desses amarelos e verdes fazerem a maravilhosa magia da aquarela. Quando você aperta os olhos, já pode ver a diferença entre os valores tonais desse verde claro que estou aplicando agora e o verde escuro índigo e seiva do fundo. repetição ajuda a estabelecer a memória muscular, que é a capacidade de nossos músculos lembrar e realizar movimentos específicos automaticamente, e por meio de uma prática consistente como a que estamos fazendo aqui, podemos treinar nossos músculos para executar certos gestos e ações sem ter que pensar conscientemente sobre isso. Isso permite movimentos muito mais suaves e fluidos quando pintamos. Vamos adicionar uma indicação desse poste da cerca. Estou atento para manter esta área aqui sem pintura porque há muitos caules ventosos que estão à espreita. Eu gostaria de adicioná-los mais tarde. Agora, acho que é hora de lavar o pincel muito bem porque eu gostaria de misturar um pouco desse rosa pálido quente e depois preencher as pétalas. O que eu misturei é uma rosa de ópera com um pouco de guache para ajudar na opacidade e uma pequena gota de laranja. Eu quero preservar um pouco desse papel branco embaixo para manter essa luminosidade. Novamente, cabe a você decidir se quer trabalhar a partir da foto de referência original ou do estudo tonal, ou uma mistura de ambas. É muito bom ter interpretações diferentes, e é por isso que fazemos estudos. Como você viu naquela foto de referência, havia apenas um emaranhado de videiras nesse canto em particular. Eu simplifiquei tudo para esse estudo tonal, mas acho que poderia ser feito com apenas mais alguns. Não há problema em mudar isso porque eu tenho uma compreensão muito maior dessa cena em particular depois pintá-la pela segunda vez. Essas videiras são de cor bege brownie, mas acho que não vou introduzir outra cor. Vou manter as coisas bem simples, mas ainda dá a impressão de que havia emaranhado acontecendo ao lado dessas folhas. Vou adicionar mais alguns aqui embaixo, no canto inferior direito. No meio, há algumas folhas. Acho que é hora de adicionar algumas delas a essa área para dar um pouco de contexto. Assim como nos estudos tonais, nem sempre tenho um plano de ação claro. Estou literalmente dando um passo a passo e me perguntando qual é a próxima coisa que devo acrescentar. Estou indo de uma área para outra enquanto confirmo uma informação. Olhando para essa pétala central novamente, percebi que tinha o formato totalmente errado. Eu pintei um pouco desse espaço negativo e, sim, parece muito melhor. O mesmo acontece com algumas das outras pétalas. Eles só precisavam ser resolvidos um pouco melhor para que as formas ficassem muito mais claras. É por isso que saber como utilizar o espaço negativo e a pintura negativa é uma ferramenta tão brilhante. Voltando para a área superior direita, parece muito semelhante ao nosso estudo, mas estou tendo dificuldade descobrir como vou adicionar essas folhas. Acho que não vou adicionar folhas individuais aqui. Vou preenchê-lo com um verde claro para que contraste o suficiente com aquelas pétalas claras. Como eu disse em outros vídeos, é sempre bom continuar mexendo na peça para que você não fique muito fixado em uma área específica e acabe sobrecarregando-a. Vou entrar com aquela seiva verde amarelada porque essas são as áreas frondosas. Eles variam um pouco em valores, mas vou voltar quando estiverem um pouco mais secos com uma pintura negativa para torná-la mais óbvia. São folhas. Está muito solto e esses pigmentos ainda estão fluindo juntos, mas eles vão ficar bem. Confie em mim Voltando à seção superior, não quero preenchê-la demais porque está muito confusa para meu cérebro descobrir o que está acontecendo. Eu vou deixar isso assim. Quanto às folhas no canto inferior, agora vou usar pintura negativa para criar uma forma de folha a criar uma forma de folha partir desse verde de seiva que colocamos anteriormente. Esta área está realmente um pouco úmida. Você pode ver que está se fundindo um pouco, o que é absolutamente bom. Agora vamos dedicar um momento para admirar o que fizemos até agora. Acho que fica ótimo com os toques certos de contraste. Agora é hora de adicionar os estames. Novamente, estou usando seiva verde, mas com muito mais amarelo para que se harmonize com as folhas. Eu só os estou recebendo muito rapidamente do meio para fora. Tenho que entrar novamente com uma seiva verde um pouco mais pigmentada com um toque de amarelo nela. Só para adicionar aquele toque de contraste dentro da dimensão desses estames. Vamos lavar nosso pincel novamente porque vamos adicionar um pouco mais de detalhes a essas pétalas de clematis, o que lhes confere sua qualidade textural. estágio, pode ser muito fácil Nesse estágio, pode ser muito fácil começar a trabalhar demais. É aqui que nós, como artistas, começamos a Pfaff. Ao manter o pincel se movendo ao redor da peça, ele mantém o frescor e a energia e evita um pouco desse excesso de trabalho. Não parece tão espontâneo. Esse movimento e variação contínuos na pincelada criarão uma sensação de vivacidade e permitirão interesse visual e vitalidade. Tive que voltar com o rosa pálido porque não os incluí nas pétalas de clematis da extrema direita. Agora é hora da passagem final, que é como eu chamo quando adiciono os detalhes finais usando o cinza de Payne. Nesse caso, achei que seria uma boa ideia dar à parte inferior dessa peça uma borda externa ou moldura. Tinha algo contra o que combater e dar um pouco mais de contexto. Não costumo fazer isso, mas, nessa ocasião, acho que está me ajudando não continuar sem parar até chegar à borda daquele pedaço de papel. Você notou que eu tenho uma paleta bastante limitada. Isso é para evitar o turvo e minhas cores. Além disso, ao mover o pincel de áreas diferentes, evita que essas cores fiquem turvas ou mescladas demais. Quando você trabalha continuamente na mesma área por um longo período, as cores podem se misturar demais e isso resultará em perda de clareza e vibração. Eu poderia ter preenchido aquelas folhas nas bordas externas, mas estou ciente de que não quero amontoar um pouco disso. Se parássemos um momento para admirar as duas peças, sinceramente, acho que não teria conseguido criar uma versão colorida como essa tão rapidamente se não tivesse feito um estudo tonal. Quando você faz o teste de estrabismo tonalmente, eles são muito parecidos. Como a versão colorida é a segunda versão, consegui inserir mais informações, então provavelmente adicionei mais alguns detalhes, especialmente as videiras. Eu adoro totalmente aquele rosa pálido contra aquele exuberante fundo azul esverdeado escuro. Eu realmente espero que você consiga obter efeitos semelhantes se decidir criar uma versão colorida de sua peça floral Se o fizer, lembre-se de enviá-la. Mal posso esperar para ver suas versões. 12. Nos bastidores: Ruby. Ruby, querida, preciso da minha mesa, preciso começar a filmar. Vá lá, você pode fazer isso. Obrigado. Não, Ruby, saia, saia da Ruby. Querida, não sei se esse é o caminho. Oh, fique calmo. Ruby, você trabalhou no meu trabalho.