Teoria de cores para ilustradores: um guia divertido para iniciantes em cores criativas

1. Teoria de cores para ilustradores: um guia divertido para iniciantes em cores criativas: Você já sentiu como se soubesse de que cores você gosta, mas eles simplesmente não ficam bem juntos? Então esta aula é para você. Sou Broke Glaser, ilustrador profissional. Mesmo os desenhos mais simples podem parecer incríveis com as cores certas. Esta aula é uma exploração divertida e prática da teoria das cores. Você aprenderá a usar a cor para direcionar os olhos das pessoas e fazer suas cores estourar. Você aprenderá a sombrear com cor. Mostrarei várias maneiras de consertar suas cores quando elas não sentirem que estão funcionando. Você aprenderá a escolher cores evocativas para enfatizar o humor que você está tentando criar. Vou compartilhar o que você precisa saber sobre cor no mundo real quando você está imprimindo e digitalizando sua arte, os cinco blocos de tropeço de cor mais comuns, e os truques engraçados cores podem jogar em nossos olhos. Há algo tão gratificante quando as cores certas se juntam então eu espero que você vai se juntar a mim nesta aula divertida sobre cores. 2. Matiz: A primeira coisa que precisamos entender são os blocos de construção da cor: matiz, valor e saturação. Estes três diferentes elementos de cor são o que vamos jogar com para fazer nossas paletes de cores bonitas divertidas. Você provavelmente já está familiarizado com matiz. Os tons são as diferentes cores do arco-íris: vermelho, amarelo, verde. Você provavelmente já ouviu falar da roda de cores. Os matizes transformaram lentamente de uma cor para a outra e formam um círculo. Este círculo, a roda de cores, é uma ferramenta excepcionalmente útil que vamos nos referir em toda a classe. Há tanta sutileza na mudança de uma tonalidade para a outra. Em que ponto a cor muda de azul para roxo, ou vermelho para laranja. Isso pode ser altamente subjetivo e uma tonalidade pode parecer totalmente diferente dependendo das cores que o cercam. Para o seu primeiro exercício, quero que você reúna itens domésticos que são feitos principalmente de uma cor. Certifique-se de pegar vários itens diferentes com a mesma cor. Por exemplo, você vai querer pegar vários itens vermelhos diferentes. Agora organize-os em um círculo indo de uma tonalidade para a próxima. Olhe cuidadosamente para seus itens; é um vermelho um pouco mais no lado roxo ou um pouco mais no lado laranja. Se você tem uma superfície branca disponível, eu recomendo organizar seus objetos sobre ele, pois ele vai facilitar a visualização das cores. Agora eu não duvido que você já conhece todas as cores do arco-íris. Este exercício não é sobre identificar as cores do arco-íris, é sobre abrir os olhos para as nuances muito sutis das mudanças de cor entre cada um desses tons. Minha esperança é que este exercício realmente desperte a parte do seu cérebro que finalmente está olhando para a cor. Isso vai nos ajudar com o resto dos exercícios nesta aula. Como um bônus adicional, é um exercício divertido e fácil que é praticamente garantido para chegar a alguns resultados realmente visualmente atraentes. 3. Saturação: A saturação é o quão intensa ou vibrante é a cor. Se trabalhamos com tinta física, é quanto pigmento puro está na cor. Com seus tubos de tinta, pico de saturação virá da tinta que é diretamente do tubo, a menos que você tenha comprado um pastel ou outra tinta pré-misturada. Na arte digital, o pico de saturação está neste lado do seletor de cores, o lado oposto do cinza. Isso está saturado e isso também. À medida que vai mais longe em direção ao cinza, torna-se menos saturado. saturação não se relaciona com o quão brilhante ou escura é uma cor, apenas com o quão pura é a cor. Este lindo tom de rosa está totalmente saturado e como eu me mover mais para o cinza, para estes adoráveis tons pastel rosa, ele está ficando menos saturado. O mesmo é verdade se eu pegar uma cor daqui. Esta cor é mais escura, mas não significa que esteja menos saturada. Esta cor ainda está saturada e à medida que me aproximo do cinza nesta escala, torna-se mais dessaturada. Quanto mais cinza na cor, mais dessaturado é. By the way, cada cor tem uma ótima versão, que eu acho que é muito legal. Há muita sutileza degradada. As cores dessaturadas tendem a se misturar no fundo, enquanto as cores puras saturadas aparecem para você e chamam sua atenção. rosto de um artista de tropeço comum está usando muitas cores saturadas em uma peça. Muitas cores saturadas é como usar todas as maiúsculas no e-mail. Se se sente como uma arte peças gritando com você quando tudo está saturado, quando você só tem algumas cores que estão totalmente saturadas e algumas que são menos saturadas. Você geralmente vai acabar com uma peça que tem muito mais harmonia. Eu, pessoalmente, adoro usar pastéis macios. Acho que são tão bonitas quanto cores saturadas. 4. Valor: a parte mais crucial das cores: Agora, para o valor, possivelmente o elemento mais importante da cor. Valor é como uma cor clara ou escura é. É muitas vezes referido como brilho ou leveza. Onde você não tem contraste suficiente em seus valores, você não pode distinguir formas umas das outras ou detalhes uns dos outros. Se você fosse olhar para o grupo A de gatos e grupo B de gatos, qual deles parece mais interessante para você. Muito provavelmente você vai dizer grupo B. A única diferença entre esses dois grupos é a quantidade de contraste que o grupo B tem valores mais escuros e mais claros do que o grupo A. Vamos dar uma olhada mais de perto. Isso é muito importante, mesmo nos seus detalhes. Assim, as listras nestes gatos do lado esquerdo são muito mais escuras, muito mais profundas e destacam-se. Mas no lado direito, essas listras são certamente mais escuras do que a cor base das faces dos gatos, mas não são escuras o suficiente para fazer qualquer diferença ou para ser visto. De qualquer maneira, não. Para entender os tons, usamos uma roda de cores. Para entender os valores, usamos escalas de valor, as versões mais claras de uma cor quando adicionamos branco a ela, chamamos de matiz, e as versões mais escuras da cor quando normalmente adicionamos preto, é o que chamamos de sombra. Com tinta real, você faz isso adicionando tinta preta ou branca. Na arte digital, fazemos isso jogando com os controles deslizantes ou movendo-se no seletor de cores. No pro create, eu gosto de usar a configuração clássica para isso. Algumas tonalidades naturalmente têm valores mais brilhantes do que outras tonalidades. Isso me levou um tempo para conseguir porque eu tinha na minha cabeça que cada matiz tinha a mesma quantidade de valor. Cada matiz poderia ir de tão luz quanto poderia possivelmente ir para o mais escuro possível. Mas, na verdade, isso não é verdade. Cada matiz tem sua própria gama de valor. Vejamos um exemplo da vida real. Então eu estou usando amarelo no mais completamente saturado e o mais brilhante que ele pode ir. Você pode dizer isso porque os controles deslizantes estão todo o caminho acima neste canto. Então aqui está minha cor amarela, e se eu mover o controle deslizante e entrar na faixa azul, qual dessas cores parece ter um valor mais leve? E se eu desenhar um X ali e um X ali? Se você apertar os olhos, qual dessas cores é mais leve? O amarelo, e vamos provar. Vou dessaturar estas cores para que possamos vê-las em tons de cinza. Então eu estou indo, agora é muito claro que o amarelo é muito, muito mais brilhante que o azul. Vamos tentar novamente desta vez usando uma versão muito leve do azul. Então, se eu desenhar uma versão leve desse azul, e voltaremos ao amarelo e usaremos uma versão leve de amarelo. Vou desenhar um X ali e um X ali, e vamos dessaturar e ver. Ainda podemos ver que o amarelo ainda é muito mais brilhante. Tem um valor muito mais leve do que o azul claro. Por que isso é importante? Quando você está usando duas cores diferentes um ao lado do outro, você precisa prestar atenção aos seus valores. Como as bolinhas neste soprador de festas. Se eu não prestasse atenção em como essas cores contrastavam umas contra as outras em termos de valor, certificando-se de que essas bolinhas eram realmente mais brilhantes, eles simplesmente se misturariam no fundo roxo do soprador do partido como este. Você não pode supor que apenas misturando tinta branca em uma cor que vai criar contraste suficiente. Ou que apenas pressionando o controle deslizante de valor no procreate que ele vai criar contraste suficiente. Você precisa usar seus olhos para ver se cria contraste suficiente. Se você está trabalhando em uma pintura física, uma ótima maneira de fazer isso é ficar 3 metros de distância do que você está desenhando e ver se você pode ver a diferença. Se você pode ver os detalhes do pop. Se você estiver desenhando digitalmente, reduza sua tela, isso ajudará você a ver se esses detalhes realmente aparecem tão fortemente quanto você acha que eles fazem. Um truque para identificar os valores mais brilhantes e escuros de uma imagem é apertar os olhos. Isso vai borrar todos os detalhes e você será capaz de ver mais facilmente qual é o valor mais brilhante e qual é o mais escuro. Criar uma escala de branco puro a preto puro é realmente fácil. Se você está usando um lápis, você apenas empurra progressivamente um pouco mais forte. Se estiver misturando tinta, basta adicionar um pouco mais branco ou um pouco mais preto em quantidades consistentes até passar de uma extremidade da escala para a outra. Se você estiver fazendo isso digitalmente, basta mover em incrementos iguais para baixo deste lado do seletor de cores até passar do branco para o preto. No entanto, isso não é tão fácil de fazer com a cor. Em teoria, isso significaria mover-se pela metade superior em incrementos pares para ir para o intervalo médio e, em seguida, para baixo deste lado e até mesmo incrementos para chegar ao preto. Vamos ver o que acontece quando tentamos isso. Mas vamos ver o que acontece quando eu dessaturar isso. Podemos ver, é claro ver que esta parte superior não corresponde aqui. A cor amarela é naturalmente muito mais leve em valor. Então essas cores na metade superior deste seletor de cores são muito, muito mais brilhantes, então precisamos passar por elas muito mais rápido. Precisamos ir muito mais longe quando estamos preenchendo nossa escala de valor. Vá um pouco mais leve, vá muito mais rápido. Agora, vamos dessaturar isto e ver se está um pouco mais perto. Eu só vou arrastar esta escala para mais perto nossa escala original preto e branco para que seja mais fácil de comparar. Isso está muito mais perto de uma escala de cinza real. Você pode ver que ficamos muito mais escuros com o amarelo muito mais rápido. Então, a melhor maneira de treinar seus olhos para ver como são as cores escuras ou claras é criar escalas e compará-las com uma escala em preto e branco. Eu forneci algumas escalas que você pode baixá-lo e usar para sua própria prática. Você pode encontrá-los na guia Recursos se estiver usando a versão do site do compartilhamento de habilidades. Outra ótima maneira de praticar usando uma boa gama de valor em sua arte é fazer estudos monocromáticos. Inktober é uma grande chance de praticar isso. Inktober é um evento anual que acontece em outubro. As pessoas fazem muitos desenhos em preto e branco, e você nem precisa fazer isso em preto e branco. Você também pode fazer esses estudos em uma única cor. Então você pode fazer todos os tons de azul, todos os diferentes tons de azul ou todos os diferentes tons de rosa ou todos os diferentes tons de roxo. Ponto é usando apenas uma cor, você não precisa prestar atenção para certificar-se de que suas cores correspondem, e você pode se concentrar em certificar-se de que você obtenha um bom intervalo de valor. 5. Corrija suas cores: 5 erros mais comuns ao usar cores: Há vários erros de cor muito comuns que artistas cometem. Até eu me pego fazendo o alambique. Se você achar que a cor em sua peça simplesmente não está funcionando, veja se você está experimentando um desses obstáculos comuns. Usando muitas cores. A menos que você esteja desenhando arco-íris, as peças mais atraentes têm uma paleta de cores limitada e usam apenas algumas cores. Eu sei que você provavelmente não quer ouvir essa. Este é difícil porque eu amo cores e eu quero usar todos eles. Mas acredite em mim, se você olhar em volta para alguns de seus artistas favoritos, eles provavelmente usam uma paleta de cores limitada e suas peças individuais também. Eu não estou dizendo que você não pode usar todas as cores, só estou dizendo que você não pode usar todas as cores em uma peça, a menos que seja um arco-íris. Eu costumo trabalhar com três ou quatro cores principais, além de um preto e branco. Agora, eu vou usar versões mais claras e escuras dessas três ou quatro cores principais para que eu possa criar sombras e realces e alguma variação na peça. Eu não conto essas cores como cores adicionais, mas raramente, eu uso mais do que essas quatro cores principais, preto e branco. A exceção são peças que são feitas de arco-íris. Vejamos um exemplo. Nesta peça, eu usei azul, um verde escuro, laranja, e depois um pop de um verde-liny amarelo. A cor principal é azul e eu não tenho apenas preso a uma versão do azul. Tenho um azul profundo na porta, mas na parede há um azul mais claro. A cor mais escura, minha versão de preto, Eu decidi fazer uma versão de preto usando o azul, vez que essa é a cor principal. Agora, você também vai notar se você olhar para a planta no canto inferior direito, que o verde escuro é, novamente, há uma cor sólida principal de verde, mas também há destaques de uma versão mais escura desse verde. O mesmo se aplica à laranja. Há versões mais escuras do laranja na parte de trás dos vasos, uma versão principal de laranja como a cor principal, e então há uma versão mais clara de laranja para criar destaques nos vasos. Aquele verde limy, que quase parece amarelo quando é desenhado em cima da planta no canto direito, que é usado como um sotaque. Ele aparece para fora. Essas são as minhas quatro cores principais, mas eu também me certifiquei de incluir um preto escuro, que é novamente é que o azul escuro, e também versões de cinza e branco. Agora, eu poderia ter feito o close up um monte de cores diferentes, mas para amarrar tudo, eu decidi usar as quatro cores principais que eu já estava usando e não criar muito mais unidade nesta peça. Se uma peça estiver sendo caótica ou esmagadora, tentarei emparelhar minha paleta de cores e isso quase sempre traz mais unidade à minha arte. Em caso de dúvida, menos como mais, você pode adicionar lentamente mais cor a gosto. É o mesmo com cozinhar. Você não quer sobrecarregar seu prato com um monte de especiarias aleatórias. Você quer que as especiarias se elogiem. Você sempre pode adicionar um pouco mais de tempero, ou, no nosso caso, cor, se as coisas estão se sentindo sem corte. Mas você não quer jogar tudo no começo, porque é muito mais difícil dizer o que está acontecendo. Que cor está em conflito com o quê. É muito mais difícil consertá-lo quando não se sabe o que está acontecendo. Usando muitas cores saturadas. Cores altamente saturadas são lindas e eu as amei. Mas fazer todas as cores da sua arte altamente saturadas, é como comer um buffet inteiro de sobremesa. Parece uma ótima ideia, mas pode deixar você não se sentindo bem. Muitas cores saturadas é como estar no Time Square com todos os banners piscando em todos os lugares. Tudo está tentando chamar sua atenção e você não sabe onde procurar. Peças excessivamente saturadas tendem a parecer um pouco infantil, desenhos animados e às vezes amadoras. A menos que seja um olhar infantil ou cartoony, você quer suavizar com uma saturação. Use saturação para algumas das cores e não em toda a peça. Vamos ver como usar uma gama de saturação pode ajudar esta peça. Agora, tudo está muito saturado, e quase dói seus olhos para olhar. Mesmo diminuindo a saturação do solo, ele já preenche muito melhor. Se dessaturarmos as folhas nas árvores, ela começa a ficar um pouco mais pacífica, e então nos movemos para a presença nas costas do camelo, mudando o rosa do presente de baixo, bem como os de cima. Finalmente, vai dessaturar os marrons neutros e as borlas em torno do pescoço camelos. Usando uma gama de saturação, melhoramos muito esta peça. Não usando contraste e valores suficientes. Muitos artistas iniciantes começam a se retirar com lápis e papel. Eles deveriam querer desenhar ultimamente porque, bem, é difícil apagar linhas escuras se você cometer um erro. Como iniciante, você só pode não ter a confiança de fazer um linhas e formas realmente escuras porque pode ser assustador para se comprometer com uma forma, mas isso significa que é difícil ver o que é o desenho a menos que você esteja realmente perto dele. Como você estaria se estivesse se desenhando bem perto da tela. Isso faz sentido. Mas o contraste é vital importância se você quiser que seu trabalho seja visto no mundo real. Se estiver online, o contraste vai agarrar a sua atenção na versão de uma miniatura. Alguém vai clicar nessa miniatura para vê-la maior. Se você estiver em um museu, você será atraído para uma peça do outro lado da sala. Você vai querer que ele tenha contraste, e se você for atraído por essa peça, você vai caminhar mais perto dela. Se a sua peça parecer plana, tente tornar algumas das áreas mais escuras ainda mais escuras, ou as áreas mais claras ainda mais claras. Eu sempre me esforço para ter uma cor quase preta ou preta nas minhas peças e uma quase branca ou muito próxima do branco. Não considerando o fundo desde o início, sou constantemente a favor de conseguir isto. É um erro especialmente fácil de cometer se você estiver trabalhando digitalmente. Cores e contraste são completamente afetados por seus arredores. A cor de fundo mudará tudo sobre a forma como suas cores estão lendo. Se você começar com um fundo branco e no final, decidir talvez um fundo azul seria bom nesta peça, você pode ter um despertar rude quando você descobrir que os temas de sua pintura se misturam com o fundo, ou pior, o equilíbrio de todas as suas cores não funciona mais. Considerando a cor do seu plano de fundo, irá salvá-lo de ter que ajustar e recolorir um lugar inteiro. Por favor, aprenda com os meus erros. Considere a cor de fundo no início. Ser muito literal com cor. Em primeiro lugar, a ilustração é uma versão estilizada da realidade, se as cores em sua paleta coincidirem, menos, provavelmente não vai se importar se os objetos são, não são literalmente a cor que deveriam ser. Por exemplo, as pernas de flamingo não são uma marinha profunda. Seu apelo pêssego, mas eu pensei que esta cor traria mais contraste e olhar melhor nesta peça. Unicórnios não são reais, então não importa de que cor são. Mas e os galhos ao redor dessas flores? Na vida real, isso seria verde ou marrom. Mas isso combina com a paleta de cores, então não importa. Pense primeiro na paleta de cores que atrai você, e em vez de se sentir preso pelo que as cores devem ser, se quisermos realismo, tiramos uma foto, não desenhamos uma imagem. Mesmo assim, as fotos geralmente são corrigidas por cores para torná-las mais atraentes e até filmes. filmes usavam a classificação de cores, mudam a forma como as cores do filme, as imagens ficam, e usam luzes coloridas para melhorar o humor. Até os filmes não são coloridos de forma realista. Se você não está indo para a arte estilizada, mas você se importa mais com o realismo, você não quer confiar apenas na sua memória do que é uma cor. A cor nem sempre é o que pensamos que é. É altamente afetado pelas cores que estão ao seu redor, e pela cor da luz que está refletindo fora do assunto. Você realmente quer prestar atenção às suas fotos de referência se você está indo para realismo e não confiar apenas no que seu cérebro assume a cor. Usar cores na arte, é como combinar sua roupa ou decorar uma sala. Você provavelmente tem mais experiência combinando boas cores juntas do que imagina. Você pode fazer isso. 6. Sombreado com cores: Quero falar sobre cor e sombreamento. A tendência quando estamos criando sombreamento é apenas criar uma versão mais escura da cor que estamos desenhando para criar o sombreamento. Digamos, por exemplo, que eu vou criar um tom de pele que seja essa cor. É um bom tom de PG. Mas a tendência pode ser querer descer um pouco e torná-lo mais escuro e dizer, que poderia ser uma versão agradável de sombreamento e se eu quiser fazer algo um pouco mais escuro do que isso, talvez eu fique escuro assim. Em teoria, essas cores, este tom claro, médio e mais escuro, que poderia fazer algum tom de pele agradável em teoria. Bem, vamos ver como é na prática. Isso é o que essas cores de tom de pele seriam semelhantes se você usá-los em sua ilustração real e eles parecem terríveis. Eles são escuros e cinza e sujos em oposição a esta versão de tons de pele. Por que esse parece tão melhor? Porque estes são, na verdade, muito mais saturados. O que nós fizemos antes foi apenas sair deste tom de pele aqui e nós apenas descemos e apenas tornamos mais escuro e em vez disso, o que está acontecendo aqui, se eu deixar cair esta primeira cor, você vai notar que está aqui em cima e é leveza média e dessaturado mas parece agradável e agradável e se eu agarrar e cair aqui, o que acontece é que ficamos muito mais saturados com a nossa cor de sombra e também, eu quero que você perceba que na verdade também mudou muito ligeiramente na tonalidade, então nós estamos na verdade vai um pouco mais vermelho. Agora, um ótimo atalho para isso, se você estiver usando arte digital é usar um modo de mesclagem. Como por exemplo, esse sombreamento foi realmente criado com um modo de mesclagem, então isso está em multiplicar. Agora, você não pode usar um modo de mesclagem se estiver realmente pintando. Mas se você estiver desenhando com ferramentas digitais, você pode usar isso. Este é apenas um modo de mistura. Se eu ligar totalmente e para o normal, é na verdade sobre a mesma cor que o tom de pele base, mas multiplicar, aprofunda e escurece essa cor. É um atalho agradável e fácil, mas nem sempre uso modos de mesclagem na minha arte. Digamos que eu não vou usar uma máscara de mistura e eu quero fazer esse sombreamento manualmente à mão. O que eu vou fazer, eu tenho este belo tom marrom rico, eu vou marcá-lo bem ali. Este belo e rico tom marrom já está bastante saturado, certamente mais saturado do que o nosso tom de pêssego era e é um pouco mais escuro e também é como um tom vermelho-alaranjado bem aqui. O que eu não quero fazer é ficar mais escuro assim. Eu não quero apenas mover o slide escuro. O que eu quero fazer é ficar mais saturado. Vamos ver que cor é essa. Se eu deixar cair isso. Olhe para isso. É muito mais saturado e você pode ver a diferença do nosso tom de pele original para o nosso tom de pele sombra, muito mais saturado e mais escuro também. Aqui está o nível de escuridão do tom de pele base, e aqui está o nível de escuridão do tom de pele de sombra. É um pouco mais escuro, mas é muito mais saturado. É assim que eu pensaria em saturar e dessaturar minhas sombras. Eu não pensaria em ficar mais escuro. Eu também pensaria em ir mais saturado e também muitas vezes ele realmente ajuda também para mudar sua tonalidade também. Essa é outra técnica. Você não tem que ficar apenas com a tonalidade, este você laranja aqui, você poderia ficar ainda mais escuro no lado vermelho ou você poderia ir ainda mais claro no lado amarelo para os destaques também. Estas são coisas para pensar quando você está sombreando e destacando com cores. 7. Sorteio: ganhe um ano de Skillshare: Para comemorar o lançamento desta aula, vou dar um sorteio. Vou dar um ano de Skillshare. Para entrar, tudo que você precisa fazer é postar um projeto nesta classe. Seu projeto pode ser qualquer um dos exercícios desta aula. Pode ser seus esboços de cores de diferentes harmonias de cores. Pode ser a foto dos objetos domésticos dispostos na roda de cores. Pode ser sua paleta de cores favorita. Pode ser uma obra de arte que você já fez, que você adora as cores. Pode ser o que você quiser. Você só precisa postar um projeto. O prazo para entrar é 14 de julho de 2020. O vencedor será escolhido aleatoriamente, e eu vou anunciar o vencedor na aba de discussão desta classe. Se você tem um amigo que também gostaria de participar do sorteio, você pode compartilhar dois meses de Skillshare grátis com ele para que ele também possa adicionar um projeto e ser incluído no sorteio. Há um link para dois meses grátis na descrição desta classe. Estou muito animada para ver seus projetos. 8. Temperatura das cores: A roda de cores pode ser dividida em temperaturas; há as cores quentes e as cores frias. As cores quentes são os vermelhos, as laranjas e os amarelos; enquanto as cores frias são os azuis, verdes e roxos. Podemos obter alguns pares bonitos e grande contraste quando combinamos cores quentes e frias juntos. As cores legais tendem a afundar no fundo, e as cores quentes tendem a aparecer para a frente. Há uma coisa chamada neblina atmosférica. Se você já esteve em uma montanha ou em uma vista alta com vista para a cidade, você já testemunhou isso. Quando você olha para a distância, as coisas ficam um pouco mais nebulosas, um pouco mais suaves. Eles não são tão nítidos e afiados, e eles tendem a ser um pouco no espectro de cores mais frio. Eles tendem a ser um pouco no lado azulado, púrpura, especialmente quanto mais longe você olhar. Se você viu um caminho de montanha, bem longe na distância, você realmente vai notar isso. A temperatura das cores também pode afetar o humor de uma peça. Os designers de interiores costumam usar cores mais quentes como amarelo e vermelho para fazer um espaço se sentir mais aconchegante. Eles usarão cores mais frias, como o azul, para fazer um espaço parecer mais espaçoso ou calmante. Agora, há um par de cores, verde e roxo. Então eles estão à beira do calor e frio. Olhando para a roda de cores, lá na borda das cores quentes e frias. Muitas pessoas dirão que algumas versões do verde são realmente quentes, e algumas versões do verde são realmente legais. O mesmo pode ser dito sobre o roxo. Há muito espaço para a subjetividade em teorias de cores. Não há regras rígidas e rápidas que sejam sempre 100% verdadeiras. 9. Sentimentos, emoções e significados das cores: cor é uma das melhores ferramentas que o artista tem evocar uma emoção ou um humor com apenas um olhar. Muitos dos sentimentos que associamos às cores são tão inconscientes para nós que é quase inconsciente. Você provavelmente vai dizer, “Oh, duh”, quando eu colocar um par desses. Mas como artistas, a cor é outra ferramenta. Quanto mais você entender as ferramentas que você tem que usar, melhor você pode usá-las para fazer boa arte. Especialmente se o objetivo da sua arte é evocar uma emoção específica. É importante notar que a roda de cores é dividida em temperaturas; quente e frio. Vermelho, amarelo, laranja, esses são o lado quente da roda de cores. Estas cores para mim evocam fogo e sol e dias brilhantes e felizes. Cores legais, e estes seriam seus azuis, verdes e roxos, essas cores são muitas vezes associadas com coisas que são legais e calmas, como água e florestas e noite. As cores quentes são muitas vezes consideradas cores de alta energia, de alta emoção, são cores muito ativas. Isso pode ser emoções felizes ou emoções violentas, como cenas de sangue e guerra costumam ser usadas com cores quentes. Cores legais, por outro lado, muitas vezes podem ser consideradas cores lentas e de baixa energia. São cores pouco emocionais. Quando nos sentimos deprimidos, dizemos que estamos tristes. Vamos pensar no vermelho. O vermelho é frequentemente usado como algo que usamos para paixão e amor, mas também pode ser usado para transmitir poder e violência. É uma cor muito poderosa. Laranja é muitas vezes vista como quente, ardente e feliz. Vemos muita laranja por volta dos tempos de outono. Muitas fotos antigas estão em sépia, que é uma cor laranja-acastanhada. Por essa razão, laranja também pode criar uma sensação de nostalgia. Amarelo é primavera e uma cor feliz. É muito positivo, mas também pode ser um sinal de alerta. Pense nos sinais de trânsito. Amarelo é uma cor de aviso. Amarelo era uma cor brilhante e altamente enérgica, e o humor do amarelo é alto, entusiasmado, é muito atraente. Verde é a cor da natureza. É tranquilo, relaxante, mas também pode ser usado, especialmente em desenhos animados. Pode ser usado para significar algo maligno, tóxico ou alienígena. Agora, azul é legal, calmante, muito lento, mas também pode ser frio ou triste. Você pode ver um tom azul em filmes de terror. Azul pode sentir um pouco sinistro, um pouco no lado escuro. Pode ser muito frio. Roxo é frequentemente associado a algo rico ou real. Roxo é muitas vezes associado a algo misterioso ou algo luxuoso. O rosa é muitas vezes visto como feminino ou jovem, e talvez até inocente. Branco é muito sobre pureza e limpeza. Mas isso também pode ser visto como estéril. Dependendo de como você usa branco, ele pode ser muito limpo e moderno, ou pode ser frio e isolante, como um hospital estéril. O preto é freqüentemente usado como uma cor muito clássica e sofisticada. A Apple até usa o preto para criar uma sensação de vibração high-end em seu marketing e até mesmo em seus produtos. Tenha em mente que mesmo usando uma dessas cores em apenas uma parte de sua arte pode criar esse sentimento nessa parte da arte. Você não precisa estar fazendo uma peça uma cor inteira para criar essa vibração ou esse humor dessa cor. Agora, é importante notar que muitas associações de cores são culturais, e as cores podem ter significados muito diferentes em diferentes culturas. Por exemplo, na China, a cor vermelha tem um significado diferente do que nos EUA. Red tem laços com a boa sorte e muitos outros sentimentos positivos que não entendemos intuitivamente nos EUA porque não está ligado à nossa cultura ou celebrações. Assim como as decorações vermelhas, brancas e azuis que vemos no dia 4 de julho não terão o mesmo significado patriótico para alguém cujo país não tem uma bandeira vermelha, branca e azul. 10. Faça suas cores se destacarem/atraírem o olhar das pessoas: Outra maneira super legal que a cor é útil é direcionar os olhos das pessoas. Você pode dizer às pessoas qual é a parte mais importante ou interessante da sua arte usando a cor. Agora, há três maneiras principais que podemos usar para fazer isso, mas eles são todos baseados no mesmo princípio. Quando há uma área que é distintamente diferente do resto da peça, nossos olhos saltam naturalmente para lá. Nosso cérebro diz: “Ei, isso se destaca, isso é diferente. Preciso prestar atenção a isso.” Você pode fazer isso usando uma tonalidade diferente do resto da composição. Neste exemplo, a menina se destaca porque seu vestido vermelho se destaca. Isso é porque, um, não há outro vermelho em seu entorno, mas também, dois, porque vermelho e verde são cores complementares. O vermelho aparece ainda mais, uma vez que está rodeado de verde. Você também pode fazer isso usando uma área de saturação mais forte do que o resto da peça. Por exemplo, o vermelho deste vestido é muito mais perceptível do que o resto desta pintura. Quanto mais saturadas as cores, mais provável é que olhemos para essas cores. Você pode querer usar cores saturadas para as partes mais importantes do seu desenho. Minha maneira favorita é colocá-los em uma área de maior contraste de valor no lugar que eu quero que as pessoas olhem primeiro. Isso seria colocar a área com as cores mais escuras e claras bem ao lado da outra. É por isso que os olhos desenhados são tão cativantes. Eles têm uma área de preto escuro e , em seguida, muitas vezes eles têm um destaque branco sobre eles. Esse contraste de realmente escuro e realmente claro é muito atraente. Nesta peça, o seu olho é provavelmente atraído para a porta no centro porque há estas linhas muito escuras, o azul escuro, mesmo ao lado do contorno branco, e essa é a área de maior contraste. Então seu olho provavelmente vai saltar em torno da pintura porque eu adicionei na planta no canto direito, há uma área de azul realmente escuro na base da planta, e então seu olho apenas salta ao redor e ao redor. Realmente bom uso do contraste, especialmente em valor, levará seu olho através de uma pintura. 11. Harmonias de cores: receitas para paletas de cores: Harmonias de cores são uma ótima ferramenta para escolher cores diferentes que ficarão bem juntas. Para ajudar a entender as harmonias de cores, quero que você crie quatro esboços de cores. Agora, o objetivo desses esboços não é ser limpo e limpo e arrumado com sua cor, é experimentar essas diferentes harmonias de cores para que você possa entendê-las melhor. Tudo bem se seus esboços são muito bagunçados. Você nem precisa ter um esboço muito bom e limpo. Isso é bom. Você não precisa se preocupar em obter o sombreamento ou realçar isso também. A primeira harmonia de cores é monocromática. esquemas de cores monocromáticas são fáceis. Eles são apenas uma única tonalidade em toda a sua gama de valores, então eles podem ir todo o caminho para preto para branco, e toda a gama de cores dentro disso. É incrível o que você pode fazer com uma única cor. Na verdade, esta é uma ótima maneira de você se forçar a praticar sua faixa de valor. Peças monocromáticas podem parecer muito, muito bonitas. Harmonias de cores análogas são cores que estão em ordem natural do arco-íris. Estas são as cores que estão próximas umas das outras na roda de cores. Eles fazem paletas de cores muito bonitas, fáceis e eficazes. Muitas vezes vemos essas paletas de cores na natureza. Como se você estiver em uma floresta, você provavelmente não vai ver um tom de verde, mas você provavelmente vai ver um monte inteiro de talvez como um claro pálido, quase amarelo-verde para um profundo quase azul-verde. Uma maneira divertida de usar isso é escolher uma cor dominante e, em seguida, uma cor de suporte e uma cor de acento. Para mim, essa cor dominante muitas vezes acaba como a cor de fundo, só porque o fundo ocupa tanta propriedade real de uma peça. Cor complementar ou harmonias são provavelmente a cor mais importante da harmonia. Pelo menos eu os uso o tempo todo. Portanto, as cores complementares estão opostas umas às outras na roda de cores. Esses pares de cores têm um contraste muito alto e podem ser muito atraentes, tanto que se você usá-los em partes iguais, a mesma saturação, eles vão colidir. A regra para cores complementares é que você deseja usar uma para destacar a outra. Você não quer usá-los em relação a 50-50. Você quer usar um como a cor principal e o outro como a cor de acento. As marcas usam cores complementares para chamar sua atenção. Eles os usam muito em logotipos, mas geralmente usam um como um sotaque, então eles ainda não estão usando meio a meio. Eles provavelmente usarão 75 por cento azul e 25 por cento amarelo, ou talvez eles vão jogar com valor, de modo que uma das cores será mais brilhante e outra será mais escura. Nossos cérebros são voltados para detectar diferenças, então a cor que agarra seus olhos pode facilmente ser a que está em minoria. O que é diferente de tudo o resto se destaca. Se você estiver fazendo uma peça que é dominantemente de uma cor, a cor do acento provavelmente chamará sua atenção. Então, na sua arte, qual é a parte mais importante para a qual você quer que seu olho vá? Pode fazer disso uma cor de sotaque? Quando estou fazendo um esquema de cores, e eu só quero adicionar um pouco de variedade ou um pouco de pop, eu vou adicionar a cor complementar. Eu não sou um defensor sobre a cor ser exatamente oposta na roda de cores. Se estou trabalhando com azul e amarelo, não preciso que o amarelo seja exatamente oposto ao azul. Gosto de brincar com uns amarelos diferentes. Eu gosto de um amarelo que é um pouco mais do lado limy? Ou eu gosto de um pouco mais de um amarelo quente? Eu só brinco e vejo como gosto desses amarelos diferentes comparados com aquele azul. As cores são fluidas na roda de cores, elas se movem muito sutilmente de uma para a outra, e todos nós vemos a cor um pouco diferente também. Eu gosto de considerar essas harmonias de cores como pontos de partida, não receitas precisas que você tem que manter, não importa o que. As cores complementares divididas são semelhantes às cores complementares, mas em vez de usar a cor que é exatamente oposta na roda de cores, elas vão para a cor oposta e dividem-se em ambos os lados. Eu uso muito este grânulo de cor. Bem, eu faço. Eu dobro as regras um pouco, então às vezes eu vou usar a cor real complementar, e então outra cor ao lado dela, como nesta floricultura, o azul e o amarelo são realmente cores opostas. Então usei um vermelho também. Ou às vezes eu vou usar duas cores bem ao lado da outra, e a cor complementar oposta a essa, como o laranja e o azul neste exemplo. Cor tetradica, as harmonias, este é essencialmente dois conjuntos de cores complementares. Isso é um pouco mais avançado, mas você pega dois conjuntos de cores complementares. Neste exemplo, adicionei algumas amostras no centro dos círculos de cores para que você possa ver como essas cores realmente se transformam em valor, e elas realmente acabam como essas cores na roda de cores, porque eu Acho que olhando para este rosa pálido e este roxo azulado pálido, não é óbvio onde eles se sentam na roda de cores. Mas neste caso, temos o laranja e o azul, e o vermelho e o ciano. Esses dois são cores opostas. Então eu uso um azul extra para adicionar um pouco mais de variedade também. Eu me encontro usando isso involuntariamente em vez de começar e dizer: “Eu vou usar uma harmonia de cores tetradica, então, se vale alguma coisa. Mas todas as regras devem ser quebradas e essas não são as únicas maneiras que as cores ficam bem juntas. Se estou sendo completamente honesto com você, raramente começo pensando : “Que harmonia de cores devo usar? Em vez disso, costumo começar com uma paleta de cores que acho visualmente atraente. Então, quando eu começar a aplicá-lo ao meu esboço, vou perceber que eu quero ajustar ligeiramente a cor. Nesse ponto, é quando vou me referir a essas harmonias de cores. Quando as coisas não estão funcionando bem com minhas cores escolhidas, eu vou me referir a elas e ver se eu não posso usar alguns desses padrões seguros para ajustar o que eu já tenho. Digo tudo isso porque se quiser seguir seu instinto, vá com seu instinto. Mas muitas vezes fico surpreso ao descobrir que as cores que eu escolho são muitas vezes involuntariamente próximas a uma dessas harmonias de cores. Enquanto você trabalha em seus esboços de cores, eu quero que você se lembre de sempre incluir cores neutras. Você deseja incluir um pouco de branco claro, algum preto escuro, e que pode ser a versão mais leve de uma das cores em sua paleta de cores, e a versão mais escura de uma das cores em sua paleta de cores. Não use apenas cores totalmente saturadas nessas harmonias de cores. Você deseja usar um intervalo de valores e um intervalo de saturações. Carregue seus esboços coloridos para a classe navegando até a guia Projetos e Recurso e clicando na guia Criar projeto. Se você já criou um projeto, você pode editá-lo e atualizá-lo com seus esboços coloridos. Você pode adicionar um título ao seu projeto, nos contar um pouco sobre ele e fazer upload de uma foto dentro do projeto. A foto da capa será a imagem que representa seu projeto, então certifique-se de carregar um projeto de capa e também uma imagem em seu projeto. Você deve fazer isso a partir da versão do site do Skillshare. partir desta gravação, você não será capaz de carregar imagens ou projetos no aplicativo Skillshare, portanto, certifique-se de que você usa uma versão do site. 12. Como criar suas PRÓPRIAS paletas de cores: Na última lição, eu te disse, eu geralmente não começo com as harmonias de cores tradicionais. Você provavelmente está se perguntando, bem, então como Brooke faz suas paletas de cores? Aqui está o grande segredo. Eu olho para coisas que eu acho bonitas, e eu faço paletes de cores a partir delas. Procuro inspiração em todos os lugares. Eu salvar o nosso, Eu amo a placas Pinterest. Eu tiro fotos de coisas que eu acho que são bonitas e criar paletes de cores a partir deles. Eu também faço pesquisa de cores de tendência com cores. Muitos dos meus clientes trabalham no mercado infantil, então eu tento me manter atualizado com as tendências nos mercados infantis. EmilyKitty é um ótimo recurso para o que está em tendência no vestuário infantil. Luis of Love Print Studio faz as mais lindas placas de humor e eu acho que meu gosto de cor e seus gostos de cor são muito semelhantes. Eu olho para um monte de design de interiores moderno Beau ho inspirado, e eu uso cores inspiradas a partir daí. Há muitos outros recursos baseados em tendências que você pode usar. Etsy é um grande mercado criativo. Pantone tem a cor do ano. WGSN faz relatórios de tendências muito caros, mas eles são muito bem pesquisados. Quando estou fazendo compras, às vezes vou entrar na seção de roupas do garoto ou na seção do cartão e eu vou olhar para o que as cores estão tendências nessas áreas e o que está nesses mercados. O ponto principal é que, para mim, pesquisa de cores é muito divertida e não se limita a uma fonte. Bem, estou sempre de olho em novas paletas de cores. A verdade é que tenho um monte de paletas de cores para as quais volto uma e outra vez. Você provavelmente já notou que alguns de seus artistas favoritos, eles tendem a usar os mesmos esquemas de cores em sua arte uma e outra vez. Isso é realmente fácil de ver no Instagram, onde algumas pessoas têm feeds incrivelmente curados. Para mim, é muito fácil começar com uma paleta de cores que eu já usei que funciona muito bem e usá-lo de uma maneira nova. Uma maneira que eu vou usar a mesma paleta de cores, mas tenho o que se sente como um resultado completamente diferente é que uma cor será a cor principal e as outras serão cores de acento. Mas em uma nova obra de arte, vou usar a mesma paleta de cores, mas em vez disso escolher uma cor diferente para ser a cor principal, enquanto o resto das cores são peças de acento. Em termos práticos, aqui está como eu faria isso, se eu tiver uma foto de algo que eu acho que é realmente bonito e tem uma ótima paleta de cores, eu vou colocar isso no procreate, e eu vou usar a ferramenta de conta-gotas para criar meu própria paleta de cores. Para aqueles que não trabalham digitalmente e não usam o procreate, Canvas tem outra ótima ferramenta para isso. Você pode carregar uma foto e ela criará automaticamente a paleta de cores para você. Eles também têm algumas grandes paletes de cores pré-fabricadas, que são divertidas de explorar também. Eu costumo ajustar a cor um pouco do que estou deixando cair os olhos. Muitas vezes vou torná-lo um pouco mais ou menos dessaturado. Normalmente, numa peça só escolho uma ou duas cores para ficar completamente saturada, e normalmente não decido qual delas ficará completamente saturada até que esteja perto de terminar a paz. Embora eu escolha minhas cores reais, meus hughes reais no início da paz, eu normalmente não escolho meus valores até que eu realmente estou aplicando isso para a ilustração. Eu decidirei, hey, quão escura deve ser essa cor, quando eu souber que parte da pintura ou da ilustração que eu quero colocar? Eu não estou decidindo quão clara ou escura minhas cores serão quando eu estiver criando a paleta de cores. Agora, eu sempre tenho alguma versão de preto e branco nas minhas paletas de cores. Normalmente esse preto não é realmente preto, mas é uma versão muito escura de uma das cores que eu já estou usando no meu paladar. O mesmo é verdade com o branco. Pode ser realmente um rosa pálido ou amarelo, mas está perto de branco. Ter uma cor muito escura e muito clara na minha peça realmente dá a chance de agarrar o olho de alguém. Como estou trabalhando na peça, muitas vezes mudo minha paleta de cores. Minha paleta de cores não está definida em pedra. Você não tem que acertar suas cores na primeira vez que tentar, eu raramente faço. Você provavelmente já tem cores que são favoritas para você. Você provavelmente é melhor nisso do que já imagina. Pense em sua roupa favorita, há uma paleta de cores que você sempre vai, ou seu próprio quarto, ou sua vida de sonho, seu espaço de sonhos, quais são as paletes de cores lá? 13. Essa não é a cor que você acha que é: como as cores enganam os olhos: A cor é extremamente subjetiva porque não vemos cor com os olhos. Nós o vemos com nossos cérebros, e nosso cérebro interpreta tudo ao nosso redor e então nos dá uma avaliação instantânea do que ele pensa que é a cor. Para que nossos cérebros não vejam a cor por si só. Interpretamos a cor por todas as coisas que a rodeiam e as condições de iluminação desse objeto. Vamos ver este tabuleiro de xadrez. Como você compararia um quadrado A e um quadrado B? Acreditaria se eu dissesse que eles são exatamente da mesma cor? Meu cérebro está convencido de que B é muito mais leve que A, mas não é. Vou traçar uma linha conectando-os porque meu cérebro não verá até que eu tenha essa linha conectando-os. Por causa dos quadrados ao redor da telha B, e o fato de que este tubo parece que está lançando uma sombra, é isso que faz com que este quadrado pareça muito diferente. À medida que você trabalha com suas próprias paletes de cores, você pode achar que o que fica bem em um fundo branco ou como apenas na paleta antes de entrar em sua peça, pode parecer completamente diferente quando você começar a combinar essas cores. As chances são que você vai precisar ajustar para fazer sua paleta de cores funcionar em conjunto e isso é totalmente bom, e isso é normal. Você deve esperar isso. Nossos cérebros não pegam a mesma informação e presumem que algo é da mesma cor. Talvez te lembres deste vestido. Algumas pessoas dizem que é azul e preto, e outras dizem que é branco e dourado. Eu vejo branco e dourado, embora o vestido real acabou por ser azul e preto. A razão pela qual eu gosto que muitos de vocês percebam que isso é branco e dourado é por causa de seus arredores. Isso é porque meu cérebro acha que este vestido é iluminado pela luz do dia. Se você vê como preto e azul, seu cérebro provavelmente pensa que isso é iluminado por luz artificial interior. Você pode ter visto esta pintura de Seurat. Este estilo de pintura é chamado de pointillismo, e o pointillismo é um truque incrível do olho. De longe, parece que seções inteiras de cor sólida, mas quando olhamos bem de perto, nosso cérebro está mexendo todos esses pequenos pontos em uma cor, mas na verdade há muita variação na cor aqui. Quando você usa cores complementares em pequenas quantidades, elas podem criar a ilusão óptica de uma cor ser um pouco mais escura. Por exemplo, de perto, o casaco desta mulher é feito de um amarelo com alguns pontos desta cor azul. Ao diminuir o zoom, já não parece que são pontos azuis. Na verdade, parece a versão mais escura do amarelo. Impressoras conseguiram aperfeiçoar esta técnica. Então, se eles são limitados por ter algumas cores selecionadas para imprimir, eles podem usar pequenos pontos para criar uma incrível variedade de cores. A laranja neste tigre só parece laranja porque estes pontos vermelhos e amarelos são espaçados na quantidade certa para criar a ilusão de laranja. 14. Impressão e digitalização: cores no mundo real: Se a sua arte acabar em um computador ou se você precisar enviá-la para uma impressora, provavelmente você vai querer saber sobre CMYK e RGB. CMYK é a forma como as cores são reproduzidas usando tinta, é como as cores são realmente impressas, enquanto RGB é a maneira como a cor é exibida usando luz, é a maneira como computadores, telefones e TVs exibem cores. Então, qual você deve usar quando estiver criando arte digital ou salvando seus escaneamentos de sua arte física? A resposta não é tão simples como eu gostaria que fosse, e você precisa entender o porquê antes de fazer a escolha certa para você. Vamos dar uma olhada neste gráfico. No mundo real, há uma quantidade incrível de cores, e há mais cor que podemos ver com nossos olhos humanos do que um computador ou tinta pode reproduzir. Então a maior parte deste gráfico representa a quantidade de cor que os humanos podem ver. O círculo maior aqui são as cores que o RGB pode exibir. Um RGB pode exibir muito mais cores do que o CMYK pode. Agora, você pode converter uma imagem RGB em uma imagem CMYK, porque quando você converte uma imagem em CMYK, ela simplesmente remove qualquer um desses valores RGB e os substitui pelo palpite mais próximo do computador de qual seria essa cor CMYK. Os resultados são muitas vezes decepcionantes, porque CMYK simplesmente não é tão vibrante. Ele não tem tantas cores disponíveis, e o problema é, você não pode pegar algo que você fez ou salvou em CMYK e depois convertê-lo em RGB, porque o computador não sabe quais cores você deseja alterar. É preciso um artista com um grande olho como você para fazer esse tipo de magia. No passado, as impressoras imprimiram obras de arte usando CMYK tradicional, e isso são apenas quatro tintas. CMYK significa ciano, magenta, amarelo e preto. É incrível o que eles foram capazes de fazer. Se você já olhou para jornais antigos de perto, você deve ter notado que algumas imagens eram feitas de pequenos pontos muito próximos. Assim como o pointillismo, esses pequenos pontos de quatro cores fizeram uma quantidade chocante de cores, e misturando essas tintas em diferentes proporções, eles poderiam produzir uma quantidade impressionante, mas não ilimitada de cores. No entanto, à medida que a tecnologia avançou, a impressão também tem. Agora, muitas impressoras usam mais do que apenas essas quatro cores. Alguns usam ciano leve junto com ciano. Não é incomum ter impressão de seis ou oito cores, em vez de quatro CMYK tradicionais. Existem técnicas de impressão especiais, como o uso de papel alumínio dourado ou impressão UV, que podem adicionar ainda mais cores que o CMYK tradicional nem sempre poderia. Assim, criando arte no espaço de cores CMYK tradicional, você está limitando as cores disponíveis para você mesmo no mundo da impressão moderno. Agora, há definitivamente exceções a isso, se você souber que seu trabalho será usado na impressão offset, que quase sempre significa que é CMYK tradicional, você pode querer começar seu trabalho em CMYK, mas offset impressão é quase sempre usado para trabalhos de impressão gigantes, eu acho que como centenas de milhares de folhetos, mas se sua arte vai ser impressa em pequenos lotes, digamos alguns 100, ou se você não sabe se sua arte vai ser impressa em tudo, bem, então as chances são que você provavelmente pode usar RGB com segurança. Muitas impressoras agora até mesmo solicitam arquivos em RGB, e eles fazem qualquer convergência necessária em seu lado. Na minha opinião, não faz sentido limitar suas cores prematuramente usando os antigos espaços de cores CMYK. Pelo menos é assim que eu me sinto, e eu sempre posso converter para CMYK e fazer quaisquer edições necessárias se eu precisar converter CMYK, especialmente considerando que muitas impressoras estão ficando muito mais habilidosas em expandir a gama que seu CMYK é impresso, impressoras tradicionais podem imprimir. Então você deve usar RGB ou CMYK em sua arte digital? Essa é uma escolha pessoal e se você nunca quiser lidar com a perda de cores convertendo para CMYK, então talvez você fique feliz se começar trabalhando em CMYK desde o início. Para vocês aquarelistas lá fora, você já teve a experiência de criar uma bela vibrante pintura em aquarela e depois ficou desapontado ao digitalizá-la em seu computador e descobrir que as cores simplesmente não são as mesmas? Culpe isso nas luzes do seu scanner. As luzes que seus scanners usam para capturar sua pintura podem não ser capazes capturar essas belas violetas ou roxas que suas tintas são capazes de fazer, outra razão pela qual a arte original é muito mais valiosa do que uma impressão. Você pode usar ferramentas como o Photoshop para aumentar a vibração e a saturação depois de digitalizar sua arte ou ignorar o scanner completamente. Conheço alguns artistas que tiveram grande sucesso no departamento de cores tirando fotos de suas pinturas. Claro, é mais difícil obter uma foto perfeitamente plana e certificar-se de que é de alta qualidade, e há alguns serviços caros de alta qualidade que podem fotografar e digitalizar sua arte para uma melhor precisão de cor. Mais um problema de cor que você deve estar ciente; sua arte será exibida um pouco diferente em cada tela e será impressa de forma diferente de cada impressora. Cada tela é calibrada de forma diferente, modo que exibem cores de forma diferente. A maneira mais fácil de ver isso, se você tiver um iPhone e conhecer alguém que tem um Android, abrir a mesma página do Instagram e comparar suas telas, você verá uma diferença significativa na maneira que esses dois dispositivos mostram cores, e isso é verdade em todos os dispositivos. TVs exibem cores de forma diferente das dos notebooks, e os notebooks variam de laptop para laptop. Você pode comprar um calibrador para o seu computador, e isso irá ajudá-lo a ter certeza de que sua tela está mostrando cores o mais fiel possível à vida, mas mesmo que você faça isso, isso não significa que todos os outros calibrando suas telas. Outra coisa louca é que as impressoras variam de impressora para impressora. Também não há consistência verdadeira entre eles. Trabalhei com uma impressora a jato de tinta que imprimiria a mesma obra de arte de forma diferente dependendo do dia, por quê? Bem, dias mais úmidos secariam as tintas mais rápido ou mais lento e isso mudaria ligeiramente a forma como essa cor acabou. Se você estiver trabalhando em um projeto que requer que você obtenha suas cores uma exata de 100%, você pode trabalhar com uma impressora profissional usando Pantone Colors. Pantone é uma empresa que trabalha para criar cores padronizadas em todo o mundo, para que possam combinar exatamente com a cor que você quer. Vai ser muito mais caro imprimir dessa forma, mas se você precisa absolutamente de controle sobre suas cores, essa é a melhor maneira de fazer isso que eu sei como. Então, na minha opinião, é útil entender essas coisas, mas perceba que você simplesmente não tem controle total da maneira como sua cor é exibida ou impressa, e isso vai ficar tudo bem. Se você usar uma boa combinação de cores para começar, sua arte ainda ficará boa, mesmo com essas variáveis malucas que estão fora do seu controle. Se o valor e o contraste entre as cores forem bons, a peça ainda ficará boa, mesmo que haja uma pequena diferença entre o que você fez e o que sua impressora imprimiu. 15. Notas finais: Se você achou esta aula útil, quero pedir-lhe um favor, deixe uma crítica positiva, um comentário ou um projeto. Sua interação com a classe realmente ajuda a subir nas classificações do Skillshare para que outras pessoas possam encontrá-la. Mesmo um simples obrigado pela aula nos comentários realmente faz uma grande diferença, e isso me faz sentir bem. Se você tem um amigo que mencionou que eles estão lutando com cores, sinta-se livre para mencionar sua classe para eles. Eu ocasionalmente compartilho o trabalho dos alunos no Instagram, e se você quiser que eu compartilhe seu projeto, compartilhá-lo no Instagram usando o sorteio de hashtag com Brooke e me etiquetar em playgrounds de papel. 16. Saiba mais: Procurando sua próxima aula? Tenho aulas de desenho, introdução ao Procreate, animação no Procreate, e até como ganhar a vida como artista. Você pode encontrar tudo isso no meu site ou no meu perfil Skillshare. Aprendizagem feliz.