Encontre seu estilo: um guia prático para desenvolver seu estilo de ilustração

1. Encontre seu estilo: um guia prático para desenvolver seu estilo de ilustração: Vamos encontrar seu estilo de ilustração único mais rápido. O conselho tradicional para encontrar o seu estilo como artista é, basta desenhar toneladas e toneladas e, eventualmente, o seu estilo irá surgir. Bem, você pode desenhar sem rumo uma tonelada de coisas e você acabará por cair em um estilo. Mas na minha experiência, prática intencional direcionada acelerou drasticamente o desenvolvimento do meu estilo visual. Meu nome é Brooke Glaser. Sou ilustrador profissional e professor de topo no Skillshare. Ajudei mais de 100 mil artistas como você elevar suas carreiras artísticas e criativas. Você pode encontrar minha arte em roupas infantis, cartões, revistas de embrulho, e muito mais. Nesta classe de estilo, vamos fazer projetos práticos para explorar diferentes formas de expressar visualmente formas, linhas, texturas, cores, todos esses elementos visuais que formam o que sua arte realmente se parece. Vamos aprender com artistas que você admira e encontrar maneiras de integrar o que você ama no seu trabalho, mas de uma forma única para você. Você terminará a aula com uma série de quatro ilustrações em seu novo estilo. Para aqueles de vocês que gostam de mim que sofrem de síndrome de objeto brilhante e estão sempre ansiosos para experimentar um novo estilo, vai examinar maneiras de trabalhar em vários estilos. Discutiremos consistência e confiança no seu trabalho. Falaremos sobre as lutas reais de comparação que todos enfrentamos como artistas e estratégias para lidar com isso. Este é um guia divertido e prático para encontrar seu estilo de ilustração. Vamos começar. 2. Resumo do curso: Meu parceiro, Dan tem aprendido a tocar guitarra e ele me contou uma história que eu acho que se relaciona perfeitamente com encontrar seu estilo como artista. Dan me disse quando começou a aprender guitarra que ele estava apenas fazendo macarrão. Noodling é quando você apenas brinca, sem rumo tocando em sua guitarra e não há nada de errado com macarrão. Faz parte das alegrias de tocar guitarra. Mas Dan me disse que o que ele achou mais útil para realmente aprender a tocar guitarra foi realmente aprender escalas ou fazer exercícios específicos que o ajudaram a esticar os dedos entre as notas, ou exercícios onde ele intencionalmente praticou mover as mãos rapidamente entre diferentes tribunais. Muitos dos conselhos de estilo que eu ouço são simplesmente: “Basta desenhar muito e você vai encontrar o seu estilo.” Isso é verdade. Você pode fazer macarrão e desenhar muito e você acabará por encontrar o seu estilo. Quero dizer, está lá e vai sair. Mas, alternativamente, você pode trabalhar intencionalmente no desenvolvimento de seu estilo, e as chances são que você vai fazer progresso muito mais rápido quando você é intencional sobre o desenvolvimento de seu estilo. Uma definição rápida aqui. O que é estilo? Estilo é a aparência da sua arte. A estilização é uma abstração da realidade. É o que você deixa de fora e o que você inclui em suas ilustrações. Por exemplo, você pode desenhar todos os detalhes de um olho ou pode simplificá-lo até um único ponto. Vamos nos concentrar fortemente nas coisas visuais externas que compõem o seu estilo nesta aula. Mas também é importante discutir que seu estilo artístico é muito mais do que apenas a aparência da sua arte, da mesma forma, que as roupas que você usa não encapsulam toda a vibração do seu estilo como pessoa, como um negócio estilo da pessoa é mais do que apenas o seu terno. É como falam ou as coisas que fazem. O que vamos fazer nesta aula? Esta classe será dividida em algumas seções diferentes. Primeiro, vamos aprender com artistas que admiramos, e então vamos mergulhar em uma série de explorações práticas de diferentes maneiras de representar forma, cor, linha, textura e forma. Então definiremos nosso próprio estilo visual único. Também falaremos sobre voz artística, lidar com comparação, trabalhar em vários estilos e consistência. Para quem é essa aula? Esta é uma classe intermediária. Se você é novo em desenho, eu recomendo que você confira algumas das minhas outras classes, como a minha forma de desenhar classe ou a minha aula de teoria de cores. Pode ser muito difícil encontrar seu estilo se você ainda estiver se acostumando a desenhar, se você estiver trabalhando com uma nova piscina ou meio, ou se você só fez um punhado de peças de arte. Você pode achar esta classe mais útil uma vez que você tem um pouco mais de experiência sob seu cinto. No entanto, todos nós observamos informações de maneiras diferentes. Você pode achar esta informação útil mesmo como um novo artista iniciante. Farei todas as minhas demonstrações em procriar, mas as ideias e princípios podem ser traduzidos para qualquer meio com que você trabalhe. Se você me ver fazendo algo em procriar e você está se perguntando, “Como diabos ela faz isso?” Eu recomendo conferir minha aula de Introdução ao Procreate, onde eu divido todas as ferramentas. Mas chega de preâmbulo. Vamos mergulhar. 3. Inspiração artística: Isto vai ser divertido. A fim de começar a desenvolver estilo de arte que precisamos identificar estilos de arte foram atraídos para. Vamos coletar um punhado de peças de cinco artistas diferentes que você admira. Você pode criar um álbum do Pinterest, uma coleção salva no Instagram. Você pode organizá-los em uma tela no Photoshop ou no Procreate. Você pode imprimi-los e colá-los em um álbum de recortes. Eles podem ser artistas modernos, eles podem ser velhos artistas famosos, eles podem ser artistas obscuros que ninguém ouviu falar. Eles só precisam ser artistas que você gosta de sua arte. Vamos nos referir a essas peças durante toda a aula especialmente durante nossos exercícios de estilo prático. Para cada artista eu quero que você identifique o que você realmente gosta na arte deles? Agora, se você é como eu, você não costuma pensar sobre por que você gosta de algo, você apenas gosta. Mas quando você vê uma peça linda, você diz: “Meu Deus, eu amo isso.” Isso é ótimo, é instintivo. Essa é uma peça que pertence ao seu quadro de inspiração, mas queremos aprofundar porquê de gostarmos das coisas que podemos começar a integrar isso em nosso trabalho nas lições posteriores. Por exemplo, esta é a minha prancha. Adoro Geneva Bowers, também conhecida como Gdbee Art. Eu amo suas cores, seu senso de luz em usar a cor para refletir a luz. Adoro as texturas dela, as pinceladas dela. Outra artista que eu amo é Brittany Lee e eu amo sua composição, o fluxo de uma forma para a outra. Eu amo David Sierra Liston. Tem um contraste tão grande. Adoro o jeito que ele faz o cabelo. As formas são realmente geométricas, mas elas não se sentem assim, elas se sentem realmente naturais. Joey Chou tem um grande uso de cores e texturas. Ele emparelha as coisas com a forma mais simples para se comunicar mais, mas depois texturas pesadas. Adoro as obras da Annalies Draw. Ela combina as coisas com seus aspectos mais simples e intrigantes e então ela usa apenas a quantidade certa de detalhes. O contraste dela é muito bom. Como a cor nos detalhes é apenas escuro o suficiente para realmente pop na camada abaixo das cores que ela usa. Adoro o trabalho de Lorena Alvarez. Ela tem um grande uso de cor, obviamente, mas ela também tem pequenos detalhes no fundo que manter sua atenção, mas não dominam a cena. Você pode realmente olhar para as peças dela por um longo tempo e ver muitas coisas novas. Vá em frente e crie seu quadro de humor e, se quiser , faça uma captura de tela e compartilhe isso em seus projetos. 4. Estudos dos mestres: Nosso primeiro exercício será um estudo de mestrado. Eu quero que você pegue uma obra de arte de um artista que você admira e recrie. Talvez uma das peças que você pesquisou na última lição, recriando uma peça que você admira seja o atalho mais rápido para entender como criar nesse estilo. Você pode olhar para uma peça o dia todo, mas garanto que aprenderá muito mais redesenhando-a. No entanto, é muito importante que você saiba que esta é uma clínica privada. Essas imagens, esses estudos de mestrado, não são para compartilhamento público. Você é bem-vindo para compartilhá-los em seu projeto Skillshare, por favor, credite o artista original estritamente como uma parte educacional desta classe. Mas estou te avisando agora, isso não é algo que você deve colocar nas mídias sociais ou em seu portfólio. Copiar o trabalho de outro artista e reivindicá-lo como seu próprio é mais do que desajeitado. Se você tentou vender ou lucrar com o trabalho de outro artista, você pode até se meter em problemas legais. A maioria dos artistas, eles podem se sentir um pouco conflituosos se você compartilhar como, “Ei, olha, eu copiei seu trabalho.” Esta é uma clínica privada, mas como um exercício de aprendizagem, esta é uma forma fabulosa de aprender. Eu faço isso no meu caderno de esboços privado o tempo todo, e se é algo que você realmente quer compartilhar nas mídias sociais, tente fazer um mestrado de alguém do domínio público. Como um famoso artista renascentista. Já que estou a fazer isto para a aula e é uma coisa pública, vou usar uma peça do Vincent Van Gogh para a nossa turma. Você é bem-vindo para acompanhar comigo com esta peça de Vincent van Gogh, mas eu encorajo você a usar qualquer artista que você admira, porque esta é uma aula de estilo e você vai aprender mais sobre seu estilo fazendo uma peça que você realmente quero aprender com. Chega de avisos terríveis, quero compartilhar algumas dicas para se aproximar do seu estudo mestre. Tempo rápido da história, a primeira parte da minha carreira criativa foi trabalhar para pintura em estúdios. Basicamente, fui pago para praticar pintura. Foi incrível, mas ocasionalmente, eu não saberia que pintura estaria ensinando até entrar no estúdio naquela noite e ver a arte pela primeira vez. Eu desenvolvi um método para garantir que eu poderia manter a classe dentro de um período de duas horas e ainda obter bons resultados. Aqui estão algumas dicas para se aproximar do seu estudo de mestrado. Primeiro, reúna sua paleta de cores e decida quais pincéis ou ferramentas você precisará antes de começar. Segundo, começar com um esboço áspero ajuda você a se concentrar em acertar o estilo e a técnica em vez de se preocupar em ter certeza de que você está recebendo as formas corretas, o início. Comece com um esboço. Três, pinturas muitas vezes têm uma camada base de cor sob os traços que você pode ver em cima dele, então, para algumas pinturas, você pode querer começar com uma camada base de cor. Quatro, antes de começar, crie um roteiro mental. Como é que vais fazer esta peça? Como é que os artistas criariam esta obra? Em que ordem teriam pintado esta peça? Eles teriam começado com o fundo primeiro ou o elemento principal primeiro? Vamos mergulhar nele. Para esta peça de Van Gogh, eu vou recrutar isso no Procreate, mas o original provavelmente foi feito em tinta a óleo. Eu estou pensando que ele provavelmente começou com a cor de fundo de verde, e então ele provavelmente também fez uma sub-pintura de azul para o casaco e provavelmente uma cor sob pintado talvez um pouco de laranja para a pele. Isso pode ser algo que eu tentarei fazer. Além disso, parece-me que todas estas pinceladas, são muito do mesmo tamanho. Na cara dele e em todos os lugares é do mesmo tamanho. Há algumas pinceladas maiores aqui, e no fundo há também alguns pincéis maiores diferentes. Acho que vou usar o mesmo pincel para o retrato. Tudo o mesmo pincel, mas um pincel que eu possa ajustar o tamanho. Quando eu descer aqui, eu posso fazer o pincel maior, e quando eu estiver trabalhando em todas essas áreas, eu vou manter o pincel de um tamanho menor, mas eu vou usar o mesmo pincel para obter o mesmo visual. Quando eu estou considerando o pincel que eu vou usar, eu estou percebendo que há alguns afilamentos para estes, então eu quero um pincel que se eu usar um pouco mais de pressão, eu posso obtê-lo para ser um pouco mais fino nas bordas, especialmente como nestas áreas barbudas e um pouco mais espessa. Vou usar um pincel que me permite ter algumas bordas grossas a finas para que eu possa imitar o estilo. Eu vou começar com um esboço rápido e então eu vou colocar em um par de cores underlayer. Estou notando aqui que quando começo a barba, Van Gogh está usando muitos traços para cima e para baixo e ele é muito intencional sobre a direção que esse derrame vai. Está realmente mostrando a curva ou a forma da barba, está mostrando a forma da forma. Isso é muito importante, a direção em que ele está usando as escotilhas. Quanto mais eu entro nesta pintura, mais eu percebo que Van Gogh nem sempre usa traços, às vezes ele usa um contorno, como no casaco ao longo desta borda bem aqui. Também posso ver isso nos olhos aqui também. Há uma linha em torno desta parte do olho e há também uma linha por aqui. Não é sempre que ele usa essas linhas tracejadas, às vezes ele usa um contorno e a questão é, por quê? Ele tem uma razão para isso? Para mim, o que eu acho que está acontecendo é que o contorno é sempre claro nas bordas de algo que precisa ser separado do fundo, então provavelmente é para ajudar a manter os elementos separados uns dos outros de uma forma muito distinta e clara . As linhas na narina realmente ajudam a separar a barba do nariz e o mesmo aqui com o olho, ele realmente mantém o olho separado de todas as outras texturas no rosto e estas dobras aqui. Eu acho que é realmente para definição, esses contornos. Eu acho que isso é algo que eu posso levar em minha própria arte em qualquer lugar que eu quero que as bordas dos meus objetos sejam realmente claras, mas eu quero que eles sejam realmente fortemente texturizados por dentro. Eu posso ver esta ação realmente claramente aqui no botão. É arredondado aqui e, em seguida, adicionar uma diagonal no interior. Reparei, enquanto estrago a barba, que os azuis estão no topo da barba. Eu me pergunto se ele realmente fez o casaco por último e, em seguida usou o azul do pincel para adicionar mais detalhes na barba. A ordem de como ele colocou as coisas pode ou não ter importado, mas as pessoas abordam as coisas de forma diferente e talvez para mim, o que eu posso fazer é tentar adicionar um pouco de cor de partes da pintura que estou usando em áreas inesperadas ou áreas que eu não as incluiria tradicionalmente. Porque eu estou vendo que também na pele, há até um pouco de verde do fundo na pele. Ele usa traços diferentes no fundo que ele faz sobre o assunto, então é aí que eu vou trocar pincéis aqui. Eu também estou percebendo que as cores de fundo são todas as mesmas que eu usei na parte retrato. Acho que o amarelo aqui pode ser o mesmo amarelo que ele usou como botões e letras no chapéu. Pergunto-me se ele os pintou ao mesmo tempo em vez de limpar o pincel e recarregar a tinta. Pode ser que ele acrescentou esses pequenos detalhes extras enquanto pintava. Talvez o amarelo tenha sido um pensamento tardio no fundo aqui. Talvez o mesmo seja verdade com traços verdes mais claros e escuros. Talvez ele os tenha adicionado ao fundo, depois voltou para a barba e adicionou um pouco mais de cor aqui. Depois de terminar seu estudo de mestrado, o que eu sugiro é que você se pergunte, o que eu aprendi com este estudo mestre? Quais são as lições que posso aplicar na minha próxima peça? Para mim, uma coisa que eu notei foi, quando eu estava criando uma versão digital dessa pintura a óleo, uma coisa que eu realmente senti falta foi ter essa mistura de cores, como você pode ver aqui. Meu pincel não misturava e misturava essas cores. Para mim, eu me pergunto se eu poderia ter mexido com a dinâmica de cores e criado um pincel que mudou de matiz ligeiramente dependendo da quantidade de pressão que eu usei, ou quanto inclinação eu usei. Como eu poderia imitar essa idéia de um pincel que talvez tivesse um monte de tinta branca vindo aqui e misturando com o azul molhado. Talvez eu possa mexer com as configurações de opacidade no meu pincel para que quanto mais eu pressionar, mais branco entra contra menos eu pressionar os menos brancos shows para que eu possa talvez até mesmo criar uma mistura de cores. Vamos ver se ajusto a opacidade aqui, você pode ver o que quero dizer. Eu pressiono levemente ali contra forte aqui e eu posso ver a cor chegando. Talvez isso seja algo que eu possa fazer para conseguir um pincel que imite o que eu gosto neste quadro. Se você realmente gosta de fazer os estudos de mestrado, uma coisa que eu sugiro que você poderia tentar é fazer uma reviravolta ligeiramente avançada neste exercício e tentar pegar uma de suas peças e desenhá-la no estilo de outro artista, como eu fez aqui com o domingo. Vamos mergulhar nestes domingos e um pouco, mas esta era a minha versão de um domingo totalmente estilo Van Gogh. 5. Os elementos do estilo: No próximo conjunto de lições, você vai tentar explorar diferentes maneiras de desenhar em uma variedade de estilos. Vamos aprender sobre os elementos da arte e como podemos usar pedaços e peças de estilo de artistas que você admira para explorar diferentes maneiras de colocar sua própria visão única sobre esses diferentes elementos. Enquanto fazemos isso, quero que tenha algumas coisas em mente. Quando eu estava na faculdade, eu estava trabalhando para ilustrar uma cena e eu estava realmente lutando para fazer minhas pedras parecerem pedras e meu professor sugeriu alguns livros e artistas paisagísticos que eu poderia usar para obter algumas idéias de como desenhar pedras. Enlouqueceu que eu poderia olhar para o que outros artistas estão fazendo em vez de apenas confiar na minha própria imaginação ou observação. Senti como se isso fosse trapaça. Meu professor sugeriu que eu me inspirasse muitos lugares e foi isso que eu fiz ao longo dos anos. Eu olhei como outros artistas representam uma grande variedade de coisas, puxando de muitos artistas diferentes. Eu pego o que eu veria deles e, ao aplicá-lo no meu trabalho, eu improviso e ajustava as coisas para se encaixar melhor com a maneira que eu gosto de fazer as coisas. À medida que você alarga suas referências, em breve você terá uma maneira totalmente única de representar todos os tipos de coisas, porque você tira um pouco de inspiração daqui e um pouco de inspiração de lá e esta mishmash Frankenstein se torna sua. Agora a chave é que eu não estou copiando todos os elementos do estilo de um artista e depois chamá-lo de meu próprio. Quando você escreve um artigo, se você copia de um autor, é chamado de plagiação, quando você copia de vários, é chamado de pesquisa. Considere isso o mesmo que desenvolver seu estilo de arte. Coloque alguns de seus próprios elementos lá e elementos de vários outros artistas, torná-lo único. Como diria Marie Kondo, faça o que desperta alegria para você. Você não tem que fazer as mesmas escolhas que eu. Abrace as coisas nos estilos, nos looks que você ama. Tudo bem fazer um trabalho feio. Lembrem-se, isto é uma exploração e uma experiência. Tudo bem fazer um trabalho feio. Tentando fazer algo diferente às vezes descobrimos o que não queremos fazer. Este é o valor em fazer um trabalho feio. Aprendemos tentando coisas novas, mesmo que não gostemos dos resultados. 6. Forma e estilo: Nesta lição, vamos discutir a forma como ela se relaciona com estilo e as diferentes maneiras que podemos abordar desenhando nossas formas. Depois de passarmos por alguns exemplos, então vamos tentar um exercício prático para experimentá-lo por nós mesmos. O primeiro elemento com o qual começaremos é a forma. Quando falo de forma, falo dos contornos ou das bordas de uma imagem. Por exemplo, nesta imagem de cactos, você pode ver que há a forma dos cactos e , em seguida, há a forma dos vasos e dentro desses vasos, eles também têm pequenos detalhes, e esses são todos feitos de formas. Às vezes, uma forma é feita de uma coleção de outras formas. Por exemplo, na Noite Estrelada de Vincent Van Gogh, todo esse redemoinho aqui, tudo é feito de pequenos traços e esses são realmente formas também. Cada um desses elementos, eles se unem para formar essa forma. Todos esses pequenos swooshes surgem e criam esta forma de um redemoinho no céu. Às vezes os artistas criam formas fora da ausência de algo, e isso é chamado de espaço negativo. Por exemplo, esses fantasmas são realmente feitos de tela em branco e o que realmente cria seu contorno são as bordas das árvores. Esses fantasmas são criados pelas formas negativas, o oposto. Esta árvore é a forma, mas as bordas dessa forma são o que cria este fantasma barato. A forma está em toda parte. É em móveis, é em arquitetura, está no design ao longo dos anos. Agora, dois artistas podem desenhar o mesmo objeto e usar formas completamente diferentes de transmitir forma. É isso que vamos explorar nesta lição. Existem algumas maneiras diferentes de se aproximar da forma. Você pode fazer formas de forma geométrica, orgânica, ou estilizadas em algum lugar entre elas. geométricas são círculos, cubos, triângulos, cones, coisas assim. As formas geométricas são frequentemente associadas sentimentos feitos pelo homem porque se sentem artificiais. A maioria das coisas na natureza não são perfeitamente geométricas, e as formas orgânicas são mais fluidas. Eles não são precisos ou exatos da maneira que um círculo perfeito ou um quadrado perfeito é. Por exemplo, eu desenhei esses cogumelos em um estilo muito geométrico. Você pode ver que tudo sobre este cogumelo é geométrico. O topo do cogumelo em si é composto de um meio círculo. Mesmo estes cortes nas bordas são muito triangulares, eles são muito retos e perfeitos. Mesmo o sombreamento é muito geométrico. Este é um exemplo de um estilo muito geométrico de desenho, enquanto este cogumelo é muito mais natural. As bordas aqui não são perfeitamente precisas. O sombreamento é áspero ao redor das bordas. Nem sequer há linhas super limpas. É muito mais fluido, é muito mais natural. Talvez algumas pessoas diriam realista. Este cogumelo está em algum lugar entre eles. Os círculos não são perfeitos. Eles são um pouco ásperos ao redor das bordas. Os pequenos entalhes nos cogumelos também não são perfeitos, mas não é realista. Não é totalmente orgânico. Tem um pouco de forma geométrica. É que essas formas geométricas fluem em vez de realmente são super orgânicas da maneira que esses cogumelos são. Isto está algures entre eles. O que eu quero fazer para o nosso projeto é que vamos explorar um punhado de maneiras de desenhar essas formas desenhando uma foto deste sundae, e você pode pegar uma cópia disso na guia Recursos do Skillshare. Eu encorajo você a tentar uma versão de uma forma altamente geométrica, formas orgânicas, forma realista, e algo no meio. Eu também quero que você faça referência ao artista que você pesquisou antes. Para este primeiro, eu vou fazer uma versão realmente realista. Vou tentar obter estas formas o mais realisticamente possível. Eu não estou preocupado em suavizar minhas linhas ou torná-los super perfeitos porque eu quero que isso seja muito imperfeito, este estilo particular. Para este, vou ficar com as formas geométricas que eu puder. Eu vou ter um lado reto o mais que eu puder. Eu vou pegar uma forma de U real e eu também vou manter o fundo triangular. Para as camadas, eu só vou desenhar linhas retas. Vou torná-los alturas diferentes para que tenhamos algum interesse visual aqui. Para os gotejamentos de chocolate, eu vou realmente fazê-los descer em formas triangulares. Eu fiz um que é realista e um que é altamente geométrico e eu vou tentar e fazer um que está no meio. Eu só vou desenhar isso da maneira que eu iria desenhá-lo. Eu não vou pensar muito sobre isso, eu só vou desenhá-lo. O que é importante notar é que eu estou desenhando as formas que eu notei e eu acho que são interessantes e mesmo que eu estou tentando diferentes versões de desenhar essas formas, este ainda é o meu estilo porque eu estou desenhando o que eu noto. Você pode notar coisas diferentes que você quer destacar neste sundae. Você pode ignorar algumas das coisas que eu incluo. Então, finalmente, eu vou fazer referência a alguns dos artistas que eu realmente admiro sua linguagem de forma. Eu quero que você volte, olhe para os artistas cuja linguagem de forma você admira. Por exemplo, adoro a forma como David Sierra faz esta perspectiva estranha. Ele faz isso, os copos e a torta. Eu gosto deste ângulo estranho, e você pode ver dentro da cesta de piquenique ou uma xícara. Annaliesdraw também faz a mesma coisa. Adoro este estilo de perspectiva. Vou fazer um dos copos com essa perspectiva distorcida. Nós basicamente apenas criamos linhas de formas e nós realmente precisamos preenchê-los para torná-los formas. Isso nos leva à próxima parte importante de nossa forma, e que são as bordas de nossas formas. Afinal, são as bordas que definem a forma em primeiro lugar. Vamos falar sobre algumas maneiras diferentes que você pode transmitir bordas em suas formas. Estou dando uma olhada em um pedaço de Claude Monet aqui e suas formas estão muito soltas. Aqui, em vez de este vestido estar totalmente ligado como uma forma sólida como esta, é muito solto. Se eu pudesse usar um pincel muito pintável para criar uma borda solta para que não seja uma linha sólida. Então, na outra extremidade do espectro, às vezes Van Gogh aqui usa um contorno sólido. Você pode ver que há um contorno preto ao redor da borda da casa e ao longo das bordas das colinas, então ele realmente bloqueia essas formas. Há uma definição sólida séria para esta coisa montanhosa negra em primeiro plano aqui, provavelmente árvores. Há uma borda muito sólida nessa linha. Claro que você pode mudar a maneira como você desenha bordas de suas formas ao longo de uma peça. Por exemplo, nas folhas aqui em cima, usei uma textura de borda muito difusa e usei uma textura áspera e sólida muito diferente nas linhas do estuque na parede aqui. Mas eu também usei contornos sólidos no interior da porta para criar as formas dentro de lá. Eu encorajo você a experimentar um par de diferentes estilos de preenchimento em suas formas aqui. Eu vou fazer este provavelmente com um esboço muito forte e talvez eu vou fazer um pouco mais de uma textura com isso e vamos ver como vamos. Mas uma coisa que eu quero que vocês saibam é que eu estou apenas colocando um pouco de cor rápida aqui, e eu não estou estressando sobre minhas escolhas de cores porque nós vamos rever a cor na próxima lição. Para este primeiro sundae, eu estou aderindo com um realmente limpo, bordas nítidas. Eu sinto que isso é apropriado, já que é este copo geométrico que é realmente nítido e limpo e uma forma exata. Para este segundo sundae, vou trocar meus pincéis aqui e tentar uma borda perfeita menos exata e, em vez disso, vou mantê-lo um pouco mais áspero, um pouco mais texturizado neste. Quero que as bordas das minhas formas ainda sejam distintas, mas não perfeitas como fiz com o copo geométrico. Agora, neste terceiro sundae, eu quero que as formas sejam super ásperas, especialmente o interior do sundae com as camadas. Quero que tudo sangre juntos e não permaneça como formas distintas. Eu vou usar um pincel totalmente áspero para fazer isso, e eu vou manter as bordas externas, como os lados do copo, apenas sólido o suficiente para que fique claro o suficiente para ver que a forma do vidro é distinta. Não quero que seja tão louco que esteja por todo o lado. Finalmente, com este último sundae, eu só vou usar um pincel lápis e manter as bordas precisas, mas com uma borda textural muito agradável que dá a ele um olhar como ele é desenhado por um lápis. 7. Cor e estilo: Nesta lição, vamos primeiro escolher uma paleta de cores e aplicá-la aos nossos domingos. Depois disso, vamos olhar para a referência de nossos artistas para obter inspiração de maneiras únicas de organizar e aplicar essa cor. Claro que depois disso, vamos tentar com nossos próprios domingos, mas eu poderia continuar por horas sobre cor. Há tanto o que falar. Na verdade, eu tenho uma aula de teoria de cores e um bis ao vivo onde eu mostro como ajustar uma paleta de cores encontrada que você encontrou para sua arte única. Se você quiser mergulhar muito mais na cor, eu recomendo que você verifique essas duas aulas. Mas nesta lição, vamos manter a cor no que diz respeito ao estilo. Como você usa a cor em sua arte? Você só trabalha em preto e branco ou em uma paleta de cores limitada? Você costuma usar a mesma paleta de cores? Às vezes, suas opções de cor são forçadas pela mídia que você está criando. Banksy só usa uma ou duas cores. Essa é a natureza do trabalho rápido de estêncil de graffiti. É também uma limitação com serigrafia. Às vezes, você tem que pagar por cor usada, ao contrário de um processo de impressão digital onde não há limite para a quantidade de cores que você pode usar. Às vezes, o meio em que você está trabalhando afetará o modo como você usa a cor em seu estilo de cor. Agora, se você é como eu, você ama todas as cores do arco-íris e é muito difícil para você emparelhar para apenas escolher algumas. Mas mesmo que pareça que você ama todas as cores, aposto que há cores que você é atraído para mais do que outras. Vamos tentar um exercício para ver se podemos descobrir seu preconceito secreto e definir seu estilo de cor único. Vamos fazer um quadro do Pinterest e definir um temporizador para 10 ou 15 minutos. Quero que percorra o seu Pinterest ou procure coisas que lhe interessem. Sempre que as cores aparecerem para você, eu quero que você salve isso no seu quadro do Pinterest. Ótimos lugares para procurar uma boa inspiração de cor é decoração de casa, moda. Gosto de olhar para fotografia de jardim ou fotografia de comida. Todas estas são ótimas fontes para encontrar inspiração de cor fresca. Heck, você pode até mesmo pesquisar tendências de cores e uma maneira divertida de fazer isso é pesquisar por temporada. Você pode pesquisar por tendências de cores de outono ou tendências de cores de primavera. Se você é um usuário ativo no Pinterest, eu o encorajo a pesquisar todos os seus pinos salvos porque essa é uma ótima maneira de ver quais cores você é atraído sem sequer pensar nisso. Agora, vamos dar uma olhada no nosso quadro do Pinterest e ver se há algum tema recorrente ou paleta de cores aos quais continuamos voltando. Que padrões você percebe? Eu vejo que eu sou atraído por um monte desses pastel claro, azul, amarelo e rosa, mas também eu gosto de um monte de pops escuros lá dentro. Você vai notar que muitas das minhas paletas de cores há pelo menos uma cor escura lá e eu acho que isso segue através com o meu trabalho artístico, bem. Muitas vezes crio como um pouco de cor escura. Se você quiser, você pode compartilhar sua inspiração de cores conosco fazendo uma captura de tela e compartilhando em seus projetos. Vamos aplicar nossa inspiração paleta de cores às formas base de nossos domingos que desenhamos no último exercício. Aqui está uma dica divertida para os usuários do Procreate. Se você tirar uma captura de tela de sua inspiração de cor favorita e, em seguida, você abrir o Procreate, toque na paleta aqui e toque neste botão de adição, você pode realmente criar uma paleta de cores de suas fotos. Se você tocar sabia a partir de fotos, toque em sua inspiração ele irá criar automaticamente uma paleta de cores para você. Agora, sou um pouco exigente. Eu gosto de geralmente soltar as cores que eu quero especificamente e, claro, se você não tem Procreate, se você tem Photoshop ou algo assim você vai querer colorir cair aqueles, também. Assim que decidirem suas cores, quero que brinquem aplicando-as aos domingos. Estou feliz com a paleta de cores original que eu criei, então eu vou ficar com isso. Mas para suas peças você é bem-vindo para manter as diferentes paletas de cores que você experimentou. Você não precisa apenas ficar com uma paleta de cores sólidas, tudo bem. Mas agora que falamos sobre a escolha de cores que gostamos, quero falar sobre arranjos e como aplicamos essas cores. Quero dar uma olhada nas nossas peças de inspiração artística e ver se conseguimos alguma inspiração. Você pode absolutamente seguir junto com os exemplos que estou usando. Mas como esta é uma aula sobre desenvolver seu estilo único, recomendo que examine os artistas que você admira, para que você esteja fazendo suas próprias descobertas de cor que são únicas para o que você foi atraído. Joey Chou faz uma coisa incrível onde ele não deixa algo ficar da mesma cor sólida. Ele usa tons ligeiramente diferentes. Como no oceano aqui você pode ver que não é apenas um azul claro para um azul escuro. É uma mistura de cercas e azuis e misturar juntos. É o mesmo com o chão aqui. Você pode ver que há uma gradação de laranja e vermelho. Ele também usa essas linhas risadas. Não é um bloco sólido de cor aqui e o mesmo é verdade no oceano. Não é uma linha sólida indo de azul-petróleo para azul. Na verdade, são linhas curvas e onduladas. Genebra Bowers, também conhecido como arte GDB faz coisas realmente divertidas com cor também. Ela adiciona esses pequenos brilhos na pele da garota. O que eu realmente gosto é que ela usa realces brilhantes, corajosamente moldados de cores. Se eu der uma olhada aqui você verá que, como os destaques aqui, eles são realmente grossos, eles são muito brilhantes e eles não são apenas brancos. Tem um pouco de azul, tem um pouco de rosa. Há muitos e muitos salpicos de cor diferentes que eu amo, como aqui no cabelo há essas formas realmente ousadas para criar contraste forte e destaques brilhantes. Como eu vi em meu estudo mestre, Van Gogh emprestou cores de diferentes partes da pintura, modo que uma área nunca foi uma cor sólida. Por exemplo, ele usou um pouco do verde o fundo em sua barba, bem como um pouco do azul de seu casaco na barba. Não é apenas uma cor sólida, muitas e muitas cores misturadas de toda a paleta. Vamos voltar aos nossos domingos e ver se podemos tirar alguma inspiração desses exemplos de cores. Agora, eu quero fazer uma chave para tirar inspiração de outros artistas aqui. Eu não estou fazendo todas as minhas escolhas estilísticas com o mesmo artista. Estou misturando-os, tentando minha própria opinião sobre o que eles fazem, alterando um pouco. Pense assim, quando você estava no colegial, se você visse alguém com a roupa mais legal, você não apareceria na escola no dia seguinte com a mesma roupa, não é? Você provavelmente tiraria alguma inspiração da roupa deles. Talvez o topo ou o fundo ou alguns dos acessórios ou talvez você não usaria a mesma roupa mas você usaria algo que tivesse um corte semelhante ou uma cor ou uma camiseta com uma frase engraçada diferente. Use várias fontes de inspiração. Não confie muito na inspiração de uma única fonte. A primeira coisa que eu quero tentar é um pouco de gradação de cor neste domingo aqui. Eu não quero que tudo seja de uma cor sólida. Eu vou talvez tentar a caneta caligrafia, talvez a cor Blache aqui e ver como é adicionar variação de cor aqui. Em seguida, apenas tentando coisas diferentes e cores diferentes aqui e apenas experimentando. Tente algo semelhante nas camadas aqui em cima. Pessoalmente, quero que seja muito sutil. Talvez eu tente algumas tonalidades diferentes neste. Em vez de entrar, quero fazer alguns pincéis. Vou tentar algo na pintura e talvez eu use este pincel velho aqui. Eu poderia vir aqui e fazer um rosa mais claro, mas eu acho que eu vou ficar realmente um pouco laranja com isso. Vou deslizar a cor para aqui. Acho que vou fazer o mesmo com esta parte inferior aqui em baixo. Só que vou direto desta vez. Talvez eu faça o pincel um pouco maior. Sim, isso é divertido. Eu também poderia ir um pouco para o outro lado. Se este vermelho de pêssego está aqui, talvez eu vá. Eu vou um pouco para o lado laranja, talvez eu vá um pouco para o lado mindinho, também. Acho que quero que seja muito sutil. Talvez eu faça o rosa um pouco mais leve. Eu acho que isso parece legal. Outra coisa que eu poderia fazer é criar um gradiente mais suave entre este rosa mais escuro aqui e o rosa mais claro aqui em cima. Traga um pouco de leveza back-end para mantê-lo liso. Eu acho que isso parece legal. Você tem essa sensação de que o sorvete ou o creme ou o leite ou o que quer que daqui e aqui estão derretendo juntos. Eu só vou seguir em frente e continuar isso em diferentes áreas desta peça. Não quero ficar com tudo o que tento, apenas tentando experiências diferentes. Também vou tentar algumas riscas mais leves no chocolate. Acho que estou muito feliz com a forma como esta está a acontecer. Para esta peça, eu acho que eu estava usando o pincel de tintas a óleo. Eu vou voltar a isso e eu vou tentar misturar algumas das cores que eu tenho em diferentes partes da pintura em áreas inesperadas. Por exemplo, talvez eu pegue um pouco do cerco e o caule aqui e traga para dentro do copo. Talvez eu até coloque um pouco aqui. Legal, e eu também poderia tentar talvez colocar um pouco de rosa no creme aqui em cima. Talvez eu até adicione um pouco de roxo, então isso é um pouco escuro para o meu gosto. Acho que vou mantê-lo muito sutil no creme. Posso até adicionar um pouco no biscoito. Talvez eu coloque um pouco de rosa no biscoito. Eu acho que isso é muito mais de um uso interessante de cor em todas essas peças, na verdade. Estou animado para passar para a próxima parte. 8. Linha e estilo: Nesta lição, vamos abordar o trabalho de linha, vamos explorar como diferentes maneiras de desenhar linhas podem afetar o sentimento e estilo de nosso trabalho e diferentes maneiras de aplicar nossas linhas. Claro que então vamos mergulhar em aplicar isso aos nossos domingos. Vamos rever as qualidades estilísticas da linha. As linhas podem ser implícitas como pontos ou traços, ou podem ser linhas completas. Por exemplo, elas podem ser implícitas como as linhas pontilhadas aqui. As linhas aqui também estão implícitas e as linhas aqui estão implícitas. Eles também podem ter espessura variável. Neste exemplo, a linha é mais espessa e mais fina e mais espessa e mais fina. Linhas também podem ser irregulares, então elas podem ser muito texturizadas ou elas poderiam ser realmente suaves, como estas são realmente muito suaves. Eles também podem ser texturizados como na própria qualidade da linha, você pode ver que este é fraco e em muito textural. Também é importante notar que as linhas têm uma qualidade emocional. Linhas grossas e linhas delicadas criam sentimentos diferentes. A espessura de uma linha, nós temos linhas muito finas no tecido bem aqui, pode criar uma sensação muito delicada enquanto que temos algumas linhas mais grossas aqui. Se eu desenhar algo que é muito fino, que pode parecer muito mais leve e mais delicado contra algo que é muito grosso. As linhas podem ter o mesmo peso durante todo o percurso. Como as extremidades aqui são aproximadamente as mesmas em ambos os lados, ou linhas podem ser afuniladas e isso significa que eles passam de fina a grossa. Você pode ver que em ação aqui, a linha começa muito fina e fica mais espessa, que é uma linha cônica. A forma das linhas também é importante. Na natureza, linhas afiadas e agudas causam dor, muitas vezes são como espinhos ou um pequeno pedaço de vidro. Linhas afiadas, ásperas e irregulares podem criar uma sensação mais perigosa, nervosa ou sinistra. Por exemplo, nesta peça de Edward Gorey, estes ramos são bastante afiados, eles são pontudos e agarrados ao homem aqui. Esse é um ótimo exemplo de linhas afiadas nervosas, enquanto linhas suaves podem parecer fluidas e seguras. Estas são linhas que muitas vezes são usadas para comunicar algo que é fofo. Por exemplo, nesta peça de Joey Chou, você pode ver que essas linhas são muito calmas e serenas. As linhas podem criar uma sensação de movimento ou movimento dependendo de como você as coloca. Linhas repetidas parecem previsíveis e criam um ritmo que se sente calmante. Natalia Kattraba usa excelente trabalho de linha em suas peças. Se olharmos para estas linhas aqui, elas são repetidas de uma forma realmente previsível e isso faz com que esta peça se sinta muito calmante e calmante. Enquanto nesta peça as linhas são muito mais imprevisíveis, elas pulam em direções diferentes, modo que cria uma sensação de desordem ou caos. Mas não é apenas o quão previsíveis ou repetidas as linhas são, é também a direção que as linhas são desenhadas. As linhas horizontais nos dão uma sensação de estabilidade, elas nos dão onde a linha do horizonte está, enquanto as linhas verticais, e você pode ver isso se você olhar bem aqui, há algumas implicações muito fracas de linhas bem aqui, que nos dá uma sensação de altura. Linhas paralelas dão uma sensação de movimento ou velocidade, e linhas curvas podem parecer muito orgânicas e pacíficas. Se olharmos para as linhas que Natalia desenhou ali, elas criam uma sensação de movimento no cabelo. Você quase pode sentir a sensação deste cabelo está apenas se movendo e vibrando. Você também pode dizer a mesma coisa nas ondas bem aqui, essas linhas paralelas criam uma sensação de movimento. Voltando à sua peça com os gatos gêmeos, podemos ver que linhas em ziguezague criam uma sensação de ansiedade ou energia, como estas formas aqui. Essas formas podem se sentir irritadas. Você pode ter visto isso em Mongowa, talvez haja alguns parafusos de iluminação irritados ou marcas de estresse no rosto de alguém. Linhas inclinadas criam uma tensão, criam uma sensação de movimento nessa direção. Essas linhas inclinadas estão atraindo nossos olhos para o personagem no centro. O mesmo está acontecendo com essas linhas implícitas, esses pequenos traços amarelos que estão indo em ambas as direções em direção ao personagem. Tudo está vindo em direção ao personagem, então está atraindo nossos olhos para dentro. Quero salientar que todas as qualidades emocionais que acabamos de discutir, estas também podem ser aplicadas a formas, bem como linhas. Agora precisamos discutir onde colocamos as linhas? Onde colocamos nossas linhas? trabalho de linha pode ser um contorno de uma forma ou pode ser os detalhes dentro das formas. Às vezes, a peça inteira é feita de trabalho de linha como este trabalho de tatuagem de artistas Susa de Suflanda. Linhas de contorno são as linhas externas que usamos para definir uma forma. Você já viu isso em quadrinhos. Pessoalmente, eu uso linha como um contorno com moderação em vez de confiar em formas sólidas e cores para separar elementos. Por exemplo, no pão aqui, eu não estou usando o trabalho de linha e esboço para criar a separação entre o fundo e o pão, mas eu estou usando uma linha aqui para separar cada pedaço de pão um do outro. Eu uso linha quando alguma definição extra é necessária para definir uma forma ou para separar de outros elementos de fundo. Chega de teoria, vamos tentar experimentar com diferentes maneiras de desenhar uma linha. Você usará linhas em uma consistência espessa? Eles serão texturizados e quebrados? Será que eles serão grossos ou magros? Você vai usar cores mais claras? Você usará cores contrastantes como um contorno de cores diferente do objeto que você desenhou? Ou será uma versão mais escura ou mais clara da mesma cor? Eles definirão os contornos de suas imagens ou os únicos adicionarão detalhes às suas imagens? Vou começar desenhando um contorno grosso a fino na borda deste copo. Eu quero que ele se sinta mais pesado em direção ao fundo, então eu vou torná-lo mais grosso na parte inferior. Agora eu não quero que este contorno seja tão óbvio, então eu vou realmente ajustar a cor para que ele corresponda às bordas do copo. Eu vou torná-lo um pouco mais escuro, não exatamente da mesma cor para que você possa dizer que este é um contorno. Eu vou criar uma linha sólida para criar alguma definição pingando em torno das bordas deste chocolate, porque agora ele só se sente como uma linha sólida de chocolate, mas quando eu tenho um contorno em torno dele, cria essa sensação de hey, estes são separados, estes são individuais deliciosos e gotejamentos de chocolate. Posso até fazer o mesmo ao longo da borda. Outra coisa divertida que eu poderia fazer é criar uma sensação mais leve criando uma linha de deslocamento. Estes contornos são realmente sólidos no chocolate. Eu quero que o creme de chicote se sinta um pouco mais leve e delicado, então talvez eu tente criar uma linha offset, uma que não se alinhe completamente. Eu também poderia brincar com movimento e movimento criando linhas que criam essa sensação de movimento como um líquido ou poderia criar um redemoinho circular. Talvez eu possa enfatizar essas bordas arredondando-as. Isso dá muito movimento, todo o sorvete está girando juntos. Eu quero usar contornos mais ásperos e mais soltos nesta peça porque todo o sentimento é muito áspero e solto. Vou usar um pincel diferente. Eu vou usar o pincel velho, mas você pode brincar com qualquer pincel que você gosta. Essas linhas não são sólidas, é muito agitado e quase sugestivo como um contorno, não completamente lá. Para esta peça, eu quero tentar jogar com um senso de movimento, então eu vou tentar apenas talvez um pincel de lápis. Eu posso tentar algumas linhas onduladas, modo que dá a sensação de que o biscoito está prestes a se mover. Ou eu poderia criar algumas linhas de ênfase na ponta do copo. Também posso usar algumas linhas para enfatizar as diferentes camadas. Talvez eu faça uma linha rosa mais clara aqui para separar o chocolate do morango. Talvez eu use uma linha de chocolate mais escura aqui que realmente cria uma sensação de distinção entre as diferentes camadas. Talvez eu apenas crie alguns contornos para criar uma borda ao redor do vidro. Acho que isso parece legal. Estou animado para passar para a próxima parte. 9. Textura e estilo: Logo após a cor, textura é um dos meus elementos favoritos para brincar. Textura é o que faz uma peça de arte parecer que você poderia alcançar e sentir a paz como se fosse tangível. Podemos separar a textura em duas categorias: real e implícita. Textura implícita é quando você desenha algo para que pareça uma coisa real. Como desenhamos linhas curtas difusas para peles ou como desenhamos água para parecer molhada. É como sugerimos com o nosso desenho, esta é uma superfície, esta é uma textura, esta é a sensação física de um objeto. Existem muitas maneiras diferentes de transmitir essas texturas. Há provavelmente tantas maneiras diferentes quanto existem objetos no mundo, provavelmente há mais do que isso porque os artistas usam todas as maneiras para retratar texturas da mesma coisa. No nosso exemplo de domingo, alguma textura implícita pode ser o que faz o chocolate na borda parecer molhado e brilhante, pode ser o que usamos para fazer com que os biscoitos pareçam secos e friáveis. Depois, há textura real. Textura real é do que sua ilustração realmente é feita. A textura real do papel ou da tela que você usa, a aquarela ou a textura dos lápis de cor que você usa. É inerente ao meio que você está usando, então papel aquarela ou manchas grossas de tinta acrílica. Se você trabalha com meios físicos, muitas maneiras, você está em vantagem para os artistas digitais. Sua arte naturalmente e automaticamente tem uma sensação de textura, você não precisa trabalhar para criá-la. Além disso, eu pessoalmente acho texturas naturais como meios de arte física para ser super atraente e você tem esse apelo sem qualquer esforço extra. No entanto, por outro lado, os artistas digitais acabam por ter muito mais opções e controle sobre as texturas que acabam em suas peças. Pincéis digitais podem lhe dar todas as texturas surpreendentes, você só tem que ser muito mais intencional sobre obter um olhar que você quer. Podemos certamente olhar para seus artistas inspiradores para saber como eles usam a textura e o que você gostaria de adicionar ao seu trabalho. Mas a próxima melhor coisa a fazer é jogar com o meio que você já tem, com os pincéis e texturas que você tem disponível para você, seja isso físico ou digital. Agora, o Procreate tem pincéis padrão matadores absolutos, mas há muitos pincéis incríveis que estão disponíveis para compra. Você também pode criar o seu próprio, você pode usar a pele em suas próprias texturas e usar modos de mesclagem e cortá-los em suas camadas de forma. Você pode ser realista com seu senso de textura ou você pode ser totalmente abstrato. Costumo usar textura quando estou criando sombreamento em um objeto, e vamos passar por cima de forma e sombreamento na próxima lição. Mas você também pode apenas usar textura para evitar uma cor plana totalmente em branco em uma forma. Alguns ilustradores são muito planos com suas ilustrações e eles não usam textura dificilmente. É tudo sobre explorar seu gosto, o que você acha que parece bom, e depois descobrir como fazer algo parecer desse jeito. Nós vamos fazer alguma exploração da textura em nossos domingos. Agora, se você já foi à loja de arte e você viu uma parede de lápis ou marcadores e eles têm pequenas folhas de teste que você pode experimentá-los, isso é o que nós vamos fazer aqui. Vamos tentar um monte de experimentos. Você não tem que se comprometer com nada. Se você quiser criar um documento duplicado para que você não pode se preocupar bagunçar sua peça de arte, isso é totalmente bom. Eu quero que você se inspire em suas imagens de artista, mas também eu convido você a tentar explorar alguns dos diferentes pincéis que você tem disponível. Se você estiver usando meios físicos, talvez queira fazer esses testes de textura em uma nova folha de papel completamente em branco. Uma coisa que eu recomendaria é uma vez que você tenha descoberto seus pincéis favoritos, criar uma pasta para que você tenha todos os seus pincéis que você usa repetidamente na mesma pasta para que você não precise procurá-los quando quiser usá-los. Mas, por enquanto, vamos criar algumas experiências divertidas em textura. A primeira coisa que quero fazer é criar uma nova camada. Eu quero criar algumas novas texturas em talvez um grão. Se eu for para a aba Sketching e for para Bonobo Chalk, eu vou pegar esta cor rosa aqui. Se eu subir aqui, cria uma cor rosa sólida. Mas um truque realmente divertido que você pode usar é, se você tocar nisso, ele vai abrir seus modos de mistura. Se eu usar multiplicar, isso criará uma versão mais escura de qualquer cor que esteja por baixo dela. É muito divertido brincar com isso. Eu gosto de ajustar a opacidade às vezes que eu tenho um pouco mais de um efeito sutil. Vou esclarecer isso e fazer isso um pouco mais intencionalmente ao invés de apenas rabiscar. Mas eu realmente gosto da maneira que isso cria um efeito granulado. Agora, outra coisa que eu quero tentar é adicionar um pouco de textura para as seções de chocolate aqui. O que eu posso fazer é novamente, eu vou criar uma nova camada e eu vou ligá-la para multiplicar, e eu vou pegar a cor de chocolate aqui. Vou tentar caligrafia. Talvez eu tente este pincel Blotchy. Se eu entrar aqui, vou a todo lugar com isso, o que não é minha intenção. O que vou fazer é tocar na camada. Esta camada tem uma forma de chocolate para mim. Eu vou tocar nisso e eu vou escolher “Selecionar”. Se eu tocar de volta no pincel, se eu fosse desenhar sobre isso, eu só estaria desenhando com essa forma. Agora, eu quero ter certeza de que eu estou fazendo isso em uma camada separada então eu fiz uma seleção desta camada, mas eu estou desenhando sobre esta camada aqui. Assim, se mudar de ideia, posso apagar ou ligar ou desligar a visibilidade, e ainda tenho a minha camada de chocolate por baixo. Vou tentar experimentar com isso. Isso parece muito legal. Outro lugar que eu quero adicionar um pouco de textura é sobre o biscoito aqui em cima. Eu vou pegar a cor do biscoito e eu vou tentar um novo pincel, talvez eu vá para Drawing e eu vou tentar, eu não tenho idéia de como pronunciar isso, mas Freycinet, claro. Eu vou selecionar minha camada de cookie, e eu vou desenhar na minha camada de multiplicação. Às vezes isso não funciona porque a forma de biscoito que desenhei estava embaixo do sorvete. O que eu posso fazer é pegar minha camada de sorvete, eu posso apertar “Select” e então quando eu chegar até a camada de multiplicação, eu posso apagar aquela seção onde ele está tocando chantilly. Muitos experimentos divertidos aqui. Eu poderia tentar adicionar um pouco de textura no copo também. Agora, eu quero salientar que esses outros domingos na verdade já têm textura. Quanto mais fundo nos aprofundamos nesses elementos, mais você pode ver que todos esses elementos, eles estão realmente amarrados e embora seja útil separá-los para que possamos entender cada elemento por conta própria e podemos focar nas decisões que podemos tomar nesses elementos, no mundo real, eles não existem no vácuo, eles realmente se misturam. Eu já adicionei textura para este domingo apenas pela natureza daquele pincel de óleo listrado que eu usei. Quando comecei a experimentar versões listradas de cor, comecei a adicionar textura a esta peça. Estou muito feliz com a aparência deste. Quando eu estava preenchendo as formas, os pincéis que eu usei para isso também tinham textura neles. Mas nunca dói adicionar um pouco mais de textura para fazer um pouco mais de experimentos. Vou tentar adicionar algo diferente no chocolate aqui em baixo. Talvez, em vez de apenas adicionar textura para texturas, vou tentar fazer isso parecer seco e friável. Vou selecionar essa camada de chocolate, estarei em uma das minhas camadas multiplicadas, e vou tentar os Spraypaints, e vou tentar esses Flicks. O que eu quero fazer é criar uma versão muito mais escura deste chocolate. Eu amo a maneira como isso parece, Eu acho que ele parece realmente seco e eu imaginaria que olhar biscoito friável áspero. Eu também poderia entrar com uma cor muito clara, mas como isso está em um modo de mesclagem, ele só vai escurecer tudo, então eu vou criar uma nova camada que não está no modo de mesclagem e então eu posso criar algum mais brilhante texturas lá dentro. Talvez não tanto, talvez um pouco mais leve, mas adoro a aparência. Acho que isso parece super legal. Eu também acho que eu quero criar um pouco de textura no chocolate aqui em cima. Novamente, eu vou pegar a cor do chocolate, eu vou olhar a cor do chocolate, e eu vou selecionar o chocolate para que eu só estou desenhando onde esse chocolate está. Vou tentar o pincel de pintura, vou tentar este estuque aqui e criar uma textura divertida aqui. Eu só estou experimentando e eu posso fazer o mesmo com o biscoito, então eu talvez vou adicionar algumas formas. Existem algumas experiências divertidas com cor e textura. Há provavelmente tantas texturas no mundo quanto há coisas no mundo. Mas na minha experiência, muitas texturas diferentes podem fazer uma peça parecer caótica. Se você está se sentindo totalmente perdido com texturas, o que eu recomendaria é tentar usar apenas um ou dois. Você pode experimentar com a cor dessa textura ou a opacidade, como ela é transparente, e você pode obter uma enorme variedade de variedade com apenas uma textura. Claro, todas as regras devem ser quebradas, então se você acha que estúpido, ei, enlouqueça com suas texturas. 10. Forma e estilo: Forma é como fazemos algo parecer 3D ou dar-lhe uma sensação de profundidade. Às vezes, uma sensação de forma tridimensional é criada com linhas como este cubo. Este trabalho nem sempre usa muito sombreamento, mas ela faz com que as coisas pareçam 3D em vez de um 2D plano com suas linhas. Então os círculos no topo deste feijão cozido podem realmente fazer com que pareça que esta é uma forma tridimensional. O mesmo é verdade com as panquecas porque podemos ver o lado e o topo. Parece que é 3D. Mas, na maioria das vezes, a forma é comunicada pela criação, sombreamento e destaque. Então aqui você só tem formas planas e aqui você tem sombreamento neles. A propósito, se você quiser mergulhar mais fundo em saber onde colocar suas sombras, vou aprofundar o sombreamento na minha forma de desenhar classe. Existem muitas maneiras diferentes de estilizar como você cria sombreamento e forma. Então vamos rever algumas dessas opções agora. Gradientes. Um gradiente é onde a cor muda gradualmente à medida que se move através de um formulário. Eu uso muito isso. Carson Ellis faz um ótimo trabalho. Você pode realmente vê-lo em ação diretamente no fogão. Portanto, há um gradiente de sombreamento, pois fica mais leve para criar a idéia de que a borda do fogão está criando uma sombra. Katie Daisy faz a mesma coisa. Portanto, há um gradiente de cor na terra aqui. Então ele vai de um verde mais escuro para um verde mais claro. Isso dá a idéia de que esta terra é desigual. Não é apenas uma forma plana. Ela também faz isso no sombreamento das montanhas aqui no fundo. Gradientes são o meu método instintivo e natural. Você pode ver que eu uso isso na mesa bem aqui. Eu o tenho mais escuro sob as pernas e fica mais leve como ele vai para baixo para criar a idéia de as pernas estar debaixo da mesa. Ele cria uma sensação de forma 3D. Eu também o uso nestas mãos aqui. Então eu uso algum sombreamento que vai por baixo do polegar para criar a idéia de que há forma tridimensional. eclodir. A eclosão é usar linhas para criar uma sensação de sombreamento. Quando as linhas estão mais distantes, elas criam áreas, áreas mais leves, e quando estão mais próximas, criam uma sensação de sombra mais profunda. Então, sob o queixo aqui você pode ver que David Sierra criou um sombreamento grosso realmente agradável para criar a sensação deste grande urso e é muito mais apertado quando ele se aproxima do braço dele e fica muito mais longe quando fica mais longe do braço. Eu especialmente quero que você saiba como linhas que são mais densamente compactadas versus afrouxadas mais longe indicam a forma do objeto. Se dermos uma olhada no cabelo aqui, notem como as linhas ficam densas e compactadas aqui onde o cabelo é dobrado em vez de linhas mais soltas quando o cabelo está para fora e fluindo. Você pode ver isso na camisa dela também. As linhas são muito densas nessas áreas apertadas onde a roupa está muito próxima uma da outra e fica um pouco solta aqui, onde há mais espaço na camisa. Crosshatching. Crosshatching é realmente semelhante à eclosão, exceto que existem linhas que cruzam em várias direções. As ilustrações de Maurice Sendak usam ótimos exemplos de linhas cruzadas. Então você pode ver na barriga do monstro bem aqui que há muitos cruzamentos acontecendo. Novamente, as mesmas regras se aplicam onde é mais denso, é uma área mais escura e onde é mais solta e leve, há menos sombreamento acontecendo. Dappling e stippling. Dappling slash stippling. Sussane, que também atende por Suflanda, é um tatuador e cria uma forma incrível usando stippling. Stippling é pequenos pontos feitos para criar a idéia de forma. Stippling pode assumir vários tipos diferentes de formas. No coelho aqui , são linhas mais curtas contra o vestido, são pontos. Então você pode usar misturar e combinar seus tipos de stippling. Você também pode misturar e combinar diferentes estilos de forma. Por exemplo, nesta peça, Sussane criou stippling e ela também usou eclosão para criar sombreamento. Você pode tipo de como criar sua própria versão. Então, Van Gogh meio que cria esse híbrido estranho entre pontas com esses traços realmente curtos, mas também é como eclodir. Então, há toda uma variação entre essas coisas. Contraste. Às vezes, os artistas usam rua de contraste e cor ou forma para criar forma. Lindsey, a hilariante artista de trocadilhos visuais usa muito desse contraste suave. Ele usa uma boa mudança sutil. Você pode ver isso nas extremidades destes campistas de sorvete de sundae. Há uma cor aqui e, em seguida, outra cor aqui e que o contraste entre as cores cria essa forma. Agora esta é realmente uma versão suave, como esta é apenas uma cor mais escura de amarelo, uma cor mais escura de verde, uma cor mais escura de rosa. Você também pode ir muito extremo com isso como Sarah Beth Morgan faz. Ela usa uma cor muito forte. Ela está usando preto para criar o sombreamento em todas essas áreas diferentes e é apenas um bloco de cores direto para cima. Muito bem, vamos começar a experimentar os nossos sundaes. Então, vou começar com este. Acho que seria divertido criar um pouco de incubação. Então eu vou pegar, eu só vou usar um lápis 6B e eu vou começar aqui embaixo no vidro. Vou criar um pouco de incubação para criar algum sombreamento sob o copo. Eu também vou adicionar um pouco de sombreamento nas gotas de chocolate. Acho que também pode ser divertido adicionar um pouco de incubação aqui. Para este próximo sundae, vou usar um pincel de tinta. Vou treinar e usar a caneta do estúdio. Eu acho que seria muito legal tentar como um daqueles blocos sólidos de sombreamento. Então eu vou criar uma nova camada e eu vou torná-la uma camada multiplicada e eu vou reduzir a opacidade. Então é uma boa maneira, para que eu não tenha que mudar de cor quando eu passar por cima do rosa versus chocolate. Eu posso brincar com a opacidade para decidir o quão escuro ou claro eu gostaria. Eu acho que seria muito legal criar um pouco de sombreamento no chocolate também. Então, se eu criar um pouco de uma linha bem aqui, é realmente meio que fazer com que pareça que o chocolate está se destacando. Também podemos criar uma segunda camada de multiplicação e criar algum sombreamento no próprio chocolate. É provavelmente um pouco mais escuro do que eu gostaria, então reduza a opacidade. Então isso parece muito legal. Acho que outra coisa divertida seria colocá-lo com um pouco de pontas. Então talvez eu queira criar alguns destaques do vidro, como brilhar aqui. É meio divertido. Eu poderia até fazer alguns marrons claros no chocolate ou talvez alguns no biscoito. Nós realmente criamos alguns sutis quando adicionamos um pouco desta textura e cor aqui no creme. Na verdade, já criou alguma forma, alguma forma. Mas acho que seria divertido enfatizar isso com um pouco mais de pontas. Eu também poderia usar alguns stippling para criar um destaque no copo. Talvez você possa tentar um pouco de eclosão, para que eu possa criar um pouco de eclosão ao longo da borda bem ali sob a batota sólida. Se eu diminuir o zoom, eu diria que este bloco sólido é um pouco estreito e eu acho que eu gostaria de apenas expandir isso um pouco. Vamos diminuir o zoom de novo. Sim, isso parece um pouco melhor. Eu poderia refazer a eclosão por baixo disso. Legal, isso é meio divertido. Para esta próxima peça, acho que vou tentar muito mais gradientes já que é para isso que naturalmente gravitar. Então eu vou tentar usar nesta camada multiplicada, um pincel texturizado. Talvez eu use como os artistas cran ou algo assim. Eu só vou criar uma transição suave e gradual no lado do copo. Fica um pouco mais profundo quanto mais longe é. Na verdade, talvez eu vá um pouco mais escuro à medida que se aproxima da borda. É um gradiente suave muito agradável. Vou fazer a mesma coisa no chocolate. Em seguida, em uma camada normal, eu acho que eu vou criar alguns destaques suaves porque essa linha suave realmente cria uma forte diferença. Isso realmente ajuda a se destacar. Eu poderia, de fato, até adicionar um forte destaque no copo, e talvez na base do copo também. Eu acho que também seria divertido adicionar um pouco de sombreamento no copo, novamente com um sombreamento mais suave, mais gradual. Acho que também vou adicionar um pouco de sombra textural no creme aqui em cima, o creme de chicote. Talvez eu até adicione alguns destaques indo extremamente sobre isso. Não é apenas o estilo de sombreamento que você usa que tipo de determinar seu estilo, é também onde você colocá-lo. Algo que eu gostaria de tentar e eu vou fazer uma nova camada de multiplicação para isso talvez sejam algumas sombras debaixo das camadas dentro do sundae. Então talvez eu tente algo por baixo aqui para realmente fazer com que pareça que esta parte superior, este creme rosa superior está vindo sobre o chocolate e talvez eu faça a mesma coisa no topo aqui em cima. Apenas deixe-o desaparecer gradualmente. Gradualmente desaparecem. Então realmente parece que são camadas e é claro que o biscoito merece um pouco de amor. Legal. Finalmente, neste sundae, acho que vou tentar uma mistura entre pontas, eclodir. Vou usar um pincel de tinta e vou usar o de mercúrio. Então eu acho que a primeira coisa que vou fazer é criar alguns destaques. Então eu vou pegar algo realmente leve e vou adicionar um pouco de brilho ao chocolate aqui e também ao copo. Acho que vou adicionar algum reflexo aqui embaixo. Acho que seria divertido adicionar um pouco do biscoito. Eu acho que eu também vou adicionar algum sombreamento geral na camada de multiplicação. Portanto, estas não são linhas sólidas. Eles são meio arrojados. Talvez eu experimente um pouco na parte de baixo do chocolate também. Acho que é um pouco intenso. Então eu poderia ir um pouco mais tarde com talvez também debaixo do copo. Outra coisa que eu poderia tentar é adicionar uma espécie de borda para o copo e mesmo além disso, talvez um pouco de sombreamento no próprio chão. Talvez eu também adicione um pouco de sombreamento no biscoito para que pareça que está por trás desse creme. Lá vamos nós. Acho que isso realmente faz com que esta peça pareça muito mais acabada e completa. Acho que tenho algumas peças muito fortes aqui. 11. Seu guia de estilo/Identifique seu estilo atual: Nós temos um monte de experiências realmente interessantes agora e espero que você tenha descoberto algumas novas maneiras de desenhar que você realmente gosta. Talvez você tenha encontrado alguns que você realmente não gostou. Mas foi tudo uma experiência divertida. Mas, principalmente, era o que era. Foi uma experiência. É algo que eu experimentei, mas é apenas uma única peça de arte. Eu realmente não posso dizer, hey, este é o meu estilo ainda porque eu não usei este estilo consistentemente. Eu só fiz um. O que vamos fazer é integrar essas explorações em nosso trabalho avançando e vamos fazer isso com um divertido desafio de arte no seu estilo. Vamos escolher nossos elementos visuais favoritos que experimentamos nesses sundaes e aplicá-los em uma série de novas peças. Quando você tem uma coleção de várias peças que usam elementos visuais de uma forma um tanto consistente, é quando você pode dizer, “Ei, esse é o meu estilo.” Vamos refletir sobre quais elementos você gosta e que você deseja usar para avançar. Vamos criar um guia de estilo pessoal e não se preocupe, você não está comprometido com essas escolhas para o resto de sua vida. Você sempre pode alterá-los e mudar como você gosta de desenhar as coisas. Refletir sobre o que você faz ou não gosta pode levar a alguns insights realmente úteis e às vezes inesperados e lembre-se, incluir os elementos visuais que você gostou de criar. Como você quer desenhar suas formas? Eu realmente amo essa perspectiva distorcida aqui. Eu acho que isso vai ser muito influente no meu trabalho e eu vou usá-lo no máximo que eu puder seguir em frente. Eu também gostava muito de qualquer coisa que estava arqueando e fluindo como estas gotas de chocolate aqui. Estou realmente surpreso como fiquei inspirado por esta peça geométrica. Pensando nessas camadas e espaços geométricos planos e pensando nas formas dos gotejamentos como estes triângulos simples, realmente inspirou como eu abordei bastante este sundae e este sundae. Acho que quero manter isso na minha cabeça. Eu posso não ser o maior fã deste trabalho perfeitamente geométrico, mas se eu estou me sentindo preso tentando quebrar uma forma em uma forma geométrica muito básica é uma ótima maneira de começar meu cérebro criativo. De que maneiras você deseja usar a cor? Avançando, acho que quero abraçar as mudanças de matiz que são usadas nesta peça. Eu fui de laranja para rosa para pêssego. Eu realmente gostei de usar essa variedade de tons. Eu também realmente gostei deste método de mistura que eu usei ao longo destes dois rosa aqui e eu acho que eu vou usar isso avançando. Que trabalho de linha você quer usar? Quero usar mais linhas avançando. Eu realmente gostei das linhas que eu usei no creme aqui e na base do copo aqui. Eu também gostei muito dos agrupamentos de linhas que eu fiz aqui, e especialmente aqui mesmo. Mas acho que quero ser um pouco mais intencional. Não quero que seja tão solto. Como você gosta de transmitir ou não transmitir forma e forma? Para ser honesto, gostei de todas as diferentes maneiras que uso realce e sombreamento. Eu acho que eu provavelmente vou usar todos eles avançando e essa é a beleza de escolher o seu próprio estilo. Você não tem que manter uma única escolha. Texturas. Que texturas você usará? Eu realmente gostei da mistura de cores e as texturas que eu usei nesta peça aqui e eu acho que vou continuar a usá-lo de uma forma intencional perceptível como eu tenho as riscas aqui. Eu realmente gosto dessa textura. Eu também gosto muito da maneira que eu fiz a textura aqui, como em um ângulo muito proposital. Mas eu amo a mistura de todos eles juntos. Eu não sou selvagem sobre o grão que eu usei e os gradientes que eu usei nesta peça. O grão parece legal, mas não é para mim. Adoro as texturas a lápis que usei nesta peça. Mas eu acho que eu gostaria que fosse um pouco mais exagerado porque agora eu tenho que ampliar para realmente ver os detalhes dele. Estilo é como caligrafia. Você pode tentar imitar a assinatura de outra pessoa. Mas quando você está com pressa, você está escrevendo Will apenas vai sair como ele faz naturalmente. A forma como desenhas é a mesma. É instintivo e natural para você e enquanto você pode exercer sua caligrafia para torná-lo mais legível ou bonito, você ainda provavelmente vai padrão para sua maneira instintiva de escrever a letra a. O mesmo é verdade para nossos estilos de desenho. Podemos trabalhar para mudá-lo, mas parte do seu estilo vai ser completamente intuitivo, mas definir o que é, o que compõe nosso próprio estilo natural pode ser insanamente difícil porque muitas vezes somos cegos para o que nos torna único. Há coisas que fazemos que são tão óbvias para nós que é como respirar. Nem percebemos que estamos fazendo essas escolhas ou tentando dessas maneiras. Nesta lição, vamos fazer alguns exercícios divertidos diferentes para tentar ajudá-lo definir seu estilo um pouco mais claramente para que você possa ver o que é que o torna único. Seu top nove. Primeiro, quero que reúna entre três e nove de suas peças favoritas. Vamos fazer referência a estes para os próximos exercícios. Eu quero que você considere as peças que você mais orgulha, mas também pense naquelas que você mais gostou de fazer e aquelas que você está mais feliz com os resultados. Pode ser uma mistura de todas essas coisas. Agora você pode organizar isso em uma fantasia top nove Instagram postagem, ou você pode simplesmente colocá-los em um documento completamente. Eu encorajo você a compartilhá-los em seu projeto Skillshare. Aqui estão os meus. Preencha o espaço em branco. Agora vamos tentar um divertido estilo Mad Libs preencher o exercício em branco. Quero que crie três adjetivos visuais que descrevam o visual da sua arte. Sinta-se livre para bater em pausa e tomar um momento para inventar suas próprias palavras. Você não precisa escolher a partir desta lista. Sua arte é monocromática, realista, leve , confuso, macio, bonito, esboçado, brilhante, único , incomum, colorido, cartoony, complexo, conceitual, deslumbrante, decorativo, fluido, estilizado? Olhando para as minhas peças, eu provavelmente diria bonitinho, feminino e colorido. Em seguida, eu quero que você venha acima com algumas palavras para descrever a vibração ou o sentimento de seu trabalho. vez, sinta-se livre para bater em pausa e tomar um momento para chegar com suas próprias palavras. Você não precisa escolher a partir desta lista. Escuro, adorável, inocente, ousado, calmo , glamouroso, organizado, sincero, tranquilo, nervoso, direto, misterioso, brincalhão, romântico, sofisticado, tradicional, psicodélico, de bom gosto. Mais uma vez, para a minha colecção de arte, penso que estas peças são todas um pouco calmas ou tranquilas. Talvez não todos eles, mas sim, no geral, esse é o sentimento. Meu trabalho está na caricatura, mas não sinto que tenha essa vibração de desenho animado. Talvez eu queira destacar isso. Acho que tem um toque de sofisticação. Em seguida, eu quero que você anote os assuntos que você desenha com frequência. Vejo muitas cenas, animais e letras. Finalmente, quero que anote o meio de arte que usa. Todos eles são feitos no Procreate, então eles são todos arte digital. Vamos juntar tudo. Quando alguém pergunta que tipo de arte você faz, você pode dizer que eu crio, inserir sua escolha da vibe ou sentimento, inserir seu objetivo visual, inserir o tema da arte que você desenha, e também insira a mídia artística que você usa. Para mim, posso dizer que crio cenas coloridas e tranquilas no Procreate. Se quiser, pode pegar alguns adjetivos. Você pode reorganizar o texto ou você pode até mesmo remover parte da equação aqui. Por exemplo, embora eu ame desenhar cenas e montras, é apenas cerca de metade da arte que eu crio. Talvez eu queira remover este assunto neste Mad Lib. Talvez para você, o assunto seja realmente consistente, mas talvez eu possa expandir o meu dizendo, eu crio ilustrações digitais bonitas e coloridas com um toque de sofisticação. Ta-da. Agora você tem uma maneira simples e fácil de descrever o trabalho que você faz para outras pessoas. Claro, isso não encapsula tudo sobre seu estilo. Vamos tentar mergulhar um pouco mais fundo. Vamos dar um mergulho mais profundo em examinar nosso próprio estilo. Aqui estão algumas perguntas para você começar. Você percebe algum padrão ou temas recorrentes? Agora, isso é algo que pode não ser visualmente aparente, mas eu pessoalmente sei que mais da metade das peças que eu escolhi foram inspiradas por viajar que eu fiz ou viajar que eu gostaria de fazer. Eu sei que viajar é uma grande parte do que influencia meu estilo, mesmo que não seja super óbvio na arte em si. Outro padrão que notei é que eu sempre tento fazer alguns detalhes pop usando muito alto contraste, enquanto o estilo geral é cores suaves e suaves, eu realmente gosto de fazer alguns detalhes pop porque eu sinto que faz você quer olhar mais fundo na arte. Algumas outras perguntas a fazer a si mesmo podem ser : o que você quer que seu público sinta quando olha para o seu trabalho? Quais temas você gosta de explorar? Sua arte tem uma mensagem? Liste três coisas que você ama no seu estilo. Compare seu estilo com a arte que odeia. Se você está realmente lutando para articular como é a sua arte, outro exercício é compará-la com a arte que você odeia. Como sua arte é diferente? É diferente na vibe, nos estilos visuais ou nos temas? Eu não vou colocar nenhum exemplo para isso porque parece rude colocar a arte de alguém em explosão que eu odeio. Mas o que eu vou dizer é que eu geralmente não gosto de arte que tem temas violentos ou que são realmente nojentos e nojentos. São engarrafamentos de algumas pessoas, mas não é meu. Que tipo de arte você odeia? Para mim, talvez isso seja duro, violento, infeliz, assustador, nojento. Então qual é o oposto dessas coisas? No meu caso, seria gentil, leve, mais feliz, pacífico. Pergunte aos amigos. O atalho para definir seu estilo atual, pedindo amigos confiáveis. A maneira como nos vemos não é a maneira que os outros nos veem. Pergunta a uns amigos : “Quero pedir-te um favor. Estou trabalhando para melhorar minha ilustração esclarecendo o que me torna único, mas é difícil ver a si mesmo como os outros fazem. Você vai me dizer três palavras que você usaria para descrever minha arte?” Procure respostas comuns e veja o que ressoa em você, suas diferenças, sua identidade. Às vezes, o que nos torna únicos é claramente óbvio e podemos ter vergonha disso, ou querer diminuir essa parte de nós mesmos. É da natureza humana querer se encaixar. Talvez você tenha crescido em um ambiente que ostracizou ou gozava de pessoas que eram diferentes ou que se destacavam. Mas eu quero encorajá-los a dar uma segunda olhada nessas coisas e se é realmente do seu interesse diminuir quem você é, o que faz você diferente pode muito bem ser sua maior força. Por exemplo, eu fui pego muito na infância. As pessoas zombavam da minha aparência, particularmente do meu cabelo e do meu entusiasmo. Mas agora esses são alguns dos meus maiores pontos fortes. Sou mais memorável por causa do meu cabelo, por causa da minha personalidade. Como mencionei antes, seu estilo é sua caligrafia. Você pode tentar imitar a caligrafia de outra pessoa, mas sua própria caligrafia natural vai continuar escapando. Enquanto jogamos com esses diferentes exercícios, tentando estar atentos às coisas que continuam passando, as coisas que você continua fazendo sem perceber, ou mesmo quando você não pretende. Esses são os pequenos sinais para o seu estilo. As coisas que você vai querer prestar atenção, coisas que você vai querer se apoiar. 12. Desenhe isso no seu estilo artístico: crie sua série: Para o desafio da arte. Para ajudar você a criar um estilo coeso e consistente, vamos desenhar isso em seu desafio de arte de estilo. Eu ilustrei quatro guloseimas que você também pode recriar usando os elementos que você listou em seu guia de estilo pessoal. Se você realmente quiser aumentar o desafio, incluí as fotos de referência para essas peças e você pode começar a partir daí, em vez das minhas ilustrações. Às vezes, acho um pouco mais fácil recordar o que alguém já fez, então você pode começar com minhas ilustrações e começar a partir daí. Você pode pegar as imagens de referência na guia Recursos. Não deixe de compartilhar sua arte em seu projeto Skillshare. Você pode adicionar imagens adicionais ao seu projeto à medida que as cria, atualizando seu projeto. Aqui estão algumas dicas para trabalhar em sua série. Para que esta série pareça realmente do mesmo estilo, você precisará ter algum nível de consistência entre todas as peças. Mas você nem sempre precisa usar exatamente o mesmo elemento estilístico em cada peça para que esse estilo pareça coeso Algumas consistências importantes ajudarão a unir as coisas. Usar um assunto temático ajudará, ou seja uma série de desertos, que é o que estamos fazendo. Eu sugiro fortemente que usar a mesma paleta de cores, pois a cor é uma maneira incrivelmente fácil de agruparmos algo instintivamente. Na minha série, usei a mesma paleta de cores, mas variei as cores de fundo, o ajudou cada obra de arte a se destacar outra enquanto ainda parecia parte de um todo. Ter vários elementos que são visíveis e usados de forma consistente em cada peça permitirá que você experimente as diferenças entre a arte individual. Por exemplo, usei linhas muito diferentes nessas duas peças. Eles não usam o mesmo tipo de linha. Você tem permissão para usar uma variedade de estilos. Gostei muito de brincar com a escotilha neste copo geométrico. Eu incluí isso nessas duas peças aqui. Minha maneira natural e instintiva de criar sombreamento é usar gradientes como fiz nesta peça, e não abandonei isso nesta série sobre sobremesas. Você pode ver nas framboesas aqui que usei muitos gradientes para criar esse sombreamento. Eu até fiz isso nas fatias do bolo. Faça o que desperta alegria. O fundo do meu bolo aqui era muito simples, então eu queria adicionar esses pequenos brilhos para decorar o fundo. Gostei tanto de adicionar esses detalhes que os adicionei a praticamente todas as outras peças. Não é algo que eu explorei fazer em meus sundaes, mas gostei. Não se sinta tão preso ao seu guia de estilo ou às escolhas de estilo que você fez no passado, a ponto de não poder trazer algo novo, algo que o deixe feliz com o resto de sua arte. A experimentação leva tempo, então não desanime se você não ficou feliz com cada uma de suas peças. Na verdade, desenvolvi vários estilos diferentes para essa aula e nem acabei usando ou compartilhando. São necessárias algumas peças diferentes e pratico para que eu integre as partes de estilo que estou tentando incluir. Isso não acontece fazendo isso apenas uma vez. Fica mais matizado, eu fico mais específico sobre como eu introduzo esse elemento. Além disso, é totalmente normal não amar todas as suas peças da mesma forma. Costumo ler uma peça na qual estou super inspirada e fico muito chateada quando as outras peças uma série não parecem, como eu não sei, novas, empolgantes ou satisfatórias como a primeira peça. A verdade é que algumas peças serão melhores do que outras. Mas às vezes também fico tão inspirada pelo processo de desenhar algo que fico um pouco cega quanto aos resultados finais. Além disso, às vezes, depois de ficar olhando para uma dessas peças decepcionantes por um tempo e depois voltar a ela, acho que na verdade gosto muito mais dela do que gostei. Então, outras vezes, as pessoas são realmente atraídas pelas peças que eu nem gostava em primeiro lugar. Você pode desenhar uma peça todos os dias ou, se for como eu, pode trabalhar em todas elas ao mesmo tempo. Quando eu me sentir preso em uma peça, vou mudar para outra peça. Às vezes, obtenho inspiração para a peça em que fiquei preso trabalhando em uma nova peça ou revisando peças que já concluí. Por exemplo, eu estava sentindo que o leite e os biscoitos estavam bem simples, então fui até meus sundaes originais e me lembrei do sombreamento geométrico que fiz naquele copo geométrico, então integrei isso. Outra dica para encher o estoque é examinar todas as peças juntas. não só pode inspirá-lo a adicionar algo interessante à peça em que você está trabalhando atualmente, mas você está trabalhando atualmente, mas ver a série como um todo o ajudará a fazer escolhas para manter sua coleção coesa e com um estilo consistente. 13. Ganhe um ano de Skillshare: Para lhe dar um pouco de motivação extra para praticar seu novo estilo chique, estou aumentando a aposta organizando dois brindes por um ano de Skillshare. Vou escolher um vencedor dos projetos Skillshare e um do Instagram, então você terá duas chances diferentes de ganhar. Para entrar no Skillshare, tudo o que você precisa fazer é enviar um projeto para esta classe. Você pode fazer upload dos experimentos do seu domingo ou qualquer uma das artes Draw This In Your Style. Também vou apresentar um segundo sorteio separado no Instagram. Para entrar nesse sorteio, compartilhe sua arte Draw This In Your Style no Instagram. Você pode compartilhar uma única imagem ou compartilhar várias para várias entradas. Mencione a classe na legenda e certifique-se de usar a hashtag #DTIYSBrooke. Isso é “Draw This In Your Style, Brooke” para garantir que eu possa encontrar sua entrada. Você pode encontrar mais detalhes desse sorteio no meu Instagram @paperplaygrounds. Ambos os vencedores serão escolhidos aleatoriamente, e eu vou anunciar o vencedor na aba de discussão desta classe. O prazo para entrar é 31 de agosto de 2021. Estou tão ansioso para ver sua arte. Eu adoro ver suas belas tomadas criativas nesses projetos. 14. Voz artística: Voz artística. Passamos a maior parte desta aula focando no aspecto visual do estilo, como sua arte se parece. Mas há muito mais no que faz o seu estilo do que estritamente os visuais. Você pode trabalhar ativamente para mudar seus visuais, mas haverá partes do seu estilo que o acompanharão quer você mude a maneira como desenha linhas e formas, quer você troque meios ou ferramentas, e não como seu Voz artística. Sua voz pode ser os tópicos que você escolhe desenhar, a vibração que ela cria ou a mensagem que ela compartilha. Sua voz é muito você, quem você é e suas perspectivas. Estas coisas também afetam o seu estilo e se você gostaria aprofundar o tema do desenvolvimento de sua voz artística, eu recomendo vivamente verificar o livro de Lisa Congdon, Encontre sua voz artística. Para alguns artistas, sua voz é mais dependente do assunto que eles cobrem em vez do aspecto visual de seu estilo, e alguns artistas são muito mais consistentes com seus visuais do que com seu assunto. Ambas as versões são válidas. Algumas pessoas são muito intencionais com sua voz. Eles são muito claros com quem eles são como um artista e eles são muito bons em expressar isso e algumas pessoas nem sequer percebem que eles têm uma voz, é mais uma coisa subconsciente do que uma coisa consciente. Você não tem que ser profundo ou sério com sua voz, sua perspectiva pode simplesmente ser, Eu quero colocar coisas mais bonitas no mundo. Compreender sua voz é uma grande parte do desenvolvimento de seu estilo e um ótimo exercício para isso é fazer a si mesmo as seguintes perguntas. Que vibrações você está tentando criar? O que você quer que seu público experimente? Por exemplo, você está tentando criar arte que tenha uma sensação relaxante? Que opções visuais ou temáticas você pode fazer para apoiar essa vibe? O que você está tentando dizer com sua arte? Isso pode ser algo significativo e profundo ou pode ser uma emoção leve. Por exemplo, a mensagem por trás desta peça é, eu quero comemorar o aniversário de alguém. Mas, novamente, entender a mensagem por trás de sua arte pode ajudá-lo a fazer escolhas visuais e temáticas para apoiar isso. O que você está tentando colocar no mundo? Que experiências você está tentando cultivar? É uma mensagem, uma emoção, é simplesmente uma apreciação do objeto que você está desenhando? Você pode achar útil puxar peças que você já criou e fazer essas perguntas sobre essas peças ou até mesmo fazer essas perguntas sobre obras de arte que você admira de outros artistas. 15. Como lidar com a comparação: Quando eu exportei na minha primeira feira profissional de ilustração, fiquei tão impressionado com todos os artistas incríveis lá fora. Foi um verdadeiro despertar que se eu quisesse empilhar profissionalmente, eu realmente precisava fazer arte melhor e mais interessante. Essa percepção foi muito importante para mim. Eu tenho trabalhado na minha própria bolha e eu não tenho conhecimento de tudo ao meu redor e do que todos ao meu redor estavam fazendo. A verdade honesta era que eu realmente precisava colocar mais esforço na minha arte. Mas também senti esse sentimento absoluto de incapacidade esmagadora de agir diante dessa tarefa de subir de nível, tentando se destacar da multidão. Como diabos eu ia me destacar? Como diabos eu seria capaz de fazer isso? Eu me senti mal por me comparar a todos esses artistas que eu admirava. Precisava de um equilíbrio. Eu precisava me sentir inspirado ao ver o que outros artistas estavam fazendo. Mas não tanto que eu comecei a me sentir mal comigo mesmo. Na melhor das hipóteses, a comparação é aprender e melhorar a si mesmo. Na pior das hipóteses, faz-te sentir uma porcaria e pára o teu progresso. É um ato de equilíbrio muito delicado, e eu não sou especialista nesse ato de equilíbrio e eu ainda tenho dificuldade em comparação. Eu até lutei com comparação enquanto eu estava desenvolvendo esta aula porque trabalhar em seu estilo pode ser um tópico muito sensível. Não sou especialista em conquistar os lados ruins da comparação. Mas eu queria compartilhar com vocês dez coisas que me ajudaram a lidar com isso. Consumo consciente. Estou ciente de como o consumo inconsciente ou irracional de mídia está me fazendo sentir. Depois de rolar o Pinterest ou o Instagram, sinto-me inspirado ou sinto-me mal? Quando notei que meus sentimentos de ciúme estão entrando em alta velocidade, vou fazer uma desintoxicação nas redes sociais. Claro, ele não precisa ser preto e branco, ou você está usando mídias sociais ou você não está usando mídias sociais. Compreender a si mesmo é uma coisa muito importante nisso. Você pode achar que seu hábito noturno de percorrer Instagram não está realmente servindo você para se manter inspirado. Talvez ler um livro seja uma maneira melhor de lhe dar inspiração criativa enquanto relaxa antes de dormir. Para mim, notei que sou um pouco sensível de manhã. Eu acho que minhas manhãs realmente me ajudaram a definir meu dia de folga, então eu realmente evito mídias sociais, e-mails ou TV durante essas primeiras horas. Não quero ser bombardeado pelo que todos querem que eu faça uma prioridade. Esse tempo é para eu me centrar para refletir sobre o que eu quero fora do dia. Também tento evitar as redes sociais quando me sinto emocionalmente sensível. Se algo me aborreceu ou estou me sentindo deprimido. Naqueles momentos, eu poderia ser um pouco mais sensível a comparações, então, em vez de ir para as redes sociais, talvez eu vá assistir vídeos do YouTube ou jogar um jogo para relaxar em vez do pergaminho. Evite a comparação passiva. Eu também estou consciente sobre quando eu tomar em comparação. Para mim, achei que é mais útil quando posso agir imediatamente sobre isso. Muitas vezes estou olhando para ideias para o meu estilo ou fotos de referência quando estou trabalhando em uma peça ou quando estou pesquisando para uma peça que eu possa fazer uso dessa comparação imediatamente. A comparação passiva é quando eu costumo me sentir como, “Eu não estou medindo”. Eu costumo tentar evitar apenas olhar para olhar. Você é o que come. Outra maneira que eu me inspiro artisticamente é que eu consumir mídia que me inspira, mas não é a mídia em que eu crio, então para mim isso é ilustração. Eu sinto muito fortemente que isso me ajuda a trazer uma nova perspectiva para o que eu crio, mas também me permite me inspirar sem ser sugado para aquela armadilha de comparação. Minha criatividade é como um poço, preciso preenchê-lo com inspiração, preciso encher a água. Às vezes, criar será sua própria inspiração, mas às vezes eu preciso preparar a bomba, criar em vez de consumir. Sinto-me melhor quando passo o tempo a criar, não apenas a consumir, simples assim. Em vez de jogar no meu telefone à noite, talvez seja melhor eu jogar com alguns subsídios ou marcadores. Comparar-me a mim mesmo. Eu levo tempo para me comparar a mim mesmo. Quando vejo o progresso que fiz, posso orgulhar-me disso. Eu levo tempo para praticar, me sinto bem com minha arte, admirando o que eu fiz. Eu salvei obras de arte que eu fiz ao longo da minha vida, e é muito bom olhar para mim mesmo anos atrás. Também é bom me comparar com o trabalho que fiz no ano passado. Rolar de volta para imagens antigas no Instagram é uma maneira muito agradável de olhar para o meu progresso. Eu encorajo você a salvar seu antigo trabalho de arte, mesmo que apenas por esta razão. A coisa boa de se comparar a si mesmo é que, você pode ver o progresso e você pode apreciar a jornada, a jornada criativa que você está em. Veja o quadro inteiro. Quando estou com ciúmes, tento me lembrar que a vida é mais do que apenas como estou fazendo profissionalmente ou artisticamente. Tenho outras coisas que preciso equilibrar, como relacionamentos, saúde mental, saúde física, família. Lembro-me que há mais de um aspecto da minha vida para ser feliz e grato. Talvez eu não seja o artista mais popular do Instagram. Talvez eu não tenha a maneira mais legal de desenhar as pessoas, mas eu também tenho um jardim chute bunda, que eu amo passar tempo e eu sou muito melhor em manter as plantas vivas do que eu era anos atrás, e isso me faz feliz e Orgulhoso. Lembre-se, a grama é sempre mais verde. Me ajuda a lembrar que quando estou me comparando com outra pessoa, eu não conheço sua vida plena. Eles podem estar lidando com um diagnóstico de câncer, uma perda na família, ou ter uma infinidade de outras coisas, com as quais eu não trocaria minha vida. Isso pode levá-los a fazer as coisas que eles estão fazendo que eu tenho ciúmes. Se tenho ciúmes do sucesso de alguém nas redes sociais, tenho que lembrar que eles podem estar pagando um custo que eu não estou disposto a pagar. Talvez eles passem mais tempo tirando fotos de suas férias onde eu preferiria estar aproveitando o momento. Talvez eles dedicem vários dias da semana para trabalhar em suas mídias sociais e isso não é algo que eu quero fazer. Talvez gostem de fazer essas coisas mais do que eu. Nossas vidas são diferentes, nossos impulsos são diferentes, nossos desejos são diferentes. Isso está tudo bem. Não é justo comparar as pessoas com as pessoas. Auto-validação. Em última análise, a melhor maneira de afastar essa armadilha de comparação é manter uma auto-estima saudável, reconhecimento externo, elogios, e tudo isso é maravilhoso e ótimo. Mas se uma peça não conseguir um monte de curtidas postando nas mídias sociais, eu ainda valorizo meu próprio trabalho. Sei que melhorei. Sei de que partes desta arte me orgulho e isso importa para mim. Não estou apenas criando arte para compartilhar com o mundo que estou criando, para aproveitar o processo. Não sou uma ilha e ainda preciso do apoio de outros humanos, então trabalhei para nutrir e construir relacionamentos com pessoas que me amam, pessoas que me apoiam e podem me apreciar. Se você não tem grande auto-estima atualmente, saiba que é algo que você pode desenvolver. Se você tem um monte de pessoas que estão desencorajando sua prática artística, talvez pare de compartilhar com eles e procure novas pessoas para compartilhá-lo. Afinal, esta é a sua vida, mude sua perspectiva. Aceitação. Às vezes, o espelho de comparação nos dá um reflexo doloroso, mas preciso, de onde temos algumas fraquezas. Às vezes, a melhor coisa que você pode fazer é aceitar isso. Aceitação não significa que você desiste do progresso. Sim, você pode não ser bom em sombreamento ainda ou anatomia ainda. Isso pode ser verdade, mas ajuda a julgar a si mesmo e dizer : “Sou o pior artista do mundo, sou péssimo, e nada que eu faça acaba bem.” Bem, agora você ainda é um novato no sombreamento e você se sente mal consigo mesmo. Você só está piorando uma situação normal. Em vez disso, pode ser mais útil dizer, eu luto com o sombreamento. Sei que essa é uma das minhas fraquezas. Eu posso procurar aulas e recursos para me ajudar a descobrir a sombra melhor e praticar isso ou eu vou praticar sombreamento na minha próxima peça ou você também pode dizer, eu não sou bom em sombreamento, e tudo bem. Concentro-me em usar combinações de cores realmente atraentes. O auto-reforço positivo ajuda a progredir mais rápido do que nos bater. outro lado, aceite seus pontos fortes, muitos elogios de artista que eles recebem. As pessoas estão apenas a ser simpáticas. Eles não querem dizer as coisas boas que dizem. Não faça isso. Não menospreze suas realizações, seja desviando um elogio ou rejeitando internamente suas próprias realizações. Divirta-se com seu próprio sucesso, mesmo que seja apenas por um momento, mergulhe nesses elogios como um raio de sol e não os afaste. Ter orgulho das coisas que você faz bem, vai mantê-lo encorajado a continuar. Reconheça como se sente. Não ser bom em algo, é uma droga, e não me sinto bem. Fico envergonhado quando não sou bom em algo, que é o pior. Pode ser frustrante ou decepcionante não ser bom nas coisas. Eu sou uma criatura altamente emocional e às vezes apenas reconhecer ou identificar meus sentimentos me ajuda a deixá-los passar ou como Elsa diria, deixe pra lá. Quando sinto comparação ou não me sinto como se estivesse à altura de onde gostaria de me ver, posso sentir tristeza, vergonha, desamparo, raiva, vulnerabilidade, constrangimento, decepção ou frustração. Tudo bem se sentir assim. Às vezes, em vez de apenas gostar de ter esse sentimento instável de perturbação dentro de você, reconhecer o que você sente pode ser útil. Então você pode deixá-lo ir e comprometer-se a trabalhar para melhorar ou aceitar essa fraqueza. É mais fácil dizer : “Estou me sentindo assim.” Este é apenas um sentimento e vai passar e você pode deixá-lo ir e continuar a trabalhar para melhorar ou aceitar qualquer fraqueza que começou a fazer você se sentir assim. 16. Trabalhando com diferentes estilos: Trabalhando em vários estilos. Um dos tópicos mais comuns que surge quando se fala de estilo é o medo de ser preso em apenas trabalhar em um estilo. Como artistas, todos nós somos naturalmente curiosos, queremos explorar diferentes temas, diferentes materiais de arte, diferentes técnicas; em suma, é divertido jogar com estilos diferentes e não há nada de errado com isso. Na verdade, é uma parte importante do seu desenvolvimento artístico. Eu diria, e eu acho que muitos outros artistas profissionais argumentariam, que é realmente importante que você tenha tempo e espaço para exploração em sua arte. É especialmente importante no início quando você está se familiarizando com uma ferramenta, uma técnica ou começando sua jornada artística. Exploração e experimentação com estilo é como você encontra seu estilo. Na verdade, se você se comprometer a trabalhar apenas em um estilo muito cedo, você pode atrasar seu crescimento criativo como artista. A importância do estilo. Mas, por outro lado, há também um benefício inegável em ter um estilo único e identificável que é seu próprio. Se alguém pode olhar para o seu trabalho na natureza e ser capaz de dizer, “Oh, ei, essa é uma Brooke Glaser.” Ou insira seu nome lá. Isso é muito importante, ajuda você a se destacar da multidão, ajuda você a se tornar mais reconhecível e mais popular, é uma coisa muito importante. Trabalhando em vários estilos. Ter um estilo consistente ou comprometer-se com um estilo específico não significa a morte de sua exploração artística. Na verdade, muitos artistas de sucesso trabalham em vários estilos e há muitas maneiras de abordar isso. Não há maneira errada ou correta, esta é sua vida, sua arte e sua carreira. Vamos examinar três maneiras diferentes que você pode abordar trabalhando em vários estilos. Número 1, ter tudo sob uma marca. Se você der uma olhada no trabalho de Lisa Congdon, é incrível. Seu estilo de renderizar retratos e trajes de banho em seu livro, The Joy of Swimming é bem diferente de sua ilustração digital feita em Procreate como este exemplo com sua colaboração com o sabão Method. Ela é uma artista de muito sucesso. Dois, crie marcas diferentes para seus estilos diferentes. Pode fazer sentido em alguns casos separar seus estilos em diferentes marcas e eu acho que a Teagan White é um exemplo incrível disso. Teagan White cria incríveis desenhos detalhados de animais que morreram, e ela os vende como trabalhos originais e estampas e adesivos. Ela também cria essas adoráveis criaturas da floresta para produtos infantis sob a marca Tiny Moth Studio. A vida selvagem é claramente o foco dela. Ela usa a mesma paleta de cores e ela poderia, em teoria, desenhar esses estilos diferentes sob seu nome como Lisa Congdon faz. Mas Teagan é muito inteligente sobre isso. Estas audiências para estes dois tipos de estilos de arte são realmente diferentes e provavelmente faz muito mais sentido para ela dividir estes em duas marcas. Pessoas que estão interessadas em arte infantil fofa, eles podem ser desligados por imagens de vida selvagem morta, e o público que aprecia sua abordagem auto-proclamada para celebrar a vida e a morte no mundo natural, O que, não é uma maneira incrível de descrever o que ela faz? Bem, esse público pode não ter nenhum interesse em animais de crianças bonitas. Número 3, e se tudo isso é demais para suportar e você realmente não quer se comprometer a ficar em um estilo específico, você quer ser um camaleão estilo, tudo bem também. Você poderia ser um artista interno realmente incrível e isso pode ser uma coisa realmente valiosa para as empresas. Trabalhei em casa como artista para uma empresa de moda, e eles compravam arte de outros artistas e me faziam ajustar os desenhos para atender às suas necessidades. Às vezes eu tinha que redesenhar uma flor, ou adicionar cinco flores diferentes no mesmo estilo, mas não exatamente o mesmo, ou eu teria mudado o tamanho de algo. Ser um camaleão de estilo também é uma habilidade. Para mim, pessoalmente, parei de querer replicar qualquer estilo e queria começar a trabalhar no meu próprio estilo, e quanto mais você experimenta, mais você pode descobrir que isso é verdade para você, ou você não, e isso é bom também, Não há nada de errado com isso. Existem diferentes partes da sua jornada artística. Em um momento, eu queria ser um camaleão estilo e eu só queria brincar com estilo e então em outro ponto, eu não fiz. Isso não é incomum, é normal. Como artista, você tem permissão para experimentar, você tem permissão para evoluir seu estilo de arte. Na verdade, você provavelmente vai ficar entediado ou estagnado se não o fizer. A maioria dos artistas que conheço estão sempre crescendo e evoluindo. Mesmo se você é um artista estabelecido, se você tem um estilo estabelecido, experimentação ainda é uma parte saudável de ser um artista. Estou constantemente ouvindo artistas profissionais com estilos definidos falando sobre a importância deles para o tempo para o trabalho pessoal, para a exploração e experimentação, e eu acho que isso é apenas uma parte inata de ser um artista. Além disso, os estilos gerais também mudam. Assim como a moda, alguns estilos de arte saem, e também como moda, tudo parece voltar, mas você não tem que usar a mesma moda para todo o resto de sua vida, você não precisa ter o mesmo cabelo para o resto de sua vida, você também não precisa ter o mesmo estilo de arte para o resto de sua vida. Se você olhar para David Hockney, o pintor infame, ele começou sua carreira na década de 1960 e seu estilo mudou significativamente nas décadas seguintes. Seu estilo vai mudar e evoluir. Meu estilo mudou porque o trabalho que eu estava fazendo mudou. 17. Consistência e como escolher seu estilo: Vamos falar de consistência. Outra preocupação comum de estilo é não ser capaz manter o seu estilo de uma peça para a outra. Se você sentir que cada peça que você desenha parece completamente diferente um do outro, há um par de coisas que poderia estar acontecendo aqui. Pode ser que você precise trabalhar em suas habilidades técnicas. Se um cliente quiser contratá-lo, você precisará da capacidade técnica para replicar seu próprio estilo. Quanto mais você entender o que faz esse estilo, como a linha, forma, cor, os elementos que passamos nesta classe, quanto mais você entende e pode vê-los e identificá-los, mais fácil será ser separar esses elementos e refazê-los. Além disso, quanto mais prática você tiver com suas ferramentas, mais confiante e melhor você estará com elas. Se você não acha que pode replicar um estilo de uma peça para a outra, pode ser que você não tenha gasto tempo suficiente trabalhando no lado técnico de sua embarcação. Praticando um pouco todos os dias para que você possa se sentir confiante em seus movimentos de mão para que você possa prever a maneira onde seu círculo e suas linhas vão acabar, você faz isso. Isso é algo que eu fiz muito no início da minha jornada artística foi apenas desenhar círculos e ter certeza que eu poderia realmente desenhar o que eu estava pretendendo desenhar. Use e explore suas ferramentas para que você esteja familiarizado com elas e possa usá-las quando precisar. Se você é um iniciante em um novo meio ou para desenhar, é realmente normal que você pode não sentir que você pode fazer as ferramentas fazer exatamente o que você quer que eles façam imediatamente. Ninguém entra na academia e pode levantar imediatamente 200 libras pela primeira vez. Eles têm que praticar suas habilidades e trabalhar até isso. Esses músculos artísticos são exatamente isso. São músculos. São coisas que você desenvolve e você fica melhor. Então, se você não se sentir confiante em sua capacidade técnica replicar um estilo, continue praticando. É algo que vai ficar mais fácil com o tempo. Tudo o que disse, outra coisa que pode estar acontecendo é que, às vezes, como artistas, não somos os melhores julgadores de nossa própria consistência. Às vezes somos cegos para o que é consistente em nosso trabalho porque é tão óbvio para nós que nem sequer pensamos nisso. Se você não é um iniciante, iniciante, eu perguntaria a um amigo de confiança se eles podem dizer o que é consistente sobre o seu trabalho, se eles podem dizer que uma peça da próxima é realmente sua. Felizmente, os exercícios acima ajudaram a abrir os olhos para identificar as maneiras únicas que você desenha as coisas. Por exemplo, fazendo essa aula, eu percebi que eu sou muito específico na maneira que eu sombreo as coisas e eu sempre as sombreo de uma certa maneira, e isso é verdade não importa o assunto que eu desenhe, ou talvez para você é o seu uso consistente de contornos em todas as suas peças. FOMO ou síndrome do objeto brilhante. Outra preocupação com a consistência é FOMO ou síndrome do objeto brilhante, e você está sempre sentindo que você quer tentar algo novo porque pode haver algo melhor lá fora para você. Bem, se é você, eu sinto você. Definitivamente sou eu também. Às vezes desenho para mim e não compartilho o trabalho. Mas qual é a graça disso? Uma maneira que eu abordei compartilhar trabalho experimental ou trabalho que não é o meu estilo habitual é realmente trabalhar em uma série ou apresentar meus experimentos como uma coleção em vez de apenas peças únicas. Por exemplo, em outubro, eu queria me limitar a trabalhar em preto e branco para que eu pudesse me concentrar exclusivamente em formas em vez de confiar na cor, que é uma grande parte do que eu uso. A cor é uma grande parte do que eu faço. Ter essas peças em preto e branco teria se deparado realmente chocante porque é tão diferente do meu estilo. O que eu fiz foi apresentar isso como uma série em vez de apenas uma peça única. Eu poderia mostrar isso como nove imagens em uma imagem para que você pudesse dizer como, hey, esta é uma série de peças, ou eu poderia colocar no meu Instagram e colocar seis ou três ou nove para que houvesse várias peças seguidas para que eles se sentissem como, Isto é uma coisa. Eu gosto de brincar com letras e muito desse trabalho que é apenas letras podem parecer chocante quando é retirado do contexto. Alguém vai ao meu portfólio, eles podem ser como, hey, este artista faz letras ou ilustração? Mas se eu agrupar essas peças em uma única categoria ou projeto no meu portfólio como aqui estão todas as minhas letras, agora não me sinto tão incongruente. Talvez essa seja uma idéia de como você pode abordar, experimentar novos estilos enquanto ainda mantém algum grau de consistência em seu trabalho. Sobrecarregar. Se você luta com consistência porque você se sente sobrecarregado por escolhas como você não sabe quais paletas de cores você gosta ou quais pincéis você mais gosta de usar, restrições criativas talvez um de seus melhores amigos. Você pode tentar desenhar o mesmo objeto uma vez por dia na próxima semana, ou decidir que você só usará um ou dois pincéis para a próxima peça, ou se comprometer com a mesma paleta de cores para as próximas três peças. Limitar suas escolhas em uma área irá libertá-lo para explorar outros elementos do seu estilo sem tanta pressão para obter cada componente perfeito. Não seja muito duro consigo mesmo. Se você só desenhou uma pessoa uma vez, você não pode esperar que você tenha um estilo de desenhar as pessoas. Desenhe 10 pessoas e veja o que há em comum com essas pessoas. Se você é novo na arte digital, você não deve esperar saber quais pincéis você mais gosta imediatamente. Vai levar algum tempo e experimentação. Tudo isso não acontece da noite para a maioria das pessoas. Tenho certeza que ouviu isso de outros artistas que admira. Se isso não acontece da noite para eles, por que você deve ser tão duro consigo mesmo para esperar que isso aconteça para você da noite para o dia? Mas o que vai ajudar é desenhar tão frequentemente quanto você pode todos os dias se você pode gerenciá-lo. Para fazer isso, uma rotina ajuda. Comprometer-se a trabalhar em uma hora específica em um local específico por x quantidade de minutos todos os dias. Eu achei útil decidir o que eu vou desenhar antes do tempo em vez de sentar para desenhar e, em seguida, passar todo o meu tempo de desenho tentando descobrir o que desenhar. Quando fiz minha série em vitrines, levei um dia para reunir todas as minhas imagens de inspiração, e depois outro dia para desenhar 10 esboços. Então todos os dias depois disso, eu decidi qual esboço seria mais divertido de abordar e me deixaria trabalhar em qualquer um que eu me sentisse mais inspirado. Você também pode achar útil participar de um desafio de desenho. Decidindo sobre o seu estilo. Como é que decidiste o teu estilo? O que você quer incorporar e o que você quer deixar de fora? Bem, cabe a você, é sua arte. Mas aqui estão as coisas que eu sugiro levar em consideração ao fazer sua escolha. Gosta de criar dessa forma? Isso pode ser tanto o processo quanto o resultado final. Você gosta da aparência e gosta de criá-lo? Afinal, é assim que você está gastando seu tempo. As outras pessoas, o seu público ou clientes, atraídas por esse estilo? Se as pessoas lhe dão elogios sobre seu trabalho e coisas especialmente específicas, preste atenção ao que mencionaram. Se você não tem um público ou qualquer pessoa que possa lhe dar feedback, talvez valha a pena procurar uma análise de portfólio paga. Às vezes, diretores de arte ou agentes oferecerão isso em seus sites. Alternativamente, você não precisa gastar esse dinheiro. Você também pode perguntar a um amigo de confiança se ele estaria disposto a compartilhar quais aspectos do seu trabalho eles acham que é melhor. As chances são que você vai acabar em algum lugar no meio, fazendo um trabalho que você ama criar, mas também respondendo ao que as pessoas gostam de ver de você. Afinal, ter um reforço positivo em nosso trabalho é uma das maneiras mais encorajadoras de continuar avançando. Falando nisso, se você achasse essa aula útil, significaria muito para mim se você deixasse uma crítica positiva. 18. Bônus: conselhos de estilo com Gia Graham: Nesta lição, vou falar com Gia Graham, que é ilustradora e letterer manual baseada em Atlanta. Gia também é uma das melhores professoras aqui no Skillshare. Mas a principal razão pela qual eu quero falar com Gia é que ela também tem uma aula sobre encontrar seu estilo e é preciso uma abordagem um pouco diferente dessa classe. Achei que seria muito interessante sentar e conversar com ela. O estilo de Gia é realmente brilhante e ousado. Ela cria seu fundo de ilha para influenciar as cores vibrantes nos exuberantes florais e folhagens que ela usa em seu trabalho. Os clientes chegam a Gia para comissões e oportunidades de licenciamento por causa de seu estilo distinto. Sua obra de arte apareceu em uma variedade de produtos, desde artigos para casa e cartões de felicitações até capas de livros e até acessórios. Contudo, como você aborda o processo de encontrar seu estilo? Bem, para mim, estilo, não importa que tipo de estilo seja, se é moda, design de interiores, estilo artístico, é tudo uma expressão de quem você é. É um ponto culminante de seus gostos, suas experiências, suas influências. Todas essas coisas são tipicamente saltando na parte de trás do cérebro, mas você não está consciente disso. Para mim, minha abordagem é primeiro dar uma olhada para dentro. Para dar um passo atrás e realmente ser intencional sobre identificar esses gostos essas experiências e essas influências. Na primeira metade da minha turma, eu realmente ajudo a orientar os alunos através desse processo de auto-observação e dessa autodescoberta. Isso é incrível. Porque encontrar seu estilo é uma jornada, é algo que leva um tempo. Então penso neste primeiro passo como abrindo o roteiro para essa jornada e colocando seu x para dizer: “Estou aqui”. Porque quando você faz essa autodescoberta, você tem seu rumo para quem você é e onde você é como criativo e, a partir daí, acho que é mais fácil avançar no caminho com intenção e em seguida, faça o material prático que está explorando novas técnicas e formas e estilos de desenho e tudo isso. Mas sim, acho que o primeiro passo é realmente dar uma olhada nas coisas que você gosta e as experiências que você teve e o que o influenciou e então você pode seguir em frente a partir daí. Na verdade, acho que nossas aulas realmente se complementam bem dessa maneira porque cada um de nós tem uma abordagem um pouco diferente. Se os alunos tiverem as duas aulas, eles terão um bom guia completo sobre como desenvolver seu estilo. Você acha que é necessário ter apenas um estilo ou acha que o artista pode trabalhar em vários estilos? Bem, eu acho que se a arte é seu hobby, eu não acho que seja realmente necessário ter apenas um estilo, mas se você quer ganhar a vida como artista, então absolutamente ter um estilo único pode realmente ajudar você impulsiona sua carreira. Eu sei que essa tem sido minha experiência, tornou mais fácil para mim criar uma marca de arte e, na verdade, eu nem percebi que estava desenvolvendo uma marca de arte, estava tão focada em tentar descobrir o que eu gostei com letras e ilustração, o que eu não gostei. Tentando técnicas diferentes que ao longo do tempo, aperfeiçoei meu estilo e construí uma marca de arte organicamente. Eu nem percebi isso. Quando falo de uma marca de arte, estou apenas me referindo ao fato de que, como artista, cria-se uma marca de arte quando seu trabalho está associado a uma estética específica. O bom disso é que haverá momentos em que os clientes virão até você, eles vão procurá-lo porque querem que você coloque seu carimbo exclusivo em seu projeto ou produto ou seja lá o que for. Devo dizer que isso torna meu trabalho muito mais agradável porque posso abordar cada novo projeto a partir de um lugar confiante porque sei que o cliente já gosta do meu estilo, para que eu possa me concentrar na implementação minha voz criativa para qualquer que seja esse resumo criativo. Seja qual for o projeto que eles trouxeram para mim é. O outro bônus de desenvolver seu estilo é que você pode criar um portfólio do qual você está realmente orgulhoso. Lembro-me de quando eu era designer gráfico muitas luas atrás, queria trocar de emprego, então eu estava no processo de juntar um portfólio e descobri que estava realmente lutando com isso porque tudo parecia tão desarticulado. Eu estava fazendo projetos diferentes para clientes diferentes e tudo parecia completamente diferente um do outro. Mas agora, estou trabalhando na reconstrução do meu site agora e o que é tão maravilhoso é que, embora eu tenha trabalho de clientes diferentes, há uma coesão mesmo que cada projeto seja diferentes e todos os projetos não parecem iguais, há a linha de passagem do meu estilo lá. Meu portfólio agora parece que tudo vem da mesma pessoa. Sim, tão legal. Não é só ver todo o corpo do trabalho, é realmente emocionante. É. Eu adoro isso. O que você diz para alguém que tem explorado seu estilo há alguns meses, mas ainda não consegue encontrar seu estilo? Sim. Na verdade, recebo muito essa pergunta e tenho uma resposta que pode não ser tão popular. Só leva tempo. Tempo e prática consistente. Não é algo que você possa forçar a acontecer da noite para o dia. Eu diria que você pode se entregar até um ano para praticar consistentemente explorando coisas novas e, durante o decorrer daquele ano, você começará a ver um estilo surgir se você for consistente e intencional sobre sua prática. Também é muito importante dar um passo atrás vez em quando e dar uma olhada no trabalho que você vem criando, talvez a cada dois ou três meses. Eu chamo isso de fazer uma auditoria artística e acho que é uma prática muito útil. Eu adoro isso. Vou te dar uma analogia, então vamos olhar para ela como uma fábrica de casa. Você vai até a loja, compra esta planta da casa, você a traz para casa, você está super animado em cuidar dela, você é diligente em regá-la e nutri-la e tudo isso, e no dia-a-dia, você realmente não percebe muita diferença na planta. Mas se você pular para frente um ano e você está fazendo sua manutenção diária e tudo isso, e você decidir: “Ok, bem, deixe-me ver esta foto que tirei há um ano.” Se você colocar os dois lado a lado, você olha para a foto da planta e está vendo a planta à sua frente, então é quando você percebe, “Oh, ela realmente cresceu”. Você não vê essas alterações incrementalmente do dia-a-dia, mas se você pausar por um momento e dar um passo atrás e obter essa imagem mais ampla, você poderá ver seu progresso. O mesmo vale para sua prática artística. Se você é diligente e intencional sobre sua prática, recue a cada poucos meses e você poderá ver esse crescimento que você não estava percebendo no dia-a-dia. É uma boa maneira de mantê-lo motivado também porque quando você se afasta e olha como cresceu, pode ser apenas uma pequena coisa que você notou. Mas ver essas mudanças acontecerem ajudará você a se manter nisso. outro lado, se você comprar uma planta e trazê-la para casa e você é esporádico em cuidar dela, você a rega esta semana e você é ótimo em cuidar dela esta semana e então você esquece sobre isso por alguns meses e depois você volta a ele. Vai morrer. [RISOS] Definitivamente não vai crescer, provavelmente morrerá. Da mesma forma, com sua prática artística, se você é frouxo sobre isso e desistir, depois de um mês ou você pular algumas semanas e depois voltar, então seu estilo não crescerá. Acho que é muito importante ficar com ele forma consistente e ter essa consistência ao longo do tempo. Sim, adoro essa analogia. Eu sou um grande fã de plantas de casas então [RISOS] faz muito sentido. O mesmo. É engraçado, eu tenho algumas fotos e eu disse “Uau, eu não posso acreditar o quanto isso cresceu”. Isso é super verdadeiro, como mesmo para mim como alguém que eu sinto que estabeleci um estilo, mas um ano depois eu posso olhar para trás e dizer “Uau, as coisas realmente evoluíram. Ele realmente cresceu.” Nem sempre é como uma mudança louca. Mas eu me tornei mais forte no que faço. Absolutamente Estou tão feliz que você disse que não é uma mudança louca, porque às vezes não será uma mudança louca, mas pode ser apenas uma mudança suficiente para impulsionar sua criatividade muito mais. Isso foi ótimo. Muito obrigado Gia por dedicar um tempo para conversar comigo hoje. Se você ainda não o fez, deixe de conferir a classe de Gia chamada Encontrar seu estilo, como desenvolver sua própria estética de letras. Se você ainda não está, certifique-se de segui-la no Skillshare para que você possa ser notificado sempre que ela postar uma nova aula. 19. Notas finais: Antes de rever algumas notas finais, quero dizer um grande obrigado e parabéns, você passou por essa grande classe antiga. Eu realmente aprecio você passar todo esse tempo comigo. Se você gosta da aula, quero lhe pedir um favor, por favor, deixe uma avaliação positiva da classe. Seu incentivo realmente me faz continuar e me inspira a continuar fazendo essas aulas o melhor que posso, até mesmo um simples agradecimento pela aula na aba de discussão me dá os fuzzies quentes. Adoro ver o que você faz e muitas vezes destaco projetos estudantis no Instagram. Você pode me encontrar em paperplaygrounds. Se você quiser que eu compartilhe seu trabalho, não se esqueça de me marcar no paperplaygrounds e usar a hashtag, desenhe com a Brooke, se você estiver interessado nos pincéis digitais que eu uso, eu tenho uma lista de pincéis que Eu recomendo no meu site. Se você está interessado em mais aulas lado comercial e criativo em ser artista, tenho aulas sobre como ganhar a vida como artista, produtividade para os artistas. Também tenho aulas sobre como usar o Procreate, como desenhar, teoria das cores e muito mais. Você pode encontrar tudo isso no meu site ou no meu perfil do Skillshare. Se você tiver dúvidas, a melhor maneira de respondê-las é deixá-las na guia de discussão. O incrível sobre a seção de discussão da classe é que, se alguém tiver a mesma pergunta, eles poderão ver minha resposta imediatamente. Quem sabe, dê uma olhada e veja se outra pessoa teve a mesma pergunta que você. Todos vocês são cookies inteligentes e fazem perguntas realmente inteligentes. Muito obrigado por se juntar a mim e criar amigos de arte felizes.