Técnicas avançadas de storyboarding

1. Storyboarding avançado: Olá, sou a Siobhan. Eu ensino animação e storyboard, e esta aula é técnicas avançadas de storyboarding. Esta é uma continuação da minha primeira classe, aprender a storyboard, que abrange os conceitos básicos de coisas como ângulos de câmera e fotos, trabalhar com modelos de storyboard e como miniatura de um script. Se você é novo em storyboarding e quer começar com uma visão geral , confira primeiro. Esta aula vai te levar um passo adiante. Ele vai ajudá-lo a construir seu portfólio para que você possa mostrar para potenciais clientes ou até mesmo estúdios ou produtores, e ele vai ensinar-lhe as técnicas e abordagens que são mais comumente usados em profissionais storyboarding. Aqui está o que você vai aprender nesta aula. Você vai aprender a desenhar poses dinâmicas e como entender o desenho de gestos, a fim de usá-lo para posar personagem. Este é um aspecto crucial para um animador ou artista de storyboard. Eu também vou explicar para vocês o que são as folhas de modelo. Vou mostrar-te como podes trabalhar com eles. Você aprenderá tudo sobre layouts e planos de fundo e poderá desenhar seu próprio layout usando perspectiva. Eu também vou te ensinar como identificar o ponto da história de qualquer cena ou sequência e mostrar como você pode compor sua foto, a fim de sublinhar os pontos da história. Então, na última seção, vou ensiná-los tudo sobre o processo de contar histórias lineares. Você aprenderá sobre as técnicas de direção e edição mais utilizadas para filmes. Além disso, você aprenderá a estruturar suas fotos para uma sequência narrativa. Isso incluirá desenhar padrões de storyboard padrão, como progredir para dentro para uma sequência de abertura, bem como olhar para uma sequência de abertura alternativa. Você aprenderá quando cortar, quando não cortar uma cena. Você aprenderá o que são cortes de correspondência e o que são conexões, como usá-los em um storyboard e por que eles são tão importantes. Eu também vou ensinar-lhe tudo sobre os tiros que são usados para o desenvolvimento de personagens em qualquer história. Esta classe está repleta de muitas mini atribuições que você pode realizar para praticar essas técnicas. Além disso, há um grande projeto de classe, que definitivamente será sua grande peça de portfólio. Estou aqui para lhe dar um feedback personalizado detalhado sobre o seu trabalho. Esta é sua chance de me mostrar seu trabalho. Faça-me quaisquer perguntas que você tem e crucialmente para obter o apoio e encorajamento que você precisa para desenvolver suas habilidades como um artista de história. Eu vejo essa aula como um componente essencial para a primeira aula de storyboarding e uma oportunidade para você dar seus próximos passos em sua jornada para se tornar um artista profissional de história para cinema ou animação. 2. Minhas 3 dicas principais para desenhar: Estamos prestes a mergulhar profundamente nas principais seções de aprendizagem deste curso e eu só queria começar dando algumas dicas práticas de desenho para trabalhar. Essas dicas são realmente simples, mas não subestime isso só porque parecem um pouco óbvias ou simples. Se você usá-los todos os dias em seu caderno de esboços, você verá uma grande diferença. Dica número um é algo que eu falei no primeiro curso de storyboarding bastante, e isso é desenhar muito solto e muito áspero no início. Quando você começa a desenhar, realmente sempre começa a luz, não desenhe linhas pesadas imediatamente. Você sempre pode limpar e refinar seu trabalho de linha mais tarde. Quando digo solto, não quero dizer desenhar bagunçado, mesmo que pareça um pouco bagunçado. Desenhar solto significa que você desenvolve seu controle de lápis ou controle de caneta, e isso também significa que você desenvolve sua confiança em seu desenho. Isso muitas vezes também é chamado de desenho de gestos, e eu vou abordar isso em detalhes em nossa aula mais tarde. Dica número 2 é desenhar a partir de material de referência. Isso pode ser uma surpresa porque eu sei que muitas pessoas pensam que a mentalidade criativa é apenas você sentado com seu caderno de esboços e ter idéias fabulosas. Além disso, muitas pessoas pensam que referenciar algo é como copiar. Mas esse não é o caso, e eu quero que isso seja muito claro para você desenvolver suas habilidades como artista. Além disso, desenhar a partir de referência é uma maneira realmente boa para você aprender a desenhar estrutura. A maneira mais importante de tirar da referência é tirar da vida. Mas às vezes você não pode realmente sair e desenhar um saloon ocidental da vida, então, nesse caso, você tem que procurar imagens online e coletar imagens de referência dessa forma. Pesquisa de imagens do Google, Pinterest, Artscape todos esses sites são ferramentas online fantásticas para artistas. Eu encorajo você a realmente gastar muito tempo fazendo sua pesquisa visual. Então a dica número 3, que é a mais simples, mas às vezes a mais difícil de aplicar, é a consistência. Tente desenhar em seu caderno de esboços todos os dias. Se você conseguir esculpir cinco ou 10 minutos de tempo de desenho em cerca de uma medida de semanas ou meses, você realmente verá uma enorme diferença no seu desenho. Essas são as minhas três gorjetas. Espero que eles sejam úteis e úteis para você e eu vou vê-lo no próximo vídeo. 3. O que é o desenho de gestos: Desenho de gestos é uma técnica que é mais frequentemente usada no desenho de figuras ou em uma classe de desenho de figuras ao vivo como uma forma de capturar toda a figura muito, muito rapidamente com marcas dinâmicas expressivas. Muitas vezes é visto como uma maneira de desenhar ou capturar a energia ou a essência da figura. Mas para animadores e artistas de história, desenho de gestos é realmente uma ferramenta essencial ou uma técnica essencial para ser capaz de desenhar o número 1, poses de personagens claras e expressivas e número 2, para ser capaz de desenhar cenas ou ideias visuais muito rapidamente com clareza e sem ficar atolado em detalhes. Você pode pensar no desenho de gestos como apenas perder esboços de rabiscos ou desenhos muito ásperos, mas se você trabalhar com gestos por tempo suficiente, você virá a vê-lo como uma maneira de desenhar que é realmente poderoso e que pode comunicar suas idéias e Seus sentimentos realmente muito, muito bem. A coisa a lembrar sobre desenhos de gestos é que você não está indo para precisão em termos de proporção ou anatomia e isso é realmente bom porque esse não é o ponto de desenho de gestos. O ponto é obter suas idéias para baixo e, em seguida, refiná-los mais tarde e fazer seu desenho anatomicamente correto. As técnicas para desenho de gestos são as seguintes. Primeiro de tudo, uma maneira muito boa de tentar o desenho de gestos é apenas desenhar com rabiscos. Digamos que você está desenhando uma figura, em seguida, basta usar pequenas marcas circulares redondas e trabalhar o seu caminho em torno de todo o desenho da figura como este. Você vai descobrir que você pode começar a realmente construir a massa eo peso da figura fazendo isso. Você pode passar muito mais tempo com esses pequenos rabiscos em uma área, torná-lo perder e mais leve em outras áreas. Isso lhe dará uma boa idéia de como capturar o peso ou a massa de uma figura. Agora, a próxima técnica para praticar o desenho de gestos é não tirar o lápis ou a caneta da página enquanto desenha. Mantenha sua caneta, lápis ou caneta em contato com o que você está desenhando ao longo de todo o desenho. Eu realmente amo essa maneira de desenhar porque muitas vezes você tem uma idéia de uma cena, mas então quando você vai desenhá-lo, repente a composição ou a perspectiva fica na maneira que fica realmente difícil e a coisa que você imaginou ou visualizado torna-se realmente difícil de colocar para baixo no papel. Em vez disso, bloqueie formas usando desenho de gestos e rabiscos e, em seguida, você pode voltar e refiná-lo corretamente com mais perspectiva e corrigir o trabalho de linha. Eu realmente quero incentivá-lo a praticar desenho de gestos, pausar esses vídeos direito e pegar seu caderno de esboços, olhar para a sala ao seu redor, e escolher algo para desenhar usando esta técnica. Ou, se for possível, pegue seu caderno de esboços e vá lá fora e tente desenhar figuras da vida. Vá a um café ou um parque ou algo assim, e apenas observe as pessoas ao seu redor sentadas ou mesmo se movendo e não importa como seus desenhos se parecem, é sobre observação e apenas fazer esses esboços rápidos em seu caderno de esboços. Então, quando estiver pronto, volte e te vejo no próximo vídeo. 4. Desenhando poses dinâmicas: Uma das principais coisas para acertar em seus storyboards é como você posar seus personagens dentro de uma cena. Posiação forte vai contar a história do personagem de uma forma muito mais dinâmica, e se houvesse uma coisa que eu sugeriria que você se concentrasse, então é tentar ter certeza que você sabe como desenhar poses claras. Posar basicamente significa mostrar o personagem atuando. Como um personagem faz algo é quase mais importante do que o que faz, porque a ação revela caráter. Algo tão simples como entrar em uma sala pode nos dizer muito sobre uma pessoa. Isso é realmente bom atuar e é isso que você está essencialmente tentando fazer em seus storyboards quando se trata de seus personagens. Uma maneira de ter certeza de que você está fazendo a atuação certa é pensar em como você faria a cena sozinho. Mesmo que seja algo tão simples como abrir uma caixa e ter um susto, como faria você mesmo? Uma vez que você passou por esse movimento e entendeu a ação que está envolvida, então você terá uma compreensão muito melhor de como desenhá-lo. Outra maneira quase melhor é exagerar o que você acha que é a maior ação. Não estou brincando, sua idéia do que a maior ação é provavelmente não vai ser tão grande, então se você exagerar suas poses, você acaba recebendo uma pose muito mais dinâmica. Lembras-te que te mostrei este desenho no último prato? Bem, quando você exagerou, você só tem uma imagem melhor. Não é tão estranho, e no contexto de outras sequências, provavelmente vai ler muito bem. Outra dica para ajudá-lo com uma boa pose é sempre garantir que a silhueta do personagem é clara. Isso é quase como a Regra de Ouro do storyboard, especialmente para animação. Se você silhueta sua pose, e você apenas remover todos os detalhes e ver o contorno, você deve ser capaz de ainda ver claramente qual é a ação que o personagem está fazendo. Se um personagem está pegando algo como uma xícara de chá e está segurando isso em suas mãos, você gostaria de mostrá-lo desta maneira, para que possamos realmente vê-lo claramente e é muito claro para o público. Uma boa maneira de exagerar uma pose é desenhar curvas S e C como sua linha de ação padrão básica. Isso ajudará você a se tornar mais fluido em seu estilo de desenho geral. Mas vai ajudar muito a empurrar o personagem para poses mais dinâmicas. Curvas S e C são linhas de caracteres muito padrão para animação, juntamente com a linha de ação. Estas são linhas que se movem para cima e através de todo o corpo do personagem e é quase como se você pudesse resumir em uma palavra a emoção do personagem, então isso é o equivalente aqui desta linha. Esta linha é em uma palavra que resume a ação que o personagem está fazendo. Para uma tarefa, o que eu quero que você faça agora é pegar seu lápis ou sua caneta e rapidamente desenhe uma curva S ou C em seu caderno de esboços. Antes de começar a pensar demais em qualquer coisa, desenhe uma forma oval para a cabeça, desenhe linhas para os braços e as pernas. Então continue indo. Use essas curvas para construir seus personagens e colocá-los em tantas poses dinâmicas quanto você puder. Tente preencher uma página inteira ou até mesmo algumas páginas desses desenhos. Na próxima lição, eu vou explicar como você pode desenvolver personagens ainda mais, como você pode desenhar personagens estilizados, e eu também vou falar sobre as folhas de modelo que você vai obter para seus storyboards. Quando passares algum tempo a fazer teus esboços, encontre-me na próxima lição. Te vejo lá. 5. Desenhando personagens: Na animação, seja um programa de TV ou um longa-metragem, como artista de storyboard, você sempre receberá o design final para os personagens que você precisa desenhar e incluir em seu storyboard. Em termos da indústria, isso é chamado de folha de modelo, e praticamente a folha de modelo é sobre como diagrama detalhado do personagem que você pode obter. Ele mostra como o personagem se parece em diferentes pontos de vista ou a maioria em rotação. Deste lado, a frente, a vista 3/4 e a parte de trás. Então seu trabalho é desenhar esse personagem em tantas poses diferentes ao longo do storyboard quanto o script pede. Nesse caso, a principal coisa a ter em atenção quando você estiver redesenhando caracteres é certificar-se de que você está mantendo volumes consistentes. O que isso significa é que seu personagem não está ficando progressivamente mais magro à medida que cada painel passa, ou progressivamente mais largo. À medida que você muda a pose, apenas certifique-se de que você está no modelo e que o volume permanece consistente. Então isso é muito fácil ou é pelo menos simples. Quando você tem uma folha de modelo para trabalhar, você sabe que sempre pode referenciar as especificações de caracteres exatas à medida que você avança. Mas e se você for solicitado para guiar um artista de storyboard e você não tiver uma folha de modelo e você for solicitado a criar o design do personagem você mesmo. Bem, então, depende do estilo do projeto. A primeira coisa, primeiro a sair do portão, você precisa saber com que tipo de script você está lidando. Nossos scripts de exemplo temáticos ocidentais que eu lhe dei, a aparência dos personagens nesse script é mais ou menos realista. Não há uma grande quantidade do que chamamos de estilização, exceto talvez o caráter do barman. No último curso de storyboarding, dei-lhe algumas indicações sobre como construir um personagem masculino básico ou uma personagem feminina básica. Há certas mãos curtas que você sempre pode voltar para, e eu espero que você tenha sido pego com isso desde o último curso. Você deve ficar bem sabendo como você iria chegar com um personagem realista. E se você precisar desenhar um personagem estilizado para o storyboard? Bem, então, meu conselho é que você, e isso é algo que você aprende na escola de animação, é pensar em termos de geometria. Comece com formas geométricas básicas, um quadrado, um círculo ou um triângulo, e construa um personagem a partir daí. Quando você está trabalhando com designs estilizados como este, a regra número um é incluir contraste. Se você pegar um elemento muito básico como uma linha, você não pode realmente dizer se isso é longo ou curto até que você veja algo para comparar com ele. Se eu introduzir uma segunda linha como uma curva, então imediatamente esta linha aqui tem um caractere específico. Agora, os projetos mais fortes sempre terão esse contraste. Você sempre encontrará uma linha reta contrabalançada por uma linha curva. No caso deste personagem pirata em que estou trabalhando, pode-se dizer que ele é baseado em um círculo em termos de geometria. Seu design realmente é apenas uma forma redonda básica, e a partir daqui eu adicionei os outros elementos dos braços e pernas. Agora note também que os braços usam essa idéia de contraste, isso é o que eu estava falando, com uma linha reta contrabalançada por uma curva, e eu também mantive a idéia de contraste no design geral. Se esta redondeza é o motivo principal, então os braços e a pequena pontuda [inaudível] e a cabeça esticada adicionam um pouco de variação que equilibra essa ideia do círculo principal. A última coisa que eu acrescentaria também é que desenhos estilizados como este tem que se relacionar de alguma forma com a essência subjacente ou personalidade do personagem. É muito importante que você saiba quem é seu personagem, qual é a história do personagem. Por exemplo, não vale a pena fazer de um pirata um patife redondo, alegre e adorável como este se ele realmente deveria ser o vilão do mal. Pense sobre quem é o seu personagem e qual é a história de fundo, e isso irá ajudá-lo a definir como eles se parecem. 6. Desenhando layouts e fundos: Junto com personagens, como artista de storyboard, os outros elementos que você obterá quando começar a embarcar em um projeto são um layout ou até mesmo alguns layouts dependendo se a ação ocorre em um ou mais locais. Nesta lição, eu vou orientá-los exatamente o que é um layout e como você pode adaptá-lo às suas placas. O procedimento que estou prestes a explicar é geralmente muito específico para a animação, mas você pode aplicá-lo ao live-action também. Digamos apenas que para os propósitos desta lição, eu vou estar falando sobre animação especificamente, e isso vai fazer mais sentido. Qualquer sequência dada geralmente ocorre em um local. Então, quando você alterar o local, você está em uma nova sequência. Dentro de cada sequência, há qualquer número de tiros. Você pode ter o estabelecimento de fotos mostrando toda a cena. Você pode ter um tiro no escuro mostrando os personagens e, em seguida, close-ups sobre os ombros tiros, tiros de ponto de vista, todas essas coisas. Você vai usar o layout que você é dado para elaborar, digamos, a chance de estabelecer. Agora isso é fácil porque, se você estiver desenhando uma imagem de estabelecimento, basta redesenhar seu layout como está nos painéis da placa. Mas quando a ação se aproxima ou, digamos, o ângulo da câmera muda completamente mostrando uma visão diferente, você precisará interpretar o layout acordo e desenhá-lo de ângulos diferentes, se for isso que for necessário. Agora, close-ups e close-ups extremos estão bem. modo geral, você nem precisa realmente desenhar fundo aqui na maioria dos casos porque você está apenas preocupado com as características do rosto. Mas para qualquer tiro longo ou tiro médio, você precisará saber exatamente onde você está em todos os momentos e onde seus personagens estão em relação uns aos outros e em relação ao meio ambiente. Este é o lugar onde desenhar uma planta muito rápida é realmente útil. Agora, uma planta é um diagrama, se você quiser, da cena como um todo e como visto de cima, então você está olhando para ela como um tiro completo para baixo. Agora, este desenho é só para você, talvez para você e o diretor, mas não é para o storyboard e não é para ninguém na produção. É só para que você possa ficar claro onde tudo está. Coloque seus personagens onde eles precisam estar, e então você pode marcar qualquer movimento que eles estão indo para fazer se eles andar ao redor da cena e, em seguida, colocar suas câmeras em posição para refletir suas escolhas de tiro. Então você pode apenas numerar cada um sequencialmente. Agora, quando você vai embarcar fora da cena ou sequência, você não vai dar errado e você vai saber exatamente o que desenhar no fundo em qualquer tiro dado. Ele realmente vai ajudá-lo uma quantidade enorme para manter a consistência, para manter a direção da tela correta e, claro, para ajudá-lo a não quebrar a regra de 180 graus. Isso é tudo muito, muito útil. Minha última palavra de conselho é não ficar muito ignorado ou focado em desenhar todos os detalhes exatos do plano de fundo ou do layout. Apenas para indicar os principais pontos de referência, desenhar o fundo é suficiente para que pelo menos o diretor e os animadores saibam onde a cena está ocorrendo. 7. Encenando a ação: Esta próxima seção irá cobrir algumas técnicas mais avançadas para a cinematografia e para a narrativa visual. Vou mostrar como você pode usar criativamente a linguagem visual para aprimorar seu trabalho e como fazer com que suas fotos fluam perfeitamente. A primeira coisa que vamos falar é sobre encenação. Encenar em animação ou em filme significa como você organiza os elementos em sua cena para visão mais clara possível da ação que deve ocorrer. A ação geralmente significa ou se refere a qualquer uma das animações que os personagens estão fazendo. Isso significa priorizar a posição do personagem em toda a cena. Em seus storyboards, você não quer que os personagens sejam cobertos por um elemento de fundo, ou para seus personagens não têm espaço suficiente para se mover ou para fazer o que é que eles precisam fazer. Basicamente, significa controlar a atenção do público. De certa forma, você está direcionando os olhos do público para olhar para os personagens e para olhar para a ação. Como artista de storyboard, seu trabalho é descobrir qual é a coisa mais importante que precisa ser vista em qualquer cena. Também significa pensar em frente e descobrir o que precisa ser mostrado a seguir à medida que a história se desenrola. Como você planeja que essa próxima ação flua perfeitamente? Aqui está um exemplo muito simples. Se você tem duas pessoas sentadas em uma mesa como esta e eles estão conversando um com o outro, você provavelmente pensaria em apenas encenar o tiro assim. Mas se você sabe, por exemplo, que no próximo painel, você vai ter um terceiro personagem entrando, então encenação inteligente significa que você apresenta o primeiro painel como este para que o terceiro personagem tenha espaço. Nós a vemos entrando e entrando. É tudo muito agradável e suave e não há necessidade de cortes ou de novas configurações. Outra coisa que sempre exige uma boa preparação é quando você tem mais de dois personagens. Digamos que você tem um grupo de personagens em uma cena como esta. Aqui, temos um personagem principal falando com um grupo de amigos. Uma maneira inteligente de encenar isso seria tratar este grupo como um personagem. Assim, quando você começar a cortar para trás e para a frente desta foto para esta, é realmente claro onde todo mundo está. O público pode acompanhar o fluxo de tiros sem problemas e eles não vão ficar confusos. Então, finalmente, um guia à prova de falhas para preparar é apenas dar muito espaço aos seus personagens. Os diretores costumam dizer que a maioria dos artistas de storyboard não cortam bastante em personagens e não dão espaço suficiente aos personagens. Esta é uma coisa que realmente vai se destacar em termos de encenação ruim. Uma regra de ouro realmente boa é encenar sua cena para a ação mais ampla possível. Mesmo em um close-up, dê ao personagem um pouco de espaço livre e um pouco de espaço na tela na direção que ele está olhando. Uma vez que você ficar realmente bom e atencioso sobre encenação, você será capaz de combinar tiros sem a necessidade de realmente cortá-los. Isso é algo pelo qual seu diretor realmente vai adorar você, porque isso só significa que as coisas podem ser um pouco mais eficientes no pipeline, e o artista de fundo não precisa criar um novo plano de fundo para cada corte. 8. Composição: No curso anterior, falei sobre a regra dos terços. Se você se lembra, eu te mostrei como usá-lo para dividir o quadro, e eu também falei sobre por que eu acho que ele realmente funciona em um nível muito mais profundo do que simplesmente ser apenas porque é agradável para os olhos ter as coisas organizadas dessa maneira. Espero que você alcançou esse curso e se você não tiver, eu recomendo ir e assisti-lo porque há alguns bons pontos lá para ter em mente. Por enquanto, nesta lição, eu vou olhar para outras técnicas de composição que você pode usar. Há certas coisas que você pode fazer em seus storyboards que podem levar os olhos do público exatamente para onde você quer que eles estejam olhando, e isso é basicamente o que você está fazendo em encenação e composição. Você está classificando a atenção deles para esta parte do quadro ou aquela parte do quadro. Uma coisa muito fácil de usar em suas composições são linhas diagonais. Estes são ótimos para sempre levar o olho a um certo ponto no quadro, e a idéia é que você use o que parece ser perspectiva natural dentro da cena como linhas direcionais fortes. Essas linhas literalmente apontam para onde você deve estar olhando. Outra maneira de fazer isso é com o enquadramento. Enquadrar um tiro é quando você tem elementos da cena organizados de modo que o personagem que é o foco da foto é realmente enquadrado dentro desses elementos. Muitas vezes você pode fazer isso com elementos de primeiro plano como este. Ou você pode até usar caracteres para enquadrar um ao outro. Qualquer coisa que bloqueie parte do seu painel e deixe apenas espaço suficiente para o personagem ocupar é enquadrar. Agora, se você realmente gosta desta técnica de composição, então eu vou recomendar que você assista um filme chamado In the Mood for Love de Wong Kar-wai. Eu acho que provavelmente os primeiros 10 minutos deste filme é completamente feito de quadros dentro de quadros, e em seguida, ao longo do filme, a composição eo uso do espaço na tela é incrível. Esse filme eu acho que é basicamente uma aula de mestrado em composição. Então, definitivamente, vá verificar isso. Novamente, sempre relacione suas escolhas de composição com a história. Evite usar essas técnicas apenas por causa disso. Por exemplo, neste filme, o diretor isola especificamente seus personagens por meio de um enquadramento preciso e usando quadros dentro de quadros porque esse motivo visual sublinha a história. A história é sobre dois personagens que estão literalmente presos em seus mundos interiores, mesmo uns dos outros, e esse incrível uso da composição adiciona camadas de significado a cada cena em que estão. Então, quando você está experimentando ou brincando com idéias de composição, tente sempre relacioná-los a uma razão como usar linhas diagonais, se você quiser mostrar momento dramático. Use o enquadramento se quiser mostrar um personagem em isolamento psicológico ou dar a sensação de estar encaixotado. Na próxima palestra, vou falar sobre como você pode criar uma sensação de profundidade dentro do seu painel. 9. Como criar profundidade em seu painel: Nesta lição, quero mostrar-lhe duas técnicas simples que irão ajudá-lo a criar uma sensação de profundidade em seus desenhos. Então, no final da lição, eu lhe darei uma pequena tarefa para que você possa praticar isso sozinho. A primeira dica é usar linhas de perspectiva. Agora isso vai realmente ajudá-lo se você está em uma situação em que você realmente não tem muito acontecendo em seu quadro em tudo e você quer transmitir distância. Tudo o que você tem a fazer é adicionar uma grade simples. Agora, não precisa ser a perspectiva técnica de um ponto ou dois pontos que eu expliquei no último curso. É apenas uma indicação de onde está o ponto de fuga, onde está a linha do horizonte. Isso é tudo. Mas ele cria instantaneamente uma grande sensação de profundidade em seu quadro, e pode adicionar uma quantidade enorme ao seu desenho. O que também é bom é que entendemos imediatamente qual é o ângulo da câmera. Isso é muito importante porque os ângulos da câmera geralmente determinam a alimentação da foto. Se é um ângulo alto, como este, então vamos estar olhando para baixo para um personagem, e isso vai dar ao público a impressão de que talvez este personagem esteja em uma posição fraca ou vulnerável. Por outro lado, se adicionarmos uma grade como esta, ela nos diz que o personagem está acima de nós. Transmite uma sensação de que esta pessoa está em uma posição de poder ou dominância. Eu sei que estou encenando isso como um pouco exagerado, mas estes são realmente sugestões visuais sutis que estamos lendo o tempo todo, mesmo inconscientemente. É bom estar ciente deles. A segunda dica é sobrepor elementos dentro do seu quadro. Às vezes, você realmente não quer transmitir grandes distâncias, mas você não quer que seu desenho seja exibido também. Você quer ter um pouco de profundidade. Simplesmente sobrepor coisas como esta pode dar-lhe uma boa sensação de profundidade dentro do quadro. Aqui é onde uma arte 2D pode se tornar bastante mágica porque se você pensar sobre isso, você está usando apenas um plano plano e algumas linhas para criar essa sensação realmente realista ou impressão de espaço profundo. Para sua tarefa de praticar técnicas de composição, quero que desenhe como uma simples cena de fazenda. Eu lhe dei uma lista de coisas que você pode incluir neste desenho, um celeiro, árvore, talvez uma cerca, uma roda de carroça. Você poderia colocar em algumas colinas distantes. Mas você não precisa ser muito detalhado ou complicado. Só estou à procura de um esboço. Eu quero ver como você pode organizar esses elementos dentro do quadro para dar uma sensação de profundidade, e para direcionar o olhar do público ou a atenção do público. Pense em deixar espaço em algum lugar do seu quadro para que qualquer personagem ou ação ocorra. Pense em como você dirigiria o público a olhar para esse espaço. Talvez você vai ter o celeiro fora para o lado. Então você não precisa mostrar toda a estrutura no meio. Mas vou deixar isso com você completamente. Então, novamente, vá em frente e publique seus desenhos na seção de perguntas e respostas. Vamos ver o que vocês inventam, e obter alguns comentários. Caso contrário, mande para mim se quiser que eu dê uma olhada. Aperte “Pausa”, saia, e faça alguns esboços, e depois volte para mim na próxima palestra. Te vejo então. 10. Identificando o ponto da história: Cada painel que você desenha precisa contar ou, pelo menos , apoiar o ponto da história desse momento ou cena em particular e cada cena conta progressivamente o ponto geral da história de todo o filme. Vou dar uma olhada no processo de como efetivamente renderizar um ponto de história em painéis simples e claros. Nesta lição, vou usar um exemplo para fazê-lo. Digamos, por exemplo, que você tem um roteiro que diz que algo como Colorado Bob está na cabana. Ele procura freneticamente o ouro e fora os Marshalls estão se aproximando rapidamente. Bem, muitas vezes quando você está trabalhando a partir de um script, você pode facilmente ficar um pouco perdido ou distraído de todas as coisas que você poderia desenhar. O que você quer fazer é quando você está começando, basta perguntar a si mesmo em todas as situações, por que um personagem está fazendo uma certa ação? Isso vai ajudá-lo imediatamente a esclarecer qual é o ponto da história. Neste caso, ele está freneticamente à procura de ouro. Por que ele está procurando por isso? Porque os Marshalls estão cavalgando para pegá-lo e ele precisa ir. Ele não está procurando o ouro para contar ou admirá-lo. Ele está freneticamente procurando pegá-lo para que ele possa sair. Embarcando nisso, eu realmente não gastaria tempo desenhando detalhes desnecessários da cabine ou da área circundante. Você quer se concentrar imediatamente no estado frenético de Bob. Então eu provavelmente escolheria muitos ângulos de câmera de perto para mostrar talvez suas mãos vasculhando por coisas, talvez um perto de seus olhos, ou você poderia até mesmo tê-lo olhando pela janela em um momento. Agora você verá que essa sequência flui e aumenta a tensão dramática porque está enfatizando visualmente o ponto da história. Mas aqui está outro exemplo que eu quero que você veja. Digamos, por exemplo, que você tem um personagem que está andando por uma floresta. Você pode optar por desenhá-lo na frente das árvores ou caminhar em direção à câmera e isso lhe dará um belo e encantador fundo florestal. Mas digamos, por exemplo, o ponto geral da história do roteiro é que esse personagem tem esse intenso conflito interno acontecendo que o faz se sentir de alguma forma preso, então essa configuração aqui é brilhante porque essas árvores, como você pode ver instantaneamente, eles criam silhuetas que reforçam seu estado emocional e sublinham o ponto geral da história. Quando você se pergunta por quê, então você será capaz de determinar a melhor forma de desenhar qualquer gráfico e como usar efetivamente a linguagem visual para explicar isso. Você evitará gastar muito tempo desenhando câmeras desnecessárias nos trabalhos. Lembre-se, você tem que ser o mais econômico possível como um artista de storyboard para conseguir atravessar o ponto. Espero que isto faça sentido. Avise-me se tiver alguma dúvida. Na próxima aula, vou falar sobre batidas e timing no seu quadro. 11. Beats e tempo: Nesta aula, vou falar sobre batidas de uma história e explicar com mais detalhes como entender e reconhecer batidas. Identificar as batidas é uma das primeiras coisas que você faz logo no início quando você começa a ler seu script. As batidas de certa forma determinam a sua shotlist por isso é muito bom ter uma compreensão muito clara desta parte. Uma das melhores maneiras que posso descrevê-lo é literalmente comparar um roteiro com uma música. Pense em uma música que tem uma história específica dentro dela, uma que se desenrola à medida que a música vai junto. A canção é cronometrada musicalmente e cada linha da música ou verso que tem um ponto de história específico tem seu próprio tempo. Se você fosse criar storyboard uma música e combinar esses painéis de tabuleiro com a trilha sonora, então seu tempo seria feito para você porque é compatível com a música. Como artista de storyboard, você tem que encontrar esse ritmo em seu roteiro quando você está lendo através dele. Você faz tudo isso na fase de leitura do seu processo? Então, quando você vem para miniatura dos desenhos, cada idéia que você teve em sua cabeça, coloque isso em suas miniaturas. A razão pela qual você tem que ter um sentimento de tempo é porque é crucial para desenhar o número correto de quadros por tiro ou por cena, e também, porque mais tarde, quando se trata de fazer uma animação, então você sabe exatamente quanto tempo cada tiro precisa ser, porque você vai ter tempo para isso para si mesmo. Isso significa que você não vai estar se mexendo em torno de quadros extras ou você não vai estar tentando cortar em uma cena porque ele passou muito tempo e está muito envolvido. Eu acho que você poderia dizer que encontrar as batidas é algo que é um pouco intuitivo, mas a melhor maneira de fazê-lo é apenas assistir o filme em sua mente enquanto você está lendo. Em seguida, seja específico sobre o que você está vendo em termos de ângulos de câmera e fotos. Na próxima lição, eu vou fazer você começar a colocar a segunda metade do script ocidental que nós temos. Agora, acho que seria uma boa ideia ir buscar o guião e ler as duas páginas e jogar esse filme na sua cabeça. Tenha um sentimento para o ritmo. Depois de lê-lo algumas vezes, então você pode escrever no próprio script sua shotlist, assim como eu mostrei no curso anterior. Basta marcar nas margens ou onde quer que você queira o que você acha que precisa para cada batida. Você precisa de um tiro largo para isso ou um close-up ou uma panela? Qualquer coisa assim. Divirta-se, e quando estiver pronto, encontrarei você na próxima aula, onde passarei o projeto da aula com um pouco mais de detalhes. 12. Sequências de abertura padrão: Nesta seção do curso, eu quero falar sobre alguns padrões padrão de storyboarding e eu quero mostrar como você pode tratar sequências específicas de forma quase como uma forma grosseiramente formulada. Você pode usar essas peças de conjunto para praticamente qualquer tipo de script. Com essas fórmulas de sequenciamento, você pode ter certeza de que está transmitindo o ponto da história e que está usando uma boa linguagem visual para seu público. Nesta lição, eu quero ver como tratar uma sequência de abertura e mostrarei quais fotos e ângulos de câmera funcionam melhor para servir esse tipo de sequência. Quero começar explicando que este padrão para uma sequência de abertura é baseado na ideia de que uma história avança em direção a uma resolução. Claro, você pode pensar instantaneamente em filmes que são contados ao contrário. Sei que um filme como 500 Days of Summer é um exemplo perfeito. Mas, em geral, você começa com a premissa do filme e você avança para a resolução disso. O efeito geral é que você fez uma viagem com os personagens principais. Isso é chamado de narrativa linear, e nos leva à idéia no storyboard de basicamente progredir para dentro. Esta é uma excelente maneira de abordar uma sequência de abertura porque ao progredir para dentro, você está mostrando coisas de longe e, em seguida, se aproximando cada vez mais até estabelecer o personagem. Em outras palavras, começar com o tiro mais largo do local, você se move progressivamente para dentro através de uma série de tiros longos, médio e, finalmente, o close up do personagem. Aqui está um exemplo de script que eu tenho. Vou mostrar-vos como funciona com esta sequência de abertura muito simples. Temos um roteiro que diz que o filme abre em um bloco de apartamentos da cidade. Jack está acordando e o despertador está disparando. Imediatamente eu quero ser capaz de dizer ao público essa informação. Naquele número 1, nossa história acontece em um ambiente urbano, é uma cidade grande. Número 2 que o personagem está acordando em seu apartamento. Aqui estão as fotos padrão que você pode usar para esta sequência. Você começaria com seu tiro largo, que estabelece o local, dá ao público uma visão muito clara de onde a história vai acontecer. Imediatamente eles têm contexto. Então o próximo tiro é um mais perto e identifica claramente o prédio de apartamentos para o qual estamos nos movendo. Agora o espectador está começando a ser atraído para mais perto da ação. Mas então com a 3ª foto, que escolhi ser um close-up do próprio prédio , a fim de identificar o apartamento onde Jack está, agora sabemos que é aqui que a ação vai acontecer. Então eu posso entrar no apartamento, mostrar Jack dormindo e agora estamos no meio da história. Então eu cortei para um close-up extremo do alarme disparando, então nós sabemos que é hora de manhã e Jack vai acordar. Temos a mão do Jack a entrar e a tirar da moldura para silenciá-la. O próximo tiro depois disso puxa para trás do close-up para restabelecer a cena. Novamente, é um tiro médio mostrando Jack sentado e como acordar groggily. Este padrão de largura, médio, close-up e volta para médio tem o efeito de atrair o espectador para a ação, aproximando-os progressivamente. Depois de ter estabelecido a cena de um tiro largo e cortado para close-ups, você sempre pode puxar de volta para suas tomadas médias para restabelecer a configuração e a ação. Isso funciona em tantas sequências de abertura. É a maneira mais fácil de definir o palco e começar a bola rolar e funciona. As sequências de abertura são cruciais para definir o tom e criar a tensão exata ou o drama certo para a história que você está prestes a contar. Você pode pensar imediatamente na sequência de abertura icônica de Star Wars, mostrando-nos que está no espaço. Imediatamente, é tudo o que precisamos saber. Mas na próxima lição, eu quero mostrar a vocês como você pode usar exatamente as mesmas fotos que eu mostrei aqui para contar exatamente a mesma história uma maneira completamente diferente e fazer com que ela tenha um efeito completamente diferente. A seguir, vamos olhar para uma sequência de abertura alternativa. 13. Sequências de abertura alternativas: Na última lição, eu expliquei como ilustrar uma sequência de abertura padrão. Agora eu quero mostrar algumas opções para fazer as coisas um pouco diferente. Imaginemos por um momento que o roteiro que temos não é tão simples ou chato como você pensou. Digamos, por exemplo, que este é um daqueles roteiros onde o personagem acorda apenas para descobrir que toda a cidade em que ele vive está completamente deserta e ele é o único que resta. Digamos que seja a sequência de abertura de um suspense dramático ou de um filme de terror. Nesse caso, a fórmula padrão de shots que mostrei anteriormente não vai funcionar muito bem aqui. Essa combinação, eu acho, não é dramática o suficiente. Parece muito monótono, comum, e um pouco pedestre. Quero mostrar-lhe como você pode usar exatamente as mesmas fotos, mas misturá-los em uma ordem totalmente nova. Veja como isso muda completamente a tensão e o drama da sequência. Vamos começar nossa sequência com esse close-up do relógio, então traga isso como sua primeira chance. Imediatamente, o público é levado para o meio da ação sem dar a eles qualquer informação sobre onde isso está acontecendo ou o que está acontecendo. É apenas um close-up perto e extremo de um despertador disparando. Em seguida, corte ao seu alcance extremo da cidade. Como nota, por baixo, você pode mostrar que o despertador ainda está tocando sobre a trilha sonora. Em seguida, corte de volta para este tiro médio, Jack sentado, parecendo um pouco atordoado e confuso. Volte para o close-up do despertador e mostre mão de Jack batendo no despertador para silenciá-lo. Começar com esse close-up extremo é realmente desorientador para o espectador. É um pouco claustrofóbico especialmente com a trilha sonora do alarme zumbindo. Não sabemos onde estamos ou o que está acontecendo, mas isso nos dá algumas pistas visuais. Está nos dizendo que é de manhã cedo e como acontece com a maioria dos despertadores, deve ser um sinal de que uma rotina diária está andamento e que as coisas estão normais e habituais. Mas quando cortamos para aquele tiro largo da cidade e é completamente silencioso e tudo o que ouvimos é um despertador irritante disparando, isso pode começar a sinalizar que talvez algo esteja um pouco estranho ou um pouco fora. Normalmente você não cortaria de um close-up extremo para um tiro largo extremo porque é muito desorientador para o espectador. Não é muito bom uso da linguagem visual. Mas aqui, neste caso, se juntarmos esses dois tiros, vai ajudar a manter o público no limite e mantê-los se perguntando o que está acontecendo. O tiro médio, em seguida, com Jack olhando um pouco grogue e atordoado, isso nos intriga mais sobre o que está acontecendo com essa pessoa. O que está acontecendo com ele? Agora esperamos para ver o que vai acontecer ou se desenrolar a seguir. Essa é uma seqüência de abertura bastante intrigante usando dicas visuais para definir a cena. Se você quiser conferir um filme que tem uma dessas sequências de abertura muito interessantes, eu recomendo que você olhar para Blade Runner, um dos meus filmes favoritos de todos os tempos. Esse é o Blade Runner original, não a reinicialização. Essa sequência de abertura é icônica, começa com um close-up extremo de um olho e, em seguida, corta para um tiro extremo largo da cidade. Vá verificar isso e veja o que consegue entender e aprenda com a sequência de abertura de Ridley Scott. As fórmulas visuais ou padrões de que estou falando estão lá para você usar, mas não são as regras que você tem que seguir. São apenas opções para você. Se você quiser pensar em contar histórias lineares, pense em começar de largura e progressivamente se mover para close-ups. Mas novamente, talvez você queira misturar isso completamente e usá-lo para um efeito dramático para contar uma história muito mais interessante. É totalmente com você. Aprenda as regras e aprenda a quebrá-las. Na próxima lição, vou falar sobre mais alguns padrões de storyboarding como quando cortar e também quando não cortar. Vejo-te na próxima lição. 14. Quando cortar: Pense em storyboard como essencialmente editar um filme antes de ser feito. Se você pensar sobre isso, então você definitivamente precisa saber algumas regras básicas de edição, como quando fazer seus cortes. Um corte é quando o ângulo da câmera muda. O termo realmente vem dos dias do filme antes do filme digital, quando um editor realmente cortaria fisicamente a tira do filme e em seguida, grava de volta junto com outro pedaço de filmagem. Isso só está preso conosco na era digital. Existem algumas razões que você precisa saber sobre quando você deve cortar. Isso melhorará seu tempo para seus storyboards. Só fará com que suas tábuas e seus tiros fluam juntos. O primeiro é cortar a emoção. Por exemplo, se alguém diz algo dramático, então você pode cortar para ver a reação da outra pessoa. Isso é cortar a emoção. Ou se houver um forte momento emocional na cena, então você gostaria de cortar lá em vez ficar no tiro e arriscar deixar a emoção se dissipar. Por exemplo, esta foto aqui. Digamos que alguém tenha lido uma carta e nela tenha recebido notícias chocantes ou algo assim. Bem, você gostaria de cortá-los e depois passar para a próxima cena. Quando eles registram esse choque e o público o vê no rosto do personagem. Você não iria querer ficar nessa foto e talvez mostrar a essa pessoa colocando a carta no chão. Não sei, sair e fazer uma xícara de chá, isso não deixaria todo o impacto emocional dessa cena desaparecer. Outro bom momento no script para fazer seus cortes é quando você quer mostrar informações. Por exemplo, corte para mostrar tiros de reação ou tiros de ponto de vista, ou para mostrar o que um personagem está olhando. Mostrando informações para a cena ou para o ponto da história. Mas o lugar mais óbvio para fazer uma cena é o que é chamado de cortar a ação. Agora, cortando sua ação basicamente é uma edição padrão em filmes de ação ao vivo, bem como animação. Se você tem uma chance de alguém levantando uma cadeira e indo para atender a porta, por exemplo, isso é uma ação. A ação do personagem enquanto ele se levanta. Você faria o corte lá. Quando ele se levanta da cadeira, então corta para o tiro da porta. Em vez de mostrar o personagem levantando-se à cadeira e andando ao longo e depois chegando até a porta. Cortar a ação é um uso muito inteligente do tempo, porque você pode realmente se livrar daqueles momentos muito desenhados onde um personagem está fazendo algo para chegar em outro lugar. Às vezes, especialmente se você é storyboard para animação de TV, pode ser que na verdade muitos cortes acabam causando muitos problemas mais tarde. Muitas vezes é o caso que, se você tem muitos e muitos cortes, o diretor irá pedir-lhe para tentar consolidar as fotos, a fim de ser mais eficiente em termos de carga de trabalho para outros departamentos, como os fundos ou animação. A melhor maneira de saber quando não cortar é literário, não cortar se não precisar. Se você conseguir encenar suas fotos para que haja espaço para ação e ação secundária, então você precisará cortar para novas configurações ou novos ângulos de câmera. Neste exemplo, cortar daqui para aqui é conhecido como um corte de salto porque a posição deste personagem literalmente salta de um tiro para o outro. Ela está aqui nesta foto e você corta para um novo ângulo de câmera e ela não está na mesma posição. Para resolver isso, você poderia apenas usar um movimento simples da câmera e mudar desta posição logo para a esquerda. Então isso permitirá que você mostre o personagem secundário no fundo sem ter que cortar o tiro em tudo. Lembra quando falei sobre encenação, mencionei isso. Se há algo que você pode mostrar agora que vai ajudar a história se desenrolar no próximo tiro, em seguida, a ação de palco mais tarde como essa, porque ajuda você a não ter que fazer novas configurações ou cortes. Uma boa regra de ouro é apenas pensar lógica e claramente sobre a quantidade de negócios que você tem que passar em uma cena, a quantidade de ação que você tem que passar se quiser. Como você pode melhor interpretar o ponto da história? Pense se um tiro poderia realmente funcionar tão bem quanto três ou quatro ângulos diferentes. 15. Associação e ganchos: Um corte de correspondência ou um engate é quando você recorta de um tiro de um personagem, por exemplo, para outro tiro ou ângulo onde esse personagem ainda está na cena ou no quadro. Você tem que se certificar de que o novo tiro corresponde ao anterior em termos de onde o personagem é colocado e em termos de sua pose. Um personagem está deixando sua casa e caminhando pelo caminho para o carro onde seu amigo está esperando. Em termos de tempo para a cena, você não quer ter que assistir cada passo da porta para o carro como eu expliquei na lição anterior. Se você mostrá-los se afastando da porta e depois cortá-lo no carro, isso seria um corte de salto. Às vezes, cortes de salto são bons se você quiser injetar um pouco de energia dinâmica em sua cena. Mas se o clima realmente não exige isso, então pode parecer chocante. Em vez disso, você mostraria seu personagem saindo da porta e, em seguida, usar um corte de fósforo, que neste caso é um close-up de seus passos. Agora, é um corte de correspondência porque os passos coincidem com a mesma direção e a mesma ação do tiro anterior. Então o próximo tiro poderia mostrá-lo no carro. É um uso muito eficaz da edição. Há apenas três tiros diferentes, dois cortes, e nós estabelecemos que o tempo passou dele deixando a porta para ele chegar ao carro. Isso é uma edição muito perfeita quando você assisti-lo jogado fora e é um uso muito bom de um corte de partida. Outra maneira de fazer isso é que você poderia fazê-los sair da porta, em seguida, usar um corte de seu amigo olhando para fora da tela e observando-o, e então mostrá-lo em pé no carro. Novamente, isso tem o mesmo efeito exato. Comprime o tempo para que não tenhamos que vê-lo dar cada passo da porta para o carro. É um bom uso de um corte para acelerar a ação. O que é um gancho, então? Bem, aqui está um exemplo muito simples de um gancho. Se você tem um personagem olhando para fora da tela antes de um corte, então você vê um tiro mais largo, mas ele mostra eles olhando para baixo em direção ao chão, bem, pode haver um monte de razões lógicas no script para que este personagem tem para olhar para baixo, mas seu storyboard estaria errado porque a pose não liga. Então você precisa iniciar o primeiro painel com eles olhando para baixo, ou iniciar o segundo painel com eles olhandopara fora ou iniciar o segundo painel com eles olhando tela e, em seguida, mostrá-los olhando para baixo. Espero que isso faça sentido. Mas uma vez que você começa a ver ganchos em storyboards, você vai começar a fazê-lo de forma muito intuitiva. Pense também em seus elementos de fundo por sinal. Elementos de fundo podem ter uma tendência a se mover e mudar posição por si mesmos se você não tiver cuidado com seus ganchos ou seus cortes de partida. Quando você for cortar suas cenas, você precisará ficar de olho nisso também e se certificar de que um personagem está parado ao lado de um poste de lâmpada em um tiro e, em seguida, certifique-se de que o poste da lâmpada é colocado relação ao personagem em o próximo tiro se for de um ângulo diferente. Vamos pular para a próxima lição. Quero falar sobre alguns padrões de storyboard padrão para o desenvolvimento de personagens, especificamente quando usamos close-ups. Te vejo então. 16. Tomadas para desenvolvimento do personagem: Sequências de diálogo geralmente são abordadas usando uma combinação de close-ups e tiros médios. O tiro médio é um ótimo tiro para o diálogo. É um tiro extremamente versátil porque você ainda tem muito espaço em um tiro médio para os personagens se movimentarem, especialmente se eles estão fazendo algo com as mãos. Mas ainda vemos a expressão e a emoção em seus rostos. Um tiro médio é uma ferramenta muito útil em sua narrativa. Além disso, o tiro médio é igualmente importante para aspectos relacionais de encenação. Se você precisa restabelecer uma cena e voltar para a base inicial e uma sequência de cortes dizer, você passou de um close-up para um corte para um close-up extremo, então seu tiro médio ou tiros médios é uma boa solução para trazer o público de volta para base em termos de onde todos nós estamos, onde os personagens estão na cena, e em relação uns aos outros. Agora, eu só quero falar um pouco sobre o close-up e eu acho que vale a pena gastar tempo para discutir close-ups em profundidade porque este tiro é um tiro tão importante para o seu vocabulário visual. A principal coisa que eu acho que vale a pena notar sobre o close-up é como a identificação do público funciona através deste tiro. Isso é algo que eu falei brevemente no primeiro curso de storyboarding, mas eu não posso enfatizar o suficiente como isso é importante para contar histórias visuais. Só quero falar um pouco mais nesta lição. Deixe-me explicar assim. Se você pensar em um público assistindo a uma peça, a ação está se desenrolando na frente deles. Mas eles estão praticamente presos nesta zona, eles realmente não se aproximam mais da ação ou dos personagens. Imagine se eles pudessem realmente subir no palco, sentar-se ao lado desse principal para que o herói da peça, pense sobre o quão poderoso isso seria em termos de assistir e entender a emoção do ator. Isso é quase o quão perto chegamos no cinema quando estamos assistindo um filme. Para a identificação do público, o close-up é crucial. Mas não há nenhum ponto de cortar para um close-up apenas aleatoriamente ou aleatoriamente, só porque é um bom tiro ou porque é uma linguagem visual forte, ou porque você simplesmente não quer ter que desenhar sobre os detalhes de fundo. Sempre pense cuidadosamente quando você pode usar um close-up e não se esqueça de considerar o seguinte. Corta para um close-up onde a emoção ou reação do personagem é a coisa mais importante para mostrar na cena quando é o ponto da história. Número 2, estabeleça intimidade e conexão tanto com o público quanto entre personagens indo para a frente três quartos assim. Você pode até mesmo quadrado fora do personagem completamente, mas certifique-se de que seus olhos estão olhando tela esquerda para tela direita. Se você tem dois personagens falando, esse close-up realmente os conecta. Dá-lhes espaço à volta da cabeça e não cortes muito perto. A menos que seja um momento muito dramático ou intenso no roteiro que exige um close-up extremo, não o torne tão apertado. Certifique-se de que você tem um bom espaço negativo em torno do personagem, pense em sua regra de terços e talvez colocar o personagem em um ou outro lado da tela. A seguir, vou discutir com vocês os últimos projetos da turma. É o projeto número 3, onde vou fazer você limpar e finalizar seus storyboards. Vejo-te na próxima palestra. 17. Conclusão: Bem feito para chegar ao final do curso. Fico feliz que tenha chegado até aqui. Eu acho que isso é incrível. Você realmente não deve subestimar a quantidade de trabalho que você completou e o que você conseguiu, mesmo apenas passando por todo o curso. Muito obrigado por estarem aqui e por verem isto até ao fim. Eu só queria deixar vocês neste vídeo com alguns dos pontos que eu acho que são meus principais pontos para este curso. Eu acho que estas são as dicas mais essenciais que você deve se concentrar em avançar. O primeiro é desenho de vida ou desenho de figuras. Se você está interessado em ser um artista de história, ou um desenho ou uma animação em geral, não posso enfatizar o quanto é importante praticar desenho artístico. Se conseguires chegar a uma aula de desenho de figuras de vida, seria a melhor coisa a fazer. Mas se você não pode, você sempre pode apenas desenhar a partir de referência de fotos on-line, e há toneladas de recursos lá fora para ajudá-lo. Se você está interessado, envie-me uma mensagem, eu tenho algumas dicas que eu posso dar-lhe para onde encontrar bons tutoriais sobre desenho de figuras. Número 2, se a animação é realmente o seu foco principal, então o design do personagem é algo que você deve pensar e você deve praticar o máximo que puder. Os estúdios adoram ver designs de personagens em seu portfólio e especialmente para artistas de storyboard serem capazes de desenhar uma variedade diversificada de personagens, não apenas um estilo de personagem é algo que eles vão estar procurando. Concentre-se em seus desenhos de personagens e pratique isso, tanto quanto possível. Número 3, é tentar obter clareza em seus storyboards, tanto quanto possível. O que quero dizer com isso é olhar para trás através seus painéis de storyboard enquanto você está trabalhando neles e pergunte a si mesmo, se alguém que não sabia a história aparece e olha para suas escolhas de tiro ou fluxo de tiros. Eles seriam capazes de seguir a história? Às vezes, isso pode significar que você precisa adicionar mais alguns quadros para descrever uma ação que o personagem está fazendo. Se esse é o caso, então faça isso porque realmente você quer ser capaz de deixar seu storyboard falar por si mesmo. Minha quarta dica é assistir o máximo de filmes ou programas que puder e realmente estudar como as fotos são usadas nesses filmes. Uma prática realmente boa que quase todos os participantes da história que eu conheço faz, é pausar o filme, e miniatura em seu caderno de esboços uma determinada cena ou uma sequência que você acha interessante ou atraente. Você começará a entender como os diretores pensam, como a edição funciona e isso realmente melhorará suas habilidades de apresentação de histórias. Então minha quinta dica é se juntar ao máximo de grupos online que puder. Há muitos grupos no Facebook para artistas de storyboard, e você pode realmente obter toneladas de inspiração, conhecimento e idéias juntando-se a esses grupos e vendo como outros artistas de história trabalham. Bem, isso é tudo para mim. É hora de eu assinar, mas antes de ir, quero agradecer muito por estar aqui. Obrigado por todas as suas contribuições nesta aula. Não posso dizer o quanto isso significa para mim. Tem sido incrível ver o trabalho das pessoas melhorar ao longo do tempo e estou ansioso para vê-lo em outro curso.