Storyboard para animação

1. Introdução: Storyboards. O que são eles? Um storyboard é essencialmente uma grande tira de quadrinhos de um filme. Ele resume as cenas chave em uma animação, tiro por tiro. Oi. Sou Sue, e sou artista e ilustradora de storyboard freelance. Nesta aula, eu vou orientá-lo pelas etapas de criação de um storyboard e juntos encontraremos a melhor maneira de contar sua história. Você pode desenhar suas pastas no Photoshop, Storyboard Pro ou em qualquer programa de adesão. Na verdade, um lápis e papel funcionam muito bem. A parte importante não é o meio, mas o storyboard em si. Vou criar um storyboard ao seu lado, então vamos nessa jornada juntos. Você vai olhar sobre sua história ou roteiro e eu vou te ensinar como descobrir qual é o tema principal da história. Então você vai coletar referências relevantes e eu vou te ensinar os princípios do storyboard. Você vai descobrir o que é um beat board e nós vamos desenhá-los, então eu vou rever qual terminologia storyboard você precisa saber para fazer suas miniaturas, desenhar seu rascunho áspero, depois revisá-lo e, finalmente, desenhar o versão limpa do seu storyboard final. Esta classe é ideal para quem tem uma idéia de história existente que eles querem transformar em uma animação ou qualquer um que quer aprender alguma coisa sobre o stroryboarding, por exemplo. Essas habilidades também podem ser aplicadas na criação de animéticos ou quadrinhos de movimento. No final da aula, os alunos terão as ferramentas e conhecimentos sobre como criar storyboards eficazes com base no tema da história. Para aqueles sem uma ideia de história existente, não se preocupe, eu fornecerei um link para uma versão da história, “As Novas Roupas do Imperador”. Sinta-se livre para reinterpretar e adaptar isso da maneira que quiser. Então vamos começar. 2. Encontrar o tema principal: Certo, agora vamos falar sobre roteiros. Nesta lição, vou ensinar-lhe como identificar o tema da história principal e como mostrá-lo ao seu storyboard. Primeiro, você deve ter sua história base pronta. Você pode transcrevê-lo em um formato de script se tornar mais fácil para você ler, mas não é necessário. Depois analisarei um clipe de cima e ensinarei quais lições podemos tirar de como Pixels traduz o tema da história do roteiro para seus visuais. Vou concluir a lição mostrando meus próprios roteiros e falando sobre o que eu planejo fazer. Então eu lhe darei sua tarefa no final da lição. Eu não sugiro que você comece com uma história muito complicada com um longo enredo. Especialmente se este é o seu primeiro storyboard. Eu mesmo estaria criando uma história simples e já escrevi um roteiro. É sobre duas irmãs chamadas Z e J. Eles estão tentando fazer um bolo de aniversário para sua mãe. Para aqueles que estão usando uma história Eu forneci que eles abraçam novas roupas. Você pode mudar sua história de qualquer maneira que você quiser e reinterpretá-la em seu próprio script. Vamos analisar este clipe de cima, que foi postado por pixels canal oficial do YouTube. Vou postar o link abaixo em Recursos. Sugiro que verifiquem vocês mesmos depois desta lição. Também forneci um link para um guia sobre como formatar seu script. Agora, você não precisa necessariamente reescrever sua história em um formato de script. Mas se você escolher, não fique muito obcecado por isso. Basta escrevê-lo de uma forma para que você entenda o que você precisa história sobre de cena em cena. Apenas informando que haverá spoilers à frente, mas não é nada que estrague a experiência de assistir o filme na minha opinião. O roteiro detalha a vida de Carl e Ellie. Este clipe compara o script com os visuais finais que vemos no filme. O tema central de Up, na minha opinião, é lembrar, mas também seguir em frente do passado para que você possa estar aberto ao amor de novas amizades e experimentar novas aventuras na vida no presente. Mas como sabemos disso? Quando olhamos através do roteiro, vemos Carl descrito e seu relacionamento. Mostra como nossas personalidades são contrastantes; como elas começaram juntas, se casando, vindo de duas origens muito diferentes. Então vemos como eles vivem a vida juntos. Como suas diferenças se complementam uns aos outros.Vemos como eles passam pelos momentos felizes e pelos momentos difíceis. Depois que ambos descobriram que não podem ter filhos, Ellie está com o coração partido, mas Carl a lembra da aventura que ela queria ter quando criança. Eles trabalham para uma nova motivação.Paradise Falls. Eles vão para a motivação de querer ter uma aventura juntos. Ambos tentam economizar para isso. Mas uma e outra vez, as coisas falham e descobrem que têm de continuar a gastar dinheiro noutras coisas. Isso mostra suas dificuldades em tentar alcançar seu objetivo. Mas você pode ver pela sequência que eles ainda estão felizes juntos. Chega a um ponto em que envelhecem juntos, felizes e unidos. Mas como eles estão limpando um dia, Carl tropeçou em uma foto antiga de Ellie. Ele percebe que o sonho original deles não foi realizado e ele acha que falhou com Ellie. Carl tenta realizar o sonho de Ellie comprando ingressos para a América do Sul, mas infelizmente, Ellie adoece e morre antes que ele consiga trazer esse sonho para ela. No final da vida de Ellie, ela passa o livro de aventuras para ele. Carl está com o coração partido. Durante todo o filme está implicando que ele não poderia suportar olhar através do livro de aventura até o final por causa de como ele lembra de como ele não conseguiu trazer Ellie seu verdadeiro sonho. Toda essa sequência define a questão que Carl tem em seu coração; que ele falhou Ellie e ele não sabe se ele pode realizar o sonho de Ellie. Ele passa o filme tendo sua própria aventura, descobrindo por si mesmo que a aventura que ele deu a Ellie era realmente suficiente. Esta pergunta é finalmente respondida no final do filme quando Carl olha através do livro de aventura até o final e se depara com páginas que ele não podia suportar olhar antes. Ele vê as últimas palavras de Ellie para ele,” Obrigado pela aventura. Agora vá ter um novo.” Isso responde à pergunta que Carl tinha em seu coração desde o início. Ele traz o filme círculo completo. A configuração no início e a resposta revelada no final do filme estabelecem o tema principal de Up; seguir em frente do passado enquanto ainda lembra e cuida das pessoas que fizeram parte de sua vida. Você pode ser aberto para formar novas amizades e experimentar novas aventuras. Up estabelece o amor de Carl e Ellie pelo outro desde o início com um toque de vida casado para conectar o público a esses personagens no início do filme. Terminando a montagem com a morte de Ellie e mostrando claramente os arrependimentos de Carl por perder a noção de seu sonho original. Ele define por que Carl se tornou tão perto de desfrutar de novas experiências e amizades com novas pessoas para o resto do filme. Isso fortalece o final porque fornece uma resposta para Carl, bem como para o público, que nas aventuras de Ellie com ele foi suficiente e martelos casa o tema principal da história. O script do Up, o exemplo da tela nos diz isso. Analisando o início e o fim do script, você pode encontrar qual mensagem une os dois. O que isso transmite é o seu tema principal da história. Pense em como você pode configurar seu tema principal da história dando ao seu público uma pergunta que será respondida mais tarde no final da animação que suporta totalmente e mostra seu tema principal de histórias. Para o meu storyboard, eu sei que vai apresentar as duas irmãs, Z e J, e como eles estão lutando para fazer um bolo de aniversário para sua mãe. Agora, esses são os eventos que ocorrem no script. Mas qual é o tema principal da história? O tema principal que eu sei que eu quero transmitir para o público é apreciar os membros da sua família e tentar entender uns aos outros e apoiar-se uns aos outros durante momentos difíceis. Agora, é um enredo simples e é uma mensagem muito simples. Mas o que realmente importa é como você transmite isso em seu storyboard. Vou deixar vocês lerem o roteiro e acharem o tema principal da história. Tudo de melhor. Depois disso, volte para a próxima lição, onde aprenderemos a coletar referências relevantes. 3. Como reunir referências: Vamos falar sobre a coleta de referências relevantes. Nesta lição, vou falar sobre como e onde obter referências relevantes, seja online ou na vida real. Eu também vou falar sobre o conceito de arte que você deve ter pronto antes de começar a desenhar qualquer coisa e quais referências narrativas devem obter com base no seu tema principal da história. A maioria das minhas referências online são coletadas no Pinterest e no YouTube. Eu também olho para outras referências do Google ou qualquer outro blog especializado dependendo do tópico que eu preciso de referência. Eu gosto do Pinterest porque você pode categorizá-lo muito bem. Você pode criar diferentes quadros de humor, e é quase como uma pasta que contém várias imagens diferentes. Criei diferentes quadros de humor baseados nos diferentes personagens que estão no meu storyboard. As diferentes configurações de fundo, e também os diferentes aparelhos e objetos que eu não sei necessariamente como desenhar sem referência. Depois de coletar suas referências, você deve começar a desenhar suas artes conceituais se você ainda não fez isso. Você precisa de desenhos de personagens e desenhos de fundo. Ambos não precisam parecer acabados, eles podem ser deixados sem cor, e você pode até deixá-los em um formato de esboço, se desejar. O que é importante para os desenhos dos personagens, é que, é claro como os personagens se parecem, e a altura dos personagens em relação uns aos outros. Você pode desenhar em um formato de escala como este. Como você pode ver, meu design de fundo é praticamente um esboço e também está mostrando claramente o que está no ambiente sem realmente exagerar os detalhes. Ele também ajudou a acelerar seus designs de personagens dentro do ambiente em uma camada separada para que você saiba a altura de seus personagens em relação aos elementos de fundo e aos objetos que estão ao redor. Além de ter o ambiente de fundo projetado, eu também desenhei uma visão panorâmica do layout. É como um plano arquitetônico que ajuda você a resumir o design de ambientes para suas partes base. A forma geral dos ambientes, os objetos e onde eles são colocados, e como tudo seria colocado um contra o outro. Isso realmente ajuda muito quando você está embarcando história porque pode ser fácil se perder em onde colocar sua câmera quando você está desenhando cena a cena. Se você não conseguir encontrar a referência que você precisa on-line, eu sugiro que você tente e criá-los na vida real, você pode postar e tirar uma foto ou você pode pedir a um amigo ou familiar para posar para você. Eu também não conseguia encontrar uma foto de uma flor em um ângulo específico que eu queria. Tirei uma foto nesse ângulo quando estava andando pelo parque. Eu também coleciono referências do YouTube e as organizo em diferentes listas de reprodução. Esta lista de reprodução é realmente um exclusivamente para borboletas voando porque há uma borboleta no meu storyboard que desempenha um papel importante. Eu estava tentando descobrir como as asas realmente batem ao redor para que eu possa storyboard efetivamente? Outras referências que pode recolher do YouTube provêm de filmes, programas ou de qualquer curta-metragem que tenha sido carregado lá. Coletar referências como essas são importantes porque você quer saber que tipo de humor e tom você vai definir para o seu storyboard. Por exemplo, se a sua história se concentra principalmente em drama com um elemento de comédia dentro também, eu recomendo que você confira os clipes de Coco ou Canção do Mar, se é destinado a suas crianças. Se o seu storyboard é mais de um drama direto que ainda é para adultos, então eu recomendo referenciar clipes de Persépolis ou Grave of The Fireflies. Você também pode encontrar suas referências de narrativas na Netflix ou em qualquer outra plataforma de vídeo que você possa imaginar. Eu tenho curadoria de diferentes playlists do YouTube de acordo com diferentes gêneros para vocês se referirem nos recursos. Se os links que forneci não se adequarem ao seu tema principal , sinta-se à vontade para procurar seus próprios links de referência no YouTube, Netflix ou em qualquer outro site de streaming de vídeo. Certo pessoal, agora sabemos que referência relevante coletar on-line e na vida real e que tipo de arte conceitual temos que desenhar antes de começar a storyboard. Divirta-se procurando referências e volte mais tarde para aprender sobre os princípios do embarque de histórias. 4. Princípios do storyboard: narração: Bem-vinda de volta. Agora que conhecemos nosso tema principal, temos nossas referências e conceito já, vamos entrar nos princípios do storyboard. Os princípios de storyboarding que vou abordar serão contar histórias, clareza, a regra de 180 graus, composição e continuidade. Nesta lição, vou me concentrar em contar histórias. Mais cedo, discutimos encontrar nosso tema principal, e eu toquei um pouco em contar histórias lá. Mas quero aprofundar a conversa sobre quais visuais você pode desenhar e como acompanhar seu storyboard para apoiar seu tema principal. Todos os links estão disponíveis em Projetos e Recursos, como sempre. Agora vamos analisar a narrativa nesses dois clipes de filme. Um é de Coco e o outro de Up. Vamos começar com Coco. Só estou avisando que haverá spoilers à frente. Escolhi Coco como uma das minhas principais referências de storyboard. Isso ocorre principalmente porque meu próprio tema de história é semelhante ao de Coco, e a maneira como eles retratam seu tema é tão eficaz, especialmente nesta cena crucial. Nesta cena, Miguel está tentando fazer com que sua avó Coco se lembre de um membro da família que faleceu, para que seu espírito não desapareça. Na minha opinião, o tema da Coco é este: lembrar o passado para que você possa aprender com ele e apreciar e ouvir uns aos outros quando você é família, não deixando ninguém para trás. O objetivo desta cena é trazer a memória de Coco de volta, mas eu acho que o mais importante é como eles mostraram seu tema principal através da cena. Como eles apoiaram esse tema em seu storyboard? No início da cena, Miguel está correndo desesperadamente tentando chegar a sua bisavó Coco, mas ele é parado por sua abuela. Ele consegue entrar na sala em que Coco está e fecha a sua avó de fora. Ele está tentando fazer com que ela se lembre, mas ela não consegue. Miguel está de coração partido. Logo após sua tentativa fracassada de fazer com que sua bisavó se lembre, sua abuela entra no quarto com seus pais. Seus pais estão inicialmente irritados, mas quando vêem as lágrimas de Miguel, eles o abraçam. Agora veja como o storyboard é visto. Quando Miguel percebe que seu Coco não se lembra, ele se afasta e uma câmera segue sua expressão, afastando-se de Coco, focando apenas nele. Este movimento de câmera isola Coco do Miguel porque ela não se lembra e não consegue se conectar com ele agora. Pela forma como eles construíram este tiro, você ainda pode ver claramente que Miguel é o centro de foco. Mas você também pode ver claramente os membros da família invadindo por trás, para que o público saiba que os membros da sua família estão entrando em cena. No entanto, ele permanece na expressão de Miguel como o foco principal para que você veja como ele está com o coração partido. Quando Miguel interage com seus pais e chora, você sente o momento porque permanece na expressão de Miguel e também mostra claramente que seus pais estão abraçando-o de volta e tentando confortá-lo. Depois, uma câmara mostra a avó a falar com a Coco e depois a dizer ao Miguel para lhe pedir desculpa. Nas próximas cenas, Miguel finalmente faz com que sua bisavó Coco se lembre do membro da família perdido cantando e tocando guitarra. Como está a configuração? Logo depois disso, há a foto da guitarra que Miguel trouxe para a sala. A tomada da guitarra e a expressão de Miguel configuram que Miguel vai começar a cantar para ela para tentar fazê-la se lembrar. Quando Miguel começa a cantar e tocar guitarra, o tiro centra-se exclusivamente em Miguel e Coco. Corta brevemente para mostrar a objeção da vovó e seu pai a segurando. Além disso, cortes para mostrar que o resto dos membros da família estão agora lá assistindo Miguel cantando para Coco. No entanto, para a maior parte do resto das cenas, concentra-se predominantemente em Miguel e Coco porque são eles que carregam o tema principal da história. Eles também eram os únicos que conheciam pessoalmente o membro da família que faleceu. O momento em que Coco começa a se lembrar é fundamental, então a câmera começa mostrando as mãos trêmulas de Coco olhando para seus olhos, começando a recuperar a memória. Em seguida, ele corta para mostrar as reações dos membros da família porque eles também fazem parte disso. No entanto, eles não são o foco dessa cena, então o resto das cenas focam predominantemente em Miguel e Coco e como eles estão se conectando e se conectando sobre a memória de seu ente querido perdido. No final da cena, Coco se lembra e tudo está bem. Toda a sequência termina com Miguel abraçando Coco e o resto dos membros da família na filmagem, mostrando toda a família finalmente unida. Analisando uma sequência em Coco, posso trazer o que aprendi para o meu próprio storyboard. Como meu storyboard se concentra exclusivamente em dois personagens, Z e J, posso me concentrar na dinâmica da irmã deles aplicando o que aprendi em Coco. Agora que analisamos Coco, vamos analisar Up. Agora eu já analisei este clipe na primeira lição quando estávamos encontrando nosso tema principal. Mas aqui, eu quero me concentrar em quais visuais e quais tiros repetitivos essa sequência usa para mostrar bem seu tema principal da história, e como eles configuram a sequência para que isso traga a questão de que Carl disse ao longo de todo o filme, ele pode dar a Ellie a aventura final que ela merece? Na montagem da vida conjugal de Up, eles usam a repetição para mostrar o passar do tempo em seu relacionamento. Se você assistir novamente a montagem, há vários tiros que se repetem. Por exemplo, a foto de Carl e Ellie subindo a colina gramada, as fotos de Carl e Ellie observando nuvens, e a foto de Ellie colocando as gravatas de Carl. A foto de Carl e Ellie subindo pela colina gramada aparece logo após Carl e Ellie se casarem. Carl é mostrado estar lutando para subir a colina enquanto Ellie já está no topo porque ela é tão enérgica. Esta cena reaparece perto do fim quando Carl e Ellie estão subindo a colina novamente. Só que desta vez Carl é o único que está no topo animado para dar a Ellie os bilhetes de avião que ele conseguiu para que eles finalmente possam ter a sua aventura. Mas Ellie é mostrado para cair, e Carl corre em seu auxílio. Há um sinal visual que antecede a próxima cena em que Ellie está em sua cama de hospital dando a Carl suas últimas palavras. Essas dicas visuais também fazem com que o público subconscientemente associe a colina gramada com o início e o fim de sua história juntos. A cena do olhar das nuvens também ocorre duas vezes porque a primeira vez, foi apenas para mostrar Carl e Ellie se divertindo. A segunda vez é mostrada quando Carl e Ellie querem ter um bebê juntos e eles percebem isso olhando as nuvens. A repetição final que Up usa é a repetição de Ellie ajudando Carl a colocar suas gravatas. Cada momento que eles fazem isso mostra claramente Carl e Ellie casados felizes. Ele define o resto do filme onde Carl tem que perceber através sua própria aventura que Ellie já estava feliz com sua própria vida com ele. Então, deixe esses métodos de enfatizar o tema principal da história ensiná-lo a enfatizar o seu próprio. Leia seu roteiro e descubra quais personagens e quais relacionamentos de personagens você gostaria de se concentrar, e qual ponto da história gostaria de destacar. Depois disso, você pode voltar e eu vou te ensinar o lado técnico do storyboard; como criar clareza em seus storyboards. 5. Princípios do storyboard: clareza: Vamos ter um pouco de clareza nesta lição. Nesta aula, nós vamos aprender como deixar nossos storyboards claros para que nosso público saiba o que está acontecendo e os animadores saibam exatamente como animar cada cena. Vou te ensinar mostrando e analisando um exemplo claro de um storyboard. Depois mostro-te uma má e explico-te porque é que não está claro. Existem algumas maneiras de deixar seu storyboard claro. Uma das maneiras é certificar-se de que em cada cena do seu storyboard, ele se concentra apenas em um movimento principal. Aqui está um exemplo. Nesta sequência, J está derretendo chocolate e não percebe que o bolo está queimando ao fundo. Quando ela e Z perceberem e o tirem do forno, já está queimado. Então o chocolate deles pega fogo. Embora J esteja fazendo uma ação e algo mais aconteça atrás dela, só nos concentramos em cada ação, uma de cada vez. Cada elemento introduzido também é introduzido passo a passo. Cena 1. J quebra o chocolate para derreter em uma tigela. Cena 2, J está começando a derreter o chocolate mexendo repetitivamente sobre um pote. É só depois de vermos J derretendo o chocolate que vemos a fumaça vindo de fora da tela. Depois de ver a fumaça, vemos a borboleta voar aparentemente avisando J sobre o bolo que está queimando no forno. A borboleta voa para fora da tela. Como nossa atenção já está no lado esquerdo da tela, quando Z vem correndo com a borboleta, nossa atenção está imediatamente sobre ela. Quando ela tira o bolo do forno, a câmera segue ela e J. Eles abrem a porta do forno e estão cobertos de fumaça. Cena 3. A revelação de seu bolo queimado. Esta cena é importante porque precisamos mostrar o quão inrecuperável esse bolo é, que saibamos por que Z e J parecem tão desapontados na cena seguinte. Cena 4. Z e J olham tristemente para o bolo. Então o chocolate pega fogo. O chocolate só pega fogo depois que vemos as expressões decepcionadas de Z e J. Isso é importante porque precisamos estabelecer quais emoções negativas Z e J estão sentindo antes de mostrar o contratempo final. Agora, se uma sequência mostrou tudo o que ocorre ao mesmo tempo, será assim. A cena parecerá confusa e o público não saberia o que olhar. Outra coisa a notar é que tudo isso ocorreu dentro de uma cena neste exemplo, então nós não temos o contexto de que J está derretendo chocolate na cena antes, e nós também não conseguimos ver o resultado do bolo ser queimado. A partir deste exemplo pouco claro, podemos também ver que a ação principal é cortado em meio caminho, que aumenta a confusão. Lembre-se de que não há problema em cometer erros especialmente no estágio inicial da miniatura. Eu vou sugerir que vocês leiam o roteiro e coloquem tudo em miniatura primeiro, para que vocês tenham suas ideias iniciais lá fora. Você sempre pode verificar novamente se há erros e editá-lo em seu rascunho. Mas não faça uma miniatura ainda, porque ainda temos três princípios de storyboard à esquerda. Em seguida, há uma lição sobre a regra de 180 graus. 6. Princípios do storyboard: regra 180°: Qual é a regra de 180 graus? A regra de 180 graus afirma que dois personagens devem manter a mesma relação esquerda e direita entre si no filme. Digamos que há dois personagens e há uma linha entre eles. Imaginemos que Z e J são o personagem em questão. Nesta seção, o fundo consiste em contadores, o topo do material, panelas, panelas penduradas na área do peitoril da janela e na porta traseira, e uma franja no lado direito. Nesta seção no fundo, há mais contadores, uma pia, paredes, os armários do teto, o corredor, a porta para a área da cozinha e as franjas estão no lado esquerdo. Vou mostrar-vos dois exemplos. Um segue a regra de 180 graus, o outro não. Vamos começar com o que faz. Nesta sequência eu embarquei Z e J são mostrados tendo uma conversa. Se você notar, Z está à direita e J está sempre à esquerda de Z. Um fundo que vemos como um público é apenas desta seção da linha. O que significa que o nosso ponto de vista nunca passa da geladeira, nem passa da área do forno e do peitoril da janela. Aqui está um exemplo da regra de 180 graus sendo quebrada. A partir dessa sequência, podemos ver que o público ficará tão confuso quanto nós quando assistimos. A razão é porque Z e J continuam alternando lugares entre si e o ambiente continua girando também. Isso ocorre devido à forma como a câmera ou o ponto de vista do público mantém a visualização de um lado da linha para o outro. O que significa que continuamos vendo uma parte diferente do fundo e Z e J vão constantemente virar entre a esquerda e a direita. Isso faz com que o público não saiba onde os personagens estão em relação uns aos outros e onde estão e seu ambiente. Agora existem algumas maneiras de quebrar claramente a regra de 180 graus. Uma das maneiras de fazer isso é mostrar por personagem literalmente cruzando a linha de uma maneira clara. Lá você vê os personagens mudando sua relação esquerda e direita uns com os outros. Aqui está um exemplo de um velho quadro de histórias que desenhei onde dois personagens estão lutando e a regra de 180 graus é quebrada. Mas está quebrado de uma forma em que as posições dos personagens ainda são claras para o público. Nesta sequência, a câmera é reposicionada para mostrar o personagem vindo por trás. Reposicionar o ponto de vista do público ou da câmera para mostrar a mudança da relação esquerda e direita entre eles. Aqui está outro exemplo de quebrar claramente a regra de 180 graus. Esta sequência mostra J e Z tentando seguir um tutorial de cozimento em seu telefone. Começa com um tiro neutro, que é um tiro que mostra um sujeito ou um personagem de uma forma neutra que não tem uma sólida relação esquerda e direita estabelecida entre os personagens em seu plano de fundo. Embora esta cena estabeleça Z para estar do lado esquerdo e J para estar à direita. Um tiro neutro que é colocado logo após esta cena nos permite restabelecer sua relação esquerda e direita uns com os outros na cena seguinte. Também ajuda a ver Z e J saindo da tela para sair da mesa. O que implica que eles estariam procurando itens de vários armários e gavetas diferentes. Quando eles retornam na tela, o público não está questionando por que eles estavam voltando de lugares diferentes de onde a esquerda. Eles configuram tiro neutro no meio para que quando você voltar para os personagens, você pode restabelecer sua relação esquerda, direita um com o outro. Ou isso ou você pode mostrar um novo tiro de estabelecimento, em seguida, ele cortou para uma cena, restabelecendo sua relação esquerda-direita com suas posições alteradas a partir da cena que foi mostrada antes do tiro de estabelecimento. Agora que vocês sabem qual é a regra de 180 graus, por que não assistir alguns shows e filmes e descobrir que maneira eles seguiram essa regra ou de que maneira eles quebraram isso ainda faz o público entender por que os caracteres estão em relação uns com os outros e em seu ambiente. Depois disso, volte e aprenderemos sobre o que faz boa composição na próxima lição. 7. Princípios do storyboard: composição: O que é composição afinal? Nesta aula, nós vamos aprender o que é composição, como fazer uma boa composição e quais armadilhas evitar ao compor todos os tiros. Vou te ensinar mostrando exemplos de grandes artistas e mostrando alguns de meus próprios desenhos, uns que funcionam e outros que não funcionam. Então, o que é composição? Composição é como os elementos na tela aparecem em relação uns aos outros, e como eles estão dispostos em um tiro. É como e onde um personagem ou adereço é colocado em um plano de fundo na tela e quais partes estão focadas. Boa composição, enfatizar a parte importante que carregam a história e a mensagem principal da cena. Agora, vou mostrar-vos um exemplo do artista Karolis Strautniekas cujo nome estou definitivamente a pronunciar mal e peço desculpa por isso. Então esta ilustração também que Karolis desenhou para The New Yorker. Sem sequer conhecer o conteúdo do artigo, já podemos sentir tensão e suspense nesta imagem. Uma das maneiras que Karolis faz isso é mostrando contraste tanto no tamanho dos caracteres quanto no valor. Podemos ver que o homem em primeiro plano é muito maior do que o homem à direita e à esquerda. Este contraste no tamanho dá uma sensação mais presunçosa. O contraste em tamanho do homem em primeiro plano olhando para o homem do lado esquerdo, dá a sensação de que aquele em primeiro plano tem o poder. Isso acrescentou o fato de que o homem em primeiro plano e o homem do lado direito estão ambos olhando para este homem à esquerda que está segurando uma pasta e indo embora. O homem a afastar-se não está a olhar para nenhum deles e parece não saber que está a ser vigiado. O contraste e o valor também aumentam a tensão. O homem de primeiro plano está fora do valor mais sombrio. Ele está olhando para o homem do lado esquerdo, que está literalmente sendo banhado em luz pelo telefone. Se você notar, o homem do lado esquerdo não está sendo coberto pela escuridão de nenhum prédio ou outdoor ao redor dele. Isso contrasta tanto com o homem em primeiro plano quanto com o homem do lado direito, que estão se cruzando com elementos de fundo como outdoors e edifícios. O homem do lado direito, embora não seja do valor mais sombrio, ainda está envolto na escuridão pelos edifícios, como dissemos antes. Além de não distrair o foco principal desta ilustração, os elementos de fundo também ajudam a chamar a atenção para eles. Há também um ritmo, os outdoors que se cruzam com o homem em primeiro plano são todos diferentes formas de quadrados, eles são o começo. Mostrando ritmo e levar o olho do espectador para o foco principal da cena. Se você notar, nenhuma das partes escuras do edifício se cruzam com qualquer um desses caracteres. O maior cruzamento que você tem nesta imagem é com o homem do lado direito que está na frente do carro. Mas mesmo assim, os edifícios se desvaneceram em um tom laranja claro, e o curto é perfeitamente equilibrado pelas paredes de ambos os lados da imagem. Mas sobre o que é o artigo? Era sobre como dois agentes foram encarregados de repórteres severamente e como eles se envolveram em uma conspiração internacional para suprimir alegações de agressão contra Harvey Weinstein. Esta ilustração define a cena para o artigo sem realmente revelar ou estragar o conteúdo. Agora, vamos analisar a composição em alambiques de Spirited Away do Studio Ghibli. Spirited Away tem tantos exemplos de composição maravilhosa, tome esta foto por exemplo, nesta cena, o personagem principal, Chihiro, está tentando conseguir um emprego deste velho. O peso é mostrado como composto, deixa claro que ela está aguardando sua resposta e também segue todas as regras de composição que mencionamos antes. Há contraste em tamanho de personagens e valor e o tiro é perfeitamente equilibrado em ambos os lados. Embora Chihiro seja muito maior em primeiro plano, a colocação das três cadeiras no canto inferior esquerdo e o valor escuro fundido por essa parede de cimento faz com que o peso do lado esquerdo seja igual ao direito. Este tiro também segue a regra dos terços. Qual é a regra dos terços? Agora imagine se desenhamos duas linhas de igual distância uma à outra horizontalmente, e então desenhamos outras duas linhas de distância igual uma à outra verticalmente, seja o caractere ou objeto que intersecta ou esteja muito próximo de um ou qualquer um dos estes quatro pontos, estará seguindo a regra de terços. Esta está longe de ser a única cena de Spirited Away que segue esta regra. Na maioria das vezes em filmes e shows, os personagens são prompts que são importantes, são colocados cruzando esses quatro pontos ou perto deles, pelo menos. Como você pode ver nesta cena, tanto Chihiro quanto o velho são colocados nessas posições exatas. Mesmo um tiro de perto como este tiro com Yubaba e Haku aderir a esta regra de terços. A cena também adere à proporção dourada. Agora você está se perguntando o que é a proporção dourada se você não ouviu falar dela antes, a proporção dourada é na verdade um cálculo matemático, mas muitas vezes é usada na arte como uma proporção literal para usar para que uma cena seja visualmente agradável. A explicação tanto da relação dourada é que ela tem um ponto focal importante que está ligeiramente fora do centro, que também está aderindo à regra dos terços. Você não precisa necessariamente seguir a regra dos terços ou a proporção de ouro em todas as suas cenas. Depende muito do que você precisa da cena para transmitir e do que você quer enfatizar. Agora, este exemplo de Spirited Away, sem dúvida não segue a regra dos terços ou a proporção dourada. Tem um edifício imponente e é uma mesa curta que acabou de se encontrar para estabelecer onde e o que Chihiro está vendo. De um modo geral, porém, você não pode falhar ao usar a regra de terços ou a proporção de ouro. Em todos os tiros em Spirited Away, há repetição e ritmo. Na maioria das vezes, os elementos repetitivos levam até o foco principal da cena. Às vezes, eles também usam linhas de liderança para levar o olho do espectador para o foco principal da cena. Este tiro Chihiro correndo em um tubo é um dos exemplos mais flagrantes de usar linhas de liderança para que o público preste atenção ao personagem. Ele também adiciona fluxo para a cena. Aqui estão mais exemplos de linhas de liderança. Spirited Away, também usa composição para fortalecer a narrativa. A cena com Yubaba e Haku mostram que Yubaba é lívida, grande e imponente. No entanto, Haku, sendo tão pequeno ainda está forte, seus rostos estão sem rosto e ela é a única que está perdendo o controle. O cabelo dela está por todo o lado e o fogo dela não o afecta. A cena também adere à proporção dourada. Você está totalmente focado neles porque não há distrações em segundo plano ou em qualquer outro lugar. Isso porque é um momento crucial no filme onde eles são mudança dinâmica relacionamento. Aqui está outro exemplo, mas desta vez sem caracteres, o tiro ainda adere a toda a regra de composição de que falamos. A regra dos terços, contraste, ritmo, linhas de cabeçalho e a proporção dourada. Está bem, vou mostrar-te alguns dos meus antigos storyboards. Embora as composições sejam definitivamente imperfeitas, elas aderem às regras de composição que discutimos antes. Vamos analisá-los e descobrir como você pode aplicar regras de composição ao seu próprio storyboard. Aqui está um exemplo de um plano de estabelecimento que segue a regra dos terços e tem contraste de tamanho. Eu acho que eu desenhei a lua um pouco grande aqui, mas fora isso, geralmente adere às regras de composição média. Há ritmo nos postes e nos prédios. Há contrastes na forma do edifício principal e no tamanho da árvore contra o edifício menor no fundo. Passamos agora para um tiro onde os personagens estão quebrando uma entrada. Ainda segue as regras gerais de composição. Se você notar que há linhas de perspectiva desenhadas na parte inferior, torna mais fácil para os artistas patrocinadores saber até que ponto o conjunto de objetos e personagens está em segundo plano. Eu recomendaria que vocês colocassem as respectivas linhas no chão também. Este tiro não segue a regra dos terços. Mas a razão é porque ele foi feito para ser um tiro do meio que se concentra em mostrar caráter presunçoso, roubar um item precioso. Sempre que um personagem é surpreendido ou está tentando fazer algo nefasto, você pode querer se concentrar em seu rosto e gesto. Às vezes, quando você deseja destacar a expressão de um personagem ou introduzir um novo caractere, você pode colocar os caracteres no meio da tela para enfatizar sua importância para o público. Lembre-se de alternar os tipos de composições que você usa no storyboard para que seu público esteja envolvido. Por exemplo, alternando entre usar a regra de terços, a proporção dourada e composições com o foco médio para um tiro de variedade. Aqui está a introdução do super-herói que vai derrotá-los ou vai tentar de qualquer maneira, os escombros e a parede molda-la para que nossa atenção esteja exatamente sobre ela e nós sabemos de onde ela está entrando na cena. Neste exemplo, geralmente segue a regra de terços com a suposição do herói coelho no meio. Ele ajuda a sombrear os personagens que estão mais próximos do espectador ou em primeiro plano para que você possa ver a diferença de distância entre cada personagem. Certo, então isso é um trecho do meu velho storyboard. Espero que tenham aprendido algo com isso. Agora vou mostrar a vocês alguns exemplos de erros comuns de composição a serem evitados. Nenhuma sobreposição estranha de personagens diferentes que distraem do foco principal da cena. Não há objetos que se cruzam e ficam fora de personagens, especialmente aqueles que fazem parecer que eles têm uma forma estranha. Não há cortes estranhos de personagens, pés e mãos, especialmente quando eles estão se movendo ou se o que você está fazendo é suposto ser o foco da cena. Quando há uma grande multidão, não se concentre no personagem errado, como um personagem de fundo que não vai entrar em jogo ou afetar a história, a menos que seja para um pouco de comédia específica. Quero que se lembrem que não há problema em cometer erros. Cada erro que comete está um passo mais perto de criar bela composição que conta a sua história e não há problema se isso levar tempo. Agora, eu sugiro que vocês assistam e reassistam e analisem a composição desses filmes. The Grand Budapest Hotel, Ghost in the Shell, Whiplash e Spirited Away. Agora a razão pela qual eu escolhi esses filmes é porque todos eles são filmes fantásticos para uma coisa, e eles são todos muito diferentes um do outro. Todos eles também têm grandes composições que contam a história de uma forma muito eficaz em cada cena. Sinto que vocês não podem internalizar melhor a lição analisando esses filmes. Depois disso, volte e te ensinarei sobre continuidade na próxima lição. 8. Princípios do storyboard: continuidade: Vamos continuar com alguma continuidade. Nesta lição, vou ensinar a vocês sobre continuidade mostrando e analisando bons e maus exemplos do meu storyboard. O que significa continuidade? Continuidade refere-se à manutenção de consistência e lógica de cena a cena em cena em um filme de animação ou em qualquer programa. Meu storyboard vai se concentrar em duas irmãs fazendo um bolo de aniversário para a mãe deles. Aqui está um exemplo de um storyboard que tem continuidade decente. Esta é uma parte do meu storyboard onde a Zee e o Jay estão a ter uma conversa perto do início. Como não há problemas de continuidade, nosso foco principal é a dinâmica irmã entre Zee e Jay. Uma boa continuidade ajuda o público a se concentrar no que é importante na sequência, o que ajuda a fortalecer a dinâmica entre os personagens e o tema da história como um todo. Basicamente, se o storyboard tem boa continuidade, você permite que o público se concentre na história e nos personagens. Agora aqui está um exemplo de um storyboard com má continuidade para que vocês tenham um ponto de comparação. Dê uma olhada e veja se você pode ver coisas que estão uma bagunça. Conseguiram todas as inconsistências? Se você sentir que não fez isso, então você pode assistir novamente a sequência e descobrir. Se não, aqui está a lista de coisas que são inconsistentes nessa sequência. A primeira coisa que ocorre é que o item com o qual um personagem interage de repente desaparece dentro da mesma cena. Nesta cena, a camada de primeiro plano não fica visível em todos os painéis, o que torna a cena muito distraída à medida que continua a piscar. Nesta cena, a tabela é mostrada para estar cheia de itens que de repente desaparecem na próxima cena. Em seguida, nas cenas seguintes, os itens de supermercado reaparecem, mas em uma posição diferente de antes. Há pequenas coisas no fundo que mudam constantemente também, o que não seria grande coisa se não fosse tão perto ou perto dos personagens principais. Por último, na cena que se segue, o tiro de Jay mostrado sendo encharcado, nem Zee nem Jay estão molhados. No mínimo, Jay ainda deve ser encharcado como a sequência implica que as duas últimas cenas são de costas para trás, sem tempo passando entre as duas cenas, e ambos acabaram de voltar de estar sob a chuva. Agora você não precisa desenhar um detalhado storyboards, eles são sempre incrivelmente consistentes, mas as principais coisas visíveis como personagem de repente mudando sua aparência sem a implicação de passar o tempo ou itens desaparecendo logo após os personagens atraí-los, são muito perceptíveis para a maioria dos públicos, e vai quebrar a suspensão da descrença, e vai fazê-los se perguntar sobre coisas que não estão relacionadas com a história. Continuidade e consistência também são importantes para que você não confunda o animador e os artistas de fundo com os quais colaborará no seu projeto. No entanto, não fique obcecado com detalhes, basta verificar novamente se há grandes inconsistências que podem confundir as pessoas com quem você está trabalhando ou o público e você ficará bem. Você não precisa se preocupar muito com continuidade quando estiver fazendo suas miniaturas novamente. As miniaturas estão lá para você colocar suas ideias lá fora. É mais quando você está fazendo seu rascunho áspero, que você tem que verificar através cena por cena e ver se há algum erro. Mesmo que haja, está tudo bem, você pode revisá-lo em seu rascunho revisado. Sugiro que vocês consigam ajuda de seus amigos ou de um animador com o qual estão colaborando neste projeto para garantir que a lógica e a consistência estejam lá entre cada cena. Depois disso, a próxima lição, vamos finalmente começar a desenhar. Você vai aprender o que é um Beat Board e nós vamos desenhá-los juntos. 9. Criando placas Beat: Vamos aprender e desenhar placas de batida. Nesta lição, eu vou ensinar a vocês o que é um beat board mostrando exemplos. Em seguida, explique a você como desenhá-los e por que você precisa deles antes de seu storyboard. O que é um beat board? Um beat board é basicamente o mesmo que miniaturas, só que em vez de desenhar algo painel a painel, você está resumindo uma cena em um único desenho. Ele tem a idéia de cerca de 9-16 imagens sem detalhes adicionais. Aqui está um exemplo de progressão de um painel de storyboards por painel, em vez de desenhar um personagem passo a passo, fazer uma ação e levar para a próxima. A cena inteira é resumida em um painel aqui. Este único painel é um beat board mostrando Zee e Jay espalhando manteiga em um bolo de milho. Aqui está outro exemplo de várias cenas mostradas painel por painel da conversa de Zee e Jay, mostrando suas diferentes personalidades sendo resumidas em um quadro de batida. É importante desenhar o beat board para que você seja capaz de resumir a emoção pretendida e ponto de cada cena, como eu disse antes, porque ele serve como um esquema para todo o seu storyboard e suas miniaturas. Dessa forma, quando você desenha suas miniaturas e desenha um rascunho, você sabe qual deve ser o foco em cada segmento de seus scripts. Pense em beat boards como o esqueleto do corpo do seu storyboard. Um esqueleto forte suporta bem o seu corpo e evita problemas de saúde mais tarde. Neste caso, ele impede de ter problemas imprevistos surgir ao animar muito mais tarde na linha e evita momentos de embarque na história que acabará distraindo do tema principal da história. Vocês podem desenhar suas pranchas de batida em qualquer meio. Você pode usar o Photoshop ou qualquer programa digital, ou você pode desenhá-lo tradicionalmente em um caderno de esboços como este. Honestamente, a única razão pela qual eu desenhei isso no Photoshop em vez de tradicionalmente, é porque eu queria compilá-lo em um PDF e é mais fácil fazer isso desenhando digitalmente. Independentemente do meio que vocês escolherem para desenhar suas pranchas de batida, eles serão preciosos sobre o acabamento. Basta deixá-lo em um esboço e desenhe tudo muito rapidamente. Porque lembre-se, o objetivo de desenhar as placas de batida é resumir o foco de cada segmento de um script. Não se trata de como é bonito. Muito bem, rapazes, divirtam-se desenhando as suas batidas. Depois disso, volte e eu ensinarei a compor imagens diferentes usando ângulos de câmera diferentes na próxima lição, parte 1 da terminologia de storyboard. 10. Terminologia de storyboard : parte 1: Vamos aprender sobre a terminologia de storyboarding, esta é a parte 1 de dois. Nesta lição, eu vou nomear e mostrar a vocês diferentes tipos de tiros. Então eu vou explicar, o que eles costumam usar e como você pode usá-los em seu próprio storyboard. Aqui está um exemplo de um tiro largo. Esta é uma foto que mostra o sujeito ou personagem na íntegra em seu ambiente circundante. Normalmente, essa foto é usada para mostrar personagens e estabelecer onde eles estão, e é para deixar claro para o público qual é o seu ambiente depois de alterar a localização dos personagens. Um tiro semelhante, mas ligeiramente diferente, é o tiro determinante. Agora, um tiro de estabelecimento é o tiro extremo largo em um filme ou um vídeo. Geralmente, ele é usado no início de uma nova sequência para estabelecer uma visão geral da cena que se segue. Também é geralmente usado para começos de filmes e alguns curtas-metragens e séries para apresentar o público a um mundo completamente novo. Você não tem que começar seu filme usando o tiro, mas é bom usá-lo quando você quer estabelecer um mundo totalmente novo que é inteiramente fictício ou é baseado em fantasia. Um tiro médio é um tiro que mostra um personagem da cintura para cima. Agora, um tiro médio geralmente é usado para mostrar personagens tendo conversas. O tiro médio é muito versátil porque pode ser relaxado e nada pode estar acontecendo em uma cena, ou você pode usá-lo de uma forma para aumentar a intenção do drama, mudando o ângulo que o público está vendo o personagem de. Filmar seu personagem de um ângulo baixo, como o público está olhando para o personagem de perto do chão, faz com que pareçam mais fortes e mais dominantes. Enquanto filmar seu personagem de um ângulo alto, como o público está olhando para baixo sobre o personagem para cima, faz com que o personagem olhar mais fraco e mais vulnerável. Um close up é um tiro em que rosto de um personagem ou um assunto ocupa a maior parte da tela. Agora, na maioria das vezes, essas fotos são salvas para enfatizar as emoções de um personagem em momentos dramáticos de uma história. Por exemplo, se um personagem está passando por um momento de angústia, raiva, medo, alegria, etc Eu recomendo para vocês não usar demais essas fotos e guardá-lo para momentos que realmente importam. Uma versão mais intensa deste tiro é o close-up extremo. Um close-up extremo concentra-se em apenas uma parte do rosto do personagem ou em um assunto. Normalmente, este tiro é usado logo antes ou logo após uma enorme revelação em uma história, marcando seu ponto de viragem ou o clímax. Definitivamente, não exagere este tiro porque você quer guardá-lo para os momentos que realmente importam. Às vezes, este tiro é usado no início de um filme. Apenas certifique-se de que, se você usar isso no início do seu storyboard, eles o acompanham com um tiro de estabelecimento ou um tiro largo para que seus membros do público saibam exatamente onde seu personagem está e você apresente o seu público ao mundo da sua história. Outro tiro que muitas vezes acompanha o extremo close up é um PDV tiros. A foto do PDV coloca o público no ponto de vista dos personagens. Agora, este método é muito útil para que os membros do público simpatizem com um personagem em momentos de extrema angústia emocional ou confusão, então o que quer que estejam testemunhando, o público também está experimentando. Se você é novo em storyboard, eu realmente não recomendo para você usar o POV tiro muito porque ele pode ser bastante complicado para storyboard e geralmente é reservado para momentos muito específicos. último tiro que vou cobrir é o tiro por cima do ombro. O tiro sobre a sombra é tomado sobre o ombro de um personagem para mostrar o outro falando. Agora, esse método é usado com mais freqüência para transmitir caracteres conversando enquanto realça expressões e gestos de um caractere. São todos os ângulos da câmera que vou cobrir nesta lição. Agora que você conhece a terminologia do storyboard, pense nos diferentes ângulos de câmera que você pode querer usar em seu storyboard. Agora, você não tem que usar todos eles, apenas use aqueles que melhor se adequam à sua história. Eu também recomendo para que vocês voltem a assistir filmes e programas diferentes que são semelhantes em tema para o seu próprio storyboard. Isto é para que você possa analisar quando eles usaram diferentes ângulos de câmera e como é eficaz em contar sua história. Agora, na próxima lição, eu vou ensinar a vocês a parte 2 da terminologia de storyboarding, onde eu vou ensinar diferentes movimentos de câmera para usar em seu storyboard. Vejo-te na próxima lição. 11. Terminologia de storyboard: Parte 2: Vamos aprender mais terminologia storyboard na parte dois de dois. Nesta aula, vamos aprender uma terminologia de storyboard específica e explorar diferentes movimentos de câmera que podemos usar em nosso storyboard. Vamos começar listando toda a terminologia na íntegra primeiro. Então vou explicá-los em detalhes depois de dois exemplos. A câmera refere-se ao que o público está vendo na tela ou o ponto de vista do público. Encenação refere-se à posição do personagem em uma cena em relação ao outro para legibilidade clara de suas ações para o público. camião está a aproximar-se, camião está a aproximar-se. Deslocar para a esquerda significa que o tiro se moverá para a esquerda, enquanto a panorâmica para a direita significa que o tiro se move para a direita. Um tiro de rastreamento é um tiro que segue um único personagem ou assunto, que permanece mais ou menos no centro da tela enquanto o fundo passa à medida que se move. Vamos explorar esses termos em detalhes. Começarei mostrando um exemplo do que uma câmera veria, dependendo de onde ela é colocada no layout. Digamos que a câmera é colocada aqui perto da geladeira. A nossa visão da cena seria esta. Se a nossa câmara for colocada ligeiramente acima da mesa ou perto do nível das mesas, nossa visão será esta. Quando me refiro à câmera, quero dizer o que o público está vendo e o que você está desenhando dentro da tela. Agora, vou te mostrar o que é encenação. Aqui, Z e J estão seguindo uma receita de cozimento erroneamente, porque eles não têm as ferramentas certas. J escolhe um método simples que funciona. Z e J estão posicionados claramente para que você possa ver seus movimentos oculares completos e você pode ver suas expressões e formas contrastantes de lidar com a situação. Aqui está um exemplo de preparação ruim e como isso pode afetar sua composição e clareza. A encenação aqui é muito pouco clara e ruim, porque os personagens não são espaçados bem e porque ver onde eles estão no ambiente. Suas principais ações são cortadas. O foco principal de toda a sequência é espalhado e não faz sentido para o público, já que não podemos ver o que eles estão fazendo. Na primeira cena deles jogando um tutorial de cozimento em seu telefone. Não podemos dizer o que está na foto porque está muito ampliado. Quando você introduzir um novo item na cena, certifique-se de deixar espaço ao preparar seu ambiente, que você possa ver a forma completa de algo como um telefone e o público possa dizer qual é o item quando ele está sendo trazido. Se alguém com quem você está colaborando na animação aconselhar você a melhorar seu preparo, isso significa que ele está se referindo a como os personagens são colocados em uma cena em relação aos objetos e seu plano de fundo. Para aqueles que criam quadrinhos de movimento, lembre-se de deixar espaço para um balão de fala porque há essencialmente outro personagem em seu storyboard. Agora vou mostrar-vos um exemplo de um camião. Um caminhão dentro é basicamente um zoom in. Nesta cena, Z tem a percepção de que eles esqueceram algo importante para ela e para enfatizar em sua reação, eu fiz o caminhão de câmera em seu rosto. Um caminhão em geralmente é usado para enfatizar a reação de alguém ou dramatizar um momento. Aqui está um exemplo de caminhão fora. Um caminhão fora é essencialmente um zoom out. Um caminhão é normalmente usado para surpreender o público com um novo ambiente ou personagem. Aqui está um exemplo da câmera panorâmica esquerda. No meu storyboard as panelas saíram de Z, que está vestindo uma roupa de cozimento apropriada para J que está vestindo uma camiseta desleixada. Aqui está um exemplo de uma panela direita. Neste storyboard, a câmera mostra o bolo que está queimando no forno. Na maioria das vezes, uma panorâmica para a esquerda ou para a direita é usada para revelar o contraste entre dois personagens, ou para revelar algo que tem acontecido em segundo plano sem o conhecimento do público. O último exemplo é um tiro de rastreamento. Um tiro de rastreamento é um tiro que segue um único caractere que permanece mais ou menos no meio da tela à medida que o plano de fundo muda. Este tiro é predominantemente usado para mostrar ao público um novo ambiente através dos olhos de um personagem para evocar um sentimento de maravilha e capricho. também muitas vezes usado no início de filmes ou quando personagens são trazidos para um novo mundo. Lembre-se sempre de fazer o check-in com o animador e fazer backup dos artistas com os quais você está colaborando quando estiver embarcando na história, especialmente na fase de pregar e rascunho. Isto é para ter certeza de que qualquer que seja a sua história de embarque é possível para eles trazer para o resultado final. A única razão pela qual eu adicionei algo tão complicado quanto uma foto de rastreamento no meu storyboard é porque eu realmente não estou planejando trazer isso para uma animação final, eu não estou vinculado às mesmas limitações. Vocês conhecem toda a terminologia do storyboard que precisam para desenhar as miniaturas. Mais uma vez, não sinta pressão para usar toda essa terminologia e movimentos de câmera. Eu só listei todos eles para que você tenha escolhas para escolher quando você está desenhando seu storyboard. Com isso, vamos para a próxima lição, miniaturas. 12. Miniaturas: Vamos desenhar algumas miniaturas. Nesta lição, vamos colocar em miniatura nosso script do início ao fim. Agora você pode miniatura usando qualquer mídia. Pode ser no Photoshop ou em qualquer programa conjunto, ou você pode desenhar em seu livro de esboços. Para aqueles que estão desenhando suas miniaturas digitalmente, forneci um modelo para você sob recursos. Como miniatura de um cara, eu recomendaria que vocês tenham suas referências abertas, como suas placas de batida, você é um layout de visão de pássaro, e seus projetos de fundo. Isto é para que se você nunca tiver certeza de onde seus personagens estão ou como seria seu plano de fundo, você tem uma referência, ou se você não se lembra bem qual o ponto de foco da cena é suposto ser, verificar de volta em suas placas de batida também ajudar. Aqui estão as minhas miniaturas. Desenhei minhas miniaturas como uma história sobre Pro e desenhei os personagens e planos de fundo em uma camada separada acima do modelo de miniatura. Eu recomendaria aqueles desenhando isso no Photoshop ou qualquer outro programa de desenho, fazer o mesmo. Eu normalmente desenho minhas miniaturas no meu caderno de esboços, mas desta vez eu desenhei digitalmente para fins de apresentação. Para aqueles que estão desenhando tradicionalmente, eu realmente recomendo para que vocês se juntem às suas miniaturas painel por painel, com cada miniatura em uma nota adesiva. Dessa forma, se você quiser reordenar seus painéis ou qualquer cena, poderá reordená-los sem precisar redesenhar todo o conjunto de miniaturas. Isso tornará mais fácil descobrir qual será o melhor fluxo para o seu storyboard. Vocês provavelmente deveriam usar as notas amarelas regulares já que há mais espaço para desenhar seus painéis, mas eu só escolhi isso porque é adorável. Se vocês estiverem presos ao desenhar suas miniaturas, vá em frente e assista novamente às duas lições anteriores sobre a história sobre terminologia. Dessa forma, você pode atualizar sua memória sobre que tipo de fotos e movimentos de câmera estão disponíveis e descobrir quais foram usadas em cada cena de sua história, mas a melhor. Tudo bem. Isso é um invólucro nas miniaturas. Depois de desenhar os quatro sets, volte para nossa próxima lição, onde vamos desenhar nosso rascunho juntos. Boa sorte, mas o mais importante divirta-se. 13. Rasta: Bem-vinda de volta. Vamos juntar-nos ao nosso Rough Draft. Nesta lição, nós vamos aprender como desenhar nosso rascunho bruto. Mais uma vez, você pode usar qualquer mídia que quiser, seja digital ou tradicional. Se você estiver desenhando digitalmente, certifique-se de que as camadas nas quais você desenha seu rascunho estejam claramente rotuladas como camadas de rascunho. Confie em mim, isso vai poupar-lhe muita confusão mais tarde. Se você estiver desenhando seu rascunho no Photoshop, desenhe todos os painéis no storyboard em camadas separadas em um arquivo mestre do Photoshop. Para aqueles que estão desenhando tradicionalmente, você pode escolher se deseja ou não continuar desenhando seus painéis em notas adesivas, ou se deseja desenhar diretamente no seu caderno de esboços. Se você ainda estiver desenhando seus painéis em notas adesivas, certifique-se de que, ao confirmar em que ordem seus painéis devem estar, você reforça essas notas adesivas com cola e cola-as em um caderno de esboços. Isto é para garantir que você não perca nenhum painel importante. Apenas certifique-se de colocar suas notas adesivas em um caderno de esboços encadernado em espiral para que seja mais fácil digitalizar mais tarde. Estou usando o Storyboard Pro para fazer meu rascunho. Quando estiver fazendo um rascunho, certifique-se de consultar suas miniaturas e não tenha medo alterar nada se achar que o fluxo pode ser melhor ou se a continuidade não fizer sentido. Por exemplo, eu realmente mudei essa cena em miniatura onde J está lutando para fechar um guarda-chuva quando ela entra na área da cozinha. Isso é porque realmente não faz sentido, uma vez que a entrada da casa seria a sala de estar em vez da área da cozinha, então ela já teria fechado o guarda-chuva então, mais Z seria mais entusiasmado e seria sobre comprar produtos de panificação. Faz mais sentido para o J ter muitas compras em vez disso. A versão rascunho tem J carregando um monte de mantimentos e entrando na área da cozinha sem entusiasmo. Ao desenhar seu rascunho, não adicione muitos detalhes, apenas desenhe os gestos gerais e indique aproximadamente o que estaria em segundo plano, porque você vai revisá-lo mais tarde de qualquer maneira. Pessoalmente, eu gosto de desenhar meu rascunho em azul porque ele distingue claramente entre a camada de rascunho e as linhas finais do storyboard. Um passo importante depois de desenhar um rascunho na íntegra é obter feedback de outras pessoas para ver se a sua loja funciona. Uma boa maneira de fazer isso é postar seu rascunho como um projeto nesta classe para obter feedback de outros alunos que também estão criando storyboards, e ver o que pode ser melhorado com o rascunho original. Você também pode compartilhar seus próprios pensamentos com o trabalho de outros alunos, para que ambos possam ajudar uns aos outros. Além disso, você pode pedir feedback do animador e do artista de fundo com quem está trabalhando para ver o que funciona e o que não funciona no seu storyboard. Se você é seu próprio animador e artistas patrocinadores, você pode simplesmente perguntar a sua família e amigos e obter seus comentários para ver o que você pode melhorar e o que não estava claro para eles. É tudo o que tenho a dizer sobre a fase de rascunho. Depois de terminar, volte para a próxima lição, onde aprenderemos sobre como revisar nosso storyboard. Todos os melhores caras. 14. Projeto revisado: Bem-vinda de volta. Vamos rever o nosso rascunho. Nesta aula, nós vamos aprender como desenhar nosso rascunho. Agora, com base em todas as informações e comentários que você coletou de outras pessoas, bem como seu próprio julgamento como tempo para editar seu storyboard de acordo com a crítica mais comum. Para aqueles que desenharam digitalmente, você pode optar por revisar e editar na mesma camada de rascunho que você criou ou pode criar uma nova camada de rascunho revisada e adicioná-la em cima da sua original. Para aqueles que estão desenhando tradicionalmente, você pode optar por manter um método de nota adesiva ou juntar novamente seus painéis em um caderno de esboços. Ou isso ou você pode desenhar seus painéis em um formato digital. Portanto, esta revisão é para ter certeza de que onde quer que você desenhou antes, é ao mesmo tempo claro e também carrega o tema principal da história que você deseja transmitir ao longo de seu storyboard. Ao olhar para o seu rascunho áspero, certifique-se de perguntar a si mesmo, é o tema da história principal se tornando realidade até o final do storyboard. Caso contrário, o que você pode fazer para alterá-lo e certificar-se de que ele é expresso para o público. Se você estiver se sentindo preso, fique à vontade para assistir novamente a essas lições de narração e clareza que estavam sob os princípios do segmento de storyboarding nesta classe. Para que você possa se lembrar de como expressar o tema da história principal para o seu público. Eu fiz algumas revisões para o meu storyboard para. Nesta cena, J está dobrando uma mercearia de volta em um triângulo enquanto Z está lendo a lista de compras para verificar se eles têm tudo. Descobri que essa sequência se arrastou porque Z estava lendo a lista de compras por bom tempo e aquela cena com J dobrando o saco plástico não serviu para nada. Então eu tirei completamente. Então pessoal, não tenham medo de jogar fora cenas que não funcionam, você pode definitivamente desenhar uma melhor. Outra cena que mudei foi a cena em que J está derretendo chocolates e o bolo está queimando no forno. A primeira vez que desenhei isto no rascunho, foi muito rápido. Então, no meu rascunho revisado, eu abrandei as coisas e reordenei a sequência de eventos. Se algo não estiver claro, às vezes apenas adicionar cenas ou reordenar e diminuir a velocidade de uma cena faria com que ela funcionasse muito melhor. É tudo o que tenho a dizer sobre rever o teu storyboard. Boa sorte e eu tenho certeza que você pode fazer isso. Estamos tão perto do fim. Depois disso, volte e te ensinarei a próxima lição como finalizar seu storyboard. 15. Finalização do Storyboard: Vamos finalizar nosso storyboard. [ MÚSICA] Nesta lição, nós vamos aprender como finalizar nosso rascunho de storyboard. Agora, se você for seus próprios animados e voltar aos artistas, então você não precisa necessariamente fazer essa etapa, desde que você esteja claro como as animações dos personagens devem ser baseadas em seu rascunho revisado, e você sabe o que deve desenhar em seu plano de fundo quando você trazê-lo para um visual final. se você estiver passando seu storyboard para No entanto,se você estiver passando seu storyboard para outro animador ou outro artista de fundo, você deve definitivamente finalizar suas linhas para que elas fiquem claras exatamente como animar cada personagem e o que finalizar em segundo plano Parece. Para aqueles de vocês que estão finalizando uma história sobre digitalmente, eu recomendo que vocês criem uma nova camada de forro acima de sua camada de rascunho revisada e, em seguida, agrupá-los juntos de acordo com cada quadro ou painel do seu storyboard. Veja como fazer isso no Photoshop. Crie uma nova camada e renomeie-a como sua camada de forro. Depois disso, selecione todas as camadas que pertencem a um único quadro ou a um único painel e pressione Control+g para agrupar todas essas camadas. Depois de agrupar todas as camadas que pertencem a um único painel, renomeie a camada de acordo com o número do painel que ela é. Se você planeja finalizar sua história sobre tradicionalmente, você pode usar qualquer tipo de caneta à prova de manchas e desenhar acima das linhas de rascunho revisadas que você desenhou em um caderno de rascunhos. Você também pode optar por finalizar uma história digitalmente, se o fizer tradicionalmente de antemão, digitalizando todo o rascunho revisado e, em seguida, importá-lo para o Photoshop e desenhar novas camadas acima da camada digitalizada. Normalmente, quando finalizei meu storyboard, gosto de criar camadas separadas para o meu forro de personagens e comprar de volta a arte online. Pessoalmente, acho mais fácil organizar meus personagens e fundo dessa maneira para que se eu quiser movê-lo, eu possa fazê-lo livremente. Além disso, quando tenho um caractere ou objeto em primeiro plano, crio uma camada de primeiro plano separada. Isso é no caso de eu precisar mover o primeiro plano ou eu quero excluí-lo completamente. Certo, pessoal, é tudo o que tenho a dizer sobre finalizar o storyboard. Nossa próxima lição é o fim de nossa aula, onde vou ensiná-lo a exportar seu storyboard para um PDF e compartilhar meus pensamentos finais. Boa sorte pessoal, e vejo vocês na próxima aula. 16. Considerações finais: Parabéns, agora você tem um storyboard completo. Vamos encerrar esta aula. Esta é a nossa última lição em que aprenderemos a exportar o nosso storyboard para diferentes formatos de ficheiro, e depois partilho os meus pensamentos finais. A partir daqui, você pode optar por exportar seu livro de histórias como PDF, j-pegs ou ambos. Aqui está como fazê-lo. Selecione o grupo que contém seu quadro ou painel e, em seguida, selecione este ícone, este é o ícone de composição de camada. Uma vez selecionada, crie uma nova camada clicando neste ícone. Você pode renomear sua composição de camada de acordo com o número do painel. Faça isso com todos os outros painéis do seu storyboard. Selecione o arquivo, depois os scripts e, em seguida, escolha as composições de camada para PDF. Escolha onde deseja salvar seu PDF e clique em Executar. Depois disso, você terá seu PDF pronto. Se você quiser exportar seus arquivos para j-pegs, selecione arquivo, depois scripts, clique em composições de camada para arquivos e, novamente, escolha onde deseja salvar seus j-pegs e clique em run. Depois disso, você tem seus J-pegs. Para aqueles que desenharam seus storyboards tradicionalmente, você pode decidir se deseja ter cópias digitais deles. Se o fizer, basta digitalizá-los para o seu computador. No caso de você querer criar um PDF de todas as suas digitalizações de storyboard, veja como. Depois de digitalizar todos os painéis de storyboard, você pode importá-los para o Photoshop clicando em arquivo, inserir incorporado. Selecione o painel que deseja importar e clique em Local. Photoshop irá importá-lo como uma camada separada. Depois disso, você pode exportar suas camadas para um PDF usando o método de composição de camada que acabei de ensinar. Muito bem, pessoal, isso é um embrulho para a nossa turma, storyboard para animação. Em resumo, aprendemos tanto a teoria quanto a prática do story-boarding. Nossa teoria abordou como identificar nosso tema principal da história, coletando referências, aprendendo os princípios da story-boarding, que consistia em contar histórias, clareza, regra de 180 graus, composição, continuidade e terminologia de storyboard e nossa prática nos fez fazer nossos beat boards, miniaturas, rascunho áspero e revisado, e nosso storyboard final. Quero parabenizá-los mais uma vez por terem chegado até aqui e completado o seu storyboard. A partir daqui, você pode compartilhar seu storyboard final criando um projeto ou atualizando o projeto criado anteriormente com seu storyboard final. Adoro ver o que vocês criaram e mal posso esperar para ver seus projetos. Muito obrigado por se juntarem à minha turma e vemo-nos por aí.