Produção de vídeo para criadores de conteúdo: guia para iniciantes

1. INTRODUÇÃO DO CURSO: Oi, meu nome é Amir. Sou criador de conteúdo e venho fazendo vídeos de tecnologia nos últimos cinco anos. Meu canal principal se chama reviews PKA, onde eu faço vídeos e minha língua nativa, que tem uma hora extra. Consegui criar uma audiência para meu conteúdo. Meu objetivo com meu conteúdo sempre foi oferecer a melhor qualidade possível. Portanto, a qualidade do trabalho da minha câmera, meu áudio, minha iluminação e a qualidade geral do meu vídeo finalizado. Literalmente, precisei de anos de trabalho e dificuldades pesquisa e prática para desenvolver minhas habilidades como criadora de conteúdo de vídeo. E neste curso, tentei resumir o que levei anos para aprender e, sorte, oferecer a alguém novato no jogo e fácil de digerir uma introdução ao mundo da produção de vídeo como criador de conteúdo Ao criar este curso, tentei abordar todas as coisas que acho importante saber como iniciante nesse campo. Tudo, desde câmeras e lentes, iluminação e microfones, e que tipo de software você deve usar. Junto com vários outros elementos de mentalidade que você precisa ter para produzir vídeos regular e consistente como criador de conteúdo. Agora, este curso não o tornará profissional da noite para o dia. Nenhum curso jamais funcionará, mas fornecerá uma boa base sobre os fundamentos da produção de vídeo, que você poderá usar como um roteiro para aprendizado mais avançado no futuro. À medida que avançarmos. Também compartilharei algumas dicas profissionais com você, que são informações que coletei ao longo Também compartilharei algumas dicas profissionais com você, dos informações que coletei anos a partir de minha própria pesquisa e tentativa e erro. Se você ou alguém quer começar a produzir vídeos para mídias sociais, ou alguém que começou recentemente para alguém que está apenas interessado e quer conferir o que é a produção de rádio. Então eu convido você a conferir meu curso e espero ver você lá. 2. Mindset de um Criador de conteúdo: Olá a todos e bem-vindos. Estou muito feliz que você decidido fazer este curso comigo. E espero que você saia com um monte de informações que me levaram anos juntos. Agora, criei este curso como um curso básico em que as duas suposições são que você é um produtor de vídeo iniciante com pouco ou nenhum conhecimento de produção de vídeo. E que, como criador de conteúdo, você está trabalhando sozinho. Isso é importante porque, como um exército de um homem ou uma mulher, você precisa fazer tudo. Você é o diretor, o cinegrafista, o editor e tudo mais. Então, em vez de ter um conhecimento profundo e amplo de todas as diferentes áreas da produção de rádio. Você precisa saber o suficiente sobre tudo para poder produzir seus vídeos sozinho regularmente. Na produção tradicional de vídeos ou filmes, há equipes inteiras trabalhando em diferentes áreas. Mas, como criador de conteúdo solo fazendo vídeos no YouTube, Facebook ou TikTok, você trabalhará sozinho. Portanto, é muito importante que você não fique muito atolado em nenhuma área. Agora, como esse é um curso básico para iniciantes, ele construirá sua base ou base, mas cabe a você desenvolvê-la ainda mais. Você aprenderá o básico de tudo o que eu acho que você precisa saber no primeiro dia. E então você pode escolher quais áreas deseja seguir para aprender mais no futuro. E isso também é muito importante. Você precisa ser capaz de complementar seu próprio conhecimento por meio de pesquisas e assistindo a tutoriais. você pode aprender praticamente qualquer coisa na Internet Atualmente, você pode aprender praticamente qualquer coisa na Internet usando recursos como o Skillshare e o YouTube. Também sou criador de conteúdo autodidata. Eu nunca fui para nenhuma escola de cinema ou algo parecido. Agora, com criadores de conteúdo novos ou iniciantes, a maior falha que vejo é essa obsessão por vídeos virais. Todo criador de conteúdo deseja que o vídeo que acabou de aparecer, receba muitas visualizações instantaneamente, ganhe muito dinheiro receba muitos inscritos. Mas é muito importante entender que, como criador de conteúdo ou influenciador de mídias sociais bem-sucedido, você precisa encarar isso como uma maratona e não uma corrida se estiver constantemente buscando vídeos virais. E acho que você está se decepcionando porque, para a grande maioria dos criadores de conteúdo, vídeos virais são muito raros. Eu sei que apenas alguns YouTubers conseguiram fazer com que todos os vídeos se destacassem. Como Mr. Beast, que tem muita experiência e centenas de milhares de dólares para gastar em cada vídeo. Ele basicamente tem a fórmula viral reduzida a um T. Mas para a grande maioria de nós, é a temporada de moagem caseira. Agora, não estou dizendo que vídeos virais não sejam desejáveis ou que não tenham valor. Eles podem ser muito valiosos para oferecer uma vantagem inesperada e também para impulsionar o futuro. Mas, na minha opinião, é muito importante manter o foco em sua consistência e em seu jogo de longo prazo. Quanto mais tempo você for consistente, maiores serão as chances de eventualmente, criar algo que se torne viral. Pense em seu conteúdo como redes de pesca. Quanto mais conteúdo você publicar, mais redes de pesca você tem e mais chances você tem de pegar uma grande e gorda. Agora, como estudo de caso, quero falar sobre um influenciador de mídia social que realmente me inspirou a entrar nesse trabalho. Estou falando sobre Marcus Brown Lee, também conhecido como MK Ph.D. que também faz vídeos de tecnologia como eu. Se você conferir Mark como este canal agora, ele tem mais de 16 milhões de inscritos, obtém milhões de visualizações em cada vídeo. E ele é considerado por muitos como o rei do conteúdo tecnológico no YouTube, o padrão-ouro absoluto. Mas confira sua jornada. Marquez tem criado conteúdo nos últimos 13 anos. Até o momento, ele enviou 1.500 vídeos. E em uma entrevista, ele disse que em seu 100º vídeo enviado, ele tinha 73 inscritos e ainda estava avançando , que é muito revelador da mentalidade de Márquez na época. E isso não é tudo quando Mark se inscreveu para monetização no programa de parceiros do YouTube primeira inscrição foi rejeitada. Você teve que esperar seis meses e depois se inscrever novamente. Rejeitado, esperou seis meses, foi rejeitado novamente, depois esperou seis meses novamente, depois se inscreveu e finalmente foi monetizado para que ele pudesse ganhar dinheiro seu conteúdo. Pense nisso por um segundo. Demorou dois anos apenas para conseguir ganhar dinheiro com anúncios, mas ele se manteve firme, abraçou a rotina e continuou trabalhando. Claro, agora, quando você olha para isso, ele está, na melhor parte, ganhando muito dinheiro. Ele é aclamado em todos os lugares como um ótimo criador de conteúdo. Mas a jornada que ele fez exige coragem e a mentalidade certa. Mark não desistiu quando se deparou com o que muitos chamariam de decepção. Ele continuou trabalhando. E se você quiser criar conteúdo nas redes sociais e desenvolver sua influência, você, meu amigo, precisa estar pronto para enfrentar a decepção com uma atitude vencedora. Outra forma de você precisar de consistência em seu conteúdo é que muitos canais agora têm um prazo definido, determinados dias da semana em que são enviados. Alguns até têm a mesma abordagem no mesmo horário e no mesmo dia. E a vantagem disso é que seus seguidores e assinantes sabem quando esperar seu conteúdo. É muito difícil de fazer. Eu mesmo tive dificuldades com isso, mas você precisa ter consistência em algum nível, uma vez por semana, um vídeo e duas semanas ou um vídeo e um mês, mas ele tem um cronograma e depois tente cumpri-lo. Se sua consistência está em todo lugar e seus inscritos não sabem quando esperar seu conteúdo. Você continua tendo surtos esporádicos o tempo todo. Isso diminuirá sua influência nas redes sociais e você também terá menos visualizações. Confie em mim, eu vi isso acontecer com meu próprio canal. Então, eu sei do que estou falando, o que me leva ao próximo elemento de mentalidade de que você precisa ficar de olho no seu desempenho e se responsabilizar. Os números sempre importam. Esqueça as pessoas que dizem que números e ganhos não importam. Porque se você estiver fazendo algo profissionalmente, seu desempenho será importante. Se você é vendedor, importa o quanto você vendeu. Se você é esportista, ele mede quantos gols são pontos que você marcou. Se você quer ser profissional , precisa ficar de olho no seu desempenho. E para conteúdo de vídeo, você precisará analisar suas análises. Eles serão uma aula separada sobre algumas análises importantes que você pode usar para se manter responsável. Mas, por enquanto, lembre-se de que a responsabilidade é fundamental se você quiser ter um bom desempenho. Mas também é muito importante. Não fique obcecado com os números. Você precisa conservar sua energia e colocá-la em seu trabalho. Pode ser muito desmoralizante e esgotar sua energia quando você continua analisando seus números e eles não estão crescendo tão rápido quanto você gostaria. Eu também sou culpado disso. No começo. Eu costumava verificar minha contagem de assinantes várias vezes ao dia. cada vídeo que eu enviava, eu continuava atualizando aquela página para ver se as visualizações diminuíam. Mas com o tempo, percebi que é muita energia desperdiçada. Eu não faço mais isso. Eu verifiquei minhas análises algumas vezes por semana. Tentei aproveitar a jornada e o processo de criar conteúdo e aprender como torná-lo melhor. É muito importante melhorar suas habilidades ao longo do tempo. E geralmente isso aparece em seu trabalho se você olhar seus YouTubers favoritos, ver os primeiros vídeos e agora ver uma grande melhoria e como eles se comportam, o que fazem. E se você não melhorar seu trabalho com o tempo, você se estabilizará e ficará estagnado. Portanto, sempre procure melhorar constantemente seu conteúdo ao longo do tempo e faça coisas como fazer este curso. E também busque feedback do seu público sobre o que eles gostam o que não gostam e tente descobrir o que funciona e o que não funciona. Por isso, você precisa ter a mentalidade que é educador e comunitário É importante interagir com seu público, fazer perguntas incentivá-lo a participar comentando , compartilhando e assinando. E com o tempo, eles vão adorar seu trabalho. Eles começarão a amar você. Eles começarão a confiar em você e a se tornarem parte dessa comunidade, em vez de apenas espectadores. E então, com o passar do tempo do ponto de vista comercial, uma grande comunidade por trás de você transformará você e sua plataforma de mídia social em uma marca que busca desenvolver sua marca ao longo do tempo. Agora, obviamente, há vários outros elementos de mentalidade que você precisa ter como criador de conteúdo. Mas essas são algumas que eu pessoalmente acho muito importantes para iniciantes terem em mente. Agora, em nossa próxima aula, as coisas começarão a ficar um pouco picantes e começaremos a falar sobre produção real de vídeo, começando com o equipamento de que você precisará. vejo lá. 3. Equipamento e equipamentos: E aí, pessoal, fico feliz em ter vocês de volta. E nesta aula, falaremos sobre as ferramentas, o equipamento necessário para começar a produzir seus vídeos e também o equipamento que agregará mais valor de produção ao seu conteúdo no futuro. É muito importante entender que, embora equipamentos e equipamentos possam ser muito úteis e úteis para você produzir vídeos. Você não pode deixar que isso se torne uma barreira de entrada. De vez em quando as pessoas vêm até mim e me fazem essa pergunta: como faço para começar se eu não tenho todo esse equipamento que deveria começar a fazer vídeos. E a melhor resposta para isso é começar com o que você tem. Todo mundo tem um telefone hoje em dia. E, como revisor técnico, posso dizer que os telefones atuais têm câmeras muito capazes e um poder de processamento muito decente. Pessoalmente, conheço concentradores que iniciaram seus canais apenas com o telefone e agora têm muitos seguidores nas redes sociais. Então você também precisa entender que ferramentas e habilidades andam de mãos dadas, uma sem a outra. É praticamente inútil. Não adianta ter tantos equipamentos que você nem sabe usar. E também tenha em mente que construir um arsenal leva tempo. Seu YouTuber favorito passou muito tempo comprando todo o equipamento legal que agora tem no armário. Mas como esta é uma aula sobre produção de vídeo, analisaremos alguns dos equipamentos que você precisa conhecer. A primeira, é claro, é a câmera. Como eu disse, até mesmo uma câmera de telefone serve para começar. Mas se você é capaz de investir e quer investir em uma boa câmera, então há muitas opções no mercado. Discutiremos isso com mais detalhes em nossa aula sobre câmeras, mas investir dinheiro e tempo para aprender a usar uma câmera realmente boa pode fazer maravilhas na qualidade de sua produção. E o segundo equipamento ou lentes, com a maioria das DSLRs e câmeras sem espelho, você tem lentes intercambiáveis, também terá uma classe inteira dedicada às lentes. Depois, há microfones externos e , claro, haverá uma aula sobre microfones. Mas, por enquanto, saiba que o microfone embutido no telefone ou na câmera não trará resultados muito bons. E a qualidade do áudio é muito, muito importante. Muitas pessoas até acreditaram que, se você está assistindo a um vídeo que parece muito ruim, mas o áudio é muito bom, mais provável que você continue. Por outro lado, se o vídeo parecer muito bom, mas o áudio estiver muito fraco , ecoante ou muito barulhento, é mais provável que você se desligue e se afaste. Depois, temos a iluminação, que novamente é muito importante, e você precisará de pelo menos uma fonte de luz. Pode ser um laboratório espalhado pela casa ou uma grande janela onde você possa obter uma luz natural muito boa, mas precisará de pelo menos uma e, de preferência, de mais de uma fonte de iluminação. Também teremos uma aula sobre isso, onde discutirei isso com mais detalhes. Mas, por enquanto, saiba que quanto mais fontes de luz você tiver, especialmente fontes de luz móveis, mais controle você terá sobre a aparência real do seu vídeo, então você precisa de um computador para pós-processar seu vídeo. Pode ser o computador no seu bolso, I E ou telefone. Eu te disse que os telefones hoje em dia se tornaram muito bons. E falaremos um pouco mais sobre os diferentes ecossistemas, como Windows e Mac, em nossa aula sobre software de edição de vídeo. Então, é claro, junto com o computador, você precisará de algum tipo de mídia de gravação como cartões SD ou discos rígidos externos. E aqui temos uma dica profissional. Sempre use uma mesa externa para copiar e editar seus vídeos. Eles são chamados de Scratch Disks, e a ideia é que você não queira arranhar o disco do seu laptop ou do seu computador, porque se isso falhar, o computador quebrará. Por outro lado, se essa falhar, é apenas uma mesa externa e eu posso comprar uma nova, o que nos leva ao próximo item da nossa lista de equipamentos de produção, o software de edição de vídeo. Agora, como eu disse antes, teremos uma aula inteira falando sobre os diferentes softwares de edição de vídeo que estão disponíveis para você. Mas, como iniciante, você deve saber que precisará de algum tipo de software para inserir seus clipes gravados , juntá-los e adicionar efeitos, texto e som e, em seguida, poder renderizar tudo em um arquivo final. Mas, para recapitular alguns dos equipamentos básicos sobre os quais acabamos de falar, você conduz uma câmera, precisa de um microfone, precisa de algumas fontes de iluminação. Você conduz um computador, gravando mídias como cartões SD e discos rígidos, e precisará de algum software. , há também equipamentos adicionais que você não precisa necessariamente no primeiro dia. E, em suma, é um equipamento muito avançado. Você provavelmente nunca precisará dele, mas ainda assim vamos falar sobre algumas dessas coisas. Então, o primeiro é um tripé. Isso é muito básico, mas um tripé ajuda você a colocar sua câmera em qualquer lugar e a mantém estável enquanto você grava. E os próximos itens desta lista são definitivamente para usuários mais avançados que conhecem o básico. produção atrasada está muito bem. Portanto, temos cabeças fluidas, que permitem girar para a esquerda e para a direita e inclinar para cima e para baixo. Sliders, que permitem que você deslize sua câmera de um lado para o outro. Gimbels, que permitem montar uma câmera ou um telefone para uma estabilização muito boa. Esse tipo de equipamento permite registrar movimentos e perspectivas interessantes. E vamos abordar todas essas classes internas sobre os fundamentos do B-roll. Depois, há outros equipamentos de movimento, como guindastes Gibbs de Dali, etc. Mas a maioria dos criadores de conteúdo nunca precisará deles. Portanto, embora essa lista seja muito exaustiva, ela não é de forma alguma exaustiva. Há muitos outros equipamentos que você também pode pensar. Mas o fator chave importante dessa aula que eu quero que você tire é que é importante não se fixar nessa lista. Você pode precisar de todas essas coisas ou talvez você precise que nenhuma dessas coisas realmente saia da câmera, mas você pode precisar de muito poucas dessas coisas. Não quero que essa aula o desencoraje ou faça com que pareça muito assustador entrar na produção de vídeo. O objetivo de contar todas essas coisas é garantir que você entenda que tipo de equipamento as pessoas normalmente usam para a produção de vídeo e também oferecer algo pelo que esperar. Se você realmente deseja iniciar uma produção de vídeo profissional de alta qualidade , essas são as coisas que você planeja fazer mais tarde em sua carreira. Então, em nossa próxima aula, falaremos sobre o fluxo de trabalho de produção de vídeo. Vai ser interessante. Nos vemos na próxima. 4. Fluxo de trabalho de produção e perguntas chave: fluxo de trabalho de produção de vídeo se refere a todo o processo pelo qual você produz seus vídeos. Você deve ter uma ideia bastante clara sobre o tipo de fluxo de trabalho de produção que você terá. Porque há muitas partes móveis nesse processo. Há câmeras, cartões SD discos rígidos, computadores e software. Portanto, ajuda ter pelo menos um mapa mental do tipo de processo que você usará para produzir esses vídeos. Ter um bom fluxo de trabalho pode ajudá-lo a identificar gargalos e sua produção. E também pode ajudá-lo a alcançar um certo nível de eficiência e rapidez nos prazos de entrega do trabalho. Em termos gerais, seu fluxo de trabalho de produção de vídeo terá três estágios. Pré-produção, onde você tem uma ideia , faça sua pesquisa. Talvez você possa escrever um roteiro se é assim que você quer fazer. E é aí que você também prepara seu equipamento para filmar. Então, basicamente, tudo o que você faz antes de começar a gravar seu vídeo é pré-produção. Isso é seguido pela fase de produção, na qual você avança e realmente grava seu vídeo. E depois há a pós-produção em que você processa, edita e renderiza seu vídeo final. Então, quando alguém diz que vai corrigi-lo na postagem, isso basicamente significa que eles farão isso depois que o vídeo for gravado e ele estiver no processo de edição. Aqui está um exemplo da aparência de um fluxo de trabalho básico de produção de vídeo. Agora, antes de começar a produzir seus vídeos, você precisa pensar em como criar seu fluxo de trabalho. Mas há várias perguntas-chave que você deve se perguntar logo no início, porque elas terão um impacto no tipo de fluxo de trabalho de produção de que você precisará, por exemplo se você vai ter um roteiro ou vai sair do manguito? Se você é um daqueles ninjas de uma só vez que sai do manguito, o pré-produção e pós-produção fluxo de trabalho de pré-produção e pós-produção parece ser muito, muito mais simples do que alguém como eu, que tem um roteiro e há toda uma fase de pesquisa e depois a verificação de roteiros e fatos e , em seguida, edição de pós-produção é um pouco um pesadelo. Além disso, há várias outras questões técnicas como em qual formato você gravará e publicará? Como eles terão alguma influência em seu fluxo de trabalho e na forma como você precisará projetá-lo para produção de vídeo, os três formatos principais são RAW, Flores e H.264. Novamente, também há vários outros formatos, mas esses três são os que eu mais encontrei. Portanto, o raw é um formato muito pesado que armazena muitas informações, mas também precisa de muito espaço de armazenamento e capacidade de processamento do computador, mas oferece muitas opções na postagem. Portanto, usuários profissionais e avançados realmente adoram vídeos brutos. Depois, temos o progresso, que foi feito pela Apple, e é um formato bastante pesado de dados, mas oferece uma qualidade muito boa. E atualmente é preferido pela maioria dos principais editores de vídeo, como Final Cut Pro, e a maioria das câmeras profissionais também suportadas. Depois, temos o H.264, que é o que a maioria das plataformas de mídia social como o YouTube prefere. É um formato muito comprimido porque esses arquivos precisam ser pequenos. Mas, como é compactado, ele precisa de muito poder de processamento para produzir qualquer formato que você decidir gravar e depois publicar, influenciará o tipo de fluxo de trabalho e o tipo de infraestrutura que você precisará ter. Outra pergunta é: qual será a resolução do seu vídeo? Vídeos de alta resolução precisam de mais espaço de armazenamento e mais capacidade de computação e provavelmente adicionarão etapas ao seu fluxo de trabalho. Então, as principais resoluções ou esqueça, que agora é o maioria dos criadores de conteúdo de alta qualidade usava em plataformas como YouTube e Facebook. Depois, temos 14, 40 P , também conhecido como Quad HD. É quatro vezes a resolução de dez ADP com o cabo de nome. Depois, temos dez ADP , também conhecidos como full HD. E eu recomendaria que você começasse com dez ADP, full HD, porque a maior parte do conteúdo no momento é consumida em telefones. E a maioria dos telefones não conseguirá superar o Full HD em nenhum lugar. Até minhas análises me mostram que 80 a 90% do meu público assiste meus vídeos em seus telefones. Aliás, curiosidade, até o curso que estamos assistindo agora está em full HD. Estou gravando tudo em seis, mas depois diminuindo a escala para full HD para que você possa ver o quão boa é a qualidade do full HD. E abaixo disso está 720 p, também conhecido como HD. Você pode optar por 720 p se tiver recursos limitados. Mas eu não recomendaria, pois a baixa resolução pode afetar a qualidade do seu vídeo, então temos proporções, que basicamente indicam a relação entre seus vídeos, largura horizontal e altura vertical. O mais comum no momento é 16 por nove para vídeos longos. E isso é o que sua TV normalmente mostra. Mas, cada vez mais, com o tempo, vemos 18 por nove aparecer como uma proporção porque é um pouco maior do que 16 por nove. E com 18 por nove, você tem barras pretas mais finas nas laterais. E faz melhor uso do espaço da tela disponível para os usuários de telefones, no entanto, com proporções de 18 por nove, se você assistir seu conteúdo em uma TV normal, provavelmente ele terá uma proporção de 16 por nove. Então você verá barras na parte superior e inferior, mas esse é um preço muito pequeno a pagar. Mas essas proporções raramente se aplicam a vídeos de formato longo, porque cada vez mais vemos pessoas optarem vídeos curtos e em formato vertical. Para isso, você deve verificar suas plataformas de mídia social para obter as melhores resoluções e proporções. E por último, mas não menos importante, vamos falar sobre taxas de quadros. E, fundamentalmente, existem três opções principais aqui. Para qualquer um, para FBS, 30 FPS e 60 FPS. 24 FPS é a roupa mais tradicional. Tudo isso porque costumavam fazer filmes em 24 FPS. E agora esse legado continuou na era digital. E 24 FPS também é considerado amplamente como o mais cinematográfico de todas as taxas de quadros. Depois, há 30 FPS, que agora estão começando a se atualizar. Definitivamente, estamos vendo muitos programas de TV sendo feitos em 30 FPS. Há um grande debate sobre qual é o melhor. E com 30 FPS, a vantagem é que o vídeo parece um pouco mais suave, especialmente quando há muitos movimentos divertidos da câmera. Pessoalmente, prefiro 30 FPS minha taxa de quadros padrão e, curiosidade, essa aula que você está assistindo agora também é feita em 30 FPS, então você pode ver como é suave. Depois, há 60 FPS, que é sem dúvida o menos usado de todos eles. E dá ao vídeo uma sensação extremamente suave de que não estamos realmente dando uma prévia de como ele deveria ser, porque esse vídeo tem 30 FPS. Se você quiser conferir, acesse o YouTube e pesquise 60 FPS. Você verá vários vídeos. Basicamente, 60 FPS proporcionarão ao seu vídeo um campo ultra suave. E mesmo que 60 FPS tecnicamente muito mais próximos da realidade, é estranho, mas parece quase artificialmente suave. Lembre-se de que 60 FPS tem duas ou mais quadros do que os outros dois formatos. Portanto, isso resultará em arquivos maiores e , novamente, em infraestrutura e força de trabalho. Agora, aqui está um tipo semiprofissional porque não é difícil o que todo mundo usa, mas é isso que eu uso. Eu gravo todas as minhas filmagens em magia negra seis k fileiras e depois as converto em seis K de progresso. Meus arquivos finais estão em K H.264 com uma proporção de 18 por nove e taxa de quadros de 30 FPS. Então, agora eu quero que você pense sobre o tipo de fluxo de trabalho de produção que você precisará, com base em algumas das perguntas que fizemos nesta aula Lembre-se de que seu fluxo de trabalho de produção precisa ser o mais eficiente possível. E isso precisa permitir que você resolva seu trabalho o mais rápido possível. Então, acho que isso é suficiente para fluxos de trabalho de produção de vídeo e que tipo de perguntas você deve fazer. Na próxima aula, falaremos sobre câmeras, e essa será muito interessante. Nos vemos lá. 5. Introdução às câmeras: Bem vindos de volta, pessoal. Nesta aula, falaremos sobre câmeras, quais marcas e ecossistemas estão disponíveis no mercado. Algumas boas opções para criadores de conteúdo. E as próximas três aulas serão sobre como usar suas câmeras. Então, vamos analisar algumas das opções que você tem disponíveis no mercado. O primeiro é obviamente a câmera do seu telefone. No começo, basta começar a usar o que você já tem. E a maioria das câmeras de telefone atualmente tem um modo PRO, que permite controlar todas as configurações manualmente. Temos uma dica profissional aqui para trabalhar com câmeras profissionais. Queremos tentar controlar tudo manualmente. Não queremos deixar nada para a câmera. Quanto mais você puder controlar as coisas manualmente, mais controle terá sobre o vídeo final e usar a câmera do telefone quando estiver começando, pode ser uma ótima maneira de aprender sobre as funções básicas de uma câmera, como exposição, balanço de branco e foco, que serão nossas próximas aulas. E se você decidir usar seu telefone , existem alguns bons aplicativos de câmera gratuitos disponíveis, como câmeras abertas, um bom aplicativo de câmera de código aberto para telefones Android. E se você quiser investir algum dinheiro em um aplicativo, dê uma olhada no filmic pro para iPhone, que eu também usei no meu celular para gravar vídeos. E permite que você controle tudo manualmente. Acho que realmente maximiza as capacidades da câmera do seu telefone. Mas se você não quiser usar a câmera do telefone e, em vez disso, quiser comprar uma câmera , existem opções no mercado para câmeras DSLR ou sem espelho. Eles são muito parecidos. Dslr significa reflexo digital de lente única. E então, uma câmera DSLR, há um espelho real entre a lente e o sensor. Esse espelho se move quando você usa o visor, a luz é refletida no espelho e atinge seus olhos quando você tira uma foto ou grava um vídeo Esse espelho se move fisicamente para fora do caminho para que a luz possa cair no sensor. Então temos câmeras sem espelho, que você adivinhou que não têm esse espelho. Portanto, eles são muito menores pois não há necessidade de encaixar um espelho angular. E esse é o maior benefício deles. Se você quiser uma câmera mais compacta , deve olhar para a câmera sem espelho. Agora, dentro dessas duas categorias, existem diferentes tipos de sensores. Na verdade, não vou entrar em muitos detalhes sobre isso porque não acho que isso importe muito para iniciantes. Mas aqui estão os diferentes tipos. Portanto, existem câmeras com sensor de corte como APS-C, micro four thirds e super 35. E todos eles têm diferentes fatores de cultivo. A maioria dos iniciantes provavelmente começará com uma câmera com sensor de corte, já que ela é muito mais barata do as câmeras full-frame, que normalmente são mais caras porque têm sensores maiores. E eu não quero sobrecarregar você com muitas informações no primeiro dia. Então, como iniciantes, se você quiser se aprofundar mais nisso, você deveria realmente pesquisar os diferentes fatores de corte e como eles afetam sua imagem. Mas, seguindo em frente, agora vamos falar sobre marcas específicas dentro do espaço da câmera. Então, na minha experiência, vi que as marcas são as mais populares entre os criadores de conteúdo. Sony, Canon, Panasonic e cada vez mais magia negra. Comecei com a Canon e logo mudei para a Sony. Sony A65 100 em segundo plano. E agora estou fazendo tudo sobre magia negra. Na verdade, este curso agora está sendo gravado em um black magic six K. Mas para iniciantes, eu geralmente recomendo a Sony. as câmeras sem espelho da Sony são muito Atualmente, as câmeras sem espelho da Sony são muito populares devido ao tipo de recursos que oferecem a preços comparativamente mais baixos do que a Canon. Por isso, vimos a ascensão da Sony entre os influenciadores como seu ecossistema preferido. E estou usando a palavra ecossistema porque todas essas marcas diferentes de câmeras suportam diferentes tipos de lentes e acessórios. E geralmente você usa lentes especialmente. Se você comprar lentes Sony, é muito provável que elas não funcionem nativamente nas câmeras Canon. Portanto, é importante tomar uma decisão informada sobre qual marca você escolherá. Porque você provavelmente investirá muito dinheiro na construção de uma biblioteca inteira de lentes ao longo do tempo. E essas lentes não funcionarão nativamente com câmeras de outras marcas. E falaremos mais sobre isso em nossa aula sobre lentes e filtros. Então, a canon é uma marca mais tradicional, que oferece uma ciência de cores realmente incrível. Muitas pessoas que eu conheço a Hughes Cannon fazem isso por causa dos canhões, forte legado no mercado de câmeras e também porque gostam muito das cores canônicas. Mas a Canon geralmente é vista como mais cara para qualquer conjunto de recursos. Por muito tempo, até as câmeras básicas da Sony ofereciam K. Mas se você quiser um canhão, terá que gastar um pouco mais de dinheiro. E mesmo agora, os canhões esquecem que as câmeras custam um pouco mais do que as da Sony. Agora, com a Panasonic, sua série GA é um pouco popular. Os GA4GH five e g, h phi of S parecem ser muito populares entre os amantes da Panasonic. Mas a maior parte, na minha opinião, parece estar com a Sony e a Canon. Quanto à magia negra, a história é muito interessante. Vimos isso surgir nos últimos dois a três anos com sua linha de quatro câmeras K e agora seis câmeras de cinema infantil, que podem gravar vídeos brutos e dar a sensação de um filme. Mesmo que custe uma fração do custo de uma fração do que principais marcas de cinema gostam de arejar e ler. Então, magia negra é uma opção muito boa agora para criadores de conteúdo mais avançados, cineastas independentes, pessoas que fazem documentários, mas a maioria das pessoas que magia negra quer aquele filme com aparência Quero recomendar que iniciantes escolham uma magia negra porque você precisa saber como classificar as cores e pós-processar o vídeo obtido dela. E você também precisa de uma infraestrutura de produção robusta. Você precisa de muito espaço de armazenamento e conhecimento avançado de como essas câmeras funcionam. Mas a qualidade que você pode obter de uma câmera de magia negra em duas a $3.000 é simplesmente fenomenal. Vamos agora seguir em frente e falar sobre alguns modelos de câmera que você pode considerar. Esta lista não é de forma alguma exaustiva. Essas são apenas câmeras que eu prefiro. Canhões. 90 d é uma opção muito decente, são câmeras muito versáteis que não vão gastar muito. Se você não está realmente preocupado com k, então você pode considerar que o ADD antigo também é um bom caso de usar esses ETDs por muito tempo e fazer seus vlogs, se você quiser escolher a Sony, então a série Alpha deles é muito boa. De seis a 360.400.6500. Eu fiz a maioria dos meus vídeos nos meus primeiros dias neste A65 100. É uma câmera muito boa que estou usando até hoje. Agora, se quisermos ir um pouco mais alto na Sony, mais leve que a sub three também é uma opção muito boa. É uma câmera full-frame e custa um pouco mais, mas oferece uma qualidade de imagem muito boa. Muitos, muitos YouTubers ainda o usam. Com a Panasonic GH five e g h phi of S valem a pena considerar. E se você quiser ir direto para o fundo do poço , o black magic 6k6k G2 e o six kip Pro são câmeras muito boas, mas obviamente você precisa aprender a usá-las. Então, como eu disse anteriormente, eu não os recomendaria para iniciantes. Então, se entrarmos nos altos escalões das mídias sociais, como MK PhD e Jonathan Morrison usaram câmeras vermelhas, que custam dezenas de milhares de dólares. Mas para o vermelho, você precisa subir de nível antes mesmo de pensar em seguir esse caminho. Então, agora que falamos sobre os diferentes tipos e marcas de câmeras que são de grande inércia. Saiba, eu quero que você tenha duas dicas importantes deste vídeo. Uma é que, ao escolher sua câmera, lembre-se de que você está escolhendo um ecossistema. E a segunda coisa é que é muito importante saber como usar uma câmera, é sobre isso que falaremos nas próximas três aulas. A primeira delas será na exposição. Até lá. 6. Exposição: Nesta aula, falaremos sobre exposição, o que ela é e como obter sempre a exposição certa em seus vídeos. Mas primeiro, vamos entender o básico de como uma câmera realmente funciona. Assim, a luz entra na câmera através de uma lente, incide sobre um sensor na parte traseira da câmera e expõe a imagem ao sensor. É daí que vem a palavra exposição. Em geral, quando falamos sobre exposição, queremos dizer quão claras ou escuras são suas imagens. Ao gravar nossos vídeos, queremos a exposição correta. Não queremos que nossa imagem seja superexposta e apagada, nem queremos que ela fique subexposta e escura. Ter a exposição certa é fundamental para garantir boas cores e uma experiência de visualização agradável para seu público. Agora, naturalmente, a primeira coisa que você pode fazer para ajustar sua exposição é ajustar a iluminação em seu ambiente. Mais luz proporcionará maior exposição. Menos luz proporcionará menor exposição. Mas isso nem sempre é uma opção. E há três funções principais em sua câmera que permitem ajustar a exposição, ISO, abertura ou íris e velocidade do obturador. Vamos examiná-los um por um. Portanto, ISO significa basicamente a sensibilidade do sensor da câmera à luz que incide sobre ele. Normalmente é indicado por um número como 100200400800 e pode chegar a dezenas de milhares. Quanto maior a sensibilidade, mais brilhante será sua imagem. Mas há um problema: à medida que o ISO aumenta, ele também adiciona cada vez mais ruído à imagem. Para aparecer. A maioria das câmeras tem um nível ISO ideal, também conhecido como ISO nativo. Este é o ISO sobre a câmera que fornecerá o melhor equilíbrio entre brilho e ruído. Por exemplo, no meu Sony A65 cem, é 800. Com minha magia negra, são 400. E o Find my Blackmagic tem dupla ISO 400 nativa para iluminação normal e 3.200 para condições de pouca luz ou escuridão. Mas a questão é que vale a pena pesquisar um pouco e descobrir o ISO ideal ou nativo para sua câmera, então temos a abertura, também chamada de íris. E esse é o orifício e lente da sua câmera quando a luz entra nele. E essa abertura pode ser ampliada ou reduzida para controlar a quantidade de luz que atinge o sensor da câmera. Normalmente medido em f-stops como F 1,82, 0,55, 0,6. E quanto maior esse número, mais estreita se torna a abertura da abertura, menos luz entra na câmera. Por exemplo, se estamos falando sobre F14, que é uma abertura aberta, isso vai permitir que ele receba um monte de luz. Quando eu gravo um vídeo com esse F1, 0,8 também é uma abertura muito aberta. F 5.6 é relativamente estreito e S 16 é basicamente um orifício. Então, obviamente, em f 1.8, haverá muita luz atingindo o sensor. Considerando um F 16, você provavelmente precisará ficar sob o sol porque muito pouca luz entrará em sua câmera. Mas há um problema. Sempre há um problema alterar a abertura da lente tem outro efeito fundamental de mudar o plano de foco. Quando você abre essa abertura, o plano de foco se torna cada vez mais fino. Portanto, é algo como f 1.8. Você terá um plano de foco muito fino e tudo no fundo e no primeiro plano ficará fora de foco, que dá um campo muito cinematográfico e retratista à sua foto. Mas usar uma abertura tão ampla como F 1.8 ou F14 deixará toneladas de luz entrarem em sua câmera. Portanto, você precisa condições de pouca luz ou pode usar algo como um filtro ND, que é basicamente como óculos de sol para sua lente. O que vamos falar mais sobre isso em nossa aula sobre lentes e filtros. Agora, em algo como F 16, você obterá o que é conhecido como tudo focado ou foco infinito, porque o plano de foco será tão amplo que tudo na imagem ficará em foco. Isso é usado em muitas fotos de paisagens e cenários bem iluminados onde há muita luz e tudo precisa estar em foco. Mas como essa é uma aula sobre exposição, saber um pouco sobre como sua abertura funciona realmente permite que você controle a exposição em sua foto. Temos outra dica profissional aqui. Use sua câmera no ISO nativo e prefira configurações de abertura mais baixas, como F 3.2 e F 2.5, e use F1 0.8 para fotos cinematográficas com forte desfoque de fundo, ou o que chamamos de bokeh. Agora, partindo da abertura, vamos falar sobre a velocidade do obturador. velocidade do obturador é medida em frações de segundo. Então, às 01:40, oitavo de segundo, um 50º de segundo, um sexagésimo de segundo, e continua indefinidamente. Antigamente, as câmeras costumavam ter persianas físicas que abriam e fechavam várias vezes a cada segundo. Agora, com câmeras digitais, temos cartas digitais. E quanto mais vezes o obturador abre e fecha a cada segundo, menos luz atinge o sensor. Em outras palavras, quanto maior for a velocidade do obturador, ou quanto maior for o menor número do denominador, menos luz acabará atingindo o sensor. Mas sempre há um problema e você não pode mexer muito com a velocidade do obturador porque ela começa a afetar outros aspectos do seu vídeo, por exemplo, se a velocidade do obturador for muito alta, isso reduzirá o desfoque de movimento até o ponto em que seus campos de vídeo sejam realmente digitais e nítidos. Então, em determinadas velocidades do obturador, as luzes do seu escritório começarão a piscar. E isso acontece tanto quanto vídeos em câmera lenta em que a velocidade do obturador é muito alta. Temos outra dica profissional aqui. A melhor velocidade do obturador é quando esse número menor do denominador é o dobro da taxa de quadros. Para vídeos de 24 FPS, você quer que isso esteja em ou perto de um 48º de segundo. Para vídeos de 30 FPS, o melhor é um sexagésimo de segundo. Essa é apenas uma regra geral para garantir que haja um nível natural de desfoque de movimento, especialmente em termos do tipo de coisa que assistimos na TV. Portanto, os padrões do setor parecem funcionar melhor. Agora, mostre a pergunta em sua mente: como vou saber se meu short está exposto adequadamente? Bem, temos ferramentas para isso. As primeiras ferramentas são seus próprios olhos. Você poderá ver no gráfico se ele está superexposto ou subexposto. Muitas vezes você conseguirá perceber apenas olhando. Então também temos histogramas. Atualmente, a maioria das câmeras é capaz de mostrar histogramas ao vivo. A regra geral aqui é que, se seu histograma estiver muito à esquerda, seu short ficará um pouco subexposto. Se estiver na extrema direita, seu short ficará superexposto e você mantê-lo um pouco à direita do centro. Outra ferramenta mais intuitiva para gerenciar sua exposição como padrões de zebra. Atualmente, a maioria das câmeras tem esse recurso integrado, onde você pode definir os níveis em que esses padrões de zebra aparecem para dizer qual parte do short está superexposta. E então você pode reduzir o brilho da sua imagem diminuindo as luzes ou usando a abertura ISO e a velocidade do obturador para gerenciar o brilho. E os padrões zebra são o que eu mais uso na minha produção no dia a dia. Mas se você quiser controlar o nível de ninja, você pode usar outra ferramenta chamada cor falsa, que basicamente codifica por cores tudo em sua imagem para mostrar onde ela está caindo em um espectro de subexposição, até superexposição. Acho que a cor falsa é um pouco mais avançada para a maioria dos iniciantes, mas se você quiser aprender a usá-las, sugiro que faça uma pequena pesquisa sobre elas. Então, pessoal, essa foi a nossa aula sobre exposição. Espero que tenha lhe dado uma compreensão suficiente a exposição para poder pesquisar um pouco e aprender mais. Na próxima aula, falaremos sobre equilíbrio de brancos. Vamos pegar isso. 7. Balanço dos brancos: E aí, pessoal? Bem-vindo de volta a outra aula. E neste, falaremos sobre balanço de branco, que é extremamente importante quando falamos sobre produção de vídeo. Porque para obter cores boas e precisas de sua câmera, você realmente precisa acertar esse equilíbrio de branco. Acho que a primeira pergunta é: o que é balanço de branco? equilíbrio de branco é definido como o processo de remover custos de cores irreais para que objetos que pareçam brancos pessoalmente sejam reproduzidos em branco em sua foto. Deixe-me explicar. Toda vez que a iluminação em seu ambiente de fotografia muda, por exemplo, se eu fosse passar dessa iluminação fluorescente branca para talvez uma iluminação amarela de tungstênio, eu precisaria calibrar minha câmera acordo com o cenário de iluminação em que estou fotografando. Isso é para garantir que os brancos ao seu redor realmente pareçam brancos. E se você não fizer isso, você terá custos de cores muito estranhos e sua imagem aqui verá um tom de azul muito legal. Resumindo, você está vendo um custo de cor super quente. E também há momentos em que você verá os custos das cores verde ou magenta e sua imagem. E se a cor da sua imagem for muito forte, mesmo na postagem, será quase impossível divulgar tudo sem fazer com que suas outras cores pareçam um pouco estranhas ou fora de sintonia. Portanto, para evitar isso, vamos garantir que você entenda como lidar com o balanço de branco e suas câmeras. E se parecer assustador ou assustador para você, confie em mim, é muito fácil de fazer e leva apenas alguns segundos. Câmeras diferentes têm maneiras diferentes de definir o equilíbrio de branco. Agora, a maneira mais fácil e básica de fazer isso é, obviamente, usar o balanço de branco automático, em que sua câmera examinará todo o fragmento e tentará definir o equilíbrio de branco sozinha. Mas sempre preferimos fazer tudo manualmente. E a maneira mais confiável de fazer isso é acessar as configurações da câmera para obter um balanço de branco personalizado. E então, literalmente, dando à sua câmera um quadro de referência para o que é branco e cinza. Você pode usar um cartão de balanço branco para isso, também conhecido como cartão cinza. Aqui eu tenho outro. E com isso, o que você está fazendo é dizer à sua câmera: ei, isso deveria ser cinza, pois sua câmera coletará essas informações e depois ajustará quantidade de amarelo, azul verde ou magenta que a imagem precisa ter para mostrar a cor cinza ou branca corretamente. Agora, em um piscar de olhos, você também pode usar outras coisas no seu estúdio ou no seu espaço de gravação. Eu usei quatro papéis no passado e até mesmo algumas das minhas paredes para definir meu balanço de branco quando eu não tinha um cartão de balanço de branco. Mas, obviamente, não será tão preciso quanto um cartão cinza ou um cartão de balanço branco adequado. Mas em um piscar de olhos, é muito melhor usá-los para definir seu balanço de branco do que não definir o balanço de branco. Algumas câmeras também terão a opção de definir manualmente a temperatura da cor da luz e do ambiente. Normalmente, isso é medido em Kelvins. Você tem uma dica profissional aqui. 3.200 Kelvin é a temperatura de cor para lâmpadas amarelas de tungstênio. 5.600 Kelvin é luz solar natural ou luz do dia. E essas luzes internas fluorescentes brancas brilhantes são geralmente de 6.000 a 6.500 kelvins ou mais. Mas eu ainda recomendo que você obtenha um cartão de balanço branco como esses. Eles não são tão caros, provavelmente 15, 20 dólares por um deles, mas os benefícios que você obtém deles são imensos se você definir seu equilíbrio de branco corretamente usando a maioria das outras cores, mas também para se encaixarem perfeitamente. E você descobrirá que, no post, seu trabalho será reduzido porque você não precisará voltar atrás e tentar salvar cores e melhorar seu short. Então, sim, Neil, seu balanço de branco, você será um campista feliz. Agora, na próxima aula, falaremos sobre foco e as ferramentas que você pode usar para se concentrar sempre. Até lá. 8. Foco: Tudo bem, bem-vindo de volta. Então, agora é hora de falar sobre foco, o que você pode achar óbvio e muito fácil de fazer. De certa forma, é, mas realmente ajuda saber quais opções você tem quando falamos sobre foco e como usar o foco para criar vídeos melhores. Como eu disse anteriormente, sempre queremos usar as configurações manuais em nossas câmeras, tanto quanto possível. controle manual de sua câmera ensinará você a usá-la adequadamente e também fornecerá um controle imenso sobre vídeo geral, e o foco também se enquadra nisso. Então, vamos usar o foco manual sempre que possível e sempre que possível. Mas, obviamente, também precisamos entender que a maioria de vocês são criadores de conteúdo que provavelmente trabalham sozinhos. Então, quando você está gravando a si mesmo, às vezes sua câmera fica muito longe. Como você se concentra então? Todas essas são questões que devemos ter em mente. Então, vamos falar primeiro sobre o foco automático. É extremamente útil em situações em que você está gravando sozinho e trabalhando sozinho. Seu rosto permanece focado mesmo quando você está se movendo ou se a câmera estiver se movendo. Mas a maior desvantagem de usar o foco automático, especialmente se você estiver usando uma configuração de câmera e lente de preço mais baixo configuração de câmera e lente de preço é a respiração focada. Já vi vídeos em que toda vez que o alto-falante se move um pouco, a câmera busca o foco repetidamente. E, obviamente, isso pode distrair muito o espectador. E isso também não dá ao seu trabalho esse campo profissional, é por isso que a maioria dos profissionais no momento sempre prefere o foco manual. Mas existem câmeras com foco automático muito bom, como a Sony e a 6.400.6600, ambas câmeras muito boas para iniciantes. Eles têm foco automático de rastreamento ocular, que bloqueia o foco em seus olhos. Também há o foco automático de rastreamento de objetos que se bloqueia em um objeto. E quando a câmera está em movimento, o foco permanece bloqueado nesse objeto. Depois, há a Canon e eles estão enviando suas câmeras com seu incrível foco automático de dois pixels e até mesmo o ADD e a cidade as tinham. Essas câmeras são muito boas para criadores de conteúdo. E agora também estamos vendo câmeras como a Sony A7 R4 com foco automático de IA que usa algoritmos sofisticados e chips de IA para encontrar rostos e , em seguida, bloquear o foco neles. E depois há um monte de outras câmeras sem espelho. Observe também que, com câmeras sem espelho, nem todas as lentes têm foco automático. Portanto, ao comprar uma lente, certifique-se de que ela tenha foco automático. Porque se sua câmera tem foco automático, mas sua lente tem isso, não vai funcionar. Agora vamos seguir em frente e falar sobre o foco manual. Agora, o maior benefício do foco manual durante a gravação si mesmo é que você não obtém nenhum foco respirando. Na verdade, mesmo em poucas palavras, estou usando o foco manual. Eu sempre uso o foco manual e você pode ver meus olhos estão focados e tudo está bloqueado. Mas quando estou me movendo, a câmera não muda o foco em nada. E isso pode ser muito benéfico para a aparência geral do seu vídeo. Outro benefício da focagem manual é que ela é muito mais suave. Então, quando você está usando o foco manual e as fotos do produto, talvez esteja tirando um pouco de B-roll. Você descobrirá que, com muitas câmeras, quando ela está tentando focar ou quando está tentando travar, ela parece muito instável. Então, vai ficar fora de foco e depois vai estar em foco. Por outro lado, se você usar o foco manual, o foco é muito mais suave e seguida, oferece um campo muito mais cinematográfico ao seu vídeo. Mas o foco manual tem suas desvantagens. A câmera está se movendo ou o objeto está se movendo. O foco manual se torna muito difícil. E isso aumenta o trabalho que você terá que fazer e focar corretamente, caso contrário, você poderá arruinar seu curta. Então, como eu disse anteriormente, se você está gravando sozinho, o que você faz? Dica profissional. Mas isso é mais um truque. Isso é o que eu costumava fazer porque eu costumava gravar a mim mesma e não tinha nenhuma ajuda e não consigo realmente alcançar minha câmera. Então, o que eu faria era encontrar um objeto e, em seguida, encontrar o avião onde eu me sentiria como meus rostos. E eu coloquei esse objeto onde meu rosto está aproximadamente. E então eu vou até a câmera e me concentro nesse objeto. E muitas vezes, bem, toda vez que eu conseguia me concentrar fazendo isso, o que você precisa ter cuidado é que antes de começar a gravar, você tem que verificar sua foto e ter certeza de que seu foco está nítido o suficiente para seguir em frente. Mas esse truque pode funcionar muito bem. Agora existe uma ferramenta que você pode usar para se concentrar melhor e ela vem como um recurso embutido na maioria das câmeras, e eu a uso o tempo todo. É chamado de pico de foco. A maioria das câmeras vem com esse recurso embutido e o pico de foco basicamente mostra uma cor em seu plano de foco, onde o foco é mais nítido. E você pode usar isso para se certificar de que está focado no lugar certo. Sempre que usar o foco manual, verifique se você está usando o pico de foco. É um salva-vidas. E aqui está uma dica profissional para você , esta é uma dica profissional. Ao focar em seu rosto, o foco deve estar em seus olhos, porque seus espectadores olharão para seus olhos quando você estiver falando com eles. Isso é exatamente o que nós humanos fazemos. Quando estamos conversando ou ouvindo alguém, é mais provável que olhemos diretamente nos olhos dessa pessoa. Aqui está outra dica profissional para você. Ao gravar você mesmo, certifique-se de que sua abertura não esteja muito aberta. Se você estiver usando uma abertura como F 1.8, verá que o plano de foco fica muito fino. E então, muitas vezes, seus olhos ficam focados e seu nariz não, e coisas assim. Portanto, sugiro manter sua abertura em torno de f 2,5 ou superior a isso. Então, para concluir esta aula, se você quiser fazer seu trabalho rapidamente, provavelmente é melhor usar o foco automático, especialmente se você tiver uma boa câmera que tenha tecnologias de foco automático de IA realmente sofisticadas. Mas se você está procurando mundo profissional muito bom, sugiro que aprenda a usar o foco manual. Depois de começar a entrar nele, você descobrirá que sim, isso fará com que seus vídeos tenham uma aparência melhor. Então, isso é tudo para focar. Na próxima aula, falaremos sobre perfis de imagem. 9. Perfis de imagem: Os perfis de imagem são muito importantes para a aparência geral do seu vídeo. Agora, este é um pouco mais avançado para iniciantes, mas acho que meus alunos deveriam ter pelo menos uma compreensão básica do que são perfis de imagem. Atualmente, a maioria das câmeras tem perfis de imagem embutidos. Alguns perfis de imagem têm mais saturação, outros são melhores para usar com pouca luz. O Sum oferece uma aparência mais cinematográfica dessaturada e alguns oferecem um melhor alcance dinâmico. Falamos sobre alcance dinâmico em um minuto. Vamos primeiro entender os perfis de imagem. Portanto, é muito importante que você examine sua câmera e confira os diferentes perfis de imagem para ver qual deles você mais gosta e qual combina com seu estilo de fotografia. Portanto, ao verificar os perfis de imagem da sua câmera, quero que você preste atenção a duas coisas: saturação e nitidez. E, como regra geral, queremos manter a saturação e a nitidez na parte inferior do perfil de imagem da câmera Imagens muito saturadas e nítidas tendem a fornecer um campo semelhante ao de um amador digital. E a desvantagem é que, se você estiver adicionando muita saturação ou nitidez na câmera , suas opções e postagens ficarão limitadas. É muito difícil tornar sua imagem mais nítida sem fazer com que ela pareça estranha. Você pode eliminar a saturação, mas é sempre melhor ter esse controle no pós-processamento e fazer com que sua câmera trabalhe o mínimo possível em termos de pós-processamento Queremos fazer tudo isso no computador posteriormente. Obviamente, se você deseja fazer um processo de produção rápido e deseja dar a volta ao trabalho muito rapidamente. Talvez você queira escolher um perfil de foto que ofereça uma imagem razoavelmente bonita. Mas se você quiser levar seu jogo para o próximo nível, é melhor controlar seu perfil de imagem manualmente e adicionar coisas como nitidez , saturação e postar. Isso é o que eu faço. Normalmente, mantenho meu contraste e nitidez de saturação em suas configurações mais baixas na minha câmera. E eu sempre uso perfis de imagem do tipo Sydney ou filme. E depois, na postagem, posso adicionar novamente a saturação e a nitidez porque elas ainda não estão incorporadas na minha filmagem. Isso só me dá um pouco mais de controle. Agora vamos falar sobre a faixa dinâmica sobre a qual falei com você em termos leigos, a faixa dinâmica de qualquer câmera é a quantidade de detalhes que sua câmera pode extrair das áreas escuras e claras de sua imagem. Por exemplo, neste gráfico, se eu tivesse usado uma câmera com melhor alcance dinâmico, você veria mais detalhes no céu lá fora. Em vez disso, o céu foi destruído e os detalhes perdidos porque está além do alcance dinâmico desta câmera. Mas, além da câmera em si, os perfis de imagem também podem desempenhar um papel na melhoria do alcance dinâmico de suas fotos. E para isso, normalmente usamos logarítmicos de imagem ou perfis de registro. A Sony tem o log dois e o log três, canon tem o log c. E você descobrirá que a maioria dos profissionais usa esses perfis de registro por causa dessa faixa dinâmica melhor do que a obtida e também por causa do controle adicional que eles obtêm sobre a imagem final. Agora, fora da câmera, a imagem de um perfil de registro parece realmente desbotada. Honestamente horrível. Mas depois de adicionar a saturação novamente e publicar em uma tabela de pesquisa de lotes ou cores, você acaba obtendo uma faixa dinâmica melhor. Vou mostrar as diferenças aqui quando eu gravar esse perfil de imagem curto e padrão da minha câmera, todos os detalhes fora da janela ou estourados. Tudo isso é ruído branco. Agora, esses detalhes não podem ser recuperados, mesmo com a correção de cores. Mas quando eu gravo o vídeo com as mesmas configurações, mas com o perfil de registro e a cor dos olhos corrigidos, você pode ver muito mais detalhes fora da janela. Novamente, lembre-se de que quanto mais alcance dinâmico sua câmera e seu perfil de foto oferecem, melhores serão seus vídeos. Vamos dar uma olhada. outro lado, os perfis de registro têm uma grande desvantagem, pois precisam pós-processamento intenso e você precisa saber como usar lotes e corrigir as cores de suas imagens, o que pode aumentar seu fluxo de trabalho. E você precisará de mais tempo e esforço para produzir seus vídeos. Então eu vou te mostrar minha filmagem, como ela fica saindo da câmera. Estou usando uma câmera de magia negra com seu perfil de filme, que é um perfil de registro. Então, vamos retirar toda a gradação de cores que fizemos. E isso é o que parece quando sai da câmera. Eu sei que provavelmente parece muito ruim. Mas vamos começar a adicionar o processamento que fazemos para mostrar a diferença que faz ser capaz de calibrar adequadamente. Então, aqui vamos adicionar essa LUT e converter nosso perfil de log para erguer vários espaços de nove cores. Então vamos em frente e vamos corrigir essa exposição. Vamos corrigir esses tons de pele também, apenas para obter os tons de pele corretos. E tenha um pouco de curva. Quero ter certeza de que meu lançamento de destaques seja bom. Em seguida, vamos adicionar uma camada de nitidez apenas para garantir que tudo esteja tão nítido quanto eu quero. E vamos adicionar uma vinheta também. E acho que essa é a aparência final. Então isso é antes e isso é depois. E você pode ver a diferença que isso faz. E esse é o tipo de controle que, eventualmente, se você quiser ser capaz de fazer um trabalho profissional, precisa analisar. E a base disso é o perfil da imagem em si. Eu acho que isso permite registrar perfis. Todos esses são conceitos muito avançados, avançados demais para iniciantes, mas acho que também é importante pelo menos ter esse conhecimento de antemão que você saiba o que precisa aprender à medida que avança em sua carreira Você precisa examinar muitos perfis se quiser mais controle das cores da sua imagem. Mas, no começo, fique à vontade para usar esses perfis de imagem integrados. Sua câmera vem com. A próxima aula. Vamos falar sobre lentes e filtros que você pode usar com suas câmeras. 10. Lentes e filtros: Agora é hora de falar sobre lentes e filtros para produção de vídeo é muito importante conhecer pelo menos o básico das lentes e como elas podem afetar sua filmagem. Porque o tipo de lente que você usa decidirá a aparência geral do seu vídeo. E você precisará de diferentes tipos de lentes para diferentes situações. E no final desta aula, também compartilharei com vocês minhas preferências de lentes para iniciantes. Agora, para a produção básica de vídeo, há duas coisas que você precisa saber quando se trata de lentes. Distância focal e abertura. distância focal é medida em milímetros. E, em termos simples, quanto menor for esse número, mais ampliada será a lente. Então, por exemplo, esta foto é de uma lente de 30 milímetros, enquanto esta é de uma lente mais ampliada ou grande angular de 16 milímetros. Lentes grande-angulares como essas têm vários benefícios. Uma delas é que você pode se adequar mais ao seu ambiente e seu curta também como produtor de vídeo solo Isso também significa que você pode manter a câmera mais perto de si. Agora, em algumas lentes, essa distância focal é fixa, então 30 mm, 24 mm. Esta aqui é uma lente de 16 milímetros, e essas são o que chamamos de lentes primárias. Mas também existem lentes onde há uma variedade de lentes focais. O tipo de lente necessária dependerá do que está sendo filmado. Por exemplo, o Sigma 18, 35 que estou usando agora para gravar este vídeo. Elas são conhecidas como lentes de zoom. Aqui estão os diferentes tipos de lentes que você deve conhecer. Portanto, temos lentes grande angulares, que normalmente têm uma distância focal de 18 mm a 24 milímetros. E essas lentes grande angulares são mais adequadas para paisagens, arquitetura e videografia interna. Lentes focais menores, como 16, 12, 8 mm, são conhecidas como lentes ultra-amplas. Essas lentes grande angulares também são mais adequadas para vlogs, porque quando você está fazendo um vlog as câmeras em suas mãos , elas não estão muito longe. Portanto, uma lente grande angular pode ajudar a garantir que você esteja capturando tudo, incluindo você mesmo e o ambiente ao seu redor. Então temos lentes de retrato. Normalmente são de 50 a 70 mm e também têm uma abertura muito baixa. Essas lentes de retrato podem produzir resultados muito lisonjeiros quando usadas com pessoas devido ao fundo desfocado e efeito de emagrecimento que elas têm devido à distância focal. Depois, temos lentes teleobjetivas, que partem de 70 mm e vão até centenas de milímetros. Eles são usados para assuntos que estão muito distantes. Então você os vê sendo usados por fotógrafos de vida selvagem e para esportes. Depois, há lentes macro. Eles têm uma distância focal mínima muito pequena e permitem que você chegue muito, muito perto e capture pequenos objetos e detalhes minuciosos. Existem também outros tipos de lentes, mas a maioria delas é para shorts especiais e efeitos estilizados. Mas para a produção básica de vídeo, acho que conhecer esses cinco tipos é mais do que suficiente, pelo menos no começo. Agora vamos falar sobre a abertura ou a íris. E também falamos brevemente sobre eles em nossa exposição da primeira classe. Mas vamos recapitular rapidamente. Portanto, quanto maior for a abertura, por exemplo, a 1,8 F14, mais luz alcançará o sensor da câmera. Ao mesmo tempo, seu plano de foco também ficará mais fino. E quanto mais o primeiro plano e o plano de fundo ficarem desfocados e desfocados, o que chamamos de bokeh. Assim como acontece com a distância focal nas lentes de zoom, todas as lentes também estão organizadas para sua abertura. E você normalmente verá isso no nome da lente. Portanto, sigma 18, 35, F18 significa que a distância focal é de 18 mm até 35 mm. A abertura mínima é F18. Normalmente, essas lentes mencionavam apenas a abertura mínima. Então isso é f 1,4, o que significa que ele pode ir mais alto para f 2,521, 83,2 e superior, mas não pode ir abaixo de F14. Outro exemplo é o sigma 30 milímetros F 1.4. Então, aqui temos uma lente principal com uma distância focal fixa de 30 mm e a abertura mínima é F14. Você pode ir mais alto, mas não abaixo de F14. E pessoal, aqui temos uma dica profissional. Para fotos cinematográficas, você deve usar uma lente com uma abertura mínima muito ampla, como F 1.8 ou F14, você verá muitas lentes com aberturas mínimas F35 ou F4 mais estreitas, que significa que elas precisam de mais luz e também oferecem menos desfoque de fundo, pois têm um plano de foco mais amplo. Além da distância focal e da abertura, também há outras coisas que você deve saber sobre lentes. A primeira é a estabilização. Existem algumas lentes que vêm com estabilização óptica de imagem embutida. E eles são muito úteis para estabilizar fotos em que a câmera está se movendo, especialmente se você estiver fazendo um vlog ou algo parecido em que a câmera está se movendo muito. Você realmente poderia usar uma boa estabilização, mas lembre-se de que nem todas as lentes vêm com estabilização. Da mesma forma, algumas lentes também têm recursos de foco automático integrados. Outros não. E lembre-se, falamos sobre esses diferentes ecossistemas e marcas de câmeras. Bem, essas lentes também fazem parte desses ecossistemas e todas elas têm suportes diferentes. Então, praticamente todas as marcas de câmeras neste momento têm um tipo diferente de suporte compatível. E é importante saber qual suporte sua câmera tem antes de comprar lentes para ela. Por exemplo, a Sony suporta lentes de encaixe E, enquanto as câmeras Canon suportam EFF e alguns outros tipos de suportes. Qualquer pessoa realmente usa uma lente de encaixe E com uma câmera montada em EF , a menos que encontre algo assim e um adaptador para ela. Mas é provável que mesmo esses reduzam a funcionalidade que você pode obter de sua lente. Freqüentemente, o foco automático não funciona tão bem, ou você verá outros tipos de redução de desempenho. Portanto, o ponto principal aqui é que, se você começar a usar, por exemplo , câmeras Sony, com o tempo, provavelmente construirá uma biblioteca completa de lentes para suas câmeras Sony com suportes E. E isso será um investimento significativo, o que dificultará que você mude de marca mais tarde em sua carreira. Então, vamos agora seguir em frente e começar a falar sobre filtros e quais tipos de filtros você pode usar com suas lentes. Então, o filtro é basicamente algo assim. Está ligado na ponta da lente. Existem diferentes tipos, então você tem filtros UV, filtros polarizadores, filtros prometidos. Mas o que eu quero que vocês conheçam é esse filtro ND. Então, esses são filtros de densidade neutra. Eu já falei sobre isso em uma aula anterior, onde eu disse que são óculos de sol. São como óculos de sol para suas lentes, o controle elétrico, a quantidade de luz que atinge seu sensor e permitem que você gerencie a exposição do seu short. Se você estiver em um ambiente muito iluminado, geralmente não consegue controlá-lo. Você não tem a opção de reduzir seu ISO ou aumentar sua disputa por camisas ou algo parecido, então você pode usar um filtro ND. E mesmo nesses filtros ND, eu prefiro usar algo assim, que é um filtro ND variável. E o que isso permite que você faça é controlar o brilho girando-o você possa controlar a exposição do seu curta. Outra coisa a observar sobre os filtros ND é que eles têm classificações de tamanho milimétrico. Portanto, você precisa ter certeza de que o filtro ND que você obtém se encaixa na sua lente. Ou talvez seja necessário usar alguns anéis de elevação ou redução para garantir que o filtro se encaixe corretamente na lente. E aqui eu tenho outra dica profissional para vocês. Para fotos cinematográficas, use uma configuração de abertura mais baixa de f 1.8 ou F14, junto com um filtro ND Isso proporcionará muito desfoque de fundo e permitirá que você gerencie a quantidade de luz que entra nessa abertura realmente aberta. Normalmente, com aberturas abertas, como F 1.8 e 1.4, é muito fácil superexpor ou estourar seu short. Agora, como prometido, quero compartilhar algumas das minhas preferências de lentes com vocês. E a primeira delas é a lente que eu mais uso. Também é conhecida como lente do YouTubers e eu a estou usando agora para gravar essa aula. Este é o sigma 18 a 3.051,8. Sem dúvida, minha lente favorita. Conheço pessoas executando seus canais inteiros com apenas essa lente. É bastante pesada e não é realmente adequada para vlogs, mas em um ambiente de estúdio, essa lente é incrível. Então eu também tenho esse sigma 30 mm e o Sigma 16 mm. E ambos oferecem aberturas muito amplas, não custam muito e também oferecem uma qualidade de imagem muito boa. Eu tenho a lente Sony F2.8 de 16 milímetros. Era muito barato e eu comprei logo no começo, quando comprei um Sony 6.500. E por último, mas não menos importante, temos a bacana lata 50 dos meus dias iniciais de canhão e uma lente F1 0.8 de 50 milímetros. E isso foi muito bom para fotos do tipo retrato com intenso desfoque de fundo. Muitas pessoas preferem isso porque realmente não custa muito e pode oferecer resultados muito bons se você souber o que está fazendo. Então, esse foi o nosso guia para iniciantes sobre lentes. Acho que há o suficiente nesta aula para você pesquisar mais e aprender mais sobre. Na próxima aula, vamos deixar de usar as câmeras e começar a falar sobre microfones. Até lá. 11. Microfones: Tudo bem, vamos falar sobre microfones. Então, no início deste curso, falei a vocês sobre a importância da qualidade do áudio e como ela pode realmente melhorar ou prejudicar seu vídeo. Eu disse que muitas pessoas acreditam, inclusive eu, que a qualidade do áudio é ainda mais importante do que a qualidade da sua imagem. Isso quer dizer que, se você estiver assistindo a um vídeo em que a qualidade da imagem não é muito boa, mas a qualidade do áudio é boa. E é mais provável que você assista a esse vídeo do que a um vídeo em que parece muito bom, mas a qualidade do áudio é muito ruim. Talvez haja muito ruído ou muito eco ou o volume esteja muito fraco, maior probabilidade de ricochetear. Agora vamos falar sobre como gravar e processar seu vídeo e uma aula separada. E neste, quero focar um pouco mais nos microfones e nas diferentes opções que você tem como concentrador. E logo no início, a primeira regra é sempre evitar usar o microfone integrado. Este é o microfone embutido em sua câmera ou, se você estiver gravando vídeo com seu telefone, o microfone do seu telefone. Os microfones de bordo geralmente tendem a dar resultados muito ruins. E usar um microfone externo pode fazer maravilhas na qualidade geral do seu vídeo. Agora, em um piscar de olhos, você pode usar seu telefone como microfone , ou como gravador de áudio. Mas isso é apenas no caso de você também não estar gravando vídeo com seu telefone. Suponho que se você é um blogueiro , pode se dar bem fazendo isso. Mas se você estiver usando o microfone integrado do telefone , saiba que um pouco de ruído ou um pouco de eco pode realmente destruir a qualidade do seu áudio. Então, aqui estão alguns dos diferentes tipos de microfones externos que você pode considerar como criador de conteúdo. primeiros da lista estão os microfones de lapela. Eles também são chamados de microfones de laboratório e basicamente combinam com sua cor. microfones de laboratório são muito bons para a rejeição de ruídos e são projetados para captar sons altos porque normalmente estão muito próximos à sua boca. Então, se você estiver gravando em um ambiente barulhento, ou talvez haja muito vento ou eco em seu entorno, talvez você queira usar um Mike de laboratório. Mas a grande desvantagem de um Mike de laboratório é que eles não parecem muito bons. Essa pode ser uma preferência pessoal, mas eu não gosto da aparência dos microfones de laboratório. Eles ficam feios na sua cor. E eu sinto que eles também diminuem a imersão do seu vídeo. Mas para iniciantes, é muito fácil trabalhar com eles. Você pode encontrar um que se conecte diretamente ao seu telefone. Assim, você também pode conectar esses mouses de laboratório ao seu telefone. Existem algumas opções de baixo custo disponíveis. BY m1 é uma boa opção. Por K, alguém se conecta diretamente ao seu iPhone do que lá , cinco SH, muitos novos criadores de conteúdo os usam. Então, se você quiser subir na faixa de preço, talvez dê uma olhada no laboratório inteligente de Rhodes que oferece uma boa combinação de preço e qualidade. E então, se você quiser mais qualidade premium , talvez você possa optar por algo como desinfetante. Em seguida, temos microfones condensadores, que são mais usados em um ambiente de estúdio. Esses microfones condensadores têm um capacitor dentro deles, o que permite captar os melhores detalhes. Eles geralmente são muito sensíveis, então você terá que usá-los em um ambiente de estúdio onde você tem tratamento acústico para reduzir o eco e o ruído. Mas geralmente as pessoas que fazem transmissões ao vivo , dublagem ou vocais tendem a preferir esses microfones condensadores para produtores de vídeo iniciantes Blue Snowball é uma boa opção de baixo custo e esse Blue Yeti também é um microfone muito popular. A estrada também tem alguns bons, como o road NT USB e este Blue Yeti e o road e um USB, ambos são microfones USB, então você pode conectá-los diretamente ao seu computador, o que é um bônus adicional se você quiser gravar áudio diretamente no seu computador. Já o estúdio escarlate Mike veio com meu foco, certo? Pacote de estúdio Scarlet Solo que eu comprei. Este se conecta via cabo XLR à interface de áudio. Vamos fazer isso também. Mas sim, são microfones condensadores. Depois, temos o microfone tipo shotgun, que também é um tipo de microfone condensador, mas eles são mais direcionais, como um telescópio. E você pode apontá-los para uma determinada direção e o microfone captará mais sons dessa direção e rejeitará o som vindo das laterais ou de trás do microfone. microfones Shotgun são muito bons para rejeitar ruídos. Como eu disse, eles são muito direcionais, então rejeitam ou rejeitam sons vindos de outras direções, é por isso que são muito usados em filmes e programas de TV. E Laura, os YouTubers até os usam agora, eu uso microfones de espingarda o tempo todo. Na verdade, o som que você está ouvindo agora está vindo desse microfone de espingarda, que é a divindade S Mike two. Este é o desinfetante V Mike D3 pro. O Mgh 416 é muito famoso, mas é um pouco caro para iniciantes. Estradas. E a série D G também é uma linha muito popular. Depois, há alguns microfones de espingarda. Eles foram projetados para serem montados em sua câmera ou até mesmo em seu telefone. série Roads Video Mike é famosa. E os microfones de espingarda vêm em todos os tipos de formas e tamanhos. Este é o micro de vídeo Rode. Este é um que eu sugiro a todos os iniciantes, porque você pode montar na sua câmera. Há também uma versão que se conecta ao seu telefone, até mesmo uma para um iPhone. Portanto, é um microfone muito popular e muito adequado para cenários de execução de armas. A propósito, se você está se perguntando o que é essa coisa, chamada de gato morto, eu tenho outra aqui. E eles são usados basicamente para reduzir o som do vento. Se você estiver gravando muito ao ar livre e houver muito vento, você descobrirá que há muitos sons de vento estourando , plosivas ou algo entrando em seu vídeo, você pode colocar esse gato morto no microfone e reduziremos o som do vento se movendo. A seguir, temos microfones dinâmicos, que são usados principalmente para podcasts, transmissões de rádio e voz overs e vocais. Esses microfones dinâmicos precisam de muita amplificação. Eles não são nada sensíveis. E normalmente você precisa estar muito perto deles. Mas o maior benefício dos microfones dinâmicos é que eles rejeitam ruídos muito, muito bem. É por isso que eles são usados para transmissões de rádio e podcasts, onde você tem vários convidados falando ao mesmo tempo e não quer que um Mike capte a voz de mais de uma pessoa. Um microfone dinâmico muito famoso é este, o Shore SM7B. Você já deve ter visto isso em muitos podcasts. Então, roads part mike também é muito popular agora, Samson para você como uma boa opção de baixo preço. Junto com podcasts e entrevistas, microfones dinâmicos também são muito bons para dublagens e vocais. Curiosidade, Michael Jackson usou SM7B em terra para gravar como álbum Thriller. Então, esses são alguns dos diferentes tipos de microfones que você pode considerar usar como concentrador. Agora vamos falar sobre os diferentes tipos de conexão que eles usam, pois isso determinará como você grava seu áudio. Então, resumidamente, temos recortes de 3,5 milímetros. Parecem conectores de fone de ouvido. Normalmente há TRS ou TRS. E eles podem ser conectados diretamente ao gravador do seu laptop ou a alguns telefones. Depois, temos microfones USB, como eu disse anteriormente, eles podem ser conectados diretamente ao seu computador, mas o que a maioria de vocês não conhece é o conector XLR. Isso é o que você encontrará na maioria dos microfones e gravadores progressivos. Esta divindade S2 é um microfone XLR. Isso é curto. O SM7b também é um microfone XLR. E para gravar com esses microfones XLR, normalmente você precisa de alimentação fantasma. Portanto, você precisará de um gravador ou de uma interface de áudio que possa fornecer energia fantasma para que esses microfones funcionem. E agora alguns de vocês podem estar se perguntando que tipo de gravadores ou interfaces de áudio você poderia usar com esses microfones. Então, o Zoom faz vários gravadores de áudio que você pode consultar. Estou usando pessoalmente o Zoom H5. E, como alternativa, você também pode usar uma interface de áudio conectada ao seu computador, como essa focada, certo? Scarlet to Y2 são o Scarlet Solo do que os áudios universais. A linha Polar também é muito famosa e muitos YouTubers a usam. Acho que isso é uma introdução suficiente aos microfones para iniciantes. Se você quiser pesquisar mais, sugiro que você leia qualquer coisa que esteja confundindo você nesta aula e procure on-line e encontre suas respostas. Realmente vou te ensinar muito. Na próxima aula, falaremos sobre iluminação e quais tipos de dicas e truques você pode usar para ter uma aparência melhor na câmera. 12. Iluminação: Ter até mesmo um conhecimento básico de iluminação pode fazer maravilhas na aparência do seu vídeo. Agora, iluminação é um assunto importante e, como criadores de conteúdo, queremos economizar o máximo de tempo possível, fazer as coisas rapidamente para que possamos produzir conteúdo regular. Então, nesta aula, vou compartilhar apenas os conceitos básicos de iluminação que acho que você precisa saber para produzir vídeos razoavelmente bonitos. E você pode aprender mais sobre esse tópico no Skillshare e no YouTube. Mas aqui está o básico. Então, em nossa aula sobre equipamentos e equipamentos, eu disse que você precisa de pelo menos uma fonte de luz. E para começar, isso pode ser luz natural através de uma janela. Mas se você quiser melhorar a aparência do seu vídeo, precisará de mais fontes de iluminação ou, idealmente, de pelo menos três. E você pode usar lâmpadas em sua casa para começar ou sair e comprar essas luzes LED com difusores para obter melhores resultados. Você pode usar caixas flexíveis como guarda-chuvas difusores. Mas seja qual for a fonte de luz que você usa, acho que você obterá resultados muito bons. Se você entende de iluminação de três pontos. No sistema de iluminação de três pontos, existem basicamente três tipos de luzes. Chave, luz, preenchimento, luz, luz de cabelo, às vezes também chamada luz de fundo, se o assunto não for uma pessoa. E todas essas três luzes têm funções muito específicas. A luz principal é a principal e geralmente a fonte de luz mais brilhante que incide sobre seu rosto de um lado, a luz de preenchimento normalmente está do outro lado do rosto. E, como o nome sugere, ele preenche as sombras projetadas pela luz principal. Normalmente, essa luz de preenchimento é um pouco mais fraca ou um pouco mais distante do que a luz da chave. E então temos uma luz de cabelo. Isso geralmente está acima da sua cabeça ou às vezes atrás do assunto, e sua principal função é a separação do plano de fundo. Ele separa você do fundo e introduz um pouco mais de profundidade em seu short usando o sistema de iluminação de três pontos, seu rosto ficará mais bonito e bonito. Sua foto, teremos um pouco mais de profundidade, em vez de apenas parecer plana, como nesta foto em que temos apenas um ponto morto leve às 12:00. Aqui estamos obtendo uma aparência muito plana , sem muita profundidade. Já neste resumo analisa iluminação de três pontos e você pode ver a diferença por si mesmo. Aqui está uma dica profissional se você quiser saber mais sobre iluminação de três pontos, pesquisa, Rembrandt, iluminação, o usuário e muitas entrevistas produzidas profissionalmente, e também aqueles anúncios de masterclass que tenho certeza de que muitos de vocês devem ter visto. Agora, outro aspecto muito importante da iluminação que você precisa conhecer é a diferença entre luz forte e luz suave. E sempre queremos a luz mais suave possível. Luz suave significa basicamente luz difusa. Portanto, a luz tem que passar por algum tipo de difusão, como uma caixa macia ou um pano de difusão ou até mesmo algo como papel manteiga ou até mesmo papel de seda, se você tiver cuidado com ela. Mas preciso enfatizar isso. Se você estiver usando papel , tenha muito cuidado. Luzes quentes e papel obviamente não combinam bem. Você foi avisado. Agora, o maior benefício de usar luz difusa é que a luz difusa cria sombras mais suaves, que faz com que seu rosto ou qualquer outro assunto pareça muito mais lisonjeiro e bonito. Por outro lado, a luz forte normalmente não tem difusão e dá uma aparência muito áspera. As sombras que ela custa são muito nítidas e, a menos que sejam usadas para um efeito dramático, parecem feias. E temos outra dica profissional aqui. Sempre use uma grande fonte de luz difusa, como uma grande janela fosca ou uma softbox. Quanto maiores e mais difusas forem suas fontes de luz, melhor você será. Seu assunto examinará seu vídeo. Há também outros aspectos interessantes da iluminação que você deve conhecer. Um deles é o que é conhecido como luz de captura. Esse é o reflexo da luz em seus olhos. Na maioria dos vídeos profissionais, você verá esse reflexo nos olhos do sujeito. E ao colocar suas próprias fontes de luz, certifique-se de que uma boa captação de luz em seus olhos deixará seu short mais bonito e facilitará a conexão dos espectadores com seus olhos quando você estiver falando com eles. Mais uma coisa em que pensar, nossas luzes RGB e coloridas. Você pode usar essas luzes coloridas em seu plano de fundo para deixar as coisas um pouco mais interessantes. Talvez apimente as coisas porque você poderia ter apenas luzes brancas. Mas se você estiver criando conteúdo regularmente , mudar as coisas ajudará a tornar seus vídeos um pouco mais interessantes do que monótonos. Então, sim, as luzes RGB também são algo a ser examinado. Mas acho que a principal lição dessa aula é que você sempre deve preferir usar luzes difusas. Tentei ter o máximo de difusão possível em suas luzes. E também para se familiarizar com o sistema de iluminação de três pontos. Em nossa próxima aula, compartilharei algumas dicas que você pode usar ao gravar a si mesmo. Até lá. 13. Dicas sobre como se gravar: Então, pessoal, agora estamos prontos para começar a gravar nós mesmos. E você provavelmente está pensando finalmente, mas era muito importante construir sua base em câmeras e microfones e iluminação e produção de vídeo em geral Antes de começarmos a gravar nós mesmos, essa fase ocorre depois você terminar toda a pré-produção, planejamento e roteiro e preparar todo o seu equipamento. Então, depois de terminar de configurar tudo, a primeira coisa que você sempre quer fazer é definir seu balanço de branco. Já abordamos isso em nossa aula sobre balanço de brancos. Se você precisar refrescar sua memória, vá em frente e assista a essa aula novamente. Então temos uma dica profissional aqui. Sempre que a iluminação do seu short muda, é melhor definir o balanço de branco. De novo. Lembre-se dessa classe de balanço de branco, sempre que a iluminação ao seu redor muda, isso pode mudar a forma como sua câmera vê o branco. Depois de terminar de definir seu balanço de branco, você deve ir em frente e verificar seu foco. Se você estiver usando o foco automático , não há problema. Mas se você estiver usando o foco manual, se você se lembra da nossa aula sobre foco, falamos sobre como pode ser um pouco difícil para você se concentrar em si mesmo. Mas eu te dei um truque naquela aula. Você pode muito bem usá-lo ou pedir alguém que o ajude e se concentre em você. Caso contrário, você pode simplesmente usar o foco automático. O próximo é o enquadramento. E o enquadramento é muito importante. Um bom enquadramento não só faz você parecer mais profissional, mas também oferece ao seu público uma melhor experiência de visualização. E a melhor e mais básica maneira de enquadrar sua foto é usando a grade da regra dos terços. Você pode se colocar no centro, à esquerda ou à direita. O centro geralmente é o mais seguro. Mas o que eu vejo muitas pessoas errando é o enquadramento vertical. Então, eles deixam muito espaço acima da cabeça ou ficam tão altos que parte da cabeça é cortada da RAM. Portanto, é melhor ativar a grade do monitor da câmera e usar a regra dos terços para se posicionar no quadro. Então, temos que o posicionamento da câmera é muito importante. Normalmente, você deseja colocar a câmera no nível dos olhos ou ao redor dele. Isso ocorre porque sempre que alguém está falando com você, normalmente está no seu nível. É muito melhor para seu público se conectar adequadamente. Se suas câmeras estiverem muito baixas, você estará olhando para baixo nem perceberá. E seu público provavelmente sentirá que está olhando para você. Da mesma forma, se sua câmera estiver muito alta, você estará olhando para a câmera o tempo todo e seu público sentirá que está olhando para você. Parece um pouco antinatural para a melhor e mais natural maneira de fazer isso. Coloque a câmera no nível dos olhos. Então, outra dica é sempre usar um monitor durante a gravação de si mesmo. Atualmente, muitas câmeras vêm com telas dobráveis , onde você pode ficar de olho em si mesmo enquanto grava. Ou você também pode conectar um monitor externo à sua câmera é sempre muito melhor poder se ver. Você pode estar ficando sem espaço no cartão de memória ou sua bateria pode estar acabando ou você pode nem estar gravando. Portanto, é melhor também ficar de olho na exibição de informações da sua câmera. Então, depois de terminarmos com o balanço de branco, enquadramento focado e o posicionamento da câmera, restam apenas algumas verificações finais a serem feitas. Verifique se o cartão SD está na câmera e se ele tem espaço suficiente, então você deve verificar se o microfone está conectado com segurança. Se você estiver usando um microfone externo, que espero que também use, muitas câmeras de prosumer atualmente vêm com um limite de gravação de cerca de 30 minutos. E muitos criadores de conteúdo gostam de manter um cronômetro no telefone ou no monitor para que possam ficar olho em quanto tempo estão gravando. Então, sim, é basicamente isso. Agora você está pronto para gravar. Então vá em frente e certifique-se de pressionar o botão de gravação, pois você ficaria surpreso com quantas vezes eu esqueci de pressionar o botão de gravação. E pode ser uma verdadeira dor quando você percebe o quão livre de gordura ou vídeo seu gravador de áudio ou sua câmera nem estão rodando. Então, essas foram algumas dicas sobre como gravar você mesmo e coisas que você talvez queira observar. Em nossa próxima aula, falaremos sobre gravação e processamento de áudio. 14. Gravação e processamento de áudio: Nesta aula, vou explicar como você pode gravar como você pode gravar seu áudio e aplicar algum processamento básico a ele como quantidade de crateras. Geralmente, você tem duas opções. Uma delas é conectar um microfone diretamente na câmera para que o áudio seja gravado diretamente no arquivo principal. As pessoas geralmente fazem isso com microfones de lapela porque eles podem ser conectados diretamente à maioria das câmeras. E a outra opção é gravar em um gravador de áudio externo e depois sincronizar seu áudio, vídeo e postagem. Agora, existem muitas marcas de gravadores de áudio por aí. Um dos mais famosos é o Zoom. Eu uso o Zoom H5, mas eles têm uma variedade de produtos para diferentes orçamentos. Você também pode gravar seu áudio diretamente no seu computador, conectando um microfone USB a ele ou usando uma interface de áudio e, em seguida, no software, e você pode usar um software gratuito como o Audacity para gravar e processar o áudio. Meu fluxo de trabalho no início era gravar meu áudio no meu Zoom H5 processar o arquivo de áudio no audacity e depois sincronizá-lo com meu vídeo no meu software de edição de vídeo. Agora que sei como pós-processar meu áudio um pouco melhor, faço tudo no meu software de edição de vídeo. Mas no começo, aprendi a fazer tudo isso no Audacity. Agora, como produtor de vídeo iniciante, há três coisas sobre seu áudio que você deve conhecer. O primeiro é o volume ou o volume. Portanto, seu áudio deve ser alto o suficiente para seus espectadores, mas nunca deve ser gravado. O que é recorte? Vamos entrar nisso. A segunda é que eco ou reverberação não devem ser muito eco e seu eco de áudio acabará com a experiência do espectador. E isso dificultará que seu espectador se concentre no que você está dizendo. E o terceiro é o ruído. ruído de fundo pode distrair muito seus espectadores. E se for demais, seu público não conseguirá se concentrar no que você está dizendo. Então, vamos falar primeiro sobre volume. O volume é medido em decibéis indicados por db, e esses são sempre valores negativos. Então -12 menos seis menos três, etc. E a suposição é que qualquer coisa acima zero é recorte ou ruído branco. Portanto, é muito importante que seu áudio nunca fique acima de zero. Se isso acontecer, seu áudio começará a ser gravado e soará muito mal. E a maneira como você controla o volume é controlando o registrador de ganho. Você verá um botão de ganho. Seu software também terá alguns recursos para controlar o ganho de largura, e o ganho basicamente controla o volume ou a intensidade do áudio. Hora. Para uma dica profissional aqui, sempre que você estiver gravando seu áudio, é melhor gravá-lo entre -12 e -6 db. Tente não ultrapassar -3 db para ter alguma margem de manobra. Às vezes, sua voz pode ficar um pouco mais alta. Ninguém fala no mesmo volume o tempo todo. E depois de terminar de gravar, você sempre pode adicionar mais ganhos ao seu áudio e aumentar o volume e a postagem. Então, vamos agora seguir em frente e falar sobre como pós-processar seu áudio depois de terminar de gravá-lo, como eu disse anteriormente, usaremos o Audacity para isso mais tarde. Você pode fazer isso em seu software de edição de vídeo ou em um Adobe Audition se não se importar em gastar mais dinheiro. Por enquanto, vamos nos limitar à liberdade. E como somos iniciantes e queremos fazer isso rapidamente, usaremos apenas um processo de duas etapas: amplificar e reduzir o ruído. Posteriormente, você pode adicionar mais processos a isso, como compressores e limitadores. Mas, por enquanto, vamos manter as coisas simples. Com amplificação. Vamos aumentar o volume do nosso áudio. Lembre-se de que o mantivemos em torno de menos seis dB. Agora, queremos usar toda a gama de volume disponível para nós. E em nosso Udacity é muito fácil. Você só precisa acessar o painel de efeitos e o volume. Agora, depois de terminarmos com a amplificação, vamos aplicar nossa redução de ruído. Agora, a maneira de fazer isso no Audacity é fornecer ao Audacity uma amostra do ruído de sua sala. Isso é chamado de perfil de ruído. Então, quando você está gravando, precisa de alguns segundos. Eu faço cerca de 5 segundos em que você fica em silêncio e só há ruído de fundo. Ou o udacity pode usar esse perfil de ruído para reduzir o ruído em seu áudio, é muito fácil de fazer. Você só precisa selecionar essa parte do seu áudio em que você ficou em silêncio. Eu como o perfil de ruído , entro em efeitos e redução de ruído e clico em Obter perfil de ruído ou udacity registrará esse perfil de ruído. Em seguida, você volta e seleciona todo o seu áudio. E mais uma vez, vamos efetuar a redução de ruído. Agora, aqui você pode definir o quão agressivo você deseja que a redução de ruído seja. Não exagere se quiser fazer com que seu áudio soe muito estranho e processado. E então, quando estiver satisfeito com tudo, basta clicar. Ok, agora vamos ver quanta diferença essa amplificação e redução de ruído fizeram. Então é assim que o áudio soa diretamente do gravador, e é assim que soa após a amplificação e a redução de ruído. E você pode ouvir quanta diferença apenas a amplificação básica e a redução de ruído fazem. Antes, meu áudio soava muito monótono e o volume estava muito baixo. Mas depois de fazer isso, meu áudio soa muito mais completo e limpo. Agora, obviamente, há muito mais que você pode fazer com seu áudio. Mas acabei de ensinar essas etapas porque, como criadores de conteúdo, queremos tentar acelerar as coisas, tornar tudo rápido e curto. Mas se você não se importar com um pouco mais de esforço, você pode usar ferramentas como um equalizador para ajustar os agudos e graves e seu áudio aqui à esquerda é a extremidade inferior ou as frequências básicas. À direita estão as frequências agudas mais altas. Tudo no meio é médio. Você pode brincar com eles para melhorar o som do seu áudio. Então você tem compressores, que são apenas a faixa dinâmica do seu áudio e o tornam mais completo. Você pode usar minhas configurações de compressor aqui para seu áudio se estiver fazendo dublagens, se tiver um cenário muito específico, quiser usar um compressor e é melhor assistir a alguns tutoriais sobre como usá-los. Depois, há limitadores que você pode usar para aumentar seu ganho ou volume, mantendo um limite no volume máximo. E um limitador garantirá que seu áudio nunca seja gravado. Essa é a aparência do meu limitador no Final Cut Pro, e ele literalmente mostra você em amarelo toda vez que o áudio era cortado, mas o limitador entrou em ação. Mas, novamente, você não quer exagerar no limitador, caso contrário, isso pode deixar seu som um pouco desequilibrado. Então, se você quiser fazer isso rapidamente do que apenas amplificar e reduzir o ruído para a maioria das pessoas, esse será um processamento suficiente para tornar seu som de áudio à altura. Mas se você quiser esforçar mais e tornar seu som de áudio melhor do que o dele pesquise compressores, equalizadores e limitadores. Eles vão te dar muito mais controle sobre como você soa em seu vídeo. Em nossa próxima aula, falaremos sobre os fundamentos do B-roll. O que é B-roll, você pergunta , bem, você terá que ir para a próxima aula para descobrir. vejo lá. 15. Noções básicas do B-Roll: Nesta aula, falaremos sobre o B-roll, sua importância e como usá-lo para adicionar perspectivas interessantes aos seus vídeos. B-roll é muito importante se você é um blogueiro que quer mostrar algo interessante para seus espectadores ou revisor que deseja mostrar um produto de pontos de vista interessantes. E usar o B-roll torna os vídeos dela mais interessantes e envolventes porque seu espectador não precisa ficar olhando para seu rosto o tempo todo. Agora, não estou dizendo que você não é bonita o suficiente, mas isso pode ser um pouco chato para os espectadores. Mas se você usa o B-Roll, isso pode levar a uma melhor retenção de público pois seu espectador pode ver mais do que você está falando e também ter uma perspectiva interessante sobre as coisas. E, às vezes, o B-roll é absolutamente essencial para transmitir as informações que você está tentando transmitir. Mas antes de tudo, por que o chamamos de B-roll? Mas como a sequência da cabeça falante que você está assistindo agora, é conhecida como flecha, e então todo o resto se torna B-roll. Então, neste projeto, esta é a seta onde eu estou falando com a câmera. E esse é o B-roll em que mostro diferentes fotos do produto para que meu público possa entender melhor do que estou falando. Agora, existem vários tipos diferentes de gráficos de agências que você pode usar. Vamos falar sobre alguns deles. Tão simples. Uma é a caneta, onde a câmera está girando da esquerda para a direita ou da direita para a esquerda. Para isso, normalmente usará uma cabeça de fluido que se parece com esta. Ele foi projetado para que uma câmera seja montada nela e permite que você obtenha movimentos muito suaves. Depois, há a inclinação, em que a câmera está inclinada de cima para baixo ou de baixo para cima. Novamente, usamos um fluido para isso. Então, aqui está algo um pouco mais avançado. Este é um slide para o qual usamos um controle deslizante. E usando um controle deslizante, você pode ir de um lado para o outro ou de trás para frente. E essas fotos deslizantes podem ser muito úteis para tornar um short chato mais dramático e cinematográfico. Um pouco de movimento ajuda muito a mudar a aparência da foto e, em seguida, avançar para um território ainda mais avançado. Aqui está uma das minhas paradas favoritas de todos os tempos. Isso é chamado de arco curto ou paralaxe curto. Acabamos de começar montando a cabeça de fluido em um controle deslizante. Portanto, oferece a capacidade de deslizar inclinar e inclinar ao mesmo tempo. É preciso um pouco de prática para ficar bom nisso, porque você precisa deslizar e girar ao mesmo tempo mantendo o objeto no centro da moldura. Mas quando bem feito, esse curta é extremamente dramático e parece muito impressionante. Depois, temos outro tipo de foto que eu realmente amo e uso o tempo todo. Este é um gráfico de sobrecarga. Eu chamo isso de foto de cima para baixo, em que a câmera é montada acima e olhando para uma mesa ou bancada. E acho que essa perspectiva é especialmente útil para vídeos de produtos, vídeos de culinária são vídeos de instruções engenhosos. Isso dá ao espectador uma visão muito clara e detalhada do que você está fazendo e do que está falando. Está na hora de mais uma dica profissional aqui. Portanto, ao fazer essas fotos aéreas, nivele o aplicativo em seu telefone para garantir que a câmera esteja olhando diretamente para baixo. Isso é para garantir que sua perspectiva seja boa. Caso contrário, qualquer coisa com uma borda reta começará a parecer torta e distorcida. Existem muitos outros tipos diferentes de diagramas de agências que você pode usar demais para cobrir em uma aula. Então, eu sugiro que você acesse a Internet e faça uma pesquisa melhor, encontre alguns tutoriais e aprenda como obter um bom B-roll. Mas, como nota final, ao gravar seu B-roll, tente torná-lo interessante com iluminação diferente. Algumas pessoas usam luzes RGB e também avisos e texturas diferentes. Lembre-se também de que, ao gravar seus vídeos, não exagere na cinemática. Muitas cenas cinematográficas e de beleza distraem depois algum tempo e, às vezes, também diminuem a história do vídeo. A história realmente importa. Você realmente não pode substituir a cinemática de mercadorias pela história, mas também não desfazer a cinemática. Eles fazem uma grande diferença. E quando feito da maneira certa, B-roll cinematográfico pode adicionar perspectivas interessantes ao seu vídeo e aumentar seu valor de produção. Na próxima aula, começaremos a falar sobre edição de vídeo e especificamente, qual software de edição de vídeo você pode usar. vejo então. 16. Software de edição de vídeo: Então, espero que agora você tenha todas as suas imagens de vídeo e áudio gravados. E agora você quer colocar tudo em um software de edição de vídeo para montar tudo. Mas seja qual for o editor que você escolher, todos eles terão os seguintes recursos ou cronograma. Isso é basicamente a espinha dorsal, é a base do seu vídeo. Durante a edição, você verá todo o seu projeto nesta linha do tempo. Você pode cortar e emendar o vídeo da maneira que quiser. E você pode colocar filmagens, imagens , textos e sons onde quiser. E a maioria dos softwares de edição de vídeo modernos também permite empilhar camadas umas sobre as outras. Depois, há os quadros-chave. Com os quadros-chave, você pode selecionar qualquer ponto ou pontos diferentes em seu vídeo e, em seguida, alterar as propriedades do objeto entre esses quadros-chave. Por exemplo, eu posso adicionar um quadro-chave aqui e outro aqui. E então eu posso adicionar um efeito de zoom entre esses dois quadros-chave. Ou posso alterar a opacidade e fazer meu vídeo ficar preto. O céu é o limite com eles, há muitas coisas que você pode fazer com quadros-chave. Depois, há transições que permitem adicionar uma transição entre dois clipes, o que é essencialmente um efeito sofisticado que mudará a cena de um clipe para outro. Os títulos permitem que você adicione todos os tipos de elementos de texto em seu vídeo. Depois, você pode adicionar gráficos e animações interessantes aos seus vídeos para torná-los mais interessantes e envolventes. Temos uma dica profissional aqui. Reserve algum tempo para encontrar fontes, gráficos e sons interessantes para seus vídeos. Todas essas coisas adicionarão mais riqueza ao seu conteúdo. Você também pode instalar alguns plug-ins muito úteis de sites como motion vfx.com e pixel film studios. Agora, a edição de vídeo por si só é um assunto muito profundo. Não vou te ensinar como editar vídeos ou como usar seu software de edição de vídeo, porque não sei qual software você usará. Cada software é diferente, mas tentarei fornecer algumas informações importantes sobre os diferentes softwares de edição de vídeo. Então, espero que você possa tomar uma decisão melhor sobre qual software é mais adequado para você. E na próxima aula, vou compartilhar algumas dicas de edição de vídeo com vocês para ajudar vocês a melhorar seus vídeos. Vamos falar sobre alguns dos softwares de edição de vídeo mais populares do mercado. Existem três em particular, que são os mais populares. O primeiro e sem dúvida o mais popular é o Adobe Premiere Pro, que você pode executar no Windows e no Mac. E é amplamente usado na indústria por profissionais porque não está restrito aos ecossistemas Windows ou Mac e, devido a todos os recursos avançados que oferece aos profissionais, Adobe Premiere Pro é uma assinatura mensal. Você não pode acreditar que ele explodiu. Então, essa é uma decisão financeira que você terá que tomar se quiser usá-la. Mas sua maior vantagem é que Adobe Premiere Pro é amplamente usado e reconhecido no setor pois aprender a usá-lo pode ser uma habilidade muito valiosa e transferível. Depois, temos a resolução de Da Vinci pela magia negra, que realmente teve um aumento de popularidade nos últimos anos, especialmente por causa da magia negra. econômico para câmeras k e seis k Inicialmente, o econômico para câmeras k e seis k era visto mais como uma ferramenta de gradação e correção de cores, mas cada vez mais, as pessoas a usam como um balcão único para tudo, desde gradação de cores até edição de vídeo. Novamente, o DaVinci Resolve funciona tanto no Windows quanto no Mac, mas, na minha opinião, é um dos softwares mais difíceis aprender a usar porque está repleto recursos e funcionalidades avançadas. Há uma versão gratuita disponível para download, mas se você quiser o estúdio completo, ela custa cerca de $295. Mas o bom é que é uma assinatura única e não mensal. Agora, o terceiro que eu uso para minha produção de vídeo é o Final Cut Pro da Apple, que é conhecido por sua facilidade de uso. É mais fácil de aprender do que os outros dois e também é muito eficiente e rápido por causa de sua otimização com software e hardware da Apple. Na minha experiência, a renderização leva menos tempo e funciona com muito mais facilidade do que o Adobe Premiere. A desvantagem óbvia aqui é que o Final Cut Pro está bloqueado no ecossistema da Apple, então você precisará de um Mac para executá-lo. O Final Cut Pro custa cerca de 300 dólares na Apple Store para comprá-lo. Mas, novamente, essa é uma despesa única. Depois, há alguns outros softwares de edição de vídeo , como o Sony Vegas Pro, que poucas pessoas usam atualmente. Se você entrar em um território mais amador para iniciantes do que para iniciantes, preencher mais e se sentir mais profissional também são preencher mais e se sentir mais profissional também são bons se você quiser mergulhar no mundo da edição de vídeo. Portanto, além desses softwares de edição de vídeo baseados em computador , também há várias opções para telefones e tablets. E sim, você pode editar totalmente um vídeo em um telefone ou tablet atualmente. Aqui estão algumas opções para Android e iOS que eu já vi. Para iPhones e iPads, luma fusion é muito bom, mas custa cerca de 30 dólares no Android Fillmore. Um objetivo, Adobe Premiere Rush, nosso mestre gentil diretor. Resumindo. Existem algumas opções, mas reserve um tempo para pensar sobre qual opção é melhor para você. Porque se você vai investir tanta energia para aprender a usar um software , é melhor escolher um software que você continuará usando a longo prazo e também um que ofereça habilidades valiosas e transferíveis. Portanto, este foi um resumo dos diferentes softwares de edição de vídeo disponíveis. E também que tipo de funcionalidade você pode esperar da maioria dos softwares de edição de vídeo disponíveis no mercado. Vou terminar essa aula aqui e na próxima, vou compartilhar algumas dicas de edição de vídeo com vocês. E essas são as coisas que eu aprendi ao longo dos anos. Nos vemos na próxima aula. 17. Dicas de edição de vídeo: Agora que temos uma compreensão básica do software de edição de vídeo e dos diferentes ecossistemas existentes. Nesta aula, vou compartilhar algumas dicas de edição de vídeo com vocês e a dica número um ou clipe número um é não exagerar. Porque lembre-se de que, nas mídias sociais, você precisa ser capaz produzir conteúdo com muita regularidade e consistência. Se você exagerar no processo de edição de vídeo, poderá colocar seus vídeos. Feito é melhor do que perfeito. Isso é algo que eu aprendi com Casey. É bom que seja minucioso com sua edição, mas não exagere. dica número dois é que você precisa ter um processo. Realmente ajuda ter uma rotina para sua edição. Meu próprio processo consiste basicamente em três etapas. etapa número um é o que eu chamo de edição básica, em que eu pego meu arquivo raw não editado, o recorto, removo todos os erros e obtenho o esqueleto básico. A base do meu vídeo está pronta? Em seguida, o segundo passo é o B-roll e a correção de cores. É aqui que eu começo a colocar todo o B-roll onde ele precisa estar. E eu também costumo fazer toda a correção de cores que preciso fazer durante essa fase. E a etapa número três é terminar onde eu verifico se tudo está onde precisa estar. Talvez eu precise de uma animação de texto em algum lugar. Talvez eu queira alguns efeitos sonoros em algum lugar. E também verificarei meus brancos e tons de pele durante esse processo. Depois da etapa três, geralmente tudo o que resta a fazer é verificar o vídeo inteiro algumas vezes para garantir que não haja erros ou erros factuais. O número três é usado. Cortes de salto. Os cortes rápidos são uma boa maneira de controlar o ritmo do seu vídeo. Geralmente, nas mídias sociais, você precisa se certificar de que o ritmo dos seus vídeos está correto. Se seu vídeo for muito lento, as pessoas podem se distrair. Portanto, cortes de salto são uma boa maneira de remover os braços e os sons altos de respiração. Mas não exagere , pois muitos cortes podem distrair os colegas. Para fazer com que seu salto seja cortado e menos chocante. Você pode adicionar um efeito de zoom aos seus cortes de salto. Aqui você pode ver a diferença. Este é um ferro-velho de avião e isso é um salto com o Zoom. E temos outro protótipo aqui. O melhor tipo de corte de salto é o que é conhecido como Jacob. Jacob é quando o áudio do segundo clipe começa uma fração de segundo antes da mudança do vídeo. Jacob, por causa da forma como os clipes estão organizados, parece um J, mas geralmente é aceito que cortes em J são muito menos chocantes do que apenas uma simples carta de salto. Essa é a sensação de um corte de avião, e é assim que Jacob se sente. Da próxima vez que você estiver assistindo seu YouTuber favorito. Observe onde eles estão usando esses cartões J. Depois de saber o que são jaquetas, você começará a vê-las em todos os lugares. Dica número quatro. Não abuse das transições. Vejo muitos novos criadores de conteúdo usando excessivamente suas transições. No começo, eu seria do mesmo jeito. Todos os outros efeitos de desfoque de zoom radial de cabeçalho curto estão acontecendo. Mas se você olhar para profissionais, eles raramente usam transições. Quando foi a última vez que você viu uma transição em um filme, programa de TV ou documentário, use as transições com moderação e deliberação. É o número cinco. Sempre apague os sons. Isso é mais uma irritação minha. Vejo muitos YouTubers adicionando, por exemplo, um pouco de música ao intraoperatório interrompem abruptamente. Parece muito chocante e faz com que seu vídeo pareça muito difícil. Então, sempre que você ouvir um som que vai ser interrompido, simplesmente o apague. Aqui. Número seis. Ah, e esse é um grande problema. Sempre use atalhos de teclado, seja qual for o software de edição de vídeo que você escolher, sempre vale a pena aprender atalhos de teclado e adicionar seus próprios atalhos de teclado tornar seu processo de edição de vídeo muito, muito mais rápido, especialmente quando a memória muscular entrar em ação. O número sete e outro grande problema é assistir muitos tutoriais do seu software de edição de vídeo. Você ficaria surpreso com o quanto você pode aprender online atualmente. Quero dizer, você está assistindo este curso no Skillshare. Eu mesmo aprendi tudo com tutoriais e, seja qual for o seu problema, é provável que alguém tenha tido o mesmo problema ou muito parecido e decidido escrever sobre ele ou fazer um vídeo sobre ele. Então, sim, assista aos tutoriais. E a dica número oito, que é minha última, é praticar, praticar, praticar. Quanto mais você praticar, melhor será seu trabalho e mais rápido você entregará projetos. Então, essas são algumas dicas que, esperançosamente, ajudarão você a aprender melhor a edição de vídeo. Na próxima aula, falaremos sobre os conceitos básicos de correção de cores. Nos vemos lá. 18. Noções básicas de correção de cores: Tudo bem, pessoal. Então, agora é hora de falar sobre correção e gradação de cores. E, como criador de conteúdo de vídeo, você deve ter pelo menos uma compreensão básica das ferramentas à sua disposição. Nesta aula, mostrarei meu processo, como faço isso como criador de conteúdo diário. E você pode escolher quanto disso deseja seguir. Se quiser fazer tudo ou nada, espero que esta aula lhe dê uma compreensão básica do que é correção de cores. Agora, a primeira coisa sobre a correção de cores é o que falamos em nossas aulas sobre exposição e balanço de branco. É muito importante ter uma boa chance para começar. Então, a primeira coisa é, claro, o balanço de branco. Se você definir o balanço de branco corretamente na câmera, correção e a gradação de cores serão muito mais fáceis para você. Mas se você está começando com um azul frio ou amarelo quente, você teria que corrigir isso e postar. E, a propósito, isso nem sempre é possível. Mas se suas cores estiverem um pouco erradas ou puderem ser corrigidas na postagem, é aí que entram a correção e a gradação de cores. Então, qual é a diferença entre correção de cores e gradação de cores? Simplificando, a correção de cores é feita para corrigir as cores na foto e fazê-las parecer reais ou para trazê-las a uma aparência básica e não editada. A gradação de cores, por outro lado, é mais uma escolha estilística. Portanto, em filmes ou vídeos do YouTube, você pode ver um certo estilo de cor. laranja azul-petróleo é um look muito famoso. Se você já viu The Matrix, então você se lembrará de que quando nu está na matriz, tudo tem um tom verde. Tudo isso é um grau de cor. Se você estiver interessado na gradação de cores, recomendo que você pesquise on-line e saiba mais. Há muito o que aprender lá. Mas no meu vídeo, como faço avaliações de produtos, tentei fazer com que meus vídeos fossem reais. Olha, eu quero que meus espectadores vejam o que eu estou vendo, exatamente como é na vida real. Então, nesta aula, falaremos principalmente sobre correção de cores. Portanto, meu primeiro passo para a correção de cores é verificar a exposição e ajustar. Se eu precisar, uso este gráfico de forma de onda LUMO, que mostra os níveis de luz em sua imagem da esquerda para a direita na parte superior Nossos destaques são as áreas claras e brancas nos tons médios ou médios. Tudo entre os destaques e as sombras. E na parte inferior, aqui estão as partes escuras da sua imagem ou as sombras. Se os destaques ficarem acima de 100, eles começarão a ficar apagados e ficarão totalmente brancos e sua imagem ficará superexposta. Se suas sombras ficarem abaixo de zero, elas serão esmagadas e ficarão pretas. Novamente, você perde informações e, desta vez, a foto ficará subexposta. Portanto, você pode usar este gráfico de forma de onda luma para ficar de olho na sua exposição e ajustá-lo por meio da guia Exposição. E temos um produto aqui, mantenha seus destaques de 75 a 95% e suas sombras de 10 a 6%. Eu geralmente não fico abaixo de 6%. Isso só faz meu vídeo parecer muito estranho e sombrio. Obviamente, essa não é uma regra rígida e rápida. É apenas algo que eu prefiro. Além disso, lembre-se de que você precisa ter a exposição correta na câmera quando o vídeo é gravado e, se estiver superexposto ou subexposto, geralmente não há muito que você possa fazer na postagem porque esses dados simplesmente sumiram. É ruído branco ou apenas sombras negras esmagadas. Depois da exposição, a segunda coisa que verifico é o balanço de branco. Agora, a maioria de vocês provavelmente definiu o balanço de branco, para começar. Mas mesmo que você esteja fazendo isso várias vezes no post, você começou a perceber que ainda precisa de um pequeno ajuste e há coisas que você pode fazer e postar, por exemplo , a mais curta ainda parece um pouco legal. Uma maneira muito básica de corrigir isso é usar as configurações de matiz e tirar um pouco do azul do curto para o global, onde você pode ser seletivo sobre se deseja que essa cor seja retirada dos destaques ou se os tons médios sejam as sombras. A propósito, estou trabalhando no Final Cut Pro aqui. Agora você vai ajustar isso apenas jogando com nossos olhos. Mas há uma ferramenta específica que você pode usar para ajustar a largura do balanço de branco, que é o RGB Parade. Esse gráfico mostra basicamente como as três cores, vermelho, verde e azul, são balanceadas em uma imagem. Então, o que eu vou fazer é colocar uma máscara aqui nesta área branca para isolá-la. Agora, esse período RGB me diz qual cor de vermelho, verde e azul é mais dominante. E meu branco. E posso então começar a retirá-lo na minha guia Hue ou no Final Cut Pro Temos essas rodas de cores que me permitem ajustar o equilíbrio de branco para garantir que meus brancos sejam brancos. Agora eu não quero complicar demais esse curso, especialmente para iniciantes. Mas se você quiser acertar seu balanço de branco, você precisa aprender a usar um RGB Parade. Agora, quando termino a exposição e o balanço de branco, costumo verificar meus tons de pele. É aqui que criadores de conteúdo ainda mais avançados erram. É uma coisa muito sutil, mas confie em mim, se seus tons de pele forem precisos, acredito que isso faz com que todo o vídeo dela pareça um pouco mais polido, um pouco mais profissional, e as cores pareçam certas, e é muito fácil de fazer. Então, colocamos uma máscara no meu rosto aqui e, isolada, usarei uma ferramenta chamada escopo vetorial, que basicamente mostra quais cores estão presentes na sua imagem. Mas o que estamos procurando aqui é essa linha, essa é a linha do tom de pele. E todos os tons de pele humanos sempre se enquadram nessa linha. Qualquer coisa abaixo disso terá uma tonalidade verde e qualquer coisa acima dessa linha fará com que você pareça vermelho e queimado de sol. Aqui você pode ver que meu tom de pele é um pouco verde. Então, como podemos ajustá-lo para isso? Vamos usar curvas de saturação de matiz, que basicamente permitem selecionar qualquer cor e alterar sua tonalidade ou saturação. Nesse caso, estamos interessados apenas em mudar a tonalidade. Então, vou pegar esse conta-gotas da curva Hue vs Hue. Vou selecionar a cor da minha pele com o conta-gotas. Posso ajustar essa cor para garantir que ela caia na linha do tom de pele. E agora você pode ver que meu rosto aqui está muito mais natural. Agora que meus tons de pele estão classificados no final, acabei de verificar a saturação. A saturação significa basicamente o quão vibrantes são as cores. Portanto, quanto maior a saturação das cores se destacará. Mas, além de um certo ponto, as cores parecerão muito duras e chocantes. Você se lembra que falamos sobre o uso perfis de imagem dessaturados e suas câmeras. Isso porque, agora imposta, podemos escolher quanta saturação queremos. Algumas pessoas preferem mais saturação e outras têm um estilo e uma estética mais dessaturados. Na verdade, tenho uma dica profissional aqui para quem quer um campo mais cinematográfico, diminua um pouco a saturação. Vídeos altamente saturados tendem a parecer muito digitais; vários, com aparência um pouco dessaturada, podem fazer com que seu vídeo pareça mais parecido com um filme. Agora, como acontece com tudo na produção de vídeo, correção de cores também é um campo muito vasto. Mas, como criadores de conteúdo, recomendo que você mantenha seus processos relativamente curtos. Você pode usar todas essas ferramentas, não é nenhuma delas, você decide. Mas agora vamos seguir em frente e falar sobre alguns conceitos mais avançados sobre cores. E isso é mais para fornecer um roteiro para o futuro. E a primeira delas é Let's ou Lookup Tables. E vou ser breve aqui. Mas as tabelas de pesquisa são usadas principalmente para converter cores de registro em perfis cores padrão, como rec seven ou nine. Mas muitos também são usados para estilizar o vídeo. Então, lembre-se do exemplo sobre Neo in the Matrix e como tudo tinha uma tonalidade verde. Tudo isso é feito com o almoço. Então, você começa com a imagem básica e depois aplica muito para obter uma grade de cores estilizada exclusiva. Vamos também ser um conceito importante que aprenderemos se você quiser levar seu jogo a um nível mais alto. Mas é claro que esse é um curso para iniciantes. Eu não quero complicar demais as coisas para você, mas se você quiser usar algumas ferramentas mais avançadas para gerenciar sua exposição, então você pode usar curvas de cores. As curvas de cores oferecem mais controle sobre sua imagem. E você pode selecionar todas as áreas específicas da imagem e alterar a exposição. E essas curvas também proporcionam um melhor realce. Há muitas ferramentas diferentes que você pode aprender quando se trata correção e gradação de cores. Mas espero que esta aula lhe dê uma ideia do tipo de processo que você pode usar para melhorar a aparência de seus vídeos. E espero que você possa aproveitar esse conhecimento à medida que aprende mais sobre produção de vídeo. Na próxima aula, falaremos sobre renderizar e publicar seus vídeos. 19. Renderização e publicação: Então, agora estamos nos estágios finais de produção do nosso vídeo. Esta é a última etapa do nosso processo de pós-produção, e tudo o que resta a fazer é finalmente renderizar e publicar seu protótipo de vídeo aqui A maioria das plataformas de vídeo on-line atualmente prefere o formato H dot two C64 para uploads porque é muito compactado e produz arquivos menores. Mas, como é altamente compactado, é muito trabalhoso para renderizá-lo no computador. Portanto, a principal coisa a ter em mente sobre renderização é que ela leva tempo, especialmente se você estiver trabalhando em um projeto de alto risco , como um fork, um vídeo e, ainda mais, se você tiver muitos efeitos e graus de cores nele. Então, obviamente, a rapidez com que seu vídeo é renderizado depende da potência do seu computador. Portanto, vale a pena dedicar algum tempo criando um fluxo de trabalho de produção para que você não precise renderizar e renderizar novamente seu vídeo várias vezes com meu laptop anterior, meu projeto final, mesmo no Final Cut Pro, ou levar de meia hora a 45 minutos para renderizar. Então, cada erro custou muito caro, mesmo com meu robusto estúdio mac. Agora, alguns projetos podem levar 15 a 20 minutos para renderizar um arquivo final. Agora, assim que tivermos um arquivo final renderizado, vamos fazer o upload. E é aí que entram as miniaturas e otimização de mecanismos de pesquisa. Vamos falar primeiro sobre as miniaturas. As miniaturas são muito importantes como o primeiro ponto de contato entre você e seu espectador. Por isso, é importante ter uma miniatura atraente que receba cliques. Não há uma ciência definida sobre o que constitui uma boa miniatura. Cada criador tem uma abordagem diferente, mas seja muito cuidadoso com suas miniaturas. O erro que cometi inicialmente com meu canal do YouTube foi que todas as minhas miniaturas foram uma reflexão tardia. Era só que meu vídeo estava pronto e eu tive que fazer algo e simplesmente colocá-lo. Foi como uma coisa de última hora. E então, com o tempo, percebi que as miniaturas são muito, muito importantes. Eu vi um vídeo em que Marcus Brown Lee disse que é como um parque de diversões muito bom. Se a placa for péssima, ninguém vai entrar. Então, acho que vale a pena pensar sobre o tipo de miniatura que você deseja para seu conteúdo e também pesquisar que tipo de miniatura funciona em seu nicho de conteúdo. Acho que devemos ter em mente que as miniaturas geralmente são muito pequenas quando as pessoas as veem em uma lista ou em seus telefones. As miniaturas devem ser projetadas para transmitir informações mesmo quando elas são pequenas. Muitas pessoas preferem ter rostos e suas miniaturas porque, supostamente o algoritmo do YouTube prefere miniaturas com rostos e ter um rosto e sua miniatura também personalizam o conteúdo. Lembre-se de que muitas pessoas preferem o YouTube e as mídias sociais por causa do aspecto não corporativo orientado pela personalidade. Depois da miniatura, geralmente há um título e uma descrição ou legenda para o vídeo. Novamente, não há uma ciência definida aqui, mas geralmente a descrição ajuda a atrair o espectador e também influencia o algoritmo de qualquer plataforma de mídia social em que você esteja. Portanto, geralmente é aceito que você deseja ter alguns termos de pesquisa incorporados em seu título e descrição muitas plataformas também permitem adicionar tags. Esses são termos de pesquisa com os quais você deseja que seu conteúdo seja identificado. Agora, há muito debate sobre se essas tags funcionam ou não, mas acho que é uma boa prática ter pelo menos algumas tags para o mecanismo de pesquisa. Cada vez mais, também vemos vídeos com e legendas ocultas. E a crença geral é que eles ajudam o vídeo a ser indexado pelos mecanismos de pesquisa. Agora, uma vez feito tudo isso, o vídeo é carregado. Há uma miniatura, um título ou legenda, tags e tudo mais. Agora tudo o que resta é ir em frente e pressionar, Publicar. E agora seu vídeo está disponível para sempre. Parabéns. Você é oficialmente um criador de conteúdo, mas a história não para por aqui. Depois de publicar, é muito importante receber feedback sobre seus vídeos e acompanhar seu desempenho. Na próxima aula, falaremos sobre a importância da análise e como você pode usá-la para melhorar seu conteúdo ao longo do tempo. vejo então. 20. Importância do Analytics: Se você se lembrar da nossa primeira aula sobre a mentalidade de um criador de conteúdo, você se lembrará de que falamos sobre a importância da responsabilidade e da melhoria constante seu conteúdo ao longo do tempo. E isso é literalmente o que a análise, ou para o, oferece a capacidade de monitorar seu desempenho e ver se ele não é bom o suficiente. Eles o responsabilizam , pois você pode avaliar nosso próprio desempenho e ver tendências em seu desempenho. E eles fornecem feedback que você pode usar para melhorar seu conteúdo ao longo do tempo. E no contexto da produção de vídeo, há quatro métricas de suas análises que você deseja observar. Número de visualizações. Tempo de exibição , retenção de público e taxa de cliques. Com as visualizações ao longo do tempo, plataformas como o YouTube deixaram de usar apenas o ViewCount para avaliar a qualidade do seu vídeo. Isso era especialmente um problema com o clickbait, porque mesmo que alguém acessasse um vídeo e voltasse em um ou dois segundos, ele ainda seria contado. Mas agora se trata mais do tempo de exibição. O número de visualizações é amplamente considerado pelo público em geral, por empresas e empresas como uma métrica muito importante de quanto alcance você tem. Mas, no grande esquema das coisas, tempo de exibição agora se tornou mais importante porque tempo de exibição mostra por quanto tempo as pessoas estão assistindo seus vídeos. Para. A maioria das plataformas baseadas em vídeo deseja que você mantenha as pessoas em suas plataformas pelo maior tempo possível. E o tempo de exibição de qualquer vídeo é uma métrica muito melhor do que ViewCount de quantas pessoas estão interessadas em assistir seu vídeo, então temos a retenção de público, que também é de extrema importância como um ciclo de feedback direto para seu conteúdo. Parece esse gráfico e basicamente mostra duas coisas. Uma é que ela fornece uma porcentagem da retenção média de espectadores. Portanto, 40% de retenção de público significa que, em média, um espectador assiste 40% do seu vídeo antes de sair. Então, naturalmente, quanto maior for esse número, melhor será para o seu vídeo e mais agressivamente o algoritmo enviará ou sugerirá seu vídeo para outros espectadores. Mas a segunda informação ainda mais esclarecedora que esse gráfico fornece é que ele mostra momentos específicos do seu vídeo em que as pessoas estão pulando ou voltando para assistir novamente, que mais pessoas estão se divertindo, parece uma queda e em que as pessoas estão voltando para assistir novamente, geralmente parece um pico. E essa é uma informação muito valiosa para saber o que está funcionando e o que não está funcionando. Porque você quer fazer mais de onde está obtendo os picos e menos de onde está obtendo as dicas. Vou compartilhar alguns exemplos pessoais com você aqui. Então, antigamente, eu costumava ter uma mensagem de assinatura em cada um dos meus vídeos. E quando comecei a analisar a retenção do meu público, toda vez que essa mensagem de assinatura aparecia, eu via uma queda e retenção onde as pessoas estavam se recuperando. Então, parei de mostrar essa mensagem e tornei minha retenção de público um pouco melhor. O mesmo acontece com as introduções. Eu costumava ter essa introdução animada no início de cada vídeo. E logo percebi que muitas pessoas estavam se recuperando disso, então parei de fazer isso. Na verdade, vou resolver um vídeo do Sr. Beast em que ele estava falando sobre análise. E ele disse que todos deveriam voltar e verificar a retenção de público dos últimos 50 ou 100 vídeos. Anote todas as profundezas e pare de fazer as coisas que estamos fazendo as pessoas se recuperem dos vídeos. Portanto, faça mais do que faz sua retenção atingir o pico e menos do que faz com que sua retenção diminua. E a última métrica sobre a qual falaremos nesta aula é a taxa de cliques, que basicamente mostra como uma porcentagem de quantas vezes seu vídeo foi clicado quando apresentado na frente de um espectador em potencial. Essas são chamadas de impressões. Novamente, quanto maior for essa porcentagem, melhor será para o seu conteúdo. E sua taxa de cliques normalmente depende de vários fatores, como quão forte é seu gancho, quão atraentes são seu título e sua miniatura? É um tópico popular ou não? E quão leais são seus assinantes a você? Esse mundo de análise é uma profunda toca de coelho e você pode ir tão longe quanto quiser. Mas as quatro métricas sobre as quais falei nesta aula são as que mais me concentrei, elas são absolutamente essenciais para manter uma ilha. Então essa foi a última aula adequada neste curso. Na próxima, vou começar a encerrar as coisas e também falaremos sobre um projeto de aula. vejo então. 21. Projeto de curso e nota final: Até agora, analisamos muitos dos ingredientes essenciais necessários para a produção de vídeo como criador de conteúdo. Agora, obviamente, este curso não fará de você um grande produtor de vídeo desde o primeiro dia. Mas espero que tenha lhe dado o suficiente desse conhecimento básico ou daquela base a partir da qual você possa se desenvolver agora. Obviamente, nenhum curso jamais ensinará tudo o que você precisa saber. Você tem que voltar e pesquisar, praticar e cultivar suas habilidades ao longo do tempo. Mas acho que esse curso foi um bom resumo do que aprendi nos últimos anos como criador de conteúdo. E tentei fornecer a maioria das informações das quais acho que todo criador de conteúdo se beneficiaria quando estivesse apenas começando. E há um monte de coisas que são deliberadamente deixadas de fora desse curso porque eu queria que fosse fácil de entender e digerir por alguém que não tem experiência em produção de vídeo e está apenas começando. Então, eu realmente quero que vocês façam suas próprias pesquisas, encontrem tutoriais e pratiquem essa arte de produção de vídeo moderna para mídias sociais. Agora, já que estou terminando, há alguns pontos que quero que você sempre lembre. Uma abordagem de longo prazo. O Youtube ou qualquer outra plataforma de mídia social é uma maratona, não um sprint. E a melhoria constante deve ser seu objetivo. Refine suas habilidades com tutoriais on-line. Lembre-se sempre de que a prática leva à perfeição e tenha muito cuidado com questões de direitos autorais. Não use o conteúdo de outras pessoas sem permissão delas e não use músicas protegidas por direitos autorais. A maioria das plataformas de mídia social é muito, muito rígida sobre essas coisas. No YouTube, são necessários três avisos de direitos autorais para encerrar permanentemente seus canais. Então, são anos de sangue, suor e lágrimas que sumiram em um instante. Então esse foi nosso curso básico sobre produção de vídeo. Espero que você tenha aprendido algumas coisas que poderá construir sobre essa base. E isso vai te ajudar a começar sua jornada como produtor de vídeo. E agora há um projeto de aula que eu quero que vocês façam porque vocês podem me ver bicicleta o quanto quiserem, mas só aprenderão quando tentarem andar de bicicleta sozinhos. Quero que você produza um vídeo falante de si mesmo, no qual você se apresente e fale sobre qualquer coisa que lhe interesse. O vídeo deve seguir essas cinco regras. Você deve estar sentado e as câmeras não devem estar na sua mão. Isso é para que você possa seguir as outras quatro regras com facilidade. A exposição deve ser boa, você não deve ficar superexposto ou subexposto. Use o microfone externo que só sabe bordo. Mike está autorizado a usar qualquer número de luzes. O sistema de iluminação de três pontos que eu ensinei a vocês inclui pelo menos duas fotos de B-roll e seu vídeo. Além desses cinco, você pode seguir praticamente qualquer outro conceito que aprendeu neste curso e falar sobre isso no vídeo. Lembre-se, divirta-se com isso. E depois de terminar seu vídeo, você pode enviá-lo aqui para o resto da comunidade estudantil. E espero ver um conteúdo de vídeo maravilhoso de todos vocês no futuro. Então, isso vai ser o suficiente para este curso. Muito obrigado por fazer essa jornada comigo. Você pode me encontrar no YouTube, no meu canal principal, chamado Reviews Speaker. Você também pode me encontrar no Instagram. É a amígdala se desligando, e nos vemos na próxima vez. Paz.