Aprenda produção cinematográfica: do iniciante ao avançado

1. Apresentação: Câmera, luzes, sons e ação [RUÍDO]. Você quer se tornar um cineasta, dominar sua câmera e fazer os vídeos mais cinematográficos. Mas você não tem ideia por onde começar. Bem, você veio ao endereço certo porque aqui é a aula fundamental mais completa para cineastas iniciantes. As informações e segredos exatos que eles ensinam em escolas de cinema caras. Eu esqueci de me apresentar. Olá, sou Jordy. cerca de 10 anos, me formei na escola de cinema, e depois comecei minha carreira como cineasta e tenho um estúdio de cinema com o qual sempre sonhei. Compartilho minha paixão por meio de aulas on-line e um público de mais de dois milhões de inscritos no YouTube. No momento, estou muito empolgado em oferecer a vocês uma aula de cinema totalmente nova e atualizada para iniciantes. Vamos começar com o básico e assumir o controle manual de nossa câmera. Dessa forma, você pode tomar decisões criativas. Na segunda metade desta aula, exploraremos as regras de produção cinematográfica, como enquadramento, narrativa visual, B-roll e muito mais. Finalmente, no último capítulo, apresentarei algumas das ferramentas de câmera mais populares, como o tripé, o cardan e muito mais. Ao final da aula, você poderá gravar um vídeo inteiro com a aparência de um profissional. Isso porque você se tornará aquele cineasta profissional. Esta aula é organizada de uma forma que as escolas de cinema ensinariam. Isso significa que você aprenderá tudo, desde o básico, de uma forma muito estruturada para manter a experiência de aprendizado empolgante e envolvente. Durante toda a aula, se você não tiver dúvidas, basta colocá-las na discussão abaixo pois ficarei feliz em ajudá-lo. Eu realmente espero ver você na minha classe e começar essa nova jornada cinematográfica juntos. Estou super empolgada e espero que você também esteja. vejo de volta em um momento. 2. Introdução à câmera: [MÚSICA] Oh, olá. Bom dia. Você se inscreveu para a aula de cinema. Bem, posso dizer que estou super animado para começar essa jornada junto com você? Como responsável pela manutenção desta antiga unidade de armazenamento de equipamentos de câmera abandonada, já vi quase tudo. As primeiras câmeras que chegaram aqui tinham uma tira de filme real dentro. Então, quando a revolução digital chegou, toda essa sala de armazenamento estava cheia de câmeras digitais como essa. Você sabe o que então veio? [RUÍDO] As câmeras fotográficas, que tinham uma incrível funcionalidade de vídeo. É provável que você tenha um desses. Houve muitas mudanças desde que fazer filmes se tornou uma verdadeira profissão. Mas você sabe o que não mudou, a forma como fazemos vídeos. No final do dia, não importa o tipo de câmera que você está usando. Talvez você tenha uma dessas SLRs, ou talvez uma câmera digital maior, ou talvez esteja apenas usando seu telefone. Francamente, os telefones hoje em dia têm câmeras de vídeo muito boas. Tudo o que estou dizendo é que fazer filmes tem tudo a ver com a pessoa por trás da câmera e não com a câmera em si. Uma câmera melhor não fará de você um cineasta melhor. A teoria e as regras artísticas da narrativa visual, por outro lado, o farão. Agora, temos que escolher um tipo de câmera como demonstração ao longo desta aula. Trabalharemos com a Panasonic Lumix GH5, uma câmera SLR muito popular. Consiste em um corpo, o cérebro e o sensor e uma lente, que converterá a luz que captura em uma imagem. Cada câmera tem essas duas coisas, um corpo e uma lente. Às vezes, a lente é fixada no corpo. Isso significa que você não pode trocar a lente. Agora, na maioria das câmeras fotográficas, temos a capacidade de tirar a lente, que significa que podemos conectar outras lentes a ela, desde que elas caibam no corpo. Isso é chamado de montagem da lente. Cada marca tem seus próprios suportes. Isso é algo importante a ter em mente se você planeja comprar uma nova lente. Agora, coloquei essa câmera em um equipamento. Não é necessário, mas facilita algumas coisas. As plataformas são como conexões, como os Legos. Você os construiu do jeito que quiser. Não há regras para isso. Meu primeiro equipamento foi até mesmo algo que eu construí em uma garagem para economizar dinheiro, e funcionou muito bem. Consegui colocar minha câmera no meu ombro. Pensei em um contrapeso e onde montaríamos um monitor externo. Hoje, esse equipamento parece muito menor. Eu aprendi que uma plataforma grande nem sempre é tão útil. Gosto de manter as coisas compactas. Ao redor do GH5 há uma gaiola que me dá uma alça superior e permite que as hastes sejam conectadas. Na parte traseira, tenho uma bateria grande, que alimenta a câmera e o monitor externo. Às vezes, você pode comprar esses equipamentos como um pacote. Os fabricantes recomendarão algo, mas você também pode comprar peças de marcas diferentes e montar algo totalmente personalizado, como eu fiz. Essa é a coisa mais linda dessas plataformas. A maioria dessas conexões são padrões do setor. Como essas hastes, elas têm 15 milímetros de espessura. É o mesmo em todos os lugares. Agora, para esta classe, esse equipamento obviamente não é necessário. Eu só queria explicar isso para você porque, afinal de contas, você tem que olhar para a turma inteira, então você não precisa fazer perguntas estranhas. Agora, os cinegrafistas profissionais conhecem suas câmeras de dentro para fora, então eu recomendo abrir o menu da sua câmera e passar pelas diferentes configurações. Familiarize-se com sua câmera e não tenha medo de explorar. Sempre deve haver uma opção de redefinição em algum lugar, se você errar. De qualquer forma, não se preocupe muito. Vamos fazer isso juntos. Vamos segurar as mãos um do outro e torná-lo agradável e aconchegante. Estou tornando isso estranho de novo. Se você estiver preso em uma unidade de armazenamento como essa, não poderá conhecer muitas pessoas. Obrigado por assistir, e exploraremos a primeira configuração desse menu complicado na próxima lição. 3. A abertura: Há três configurações que controlam a exposição da sua câmera. A abertura, o ISO e a velocidade do obturador. Cada uma dessas configurações permitirá que mais ou menos luz seja capturada. A exposição em outras palavras. Quando você está começando, você provavelmente tem sua câmera configurada para os modos automáticos. Sua câmera alterará as configurações de abertura, ISO e velocidade do obturador automaticamente para capturar uma boa exposição. Isso parece uma coisa boa. Bem, não é. A arte de fazer filmes é assumir o controle dos cenários. Então, vamos colocar essa câmera nos modos manuais. Cada uma dessas configurações de exposição vem com um efeito colateral. É por isso que temos três configurações de exposição e não apenas uma. Cabe ao cineasta decidir quais efeitos colaterais você quer ver com mais destaque ou não. Vamos começar com a abertura, que na verdade é uma série de lâminas dentro da lente. As câmeras digitais controlam essas lâminas por meio de um mostrador no próprio corpo. Antigamente, esse era um anel físico que você tinha que virar na própria lente. Quando você abre a abertura, mais luz entra, mais exposição em outras palavras. Quando você fecha o anel, menos luz entra, o centro fica menos exposto. Eu acho que isso é bastante óbvio. A propósito, o sensor fica dentro do corpo da câmera, atrás da lente. Ao retirar a lente do corpo da câmera, você pode realmente ver o sensor. Está ali mesmo. Esse plano é o que captura a imagem que passa pela lente e a transforma em um vídeo digital. Agora, além de alterar a exposição, a abertura também altera a profundidade de campo. Esses são os efeitos colaterais. Como você provavelmente sabe, há um anel de foco na lente. Ao girá-lo, você pode colocar as coisas em primeiro plano, em foco ou em segundo plano. O resto ficará desfocado, embaçado. Novamente, você pode deixar sua câmera fazer isso automaticamente, o que não é o ideal, mas isso é para mais tarde nesta aula. Por enquanto, esse anel de foco é algo que você pode controlar. Você pode empurrá-lo para trás ou para frente. O que está em foco é chamado de campo de foco. Esse campo pode ser grande ou pequeno. Você tem duas pessoas em foco, mesmo que elas não estejam à mesma distância da câmera. Mas você também pode ter apenas um deles em foco, essencialmente o campo de foco fica maior ou menor. O tamanho desse campo de foco, que é a profundidade dos campos pode ser controlado com a abertura. Quanto mais você abre a abertura, menor a profundidade de campo. Em termos de produção cinematográfica, falamos sobre uma profundidade de campo rasa. Muitas vezes, considera-se que uma profundidade de campo rasa é mais cinematográfica, pois o fundo ficará mais desfocado. Agora, quando fechamos a abertura, menos luz entra pela lente, mas o campo de foco também se torna maior. Mais elementos estarão em foco, mas isso também afeta a aparência geral, daí os planos de fundo desfocados. Aqui estão as mesmas fotos em que temos o talento à mesma distância em relação à câmera. Um deles é filmado em uma abertura aberta e o outro em uma abertura fechada. Veja o que isso faz com o plano de fundo. A abertura é mais do que apenas uma configuração de exposição, é também uma escolha criativa. Você quer mais ou menos profundidade de campos? Como com todo o resto, abertura também é expressa em uma unidade. É chamado de f-stop. Às vezes, você verá esses valores na própria lente. Caso contrário, você provavelmente os verá na tela da sua câmera 2.8, 5.6, 8, 11. Esses são todos valores diferentes de F-stop. Quanto menor esse número, mais aberta será sua abertura. Quanto mais luz entra menor a profundidade do campo. Agora, quanto maior esse número, mais próxima é a abertura, menos luz entra e maior a profundidade do campo. Isso é, em poucas palavras, a abertura. Na próxima lição, exploraremos as configurações ISO. 4. Configurações ISO: Três configurações, a abertura, a velocidade do obturador e o ISO. Eles controlam a exposição, mas cada um deles também controla os efeitos colaterais. Para ISO, isso será ruído, o que o torna o controle de exposição mais fácil dos três. O ISO nada mais é do que um controle digital de brilho, veja isso como tornar uma imagem escura mais brilhante por meio de um simples controle deslizante. Infelizmente, isso gera ruído. Definitivamente, quando está muito escuro e o ISO precisa ser aumentado ao tirar uma foto com o telefone em ambientes com pouca luz, você também vê muito ruído. Normalmente, essas fotos não parecem muito boas. É a configuração de exposição automática seu telefone que está aumentando o ISO para melhor expô-lo. Com o vídeo, é o mesmo em uma cena escura, a exposição automática controlável aumenta o ISO, resultando em muito ruído em seu vídeo. Como cineasta, o que podemos fazer? Bem, antes de tudo, tente manter o ISO o mais baixo possível e expor melhor o sensor usando outras técnicas, como abrir a abertura ou alterar a velocidade do obturador, que veremos a seguir. aula. Mas você também pode tentar tornar seu ambiente mais claro usando luzes ou, se estiver gravando um filme depois, fique mais perto das luzes da festa, qualquer coisa que ajude a manter o ISO no mínimo. Agora, ao fotografar em ambientes claros como ao ar livre, durante um dia ensolarado , fique atento à configuração ISO. Já vi que aconteceu demais que aspirantes a cineastas ignorem esse cenário e na verdade, estejam filmando com um ISO muito alto. Eles têm muitos problemas para diminuir a exposição. O vídeo da entidade ficará muito barulhento. Tente criar o hábito de sempre verificar as três configurações de exposição cada mudança em seu ambiente quando você vai de dentro para fora ou vice-versa, verifique essas três configurações e não apenas uma deles. Agora, o que podemos fazer como cineastas? Nós apenas mantemos o ISO no mínimo o tempo todo? Bem, claro que não. Você vê que cada câmera é um pouco diferente. Algumas podem produzir um vídeo bem limpo em ISOs mais altos, enquanto outras câmeras produzem ruído muito rápido. É importante saber o que sua câmera pode suportar e qual é o ISO máximo que você deve usar. Se sua câmera for capaz de atingir um ISO de 128.000, isso não significa que você deva realmente usá-la, talvez 6.400 já seja um máximo aceitável. Quero que você descubra isso com sua própria câmera, mas no modo manual e grave alguns vídeos em diferentes configurações ISO. Veja você mesmo o que ainda é aceitável e em que ponto não é mais. Vamos dar uma olhada na velocidade do obturador na próxima lição e, em seguida, é hora de você fazer uma pausa rápida e praticar essas configurações. 5. velocidade do obturador: Acabei de receber um cliente aqui com essa câmera e ele me disse que não está mais funcionando. Eu pesquisei, fiz uma investigação e parece [RUÍDO] que não há bateria dentro. Agora, não tenho certeza. Devo falar a ele sobre a bateria ou apenas dizer que ela está descarregada, que a câmera está quebrada? Porque talvez seja hora de investir em um novo. Esta é uma câmera bem antiga. De qualquer forma, a velocidade do obturador, a última das três configurações de exposição. A velocidade do obturador também pode ser vista como a taxa de atualização. É por isso que é expresso em um valor de tempo, como 1/50 de segundo ou 1/100 de segundo. À medida que a luz entra pela lente, ela é capturada pelo sensor. O sensor espera um pouco enquanto está sendo exposto e, finalmente , decide anotar essas informações e limpar o sensor para ser exposto novamente. A velocidade com que essa atualização está acontecendo é a velocidade do obturador. Antigamente, era um disco físico real girando em frente à fita de filme, que agora é o sensor. Há um orifício no disco e quanto maior esse orifício, mais tempo o filme ficou exposto. Agora, não poderíamos alterar a velocidade de giro desse disco , pois ele acompanha a velocidade com que o filme está sendo rodado. Essa é a taxa de quadros sobre a qual falaremos mais tarde, em breve. Agora, quando o sensor é exposto 30 vezes por segundo, obviamente está mais exposto do que se tivéssemos uma taxa de atualização de 60 vezes por segundo. Falamos sobre uma velocidade de obturador mais lenta que permite mais luz ou uma velocidade de obturação rápida que captura menos luz. Entendemos como a velocidade do obturador funciona, mas qual é o efeito colateral? Bem, desfoque de movimento. Enquanto o sensor está capturando a luz, o que está acontecendo na frente da lente está movendo, então, se você acenar com o braço, o sensor captura a onda inteira e, em seguida, ele é atualizado para coletar uma nova amostra. Uma baixa velocidade do obturador capturará um movimento mais longo, pois com velocidades de obturador mais rápidas, ela captura apenas uma pequena parte desse movimento. É por isso que você costuma ver essas linhas embaçadas quando pessoas ou algo mais rápido está se movendo na cena. A propósito, funciona exatamente da mesma forma ao tirar fotos. Isso é desfoque de movimento. Ter uma baixa velocidade do obturador às vezes pode criar efeitos divertidos e de câmera como esse aqui ou você pode fazer com que tudo pareça super nítido com altas velocidades de obturador. Filmes de ação, como cenas de luta , geralmente são filmados em altas velocidades do obturador, pois tornam a ação mais difícil com menos desfoque de movimento. Novamente, você pode ver a escolha criativa que temos lá. Outra razão pela qual devemos filmar em exposição manual e não automática. Em cenas escuras, podemos aumentar o ISO para expor mais as fotos que introduzem luz. E se diminuíssemos o ISO e definíssemos uma velocidade de obturador mais lenta que introduza mais desfoque de movimento. Talvez coloquemos a câmera em um tripé para que ela não se mova e peçamos aos talentos que fiquem parados. Essencialmente, estamos diminuindo o movimento nas fotos, que significa que o desfoque de movimento não será tão perceptível. Agora, quando estamos ao ar livre, diminuímos o ISO e fechamos a abertura e, felizmente, nossa profundidade de campo se torna mais profunda. Eu gostaria de manter uma profundidade de campo mais rasa. E se abrirmos a abertura novamente e acelerássemos a velocidade do obturador, essa é uma forma de compensar a exposição. Dependendo dos efeitos colaterais que você gostaria de ter, você pode alterar a abertura, o ISO e a velocidade do obturador. Cada cenário muda a aparência do seu vídeo e essa é a escolha criativa do cineasta. Não deixe que um recurso automático tire essa escolha criativa de você. Agora é hora de praticar. Entre em uma câmara escura e altere as três configurações de exposição, veja como elas funcionam juntas, depois vá ao ar livre e altere as configurações novamente. Agora, tente se familiarizar com essas configurações e lembre-se também de descobrir o ISO máximo para sua câmera. Veja qual é o limite capturando um vídeo com diferentes configurações ISO. Divirta-se praticando e espero vê-lo de volta na próxima lição. Enquanto isso, vou arrumar meu cabelo porque está indo para todo lugar. [RUÍDO] 6. Proporções de quadros: Aparentemente, as pessoas ainda compram uma dessas câmeras. Seu telefone grava vídeos melhores. De qualquer forma, espero que você tenha tido uma boa prática e tenha se familiarizado mais com os três controles de exposição. As velocidades ISO, de abertura e do obturador. Nesta lição, não vamos falar sobre meu cabelo que ainda está muito ruim, mas, em vez disso, vamos falar sobre a taxa de quadros pois há muito mais do que isso. Resumindo, as taxas de quadros são a quantidade de quadros que você grava por segundo os valores comuns são 25 ou 30 quadros por segundo. Resumindo, falamos sobre FPS, que significa quadros por segundo. Bom trabalho. Agora, há basicamente três valores de FPS que estamos gravando, 24 FPS, que é o padrão para cinema. Se você vai ao cinema, provavelmente está vendo 24 FPS. É considerado mais cinematográfico. Ao fazer vídeos para a web, como o YouTube, geralmente gravamos em 25 ou 30 FPS. A razão pela qual temos dois padrões diferentes vem dos velhos tempos, quando os vídeos ainda eram exibidos em televisores CRT antigos. Agora eu não vou me aprofundar no que é isso. Está no passado, ficou para trás, mas se resume à taxa de atualização desses televisores, que estavam vinculados à frequência da eletricidade. Isso é diferente em vários continentes. Na Europa, temos uma rede de eletricidade de 50 hertz e nos EUA é de 60 hertz. Vou poupar você de todo o material técnico por trás disso, porque isso não faz mais sentido no mundo digital. Mas é bom saber que muitas câmeras hoje em dia ainda filmam em 29,97 FPS. Isso ocorre porque a frequência de eletricidade nos EUA não é realmente de 60 hertz, mas de 59 pontos. Essa é a história de fundo. Agora, qual taxa de quadros você deve gravar? Bem, isso é um gosto pessoal ou o que seu cliente está lhe perguntando. Embora eu seja da Europa, eu gravo tudo em 30 FPS, pois pessoalmente gosto dos meus vídeos um pouco mais suaves e nítidos do que se fossem filmar a 25 FPS. Espere, vídeos mais suaves e nítidos à medida que minha taxa de quadros aumenta? Bem, mais suave; podemos entender que um vídeo de 10 FPS parece muito nítido em comparação com um vídeo de 30 FPS. Este aqui parece muito mais suave, mas mais nítido? Por que isso? Bem, isso tem a ver com a velocidade do obturador, sobre a qual falamos em uma lição anterior. A taxa de quadros e velocidade do obturador estão um pouco interligadas. Você vê que quando sua câmera está capturando 30 quadros por segundo, isso significa que ela não pode atualizar o sensor mais de 30 vezes por segundo. A menor velocidade do obturador que você pode ter é 1/30 de segundo. Muitas câmeras têm essa opção bloqueada. Apenas tente isso por si mesmo. Ajuste sua câmera para 30 quadros por segundo e tente ir abaixo de 1/30 de segundo. O mesmo acontece com 25 FPS, você não pode ir abaixo de 1/25 de segundo. Agora, algumas câmeras permitem que você diminua, mas isso é um processamento digital que nos ajuda a continuar. Na verdade, vamos diminuir o FPS sem avisar você. Naturalmente, as câmeras não podem fazer isso. Agora, a velocidade do obturador, na verdade, tem uma correlação ainda maior com o FPS. No mundo real, também há desfoque de movimento. Basta acenar com a mão na frente dos olhos você verá um desfoque de movimento. Obviamente, essa é uma quantidade natural de desfoque. Quando queremos recriar esse desfoque de movimento natural, obtemos o dobro das taxas de quadros. Fotografando a 25 FPS, definimos a velocidade do obturador em 1/50 de segundo. Para 30 quadros, isso será 1/60 de segundo. Dessa forma, o desfoque de movimento parece natural, dependendo da taxa de quadros que você escolher. É por isso que eu disse que meus vídeos parecem mais suaves, mas também mais nítidos ao aumentar essa taxa de quadros. Eu ajustei minha velocidade do obturador em 1/60 de segundo, menos desfoque de movimento, portanto, meus vídeos ficam mais nítidos e o movimento ainda parece natural porque combina com as taxas de quadros. Talvez seja demais entender, então não se preocupe muito com a velocidade do obturador e sua taxa de quadros ainda. Essas são configurações que você pode usar com um grão de sal. Quanto mais você se familiarizar com a produção de filmes, mais você vai prestar atenção a esses pequenos detalhes. Mas vamos falar bem rápido sobre câmera lenta. Obviamente, precisaremos de mais quadros por segundo, 60 FPS, talvez até 120 ou talvez 10.000 quadros por segundo. Sim, isso existe, a propósito, embora as câmeras de switch sejam super caras. Ter esses quadros extras em segundos significa que podemos esticar nossos videoclipes. Precisamos apenas de 30 quadros, mas temos 60 quadros disponíveis para cada segundo. Isso significa que podemos esticar o taco, dobrar o comprimento e tirar 60 quadros por dois segundos. Nós criamos a câmera lenta. Ou se fizéssemos isso com um clipe normal de 30 FPS, obteríamos 30 quadros por dois segundos ou 15 quadros por segundo. Ao reproduzir o vídeo de Bagdá, ele começa a parecer instável, um problema que não temos com 60 FPS. Quanto mais câmera lenta você quiser, mais quadros por segundo você precisará. A maioria das câmeras já transforma o FPS capturado em algo como 25 ou 30 FPS, como meu Panasonic Lumix GH5. Eu posso gravar em 120 FPS, mas vou processar isso em um clipe de 30 FPS. Quando reproduzo o vídeo, ele já está em câmera lenta. Não preciso esticar o clipe na edição de vídeo. Isso é algo a ter em mente. quais quadros você captura e em qual quadro sua câmera também os processa. Às vezes, pode ser a mesma gravação em 60 FPS e processá-la em um videoclipe de 60 FPS, mas também pode gravar em 120 FPS e processá-la em um arquivo de 30 FPS. Cada câmera tem opções diferentes, então confira isso para sua câmera. Isso é a maior parte sobre taxas de quadros. Mais adiante nesta aula, aprenderemos mais sobre quando gravar em câmera lenta e como isso pode nos ajudar a gravar vídeos melhores. Mas primeiro precisamos expor nossas fotos corretamente e isso é para a próxima lição. 7. O histograma: Aprendemos sobre as diferentes configurações para alterar a exposição e também qual é o efeito colateral de cada efeito colateral, mas apenas considerando a exposição, quando minha injeção está subexposta ou superexposta? Subexposto significa que está muito escuro e, mesmo ao ar livre, durante um dia ensolarado, as fotos podem parecer muito escuras. Você fechou demais a abertura ou ajustou a velocidade do obturador para alta. decidir se sua foto está bem exposta ou não , basta olhar para a tela da câmera. É como sair e adivinhar qual é a temperatura. Você pode ter uma ideia se está quente ou frio, mas para saber a temperatura exata, usamos um termômetro e é a mesma coisa com sua câmera. Usamos uma ferramenta chamada histograma para medir a exposição para que possamos tomar melhores decisões sobre o que precisamos para definir os anúncios de abertura, ISO ou velocidade do obturador. Esse histograma é mais ou menos assim. Antes de continuarmos com a aula, pause este vídeo por um breve momento e tente encontrar essa configuração em sua câmera. Garante que ele seja exibido no monitor. Para alguns modelos de câmera, você precisa pressionar o botão Display algumas vezes. Para outros, pode ser uma configuração que precisa ser ativada nos menus. Estamos vendo um diagrama. Essas informações mostram a luz ou a exposição. No lado esquerdo estão as áreas escuras e no lado direito estão as claras. Quando eu fecho minha abertura, você verá que o diagrama se move para a esquerda e quando eu abro a abertura, as informações se movem para a direita. O ideal é garantir que o histograma tenha seu gráfico em algum lugar no meio e não toque em um dos lados externos. Dessa forma, observei que não há partes da minha foto subexpostas e nenhuma parte está superexposta. Em ambientes de estúdio como esse, é fácil porque eu tenho controle total sobre a luz e a paisagem, mas quando saio, isso fica mais complicado. Temos uma forte luz solar e reflexos brancos na foto, bem como a pessoa que está na sombra. Esse é um grande contraste e, ao observar o histograma, parece haver dois picos nas áreas escuras e claras. À esquerda está a informação dos telons e da sombra, e à direita a informação do refletor branco. É impossível colocar o diagrama no meio por causa desse contraste, uma situação que você enfrentará muito a propósito. Aqui é importante fazer uma escolha. Você quer ver detalhes no refletor ou nos telons? Bem, acho que neste caso os telons são mais importantes, então vamos abrir a abertura. Portanto, solte o diagrama do lado esquerdo do histograma. Agora, mas não o coloque no meio, os telons ficam nas sombras. Está escuro, então mantenha-o escuro, só não o deixe subexposto, perdendo todos os detalhes. Agora, esse tem sido um exemplo extremo. Outra situação mais provável é quando você preenche o assunto na frente de um céu claro. Pode-se argumentar que o assunto é muito escuro quando tentamos direcionar todas as informações no meio do diagrama, então expomos mais. Neste momento, o céu ficará superexposto. Essa é uma cena muito típica que um cineasta iniciante faz. No entanto, o céu é muito proeminente que eu não recomendaria fazer isso. Tente chegar às áreas claras soltas do lado direito do histograma, trazendo de volta os detalhes no céu. Você quer ver a estrutura das nuvens e não apenas as bolhas brancas. Sim, seus telons estão um pouco escuros, mas ainda há detalhes. Podemos ver o rosto e, se você puder, é sempre melhor ficar subexposto do que superexpor. É isso que separa um profissional de um iniciante. Agora, e quanto aos telons e tons de pele em geral? Agora podemos ver o histograma como uma barra percentual. Onde à esquerda, então é zero por cento preto e no lado direito fica em 100 por cento de brancos. Tons de pele mais brilhantes, como eu, devem estar em torno de 70 por cento, então, quando eu fizer uma foto dos meus telons, eu poderia me aproximar um pouco mais para ver apenas as informações do rosto, e tentarei obter o diagrama em algum lugar próximo a esses 70 por cento quando eu volto para fazer minha foto média ou qualquer outra coisa, eu sei que expus minhas fotos corretamente para os tons de pele. Ao trabalhar com um telão para obter tons de pele escuros, você pode mirar em torno de 50 por cento, mas considere isso com um grão de sal. Esses 70 ou 50 por cento são academicamente corretos, mas é bom conhecer esses padrões acadêmicos. É assim que o histograma funciona. Definitivamente, use-o o tempo todo para verificar se algo está superexposto ou não. Sua tela não representa a exposição corretamente, é por isso que você precisa usar essa ferramenta. 8. Autofocagem: Nós entendemos, pessoal. Exposição. Vamos parar com isso. Chega de falar sobre exposição. Vamos falar sobre as coisas divertidas agora. [RUÍDO] Concentre-se e quero dizer o foco da sua câmera, mas também seu foco, é claro, dois tipos de foco. Resumindo, dizemos que um assunto está em foco quando é nítido. Qualquer outra coisa em segundo plano ou em primeiro plano que não esteja nítida está fora de foco. É como eu. Estou em foco e isso aí está fora de foco. Agora, girar o anel de foco na lente fará com que o foco volte e avance. Quanto maior for o seu campo de foco, depende da abertura. Já falamos sobre isso antes. Agora, existem duas formas de focar. Ou você faz isso manualmente girando o anel de foco ou deixa a câmera fazer isso automaticamente. Muitas vezes, você tem um interruptor na lente para isso, AF significa foco automático e MF significa foco manual. Se sua lente não tiver essa opção, você pode configurá-la nos menus e escolher o foco manual ou uma das diferentes técnicas que o desfoco precisa usar, pois o foco automático pode fazer uma detecção facial e sempre tente focar um rosto, ou ele pode ser ajustado para um ponto escolhido para que você possa usar os manípulos para escolher um ponto específico no qual a lente precisa focar. Cada opção tem seu próprio caso de uso. Não é como se um fosse melhor do que o outro, depende. Agora, o foco automático pode parecer uma má escolha em geral. Quero dizer, até agora eu tenho dito a vocês para não usarem automóveis, mas há exceções. Quero dizer, o foco manual te dá mais controle. No entanto, nem sempre é fácil manter o assunto em foco ao fazê-lo manualmente. Se seu objetivo era manter o objeto em foco enquanto você corre com a câmera, por que não configurá-lo para focar automaticamente com detecção facial? Ele permite que você se concentre mais no enquadramento, movimentos da câmera ou no histograma e outros enfeites. Quando você não tem uma pessoa em seu enquadramento, você pode até optar pela opção de foco pontual. Usando os manípulos, você pode movê-lo até esse ponto para focar agora, mesmo durante as filmagens. Você pode começar filmando, por exemplo, um objeto, correr ou fazer o que quiser e, em seguida, mover esse ponto de foco para outro lugar, mudando o foco. Acho que essa é uma ótima maneira de praticar com mudanças de foco sem ter que se preocupar muito se o assunto é realmente preciso ou não. O foco automático definitivamente tem seus benefícios, mas também tem algumas desvantagens. Você não tem controle sobre o que o foco faz. Isso acontece automaticamente. Isso significa que o bombeamento do foco pode ocorrer. É aqui que a câmera viajou para focar em um objeto e começa a bombear para frente e para frente. Ou, ao mudar o foco por meio dessa técnica com os manípulos, você não tem controle sobre a rapidez com que o foco muda. Se você tiver coragem e quiser controle absoluto, coloque sua câmera no foco manual, e falaremos mais sobre isso na próxima lição. 9. Foco manual: Estou completamente fora de foco. Isso porque minha câmera ali está configurada para foco manual e minha pequena mesa, ali mesmo, meu carrinho de produção está em foco. Mas esse é o meu passado e eu nem deveria estar aqui. É por isso que tenho minha câmera configurada para o foco manual. Deixe-me ficar aqui. Os cineastas profissionais raramente usam o foco automático , a menos que ele realmente tenha uma vantagem sobre fazê-lo manualmente. No início, você pode pensar que foco automático pode sempre ter a vantagem. Isso porque você precisa se treinar para se concentrar manualmente. Demora vários meses ou até anos para dominar. Depois de dominá-lo, é muito melhor do que o foco automático. Comece se familiarizando mais com sua lente. Escolha um objeto e caminhe para frente e para frente enquanto tenta mantê-lo em foco Você precisa ter uma noção do quanto precisa girar o anel de foco à distância que você anda. No início, você caminhará devagar e, à medida que se sentir cada vez mais confortável, entrará um pouco mais rápido. Agora, é bom gravar isso também, você possa verificar sua prática depois. Às vezes parece que nosso assunto estava em foco, mas na verdade não estava. Agora, assim como o histograma, também há uma ferramenta para ajudar você a medir o foco. Esse é chamado de pico de foco. Agora, nem todas as câmeras têm essa opção, mas se você tiver, é essa opção que você precisa procurar e ligá-la, com pico de foco. Isso exibirá vários pontos ou linhas em seu visor. As áreas marcadas estão focadas, para que você possa ver com mais facilidade se o objeto está ou não em foco, o que nem sempre é tão fácil em um pequeno visor. Um operador de câmera treinado pode até mesmo focar sem olhar pelo visor. Quando você gira a lente totalmente para um lado, eles sabem exatamente o quanto precisam girá-la de volta para colocar o objeto em foco. Mas esse é o tipo de mestres, esse é o sentido do cinema, o que acontece que eu sou. Esse é um aspecto do foco, tentar manter o assunto em foco, mas o foco manual também vem para escolhas criativas. Por exemplo, você está tirando suas fotos finais e quer que seu vídeo tenha um final. O que geralmente é feito é apenas puxar o foco para trás, desfocar tudo, e você pode fazer isso sem problemas na velocidade exata desejada, mudando o foco de um assunto para outro também ficará muito melhor. Estamos filmando um assunto e no meio da cena ou girando roda de foco para que outro assunto entre em foco. Essa técnica também é chamada de puxar o foco ou foco do rack. Na indústria cinematográfica, um extrator de foco como um trabalho em tempo integral, você fica ao lado do cara da câmera enquanto mantém o assunto em foco executando racks de foco e, o que não, você é o extrator de foco. Muitas vezes, isso também pode ser feito por meio de um sistema sem fio, onde o extrator de foco pode ficar um pouco afastado do operador da câmera. O extrator de foco então controla um motor que está conectado à lente, mas isso é para o futuro. Por enquanto, quero que você pratique com foco e uma ferramenta útil, pois isso é, na verdade, uma dessas coisas. Este é um gráfico de foco. Você pode encontrar isso on-line e imprimi-lo. Ele permite que você veja melhor se o avião está em foco ou não. Esse gráfico de foco geralmente é usado para se manter próximo ao objeto bem rápido, que o operador da câmera possa ver se o objeto está em foco ou não antes de começar a filmar. Você pensou que só precisava da câmera. produção de filmes vem com milhares de ferramentas diferentes que você realmente não precisa, mas você as compra de qualquer maneira. Agora, pratique seu foco, soldado. passo para trás e para frente enquanto tenta manter esse gráfico de foco, ou qualquer outra coisa em foco, clique em gravar em sua câmera também, para que você possa revisá-lo em seu computador mais tarde, e então eu te vejo de volta na próxima lição. 10. Equilíbrio de brancos: Olá pessoal. Bem vindo de volta. Algo está errado. O balanço de branco. Deixe-me corrigir isso. Lá vamos nós. diferentes tipos de luzes neste mundo. Você tem luzes quentes de tungstênio como esta aqui ou velas, ou uma luz solar muito baixa. Mas do outro lado do espectro há luzes frias como esta aqui, mas também as luzes do dentista. Até as luzes do sol também podem ser muito azuladas. Durante um dia nublado, por exemplo. As nuvens mudam a cor da luz do sol, ou quando o sol se põe após a hora dourada, obtemos a hora azul. A diferença nessas cores de iluminação natural é chamada de temperatura da cor e aqui está uma foto que mostra isso muito bem com exemplos de tipos de luzes que você pode encontrar no espectro. Uma vela no lado esquerdo onde estão as cores laranja e um dia nublado à direita no tom azul. Podemos até mesmo dar um valor específico à temperatura da cor, que é expressa em Kelvin. Uma vela tem cerca de 2.000 Kelvin. Uma luz de tungstênio é 3.200. Muitas vezes, você pode encontrar esses valores ao comprar uma lâmpada. As luzes LED não têm Kelvin específico, então elas podem ter qualquer valor. No meio, em torno dos 5.500 e 6.500 Kelvin, podemos encontrar a luz natural do dia. É aqui que a luz do sol não é bloqueada pelas nuvens e está no alto do céu. Por volta do meio-dia e no lado direito , por volta de 7 ou 8.000 Kelvin, podemos encontrar o dia nublado e além disso, também fica o próprio céu azul. Agora, por que é tão importante entender isso? Bem, nossos olhos se adaptam automaticamente a essas cores. É por isso que nem percebemos ou nem nos preocupamos com isso. Mas uma câmera não faz isso automaticamente. Você precisa definir o valor Kelvin. Estou filmando em uma sala com luzes de tungstênio, que tem cerca de 3.200 Kelvin. Eu procuro o menu de balanço de branco e insiro esse valor. Isso fará com que a luz do tungstênio pareça branca ou neutra. Essa técnica é chamada de balanço de branco. Estamos equilibrando a cor da luz para que apareça branca na câmera. Agora, definir esse valor exato de Kelvin oferece, é claro, o maior controle. Mas você também pode escolher entre uma série de predefinições. Você verá alguns ícones no menu de balanço de branco que representam as luzes que você tem. Esses são valores predefinidos e maioria das vezes, devido a truques, são igualmente bons. No entanto, há uma opção que você nunca deve escolher, que é AWB, ou balanço de branco automático. Embora um balanço de branco automático pareça uma boa ideia, ele faz com que as cores mudem e mudem. As cores nas fotos devem permanecer as mesmas, a menos que você tenha uma boa razão para isso. Nós entendemos o que é esse balanço de branco agora. A ideia de fazer com que um avião branco apareça branco na câmera. Algumas câmeras, definitivamente câmeras de vídeo profissionais permitem que você capture até mesmo um ponto branco. Em seguida, basta apontar um papel branco para a câmera e fazer um balanço de branco. A câmera calculará o Kelvin para você e garantirá que o papel apareça branco e salvará esse valor e não mudará mais automaticamente depois. Agora, nem todas as SLRs ou câmeras de vídeo de consumo podem fazer isso, então vamos pular essa parte. Além disso, você não precisa ser tão preciso. Você vê que uma foto como essa não parece natural, mesmo que o branco seja branco. Nós sentimos que há algo errado. O calor das cores internas de tungstênio desapareceu e a luz do dia que entra pela janela é duas azuladas. Talvez em vez de 3.200, devêssemos definir o Kelvin para cerca de 6.000. Procure as cores da luz do dia. Bem, isso melhora as luzes da janela, mas no interior é muito laranja. Em um cenário como esse, você quer dar a impressão de que a luz azulada do lado de fora entra pela janela e que temos uma luz quente em ambientes fechados. Em vez disso, vamos escolher algo entre 4.500. Isso torna a luz da janela um pouco mais azul e as luzes internas mais naturais. Não importa se você está atirando em 4.200 ou 4.800. Desde que você esteja em algum lugar entre o tungstênio e a luz do dia. Ao filmar apenas em ambientes fechados sem luzes de cores mistas, eu também não recomendaria definir o balanço de branco para tungstênio. Você quer manter esse tom quente aí. Talvez seja em torno de 4.000. Fotografar ao ar livre durante o dia, isso é considerado luz natural, então é uma boa ideia definir seu equilíbrio de branco acordo e fazer com que os brancos pareçam brancos. Finalmente, um dia nublado é temperamental e você pode fazer a escolha criativa de manter o equilíbrio de branco ajustado à luz do dia, tornando esse dia nublado um pouco mais azul. Isso aumenta a aparência, mas cabe ao cineasta decidir. Agora, é claro, quando você entrar na fase de edição, também há a parte de correção de cores na qual podemos alterar o balanço de branco e outras cores. Não se preocupe muito com o balanço de branco durante as filmagens. Apenas tente pensar um pouco sobre isso para que seus talentos não pareçam uma abóbora ou algo assim, porque quanto maior a diferença, mais difícil será corrigir a cor. Você sempre quer ter certeza de que está de alguma forma correto. Agora, não abordaremos a edição de vídeo nesta aula, mas eu ofereço uma aula de edição e Adobe Premier Pro, bem como uma aula de correção de cores. Se você estiver interessado, você sempre pode conferir. Agora, obrigado por assistir e nos vemos de volta na próxima lição. 11. Perfis de imagem: Agora eu vi muitas coisas, até mesmo um balanço de branco muito errado, mas aqui estão minhas cores, anúncios e anticontraste. Isso parece tão desbotado. Oh, está de volta. Certo, o perfil da foto. Bem vindos, pessoal. Você quase leu todas as lições sobre as configurações da câmera. Depois deste, você está pronto para começar a fazer um filme. A ideia das primeiras aulas era que você entendesse sua câmera por entendesse sua câmera dentro e por fora, e nós conseguimos isso. Bom trabalho. Eles estão fazendo um trabalho incrível. Você pode dar um tapinha no ombro, mas pare, não se dê um tapinha demais ainda porque ainda há muito a aprender. Perfis de imagem. Dependendo das marcas de câmera que você possui, essa opção de perfil de imagem está escondida em algum lugar dentro desses menus. Então, basta folheá-lo até encontrá-lo. Você encontrará alguns perfis de imagem diferentes, como padrão, neutro, vívido, talvez até preto e branco ou monocromático. Usar uma dessas opções mudará a aparência do seu vídeo. Vivid lhe dará uma aparência muito saturada com muito contraste, enquanto o neutro será mais plano e dessaturado. A maioria das marcas de câmeras permite que você acesse esses perfis de imagem e ajuste um pouco mais a aparência alterando o contraste ou a saturação individualmente. Agora vem a mesma pergunta de sempre. Por quê? Bem, há dois motivos pelos quais você deseja alterar um perfil de imagem. Em primeiro lugar, você não sabe o que está configurado para você quando sua câmera sai da caixa, você é um cineasta, então você escolhe a aparência dos seus vídeos. Ou você quer uma bela foto diretamente da câmera, então você pode escolher algo como padrões ou talvez vívido. Mas se você quiser ter um pouco mais de controle com a correção de cores posteriormente na edição, é melhor escolher algo o mais plano possível para escolher neutro e diminuir o contraste, a saturação a penugem e a nitidez também. Temos uma imagem plana feia, mas podemos adicionar contraste, cores e nitidez na edição. Isso nos dá muito mais controle. Isso é o que você viu no começo deste vídeo. Veja, essa aqui é a imagem plana que está sendo gravada pela câmera e está com alguma correção de cor ativada. Fazemos isso porque não podemos remover contraste ou as cores saturadas apenas até certo ponto. É por isso que os cineastas gostam de filmar de forma plana para ter a possibilidade de colorir e obter aquela aparência cinematográfica. Câmeras de vídeo profissionais e até mesmo algumas SLRs profissionais têm a capacidade de fotografar em um perfil de imagem de registro. Geralmente é uma configuração ainda mais escondida, mas é essencialmente uma imagem super plana, como você pode ver aqui. Mas ele contém todas as informações de que precisamos. Uma foto como essa pode ser facilmente classificada por cores para algo assim, na verdade, aquela aparência plana. Isso aqui é na verdade um perfil de imagem bloqueada e me dá a possibilidade classificá-lo por cores para qualquer coisa que eu queira, assim ou isso, talvez isso. Veja, você pode fazer o que quiser com isso, que é muito mais difícil e talvez até impossível com algo como um perfil de imagem vívido. Agora, cada marca tem seu próprio sabor desse perfil de imagem de registro. As câmeras Sony chamam isso de S-Log , câmeras Panasonic chamadas V-Log , para Canon é C-Log, etc. Mas tudo acontece da mesma forma. Se forem perfis de imagem ou algo com o qual você já esteja familiarizado, definitivamente brinque com um perfil de fotos de registro e confira minha aula sobre gradação de cores. Tudo isso é novo para você, então não se preocupe em fotografar um tronco ainda. Basta definir sua câmera de acordo com os padrões ou neutros, o que você preferir, e focar primeiro no resto da produção cinematográfica, porque há muito a aprender e o programa está apenas começando, mas estou super empolgado com levar você nessa jornada. O que eu gostaria que você fizesse agora é passar por todas as configurações da sua câmera, caso ainda não tenha feito isso. Certifique-se de se sentir confortável com as diferentes ferramentas e controles manuais e, quando estiver pronto, volte porque nas próximas aulas começaremos com um novo capítulo e aprenda sobre o lado criativo do cinema, que começa com a regra dos terços. 12. Regra dos terços: Hoje, se você gravar um vídeo, basta retirar o cartão SD da câmera, conectá-lo ao computador e começar a assisti-lo. Antigamente, você realmente tinha que tirar a tira do filme da sua câmera, desenvolvê-la, [NOISE] colocá-la nessa coisa aqui, que então projetaria o filme para assisti-lo. Falar sobre isso me faz sentir muito velha, mesmo que isso tenha sido antes da minha época. De qualquer forma, agora vem a parte divertida. As lições a seguir o separarão de um iniciante porque conhecer sua câmera de dentro para fora é uma boa base. Mas se você não sabe como usá-lo corretamente, ainda está fazendo coisas erradas. Vamos começar com o enquadramento. É assim que você aponta a câmera para os objetos. Você provavelmente já ouviu falar sobre uma composição. É assim que você posiciona elementos diferentes em uma foto. Nós temos essa pedra aqui, e algumas árvores na parte de trás ao se movimentar, e a maneira como eu aponto minha câmera para essas coisas, eu posso posicioná-las de forma diferente na moldura da minha câmera. Um cineasta sabe o que é um bom enquadramento ou composição. Em outras palavras, eles sabem onde colocar essas árvores e as pedras para tornar a foto interessante e agradável de ver. Agora, existem diferentes tipos de técnicas de enquadramento, mas quase tudo se resume à regra básica dos terços. Você divide sua foto em três partes, tanto na horizontal quanto na vertical, daí a regra dos terços do nome. Você pode estar familiarizado com essa grade, como pode acessá-la, pois uma sobreposição em quase todos os dispositivos de câmera, incluindo seu telefone, geralmente é chamada de grade. Essa é uma diretriz que podemos usar para alinhar objetos diferentes, e vamos começar com o básico. Estamos filmando uma paisagem que está sendo dividida com o horizonte. A ideia é colocar o horizonte na linha diretriz superior ou inferior. Isso vai depender do que você mais quer mostrar, são as nuvens ou talvez a própria paisagem? Se for a paisagem, obviamente você coloca o horizonte na linha superior. Este é um tiro equilibrado. É agradável ver isso porque o alinhamos à regra dos terços. Agora vamos trazer um assunto para o enquadramento , como uma árvore. Uma árvore é alta, então não podemos posicioná-la nas diretrizes do horizonte. Vamos usar um dos verticais, à esquerda ou à direita. Ao mesmo tempo, vamos manter o horizonte na linha superior ou talvez na linha inferior. Uma composição sempre terá vários objetos ou assuntos que precisam ser alinhados. Assim como no horizonte, pense em qual área é mais importante mostrar é o lado esquerdo ou direito da árvore, dependendo de qual diretriz você vai alinhar a árvore. Agora, às vezes, seu assunto ou foco principal é muito menor do que o ambiente, como o Terence aqui, que está sentado em uma pedra à distância. Em um caso como esse, poderíamos posicioná-los em uma linha vertical e uma horizontal, basicamente escolhendo uma das cruzes. Agora, se algumas áreas realmente não fazem sentido, você pode optar por uma composição central, basicamente centralizando o assunto, seja perfeitamente no centro ou ainda colocando-o em um dos diretrizes horizontais, isso também funciona. Ao fazer uma composição tão centrada, você concentra toda a atenção no assunto. Filmando o assunto de uma distância mais próxima, podemos fazer a mesma coisa. Coloque um objeto à esquerda, à direita ou ao centro. Mas o que colocamos na linha horizontal? O ponto de interesse. onde o público vê Para onde o público vê uma pessoa que será seus olhos? Jogamos seus olhos na linha horizontal superior. A parte inferior também pode funcionar, mas você precisa de um bom motivo para isso. Algo está acontecendo acima da cabeça de Terence. Então, quanto às linhas verticais, desde que a pessoa que está olhando para a câmera, você pode escolher. Muitas vezes, uma composição centralizada é usada, mas quando o Terence está desviando o olhar da câmera, algo acontece. De repente, ocorre uma direção de visualização. O Terence olha para a esquerda ou para a direita. Em nossa composição, precisamos dar algum espaço a essa direção de visualização. Quando seu Terence olhar para a esquerda, colocará essa pessoa na linha diretriz vertical direita com o espaço de visualização à esquerda e, claro, vice-versa. Agora, essa regra não se aplica apenas às pessoas, mas basicamente a qualquer coisa com um rosto, como animais e estátuas ou ursinhos de pelúcia. Na verdade, ele funciona com qualquer coisa que tenha uma frente e uma traseira. Pense em um carro, ele não tem um rosto, mas tem uma frente, então certifique-se de dar a esse carro algum espaço de visualização. Por fim, também há espaço para caminhar. Se um humano caminha em uma determinada direção, dê a ele espaço para caminhar. É o mesmo que ver o espaço. Se eles andaram da esquerda para a direita, você coloca essa pessoa na diretriz da esquerda e segue seus movimentos. Novamente, isso funciona com qualquer coisa que esteja em movimento, incluindo carros, aviões, animais e outros enfeites. Obviamente, isso implica apenas que quando você está acompanhando um assunto, quando você tem um enquadramento fixo e opta por deixar o assunto bêbado fotografar estudantes, obviamente não precisa dar a eles espaço para caminhar. Mas é assim que a regra dos terços funciona e, dependendo de quais áreas são as mais interessantes, onde o assunto está sendo examinado ou se movendo, você as coloca em uma ou mais diretrizes. Na próxima lição, trabalharemos um pouco mais com a regra dos terços e nos concentraremos apenas nas pessoas. 13. Quadro de talentos: Entendemos a regra dos terços e como usar as diretrizes para enquadrar objetos diferentes em uma foto. Mas o objeto mais comum ou melhor define o assunto é o ser humano. Se você está filmando uma apresentação, um diálogo entre duas pessoas, uma cena de ação, não importa. Filmar pessoas vem com regras de enquadramento. Existem três enquadramentos principais; o close-up, o tiro médio e o tiro a longo prazo. No meio, temos subenquadramentos como close-up extremo, ou fotos longas médias, fotos extremas de longa distância. Esses são subenquadramentos e, portanto, não é muito importante lembrá-los. Você também pode dizer, vamos fazer um tiro no escuro, que está um pouco mais perto. Realmente não importa, desde que você entenda os três enquadramentos principais. Vamos começar com um tiro no escuro. Isso significa que vamos nos enquadrar para que o talento fique completamente visível em disparos da cabeça aos pés. Como aprendemos na lição anterior, poderíamos escolher uma composição central se eles estivessem olhando para a câmera. Se eles estiverem desviando o olhar da câmera, dê espaço para ver seus talentos e alinhe-os no lado correto das diretrizes verticais. Usar as diretrizes horizontais se torna mais complicado. Estamos olhando para o rosto, então talvez queiramos alinhá-lo à diretriz horizontal. Mas, de longe, isso cria muito espaço acima do assunto. Esse espaço é chamado de espaço para respirar. Você precisa de um pouco disso, mas não muito. Apenas o suficiente para soltar o objeto do enquadramento. Na parte inferior, onde estão os pés, você também deseja dar espaço para respirar, espaço entre os pés e a estrutura inferior. Se você colocasse os pés na moldura, parece muito estranho. A propósito, isso é chamado de efeito fantoche , mas não me pergunte por que é exatamente isso. A mesma coisa com a cabeça do seu talento , colocá-la na moldura superior é estranho. Isso cria esse efeito de marionete, que você deseja evitar, dando a ele algum espaço para respirar. Agora vamos nos aproximar um pouco mais do talento. Isso é considerado um tiro médio. Vamos cortar os pés para tirar o talento. Quero dizer, não de verdade, apenas emoldurando. Agora aprendemos sobre o efeito fantoche. Você não quer que ninguém se apoie no seu enquadramento. O mesmo ocorre com qualquer articulação. Isso significa tornozelos, joelhos, pelve, etc. Evite cortar qualquer coisa que possa dobrar. Um tiro médio como esse é estranho, pois estamos cortando os joelhos. Eu sei que fazer filmes é cruel, há muitos cortes envolvidos. [RISOS] De qualquer forma, você não quer fazer isso, sempre corte acima ou embaixo de uma junta. Isso parece muito mais natural. Agora vamos tirar uma foto média. Vamos cortar acima da pélvis. Interessante agora é que nosso assunto se tornou mais proeminente de uma só vez. Ele ocupa mais do enquadramento. Na verdade, podemos colocar agora os olhos do sujeito nas diretrizes horizontais. Lembre-se de dar espaço para respirar acima das cabeças, definitivamente, para um tiro médio. Podemos chegar um pouco mais perto novamente e fazer um close médio. Essencialmente, estamos cortando embaixo dos ombros. Estamos tão perto que agora é impossível dar espaço para respirar acima da cabeça. Vamos cortar a cabeça, evitando o efeito de marionete, e nos certificaremos de cortar na testa também. Estamos pegando o jeito disso, pessoal. Vamos fazer um close-up. Você quer estar acima dos ombros agora, mas embaixo do pescoço, pois isso também é uma articulação. Os olhos ficarão acima da linha diretriz superior, caso contrário, cortaremos muito do pescoço e do queixo para deixar um espaço indesejado acima dos olhos. A testa não se torna mais tão importante, estamos nos concentrando nos olhos, nariz e boca em um close-up. Finalmente, há o close-up extremo. Basicamente, você pode escolher no que quer focar agora. Ou serão seus olhos ou boca ou qualquer outra coisa. Na maioria das vezes, você o enquadra no meio a menos que tenha um bom motivo para mostrar outras áreas. se você estiver indo para os olhos, mas também para o nariz, você pode colocar os olhos na linha diretriz superior ou um pouco acima e deixar espaço abaixo para o nariz. Em poucas palavras, é como estruturar um talento. Assim como no espaço de visualização, você também pode encontrar rostos em outros objetos. Um ursinho de pelúcia também é um talento que pode ser emoldurado pelos mesmos princípios. Até mesmo objetos monótonos, como uma geladeira. Antes que você se pergunte, e as juntas, bem, que são as interseções entre as duas portas. Isso também é considerado um conjunto. Muitos objetos têm algo parecido. Pense, por exemplo, aqui na minha luz na parte de trás. Isso aqui na luz fica onde eu posso incliná-lo para cima e para baixo, isso é considerado uma junta. Você corta a moldura logo acima ou logo abaixo. Agora, há um último tipo de enquadramento sobre o qual ainda não falamos, que é a cena de estabelecimento. Não é nem mesmo um enquadramento real, mas mais uma cena de contar histórias. Uma cena marcante é frequentemente usada logo no início de um filme ou de uma nova cena. Ele exibe a localização e, às vezes, também a hora. Por exemplo, uma foto ampla de uma casa. O que se segue a seguir é a cena de uma família jantando naquela casa. Mas essa foto reveladora da casa diz ao público que a família está na casa do pai e que durante o dia, mostra que o sol está brilhando. Isso ajuda a localizar onde estamos, e podemos usar esse princípio para trapacear um pouco, porque essa chance de estabelecer não precisa ser uma realocação. Mas você pode fazer com que seu público pense é o local em que a cena é exibida. Um exemplo aqui são esses arranha-céus em que, de repente, acontece uma explosão. Em seguida, cortamos para uma foto minha em que eu finjo ter tentado desarmar a bomba, mas ela falhou. Obviamente, eu não estou realmente sentado naquele prédio em particular, mas do ponto de vista da história, eu estou. É aí que os clipes de estoque também são muito úteis. Usamos uma biblioteca chamada Storyblocks para isso. propósito, eles eram nossos parceiros de longa data. É basicamente uma biblioteca repleta de mais de um milhão de vídeos de vários gêneros e temas. Você pode usá-los comercialmente e baixar ativos de vídeo ilimitados com uma assinatura ativa. É por isso que eu posso altamente recomendá-lo a qualquer pessoa. Por exemplo, me deparei com essa foto marcante de um planeta. Isso é algo que eu não posso filmar, obviamente, mas posso baixá-lo daqui, e isso me permite apontar uma cena específica que reproduz em diferentes planetas, como Marte. Em seguida, cortamos essas fotos aqui e parece que esses caras estão em Marte, o que, claro, não estão. Isso está em algum deserto aqui no planeta Terra. Esses também são clipes de estoque do Storyblocks, mas você entendeu. Você sabe o que? Vou deixar um link aqui embaixo nas notas da aula. Se você quiser conferir o Storyblocks, esse é um link especial, aliás, que apoia nossos negócios e esses cursos que estamos fazendo aqui. De qualquer forma, uma chance estabelecida realmente não tem regras em termos de quão ampla é sua tacada. Quero dizer, pode ser um planeta inteiro. O importante é que mostre a localização e talvez também a uma hora do dia. Certifique-se de tratar seu objeto como um assunto. A casa inteira e o planeta inteiro se tornam um assunto. À medida que aprendemos sobre como enquadrar um assunto de acordo com a regra dos terços, dê a ele algum espaço para respirar e algum espaço de visualização se você não escolher uma composição central. Agora, ainda não terminamos o enquadramento. Há mais duas lições sobre enquadramento com objetos em primeiro plano e outra sobre planos de fundo. Depois disso, você pode fazer uma pequena pausa. Até lá, continuem assistindo, pessoal. 14. Principais motivos: Até agora, estamos incriminando apenas uma pessoa, mas se houver uma conversa entre duas pessoas? Fotografando de lado, podemos colocar cada talento nas diretrizes verticais e além disso, aplicar as regras de enquadramento dependendo se é um tiro no escuro, médio ou em closeup. Ter duas pessoas na foto também é conhecido como dois tiros. Basicamente, estamos nos concentrando nos dois talentos. Ambos são igualmente importantes, dois tiros. Mas no momento em que um deles começa a falar, muitas vezes cortamos para um tiro por cima do ombro. Aqui temos um talento em foco e o ombro da outra pessoa fora de foco na lateral do enquadramento. Em outras palavras, o ombro está agindo como um objeto em primeiro plano. Ao analisar a regra dos terços, vamos enquadrar o ombro neste exemplo no lado direito da linha vertical, não sobre ele, mas próximo a ele. O assunto em si pode ser enquadrado normalmente nas diretrizes verticais. Lembre-se de que essas diretrizes existem para chamar a atenção para um assunto. Não queremos que o ombro chame a atenção, ele está lá apenas como um elemento em primeiro plano. A foto por cima do ombro dá mais noção de onde estamos. Podemos ver que o talento está conversando com outra pessoa. Esse é um enquadramento que poderíamos usar para trocar entre as duas pessoas enquanto elas conversam. Nós movemos a câmera de uma pessoa para outra. Essa é uma forma muito típica, mas uma forma de capturar uma conversa. Objetos em primeiro plano nem sempre precisam ser um ombro. Também pode ser uma pedra ou uma árvore, qualquer coisa. Ter um primeiro plano desfocado realmente cria mais profundidade em suas fotos. Você começa a ver uma paralaxe maior entre os assuntos e o primeiro plano. Essa é uma maneira muito fácil de tornar suas fotos simplesmente mais interessantes. Agora, às vezes, esse objeto em primeiro plano se torna mais importante. Vamos voltar a trabalhar com um talento e essa pessoa está olhando para longe. Agora, poderíamos escolher fazer uma moldura acima dos ombros, dessa forma mostramos que a pessoa está olhando para a paisagem. Mas também podemos colocar o talento em uma das diretrizes verticais, mesmo que o primeiro plano esteja fora de foco. Torna-se uma parte mais importante das fotos. Como alternativa, você pode até optar por uma composição central. Uma cena como essa costuma ser usada para contar uma história visual. A paisagem é grande e o talento está pronto para explorá-la e partir para uma aventura. Obviamente, essas são técnicas de câmera mais avançadas , mas quero que você saiba que enquadramento da câmera em um nível avançado se resume à narrativa visual. Há duas maneiras de enquadrar um assunto: fazer uma cena natural que seja agradável para o público ou dar um passo adiante para contar uma história visual. A arte de criar histórias visuais no cinema é chamada de cinematografia. Nos filmes, você verá uma mistura de cenas normais e cenas visuais de narrativa. Por enquanto, vamos nos concentrar nos enquadramentos básicos e ter uma boa ideia deles primeiro, e depois passaremos para o próximo nível. 15. O fundo: Há uma última coisa que ainda não abordamos quando se trata de enquadramento, que são os planos de fundo. O que está acontecendo em segundo plano? Agora, temos uma boa visão média do talento emoldurada pela regra dos terços. Embora seja uma boa foto, esquecemos de pensar no que está acontecendo em segundo plano. Na verdade, essa não é uma boa foto. Temos uma árvore logo atrás do talento e ela se destaca por trás da cabeça do talento. Isso parece muito estranho e algo que você sempre quer evitar. Se houver uma árvore, um poste ou qualquer outra coisa que possa se destacar por trás do objeto, evite isso. Sempre coloque uma árvore como essa ao lado do objeto ou talvez corte um pouco da moldura se não quiser chamar a atenção para ela. Além do enquadramento, o fundo também nos diz onde estamos. Em uma foto média como essa, o assunto é muito proeminente nas fotos e não vemos muito do fundo, mas sentimos que estamos em uma floresta ou em algum parque porque podemos ver árvores ao fundo. É por isso que nós, como cineastas, precisamos pensar sobre o que está acontecendo em segundo plano e o que queremos em segundo plano, o que melhor se encaixa na minha história? Faz sentido estarmos cercados por árvores ou é melhor entrar e ter uma sala de estar ao fundo? Isso cabe a nós decidir. Com esta lição, eu só queria que você conhecesse os antecedentes. Veja e pergunte a si mesmo se há ou não algo irritante e, se faz sentido, os elementos em segundo plano também precisam ser enquadrados adequadamente. Agora, vamos fazer uma pequena pausa. Pegue sua câmera ou até mesmo seu telefone e experimente algumas dessas técnicas de enquadramento. Pergunte a um amigo ou, se não houver ninguém disponível, basta preencher seu ursinho de pelúcia, praticar as fotos longas, médias e de perto enquanto segue a regra dos terços. Se você puder, ative até mesmo essa areia como uma sobreposição em sua câmera e, finalmente, veja o que você pode lidar com objetos em primeiro plano. Pratique um pouco e, quando estiver pronto, volte e continuaremos com o resto. 16. distância focal: Ei, bem vindo de volta. Existem dois tipos de lentes que você pode conectar à sua câmera. Ou é uma lente principal ou é uma lente de zoom. As lentes Prime têm uma distância focal fixa , como 50 milímetros. lente de zoom pode cobrir uma faixa inteira, por exemplo, de 24 milímetros a 70 milímetros. Girar o anel na lente permite ampliar ou, em outras palavras, alterar as distâncias focais. Agora, as lentes Prime tendem a ser de melhor qualidade, pois são mais fáceis de construir e manter essa melhor qualidade óptica. É por isso que elas são mais baratas do que lentes de zoom de igual qualidade. Essa é a história de fundo. Mas agora, quais são esses milímetros de que eu estava falando e como isso afeta nossas fotos? Bem, existem três diferenças focais distintas. Você tem um ângulo amplo. De uma forma extrema, podemos até chamar esse olho de peixe de normal, que está bem próximo de como vemos o mundo ou da distância focal de nossos olhos. Finalmente, tele, que é ampliado, podemos ver as coisas mais perto do que parecem na vida real. Agora, o olho humano fica em algum lugar a cerca de 50 milímetros. É por isso que uma lente de 50 milímetros é tão popular. Qualquer coisa abaixo disso é grande angular, então uma lente de 20 milímetros é mais ou menos assim. Uma visão de ângulo muito amplo. No lado oposto, lente de 100 milímetros é ampliada. Falamos sobre uma telefoto em fotos, e há muito mais acontecendo ao mudar a distância focal. Na verdade, vamos dar uma olhada em três efeitos colaterais diferentes que qualquer distância focal traz. Aqui temos uma visão média do nosso talento em distâncias focais de 100 milímetros. Aqui está a mesma foto novamente, um enquadramento médio de 20 milímetros. A primeira coisa que notamos é o fundo e, em fotos de grande angular, podemos ver muito mais do ambiente do que com a lente tele. Isso se deve ao campo de visão que muda. Começando em grande angular, temos um grande campo de visão e, à medida que aumentamos o zoom, ele se torna mais estreito. Fazer esse truque aqui com os braços realmente ajuda a visualizar o que acontece. Quando um plano de fundo é menos importante, talvez você queira ampliar um pouco mais, quando for mais importante e quiser mostrar mais do ambiente, talvez diminua o zoom e fique mais perto do assunto. É muito importante estar ciente disso. Não aumente o zoom porque é mais fácil, porque talvez a melhor opção seja diminuir o zoom e realmente ficar mais perto dos objetos. Esse mesmo efeito do campo de visão pode ser encontrado no próprio talento. Veja o que isso faz com o rosto. Ele expande mais o rosto em uma foto ampla e o comprime mais em uma foto tele. É por isso que fotos de beleza são sempre filmadas a 50 milímetros ou mais. Oitenta milímetros, por exemplo, é algo que muitas vezes é usado na moda porque faz você parecer mais bonita, mais agradável. Uma foto ampla faz você parecer engraçado e estranho, então você está filmando comédia ou algo mais sério como moda? Agora você sabe qual tipo de distância focal escolher. Essa foi a primeira coisa, campo de visão. A segunda coisa é a profundidade de campo, e já falamos sobre isso antes. Ter uma abertura aberta cria uma profundidade de campo mais rasa. A área que está em foco é menor. Agora, ao fechar a abertura desse campo de foco ou a profundidade de campo se torna maior, podemos colocar mais coisas em foco. A mesma coisa ocorre quando se amplia ou diminui o zoom. zoom reduzido, ou em grande angular, temos uma grande profundidade de campo, lentes de grande angular, como seu olho de peixe, para que você coloque tudo em foco. Essa é uma das razões pelas quais essas câmeras de ação como a GoPro têm uma lente tão grande angular. Não há opções de foco, então essas câmeras de ação precisam ter uma lente grande angular para que tudo esteja em foco. Mas quanto mais começamos a ampliar, menor a profundidade de campo. Muitas vezes, um operador de câmera fecha sua abertura um pouco mais ao filmar uma lente tele, é aí que você pode tornar seu campo de foco um pouco maior novamente, facilitando a manutenção das coisas. foco. Se você quiser alcançar essa profundidade de campo cinematográfica, basta filmar a partir de uma distância focal maior ou ampliar. Isso nos leva ao último efeito que a distância focal tem, que é a perspectiva do público. O público ou as pessoas que assistem seus vídeos veem tudo pela câmera. Isso é óbvio. Eles vivenciam a história que você está contando do ponto de vista da câmera. Agora, se filmarmos nossos temas à distância e aumentarmos o zoom, o público também sentirá que eles estão longe. Eles estão olhando para algo à distância e novamente, essa é uma técnica visual de contar histórias sobre a qual falamos antes. Olhar para algo à distância cria a mesma sensação. Agora não estamos envolvidos enquanto analisamos a situação, mas não fazemos parte da situação. Agora, em frente, poderíamos diminuir o zoom e ir para um ângulo amplo e ficar bem perto do objeto. De repente, o público fica bem ao lado do assunto. Eles fazem parte da situação agora. Durante uma cena de ação, o público também se sente em perigo. A distância focal permite que você coloque o público onde quiser. Uma ferramenta muito poderosa para contar histórias visuais. Tudo bem, então é assim que diferentes distâncias focais funcionam. Mas agora, quando você vai à loja e compra aquela lente muito bacana de 50 milímetros, pode notar que ela não se compara ao olho humano. Na verdade, pode ser mais tele. Parece talvez algo como 80 milímetros. Como isso é possível? Eu tenho mentido o tempo todo? Não se preocupe, eu não tenho. O fato é que , para ver a lente completa de 50 milímetros, você precisará, na verdade, de um sensor de quadro completo. Esse é o pequeno chip que fica dentro do corpo da câmera. Espere, deixe-me pegar um desses. Tem um certo tamanho físico. Quanto maior o tamanho, mais ela cobrirá a lente real. Se você tiver um sensor menor, estará capturando apenas uma parte menor dessa lente. Basicamente, você está recortando o vídeo. Agora, sensores full frame como este aqui são definitivamente uma coisa, mas algo como um sensor APS-H ou APS-C como esta câmera também são muito populares. Nesses sensores, os tamanhos podem ser encontrados em qualquer coisa como uma câmera Sony, Nikon e Canon, não importa. Em termos de tamanho, todos eles têm seu próprio sabor, mas tudo se resume aproximadamente à mesma coisa. Agora, o Micro Four Thirds também é um tamanho de sensor muito popular, que é ainda menor do que esse. Agora, eles estão nas câmeras Panasonic Lumix. Isso significa que, para ter uma visão de 50 milímetros, você realmente precisa comprar uma lente de 35 milímetros se sua câmera tiver um sensor de tamanho APS. A razão pela qual eu sei disso é porque eu posso pesquisar o fator de colheita. Este é um número multiplicador , como um e meio, que é para sensores APS-C. Uma lente de 35 milímetros vezes 1,5 se reduz a aproximadamente 50 milímetros em um sensor APS-C. Para um sensor Micro Four Third, você precisa multiplicar por dois. Você quer ver uma lente de 25 milímetros ou 24 milímetros, que é mais fácil de encontrar. Dessa forma, você pode ter esse campo de visão de 50 milímetros. Agora, para tornar isso ainda mais complicado do que já é, desculpe pessoal, eu não inventei isso, mas as lentes também podem ser feitas especificamente para um tamanho de sensor específico. Isso significa que você tem lentes full-frame, você tem lentes APS-C, você tem lentes Micro Four Third. Agora, o fator de colheita permanece o mesmo, então não há nada com que se preocupar, mas sua cobertura, por outro lado, é diferente. Uma lente APS-C é tão grande que cobre o tamanho de um sensor APS-C e tudo o que está abaixo. Mas isso também significa sensores Micro Four Third, mas não um sensor de quadro completo. Se você colocar uma lente APS-C em um sensor de câmera full-frame, começará a ver uma vinheta da lente real. Isso porque não é grande o suficiente para cobrir todo o sensor. É muito importante saber quando você vai procurar uma lente nova. Se você optar por comprar uma lente para um determinado tamanho de sensor, isso significa que você não poderá mais usá-la quando for comprar uma câmera no futuro, que pode ter um tamanho de sensor maior. Idealmente, você compra lentes full-frame, mas elas são muito mais caras. Eles são maiores e mais pesados. Essa é uma escolha que você deve fazer por si mesmo. Eu tenho um conjunto de lentes APS-C, já que maioria das câmeras utiliza esse tamanho de sensores. O quadro inteiro é usado com mais frequência em fotografia e não muito em videografia. Isso é o que você precisa saber sobre lentes. Se você tiver alguma dúvida, ou talvez esteja pensando em comprar uma lente nova ou algo assim, me avise na discussão abaixo, pessoal, e ficarei feliz em dar alguns conselhos sobre isso. 17. Posição da câmera: Agora, embora uma câmera possa ocupar qualquer posição, existem basicamente três diferentes. Você filma para mim, em ângulo baixo, ou vai de altura alta, ou vai acima dos olhos e tira uma foto alta? Isso significa que qualquer coisa abaixo da altura dos olhos é considerada uma foto de baixo ângulo. Qualquer coisa acima do olho é considerada um ângulo alto. Mas vamos começar com o ângulo baixo e por que você deve usar isso ou por que não deve. Agora, antes de tudo, a posição da câmera cria uma história visual. Isso diz algo sobre o personagem. Lembre-se de que o público sempre perceberá o vídeo que está assistindo da perspectiva da câmera. Falamos sobre isso antes ao colocar a câmera perto do talento ou longe. Agora, ao fotografar abaixo da altura dos olhos do talento, estamos olhando para o personagem. Eles parecem maiores na tela, mas também em status. De repente, meu talento é alguém que significa alguma coisa. Eles têm a vantagem, estão no controle, são os chefes. Mesmo ao filmar um pouco abaixo do nível dos olhos, você já está contando essa história. É por isso que é tão importante estar ciente disso. Agora, é claro, ficar um pouco abaixo do nível dos olhos não fará com que esse efeito seja tão proeminente, mas a diferença de status existe apenas um pouco. Agora, no caso extremo, falamos sobre uma perspectiva de vestimenta. Isso é usado quando você quer mostrar que seu personagem é o verdadeiro chefe, o fodão, aquele que tem tudo e controle. Então temos a altura dos olhos. É quando você se iguala ao seu público, torna seu personagem igual. Nada especial, uma posição de câmera neutra, frequentemente usada em entrevistas. Então, finalmente, temos a alta perspectiva. O personagem parece ser pequeno na tela e seu status também diminui. Estamos menosprezando os talentos. Eles parecem mais vulneráveis e, em casos extremos, podemos chamar isso até mesmo de perspectiva aérea. Agora, coisas bem compreensíveis, mas como implementamos isso em um projeto de vídeo? Bem, digamos que temos duas pessoas conversando uma com a outra. Um dos personagens é o funcionário e o outro é o empregador. O funcionário entra em contato com o chefe para pedir uma corrida. No início, o funcionário se sente vulnerável, um pouco de medo de perguntar. Fotografamos os talentos de uma perspectiva mais elevada. Ao fotografar um ombro acima do ombro, até vinculamos essa perspectiva à pessoa com quem o talento está falando. Quando o chefe começa a falar, mudamos o ângulo da câmera e fotografamos um pouco abaixo. O empregador tem motivos elevados. Eles podem tomar a decisão, mas, de repente, o funcionário intensifica o jogo. Trocamos as posições das câmeras e filmamos um pouco de baixo, fazendo com que o talento pareça mais forte. Talvez o funcionário esteja ameaçando se demitir, então o chefe pode ficar um pouco assustado. Fotografamos de um ângulo um pouco mais alto, fazendo com que o chefe agora se sinta vulnerável. Mas esse é um ótimo exemplo de como você pode definir e alterar o status de um personagem. Isso também se estende a trabalhos criativos ou vídeos de eventos. Certa vez, conheci um pequeno vídeo sobre alguém que faz artes de pintura com spray. Eu criei uma mistura de ambas as filmagens um ângulo baixo para fazê-lo parecer um grande artista, mas também de um ângulo alto para visualizar o quão pequeno ele é na frente da grande parede que ele está prestes a pintar. Isso nos diz algo sobre a tela na qual ele está trabalhando. Sempre pense na posição da câmera e no status que você deseja atribuir ao personagem ou aos talentos. 18. A regra dos 180°: A regra dos 180 graus é provavelmente uma das regras mais importantes para quem está começando a fazer filmes. No momento em que você tem duas pessoas conversando uma com a outra, pessoas conversando uma com a outra, podemos preencher isso de vários ângulos para tornar o vídeo mais interessante, como já aprendemos, podemos fazer duas fotos ou talvez por cima do ombro, talvez um tiro no escuro de um ângulo, talvez mude a posição da câmera e vá um pouco mais abaixo. Embora tenhamos a liberdade de colocar a câmera onde quisermos, você deve ter certeza de não desorientar o espectador. É aí que entra a regra 180. Você vê como cineasta, nós sabemos como é o local. Nós vimos isso com nossos próprios olhos e nosso cérebro pode imediatamente dizer onde tudo está. Mas o público só vê a localização fiel à da câmera. Isso é algo muito importante que você deve conhecer. Podemos desenhar uma linha invisível entre os dois personagens, estamos cortando na direção em que eles estão olhando, dividimos em duas partes, ambas, 180 graus, é daí que vem o nome. Agora, é importante escolher um desses sites e ficar lá. Isso significa que podemos colocar a câmera aqui e depois cortar nesse ângulo ou aqui. Mas você não pode misturar fotos de um site com o outro. Isso vai desorientar o público. Deixe-me mostrar por que isso acontece. aqui, o talento está olhando para o lado direito da moldura. Enquanto permanecermos do lado da regra dos 180 graus, o talento continuará buscando os direitos. Mas quando ultrapassamos a linha, o talento agora, de repente, olha para a esquerda. Para o público, parece que o talento mudou , mas eles não mudaram. Isso fica ainda mais confuso com duas pessoas. Um está voltado para a direita enquanto o outro está voltado para a esquerda. Isso é normal, pois eles estão na frente um do outro. Mas quando cruzamos a linha, direção de visão deles agora é diferente e perdemos a sensação de que eles estão na frente um do outro. Essa regra também se estende a locais diferentes onde temos os mesmos assuntos, como dirigir um carro. Se o carro se afastar de um lugar, escolhemos uma determinada direção. Normalmente, da esquerda para a direita, ao seguir aquele carro ou tirar várias fotos dele em locais diferentes, nos certificamos de permanecer do lado da regra 180. Dessa forma, o carro sempre dirige da esquerda para a direita, independentemente da localização. Se você fosse atirar do outro lado, o carro dirigiria para o outro lado. Agora parece que ele girou em algum lugar entre dois tiros. É por isso que é tão importante filmar de um lado da regra de 180 graus para manter seu público orientado. No entanto, às vezes você quer desorientar o público. Pense em uma cena de luta. Obviamente, é uma luta falsa e você quer evitar isso, o espectador vê isso. Saltaremos constantemente a linha de 180 graus para desorientar o público e encobrir os erros. Mas isso também cria caos e confusão que se encaixam na cena. É uma forma de contar histórias visuais. Quebrar as regras do cinema às vezes é melhor, mas você só pode quebrar as regras se as entender primeiro. É por isso que quero que você siga primeiro a regra dos 180 graus, faça algumas fotos e as edite juntas, veja como isso influencia sua cena. Depois de pegar o jeito, você estará pronto para quebrar essa regra. É claro que, por um motivo específico, tudo o que você faz no cinema precisa ter um motivo. Obrigado por assistir. 19. Movimento de mão: Movimentos da câmera portátil. Estamos começando a ter uma ideia de como funciona a produção de filmes. Nós cobrimos a maioria das regras, então estamos prontos para começar a filmar. Para a maioria das pessoas, o começo é simplesmente segurar a câmera nas mãos. Absolutamente nada de errado com isso. Até mesmo grandes produções de Hollywood são muitas vezes filmadas em dispositivos portáteis. No entanto, fotografar com a mão é uma escolha e não algo que você faz apenas porque é conveniente. Como falamos antes, o público percebe seu vídeo por meio da câmera, e a sensação que você dá ao público depende do que a câmera está fazendo. Assim, sacudir um pouco a câmera dará uma sensação diferente ao público do que se você filmasse com dará uma sensação diferente ao público do um tripé resistente. O portátil é mais dinâmico, mais agressivo, mais vivo, mais enérgico e divertido. Uma cena de ação, como uma perseguição de carro ou uma cena de luta, é, portanto, mais frequentemente filmada de forma portátil. Se houver uma pressão de tempo, por exemplo, uma ação simples, como discar um número e ligar para alguém, pode ser filmada de forma portátil para enfatizar o clima. Mas também coisas como uma entrevista, que precisa parecer mais casual e pessoal, que também podem ser filmadas à mão. Muitos casos de uso diferentes. Obviamente, há uma diferença nos tipos de movimento portátil. Você pode fazer movimentos grandes e rápidos ou movimentos suaves e lentos. Quando uma cena de luta recebe muito mais movimento da câmera, para torná-la mais agressiva, uma entrevista casual obterá um movimento portátil mais suave e suave para torná-la mais dinâmica. Mas em qualquer caso de movimento portátil, ele está sempre sob controle. Vamos examinar dois extremos, uma cena de luta e uma entrevista casual. Começando com aquela entrevista. A ideia não é chamar a atenção para o movimento da câmera, mas sim para o talento e sua história. Você quer começar encontrando uma posição confortável para poder filmar por muito tempo. Provavelmente, você fotografa com uma dessas câmeras SLR. Segure-o com a alça e apoie o corpo com as outras mãos, assim. Seus cotovelos vão para o peito ou a barriga. Importante é a sua coluna. Não se incline para trás assim, como se a cena estivesse acontecendo o tempo todo. Se você precisar se recostar assim por algum motivo, simplesmente fique em pé e dê um passo para trás. É a mesma coisa. Fique de pé com os dois pés, firme no chão, e agora você está pronto para fotografar. Movimentos portáteis casuais não precisam ser feitos de propósito. Já está lá. Simplesmente inspire e expire e deixe sua câmera se mover com sua respiração. Conforme você inspira, a câmera sobe e, quando você expira, a câmera desce. É claro que estou exagerando um pouco. Mas você entendeu a ideia. Aqui está um exemplo melhor. Continue se concentrando no enquadramento. Você quer evitar que seu enquadramento suba e diminua. Faça isso gentilmente. Em um exemplo mais extremo, como uma cena de luta, você quer fazer movimentos pequenos, mas rápidos, ao redor do objeto. Você mantém a mesma pose assim, mas segue o fluxo dos assuntos. Quando eles fazem um movimento específico, você pode seguir esse movimento, geralmente para tornar seus impactos mais poderosos. Mas é importante que você se encaixe em um objeto, faça um enquadramento correto e faça movimentos pequenos e rápidos. Quando você está trocando de assunto durante uma foto, você faz um movimento rápido até ela e se encaixa nos novos objetos. É esse encaixe de um objeto para outro, que torna seus controles de movimento portáteis. Dê ao seu público tempo para entender o que está vendo. Portanto, não se afaste do assunto muito rápido. Falaremos mais sobre suportes de câmeras como os tripés, mais adiante nesta aula. Para começar, usar o dispositivo portátil é definitivamente uma boa ideia, desde que você esteja fazendo isso de forma correta e controlada. Obrigado por assistir. 20. câmera lenta: Ao fotografar a 60 quadros por segundo, você pode adicionar câmera lenta a ela, pois pode esticá-la para 30 quadros por segundo. Já falamos sobre isso antes na lição sobre taxas de quadros. Mas, além dessa explicação técnica, também existe uma regra criativa. Quando devemos filmar em câmera lenta e qual é o impacto que isso tem em nosso vídeo? Nosso talento salta sobre uma pedra, vimos o que acontece, mas não vimos os detalhes porque foi muito rápido. Vamos filmar isso de novo, mas desta vez em câmera lenta. Isso dá ao público tempo para ver mais detalhes, por exemplo, qual expressão é a criação de talentos? Se há nebulosidade no ar? Qual é a posição do corpo deles, etc? Automaticamente, o espectador começará a ver esses detalhes porque parece que estamos tendo mais tempo para ver, mesmo que o clipe em si não seja realmente mais longo. Essas são as partes interessantes. Uma foto normal de close-up em que nem mesmo algo emocionante está acontecendo. Em tempo real, vemos uma pessoa, um clipe de cinco segundos. Agora vamos mostrar a mesma foto, também com cinco segundos de duração, mas em câmera lenta. O público começará automaticamente a prestar atenção aos detalhes e ao rosto. Como olhamos mais profundamente para o rosto de alguém, percebemos suas emoções muito mais. Nessa foto, o talento inclina a cabeça para cima. Nada de especial, quando jogamos isso em câmera lenta, de repente a emoção deles fica mais forte. Dependendo da história que você está contando, você enfatizará isso. Essa é a essência do que a câmera lenta faz. Nem sempre precisam ser tomadas de ação rápida, mesmo pequenos movimentos ou emoções do personagem podem ser aprimorados com câmera lenta. Portanto, não o use o tempo todo, mas use essa técnica poderosa com sabedoria. 21. imagem de cobertura, B-roll: O nome B-roll vem dos velhos tempos em que você tinha um rolo de filme real dentro da câmera. A câmera principal tinha o A-roll. Aqui está. A segunda câmera tinha o B-roll. Agora esse nome continuou por aí. Mas é claro que a função da câmera B-roll não mudou muito. Agora, não se preocupe, você não precisa de uma segunda câmera real. Na verdade, você poderia fazer um vídeo inteiro com apenas fotos B-roll. Vamos começar de forma simples, uma entrevista. O talento que está falando na câmera é filmado com o A-roll. Normalmente nos referimos a ela como a câmera principal. A câmera B-roll geralmente fica mais nas laterais, tomando um enquadramento diferente. Agora, isso não é necessário, mas torna a entrevista mais dinâmica. Essa câmera B-roll pode até tirar fotos das mãos do talento. Isso significa que se você tiver apenas uma câmera, poderá tirar essas fotos após a entrevista. Você pode editá-los de forma que pareça que os gestos com as mãos para o B-roll foram feitos durante a entrevista. Mas o B-roll também pode ser fotos tiradas fora da entrevista ou da mensagem principal que você está apresentando. Por exemplo, temos novamente aquela entrevista, mas depois mostramos clipes do que a pessoa está falando, que podem ser filmados em um local diferente, talvez até mesmo alguns clipes de estoque. Outro exemplo é quando você corta para uma sequência B-roll após uma entrevista. A música começa de repente e você vê uma montagem de cenas criativas. O B-roll, em essência, faz com que seus vídeos pareçam mais dinâmicos. Eles não contam uma história direta ou, pelo menos, não são uma história importante, mas visualizam muita coisa, tornando seus vídeos mais agradáveis de ver. É como nesta aula, eu também pudesse conversar o tempo todo sem mostrar nada a vocês. Você obtém todas as informações, mas seria muito chato. Todos os exemplos que mostro são B-roll, o que torna essa aula mais interessante. Mas, como eu disse antes, um vídeo também pode existir apenas com imagens B-roll. Pense em um vídeo criativo, talvez em um vídeo de viagem. Você toca uma música de fundo e mostra uma boa edição de fotos do B-roll. Não há fotos incríveis, como uma entrevista, um monólogo ou algo assim. Agora, às vezes o B-roll é tão curto que também podemos chamá-lo de injeção de inserção. É basicamente B-roll, mas tem um propósito específico. Temos alguém olhando aqui um objeto deitado sobre a mesa, e o que um cineasta costuma dizer é: vamos inserir um gráfico desse objeto. Você fará um close-up disso e o editará de forma que passe de um tiro no escuro até o close-up desse objeto. Então volte para o tiro no escuro. Parece que você inseriu um tiro no meio. Esse tipo de tiro B-roll é frequentemente usado para mostrar mais detalhes sobre algo que é importante. Ele adiciona informações adicionais à cena. Enquanto o B-roll normal pode não ser tão importante, uma foto inserida é. Finalmente, temos o cutaway, também uma forma de B-roll, mas, novamente, um caso de uso muito específico. cortes são basicamente inserções que não são tão importantes, como as mãos da pessoa que fala durante uma entrevista. É B-roll, mas mais especificamente chamado de cutaway. Isso também pode ser uma cena totalmente diferente sobre algo sobre o qual a pessoa está falando. Mas é sempre uma chance. Nós nos separamos por um breve momento do A-roll. Quando você tem mais fotos, basicamente, pequenas edições, não chamamos mais isso de recorte, apenas uma sequência B-roll. Agora isso foi um pouco complicado, não me culpe. Esses são termos cinematográficos inventados antigamente. É bom saber que essas coisas existem. Sequências B-roll, inserções e cortes, mas você também pode nomear todas elas como B-roll. Não há nada de errado com isso. Apenas certifique-se de pensar B-roll ao filmar um projeto. Não saia da filmagem depois da entrevista, do diálogo ou do que quer que seja feito. Sempre pense nas fotos extras que você precisa para tornar suas edições mais dinâmicas e interessantes, as fotos B-roll. Antes de terminar esta lição, gostaria de mencionar novamente um recurso muito útil, o Storyblocks, sobre o qual também falei antes. Mas uma biblioteca de ações como essas é muito útil, esquisita, não tem o B-roll certo. Storyblocks tem mais de um milhão de clipes de estoque isentos de royalties e resolução HD e 4K. Isso significa que você pode usar seus downloads até mesmo para fins comerciais, o que é ótimo. Às vezes eu sinto que não filmei B-roll. É um erro que todo mundo comete em alguns momentos. Você pode corrigir isso baixando um vídeo de estoque. Ou talvez você precise de uma foto inserida. Você pode se filmar virar para olhar para um relógio, por exemplo, mas não tem aquele relógio sofisticado. Basta pesquisar o relógio em Storyblocks e usá-lo como imagens inseridas. Aí está você. Você sempre pode conferir Storyblocks. Novamente, deixarei um link aqui nas notas da aula se você quiser conferir mais informações. 22. Filme pensando na edição: O único problema com a unidade de armazenamento da minha câmera aqui é que uma dessas luzes aqui funciona com baterias. Isso significa que eu preciso pensar sobre isso para mudar essa luz, que eu esqueci totalmente. Isso faz de mim um mau cineasta? Não, porque um bom cineasta começa com a edição e depois grava seus vídeos. Eu sei que parece impossível, mas me escute. Você deve preencher uma ação simples, como se alguém estivesse despejando um copo de água e depois bebesse. Antes mesmo de pressionar o botão de gravação em sua câmera, você deve pensar primeiro em as edições. Digamos que você filmou tudo de um ângulo, você basicamente tem apenas um tiro. Na edição, você notará que realmente não pode fazer muito com isso. Como operador da câmera, você precisa fazer fotos que o editor possa usar. Ou se você mesmo for o editor, certifique-se de não ficar com raiva de si mesmo por não tirar fotos suficientes. Como você faz isso? Bem, você divide cada cena ou ação em várias cenas. O importante é que você sempre faça enquadramentos diferentes. Por exemplo, você começa com um tiro no escuro quando o [inaudível] pega a garrafa e, em seguida, faz um close de despejar a água no copo. Em seguida, você dá um passo atrás para tirar fotos médias da bebida [inaudível] daquele copo. Dividimos a ação em três disparos. Isso significa que também podemos brincar um pouco com a duração da cena cortando mais rápido, toda a ação se torna mais rápida ou podemos tornar a cena inteira mais longa. Estamos dando a nós mesmos ou ao editor opções de edição. Isso é o que você sempre quer tentar fazer fazendo três cenas individualistas da cena. Agora, é claro, pode haver mais fotos que dependa de você. Agora, não poderíamos simplesmente fazer três tiros de longe, por exemplo, não seria mais fácil? Você tira uma foto desse ângulo, uma daqui e outra de lá. Todos os tiros de longe. Infelizmente, fotos como essas não cortam. Você está indo do mesmo enquadramento para outro. O que acontece são cortes de salto. Vemos um salto no movimento ou, em outras palavras, o espectador percebe os cortes e todo momento, você quer evitar isso. Embora seja definitivamente mais aceitável nos dias de hoje no cinema profissional, cortes ainda precisam ser evitados, a menos que haja uma escolha criativa. Você pode basicamente quebrar qualquer regra de produção cinematográfica, mas precisa de uma boa razão **** para isso. Para cada foto seguinte, você muda seu enquadramento. Tiro médio, close up, tiro médio, tiro longo, close up extremo, tiro médio longo, close up, tiro longo, etc. Acho que você entendeu. Agora, digamos que você seja convidado a filmar um evento de negócios. Há todo tipo de coisa acontecendo e poderíamos filmar alguns lançamentos de novos produtos ali no outro canto, os convidados estão chegando. Há um bar onde eles fazem coquetéis. Para cada cena, você faz fotos suficientes e, quero dizer, enquadramentos diferentes. Também é mais fácil cortar de uma cena para outra e é menos provável que você acabe com cortes de salto. Entender isso me leva à segunda parte desta lição. Fotografar para a edição também significa procurar ganchos interessantes. Na verdade, eu filmei muitos eventos de negócios quando comecei com. É algo que eu costumava fazer é tirar uma foto de uma sala de jantar vazia. Mais tarde , à noite, eu tirava as mesmas fotos de alguma forma do mesmo ângulo e enquadramento quando a sala estava cheia de pessoas. Eu sei que isso é um salto, algo que acabei de te dizer para não fazer. Mas eu tinha um motivo. Eu poderia acrescentar uma pequena falha na transição intermediária ou até mesmo mantê-la como um ponto de partida e adicionar uma praia à música embaixo. Achei uma ideia legal cortar de uma sala vazia para uma sala cheia. Agora, isso só foi possível tendo essa ideia de edição em mente enquanto eu estava filmando. Eu encorajo você a fazer exatamente a mesma coisa. Ao gravar um vídeo, pense em algumas transições interessantes que você poderia fazer ou talvez em uma sequência de fotos. Resumindo, sempre faça várias fotos da mesma cena que são filmadas em enquadramentos diferentes, mas também tente filmar algo que você possa usar de forma criativa em suas edições. O que ajuda é ver o trabalho de outras pessoas como uma inspiração. Se você se deparar com uma boa transição ou sequência de edição, anote-a e leve-a com você na próxima filmagem que o ajudará a lembrá-lo quais fotos você precisa tirar. 23. PRÁTICA: Já examinamos a maioria das regras fundamentais da produção cinematográfica. Está sendo processado muito e muito mais. Vamos sair agora e praticar o que aprendemos até agora. Se eu vou ser honesto, eu poderia usar uma pausa também, pessoal. Fazer filmes é uma jornada sem fim, mesmo depois de mais de 10 anos, ainda estou aprendendo coisas novas sobre cinema todos os dias. Não fique sobrecarregado com todas essas informações. Faça isso passo a passo e , o mais importante, aproveite essa jornada. A primeira coisa que eu quero que você faça é fazer um curta-metragem de ação. Com ação, eu literalmente quero dizer qualquer coisa. Isso pode ser cortar vegetais para fazer sopa, limpar o carro ou fazer jardinagem ao ar livre. Ações com script como essas permitem que você se prepare. Eu quero que você esboce um roteiro das diferentes fotos que você deseja tirar. Enquanto estiver preparando essas cenas, volte às aulas desta aula, especialmente as lições sobre regras de produção de filmes e narrativa visual. Tente pensar nisso o máximo possível enquanto estiver se preparando. Em seguida, peça a um amigo que seja seu talento e simplesmente siga seu próprio roteiro. Suas escolhas criativas já foram feitas, então você não precisa mais pensar nisso. Basta seguir esses storyboards. Isso permite que você preste atenção aos aspectos técnicos do cinema. As lições com as quais começamos, coisas como definir a exposição correta em sua câmera, foco, balanço de branco e outras coisas. Este é um ótimo exercício para praticar habilidades técnicas e criativas. Definitivamente, se você estiver fazendo isso com um amigo, não precisa se preocupar em fazer algo errado. Falando em fazer coisas erradas, eu realmente quero que você cometa um erro porque se você sempre tentar nunca cometer um erro, você se limitará. Atreva-se a experimentar e se atreva a cometer erros. Você só pode aprender coisas novas cometendo erros. Essa aula foi um grande erro. Você vem aprendendo muitas coisas novas. Isso saiu muito errado. Espero que estejam gostando, pessoal. De qualquer forma, saia agora e comece esse projeto de vídeo antes de continuar com a aula. Você pode publicar esse vídeo aqui no Skillshare, se quiser, e eu ou alguém da minha equipe o analisaremos para obter feedback. A aula ainda não terminou, também falaremos sobre ferramentas de câmera muito importantes na próxima lição. Mas eu aconselho você a praticar primeiro o que aprendeu até agora. Faça isso passo a passo. Obrigado por assistir e nos veremos de volta em breve. Vou colocar um café novo na minha caneca. [RISOS] 24. Filtros ND: Ei, bem vindo de volta. Espero que você tenha gostado de fazer seu primeiro vídeo, mantendo as regras de produção de filmes em mente. Acredito que ainda temos cerca de seis aulas , que serão sobre [inaudível] e suportes de câmera. Quando você se sentir mais confortável com a produção de filmes, você rapidamente começará a investir em mais alguns equipamentos. Infelizmente, já vi muitas compras erradas de cineastas iniciantes. É por isso que eu gostaria de dar alguns conselhos sobre isso, mas também ensinar como usar corretamente algo como um tripé, por exemplo. Mas vamos começar com o filtro ND primeiro. É provavelmente a primeira coisa que eu recomendo comprar, pois você está pronto para gastar um pouco mais de dinheiro. O filtro ND é um pedaço de vidro muito simples, um filtro redondo que é parafusado na lente. ND significa densidade neutra, mas essencialmente esses são óculos de sol para suas lentes. O objetivo desse filtro é bloquear a luz. Mas por que precisamos disso? Podemos fechar a abertura se o vídeo estiver muito claro? Claro que você pode. Mas também aprendemos sobre os efeitos colaterais que a abertura traz, que é uma maior profundidade de campos. Uma foto simples como essa tem quase tudo em foco. O primeiro plano simplesmente não está separado do plano de fundo por causa disso. Se tivéssemos a capacidade de bloquear a luz através de um filtro ND, podemos abrir a abertura novamente, tornando a profundidade dos campos mais rasa e, assim, obter uma foto mais cinematográfica. Isso já vai diferenciar seus vídeos dos demais. Agora, como o filtro ND foi projetado para bloquear uma certa quantidade de luz, também existem diferentes tipos de filtros ND. Agora, a quantidade de luz que eles bloqueiam é anotada em seu número ND. Quanto maior esse número, mais luz está sendo bloqueada ou mais fortes são seus óculos de sol. Começando com o ND2, que bloqueia metade da luz. Ou em outras palavras, deixa passar metade das luzes. O ND4 permite que um quarto ou 25% das luzes passem. Se pularmos alguns números adiante, um ND100 só deixa passar um por cento das luzes. Na verdade, é bem fácil. O número ND se refere à fração, então um ND16, vamos passar por um décimo sexto das luzes. Então, há uma coisa que eles tornaram fácil de entender. Mas agora que sabemos a matemática por trás desses filtros de ND, qual filtro de ND realmente precisamos agora? Porque metade ou um quarto da luz é algo que não é fácil de visualizar. Bem, os filtros ND são mais frequentemente usados em ambientes externos, onde há muitas luzes. Nesse caso, você estará olhando principalmente para um ND8 dias nublados e depois ND32 para quando o sol estiver alto em um céu claro. Conjuntos populares de NDs , portanto, geralmente consistem em um ND8, um ND16 e um ND32. Às vezes, também há um ND64 lá. Antes de perguntar, você pode parafusar vários filtros ND em sua lente? Embora não seja recomendado. Sim, você pode. A razão pela qual não é recomendado, e vou retirar os filtros ND do estojo que não pensei, é porque a luz tem que passar por dois pedaços de vidro. Portanto, quanto mais pedaços de vidro a luz passar, mais a qualidade óptica diminui e você começará a ver coisas como fantasmas ou uma imagem mais suave. É por isso que esses filtros ND fixos são tão populares. Eles geralmente oferecem a melhor qualidade óptica. É como uma lente primária, como já falamos antes. Como esta aqui, uma lente fixa de 50 milímetros geralmente tem melhor qualidade do que uma lente de zoom com aproximadamente o mesmo preço. Isso ocorre devido à necessidade de mais elementos de vidro em uma lente de zoom, portanto, a qualidade diminui. Porém, tome isso com um grão de sal. A tecnologia chegou muito longe nos dias de hoje. As lentes de zoom são definitivamente uma ótima escolha. Agora, com filtros ND como esse, temos a mesma coisa acontecendo aqui. Isso aqui é um filtro ND variável. Essas são as lentes de zoom dos filtros. Eles consistem em dois filtros e mais específicos para filtros polarizadores, para que você possa girá-los e, assim, eles deixarão passar mais ou menos luz, não é legal? Deixe-me segurar isso aqui na frente dessa luz para que você possa ver o que ela realmente faz. Isso não é incrível? Basicamente, você obtém uma faixa de cerca de ND2 a ND400. Na verdade, você nem precisa mais pensar nos números inteiros do ND e na quantidade de luz que ele bloqueia ou deixa passar. Basta girar o filtro, olhar para o monitor, ficar de olho no histograma e pronto. Por causa dessa simplicidade, eu também sugiro que você compre um desses. Na verdade, a única vez que trabalho com filtros ND fixos como este, é quando eu gravo conteúdo com script que tenho tempo para trocar filtros e realmente quero obter a melhor qualidade possível. Isso geralmente ocorre durante um curta-metragem, por exemplo. Mas, para todo o resto, eu uso um filtro ND variável. Então você escolheu seu filtro ND, bom trabalho. Mas agora vem o tamanho do diâmetro; 73 milímetros ou 77 ou talvez 82. Esse é o tamanho do filtro que ameaça aqui na parte traseira. Ao olhar para a lente, você deve ver um símbolo como este com um número ao lado. Isso se refere ao tamanho do filtro que sua lente tem. Mas então você percebe que suas outras lentes têm tamanhos de filtro diferentes. Você compra dois filtros ND agora? Claro que não. É melhor comprar um filtro ND com um diâmetro grande, por exemplo, 82 milímetros. Esse é o tamanho que geralmente é escolhido. Você pode parafusá-los na lente, mas não consegue encontrar adaptadores para ajustá-los. Eles são chamados de anéis elevadores, você passa de um tamanho de filtro para outro. Esses anéis, aqui, custam apenas alguns dólares, então eu equipei todas as minhas lentes com eles. Como aqui, você pode ver que vamos de 52 milímetros para 82 milímetros. Dessa forma, posso encaixar esse filtro ND muito grande em uma lente muito pequena. Eu só tive que gastar dinheiro uma lente ND e ela se encaixa em todas as minhas lentes. Essa é a história do filtro ND. Resumindo, recomendo comprar um filtro ND variável de 82 milímetros e obter anéis elevadores para cada lente que você tenha. É a solução mais barata e versátil. 25. O tripé: Os tripés. A forma mais básica de suporte de câmera até agora é muito mais complexa do que a maioria dos aspirantes a cineastas pensa. Essencialmente, você tem três tripés: os de plástico baratos, os tripés fotográficos e, em seguida, os tripés de vídeo. Agora, já podemos eliminar esses tripés de plástico baratos. Vinte dólares parecem um bom negócio para um tripé, mas na realidade, você está jogando esses 20 dólares fora. Em seguida, ficamos com o tripé fotográfico e o tripé de vídeo. Um tripé fotográfico geralmente é muito leve. Ele tem um design simples e mantém as câmeras pequenas robustas. Eles são feitos para armazenar câmeras fotográficas, que também podem ser sua câmera de vídeo. Mas se você está planejando construir sua SLR como fizemos com nossa Panasonic Lumix GH5, esse tripé fotográfico pode não ser mais tão forte. A liberação rápida é estranha. A câmera se encaixa nos tripés e é bem pequena em tripés fotográficos. Câmeras maiores , portanto, se mexerão mais. Agora, um tripé sempre consiste em duas partes. Você tem as pernas e a cabeça. Você pode realmente comprar essas duas coisas separadamente, se quiser. Às vezes você gosta de uma certa cabeça e de um conjunto de pernas muito específico. Você pode então combiná-los, muito fácil. Agora, a cabeça de um tripé tem três eixos. Você pode dobrar, o que é um movimento horizontal, inclinar o que vai verticalmente e, finalmente, inclinar ou rolar a câmera. Isso é necessário para fazer fotos verticais. O vídeo profissional quase nunca é exibido na vertical, então é por isso que um tripé de vídeo só pode dobrar ou inclinar. Agora, olhando mais de perto da cabeça do vídeo, você pode ver que ela tem uma base muito maior, uma base de liberação rápida muito maior. Na verdade, nos segmentos mais avançados de câmeras de vídeo e cinema, podemos até encontrar tripés como esse. Veja o tamanho [RUÍDO] dessa placa de liberação rápida. Isso definitivamente fará com que nossa câmera fique resistente. Há uma razão pela qual existe um tripé de vídeo porque o vídeo se move, então um tripé de vídeo é projetado para fazer fotos em movimento, enquanto um tripé fotográfico é projetado para fazer fotos estáticas. Na verdade, também vamos ignorar o tripé fotográfico. Agora, vamos dar uma olhada mais de perto no tripé de vídeo. Deixe-me pegar esse. Esse é um pouco mais leve. Você encontrará três controles aqui. Existem os controles de arrasto ou atrito, o contrapeso e as travas. Agora, nem todos os tripés de vídeo têm todas as três funcionalidades e é aí que está a diferença de preço. Agora, as fechaduras geralmente estão sempre lá. Você pode encontrá-los aqui em seu controle de panela, bloqueando isso. Isso garantirá que você não consiga mais planejar. A mesma coisa com a inclinação também. Se você trancar isso, não poderá mais inclinar. [RISOS] Observe que o arrasto ou o atrito devem ser fluidos e você pode encontrar isso na descrição dos tripés. Se você não consegue encontrar as palavras cabeças fluidas , elas não têm esse recurso. Um recurso que é essencial. Uma cabeça de fluido possibilita que você faça movimentos de curvatura e inclinação dos fluidos. Em tripés mais baratos, isso às vezes é embutido na trava de seus tripés. É uma forma de fazer essa chatice. Quanto mais você bloqueia, você arrasta, mas não é muito bom arrastar. Se você quiser fazer movimentos muito pequenos e suaves, ter um arrasto maior torna mais fácil fazer isso. Faça com que suas câmeras também precisem de mais arrasto ou atrito. Embora pareça uma boa ideia, o controle de bloqueio de fluidos não é tão confiável. Depois de um uso moderado, você também encontrará rapidamente problemas em que, por exemplo, o controle da panela pode avançar. Ou mesmo quando você bloqueou quase totalmente uma panela, você ainda pode movê-la e não é suficiente arrastá-la. Idealmente, você deseja ter um controle de arrasto e uma trava separados. Girar essa roda também adiciona mais resistência à panela, para que eu possa fazer movimentos mais precisos. Onde eu preciso fazer movimentos mais rápidos, posso simplesmente diminuir o arrasto. Um tripé como esse durará muito mais, embora seja um pouco mais caro. Cabe a você decidir qual deles comprar. Finalmente, temos o contrapeso. Esse é o recurso que nem todos os tripés de vídeo têm e geralmente é necessário apenas para o que tem suas câmeras. Porém, se seu orçamento permitir , adquira esse recurso pois isso deixará seu tripé pronto para uso em talvez uma câmera futura que seja mais pesada. Um tripé não é um dispositivo eletrônico, então pode durar toda a vida. É por isso que eu não reduziria algo assim. O contrapeso é uma mola nas cabeças que se empurra para trás quando está sendo inclinada. Você tem diferentes configurações de pontos fortes aqui. A ideia é colocá-la na quantidade certa para que sua câmera fique sempre na posição em que está inclinada sem precisar usar a trava. Na verdade, isso é necessário para evitar tremores da câmera quando você precisa preenchê-la de um ângulo e fazer esforços para manter as câmeras paradas. É por isso que esse é um recurso opcional que é mais importante para câmeras mais pesadas. Agora, vamos dar uma olhada nas pernas, que vêm com ou sem um espalhador, que estão bem aqui no meio. O espalhador garante que as pernas permaneçam no lugar e apenas torna tudo mais resistente em geral. Agora, existem espalhadores médios como este aqui, mas também existem espalhadores de solo ou espalhadores de fundo, como o tripé pesado aqui. Ambos funcionam bem, mas eu sugiro comprar um espalhador médio porque se você tiver uma superfície irregular, esse espalhador não atrapalhará quando você colocar o tripé em algum lugar, como em uma escada ou quando há muitas pedras em locais abertos. Os espalhadores de fundo são realmente usados em ambientes de estúdio onde você sempre tem uma superfície plana. Por fim, vamos dar uma olhada na conexão entre as pernas do tripé e as cabeças de vídeo. Você pode ter uma cabeça de tigela, também chamada de meia tigela, ou suportes planos. Na maioria dos casos, eles têm tigelas das cabeças e também podem ser retiradas, de forma que você tenha duas em uma. Nos padrões da indústria, sempre trabalhamos com cabeças de tigela. Existem algumas exceções em que um suporte plano vai diretamente para as pernas, mas eu não recomendaria isso. A melhor coisa sobre as cabeças da tigela é que elas são colocadas com qualquer tigela das pernas e na parte inferior você pode então prendê-la no lugar. Ter essa tigela permite nivelar as cabeças de vídeo como você pode ver. Quase sempre há algum tipo de ferramenta de nível e uma blusa para ajudá-lo com isso. Isso significa que você pode estender as pernas dos tripés muito rapidamente da maneira que quiser. Você não precisa se preocupar se o tripé está reto ou não. Você pode simplesmente usar uma fechadura aqui na parte inferior. Use as cabeças da tigela para nivelar sua câmera. As cabeças das tigelas vêm em dois tamanhos, 75 e 100 milímetros. Você sempre pode adaptar um 100 a 75, assim como acontece com os incrementos de que falamos antes. Mas você não pode ir de 75 para 100. Novamente, isso é algo a ter em mente. Essa é uma história sobre os tripés. Na próxima lição, falaremos sobre quando usar um tripé e também tenho um exercício muito bom para você praticar panorâmica e inclinação. 26. Panning e Tilting: Um tripé nos permite fazer movimentos horizontais ou fazer uma curva ou um movimento vertical, seja, inclinar. Agora você pode ver o tripé como o oposto do portátil. O portátil é considerado mais dinâmico, divertido e às vezes caótico. Tem uma forma de realidade. Você mostrou mais a profundidade de uma cena por causa do movimento da câmera. Uma foto estática de tripé tem o efeito oposto. É estático, mas também forte e confiante, limpo, podemos criar movimentos bronzeando ou inclinando, mas esse é um movimento controlado. As cenas filmadas em um tripé são mais relaxadas. Na verdade, você pode misturar essas cenas para contar histórias. Digamos, temos alguém sentado em uma vítima lendo algo. Fotografamos isso com um tripé porque é um ambiente descontraído. Mas então, de repente, o chão começa a tremer, talvez um terremoto. O tom da cena muda para mais dramático e para enfatizar que usamos dispositivo portátil e adicionamos um pouco de movimento à câmera. Há uma razão pela qual estamos optando filmar em um dispositivo portátil ou em um tripé. Isso é algo muito importante ter em mente. corporativo geralmente é filmado em um tripé porque mostra confiança. É como ficar com os dois pés firmes no chão. No entanto, a configuração leva algum tempo. Você precisa trazer esse tripé. Você o configuraria na altura correta, conectaria sua câmera a ele, etc. Você pode usar o dispositivo portátil, mas a razão pela qual está usando dispositivo portátil não é por contar histórias, mas porque é mais conveniente para você e essa é uma escolha errada. A razão pela qual digo isso é porque esse é um erro que muitas vezes é cometido. Já vi isso muitas vezes em pequenas produções, onde elas começam a filmar em um tripé, mas à medida que o dia avança, elas começam a filmar em dispositivos portáteis para economizar tempo e serem mais rápidos. Pense em qual técnica de filmagem beneficia melhor sua história ou projeto. Agora vamos começar a planejar e inclinar. É importante que você pratique para começar e realizar esse movimento sem problemas. Depois de começar com uma panela, por exemplo, você deve continuar. Não parece bom se você se vê se adaptando. Se você perceber que está indo rápido demais, simplesmente diminua a velocidade até que o assunto se atualize. Embora pareça tão simples, panoramismo e a inclinação são algo que precisa ser praticado. Aqui está a melhor maneira de fazer isso. Pegue nove folhas de papel e pendure-as na parede. Cada papel é numerado de 1 a 9. Agora, amplie. Você só tem um papel na moldura. A ideia agora é, para começar , passar de um número para outro. Tente começar suavemente, continue com um movimento sólido e pare sem precisar reajustar o enquadramento. Depois disso, você também faz a mesma coisa para inclinar. Quando você se sentir pronto, vá para os lados, inclinando e inclinando ao mesmo tempo. Agora é realmente bom ter alguém atrás de você gritando um número. Dessa forma, é mais uma surpresa e você aprenderá a agir mais rápido, mantendo um movimento suave. Além disso, experimente diferentes níveis de atrito. Os movimentos lentos tinham um atrito muito maior permitindo que você fizesse movimentos muito suaves. Se você quiser ir mais rápido, você precisa diminuir o atrito, tentar encontrar um bom ponto de atrito que seja muito suave , mas permita que você faça movimentos rápidos de inclinação e inclinação. Os níveis de atrito não precisam ser os mesmos tanto para a panela quanto para a inclinação. Na verdade, às vezes é uma preferência pessoal quando alguém gosta de ter um atrito maior, outra pessoa pode não. O nível de atrito também pode ser completamente desligado. Falamos sobre atirar com a cabeça solta. Obviamente, você verá muito mais tremores na câmera, mas é exatamente isso que você quer. Na verdade, é uma forma de fotografar com a mão, mas é um movimento portátil mais controlado porque o tripé está ancorado em um ponto fixo. Faça bem os exercícios de pan e tilt com a cabeça solta, tente fazer movimentos suaves. Definitivamente, quando você começar e parar , vai ser muito mais complicado. Fotografar com a cabeça solta também oferece a possibilidade de alternar melhor entre as fotos semissintéticas e os movimentos mais pesados. Também é mais fácil seguir alguém em um tripé enquanto tem aquela sensação de ser portátil ou você pode ver isso como uma foto portátil preguiçosa, mas não a vê tão negativa. Não há nada de errado em atirar com a cabeça solta. Na verdade, ele tem seus próprios benefícios. Então saia agora e pratique os movimentos do tripé com essa técnica de nove papéis. Estou ansioso para vê-lo de volta na próxima lição. 27. O equipamento da câmera: Existem basicamente dois tipos de câmeras. Você tem, as câmeras de cinema, geralmente são muito grandes e têm muita severidade e parecem frontões saindo em todos os lugares. Então você tem a câmera de vídeo, como aqui. As câmeras de vídeo geralmente têm boa ergonomia e tudo está embutido. Funciona direto da caixa. As câmeras de vídeo ou filmadoras vêm em tamanhos pequenos, mas também grandes. Já vimos isso anteriormente com aquele ali. Essencialmente, eles são os mesmos. código de entrada de um filme de dívida de tijolos é áudio. Mas então, um dia, esse amiguinho aqui apareceu a SLR ou a câmera fotográfica, que aparentemente pode escolher vídeos de alta qualidade. É provável que você tenha um desses. Mas onde essas câmeras se encaixam com as câmeras de cinema, câmeras vídeo ou algo entre elas? Bem, elas não são realmente câmeras de vídeo, são câmeras fotográficas e não são realmente câmeras de cinema porque observamos a diferença. Então, nós temos sua própria categoria. No entanto, essa categoria média realmente significa mais para as câmeras de cinema. Essas duas coisas são bem parecidas. Eu sei que é uma loucura, mas lembre-se de que as câmeras de vídeo funcionam imediatamente, enquanto as SLRs, na verdade, ou dependem de suas necessidades. Por exemplo, ergonomicamente, isso não é ótimo. Você também não tem um microfone utilizável; muitas vezes, você precisa mergulhar nas configurações primeiro mudamos um monte de coisas para que funcione melhor em vídeo. Sua tela é muito pequena. Não há uma tampa alta aqui, como a câmera de vídeo. Nem todas as SLRs têm a capacidade de inclinar ou girar adequadamente para exibir, embora isso tenha sido um problema principalmente com a primeira geração dessas câmeras. Portanto, considerando que as SLRs se inclinam mais para as câmeras de cinema porque essas câmeras são essencialmente cubos que não oferecem muita funcionalidade como esta aqui. É a câmera de cinema digital vermelha usada para filmar Hollywood e a produção de alto nível. Mas se você tirar essa coisa da caixa, ela não pode fazer nada. Ele nem tem uma tela. Caramba, ele nem tem a capacidade de conectar uma bateria a ele. Parece muito estranho, mas a ideia é que você construa essa câmera de acordo com suas próprias necessidades. Posso comprar uma tela e anexá-la a esse tijolo, mas isso significa que posso obter um tipo de tela que eu goste. E vamos falar sobre o que o fabricante me dá. Isso é muito diferente de uma câmera de vídeo em que tudo está embutido. Uma câmera de cinema pode ocupar muitas configurações diferentes. Se você estiver fotografando sozinho, essa configuração pode ser compacta. Então, aqui temos uma lente, uma tela, a alça do site e uma bateria grande. É isso mesmo. Mas também posso transformá-lo em algo maior, o que me dá mais controle ao trabalhar com uma equipe. E eles examinarão cada componente aqui, mas é mais ou menos assim. E, como a maioria das SLRs também não possui esse tipo de recurso, você pode encontrar essa mesma avaliação onde há necessidade de câmeras de cinema, mas depois de SLRs. Para se ter uma ideia, posso conectar uma alça superior à minha câmera de cinema, o que não posso fazer com minha SLR. Mas se eu colocá-lo em uma gaiola, tenho mais opções de montagem, incluindo a opção de adicionar uma alça superior. Você aguentará muito bem gravidade da avaliação de câmeras de vídeo, é por isso que as SLRs dele são tão especiais. Um mercado totalmente novo explodiu e você encontrará muitas marcas fazendo essas avaliações de severidade. Existem até configurações malucas possíveis que fazem com que sua pequena SLR pareça uma grande câmera de produção de Hollywood. Mas se você adicionou menos gravidade de avaliação à sua SLR ou a desenvolveu em grande escala, sempre falamos sobre a criação de um equipamento de câmera. Não é necessário, mas uma boa plataforma definitivamente facilita as coisas e não há regras quando se trata de fabricar uma plataforma. Então, vou compartilhar minha ideia pessoal sobre isso. E isso começa com a gaiola, que permite montar uma alça superior e uma maneira melhor de conectar um microfone. Esse é o coração da plataforma. Na parte inferior, você pode escolher um conjunto de hastes de 15 milímetros. Eles são padrão do setor e permitem que você conecte coisas como uma tigela de foco. Essa coisa desliza sobre as rochas e permite que você controle o anel de foco com mais facilidade, ou mais, você pode adicionar uma alça lateral através dessas hastes ou até mesmo uma caixa de remédios. Isso é útil tanto para bloquear a luz quanto filtrar a luz aqui , como o filtro ND. Lembre-se de que esses filtros retangulares não são mais fáceis de usar. Eu ficaria com os de parafuso. Os filtros Med-box em retangulares são mais frequentemente usados na produção de estúdio onde você trabalha com uma equipe inteira. De qualquer forma, e monitor externo, não é uma má ideia. É sempre melhor ter um monitor maior e há muitas opções para escolher. Ter essa gaiola inicial também me permite conectar a bateria. E então aqui está um prato. Ele também desliza sobre as hastes de 15 milímetros. Posso conectar uma bateria grande a ela, que alimenta a câmera e o monitor externo. Uma bateria grande como essa me dá energia por quase todo o dia. Então esse é meu equipamento pessoal. É compacto e adiciona um monte de recursos extras que eu quero. Mas onde isso deixa você? Você pode estar preso à pergunta agora, [inaudível], o que você me recomenda agora? Infelizmente, isso é muito difícil de responder porque, além das muitas opções diferentes que você tem, também há uma grande diferença de preço entre essas marcas diferentes, e isso é por que eu não posso dar conselhos em uma aula como essa. No entanto, um grande conselho que posso dar é começar de forma simples. Nunca compre um equipamento completo ou faça um grande investimento. Comece com uma gaiola de câmera e uma alça superior. Ao longo do caminho, veja por si mesmo qual recurso você ainda pode perder e, em seguida, compre essas coisas mais tarde, ou talvez um monitor externo. Mas pense bem se você ainda precisa ou não um monitor grande ou um menor. Talvez seja uma boate. Você vê que as opções são infinitas, então reserve um tempo para fazer a pesquisa, mas também para conhecer suas próprias necessidades. Provavelmente, tudo, produtos e marcas mudariam . Se você me pedisse hoje para procurar uma nova plataforma, eu teria que vasculhar a Internet novamente para ver o que mudou. E se houver algum novo produto ou marca inovadora nos mercados. Mas pelo menos você tem uma ideia agora sobre os suportes das câmeras SLR, o que é um equipamento de câmera e para que serve. Então, espero que você tenha aprendido algo com esta lição. Se quiser, fique sempre à vontade para pedir conselhos na discussão abaixo, talvez explique que tipo de filmagem você faz e qual é o seu orçamento. E vou ver o que posso recomendar para você. Obrigado por assistir. 28. Os Gimbal: Dizem que fazer filmes é um hobby ou um trabalho caro. Isso não é verdade. O problema é que quando entramos em uma loja de câmeras, parece que estamos em uma loja de doces. Você não precisa de todas as coisas extras, mas você realmente quer, e o cardan é provavelmente uma das ferramentas extras mais populares que ninguém precisa, mas todo mundo compra. [RISOS] Talvez você já tenha um ou olhos postos em um e se ainda não pensou em um cardan, confie em mim, esse momento chegará. O que é um cardan? É um dispositivo no qual você coloca a câmera e, ao ligá-la, os motores tentarão mantê-la estável. Isso significa que você pode andar por aí, mas sua câmera manterá um movimento suave ao longo da cena. Eles se tornaram muito acessíveis, é por isso que muitos cineastas adoram trabalhar com eles. Assim como acontece com as câmeras, os cardan também vêm em diferentes formas e tamanhos. Você tem cardan projetados para telefones ou os grandes para câmeras de cinema mais pesadas. Mas os princípios são sempre os mesmos. Embora existam dois designs distintos, você tem os cardan e os cardan suspensos. Os cardan Stick podem ser operados com uma mão e são menores, que os torna mais fáceis de viajar. cardan suspensos precisam ser operados com as duas mãos e são mais largos. Esses cardan, que são mais fáceis de operar , pois o peso está pendurado na parte inferior, esses cardan pirulito têm seu peso acima da aderência, então mais tremores ocorrerão. Obviamente, esse tremor é reduzido pelo próprio cardan, então não será tão perceptível. Agora também existem híbridos que permitem alternar facilmente entre o design do bastão e o design suspenso. Isso dá uma ideia do cardan que existe nos mercados. Mas agora, como operamos adequadamente um desses, como com tudo, é preciso prática, mas já existem algumas coisas que você pode ter em mente como iniciante. Em primeiro lugar, não espere que o cardan mantenha sua câmera perfeitamente estável. Não há estabilização para cima e para baixo a menos que você obtenha uma dessas com algum tipo de mola. Sempre ande com os joelhos levemente flexionados e tente colocar os dedos primeiro no chão. Ao caminhar ou correr em um ritmo mais rápido, é muito mais difícil abaixar os dedos primeiro. Nesse caso, seu braço se torna mais importante, veja seu braço como uma mola natural. Dobre-o em um ângulo de 45 graus e mantenha-o solto. Mova seu corpo e seus braços separadamente. Você deve tentar manter sua câmera em uma altura fixa. No entanto, também é importante mover levemente o braço para cima e para baixo para detectar os solavancos de seus passos. Agora, dobrar e inclinar são automáticos girando o cardan ou podem ser controlados por meio de um joystick. Esse joystick, no entanto, não é uma boa ideia. Você terá um controle muito mais preciso sobre o movimento se apenas girar o cardan, direcionando-o na direção certa. Essa direção precisa ser feita sem problemas, assim como você giraria ou inclinaria em um tripé, pressionaria suavemente, deixaria os motores trabalharem e parariam lentamente. Nunca basta sacudir o cardan para fazer um movimento rápido. Finalmente, vamos falar sobre onde usar um cardan e onde não usar. A ideia do cardan é andar por aí, se você planeja ficar no mesmo lugar e usar o dispositivo portátil ou fotografar com um tripé. cardan são projetados para explorar o espaço, trilhas de caminhada, objetos ou paredes, mostrando grande profundidade na cena. Não tenha medo de experimentar também movimentos verticais. Use o espaço ao seu redor, caminhe por ele e encontre ângulos interessantes. O cardan é provavelmente uma das ferramentas mais dinâmicas, então use-o também de forma dinâmica. Resumindo, o que é o cardan e como usá-lo. Agora, o cardan sozinho poderia usar sua própria classe separada. Eu só arranhei a superfície, mas pelo menos você tem uma introdução. 29. O slider: Embora eu possa falar por horas sobre diferentes ferramentas e acessórios de câmera, terminarei listando com o controle deslizante da câmera nesta última lição. Aliás, esse é o meu primeiro controle deslizante que recebi quando comecei a fazer filmes. controles deslizantes de câmera são dispositivos muito simples, um trilho e uma plataforma que você pode deslizar nesse trilho da esquerda para a direita, só isso. Agora, eles não são mais tão populares desde a minha época. Acho que o cardan adquiriu muitas ferramentas diferentes, como também a lança, que não abordarei nesta aula. O controle deslizante, no entanto, ainda é algo que gosta de dar atenção, pois é muito subestimado. Onde um cardan precisa fazer movimentos mais rápidos e geralmente é um pouco mais áspero, um controle deslizante é muito preciso. Você pode fazer movimentos lentos enquanto mantém esse movimento suave. Os controles deslizantes podem até ser equipados com um motor, permitindo que você vá ainda devagar com um movimento muito mais controlado e preciso. Essa é a grande diferença entre um cardan e um controle deslizante. Se você estiver gravando vídeos de produtos, um controle deslizante é uma ótima opção, pois o objeto é pequeno e geralmente fica sobre uma mesa, o menor movimento da câmera é visível. Eu costumava fotografar o tempo todo em um controle deslizante. Este aqui em particular porque é muito cinematográfico. O que é ótimo para empresas, comerciais, curtas-metragens ou qualquer coisa disso. Os controles deslizantes podem ser colocados em uma mesa ou no chão, permitindo que você faça fotos de ângulo muito baixo. Mas também podemos montá-lo diretamente em um tripé e isso abre um mundo totalmente novo. Precisaremos de uma segunda cabeça para montar em cima do controle deslizante. Na verdade, eu sugiro que você pegue uma cabeça fotográfica porque ela pode girar, inclinar, mas também rolar ou inclinar. Você vê que podemos ir para os lados em um controle deslizante ou podemos empurrar a câmera para frente e para trás. A propósito, isso é chamado de faixa de entrada ou saída de faixa. Mas aqui começa a ficar interessante. podemos inclinar esse controle deslizante, pois De qualquer forma, podemos inclinar esse controle deslizante, pois o montamos em um tripé. É aqui que os cabeçotes fotográficos são úteis, pois podemos nivelar a câmera com o terceiro eixo. Agora podemos fazer movimentos de lança ou elevação subindo e descendo. Algo que eu fazia tantas vezes porque realmente gostei dessas fotos. Agora, podemos adicionar um movimento extra a ele. Como o controle deslizante está montado em um tripé, podemos fazer uma panorâmica com isso, assim como fazemos esses pequenos movimentos. Você pode transformar objetos. Isso funciona especialmente bem com vídeos de produtos em que você deseja dar uma volta ao redor do produto. Lembre-se de que você tem o tripé de vídeo e um controle deslizante juntos. A combinação desses dois pode rastrear dezenas de movimentos diferentes. Movimentos relaxados, dinâmicos, controlados, precisos e com uma aparência muito cinematográfica. Isso é tudo para os controles deslizantes das câmeras e eu mostrei a vocês tantos equipamentos de câmera diferentes agora que vocês ainda devem estar se perguntando por que precisamos mover a câmera. Isso é algo que eu gosto de mostrar a vocês na última lição desta aula, Criando Profundidade. Que é toda a essência pura da cinematografia e também são os próximos passos nas técnicas avançadas de produção cinematográfica. 30. Criando profundidade: Você provavelmente já ouviu falar sobre a palavra “ cinematografia”. É uma arte visual, e um projetor de filmes também é diretor de fotografia, e seu papel é tomar decisões criativas tanto para a câmera quanto para as luzes. Em projetos menores, eles também podem ser o cara da câmera, mas na maioria das vezes não tocam na câmera. O operador da câmera faz isso e escuta o que o diretor de fotografia pede que eles façam. Até agora, nesta aula, aprendemos sobre os fundamentos da produção cinematográfica. No momento, você tem um conhecimento técnico que o torna um ótimo operador de câmera. Você sabe como configurar a câmera corretamente, fazer um bom enquadramento acadêmico do objeto. Você entende quando um diretor de fotografia pediu que você fotografasse com a mão em vez de em um tripé. Você sabe como um tripé funciona e por que você deve ou não usar um cardan. O papel do diretor de fotografia vai além disso. Narrativa visual por meio de iluminação, enquadramento e movimentos da câmera, contando mil palavras por meio de uma foto de câmera e, o mais importante, crie profundidade. Criando profundidade, é com isso que tudo começa. É o próximo capítulo da sua carreira cinematográfica. Talvez eu faça uma nova aula sobre isso, até lá, aqui está uma introdução. O que muitas pessoas esquecem é que o vídeo é bidimensional, é plano. Você pode projetar um vídeo em um pedaço de papel, é assim que o vídeo é plano. Agora, não me entenda mal, nós capturamos um mundo 3D, mas o vemos em uma tela 2D. É por isso que é tão importante criar profundidade para que possamos mostrar o mundo bidimensional no plano 2D. Agora, uma forma de fazer isso é simplesmente adicionar os movimentos da câmera. Quer você use o dispositivo portátil, fotografando em um cardan ou em um controle deslizante. Você está movendo a câmera pela cena, e assim vemos uma paralaxe. Em outras palavras, o público compreende melhor o espaço em que as câmeras ficam compreende melhor . Outra forma de criar um pouco mais de profundidade é desfocar os objetos de primeiro e segundo plano. Abrimos a abertura, a área de foco fica menor e, assim, o fundo fica mais embaçado. Poderíamos até mesmo colocar um objeto em primeiro plano para obter os mesmos resultados. Podemos ver essas fotos aqui em três camadas agora. Os objetos em primeiro plano, os assuntos e os planos de fundo são separados uns dos outros. Isso cria profundidade. O enquadramento é outra ferramenta para criar mais profundidade. Digamos que temos tudo em foco e fotografando com tripés. A maneira como você enquadra a cena ou os objetos pode fazer com que pareçam planos ou mostrem profundidades. Acontece que tenho uma aula inteira sobre o quadro da câmera cinematográfica, aula inteira sobre o quadro da câmera cinematográfica na qual eu recomendo que você dê uma olhada. Vou criar um link ao vivo aqui nas notas da aula, bem como na descrição da aula. Agora, sem entrar em detalhes, podemos usar iluminação e sombras para mostrar muito melhor os rolos bidimensionais. Cores e contrastes muitas maneiras diferentes de criar profundidades. Agora, não é necessário criar profundidade de todas as formas possíveis. Você escolhe uma ou duas técnicas, desde que esteja procurando ativamente pelo menos uma maneira de criar profundidade a cada foto. Isso me leva ao final da aula. Agora ainda tenho uma última lição de conclusão, então não saia ainda. 31. Conclusão: Agora, vamos começar com um grande aplauso para você mesmo. Parabéns por concluir esta aula. Agora você tem uma sólida compreensão de como funciona o cinema profissional. A base está aí e você está pronto para construir mais sobre isso. Agora, eu tenho algumas aulas avançadas que eu recomendo fortemente que você confira. Links para eles podem ser encontrados na descrição desta classe, bem como aqui nas notas da aula. Mas espere um pouco. Como mencionado muitas vezes antes, fazer filmes precisa de prática, então saia e filme, implemente as técnicas que você aprendeu nesta aula, mas eu também desafio você a experimentar. Ao cometer erros, você aprenderá o que funciona e o que não funciona. Agora, em algum lugar na metade dessa aula, pedi que você fizesse um pequeno vídeo com roteiro. Se você ainda não fez isso , agora é a hora. Crie um storyboard para você mesmo, para que você tenha bastante tempo para pensar nas diferentes técnicas que deseja implementar. Planeje suas fotos e talvez as assista novamente com as aulas enquanto faz isso. Ter uma boa preparação significa que você pode se concentrar em outras coisas enquanto fotografa, como as configurações da câmera. Faça um vídeo curto, um vídeo de produto, uma ação simples de alguém fazendo café ou talvez um minicurta-metragem. Você não precisa editá-lo muito, basta colocar as fotos em uma sequência e publicar seu trabalho aqui para que eu possa dar feedback. Desejo-lhe boa sorte com isso, muita diversão e diversão, e acho que é um adeus por enquanto. Esses são sempre momentos muito difíceis. Vá agora, seja livre, busque seus próprios caminhos na vida. Apenas me prometa uma coisa, nunca me esqueça, especialmente quando você é o diretor de fotografia em um grande set de Hollywood, então espero que você ainda esteja pensando em mim. De qualquer forma, muito obrigado por assistir, pessoal. Foi um verdadeiro prazer dar essa aula para você e, como sempre dizemos, seja criativo.