Prática de ilustração de conceito: transforme seus medos em uma criatura assustadora surreal! | Gio Vescovi | Skillshare
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Prática de ilustração de conceito: transforme seus medos em uma criatura assustadora surreal!

teacher avatar Gio Vescovi, Visual Artist

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Aulas neste curso

    • 1.

      Boas-vindas!

      2:22

    • 2.

      MATERIAIS

      4:04

    • 3.

      Inspiração surrealista e projeto

      4:36

    • 4.

      Exercício de escrita automática

      4:21

    • 5.

      Composição e primeiros rascunhos

      3:38

    • 6.

      Reunindo referências

      1:49

    • 7.

      Esboçando a partir da imaginação

      3:43

    • 8.

      Padrões e texturas

      4:36

    • 9.

      Luz e profundidade

      15:11

    • 10.

      Explorando cores e seus materiais

      2:56

    • 11.

      Camadas de cores

      11:05

    • 12.

      Considerações finais

      2:24

  • --
  • Nível iniciante
  • Nível intermediário
  • Nível avançado
  • Todos os níveis

Gerado pela comunidade

O nível é determinado pela opinião da maioria dos estudantes que avaliaram este curso. Mostramos a recomendação do professor até que sejam coletadas as respostas de pelo menos 5 estudantes.

594

Estudantes

10

Projetos

Sobre este curso

O que nossas histórias mágicas favoritas, como Harry Potter, as crônicas de Nárnia ou até mesmo os filmes mágicos do estúdio Ghibli têm em comum? Todas essas histórias começaram na mente de alguém! 

No curso de hoje, vamos explorar todo o seu potencial criativo e desafiar a sua imaginação para criar uma criatura mágica e assustadora com influências surrealistas. Juntos, vamos partir em uma aventura pelos espaços mágicos que vivem em nossa mente e traduzir isso tudo em ilustrações detalhadas e lindas. Você poderá praticar e aprimorar suas habilidades de desenho com várias técnicas e desenvolver uma linguagem visual única e original que representa seu universo imaginário pessoal. Todos temos a capacidade de criar, e tudo começa no nosso interior. Junte-se a mim nesta aventura e vamos desenhar! 

O que você pode esperar deste curso?

  • Introdução ao surrealismo e como ele pode inspirar sua jornada artística;
  • Exercício de escrita automático para abrir mão do controle e conectar você a uma parte mais profunda e criativa de sua imaginação;
  • Desenvolvimento e composição de conceito: aprenda como contar uma história e crie significado na sua arte;
  • Reúna referências para apoiar suas ideias e aprenda como criar desenhos detalhados a partir da imaginação;
  • Técnicas de arte com linhas: aprenda como usar suas canetas para criar texturas diferentes, padrões, profundidade e contraste usando técnicas diferentes, como sombreado e pontilhado. 
  • Aprenda como usar cores para adicionar uma nova camada de profundidade e criar o clima da sua ilustração!

Ao final do curso, você verá uma melhoria no seu trabalho com tinta e também no seu processo criativo para desenvolver ilustrações mais interessantes e exclusivas. Junte-se a mim e descubra as infinitas possibilidades oferecidas pela sua imaginação e suas canetas de tinta! Juntos, vamos sair das nossas zonas de conforto e finalmente ser capaz de nos expressar completamente!


E aqui estão as outras aulas que fiz só para ti. Divirta-se!

Fundamentos Do Desenho Da Arte Line: Um Guia Completo Para A Ilustração Da Caneta De Tinta

Do Iniciante Ao Pro: Técnicas Simples Para Desenhar Mãos Expressivas

Desenho intuitivo: ilustre seu próprio conto de fadas com tinta

Seu corpo em abstrato: ilustração de meios misturados como uma prática de autocuidado

Encontre seu estilo e domine o desenho botânico com canetas tinteiro

Desenhe retratos que contam uma história: dominando sua voz artística com tintaAventura de desenho abstrato: uma exploração criativa para a mente e a alma

Masterclass: desenho de arte de linha criativa com canetas tinteiro

Relaxe e recarregue: crie mandalas intencionais no Photoshop (FÁCIL!)

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Gio Vescovi

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Hi everyone! Welcome to my Skillshare page, so good to see you here!! If you are into drawing with pens of any kind, then you're in the right place! Here we will dive deep into the pen and marker world to create awesome and inspiring art that makes us feel proud of ourselves. Together we'll color the world (black is a color, in case you're wondering ;D)!! Now grab your pens, paper and your favorite drink, and feel free to binge watch all the classes I created for you! Aaaaand when you're tired or just need some extra inspiration, you can visit my YouTube channel (artsygio) for some less serious but still very artsy videos... Visualizar o perfil completo

Level: Intermediate

Nota do curso

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Transcrições

1. Olá!: Olá a todos. Bem-vindo a outra classe do Skillshare. Meu nome é Giovanna. Sou artista visual e ilustrador. Hoje vou mostrar a vocês como desenhar uma criatura muito fantástica e mágica com uma inspiração surrealista. Uma das minhas maiores lutas quando comecei a desenhar, foi criar ideias sobre o que desenhar. Hoje encontro muita inspiração nos meus sonhos e em todos esses mundos imaginários e surreais que podemos criar em nossas mentes. Todos nós temos a capacidade de sonhar e criar algo exclusivo para nós. Nesta aula, vou ajudá-lo a encontrar um caminho para descobrir e explorar aqueles mundos imaginários que vivem em sua cabeça e que estão morrendo de vontade de sair em suas obras de arte. Literalmente, qualquer coisa pode ser inspiração para esse tipo de desenhos surrealistas. Mas como o Halloween está ao virar da esquina, vamos ficar assustadores e criar uma criatura assustadora da imaginação. Aqui está o que você pode esperar desta classe. Primeiro, vamos voltar um pouco no tempo e entender como esse movimento de realismo pode ser inspiração para o nosso projeto hoje. Em seguida, vamos fazer um exercício automático de escrita para nos conectar com sua imaginação e estimular a criatividade. A partir daí, vamos projetar uma criatura surreal e fantástica que seja completamente única e original. Vou mostrar várias técnicas de tinta diferentes e como combiná-las em sua ilustração e você aprenderá como criar as texturas, a profundidade e o contraste que deseja em seu desenho com canetas de tinta de linha fina. Finalmente, apenas para adicionar um pequeno desafio, vamos explorar camadas de cores usando mídia mista, que significa literalmente qualquer material que você tenha em casa para adicionar cor ao seu desenho. Você aprenderá a usar cores para adicionar muita complexidade e informações à sua ilustração e , em seguida, poder contar uma história através do seu desenho. Esta aula não só ajudará você a melhorar suas habilidades de desenho, mas também trará algumas reflexões muito importantes sobre seu trabalho como artista e qual mensagem você está tentando enviar com sua arte. Ilustrações são ferramentas realmente poderosas para contar histórias. Hoje, você aprenderá a fazer isso usando texturas, iluminação e cores. Agora pegue seus materiais de arte, um bom papel de desenho e, claro, o mais importante, que é sua bebida favorita. Vamos começar. Antes de ir, não se esqueça de me seguir aqui no Skillshare, então você pode ser o primeiro a saber sempre que eu postar uma nova aula e eu não quero que você perca. Basta clicar neste botão aqui. Vejo você em breve. 2. Materiais: Olá, todos. Os principais materiais que você vai usar para esta classe são: canetas de tinta, lápis de esboço e borracha, e algum bom papel de desenho. Para a parte de coloração, vamos usar mídia mista para esta classe, o que significa qualquer material que você tenha disponível para você. Vou mostrar um pouco dos materiais que vou usar, mas não se preocupe, se você não tiver nenhum deles, use o que estiver disponível para você. Estas são minhas canetas de tinta. Vou usar um intervalo de 003-01, que é uma dica muito fina. Isso porque eu realmente gosto de criar pequenos detalhes e esse efeito delicado no meu desenho. Quanto mais fina for a linha da sua caneta de tinta, mais delicado e detalhado será seu resultado no final, mas geralmente é um pouco mais demorado. Se você está apenas começando com canetas de tinta, sugiro que você comece com uma ponta mais grossa, como um 03 ou talvez um 05, e você poderá ter ótimos resultados como esse. Além disso, é claro, vou usar um lápis de esboço e uma borracha de plástico. Como eu sempre digo a vocês para esboçar, você tem que escolher um lápis duro. Você vai saber disso vendo o número na parte de trás do lápis. O meu é um 4H e os lápis duros vão do HB até um 8H ou 9H. Quanto maior o número ao lado do H, mais difícil será. Isso é bom porque o lápis não borra demais no papel e será muito fácil de apagar, para que você possa esboçar o quanto quiser e seu papel ficará limpo no final. Agora, alguns dos materiais que vou usar para colorir meu desenho; o primeiro é tinta de caligrafia. Vou usar tinta de caligrafia em preto e branco. Estes você vai usar com um pequeno pincel redondo como pincéis de aquarela. Digamos que você precise adicionar alguns detalhes na borda ou adicionar um pouco de luz, a tinta de caligrafia branca é o que eu costumo usar para fazer isso. Também vou usar esses marcadores à base de água fria. Eles são muito simples. Você pode obtê-los em qualquer loja de arte. Vou usar algumas cores e mostrarei mais tarde as cores que vou usar. Esta é uma caneta de gel branca, que também é muito útil quando você quer consertar pequenas coisas aqui e ali e adicionar pequenos detalhes no final. Também vou usar lápis de cor à base de cera. Eu tenho essa paleta de cores de tom de terra e tom de pele muito legal. Eu adoro isso. Claro, também vou usar aquarelas. Vamos usar técnicas super básicas em aquarelas. Se você nunca usou cores de água antes, esta aula ficará totalmente boa para você. Agora, se você estiver usando aquarelas, é claro, você precisa de um pequeno recipiente com água para regar a tinta e limpar seus pincéis, uma pequena toalha de papel ou um pequeno pedaço de pano e, claro, alguns pincéis redondos macios como este. Gosto de ter alguns tamanhos diferentes para poder criar efeitos diferentes no meu desenho. Por fim, mas muito importante é o nosso artigo. Para escolher o papel certo para você, você deseja observar a espessura do papel. papel aquarela geralmente é de 300 gramas e é um papel muito absorvente. Isso é ótimo se você estiver usando aquarelas, mas não é tão bom se você estiver usando apenas canetas de tinta, elas absorverão muita tinta de suas canetas de tinta e suas canetas simplesmente não durarão tanto. Sugiro que você use apenas papéis em aquarela se você realmente precisar absorver tanta água, como se estivesse usando aquarelas. Se você não vai usar aquarelas, se você estiver usando apenas marcadores e lápis de cor suas canetas de tinta e sua tinta de caligrafia, vá para papel bristol ou papel de mídia mista, esses serão muito melhores para você. Isso é o que estou usando hoje. Não fique sobrecarregado com a quantidade de coisas que tenho aqui para mim. Literalmente, todos os materiais que você tiver disponíveis para você serão ótimos. Vou mostrar a você como colocar suas cores em camadas para que você possa obter resultados incríveis, independentemente do meio que você esteja usando. Agora, quando você estiver pronto, encontre-me na próxima lição para que possamos começar. 3. Inspiração surrealista e projeto: O que é surrealismo? surrealismo foi um movimento que começou em Paris em 1924 e explorou totalmente novas formas de fazer arte. Ele tentou acessar algo que estava além da realidade ou surreal, é daí que vem o nome. Todos sabemos como as coisas devem funcionar ou se parecer na vida real, mas em nossas mentes, absolutamente tudo é possível. Todos nós tínhamos sonhos loucos onde nada fazia sentido, por exemplo, talvez em nossos sonhos pudéssemos voar ou uma outra coisa transformadora ou talvez você tenha visto criaturas ou situações que nunca realmente aconteceriam na realidade. O fato de sermos capazes de criar todos os cenários em nossas mentes conscientemente ou não, foi a maior inspiração para os artistas naquela época. Basicamente, eles acreditam que nossos sonhos eram uma expressão direta de nossos verdadeiros pensamentos e sentimentos como nossa verdadeira natureza, o que é um pouco assustador. Artistas famosos como Salvador Dali, Rene Magritte ou Frida Kahlo criariam essas cenas muito irracionais e loucas com a mistura de objetos e criaturas que tinham significados simbólicos, mas não tinham nada a ver com cada outro na realidade. É claramente coisas que só seríamos capazes ver em nossa imaginação ou em nossos sonhos, mas nunca na vida real. Nesta aula, agora vamos tentar entender quaisquer símbolos ou significados por trás de nossos desenhos. Vamos apenas explorar o potencial criativo e esperamos desencadear novas ideias e novas formas de ilustrar essas ideias. Vamos nos inspirar neste movimento super fascinante e em nossos próprios mundos imaginários. Como todas as minhas aulas têm uma abordagem de autoconsciência, hoje vamos nos inspirar por nossos medos, é claro, porque é Halloween e é outubro, por que não trabalhar em algo assustador. Pensei que poderíamos trabalhar em nossos medos e, novamente, não vamos nos aprofundar em nossos medos ou qualquer coisa assim, vamos usá-lo como inspiração. Gosto de criar esses pequenos desafios para nós, porque quanto mais praticamos a tradução de sentimentos e pensamentos em elementos visuais, melhor nos tornaremos histórias contadoras através nossas ilustrações e criando arte significativa. Essa é uma habilidade valiosa se você quiser se tornar um ilustrador editorial ou, por exemplo, se você foi ilustrar livros. Nessas carreiras, você não está simplesmente fazendo arte, mas realmente tentando enviar uma mensagem ou realmente ilustrar uma história. Eu também escolhi o elemento do medo para a inspiração desta classe porque nós realmente tendemos a temer o desconhecido ou o que é diferente, o que está fora da norma, e isso é uma proteção natural do nosso sistema. Como nosso cérebro sempre preferirá os caminhos seguros e familiares que você já cruzou antes. Toda vez que você fizer algo novo ou você faz algo de uma maneira nova, seu cérebro estará mais alerta para o perigo. Mas o caminho seguro e a rotina e fazer sempre as mesmas coisas da mesma maneira é a direção oposta completa da criatividade. Para estimular nossa criatividade e mover nossas escolhas criativas e realmente desencadear novas ideias e novas soluções para qualquer coisa, para nossas artes, para a vida, precisamos nos desafiar a sair da caixa. Precisamos nos desafiar a criar novos caminhos e fazer coisas, talvez as mesmas coisas que fazemos todos os dias, mas fazê-lo de uma maneira diferente. Se você se desafiar a fazer as coisas de uma maneira diferente, você manterá seu cérebro no estado que é o melhor ambiente para a criatividade. Dito isto, o medo tem tudo a ver com isso. Muito, se nem todos os nossos medos são baseados em cenários imaginários que criamos em nossas cabeças, eles muitas vezes não estão relacionados à realidade. Ao explorar o universo surreal que você tem em sua mente, você pode se deparar com símbolos e cenários que estão diretamente relacionados aos seus medos. Às vezes temos medo ou medo de fazer as coisas de uma maneira diferente ou talvez mudar nossas vidas ou experimentar algo que sempre experimentamos de uma maneira completamente diferente. Pensei que hoje poderíamos pegar todos esses medos e transformar isso em uma criatura mágica super legal e fantástica. Como eu disse, vamos usar uma influência surrealista com uma abordagem moderna. Se você está pensando como “Oh, eu não quero olhar para meus medos agora.” Não se preocupe, este é um espaço seguro e vamos apenas tocá-los e nos inspirar e depois transformá-lo em uma criatura super legal e divertida e espero que você perceba que seus medos não têm poder sobre você e que você está controle. Espero que esteja animado para se juntar a mim neste projeto. Agora junte-se a mim no próximo vídeo para que possamos finalmente começar nosso exercício de redação. Vejo você lá. 4. Exercício de escrita automática: Quando me tornei artista, uma das minhas maiores lutas foi encontrar o que desenhar. Em algum momento, apresentarei duas redações automáticas para criar ideias e foi aí que encontrei uma grande paixão por explorar os mundos imaginários que pude criar em minha mente. Esse processo se tornou minha maior inspiração para criar arte e minha arte começou a se sentir autêntica e mais original para mim. Esta aula é realmente projetada para ajudá-lo a acessar seus mundos imaginários para que você possa traduzir isso em sua arte. Este é um exercício muito simples. Tudo o que você precisa fazer é pegar um pedaço de papel e caneta e começaremos escrevendo uma lista de nossos medos e deixando algum espaço entre cada medo. Claro, você pode fazer isso com outros temas que você gostaria, mas estou nos dando um pequeno desafio e é por isso que estamos escolhendo medos. Poderiam ser pequenas coisas como medo de aranhas ou medo de altura, ou mesmo medos emocionais, como o medo da solidão ou o medo de perder alguém, o medo da rejeição, o medo de falhar, essas são muito comuns medo é que muitos de nós lutamos. Não pense demais nisso. É apenas um divertido exercício de autoconsciência para inspirar nossa ilustração hoje. Uma vez que você tenha uma boa lista de medos, quero que você anote ao lado de cada medo, cada palavra que vem à sua mente quando você pensa sobre esse medo. O que você está tentando fazer aqui é encontrar elementos visuais que possam fazer parte de sua arte. A ideia aqui é expressar seus pensamentos sem controle da mente. Sem julgamento e sem filtro, tudo é válido. Ninguém verá isso e você pode queimar este pedaço de papel mais tarde. Isso é apenas entre você e você e aqui está a regra mais importante. Não precisa fazer nenhum sentido. Seja o mais aleatório possível. Vamos começar trabalhando em nosso primeiro medo. Visualize seu primeiro medo e agora comece a escrever ao lado dele tudo e tudo o que vem à mente. Pode ser um objeto, uma situação, uma pessoa específica, um animal, uma planta ou uma cor ou forma, algo abstrato, realmente, qualquer coisa que vem à mente como válida. Deixe sua mente fluir livremente e escreva-a sem tentar controlar o resultado. Faça isso com todos os medos em sua lista até que você tenha 5-10 elementos por medo. Depois de terminar esta parte do exercício, veja tudo o que você coloca no papel e circule os itens que você está interessado em desenhar. Não se esqueça que você está tentando criar uma criatura surreal. Tente começar a imaginar como alguns desses elementos podem se transformar em uma criatura. Além disso, eu queria encontrar um equilíbrio entre coisas você gosta de desenhar e coisas novas que são um desafio para você. Circule os itens que parecem interessantes para você, mesmo que você não saiba como ou por que deseja circulá-los, basta selecionar alguns itens que você acha que podem ser elementos interessantes em sua arte. Por exemplo, no meu caso, tenho uma cobra e adoro as formas curvas que uma cobra tem, então vou circular isso. Moon também é um elemento legal, então vou circular isso também. Vou circular alguns outros elementos que eu gosto por algum motivo e depois tentaremos criar uma composição que inclua alguns desses itens. Agora você tem alguns itens para trabalhar? Quero que você pegue outro pedaço de papel em seu caderno que possamos começar a desenhar ideias para o seu projeto final. Vejo você na próxima lição. 5. Composição e primeiros rascunhos: Nesta lição, finalmente vamos criar uma criatura com alguns dos elementos que encontramos em nosso último exercício. Com um lápis de esboço, quero que você elabore algumas idéias que você tem para sua composição. Pode ser uma criatura completamente aleatória do zero que se assemelha a nada que você já viu antes, ou você pode usar inspiração de criaturas que já viu antes, como animais ou criaturas que você já viu em filmes, por exemplo. Se você escolher uma criatura que já existe como base, tente torná-la surreal adicionando algo que você só seria capaz de ver em um sonho ou tornar esse animal único de alguma forma. Talvez você queira combinar dois animais, como uma cabeça de pássaro com um corpo de cavalo. Eu não sei. Mais tarde, vou ajudá-lo a ficar ainda mais criativo sobre como fazer sua criatura parecer fantástica e surreal. Mas, por enquanto, apenas se concentre no conceito para o seu desenho. A composição pessoal é fundamental. Esse tipo funciona como um storyboard para um filme. Vamos esboçar idéias grosseiramente para ver a cena que representa todas essas interferências que você foi capaz de receber nesta classe. A partir disso, não há regras e você pode se sentir livre para criar o que vier à mente. Não julgue suas ideias e não se sinta preso em apenas criar uma criatura. Você poderia desenhar coisas que cercam sua criatura também. Nem tudo isso precisa fazer parte da própria criatura. O cenário em que a criatura está em matéria também. Esse tipo é realmente suposto ser muito rápido. Você quer fazer um desenho muito rápido, sem se preocupar com o quão bom ele parece. Você está apenas chegando com a forma do seu desenho, a posição das coisas, onde elas deveriam estar no papel e como elas se relacionam umas com as outras. Como você pode ver, estou fazendo mais de um rascunho até ficar feliz com minha ideia. Comecei a esboçar algumas coisas que vieram à mente, mas senti que ainda não estava lá. Sim, se você não gosta do seu primeiro rascunho, não se preocupe, comece de novo até ficar feliz com sua ideia. Lembre-se de que o surrealismo era tudo sobre a mente subconsciente. Acho que quanto mais eu desenho, mais relaxado me sinto, e isso me ajuda a ter mais ideias e acessar mais informações dentro da minha mente. Isso pode estar acontecendo com você também. Se você começar a ter novas ideias neste momento, sinta-se à vontade para desenhá-las. Não fique preso ao exercício de escrita. Tudo o que vem à mente neste momento é bem-vindo. No meu caso, estou tentando incorporar a cobra com o todo no chão que tenho para o meu exercício de escrita. Estou tendo essa ideia da cabeça da cobra ter olhos grandes ou mais de dois olhos, então parece mais assustador. Eu também quero adicionar uma pequena pessoa sozinha para obter uma noção melhor de tamanho da nossa criatura, porque eu quero que ela pareça enorme. Se eu adicionei um pouco humano solitário, isso fará com que pareça grande o suficiente, eu acho. Ao transformar nossos blocos internos, medos e até maus pensamentos e memórias em arte, estamos subconscientemente reconhecendo que esses são apenas pensamentos e blocos e não fazem parte de nós. Eles são apenas visitantes temporários e, eventualmente, podem ir embora. Quando temos um problema em nossas vidas, geralmente parece muito maior, mais fugimos dele. Quando finalmente decidimos resolvê-lo e olhar para ele, o problema se torna muito menor. O que estamos fazendo aqui nesta aula é apenas uma maneira divertida e criativa de trabalhar nesses blocos subconscientes. Espero que você se sinta capacitado e relaxado quanto mais você trabalha neste projeto hoje. não estou super feliz com meus esboços. Se você também não estiver, isso é totalmente bom. Espero que o desenho se reúna assim que tivermos nossas referências prontas. Depois de ter suas primeiras ideias prontas, junte-se a mim na próxima lição para que possamos reunir algumas referências e começar a desenhar nossa peça final. Vejo você lá. 6. Reunindo referências: Agora que você tem uma ideia aproximada de como você está desenhando será. Vamos procurar referências que nos ajudarão a criar as formas, texturas e iluminação corretas para nossa criatura. No meu caso, o corpo da minha criatura é inspirado por uma cobra. Vou procurar cobras e tentar encontrar algumas imagens com a posição e as formas que eu quero. Lembre-se de que você é o único que decide como seu desenho vai se parecer e não sua referência. Essa é uma ótima maneira se você está começando a tirar da imaginação, porque às vezes precisamos de referências para pequenas coisas aqui e ali, mas você não precisa copiar toda uma foto de referência. Tente encontrar referências que possam apoiá-lo no que você tem em sua mente e talvez você não encontre exatamente as posições que deseja. Tente encontrar coisas semelhantes às suas ideias de certa forma. Eu, por exemplo, não sei como desenhar a pele de cobra e quero incorporar a pele de cobra no meu desenho, então estou tentando encontrar cobras que tenham essa posição semelhante na minha ideia e que também tenham a textura que eu quero para minha criatura. Eu também gosto dessa vibração de dragões ou lagartos. Acho que eles têm uma textura muito interessante. Vou tentar incorporar isso em algum lugar no meu desenho. É assim que você começa a desenhar da imaginação. Você pode misturar referências diferentes para poder criar sua própria arte exclusiva. Eventualmente, uma vez que você se torne super confiante e super familiarizado com os assuntos que você gosta de desenhar, talvez eventualmente você não precise de referências, mas se você estiver desenhando algo que talvez seja sua primeira ou segunda vez, ou talvez você tenha feito isso um milhão vezes e ainda quer que você procure em uma referência. Não há nenhum problema. Depois de ter uma boa quantidade de referências, mantenha-as acessíveis a você para que você possa voltar a elas sempre que estiver pronto para desenhar e precisar de algum suporte. Na próxima lição, usaremos essas referências para começar a desenhar nosso projeto final. Vejo você lá. 7. Esboçando a partir da imaginação: Nesta lição, vamos tomar algumas decisões sobre nosso projeto final. Quero que pegue seu papel de desenho e desenhe sua criatura surreal tomando seu tempo desta vez. Para começar, eu sempre marco algumas linhas de grade primeiro e essas dependerão de suas ideias. Por exemplo, meu desenho está bem centrado no papel. Quero desenhar uma linha central e uma linha que marca onde está o chão para que eu possa ter certeza de que meu desenho está equilibrado no final. Você pode fazer isso a olho ou usar uma régua se quiser ser mais preciso. Como eu disse nas lições anteriores, se você usar um lápis duro como este e menos uma borda de quatro por sinal, você poderá esboçar o quanto quiser sem deixar seu papel muito sujo. Comece a adicionar os principais elementos no papel e comece por onde você está mais certo. Se você se sentir confiante sobre uma parte específica do seu desenho, comece a desenhar essa parte. Ainda não tenho tanta certeza de como fazer a cabeça da minha criatura, então vou deixar isso para listas. Não se esqueça de usar suas referências como base, se você precisar e sinta-se à vontade para procurar mais referências à medida que percebe que precisa. Sempre tenho meu computador ou meu telefone ao meu lado enquanto desenho porque sempre que preciso, posso voltar às minhas referências. Depois de ter um bom esboço a lápis, você pode começar a delinear seu desenho com uma caneta de tinta e eu usarei uma caneta 01 para esta etapa porque quero uma linha muito fina neste ponto e depois adicionaremos texturas e contraste com a tinta antes de adicionar cor. Basta delinear seu desenho com a mão confiante e começar por onde está claro para você. Novamente, comece por onde você está confiante porque quanto mais você desenhar, sua confiança crescerá e, em seguida, você poderá lidar com as pequenas partes que ainda não tem tanta certeza. Lembre-se também de delinear sem adicionar detalhes ainda, você só quer ter as formas principais no papel. Depois de terminar o esboço, você estará pronto para apagar todas as marcas de lápis que ainda tiver no papel. Agora junte-se a mim na próxima lição para que possamos adicionar texturas ao seu desenho com tinta. 8. Padrões e texturas: Este é um dos meus passos favoritos em qualquer ilustração, as texturas. Com linhas e pontos, somos capazes de criar uma certa sensação para um desenho. Isso ajudará você a criar o clima de sua arte. Agora é a hora de olhar para seus elementos e pensar, que textura isso tem? É pegajoso? É brilhante? É pontudo e arranhado? Ou talvez seja macio e suave? Está molhado ou seco? É peludo? Que texturas sua criatura tem? Novamente, se você precisar, vá encontrar referências para essas texturas, se você quiser representá-las em seu desenho. Como eu quero que essa criatura se sinta como um tipo de réptil, quero esse lagarto, textura cobra. Com meu lápis, vou marcar algumas das texturas que estou imaginando para essa criatura. Lembre-se de que a textura é como o tecido que cobre um elemento. Com a tinta, você está se concentrando no trabalho de linha. A direção e o comprimento de suas linhas mostrarão o movimento de sua criatura e o estilo dessa textura. Este é o momento de fazer essas perguntas. Por que eu quero que pareça? O que eu quero que ele sinta? Se eu tocar neste animal, como devo me sentir? As texturas carregam essas informações. Para mim, já que não tenho muita experiência em desenhar cobras ou dragões, ou qualquer coisa assim. Preciso de uma referência para me guiar sobre onde e qual direção essas linhas devem ser. Você pode usar seu lápis novamente para marcar algumas dessas linhas para ajudá-lo quando começar a adicionar os detalhes dos padrões, caso você não seja muito confidencial para começar a usar as canetas de tinta. Essa é uma parte criativa do processo. Não há manual sobre como fazer cada textura. Você basicamente precisa descobrir a si mesmo como uma textura pode ser retratada com linhas e pontos e usar os materiais que estamos usando hoje. Às vezes, apenas olhando para uma foto de referência, é difícil imaginar como isso realmente se pareceria em um desenho. Outra maneira de fazer isso é olhando os desenhos de outros artistas e observando como eles fazem isso. Com mais experiência, você poderá descobrir como desenhar uma certa textura da imaginação. Mas não há realmente nada de errado para se inspirar e aprender com outros artistas apenas observando sua arte e ver como eles retrataram algum tipo de textura que você acha interessante. Se isso ainda não for fácil para você, tudo bem. Na verdade, é difícil para mim também, e é preciso muita prática. Novamente, quando estiver pronto, você pode começar a usar as canetas de tinta para criar esses padrões com mais detalhes. Vou começar a adicionar algumas linhas para criar essa textura fluida nessas barbatanas que desenhei na minha criatura e quero que ela se assemelhe às barbatanas de um peixe betta. Procurei os peixes betta online para usar suas barbatanas como referência e basicamente tenho que desenhar as linhas na direção em que quero mostrar o movimento das multas. Parece fluído e ondulado assim. Estou desenhando esse padrão de escalas para se assemelhar à pele da cobra. Estou fazendo pontudo assim porque isso me lembra mais uma criatura dragão e eu não sei, coisas pontudas são mais assustadoras talvez então eu estou tentando fazer algo assustador, pessoal. Eu tenho um pouco inseguro para desenhar isso, mas decidi fazer isso de qualquer maneira para mostrar que não há problema em não ter certeza de que está tudo bem se não soubermos como vai parecer ou se vai ficar bem. Isso significa que você está se desafiando e é isso que é viver uma aventura criativa. Isso é bom para aumentar sua criatividade e acessar novas camadas de seu potencial criativo. Quanto mais você sair da caixa e desenhar coisas novas de novas maneiras, mais confiante você se tornará como artista e mais poderá criar ilustrações originais e autênticas. Depois de ter suas texturas, junte-se a mim na próxima lição em que criamos profundidade direcionando a luz para sua criatura da maneira correta. 9. Luz e profundidade: Nesta lição, vamos fazer nossa criatura estourar totalmente do papel adicionando sombras. Para adicionar profundidade, contraste e sombras, precisamos entender de onde vem a luz. A luz tem uma maneira super poderosa de enviar uma mensagem para o espectador. Cada ilustração tem sua própria história, e mesmo que você não queira que ela tenha uma, uma pessoa que olha para sua obra de arte sentirá algo ou pensará em algo, e essa é uma história em si. Mesmo que não haja nenhum elemento criando luz na cena que você está criando, ele pode estar vindo de um elemento oculto. No meu caso, quero que as luzes venham de baixo da criatura como se estivesse vindo da lua. Também poderia ter um significado oculto de que a luz está vindo da escuridão desse buraco no chão, o que poderia significar que a luz vem do desconhecido. Acho que posso criar muito significado na minha ilustração fazendo com que a luz venha debaixo do meu pequeno dragão de cobra. Talvez no seu desenho, você tenha um elemento que pode estar criando luz. Como esta é uma ilustração real, as coisas não precisam fazer nenhum sentido. Talvez haja um elemento importante em sua ilustração que possa ser a fonte de luz, por exemplo. Nesse caso, então você pode fingir que a luz está vindo desse elemento, e isso poderia ter algum significado, ou talvez você queira que esses elementos sejam brilhantes com muitas luzes em direção a ele. Basta lembrar que a luz direciona o olho do espectador. Onde quer que a luz esteja, é onde basicamente vamos ver primeiro. Esta é uma maneira de começar a brincar com a narrativa da sua ilustração. É realmente sua escolha e não precisa ter um significado. Mas pode ser divertido gostar de começar a ter essas reflexões. Quem sabe, talvez isso evolua para uma série real de ilustrações ou se transforme em um projeto maior. O que quer que você decida, depois de escolher a direção em que a luz atingirá sua criatura, comece a marcar com um lápis algumas dessas sombras apenas para ter a sensação disso. Você basicamente vai se perguntar, então se a luz está vindo daqui e atingindo minha criatura ou atingindo esse elemento nesse ângulo, onde estariam as sombras? Então, quando estiver pronto, comece a adicionar a tinta às partes da sombra. Isso melhorará quanto mais você usar sua observação. Se você está inseguro para criar luz e sombra da sua imaginação, sinta-se à vontade para usar suas referências e copiar a direção da luz de uma foto de referência. Fiz muito disso no início da minha carreira de desenho. Isso é super útil para você realmente entender a luz. No meu caso, como a luz vem de baixo e direcionada para cima, as sombras estarão na parte superior do corpo da criatura. Comece a adicionar tinta onde as sombras devem estar em sua ilustração e comece onde você está mais confiante. Eu geralmente gosto de começar as sombras na parte mais escura do meu desenho porque se eu cometer um erro, tudo bem porque é suposto estar escuro de qualquer maneira, então eu posso até adicionar mais tinta para consertá-la. Normalmente começo a adicionar sombras das partes mais escuras do meu desenho para as mais claras. Agora vou mostrar algumas técnicas diferentes que são tão versáteis e tão úteis para criar texturas diferentes em seu desenho. Claro, você não precisa usar todos eles, mas eu quero mostrar as diferentes maneiras de usar suas canetas de tinta em uma ilustração para mostrar os diferentes efeitos que você pode criar. A primeira técnica que vou usar é adicionar preto sólido às escalas da cobra como estou fazendo agora. Basicamente entre cada escala, estou adicionando tinta e sempre voltando a essa pergunta, se a luz está vindo desse ângulo e atingindo essa pequena escala aqui, como seriam as sombras? Às vezes você tem que levantar a cabeça e voltar à pergunta porque é fácil se distrair e começar a adicionar sombras onde elas não deveriam estar. Adicionar preto sólido à sua ilustração ajudará você a criar uma sombra muito escura em seu desenho. Escolha com sabedoria onde você deseja adicionar isso. Uma dica que tenho para você, depois de olhar para seus projetos e todas as obras de arte incríveis que vocês estão criando com minhas aulas, é realmente levar seu tempo neste passo. Sei que esse tipo de desenho é muito demorado e quero que você olhe quase como uma meditação. Talvez você precise colocar algumas músicas em segundo plano, talvez você precise de um podcast, talvez você precise de algo para distraí-lo. Pessoalmente, sempre tenho algo em segundo plano para me distrair enquanto estou desenhando, então você não fica entediado ou cansado porque se você apressar ou se você simplesmente não está sentindo a vibração de fazer esse tipo de trabalho delicado que leva tanto e é tão repetitivo, é muito fácil parecer talvez um pouco confuso ou não tão preciso quanto poderia ser. Honestamente, qualquer um pode fazer esse trabalho. Isso realmente se resume à paciência e à atenção aos detalhes. A segunda técnica que vou usar é a eclosão. Existem várias maneiras de usar essa técnica, e vou mostrar algumas delas. Estes são pequenos detalhes na parte de trás da minha cobra que eu queria criar uma textura quase como as barbatanas de um peixe. Muito fluído e ondulado. Para fazer isso, vou eclodir em formas onduladas seguindo o movimento de cada barbatana. Se você usar essa técnica, você poderá criar belas sombras como essa, sempre movendo-se da sombra para a luz. Você começa com sua caneta na parte da sombra e com um movimento rápido como este na forma que você quer, você se move na direção da luz. Quanto mais confortável você estiver com essa técnica, mais você pode brincar com ela. Se você quiser adicionar ainda mais escuridão, adicione outra camada de linhas onde você deseja que as sombras estejam. Você também pode usar canetas antigas se quiser criar resultados mais suaves e delicados ou canetas novas se quiser que as linhas fiquem mais claras e visíveis. Quanto mais você pratica, mais você descobrirá sua própria preferência sobre como usar essa técnica e quais estilos você realmente gosta de criar na arte de linha. Honestamente, falando pela minha experiência, uma vez que você começar a colocar muito tempo e energia nesses desenhos, você verá uma diferença nos resultados, como se você fosse tão motivado quando ver o que você é capaz de criar apenas permitindo-se relaxar e tomar seu tempo. Mesmo assim, eu sei que estamos vivendo neste momento em que nossa atenção é realmente quase inexistente. Este é um tipo de trabalho muito manual, e é lindo que você esteja aqui assistindo a essa aula e se permitindo se conectar com aquela parte de você que não está com pressa. Aquela parte de você que realmente quer fazer um trabalho bem feito manualmente, velha escola de fazer as coisas. Isso é muito, muito bonito e admirável. Estou muito feliz por você estar aqui e eu realmente quero que você fique impressionado consigo mesmo, impressionado com o que você é capaz de criar. Esta é minha dica para você. Relaxe, respire fundo. Se você começar a ficar irritado, cansado, entediado, basta fechar seu caderno de desenho para hoje, talvez seja hora de dar um passeio. Talvez seja hora de fazer um lanche, beber um pouco de água, voltar mais tarde quando você se sentir pronto. O trabalho de pontos também é uma ótima maneira de adicionar sombras. Eu uso muito essa técnica. Se você quiser criar um tipo de textura crocante ou mais áspera, você pode usar uma ponta mais grossa como uma 03. Se você quiser um resultado mais suave, você pode usar uma linha muito fina, como um 005. Vou usar isso no lado inferior da minha cobra e quero em algum lugar no meio. Em termos de suavidade, vou usar a caneta 01. Isso é bastante demorado em comparação com as outras texturas que vou mostrar a vocês. Escolha em quais partes do seu desenho você realmente quer passar a maior parte do tempo. O que você basicamente vai fazer é colocar um monte de pontos movendo-se da sombra para a luz. Onde você quer que as sombras estejam, você vai colocar muito mais pontos e desaparecer com cada vez menos pontos em direção à luz. vez, isso leva um tempo, mas cria essa sombra realmente suave e delicada que eu pessoalmente realmente amo. Com essa técnica, vou te dar a mesma sugestão que dei antes. Se você fizer isso muito rápido, seus pontos começarão a parecer traços. Eles vão começar a parecer uma pequena linha. Tire seu tempo, respire fundo e faça devagar, se você tiver que fazê-lo devagar. Com a prática, você será capaz de ficar mais rápido e rápido com um trabalho de tinta muito preciso. Você vai obter lindas sombras do trabalho de pontos. Esta é outra forma de eclosão chamada crosshatching. Neste caso, você quer criar várias linhas curtas em várias direções para criar essa textura áspera que eu acho que é perfeita representar o solo ou rocha que está se formando nesta parte do meu desenho. É totalmente diferente da outra eclosão em que você está chocando em apenas um ângulo. Você está seguindo como uma curva, você está seguindo a luz. Nesse caso, você basicamente vai no topo de cada linha. Vire o papel para obter os melhores ângulos para sua mão criar as linhas. Depois de algum tempo, você obterá um resultado como este. Você também pode brincar com as sombras adicionando mais linhas onde ela é mais escura e menos linhas onde é mais clara. Como de costume, as canetas antigas terão resultados mais suaves e leves e novas canetas deixarão cair muita tinta, tornando tudo um pouco escuro. Além disso, linhas finas, é claro, tornarão sua textura mais leve do que linhas mais grossas. Dependendo de quão escuro você quer que seu desenho seja, você pode escolher quais canetas você vai usar. Eu sugiro que você pratique em um pequeno papel lateral se ainda não estiver tão confiante. Isso é inaceitável. É oficialmente um ambiente de trabalho hostil. Outra técnica que você pode usar é a eclosão em linhas anguladas. Isso é um pouco mais abstrato, mas ainda é realmente interessante para mim. Você basicamente vai desenhar linhas paralelas curtas em linhas [inaudíveis] É delicado e criar alguma textura e adicionar algum contraste em relação ao fundo, e eu adoro isso. É um bom padrão para adicionar a lugares onde você não tem tanta certeza de como preencher seu desenho ou quais texturas eles têm, esta é uma ótima escolha. É fácil, rápido e parece muito bom. Esta é minha ilustração com texturas e sombras. Espero que você goste. Agora, junte-se a mim na próxima lição para que possamos explorar cores e maneiras de tornar sua criatura ainda mais interessante. Vejo você lá. 10. Explorando cores e seus materiais: Agora vamos levar nossa ilustração para o próximo nível adicionando cores a ela. Usaremos mídias mistas para criar um resultado muito único e bonito. Quaisquer materiais que você tenha em casa são bem-vindos. Marcadores, lápis de cor, lápis de cor, pastéis, aquarelas, tudo é bem-vindo. Sinta-se à vontade para usar o que quiser, pode ser uma exploração criativa para você em termos de cores. Para aquecer nossos sucos criativos, pegue um pedaço de papel para testar alguns de seus materiais. Quero criar uma pequena amostra de cada cor que você pode querer usar apenas para ver como elas se sentem quando você as coloca no papel. Você notará que você se sentirá mais atraído por algumas cores mais do que outras, algumas texturas mais do que outras. Talvez você tenha azul e dois materiais diferentes, por exemplo, mas um deles é mais divertido de usar do que o outro. Por exemplo, tenho esse tom de azul que é quase o mesmo tom de azul em lápis e marcadores coloridos, mas é muito mais divertido usar os marcadores. Então eu provavelmente usarei isso em vez dos lápis de cor e talvez eles realmente se complementem. Ao fazer esse experimento, você começará a entender melhor seus materiais e se familiarizar mais com eles. Você também pode tentar adicionar uma cor sobre a outra, basta ver como elas se transformam e se misturam. Por exemplo, estou usando lápis de cor à base de cera e aquarelas. Esses dois materiais geralmente não combinam muito bem porque a cera criará uma camada no papel que impede que o papel absorva a água das cores da água adequadamente. Então eu já sei que evitar pintar com lápis de cor antes de usar as aquarelas , porque então vou cancelar a conexão entre as aquarelas e meu papel aquarela, o que é muito importante. Mas o caminho oposto funciona de forma incrível. Se eu pintá-lo com aquarelas e depois quando estiver seco, uso os lápis de cor em cima dele para adicionar um pouco de sombra ou adicionar alguns detalhes. Funciona perfeitamente, e só há uma maneira de descobrir essas coisas. É tentando. É por isso que estou dando a vocês essa oportunidade agora realmente experimentar o que você tem, colocá-los um em cima do outro, misturá-los apenas para ver como eles vão se combinar. Continue experimentando suas cores até se sentir pronto para escolher algumas delas para trabalhar. Depois de ter alguns favoritos, tente imaginar como eles ficariam bem juntos para criar um esquema de cores para sua ilustração. Eu pessoalmente gosto dos rosa e gosto da cor azul e dourado com ele. Estou apenas fazendo uma pequena amostra aqui na parte inferior para ver como eles ficariam juntos e você não precisa se sentir limitado por isso. Este é mais um ponto de partida para colorir sua obra de arte e não estamos indo fundo na teoria das cores ou nada parecido. Estou realmente indo com nossa intuição aqui e o que é bom para você. Depois de decidir algumas das suas cores favoritas para o projeto de hoje, junte-se a mim na próxima lição em que vou ensinar-lhe como colocar as cores em camadas para alcançar o efeito desejado em sua ilustração. Vejo você lá. 11. Camadas de cores: Você está pronto para adicionar alguma cor à sua arte? Bem, eu sei que essas coisas podem ser um pouco avassaladoras, mas podemos fazê-lo. A primeira coisa para você pensar é que alguns materiais cobrem a tinta preta e outros não. Lápis de cor, por exemplo, e marcadores, eles deixarão o preto de suas canetas de tinta, super preto. Mas as aquarelas podem cobrir um pouco a tinta, quanto mais água você adicionar, menos ela cobrirá a tinta, e quanto mais pigmento você tiver de suas aquarelas, mais ela cobrirá sua tinta preta. Como não queremos cobrir a tinta e apenas queremos adicionar alguma cor, temos que estar atentos aos materiais que usamos e como os usamos. A segunda coisa a ter em mente é que vamos criar cores complexas colocando-as em camadas. Isso significa que você pode usar muitas cores diferentes e muitos materiais diferentes para criar novos tons para sua criatura. Para começar, vamos escolher um elemento do seu desenho e adicionar cor à parte de sombra dele. Vou usar a parte de trás da cobra e adicionar um pouco de azul ao lado escuro dela. Estou adicionando um pouco de água a ele primeiro para que o azul fique menos saturado e apenas para adicionar um pouco de azul. Agora, quando terminar de adicionar sua primeira cor, escolha outro elemento e escolha o lado escuro ou claro para adicionar outra cor. Estou adicionando um rosa claro às barbatanas da cobra. Agora, para adicionar uma nova camada, esta laranja dourada às partes claras das barbatanas. Observe que estou seguindo o movimento das linhas que fizemos com nossas canetas de tinta. No processo de camadas de cores, não estou adicionando uma cor sobre a outra. Estou escolhendo partes do meu desenho com base nas sombras que fiz antes para adicionar as cores em cima de cada plano tonal. Haverá uma cor para a sombra, uma cor para a luz, para cada elemento, e talvez uma cor para um tom médio, e quando você vê na natureza, quando você observa a vida e a luz ao seu redor, as coisas mudam cores. Você pode ter um objeto branco sob o sol e talvez haja uma tonalidade de rosa e talvez um tom de verde, e isso será baseado nas sombras e como a luz está atingindo cada objeto. Isso é o que estamos tentando criar com o processo de camadas de cores. Agora vou adicionar outra camada e vou adicionar um pouco de azul claro às barbatanas e ao corpo da cobra. Como você pode ver, quanto mais camadas criamos, mais tridimensional nossa criatura se torna. Agora, tentei adicionar um pouco de verde, o que foi um erro total. Eu sabia desde o início que não queria adicionar verde e não tenho ideia por que fiz isso, mas às vezes você faz isso, e eu realmente odeio como parece. Esta é uma parte importante da criação de uma ilustração à mão pessoal. Haverá pequenos erros aqui e ali e haverá momentos em que você só deseja ter feito diferente, mas faz parte do processo. Vamos tentar corrigir isso. Com a cor, você geralmente é capaz de corrigir ou, pelo menos, melhorar muito um erro de cor usando a cor oposta na roda de cores ou uma cor ao lado dela. Se você for para os Recursos, eu anexei uma roda de cores para vocês que você pode usar como referência e você poderá cancelar ou pelo menos esconder um pouco de cor que você não gosta usando a cor oposta. No meu caso, desde que fui em alto grau, optei por adicionar mais rosas e vermelhos ao lado dele e em cima do verde, adicionei um pouco mais azul. Isso é ao lado do verde na roda de cores e agora você mal consegue vê-lo. Agora, como você pode ver, ainda estou um pouco apegado a fazer essa ideia de verde. Meu Deus, estou sendo tão corajoso agora e sim, acabei de adicionar mais verde, mas um tom diferente de verde que eu realmente acho que contrasta bem com o vermelho. Não odeio tanto esse e vou deixá-lo. Não me arrependo de nada. O fim. Deixe-me dar outra ótima dica para você. Digamos que você precise adicionar um pouco de branco ao seu desenho. Talvez você precise consertar algo, ou talvez você precise adicionar algumas luzes ou adicionar um pequeno detalhe branco sobre cores escuras e, claro, se você usar uma aquarela branca ou um marcador branco, você não será capaz de tem esses resultados e um lápis de cor branca pode funcionar, mas pode estar um pouco manchado. Se você quiser um detalhe muito preciso e minúsculo em branco, você pode querer usar uma caneta de gel branca ou um pequeno pincel redondo com tinta acrílica ou guache ou a tinta de caligrafia, que é o que vou usar. Esses materiais também podem cobrir sua tinta e cor. Se você precisar adicionar um pouco de branco para talvez fazer algo aparecer do fundo escuro, você pode fazer isso usando esses materiais. Com a tinta de caligrafia ou com a caneta de gel branca, o que você escolher, você pode adicionar alguns toques leves que ajudarão sua criatura a sair do papel. Isso o tornará muito mais 3D e criará outra camada de profundidade que é super interessante para mim. No meu caso, por exemplo, estou adicionando luz abaixo de cada escala. Como minha fonte de luz é a lua e está vindo do fundo, estou adicionando luzes a cada pequena escala e ao lado inferior dela e, como você pode ver, as escalas estão começando a aparecer do fundo. Então, mais tarde, com a caneta de tinta, posso até adicionar o lado escuro de cada escala para que ela apareça ainda mais, para adicionar esse contraste e aquela escuridão do outro lado de cada escala. Agora, para o fundo, quero criar uma sensação noturna e quero fazer o lado escuro na parte inferior contrastar com a lua e desaparecendo até o topo. Acho que isso criará um bom contraste com a peça inteira. Observe que, enquanto estiver molhado, você ainda pode brincar com onde a cor descansará no papel, e para tornar isso o efeito de desvanecimento, vou adicionar muito mais preto ao fundo e depois regá-lo para baixo em direção ao topo parte do meu papel. É assim que você cria um efeito de desvanecimento. Agora, esta é minha arte final para vocês. Espero que você tenha gostado e espero que essa classe o tenha desafiado como aconteceu por mim e que você seja capaz de criar criaturas fantásticas lindas e únicas inspiradas no surrealismo. Agora junte-se a mim na próxima lição para que eu possa mostrar meus pensamentos finais e agradecer a vocês por estarem aqui. 12. Considerações finais: Ei, todos. Muito obrigado por participar desta aula. Espero que você tenha se divertido e que tenha relaxado e que tenha descoberto coisas novas sobre seus mundos imaginários. Devemos apenas tomar um momento e apreciar o quanto somos sortudos. Sinto que quanto mais praticamos esses tipos de exercícios que tocam nesse nível de subconsciente ou sonho, realmente conhecemos um pouco mais sobre nós mesmos. Eu realmente acredito que quanto mais nos conhecemos, mais podemos criar arte original. Espero que este tenha sido um grande passo em sua jornada artística. Se você sentir vontade, deixe-me um comentário lá embaixo para eu possa saber o que você pensou sobre essa aula. Se você tiver alguma ideia para aulas futuras que gostaria que eu abordasse, eu adoraria ouvir suas ideias. Além disso, se você quiser publicar seu projeto nas mídias sociais, você pode me marcar e eu vou me certificar de compartilhar sua arte na minha plataforma também. Claro, se você quiser, você não precisa, mas você pode me seguir aqui no Skillshare. Você pode ouvir sobre minhas novas aulas sempre que elas surgirem e você pode ouvir sobre brindes e eu prefiro enviar e-mails e outras coisas. Mas às vezes, enviarei um e-mail aqui e ali para que você possa saber sobre as novas coisas legais que estão acontecendo. Certo. Mas só porque você implorou. Coisas que eu acho que você estaria interessado. Não vou jogar coisas na sua cara. Sim, acho que é isso, pessoal. Terminamos por hoje. Como procrastinante, então peço-vos desta classe. Não sei por quê. Acho que é por causa de medos. Tão engraçado. Oh, a coisa mais importante, publique seu projeto se você quiser. Novamente, você não precisa, mas eu adoro ver os projetos. As pessoas adoram ver os projetos. Você se conectará com pessoas e criará uma comunidade. Acabamos de nos tornar melhores amigos? Sim. É realmente incrível. Eu comento sobre todos os projetos, sou super. Assim que alguém publica um projeto, estou tão animado. Não devo mostrar ao meu namorado? Eu não acho que haja um problema. Mostro ao meu namorado porque estou muito animado para mostrar a ele. Oh, meu Deus. Veja esta incrível obra de arte que alguém criou com minha turma. Todo projeto faz meu dia. Publique seu projeto, faça meu dia. Posso parar de falar agora. Tchau. Odeio os sorrisos mais estranhos no final. Oh, bem.