Paisagens montanhosas expressivas em aquarela: contraste e atmosfera

1. Boas-vindas ao curso!: Olá, pessoal. Meu nome é Will Alliston, e hoje vamos pintar uma cena montanhosa expressiva e vibrante Esta aula tem como objetivo abraçar o contraste de cores e a liberdade em sua pincelada para capturar o drama e a beleza do As paisagens montanhosas oferecem a oportunidade perfeita para brincar com formas ousadas, cores dinâmicas e primeiros planos brilhantes Preciso que tudo seja preciso ou realista. Vamos nos concentrar em criar um clima expressivo usando técnicas soltas e intuitivas, como pintura úmida e úmida, técnica de pincel seco e transições de cores em camadas Sou artista profissional há muitos anos, explorando muitos assuntos diferentes, desde vida selvagem e retratos até paisagens urbanas Sempre fiquei fascinada as possibilidades da aquarela, mas quando comecei, não tinha ideia onde começar ou como melhorar Eu não sabia quais suprimentos eu precisava, como criar os efeitos que eu queria ou quais cores misturar. Agora, participei de muitas exposições mundiais, apareci em revistas e tive a sorte de ganhar prêmios de organizações respeitadas, como a como International Watercolor Society, a Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton e a SAA Windsor and Newton e A aquarela pode ser assustadora para quem está começando, é por isso que meu objetivo é ajudar você a se sentir relaxado e aproveitar esse meio passo a passo Hoje, vou guiá-lo por uma pintura completa, demonstrando uma variedade de técnicas e explicando como uso todos os meus suprimentos e materiais Se você está apenas começando ou já tem alguma experiência, você poderá acompanhar no seu próprio ritmo e melhorar suas habilidades em aquarela Se essa aula for muito desafiadora ou muito fácil para você, tenho uma variedade de aulas disponíveis em diferentes níveis de habilidade. Gosto de começar com uma abordagem de expressão livre, sem medo de cometer erros, pois criamos texturas interessantes para a Conforme a pintura progride, adicionaremos mais detalhes para dar vida a ela e destacá-la Eu me esforço para simplificar assuntos complexos em formas mais fáceis que incentivem a diversão Ao longo desta aula, compartilharei muitas dicas e truques. Vou te mostrar como transformar erros em oportunidades, tirando o estresse da pintura para se divertir. Também fornecerei meus gráficos de mistura de aquarela, que são uma ferramenta inestimável quando se trata de escolher e misturar Se você tiver alguma dúvida, você pode publicá-la no tópico de discussão abaixo. Com certeza lerei e responderei a tudo o que você postar. Não se esqueça de me seguir no Skillshare clicando no botão Seguir na Isso significa que você será o primeiro a saber quando eu lançar uma nova aula ou publicar brindes Você também pode me seguir no Instagram em Will Elliston para ver meus trabalhos mais recentes Então, vamos começar e dar vida a essa cena montanhosa vibrante. 2. Seu projeto: Muito obrigado por se juntar a mim hoje. Estou animado para pintar isso para você. Trabalharemos na pintura uma paisagem montanhosa brilhante e ousada com picos cobertos de neve, árvores coloridas e reflexos profundos na água Este projeto é perfeito para experimentar energia e movimento, e abordaremos técnicas como criar profundidade e luz nas montanhas com gradientes fluidos, construir folhagens expressivas, usar cores e texturas de chumbo e pintar reflexos que parecem naturais e dinâmicos experimentar energia e movimento, e abordaremos técnicas como criar profundidade e luz nas montanhas com gradientes fluidos, construir folhagens expressivas, usar cores e texturas de chumbo e pintar reflexos que parecem naturais e dinâmicos . Tem tudo a ver com expressão em vez de precisão. Adotaremos pinceladas soltas, contrastes fortes e uma paleta vibrante para destacar a pintura Na seção de recursos, adicionei uma imagem em alta resolução da minha pintura finalizada para ajudar a guiá-lo. Você pode seguir exatamente minha pintura ou experimentar sua própria composição. Como vamos nos concentrar no aspecto de pintura da aquarela, forneci modelos que você pode usar para ajudar a transferir ou traçar o esboço antes de É bom traçar ao usá-lo como um guia para aprender a pintar. É importante ter o desenho correto para que você possa relaxar e se divertir aprendendo o próprio meio de aquarela Seja qual for a direção que você seguir nesta aula, seria ótimo ver seus resultados e as pinturas que você cria por meio Adoro dar feedback aos meus alunos, então tire uma foto depois e compartilhe-a na galeria de projetos estudantis na guia Projeto e recursos. Sempre fico intrigado ao ver quantos alunos têm abordagens diferentes e como eles progridem em cada aula Eu adoraria ouvir sobre seu processo e o que você aprendeu ao longo do caminho, ou se você teve alguma dificuldade. Eu recomendo fortemente que vocês dêem uma olhada no trabalho um do outro na galeria de projetos estudantis. É muito inspirador ver o trabalho um do outro e extremamente reconfortante receber o apoio de seus colegas Portanto, não se esqueçam de curtir e comentar o trabalho um do outro. 3. Materiais e suprimentos: Antes de começarmos com a pintura, vamos examinar todos os materiais e suprimentos necessários para pintar. Ter os materiais certos pode impactar muito o resultado de sua obra de arte Então, vou revisar todos os suprimentos que uso para esta aula e além. É muito útil tê-los à sua disposição e facilitaremos o acompanhamento. Vamos começar com as tintas em si. E, como a maioria dos materiais que usaremos hoje, isso tem muito a ver com a preferência. Tenho 12 cores estáveis na minha paleta que preencho com tubos Eles são amarelo cádmio, amarelo ocre, siena queimada, vermelho cádmio, vermelho alizarina, azul Opramarne, azul cobalto, azul serlean, lavanda, roxo, viridiano, preto e, no final da pintura, costumo usar guache branco para pequenos destaques. Eu não uso nenhuma marca em particular, essas cores você pode obter de qualquer marca, embora eu pessoalmente use Daniel Smith, Windsor e Newton para tintas Holbein Então, vamos passar para os pincéis. O pincel que eu mais uso é um pincel redondo sintético como esse pincel Escoda Purl ou esse pincel Van Gogh Eles são muito versáteis porque você não só pode usá-los para trabalhos detalhados com sua ponta fina, mas como eles podem reter muita água, eles também são bons para lavadoras Eles também são bastante acessíveis, então eu tenho alguns em tamanhos diferentes. Em seguida, estão os pincéis de esfregão. pincéis Mop são bons para pinceladas amplas, preenchendo grandes áreas e criando transições ou lavagens suaves Eles também têm uma boa dica que pode ser usada para detalhes menores. Mas para detalhes muito pequenos, destaques ou qualquer coisa que precise de mais precisão, eu uso um pincel sintético tamanho zero. Todas as marcas os têm e são super baratos. Outro pincel útil é um pincel de caligrafia chinesa Eles tendem a ter cerdas longas e uma ponta muito pontiaguda. Eles são perfeitos para adicionar textura ou criar linhas dinâmicas em suas pinturas. Você pode até mesmo espalhá-los assim para obter texturas de pelos ou penas E isso é tudo para pincéis. No papel. Quanto melhor a qualidade do papel, mais fácil será pintar. papel barato enruga facilmente e é muito implacável, não permitindo que você É mais difícil criar efeitos atraentes e aplicar técnicas úteis, como remover o pigmento. No entanto, papéis de boa qualidade, como o papel à base de algodão, não só permitem que você refaça os erros várias vezes, mas como o pigmento reage muito melhor a ele, as chances de erros são muito menores e você terá mais chances de criar pinturas Eu uso papel arqueado porque é o que está disponível na minha loja de arte local Um spray de água é absolutamente essencial. Ao usar isso, você terá mais tempo para pintar as áreas desejadas antes de secar. Também permite reativar a tinta se quiser adicionar uma linha suave ou remover um pouco de tinta Também tenho um pano velho ou camiseta que uso para limpar meu pincel Limpar a tinta antes de mergulhá-la na água fará com que a água dure muito mais tempo É sempre útil ter um lenço à mão durante a pintura para retirar o excesso de tinta. Além disso, você nunca sabe quando pode ocorrer um respingo ou gotejamento indesejado que precise ser removido rapidamente Também tenho um conta-gotas para manter as tintas molhadas. Ao pintar, é importante que eles tenham uma consistência semelhante à dos tubos. Dessa forma, é mais fácil coletar pigmento suficiente. É útil ter um secador de cabelo para acelerar o tempo de secagem e controlar a umidade do papel. E por último, fita adesiva. E isso, é claro, serve apenas para segurar o papel ainda na superfície para impedir que ele deslize enquanto pinta Além disso, se você planeja pintar até a borda, isso permitirá criar uma borda bem nítida e limpa E isso é tudo que você precisa para pintar junto. Eu o encorajo a experimentar e explorar quaisquer materiais ou suprimentos que você queira usar. Agora, vamos começar essa pintura. 4. Dicas para o esboço: Antes mesmo de começarmos o esboço, precisamos pensar no que queremos expressar com essa pintura porque no momento em que colocamos nosso lápis no papel, já estamos começando a expressar algo Portanto, ter uma ideia do que queremos expressar antes de começar é importante. E o desenho a lápis antes de uma aquarela pode assumir muitas formas diferentes Às vezes é muito fluido, circular e ondulado. Mas por causa dessa cena, é montanhosa e é bastante rígida e majestosa Estou basicamente me limitando a linhas rígidas, todas retas, muito angulares Você pode ver que não há muitas curvas nessa composição existem muitos triângulos diferentes, começando pelas árvores e montanhas distantes , é claro, todos triângulos para os pinheiros Estou apenas desenhando triângulos em forma de cone de cabeça para baixo e quase como mandíbulas Alguns triângulos horizontais em ziguezague. Sem curvas porque também teremos alguns reflexos na água aqui Começando bem solto, este é um belo lápis de chumbo macio, então eu sempre posso esfregar e começar novo ou me livrar de uma área que eu não gosto. Depois, posso limpá-lo com minha borracha e depois voltar com um lápis mais duro como esse, só para refinar ainda mais o que eu quero 5. Subcamada de montanhas distantes: Então, vamos começar pintando as montanhas distantes, e vamos usar apenas duas cores, siena queimada Então, basta criar uma boa lavagem diluída e uma mistura de sienna queimada E então, em uma panela diferente, vou usar um pouco de azul ultramarino só para ter uma ideia e, na verdade, um pouco de azul turquesa ou Mas, na verdade, depende de você. Qualquer azul funcionará em branco. Funciona bem. Meu favorito é esse tipo de azul turquesa, serlean Na verdade, eu misturei um pouco na mesma panela porque sempre vejo o Cerlean turquesa com cores semelhantes, então não me importo de misturá-los de vez em quando Não sou tão rigoroso na forma como organizo as cores na minha paleta Então, começando pela esquerda, bem diluída e começando aquela mistura azul meu pincel não é muito pequeno nem muito grande. É simplesmente perfeito para isso. E se você estiver pintando em um pedaço de papel menor, poderá usar um pincel menor e, se estiver pintando ainda maior, poderá usar um pincel maior. Então, quando misturamos esse cerrilano lá, porque é um tipo de cor laranja quente Ele se mistura muito bem com o azul. Essas duas cores combinam muito bem e, para começar, estamos mantendo-as bonitas e leves. E podemos desenvolvê-lo gradualmente quando nos sentirmos mais confortáveis. Alguns picos são um pouco azuis e alguns picos são um pouco marrons. Não precisa ser rigoroso. Tudo está aberto à interpretação, como você quiser. É algo que você pode explorar. Se você achar que está um pouco azul demais, pode adicionar um pouco mais de sienna queimada E se, por outro lado, você achar que há muita sienna queimada, então você pode adicionar um pouco mais de azul para equilibrá-la A escolha é sua. Veja, estou tentando manter aquela borda limpa onde aquela montanha na frente alcança a borda na parte inferior, tentando não se sobrepor, mantendo-a um pouco mais escura no topo, mas é bastante imperceptível É tudo um tom tão claro. Não precisamos estar muito preocupados ou tão cuidadosos. É tudo uma questão de relaxar e sentir a aquarela sem muita pressão Você pode começar a trabalhar de baixo para cima, molhando o papel e depois colocando um pouco de azul, tudo muito aleatório, na verdade, porque a natureza é aleatória, então não precisamos ser tão rigorosos Podemos permitir que o pigmento e a água fluam para onde quiserem para criar aquela sensação orgânica Isso é azul cerrilano puro no momento. Você também não precisa se preocupar em misturar cores. 6. Azuis e marrons: Costumo escolher uma cor principal da minha panela, seja azul cerlan ou sienna queimada. E então eu adiciono um toque de qualquer outra cor só para deixá-la um pouco mais interessante. Então, eu raramente pinto diretamente do tubo, mas você pode fazer isso. Não há nada de errado com isso. Se você se sentir mais confortável explorando os outros lados da aquarela , as outras técnicas, pode simplificar e trabalhar diretamente do tubo Eu compro todos os tipos de tintas diferentes, mas sempre as mantenho nessa paleta Então, quando você vê minha siena queimada lá, ela pode ser composta por três marcas diferentes de queimada, Daniel Smith, Windsor Newton, da mesma forma, com o Alizarin carmesim ou a siena queimada ou o azul Cerlan ou o ultramarino, queimada ou o azul Cerlan ou o ultramarino ela pode ser composta por três marcas diferentes de siena queimada, Daniel Smith, Windsor Newton, da mesma forma, com o Alizarin carmesim ou a siena queimada ou o azul Cerlan ou o ultramarino, qualquer coisa. Eu sempre mantenho as cores da minha paleta misturadas. Então, eles são todos únicos, mas têm praticamente a mesma cor porque todas essas empresas têm suas próprias versões diferentes de sienna queimada, azul cerilian ou azul Então, muitas vezes acho que nenhum deles é perfeito. Portanto, ter uma mistura deles tem as boas qualidades de todos eles. Talvez com o azul cobot, por exemplo, eu goste do tom de Daniel Smith, azul cobot, mas na verdade prefiro a textura do azul cobot quando se trata de Windsor e Newton, então coloco meio a meio na minha pequena panela 7. Camada inferior amarela brilhante: Então, agora fizemos as montanhas distantes e os reflexos na água lá E agora vamos usar um amarelo vibrante para fazer as coisas se destacarem. Estou começando com esse amarelo em primeiro plano porque, na verdade, será a camada inferior E como o amarelo é um tom bastante claro em comparação com os tons escuros, aplicaremos mais tarde a lei geral da aquarela é pintar do claro ao escuro Então, estamos fazendo as camadas claras primeiro, então é uma decisão sábia pintar de amarelo antes de escurecermos E os detalhes desta pintura são bastante aleatórios e orgânicos. Não estou pensando em detalhes neste estágio. Eu só vou pensar neles no final, na verdade. Eu coloquei uma sugestão de detalhes com o lápis. Desenho. Mas você pode ver o amarelo aqui, não estou seguindo nenhum padrão ou fluxo de trabalho estrito. Eu só quero ter uma ideia geral disso por baixo. Não estou sendo tão preciso. E você não deveria ser tão preciso. Basta ter uma ideia geral, sobrepor algumas árvores Você pode olhar minha imagem final para ver onde eu realmente preservei esse amarelo porque vamos examinar muito disso. Isso é apenas uma camada inferior Assim, você pode ver quais áreas você realmente precisa pintar de amarelo. É sempre útil ter a pintura final aberta até mesmo em uma nova guia na janela em que você está assistindo se estiver assistindo no computador ou no celular. Porque na maioria das vezes com aquarela, pintamos coisas com o objetivo em mente Então, as coisas que estou fazendo agora podem não fazer muito sentido porque são bastante abstratas. Mas se você ver a imagem final , ela contextualizará o que estou fazendo agora. Eu sempre incluo uma foto, na verdade, da minha pintura final na descrição da aula. Então, se você rolar para baixo, poderá ver uma foto dela lá. Portanto, você não precisa necessariamente abri-lo em uma nova janela ou tê-lo no seu celular. Você pode simplesmente olhar para baixo e comparar comparar 8. Cores análogas: Agora podemos começar a adicionar um pouco de verde. Eu só vou usar verde viridiano. E misture com esse amarelo enquanto ainda está um pouco úmido, mas um pouco seco. Até mesmo adicione um pouco de amarelo cádmio diretamente na tela da minha E alguns pedaços estão secos, outros estão muito molhados, então isso cria uma boa aleatoriedade orgânica Isso não é controle algum. Estamos no estágio em que estamos criando um pouco de caos. Estamos permitindo que a expressão, a frouxidão da aquarela apareça E então usaremos isso como base para fazer algo acontecer mais tarde. Então essa é a parte em que estamos tentando ser expressivos, adicionando um pouco de vermelho camium ao amarelo Então adicionamos um pouco de verde, que está do outro lado da roda de cores, e agora estamos adicionando vermelho, que está do outro lado do amarelo na roda. Portanto, uma boa variedade de cores se harmoniza com as cores. Deixei algumas lacunas brancas entre o amarelo para as pedras. Pequenos destaques que queremos pintar mais tarde. Mas se você os perdeu, tudo bem, porque podemos simplesmente usar guash branco no final apenas para fazê-los se destacar A, uh 9. Sombras distantes das montanhas: Agora, enquanto o amarelo estiver seco, podemos voltar para a montanha para uma segunda camada, porque a primeira era apenas uma camada inferior E agora queremos pagar um pouco de contraste. Na primeira vez, fizemos lavagens suaves com muitos gradientes e formas suaves ambíguas. Agora vamos voltar a criar mais algumas bordas rígidas para encontrar as montanhas, começando da esquerda para a direita. Sendo um pouco mais cautelosos agora com o que queremos deixar fora, os pequenos pedaços de branco no fundo que estamos preservando Então, usando a ponta do pincel, criando essas sombras nítidas Mas usando o mesmo tipo de cores que azul para a primeira cor e a siena queimada, a segunda E essas podem ser suas cores básicas. Pense em Burnt Sienna e Cerleanblue. E então você pode usar pequenas influências sutis de outras cores para experimentar e tornar as cores básicas mais interessantes. Então, talvez adicione um pouco de vermelho à siena queimada, apenas um toque ou talvez adicione um pouco de verde ou roxo ao azul, um pequeno toque, apenas para torná-la um pouco mais interessante, não para torná-la irreconhecível da siena queimada ou do Agora estou colocando um pouco de verde Villian aqui embaixo e misturando isso com o azul Cerlean Portanto, o azul Cerlean ainda é a cor principal, mas nós o influenciamos com outra cor para torná-lo um pouco mais empolgante e dinâmico Estou pensando em vários ângulos. Mas nesta pequena seção que estou pintando, estou me certificando de que o fundo seja macio porque vamos pintar árvores lá embaixo, e eu quero que tenha um fundo claro na parte inferior para que haja um pouco mais de contraste onde as árvores estão na distância em que as árvores encontram a montanha No topo, é importante estar bem escuro porque queremos esse contraste. Como se houvesse uma espécie de neve salpicada de neve e E então, uma sensação de neblina ao fazermos a transição para o fundo da colina Agora estou adicionando um pouco de roxo nesse azul Cerlean. Então veja, é muito sutil. À esquerda, temos um pouquinho de verde, e aqui à direita, fica azul. Então, temos muitas cores acontecendo e, em toda a composição, temos todo o espectro da roda de cores, mas faz sentido com a maneira como as brincamos e as organizamos. É uma boa maneira de explorar a roda de cores porque não estou apenas adicionando cores aleatórias, embora estejamos usando todas as cores. Estou apenas colocando as cores próximas umas das outras na roda de cores. Então, com o azul, temos verde e roxo com os quais podemos brincar. E também temos o oposto da roda de cores , com a qual podemos brincar. Portanto, o lado esquerdo da pintura está sombreado. E a luz vem da direita. Então, em todas essas montanhas, eu quero que seja claro à direita e mais sombreado à esquerda 10. Como criar camadas para as montanhas: Novamente, mantendo aquele azul serleano, adicionando um pouco de verde em algum lugar e roxo em outro lugar. Nem sempre volto ao azul da minha paleta, mantendo-a interessante e permitindo que alguns pedaços aleatórios de branco apareçam nessa lavagem. Na parte superior, lembre-se de mantê-la nítida e na parte inferior, para mantê-la um pouco mais suave. Pense na atmosfera da cena, ela ficará bonita e embaçada na parte inferior, o que significa um trabalho macio com pincel e bordas suaves E no topo, onde não há muita neblina , haverá bordas bonitas, nítidas e duras Agora, vou terminar esta seção aqui, adicionando um pouco de pigmento mais escuro mais espesso para que ele seque e dê um pouco mais de amplitude de tom, dê uma sensação um pouco Mas agora quero secá-lo completamente antes de pintarmos o próximo suporte porque quero que haja uma borda dura. E se estiver molhado, ele simplesmente se suavizará e ficará um pouco confuso para o espectador, seja na mesma montanha ou em outra , porque precisa haver uma diferença tonal e uma borda dura Então, aqui, certifique-se de secar a camada inferior antes de aplicar o traço. E, novamente, na parte inferior, queremos que ela amoleça onde as árvores estarão Queremos que seja um fundo claro. Portanto, não estou tomando muito cuidado com isso, aplicando uma pincelada de água limpa na parte inferior e, em seguida, os pigmentos se misturarão gradualmente de forma orgânica Pintando até a ponta e depois uma borda dura para baixo. Haverá algumas árvores em primeiro plano nesta seção ou no meio do plano, então não precisamos nos preocupar muito com o que está acontecendo Justamente no meio das árvores, onde as veremos, adicionando um pouco mais de pigmento. Acho que, como esse suporte é o mais próximo, teremos que aumentar o contraste. Então, à esquerda, vou adicionar um pouco mais de pigmento para torná-lo mais escuro, porque as coisas à distância têm menos contraste por causa de toda a atmosfera e partículas no Então, quanto mais próximo estiver algo, maior será o contraste. E como ainda está úmido, tudo o que preciso fazer é colocar o pigmento lá dentro e a água o espalhará para nós A, 11. Sombras de rocha: Ok. Gosto muito de incentivar os alunos a explorar diferentes interpretações dessas aulas Você é perfeitamente bem-vindo a segui-lo da forma mais exata que quiser, porque esse também é um bom exercício para aprender técnicas específicas, é aprender exatamente como estou pintando. Especialmente se você for iniciante, essa é uma excelente estratégia Mesmo que o projeto pareça avassalador ou muito complicado, você não tem nada a perder, apenas tentando pintar exatamente como está e me seguindo passo a passo Coloca você na mentalidade certa e é um bom trampolim Mas à medida que você avança, se sentir que quer ter uma visão mais pessoal, se quiser trabalhar em seu próprio estilo, se o que o motiva e o motiva a criar arte é uma visão pessoal É algo que você quer fazer fora dos meus projetos ou de outras aulas no Skillshare Você pode usar essas aulas da maneira que quiser e pode usá-las como ponto de partida para explorar qualquer elemento da pintura que queira praticar. Então, se você quiser se concentrar na cor, pode fazer essa aula e pensar apenas no aspecto da cor, nas cores que deseja usar, talvez mudar o esquema de cores. Você quer experimentar quentes e frias ou talvez cores complementares. Talvez você só queira usar duas cores ou uma paleta limitada Ou talvez você não esteja nem um pouco preocupado com as cores e queira se concentrar nos tons, porque tons, luz e sombra são ainda mais importantes quando se trata de pintura. Então, talvez esqueça completamente as cores e queira pintar a cena em preto e branco, só para saber como pensar em termos de tom sem a distração da Você pode fazer isso facilmente e em qualquer uma das minhas aulas. Talvez você queira pensar em textura. E essa é a sua concentração. E você pode usar esse projeto para pensar em como colocar linhas duras e onde colocar linhas suaves, transições suaves ou marcas de pincel seco ou molhado sobre úmido sobre seco Você pode detalhar todos esses elementos diferentes e, em vez de ficar sobrecarregado, pode se dar uma licença para concordar com o que pode acontecer Você não precisa sentir a pressão de pensar todas essas coisas diferentes ao mesmo tempo porque a aquarela, em particular, tem muitos elementos você precisa pensar ao mesmo tempo Esta aula e minhas aulas são uma espécie de área de prática para você se permitir explorar sem ser muito duro consigo mesmo. Não estamos tentando criar obras-primas dessas classes. Estamos tentando crescer como artistas. Portanto, quaisquer que sejam seus resultados, você não quer se punir ou menosprezar a si mesmo Isso é exatamente o que você deveria incentivar. Você deve se parabenizar. Recentemente, dei feedback a uma estudante que foi muito crítica consigo mesma e com o resultado de sua pintura No entanto, aos meus olhos, foi um sucesso absoluto. Você não poderia pedir mais nada porque ela aprendeu muito com isso. E foi por meio desses erros, e é saindo da sua zona de conforto e se esforçando que você se torna um artista melhor Ah, 13. Folhagem à esquerda: É. A seção de folhagem que estou pintando agora à esquerda é apenas uma boa exploração das cores. Na verdade, estou sendo muito aleatório forma como estou colocando as cores. É claro que, com as árvores que pintamos acima, usamos um pouco mais de controle com a forma para torná-las bastante óbvias como árvores. Mas mesmo dentro dos galhos dessas árvores, é bastante aleatório, seguindo um padrão. Mas à medida que entramos nessa folhagem, estou apenas misturando e misturando cores aleatórias Fazendo a transição deles juntos, na verdade. Não estou necessariamente misturando muitas cores em uma única cor, mas estou fazendo a transição de muitas cores umas para as outras E as pequenas lacunas de amarelo que estou deixando são bastante ambíguas, bastante aleatórias, adicionando algumas texturas nítidas e pequenas frondosas, talvez algumas pedras, apenas para criar alguma intriga, uma variedade de bordas de tons, de cores É uma daquelas áreas que não é o ponto focal, mas precisa ser pintada, então estamos apenas usando-a para ser um pouco mais abstrata. Porque, é claro, há certas áreas que terão mais detalhes, precisarão ser um pouco mais precisas. Mas nessas áreas que não são o ponto focal ou que não exigem muitos detalhes, na verdade temos uma bela oportunidade explorar a natureza da aquarela Essas partes silenciosas da pintura que não precisam ser explicadas na íntegra. Eles não estão onde o espectador olha ou olha, seus olhos não descansarão E por isso, eles nos dão a liberdade de sermos um pouco mais divertidos, intuitivos e mais expressivos Em vez de preencher cada pequeno espaço com informações, podemos deixar a aquarela fazer o que ela faz de melhor: fluir, se misturar e nos surpreender Abandonar o controle nessas áreas convida o meio a criar texturas e transições que não poderíamos planejar ou Você pode pintar algo semelhante sem precisar replicá-lo Na verdade, é impossível replicar. Eu não deveria replicá-la sozinho porque estou permitindo que a aquarela seja espontânea A granulação, pequenas flores, pequenos gradientes suaves, pequenos rios Essas coisas acontecem quando permitimos que a tinta se mova sozinha, reagindo à água, ao papel e também ao tempo Depois, podemos usar a ponta do pincel apenas para criar algumas folhinhas pontiagudas na borda desta seção 14. Árvores distantes: E então vamos conectá-lo no topo às árvores distantes. Então, tudo está conectado de uma forma ou de outra. Nada está realmente isolado. Estou usando o verde Vidian, mas depois adicionando turquesa ou azul seriano a esse verde para torná-lo um pouco mais harmonizado E mesmo quando estou pintando essas árvores, estou deixando a silhueta, a forma geral da árvore clara nos olhos Eu quero que o espectador entenda que é uma árvore. Mas por dentro, eu estou usando abstração. Porque até mesmo as áreas mais soltas podem ajudar a apoiar o ponto focal fazendo com que ele se destaque com mais clareza Se tudo for pintado de forma igualmente nítida ou detalhada, a pintura pode parecer visualmente cheia Mas quando usamos a abstração, podemos criar espaço para respirar Se pensarmos em música, você precisará de pequenas pausas entre as notas para apreciar a melodia Então, essas pequenas texturas abstratas expressivas são as pausas, os pequenos pedaços de ar Eles não tiram a atenção, mas ajudam a transmitir suas emoções de uma forma meio ilusória Eles dão espaço para a imaginação do espectador passear ou permitem que a pintura pareça um pouco mais aberta e viva. Então, ao pintar essas árvores de fundo, se houver um pequeno pedaço de fundo um canto sombreado ou um trecho de folhagem que não precise de precisão, deixe pra lá Não tente fazer disso algo. Deixe que se torne o que a água e o pigmento quiserem que seja Esses são os momentos em que a aquarela fala sozinha e traz à tona a magia do meio É por isso que é um meio empolgante de se trabalhar. Raramente em óleo ou acrílico, você permite que o pigmento faça suas próprias coisas Tudo depende de você como espectador. Tudo é muito controlado. É por isso que acho que, em aquarela, tento incentivar muitos desses momentos espontâneos, porque geralmente esses são os momentos que fazem a pintura parecer mais real Sobre o aspecto técnico da pintura dessas árvores, começo com um pigmento mais espesso, apenas para marcar o contorno dessas árvores, onde as pontas são o espaçamento entre Claro, eu tenho o esboço a lápis abaixo para ajudar a me guiar. Mas, para começar, é quase como um pincel seco. E depois de pintar as pontas das árvores , posso servi-las com água E agite-o e permita que ele se mova sozinho. No entanto, não quero que seja totalmente bloqueado. Quero manter um pouco desse white paper abaixo. Agora você pode ver a importância desse fundo nebuloso, como fizemos a transição daquela montanha para um branco na parte inferior É uma cor semelhante à da montanha, mas muito mais escura. Temos o azul cerlan turquesa escuro e o verde viridiano, mas muito mais concentrado. É por isso que o tom é tão importante porque é da mesma cor, o tom o torna diferente. 15. Por que o tom é importante: Vou falar sobre por que o tom é importante mesmo em uma pintura colorida como essa. Porque essa pintura tem um espectro completo de cores, e só vamos adicionar mais e mais. Você pode olhar através da roda de cores e simplesmente apontar qualquer cor e adicioná-la a essa cena. Temos verdes vibrantes, amarelos, roxos profundos, azuis, laranjas e E a ideia toda é explorar as cores. E estou interessado em ver como você pode fazer com que sua cena fique cheia de cores Mas, ironicamente, é exatamente por isso que entender tom, a claridade e a escuridão dessas cores se torna ainda mais importante Eles andam de mãos dadas. Quando você vê essa pintura pela primeira vez, parece uma pintura colorida, o que é, mas é igualmente uma pintura tonal quando usamos tantas cores, especialmente aquelas que podem não ser totalmente naturais ou realistas, especialmente aquelas que podem não ser totalmente como árvores roxas ou sombras alaranjadas A única coisa que mantém a pintura fundamentada, crível e legível para o espectador é o tom Você poderia pintar uma montanha de turquesa brilhante e as árvores ao lado dela profundas, vermelhas E ainda pode funcionar , desde que o contraste tonal entre eles suporte essa sensação de profundidade, luz e forma E esse é o poder dos relacionamentos tonais. É o que diz ao espectador o que está próximo, o que está longe, o que está captando a luz e o que está na sombra, independentemente da cor usada O. E isso é particularmente importante em cenas como essa. A natureza geralmente nos surpreende com cores, especialmente no início da manhã ou no final da noite Mas nosso trabalho como artistas não é apenas copiar o que vemos. É para transmiti-lo ou traduzi-lo no papel para dar ao espectador pistas suficientes para entender o que vemos na cena que é emocional ou para entendê-la Às vezes, o que cria a ilusão de distância não é a cor É separação tonal, como nessas árvores aqui. Temos árvores no meio do solo e uma montanha no fundo, e elas são tecnicamente da mesma cor, mais ou menos Mas como a árvore é escura e a montanha é muito mais clara, percebemos essa profundidade e nosso cérebro decodifica automaticamente o contraste tonal sem precisar de todos os detalhes sem precisar E por outro lado, teremos várias cores próximas umas outras que são totalmente diferentes, como à esquerda nessa folhagem, amarelo, verde, vermelho Mas se estiverem todos sentados no mesmo nível tonal, podem parecer estranhamente Eles parecem combinados e conectados. Então, se você não tiver certeza sobre a escolha da cor, tente pensar primeiro em termos de tom Esta área é para sentar ou se apresentar? Está na luz ou na sombra? E então, uma vez que você tenha essa clareza, você pode realmente usar a cor que quiser, até mesmo tons inesperados, e a pintura ainda parecerá coesa, expressiva e 16. Divertindo-se com cores: Uma das lições mais libertadoras de aquarela, especialmente em uma paisagem como essa, é que a cor não é apenas algo que copiamos do mundo real É algo que sentimos. É uma ferramenta para expressão, não apenas representação. Nessa cena, por exemplo, não estou perguntando qual é a cor exata dessa árvore? O que deveria ser? Estou perguntando de que energia essa parte da pintura precisa? Talvez seja calor, talvez seja uma explosão de contraste, ou talvez seja o oposto, talvez seja uma nota calma e fria para empurrar algo de volta para a As cores que eu escolho são guiadas tanto pela intuição e pelo equilíbrio quanto pela observação Na verdade, muitas vezes eu tento fazer pinturas puramente da imaginação, com base em no meu caderno de esboços Você pode ver aqui que nesta pintura, eu estou usando uma paleta muito viva Temos turquesas brilhantes e telas de tendas, laranjas ricas E embora algumas dessas cores existam na natureza, elas não são necessariamente o que você veria se estivesse em frente a essa paisagem na vida real. Mas esse não é o ponto. O objetivo não é copiar a natureza com exatidão. O objetivo é capturar a sensação de estar neste lugar, a luz, o frescor, a sensação de espaço, até mesmo o cheiro do pinheiro ou o barulho do rio que vamos pintar em Às vezes, exagerar a cor só ajuda a comunicar coisas desse tipo com um pouco mais E é bom brincar com a forma como a cor pode significar coisas diferentes. Eu fico tão entusiasmado com pinturas cinzentas quanto com pinturas fortes e vibrantes como esta. Às vezes, pinturas cinzentas têm um pouco mais de humor, um pouco mais de personalidade. Na verdade, posso ser um pouco mais reconfortante porque você está vendo isso de uma pessoa de fora Se você está vendo uma cena de rua chuvosa de pessoas correndo com guarda-chuvas, mas está dentro de uma sala quente, vendo aquela pintura, isso pode criar uma sensação É esse tipo de cor expressiva ou cor de palhaço que dá personalidade à pintura Isso permite que o espectador saiba que isso não é apenas o documento de um lugar. É uma resposta a isso, uma lembrança ou um sonho ou até mesmo uma celebração disso. melhor parte é que, quando você deixa de lado a necessidade de ser correto com a cor ou com qualquer outro aspecto da aquarela, ganha muito mais liberdade como pintor e começa a fazer escolhas mais ousadas, a tocar mais, a perceber como as cores interagem umas com as outras e como elas afetam o clima de Então é assim que passamos de uma imitação para uma expressão. 17. Como conectar tudo: Uma das coisas mais importantes que podemos fazer ao construir uma composição de paisagem ou qualquer composição, até mesmo um retrato, esse elemento pode ser muito importante E isso é para garantir que tudo pareça conectado, e isso é particularmente relevante quando pintamos essas árvores. Mesmo que seja muito sutil, essa conexão nem sempre precisa ser física ou literal Pode ser algo visual. Isso pode estar implícito Mas a ideia é que nada pareça isolado ou flutuando desajeitadamente Tudo deve parecer pertencente, como se fosse parte de um todo maior. E as árvores desempenham um papel muito importante ao fazer exatamente isso. Eles agem como pontes visuais entre as imponentes montanhas ao fundo e o primeiro plano gramado e colorido, até mesmo seus reflexos na até mesmo E a árvore agora que está indo para o céu, apesar de ter um tom diferente, uma cor diferente, ela se conecta com o céu. Sem essas árvores intermediárias, teríamos um pouco de desconexão Os picos distantes e, em seguida, o salto repentino para os detalhes da planície serão visualmente chocantes, quase como se a cena Mas colocando essas árvores no meio da composição ou onde quisermos colocá-las para conectar uma coisa à outra, e prestando atenção ao espaçamento, tamanho e posicionamento, criamos uma espécie de fluxo visual natural Eles nos ajudam a guiar o olhar do espectador do topo das montanhas até o meio da cena até as ricas texturas do primeiro plano Há um ritmo, uma espécie de fio invisível que une tudo Às vezes, esse senso de conexão é criado com formas reais. Outras vezes, isso é sugerido apenas pela direção de suas pinceladas, alinhamento das manchas de cores ou pela forma como certos elementos ecoam Até mesmo uma sombra ou uma borda suave apontando para outra forma. Pode servir como uma linha implícita que ajuda tudo a parecer unificado Quando se trata de pintura, a folhagem usa muitas sombras e ondulações na grama para basicamente usar linhas para conectar Quando isso é bem feito, a composição flui quase sem esforço É uma daquelas coisas que parecem simples e é uma sensação de conforto porque é muito simples, mas é preciso esforço para planejar essa simplificação 18. Espaço negativo: Como estou começando a área do meio ao primeiro plano aqui, estou conectando-a à folhagem que fizemos Eu adicionei um pigmento marrom, uma lavagem marrom só para ter certeza de que há uma transição e essas linhas que estou adicionando agora, essas linhas horizontais ajudam nessa conexão O olho do espectador se move confortavelmente por uma peça sem chegar a nenhum beco sem saída ou ficar preso em uma área E mesmo que não consigam explicar por que a pintura parece equilibrada ou envolvente, eles podem senti-la subconscientemente Esse é o poder da conexão na composição. Isso cria harmonia e faz com que toda a pintura pareça viva e intencional Então, enquanto pintamos essas árvores, vamos pensar em como elas não são apenas decorativas. Eles são funcionais, na verdade. Eles estão nos ajudando a construir uma ponte entre diferentes partes da paisagem, entre a distância e o primeiro plano, as áreas frias e quentes, o silêncio e as áreas mais detalhadas Eles fazem parte da história e da estrutura de tudo. Você pode ver as rochas que eu pintei agora, ou melhor, não pintei, deixadas de fora usando o espaço negativo. E enquanto estou pintando essa área de folhagem com algumas pedras ao redor, estou pensando tanto nos espaços ao redor dos objetos quanto nos próprios objetos. É aqui que o poder do espaço negativo realmente entra em ação. O espaço negativo é tudo o que envolve o objeto, as lacunas, a luz, o espaço para respirar E em aquarela, muitas vezes é especialmente poderoso porque confiamos no branco do papel Embora tenhamos adicionado essa camada inferior amarela, é o branco que a torna tão brilhante Estamos usando isso para criar a luz e a atmosfera. Então, em vez de preencher todos os detalhes ou delinear cada folha ou pedra, estou intencionalmente deixando certas áreas E essas lacunas não são erros ou zonas vazias. Eles são partes ativas da composição. Eles ajudam a definir o formulário, tanto quanto as pinceladas que estamos inserindo Observe como eu poderia sugerir a borda de uma rocha, não pintando a rocha inteira, mas pintando as sombras e a grama ao redor e acima dela A forma do objeto é revelada pelo contraste, pelo que não é pintado. Com a folhagem, estou usando pincéis soltos quebrados e deixando muitos espaços entre as formas. Pequenos bolsos que sugerem que a luz está sendo filtrada pelas árvores ou pelas folhas, o que quer que esteja no chão ou espaço distante atrás das Há apenas cerca de quatro ou cinco pedras. E é basicamente uma área que deixamos em branco, adicionamos uma pequena sombra em um lado, e você pode ver à esquerda no momento, que elas estão claramente definidas, e as duas à direita ainda precisam ser feitas, então elas parecem um pouco estranhas neste estágio. 19. Fazendo sentido do abstrato: As sombras ao redor fazem o trabalho por mim. Eles definem a forma, a profundidade sem precisar de linhas rígidas Ao pintar essa área, estou percebendo que essa pode ser uma das áreas mais difíceis de pintar Não porque seja altamente detalhado ou técnico, mas porque é bastante abstrato. Toda essa área intermediária é basicamente uma planície plana em termos de perspectiva. Está subindo um pouco, mas a superfície está quebrada e ondulada com todos esses aglomerados de arbustos, gramíneas, pedras espalhadas mas a superfície está quebrada , folhas gramíneas E, no entanto, de alguma forma, ainda precisa fazer sentido. Tem que ser convincente, como se pertencesse ao espaço entre a água e as árvores distantes O que torna isso desafiador é que não há uma referência clara ou única ou uma fórmula a ser seguida. Não estamos pintando uma montanha , uma árvore ou uma nuvem. Estamos apenas pintando textura, profundidade e luz, e estamos fazendo isso de uma forma que exige que usemos nossa intuição, talvez até mais do que apenas nossa técnica Então, a maneira como estou abordando isso é começar dividindo o espaço em zonas sutis de cor e sombra Eu penso em termos de calor e frio, claro e escuro, em vez de objetos específicos. Onde a luz incide? Onde um arbusto pode projetar sombra? Quais áreas poderiam estar captando a luz? E quais áreas estão recuando um pouco para a profundidade. E isso ajuda a criar ritmo e profundidade sem precisar definir cada arbusto ou folha de grama individual Estou fazendo muitos traços verticais , como a lâmina de vidro, e você pode ver como mudei e misturei meu pincel do pincel fino para o meu pincel redondo Estou usando meu pincel fino no momento para pegar aquelas folhas de grama Por isso, estou tentando variar meu trabalho com a escova, alternando entre lavagens suaves e úmidas e marcas mais texturizadas e secas para sugerir diferentes tipos de plantas e terrenos. Até mesmo uma mudança na direção ou na qualidade da borda pode fazer uma grande diferença na sensação do solo. Uma das coisas mais importantes é não explicar demais. Queremos que o espectador interprete esse espaço. Podemos sugerir rochas sem pintar com detalhes precisos. Podemos mostrar montes de arbustos em uma seção um pouco pontiaguda e isso é apenas o suficiente para transmitir o que 20. Mais folhagem: Então, continuamos com esta seção de folhagem, e é fácil se deixar levar pela ideia de: isso está funcionando? Isso não está funcionando? Parece uma bagunça Mas, na verdade, essa seção da pintura não quer ser elegante, então não precisamos nos preocupar muito com ela Embora estejamos pintando e focando nesta seção, pode parecer um pouco estranho, mas na verdade não precisamos nos preocupar muito com isso Sempre podemos voltar no final, se não for , se estiver tirando muita atenção. Mas tudo o que precisamos fazer é fazer que pareça um pouco selvagem e incontido Quando estou pintando esses tufos de folhagem e pedras espalhadas, na verdade busco energia, pensando em como posso aproveitar ao máximo a energia em vez da precisão Talvez um pouco de ritmo para algo que parece vivo, crescendo e resistido quase por uma espécie de época eterna Não há muita limpeza, porque há uma tentação, eu sinto que é preciso limpar as coisas, delinear cada folha, deixar cada pincel perfeito ou tornar as pedras Mas quando fazemos isso, na verdade começamos a perder o caráter do mundo natural. A natureza não é realmente ordenada da maneira que costumamos tentar fazer É em camadas, espontâneo e cheio de lindas irregularidades E é isso que estamos tentando refletir aqui, então não precisamos ser perfeitos. Estamos sugerindo coisas, sugerindo movimento, variação e um pouco de caos. Tente não se concentrar em formas individuais. Estou pensando em agrupamentos, direção sobre contraste. Vou misturar verduras diretamente no papel, talvez colocar tons quentes ou frios no mesmo adesivo para criar profundidade e surpresa. Talvez um pouco de pincel seco ou uma pincelada áspera possam dar a ilusão de textura melhor do que qualquer renderização cuidadosa Mas quando digo que não estou me importando. Não estou tentando ser, não se trata de ser vago sobre o que é essa área Trata-se de ser expressivo, dando espaço para que os olhos se maravilhem e a imaginação se junte a eles E às vezes isso significa deixar as coisas um pouco difíceis nas bordas. 21. Como começar a água: Agora estou começando a pintar a água usando azul Cerlean, azul turquesa e integrando algumas das cores que usamos acima Você notará que eu não estou realmente pintando a água em si. Na verdade, estou pintando os reflexos. É isso que cria a ilusão da água nessa cena É interessante que essas reflexões nem sejam descrições precisas ou honestas do que está acima Não estou copiando cada pequeno arbusto, cada cor ou cada forma com exatidão. Estou apenas ecoando a forma geral, o ritmo, as linhas verticais, as suaves mudanças de cor, a sugestão do que está sendo E é incrível a pouca informação que o olho realmente precisa para interpretar algo como água. Apenas algumas pinceladas para baixo, suavize as bordas e as formas quebradas suavize E, de repente, a cena parece firme e imóvel. Essa é a magia da sugestão. Tentando torná-lo bastante interessante, porém, não tendo uma cor plana, adicionando marrom onde o solo se conecta à água e depois mesclando-o com aquele tipo de cor verde e azul turquesa aquarela é perfeita para esse tipo de ilusão porque nos permite desfocar as bordas naturalmente e deixar as coisas se dissolverem, assim como os reflexos reais Eu nem estou combinando as cores. Você pode ver a montanha que estamos pintando aqui. O reflexo não é da mesma cor. E podemos ser bastante abstratos porque as distorções da água abstrairão a forma Mantendo uma pequena crista amarela ali pois quanto mais próximo o objeto estiver da água, menos distorcido ele ficará Então, adicione algumas linhas horizontais na parte inferior. E depois manter a borda um pouco mais refinada do amarelo na parte superior. Mesmo assim, você não precisa pensar demais nessa parte. O objetivo não é realismo. É para capturar a sensação de água calma, captando cor e luz Deixe seu pincel se mover suavemente e deixe as formas parecerem um pouco abstratas. Essa frouxidão realmente torna a reflexão mais crível Adicionando um pouco mais de amarelo de cádmio, misturando um pouco. Misturando um pouco de azul mais escuro e talvez um pouco de preto, um pigmento muito espesso molhado sobre muito úmido, mas não muito úmido, apenas o suficiente para permitir que a borda sangre onde a água encontra a grama, a crista, deixando-a cair lá dentro pigmento muito espesso molhado sobre muito úmido, mas não muito úmido, apenas o suficiente para permitir que a borda sangre onde a água encontra a grama, a crista, deixando-a cair Tornando o solo um pouco mais escuro que a água. Então, podemos adicionar algumas ondulações. 22. Pintando os reflexos: Agora estou misturando um lindo azul vibrante e um pouco de ridian só para torná-lo um pouco verde, para que não seja um azul puro Pintando com muito cuidado as formas dessa grama, essa grama longa, na verdade, a grama longa amarela, pintando negativamente as folhas da grama E depois é só preencher a área. O bom de usar essa cor azul é que, quando ela passa por cima do amarelo, ela fica verde de qualquer maneira, o que já está harmonioso com o resto da pintura Portanto, não importa se há um pouco de sobreposição. É muito importante usar um pincel com uma ponta fina. Além disso, certifique-se de ter misturado o suficiente dessa cor em sua paleta, pois você não quer começar a pintá-la e depois misturar mais dessa cor E então, quando estiver pronto para adicionar a tinta novamente, você terá uma borda dura bem no meio do reflexo da água. Então, preenchemos essa área com uma cor azul base. Deixe a forma geral feliz. E então, quando chegarmos à borda aqui, onde é uma espécie de linha horizontal, podemos voltar e adicionar essas pinceladas, essas pinceladas horizontais com uma pigmentação mais espessa para dar aquela sensação de água, A ondulação da luz na água. E podemos começar a trabalhar novamente, conectando-a. Agora podemos começar a olhar para as árvores no meio do solo e tentar imitá-las Basicamente, como um espelho, um espelho horizontal, mas muito mais leve e muito mais despreocupado desta vez Não precisamos combinar os tons ou as cores, na verdade, um simples bloqueio. Estamos tentando não variar muito as cores , como fizemos com as árvores acima. Não queremos que isso distraia tanto porque esses reflexos captarão um pouco a cor da água Então, estamos usando essa turquesa verde para sugerir que é água Mas, novamente, não estamos realmente pintando a água. Estamos apenas pintando os reflexos. É claro que o céu não será branco na vida real, mas a ilusão da pintura faz com que seja assim. Ah, 23. Misturando tons de verde: Ao pintar os reflexos das árvores na água, você notará que não estou pegando um verde pronto da paleta, um verde puro Estou usando um pouco de viridiano de vez em quando, mas não tenho um verde pré-fabricado E essa é uma escolha deliberada porque verduras pré-misturadas, talvez até verde-seiva, geralmente parecem um pouco artificiais ou planas demais Portanto, é bom criar alguma variedade. Você pode ver toda a variedade de verduras diferentes que tenho lá. Não estou usando um verde puro, especialmente quando estamos tentando capturar a riqueza e a variedade da natureza Sim. Muitas vezes, na verdade, eu misturo minhas verduras do zero. Geralmente começando com um azul e um amarelo. E eu tenho três blues diferentes para escolher. Eu tenho cobalto cerrilano e azul ultramarino. E então você pode misturá-lo com cabium amarelo ou ocre amarelo Eu tenho um pouco de ocre amarelo acontecendo neste reflexo em particular agora Isso me dá muito mais controle não apenas sobre a tonalidade exata que eu quero, mas também sobre a temperatura e o clima do verde. Por exemplo, se eu misturar azul ultra marinho com o amarelo quente do ocre amarelo, obterei um verde terroso mais suave , perfeito para árvores ou sombras na floresta o azul ultra marinho com o amarelo quente do ocre amarelo, obterei um verde terroso mais suave , perfeito para árvores ou sombras na floresta. E então, se eu usar algo como turquesa ou azul serleano com amarelo limão ou amarelo camium, obtenho um verde muito mais brilhante, mais verde vivo, que funciona bem em gramíneas iluminadas pelo sol ou nas seções de folhagem vibrante que funciona bem em gramíneas iluminadas pelo sol ou nas azul serleano com amarelo limão ou amarelo camium, obtenho um verde muito mais brilhante, mais verde vivo, que funciona bem em gramíneas iluminadas pelo sol ou nas seções de folhagem vibrante desta pintura. E o que é ótimo nessa abordagem é que você pode criar variações em um único traçado. Se eu colocar meu pincel com um pouco mais azul de um lado e um pouco mais de amarelo do outro , eles se misturarão diretamente no papel e criarão transições sutis que parecem muito mais orgânicas, especialmente na água e nos reflexos que estamos fazendo agora , onde você quer um pouco mais de movimento e E você pode até pensar fora da caixa. Você pode optar por lascar os verdes adicionando um toque de vermelho ou até mesmo um pouco de sienna queimada. E isso neutraliza um pouco a mistura e impede que ela se torne muito neon ou É claro que temos muita vibração nesta pintura, mas às vezes, na maioria das vezes, se você quiser adotar uma abordagem mais realista, não quer que as coisas sejam tão vibrantes E isso também é útil para sombras de árvores ou folhagens distantes Ou onde você quer que os verdes voltem à paisagem em vez de pular para frente. 24. Retoques finais: Então, estou apenas finalizando as reflexões. Eu adicionei linhas escuras, molhadas sobre molhadas, onde o solo encontra a água, porque isso ajuda na ilusão, na separação da superfície E eu uso uma mistura de linhas horizontais para as ondulações e linhas verticais para os reflexos das árvores Eu quero que seja um pouco mais abstrato neste canto inferior direito. Como eu disse antes, o contraste é mais forte, quanto mais próximo ele está. Então, veja, estou adicionando muito mais contraste com o brilho dessa folhagem e o preto escuro dessas pinceladas Nos estágios finais da pintura, agora estou tentando desenhar tudo junto. Estou me conectando aqui, eu acho. Como agora, estou adicionando apenas uma lavagem leve que funciona e adiciona um pouco mais de profundidade. Uma única marca de pincel como essa é do tamanho de um campo. Adicionando um pouco mais de textura lá. Ok. E é nessa parte da pintura que você tem que pensar o que mais eu preciso acrescentar para melhorá-la? E vou adicionar qualquer outra coisa e depois retirá-la. E esse é o momento em que você percebe as pinturas feitas. Então, quando chego a esse ponto, mudo para meu guache branco para escolher alguns destaques que perdemos ao longo do caminho, realçando os destaques na face da montanha, talvez fazendo algumas das Adicionando alguns pequenos destaques. Organizando um pouco do caos naquela folhagem. Apenas algumas linhas finas e simples podem manter tudo unido. Entenda esse caos. Alguns toques aleatórios nessas árvores dão a ilusão de luz entrando Algumas linhas verticais na água lá. Adicionando mais algumas sombras. E quando você sentir que está pronto, esse é o momento certo para parar, e talvez você possa se desconectar por uma ou duas horas e voltar a trabalhar com um novo olhar 25. Considerações finais: Bem-vindo de volta e parabéns por completar sua paisagem montanhosa dinâmica. Espero que você tenha gostado de experimentar cores vibrantes, traços expressivos e técnicas mais flexíveis para criar uma cena cheia de energia e Ao longo desta aula, nos concentramos em criar humor e movimento por meio de cores, contraste e fluxo, sem nos prender aos detalhes. Essa é a beleza das paisagens expressivas em aquarela. Eles convidam à ousadia e recompensam o abandono. Lembre-se de que a pintura em aquarela não trata apenas de habilidades técnicas, mas também de expressar sua criatividade e estilo pessoal Eu encorajo você a continuar explorando, experimentando e ultrapassando seus limites para criar suas próprias obras-primas exclusivas em aquarela Ao chegarmos ao final desta aula, espero que você se sinta mais confiante e confortável com suas habilidades de pintura em aquarela A prática é fundamental quando se trata de melhorar suas habilidades, então continue pintando e experimentando. Quero expressar minha gratidão por cada um de vocês Sua paixão pela pintura em aquarela é tão inspiradora, e tenho a honra de ser sua professora Se você quiser um feedback sobre sua pintura, eu adoraria dar. Então, por favor, compartilhe sua pintura na galeria de projetos estudantis abaixo, e eu responderei. 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Espero que esta aula tenha inspirado você a experimentar mais paisagens expressivas e vibrantes Até a próxima vez, boa pintura. Tchau.