Os fundamentos do Ableton Live: faça sua primeira canção de Lofi Hip Hop

1. Apresentação: Criar música pode ser uma experiência muito relaxante. Eu encontrei muita satisfação fazendo música. E hoje em dia é fácil para qualquer um começar. O Ableton Live é uma das melhores ferramentas para isso. Não é apenas extremamente poderoso quando você o conhece bem, mas também é fácil colocar ideias em prática quando você conhece o básico. Olá, sou Jonathan e faço música como um mero jogo. Eu faço música há quase uma década e consegui obter sucesso em todas as plataformas de streaming, bem como usar minhas habilidades em Ableton em uma variedade de trabalhos, incluindo criação de pacotes de amostras e comerciais e áudio do jogo. Sou mais conhecido por minha música na tarde de quarta-feira, que foi compartilhada no Twitter pelo BTS em 2020 e agora tem cerca de 7 milhões de reproduções em todas as plataformas. Bem-vindo à minha aula sobre como aprender os fundamentos da capacidade de viver enquanto cria sua primeira música lo-fi de hip hop. hip hop lo-fi é um ótimo gênero para quem quer entrar na produção musical. Como você pode começar com uma compreensão básica da teoria musical e de outras coisas que possam entrar. Então, se você é um iniciante já é um cantor, compositor ou produtor que quer aprender Ableton. Essa aula é para você. Abordaremos tudo, desde o layout de Ableton, trabalhando com áudio e midi até a criação de bateria e a escrita de acordes, melodias e linhas de base e, em seguida, terminaremos com uma visão geral do que é leva para completar a música final, incluindo arranjo, mixagem e masterização, além de exportar o arquivo de layout final. Ao final desta aula, você terá criado sua primeira música de hip hop lo-fi e construído uma base sólida para continuar sua jornada musical em Ableton. Espero que você goste e estou empolgada em ouvir o que você criou. 2. Orientações do curso: Nesta aula, vamos abordar todos os problemas de lo-fi enquanto aprendemos os fundamentos do Ableton Live. Ao final desta aula, acredito que você poderá continuar fazendo batidas lo-fi no Ableton Live, bem como se aventurar em qualquer outro gênero de que goste. Durante esta aula, abordaremos o seguinte. O layout Ableton, trabalhando com áudio, midi, instrumentos e efeitos virtuais, distorção e transposição, programação de bateria, escrita de acordes, melodias e linhas de base, criando um rack de efeitos, algum arranjo. E, finalmente, veremos uma visão geral básica das técnicas de mixagem e masterização. Só usaremos ferramentas no Ableton Live, pois é muito importante entender bem a porta antes de nos perdermos em qualquer outro novo plug-in. As ferramentas nativas do Ableton são mais do que capazes de criar músicas incríveis. Tudo o que você precisa para concluir esta aula é o Ableton Live. Vivemos em suítes, das quais você pode experimentar gratuitamente por 90 dias em ableton.com slash child, bem como no pacote de amostras que criei para esta aula. Você pode encontrar o link para download na seção de projetos e recursos. Vamos mergulhar no maravilhoso mundo do Ableton Live e do hip hop lo-fi. 3. Seus primeiros 5 minutos no Ableton Live: Quando me abri pela primeira vez , consegui viver achei isso extremamente avassalador. Então, nesta lição, vou detalhar cada seção passo a passo, que você tenha uma compreensão sólida da interface. Quando você abre o Ableton pela primeira vez, são cinco seções principais que você deve conhecer. A seção do navegador, a visualização da organização, a visualização da sessão, a seção de detalhes e a barra superior. A seção do navegador é a área no lado esquerdo da tela. É onde você encontrará seus loops, amostras, instrumentos, efeitos e plug-ins. Em seguida, é apresentada a organização e a visualização da sessão. visão do arranjo deles é esta área aqui. É onde trabalharemos principalmente, é onde começaremos a criar ideias mais antigas para a música. E então, é claro, criaremos o arranjo final da música. Você pode clicar na guia para alternar para a visualização da sessão. Aqui você pode ver seus níveis de pista , bem como o nível principal. É principalmente para isso que eu o uso ao mixar e masterizar. Além disso, a visão que você usa ao usar o Ableton para apresentações ao vivo ou como DJ. Algumas pessoas o usam para obter ideias para músicas, mas eu ainda prefiro começar minhas músicas na visualização do arranjo. A seção de detalhes é onde você pode ver quais efeitos ou instrumentos estão em cada faixa de áudio e midi. É também onde você pode ver os detalhes de um arquivo de áudio ou midi. Basta clicar duas vezes em um arquivo de áudio ou midi para ver as informações. Essa também é a seção em que você pode aplicar automação, distorção ou alterar o tom de um arquivo de áudio. A barra superior é onde você define o ritmo da música, ajusta a assinatura de tempo da música e ativa o metrônomo. Também é onde você pode tocar ou parar a música, bem como iniciar a gravação. Você também pode usar a barra de espaço para tocar ou parar a célula. No lado direito da barra superior você pode ativar o teclado para tocar instrumentos ou criar diferentes mapeamentos de teclas ou midi. Agora, vamos dar uma olhada em dois atalhos principais você deve conhecer ao começar. Vou falar mais à medida que progredirmos. Para criar uma nova faixa de áudio, você pode clicar com o botão direito do mouse em uma faixa e clicar em Inserir faixa de áudio ou usar o atalho no teclado. Command plus T no Mac ou Control plus T no PC. Para criar uma nova faixa midi na qual você pode adicionar instrumentos virtuais. Você pode clicar com o botão direito do mouse em uma faixa e clicar em inserir faixa midi ou usar o atalho no teclado. Command plus Shift plus T no Mac ou controle mais shift mais T no PC. Adicione um arquivo de áudio a uma faixa de áudio, acesse a sessão do navegador, encontre a amostra ou o loop desejado e arraste-o para uma faixa de áudio ou logo abaixo da faixa anterior. Adicione instrumentos virtuais, vá para a seção Navegador, clique nos instrumentos e no instrumento Dragon em uma faixa midi ou logo abaixo da faixa anterior. Adicione um efeito. Clique em Efeitos de áudio no navegador e arraste o efeito para uma faixa de áudio ou midi. Agora, para adicionar a pasta do pacote de amostra à seção do navegador, role até a parte inferior da janela do navegador e clique em Adicionar pasta. Encontre a pasta que você baixou e clique em Abrir. Agora, ele sempre estará aqui na janela do navegador ao usar o able to. Finalmente, vamos salvar o projeto. Certifique-se de que seu bpm esteja configurado para AD, que é um bom ritmo para hip hop lo-fi. Em seguida, clique em Arquivo, Salvar Live Set como e localize onde você gostaria de salvar o projeto. Vou chamá-lo de Skillshare, lo-fi hip hop June e clicar em Salvar. Vamos analisar rapidamente algumas das principais coisas que aprendemos nesta lista. A seção do navegador é onde você acessa todas as suas amostras, instrumentos e efeitos. O arranjo é visto como a seção principal em que trabalharemos e onde você cria o layout final da música. Você pode clicar na guia para alternar para a visualização da sessão. Usaremos essa visão para mixagem e masterização. Principalmente. A seção de detalhes é onde você pode ver os efeitos ou instrumentos em cada faixa. Também é usado para ver mais informações sobre um arquivo de áudio ou midi e aplicar automação e alterações de tom. A barra superior é onde você define o ritmo da música, ajusta a assinatura de tempo da música e ativa o metrônomo. E então, nos dois principais atalhos que abordamos, estamos adicionando uma nova faixa de áudio, que é Command plus T no Mac ou Control plus T no PC. Além de adicionar uma nova faixa midi, que é Command plus Shift plus T no Mac e control plus shift plus T no PC. Incrível. Espero que a interface do Ableton faça mais sentido para você agora. Em seguida, vamos passar à deformação e à transposição. 4. Warping e transposição: Há duas técnicas essenciais que você deve conhecer antes de criar música. Inevitavelmente, eles estão se deformando e se transpondo e eu consegui realmente brilhar acima da corrida. Essas técnicas garantirão que suas amostras cheguem a tempo e estejam de acordo com sua faixa, além de oferecer infinitas possibilidades criativas. Pague. Então, primeiro, vamos para a seção de distorção em suas preferências. Garante que o loop slash walk, short samples esteja configurado como automático. Garante que a deformação automática de amostras longas esteja ativada como padrão. modo Warp está configurado para batidas. E, por fim, garante que a criação desbotamentos e as bordas do clipe estejam desativadas. Agora vamos arrastar qualquer loop de bateria para uma nova faixa de áudio. Vamos abrir a seção de detalhes. Como você pode ver, o warp é ativado e ao vivo distorce perfeitamente o loop da bateria para o BPM principal. Há também alguns modos de distorção diferentes para vários tipos de áudio. O primeiro é o modo beats, que obviamente é projetado para bateria e loops de percussão. No entanto, às vezes use o modo de repetição na bateria, pois ele também pode funcionar bem e até soar mais natural do que o modo beats. O segundo modo é o modo de tons. É para sons com conteúdo de tom óbvio. No entanto, o modo complexo geralmente também funciona com esses sons. E então o modo de textura é para uso em sons com conteúdo melódico obscuro. É bom para fazer sons ambientes ou efeitos experimentais. Em seguida, temos o modo de repetição, que basicamente funciona da mesma forma que os toca-discos ao ajustar o tom. O áudio é realmente ajustado para combinar com o ritmo das faixas. Portanto, você não obterá nenhum artefato estranho que a deformação normal possa criar. Mas, obviamente, isso não preserva o tom do áudio. Então, geralmente não é uma boa escolha para amostras melódicas, mas eu costumo usá-lo em tambores para conceder loops exclusivos. E então o modo complexo é o que eu costumo usar na maioria dos loops que não são de bateria e foi projetado para abrir músicas gravadas ao DJ ou qualquer outro áudio complexo. E, finalmente, temos o modo profissional complexo, que é mais adequado para distorcer vocais. Eu uso principalmente batidas, tom de leitura ou modo complexo e todas as minhas músicas. Mas você definitivamente deve experimentar o uso de diferentes modos de deformação em amostras. Agora vou mostrar como você pode transpor o áudio para estar na tecla correta da sua faixa ou para tocar com oitavas diferentes. Primeiro, vamos abrir a seção de detalhes do nosso loop melódico. Vamos mudar o modo de distorção de forma muito complexo para obter os melhores resultados. Agora, tudo o que você precisa fazer para ajustar o tom da amostra é usar essa roda de inclinação aqui. Além de arrastar a roda de afinação com o mouse, você também pode digitar valores específicos na caixa abaixo. Para recapitular rapidamente, a distorção é usada para definir loops de áudio para a mesma música de temperatura. Também há vários modos de distorção para diferentes tipos de áudio. E então a transposição é usada para colocar o áudio na mesma tecla da sua música. O modo de distorção afetará o som da transposição. Ambos também podem ser usados como ferramentas criativas poderosas. Nesta lição, espero que você tenha conseguido ver o quão poderosas podem ser a deformação e a transposição. Em seguida, vamos começar a criar sua primeira batida de bateria. 5. Os tambores: Uma das principais características do hip hop lo-fi é a bateria, a chave para uma boa batida de bateria, seleção de amostras e ritmo. Existem algumas maneiras diferentes de produzir o programa, eles tocam bateria em Ableton. Alguns gostam de usar apenas áudio, a luz do sol para usar principalmente o meio-dia e alguns usam uma combinação de ambos. À medida que você produz mais, você descobrirá o que funciona melhor para você. Para esta lição, usaremos uma bateria para os toques principais da bateria , pois é muito mais fácil trocar amostras posteriormente em grupos de anúncios do pool de ranhuras do Ableton e ver como os toques principais do tambor estão funcionando. juntos, criam uma nova faixa midi usando Command no Mac ou Control no PC mais Shift plus t. Vamos nomear essa bateria principal. Agora pegue dois instrumentos e arraste uma bateria para a faixa midi. Agora escolha um chute na perna do pacote de amostra. Vamos arrastar isso para o módulo C1 da bateria. Quando você arrasta a amostra para dentro, ela diminui automaticamente o volume em 12 db, o que é útil para criar espaço para adicionar mais elementos e evitar cortes. Em seguida, vamos escolher uma amostra de caixa do pacote de amostras. Arraste-o para o C-Sharp, um módulo da bateria. Agora encontre um chapéu de sua preferência e arraste-o para o módulo D1. Para começar a programar a bateria, precisamos fazer um novo clipe midi. Faça isso clicando e arrastando mais de 4 barras na faixa da bateria e pressionando Command no Mac ou Control no PC mais Shift mais M. Agora temos um clipe midi de quatro barras. Agora selecione o turvo e pressione Command no Mac ou Control no PC mais L Para que essa área agora repita tudo estamos criando todas as ideias iniciais para a faixa. A maioria dos gêneros geralmente tem uma cobra ou aplausos na segunda e quarta batidas, ou na terceira batida. Lo-fi moderno. A armadilha geralmente está em B2. E para, especialmente quando se trabalha nesse ritmo. Para começar a colocar a caixa, clique duas vezes em P2 para criar as notas midi. Você pode duplicar essa nota selecionando-a, segurando Alt e arrastando-a para bater. Para. Agora, selecione as duas notas e faça o mesmo para duplicá-las nas próximas 3 barras. Agora vamos programar os chutes. Normalmente, haverá um chute na primeira batida para começar a batida. Sinta-se à vontade para experimentar dar chutes sempre que parecer bom para você ou seguir meu padrão. Lembre-se de que, na maioria das vezes, é melhor ter uma boa quantidade de espaço entre os chutes em baixa resolução. Para os chapéus. Uma maneira simples de começar a usar o padrão do chapéu é colocar um chapéu em cada nota trimestral. E depois de adicionar mais oscilação e variação de velocidade, ainda parece legal, embora seja muito simples. Para editar o seletor de velocidade, anote e reduza essa linha na parte inferior. Vamos fazer isso com todos os nós alternados para dar mais vida ao padrão. Também gosto de fazer os chapéus baterem um pouco mais tarde do que o chute e a armadilha, só para começar a adicionar ritmo à batida. Eu faço isso selecionando todos os chapéus, segurando Command no Mac ou Control no PC e clicando na tecla de seta para a direita até que soe bem. Durante isso, permite que você ajuste a lama sem que ela seja jogada na grade. E, por fim, vamos brincar com o padrão para adicionar mais variação aos chapéus. Sinta-se à vontade para experimentar você mesmo ou me acompanhar. Você pode clicar com o botão direito do mouse para acessar diferentes configurações de grade. Vamos adicionar mais grupos aos tambores usando a piscina de ranhuras. Clique no botão de troca a quente ao lado da ranhura. Eu vou usar esse grupo de hip hop, mas você definitivamente deveria experimentar com eles e encontrar o que quiser. A ranhura agora é aplicada a todas as batidas programadas neste clipe midi. Para adicionar mais movimento à bateria, vamos adicionar um loop de percussão do pacote de amostras. Arraste-a para uma nova faixa de áudio abaixo da bateria e dê um nome a ela. A percussão deve ser deformada automaticamente usando o modo de batidas. Caso contrário, clique em distorcer no clipe de áudio na seção de detalhes e toque em BPM manualmente aqui Você também pode adicionar a mesma ranhura que usamos na bateria principal a este clipe de áudio. Finalmente, vamos fazer alguns ajustes no nível do volume para tornar o som da bateria mais coeso, bem como remover as baixas frequências da caixa, chapéus e percussão usando um equalizador. Também faremos uma mixagem final de todos os elementos cantados no final. Mas também funciona bem ajustar os níveis à medida que você avança, pois aqui eu dei o chute e a captura o mais alto dos elementos do trauma. Geralmente, essa é a melhor prática: recapitular, seleção de amostras e o groove são essenciais para ter uma bateria sólida em sua faixa. Em geral, adicionar sua armadilha à segunda e quarta batida. A terceira batida é um bom ponto de partida. Você pode adicionar ritmo à sua batida manualmente ou usando o pool de groove Editar a velocidade das amostras é outra ótima maneira de adicionar risadas, sua bateria. Os atalhos que abordamos nesta lição, estamos criando um clipe midi, estão em Command plus Shift mais M no Mac ou control plus shift mais MPC. Configurando uma seção para fazer um loop usando Command plus L no Mac e Control plus L no PC, podemos duplicar uma nota midi usando alt plus drag ou Command plus D no Mac e no PC, arrastar Control Plus ou control plus D também mostrou como ajustar notas midi sem que elas fiquem bloqueadas na grade. Fazemos isso segurando o Comando e usando as teclas de seta esquerda e direita no Mac e PC, seguraríamos o Controle. Espero que você tenha se divertido criando sua primeira batida de bateria em Ableton e comecei a ter uma ideia do programa. Em seguida, passaremos a criar sua primeira progressão de acordes. 6. Bordos de piano principais: parte 1: Agora vamos passar para o conteúdo melódico da música, começando com os acordes, que criarão a emoção central da nossa faixa. Como regra geral, as músicas mais felizes estão em um tom maior e as músicas mais tristes estão em um minuto. Vou abordar algumas noções básicas de teoria musical. Nesta lição, poderemos escrever uma progressão de acordes e tocar piano na próxima lista. Também existem ferramentas disponíveis para viver que podem ajudá-lo a criar uma ótima progressão de acordes, mesmo que você não tenha conhecimento de teoria musical, certifique-se de baixar minha folha de dicas de teoria musical no mesmo que você não tenha conhecimento de teoria musical, certifique-se de baixar minha folha de dicas de teoria musical no seção de recursos que deve simplificar ainda mais os conceitos abordados antes de começarmos a criar o acorde. Então, vamos analisar o recurso do modo de escala. Isso ajudará você a começar a criar acordes e melodias no Ableton Live sem conhecimento prévio de teoria musical em um aplicativo médico Você pode ativar e desativar o modo de escala aqui. Você pode usar essas opções para selecionar a escala na qual deseja trabalhar. As notas dentro dessa escala agora serão destacadas no clipe midi. Agora, mostrarei como criar acordes maiores e menores, bem como acordes de sétimo e nono, que são frequentemente usados no hip hop lo-fi. Para mostrar o processo de cocriação, vamos usar a escala mais simples, dó maior, que na verdade consiste apenas em todas as notas brancas no teclado. Para criar um acorde maior, comece com a nota raiz do acorde desejado. Aqui, eu escolhi um Dó como raiz para um acorde de Dó maior. Agora, duplique essa nota segurando Alt e suba mais quatro nós. Em seguida, duplique essa nota e suba outros três nós. Essa é a versão mais básica de um acorde maior e é chamada de tríade maior. Como você pode aqui, tem um som mais alegre. Para criar um acorde menor, comece com a nota raiz do acorde desejado. Aqui eu escolhi um D como raiz para o acorde de Ré menor. Agora, vamos duplicar essas notas e aumentar em três notas desta vez. Em seguida, duplique essa nota e suba outras quatro notas. Essa é a versão mais básica de um acorde menor e é chamada de tríade menor. Como você pode aqui, ele tem um som mais triste para criar um acorde de sétima dó maior. Duplique a nota superior e suba outras quatro notas. Como você pode ouvir, isso cria uma vibração mais emocionante e jazzística para criar um nono acorde de dó maior. Duplique a última noite do sétimo acorde e suba mais três nós. Isso não tem um som ainda mais completo. Para criar um acorde de sétima em Ré menor, duplique a nota superior e suba em três nós. nono acorde de ré menor integrado, duplique as últimas notas do sétimo acorde e aumente em quatro notas. Outro conceito importante para aprender a criar acordes ou inversões de acordes mais interessantes. Inversões de acordes, ou quando você altera a posição das notas em um acorde, por exemplo, movendo a nota raiz do aplicativo de acordes e oitavas. Isso fará com que o código soe um pouco diferente. 7. Bordos de piano principais: parte 2: Você pode usar essas fórmulas para criar acordes com qualquer nó raiz que você escolher. No entanto, para se manter atualizado, certifique-se de usar apenas notas que se encaixem na escala. Você está trabalhando com esse conhecimento de escalas e acordes até agora. Espero que você possa me seguir como um programa de progressão de acordes, ou até mesmo escrever suas próprias cortes sem minha ajuda. Vamos começar a criar nossa progressão de acordes. Em primeiro lugar, vamos carregar nosso instrumento. Vá até os instrumentos e encontre um som de piano que você goste. Vou usar o piano vertical, colocá-lo em uma nova faixa midi. Vamos chamar essa faixa de piano principal. Em seguida, crie um novo clipe midi usando Command no Mac ou Control no PC e Shift plus M na faixa principal do piano. E selecione a escala na qual queremos trabalhar. Vou selecionar a escala menor em D-sharp. À medida que você ganha mais experiência fazendo música, você descobrirá em quais teclas gosta de trabalhar. Agora, vou programar a progressão do acorde principal. Quando estou no piano roll, geralmente tenho esse ícone de fone de ouvido azul ativado. Isso me permite ouvir minhas notas midi enquanto as desenho. Como você verá, esse processo pode exigir muitas tentativas e erros. No entanto, isso faz parte da diversão de fazer música e é muito gratificante quando você consegue algo que funciona. E, por último, para torná-lo mais interessante e adicionar uma sensação humana toupeira que sugere as filosofias, os posicionamentos das notas e as vozes dos acordes. Às vezes, também gosto de experimentar esse recurso aleatório de velocidade. Aqui está o som da progressão final com a bateria. Vamos examinar alguns dos conceitos-chave que abordamos nesta lição. O recurso de modo de escala permite que você veja facilmente quais notas você pode usar na tecla escolhida. São fórmulas que podemos usar para criar acordes maiores e menores dentro do rolo de piano, bem como vários outros tipos de citações. Para criar um acorde maior, você começa com o nó raiz do seu código, depois sobe quatro nós e depois outros três nós. Para criar um acorde menor. Você começa com o nó raiz do seu código e sobe três nós e depois outras quatro notas para criar um acorde maior de sétima, você forma o acorde maior e, em seguida pega a nota superior e sobe quatro notas. Para criar um nono código maior, você forma o acorde maior do sétimo acorde, pega a nota superior e sobe em três nós. Para criar um acorde menor de sétima, começamos com um acorde menor, duplicamos a nota superior e subimos por três nós para criar um acorde menor nono, reformamos o sétimo acorde e depois o duplicamos nodo superior e suba em quatro nós, inversões de acordes. Ou quando você muda a posição das notas em um acorde e é outra ótima maneira de criar progressões de acordes mais interessantes. Também é importante experimentar as velocidades e os posicionamentos das notas para criar uma sensação mais humana. Agora, você deve ter uma compreensão muito melhor de como criar suas próprias progressões de acordes. Em seguida, compensaremos em nosso som mais lo-fi usando um rack de efeitos Ableton. 8. Criar um cremalheira de efeitos Lofi: Nesta lição, criaremos nosso próprio rack de efeitos para adicioná-los ou som lo-fi à nossa melodia de piano. Uma grande parte do som lo-fi do hip-hop é usar sons com textura quente, além de adicionar ruído e um leve campo H. Dois efeitos usados para conseguir isso, um uau e um mais lisonjeiro. Esses efeitos vêm originalmente de máquinas de fita e giro. O efeito wow é quando há baixas frequências. E o efeito mais plano é quando eles estão vendo em alta frequência um cassete de cores e esboços com perdas ou antirretrô, ou dois plug-ins muito populares para obter esses efeitos. No entanto, podemos simulá-los usando os plug-ins de estoque do Ableton em um rack de efeitos. Vamos criar o rack de efeitos no canal do piano. Vá para os efeitos e carregue um turno. Clique com o botão direito do mouse e clique em Grupo. Agora temos um naufrágio. Vamos usar macros para controlar o deslocador de frequência para o efeito wow. Clique no ícone da macro no canto superior esquerdo. Clique com o botão direito na macro 1 e renomeie-a. Uau. Em seguida, clique com o botão direito do mouse no topo da montanha dentro do câmbio e atribua-o à macro wow. Agora podemos controlar a quantidade de efeitos com a macro wow. Brinque com a macro while até sentir uma vibração. Também vou mudar o LFO para uma onda senoidal para uma sensação mais suave. Para obter o efeito mais plano, renomeie a macro para mais plana. Em seguida, clique com o botão direito do mouse na taxa dentro do câmbio e mapeie-a para os planos e a macro. Agora podemos controlar os efeitos agora mesmo, usando a macro nivelada. Brinque com o flats e macro até que pareça bom para você. Você também pode expandir esse rack, mas adicionando coisas como saturação, distorção, compressão, redução de partículas e assim por diante. Vamos guardar o rack para uso posterior. Clique no ícone Salvar no canto direito do rack e vou chamá-lo de lo-fi afeta o Skillshare vermelho. Agora você pode arrastá-lo da sua biblioteca de usuários sempre que precisar. Novamente, vamos recapitular o que abordamos nesta lição. Você pode usar macros em um rack de efeitos para controlar diferentes parâmetros de um efeito. Os efeitos Wow e Slutter vêm originalmente do uso de máquinas de fita e toca-discos. Esses efeitos criam irregularidades áudio e ajudam a obter o som lo-fi. Você pode salvar o rack de efeitos para uso posterior. Nuts, você acabou de criar seus primeiros efeitos e outros recursos incríveis com ativações. Agora vamos passar para a melodia principal. 9. A melodia: Nesta lição, vou mostrar como criar um som show pluck usando operadores Ableton. O processo de criar seus próprios sons de sintetizador é chamado de design de som. Em seguida, usaremos o som para criar uma melodia suave em cima daqui. Vamos criar nosso som de sintetizador, duplicar o canal principal do piano e renomeá-lo para sentimentalismo. Abra o midi no canal da frase, selecione tudo usando Command no Mac ou Control no PC mais pressione zero para desativar todas as notas midi. Isso agora nos permite começar a criar facilmente uma melodia usando os códigos originais como nosso guia. Em seguida, habilite as primeiras três notas em D , selecionando-a e pressionando zero. Novamente. Isso é para que possamos ouvir o som do centro , pois criamos ao lado de arrastar e operar partir de instrumentos para substituir o piano Vou aumentar o volume e a velocidade do canal para que possamos ouvi-lo corretamente ao criar o som. É assim que soa o patch padrão do operador. Agora vamos projetar o som. Clique neste oscilador inferior, abaixe a sustentação até o fim. Uma sustentação curta como uma das principais características de um som de sopro. Defina a decomposição para cerca de 2 s ou experimente você mesmo. Então, vamos ver se podemos adicionar algum personagem interessante ao som usando a seção de filtro ao lado da opção de filtro que tem drive. Vamos ver se uma forma de onda diferente funciona. Também vou ajustar o ataque para suavizar um pouco o som. Na verdade, vamos remover a unidade, pois isso está fazendo com que isso pareça muito forte para o que eu estou procurando. Agora vamos tornar o som mais exuberante e interessante usando efeitos. Os efeitos mais comuns que uso nos sons de toque são reverberação e atraso, bem como os efeitos wow e flatter que usamos na faixa de piano em uma reverberação de efeitos de áudio. Uma das minhas predefinições favoritas é a da catedral. Ótimo. Portanto, coloque-o com cerca de 17% de peso por enquanto. Apenas o seu gosto pela sua faixa. Em seguida, vamos ajustar as configurações do nosso rack de efeitos lo-fi até atingirmos a vibração que gostaríamos. Por fim, vamos adicionar um atraso de oitava nota após a reverberação, colocando o atraso em 40 por cento de peso e 66% de feedback. Mas, novamente, ajuste-os ao seu gosto ou até mesmo tente outros atrasos. Vamos testar a testemunha da reverberação ou das apostas e, em seguida, equalizar os graves do som afetado antes de começarmos a escrever a melodia. Agora, comecemos a escrever a melodia. Vou manter as coisas simples para o bem desta aula. E vamos usar notas singulares de cada acorde para iniciar nossa melodia. Continue brincando com as notas da progressão de acordes até encontrar a melodia que você gosta ou acompanhar a minha. Sinta-se à vontade para também usar outras notas da escala, se quiser. E, por fim, vamos ajustar o posicionamento das notas para adicionar um campo mais humano à melodia. Certifique-se de salvar a opção segura, certifique-se de que todas as suas amostras estejam salvas na pasta do projeto. Agora, para recapitular rapidamente o que abordamos nesta lição, podemos facilmente começar a criar nossa melodia usando o midi de nossos acordes principais como guia. reverberação e o atraso são frequentemente usados em sons de detonação. O processo de criar seus próprios sons de sintetizador é chamado de Sound Design. sintetizador Ableton Operator é uma ferramenta popular para isso. Os atalhos que abordamos foram Selecionar tudo usando Command no Mac ou Control no PC plus a, bem como o atalho para desativar ou ativar muitas notas, que é feito pressionando zero. Espero que você tenha se divertido criando sua primeira melodia, além de ter uma ideia de como é criar junções. E a seguir, vamos começar a linha de base. 10. O correntinho: A maneira mais simples de adicionar uma linha de base à sua faixa seria simplesmente tocar cada nota base das quadras usando um simples subsom. Isso pode funcionar se houver muitos outros conteúdos melódicos acontecendo em sua faixa. No entanto, para essa música, quero criar uma linha de base que tenha uma sensação de vida moral. Primeiro, encontre as predefinições de guitarra operadora, baixo e arraste-as para baixo da melodia. Também costumo escolher minha própria cor para a armadilha, o que você pode fazer clicando com o botão direito do mouse e escolhendo uma cor aqui Vamos nomear a base da trilha. Em seguida, selecione a melodia do piano, pressione Alt no Mac ou Control no PC e arraste a lama para duplicá-la na faixa de baixo. Abra a lama e selecione tudo de novo, depois pressione zero para desativar os nós. Ative o D-sharp para anotar selecionando-o e pressionando zero. Novamente. Isso não está soando baixo o suficiente. Então, vamos selecionar todo o midi e pressionar Shift mais a seta para baixo. Isso mudará tudo para uma oitava. Agora vamos brincar com as notas dos acordes e ver como elas soam ao lado do piano. E como vou reduzir os volumes conforme você pode ouvir, o áudio está distorcendo devido ao recorte, que é quando ultrapassa zero dB. Depois de definir a base da linha de base, gosto de começar a adicionar mais variações com notas extras. Experimente ou siga minha linha de base. Azul. Azul. Azul. Finalmente, vamos equalizar algumas das altas frequências da base para que não colidam com o piano e o sintetizador. Vamos recapitular algumas das principais ideias que abordamos nesta lição. Novamente, você pode usar seus acordes principais como um guia para começar a programar sua linha de base para o hip hop lo-fi. Normalmente, você não quer muito conteúdo de alta frequência em sua base para que não conflito com a sua instrumentos de alta frequência. O atalho principal recuperado nesta lição nos permitiu mover uma nota midi para cima ou para baixo em uma oitava inteira. Fazemos isso usando Shift mais a seta para baixo ou para cima. Agora temos um ciclo forte que inclui todos os nossos elementos principais. Em seguida, vamos transformar esse loop em uma música completa. 11. Arranjamento: transforme o loop em uma música completa: Nesta lição, vamos transformar nosso loop de quatro compassos em uma música completa. Também adicionaremos efeitos, amostras, amostras completas e automação para obter mais movimento e textura Achei que alguns arranjos são a parte mais desafiadora da classificação da amostra. No entanto, existem maneiras de simplificar o processo. A maneira mais simples de organizar uma música seria começar com uma introdução que vai para a primeira seção principal, de suas mudanças para uma divisão que leva à segunda seção principal. E finalmente termina com um outro. layout pode funcionar em muitos casos, especialmente se houver mudanças interessantes suficientes acontecendo com os instrumentos e a bateria. Para esta aula, usarei a fórmula de arranjo padrão, mas o hip hop lo-fi geralmente se afasta desse layout. Você também pode usar uma de suas músicas favoritas em um ritmo semelhante como guia ao trabalhar em seu arranjo Vamos criar nosso layout básico. Os marcadores são úteis para isso, pois permitem que você dê um título a cada seção da sua música. Primeiro, vamos mover nosso loop principal de dois por nove e duplicá-lo três vezes, criando uma seção principal de 16 barras. Em seguida, para nomear essa seção, clique com o botão direito na linha abaixo da linha e clique em Adicionar localizador. Vamos chamá-la de seção principal um. Para começar a introdução, vamos duplicar apenas os acordes do piano duas vezes e adicionar um marcador no compasso um e dar o nome de introdução. Faça a mesma coisa após a primeira seção principal e nomeie-a como dividida. Para a próxima parte, duplique a primeira seção principal, coloque-a na 33 e nomeie-a como seção principal de dois. Para o outro, vamos usar apenas os acordes de piano para 4 compassos. Adicione um marcador na barra 49 e nomeie-o como outro. Agora temos nosso arranjo básico, que é tecnicamente uma música completa. No entanto, se deixássemos a faixa assim, seria uma experiência auditiva bastante chata. Para tornar o arranjo mais interessante, podemos fazer o seguinte. Adicione amostras de efeitos para fazer a transição entre as seções. Use a automação, que é quando você controla o perímetro de um instrumento ou faixa de efeito para mudar com o tempo em sua música em campo e gravações completas para obter mais textura, com mais variação da nossa bateria e conteúdo melódico, crie mais conteúdo melódico para adicionar em toda a música. Vou abordar brevemente essas etapas agora, mas não deixe de experimentar cada uma para criar sua própria música e ver o que você acha. Para fins de demonstração, vou usar sons da biblioteca principal do Ableton, que você pode acessar aqui, bem como baixar vários outros pacotes. Agora vou adicionar amostras de efeitos para fazer a transição entre diferentes seções e depois explicar o que fiz. Aqui está o som dos efeitos. Entrando na seção principal, adicionei um riser de ruído branco da Ableton chamado biblioteca bem como efeitos completos para nos levar à primeira seção principal. Também adicionei uma correção de curto prazo metade da primeira seção principal e, em seguida, usei os efeitos completos novamente para nos aprofundar. Todos esses efeitos são copiados para a seção principal dois. Costumo manter minhas amostras fixas deformadas para obter mais campo orgânico. Também adicionei reverberação e eco nas baixas frequências. Você provavelmente já ouviu coisas como gravações de vinil crackle and rain e hip hop lo-fi. Usar gravações em campo é outra ótima maneira de adicionar calor e textura à sua trilha. Eu adicionei um raio e uma gravação da atmosfera do trem. Eu o mantive entortado e coloquei para tocar em toda a faixa. Eu também liderei uma gravação de vinil crackle. Decidi manter isso distorcido e duplicado em toda a faixa, exceto na outra. É assim que soa ao lado do piano. Como você provavelmente pode ver, nossos principais elementos ainda são bastante repetitivos. Vamos corrigir isso adicionando mais variações. Podemos conseguir isso fazendo coisas como adicionar ou remover elementos em diferentes seções, ajustar notas em nosso conteúdo melódico ou separar a bateria. Vamos analisar as mudanças que fiz na bateria. A principal mudança que você vê é esse loop superior , que vem na metade da seção principal. Como você pode ver, precisei editar um pouco a distorção para ter certeza de que ela se encaixava bem com meus outros tambores. Uma técnica que eu gosto de aplicar com frequência nos loops superiores é usar essa opção aqui para controlar os transientes do loop. Muitas vezes, ajuda o Fitbit na pista e também é uma boa maneira de criar um loop mais seu. Certifique-se de equalizar também os pontos baixos disso para que não entre em conflito com a base de chute. Também adicionei mais variações aos principais sucessos da bateria. Para variar em um piano, adicionei essas notas extras no final da progressão. Outro método que pode funcionar mal é adicionar uma segunda responsabilidade que reproduza a melodia existente. Eu usei códigos R e o recurso de escala como um guia para criar isso. Para o som, eu uso essa predefinição oceânica feita com o instrumento de colisão Ableton is. No entanto, eu editei um pouco para ajustar melhor aos mínimos de dados de equalização. Também adicionei sequências de fundo que aparecem durante o detalhamento. Eu usei cordas orquestrais Ableton, que você pode baixar aqui. Para cordas e almofadas. Gosto de mantê-los quietos, simples e espaçosos. Então, usei dois nós espaçados de cada acorde que criamos para a progressão do piano. Então, para um pouco mais de interesse, antígeno uma terceira nota no último acorde. Eu adicionei reverberação e ecoei os baixos e submeti, além de manter as cordas tocando quando a seção dois principal entra. Outra ótima técnica a ser usada para criar uma transição suave para uma nova seção é a automação. Aqui, vou usar um filtro automático para filtrar altas frequências do piano e, em seguida, trazê-las de volta um pouco antes da seção principal, carregar e filtrar automaticamente na faixa do piano. Para ativar a automação, clique no botão de automação aqui. Agora podemos escolher quais parâmetros do nosso dispositivo queremos automatizar aqui ou movê-los para o dispositivo. Clique no sinal de mais para criar uma faixa de automação para que você possa ver a automação separadamente da lama e vários parâmetros de automação ao mesmo tempo. Em seguida, selecione a última parte do nosso piano na introdução. Mantenha pressionada a tecla shift e arraste para baixo para baixar a linha de uma só vez. Em seguida, vamos editá-lo para que as frequências mais altas sejam filtradas e depois voltem pouco antes do tambor começar. Em seguida, vamos copiar a automação para fazer a transição de cada seção primária. Vamos recapitular. O que abordamos nesta lição. Arranjo de músicas é quando pegamos nossa ideia principal e a transformamos em uma música completa. Podemos adicionar ou remover elementos para criar seções diferentes para garantir que a música não fique entediante Precisamos garantir que haja variação suficiente em toda a música. Efeitos, amostras e automação são ótimas ferramentas para transições suaves entre as seções. Se você estiver preso ao seu arranjo, você pode usar uma faixa de referência como guia. Ótimo, espero ter conseguido tornar o arranjo da música menos intimidante durante esta aula. Em seguida, passaremos para a etapa final de criar uma música, mixagem e masterização. 12. Mistura e masterização: Nesta lição, abordarei brevemente o processo de mixagem e masterização. Não vou me aprofundar muito nesse tópico que está fora do escopo desta aula. No entanto, vou analisar algumas ideias que devem ajudá-lo a pensar ao mixar e masterizar sua própria música. Ele tem alguns conceitos-chave que devem simplificar o processo de mixagem e masterização para você. Em primeiro lugar, as ideias musicais e a vibração, mas sempre as mais importantes, especialmente no hip hop lo-fi. Use seus ouvidos em qualquer monitoramento visual. Se soa bem, é bom. Use amostras de boa qualidade. Faça o possível para garantir que cada elemento não colida com outro, usando coisas como definição de níveis, equalização, panorâmica, etc. partir daí, podemos fazer a maior parte do trabalho apenas ajustando os níveis de volume, especialmente porque fizemos a maior parte do processamento de cada som à medida que avançávamos, tínhamos as ideias principais como as mais altas e, a partir daí, criamos uma boa relação de ritmo. Você pode conseguir isso com níveis de equalização e usando técnicas como compressão de corrente lateral , se necessário, colocando faixas como todos os tambores, instrumentos e, desde então, efeitos e Foley em suas grupos próprios também podem ajudar a simplificar o processo e manter as coisas organizadas. Primeiro, vamos agrupar nossas faixas adequadamente. Você pode agrupar faixas selecionando-as e usando Command no Mac ou Control no PC plus g. Para definir os níveis finais, eu gostaria de usar essa técnica, mude para a visualização da sessão pressionando tab, em seguida, reduza todas as faixas para zero. E, lentamente, trazendo cada elemento a partir do tambor, que geralmente é o mais alto. Você pode selecionar várias faixas ao mesmo tempo usando o Shift para reduzir todos os níveis. Aqui está um lapso de tempo usando essa técnica para fazer a armadilha. Aqui está o que parece quando os níveis finais são definidos. masterização é a etapa final do processo de produção. Na verdade, podemos manter essa etapa bem simples. Se a mixagem for boa, o objetivo principal da masterização é fazer com que nossas faixas atinjam um nível de volume semelhante ao outras faixas lo-fi e unir tudo. Fazemos isso principalmente com um compressor e um limitador. Como você pode ver, minha cadeia de masterização é bastante simples e usa apenas plug-ins de estoque da Ableton, que incluem um limitador de compressor de cola saturada EQ. Em seguida, ajustrarei conforme necessário dependendo da faixa em que estou trabalhando. Selecione uma seção em que a maioria dos elementos esteja sendo reproduzida em conjunto. Em seguida, empurre o compressor de cola e limitador até pouco antes de o áudio começar a ser recortado. Deve haver um nível de volume bom o suficiente. Mas também costumo usar faixas de referência para testar. E, finalmente, vamos exportar a música final para um arquivo web de alta qualidade. Certifique-se de selecionar todo o arranjo com os colchetes. Em seguida, vá para Arquivo, Exportar áudio, barra de vídeo ou use o atalho Shift plus Command no Mac ou Control no Windows plus R. padrão será exportar a faixa principal. Certifique-se de que a taxa de amostragem seja 44 100. O tipo de arquivo é definido como web e a profundidade de bits é definida como 24. Para essa música, o pontilhamento não deveria ser necessário, pois o arquivo da web que estamos exportando as mesmas qualidades de áudio das amostras tem as mesmas qualidades de áudio das amostras que usamos até agora e não estamos reduzindo a resolução. oscilação adiciona um pouco de ruído ao áudio final, mas reduz os artefatos ao aprender a profundidade de bits. Você também pode exportar como um arquivo MP3 ativando essa opção. Agora clique em Exportar, dê um nome sua faixa e salve-a onde quiser. Espero que essa lição tenha tornado o processo de mixagem e masterização menos intimidante. Agora você tem uma base sólida para mixar e masterizar sua própria música e é capaz de cruzar a linha de chegada para completar uma faixa final. 13. Conclusão: Parabéns ao chegar ao final desta aula. Espero que tenham gostado e que estejam começando a se apaixonar pelo Ableton Live. Agora você tem uma sólida compreensão básica dos recursos do laboratório Ableton e um esboço essencial para criar hip hop lo-fi, bem como formas de pensar que, espero , ajudem você a fazer música com mais eficiência. Por favor, compartilhe as faixas que você fez e vá fazer outra. Estou empolgado em ouvir todos eles. Você pode se conectar comigo em todas as plataformas sociais do Fair Game Songs ou ouvir minhas músicas no Spotify. Feliz criação.