O valor do monocromático: pinte uma aquarela de natureza morta com apenas uma cor

1. Introdução: Você está procurando uma prática de arte que ajuda você a melhorar suas habilidades ao criar uma peça de arte elegante, junte-se a mim eu estou trazendo de volta ao básico no valor de monocromático; pintar uma vida morta com apenas uma cor. Sou Jill Gustavis uma artista na fronteira de Nova York, Massachusetts. Minha jornada monocromática começou quando eu era criança e eu adorava esboçar com tinta e grafite. Desde então, esse amor sangrou em meu trabalho de aquarela também. Meu trabalho monocromático foi para uso comercial, selecionado para exposições, e inscrito em coleções pessoais. Nesta aula, vou ajudá-lo a incorporar o valioso processo monocromático em sua própria prática artística. Estudos monocromáticos e pinturas são um processo valioso para adicionar em qualquer prática artística, dando-lhe uma plataforma para se concentrar em habilidades como composição e valor sem cor para distraí-lo. Além de usar materiais mínimos, obras de arte coloridas que não precisam ser apenas preto e branco, também são uma adição diversa e interessante ao seu portfólio de arte. No final da aula, você entenderá o comportamento da pintura, habilidades essenciais em aquarelas, características comuns de pinturas monocromáticas bem-sucedidas e até dicas pessoais sobre arranjos de vida morta e tirar fotos de referência. Para o projeto da classe, usaremos os processos nas lições para criar e pintar uma vida morta usando a pintura colorida escolhida. Como minhas aulas anteriores, eu acho que há um pouco aqui para todos os níveis de experiência, mas as lições técnicas essenciais são direcionadas para iniciantes e como um exercício de exploração de cores. As lições são claramente rotuladas, então sinta-se livre para pular ou voltar para uma lição favorita na estrada. Saiba se você deve apreciar o minimalismo, o foco na técnica, ou apenas a elegância simples dele. Espero que você também descubra o valor do monocromático. Você está pronto para mergulhar? Vejo-te na primeira lição. 2. Projeto de classe: Agora você pode aplicar pintura monocromática a qualquer assunto, mas nesta aula, nós estaremos pintando uma vida morta monocromática. naturezas mortas são um ótimo lugar para começar quando você está aplicando uma nova habilidade. Eles são fáceis de acessar e há muitas opções quando se trata de escolher objetos, estilos e composições. Sugiro escolher assuntos para sua vida morta que lhe interessem. Isso ajudará você a permanecer investido em aprender as habilidades técnicas e criar uma composição verdadeiramente única para você. Não se sinta pressionado a usar coisas que você me vê usando ou a usar objetos que você acha que devem estar em uma boa vida morta. Basta usar objetos que falam com você. Há ainda mais dicas sobre isso quando você começa a lição sobre assuntos monocromáticos. Não tenha medo de começar de novo ou tentar algumas vezes. Escolheu a cor errada, talvez não consiga levantar a tinta e tudo ficou escuro demais, não se preocupe. Descobri que obtenho melhores resultados mais rápido numa segunda tentativa, em vez de gastar o meu tempo a discutir uma peça falhada. Nesta aula, vou orientá-lo por todo o processo além de incluir algumas recomendações pessoais para algumas das etapas de suporte. Vamos explorar suas próprias tintas, você vai escolher uma cor e criar uma escala de valor, você vai organizar sua vida morta, e esboçar sua composição. Em seguida, vamos colocar em camadas os valores de luz, tom médio e escuro e, finalmente, ajustar quaisquer valores para criar contraste e uma pintura bem equilibrada. Certifique-se de postar quaisquer perguntas no fórum de discussão e compartilhar seus passos na galeria do projeto. Agora vamos quebrar suas tintas e começar. Vejo-te na primeira lição. 3. MATERIAIS: Um dos benefícios mais tangíveis da pintura em monocromático é apenas o puro minimalismo da mesma. Além do lápis, esta é uma das maneiras mais bem sucedidas de criar no papel. Nesta lição, vou revisar os materiais básicos que você precisará para a aula. A beleza da pintura monocromática são esses materiais mínimos. Eu vou rapidamente rever os materiais que eu uso para fazer esta aula acontecer. Começando com, é claro, sua pintura. Uso tubos de tinta em aquarela profissional. Estes são Daniel Smith, mas não tenho preferência de marca. Acontece que eles são os dois iguais. Você também pode comprar sua tinta em panelas pré-vertidas, o que você preferir. Você pode armazenar em, Eu uso uma paleta de cerâmica de mesa, ou como eu normalmente, ou mais frequentemente usar minhas tintas monocromáticas é que eu uso uma pequena paleta de viagem de- é uma paleta de bolso, de Art Toolkit. Isso só me permite levá-lo em movimento e tipo de esboço em fuga. Em pincéis, uso a linha Heritage de Princeton nos tamanhos 16, 10, 5 e 2. Você pode usar qualquer gama de pincéis que você está confortável com. Você poderia usar escovas chiques. Não importa. Só escolhi usar uma linha de pincéis que conheço. Eles me deram uma boa gama de trabalhar em grandes lavagens até trabalhar em detalhes. Use o que você tem, o que você está familiarizado, porque quando você está aprendendo uma nova técnica, a última coisa que você quer fazer é trabalhar com outras variáveis. Quando se trata do papel que eu uso nesta classe, é que eu uso alguns tipos diferentes. A principal coisa a saber é que estou usando papel 100% algodão. Vamos cobrir o porquê, em apenas um segundo, mas você verá que usei papel Arches para meus gráficos de cores. Eu uso o esboço Kilimanjaro ou Paintbook do Cheap Joe's para as miniaturas e esboços de progresso. Eu uso um bloco de papel Watercolor do Blick para o projeto. Todos estes três são papel de imprensa frio de 140 libras. Mas a principal razão pela qual eu recomendo o 100% algodão é porque o papel de algodão tem as melhores características para pintura monocromática em que é menos provável a pílula como você está ajustando valor e levantando e esfregando. É mais provável que lhe dê uma melhor mistura pois a absorção é mais uniforme em papel de algodão. Ele também vai permitir que você adicione camadas extras de valor. Eu descobri através da minha experiência com papel celulose, que uma vez que você chegar a um certo número de camadas, você tende a apenas estar começando a limpar camadas anteriores versus ser capaz de adicionar camadas extras de tinta no topo. Para evitar frustração, recomendo papel de algodão. Passando para os acessórios. Eles são muito simples e você provavelmente já adivinhou. Um pano para apagar o seu pincel, toalha de papel para borrar a água ou pintar que está na sua pintura. Dois recipientes de água que, você provavelmente já está familiarizado com esta configuração. Um para enxaguar a escova e obter pigmento fora das cerdas, eo outro de água limpa para estabelecer apenas água limpa para lavagens. O último acessório que eu uso foi principalmente apenas para a eficiência das filmagens na aula, e eu usei uma pistola de calor para acelerar o processo de secagem do projeto real. Você não precisa usar um se não quiser, mas eu usei uma pistola de calor para o projeto. Mas você pode ver que é muito simples. Você só precisa de um pouco de tinta, alguns pincéis, e um pouco de papel com, claro, a água padrão e toalhas para o trabalho em aquarela. Mas você deve estar pronto para ir em pouco tempo. Se você já fez alguma pintura em aquarela antes, provavelmente já tem tudo o que precisa para esta aula. Uma lista de suprimentos curta é sempre agradável, mas não deixe que isso faça você se sentir limitado também se você quiser expandir esta prática no futuro. Uma vez que você tenha tudo o que precisa para esta aula, no entanto, eu vou vê-lo na próxima lição onde eu vou rever algumas teorias básicas e mais benefícios para criar monocromaticamente. 4. A abordagem monocromática: Por que você iria querer pintar com apenas uma cor? Bem, nesta lição eu vou passar por três perspectivas diferentes sobre isso. arte monocromática pode ajudar sua arte tecnicamente, pode melhorar sua produtividade artística, e também pode ser uma bela forma de arte por conta própria. Aposto que se você já ouviu um artista falar sobre por que eles começaram a trabalhar com monocromático, então eles provavelmente estão falando sobre estudos de valor ou talvez eles estão trabalhando para melhorar suas habilidades de composição, então eles estão trabalhando para aumentar algumas outras habilidades artísticas intrínsecas. Você pode usar monocromático para tudo isso, e é sobre isso que vamos falar nesta perspectiva e é melhorar a composição, melhorar sua compreensão de valor, aumentar o humor, e trabalhar em como Você retrata a história. trabalho monocromático pode ajudá-lo a melhorar em tudo isso. Por composição, isso significa apenas que estamos tirando a distração da cor, sem nos preocuparmos com a mistura de cores ou simplesmente curtindo a cor. Você pode realmente se concentrar nos assuntos em sua peça e, em seguida, também na próxima seção de valor. Vendo onde eles estão e como seus valores se relacionam com tudo ao seu redor, tanto na forma como em seguida esse valor, ele definitivamente lhe dá uma percepção mais elevada de como sua pintura está funcionando ou não funcionando. Este é um ótimo estágio se você estiver usando uma peça monocromática como um estudo preliminar para corrigir tudo isso. Você pode mover as coisas ao redor e ver, bem isso funciona em um nível de escala de valor. Você tem luz e, em seguida, escuro e, em seguida, luz e, em seguida, escuro e o mais contraste onde você quer que o olho do seu espectador para ir de costume. Você pode trabalhar na força da sua peça antes escolher uma paleta de cores ou o próximo nível. É também um momento em que você começa a se inclinar para o humor que você quer retratar em sua peça. Digamos que se é uma cena de cozinha reconfortante de sua casa de infância, talvez você queira se inclinar em algo mais, mais como uma siena queimada ou talvez fazer aquele estudo monocromático em Payne's Gray possa produzir um efeito mais sombrio e frio. Você tem alguma escolha e brincar com isso, não tem que ser em preto. Agora, tudo isso funciona para aumentar a estrutura da história que você está contando em sua peça. Não quero dizer que tenha de ser uma ilustração de uma história linear em particular. O que quero dizer é que estás a aumentar a imagem e a emoção que estás a tentar retratar. Pode não haver uma emoção particularmente forte, pode ser apenas, digamos que você está fazendo um estudo botânico de folhas e você está apenas aumentando a atenção para esse objeto. Você está vendo que este objeto é importante, e essa é a história que você está retratando. Isso leva-me ao último ponto que quero fazer falta de atenção às competências técnicas. Ao tirar a cor, às vezes é mais fácil se concentrar na estrutura dos detalhes que estão lá, modo que as linhas reais em forma e relacionamento espacial que fatores de volta à composição. Mas se você estiver em detalhes, esta é uma ótima maneira de realmente simplesmente se afundar e aproveitar. Agora há razões para você usar apenas uma cor que não tem a ver com a construção de suas habilidades artísticas. Por um lado, é uma ótima maneira para os iniciantes entrarem em materiais de melhor qualidade mais cedo. Você só está investindo em uma cor de cada vez porque você está usando apenas uma cor para cada pintura que você está fazendo. Você pode até fazer uma coleção inteira em apenas uma cor. É uma maneira mais rápida de entrar nesses materiais melhores. Também é mais fácil pagá-los, armazená-los e carregá-los para que você possa fazer esse trabalho em mais lugares desde o início. A próxima razão é porque se você não tem uma situação ideal para fazer arte, você também pode fazer trabalhos monocromáticos em mais cenários. O que me refiro aqui é a sua situação de iluminação. Nem todos têm, digamos, lâmpadas de luz do dia ou acesso a um estúdio bem iluminado. Como exemplo pessoal, quando comecei a fazer trabalhos monocromáticos, é porque no inverno, esta sala que funciona como meu estúdio fica muito frio e eu tendem a preferir fazer meu trabalho na sala de estar, no sofá com meus gatos e com a luz branca quente e luzes de Natal que iluminam aquela sala, é muito fraca e quente luz branca não é ótimo para precisão de cor, então eu tendi a fazer mais trabalho monocromático. Tudo que eu tenho que ver é meu papel branco e meu escuro mais escuro e eu posso descobrir a relação de valor entre esses dois pontos. Eu só tenho que pegar uma pintura ou duas, alguns pincéis e eu sou capaz de continuar trabalhando nesta configuração modificada. Fiz mais trabalho incorporando isso no meu fluxo de trabalho. Isso funcionaria também para quem gosta de mim no nordeste há luz do dia muito limitada nos meses de inverno e se você trabalha em tempo integral, eu tendem a fazer o meu trabalho depois do trabalho à noite ou nos fins de semana. Mais uma vez, tendo esta configuração que utiliza totalmente qualquer situação de iluminação, qualquer situação de espaço, eu tenho mais trabalho feito. É um grande benefício. A próxima razão é uma das coisas que eu aprendi quando eu entrei em aquarelas e isso é se você está vindo de ter um fundo pesado e desenho, é mais fácil transição para a pintura usando uma das técnicas que você pode fazer pintura monocromática com. Ou seja, às vezes quando estou fazendo esse processo, eu o abordo como eu estaria desenhando, talvez usando um pincel menor, trabalhando em traços curtos, acumulando valor. É muito meditativo. É realmente muito divertido e você tem um resultado que parece semelhante ao esboço também. Essa é uma maneira fácil de se sentir confortável com talvez seus suprimentos de pintura durante a transição. O último ponto que quero fazer é provavelmente o mais baseado em opiniões. Isso é que eu acho que o trabalho monocromático apenas tem esse fascínio intrínseco para que as pessoas encontrem essa conexão que os lembra de esboços ou desenhos a tinta e há essa atração para as configurações mais básicas de arte. Aquele pedaço de papel e eu fizemos uma bela obra de arte. pintura monocromática que eu sinto que constrói sobre isso e que tem aquele produto final simples e elegante, mas tem muito mais outras coisas acontecendo nele e assim pintura é um pouco mais fluida. Você pode obter alguns efeitos de camada mais misteriosos lá dentro. Aproxima-se do espectador como se fosse um desenho básico, bonito e simples, mas, em seguida, em uma inspeção mais atenta, há alguma alteridade interessante acontecendo lá. Acho que é uma bela maneira de encantar seus colecionadores. A outra razão, eu acho que o trabalho monocromático sempre terá um lugar no mundo da arte é porque se você já ouviu a frase preto é o novo preto, há sempre uma atração clássica para a elegância que é uma cor escura. Se você está usando preto ou talvez um neutro escuro, eu até acho que isso se aplica a matiz mais escura, como cinza de Payne , verde perileno, que vamos entrar na lição. Mas eles têm essa elegância discreta para eles. Eles combinam com mais coisas se você está pensando em um sentido de colecionador. Se você pensa como um guarda-roupa de cápsula em um sentido de moda, ter algo que não é exagerado combina com mais coisas. É mais fácil adotar e analisar se sua própria coleção, se você estiver lançando uma coleção de obras de arte ou do ponto de vista de colecionador, eles são mais propensos a ver algo que eles podem fazer funcionar em suas próprias casas. Agora que vimos como a arte monocromática é benéfica e como ela é uma grande adição à sua prática, eu adoraria mostrar alguns exemplos de como ela é bonita por conta própria. O primeiro exemplo que tenho para você é de Lara Gastinger. Lara é uma artista que venho seguindo há alguns anos. Ela faz trabalhos botânicos em uma abordagem em camadas usando apenas aquarela às vezes para caneta e ela gosta de construir valores e recriar forma em muitos detalhes. Ela documenta intrincadamente o ambiente ao seu redor e eu a vejo contando uma história de quanto ela ama seu ambiente natural local e a necessidade de preservar isso. Nosso próximo exemplo é Olga Paperega e Olga também fazendo uma abordagem realista, mas seu uso de um preto profundo em alto contraste apenas faz seu trabalho quando feito em uma escala maior às vezes extra dramático. Ele realmente dá a você uma sensação da elegância e do drama que o trabalho monocromático pode alcançar. Nosso próximo exemplo é de Denise Soden, e como muitos de vocês conhecem seu identificador e o nome do canal do YouTube In Liquid Color. Denise também é uma professora de topo da Skillshare e suas peças realistas e ambientalmente focadas como estas aqui, esses crânios, você que realmente tem a sensação de que ela está se concentrando em explorar a cor e os assuntos igualmente. Você realmente vê um amor por descobrir informações e usar essa informação para produzir uma grande obra de arte. Nosso próximo exemplo é mais sobre o lado paisagístico das obras de arte. peças de Diane Klock aqui são estudos de valor que ela fez e algumas delas estão sem lápis, então ela estava apenas desenhando os valores e criando essas marcas soltas mas dinâmicas para capturar a energia e a atmosfera. Quase dá a você mais noção da profundidade e do espaço que está em cada uma dessas cenas, já que ele faz apenas delinear cada uma das formas de objetos. Nosso último exemplo é Marie Noelle Wurm, que também é uma grande professora de Skillshare aqui. Seus exemplos eu escolhi para listar por último porque ela é uma visão única sobre o uso de trabalho monocromático. Ela faz aqui, como neste estudo de ramificação e folha, tem uma abordagem em miniatura para talvez anotar a idéia de ser uma pintura mais tarde. Mas parte de seu trabalho é [inaudível] esta bela, solta, ocasionalmente abstrata exploração de pintura. Acho que são lindas. Ela também faz um monte de trabalho em tinta que eu queria trazer para cima porque tinta às vezes pode produzir resultados semelhantes ao trabalho em aquarela. Eu nunca desisto de uma chance de seguir alguns artistas de tinta porque realmente lhe dá uma noção mais ampla do que a arte monocromática pode alcançar. Agora que você já viu como o trabalho monocromático pode melhorar suas habilidades técnicas de arte, como ele pode ajudá-lo a ser mais produtivo em sua prática, e como ele é apenas bonito com muitas variações, vamos passar para pintar propriedades e como que contribui para a beleza do trabalho monocromático. 5. Propriedades da tinta: Ao pintar com apenas uma cor, sua escolha de tinta torna-se cada vez mais importante. Agora, há muito que eu poderia falar quando se trata do que diferencia várias tintas. Mas nesta lição, eu vou apenas rever algumas propriedades básicas de tinta que você deve ter em mente ao explorar e escolher sua pintura. Agora, há muito que você pode falar quando se trata propriedades de pintura e todos os que eu estou falando devem estar listados em sua embalagem de tinta e no site do fabricante. Você sempre pode pesquisar o que encontrar lá. Mas o primeiro e principal é o pigmento da tinta. Isso é denotado por um número P. Os números P são divididos por matiz. Então você sempre pode pegar esse número e procurá-lo on-line para descobrir mais sobre sua solidez à luz, origens, etc, qualquer coisa que você esteja curioso sobre. Transparência é a próxima. Isto será importante para a sua pintura monocromática porque a transparência da tinta denota quanta luz passa pela tinta versus reflete fora dela. Uma tinta opaca em seus valores mais profundos, vai parecer mais retalho versus quando você faz uma pintura com um pigmento transparente, você vai ser capaz de ver através do papel com mais freqüência e isso lhe dá uma profundidade e uma clareza, que eu acho muito bom para o trabalho detalhado versus uma tinta opaca é muito bom para um efeito punchy gráfico. A próxima propriedade é como está manchando seu pigmento. Isso influenciará o quanto você pode levantar mais tarde quando estamos ajustando valores. Se você é novo em um trabalho monocromático ou apenas novo para estudos de valor em geral, eu recomendaria naqueles coloração pigmento porque você vai ser capaz de levantá-lo mais fácil sem ter que esfregar o papel ou não obtê-lo até o valor nível que você deseja. A última propriedade é a granulação, que é divertida e muitas pessoas amam ou odeiam a granulação. Mas quando se trata de trabalho monocromático, isso pode ser um destaque em sua pintura que é uma das principais características para você escolher sua pintura. Ou pode ser uma distração se você estiver fazendo uma composição muito detalhada. O ruído das partículas de pigmento que se instalam em uma lavagem pode simplesmente tirar de outro lugar que você quer que as pessoas olhem. Quando se trata dessas propriedades visuais, basta ter em mente encontrar um equilíbrio entre as que você quer em relação à sua visão para a sua pintura. Algumas notas extras que eu tenho para escolher tinta é de qual fabricante você obtê-lo, que eu não estou dizendo uma sobre a outra eu não tenho uma preferência. É só que cada um deles tem um fichário proprietário que irá pintar de forma diferente. Então experimente um casal, veja qual você gosta, e escolha suas tintas do fabricante que você mais gosta de pintar. A outra coisa com os fabricantes é que eles podem processar o mesmo pigmento de forma diferente. Você pode obter uma tinta do mesmo número de pigmento de diferentes fabricantes, e pode ser uma tonalidade diferente. Tenha isso em mente, bem como tintas nomeadas. Várias tintas de pigmento como Neutro Tint, Payne Grey, diferentes fabricantes realmente têm receitas diferentes para estes. Eles podem usar pigmentos diferentes, então apenas tenha em mente que eles podem ser cores totalmente diferentes. Ao longo das linhas são tintas multi-pigmento, embora a maioria são apenas feitas para cores de conveniência e são bastante consistentes quando você pintá-los para fora, existem alguns que são especificamente projetados para separar. Os que vêm à mente e mais notavelmente é o Cascade Green de Daniel Smith, que se separa em Raw Sienna e Phthalo Blue, dependendo da quantidade de água que você aplicá-lo com. Isso pode ser um pouco frustrante se você está apenas se acostumando com pintura monocromática. Procure amostras, experimente algumas tintas, e tenha isso em mente. Mas eventualmente, eles são divertidos de usar. Agora que mergulhamos um dedo no oceano de propriedades de tinta, temos um pouco mais para olhar em uma tinta, além de cor. Na próxima lição, examinarei como uso gráficos de cores para navegar visualmente por todas essas propriedades. 6. Navegando pela escolha da cor com gráficos: Como uma imagem vale 1000 palavras, eu organizo minhas cores visualmente com amostras. Vamos dar uma olhada em algumas maneiras diferentes de usar amostras para organizar suas cores e escolher uma cor com mais facilidade. Dependendo de quantas cores você tem e como você planeja usá-las. Existem diferentes configurações de amostras que você pode criar. Agora, o primeiro tipo de configuração de amostra que vamos rever, é o gráfico de cores. Os gráficos de amostras são o método mais fácil, que consomem menos tempo e espaço. Eles são ótimos para ver uma grande variedade de cores de relance. Eu uso o que eu gosto de chamar de meu gráfico de cores mestre aqui para visualizar e selecionar rapidamente candidatos de cores para projetos. Se eu sei que preciso de um vermelho, eu posso vê-los todos de relance, bem como candidatos próximos. Uma vez que vamos fazer monocromática, vamos entrar em como ver isso para ver escolhas monocromáticas em um pouco. Mas para fazer um, tudo que você precisa é de uma folha de papel, solta ou em um caderno de esboços, que é o papel que você planeja pintar. Então você não quer escolher algo só porque é mais barato ou etc, você quer estar praticando no mesmo papel que você vai pintar. Agora, isso está em Arches, prensa fria de 140 libras porque é como um padrão da indústria para papel de artista. Gosto de usar isto para o meu go-to, para os meus gráficos de cores. Mas você pode usar qualquer papel que você planeja pintar. O que você quer fazer uma vez que você tem o seu papel é dividi-lo em quadrados suficientes que você pode tirar todas as suas cores que você quer olhar para fora. Mas também, você quer ter certeza de que essas amostras são grandes o suficiente para que você possa realmente deixar a tinta se mover e interagir com a água. Eu gostaria de considerar, estes quadrados têm 1/2 por polegada de comprimento, e eles são apenas grandes o suficiente para que eu possa caber um pouco neste papel, mas ao mesmo tempo, eu posso ver granulação interessante, propriedades de dispersão, esse tipo de informação comportamental. Porque quero saber se vou fazer uma pintura inteira com apenas uma cor. Agora, os cartões de amostra são as próximas configurações de amostras que vamos falar. Eles servem dois propósitos para mim. Eles me dão uma olhada aprofundada nas propriedades de uma tinta. Aqui você pode ver granulação extra. Isto não tem nenhum. Eles também me permitem reorganizar visualmente e criar paletas. Digamos, se esta foi uma paleta de tons de terra neutra, eu sou capaz de subout cartões para ver como minha paleta pode jogar fora e pode olhar e apenas ver o que eu quero fazer. Eu também quero mencionar gráficos de valor com gráficos de cores e cartões de amostra, porque eles também podem dar-lhe uma grande quantidade de informações sobre uma pintura. Mas vamos cobri-los e criar um em uma lição posterior. Se você está assistindo isso e nem sabe por onde começar com a compra de cores de tinta que você quer experimentar, eu recomendo começar com cartões de ponto se eles estão disponíveis de seu fabricante de escolha, ou para ler fabricantes diferentes. Agora, eles não estão disponíveis de todos os fabricantes, porque o que cartões de ponto são fisicamente, é uma pitada de tinta que secou em um pedaço de papel. Agora, como discutimos nas propriedades da pintura, nem todos os fichários estão bem situados para isso, qualquer um dos fichários com mel ainda permaneceria brega e provavelmente manchariam, então eles não costumam oferecer cartões com pontos neste formato. Agora, esta é a maneira mais precisa de selecionar cores, já que as telas do computador e a fotografia podem variar. Use um cartão de ponto para obter amostras de seus favoritos para escolher. Alguns destes cartões de ponto têm tinta suficiente. Você pode até fazer uma pintura totalmente pequena de uma das cores e realmente ter uma sensação de se você quiser usar essa cor para pintura monocromática. Esta é uma ótima maneira de eliminar possibilidades e não tão grandes possibilidades para o seu trabalho monocromático. Agora, que você conhece algumas opções para organizar suas escolhas de cores, crie um gráfico de cores ou cartões a partir de suas cores de pintura. Vamos usá-los na próxima lição para escolher a cor do seu projeto de classe. 7. Escolhendo sua cor: Agora sabemos muito mais sobre pintura monocromática e suas cores de tinta. Agora é hora de escolher uma cor para o seu projeto de classe. Agora, antes de selecionar uma tonalidade específica, vamos revisar suas próprias cores e folhear através delas para ver quais são os melhores candidatos para o trabalho monocromático. Com seu gráfico de amostras na sua frente ou seus cartões de amostra, quero que você aperte os olhos ou tire uma foto com o filtro preto e branco ligado. Agora, o que estamos fazendo aqui é ver quais têm o alcance de valor mais profundo. Qualquer cor que se destaca do seu gráfico é uma ótima cor monocromática. Os que quase se misturam, não tão bons. Essas cores de baixo valor serão difíceis de ver e não terão contraste. Eles machucaram seus olhos. E as cores no meio? Os que aparecem como diferentes tons de cinza estão bem caso a caso. Por exemplo, eu amo lavanda. Parece uma tinta de valor leve à primeira vista, pelo menos na cor, mas acho que ela se mantém bem quando em camadas de forma eficaz. Poderia ser a escolha perfeita se você fosse dizer, fazer alguns ou motivos de convite do chá de bebê. Portanto, há definitivamente algum espaço de manobra na seleção cores bem-sucedidas dependendo da sua visão. Tendo suas cores à sua frente, selecione uma cor que você gostaria de usar para o seu projeto de classe. Lembre-se, você sempre pode mudar essa decisão, você não está preso a esta escolha, então sem pressão. Tens a tua cor? Vamos passar para técnicas de aquarela para começar a explorar suas propriedades. 8. Técnicas de aquarela: adicionando cor: Nas próximas duas lições, vamos rever algumas técnicas básicas de aquarela. Agora, isso é ótimo se você está entrando nisso como iniciante e é assim que você está usando monocromático para aprender pintura em aquarela, mas isso também vai ser útil se você já é um aquarelista experiente, e você só quer conhecer sua cor particular um pouco melhor. Esses exercícios permitirão que você o coloque em seus passos. Vamos começar com uma lavagem uniforme, que às vezes pode ser mais difícil do que a lavagem de gradiente porque você está tentando mantê-la uniforme. Vamos começar com apenas uma força geral de lavagem, não precisa ser super forte. Não estou tentando ficar dentro das linhas. Vou manter um quadrado geral, mas vamos falar sobre como manter essa forma. Tenho a minha tinta e vou começar pelo topo. Não quero fazer um esboço. Se você fizer um esboço e, em seguida, preenchê-lo, dependendo da rapidez com que sua tinta está secando, você pode acabar com essas linhas de contorno ainda sendo visíveis depois de preenchê-lo porque basicamente você cria um segundo camada em cima disso com sua lavagem interior. O que eu estou fazendo é descer um pouco os lados para manter um pouco de forma, mas então eu estou me movendo de cima para baixo. Se você estava pintando uma área não quadrada, basta tentar começar de uma área e passar para outra que não deixe muitos lados abertos. Você também pode trabalhar com a regra geral de deixar um pouco de tinta nesta borda para que ele tenha mais umidade para evaporar antes que ele possa realmente secar. Você pode ver que eu cheguei ao fundo e eu estou terminando isso. Vou limpar o meu pincel, apagá-lo para ter um belo pincel sedento. Em seguida, para verificar se eu não tenho nenhuma água parada, eu vou incliná-lo e apenas ver se alguma coisa piscina no fundo. Fizemos um bom trabalho aqui em mantê-lo não muito molhado, então isso é bom. Se você tivesse uma poça, digamos, se você a inclinasse e houvesse uma borda de gotejamento ou um grão de água no fundo, você pegaria seu pincel sedento e apenas passaria ao longo da borda inferior e ele derrubaria qualquer água restante, e você iria apagá-lo e então fazer isso quantas vezes você precisasse até que não restasse muito e você poderia deixá-lo secar plano. Você deixaria isso secar agora e não tocá-lo porque se você fosse colocar água nele, você teria flores em diferentes efeitos visuais que são divertidos, mas não queria se você quisesse fazer uma lavagem uniforme. O próximo que vamos fazer é uma lavagem de gradiente. Seja qual for a força de tingimento que você queria ser no lado mais escuro, você vai começar da mesma maneira e nós estamos indo de cima para baixo. Nós não queremos fazer nenhum contorno, especialmente com uma lavagem gradiente. Como eu me movo para baixo, agora meu pincel vai apenas naturalmente começar a ficar sem tinta, ou sem pigmento, e você pode ver que começa a natural apenas ficar mais leve. Agora, uma vez que começa a não colocar tinta no papel em tudo, digamos que se eu tiver que vir aqui então eu vou começar a adicionar um pouco de água limpa. Lembrando dessa amostra, eu não quero entrar com uma abordagem sentimental porque se eu fizer isso bem no limite, aqui eu vou te mostrar, isso vai causar alguns efeitos visuais, mas nós vamos voltar e consertar isso em um minuto. Só estou adicionando um pouco de água limpa. Vou enxaguar minha escova e ir com água completamente limpa na parte inferior. Lá vamos nós. Você pode ver. Agora você vê onde eu voltei um pouco há um pouco de flor. Se eu quisesse me livrar disso, nada parece tão suave como não produzir um na primeira vez, mas aqui estou eu subindo com apenas um pouco de água limpa e estou apenas reativando essa amostra inteira para que tudo flua novamente. Como eu disse, nada é tão suave como acertar na primeira vez. Agora, isso é muita leveza para o meu gosto. Só estou entrando com mais tinta e cobrando. Apagando meu pincel para tirar qualquer pigmento extra e deixá-lo ir até o fundo. Limpar meu pincel é necessário, havia alguns pigmentos ainda lá, e então subir e descer é necessário para uniformizar isso. Uma vez que este é bastante molhado, ele vai mesmo para fora como ele se instala, mas que é a lavagem gradiente. Agora que sabemos como estabelecer cor nessas técnicas básicas de aquarela, a segunda das duas lições técnicas de aquarela é sobre ajustar o valor. 9. Técnicas de aquarela: ajustando o valor: Nesta segunda lição de técnicas de aquarela, vamos estar olhando para como ajustar o valor em sua pintura. Como no trabalho monocromático, você está usando o valor para criar sua pintura, é bom saber como ajustar seus valores em toda a pintura para criar o melhor efeito. Neste, estamos olhando para algumas propriedades adicionais para ajustar seus valores. Vamos entrar em algumas técnicas que tocamos, mas muito mais em profundidade. O primeiro que vamos cobrir é adicionar pigmento, também conhecido como carregamento. O que eu tenho aqui são três seções neste pequeno cartão de exercício. Você pode fazer tudo isso em um pedaço de papel, mas isso é mais fácil para mim demonstrar, estar em pequenos cartões individuais. O que eu vou fazer é colocar água limpa em cada uma dessas três caixas. O suficiente para que esteja molhado, mas não desleixado. Como você pode ver, cada um deles é rotulado. Neste topo, vamos colocar imediatamente um ponto de tinta. É um pincel bastante saturado, eu coloquei para baixo, segurei por um momento, e levou-o de volta para cima. Vamos ver até onde isso vai. Para os outros dois, vamos esperar um tempo predeterminado. O do meio, eu vou esperar um minuto, e então o outro será em cinco minutos. Já passou um minuto, então vamos adicionar o mesmo ponto saturado ao centro. Vou colocá-lo para baixo, deixá-lo sentar, e puxar para cima. Vamos ver até onde isso vai. Agora já se passaram cinco minutos, e eu vou mais uma vez obter uma boa carga de pincel saturado de tinta e fazer um ponto e levantar. Você pode ver que vai muito menos longe do lado do aplicativo do que os outros dois. Seu cartão pode parecer um pouco diferente. Então eu estou no Nordeste, é o primeiro dia da primavera, talvez meu quarto esteja mais seco ou mais úmido que o seu quarto, então seu papel pode secar em taxas diferentes. Experimente isso com intervalos diferentes, imediatamente, talvez 30 segundos, e dois minutos, se você vive em um clima mais seco, ou você pode precisar de um espaço para fora se você vive em um clima muito úmido, porque seu artigo vai Secar mais devagar. Isso é útil quando estamos indo para fazer a vida morta e a pintura monocromática, porque você pode querer obter uma borda suave em algo, mas quão suave depende de quanto tempo em sua lavagem molhada você colocar sua tinta. Isso será muito útil. A próxima das técnicas de ajuste de valor que vamos rever é levantar pigmento. Vamos pintar cada uma destas três caixas com a mesma lavagem. Vou lavar o meu pincel, apagá-lo, certificar-me de que está bom e com sede. Este primeiro é como o outro, é imediatamente. Imediatamente vou levantar meu pigmento, e estou segurando aquele pincel ali, dando um pequeno giro, e depois borrão, fazendo a mesma coisa. Como você pode ver, porque isso é imediatamente, o papel ainda está úmido embaixo de onde eu estava tentando puxar o pigmento, então parte desse pigmento molhado ainda está se movendo de volta para a área. Agora vamos esperar um minuto. Passou um minuto e eu vou pegar um pincel úmido e escovar pelo meio onde eu quero que minha amostra para estar, e então apenas um pouco de brilho, talvez borrar meu pincel um pouco, levantar um pouco desse pigmento para cima com meu pincel. Levante. Você pode ver que eu estou começando a chegar onde aquela água empurrou um pouco para fora, porque ela não estava totalmente seca e está criando sua própria pequena flor, que é um efeito próprio, mas você pode ver, quanto menos ela surgiu. Agora vamos esperar até que isto esteja completamente seco e fazer o de baixo. Isso está totalmente seco, então vamos fazer a mesma coisa, umedecer meu pincel, escová-lo através de onde eu gostaria de levantar, e apenas fazer cócegas no papel com o pincel, porque eu não quero ser muito áspero em meus belos pincéis. Uma vez que a água se mova, então vou pegar um pincel sedento e limpar o que puder. Você pode ver que isso é o quanto eu posso levantar uma vez que está seco, você pode ver uma clara progressão de menos e menos tinta ser capaz de ser levantada. Se você também gostaria de ver, digamos que se você tem escova depurador, você pode fazer um segundo. Vamos fazer a mesma coisa e ter o mesmo efeito aqui. Apague e limpe, então vamos pegar um pincel de cerdas duro se você tiver um, e ver quanto mais conseguiremos. É sempre bom saber o que você pode obter com um pincel sendo gentil, ea diferença entre o que você pode obter com o pincel depurador, porque nem todos os papéis podem suportar um pincel depurador. Eu não estou sendo terrivelmente duro aqui, apenas fazendo pequenos círculos. Só quero pegar no meu belo pincel e apagá-lo de novo. Como você pode ver, eu tenho um pouco mais fora, mas isso pode nem sempre ser uma opção. Se você queria manter esses documentos como pequenos, você pode dizer que isso é com esfregar, e que um é sem, assim como os outros dois. É assim que você pode usar um pigmento lifting para talvez remover algum valor de áreas de sua pintura que ficaram um pouco escuras, ou adicionar novamente em alguns destaques. Para a terceira das técnicas de ajuste de valor, vamos trabalhar em camadas ou vidros. Isso funciona com tintas transparentes e opacas. Obviamente você tem um resultado diferente. Vamos usar o mesmo tom neutro aqui. Na verdade, vamos usar a mesma tonalidade para os três esmaltes aqui. Vamos começar fazendo um retângulo grande. Temos alguns na nossa superfície lá. Você vê, não é tão escuro. Como eu disse, eu não quero fazer um esboço completo e então apenas deixá-lo, então eu faço meu esboço e então rapidamente começar a mover em uma direção. Esta é a nossa camada 1. Agora vamos esperar até que isto seque, e então eu vou adicionar a camada 2 e depois a camada 3. Eu vou verificar como eu adicionar cada camada com você. Nossa primeira camada secou, e se parece mais leve para você, isso é porque é, aquarela seca mais leve Esta é na verdade uma das razões que as vidraças começam a entrar em jogo, porque você Coloque uma lavagem e uma vez que seca, você descobre que não estava escuro o suficiente. Agora vamos adicionar nossa segunda camada. Mais uma vez, vamos fazer uma força de tonalidade semelhante, então vamos começar a partir daqui, então apenas trabalhar nosso caminho para baixo. Você pode ver que eu tenho um pouco de umidade extra lá no fundo, então eu vou fazer aquela dica onde eu apenas inclino, e com um pincel sedento, eu vou apenas dar uma palmada, em seguida, borrar, esfregar e apenas puxar para cima um pouco de umidade extra. Agora vamos deixar isto secar e depois voltar para a nossa terceira camada. Nossa segunda camada secou, e vamos fazer nossa terceira e última camada. Você pode ver que estamos lentamente acumulando esse valor. Pegue minha tinta e adicione essa terceira camada. Cada uma dessas camadas ainda tem a mesma força de tingimento aproximadamente que a primeira camada, mas é apenas o fato de que você está empilhando-as, que permite que você acumule valor. Você pode usar isso como seu método primário ou apenas para corrigir talvez uma área que não tem profundidade de valor suficiente. Você pode ver, é assim que parece, parece muito sem peso, molhado. Deixe-me secá-lo bem rápido e eu voltarei e veremos depois. Você pode ver agora que todas as três camadas secaram e você vê uma clara progressão de obter um valor mais escuro. Como eu disse, cada camada foi feita com a mesma força de tingimento, e isso só permite que você tenha mais controle sobre como uma área é escura, adicionando mais e mais cada camada. Só leva mais tempo para colocar tudo em uma camada. Agora terminamos com nossas técnicas básicas de aquarela, desde lavagens até ajuste de valor, e você deve ter uma ótima base para iniciar seu projeto de aula. Usando essas técnicas de ajuste adicionais, você deve estar pronto para criar um intervalo de valor bem-sucedido. Na próxima lição, vamos usar essas técnicas para criar uma escala de valor com a cor escolhida. 10. Escalas de valor: Como os valores em uma pintura monocromática percorrem um longo caminho para criar a força em sua composição, é recomendável criar uma escala de valor para ver a cor da pintura dividida passo a passo. Nesta lição, criaremos uma escala de valor com a cor escolhida. Agora, as escalas de valor podem parecer diferentes dependendo de como você deseja usá-las para sua prática. Muitas guias de campo às vezes incluem uma escala monocromática de cinza preto e branco para colocá-la ao lado de algo para tentar descobrir onde está no intervalo. Mas você pode criar um você mesmo, seja... este é cinco quadrados e este é 14 quadrados, que é um pouco exagerado. A maioria deles são cerca de 10, porque isso é o que é usado na escala Munsell. Ele vai de um que é papel branco, e então o número 10 vai ser valor máximo. Para aquarela, para mim, valor máximo vai ser tão grosso quanto eu posso aplicar a tinta sem que ela se torne um revestimento em cima do papel. Você pode gostar desse olhar, que por todos os meios vá em frente e camada para cima. Mas eu acho que as características de reflexão da tinta mudam nesse ponto, torna-se fosco, chama a atenção às vezes de forma favorável, às vezes desfavorável, mas eu tento evitar isso. Eu vou para um valor máximo onde é o mais escuro que eu posso ir antes que comece a parecer que a tinta está sentada em cima do papel versus misturada com o papel. Você pode ver aqui, eu tenho o pedaço de papel que está preparado para a minha escala de valor. Eu tenho 10 quadrados aqui à esquerda, e depois os números apenas à direita para minha referência. Agora, há duas maneiras diferentes de fazer uma escala de valor. Bem, pode haver mais, mas eu os fiz de duas maneiras diferentes. Eu os fiz na versão que vou mostrar a vocês, que é eu começar com uma tonalidade clara, a tonalidade mais escura, e uma tonalidade média. Então eu trabalho entre os dois para que eu tenha uma sensação do que eu estou buscando em termos de valor para cada quadrado. Mas você também pode fazê-lo usando vidros. Assim como nosso exercício de vidros, você pode começar com o número 2 até 10. Agora vamos deixar o número 1 como papel branco, e fazer uma tonalidade clara aqui, deixá-la secar, e então continuar colocando essas tonalidades em camadas secas até chegar a uma tonalidade mais escura. O único problema que tive com isso no passado é às vezes não escureço suficientemente rápido. Não tenho como avaliar onde estou, a menos que esteja familiarizado com a cor que está experimentando. Experimente ambos, veja qual se adapta ao seu estilo. Mas vou fazer isso através do tom mais claro, escuro e meio. Eu só vou ter esse lapso de tempo, e você pode acompanhar, e eu apareço se eu tiver alguma coisa para anotar. Agora, eu vou assumir que tudo isso vai secar um pouco mais leve. Isso pode parecer que ele deve ser mais para baixo, mas eu provavelmente vou colocar outra camada em cima de 10 como eu encontrar o quão escuro ele seca. Você pode ver aqui eu estou usando a capacidade de elevação para sugar um pouco desta tinta e pigmento porque ele estava um pouco perto, embora este está um pouco seco, então este vai secar mais tarde. Mas estou me ajustando à medida que vou. Não estou particularmente à espera que cada um destes seque, estou a deixar um pouquinho de espaço em branco no meio. Tenho todos os quadrados preenchidos. Tentando voltar a estudar, pude ver uma parte da minha tinta de três sangrando em duas. Mas eu realmente quero levantar um pouco de dois de qualquer maneira. Vou molhar toda esta área. Eu não comecei provavelmente leve o suficiente. Agora, cada uma dessas etapas, se você estiver olhando para a escala Munsell, deve ter cerca de 10% da cor total. Agora, isso é difícil de medir. Eu tento fazer isso visualmente. Você pode ver que ele está lá por tanto tempo, não está realmente levantando muito bem, então eu vou tentar com minha escova lavadora aqui. Pode dar-nos um bom exemplo de adaptação. Agora, mais uma vez, isso está molhado, então vai secar um pouco mais tarde. Isso também é meio seco. Parece um pouco para frente e para trás. À medida que seca, vamos voltar a ele e, em seguida, avaliar onde precisamos adicionar ou subtrair valor. Agora, minha escala de valor, a primeira camada aqui está totalmente seca, e eu vou voltar e reavaliar o que precisa de valor, o que precisa de valor retirado, etc Eu posso dizer que eu tenho agrupamentos onde esses dois são semelhantes, e estes dois são semelhantes, mas há espaço entre estes para fazer algumas mudanças. Eu não quero ter um terrivelmente escuro - na verdade, eu vou deslizar isso para que você possa ver meu remo de mistura aqui. Você pode ver, não é uma tonalidade terrivelmente escura, é apenas o suficiente para adicionar um pouco de tom. Nós vamos passar por cima do escuro fora de cada um desses passos, e na verdade apenas adicionar um pouco a todos estes aqui embaixo também. Como eu disse, eu queria acrescentar. Vamos ver se posso acrescentar mais a este. Espero que não fique muito pastoso, que é o que eu quero evitar. Está tudo seco agora, e está muito perto de uma boa escala 1-10 aqui. Quando estiver concluído, continue reavaliando sua escala e tente usar algumas técnicas de ajuste para ajustar as etapas. Muito corrigindo embora, pode rapidamente enlamear a escala. É por isso que eu não vou voltar e tentar levantar mais daquela cor porque poderia ter ficado um pouco mais leve, mas é difícil dizer. Mas, obviamente, às vezes, é melhor ir mais devagar. Se você é novo em fazer escalas de valor, tente recriar a escala novamente agora que você tem alguma experiência com como as etapas devem parecer divididas. Ele está aqui para me dar uma idéia enquanto eu estou fazendo minha pintura de onde eu estou em termos de chegar perto desse valor máximo. Eu vou saber, se eu pegar nosso cartão de lavagem plana, isso é muito perto deste menor a médio alcance aqui. Eu tenho mais espaço para ir se eu precisar adicionar algumas escuras, mas eu espero que isso seja em uma área de sombra. Se esta não fosse uma área que deveria estar na sombra, eu definitivamente gostaria de levantar alguns ou tentar novamente se não for levantável. Esta é uma boa maneira de manter um olho sobre as coisas à medida que você progride com sua pintura. Agora que estamos prontos para pintar, vamos explorar o que vamos pintar na próxima lição. 11. Temas monocromáticos: Agora que estamos prontos para pintar, nosso próximo passo é criar nossa vida morta. Um bom lugar para começar é o que faz uma boa referência para isso. Vamos rever algumas características-chave das pinturas monocromáticas e retirar o que procurar. Como uma variação de cor não move uma pintura monocromática para a frente, precisamos ter certeza de que o interesse no assunto é baseado em outras características. As principais características das pinturas monocromáticas poderiam em vez disso, incluir temas com alto contraste. Então, um intervalo de valor que é usado de forma eficaz. Eles têm uma composição clara, o que não significa necessariamente realista ou altamente detalhada. Poderia ser abstrato, mas pelo menos que a intenção da composição é clara, e que você sabe onde o artista queria que você olhasse. Pintura monocromática também tendem a usar assuntos mais interessantes, então se esse é um propósito interessante de um objeto, a forma do objeto, a textura do assunto, ou apenas o padrão de luz que é vindo através da composição. Todos eles podem ser usados para mover sua composição para frente, em vez de depender da cor desses objetos. Ao mesmo tempo, isso não significa que você não pode escolher um objeto colorido para pintar com ou sem uma intenção subjacente de colocar essa cor vívida como uma declaração. Para tornar mais fácil começar a ver como as composições parecem em monocromático. Sugiro andar por aí com câmera do seu telefone ligada em preto e branco com um filtro. Ou se você quiser apenas tirar um monte de fotos com seu telefone ou uma câmera normal e, em seguida, editá-las para remover a cor e apenas ver o que chama sua atenção, o que funciona e o que não funciona. Você pode notar características compartilhadas que você gosta entre objetos. Por exemplo, adoro usar vidro, variações de textura e iluminação forte para muitos dos meus assuntos monocromáticos. Observe como alguns dos objetos coloridos em locais que parecem atraentes na cor podem parecer desempolgantes em preto e branco devido a intervalos de valor próximos. Agora desenvolvendo seu olho para uma grande vida morta monocromática que você gosta pode levar tempo. Sinta-se livre para experimentar alguns arranjos diferentes para o seu projeto de classe. Na próxima lição, vamos fazer uma caça ao tesouro para coletar seus itens favoritos que você encontrou e organizar essa vida morta. 12. Criando sua natureza morta: Agora é hora do nosso projeto de classe começar a tomar forma. Siga-me na pequena caça ao tesouro enquanto compro minha casa para objetos e locais favoritos. Vou lhe dar algumas dicas para ajudá-lo a encontrar objetos que falam com você dentro e ao redor de sua própria casa. Se olharmos para lugares diferentes que você gasta muito tempo, concentrando-se em lugares como sua entrada ou sua garagem podem ser assuntos realmente interessantes. Estes são lugares que você usa muito, então há definitivamente alguns objetos de vida interessantes aqui. A cozinha é sempre um favorito quando se trata de materiais ainda vivos. Frutas, legumes, talheres e outros itens de cozinha têm sido assuntos fundamentais da vida morta por séculos. O outro lugar que procuro materiais interessantes da vida morta é o meu estúdio, ou qualquer lugar onde o seu hobby ou trabalho é feito. Isso terá ferramentas que contam a história da criação, e se essas são ferramentas em uso ou ferramentas em repouso, essas sempre podem ser composições interessantes. Também fique atento a locais como peitoris, mesas, prateleiras de livros. configurações especialmente para naturezas-mortas são amplamente aceitas, significa uma mesa com uma toalha de mesa e configurada especialmente para uma vida morta, mas obviamente, parecem mais encenadas em formal. Veja o que funciona para você e seu material. Ao configurar a sua vida morta, reserve alguns momentos para visualizar como sua composição ficará dentro das dimensões da sua pintura. Começando com espaço negativo, há muito espaço negativo? Seu sujeito se sente perdido? Ou talvez não haja o suficiente? Há alguma tangente ruim? A iluminação precisa ser ajustada? Agora, isso pode significar que a iluminação real da cena precisa ser ajustada ou seus objetos precisam ser reorganizados para que os valores estejam alternando? Outra coisa para ter cuidado são apenas distrações não intencionais. Isso pode ser algo que está no seu quarto. Você realmente não percebe porque você está acostumado com isso ou pode ser algo na composição em si que você simplesmente não quer intencionalmente chamar sua atenção. Bem, espero que você tenha encontrado objetos e locais em sua casa que sejam equivalentes ao tesouro da vida morta, e você tenha algumas configurações promissoras para nosso próximo passo, que é criar uma composição usando algumas miniaturas e solução de problemas que configurar. Agora, se você é como eu e você não pode deixar sua vida morta por a duração do seu projeto de aula nas sessões de pintura, então eu gosto de tirar muitas fotos que você viu. Eu tenho algumas dicas para ajudá-lo se você também está naquele barco e precisa confiar em fotos de referência para obter todas as suas informações. Minha primeira dica é ter certeza de tirar muitas fotos de diferentes arranjos. Mesmo que você veja um arranjo e pense 100%, você vai usá-lo para sua configuração, ainda mover as coisas e tirar mais algumas fotos, pegá-lo de ângulos diferentes, mesmo que você não queira mover as coisas. Porque você vai ficar surpreso na próxima etapa quando você analisá-lo como um assunto de pintura, que às vezes as coisas não funcionam, você precisa mover as coisas visualmente e você vai precisar de informações extras sobre o seu assunto. A mesma premissa para a próxima dica é garantir que você agarra seu intervalo de valor completo. Como você está usando isso como uma referência de pintura, você tem o benefício de que você pode tirar algumas fotos que não mostram bem toda a imagem. O que quero dizer é que você pode tirar como uma imagem HDR que capturaria mais valores, ou você pode simplesmente tirar uma exposição mais baixa para capturar todos os seus destaques e a maior exposição para capturar todas as suas sombras. Em seguida, basta usar as informações que você precisa de cada uma dessas fotos para preencher seus dados. Outra nota é, enquanto os animais de estimação não são exatamente ainda vida, eles definitivamente podem adicionar alguma dimensão viva. Você só pode precisar ter pelo menos uma foto de referência antes que eles fiquem entediados e decidam que eles não querem mais estar em sua foto. Na mesma linha, certifique-se de pegar quaisquer fotos de detalhes, mais de perto para itens que você deseja exagerar ou focar , porque você ficaria surpreso na linha se você quiser enfatizar algo, você pode não têm mais acesso a esse objeto ou ele foi alterado. Digamos que você está usando frutas ou flores, eles tendem a começar a murchar ou olhar um pouco fora na próxima semana ou assim. Tire fotos extras, mais fotos de perto dos detalhes que você gostaria de incluir. Minha última dica é mais de uma preferência pessoal, e eu tiro todas as minhas fotos de referência em cores. Aprendi minha lição de anos passados que mesmo que eu esteja filmando para um projeto monocromático, eu ainda tiro tudo em cores porque você nunca sabe o que mais você pode aplicar essa inspiração, e você não quer ser deixou desejando que você atirou em cores em poucos anos. Diga, você quer fazer uma vida morta de óleo ou paleta de cores diferentes em aquarela. Eu sempre tiro em cores e, em seguida, apenas editar uma cópia da foto em monocromático para minha referência de valor. Agora, com todas essas dicas, você deve estar no seu caminho para suas fotos de referência ou sua vida morta pessoalmente, e passar para o próximo passo, que é desenhar com miniaturas e solucionar problemas de sua composição. 13. Fazendo um esboço da sua composição: [ MÚSICA] Tudo bem, neste momento você tem alguns objetos, talvez um local, ou um monte de coisas que você quer experimentar para o tamanho. Nesta lição, vamos usar miniaturas para criar um arranjo de seus objetos em seu ambiente e criar uma composição que fique bem em monocromático. Esta lição pode ser feita tanto esboçando de sua vida morta enquanto está na sua frente ou usando uma foto de referência para trabalhar através de sua composição com as miniaturas, Eu vou estar mostrando ambos os processos no meu caderno de esboços. Se você precisar de mais informações sobre como tirar fotos de referência, volte para a lição anterior para revisar. Ao fazer suas miniaturas com sua vida morta na frente de você, eu acho que eu gosto de trabalhar com talvez algumas miniaturas maiores. Isso me dá mais espaço para pensar em torno do assunto e ter a capacidade de se mover fisicamente ao redor do assunto me dá a oportunidade de realmente explorar algumas perspectivas diferentes. Quando eu estou fazendo as miniaturas aqui, eu estou mantendo-o muito solto no início, em seguida, apertando como eu encontrar se eu gosto do que eu desenhei ou reformatando isso, apagando, recolocando. Apenas vendo se a perspectiva está funcionando, se a sala ao redor da situação está funcionando, e se o olho do espectador está interessado ou não, se as coisas parecem estranhas, você pode retirá-la, movê-la e ter essa natureza-morta na sua frente também permite que você mova fisicamente esses objetos também. Além disso, não tenha medo de ir por uma estrada e dizer que não está funcionando. Você pode ver a miniatura superior lá eu apenas abandonou porque ele simplesmente não estava funcionando. Este de baixo aqui, eu decidi cortar em. Isso é sempre uma opção. [ MÚSICA] Eu tenho aqui é minha foto de referência favorita da sessão de fotos que eu fiz configurando minha vida morta, experimentando diferentes perspectivas. Acho que este vai ser ótimo, porque não tem muita coisa acontecendo. Eu decidi em um sem as flores porque era apenas muito detalhe quando estamos tentando apenas focar em valores, estas são as miniaturas que eu vim acima com para resolver alguns problemas e eu vou apenas rever rapidamente o que eu tenho descobriu, o que eu mudei e me movia e o que eu decidi fazer. Você pode ver aqui eu tinha começado a pensar em cortar, originalmente eu queria cortar isso e cortar a borda dessas uvas para que não fosse apenas perto da borda, seria realmente fora da borda. Acabei decidindo que parecia melhor ter este interessante espaço negativo em torno dele contra ser cortado. O restante dos meus esboços incluiu que o espaço em torno das uvas porque eu só pensei que este é apenas grande, grande contraste que eles vão aparecer muito agradável em monocromático. Agora, as outras coisas que eu estava procurando, coisas como tangentes ruins. Há alguns. O caule aqui se cruza com o peitoril da janela, a garrafa e o copo se cruzam, e o nível do vinho ainda na garrafa e no topo do copo ou no mesmo nível. Todas essas coisas que eu brinquei com ajustes diferentes. Movendo o caule após o peitoril da janela, movendo a garrafa de vinho ou o copo na frente um do outro. A razão pela qual eu escolhi para mover o vidro na frente da garrafa e não vice-versa é que esta linha reta da garrafa estar na frente não é tão interessante como esta linha curva. Isso fará uma justaposição mais interessante de formas e valores que irão aparecer como mais atraente em monocromático. Então a última coisa que eu mudei foi que eu acabei desfocando esse fundo um pouco mais porque toda vez que eu tentava atraí-lo, eu apenas descobri que estava me atraindo. Este peitoril está um pouco na sombra, então estava desenhando meu olho e não desenhando e trazendo de volta na composição. Na verdade, tira-te da composição. Eu pensei que se eu acabar colocando no fundo mais molhado e molhado, isso vai fazer um padrão mais atmosférico de sombras atrás dele. Então eu tentei este último esboço aqui, excluindo, não colocando na garrafa de vinho em tudo e eu apenas senti que parecia realmente vazio e estranho, eu decidi que isso simplesmente não era algo que eu queria perseguir. Nem sequer coloquei os meus valores neste esboço. Eu apenas o nixed assim que eu soube que não era uma direção que eu queria seguir. O resto deles você pode ver que eu fiz um esboço em meus valores e eu estou trabalhando naquela justaposição, aquela vacilação entre a luz e a escuridão. Você pode ver que é assim que eu uso miniaturas para apenas pensar visualmente sobre elas. Eu desenho-os Isto está num pedaço de papel aquarela. Este é realmente o caderno de esboços que eu uso na minha outra classe Skillshare, Resolução de Problemas em seu Sketchbook, porque é Kilimanjaro do Cheap Joe's, porque ele tem algum papel de esboço entre as páginas. Eu posso trabalhar fora notas e meus pensamentos, mas este papel é bom porque eu realmente não o considero precioso e eu posso apenas usar lápis se eu estou sentindo como ele ou se eu quero passar por e fazer alguns estudos em aquarela. Este é um que eu fiz anteriormente, mas diferente natureza-morta. Eu posso, então, na mesma página, entrar e entrar nisso. Eu não preciso ter duas ou quatro páginas flutuando por aí. Você pode ver aqui este é o mesmo processo. Isso estava funcionando a partir de uma foto de referência e eu movi as coisas ao redor, certifiquei-me de alinhar as coisas aqui, as garrafas no centro que não pareciam boas, então acabei de modo que ambos os objetos estavam em uma terceira linha, et cetera, e trabalhou nos detalhes, certificando-se de que o contraste era mais alto onde você queria se concentrar. Vamos continuar a trabalhar neste aqui. Eu tenho agora esta foto com este corte semelhante aqui em preto e branco. Como eu não tenho a foto com a garrafa, eu vou assumir, mover isso por aí porque eu quero mover a garrafa para cima. Você pode ver que este é o meu em escala. É cerca de cinco por sete, foto. Então a outra decisão que preciso tomar neste momento é, estou feliz com a minha escolha de cor? Fiz todos os meus exercícios na tonalidade neutra do Daniel Smith. Estou pensando que isso é um pouco legal demais de uma cor para o design que eu escolhi. Eu reavaliei as cores que eu tenho disponível para mim. Eu queria uma cor mais quente e acabei escolhendo este umber cru. Este é um tom muito mais quente, você pode ver do escuro à luz aqui, eu acho que este será um bom sol iluminado, talvez antiquado um pouco de cor. Em resposta a isso, eu também fiz uma nova escala de valor, esta com apenas cinco passos, e para lhe dar alguma variedade, esta foi feita no método de vidros. Parece um pouco mais limpo. Eu também estou muito mais familiarizado com esta cor do que fazer a escala de valor neutro matiz você pode ver que saiu muito mais limpo. Estou mais familiarizado com onde esses passos se quebram e o quão grosso eu gostaria que isso fosse. Esta será a cor em que vou pintar a minha pintura. Vou passar para o próximo passo. Obtenha sua composição escolhida rastreada para fora na superfície de pintura desejada e eu vou vê-lo no próximo vídeo. Eu definitivamente sinto que as miniaturas são uma ótima ferramenta para trabalhar através de idéias de composição. Se você tem um ou um par de favoritos, Eu realmente encorajo você a postar alguns para o seu projeto na galeria. Eu adoraria ver como vocês estão trabalhando em seus problemas ou idéias e realmente tendo algumas novas perspectivas sobre o que sua vida morta pode ser. Se estiver tendo problemas. Eu recomendo postar algumas fotos e seus pensamentos no momento no fórum de discussão abaixo e entraremos em contato com você com algumas idéias, algumas perspectivas diferentes. Quer seja de mim mesmo ou talvez alguns outros alunos saltem com seus próprios pontos de vista. Uma vez que você tenha uma composição com a qual deseja seguir em frente, vamos pular para a próxima lição. Vamos começar a nossa primeira camada de tinta com os valores mais leves. [MUSIC] 14. Pintura: valores claros: Na primeira de nossas lições de demonstração, vamos fazer valores leves. Nesta lição, vamos nos concentrar em colocar talvez algumas lavagens leves e apenas começando a delinear onde nossos objetos estão. Outra boa maneira de olhar para isso é basicamente apenas reservar os destaques e começar a denotar o que tem qualquer cor. Em seguida, vamos adicionar uma camada extra para apenas começar a construir esses valores e separar as coisas um pouco. Para os valores mais leves, a primeira coisa que você quer ter certeza de prestar atenção é o quão diluída sua lavagem está. Você pode ver que eu adicionei muita água para fazer uma boa lavagem leve. Então esta primeira camada, como mencionei, estamos apenas reservando os destaques. Eu estou planejando cobrir a maior parte desta área com tinta, mas para fazer isso e não obter bordas duras como parte desta poça começa a secar, eu estou trabalhando de um canto, para baixo para o outro, movendo-se ao redor para tentar manter todos os estas bordas ativo ou molhado. Você pode ver que eu estou adicionando talvez até apenas água limpa para manter o papel úmido, e depois voltar com mais pigmento mais tarde. Só estou tentando ter cuidado para que eu não pinte sobre qualquer área que eu queira ficar completamente branca. É sobre isso que se trata esta camada. Outra coisa a mencionar é que sua camada não precisa ser um tom uniforme em toda a placa. Você pode ver que acrescenta interesses visuais para obter áreas que têm essa qualidade mais fluida pela qual a aquarela é conhecida, e que, mesmo debaixo de todas as camadas extras que vamos adicionar, vai apenas criar algum interesse. Você pode ver que agora está seco e eu vou entrar com a segunda camada. Aqui é onde eu vou começar a analisar quais áreas têm mais valor, mais volume, e começar a trabalhar com mais destes ou molhado em molhado para criar uma borda macia ou misturando fora. Uma vez que esta camada não é inteiramente ou principalmente cobrindo a superfície da pintura, eu sou capaz de controlar melhor onde eu estou colocando para baixo tinta, minhas bordas molhadas. Eu sou capaz de abordar cada seção enquanto eu vou junto. Eu não tenho que abordar uma grande seção per se nesta camada. Há áreas que serão maiores do que outras, mas vocês podem ver que estou focando em áreas controláveis. Uma boa maneira de ter certeza de que você não adicionar muito detalhes muito cedo é olhar seus olhos para sua foto de referência ou para sua vida morta e tentar julgar nesta fase “É tudo o que eu estou olhando para um valor abaixo disso, um valor acima disso?” e agora você pode generalizar áreas e se a maioria dos detalhes entre objetos acontecer em um estágio mais escuro, então não há necessidade de diferenciar esses detalhes agora. Você pode ver aqui para encenar que molhado em efeito molhado, Eu queria fazer o fundo para mantê-lo não focado. Eu adicionei água limpa e, em seguida, eu estou adicionando em pigmento que irá fluir para a água limpa para criar algumas bordas suaves agradáveis e dar-lhe um efeito atmosférico desfocado. Lembre-se, você sempre pode inclinar o papel e absorver qualquer pigmento extra com uma escova sedenta. Deixei esta primeira lição de camadas secar. Esta lição foi principalmente para bloquear em nossas luzes. A primeira camada que coloquei foi provavelmente entre um e dois, principalmente apenas reservando meus destaques. A camada seguinte era mais entre dois e três, e isso era para começar a bloquear de alguma forma. Às vezes, é um pouco difícil pensar para trás assim. Você pode trabalhar do jeito que quiser, mas isso é, às vezes encontrei uma maneira fácil de manter um olho no seu valor de trabalhar da luz para o escuro. Vamos passar e ajustar as coisas à medida que avançarmos. Não se preocupe em colocar tudo na camada que você deveria colocar. Na próxima camada, porém, vamos começar a trabalhar nessas formas e sombras um pouco mais, e vamos entrar em tons médios. Certo, então colocamos nossa lavagem mais leve. Você viu que primeira camada foi basicamente apenas reservando nossos destaques, e então a camada em cima disso, os primeiros passos para construir valor naquelas áreas que têm, não branco. Na próxima lição, vamos dar um passo adiante. Vamos começar a construir nossos tons médios, adicionando camadas, e começando a construir a forma de todos esses objetos separando a frente da parte traseira, sombra e luz, e trabalhando através da maior parte dessa faixa de valor. 15. Pintura: valores meio-tom: Nesta lição, estamos trabalhando na seção de tom médio. Esta é a seção principal do intervalo de valores. Nós realmente começamos a obter todas as suas informações, e isso realmente não sela o negócio completo da maneira que o contraste faz, mas estamos pegando essa primeira seção de camadas, as lavagens de luz, e adicionando de forma mais, valor e delineamento. Nós realmente vamos começar a ter um sentido para a nossa vida morta. Este também é um ótimo estágio que você tem uma sensação se algo está funcionando, ou não está funcionando. Então, se você vir algo, faça uma mudança ou talvez volte para a primeira lição, e reinicie com uma composição diferente. Esta é uma ótima seção para manter os olhos abertos e olhar para fora para quaisquer problemas potenciais. Então esta lição, vamos começar a entrar nessa forma e na sombra com um pouco mais de detalhes e mais escuridão, então vamos trabalhar em nossos tons médios. Isso vai ser aqui nas minhas pequenas escalas de valor de cinco peças, vai ser entre três e quatro. Se você está trabalhando com uma escala de valor de dez passos, isso provavelmente é em torno de cinco, seis, talvez chegando em sete também. Este é o tempo na pintura onde as coisas vão começar a parecer objetos. Esta é uma pintura muito lavada. Nós vamos começar a definir, não realmente entrar nesses detalhes nítidos ainda porque geralmente esses são feitos com esse contraste profundo. Isso será algo em que entraremos na última lição, criando contrastes. Nós vamos começar, e eu provavelmente vou começar com meu fundo primeiro com uma boa lavagem molhada e branca para manter o foco suave que eu estava falando nas minhas miniaturas. Você pode ver, como eu tinha planejado, eu estou começando com aquela lavagem de fundo, muito como eu fiz no outro vídeo, exceto que desta vez eu estou molhando toda a área do fundo versus apenas onde a tinta vai fluir para dentro. Eu estou colocando para baixo uma camada de água limpa, e eu estou trabalhando com agora uma lavagem um pouco mais escura para começar na extrema esquerda lá e trazê-lo para a direita. Eu vou deixá-lo apenas vaguear embora e criar esses bons efeitos de resolução de pigmentos. Então outra coisa que eu quero fazer diferente é eu vou adicionar mais pigmento a esse canto e começar a bloquear a sugestão da moldura da janela e apenas deixar tudo fluir e tornar-se muito atmosférico. Enquanto estiver molhado, você também pode simplesmente soltar pigmento extra para enfatizar essa descida na sombra. Estou me certificando de secar este pedaço entre essas grandes áreas porque o que eu não quero é que a próxima área sangre para isso. Nesta camada, vou começar a adicionar o volume à minha área principal, que é a tigela de uvas em vez de começar com o copo e a garrafa. Eu vou passar a maior parte do tempo nesta área criando essas formas, tentando obter as sombras e aquela luz refletida que é tão proeminente tanto na tigela fora da mesa quanto nas próprias uvas. Às vezes, quando você está lidando com um assunto complicado como este onde há um monte de diferentes formas de cruzamento acontecendo, é útil trabalhar com as formas mais básicas, esta é a tigela, e apenas tirar isso do caminho, e, em seguida, mergulhar no mais complexo. Basta dar o próximo passo mais fácil e trabalhar o seu caminho para essa área complicada. Você pode ver aqui a maneira como eu estou me aproximando das uvas e eu estou adicionando na sombra e, em seguida, colocando água limpa ao lado dela para permitir que um pouco desse pigmento flua ao redor. Parece que flui em torno da forma da uva. Você tem um senso para essa iluminação e a luz que está passando, mas áreas ainda estão fora de seu alcance. Você pode ver como eu estou trabalhando, eu também estou tomando cuidado para apagar talvez áreas onde a tinta fluiu muito. Agora, eu posso regular o meu valor à medida que ele muda através da superfície das uvas e te dá ilusão de uma superfície convexa. Você também vai ver que eu vou saltar para frente e para trás entre diferentes áreas como a tinta seca e eu vejo se eu quero adicionar ou ajustar. Sei que posso voltar a essas áreas no próximo passo também, mas é sempre bom se você vê que você não gosta como algumas coisas saem para ajustá-lo à medida que ele aparece. Nestes grupos mais leves, eu tenho que ser muito cuidadoso para que eu não adicionar em muito ou deixá-lo ir muito longe para a direita, porque manter aqueles destaques realmente vibrantes no lado direito das uvas onde a luz é marcante muito brilhantemente vai criar a atração principal para esta peça, para esta composição. Estou me certificando de prestar atenção extra nelas. Você pode ver aqui, eu estou começando a adicionar em alguns do valor para os ramos para começar a fazer sentido visual da composição. Isso tende a tornar mais fácil para o seu cérebro analisar os outros assuntos. Movendo-se para os objetos de apoio, que será o nosso copo de vinho e a garrafa de vinho. Estou começando com algumas formas nítidas no valor que é apropriado para esta camada, então em minhas cinco escalas, em torno de três. Se você está trabalhando em uma escala de dez, seria cerca de cinco, seis. Você vai ver que não vai ser tão detalhado quanto as uvas. Eu vou até trabalhar para diminuir alguns dos detalhes à medida que ele entra, então eu vou adicioná-lo e tirá-lo; adicionar um pouco mais dentro e tirar um pouco mais para encontrar o equilíbrio perfeito de definição e mantê-lo não o assunto principal. Você pode ver aqui porque a sombra sob as uvas é também outro elemento importante desta composição que eu preenchi a maior parte da sombra com tinta, mas aquela pequena seção sob a uva, Na verdade, eu preencho com água e deixo a tinta rolar, só porque em muitas dessas áreas, há muita luz refletida por aí, é por isso que usar água limpa para misturar e criar bordas suaves é tão eficaz. Estou secando isso novamente porque quero trabalhar nesses destaques, como você pode ver em pequenos momentos aqui. Estou colocando água e, em seguida, levantando alguns destaques que eu perdi na tigela. Então nós terminamos as sessões sobre fazer tons médios. Como você pode ver olhando para mim, que eu estava começando com o foco real da pintura. Desta vez, passei a maior parte do tempo certificando-se de que as uvas estavam devidamente sombreadas e criando forma. Ainda não terminei, obviamente, temos mais uma lição. Estou adicionando alguns desses detalhes mais profundos, mas você pode ver, eles têm os interesses mais delicados. Passei muito menos tempo caindo no fundo, fazendo o copo, fazendo a garrafa. Você pode ver, eu definitivamente estou me aproveitando de onde a aquarela quer apenas fazer sua coisa. Então, seja uma flor ou onde flui para frente e para trás, definitivamente dá um pouco mais de textura e dá uma característica a esses objetos que são cerâmicos, que é vidro, líquido. Você quer que essa característica fluida apareça, então, na verdade, apenas torna sua pintura mais interessante. Você também pode ver onde talvez, a aquarela fluiu muito e eu ou apagou com meu pincel, um pincel sedento, ou com uma toalha de papel. Este que você pode ver é bastante usado, mas é extremamente macio e absorvente, então eu só usei isso para soprar pequenos destaques, especialmente, aqui em baixo. É aqui que a maioria dos meus interesses está. Quero prestar atenção onde há luz refletida. Esta sombra aqui é mais clara aqui porque também está refletindo a leveza da luz que vem através da uva, e então a uva também tem um destaque refletido da mesa. É capturar esses pequenos detalhes que lhe dão aquele toque extra especial. Na próxima lição, vamos passar por adicionar a ênfase extra no contraste em detalhes. Agora temos os nossos tons médios. Você deveria ter um senso para sua composição agora, ter certeza de que tudo está funcionando. Ainda não vai parecer bem terminado porque é isso que a próxima lição vai realmente lhe dar esse contraste. Muitas pessoas acham que seus quadros não estão funcionando; às vezes, é só porque eles estão presos nesta fase. É a próxima etapa que realmente vai empurrar sua pintura agarrar o olho do espectador, então vamos passar para essa. 16. Pintura: valores escuros e alcançando o contraste: Chegamos à final dos vídeos do projeto. Estamos fazendo contrastes e retoques finais em sua pintura. Esta é, eu acho, uma das etapas mais excitantes de fazer uma pintura. É preciso muito trabalho para chegar lá, às vezes é por isso que é tão bom quando você faz isso. Nesta lição, vamos adicionar nossas camadas escuras finais. Também vamos revisitar todas as áreas que pareçam ser o valor errado. Quer estejamos levantando pigmentos ou adicionando algumas camadas extras, essas podem não ser as camadas mais escuras. Apenas para criar um intervalo de valor completo, nós vamos estar olhando para tudo isso em fazer os ajustes finais. Porque esta lição é sobre criar os tipos certos de contraste e fazer a composição funcionar como um todo. Como você pode ver, este último os tons médios foram 3 e 4. Vamos trabalhar nesse intervalo de quatro a cinco dependendo de onde estamos trabalhando. Aqui em baixo, vamos precisar chegar a esse alcance de cinco. Ou se você estiver trabalhando com o passo 10, esse intervalo de nove e 10 versus certas áreas onde não são o meu foco ou são apenas mais leves em valor. Vamos chegar ao próximo passo do que está lá atualmente. Você pode ver aqui, eu estou focando mais em apenas adicionar os elementos mais escuros desta composição. É divertido adicionar contraste extra, mas eu quero ter certeza de que algumas dessas áreas permaneçam nessas faixas de valor mais leves. Não estou adicionando muito às uvas. Estou focando nas sombras, estou focando nos elementos que são naturalmente mais escuros como o lado desta tigela aqui. Vou ter cuidado para preservar essas tonalidades mais altas, então veja aqui usando água limpa para misturar naquela lavagem de tinta mais escura para preservar toda essa luz refletida que está acontecendo. Então aqui, certificando-se de que eu lentamente trabalhar para criar a ilusão desta uva refletida na tigela. Pode levar algumas camadas de finalizar isso, borrar, adicionar mais camadas. Uma das razões pelas quais eu também escolhi o umber cru é porque é um pigmento mais facilmente levantável. Você vai ver aqui que eu sou capaz de remolhar áreas, levantar, adicionar mais, levantar mais, e agora eu posso alcançar essa camada delicada de todas essas fontes refletidas de luz. Também tomei a decisão de colocar a uva de volta na tigela. Simplesmente não estava funcionando. É apenas uma decisão que você pode jogar como vai, como você vai junto. Adicionando mais desses escuros extras à borda das hastes apenas para fazê-los se destacar um pouco mais porque eles são significativamente mais escuros do que o valor das uvas. Você pode ver que eu estou começando sobre os elementos de fundo agora. Passei a maior parte do meu tempo nos elementos de primeiro plano, que é aquela tigela de uvas. Agora eu posso observar lentamente enquanto eu adiciono camadas a esses elementos de fundo e eu posso parar quando eu acho que a composição alcançou qualquer olhar que eu estou procurando, essencialmente. Às vezes você não sabe até ver. Mas aqui eu estou adicionando apenas o valor para fazer os valores parecerem corretos porque você quer ter certeza de que você recebe isso. Sobre o que eu vou estar fazendo é desfocar algumas das crispness dessas camadas porque eu quero que os valores sejam corretos, mas eu não quero que os detalhes sejam tão proeminentes quanto essa camada de primeiro plano. Às vezes, quando você trabalha em áreas, você acaba com esses limites brancos. Só estou me livrando de alguns deles porque nem sempre são aparentes. Às vezes eles são muito bons para acentuar seus destaques e eles adicionam um elemento estilizado agradável à aquarela. Mas eu não os queria em todos os lugares, então me livrei de alguns deles. Veja, estou pegando água limpa e desfocando. Amaciando essas linhas para que não sejam tão nítidas. Neste ponto, eu estou apenas adicionando algumas escuras extras no fundo para empurrar isso para trás um pouco mais. Então eu vou apenas picar em áreas que eu acho que exigem mais definição, separar objetos, essa coisa, e terminar. É importante não adicionar muito escuro enquanto você está picando e apenas se empolgando porque é o contraste que é importante. Terminamos a lição de adicionar contraste e adicionar nossos escuros mais escuros. Você pode ver que eu cheguei a essa escala de valor número 5 se você estiver usando a escala 10. Seria o seu décimo valor. Tudo o que resta é eu assinar. Normalmente, eu não assino minhas pinturas até que eu saiba se eles vão ser emaranhados ou etc Mas como este é um exercício, eu vou apenas assiná-lo neste canto inferior. Enquanto isso seca, falaremos sobre algumas das mudanças que posso ter feito na última lição. Qualquer um dos detalhes que eu tinha adicionado e linhas afiadas e esses dois objetos, eu fuzzed fora um pouco, apenas tomando um pouco água e, em seguida, blotting um pouco e, em seguida, talvez adicionando algum valor de volta enquanto estava molhado para apenas manter o valor, mas perder a nitidez. A outra coisa que fiz foi colocar a uva de volta na tigela. Como podem ver na minha fotografia de referência, não está pendurada fora da tigela. Eu tomei essa decisão de design para aumentar o interesse, mas achei que parecia estranho, então eu a mudei de volta. Fora isso, acabei de usar esta lição para adicionar aquelas áreas de contraste e valor super profundos. Apenas continue puxando para trás. Então eu estou apenas inclinado para trás da minha mesa. Continue olhando para trás ou tire uma foto e olhe para a foto apenas para ver onde ela está faltando. Uma boa maneira de saber se você não tem contraste de valor suficiente é olhar para uma área e você não pode dizer o que está acontecendo. Isto é especialmente útil se você tem esta área aqui com as uvas onde elas são todas o mesmo valor médio. Mas se você não pode dizer se está recuando ou vindo em sua direção, significa que você precisa fazer alguma diferenciação. Mesmo entre estes dois de valor leve, você pode ver que esta uva está na frente desta uva porque há uma borda escura da outra por trás dela. Retoque sua última camada aqui e passaremos para a próxima lição. Parabéns. Terminamos de adicionar contraste. Se você é como eu, eu sempre fico surpreso quanto uma pintura muda neste último passo. O que fizemos foi olhar para a composição como um todo. Certifique-se de que está funcionando, certificando-se de que nosso intervalo de valor está movendo o olho do espectador através da composição e direcionando-o para sua área de foco. Nós também nos certificamos de que se precisarmos adicionar ou subtrair qualquer pigmento nas áreas que possam estar distraindo ou não recebendo atenção suficiente que nós cuidamos deles também. Mas agora que a sua pintura está pronta, 1, certifique-se de postá-lo na galeria do projeto porque eu adoraria vê-los e 2, bem, se você está se perguntando o que fazer com sua pintura agora, além disso, emoldurá-lo e admirá-lo, eu ter algumas lições bônus para você chegando depois desta lição. Sinta-se livre para saltar para aqueles e você pode ver alguns pequenos truques para usar sua pintura depois disso. 17. Bônus um: manipulação digital: Os benefícios do monocromático não tem que terminar quando você está pintando está seco. Nesta lição bônus, darei uma prévia de como você pode manipular digitalmente seu trabalho monocromático para obter valor agregado. Nesta lição, eu vou apenas rever uma pequena visualização de como você pode usar um software como o Photoshop para aprofundar o que você pode fazer com a pintura final. Aqui você pode ver, eu digitalizei e limpei minha pintura e este é o arquivo no Photoshop, e você pode ver que eu tenho isso no espaço de cores CMYK. Isso é porque se eu quiser enviar isso para uma gráfica, já está em um espaço de cores que a maioria das casas de impressão pediria. Você sempre pode exportá-lo como RGB, bem na estrada. Agora, vou trabalhar no que o Photoshop chama de camadas de ajuste. Esta é a janela aqui. Se ele não aparecer em seu layout específico, vá até o painel da janela e selecione os ajustes. Obviamente eu desliguei-o. Ajustes. Vou trabalhar primeiro para corrigir a cor que isto digitalizou. Se eu estiver corrigindo, eu vou apenas mantê-lo com esses controles deslizantes e eu preciso movê-lo para a direita para torná-lo menos quente e aumentar a saturação. Ao mesmo tempo, estou olhando para a minha pintura real e vendo onde ela parece mais precisa. Eu digo que isso parece muito bom para o umber cru que eu tenho aqui. Eu também quero apenas corrigir um pouco dessa falta de contraste que ele digitalizou, o que acontece. Eu digo, isso parece muito perto do que estou vendo na minha frente. Vou rotular estes originais. Se você quiser, você pode rotular esse umber cru, mas nós vamos chamá-lo de original e depois voltar para o painel de ajustes. Vou adicionar outra saturação de matiz. Quero ver como seria se eu tivesse feito isso no cinza de Payne. Em vez de começar aqui e você vê indo para a direita e é tudo relativo ao que eu tinha começado com eu vou clicar em “Colorizar” e então dessa forma, onde quer que meu controle deslizante esteja, essa é a cor ou os dados que ele vai mostrar. Quero que seja um azul dessaturado. Eu realmente não quero mexer com a leveza porque isso faz isso em toda a linha. Vou deixar isso em paz. Em vez disso, porque você vê isso achatado um pouco, eu vou adicionar outra camada e apenas trazer este controle deslizante inferior para que ele pareça corretamente contrastado novamente. Desta vez vou rotular que Payne é cinza. Então a mesma coisa, isso é valor sombrio agregado. É assim que ficaria com o cinzento do Payne, o cinzento do Payne, o cinzento do Payne. Você pode continuar fazendo isso e adicionando diferentes cores se você quiser oferecer uma impressão de várias maneiras de cores, ou se você estava fazendo isso, como vamos entrar na próxima lição, para mais imagens de estoque para ser capaz de oferecer diferentes opções dentro de um pacote. Você poderia usar isso para uma variedade de propósitos. Começando a ver as possibilidades com a manipulação digital? Na próxima lição bônus, vou expandir isso mostrando como aplicar ainda mais seu trabalho monocromático. 18. Bônus dois: aplicações: Nesta segunda lição bônus, vou tocar em algumas outras aplicações para o seu trabalho monocromático. Quando se trata de pensar sobre o que você pode fazer com seu trabalho monocromático, a primeira coisa que sempre vem à mente é enquadrá-lo e usá-lo como apenas arte original, que é sempre uma ótima opção e você até tem alguma oportunidade de brincar com isso também. Se você optar por enquadrá-lo tradicionalmente com um tapete para uma área de superfície retangular, você terá um visual de pintura clássico agradável. Então, se você optar por flutuar quadro sua pintura em aquarela monocromática e mostrar talvez algumas bordas de deck, você obtém um esboço mais lápis, fora do manguito, ou olhar antigo estudioso para sua pintura, que pode adicionar um certo elemento de estilo estético. A próxima coisa que entra no que muitos artistas entram naturalmente é que são impressões digitais. Então, se você está apenas fazendo impressões do original como está, ou usando a lição de bônus anterior para manipular digitalmente essa tonalidade e oferecer várias maneiras de cores. Há muitas opções que você pode escolher, se você está imprimindo como está, ou talvez impressão e embelezamento manual com alguns detalhes metálicos ou complementares. Há muitas oportunidades lá. Então a última seção é um enorme elemento de possibilidade, e isso é licenciamento. Se você entrar em licenciamento com seu trabalho monocromático, há muitas oportunidades, seja você apenas licenciar uma pintura como produtos de papel e papel, ou entrar em mais alguns produtos 3D. Talvez até oferecendo vinhetas de trabalho monocromático. É um pouco mais fácil de aplicar e assim que poderia ser usado para logotipos, ou o aplicativo que eu sempre penso, quando eu penso em pintura monocromática é em garrafas de vinho. Eu sempre acho que eles têm rótulos tão elegantes e eles simplesmente realmente parecem realmente muito atraente nesse estilo. A outra coisa que você pode entrar, além de mais produtos de papel como calendários, imagens de desktop, etc. Também está entrando em imagens de estoque. Assim, os designers gráficos podem estar procurando algo que é muito simples que eles podem aplicar a uma ampla gama de usos. Quer se trate de convites, para casamentos, chás de bebê, ou para materiais de marketing. Se você é capaz de oferecer-lhes um motivo muito simples e amplamente utilizável, talvez de diferentes maneiras de cores, se você é capaz de manipular digitalmente isso, você será uma boa primeira escolha para eles, e para distribuir ainda mais o seu trabalho. Há tantas possibilidades para aplicar sua nova prática de pintura. Eu definitivamente adoraria saber como você planeja compartilhar seu novo trabalho. Adicione quaisquer pensamentos ao seu projeto na galeria. 19. Conclusão: Parabéns por terminar a aula. Nas lições, começamos com seus materiais atuais e mergulhamos profundamente em explorar a cor como um fator autônomo. Então, depois de escolher nossa cor favorita, juntamos um arranjo de vida morta para que pudéssemos criar uma obra-prima monocromática. Depois de tudo que cobrimos, espero que agora partilhe o meu amor pela pintura monocromática. Dos materiais mínimos à estética clássica, há realmente um valor discreto para o processo. Agora, não se esqueça de compartilhar seu progresso e projeto na galeria para todos nós admirarmos. Por favor, publique quaisquer perguntas ao longo do caminho no fórum de discussão abaixo. Agora, se você estiver no Instagram, sinta-se à vontade para marcar seu projeto com #valueofmonochrome que eu possa vê-lo e compartilhar seu sucesso em minhas histórias. Agora, antes de encerrarmos, considere deixar uma avaliação para a turma e siga meu perfil se quiser notificações sobre ofertas futuras ou atualizações aqui no Skillshare. Obrigado mais uma vez. Te vejo na próxima vez.