O que cada artista deve saber: aprenda os fundamentos da arte, encontrando seu estilo, lucro e muito mais

1. Trailer: Como não existe nenhum guia oficial, ser um artista pode se sentir como mexer no escuro, inseguro do que fazer a seguir, ou mesmo se o progresso está sendo feito. Estou aqui para te dizer que não tem de ser assim. Na verdade, eu fiz esta aula para iluminar o caminho da jornada criativa e para elevar seu conhecimento e habilidades. Oi, meu nome é Hismena. Sou uma aquarela autodidata, tinta e outro artista de mídia mista. Você pode me conhecer de várias outras aulas de Skillshare. Esta aula é um pouco diferente. Em vez de ensinar uma determinada técnica ou como usar um meio, vamos mergulhar nos princípios fundamentais que são necessários para que uma base forte seja um ilustrador de sucesso. Esta aula é composta de todas as coisas que todos os artistas novos ou experientes devem estar cientes. Essencialmente, estas são as coisas que eu gostaria de saber anos atrás. Vou entrar em detalhes em toneladas de tópicos de princípios de design super importantes, exercícios de desenho, como encontrar a mídia certa para você, e até mesmo descobrir seu estilo e nicho pessoal. Também abordaremos coisas para as quais você provavelmente tem perguntas, como usar referências, construir seu público e marca, e como rentabilizar sua arte para que você possa fazer uma carreira com isso. Até te dou conselhos sobre coisas como ciúme artístico e bloqueio artístico. Seja você um amador ou um profissional, esta aula irá ajudá-lo a fazer as perguntas certas e descobrir o que você precisa fazer em sua jornada criativa. Ele também lhe dará toneladas de idéias e espero inspirá-lo a crescer e praticar seu ofício. O que você está esperando? Vamos mergulhar. 2. O que significa ser um artista?: O que significa ser artista? Bem, é simples. Para mim, se você gosta de fazer arte e você faz isso muitas vezes, você é um artista. Pense sobre isso. Pablo Picasso, no momento em que pegou seu pincel e começou a criar e adorou fazê-lo, ele já era um artista. Não foi como se alguém viesse até ele e dissesse: “Ei, quer saber? Você finalmente é bom o suficiente. Você pode se chamar de artista agora que você tem permissão.” Você já tem o poder de se rotular como artista. Mesmo que sejas um principiante, quero que aceites o facto de seres um artista, porque estás a ver esta aula, dedicar o tempo e o esforço e depois tens de viver à altura. Você tem que colocar o tempo, você tem que colocar o amor em, você tem que praticar seu ofício. Nas próximas lições, vou lhe dar um monte de idéias sobre como praticar seu ofício e aprender sobre a fundação que você precisa como artista para fazer seu trabalho parecer apresentável e ter boas composições e coisas assim. Mas ser artista é uma coisa pessoal. Você tem sua própria jornada criativa especial que está fazendo. Isso não tem nada a ver com a minha jornada ou com a de qualquer outra pessoa, você vai saber o que é certo para você, se algo que eu digo nesta aula não parecer certo para você ou jive com você, basta levá-lo com um grão de sal. A coisa mais importante para ser artista, é a perseverança, porque nos estágios iniciais você faz muita arte feia. Como aqui está o meu caderno de esboços de 7,5 anos atrás. Como você pode ver, não foi muito bom, é realmente embaraçoso. Estava em um caderno de rascunhos particular e eu o preenchi e eu continuava desenhando e desenhando e desenhando porque eu adorava desenhar. Então, por favor, desenhe. Não se preocupe com os resultados. Você está praticando, você está ficando melhor e melhor com o tempo. É só uma questão de tempo até você ser como os artistas profissionais que você admira. Não deixes que o medo de fazer arte feia te detenha. Não há erros na arte, não há arte feia, é apenas hora de praticar. Faço arte feia o tempo todo, até hoje em dia , como podem ver aqui, há coisas que eu faço que têm erros e não parecem boas o suficiente. Acontece o tempo todo mesmo agora, e acho que vai continuar a acontecer para sempre e sempre. Eu sou grato por isso porque isso me faz realmente apreciar quando a peça vai bem e eu aprendo lições de cada peça que eu faço assim. Por favor, não se segure dizendo: “Eu não vou mais fazer arte ”, só porque você não acha que é bom o suficiente ainda. A única razão pela qual você não é bom o suficiente ainda é porque você tem que praticar mais. Então pratique, pratique, pratique, pratique, e não tenha medo de cometer erros. Essa é uma parte normal do processo criativo e da jornada. Antes de começarmos a aula, reserve um momento para se comprometer com sua prática artística. Tome um momento para pensar, você vai trabalhar duro nisso e você vai ter sucesso. Se você acredita que vai, você vai, mas você tem que colocar o trabalho dentro Quanto mais você trabalhar, melhores serão os resultados e mais cumpridos você se sentirá. É uma vitória, vitória, vitória, vitória, vitória. Basta levar o seu tempo, fazer a sua coisa e amar o seu ofício. Você nunca vai parar de aprender, evoluir ou crescer e isso é uma coisa incrível. Estou ansioso por uma vida inteira disto. Se você colocar o tempo em todos os dias ou quase todos os dias, quem sabe o quão bonito seu trabalho será, um ano, dois anos, ou mesmo 10 anos a partir de agora, talvez até 50 anos a partir de agora. Nem imagino como afetará o mundo. A arte é magia poderosa. A sério, somos todos feiticeiros, e dou-vos as boas-vindas à guilda de artistas mágicos. Eu inventei isso. Mas a questão é que você tem tanta sorte de ser mordido pelo inseto criativo e eu mal posso esperar para ver como você vai afetar o mundo e sua vida e apenas desfrutar do processo. Vamos rever tudo em artistas, já que você sabe para sua fundação, porque se você tem essa fundação para baixo, então você pode fazer o que quiser, com qualquer estilo que você quiser, mas nós temos que aprender o básico primeiro. Então vamos entrar nisso. 3. Linha, forma e aspecto: A arte é composta de muitos elementos, mas sem dúvida o mais importante é a linha, a forma e a forma. A linha é apenas uma linha simples. Pode ser estremecido, reto, dividido em muitas linhas ou qualquer outra coisa que você possa pensar. As linhas também podem ser grossas ou finas ou ter variação de linha que vai de espessura a fina, que é a minha maneira favorita de usá-las. Eles podem até ter uma textura para eles ou fazer a sensação de textura ou sombreamento ou ambos apenas por ser usado de uma certa maneira. Como aqui é um exemplo incrível pelo super talentoso DZO Olivier, que faz ilustrações extremamente detalhadas usando linhas de todas as maneiras. Ele dominou a ilustração de caneta e tinta, e isso realmente mostra que a profundidade e detalhe de seu trabalho e ele faz tudo isso é em simples canetas técnicas. Outro bom exemplo, é o trabalho de Katie Wolford. Ela usa linhas contínuas para fazer suas ilustrações. Isso significa que ela nunca tira a caneta da página. Suas ilustrações são essencialmente, uma longa linha. Isso não é incrível? Aqui está outro exemplo de um mestre de linha, Sara Tepes. Suas linhas são fluidas, cheias de caráter na vida, e isso estava na tinta, mas olha para este desenho a lápis. Ele se enche tão vivo, mesmo que seja um tipo de linha diferente, isso não é tão expressivo. Como você pode ver, há muito que você pode alcançar com a linha. A coisa engraçada sobre linhas é que se você olhar para o mundo ao seu redor, você não pode ver linhas delineando coisas, mas apenas desenhar, especialmente ao começar, nós tendemos a desenhar desenhos de linha de contorno, que é apenas um esboço estilo de secagem. Esta é uma ótima maneira de aprender a desenhar e perceber os detalhes, mas também pode fazer com que as coisas pareçam mais cartoony e menos realista. Alguns artistas usam esboços com trabalhos realistas de propósito para contrastes legais ou porque é seu estilo, como o DZO faz, mas alguns não, por exemplo, se você olhar para o artista extremamente habilidoso, Ozabu, você pode ver nela peças acabadas, ela recebe uma sensação muito realista por não usar contornos. Mas aqui está um exemplo diferente de seu caderno de esboços, que parece menos realista e mais estilizado porque ela usou contornos. Como você pode ver, ambos têm sentimentos diferentes para eles. Outra coisa incrível sobre suas peças realistas, é que ela realmente usa linhas que estão próximas para sombrear. Alinhar ou não usar contornos depende de você. Não há maneira certa de fazer arte, mas é bom estar ciente do efeito que você obtém, incluindo ou excluindo contornos. Eu pessoalmente uso linhas a maior parte do meu trabalho separando-as e não deixando-as tocar todo o caminho. Aumentam o contraste e os detalhes das peças, mas esse é o meu estilo. O ponto é, eu estou ciente de como a linha afeta minha arte e usá-lo deliberadamente, mas não é algo que eu costumo pensar, como todos os conceitos que eu vou ensiná-lo no início, você vai pensar muito sobre isso, mas depois de um ao escolher o que fazer, tornar-se expressão automática do seu estilo, e você vai saber o efeito que você vai conseguir automaticamente. Basta tentar estar ciente de como diferentes artistas usam linha, quando você olha para o seu trabalho, e você vai naturalmente desenvolver uma sensação para as diferentes maneiras que você pode usar linha também. Também seja tão criativo quanto quiser, porque a linha é super versátil e as possibilidades são infinitas. O próximo é a forma. Forma é exatamente o que acontece quando uma linha se encontra para trás começa. Quadrados, círculos, triângulos e assim por diante são todas formas. As formas são 2D, o que significa que são planas. As formas são extremamente úteis, especialmente ao esboçar proporções do que você deseja desenhar. Você pode desenhar qualquer coisa perto, eu te mostrei como quebrar objetos que você vê em formas básicas. Desta forma, você pode começar seus esboços com as proporções básicas, e você não precisa se preocupar com quando você adiciona detalhes e ele acaba parecendo confuso, porque você não sabia onde tudo deveria ir. Ter a habilidade de olhar ao seu redor e ver as formas básicas que compõem as coisas, é realmente essencial como artista. Se é difícil para você ver as formas e objetos cotidianos, eu recomendo que você pegue revistas ou livros com imagens neles e tente dividir as imagens que você vê em formas usando um marcador de nítida, ou se você tem um tablet que ainda melhor, você pode usar um monte de imagens diferentes e fazer a mesma coisa rastreando sobre. Continue fazendo isso até que se torne fácil vê-los. Certifique-se de mantê-lo simples e você está tudo pronto. Ver formas em assuntos complexos tornará mais fácil desenhar qualquer coisa que você quiser. Outra coisa divertida que você pode fazer com formas é exagerar ou brincar com elas. Por exemplo, o artista Eleni Kalorkoti, usa a forma da maneira interessante. Ela só tinha prestado atenção à forma de seu sujeito, mas também às formas feitas no fundo ou ao espaço negativo. Observe como seu olho viaja através de todas as formas e é muito divertido olhar para elas. Ela costumava desempenhar um papel enorme em seu estilo e, como você pode ver, eles dão a ela uma sensação muito legal ao trabalho. Em outro bom exemplo é que colocamos três círculos juntos, você pensa em um deve personagens famosos de desenhos animados já fez. Isso porque os bons designers de personagens conhecem a importância das formas e sempre prestam atenção às silhuetas de seus personagens. Como você pode ver, você pode reconhecer quem cada um desses personagens é, mesmo que eu esteja apenas mostrando a silhueta. Uma silhueta é super importante. Estes são apenas alguns exemplos, mas você realmente pode fazer muito com formas simples então não subestime e brinque com elas. Agora as formas são um pouco mais complexas. É essencialmente uma forma 3D. Círculo é uma forma e uma esfera é forma. A mesma coisa com o quadrado contra um cubo. Forma é importante porque vivemos em um mundo 3D e por isso, seu assunto geralmente será um 3D. Você tem que entender isso e pensar nele como assunto 3D, especialmente quando você está usando uma referência fotográfica, pode ser fácil esquecer que é uma coisa real que você tem uma foto. É por isso que eu recomendo que você comece a desenhar da vida, mas quando você acaba usando fotos, apenas tendo em mente que é uma coisa 3D que você está olhando. Vai fazer sua renderização moralista e vai se sentir bem. Pensar em seu assunto como 3D significa que você presta especial atenção à iluminação, ao ângulo que eles estão enfrentando e assim por diante. Por exemplo, se você olhar para o trabalho de Gabrielle Brickey, a primeira coisa que você vai notar é que todos os seus retratos se sentem vivos e reais. Mesmo que seus estilos e as bordas estejam misturados, parece que você está olhando para uma pessoa real porque ela é um mestre em ver as coisas em 3D, que saber como a luz salta em cada parte do rosto. Felizmente para você, ela também é uma professora de compartilhamento de habilidades e tem uma aula sobre como usar iluminação e retratos. Eu encorajo você a verificar se você quer desenhar ou pintar pessoas, mas não se preocupe se isso ficou um pouco complicado demais para você, você naturalmente vai se acostumar a pensar sobre a forma com o tempo, e eu vou lhe mostrar uma maneira de praticar ver e desenhar a partir da lição de exercícios de desenho. Vamos falar de valor. 4. Valor: Agora vamos mergulhar em algo um pouco mais complexo e pode ser assustador, mas não se preocupe, como tudo o resto é apenas prática. Valor significa a luminosidade ou escuridão de uma cor ou matiz. Se você olhar ao seu redor, você notará que algumas coisas são mais claras e outras mais escuras, e dentro de um objeto também há partes mais claras ou escuras dependendo do que está na luz ou no que está na sombra. Se é difícil para você ver o valor em cores, você sempre pode começar apenas fazendo estudos em tons de cinza, e uma vez que você entenda completamente, então passar para tentar ver o valor em cores. Uma maneira mais fácil de entender isso é fazendo uma habilidade de valor em seu meio escolhido. É apenas uma escala de branco puro para preto que gradualmente muda. Cada cor também tem um tom mais claro e mais escuro e você também pode fazer uma escala com eles. Valor é o que faz sua arte parecer realista porque mostra uma iluminação na forma do objeto. Este conceito é fácil de ignorar, mas é muito importante dominar, fazer com que sua arte tenha aquela realidade especial, ou até mesmo uma doença surreal como lembrar a arte de Gabriel. A razão pela qual se sente surreal é porque ela é uma mestre, em ver e pintar valor. Jogando com valores, podemos alterar um contraste de valor de uma imagem. Por exemplo, esta é uma imagem normal com escala de valor normal. Agora, a imagem à esquerda é uma imagem de alto contraste porque há menos tons de cinza entre branco e preto. E então uma à direita é uma imagem de baixo contraste porque sua escala de valor está dentro de um intervalo limitado com pouca variação. Observe como o branco e o preto não estão incluídos. Normalmente, as imagens de alto contraste são dramáticas e de baixo contraste ou sutis. Você também pode implicar valores por sombreamento usando padrões simples como eu mostrei, independente na classe. Muitos artistas iniciantes evitam completamente o valor porque é tão difícil dominar. Mas apenas saber o básico pode ser extremamente benéfico. Por exemplo, nesta peça, eu fiz o cristal sair mais e me sentir mais brilhante do que fazer um fundo mais escuro e delineá-los em tinta preta. Isso aumenta muito o contraste com o cristal mais leve e até mesmo as peças que são brancas. É uma técnica simples e eficaz. Outro truque legal é tornar sua arte em preto e branco usando o Photoshop para ver se você está fazendo seus valores corretamente. Se você fizer uma peça que tem quase os mesmos valores ao longo, ela vai se sentir plana e haverá aquela sensação subjacente de algo olhando para fora. Certifique-se de que seus valores estão mudando em toda a sua peça. Mesmo se você estiver fazendo arte cartoony, você pode fazer isso apenas escolhendo cores com valores diferentes para diferentes partes. Há muito mais a aprender sobre valor e a melhor maneira de fazê-lo é com estudos de valor. Obtenha um pouco de carvão ou lápis e tente desenhar usando apenas valores para a prática. Agora vamos estudar sobre a habilidade mais importante de cada artista. 5. Observação é tudo: Se você tomou a minha classe, Você pode desenhar qualquer coisa, então você já sabe que observação é a coisa mais importante na caixa de ferramentas de um artista. Sem a capacidade de ver corretamente, não importa o quão bom você é em desenhar círculos perfeitos, seu trabalho vai sofrer. observação faz muito, mas o mais importante, não importa o seu estilo, manterá o seu trabalho com uma aparência única, crível e vivo. Deixa-me mostrar-te o que quero dizer. Nossos cérebros são conectados para fazer atalhos, e isso é especialmente verdadeiro quando se trata de desenhar. Se você olhar para o trabalho de um artista iniciante ou o trabalho de uma criança, parece algo assim. A razão é que o cérebro pensa que sabe como tudo parece e fica no caminho de desenhar o que você vê. Se você olhar para o mundo com olhos frescos em vez de rotular tudo, você vai notar os detalhes e como tudo é diferente. Um verdadeiro artista vê linha, forma, forma e valor quando não desenham um olho, nem um cobertor, nem uma planta. Eles vêem os detalhes e as formas. Memorizar como desenhar algo não é uma coisa ruim. Na verdade, isso é uma habilidade útil para quando você aprende coisas como anatomia e tal. O problema é que você já tem um monte de coisas defeituosas que você memoriza quando você desenhou como criança ou iniciante. Eu sou culpado disso também de vez em quando. É por isso que quando eu desenho eu presto muita atenção aos detalhes e me perco neles um detalhe de cada vez. É importante não ter medo de fazer um trabalho feio. Seu cérebro quer que você jogue pelo seguro. Não dê ouvidos a ele. Em vez disso, seja honesto com o que você vê pelo menos no começo. Quando você tem suas habilidades de observação a par e aprender a ver bem, então você terá a capacidade de estilizar qualquer coisa que quiser usando sua própria voz única. Se observar é difícil para você, meu conselho é praticar o desenho da vida tanto quanto você pode e realmente prestando atenção aos detalhes e as linhas e eu vou mostrar-lhe algum exercício que vai ajudar na próxima lição. A questão é, não deixe seu cérebro dizer o que você vê, ouça seus olhos em vez disso. A observação não deve ser complicada e, de fato, deve tornar o desenho mais fácil e não mais difícil. No início, será difícil para você fazer a troca se você ainda não fez isso, mas uma vez que você realmente vê, ele vai se tornar simples. Agora que aprendemos os conceitos básicos mais importantes na arte, vamos rever alguns exercícios de desenho que ajudarão você a crescer suas habilidades rapidamente. 6. Exercícios de desenho: Agora podemos saber o básico do desenho, mas sem realmente desenhar, não vamos melhorar. A prática é fundamental para qualquer habilidade, especialmente na arte. Mas sei o quão assustador pode ser olhar para uma página em branco ou não saber por onde começar. É por isso que nesta lição vamos passar por toneladas de exercícios de desenho divertidos, de melhorar rapidamente. Estes exercícios são para qualquer nível de habilidade e você não tem que fazer tudo isso em uma sessão. Basta aprender os exercícios e fazer um ou dois quando tiver tempo livre. Mas tente fazer cada um pelo menos uma vez para que você possa ver quais são os mais desafiadores. Esses são os que você precisa trabalhar mais. Lembre-se, quanto mais difícil é fazer algo, mais você está melhorando. Enfrente os desafios. A primeira coisa que quero falar é como é importante não subestimar a importância de colocar marcas em uma página. Não importa o que você desenha. A prática, mesmo fazendo formas básicas ou apenas linhas onduladas, beneficia você. Este foi um exercício de aquecimento e que você pode desenhar qualquer classe. Vou contar-te um segredo. Eu inventei. Você pode aquecer dessa maneira ou você pode rabiscar, ou você pode praticar incubação ou até mesmo para um pequeno rabisco. Faça alguma coisa, qualquer coisa. Da próxima vez que olhar para uma página em branco, pegue um pedaço de papel e enlouqueça. Você pode praticar suas habilidades de criação de marcas com as ferramentas que você quer experimentar, ou você pode rabiscar designs intrincados, até mesmo ter aulas sobre isso. Ou você pode até mesmo fazer um estudo rápido. Não subestime o fato de que cada vez que você coloca caneta no papel, você está melhorando. Faça o que flutua seu barco. Agora, vamos entrar em alguns exercícios de treinamento famosos que têm regras específicas. Para este primeiro exercício, eu vou usar uma caneta, mas você pode usar qualquer coisa que você gosta de caneta esferográfica a uma caneta mícron ou um afiador. Eu só prefiro que não seja apagável para que você não apague e redesenhe as linhas o tempo todo. A questão não é fazer isso. Isto é apenas um exercício. Não leve isso a sério. Vou usar a minha mão como assunto já que as mãos são complicadas, têm muitos detalhes e são fáceis de obter. Eu recomendo que você desenhe o seu também ou escolha um assunto com muitos detalhes como mãos. Agora estou desenhando o esboço. Não estou preocupado com proporções ou sombreamento ou cor, apenas detalhes sendo interpretados em linhas. Você está treinando seus detalhes e esboços de ITC, e você também está treinando para desenhar o que você vê em vez do que você pensa que vê. Isso é chamado de desenho de contorno. Desenhe todas as rugas e torções e qualquer outro detalhe que apareça. Desenho de contorno é a primeira maneira que aprendemos a desenhar e é extremamente importante dominar. Você pode levar o seu tempo e torná-lo super detalhado e preciso ou fazê-lo rapidamente como eu. O importante é olhar para o seu assunto como muito ou mais do que o seu artigo. Você está aprendendo a observar corretamente. Faça quantos precisar até que pareça natural. Outra coisa que você pode fazer é contorno cego. Isso realmente treina você a estudar seu assunto. Você tem que pegar dois pedaços de papel e cobrir sua página com o segundo ou apenas desenhar um assunto diretamente na sua frente, em vez disso. Você simplesmente não pode olhar para a sua página. Escolha um ponto e comece a desenhar seu assunto. Basta tentar o seu melhor, mas não olhar para a sua página e ir tão devagar ou tão rápido quanto você se sentir confortável. Como você pode ver, meu resultado é estranho, mas este é um desenho perfeito de contorno cego. É muito divertido fazer isso. Não importa o que parece no final. Só estamos praticando. Se você não sabe o que desenhar na vida real, você pode desenhar as coisas aleatórias em sua mesa, como eu fiz aqui. Observe como eu não esboço as proporções de antemão porque, como eu disse antes, os resultados não importam. É só uma sessão de treino rápida. Se você quiser chutar um entalhe e praticar ver forma também, então você pode fazer desenhos de contorno cruzado. Isto é quando você usa a linha para mostrar a forma ou o volume do seu objeto. Estude seu objeto primeiro. É por isso que fazer assuntos realizados é melhor começar, e, em seguida, usar linha para mostrar para ele. Por exemplo, o pote é plano em seus lados, então eu uso linhas retas normais. Mas as hastes da planta são arredondadas no exterior e ligeiramente côncavas no interior. Eu uso a linha para mostrar isso. Aqui está outro exemplo disso. Este é realmente um grande desenho de uma estátua que eu levei o meu tempo, mas ajudou-nos a estudar o formulário. Aqui está outro. Se você quer fazer arte 3D, eu recomendo que você pratique uma habilidade muito para ter certeza de que você entende forma. Você também pode fazer estudos de valor, que ignoram uma linha em seu assunto e, em vez disso, focar nas escuras e luzes. Fiz muitos desenhos grandes de animais, já que esse é o meu assunto preferido. Estes foram feitos com aludido Inc e foram divertidos e soltos. Eu usei referências coloridas, mas se isso for difícil para você, você pode usar o software de edição de imagens para transformar suas imagens em preto e branco ou apenas encontrar imagens em preto e branco. Outra coisa que você pode fazer é desenhar espaço negativo. É quando você estuda o espaço negativo ao redor do objeto em vez do objeto em si. Isso torna você ciente do espaço negativo e das formas que ele faz. Você também pode tentar cronometrar seus desenhos para forçar-se a soltar e fazê-lo rapidamente. Tente qualquer coisa de 30 segundos a 5 minutos. Isso é realmente super útil no desenho de gestos, que é apenas fazer estudos rápidos da figura humana. Há toneladas de sites que são feitos apenas para isso e se você quiser atrair pessoas, Eu encorajo você a olhar para ele e torná-lo uma parte de sua prática artística. Eu realmente apenas arranhei a superfície com estes exemplos. Porque a verdade é que há uma infinita quantidade de maneiras de praticar. Basta fazer a sua coisa, encontrar o que funciona para você, mas não fugir de desafios. Em vez disso, fique animado quando encontrar um. Porque isso significa que você pode melhorar muito em alguma coisa. Lembre-se, é tudo treino. Coloque o tempo fazendo exercícios e experimentando. Agora vamos aprender conceitos mais avançados, mas igualmente essenciais. 7. Padrões e texturas: Padrões e texturas podem ser extremamente divertidos de brincar. Eles também podem ser usados para dar muita dimensão a uma peça. Além disso, não se esqueça de texturas e padrões são intercambiáveis porque um padrão também é uma textura. Mostrei algumas maneiras diferentes de sombrear e exemplos de padrões na minha aula anterior Pen and Ink Basic. mas você não está limitado a caneta e tinta para isso. Você pode usar padrões e texturas com todos os tipos de mídia. Você pode desenhá-lo ou pintá-lo com o que quiser, mas não se esqueça, você pode levar a textura para o próximo nível para torná-lo real. Isso é mais fácil de fazer com tinta acrílica ou óleo e pode adicionar mais dimensão à sua arte. Texturas e padrões podem fazer seu trabalho parecer mais tátil mesmo que seja plano e também podem torná-lo mais interessante, então definitivamente brinque com ele e considere usá-lo em seu trabalho. Por exemplo, veja como a artista extremamente habilidosa, Daria Hlazatova usa padrões e texturas em seu trabalho para dar a suas peças e outras qualidades mundanas tanta dimensão. Você não tem o desejo de estender a mão e tocá-la mesmo sabendo que é plana? Outro grande exemplo é o lindo trabalho de Matt Miller que usa principalmente textura, mas observe a quantidade de detalhes que ele coloca. Também os padrões são muito interessantes usados ao longo. Suas peças têm muito ritmo e detalhes graças a padrões e texturas. Catalina Estrada, por outro lado, faz padrões lindos que têm textura dentro deles e padrões dentro de padrões. Seu trabalho é muito divertido de olhar e, mesmo que haja um monte de detalhes, não é esmagador em vez disso, ele se sente como uma festa para os olhos. Como você pode ver, padrões e texturas podem ser super poderosos por conta própria, então não seja tímido em incorporá-los nem um pouco em seu trabalho. Agora, vamos rever os conceitos básicos da teoria das cores. 8. Teoria das cores: As cores que você usa em sua composição podem fazer ou quebrar sua peça. Eles também podem ser usados para mostrar seu estilo único ou transmitir emoção. Eu pessoalmente escolho minhas cores intuitivamente, mas leva tempo para chegar lá. Você tinha que aprender o básico da teoria das cores primeiro. Um exemplo realmente bom de uma artista que usa cores fortemente em sua marca é Leigh Ellexson. Se você olhar para o Instagram dela, você pode ver que ela usa cores semelhantes na maioria de suas peças, e todas elas têm vibe pastel suave e sonho. Ela tem uma cor principal que ela usa em todos os lugares para sua marca e está quase incluída em cada peça. Consegue adivinhar o que é isso? Isso mesmo, rosa; e você também pensa em amarelo pastel e azul. Se você olhar para as miniaturas do YouTube, ela usa sobreposições cor-de-rosa em cada uma delas. É tão consistente com a marca dela. O ponto é que ela usa cores de forma muito eficaz para transmitir certo sentimento não só por seu trabalho, mas também por toda sua marca, e falaremos sobre isso mais tarde. Agora, vamos primeiro analisar a emoção com que cada cor está normalmente associada. Vermelho é raiva, paixão ou atenção. Como, por exemplo, sempre que você vai fazer compras, todos os sinais de Venda são vermelhos. Rosa é doçura, romance ou juventude. Eu penso em flores de cerejeira ou roupas de meninas. Laranja é felicidade, energia ou confiança. Amarelo é positividade, motivação e também energia. Amarelo e laranja são cores felizes muito poderosas. O verde é natural, curativo e repousante. Isso ocorre porque o verde está conectado à natureza e pensamos em árvores, grama e planta, é uma cor muito relaxante. Azul é calmo, estável e pacífico. Porque o céu é azul em todos os lugares que você está no mundo. É uma cor muito estável. Roxo é real, luxuoso e espiritual. Roxo é muito raro na natureza, apenas algumas flores têm essa cor para eles, então é por isso que é uma cor tão misteriosa e especial. O preto é sofisticado, misterioso e forte. conotação negativa ao preto é a morte na cultura ocidental, mas é engraçada porque em outras culturas essa cor é branca, mas o preto é uma cor realmente clássica e é por isso que você sempre vê um monte de artistas apenas usando preto e branco em sua arte e nenhuma cor. Branco é pureza, santidade e frescura. Preto e branco juntos apenas funcionam bem. Estas são apenas palavras gerais que descrevem como a maioria das pessoas geralmente se sente quando olham para uma cor e como eu penso nelas. Não são regras, são apenas um consenso geral do que cada cor faz. Todos terão uma associação diferente com cada cor. Não se preocupe muito com isso. Isso não é realmente algo que eu penso, eu apenas subconscientemente escolher as cores que eu faço. Agora vamos rever os conceitos básicos da teoria das cores. A roda de cores é uma ferramenta super útil para entender a cor, e eu recomendo que você faça um como fazemos na minha classe de cores aquarela, ou você pode encontrar toneladas de pré-fabricados on-line e imprimir um e colocá-lo em algum lugar que você pode ver ele. Temos cores primárias, que são as três cores que podem ser usadas para misturar qualquer cor que você quiser. Na mídia tradicional ou impressa, eles são ciano, magenta e amarelo. Mas na mídia digital, eles são azuis, vermelhos e amarelos. Seja qual for a mídia em que você trabalha, escolha a roda de cores certa para você. As cores secundárias são os bebês ou misturas das cores primárias; e as cores terciárias são as últimas cores restantes que cercam as primárias. As palavras não importam, mas é uma boa ideia conhecer a terminologia. Mais uma coisa a salientar é que existem cores frias e quentes. As cores legais tendem a recuar e se sentir calmas, e as cores quentes aparecem em você e se sentem vivas. Ele pode realmente ajudar a definir o humor para escolher suas cores com base na temperatura e usar cores frias e quentes juntos para fazer diferentes partes da composição se destacam. Isso também faz um contraste muito agradável. Temos também cores complementares que são opostos na roda de cores. Se essas duas cores são usadas em uma competição juntas, elas realmente se tornam pop. Você tem que ter cuidado para não exagerar o efeito e diluir pelo menos um deles. Mas você pode criar peças lindas com apenas essas duas combinações de cores, especialmente se uma cor domina uma peça e a outra é usada para direcionar o foco para uma área específica e pequena. Os complementos de verde e vermelho são famosos no meu favorito é feriado. Quando você olha para esta imagem, você sente alta energia e o espírito do feriado. As cores análogas são cores próximas umas das outras na roda de cores. Uma das minhas combinações de cores favoritas é rosa, roxo e azul. Quando uso estas cores, torna as peças muito coesas e agradáveis aos olhos. Esta abordagem é melhor para peças mais calmas. Ele não tem esse fator pop que combinações de cores complementares têm, mas você pode adicionar um elogio do meio do grupo de cores para fazer as coisas pop um pouco. Um esquema de cores triádico é feito com cores que são uniformemente espaçadas em torno da roda de cores, como nossas primárias. Esta combinação de cores tende a fazer para peças muito vibrantes. Há mais combinações como um complemento dividido, mas eu não quero que isso pareça muito técnico ou complexo. Realmente cabe a você quais cores você usa. Seu objetivo final deve ser ter uma sensação de cores e criar com seu próprio estilo e regras. As peças mais originais e originais lá fora têm suas próprias combinações de cores únicas. Se você quiser criar um monocromático ou preto e branco, então faça isso. Se você gosta de usar todas as cores lá fora para fazer efeito arco-íris, então vá em frente. Nunca machuca nenhuma teoria da cor, mas faça sua própria coisa. Se você quiser coletar combinações de cores que você gosta, eu recomendo que você comece um quadro do Pinterest e faça isso, e eu tenho um que você pode seguir e finalizar a compra. Mas como qualquer outra coisa na arte, não pense demais ou enlouqueça. Regras são feitas para serem quebradas, especialmente na arte. Mas para quebrá-los, você tem que conhecê-los primeiro. Agora vamos aprender os princípios finais e mais importantes a serem conscientes. 9. Princípios de design: Agora vamos rever os princípios de design que são super importantes de entender. Eu encorajo você a não só assistir a esta lição até que você obtê-lo, mas também a aprender mais sobre ela de onde você pode, seja um curso sobre os princípios do design ou um livro de biblioteca em sua biblioteca local, ou mesmo apenas olhando para outros arte das pessoas logo depois ver esta lição e tentar ver como eles usam isso. Ter uma base sólida e compreensão dos princípios de design mostrará em seu trabalho como composições equilibradas um geral harmonioso e agradável de olhar para a arte. O primeiro princípio é o equilíbrio. Equilíbrio é exatamente o que parece, igual peso visual em ambos os lados da composição. Por exemplo, uma peça simétrica é perfeitamente equilibrada porque se você colocar uma linha no meio, É espelhado em ambos os lados. Esta é uma das maneiras mais fáceis de alcançar o equilíbrio. Se você fizer isso, você receberá automaticamente uma peça perfeitamente equilibrada. O equilíbrio assimétrico é um pouco mais difícil de alcançar porque é preciso praticar, mas é essencialmente olhar para a peça até que ambos os lados se sintam equilibrados, mesmo que não sejam simétricos. Por exemplo, se eu colocar um círculo no lado inferior esquerdo desta peça, o lado direito parece vazio, então é desequilibrado. Mas se eu adicionar um menor no lado superior direito, ele se sente um pouco melhor, mas não totalmente equilibrado por causa da diferença de tamanho. Agora, se eu preencher esse círculo, se sentir equilibrado, porque mesmo que seja menor, parece mais pesado. Isso é chamado de peso visual, e é algo que você tem que aprender a equilibrar em sua composição. Você consegue o equilíbrio usando formas, cores, linhas, contrastes e muitas maneiras diferentes. É uma observação interna de habilidade. Embora este tipo de equilíbrio seja mais difícil, são ilustrações mais comuns. No geral, a simetria geralmente se sente estável e a assimetria parece dinâmica e instável. simetria também é muito limitante e geralmente se sente mais segura. simetria é geralmente mais interessante, dinâmica e as possibilidades do que ela pode fazer são infinitas. Este princípio é super simples de aprender, mas difícil de dominar. Fique atento aos artistas que saltam suas composições de maneiras interessantes. O próximo princípio é a unidade ou a harmonia. Isso só significa que as coisas parecem estar juntas. Por exemplo, isso parece estranho porque há muitas técnicas diferentes em cada pequeno elemento. Eles simplesmente não combinam ou fazem sentido em estarmos juntos. Agora isso parece normal para nós porque estamos usando técnicas semelhantes em cada peça e gradualmente movendo-se para um caminho mais solto, do canto superior esquerdo para o canto inferior direito. Embora a forma como estamos fazendo a composição esteja mudando, ela se sente harmoniosa porque é gradual e bem pensada. Outra maneira fácil de unificar é colocar objetos próximos usando proximidade. Associamos automaticamente o que vemos como uma coisa. Observe como você está vendo três grupos diferentes só porque as formas estão próximas em cada um. Outra maneira fácil é usar repetição, que significa apenas repetir um determinado elemento, como cor ou textura em toda a peça. Isso simplesmente se traduz em fazer a peça no mesmo estilo e você pode vê-la no grupo de pontos e linhas. O grupo de pontos e linhas é muito mais harmonioso e unificado do que aquele com as formas aleatórias. Você também pode usar a repetição para fazer ritmo visual, que é apenas um uso de elementos semelhantes que repetem para uma sensação rítmica que se sente como as notas da música. O próximo princípio é ter um ponto focal. Isso é super importante e significa apenas um assunto que é o centro das atenções em sua peça. O primeiro lugar onde os olhos de um espectador pousam é o ponto focal. Por exemplo, esta peça de Sam Yong capta a sua atenção e concentra-a no corte da cauda só porque ele adicionou cor lá e em nenhum outro lugar. Isso também pode ser feito usando contraste de escala, detalhes e assim por diante. O ponto focal é apenas algo para estar ciente porque você geralmente tem em mente o que é e para garantir que nada aleatório rouba os holofotes. Outra coisa importante que se liga a isso é a continuação, o que significa apenas que os olhos dos espectadores são atraídos para a próxima coisa, e as próximas coisas pelas linhas e formas na composição. Por exemplo, esta peça de Michelle Wolfskulljack usa um ponto focal na continuação de uma forma genial. A primeira coisa que você olha é uma escultura, por causa do contraste, já que não tem branco nessa área, então o bico guia você a olhar mais baixo porque ele está apontando para lá e você olha para a seta, o crânio e o ar são os dois elementos mais importantes da composição e olhamos para ambos primeiro. Então você olha para cima em pegar todo o corpo do corvo porque a flecha sobe, e muito provavelmente seus olhos acabam no topo do triângulo, e então siga a linha até os pés, e então suba o crânio e bico novamente. Incluindo o triângulo no fundo realmente ajuda a orientar os olhos do espectador. Ter um ponto focal forte ajuda porque você sabe onde os olhos vão pousar primeiro. Tudo isso é feito de repente e talvez subconscientemente, mas como seus olhos têm caminhos para percorrer, achamos mais fácil olhar para o ordenin, até estudar a composição. Para praticar ver isso, veja alguma outra arte que você gostaria, preste atenção em como seus olhos viajam e por quê. Outro princípio é a escala e a proporção, que é o quão grande ou pequeno algo é comparado às outras partes da composição. Jogar com proporção de escala é super útil na ilustração. Por exemplo, nas minhas aulas de Qt, eu mostro que ter uma cabeça grande e um corpo pequeno torna as coisas fofas. O que fizemos foi observar um animal ou uma pessoa e, em seguida, simplificado e fez o corpo pequeno e a cabeça maior para um olhar bonito. Isso foi conseguido ao jogar com escala e contraste em apenas simplificar. Além disso, jogando com a escala, você pode cortar as coisas de uma maneira mais divertida, ampliando ou diminuindo o zoom. Outra coisa super importante para estar ciente é o espaço negativo e positivo em seu trabalho. espaço negativo é o plano de fundo, e o espaço positivo é o primeiro plano, ou o seu assunto. Você pode inverter sua perspectiva para ver o espaço negativo. Um bom exemplo disso é a famosa ilusão de vaso facial. Você pode ver os rostos olhando um para o outro, se o preto é o primeiro plano? Agora você pode ver o vaso se o branco é o primeiro plano? Apenas jogando com o que é o fundo ou o que é o primeiro plano, estamos invertendo nossa percepção do que é espaço positivo e negativo. É fácil esquecer o espaço negativo ao redor do objeto. Incrível faz formas e você tem que prestar atenção a essas formas tanto quanto você faz para o espaço positivo perto do trabalho. É importante notar a silhueta do sujeito em suas peças, uma silhueta forte que é facilmente reconhecível. Este é especialmente importante design de personagem como eu mostrei antes. Acabei de rever um monte de diretores. Uma maneira fácil de implementar tudo isso em seu trabalho é usar esboços em miniatura antes de começar. Tenha uma aula super curta e o tópico se você quiser conferir. Mas são basicamente pequenos esboços do que você vai fazer. Você pode jogar com todos os conceitos rapidamente e tentar muitas idéias diferentes sem desperdiçar suprimentos ou tempo até encontrar a composição perfeita. Eu recomendo que você experimente e incorpore na sua prática artística. Como você pode ver, há muitas coisas para pensar quando se trata de fazer sua arte. Mas não fique sobrecarregado, apenas tente aprender esses conceitos da melhor forma possível e você os aplicará automaticamente ao seu trabalho. Sabendo tudo isso, você terá um olhar mais crítico para todos os erros. Horas extras você vai subconscientemente ter uma sensação para o que olhar é bom e vai fazer sua arte agradável sem dar-lhe muito pensamento. Agora que temos para design de fundação, vamos falar sobre como encontrar o meio certo para você e por que é tão importante experimentar. 10. A mídia certa para você: Você pode já saber qual meio prefere usar, mas se não souber, esta lição irá ajudá-lo a reduzi-lo. Antes de entrar em detalhes, eu quero que você saiba que eu pessoalmente tentei quase todos os meios lá fora e só experimentando fisicamente eu descobri qual era o meu favorito para usar. Recomendo que tente fazer o mesmo. Pode ficar caro para experimentar todos eles, mas apenas tentar suprimentos baratos ou até mesmo pedir emprestado alguns de um amigo. As duas categorias principais são a arte tradicional e a arte digital. A arte digital custa mais para começar, mas uma vez que você compra o tablet, você não precisa comprar mais nada. Um tablet bom mais barato é o Wacom Intuos. Eu tenho um deles e eles são muito bons. Ou você pode seguir a maneira mais cara e profissional e obter uma Wacom Cintiq. Uma Wacom Cintiq é muito cara. Eu realmente recomendo, em vez disso, você obter um iPad Pro. Ele tem os mesmos recursos para a Wacom e pode fazer muito mais e é totalmente portátil. Tudo que você tem que fazer é pegar um lápis para ele e você está dourado. Se você estiver usando um computador, você precisará de software. Você pode encontrar os gratuitos, ou você pode obter o padrão da indústria do Photoshop, que também é muito útil para fazer seus próprios gráficos para um site ou qualquer outra coisa. Ou, se você estiver usando o iPad Pro, você pode obter o Procreate, que é muito mais barato do que o Photoshop. A coisa legal sobre a arte digital é que uma vez que você tem o software e tablet, você não vai precisar comprar qualquer outra coisa. Você pode fazer arte em tantos estilos diferentes e arte digital é super indulgente porque você pode trabalhar em camadas, e desfazer quaisquer erros sempre que você cometê-los. Isso não significa que a arte digital é mais fácil, é apenas diferente. Se você quer ser um artista digital, meu conselho é tentar muitos pincéis diferentes até encontrar seus favoritos. Com a arte digital, você pode trabalhar mais rápido e fazer mais peças de polimento em comparação com o meio tradicional. Se a maioria dos artistas que você admira são artistas digitais, então você provavelmente será um artista digital. Você geralmente é atraído para o tipo de trabalho que você vai adorar fazer. Mas se você decidir ser um artista digital, não caia na armadilha de nunca mais pegar um lápis. Por exemplo, estas são algumas peças digitais incríveis do artista Bobby Chiu. Mas se você olhar para seu Instagram, você verá que ele também faz desenhos a lápis e usa meio tradicional de vez em quando. Papel a lápis ainda é a melhor maneira planejar suas composições e fazer esboços rápidos. Além disso, os cadernos são super portáteis. Você sempre pode entrar em seus esboços ou tirar uma foto para torná-los digitais. Como você pode ver, Bobby fez isso com essa pintura super fofa. Agora, sobre a arte tradicional. Embora a arte tradicional possa ser muito mais barata para começar com coisas simples como papel e lápis, ela pode ficar cara a longo prazo, especialmente se você obter suprimentos de qualidade profissional porque você está usando coisas. Então você tem que substituir seus suprimentos regularmente e por coisas como aquarela, papel ou lápis. Pode ser bastante caro se você usar suprimentos de qualidade profissional. Mas não se preocupe, você sempre pode se safar com o uso de suprimentos mais baratos no início. Por exemplo, aqui está uma pintura que eu fiz usando tintas Crayola e pincéis realmente baratos. Não era o ideal, mas isso mostra que não é sobre os suprimentos, é mais sobre o artista. Além disso, se você quiser fazer impressões de seu trabalho, você precisará de um scanner muito bom para peças menores, ou uma câmera e iluminação realmente boas para obras de arte maiores ou arte com textura, enquanto artistas digitais não precisam se preocupar sobre isso. Você também precisará de uma mesa física para armazenar todos os seus suprimentos e usá-los. Uma boa fonte de luz também é necessária, mas você pode escapar apenas usando luz natural de uma janela. Além disso, cometer erros na arte tradicional é muito menos indulgente, mas depende do meio que você usa. Por exemplo, erros em aquarela ou tinta são realmente difíceis de consertar, mas erros em óleo, acrílico ou guage, são fáceis. Dito isto, sou um artista tradicional especializado em aquarela e tinta porque é a minha coisa favorita para trabalhar. Eu os amo. Aquarelas têm uma vida própria e eu abraço erros. Para mim, não há nada melhor do que trabalhar com minhas mãos e tocar todos os diferentes suprimentos e vê-los interagir com o papel e uns com os outros. Isto vai bem com a minha personalidade e é a minha maneira preferida de trabalhar. Quando eu era criança, eu usava lápis de cor e lápis de cor, principalmente livros de colorir, e então eu fiz pinturas acrílicas grandes e abstratas, e então eu tentei coisas diferentes, como pastéis de óleo, tintas, e finalmente aquarelas. Eu não saberia que aquarelas eram minhas favoritas se eu não tivesse nada com que compará-las. Então meu conselho é tentar o máximo de meios diferentes que você pode colocar em suas mãos, porque todos nós gostamos de coisas diferentes, e você não vai saber o que é isso até tentar. Outra maneira de encontrar o seu favorito é olhar para seus artistas favoritos e encontrar o meio que a maioria deles tem em comum. Normalmente, você vai preferir esse médium você mesmo. Mas aqui está uma explicação rápida de vários meios tradicionais para ajudar a fazer sua escolha. Lápis são ótimos porque você pode obter valores diferentes facilmente. Eu recomendo que você esboçar com lápis mesmo que não seja o seu meio preferido e especialmente se você é um artista digital, porque não há nada mais parecido com ele para obter facilmente idéia para baixo, e uma boa borracha é o seu melhor amigo. Os lápis de cor são igualmente divertidos, mas os pigmentados geralmente são inapagáveis. Mas eles têm uma textura super divertida para eles e você pode até misturá-los. Os marcadores cópicos são muito caros, mas ótimos em fazer peças controladas e misturadas. Eles têm uma sensação pintada super puro para eles e você pode fazer peças n-dimensionais de superclasse facilmente. Se eles são muito caros para você, você pode encontrar alternativas que são mais baratas e experimentá-las para nós e, em seguida, ver se você gosta, e então apenas obter um par de Copics de cada vez. Há muitas maneiras de usar tinta e ter uma aula sobre o assunto, mas principalmente com canetas técnicas ou canetas profundas para peças super detalhadas ou apenas para fazer contornos. Ou você pode usá-lo como um meio de pintura com tinta diluída. Tinta e aquarela realmente reagem muito semelhante à água. Então eles têm um efeito muito semelhante quando são usados. Molhado e molhado realmente resumir aquarelas e tintas para mim. Olha como isso seca lindo. É por isso que esses dois são meus médiuns favoritos para trabalhar. Mas eles podem ser difíceis de dominar e exigir muita prática. Ao pintar com tinta ou aquarela, esteja preparado para muitos acidentes felizes e uma texturas. Se você quer aprender a pintar com aquarela, eu já tenho uma aula sobre isso. Pastéis de óleo são como lápis de cor bondable que podem fazer super durante peças ou até mesmo trabalho hiper-realista. Eles são muito divertidos, especialmente porque você pode misturá-los com os dedos. As tintas a óleo também podem ter o mesmo efeito, mas podem ser mais complicadas de usar do que outros meios devido ao seu tempo de secagem muito lento, e você tem que usar um solvente como terebintina, que pode ser tóxico e fedorento. Mas hoje em dia este não é um grande problema porque você pode comprar tintas a óleo solúveis em água. As tintas acrílicas, por outro lado, são mais fáceis de usar porque dirigem muito rapidamente em tudo o que você precisa é água. Além disso, a tinta acrílica é muito mais barata do que o óleo. Mas nessa nota, é uma preferência pessoal. Alguns artistas preferem óleo e um pouco de acrílico. Eu notei que artistas que tendem a atrair as pessoas usam óleo porque o tempo de secagem lenta os ajuda a misturar mais a pele. Mas alguns preferem acrílico porque é mais fácil trabalhar e eles não gostam do tempo de secagem lento. Se você quiser pintar sobre tela, eu recomendo que você comece com acrílico e, em seguida, talvez possa trabalhar até o seu caminho para pintura a óleo. Experimente ambos para ver qual deles você realmente prefere. Tanto as pinturas acrílicas quanto a óleo tendem a secar mais brilhante. Uma vez que as pinturas acrílicas e a óleo estão completamente secas, elas também não podem ser reativadas com água, mas em vez disso você tem que adicionar mais camadas para corrigir erros. Gouache é mais complicado porque age um pouco como tintas acrílicas, um pouco como aquarelas. A maior diferença entre guache e acrílico é que seca mate, mais rápido, e pode ser reativado com água. O fato de que ele pode reativar com água é o que torna tão complicado de usar. Se você odeia o fato de que ele se reumina depois de estar seco, você sempre pode comprar uma lavagem acrílica. Isto é uma coisa nova e só significa que uma vez seco, está seco. Eu mesmo tenho andado a brincar com o Gouache recentemente e é realmente muito difícil, mas divertido. Um artista que realmente dominou este meio é Audra Auclair. O trabalho dela é lindo. Então é isso para esta lista. Mas isto não é tudo lá fora. Há uma tonelada de maneiras de fazer arte, e não se esqueça, você pode misturar diferentes meios juntos. Isso é chamado de meio misto. Normalmente, quando as pessoas dizem essa palavra, eles pensam em colagens, mas é realmente a mistura de qualquer meio que você quiser. A questão é, não há limites, mas você tem que tentar tantas coisas quanto puder para encontrar suas formas favoritas de fazer arte. Como eu disse antes, olhe para o trabalho de artistas que você admira, para uma dica de qual será o seu meio preferido. Em seguida, vamos falar sobre por que é bobagem ter vergonha de usar referências e como elas são importantes. 11. Usando referências: Por qualquer motivo, muitas pessoas têm o equívoco de que usar fotos de referência é errado ou trapacear. Isto não é verdade. As referências são um dos recursos mais essenciais que você pode ter como artista. Mesmo que seu objetivo seja tirar de sua imaginação, isso levará anos e anos de prática de estudo e sim, usando milhares e milhares de referências ao longo do caminho. Houve casos de artistas que se meteram em sarilhos porque eles extraem de referências, que são protegidos por direitos autorais do fotógrafo e não os creditam. Eu acho que isso escassa algum artista iniciante. O truque não é apenas copiar uma referência, mas usar um casal para fazer sua própria imagem, ou se você optar por usar uma, certifique-se de fazê-lo em seu próprio estilo. Uma vez que você estilizar algo o suficiente, ele se torna seu próprio porque não se parece nada com a referência, ou você pode realmente tomar a iniciativa e tirar suas próprias fotos ou usar referências ao vivo quando puder. Se você quiser fazer cópias exatas de uma foto porque talvez você seja um pintor realista e você quer vender esse trabalho, então você pode sempre tanto modelo superior, tirar a foto você mesmo ou pintar na cena, ou se você em vez de gastar alguns $ para fazer este trabalho, você pode usar um site de imagem estoque. Existem milhares de imagens nesses sites e eles só custam um par de $ para obter uma. Você pode até encontrar alguns sites gratuitos de imagens, mas eles são mais limitados. Se você está apenas desenhando para estudar e você não vai vendê-los ou lucrar com eles, então não importa quais referências você usa. Eu tendem a usar qualquer imagem que eu encontrar mesmo no Pinterest, mas minhas peças acabadas nunca se parecem com a referência. Eu costumo mudar as formas ao meu gosto, uso cores diferentes e mudar uma competição e apenas fazê-lo no meu próprio estilo único. As únicas coisas que costumo copiar são a pose e talvez a iluminação, mas isso não pode ser protegido por direitos autorais. Eu essencialmente uso referências para ter certeza de que a luz do capataz sobre o meu assunto é precisa. Agora, se o seu objetivo é tirar da imaginação, você pode. Só vai levar um longo tempo para chegar lá e você vai precisar estudar seu assunto imensamente. As referências serão sempre necessárias não importa o quão bom você seja, mesmo se você chegar ao ponto de desenhar de sua cabeça, porque há tantas coisas que você pode desenhar e você não pode possivelmente memorizar todas elas. Faça amizade com referências e jogue fora a idéia boba de estar trapaceando. Se você não usá-los, seu trabalho vai sofrer muito porque a menos que você tenha memória fotográfica, você não pode imaginar ou lembrar como tudo parece ou age como sem ser exposto a mesma coisa muitas vezes. Agora que está fora do caminho, vamos falar estilo. 12. Como encontrar seu estilo: Encontrar seu estilo pode parecer assustador e assustador quando você começa a desenhar. É como o ingrediente secreto que todos têm menos você. Estou aqui para lhe dizer que não é algo que você precisa se preocupar. Seu estilo virá naturalmente com o tempo. Com isso dito, há algumas coisas que você deve estar fazendo ao longo do caminho para acelerar o processo de desenvolvê-lo. O que vou te dizer vai parecer tabu, mas me dê uma chance. O segredo para encontrar o seu estilo é encontrar um monte de artistas que inspiram você e que você admira muito e depois copiá-los. Para fins de estudo apenas é claro, nunca compartilhe seu trabalho e reivindice-o como seu próprio. Copiar é má reputação, mas é provavelmente a ferramenta mais importante para você aprender como artistas favoritos pensam e fazer as composições usar cor, linha e assim por diante. Ao tentar replicar seu trabalho, você aprenderá muito sobre não apenas os princípios que já cobrimos, mas também como eles movem a mão, como eles usam seus meios de comunicação. Você vai até descobrir suas fraquezas e pontos fortes. Você vai ver o que funciona e por que e você vai aumentar suas habilidades ao mesmo tempo. A coisa mais importante sobre fazer isso é ter certeza de copiar muitos artistas, não apenas um ou dois ou três, porque se você copiar apenas um ou dois artistas, você corre o risco de se tornar uma cópia de um deles. Isso não é algo que você quer, é exatamente o oposto. Seu estilo tem que ser completamente único, não uma cópia de outra pessoa. Se você copiar 20 artistas em vez disso, ou até 10, todos eles influenciarão seu estilo. Você vai tirar as melhores partes de cada um e colocar suas próprias reviravoltas sobre ele. Ao fazer isso, você desenvolverá um estilo totalmente único e mágico próprio. É assim que todos os estilos originais nascem. Somos todos influenciados pelos artistas que vieram antes de nós. Quando eu estava começando aprendendo a desenhar, toda vez que eu via alguma obra de arte que, como eu copiava usando lápis e deixava um pouco de NM ao lado dele para mostrar que não é minha. As formas mais avançadas de copiar com a mesma mídia que os artistas usavam para aprender mais o meio e ver como eles fazem isso. Isso vai te ensinar muito sobre o meio também. O ponto é que copiar é totalmente bom e você deve fazê-lo para acelerar seu processo de aprendizagem. Apenas certifique-se de fazê-lo apenas para a prática e não saia por aí compartilhando isso como seu próprio trabalho e seu ouro. A razão pela qual este método funciona é porque o que você achar inspirador na arte é provavelmente o que seu estilo vai acabar parecendo, porque seu estilo é exatamente o que e como você gosta de criar. Tudo o que você mais ama, é o que você vai amar para criar mais. Prometo que cada artista lá fora é inspirado muitos outros artistas e, de fato, continuar a ser inspirado mesmo durante as carreiras profissionais e em diante. Especialmente quando eles estavam começando, eles tinham muitos artistas que os motivavam a fazer arte e que eles olham para cima e que eles queriam ser como. Esses artistas influenciaram muito seu estilo. Por exemplo, uma das minhas artistas favoritas quando eu estava começando com Katie Daisy, ela tem um sentimento caprichoso e feliz em seu trabalho. Mesmo que usemos meios diferentes e ilustremos de forma diferente, você pode dizer que meu trabalho é influenciado pelo dela, mas meu estilo não está nem perto da cópia dela. Nós apenas tivemos o mesmo sentimento positivo e nossa arte e gosta de pintar temas semelhantes. Eu amava tanto a arte dela porque este era o estilo que eu estava indo para. Tenho certeza que ela também tem artistas que a inspiraram antes e assim por diante e assim por diante. Outra coisa que eu recomendo fazer é obter uma conta do Pinterest ou Instagram e coletar arte inspiradora lá. Isso irá ajudá-lo a encontrar seus artistas favoritos e também irá alimentar sua mente subconsciente com muitas idéias e estilos diferentes. Quando me sinto sem inspiração, gosto de olhar através das minhas tábuas e vendo muita arte bonita, sinto que quero pintar novamente. No geral, não suar encontrar-se muito. Ele sempre vai crescer e se desenvolver e continuar a evoluir para toda a sua vida não está se escondendo em algum lugar e saber que você não está no azarado que nunca vai encontrá-lo. Você só tem que continuar criando e desenvolvendo fazendo o que você ama. Eu me lembro quando eu costumava me preocupar com estilo e eu pensei, uau, isso foi tão bobagem da minha parte, porque no final eu achei e estava sempre aqui e estava evoluindo lentamente. Basta seguir sua paixão e seu coração e você vai descobrir que estava com você o tempo todo. 13. Como preencher as lacunas: Nós passamos por muitas habilidades e conceitos essenciais que você precisa conhecer para ser um artista de sucesso e ser bom em seu ofício, mas isso não é tudo. Você é o mestre de sua jornada criativa. Você tem que descobrir o que você tem que aprender para fazer sua arte o melhor que pode ser. Pense nisso como se você fosse o professor e o aluno. Você tem que descobrir qual currículo você precisa, especificamente você, apenas para fazer sua arte crescer e torná-la melhor. Por exemplo, se você quer inventar personagem, é como realmente fazê-los a partir do zero, você tem que aprender anatomia e eu faria um monte de desenhos de gestos, eu faria um monte de pessoas estuda e você tem que aprender como roupas funciona e como ele goteja no corpo. Como você pode ver para mim especificamente, eu gostaria de desenhar como objetos naturais como alimentos, como kiwis ou como animais ou flores e pássaros. Para mim é mais como desenho observacional. Isso é o que eu pratico mais. Eu fiz um monte de estudos realistas e eu realmente prestaria atenção à iluminação e sombreamento e como o corpo de um animal é feito de formas e coisas assim. Eu poderia ir mais fundo nisso, se eu, por exemplo, fosse obcecado por cavalos, eu poderia aprender anatomia de um cavalo e então fazer minhas próprias poses de cavalo, se eu estivesse fazendo como um livro infantil de cavalos ou algo assim. Além disso, a mídia que uso e o estilo que uso também é muito importante. Por exemplo, para o meu estilo, eu tenho que tentar me soltar o máximo que eu posso e isso é apenas algo que eu tenho que praticar. Não é algo que eu possa ler em um livro. É apenas algo que você tem que sentar e colocar para praticar todos os dias e é assim que eu fico melhor nisso. É por isso que eu mesmo continuo evoluindo. A mesma coisa para você. Você tem que praticar o que você sabe, mas ao mesmo tempo desafiar a si mesmo. Pode ser muito ruim ter lacunas no seu conhecimento. Por exemplo, se você gostaria de desenhar pessoas e você não sabe como desenhar mãos, que é muito difícil. Eu não vou mentir. São muito difíceis de desenhar. Raramente desenho-os. Mas para mim é realmente observação toda vez e eu não posso fazer minhas próprias pausas de caneta, porque eu só tenho que olhar para minhas mãos, elas estão aqui, suas referências estão aqui. Mas a questão é, se você quiser desenhar pessoas e você não sabe desenhar mãos, você sempre pode ter seu povo com as mãos em seus bolsos ou algo assim. Ou se você quiser desenhar pessoas, mas você só sabe como desenhar a pose reta, você não vai ter uma grande variação em seu estilo de arte de diferentes poses e coisas assim. Você pode encontrar poses online, você não tem que memorizar tudo. Você pode encontrar fotos de referência on-line e tudo o que você precisa, mas o ponto é, colocar o tempo de prática em qualquer conjunto de habilidades que você tem que ter. Outro exemplo é se você quiser, digamos, fazer esboços urbanos ou você quer criar paisagens urbanas, você tem que aprender desenho em perspectiva e você tem que realmente olhar para um monte de paisagens urbanas e você tem que praticar desenhando-os o tempo todo para pegar o jeito deles e entender como eles se parecem. É assim que é com qualquer estilo que você tem lá fora com qualquer coisa que você quer fazer. Mas todos têm uma coisa diferente que gostam de desenhar e têm uma maneira diferente de fazê-lo. Você tem que descobrir o que você está perdendo em seu conhecimento, onde você tem lacunas? O que é difícil para você desenhar? que você sempre fica preso? São olhos, são narizes, são flores e você realmente gosta de desenhar flores, mas você é péssimo, você tem que descobrir isso. Então você tem que dedicar tempo e estudar muito esse assunto. O que eu faria é pegar um pequeno planejador ou um pedaço de papel e escrever o que você precisa aprender mais e, em seguida, dedicar um certo dia a cada coisa, ou você pode apenas dedicar um mês inteiro a uma coisa como mãos e depois ir para a próxima coisa. Seja qual for a maneira que funcionar melhor para você, ou talvez apenas ter uma lista na sua frente e então você pode escolher o que quiser que essa lista funcione naquele dia. Mas o importante é sempre desafiar a si mesmo, porque se não o fizer, ficará obsoleto e seu progresso será muito lento. Se você se desafiar, é muito mais rápido. Você verá resultados muito mais rápido e eles serão muito melhores. Certifique-se de desafiar a si mesmo, certifique-se de desenhar o máximo que puder e é sua responsabilidade como talvez você seja artista autodidata, talvez você tenha ido à escola, talvez seja um hobby, mas é sua responsabilidade descobrir o que você quer ser capaz de desenhar e aprender a fazê-lo. Quando fizer isso, sentir-se-á poderoso e poderá fazer o que quiser. Você nunca será ferido por ter muito conhecimento, mas você pode ser por ter muito pouco. Certifique-se de apenas cobrir todas as suas bases e, em seguida, você pode torná-lo tão estilizado como você quer e assim que você tem uma fundação para baixo e você aprender todas essas habilidades diferentes, seu trabalho vai olhar muito melhor mesmo se você tem super estilizado porque você conhece coisas como valores, a forma das coisas ou o que quer que seja que seu estilo precisa saber. Mesmo se você vai ser realmente caricatura como eu sou, você tem que saber o básico porque se você não fizer, seu trabalho vai sofrer. Apenas tire algum tempo todos os dias e aprenda um pouco. Sabe, você está na melhor plataforma de aprendizagem da internet, na minha opinião. Escultura tem tantos professores em tantos assuntos diferentes e você pode aprender o que você precisa aprender. Meu conselho é nunca parar de aprender, assistir tantas aulas quanto puder. Mas coloque o tempo de prática, porque se você não praticar, você vai esquecer e você não vai memorizar e você não vai realmente aprender. Pratique, aprenda e seu trabalho continuará a crescer cada vez mais. Basta colocar o tempo dentro. Meu conselho é ter um caderno de esboços para manter todo o seu trabalho. Você pode até torná-lo completamente privado nunca mostrar a ninguém como um diário. Então você sempre pode ver o seu progresso e basta preencher todas as páginas e apenas praticar todos os dias. Talvez ter um objetivo durante um skit por página por dia, talvez guardar 20 minutos pela manhã para a arte. Talvez, nos fins de semana meia hora a cada semana e dia ou se você está realmente tentando se tornar um artista profissional, você tem que colocar tempo em quase todos os dias. Certifique-se de encontrar uma maneira de colocar sua prática artística em sua vida e de estudar e aprender e crescer e apenas aproveitar o processo de se tornar melhor no que você está fazendo e apenas experimentando e crescendo. É uma sensação incrível e extremamente gratificante. Agora vamos falar sobre a coisa mais importante que todo artista precisa se você quiser lucrar com seu trabalho. 14. Como construir seu público: Agora vamos falar sobre como construir seu público e encontrar seu nicho. Não importa o que ele queria fazer como artista, se você não tem um público, é muito mais difícil ter sucesso. Se você olhar para todos os artistas de sucesso lá fora, você vai notar a maioria deles tem uma enorme mídia social seguinte. Nem todos fazem isso. Alguns deles têm apenas agentes de arte e freelance, mas ter um enorme seguidores pode realmente ajudar. Pode ser apenas Instagram ou YouTube, ou Pinterest, ou Twitter, ou Facebook. Você pode usar alguns desses, apenas um deles ou dois deles. Eu acho que neste momento atual de 2018, Instagram e YouTube são as plataformas de mídia social mais poderosas para artistas. Mas se algo mais funciona melhor para você, então use que outras idéias são Tumblr ou Dribbble ou qualquer outra mídia social que seja amplamente utilizada. Outra coisa que você pode fazer é aumentar listas de discussão apenas colocando um formulário simples em seu site. Isso garantirá que você tenha um acesso pessoal e direto ao seu público. Outra coisa que você pode fazer é iniciar um blog em seu site relacionado à arte. Escreva sobre o que quer que seja apaixonado. Pode ser sobre o seu processo criativo, revisões de suprimentos, ou você pode até mesmo fazer tutoriais. Ter um blog é uma ótima maneira de crescer porque as pessoas vão encontrá-lo através do Google e você pode até rentabilizar isso com afiliados. Falarei sobre isso na próxima lição. Estes são apenas alguns exemplos de por que ter site é benéfico. Você precisa especialmente de um se quiser parecer profissional e ganhar dinheiro como artista, já que é importante ter um e mostrar sua melhor e mais recente arte. Isso é chamado de seu portfólio. Isso não só fará com que você pareça um artista real para o seu público, mas também aumentará consideravelmente a probabilidade de cliente entrar em contato com você para trabalhar em um projeto. Mesmo que você não esteja interessado em fazer trabalho freelance, é sempre bom ter um lugar onde você possa trazer tudo o que você está junto. Existem inúmeros benefícios em ter seu próprio site e você não precisa saber como treinar para configurar um. Eu pessoalmente uso o Squarespace. Eu acho que é tão fácil fazer o que eu quero meu site sem qualquer conhecimento de codificação. Mas você não pode manter dados em um site até que você já tenha um portfólio de ilustração forte e alguns seguidores. O melhor momento para fazer um site é quando você estiver pronto para começar a lucrar. Porque uma vez que você lucrar, você pode tirar as despesas de seu site de seus impostos, você será autônomo. Esta lição não está aqui para mostrar como usar o Instagram ou o YouTube. Há toneladas de dicas e truques lá fora com uma rápida pesquisa no Google e há muitas aulas sobre o assunto encontradas aqui no Skillshare. Mas há algumas dicas que posso compartilhar com você. Primeiro, escolha uma ou duas plataformas e pense na frequência com que deseja criar novos conteúdos. Talvez um Instagram poste todos os dias e vídeos do YouTube uma vez por semana ou duas. Em seguida, faça conteúdo de alta qualidade. A qualidade sempre supera a quantidade. Fazer coisas de alta qualidade muito é a melhor maneira de fazer isso, mas isso pode ser esmagador para a maioria. Basta fazer o melhor disso para que você possa, em seguida, colocá-lo para fora. Se o seu material é bom, as pessoas vão encontrá-lo e eles vão assinar ou seguir você. Dito isto, é um processo lento e não desanime olhando para os números no início. Celebre cada novo seguidor porque essa é outra pessoa que está interessada em seu trabalho e seu estilo em você. Eu também não recomendo pensar em quem seu público é demais no início. Isso se tornará claro com o tempo. Você atrairá seu público de forma natural com o trabalho que você faz nas mídias sociais amor para mostrar estatísticas e quem segue seu trabalho. Não se preocupe muito com isso para começar. Isso também é importante para entender seu nicho e marca. Uma boa maneira de ter o coração disso é fazer perguntas como estas. Por que você faz arte? Por que você quer compartilhá-lo? O que torna sua arte especial? Como você quer que o espectador se sinta? Qual é a sua coisa favorita para ilustrar e porquê? Responder a essas perguntas ajudará você a tornar sua marca mais clara. Talvez goste de fazer coisas giras e só queres que as pessoas sejam felizes. Talvez você goste de detalhes extremos e quando as pessoas ficam admiradas. Ou talvez você faça quadrinhos que se especializam em anos 90 e histologia e faz tantas pessoas rirem. A questão é que você tem uma chance muito maior de ser lembrado e bem-sucedido se você sabe qual é a sua marca. Pense bem, a maioria dos artistas são conhecidos por algo específico. Como Katie Daisy mistura arte posit que está ligado à natureza e torna se você está feliz e otimista. Se você percorrer seu feed Instagram, você pode ver como tudo está relacionado à natureza e quão forte sua marca é. Ou que tal Peggy Dean, que também era professora de Skillshare. Observe o quão limpo seu feto é e você pode dizer imediatamente que ela faz tutoriais e desenhos passo a passo. Uma de suas paixões é ensinar. Ela é especializada em três coisas, letras, tintas e aquarelas. Ela tenta tornar a arte fácil como eu. Você pode ver tudo isso apenas rolando e também notar como Peggy realmente ama flores e trabalho botânico e letras pincel. Esses são os temas principais dela. Você pode dizer o sentimento de seu plano apenas olhando através e você pode ver que é para as pessoas que querem aprender e crescer sua arte. Lembre-se também de Lee Erickson da lição de teoria das cores. Observe como seu trabalho é tão coeso e você tem um certo sentimento quando olha para ele também. Algumas palavras que eu usaria para descrever seu trabalho são sonhadoras, fofas, felizes e mágicas. Ela também tem um tema que é seu favorito para pintar animais. Não vamos esquecer as cores impressionantes que se repetem e compõem sua marca. Você vê por que branding é tão importante. Não há problema em experimentar o máximo que puder ao procurar o seu estilo. Ao longo do tempo você ganhou a si mesmo até uma certa essência e, em seguida, você está pronto para compartilhá-lo com o mundo. Eu recomendo que você tire um momento para obter um pedaço de papel, e é apenas uma discussão sobre o que você acha que sua marca será sobre. Que palavras você acha que descrevem sua arte? Que palavras você quer descrever sua arte? Outra maneira de olhar é perguntar a si mesmo, qual é a minha missão pessoal com a minha arte? Fazer arte por causa da arte é ótimo, mas há algo muito mais profundo do que isso. Há uma razão para você querer ser um artista e há algo específico que é sua missão. Meu nicho e missão é ensinar outras pessoas a fazer arte. Mas se fores mais fundo, quero que todos sintam que podem fazer qualquer coisa. Quero que a arte seja fácil para as pessoas, mais clichê que pareça. Quero mudar o mundo e fazer mais pessoas fazerem arte e o outro lado da arte é animar as pessoas. Adoro usar cores vibrantes e pintar temas alegres e alegres e às vezes uso letras de pincel com mensagens positivas para tornar isso ainda mais forte. Na verdade, quando comecei a colocar minha arte lá fora, eu fiz isso no Tumblr com muitas peças minúsculas que me levavam cerca de 15 minutos por dia. Meu objetivo era fazer as pessoas mais felizes e mudar o mundo para melhor. Eu não ganhei dinheiro fazendo isso por receber um monte de mensagens de pessoas que inspiram a seguir, eles cresceram bastante pesado seguindo. Olhando para trás, foi como eu construí a marca e o estilo do meu público no início. Ponha-se lá fora e faça o que gosta de fazer. Sua missão se tornará mais clara e você descobrirá como sua marca e seu nicho se você ainda não tiver nenhuma idéia do que é sua marca, dê uma olhada em seus pontos fortes e sua personalidade, e talvez até pergunte a um ente querido que palavras usariam para descrever sua arte ou você. Meu maior conselho é fazer o que você ama, desenhar o que você ama, e tentar tudo o que você quiser. Você está em uma jornada de auto-descoberta e isso é uma coisa linda. O caminho ficará mais claro a cada passo. Na próxima lição, vou compartilhar minha história para mostrar como tudo o que você faz se conecta. 15. Minha história artística: Antes de passarmos por uma lista de como ganhar dinheiro como artista, quero compartilhar minha história com vocês, só para que vejam o que vejo quando olho para trás e conecto os pontos, porque acho que há algumas lições valiosas lá dentro. Uma coisa que eu quero salientar é que eu não vou mencionar todo o tempo que eu passei estudando meu ofício, todos os livros que eu li, todo o tempo que eu coloco em prática, e apenas ficando melhor no que eu faço. Eu não vou mencionar tudo isso, eu só vou mencionar as coisas que eu realmente tentei. Como você sabe na última lição quando eu estava começando, eu fiz um copo de obras de arte positivas, e eu atualizava todos os dias. Eu realmente adorei fazer isso. Foi muito divertido. Eu não ganhei dinheiro com isso, mas foi tão gratificante porque eu senti que fiz a diferença na vida das pessoas, porque eu recebi e-mails deles, e eu vejo como às vezes minhas postagens recebia milhares de notas e eu penso, Bem, eu não sei quantas pessoas viram isso, quantas pessoas teriam sido erguidas, e me senti muito bem, e eu amo fazer isso. Eu sabia que algo com isso era o que eu deveria fazer. Naquela época, eu também comecei a aprender design gráfico porque eu pensei, você não pode realmente ganhar dinheiro como artista, e que você tem que ser um designer gráfico se você quiser estar nesse campo. Eu queria ser assim, eu não sou o tipo de pessoa que realmente gosta de um ambiente de aprendizagem estruturado, eu gosto de aprender sozinho e escolher minhas próprias coisas para fazer, mas todos são diferentes. Eu estava aprendendo, e então comecei a fazer trabalho freelance. Eu gostava de logotipos e folhetos e odiei. Não há nada de errado em trabalhar com clientes, todos são diferentes. Mas percebi que não era isso que eu queria fazer. Eu tenho que fazer meu próprio conteúdo. Não gosto que me digam o que fazer e depois cumpram que não é a minha praia. Mas talvez essa seja a sua coisa, não estou dizendo que é uma coisa ruim, só estou dizendo que percebi algo sobre mim mesmo, e é por isso que eu realmente encorajo você a tentar coisas diferentes. Eu também comecei a fazer como pequenas comissões de arte neste momento e cobrando um pouco de dinheiro por isso. Isso realmente me ajudou a desenvolver minhas habilidades, e sair da minha caixa. Também neste momento eu comecei a fazer Threadless. Threadless é uma T-shirt como design competição coisa, e você está fazendo tipo de parece como gráficos engraçados sobre eles como gatos e apenas coisas engraçadas. Eu adorei o desafio disso, e eu sempre vou torná-los um ilustrativo com digital, e eu percebi que eu realmente não gostava de trabalhar no Illustrator tanto quanto eu fiz meu pequeno post tumbler. Percebi que a mídia tradicional era mais para mim. Ao mesmo tempo, eu percebi que eles tinham levado a diferentes competições, aqueles abertos onde você poderia fazer o que quiser, e aqueles temáticos onde eles têm um tema para você. Eu percebo que eu não gostava de fazer os temáticos, então eu realmente gosto de ser aberto e não ser colocado em uma caixa em tudo. Não sei por que, mas minha criatividade sempre vem disso e é como se eu não controlasse. Algo me diz o que fazer, algo fora de mim. É assim que se sente. Se algo me diz o que fazer, não posso ser criativo. Ao fazer tudo isso, eu estava aprendendo mais e mais sobre mim mesmo. Eu não queria nenhuma competição Threadless, mas eu estava competindo com os melhores artistas de todo o mundo. Eu não estou surpreso. Eu não era tão bom naquela época, nessa época, eu decidi tentar a faculdade atrás. Acabei de ir para uma faculdade comunitária que teve algumas aulas de arte. Eu só fiz algumas aulas de arte só para ver como era. Percebi que odiava canetas texturizadas ambiente de aprendizagem novamente, quero dizer, algo sobre você ser repetido algumas vezes para entender isso. Mas algo realmente bom saiu disso, porque eu fui desafiado a fazer grandes obras de arte realistas como estudos de vida das coisas. Como eu fiz isso, percebi que era mais habilidoso do que pensava e eu realmente atrapalhei as habilidades de observação. Isso ajudou a me desafiar, e fizemos esses exercícios de desenho que também me ajudaram a me soltar. Percebi a importância de fazer exercícios, e é por isso que eu disse a vocês que eles são super importantes. Havia também uma dica sobre o que eu deveria fazer a seguir quando eu estava na escola, eu expliquei algo para um aluno sobre ser um Watercolorer. Então outro aluno me disse, você deveria ensinar, e eu disse, “Oh, não, isso é uma péssima idéia. Eu seria uma péssima professora”. Sim, aqui estamos nós. Mas é engraçado, porque eu tinha essa dica e eu apenas dei os ombros. E se eu nunca tentar ensinar? Só porque me limitei. É por isso que não se limitam e tentam tudo. Você não sabe o que você gosta até tentar, você não sabe no que você vai ser bom até tentar. Apenas dê uma chance a tudo. Depois de algumas aulas, percebi que não era por mim e desisti. Depois tentei transmitir no Twitch.tv. Eles têm uma seção criativa onde você pode postar pinturas e arte. Houve muita diversão. Eu faria como obras de arte enquanto falava com as pessoas por horas. Eu faria obras de arte que demoravam mais tempo a fazer do que as minhas pequenas peças. Levei mais a sério sobre eles. Na verdade, não saber se eu estava construindo meu portfólio de ilustração enquanto fazia isso, e também minha confiança em falar na frente de uma câmera. Também tenho todo o equipamento que precisava para preencher a minha primeira aula de Skillshare. Eu também estava trabalhando com vídeos, como descobrir, como saber onde colocar minhas câmeras, quando eu fiz minha arte, e coisas assim, e eu estava aprendendo muito. Foi divertido e eles me fizeram construir minha confiança porque, 40 pessoas sintonizavam de cada vez e assistiam a pintura. Percebi que talvez eu não tenha conseguido o suficiente. Talvez o crítico na minha cabeça possa ficar quieto agora, e eu sei o que estou fazendo. Fiz um ano disso e depois desisti porque deixou de ser divertido, e sempre caiu na paixão. Sei que sou um desistente, mas só estou seguindo minha paixão e perdendo algo. Mas neste momento eu realmente não sabia o que fazer. Lembrei-me que o Skillshare me enviou um e-mail há alguns anos para dar uma aula, e eu os ignorei porque pensei que ainda não sou bom o suficiente. Eu fui ao site deles e vi que eles tinham um desafio de ensinar e eu pensei, talvez eu devesse tentar dar uma aula de aquarela porque as pessoas complicam demais e eu queria torná-lo simples e mostrar que qualquer um pode fazer isso. Fiz minha primeira aula e mal dormi, e estava obcecado com isso. Quando eu terminei, eu trabalhei tanto, e agora é como pensar, se ninguém assistir isso, e se eu realmente fiz um trabalho muito ruim? Teve uma resposta tão boa. Eu estava tão feliz porque eu estava tão apaixonado por fazer isso, e eu percebi que eu finalmente encontrei minha paixão e meu nicho. Depois disso, continuei fazendo mais e mais aulas. Quero voltar à cena da construção da plateia. A razão pela qual eu tenho meus primeiros alunos que você precisa de tendência no Skillshare foi porque eu tinha um grande público no Tumbler e eu fiz um sorteio lá. Mas a maioria não se juntou à turma, como talvez 20 pessoas. O problema era que eu tinha 13 mil seguidores, mas todos eles não estavam interessados em aprender arte. É por isso que é importante criar um público específico para o que você quer fazer e o que você deseja fornecer. Mas naquela época eu não sabia que ia ensinar. Então não posso me culpar. Mas ter essa audiência, mesmo que apenas algumas pessoas se juntassem, realmente me ajudou porque essa era a única razão pela qual eu poderia tentar. A única razão pela qual muita gente viu minha aula do Skillshare mais tarde. Depois do sucesso da minha primeira aula, continuei fazendo aulas, fazendo aulas e fazendo aulas. Eu estava obcecado. Eu adorava fazer isso tanto. Eu poderia finalmente fazer renda normal como artista e não me preocupar com isso. Olhando para trás, eu percebi que tudo o que eu fiz em que eu falhei ou desisti, eram realmente habilidades super importantes, e foram a razão pela qual eu fiz uma aula de Skillshare tão bem sucedida. Pense sobre isso. Eu aprendo design gráfico, que é super importante para fazer pequenas miniaturas para as aulas, e as imagens de capa, e como enquadrar suas fotos e tudo mais. O design gráfico é muito importante também na própria arte. É por isso que eu ensinei a vocês esses princípios básicos. A próxima coisa que aprendi foi, como usar o Adobe Photoshop e efeitos secundários ilustrados. Por causa disso, eu poderia aprender a usar premier muito mais fácil porque eles são todos muito semelhantes. Então a edição de vídeo não era uma curva de aprendizado tão íngreme para mim, como seria para outra pessoa. É novo nisso. Também eu tinha todo o equipamento de streaming e que ajudou. Também eu construo meu portfólio de streaming que eu poderia mostrar o meu trabalho. Que esforços eles fazem classe eu vou mostrar que, eu sei como fazer arte. É apenas tudo construído a partir de tudo o que eu tentei passar. Porque eu tentei todas essas coisas diferentes, eu aprendo cada vez mais sobre mim mesmo, e quem eu sou e o que eu gosto de fazer, o que eu não gosto de fazer, e por causa disso, eu sei onde concentrar minha energia. A única maneira de aprender tudo isso é tentar coisas diferentes. Encorajo-o a tentar o que lhe interessa a qualquer momento, ser apaixonado por isso, experimentá-lo. Se você não gosta, você quer algo novo. Se você não gosta de algo que aprendeu sobre o que gosta, porque eu não gosto, por exemplo. Não gosto de ter um resumo criativo. Não gosto que me digam o que fazer. Eu sei que para um fato que eu gosto de liberdade, eu gosto de trabalhar para mim mesmo, eu gosto de ser uma cratera completamente e não ter ninguém me dizer o que fazer. Sabendo o que não quer, sabe o que não quer. Dê tudo o que puder uma tentativa. Você se beneficiará muito de cada experiência, você aprenderá algo novo. No final, você nunca sabe como os pontos vão se conectar e o que você vai fazer no futuro a partir das habilidades que você aprende em seu passado, apenas tentando coisas diferentes. O que vem a seguir na minha jornada? Eu não sei, eu estava pensando em fazer um aplicativo para iPad, livros infantis, há um monte de coisas que eu fico pensando em fazer. Estou tão obcecado em fazer aulas, e ainda vou fazer isso, mas vou começar a tentar ramificar mais, e porque tenho a estabilidade do Skillshare, e é uma renda, não preciso me preocupar sobre isso tanto. Pode ser tão criativo quanto eu quiser, o que eu quiser fazer. Sou tão grato por dar uma chance ao ensino e não me assustei e duvidei de mim mesmo e por ter tentado. Tentem quantas coisas puderem, rapazes. Eu não posso enfatizar a importância disso porque se eu não tivesse dado uma chance de ensinar, eu não estaria aqui agora. Seria um mundo muito triste para mim. Talvez alguns de vocês que se inspiram no meu estilo de ensino, e eu não sabia que tinha a habilidade. Apenas dê uma chance. Sua jornada será diferente da minha, de qualquer outra pessoa, mas você tem que começar em algum lugar. Apenas faça coisas que importam. Experimente o máximo de coisas que puder e divirta-se. Na próxima lição eu vou mostrar a vocês diferentes maneiras de ganhar dinheiro, e essas são todas as coisas que você pode experimentar e ver o que funciona para você. 16. Diferentes maneiras de ganhar dinheiro: Esta lição é para aqueles que aspiravam a ser artistas profissionais ou já são artistas profissionais, ou mesmo se você está apenas curioso de como os artistas podem ganhar dinheiro. A verdade é que, graças à internet, há uma infinidade de maneiras de lucrar com sua arte. Todos os artistas de sucesso lá fora têm seu próprio caminho único que eles esculpiram com base em sua marca e no que eles gostam de fazer. A maioria dessas maneiras exigindo audiência estabelecida. Normalmente é o primeiro passo, mas alguns não gostam de trabalho freelance. Meu conselho é começar agora e tentar tantas maneiras diferentes quanto você puder para descobrir o que é que você gosta de fazer. Quando você encontra aquela coisa que você é apaixonado e que você ama fazer, aquela coisa que não parece trabalho e você pode fazer o dia todo, então se concentrar totalmente nisso. Também não tem de ser só uma coisa. A maioria dos artistas faz várias coisas ao mesmo tempo. Esta lição, eu vou te dar toneladas de idéias e como ganhar dinheiro. Consegui isso observando como outros artistas ganham a vida. Encorajo-vos a observar como os vossos artistas favoritos também o fazem. A maioria dos artistas se misturam e combinam de maneiras diferentes e todos se somam. Mantenha sua mente aberta e tente muitos como você pode. Lembre-se que eu não sabia se eu seria um bom professor, mas eu estou tão feliz que eu tentei. Da mesma forma, você pode não saber o que fazer, mas uma vez que você tentar, você vai ter certeza se é a coisa certa para você, e se não for, você pode tentar outra coisa até encontrar aquela coisa que você realmente gosta de fazer. Antes de começarmos a lista, quero dizer mais uma coisa. Não se esqueça de que todas essas maneiras exigem muita perseverança, dedicação, trabalho duro e habilidade. Você tem que chegar ao ponto em que você é bom o suficiente para cobrar por sua nave. Isso não significa que você deve esperar até o seu perfeito. Significa que não deve se decepcionar se não tiver sucesso e não estiver pronto. Você está aprendendo com tudo o que você tenta. mais importante é a perseverança, porque um dia você será mais do que bom o suficiente e você vai realizar tudo o que você sonha e muito mais. A primeira maneira é quando a maioria dos artistas oferecem no lado ou como sua principal fonte de renda, é vender impressões ou originais de seu trabalho. Existem duas formas principais de vender impressões digitais. O primeiro é obter uma impressora e imprimi-lo sozinho e vendê-lo em um site como Etsy, Bigcartel, ou seu próprio site. Se você tem um grande seguidores fazendo isso sozinho é viável através de seu próprio site. Se você não faz com recitar como S8 porque você tem uma grande chance de as pessoas descobrirem suas impressões e seu trabalho quando eles fazem pesquisas no site. Você só terá que pagar uma pequena porcentagem para Etsy para cada venda. listagem de itens é gratuita. Se você não quer lidar com a agitação de impressão e envio, você sempre pode vender em um site impresso sob demanda como Society Six, você só recebe um par de dólares por cada venda e os lucros são muito mais lentos, mas tudo o que você tem que fazer é carregar seu trabalho e também teve a mesma conveniência de ser pesquisável como Etsy e Sociedade seis, você também pode imprimir em adesivos, sacos, canecas, e assim por diante. Eles também mantêm vendas muitas vezes enviam e-mails sobre eles para que você possa notificar seus seguidores se você quiser aprender mais sobre a Sociedade seis, eles já fizeram uma aula apenas para compartilhar habilidades sobre eles. Se você não quer a Sociedade seis, existem outros sites e há toneladas de outras classes sobre sites impressos sob demanda. Você quer vender trabalhos originais, olhando para outros artistas com seu público escalável e o mesmo meio e químicos e ver como eles valorizam seu trabalho. As pinturas em aquarela, por exemplo, geralmente vendem entre US $50-300, mas as pinturas acrílicas Euler em uma tela grande, vendem muito mais de centenas a milhares de dólares. Isso também depende de quão famoso o artista é. Se você quer se tornar uma galeria de arte artistas, você pode tentar mostrar seu trabalho em galerias, especialmente se você tem uma coleção e você pode até mesmo apenas fazer isso localmente. O problema é que isso é muito competitivo. A boa notícia é que há muitos sites de arte. Eu vou deixar você listar seu trabalho gratuitamente e são uma ótima maneira de ser descoberto por colecionadores se é isso que você quer fazer, você pode preço seu trabalho a preços de galeria e muitas pessoas viram seu trabalho desta maneira. Não tenha medo de aproveitar a Internet. Ficaria surpreso com quantos colecionadores encontram sua arte online. Se você decidir vender peças grandes on-line, apenas certifique-se de descobrir como enviar suas peças maiores com segurança. Outra coisa nesta categoria são as comissões. Comissões são uma ótima maneira de fazer renda extra e obter tempo de prática e com seu estilo pessoal, as comissões geralmente são mais caros do que os originais porque eles são feitos sob medida. Alguns artistas fazem certos temas, como retratos de animais de estimação ou retratos de pessoas, ou você pode deixá-lo aberto. A próxima coisa que eu vou falar sobre laços com isso. Patreon é uma ótima maneira de os artistas ganharem renda extra de seus fãs e apoiantes. Artistas podem oferecer lágrimas e apoiantes fazer pagamentos mensais e obter os benefícios dessas lágrimas. Você também pode oferecer príncipe, cupons de compras ou comissões, ou até mesmo uma assinatura de newsletter apenas para clientes ou até mesmo apenas vídeos apenas para clientes ou tutoriais. Você também pode especificar quantos pontos você tem disponíveis em cada camada. Se é algo como comissão, patrono compõe uma grande quantidade de muitos rendimentos de artistas. É importante perceber que não é tão eficaz se você ainda não tem o tamanho médio ou grande que é dedicado ao seu trabalho. Como eu disse antes, ter uma audiência é a coisa mais importante. Se você não tiver um, faça seu objetivo número 1 fazendo muitos conteúdos gratuitos no início. Se você quiser aprender mais sobre patria felizmente para você, eles já fizeram uma classe de compartilhamento de habilidades. Você provavelmente já sabe disso, mas o YouTube é outra maneira de obter renda extra. Normalmente, o pagamento é de um dólar por 1.000 visualizações. Isso significa que para ganhar US $1.000, você tem que obter um milhão de visualizações, que é muito, especialmente para vídeos relacionados à arte. Não é a melhor maneira de fazer uma renda, mas é uma maneira incrível de construir um público. Eu recomendo que você comece um. Você também pode fazer marketing de afiliados, que é quando uma empresa paga você para gerar tráfego ou venda para sua empresa. Uma maneira fácil de fazer isso é com os links de produtos da Amazon. Tudo que você tem que fazer é se tornar um atleta aplicando e você terá uma pequena porcentagem de cada venda. Você verá que quase todos os YouTube fazem isso. Eu fiz isso também porque eu tenho todos os meus suprimentos na Amazon. Uma vez que você ficar grande o suficiente no YouTube você também pode ser patrocinado por empresas que dão um link especial que dá ao espectador um desconto e os artistas que comissão ou eles pagam os artistas com base na quantidade de visualizações no vídeo recebe ou ambos. Se você seguir este caminho, certifique-se de trabalhar apenas com empresas em que você mesmo acredita. O YouTube [inaudível] pode levar algum tempo para criar um público. Uma vez que o faça, pode ser rentável. Não se preocupe se ainda não tiver um. Há outras coisas que você pode tentar nesse meio tempo. As competições de arte de designer são uma ótima maneira de colocar suas habilidades à prova. Se você fizer coisas como Threadless e for publicado, você terá um fluxo de renda passiva recorrente chegando com cada camisa vendida todos os meses. Terceira lista pode ser a sua rota se você gosta de tees gráficos, mas especialmente os engraçados com trocadilhos [inaudível] arte, mas também eles imprimem trabalho sério para, eles geralmente têm um par de competições de equipe ou você pode apenas entrar em uma coisa aberta. Às vezes, grandes empresas realizam competições de design e se você ganhar, você ganha um cliente enorme. Apenas certifique-se de manter um olho para eles. Essas coisas são extremamente competitivas, mas não faz mal tentar e você vai construir suas habilidades no processo. O trabalho do cliente também é algo que você pode procurar ativamente. Diferentes clientes se especializam em coisas diferentes, como às vezes eles estão procurando alguém para ilustrar algo para uma garrafa de vinho ou para ilustrar um livro infantil, ou até mesmo padrões para roupas. Ou você pode até trabalhar com uma empresa que faz material de arte. Quando você vai fazer compras, olhe em volta e veja toda a arte que alguns produtos e pense para si mesmo que alguém fez isso. Se você quiser fazer o mesmo, certifique-se de ter um portfólio sólido primeiro. Uma vez que você tem um portfólio forte que mostra seu trabalho em, tem um estilo forte, você pode então obter um agente de arte. A desvantagem disso é que eles vão receber uma comissão de cada trabalho que você conseguir, mas eles vão te dar trabalho. Ou você pode até mesmo levar as coisas em suas próprias mãos e e-mail clientes diretamente e dizer-lhes por que eles devem trabalhar com você e quem você é. Tenho recebido e-mails de clientes se estou no Instagram ou no YouTube ultimamente. Certifique-se de se expor ativamente e construa seu público ao mesmo tempo, porque os clientes também o encontrarão dessa maneira. A outra coisa que você pode fazer é vender ativos em sites que mercado criativo. Um ativo pode ser qualquer coisa, desde ilustrações, modelos de logotipo ou até mesmo fontes. Você ganha dinheiro toda vez que alguém compra e isso pode somar. A outra ideia que falamos anteriormente é começar um blog, especialmente se você gosta de escrever. Não só isso será lucrativo através do marketing de afiliados, mas você pode construir seu público dessa maneira. Ele vai abrir um monte de portas para você porque as pessoas vão pesquisar e encontrar o seu trabalho. Ou você pode dar aulas online como eu faço. Ou talvez até ensinar oficinas na sua área. Ou se você tem um diploma de arte, você pode ensinar em uma escola ou uma faculdade. Há também maneiras de lucrar com habilidades específicas em combinações. Como se você é maior em letras de escova e coloração de água, você pode fazer convites de casamento artesanais. Se você tem um sonho específico trabalhando na Pixar, esse cara é um limite. Se esse é o seu objetivo, vá em frente. Claro que não será fácil porque o melhor dos melhores trabalha lá. Mas se você encontrar sua paixão e colocar o trabalho e você pode fazer qualquer coisa, meu conselho é não se preocupar com o sucesso, especialmente no início. Se você ama fazer o que faz e perseverar, você terá sucesso no final. Tome os artistas Dallas Clayton como exemplo. Ele escreveu e ilustrou um livro infantil chamado An Awesome Book. É super peculiar e tem uma mensagem doce. É diferente de tudo que eu já vi antes. Ele tentou publicá-lo, mas ele foi recusado por várias editoras. Ele não desistiu. Ele autopublicou-o e ofereceu-o gratuitamente online. Ele vendeu milhares de livros, e agora ele tem um contrato de livro com Harper Collins e Kindle Book Press. Desde então, ele fez muitos outros livros que tocam e inspiram pessoas ao redor do mundo. Ele está vivendo sua missão pessoal e seu sonho. Tudo começou seguindo sua paixão e não desistindo, mesmo quando as pessoas lhe diziam que ele não era bom o suficiente. Este é apenas um exemplo e você pode dizer, “Oh, ele teve sorte”, mas eu não acredito em sorte. Acredito em acreditar em si mesmo e fazer o que gosta de fazer. Basta ir lá fora e fazê-lo e não se preocupe tanto se você não sabe o que você vai fazer no final, tentar fazer essas coisas incríveis que você pode, quem sabe? Talvez você também publique um livro infantil e tocou inúmeras vidas. Ou talvez você comece um podcasts de criatividade e faça o mesmo. Talvez você receba oficinas de arte em todo o mundo. As possibilidades são infinitas. Existem inúmeras maneiras de construir uma carreira artística e o caminho de todos é único. Lembre-se da minha história e de quantas coisas diferentes eu tentei antes de encontrar o meu caminho e ainda estou encontrando o meu caminho. Não se preocupe muito com isso. Viva o momento, aproveite o passeio e tente o máximo de coisas que puder. Você chegará lá com o tempo. Apenas persevere, não se limite e faça o que ama. Agora vamos terminar a aula com alguns conselhos de despedida sobre coisas como o nosso bloqueio e ciúme. 17. Conselho final: Agora que a aula está chegando ao fim, vamos falar sobre alguns tópicos super importantes, como ciúme. Costumava ter tanta inveja dos artistas que vi no Instagram. E eu: “Como é que isso parece tão bom? Como é que eles fizeram isso? Eles nascem assim, nunca poderei ser tão bom quanto eles.” Foi uma tolice olhar para trás porque eles dedicaram muito tempo ao que estão fazendo para chegar a esse nível. Eu ter ciúmes é ridículo porque eu posso obter esse nível também se eu apenas colocar o tempo dentro Lembre-se que todos os artistas lá fora, não importa o quão talentosos eles possam parecer, eles estavam um dia olhando para o Instagram ou o que estava por aí e pensando, “Cara, olha para esses artistas, eu nunca poderei ser tão bom quanto eles.” Mas em vez de ficar com ciúmes e deprimidos com isso e simplesmente desistir da arte, eles realmente pegaram seu pincel e lápis e trabalharam mais para isso. Eles ficaram motivados a serem tão bons quanto aquela pessoa. É por isso que estão. Então você tem que ser motivado por outros artistas, ser inspirado por outros artistas. Não tenha ciúmes deles porque é bobagem, porque todos nós temos algo especial e único para oferecer ao mundo. Estamos todos nessa jornada juntos, estamos todos fazendo a diferença no mundo e somos todos irmãos e irmãs que estão interessados nos mesmos tópicos e fazendo as mesmas coisas, mas de uma maneira completamente única. Você tem algo completamente único que ninguém mais pode oferecer ao mundo, mas você tem que descobri-lo trabalhando nele e trabalhando nele e trabalhando nele e trabalhando nele e trabalhando nele. Confie em mim, não é uma competição. Há mais do que suficiente de tudo para dar a volta e você só tem que se tornar bom em seu ofício. Isso é tudo que seu objetivo tem que ser. Apenas seja inspirado por outros artistas. Não deixes que isso te desmotive. Inspire-se em como eles são bons e como você pode ser bom um dia. A próxima coisa que vamos falar é sobre burnout. Tive uma experiência muito desagradável com burnout há um mês e meio. Eu, como você sabe, fiz um monte de aulas e eu estava tão obcecado com isso. Às vezes eu fazia duas aulas por mês, uma vez eu fazia três aulas por mês, mas eram curtas. Mas eu estava louco por isso porque eu adorava. Chegou ao ponto em que se tornou um hábito e eu comecei a ficar queimado e eu estava me forçando a fazer aulas. Tornou-se um trabalho em vez da minha paixão. Sentia-me queimado, mas não fazia uma pausa e forçava-me a fazê-lo. Se eu tivesse feito uma pausa, se tivesse tirado uma semana ou duas semanas de folga, eu teria ficado bem. Mas eu não fiz, então eu continuei adiando e adiando e ignorando, ignorando minha intuição, como eu me sentia. Até que um dia, não consegui pegar um pincel, um lápis ou qualquer coisa, porque senti que nunca mais queria fazer arte. Isso foi aterrorizante porque ouvi histórias de pessoas que se queimam e mudam de carreira ou de vida, e eu não queria ser uma dessas pessoas porque arte é o meu tudo e sem ela, estou incompleta. O que eu fiz foi parar completamente de fazer arte em todos os sentidos. Eu não pensei sobre isso, eu não fiz nada relacionado a ele e eu apenas fiz completamente outras coisas. Esqueci-me completamente disso. Eu só estava deprimido. Eu estava tão deprimida porque eu estava com medo de que isso fosse tudo para mim. Mas continuei acreditando que vai passar, vai passar. Levei um mês e uma semana, mas finalmente me senti muito melhor. Acordei uma manhã e pensei : “Posso pensar na arte e sinto-me entusiasmada com isso.” Foi embora porque deixei minha mente descansar completamente de ser criativa. Sei que parece produtivo. Pense nisso, sua mente é igual ao seu corpo. É como um músculo. Se você continuar trabalhando nisso o tempo todo sem fazer uma pausa, você vai ficar exausto, você não vai se sentir bem. Você precisa fazer pausas para digerir o que você aprende, processar e apenas curar. Na verdade, a pesquisa mostra isso, eles mostram que as pessoas criativas têm que fazer pausas para ter uma vida gratificante e evitar burnout. Então, se você sentir que precisa de uma pausa, se você acha que está começando a acontecer, faça essa pausa. Não sejas como eu e depois tens de tirar um mês de folga e não fazer mais nada. Não force porque corre o risco de perder a paixão por isso. Agradeço a Deus que a perdi temporariamente, mas foi tão aterrorizante pensar que poderia ter sido permanente. Então não force isso, tire seu tempo livre e faça o que quiser. O engraçado é que a minha criatividade voltou e com ela tive um sonho com esta aula. Eu estava tipo, “Estou pronto para fazer aulas de novo”, porque eu tive um sonho sobre isso e isso nunca aconteceu antes. Então é engraçado como a criatividade funciona e como o burnout funciona, e como sua mente subconsciente está sempre funcionando mesmo que você não possa vê-lo. Você está recebendo ideias geradas lá o tempo todo. Se tentar forçar uma ideia, não vai funcionar. Você tem que estar passeando com seu cachorro ou tomando banho para que essa idéia venha até você. Se você ficar sentado olhando para uma página em branco, não vai funcionar. Não é assim que funciona. A criatividade é super misteriosa e estranha e você não pode forçá-la. Você só tem que rolar com ele, e você tem que aceitar, e você tem que ouvir isso. Normalmente, o bloco de arte é burnout. Mas se você tem um bloco de arte e você não faz muita arte, você não deve estar cansado, então provavelmente é outra coisa. O que você deve fazer é desenhar qualquer coisa. Basta fazer um estudo de vida, fazer um esboço, fazer um exercício, e é assim que você vai ficar melhor nisso. Você vai melhorar suas habilidades e durante este tempo, seu cérebro vai começar a ser mais criativo novamente lentamente e as rodas estão girando todas as suas boas idéias novamente. Você só desbloqueia um pouco. A próxima coisa que quero falar é sobre confiança e síndrome do impostor, e coisas assim. Síndrome do Impostor é quando as pessoas que são profissionais, no topo de sua área, são incríveis, não acham que são boas o suficiente. Acho que são uma fraude. Acho que eles vão ser pegos um dia, que eles não sabem o que estão fazendo. Mas a verdade é que ninguém sabe o que estão fazendo no campo criativo porque é tão alusivo, estranho e aleatório. Criatividade não é algo que possamos controlar. Meu conselho é estar confiante, porque quando você não tem confiança, você pode parar de fazer muitas coisas. Nunca dói ter muito, mas dói não ter nenhum. Não estou dizendo para não ser humilde, claro, ser humilde, mas acredite em si mesmo. Acredita na tua arte, na tua habilidade, tua jornada e no teu espírito. Você tem que acreditar em si mesmo. Se você não fizer isso, ninguém mais fará, e você nunca fará o que quer fazer. Meu conselho é fingir até você conseguir. Pense em como seus artistas favoritos se sentem. Eles se sentem como se tivessem realizado algo incrível? Eles se sentem como se fossem os melhores? Talvez eles não o digam, mas eles se sentem assim? Eles se sentem animados para se sentar e trabalhar em uma página em branco? Finja ser essa pessoa. Finja ser bom o suficiente. Finja ser tipo, quer saber? Sou o melhor no que faço. Mesmo que seja mentira, você vai se sentir melhor e vai aumentar sua confiança. Porque a falta de auto-estima é realmente difícil de ter sucesso como artista com ele, e você provavelmente vai ter trabalho livre e coisas assim que você não deve fazer. Confie em mim, eu não acreditei em mim por muito tempo e apenas com algumas das minhas experiências que eu finalmente comecei a acreditar em mim mesmo e com as pessoas me dizendo. Mas não deveria ter sido assim. ter acreditado em mim mesmo desde o início. Não preciso que alguém me diga alguma coisa. Mesmo que eu não fosse bom o suficiente, eu deveria saber que um dia eu vou ser porque eu coloquei o trabalho duro e eu vou chegar lá. Você tem que acreditar em si mesmo. Se você é o artista mais talentoso do mundo, mas você não acredita em si mesmo, você não vai compartilhar seu trabalho. Você não vai tentar coisas diferentes e ninguém vai descobrir você porque você está se escondendo. Você tem que sair de sua concha e mostrar seu trabalho para o mundo e apenas fazer o seu melhor. Sei que às vezes você tem problemas psicológicos como as pessoas no passado te disseram que você não é bom o suficiente ou artistas morrem de fome ou algo assim. Confie em mim, muitas pessoas me disseram que artistas não podem ganhar dinheiro e que eu deveria repensar minhas escolhas de carreira e que eu não sou bom o suficiente e eu não os escutei. Eu só continuei fazendo o que eu queria fazer porque eu sabia que era isso que eu queria fazer. Eu era tão apaixonada por isso. Então siga sua paixão, faça o que ama e acredite em si mesmo. Isso é tudo para o meu conselho que eu pensei que iria beneficiar a maioria das pessoas. Mas se você tem algo específico que você quer perguntar, apenas deixe na seção da comunidade da turma ou me envie um e-mail e eu responderei a você. Com isso, vamos terminar a aula. 18. Projeto final e despedida: Então a aula está chegando ao fim e eu espero que você tenha gostado e tenha tirado muito dela. Eu sei que ser um artista pode ser complicado e não saber para onde ir a seguir e o que não. Mas espero que te tenha ajudado e espero que tenhas uma ideia melhor do que fazer a seguir e acredites em ti mesmo e que estejas entusiasmado por estar nesta jornada. Se você quiser compartilhar uma jornada criativa com o resto da turma, outros aspirantes a artistas, você pode fazer um projeto na galeria do projeto, e colocar o que quiser lá. Você pode compartilhar seus cadernos de esboço, mostrar como seu estilo evoluiu ao longo dos anos, dar seu próprio conselho. Fale sobre lutas artísticas que você está passando, o que você quiser fazer. Você pode colocá-lo na galeria do projeto e haverá um lugar tão divertido para aprender e compartilhar e ver como outros artistas agem e pensar exatamente como você faz. Você também pode compartilhar suas mídias sociais. Exercício de desenho se você segui-los muito na classe ou qualquer outra coisa que você quer fazer, até mesmo suas próprias dicas e truques que você aprendeu com o seu ofício. Quero que os projetos de todos se inspirem uns aos outros e se elevem mas não se preocupe se você é tímido demais para compartilhar qualquer coisa. Isso é completamente bom. Meu conselho é checar coisas de outras pessoas, porque talvez você o faça corajoso o suficiente para compartilhar. Mas se não estiver, não se preocupe com isso. Talvez você não esteja pronto e tudo bem, mas espero que um dia você esteja porque confie em mim, compartilhar é tão gratificante. Nossas jornadas apenas pessoais. Você sabe quando estará pronto. Então, com isso, espero que tenha gostado da aula. Se você tiver alguma dúvida, deixe-os na seção da comunidade da classe e se você quiser aprender mais comigo, você pode verificar em minhas inúmeras outras aulas em diferentes meios de comunicação, de tinta, para aquarela, para desenho e assim por diante. Eu vou apenas [inaudível]. Lembre-se que você também tem acesso a milhares de outras classes de professores incrivelmente talentosos. Certifique-se de tomar o máximo que ele puder, mas lembre-se de praticar o que você aprende. Você só pode aprender fazendo caras. Então coloque o tempo e você verá os resultados. Então, com isso, vou me despedir, espero que tenham gostado da aula e nos vemos na próxima.