Noções básicas de fotografia DSLR — do automático ao manual

1. Introdução: Vou te ensinar o básico da fotografia que você possa tirar fotos melhores, e progredir como fotógrafo. Meu nome é Evangelos Anagnostou, e sou cinegrafista e fotógrafo que adora filmar pessoas e paisagens. No curso de hoje, discutiremos os conceitos básicos da fotografia. De entender como nossa câmera funciona, seremos capazes de entender o que é exposição e como podemos obter a exposição ideal para uma ótima imagem. Eu realmente acho que a fotografia, não é ciência de foguetes. Não é assim tão difícil. Depois de ter descoberto o básico, e com um monte de prática, tentativa e erro, você será capaz de tirar fotos incríveis. Mas vamos ter um retrocesso. Esse sou eu, um garoto de 14 anos, comprando minha primeira câmera compacta, e começar a documentar minha vida. Naquela época, minhas fotos são péssimas. Eu não sabia como definir as configurações da minha câmera. Eu estava filmando no modo automático, minha composição estava muito ruim, e eu não estava contando nenhuma história. Foi só quando entendi o básico da fotografia que comecei a melhorar minhas fotos. Depois de explorar o que é composição, e uma vez que eu aprendi o material técnico da fotografia, o que é abertura, o que é velocidade quebrada, o que é ISO, só então eu comecei a ter controle criativo sobre minhas fotos. O objetivo é que você deve ser aquele que decide como suas fotos vão acabar. Resumidamente agora, neste curso, descobriremos como escolher as configurações corretas da câmera para obter uma exposição ideal, como usar o foco manual e automático com sucesso, o que é o equilíbrio de brancos e como podemos ajustá-lo. Como obter uma composição visualmente interessante, e nesta parte caras, teremos um projeto de curso legal. Como manipular a luz. Além disso, eu vou dar-lhe algumas dicas de edição legal enquanto eu estou editando fotos do zero ao fim. Nós também descobriremos por que é melhor filmar em RAW, e quando filmar em JPEG, e se é melhor comprar uma câmera full-frame ou um fator de corte um se você está apenas começando agora. Para concluir, este curso é feito para quem quer melhorar suas habilidades de fotografia e realmente ser capaz de tirar fotos melhores. Agora, se você não tem uma DSLR ou uma câmera sem espelho, ainda está tudo bem. Seu smartphone também funciona, uma vez que os fundamentos ou a fotografia são os mesmos para cada câmera. Vamos celebrar a fotografia. Vamos começar. 2. Projeto do curso: É hora do nosso projeto de curso. Eu fiz o mesmo projeto em 2018, quando eu estava fazendo um curso de fotografia na Universidade da Lapónia e este projeto caras me ajudaram massivamente a compor minhas fotos melhor, então eu recomendo para você também. O projeto é olhar para cópias impressas de revistas ou jornais que você já tem disponíveis em sua casa. Encontre cinco fotos que eles são impressionantes e inspira você cortá-los com uma tesoura, colá-los na parede do seu quarto, ou colá-los em seu diário e pode ser qualquer tipo de foto, fotografia de rua, moda, retratos, paisagens, arquitetura, qualquer coisa que você gosta. Ser capaz de assistir diariamente alguma arte legal que te excita, torna seu cérebro familiarizado com a composição dessas fotos. Isso irá ajudá-lo subconscientemente a aplicar esse estilo de composição em suas próprias fotos também. Acho que é muito importante ver e sentir de vez em quando alguma fotografia impressa. Desde estes dias, a maior parte da fotografia com a qual interagimos está nas redes sociais. Além disso, desta forma, você está criando um canto de arte encantador em seu quarto. Quando você terminar com as cinco fotos, tire uma foto da colagem que você acabou de criar, compartilhe comigo e com a comunidade, voltando neste curso e postando esta colagem de fotos na seção do projeto. Adoraria te dar meu feedback. Sinta-se livre como os tempos passam para expandir sua colagem com novas fotos interessantes. Vá e me impressione com suas cartas e suas seleções. Mal posso esperar para ver o que você vai inventar. 3. Como a câmera: Vamos explicar rapidamente como um DSLR e como uma câmera sem espelho realmente funciona. Esta é uma parte importante porque se você entender como sua câmera funciona, você pode ser muito mais criativo com sua fotografia. O que significa DSLR? DSLR significa câmera digital de reflexo de lente única. Digital porque, é uma câmera digital e nós não estamos usando filme. Lente única porque nós apenas temos uma única lente na frente do centro e, em seguida, reflexo porque a luz vinda da lente atinge um espelho, salta para cima em um prisma, e depois acaba no visor de onde podemos ver precisamente o que a lente está vendo naquele momento específico. A partir do início, isso é um corpo de câmera e isso é uma lente. A luz entra na câmera através da lente, então as lentes têm vários elementos de vidro que podem focar a luz no filme, ou, no nosso caso, no sensor da câmera, que está posicionado dentro do corpo da câmera. Agora, se você girar o anel de zoom, então os elementos de vidro da lente também estão se movendo e isso resulta em uma mudança de ampliação do que você está capturando. Há outro anel na sua lente, o anel de foco e quando você está fazendo ajustes, outras partes da sua lente estão se movendo que controlam qual parte da sua foto está em foco. Agora, no meio da lente, há outro mecanismo que é chamado de abertura. A abertura tem várias lâminas que podem abrir ou fechar, permitindo que mais ou menos luz entre no sensor da câmera. Quando a abertura está aberta, então mais luz está entrando e atingindo o sensor de várias direções diferentes, criando uma profundidade superficial de campo, por outro lado, quando você está fechando essa abertura, menos luz está entrando, atingindo o sensor de uma direção reta, criando uma profundidade de campo mais profunda, mas vamos mergulhar mais no próximo capítulo, aprendendo como a abertura funciona e como ela afeta nossa foto de forma criativa. Agora, quando você está pressionando o botão do obturador, então o espelho vira para cima permitindo que a luz continue sua jornada para o sensor da câmera. Logo após o espelho estar ligado, o obturador abre, expondo o sensor à luz. Quando a exposição termina, o obturador fecha e o espelho volta para a posição anterior, permitindo-nos olhar novamente através do visor como fizemos antes. No estágio final, a luz está atingindo o sensor da câmera e a imagem projetada é gravada. Uma câmera sem espelho agora funciona exatamente da mesma maneira, mas não há espelho entre a lente da câmera e o sensor da câmera. Além disso, em vez do visor óptico temos dentro do visor eletrônico que usa o sensor real, a fim de visualizar o que vamos capturar. 4. Configurações de exposição: A palavra Fotografia deriva das antigas palavras gregas phos ou luz e grapho ou escrever. Fotografia significa escrever com luz, enquanto a arte de escrever, está tudo prestes a contar uma história com um bom caminho. Esse é o olhar com a fotografia também. Em vez de pensar essas palavras legíveis sobre uma história, estamos escolhendo a quantidade certa e a qualidade certa de luz para que possamos capturar uma ótima foto. Aí vem a exposição. exposição é a quantidade de luz que atinge o sensor da câmera. Ele determina o quão escuro ou quão brilhante suas fotos vão ficar e há três configurações principais em sua câmera que afetam a exposição, a abertura, a velocidade do obturador e a ISO, para ser honesto, a exposição é um tópico confuso mesmo para fotógrafos experientes. Lembre-se que não estamos apenas tentando tirar uma foto com um brilho correto, porque isso também pode ser feito de nossas câmeras quando estamos filmando no modo automático, queremos alcançar uma exposição adequada, mas também ao mesmo tempo, isso também pode ser feito de nossas câmeras quando estamos filmando no modo automático, queremos alcançar uma exposição adequada, mas também ao mesmo tempo, estão aproveitando os efeitos criativos únicos secundários que a velocidade do obturador e a abertura têm. Nossa missão é equilibrar a velocidade do obturador, a abertura e a ISO. O resto da foto se sente e parece bem. Vamos começar com a velocidade do obturador. velocidade do obturador é a quantidade de tempo que o obturador permanece aberto, expondo o sensor da câmera à luz. Estamos medindo a velocidade do obturador com segundos e a faixa mais comum de velocidades do obturador vai de 30 segundos até oito milésimos de segundo. Como explicamos, quando pressionamos o botão do obturador, a luz passa pela lente, o espelho está virando e a primeira cortina do obturador está caindo, expondo nossa central à luz. Isso acontecerá durante o período de tempo que escolhemos, definindo a velocidade do obturador. Quando a exposição é feita, a segunda cortina é liberada para cobrir o sensor novamente. Vamos ver e ouvir agora juntos, como é ter uma velocidade rápida do obturador. Vou ajustar a velocidade do obturador para quatro milésimos de segundo. É muito rápido. Neste caso, não estamos permitindo que muita luz chegue ao nosso sensor. Agora eu quero demonstrar como é ter uma velocidade lenta do obturador. Vamos ajustar a velocidade do obturador para dois segundos. Vamos ouvir isso de novo. É muito mais lento, então estamos permitindo que muita luz entre em nosso sensor de câmera. Vamos ver agora qual é o efeito criativo secundário que velocidade do obturador oferece a uma foto e este efeito é congelar ou desfocar o movimento. Usando uma velocidade rápida do obturador, podemos congelar o movimento sem ter qualquer borrão em tudo como este fotógrafo que foi capaz de congelar o momento usando uma velocidade rápida do obturador e pegando essa chita instantânea. Por outro lado, usando velocidade lenta do obturador, podemos mostrar o desfoque de movimento nas partes móveis da cena que estamos filmando. Por exemplo, essas trilhas grandes precisavam de uma velocidade lenta do obturador para serem capturadas. Agora, este diagrama mostra a relação entre velocidade do obturador, luz e movimento. Usando uma velocidade rápida do obturador, menos luz está atingindo o sensor e estamos congelando o movimento. Usando uma velocidade lenta do obturador agora estamos deixando mais luz para chegar ao nosso centro, mas estamos desfocando o movimento. Outra coisa que podemos controlar com a velocidade do obturador é o tremor da câmera. Mesmo que estejamos tentando manter nossa câmera estável para obter a foto, há sempre algum movimento sutil da câmera a menos que estejamos usando o tripé. Se você está recebendo um imagens borradas ou quando você está filmando portátil, então a solução é aumentar a velocidade do obturador. Tenha uma velocidade mais rápida do obturador. Eu recomendaria algo como cento e cinquenta de segundo, a fim de ter um resultado nítido. Uma dica extra é que quando você está filmando com uma lente de distância focal longa, como uma lente telefoto, você deve usar uma velocidade de obturador ainda mais rápida para evitar o tremor da câmera. No entanto, hoje em dia, muitas lentes têm estabilização óptica e alguns corpos de câmera, eles têm a tecnologia que é chamada IBIS, como na estabilização de imagem corporal, uma tecnologia que move o sensor dentro da câmera em para compensar a vibração da câmera. Combinar esses métodos de estabilização nos permite fotografar com velocidades mais lentas do obturador. Apesar de todas essas novas tecnologias de estabilização de imagem, eu recomendo que você coloque suas mãos em sua câmera, jogue com suas configurações de velocidade do obturador e as diferentes lentes que você tem e, em seguida, examine as fotos que você está tirando . Cada câmera é diferente e com lentes diferentes cria resultados diferentes. Como dissemos, a abertura de uma lente é a abertura através da qual a luz passa em seu caminho para o sensor. Ao controlar a abertura, estamos controlando quanta luz é gravada em uma foto. Quanto maior a abertura, mais luz é registrada, quando a abertura é menor, menos luz está atingindo o sensor. A abertura é mostrada pelo símbolo F, F2.8, F3, F4, F6, F11, e se realmente examinarmos uma lente, podemos ver que alterando a abertura, abre e fecha, permitindo que mais ou menos luz entre. Uma coisa que causa muita confusão de novos fotógrafos é que grande abertura onde muita luz passa, tem números menores de parada F, onde menor abertura, onde menos luz está passando, têm maior Números F-stop. Agora, exceto pela luz, abertura controla secundária e criativamente a profundidade do campo. Profundidade de campo é a distância que é, nítida em torno do seu ponto de foco. Como você verá no diagrama, aberturas maiores resultam em uma profundidade de campo rasa, onde menos é nítida, enquanto aberturas menores resultarão em maior profundidade de campo onde mais é nítida. Vamos ver um exemplo aqui. Eu tirei esta foto com uma ampla abertura 2.8 e isso é um pequeno número F criando uma pequena profundidade de campo rasa. Você pode ver que o fundo está desfocado e apenas nosso modelo é nítido, saindo dele. Eu tirei novamente a mesma foto, mas agora com um número F maior, F16, e você pode ver que estamos recebendo uma maior profundidade de campo tendo nosso modelo e mais do fundo em foco. Podemos ver que a fonte agora é mais nítida. Eu vejo muitos fotógrafos novos atirando de largura e indo sempre para essas fotos quebradas. Mas eu acho que devemos ser criativos e filmá-lo com toda a gama de aberturas especialmente no início. Para fotografia de paisagem, estamos usando aberturas menores com números F altos, geralmente de F13 até F22, por exemplo, só porque estamos precisando focar tudo do primeiro plano ao fundo. Isso também é chamado de aberturas de narração porque estamos revelando um monte de informações na imagem que eles podem potencialmente contar uma história. Para fotografia de rua e assuntos em movimento, estou usando aberturas médias de sete a 11. Desta forma, eu tenho uma profundidade média segura de campo e isso me dá flexibilidade porque mais da minha foto estará em foco. Eu tenho mais chances de que meu assunto vai estar em foco, e ao mesmo tempo com esta abertura do meio, eu posso obter também algum fundo embaçado. Finalmente, quando queremos criar isolamento para o nosso assunto, podemos filmar com uma ampla abertura com um pequeno número F como de F4 a F1.2 e, desta forma, estamos recebendo uma profundidade de campo superficial, que é realmente útil para retrato Fotografia, por exemplo. Essa técnica também é útil quando nosso passado é feio ou destrutivo e queremos escondê-lo. Uma regra que não é realmente popular é que sua seleção de lentes pode afetar a profundidade do campo. Quanto maior a ampliação da lente é menor a profundidade de campo que ela cria e vice-versa. Isso significa praticamente que se você estiver filmando do mesmo assunto com uma lente 24 milímetros em F4 e com o 200 milímetros uma lente teleobjetiva. Novamente, na F4, você terá uma profundidade de campo mais rasa, você terá um fundo mais embaçado quando estiver filmando com uma lente de 200 milímetros. Vamos agora falar sobre ISO, o terceiro fator que pode afetar nossa exposição. ISO descreve a sensibilidade do nosso sensor de câmera. A ISO é representada por um número a partir da ISO 100, uma ISO baixa, e pode ir tão alto quanto a ISO 25.000 ou, em alguns casos, ainda maior. Quanto maior for a ISO, mais sensível é essencial, então nossa foto fica mais brilhante. Por esse motivo, a ISO pode ajudá-lo a tirar fotos em ambientes mais escuros e ser mais flexível para as configurações de abertura e velocidade do obturador. No entanto, a contribuição leve da ISO para a imagem vem com um custo, o ruído digital, quanto mais estamos aumentando a ISO, mais barulhento, mais granulado nossa imagem se tornará. Eu tirei essas fotos que eles estão mostrando. Como ao aumentar a ISO, nossa imagem está ficando cada vez mais granulada e barulhenta. A regra geral é que devemos dar a ISO o mais baixa possível. Você só deve aumentar o ISO quando você não é capaz de dar brilho à sua imagem usando a abertura e a velocidade do obturador. Agora que examinamos o que é velocidade do obturador, abertura e ISO, e como eles estão afetando nossas fotos, vamos agora examiná-los todos juntos. Na próxima lição, vamos ver como podemos equilibrar o triângulo de exposição combinando esses três elementos. 5. Balanceamento: Uma vez que temos entender os elementos de exposição; a velocidade do obturador, a abertura e a ISO, entender como podemos equilibrar a exposição vem naturalmente. A questão agora é, como sabemos que a quantidade de luz que entra na câmera é ideal? Não muito, não muito pouco? Bem, a resposta é com um medidor de luz, quase todas as câmeras hoje em dia têm um medidor de luz e podemos ver isso no topo da câmera, no monitor da câmera, e também no visor da câmera. Quando o indicador está na área de menos esquerda, isso significa que estamos subexpostos. Quando está na área mais direita, isso significa que estamos superexpostos, e quando está no meio em zero, isso significa que nossa exposição é teoricamente ótima. medidor de luz pode fazer isso tomando a parte mais brilhante da cena e a parte mais escura da cena, dando-lhe a média. Quando a câmara está no modo automático, está a utilizar o medidor de luz para lhe dar fotografias com exposição adequada. No entanto, nosso objetivo é atirar no modo manual. Olhando para o nosso medidor de luz, estamos escolhendo a quantidade certa de velocidade do obturador, abertura e ISO para nossa foto. Mas agora nesse passo você deve estar se perguntando qual é a combinação certa de velocidade do obturador, abertura e ISO. Vamos fazer isso passo a passo. No início, você tem que se perguntar, qual é o elemento de exposição mais importante para a foto que você deseja capturar. É a velocidade do obturador? É a abertura ou a ISO? Desejo manipular o movimento com congelamento ou exibição de movimento? Ou eu quero mostrar a profundidade do campo; profundidade superficial ou maior de campo? Se o movimento for mais crucial para você, você começará ajustando essa outra velocidade. Por outro lado, quando você quiser destacar sua profundidade de campo, você começará definindo sua abertura. Vamos ver agora esses processos de tomada de decisão com exemplos reais. Tirei esta foto no centro de Londres, fotografando a proposta deste doce casal. Eu queria que o casal fosse isolado do fundo porque eu queria toda a atenção sobre eles. O cara está pronto para revelar o anel e eu estou ajustando minha câmera para tirar essa foto. Aperture é a primeira configuração que importa para mim. Vou colocá-la em 2,8, a mais larga da minha lente. Isso dá à foto muita luz e, ao mesmo tempo, uma profundidade de campo superficial. A foto ainda está escura porque o sol acabou de se pôr. Estou tornando essa outra velocidade mais lenta, ajustando-a de um a centésimo de segundo. Isso permite que mais luz seja capturada e ao mesmo tempo, eu estou congelando o movimento, evitando também, o tremor da câmera. Agora eu ainda preciso de mais luz, mas eu estourei minha abertura. Além disso, eu não posso usar velocidade mais lenta do obturador porque então eu vou ter desfoque movimento indesejado na minha foto. Para obter a exposição adequada agora, vou aumentar a ISO um pouco, vou definir a ISO em 400 ISO. O indicador no medidor de luz está no meio agora, minha exposição está equilibrada, então estou pressionando o botão do obturador para capturar o tiro. Vamos equilibrar juntos agora, mais uma foto. Nosso modelo está saindo do mar e as ondas estão atingindo a costa. Há movimento neste tiro e queremos congelá-lo. É por isso que estamos ajustando primeiro a velocidade do obturador. Vamos defini-la em um milésimo de segundo. Usando uma velocidade rápida do obturador congela a ação e está nos dando uma imagem nítida. No entanto, não estamos permitindo que muita luz atinja a central porque a velocidade do obturador é muito rápida, então precisamos de mais luz. Então vamos definir a abertura em 3,2, uma abertura relativamente larga que permite que muita luz atinja o sensor. Também separará o assunto do plano de fundo e do primeiro plano. Finalmente, uma vez que o medidor de luz mostra que já temos uma exposição equilibrada, vamos definir a ISO em 100. Não precisamos de mais luz. Lembre-se que estamos usando a ISO apenas como último recurso. Isso é pessoal, a mentalidade em equilibrar a exposição, considere o que é mais importante para o seu tiro controlar o movimento ou a profundidade de campo. Conseqüentemente definir a velocidade do obturador ou a abertura primeiro e o ISO no final, como último recurso, se você quiser adicionar mais luz ao tiro. 6. Composição: Vamos agora falar sobre a composição de suas fotos. Composição é simplesmente como você organiza os elementos em seu quadro. A composição é realmente crucial porque é uma forma de guiar os olhos do espectador para os elementos mais importantes da sua foto. Uma boa composição pode fazer uma imagem brilhante mesmo fora de um assunto comum em um ambiente simples. Por outro lado, uma composição ruim pode arruinar uma foto apesar de quão interessante o assunto pode ser. Quando se trata de composição, é algo difícil de ensinar, e leva muito tempo para aprender. Tem uma natureza subjetiva, e na maioria das vezes não há composição certa ou errada. Tudo está aberto para interpretação. Vamos agora falar sobre alguns conceitos de composição e dicas que eles podem melhorar drasticamente suas fotos. Em primeiro lugar, é importante mover a câmera. Cada fotografia tem dois fatores-chave: a posição do sujeito e a deposição do fotógrafo, que é o mesmo com a posição do espectador. Agora, se você mudar um desses, você está mudando como seu tiro se sente, e que história ele conta. Sempre tire suas fotos de diferentes posições e tente ângulos diferentes. Se você fizer apenas um passo no lado, pode ser uma forma bonita será revelada no fundo, e então talvez esta coisa irá complementar o seu tiro geral. Além disso, pense cuidadosamente sobre o ângulo que você usará. Essa é uma maneira muito poderosa de determinar o que você deseja seus espectadores pensem e sintam quando veem sua foto. Fotografar acima do nível dos olhos do seu objeto pode fazer com que ele se sinta vulnerável ou fraco, mas também pode fazer com que o espectador se sinta realmente poderoso. O espectador é um observador privilegiado e não uma parte da cena. No entanto, se você atirar a partir do nível dos olhos, você é parte da cena. Você está familiarizado com o seu assunto e você se sente próximo com o seu assunto. Um tiro que é tirado abaixo do nível dos olhos do sujeito cria a impressão de que o espectador está olhando para eles de uma perspectiva mais baixa. Este tipo de tiro pode dar a impressão ao espectador de que o assunto é mais poderoso, heróico, ou mesmo perigoso. Outro conceito interessante é a Regra dos Terços. Regra dos Terços se origina da pintura e foi inventado pelo pintor inglês Joshua Reynolds. Reynolds refere-se à Regra dos Terços como um princípio geral para o equilíbrio entre luz e escuridão em uma obra de arte. Mais tarde, será transformado no sistema de rede que conhecemos hoje. A Regra dos Terços afirma que qualquer foto deve ser dividida em uma grade, com duas linhas verticais e duas horizontais criando nove caixas igualmente proporcionadas. Então você deve colocar os elementos importantes de seus shorts nas linhas ou em suas interseções. Isso resulta em composições dinâmicas e interessantes que atraem os olhos do espectador em toda a cena. Outra dica para quando você está aplicando a Regra dos Terços é que você deve dar espaço ao seu assunto para olhar ou se mover para dentro da cena, porque desta forma, ele se sente muito mais natural. Em geral, é extremamente importante considerar como sua foto se sente como um todo. A Regra dos Terços não parece bem o tempo todo. Às vezes, seu assunto pode parecer melhor no centro, e outras vezes sua foto pode ficar vazia e desequilibrada se você não contrabalançar. Mais uma coisa que também pode melhorar sua composição é prestar atenção às bordas. Sempre observe as bordas do seu quadro. Tente não cortar as pessoas ao meio quando estão nas bordas. Tente não cortar edifícios, árvores e outras partes do corpo. Estes parecem anormais e podem distrair o espectador do assunto principal. A próxima técnica de composição que eu quero falar é linhas de liderança. As linhas principais são uma das idéias mais simples na composição, mas também uma das mais poderosas. Isso porque estamos usando elementos dentro de nosso ambiente para criar um caminho visual que leve os olhos de nossos espectadores para o assunto principal. O mundo à nossa volta está cheio de linhas e devemos exercitar nossos cérebros e nossos olhos para distingui-los e implementá-los em nossas fotos. Por exemplo, esta estrada não é uma estrutura concreta, mas sim uma série de linhas paralelas que orientam o olho do espectador para as montanhas ao fundo. Novamente, todas essas linhas nesta sala de fogo do céu estão levando com sucesso ao modelo. Outra coisa importante é que as linhas de liderança são mais eficazes quando são linhas diagonais ou linhas curvas, porque esse tipo de linhas pode quebrar o formato quadrado de suas fotos e ajudar o olho do espectador a cruzar todo o quadro, tornando sua foto mais poderosa. Uma estratégia de composição mais poderosa é preencher o quadro. Se o seu tiro estiver em risco de perder impacto porque o fundo está ocupado e barulhento, recorte a partir do seu ponto de foco principal. Fazendo isso, você está eliminando seus antecedentes para que toda a atenção vá para o seu assunto principal. Isso pode funcionar bem com retratos quando você está tentando capturar algo mais íntimo. Agora, vamos fazer exatamente o oposto de preencher o quadro. Viveremos muito espaço negativo. Deixar muito espaço negativo vazio em torno de seu assunto pode ser muito interessante visualmente, criando uma sensação de minimalismo e simplicidade. Usando a técnica de composição do espaço negativo, podemos criar uma foto que se sente dramática levando os olhos do nosso espectador para a área menor, para a área do espaço positivo onde está o nosso tema principal. Deixe espaço negativo e não tenha medo de remover elementos de distração do seu quadro. Em conclusão, quando se trata de dominar sua composição, eu acho que é realmente importante se inspirar pelo trabalho de outros fotógrafos. Fazer o nosso projeto de curso irá torná-lo gradualmente familiarizado com o tipo de composição que o excita porque ter essas fotos constantemente ao seu redor lhe dará muitas oportunidades para vê-los. Eu também aconselharia você a começar uma técnica de composição de cada vez e, em seguida, sair e filmar e re-filmá-la, esta composição que você está estudando atualmente, e então passar para outras composições. Concentre-se em algo, domine e continue com outra coisa. 7. Equilíbrio de brancos: Então, o que é exatamente o equilíbrio de brancos? Para responder a isso, precisamos primeiro explicar o que é a temperatura de cor. Em primeiro lugar, cada fonte de luz tem uma cor. Por exemplo, um pôr do sol é quente e dourado, enquanto um dia chuvoso é azulado e frio. As luzes artificiais em nossas casas têm diferentes temperaturas de cor. Algumas luzes podem ser mais frias, mais próximas do azul, e outras podem ser mais quentes mais próximas da laranja. Isso orienta a temperatura da cor. Ele é medido em Kelvin e varia entre 2.000 Kelvin a 10.000 Kelvin. Com 10.000 Kelvin o mais quente e com 2.000 Kelvin o mais frio, e com a temperatura do dia em algum lugar no meio de 5.500 Kelvin, mas por que precisamos do equilíbrio de brancos? Bem, se você está nomeando sua câmera em uma superfície branca que está refletindo luz azulada, seus olhos podem vê-la como uma superfície branca, mas sua câmera a vê como uma luz azulada. Isso acontece porque nossos olhos podem se adaptar nas cores variadas da luz em um processo que nem percebemos que está acontecendo. Por outro lado, temos que dizer às nossas câmeras, em que luz eles estão olhando. Isso é porque eles só podem gravar o comprimento de onda real da luz, atingindo o essencial. Em suma, o equilíbrio de brancos é o processo de equilibrar a temperatura das cores em nossa câmera para que ela possa representar a luz com a mesma precisão que parece na vida real. Se uma foto estiver muito quente, sua câmera esfriará a imagem adicionando mais azul. Se sua foto estiver muito fria, a câmera aquecerá a imagem adicionando mais laranja. Na maioria das vezes eu tenho meu balanço de branco configurá-lo para o modo automático porque ele está fazendo um bom trabalho. No entanto, quando queremos ter o controle total ou quando estamos fotografando ou filmando lugares com várias fontes de luz com temperatura de cor diferente, então temos que ajudar nossas câmeras e definir o equilíbrio de branco manualmente. Em cada câmera há o menu de equilíbrio de branco com a escala Kelvin onde podemos definir o balanço de branco manualmente selecionando o número Kelvin exato com o qual queremos filmar. Há também as opções predefinidas como a luz do dia, a sombra, o nublado, a luz de tungstênio. No entanto, não há regras fixas de como devemos estabelecer nosso equilíbrio de brancos. Não há nenhuma obrigação de documentar as cores com temperatura exata. Então, por exemplo, se estamos fotografando um pôr-do-sol, podemos aumentar, na verdade o balanço de brancos e o pôr-do-sol aparecerão ainda mais quentes, dourados, mais agradáveis. Não se esqueça que a fotografia é uma arte e podemos quebrar qualquer regra se essas coisas nos ajudam a contar nossas histórias melhor. 8. Modos de foco: Vamos agora falar sobre modos de foco. Dependendo do que estiver fotografando, você precisa usar um modo de foco diferente. Em suma, existem dois tipos de modos de foco: o foco automático e o foco manual. Com o foco automático, estamos dizendo ao processador da câmera para focar a lente para nós, enquanto com o foco manual, estamos fazendo o mesmo processo sozinhos. Pessoalmente, na maioria das vezes eu estou usando foco automático porque hoje em dia auto foco é realmente preciso e confiável. No entanto, foco manual vem à mão quando eu estou gravando vídeo e eu quero o controle total do foco manualmente para controlá-lo com minhas mãos e ser realmente preciso e também quando estamos fotografando em situação de pouca luz, então o foco automático a maioria das vezes não pode segurar muito bem, e então usamos novamente o modo manual. Por exemplo, eu achei realmente útil o foco manual quando eu tirei esta astrofotografia, luzes do norte foto. Estava muito escuro e eu tive que fazer quatro repetições, focando e refocando manualmente, até que eu tenha as estrelas nesse foco. Agora vamos examinar um pouco mais do modo de foco automático. Podemos selecionar o modo de foco automático único de um tiro ou o modo de foco automático contínuo Servo para foco contínuo. Todo fabricante chama isso de um pouco diferente, mas todos eles basicamente fazem a mesma função. Um tiro ou foco automático único significa que você bloqueia seu foco e enquanto você estiver pressionando pela metade o botão do obturador, o ponto de foco não vai se mover, ele bloqueia. Este modo é perfeito para assuntos estáticos, como quando você está fotografando, retratos de estado, por exemplo. Porque se você quiser recompor sua foto, você pode manter pressionando pela metade o botão do obturador e mover sua câmera sem perder o foco. No entanto, tenha cuidado porque se o modelo que você está atirando se move um pouco para a frente ou para trás, então você está em perigo de perder o foco, e então você tem que se concentrar novamente. Por outro lado, com o modo Servo ou Autofocus contínuo, enquanto você estiver pressionando pela metade o botão do obturador, o foco vai se mover continuamente e você está rastreando seu objeto. Então você pode usar este modo quando você está atirando ação ou esportes, ou crianças brincando ou vida selvagem. Basicamente, em todas as situações que você precisa para rastrear seu assunto. 9. Iluminação: Vamos agora falar sobre iluminação. A iluminação é um tópico enorme e complicado que não vamos analisá-la profundamente neste curso. O meu objectivo aqui é dar-lhes algumas ideias e orientações em termos de luz. Assim, você pode ser mais confiante para sair, ver melhor a luz, entender a luz e maximizar seu potencial. A luz é vital para a fotografia porque sentimos que não há foto. O tipo de fonte de luz de suas fotografias afetará seu caráter e seu humor. Geralmente, podemos categorizar a luz à luz natural e à artificial. Neste caso, neste curso, vamos manter a luz natural por muitas razões. Porque em primeiro lugar, é livre, o sol é abundante e muito fácil de encontrar. Você não precisa comprar equipamento extra, luzes, fluxos, etc. A outra razão pela qual eu quero que você se concentre na luz natural é porque ela nos dá variedade. Tirando a mesma foto durante a hora dourada e durante o meio-dia, lhe dará resultados completamente diferentes e, em seguida, porque ele realmente se sente bem e natural. É uma luz muito suave. A luz natural é qualquer luz criada pela luz solar. luz ambiente, agora, é considerada luz natural também. É a luz, por exemplo, em nossas casas, entrando pela janela. Para entender melhor do que a luz natural, examinaremos seus atributos e como esses atributos afetam nossas fotos. Vamos apontar quatro atributos da luz: a temperatura, a direção, a intensidade e a qualidade da luz. Vamos começar com a temperatura. Como discutimos na lição de balanço de brancos, a temperatura da luz é medida na escala Kelvin da extremidade azulada mais fria do espectro para a laranja mais quente. temperatura da cor muda ao longo do dia, dependendo da hora do dia e da quantidade de nuvens no céu. Ao amanhecer, o céu parece azul claro. Ao pôr do sol, o céu aparece laranja e ao anoitecer, o céu aparece azul violeta. A intensidade da luz, é uma medida de seu brilho e determina quanta luz há em uma foto. Você pode estimar a intensidade da luz com base no equilíbrio entre as sombras, as áreas mais escuras da imagem e os realces, as áreas mais claras da imagem. A diferença entre os destaques e as sombras é o que chamamos de contraste. A luz é mais intensa no meio do dia, quando o sol enfrenta o assunto acima. Fotos tiradas naquela hora do dia, na sua maioria têm alto contraste e sombras fortes. No entanto, se tentarmos tirar fotos de manhã ou de tarde, elas não serão tão contrastantes. Quando se trata de qualidade, luz pode ser dura e direta ou macia e difusa. Quanto menor for a fonte de luz, mais difícil será a qualidade. medida que a fonte de luz se espalha e se torna maior, a qualidade da luz torna-se mais suave. Outra coisa que afeta a qualidade da luz é a distância entre a fonte de luz e o assunto. Ao meio-dia, porque o sol está mais perto da terra, a luz é mais quente e direta, enquanto de manhã ou à tarde, a luz é muito mais suave. Vamos agora falar sobre a direção da luz. A direção da luz muda devido ao movimento do sol. Uma vez que o sol está abaixo do horizonte ao amanhecer e ao anoitecer, quase horizontal ao pôr do sol e ao nascer do sol, e é alto e vertical ao meio-dia, fotografando nestes momentos completamente diferentes do dia, produz completamente fotos diferentes. Olhe, por exemplo, essas enormes sombras que só podemos ter quando o sol está se pondo. Em conclusão, não há luz ruim e boa. A luz é adequada ou não adequada para você. Para encontrar a melhor luz que você pode obter, se você só tem que determinar o tipo de imagens que você deseja criar, então basta decidir a que hora do dia pode ajudá-lo a tirar essas fotos incríveis que você tem em sua mente. 10. Dicas de edição de fotos: Agora vamos editar juntos. A edição de fotos também é importante porque determina como sua foto ficará no final. A edição é uma ótima maneira de se diferenciar e diferenciar seu trabalho do trabalho dos outros fotógrafos. Podemos dizer que o com edição, você está criando emoções com cores. Eu realmente acho que com a edição, você pode amplificar a mensagem da sua história. Não há edição certa e errada, mas geralmente, uma boa filosofia para edição é que seu resultado final deve ser olhar natural. Se alguém imediatamente pensa que suas fotos parecem falsas, então talvez haja um problema a menos que você queira que as cores pareçam superprocessadas. Nesse caso, usarei o Adobe Lightroom para editar recriar duas de minhas fotos. Se você não tem o Lightroom, ainda está bom porque a maioria dos programas de edição de fotos tem as mesmas funções básicas. Aqui estamos, quero editar essas duas fotos. Abrirei o Lightroom e, em seguida, vou arquivar e criar um novo catálogo. Vamos nomeá-lo, Letsedit, e vamos criá-lo. Se formos para a área de trabalho, uma nova pasta, letsedit é criada e nesta pasta eu mantive todas as informações, todas as alterações que vamos fazer em nosso novo catálogo do Lightroom. Agora vamos voltar ao Lightroom e arrastar e soltar nossas duas fotos dentro do programa. Clique na importação agora e agora nossas fotos são importadas no Lightroom. Eu tirei essa foto em Rhodes Grécia na praia de Anthony Quinn enquanto eu estava fotografando esses barcos de cruzeiro. Tirei esta foto em Londres, atrás da Catedral de São Paulo, enquanto fazia uma sessão fotográfica de moda. Vamos começar com este. Este foi um tiro desafiador porque o meu assistente que iluminava a modelo, não pôde vir naquele dia. O fundo, a catedral é muito mais brilhante do que o meu modelo, mas eu estou decidindo de qualquer maneira tirar essa foto. Estou definindo minha exposição de uma forma que eu possa dar tanta luz quanto eu posso no meu modelo enquanto, ao mesmo tempo, eu não estou superexpondo completamente. Não estou queimando meu passado. Já disse o suficiente, vamos consertar esta foto juntos e vamos desenvolver. Aqui no modo de desenvolvimento, vamos passar a maior parte do nosso tempo de edição, já que raramente uso este mapa, livro, impressão de slides e seções web. Nesta barra lateral direita, há os controles deslizantes de pós-processamento onde estamos fazendo nossas edições. Antes de começar a mudar seus controles deslizantes principais, como a exposição, o contraste, os destaques, as sombras, os brancos, desça nas seções de correção da lente aqui. Clique em remover aberração cromática e encontrar a lente que você fotografou esta foto, para mim foi o Tamron SP 24-70 milímetros e, desta forma, você está eliminando as desvantagens dessa lente particular, a distorção e mais coisas. Agora, como dissemos com este método, estamos eliminando completamente a vinheta e se quisermos mais vinhetas, é bom voltar no final da edição e adicioná-lo manualmente movendo este controle deslizante. Continuando agora com as edições básicas, estamos indo todo o caminho para cima e aqui podemos ver a temperatura que ele define esse calor de cor em sua imagem de mais frio para mais quente, mas vamos mudar a temperatura com outra maneira mais tarde neste editar. Eu vou deixar a exposição em zero, o contraste em zero, então eu vou diminuir meu destaque para que eu possa corrigir um pouco meu fundo superexposto. Vou aumentar minhas sombras em aproximadamente 60, então desta forma estou dando ataques dinâmicos à minha imagem. Eu vou aumentar agora meus brancos em 10, e então eu também vou aumentar um pouco meus negros, digamos 10. Apertando este último botão, podemos ver isso antes e se apertarmos novamente, podemos voltar para onde estamos agora. Podemos dizer que já há uma grande diferença em nossa foto, mas vamos continuar a edição. Vamos agora aumentar apenas um pouco a clareza por digamos 5, e vamos deixar a vibração e a saturação em zero por enquanto. Nesta etapa vamos usar a ferramenta de corte e endireitar para que possamos alterar a relação de aspecto e o ângulo da nossa foto. Neste caso, eu não quero mudar minha proporção porque ele vai mudar completamente minha composição, e eu não quero isso então eu vou deixá-lo como tiro. Mas, em seguida, no ângulo, podemos alterá-lo manualmente ou melhor, podemos apenas bater o auto e, em seguida, corrigir o ângulo automaticamente, em seguida, clique em feito. Agora eu quero que as cores apareçam um pouco então eu vou aumentar apenas um pouco, a vibração, algo como 10 e eu não estou fazendo isso com saturação porque é muito mais lisonjeiro se fizermos isso com vibração. Eu recomendaria que você jogue com saturação somente quando quiser fazer sua foto em preto e branco. Aqui está a ferramenta de curva de tom que representa todos os tons de sua imagem. Ao adicionar esses pontos, você pode manipular sua curva de tom com resultados diferentes. No entanto, cuidar de não exagerar, porque você pode ter alguns resultados loucos. Neste cenário, eu não vou fazer nada com curva de tom, uma vez que a foto já está recuperada porque eu tinha exposição excessiva. Não tenho muito espaço para fazer mudanças na curva de tom. Nesse ponto, podemos ver que nosso modelo ainda precisa de um pouco mais de luz para ser equilibrado com a exposição do resto da fotografia. Precisamos fazer uma mudança parcial e vamos usar o Filtro Radial, este aqui, nós clicamos nele. Então vamos tentar criar um círculo e, em seguida, mover o círculo para baixo. Observe que se você acertar o zero, essa coisa vermelha pode desaparecer e isso é apenas um indicador de onde você está aplicando o efeito. Vamos fazer mais estreitar o círculo, girá-lo um pouco, movê-lo, torná-lo mais alto, mais largo. Vamos aumentar a exposição nessa área vermelha em particular, digamos por 0, 38 e podemos ver aqui no navegador como isso afeta nossa foto. Se ampliarmos agora podemos ver que o nosso modelo é muito mais iluminado. Mas eu ainda preciso iluminá-la em seu rosto, então eu vou clicar novamente no filtro radial e eu vou adicionar um círculo direito em seu rosto. Estou tentando combinar o círculo com o rosto dela. Isso parece bom. Vou aumentar aqui a exposição com 032, por exemplo. Vamos também aumentar a nitidez em oito. Clique em “Concluído” e veja o seu muito melhor. Uma dica aqui é não exagerar com um filtro radial porque pode parecer muito anormal. Agora, eu quero fazer minha foto um pouco mais de veados tirando um pouco de luz do céu e tornando-a mais escura. Neste caso, vou usar o filtro graduado aqui e vou desenhar uma linha e depois girar a linha e novamente nesta área redish aplicarei meu efeito. Aumentar e diminuir esta linha torna o filtro mais ou menos gradual. Vamos deixá-lo em algum lugar aqui. Vamos fazer isso direito. Novamente, se você olhar para o navegador, você pode ver o resultado. Aqui está o superexposto e aqui está o subexposto. Vamos diminuí-la à medida que definimos a exposição apenas por menos 036. Vamos também diminuir os destaques em menos 21. Pressione “Concluído” e você pode ver essa diferença agora. Vamos agora avançar na HSL. HSL significa Enorme Saturação na Luminância. matiz lida com os tons de cor reais da imagem, como mudar os tons de cor para um intervalo de tons diferente. saturação lida com o poder ou a saturação de uma cor específica, enquanto a luminância lida com o brilho de uma determinada cor. Para esta imagem, eu gostaria de mudar a tonalidade de azul e torná-lo algo como menos 20, não muito. Vou aumentar apenas um pouco a luminância em cinco. Podemos ver aqui como o tom de cor de suas roupas mudou só por causa da tonalidade. Vamos agora passar para a cor vermelha. Podemos ver que a construção é principalmente redish e vamos aumentar a luminância. Vamos fazer 60. Isso parece bom. Agora, de vez em quando eu recomendo que você aperte o botão L uma vez e mais uma, duas vezes, para que você possa ver sem distrair, o que você criou até agora. Agora vamos usar a tonificação dividida para que possamos ajustar o equilíbrio de branco apenas dos realces ou das sombras. Essa é uma ótima ferramenta criativa porque cria um visual de filme. Basicamente agora vou aumentar minha saturação ao máximo que eu possa ver o efeito completo da tonificação dividida. Então eu vou selecionar minha tonalidade e vamos para este lindo amarelo. Então, claro, agora vou diminuir minha saturação, algo assim. Vamos agora terminar nossa edição adicionando um pouco de vinheta que atraia nossos olhos para o centro. Eu também vou agora aumentar apenas um pouco o grão para que eu possa melhorar este olhar filme. Vamos subir novamente nos controles deslizantes básicos e vamos talvez aumentar apenas um pouco mais as sombras. Isso parece bom. Se apertarmos agora este último botão podemos ver o antes e o depois, e eu acho que essa diferença é óbvia. Eu estou feliz. Vamos editar nossa próxima foto. Vamos agora editar esta imagem. Aos meus olhos, já parece bom, mas vamos fazer alguns pequenos ajustes para torná-lo ainda melhor. Vamos começar com uma ferramenta de corte e alisamento, e então vamos mover o ângulo um pouco para que possamos tornar a composição ainda mais dinâmica. Aperte o enter. Vamos ver o que podemos fazer com a temperatura. Acho que gostaria de um pouco mais quente. A exposição está boa. Vamos agora reduzir os destaques porque podemos ver aqui no barco que ele está um pouco superexposto. Ao arrastar para baixo os destaques estamos removendo um pouco de luz. Vamos aumentar um pouco as sombras para dar grãos mais dinâmicos. Vamos deixar os brancos assim e vamos aumentar ligeiramente o preto. Vou aumentar a clareza em oito e então vou usar a vibração para fazer as cores estourar um pouco. Só um pouco, algo como seis. Isso é bom. Não vamos mexer com a curva de tom. Indo agora para a HSL, quero mudar as cores do mar e torná-las assim, menos 25, está tudo bem. Agora vou aumentar um pouco a saturação em algo como 15, e a luminância em algo como 20. Eu não vou estragar a tonificação dividida porque eu já gosto da temperatura da foto. Descendo para as correções da lente, removerei a aberração cromática, mas não permitirei correções de perfil porque já estou satisfeito com o resultado. Agora, eu vou subir novamente na tonalidade na verdade e eu vou verificar novamente a tonalidade porque eu acho que parece um pouco falsificar a água. Eu quero diminuir menos a tonalidade em algo como 13. Sim, acho que parece melhor. Agora, nesta etapa, eu quero fazer o vermelho um pouco menos poderoso. Vou para o vermelho e diminuirei a saturação e aumentarei ligeiramente a luminância. Agora, eu ainda acho que o barco está um pouco superexposto. Vou usar esta ferramenta, o pincel de ajuste, e é claro que vou aumentar o tamanho para que eu possa cobrir o barco e nós arrastá-lo. Eu vou realmente pintar com este pincel o barco e então eu vou torná-lo um pouco menor para chegar a esta parte aqui. Agora vou diminuir apenas um pouco os destaques e apenas um pouco a exposição, apenas menos dez, nada demais. Parece melhor. Agora, eu quero me concentrar um pouco mais nessas pessoas aqui e aqui, e eu quero deixá-las um pouco mais claras. Vou usar novamente o pincel de ajuste. Vou marcá-los e aumentarei ligeiramente a clareza, digamos 35, clique em “Concluído”. Vamos apertar agora este último botão para ver o antes e agora o depois. Estou muito feliz e vou exportar esta foto. Bingo, estamos prontos. Esse foi o processo de edição das minhas fotos. Lembre-se que não há edição certa e errada. No entanto, cuide de não editar demais suas fotos para que elas não pareçam falsas. 11. RAW vs JPEG: RAW versus JPEG, qual é a diferença? Ambos têm suas vantagens e desvantagens. Mas vamos descobrir o que é melhor para você. Muito provavelmente, JPEG será o formato padrão de suas câmeras porque o fabricante não quer incomodar o fotógrafo iniciante com os passos extras de edição de fotos. JPEG é processado dentro da câmera e, em seguida, ele está completamente pronto para ser usado. Você pode postar a foto imediatamente nas mídias sociais, você pode imprimi-la e você pode usá-la como quiser. Quando você está filmando em JPEG, a câmera adiciona blocos, contraste, redução de ruído, nitidez e, em seguida, insere o arquivo de foto em um JPEG, um JPEG compactado. Por que já está processado? Você não tem muita flexibilidade para editar sua foto e fazer alterações. Uma grande vantagem do formato JPEG é que ele é muito menor do RAW. Na maioria das vezes, JPEG é três vezes menor e isso significa que você pode economizar muito espaço em seus cartões de memória e em seus discos rígidos. Além disso, você pode tirar muito mais fotos no modo de intermitência antes que seu buffer de memória esteja cheio. Vamos falar agora sobre o formato RAW. Bem, quando você filma em um RAW, você está capturando quase todas as informações do sensor. Então você é feito com o seu tiro, você está transferindo seus arquivos para o computador, e você vai descobrir que os arquivos RAW são planos e escuros e você não pode usá-los imediatamente. Você não pode imprimi-los e você não pode carregá-los em suas mídias sociais. Você tem que editá-los primeiro. Essa é também a maior vantagem de um arquivo RAW. Você é capaz de processar imagens RAW de várias maneiras. Você precisa usar um aplicativo de edição de fotos, como o Adobe Lightroom ou o Photoshop, para que você possa editar seus RAWs e, finalmente, exportá-los para arquivos JPEG. Shooting RAW oferece uma imagem de maior qualidade e maior flexibilidade quando você está editando. Além disso, com RAW, você está ficando mais ampla gama dinâmica e gama de cores. Para recuperação de realce e sombra agora, quando você tiver mais ou menos exposta uma foto, o arquivo RAW pode fazer um ótimo trabalho. Mas vamos testar isso juntos. Eu tirei essa foto em ambos os formatos RAW e JPEG e eu superexponho intencionalmente. Então, tentei consertar os dois. Como você pode ver, eu consegui recuperar meu arquivo RAW superexposto, mas não meu arquivo JPEG. A diferença é enorme e essa é a magia de atirar no RAW. O que eu estou fazendo pessoalmente é que eu estou sempre filmando em RAW. Embora não haja dúvidas para o trabalho do meu cliente, estou filmando no RAW mesmo quando estou filmando para amigos e familiares. Isso é porque você nunca sabe quando você vai ter uma foto incrível que você vai querer editá-lo além disso. A única situação que estou filmando em JPEG é quando eu quero entregar as fotos instantaneamente, em uma competição ao vivo, por exemplo. Se você também às vezes precisa filmar em JPEG, certifica-se de que você está usando as configurações de fundo branco corretas e a exposição correta porque, em seguida, você será limitado na pós-produção. 12. Fator de frame completo vs: Fator de quadro completo versus corte. Qual é a diferença entre os sensores de quadro completo e os sensores de fator de corte? Mas o que é full-frame? O termo full-frame refere-se ao tamanho do sensor que tem as mesmas dimensões que o formato de filme 35 milímetros do final pré-digital, enquanto o formato de filme de 35 milímetros tem sido o padrão na indústria cinematográfica desde 1909 devido ao seu equilíbrio em custo e qualidade de imagem. Por outro lado, um sensor de fator de corte é qualquer outro sensor que é menor do que o sensor de câmera de quadro completo de 35 milímetros. tipos comuns de sensores de cultura são o APS-C e o sensor Micro de quatro terços. Vamos agora examinar as outras diferenças entre um sensor de câmera de quadro completo e o sensor de câmera de fator de corte, além de suas diferenças no tamanho físico. Uma grande diferença é o campo de visão. Câmeras de quadro completo têm um campo de visão maior. Se você tirar uma foto da mesma distância com a mesma lente, com uma câmera de quadro completo e a com um fator de corte 1, a câmera do sensor de corte capturará um campo de visão mais apertado. Mas vamos ver isso na prática. Usei a minha lente de 50 milímetros na minha câmara fotográfica, a tirar uma fotografia deste pulverizador. Então eu coloquei a mesma lente de 50 milímetros na câmera do sensor de colheita e eu descobri que a câmera full-frame está realmente me dando um campo de visão maior. Também em geral, uma câmera de quadro completo pode fornecer um melhor desempenho de baixa luminosidade. Com o sensor de quadro completo sendo maior que o de corte, isso também significa que cada pixel individual no sensor de quadro completo também será maior. Enquanto em um sensor de colheita, os fabricantes precisam ajustar a mesma quantidade de pixels em uma área muito menor, e isso possivelmente levará a mais ruído digital em circunstâncias de iluminação desafiadoras. No entanto, à medida que a tecnologia avança, estamos vendo câmeras de fator de cultura que elas podem lidar melhor com o ruído digital em condições de pouca luz. Outra vantagem de uma câmera full-frame é que ela terá uma profundidade de campo menor do que uma câmera de fator de corte. Profundidade superficial de campo significa, como dissemos, que teremos uma foto com Boca, com um fundo desfocado. Isso acontece porque, a fim de alcançar um conjunto e campo de visão unidade, a lente com uma distância focal mais longa quando estamos usando câmeras de quadro completo. Do outro lado, usar uma câmera de fator de corte pode ser muito eficaz para fotografia de telefoto e isso é porque estamos ganhando leituras extras do multiplicador do sensor de corte. Uma lente de 50 milímetros em uma câmera de quadro completo dá um campo de visão de 50 milímetros, mas a mesma lente de 50 milímetros em um corpo de fator de colheita nos dará 50 vezes 1,5 é 75 milímetros campo de visão. Isso pode ser muito útil quando você está filmando esportes, vida selvagem, fotojornalistas e, em geral, o que você quer chegar mais perto de seu assunto. Outra vantagem de uma câmera de fator de corte high-end é que ela pode fornecer qualidade semelhante com um quadro completo a um preço mais barato. Em conclusão, não há apenas uma resposta na pergunta, devo comprar uma câmera full-frame ou um fator de corte? Eu aconselharia os iniciantes a começar com uma câmera de sensor de colheita. Os modelos de nível de entrada são mais baratos, leves, e você ainda pode tirar algumas ótimas fotos. Aprenda a câmera e aproveite ao máximo antes de considerar a atualização para um modelo de quadro completo. No entanto, se você quiser mais recursos profissionais, melhor ergonomia e melhor desempenho geral, então você deve escolher um modelo de quadro completo. 13. Conclusão: Parabéns, você chegou ao final do curso. Agora que falamos sobre os elementos de exposição, a iluminação, a composição e, geralmente, o básico, você tem uma base sólida que você pode trabalhar em cima dela. Agora é hora de você sair e filmar, refilmar e ver suas fotos e publicá-las, compartilhar suas fotos, receber feedback e, em seguida, melhorá-las. Imprima suas fotos, coloque-as na parede, dê-as como presente e, claro, seja inspirado por outros fotógrafos. É a única maneira de os rapazes melhorarem como fotógrafos. Para mim, foi super divertido trabalhar neste projeto e espero que você tenha gostado também. Além disso, não se esqueça de fazer seu projeto, fazer sua colagem, compartilhá-lo conosco, se inspirar e nos inspirar. Se tiver alguma pergunta, ficarei mais do que feliz em respondê-las. Além disso, eu realmente gostaria de me dar o seu feedback e deixar um comentário para este curso. Isso realmente ajuda desta forma, sua credibilidade para crescer. Obrigado por fazerem esta aula. Tome cuidado, continue atirando, e te vejo em breve.