Mistura musical para compositores - de iniciante a produtor

1. Introdução: Se você pensou que o processo criativo de produzir uma música termina depois que cada faixa é gravada, você está completamente errado. A mixagem é um dos processos mais divertidos, criativos e vitais que um produtor pode aprender. É tudo uma questão de esculpir e moldar uma faixa para moldá-la em seu som característico. Com alguns efeitos simples, posso transformar uma gravação de um som fraco, pesado e bagunçado em um som limpo, completo e profissional. Nesta aula, você aprenderá a fazer exatamente isso. Ei amigos, como vão as coisas? Espero que você tenha um ótimo dia. Bem-vindo ao meu guia para iniciantes sobre mixagem de músicas. Meu nome é Mike. músico em tempo integral e instrutor de música do Reino Unido. Eu tenho tocado, escrito e produzido música nos últimos 13 anos, e também co-dirijo uma instituição de caridade musical premiada chamada TIME. Realizamos sessões de música e workshops para pessoas de todas as idades, habilidades e origens. Também sou um dos melhores professores aqui no Skillshare e me diverti fazendo aulas aqui nos últimos dois anos. Nesta aula, vou ensinar tudo o que você precisa saber sobre mixar músicas para criar faixas com um som incrível. Esta aula será para iniciantes, então, mesmo que você seja totalmente novato em mixagem, melhor seguir adiante e sair com isso. Começaremos com uma preparação simples para limpar as coisas e facilitar o trabalho. Em seguida, aprenderemos sobre o teste de ganho e o balanceamento de volume para garantir que tudo soe claro e equilibrado. Vou te ensinar como usar a compressão para fazer com que cada faixa soe forte e confiante. Em seguida, aprenderemos sobre EQ para curvar, moldar e limpar nossas gravações. Vamos detalhar a panorâmica, a reverberação e o atraso para criar um espaço 3D no qual nossa música exista. Também ensinarei como gerenciar esses efeitos com automação e ônibus para dar uma verdadeira qualidade profissional à mistura. E, por fim, mergulharemos no mundo dos efeitos criativos, como distorção, empolgantes e refrão, para adicionar brilho e interesse à nossa faixa. Durante a aula, eu mesmo vou mixar uma música para que você possa ver exatamente como implementamos cada um desses tópicos em uma mixagem. A única coisa que você precisará para esta aula é um conhecimento básico de uma estação de trabalho de áudio. Vou usar a lógica hoje, mas me certifiquei de que essa classe seja apropriada, não importa qual DAW você esteja usando. mixagem pode parecer um assunto muito assustador e confuso, então meu objetivo nesta aula é realmente dividir cada assunto em pequenos pedaços e tornar o mais simples possível para qualquer pessoa aprender os fundamentos. Estou muito empolgada em fazer algumas mídias musicais, espero ver você na aula. 2. Projeto do curso: Ei amigos, como vai? Muito obrigado por se juntar a mim aqui na minha aula de mixagem. Eu realmente espero que seja útil para você e você receba muitas informações muito boas sobre como mixar sua própria música. Antes de começarmos a mixagem, quero falar rapidamente sobre nosso projeto de aula. No final desta aula, você aprenderá muitas coisas legais sobre mixagem, que podem ser aplicadas em suas próprias músicas e gravações, e eu adoraria ouvir o que você inventa. Qualquer coisa que você implemente desta aula em seu próprio trabalho, sinta-se à vontade para enviá-la para nosso projeto de aula. Será um espaço de aprendizado seguro onde todos poderemos postar nossas músicas ou pequenas ideias, e isso pode todos poderemos postar nossas músicas ou pequenas ideias, ser qualquer coisa, desde uma música mixada totalmente produzida com cerca de 100 faixas, até um som de reverberação muito bom que você criou para uma guitarra. Qualquer coisa nessa estratosfera, fique à vontade para publicá-la nesse projeto de aula e, ainda assim , quem tiver um compositor e produtor bacana pode conversar sobre isso. Responderei a cada projeto enviado, então, se você também precisar de ajuda ou quiser dar conselhos sobre alguma coisa , sinta-se à vontade para me avisar. Tudo o que você precisa fazer é enviar seu som ou sua faixa para um site como o YouTube ou o SoundCloud. Você também pode criar um link privado se quiser , caso não queira que ninguém o ouça, e depois poste esse link no projeto da aula, conte-me um pouco sobre a sua música ou sobre o que você gostaria de receber um feedback, e eu entrarei em contato com você assim que possível. Por favor, não tenha medo de postar lá. É muito importante fazer como músico ou artista obter feedback e conversar com outros artistas e produtores sobre as coisas que você está fazendo. Isso significa que você progride muito mais rápido e aprende muitas coisas legais. Sinta-se à vontade para postar lá, e estou muito animada em ouvir o que você vai descobrir. 3. Aulas importantes de mistura: Antes de mergulharmos nos detalhes da mixagem e outras coisas, preciso apenas ler algumas lições muito importantes que serão vitais para realmente entender e tirar o máximo proveito dessa aula. A primeira lição é: grave corretamente. Podemos fazer muitas coisas legais na mixagem para melhorar o som e a qualidade de uma gravação. Mas não há como fugir do fato que gravar um som logo em primeiro lugar será vital para realmente tirar o melhor proveito desse som. Digamos que, enquanto você está gravando você está ouvindo algumas coisas de volta, e a sala soa um pouco estranha ou há um zumbido estranho, ou talvez você simplesmente não tenha entendido a imagem que estava procurando. Honestamente, passe o máximo de tempo possível nessa fase de gravação, obtendo a melhor gravação possível. Segunda lição, ouça esta aula usando um bom par de fones de ouvido ou alguns alto-falantes semidecentes, se puder. Muitos dos exemplos que dei com fila E na compressão serão muito difíceis de ouvir no alto-falante do telefone ou no alto-falante do iPad. Para tirar o máximo proveito disso, eu recomendo usar alguns fones de ouvido. Lição número 3, 1% de cada vez. Muitos dos exemplos que vamos analisar não parecerão necessariamente inovadores quando começarmos a ajustá-los. Mas minha mentalidade por trás da mixagem é que estamos apenas fazendo uma diferença de 1% por vez. Se passarmos tempo suficiente em uma pista, ganhamos um pouco de 1% aqui, um pouco de 1% ali. Ao longo de algumas horas, fazemos o suficiente desses pequenos ajustes, esses pequenos percentuais, e isso representará uma grande diferença. próxima lição, se você puder, me acompanhar será muito mais fácil do que apenas assistir a esta aula e depois tentar se lembrar e replicar algumas coisas mais tarde. Se você puder gravar uma faixa ou uma gravação, e enquanto eu falo sobre a fila E ou algo assim, se você puder mexer com ela ao mesmo tempo, você absorverá tudo isso, muito você absorverá tudo isso, muito mais rápido do que se estivesse apenas assistindo aos vídeos. Se for uma música que você ama, salve uma cópia para mexer totalmente salve uma cópia para mexer totalmente e experimente, e então você sempre pode voltar à sua cópia padrão se ficar um pouco perdido. A próxima lição será: tenha a intenção por trás de tudo o que você faz. O que vamos fazer nesta aula é realmente aprender sobre o que cada técnica de mixagem faz. O que eu realmente quero que você faça é se perguntar quando estiver prestes a entrar em uma mistura, o que eu quero mudar com isso? Por exemplo, se você está mixando uma guitarra, em vez de simplesmente colocar muitos efeitos nela só porque acha que deveria, ouça com atenção e pense como posso melhorar esse som? Quais ferramentas eu tenho à minha disposição para afetá-lo da maneira que eu quero? A mixagem consiste em ouvir uma peça musical, identificar o que precisa mudar para obter um resultado melhor e, em seguida, usar as ferramentas apropriadas para alterá-lo. Para me contradizer, a próxima lição é não existe uma maneira realmente correta de misturar. É um processo muito criativo, assim como escrever uma música. Lembro-me de quando aprendi a mixar pela primeira vez, fiquei muito frustrada com os professores porque só queria saber quais configurações de compressor coloco na minha bateria ou qual reverberação coloco na minha guitarra, mas não é assim que as coisas funcionam. Eu digo que é como um processo artístico e criativo por si só. forma como um compressor funciona em uma bateria será completamente diferente de outra, e depende muito do tipo de música que você está procurando. Sabemos que se você está fazendo uma faixa vocal e de guitarra, a maneira como Sabemos que se você está fazendo uma faixa vocal e de guitarra, você comprime, equaliza e mistura essa faixa será totalmente diferente de uma banda de 10 integrantes. Novamente, trata-se de realmente saber o que todas essas ferramentas fazem. Como dissemos anteriormente, analisando o que precisa mudar e alterá-lo. Mas eu sei que pode ser um pouco assustador pensar, oh, eu não tenho limites ou coisas para realmente manter. Mas acho que é aqui que você pode ficar muito estranho e experimentar com isso. Como eu disse, não há uma maneira certa de misturar. Muitas vezes, as faixas mais legais vêm daquelas que realmente ultrapassam limites e não seguem as regras e outras coisas. Por exemplo, um dos meus álbuns favoritos de todos os tempos For Emma, Forever Ago, de Bon Iver, foi gravado em uma cabana de madeira. Sem instalação de som, sem estúdio adequado, um microfone bem barato e uma porta muito, muito básica. O álbum está cheio de zumbidos e rangidos estranhos e barulho ambiente, e isso seria totalmente contrário a uma forma muito profissional de gravar uma faixa. Mas eu absolutamente amo isso, e é toda essa estranheza que adiciona personalidade a ele. Depois de saber como usar as ferramentas, use-as da maneira que achar melhor. Eu vou te dar alguns parâmetros muito básicos para você seguir. Mas, como eu disse, experimente com isso. Você realmente quer descobrir qual produtor e qual engenheiro de mixagem você é pessoalmente, assim como que tipo de compositor você é pessoalmente. Todo mundo vai ter um gosto diferente em música e composição, assim como todo mundo vai ter um gosto diferente na mixagem. Para continuar, sei que parece clichê, mas a prática realmente leva à perfeição. É muito complicado tentar explicar sons com palavras. Às vezes, simplesmente não há como explicar algo verbalmente sem que você realmente e experimente essas coisas por si mesmo. Assim como qualquer outra coisa, quanto mais você fizer isso, mais rápido você será capaz de reconhecer quais frequências não se encaixam corretamente ou quais configurações de compressor você mais gosta nos vocais. A única maneira de descobrir isso é praticando. Meu maior conselho para finalizar esta lição é tornar todo esse processo super divertido. Não leve isso muito a sério, divirta-se com o processo de apenas mexer nas coisas. Não se pressione para tentar misturar imediatamente como o melhor engenheiro. Dedique o tempo necessário para realmente desenvolver cada uma dessas ferramentas, o que elas fazem e quais sons elas criam. Torne isso divertido, faça isso regularmente e você será um profissional absoluto em pouco tempo. Chega, o grito continua, vamos mergulhar na mistura agora. Te vejo na próxima aula. 4. A música vamos estar misturando: Para demonstrar todas as coisas de mixagem sobre as quais falaremos hoje. Vou mixar uma seção de uma música qual estou trabalhando com alguns amigos, então, para dar uma boa ideia da faixa que vamos mixar hoje. Eu só vou jogar até o fim. Só vamos misturar a seção intermediária. Só para que não seja tão avassalador. Só para que você saiba a música que vamos mixar. Eu vou tocar para você agora. Em seguida, ele começa a entrar em uma seção um pouco diferente. Mas é nessa primeira parte, no dinheiro, parte intermediária, que vamos nos concentrar hoje. Agora, vale dizer que isso não é nada misto. Se você pudesse perceber que os volumes estão em todo lugar, muitos instrumentos podem até ser ouvidos. Na verdade, o que eu consigo é jogar isso também, porque é um pouco confuso. Mas espero que isso forneça um esboço aproximado o gênero da música e de onde entramos. Vamos mergulhar e começar a resolver um pouco dessa bagunça. Sherry, nos vemos na próxima aula. 5. Preparação para misturas: Ei amigos, bem-vindos de volta. Na próxima lição, falaremos sobre preparação mista, que pode parecer ridículo. Mas confie em mim, isso torna todo o processo muito menos cansativo e, em geral, torna muito mais rápido e fácil misturar e pular pela pista. Eu sempre gosto de dividir as coisas em etapas para torná-las o mais fáceis possível. Número 1, isso pode parecer óbvio, mas escolha suas melhores opções. Eu já fiz a maior parte disso porque demora um pouco. Você só quer seguir e escolher todas as suas melhores atuações. Pode ser como um verso em que a primeira seção vocal você gostou mais do que a segunda. Ou talvez você queira cortar como cada linha vocal, se quiser ficar muito bem com ela. Então, a segunda etapa parece óbvia, mas basta excluir tudo o que você não precisa. Qualquer tentativa ruim talvez algumas ideias que você esteja experimentando e que simplesmente não tenham funcionado bem, basta ir em frente e excluí-las. Em seguida, vamos rotular adequadamente cada faixa. É muito fácil cair na armadilha da guitarra 1 ou do instrumento 1 ou entrada de áudio 5 ou qualquer outra coisa que você saiba. Isso significa que você precisa se lembrar constantemente de qual faixa é qual. Basta passar um pouco de tempo examinando e dando a tudo o nome correto. Muito parecido com o fator, tudo bem e o chumbo, a guitarra, a harmonia e assim por diante. Só para que tudo fique bem claro e eu também gosto de mudar o ícone. Mais uma vez, um bom lugar para se estar, uma maneira agradável e fácil de ver a pista. Na lógica, você pode clicar com o botão direito do mouse e selecionar seus ícones a partir daí. Vou passar um minuto fazendo isso. Temos uma ideia muito mais clara sobre o que é cada faixa. Acho que é um pouco mais como [inaudível] aqui embaixo com todos esses vocais diferentes. Mas o que faremos mais tarde é empilhá-los em uma pasta. Acho que não preciso rotulá-los demais. Mas, novamente, coisas como as guitarras, os vocais principais e todo esse tipo de coisa estão bem rotuladas agora. Em seguida, basta organizar as faixas em uma ordem que funcione bem com você. Isso é diferente para cada pessoa. Algumas pessoas gostam dos vocais sentados no topo, outras gostam da bateria no topo, depois do baixo e da guitarra, e elas ficam assim. Basta agrupá-los de qualquer maneira que faça sentido. Na verdade , acabei de jogar todos os instrumentos principais em direção ao topo. Então eu tenho todos os vocais mais na parte inferior. Mas para movê-los, basta selecionar os que deseja e arrastá-los para cima e para baixo. Isso seria bem parecido com qualquer Doyle que você está usando. Em seguida, é a codificação por cores. Como você pode ver aqui, maioria das faixas é azul, o que é bom. Mas o que podemos fazer para facilitar um pouco as coisas para nós é codificar todas elas por cores. Isso vai ser um pouco diferente em cada Doyle. Talvez você precise pesquisar um pouco no Google sozinho se quiser fazer isso. Na lógica, acessamos o Logic Pro, configurações e vamos para a tela. Em seguida, vamos para Tracks. Em seguida, podemos atribuir automaticamente 24 cores ou 96 cores, dependendo do que você deseja. E é aqui que podemos mergulhar em algumas outras configurações para que possamos tratar cada faixa diferente com uma cor diferente. Se você ver isso, nós o selecionamos. Em seguida, cada um atribuirá uma cor diferente. Agora, se quisermos dizer como agrupar tudo isso de uma forma muito fácil, podemos simplesmente selecioná-los todos, podemos simplesmente selecioná-los todos, clicar com o botão direito do mouse e depois ir para a cor da trilha sonora. Podemos simplesmente alterá-los todos por grupos. Todas essas sessões vocais estranhas que conhecemos estão todas agrupadas. Podemos simplesmente percorrer a faixa e colorir como quisermos. Em seguida, vamos agrupar instrumentos e criar pilhas de faixas. Isso é muito útil se você tem uma tonelada de pilhas vocais com as quais está trabalhando, como esta faixa. Ou, muitas vezes, se você tem uma gravação de bateria em que usa cerca de 10 microfones diferentes, o que você pode fazer é agrupar todos eles e tratá-los como um arquivo específico e ocultá-los para que você não percorra constantemente toneladas e toneladas de faixas. Quando se trata de trabalhar apenas na bateria e nos vocais, basta mergulhar nessa pasta e tudo se abre para você. Neste exemplo, vou usar essa pilha vocal estranha. Vai ser um pouco diferente em cada Doyle, mas você deve ser capaz de empilhar pastas, não importa qual Doyle você esteja usando. Em Logic, queremos apenas selecionar todas as faixas. Queremos grupos juntos. Clique com botão direito. Em seguida, queremos ir para Create Track Stack. Isso nos dará duas configurações diferentes. A pilha de pastas estará literalmente agrupando todas elas para que possamos retirar a pasta e reduzi-la novamente, que é bom para organizá-las. Mas uma pilha de soma essencialmente nos permite criar efeitos ou ajustar o volume de toda a pilha. Isso é muito útil em tambores, como se você quiser abaixar a bateria inteira, em vez de recusar cada pessoa, como o microfone, podemos fazer tudo de uma vez. Se você estiver usando lógica, recomendo usar o Summing Stack, se você quiser ajustar alguma coisa. Podemos ver aqui que ela organizou todos esses vocais em uma única faixa que podemos abrir e trabalhar ou fechar, e então temos uma aparência um pouco mais nítida na linha do tempo. Também podemos nomear essa pilha , como pilhas vocais estranhas. Então, sim, podemos ajustar o volume para isso ou para o ganho ou onde quer que esteja , e é muito mais fácil. Poderíamos fazer o mesmo com tudo isso. Eu sei que todas essas serão apenas as harmonias de versos. Eu posso criar uma pilha de faixas, versos, harmonias vocais. Isso apenas reduziu a grande quantidade de coisas que tivemos que percorrer. Isso só torna as coisas mais simples e isso faz mais sentido para mim agora. Em seguida, excluiremos o som vazio. Em muitas gravações como esta, por exemplo, é violão acústico. Na verdade, não há som até aqui. Novamente, só para deixar bem claro onde cada instrumento está entrando e saindo, eu gosto de apagar todo o som vazio, sem fazer nada para a faixa. Se você gosta de um pequeno ruído de baixo custo ou algo estranho, obviamente, fique à vontade para deixar isso de lado . Mas eu gostei, sim, apague o máximo de som vazio que eu puder. Isso pode ser tão simples quanto cortar, atrair e descobrir onde isso para. Muitas vezes, há uma maneira mais fácil de contornar isso. Se selecionarmos a faixa, queremos que o ruído seja retirado. Então, na lógica, vamos para as funções e removemos o silêncio da região de áudio. Novamente, haverá um pouco diferença em cada Doyle, mas deve ser algo semelhante. Então, só queremos ajustar o limite para remover o silêncio. Agora, obviamente, você pode ficar realmente assim, especificamente com isso. No entanto, eu recomendaria ser o mais solto possível, para não eliminar nenhuma ressonância agradável. aí está tudo bem, apenas cortando o silêncio. Vamos clicar em Ok e você pode ver que foi cortado com esse silêncio [RUÍDO] para nós. Vou fazer o mesmo com cada instrumento que tenha esse silêncio ou podemos usar o atalho, a seta e o x, dois passos fáceis de abrir e resolver isso rapidamente . Eu recomendaria fazer isso um de cada vez , apenas para ter certeza de que não está cortando nada do que você quer e que tudo está realmente preciso. Novamente, isso parece muito mais claro para mim agora. Agora, além disso, podemos criar crossfades e, em geral, que as coisas entrem e saiam. Por exemplo, algumas coisas podem surgir um pouco repentinamente, como essa guitarra, como essa guitarra principal, por exemplo, obviamente corta aí , então, em vez de simplesmente terminar repentinamente na lógica, podemos apertar Shift Control e depois desenhar uma linha e isso criará um fade out. Para isso, por exemplo, precisa ou até desaparece um pouco mais cedo, então termina aí. Podemos simplesmente cortar isso e, em seguida, apertar Shift e Control e desenhar uma linha e isso vai desaparecer. Você vê que essa linha vai derrubá-la e vai desaparecer de forma mais natural do que simplesmente terminar repentinamente. Podemos fazer isso com cada um, se você quiser. Não acho que você precise ter todas as faixas, mas qualquer uma tem um pouco de recorte ou simplesmente faça uma música estourar repentinamente ao trazê-la. Essa é uma guitarra arranhada, por exemplo, poderíamos fazer um pouco torná-la um pouco mais bonita. Mas o que também podemos fazer é crossfade. Se você já tem duas tomadas e está tentando juntá-las e há um pouco estranho de cruzamento , é como um estouro ou simplesmente não desaparece de um tipo para o outro de forma muito natural, podemos criar um crossfade com exatamente a mesma técnica, então, controle a mudança e poderíamos simplesmente colocar um pouco de crossfade nela e pegar uma e colocar para baixo enquanto os outros sobem. Eles vão se encontrar muito bem. Basta dar um som muito natural. Para tornar as coisas ainda mais fáceis para nós mesmos, muitas vezes você pode simplesmente aplicar um crossfade padrão. Se você for para a faixa, você deseja inserir seus cross fades nas funções go to e, em seguida, aplicar o crossfade padrão. Isso aplicará todos os crossfades onde forem necessários. Em seguida, podemos criar algumas seções no topo da nossa faixa, para que possamos facilmente conhecer aqui o verso, o refrão e as pontes. É muito opcional, mas, novamente, ajuda você a se movimentar e acelera as coisas. Na lógica, queríamos mostrar as faixas globais aqui e, em seguida, você pode ver esse marcador de arranjo para que possamos mais e dizer que ele adiciona um mercado para uma introdução para nós , então sabemos que a introdução termina aí. Podemos simplesmente esticá-lo e clicar em Mais novamente e o padrão será um verso. Podemos continuar assim e renomeá-los apenas para caber no que for adequado. É como ouvir uma seção de versos para mim. Continuamos assim e isso torna muito fácil pular pela pista. Se você quiser, você também pode se livrar deles para que possamos clicar com o botão direito do mouse e reduzir o tempo . O marcador de assinatura também eliminaria isso, para que possamos colocar também eliminaria isso, para que possamos as seções de soma na parte superior. Agora, dando uma olhada nessa faixa como ela é, isso para mim é muito mais claro do que onde estávamos no começo. Vai ser muito mais divertido e acessível entrar agora e ajustar as coisas, em vez de apenas lutar entre nomes de faixas realmente confusos e coisas assim. Tudo parece muito bom, mas há mais uma etapa que eu gosto de dar ao me preparar para uma mixagem : importar uma faixa de referência. Uma faixa de referência será muito útil à medida que avançarmos no processo de mixagem. É muito fácil quando você ouve atrair repetidamente para se acostumar com o som que você emitiu. A menos que estejamos realmente comparando idas e vindas a uma música que é um padrão da indústria, é muito difícil se manter no caminho certo e estar ciente do que você está buscando. Pense em qual gênero ou estilo você está tentando replicar ou usar e geralmente é útil pegar algumas faixas, como duas ou três, mas por hoje vou pegar apenas uma. Estou escolhendo um Bon Iver, estilo Phoebe combina com essa faixa, e uma das músicas que realmente me inspirou ao escrever essa música foi o banco de sangue de Bon Iver. Eu baixei essa faixa de referência e vou arrastá-la para o final aqui. Obviamente, afaste-o da pista para que não caia, mas apenas para que você possa pular e ouvir voltar para o seu. Mas lembre-se de que sua faixa de referência geralmente será masterizada até o volume mais alto possível, portanto, esteja sempre balanceado e o volume da faixa de referência alinhado com a faixa em que você está trabalhando. Não se preocupe muito em obter o mesmo volume imediatamente. É disso que se trata mais masterização, mas uma faixa de referência será muito importante no futuro. Vamos limpar o seu rastro e, quando estiver pronto, vamos mergulhar na próxima lição. Te vejo lá. 6. Ganha a preparação: Olá pessoal, bem-vindos de volta. Na próxima lição, falaremos sobre ganho de peso. Mas antes de mergulharmos nisso, o que é ganho? Você vê ganhos, o processo de ser completamente enganado como eu. Não, só estou brincando. Ganho, é essencialmente o nível da entrada do som. Agora, muitas vezes é confundido com volume, que é a saída do som. Agora, eles podem parecer muito parecidos, mas volume e ganho são, na verdade, duas coisas diferentes. Gosto de pensar nisso como uma guitarra. Se você conectar uma guitarra ao amplificador, você tem um botão de ganho, e se você aumentar esse ganho totalmente, você obterá uma guitarra com som distorcido. Você está ajustando o nível de entrada para que fique sobrecarregado. Mas você pode controlar o volume guitarra ainda com um botão de volume. Você pode criar uma guitarra com som distorcido em um volume baixo. Embora poucos guitarristas de rock distorcido pareçam fazer isso, mas é assim que eu gosto de pensar nisso. volume controla o volume, enquanto o ganho controla o tom e a entrada do canal. Entrar ganha, sai volume, se isso faz sentido. Com isso em mente, o que é ganho de peso? estágio de ganho está definindo corretamente o equilíbrio do ganho para cada um dos instrumentos em nossa faixa. Isso é ajustar o ganho para cima ou para baixo. então atinge um certo ponto ideal, o que minimiza o ruído e a distorção. Mas também garante que você obtenha o melhor som possível dessa gravação. Também é muito bom porque se conseguirmos que todas as nossas faixas tenham o mesmo ponto ideal, isso significa que todos os nossos instrumentos estão no mesmo nível, então é muito mais agradável e rápido quando se trata de mixar e ajustar volumes. É muito importante fazer essa etapa antes de fazer qualquer mixagem, como qualquer compressão , equalização ou qualquer coisa parecida, fazer o teste de ganho primeiro e termos uma base muito boa para trabalhar. Antes de começarmos a ajustar o ganho de cada faixa, queremos garantir que todos os volumes estejam definidos como zero dB. Como você pode ver aqui, só queremos ter certeza de que esse número está em zero ou, se estivermos trabalhando daqui de cima, queremos ter certeza de que todos são neutros em zero dB. Também queremos ter certeza de que nenhum dos instrumentos seja panorâmico, então esse mostrador aqui que usamos para a panorâmica, falaremos sobre isso mais tarde. Mas sim, vamos apenas garantir que tudo esteja centro e no mesmo nível. Na lógica para ajustar o ganho de qualquer faixa, queremos apenas clicar na faixa, queremos ajustar o ganho, apertar este pequeno botão i e aqui você verá que há uma opção para ajustar o ganho. Ou, se quiser, você pode ir para a seção de mixagem, e podemos adicionar uma unidade de ganho aqui, se quisermos usá-la em um formato de plugin. Mas eu gosto muito de usá-lo nessa viagem, então é isso que vou fazer hoje. Para ganhar estágio, precisamos ajustar o ganho para que o áudio atinja um determinado ponto ideal de áudio. Agora podemos encontrar esse ponto ideal de duas maneiras diferentes. A melhor maneira é usar o que chamamos de medidor dBVu. Vou deixar um link de download gratuito para isso na descrição. Ou você pode usar o fader de volume do seu DAW para ter uma ideia de onde esse volume está e, em vez disso, fazer isso dessa maneira. Olá, estou editando. Vou aparecer aqui e ali para adicionar um pouco mais de contexto ao que estou dizendo. Só para expandir um pouco sobre decibéis, dBFs e esse tipo de coisa. dBFS e dBVu são apenas formas diferentes de medir o volume. O DBFS é a versão digital moderna. DBVU é uma forma mais analógica de medir volume à moda antiga . Por serem baseados em sistemas diferentes, eles funcionam de forma um pouco diferente. Mas tudo o que você realmente precisa saber é que é apenas uma forma de medir um volume, e a forma analógica da velha escola, dBVu, tende a ser mais o padrão-ouro a ser buscado ao fazer coisas como ganhar staging. Mas, ao trabalhar com DAWs modernos, trabalharemos quase exclusivamente em decibéis ou dBFS. Também é importante notar que, se ultrapassarmos zero decibéis, atingiremos o pico do sinal, e isso geralmente gera distorção e apenas alguns sons desagradáveis. Quase nunca queremos ultrapassar zero decibéis. Se eu tocar essa guitarra, por exemplo, você pode ver o medidor de volume lá. Isso é leitura em decibéis ou dBFS. Um pouco técnico, mas, essencialmente, estamos analisando os números e as leituras do medidor de nível aqui. A maneira mais precisa de chegar a esse ponto ideal de áudio, como eu disse, é usando um medidor dBVu. Podemos baixar isso gratuitamente online. Pelo menos eles estão livres no momento. Eles se parecem um pouco com isso. O que estamos tentando fazer com que o áudio fique em zero dBVu. Novamente, se eu tocar essa guitarra, podemos ver que está realmente bem perto. Mas se quisermos ajustar isso, basta clicar na guitarra e ir até o ganho. Queremos aumentar um pouco para que chegue ao zero. Um pouco mais. Obviamente, qualquer instrumento vai aumentar e diminuir de volume. Essa é exatamente a natureza de qualquer instrumento. O que realmente queremos aqui é chegar o mais próximo possível desse dBVu zero. Se estiver passando um pouquinho, tudo bem. Eu costumo gostar de mantê-lo abaixo de zero, se possível. Mas isso é bem próximo de mim. Eu só tive que fazer um pequeno ajuste lá a 1,6 decibéis. Isso é tudo o que estamos fazendo, é percorrer cada faixa e ajustar o ganho para que fique o mais próximo possível desse dBVu zero. Agora, se você realmente não consegue colocar suas mãos nisso, ou está em apuros, muitas pessoas também dizem que devemos tentar atingir menos 18 dBFS, que podemos ver em nosso medidor de volume. Acho que na maioria das vezes estamos tentando encontrar o equilíbrio que está em torno de menos 18, e é nosso pico em menos dez. Isso tende a ser um intervalo semelhante ao zero dBVu. Se dermos uma olhada aqui, desta vez daremos uma olhada em nosso medidor de volume. Podemos ver que estamos vendo por volta dos 18 anos, um pouco mais de músculo atingindo o pico por volta dos 10, que é mais ou menos aqui. Esse é um nível muito bom para mim. Tenha isso em mente. Estamos optando por cerca de zero dBVu, ou atingindo um pico de menos 10 dBFS. Vou selecionar todas as nossas faixas aqui e ativar o medidor dBVu em todas elas. Simples assim. Vou passar um por um e ajustar esse jogo para que ele atinja cerca de zero dBVu. Enquanto fazemos isso, queremos repetir a parte mais alta da faixa para focar. Você pode ver aqui com o baixo, que estamos indo muito longe. Queremos acabar com esse jogo. Agora, obviamente, cada instrumento será um pouco diferente. Agora, com instrumentos com muita dinâmica, especialmente baterias onde há sons repentinos e fortes, precisamos ganhar palco de uma forma um pouco diferente. Por exemplo, esse direito não está atingindo o zero dBVu. Pensaríamos em retomá-lo, mas se olharmos para o nosso medidor de nível , estamos captando o sinal, o que significa que teremos distorção e que não soará muito bem. Também vai soar muito desequilibrado com todo o resto. Não podemos deixá-lo atingir o pico, o que significa que precisamos reduzi-lo e tudo bem. Nem todo instrumento será capaz de atingir esse ponto ideal digital neste medidor de VU. Em um caso como esse, examinarei novamente o medidor de nível e tentarei colocá-lo em torno de menos 18, pico de 10. Mas, novamente, se conseguirmos chegar o mais próximo possível de zero dBVu, isso também é ótimo. [RUÍDO] Isso é bom, está lá por volta das 18 e eles estão atingindo um pico em torno de menos 10. Estou bem. Infelizmente, não consigo conhecer esse ponto ideal, mas tudo bem. Começa muito bem aí. Órgão sentado por lá também, o que é bom. Para cada instrumento diferente, como essa guitarra, é um pouco difícil de definir exatamente onde ela está. Estou constantemente olhando entre meu medidor de nível e meu medidor dBVu, estou tentando ligá-lo o mais próximo possível. Mas muito disso é como uma ciência leve. Não precisa ser exato. Estamos apenas procurando um bom nível aproximado. Então, a maioria das faixas foi conquistada lá. Agora, só precisamos fazer essas harmonias vocais, mas o que podemos fazer é algo muito legal para economizar um pouco de tempo para instrumentos que não estão muito na sua cara, coisas como sons de fundo ou harmonias, especialmente aqueles como esses, que têm apenas uma ou duas linhas, encená-las não é tão vital. O que podemos fazer é algo chamado normalização de áudio. Isso basicamente ajustará o ganho em cada região para que ela atinja um determinado ponto de pico. Se selecionarmos tudo o que queremos ajustar, vá para funções e aplique o ganho de região normalizado aqui. Então, podemos escolher se queremos que sejam faixas individuais ou regiões individuais, vamos escolher regiões porque selecionamos regiões amorosas e, como dissemos anteriormente, nosso objetivo é atingir cerca de menos 10 picos, [RISOS] se isso for uma palavra. Então, podemos digitar aqui menos 10 e clicar em Aplicar e, em seguida, todas essas pequenas regiões serão aumentadas para cerca de menos 10. Veja, todos eles foram levados a um nível muito bom lá. Agora, o que podemos fazer é voltar com uma medição e ver como isso está funcionando. Então, podemos dizer que isso é muito alto. Então, podemos simplesmente fazer esse processo exato novamente, mas diminuí-lo um pouco. Talvez vamos para menos, digamos menos 16 em vez disso. Em vez disso, vamos tentar menos 13. Isso está atingindo um equilíbrio baixista lá. Assim, podemos brincar com esse recurso de ganho normalizado em algo como fundo, instrumentos ou como um grande kit de bateria com muitos sons diferentes. Parece um pouco de tempo. Novamente, é bom colocar nosso áudio nesse ponto ideal. Agora, a pergunta que muitas vezes é feita é todos os instrumentos precisam ser ajustados? Bem, na verdade não, mas vale a pena considerar. O que quero dizer com isso é que você definitivamente quer ganhar faixas de palco na frente e muito presentes, como guitarras, vocais , bases, mas instrumentos como um pequeno agitador ou um pandeiro ou algum ruído ambiente de fundo, coisas assim. Não se preocupe muito, mas chegar ao nível certo só vai significar que vai ser difícil misturar bem e facilmente. Contanto que você esteja no estádio certo, tudo bem. Você deveria usar o Stage Midi? De certa forma, sim. Por exemplo, temos as cordas do amidi. Agora, como o amidi é como a informação de áudio não é como uma gravação, ela não tem exatamente o mesmo ganho, mas geralmente podemos usar os plug-ins como os que temos aqui e eles geralmente são como um botão de volume ou alguma forma de ajustar a saída. Podemos colocar isso no ponto ideal para que fique bem com os outros instrumentos ou, caso contrário, se você estiver conectando não tiver um controle deslizante de volume, você pode adicionar um plug-in de ganho um pouco que vimos anteriormente, então basta adicionar ganho de utilidade, adicioná-lo aos efeitos e você pode ajustar o ganho a partir daí. Agora você pode ouvir que as coisas estão em um equilíbrio um pouco melhor agora, apenas ajustando esses ganhos, tudo está em um bom nível e você pode ouvir a maioria das coisas. Ao criar essa base para nós mesmos, é muito fácil fazer pequenos ajustes e equilibrar a mistura desejada. Isso apenas cria uma base perfeita para trabalhar e significa que estamos aproveitando ao máximo todas as nossas gravações e instrumentos. Em seguida, trabalharemos na balança e nos volumes. Além disso, nos vemos na próxima aula. 7. Equilíbrio de volume: Em seguida, vamos trabalhar no balanceamento de volume. Isso é exatamente o que parece. Vamos apenas brincar com os volumes e garantir que tudo esteja um nível muito bom. Podemos ouvir tudo com clareza e estamos felizes com o equilíbrio da faixa. É aqui que nossa faixa de referência será muito útil, pois podemos simplesmente comparar os volumes e onde tudo está com uma referência. Vamos dividir isso novamente em etapas, para que seja muito fácil de entender. O primeiro passo será fazer um loop na parte mais alta da pista. Em seguida, vamos selecionar cada um dos nossos instrumentos. Tudo isso, e vamos reduzir todos os controles deslizantes de volume para zero, então você deve ser capaz de ouvir qualquer coisa. Agora vamos escolher nosso instrumento mais importante. Geralmente são os vocais, mas, obviamente, dependendo do estilo em que você está trabalhando, pode ser diferente. Você pode estar trabalhando em lo-fi, que não tem vocais; nesse caso, você pode ter uma melodia muito forte. Vamos escolher o som principal da nossa música, que será a voz dessa faixa. Vamos trazê-lo para que fique a cerca de -5 db. Veja que os climas mais altos do passado eram -6 ou -5 rotatórias, tudo bem. Em seguida, vamos escolher o segundo instrumento mais importante e trazê-lo para que fique bem com esses vocais. Acho que, para mim, é provavelmente a guitarra principal. Virá em segundo lugar, o mais importante. Isso está aqui. Então, vamos continuar dessa forma, escolhendo o próximo instrumento mais importante e o próximo instrumento mais importante e apenas misturando-os com os instrumentos que já estão presentes. Depois dessa guitarra principal, para mim, provavelmente vem a guitarra rítmica. A seguir está a base. Estamos apenas examinando cada uma dessas faixas e misturando-as uma por uma. Nem é preciso dizer que você obviamente pode voltar a cada instrumento. Você vai ajustar isso para toda a faixa, tenho certeza. Mas queremos chegar o mais perto possível, suspender por muito tempo aqui. Continue ouvindo a mesma seção e aproximando os volumes o máximo possível. Vale dizer que, se você tocar a música do começo ao fim, há algumas partes no começo ou no final que podem não soar bem, mas vamos corrigir isso um pouco mais tarde. Mas, por enquanto, só queremos que a parte mais alta da música soe bem e equilibrada e voltaremos ao resto do verão um pouco mais tarde. Certifique-se de fazer uma pausa também. Dê-lhe um aumento e descanse. Vá tomar uma xícara de chá ou simplesmente vá fazer outra coisa e depois volte a tomar meia hora depois com um pouco mais fresco. Além disso, continue se recuperando entre sua faixa de referência. Posso resolver aqui que acho que preciso de um pouco mais da guitarra principal. Um pouco mais de chute também. Acho que estou muito feliz com o equilíbrio. É um pouco intimidante tentar filmar enquanto faço isso, mas acho que parece bom. Estou feliz com isso por enquanto. Provavelmente vou pensar de forma diferente [RISOS] por volta de meia hora , mas isso é legal por enquanto. Se tocarmos essa música do início ao fim, você provavelmente pensará que as coisas soam um pouco desequilibradas em certas seções. Isso é totalmente bom. Isso é normal. Vamos corrigir isso com algo chamado automação um pouco mais tarde. Algumas pessoas podem gostar de fazer um pouco de automação nesta fase, o que é totalmente legal. Mas, para mim, vou fazer isso um pouco mais tarde, só porque sei que, por meio do EQing e compressão, as coisas podem soar um pouco diferentes. Mas a seguir, vamos falar sobre ônibus. Eu falarei mais sobre isso na próxima lição. Obrigado, pessoal. 8. Autocarros: Oi pessoal, bem-vindos de volta. Na próxima lição, falaremos sobre ônibus. Fiquei muito tempo confuso com os ônibus , mas na verdade é muito simples. O velho ditado é um pouco mais ou menos assim. Imagine que você queira levar um grupo de crianças para a escola. A maneira mais fácil de levar todas essas crianças para o mesmo lugar é enviá-las de ônibus até o local e é exatamente assim que é andar de ônibus com áudio. Digamos que temos uma bateria com vários microfones e baterias diferentes, e todos nós queremos reverberar neles, queremos enviá-los para uma reverberação. Em vez de enviar cada um individualmente, podemos enviá-los todos ao mesmo tempo. Por que fazemos isso? Em primeiro lugar, isso economiza muito tempo. Em vez de aplicar reverberação em cada faixa, podemos simplesmente criar uma reverberação de que gostamos e, em seguida, enviar uma tonelada de instrumentos diferentes para a mesma reverberação. Isso torna as coisas muito mais rápidas e fáceis em todos os sentidos e também reduz muito a quantidade de energia que seu computador precisa para fazer tudo funcionar. Além disso, como podemos usar isso para aplicar esse mesmo efeito em um grupo de instrumentos, ajuda colá-los juntos, como reverberação, por exemplo. Em vez de cada reverberação ser um pouco diferente, se pudermos enviar muitas de nossas faixas para o mesmo barramento de reverberação, soará como se elas estivessem sendo tocadas no mesmo espaço e as colará perfeitamente. Além disso, se você quiser ajustar a reverberação mais tarde, novamente, em vez de entrar em cada faixa individual e ajustá-la, podemos simplesmente ajustar o barramento de reverberação que definimos para nós mesmos e podemos fazer isso com qualquer efeito que quisermos, como reverberação, atraso, compressão, EQ. Às vezes, é bom equalizar a bateria inteira em vez de individualmente. Mais uma vez, ajuda a colá-lo. Não precisamos necessariamente configurar todos os nossos ônibus agora, mas assim que entramos na seção em que falamos sobre coisas como efeitos e reverberação de compressão, lembre-se de que você pode encaixar esses efeitos em um ônibus para facilitar a vida de você. Por enquanto, vamos aprender como podemos montar um ônibus sozinhos. Vamos pegar esse vocal principal, por exemplo. Digamos que queremos enviar isso para um barramento de reverberação em vez de colocar uma reverberação nessa faixa. Podemos acessar esta pequena seção aqui e selecionar para qual ônibus queremos enviá-la. Todos esses serão apenas canais vazios e vazios. Podemos ir para o ônibus 5 e você pode ver aqui no Aux 4, isso criou um novo ônibus para nós, então este é o ônibus 5 aqui. Podemos renomear isso na parte inferior, reverberar e esse é o nosso barramento de reverberação agora. No barramento de reverberação, vou colocar um plug-in de reverberação. Neste ponto, podemos configurar a reverberação da maneira que quisermos. Vamos falar sobre isso um pouco mais tarde, mas podemos determinar quanto desse efeito queremos adicionar à nossa faixa. Com o vocal principal em mente, podemos usar esse dial para alterar quanto do sinal está sendo enviado para esse barramento, que significa que ainda podemos quantidade de reverberação ou efeito que queremos em cada canal diferente. Temos essa reverberação passando pelo ônibus 5, e eu posso virar esse ônibus para cima se você quiser muita reverberação e diminuí-lo e obteremos um bom nível de som de reverberação lá. Agora, digamos que quiséssemos adicionar harmonias vocais à mesma reverberação. Só precisamos selecionar essa faixa e, novamente, transferi-la para a reverberação do Bus 5, e podemos tocá-las juntos e fazer exatamente o mesmo para que possamos ajustar a quantidade de reverberação que queremos no back-end. Ambos vão para a mesma reverberação, não precisamos definir esse canal de reverberação duas vezes e mexer em todas as configurações, podemos simplesmente obter um som de reverberação de que gostamos e depois ajustar a quantidade do sinal que entra nesse efeito. Também podemos ajustar a intensidade do ônibus usando o controle deslizante. Isso é tudo que usar ônibus é, basta enviar instrumentos diferentes por meio um efeito que torna as coisas muito mais fáceis para nós mesmos e cria uma boa coesão entre as faixas e brincamos com isso e nos vemos na próxima aula. Obrigado, pessoal. 9. Compressão: Olá, amigos. Bem vindo de volta. Na próxima lição, falaremos sobre compressão. A compressão é um dos componentes mais importantes da mixagem, por isso é muito importante entender e aprender. Mas antes de começarmos a falar sobre compressão, precisamos entender algo chamado faixa dinâmica. O que é alcance dinâmico? Essencialmente, é apenas a diferença entre a parte mais alta e a mais silenciosa de uma gravação, então vamos usar o exemplo da gravação de um vocalista. Agora, naturalmente, quando você está gravando algo como vocais, eles serão partes mais altas do que outras. O artista pode se aproximar do microfone, pode simplesmente gritar align [NOISE] ou sussurrar align [NOISE], e isso criará certas partes altas e certas partes silenciosas na gravação, o que é ótimo para desempenho, dá vida e faz com que pareça humana. Mas isso causa um pequeno problema na mixagem, porque se tentarmos equilibrar o volume com as partes mais altas, as partes mais silenciosas cantarão bem fracas e um pouco distantes, mas da mesma forma, se tivermos o volume equilibrado nas partes mais baixas, as partes mais altas ficarão muito altas. É aqui que entra a compressão. O que a compressão faz é essencialmente reduzir as partes mais altas de uma gravação, para que toda a gravação seja mais consistente. Podemos controlar como esse compressor funciona, então podemos essencialmente controlar a faixa dinâmica de uma gravação, e isso cria um nível de volume mais consistente, e muitas pessoas dizem que isso adiciona presença e força a uma faixa. Mas temos que ter cuidado, pois se comprimirmos demais um sinal, ele pode simplesmente morrer em uma apresentação e fazer com que pareça bastante plano, inorgânico e bastante processado. Isso é o que a compressão faz, é apenas tornar o nível de volume mais consistente para qualquer gravação. Ouça esses vocais antes e depois de serem comprimidos e observe como os vocais não comprimidos soam inseguros de si mesmos e pouco confiantes. Espero que você possa ouvir que o som vocal comprimido é muito mais confiante, consistente e mais forte em geral. Mas como usamos a compressão? Cada compressor é composto por vários elementos diferentes de mostradores. O primeiro é o limite. Definimos o limite em que queremos que a compressão comece a ocorrer. Se usarmos isso como exemplo, aqui temos nosso sinal de áudio e queremos compactar as partes mais altas dele, então você deve se concentrar apenas nessa parte mais alta do áudio. Definimos o limite onde queremos que a compressão comece a ocorrer, então, se definirmos o limite aqui, tudo acima dele, tudo isso será afetado. Quanto mais baixo definirmos esse limite, mais do sinal ele será comprimido. Poderíamos definir o limite aqui, mas isso resultaria em uma compressão muito intensa, então queremos colocá-la em um nível que soe bem e orgânico, idealmente, a menos que você queira usar bateria comprimida louca ou algo assim. Em seguida, temos a proporção. A proporção determina a quantidade de compressão ocorre acima do limite. Se comprimirmos tudo acima desse limite, parece um pouco plano e orgânico, então ajustamos a proporção para determinar quanta compressão está ocorrendo acima desse limite. Eu penso nisso um pouco como um filtro no topo da soleira, e podemos abrir esse filtro e deixar passar um pouco desse sinal, soa um pouco mais natural e orgânico dessa forma, ou podemos realmente fechar o filtro, essa proporção para criar um estilo de compressão muito mais intenso. Quanto maior a proporção, mais compressão, menor a proporção e menos compressão. Aqui estão alguns marcos de proporção muito simples para dar uma ideia mais clara. Em seguida, temos o ataque. ataque é a quantidade de tempo que o compressor leva para começar a funcionar. Um tempo de ataque mais rápido produz um som espesso e forte, enquanto um som de ataque mais lento soa mais forte e orgânico. Normalmente, tempos de ataque mais lentos são mais agradáveis de ouvir. Como você pode ver nesta tela, com um tempo de ataque rápido, assim que o sinal ultrapassa o limite, o compressor entra imediatamente e insere o sinal no compressor imediatamente. Já com um tempo de ataque lento, assim que o sinal atinge o limite, o compressor começa a funcionar, mas é um declínio muito mais lento, como você pode ver aqui, e com um tempo de ataque mais lento, isso significa que parte desse sinal inicial vai sair um pouco mais, então certas linhas terão um bom impacto, tornando-as um pouco mais mais fortes porque eles apenas captam o início da compressão. Do outro lado disso está o lançamento. Se o ataque acionar o compressor, a liberação libera o compressor, então é a quantidade de tempo que o compressor leva para liberar a compressão. Tempos de liberação rápidos tendem a parecer mais naturais e as pessoas tendem a se inclinar um pouco mais para esses tempos de liberação rápidos, então você pode ver aqui que, quando o sinal volta abaixo do limite, esse é o sinal do compressor para parar de funcionar. Os relevos determinam a rapidez com que o compressor passa de funcionar para não funcionar. Você pode ver aqui, com uma liberação lenta, que o compressor volta lentamente, mas com uma liberação rápida, assim que o sinal chega abaixo do limite, o áudio volta direto para o nível normal. Em seguida, temos o joelho. O joelho é a transição entre a redução total dos compressores para nenhuma redução do sinal, mas, em termos leigos, eu penso nisso essencialmente como a agressividade do funcionamento do compressor. Um joelho mais alto resultará em uma compressão mais sutil, enquanto um joelho inferior será um pouco mais firme e agressivo. Mas é muito sutil, então não se preocupe muito com isso. Mas, novamente, só para ter uma ideia aproximada, você pode ver um joelho macio aqui, assim como a compressão de Ben e o torna mais sutil e macio, enquanto um joelho duro será muito mais direto e afiado. Por fim, temos o ganho de maquiagem. Quando estamos usando compressão, estamos tornando o sinal mais silencioso porque estamos diminuindo as partes mais altas. Usamos o ganho de maquiagem apenas para reajustar a perda de sinal, então estamos apenas trazendo isso volta a um nível com o qual estamos satisfeitos. Além disso, na maioria dos compressores, você terá um estilo misto, e isso é essencialmente a diferença entre o sinal seco não comprimido e o sinal comprimido úmido. Você pode simplesmente ligá-lo se quiser tirar a borda de um compressor, também vale a pena mencionar a redução de ganho. A compressão é medida na redução de ganho porque está comprimindo esse sinal e tornando-o mais silencioso, reduzindo o ganho, e se você olhar para um compressor, verá um mostrador ou um gráfico, e isso é o que está lendo é quanta redução de ganho está ocorrendo. partir dessas leituras, obtemos uma ideia muito clara de quanto o sinal está sendo comprimido. Isso é muito importante, não é? Sinta-se à vontade para ler esta lição quantas vezes precisar, mas a seguir vamos ver como realmente usamos a compressão no próprio áudio . Te vejo na próxima aula. 10. Usando a compressão: Ei pessoal, bem-vindos de volta. Na próxima lição, vamos pegar o que aprendemos na última lição sobre compressão e aplicá-lo às gravações que temos em nossa música. Neste exemplo, vou usar vocais. Agora, se ouvirmos essa faixa vocal, você verá que há certas palavras em certas partes que parecem um pouco fracas e pouco confiantes. Isso não é culpa de Harriet, a cantora. Ela é uma cantora incrível, e é totalmente natural que qualquer cantora cante certas palavras mais alto, outras mais baixo. É isso que queremos. Queremos uma performance vocal genuína. Mas só queremos ser capazes de controlar essa faixa dinâmica para que ela não soe muito silenciosa ou pouco confiante. Se tivermos uma escuta. Espero que você possa ouvir que o começo disso é bem forte. Mas essas partes posteriores aqui, que perdem a sensação, parecem pouco confiantes. Agora, se fôssemos solo, isso soaria bem. Mas quando temos tantos outros instrumentos e outros sons, podemos facilmente enterrar essas partes mais altas, é exatamente por isso que usamos compressão. Vou até o vocal e vou colocar um compressor nele. Aqui você pode ver todos os mostradores sobre os quais falamos na última lição. Agora, não ajustamos nada disso. Essa é apenas a configuração padrão de fábrica. Mas você pode ver essa linha. Está cavando o sinal e pressionando as partes mais altas, linha que está sendo desenhada está apenas penetrando no sinal. Agora, mesmo que você saiba o que todos esses mostradores fazem, pode ser muito difícil olhar para esse compressor e saber o que está fazendo. Novamente, eu gostaria de dividi-lo em várias etapas a serem seguidas todas as vezes, e sempre parece funcionar muito bem para mim. Primeiro, queremos apenas garantir que não estejamos sozinhos. Estamos tentando misturar as compressões para que elas funcionem com a pista, não que funcionem sozinhas. Idealmente, queremos misturar com a faixa que está tocando, mas podemos nos recuperar entre o solo apenas para que possamos ouvir exatamente o que está acontecendo. Além disso, fica mais fácil para mim explicar. Para começar, eu gosto de definir o limite em cerca de três para um, então sabemos que há uma boa quantidade de compressão ocorrendo. Em seguida, vou ajustar o limite até notar alguma compressão ocorrendo. Vou reduzir o limite para zero. Vou colocá-lo no medidor e vou reduzir esse limite até que ele comece a comprimir o sinal. Uma compressão mais suave e sutil normalmente fica entre dois e quatro decibéis de redução, enquanto uma compressão mais pesada fica mais perto de menos seis e menos 10. Mas eu não me preocuparia muito com isso. Cada instrumento é tão diferente, e eu só gosto de ajustar o limite até ver alguma compressão ocorrendo, e isso soa bem para mim. Você pode ver que estamos meio que flutuando em torno de menos cinco, o que eu acho que parece muito bom. Não parece muito agressivo, apenas soa bem e sutil. Você pode não notar uma grande diferença lá. Mas se você ouvir com muita atenção, você pode sentir que tudo está um pouco mais nivelado, em vez de aquela faixa dinâmica tornar alguns bits mais silenciosos. Podemos tornar isso muito agressivo se você quiser. Se eu aumentar a proporção, diminua um pouco o limite. Isso é com compressão pesada, e espero que aqui você possa soar meio processado, um pouco plano e meio chato. Queremos nos ajustar para evitar isso. Mas em alguns gêneros, como heavy metal ou bateria comprimida, às vezes as pessoas realmente gostam de um sinal fortemente comprimido. Mas com esse vocal, eu quero manter esse elemento natural nele, então vou reduzi-lo novamente. O terceiro passo seria trazer esse ganho de maquiagem de volta ao nível que tínhamos antes. Só queremos ajustar esse ganho de maquiagem, ligar e desligar o compressor e trazê-lo de volta ao nível em que tínhamos antes. Para tornar isso ainda mais fácil, podemos simplesmente observar a quantidade de redução de ganho que está ocorrendo em nosso gráfico e podemos ajustar o ganho de maquiagem dependendo disso. Se o medidor estiver lendo menos cinco de redução de ganho, podemos elevar o ganho de maquiagem para mais cinco de ganho, que possamos trazê-lo de volta ao nível em que estava anteriormente. Em seguida, podemos definir a proporção para que as coisas pareçam boas e consistentes. Se houver muito alcance dinâmico, talvez você queira aumentar um pouco a proporção. Se certas linhas estão realmente aparecendo para você, isso é um sinal de que você precisa aumentar um pouco essa proporção para poder reduzi-la. Mas eu gosto muito de fechar meus olhos e girar esse botão para cima e para baixo até um ponto ideal com ele. Por enquanto, vou tirar essas harmonias. Ok, então estou muito feliz com essa proporção. Acabei de diminuir um pouco para torná-lo um pouco mais sutil. Isso está soando muito bem para mim. Em seguida, vamos iniciar o ataque. Este é outro em que eu só gosto de fechar meus olhos e sentir isso. Novamente, como eu disse na última lição, o ataque é a rapidez com que o compressor vai se encaixar. Quanto mais devagar definirmos isso, mais o sinal inicial vai passar. Sim, tempos de ataque mais lentos tendem a ser mais agradáveis. Vamos ver o quão lento ele pode ir sem que pareça muito estranho. Espero que você possa ouvir que o tempo de ataque mais rápido parece mais rápido. Quanto mais lento. Eu quero isso, tudo o que você tinha agora. Veja como o mais lento parece um pouco mais natural. Novamente, é muito sutil. Você tem que realmente ouvir isso. Eu quero, tudo o que você tinha agora estou entediado e estou sentindo falta da sensação. Harriet realmente não tinha nenhuma grande frase de destaque em que ela gritou repentinamente. Não precisamos definir a velocidade de ataque muito rápido. Se você estiver vendo uma palavra gritada repentinamente, e se esse ataque ficar muito lento, ela não será adicionada para comprimi-la adequadamente mas como os vocais de Harriet foram bem suaves, aqui podemos configurá-lo bem lento e isso não está causando muitos problemas. Dizer que o tempo de ataque é muito rápido muitas vezes pode diminuir a vida útil de uma apresentação ou fazer com que um instrumento pareça estar mais distante, mas com um tempo de ataque mais lento , ele será um pouco mais forte, natural e orgânico. Mas tempos de ataque lentos não são os melhores para realmente controlar instrumentos muito dinâmicos como uma bateria ou vocalistas gritando muito alto que repente gritam do nada. Eu quero, tudo o que você tinha agora estou entediado e estou falta da sensação. [inaudível]. Em seguida, vamos ajustar a liberação. Aprendemos que isso ocorre ao soltar o compressor. Se o lançamento for muito rápido, soará um pouco instável, como se estivesse subindo e descendo muito rápido, mas se for muito lento, soará um pouco quieto e monótono e eu começo a fechar meus olhos e preencher isso e você ouvirá onde as coisas começam a ficar um pouco estranhas. Este é um tempo de lançamento muito lento. Eu quero, tudo o que você tinha agora estou entediado e estou sentindo falta da sensação. Você pode ver no gráfico que está soltando o compressor muito lentamente , mas se tornarmos esse tempo de liberação muito mais rápido. Eu quero, tudo o que você tinha agora estou entediado e estou sentindo falta da sensação. Você pode ver como parece mais instável, não é? Podemos simplesmente colocar isso em um lugar que pareça natural. Eu quero tudo o que você tinha agora, estou entediado e estou sentindo falta da sensação. verde brilhante do Forester Park Beetle de agosto a setembro. Parece que está por volta dos 30 anos para mim. Agora, esqueci de dizer que, ao ajustar a liberação, estamos essencialmente procurando o compressor para liberar entre palavras ou sons. Neste caso, os vocais, se você tocar em Harriet cantando. Eu quero isso em tudo nessa pequena lacuna, ideal é que o compressor pare de funcionar e comece a ser ativado novamente quando ela começar a cantá-los novamente. Se você ouvir. Eu quero tudo o que você tinha. Espero que você possa ver lá, assim que ela parar de cantar, a compressão vai embora e o gráfico é reduzido para zero dB e isso cria um som natural agradável, a compressão que é quase como respirar com a música. Queremos ajustar a liberação para que ela solte o compressor entre linhas ou sons, mas, no final do dia, faça o que soar certo. Não importa quem se importa. Por fim, o nome. Agora, novamente, isso vai ser muito sutil. Tudo o que realmente precisamos saber é que quanto menor isso, mais agressiva é a compressão e vice-versa. Quanto maior, menos agressivo. Novamente, vamos preencher isso com nossos ouvidos. Eu quero isso, tudo o que você tinha agora eu estou entediado e estou sentindo falta. Vamos, novamente, fazer o antes e o depois tão rápido. Joelho baixo. Eu quero tudo o que você tinha. Eu preferia um joelho mais alto lá. Eu quero tudo o que você tinha. Traga-o de volta com o resto da faixa. Eu quero, tudo o que você tinha agora estou entediado e estou sentindo falta da sensação. Esses são nossos vocais comprimidos. Vou fazer algumas coisas antes e depois agora e espero que você ouça melhor a diferença. Eu quero, tudo o que você tinha agora estou entediado e estou sentindo falta da sensação. É apenas tornar esses vocais mais presentes e se destacarem um pouco mais. Algumas dessas linhas mais silenciosas que pareciam ter desaparecido e agora estão muito mais presentes e você pode ouvi-las com muito mais clareza. Eu sei que é muita coisa para fazer, então eu realmente recomendo entrar você mesmo agora e realmente tocar com todos esses mostradores ouvir e sentir o que cada um faz. Agora você não precisa adicionar compressão a todos os instrumentos. Novamente, pergunte a si mesmo: o que precisa mudar em um som? Ouça uma guitarra ou uma bateria e pense há notas que estão desaparecendo um pouco ou algumas partes que estão se destacando demais. Se você quiser controlar essa faixa dinâmica, é quando você usa um compressor, mas muitas vezes instrumentos como guitarras, baixo, vocais e bateria são todos muito dinâmicos, então ser capaz de controlar esses instrumentos frontais geralmente é uma boa coisa muito poderosa de se fazer. A seguir, falaremos sobre EQ. Te vejo na próxima aula. 11. EQ: Em seguida, falaremos sobre EQ. EQ significa equalizador e é essencialmente uma forma de ajustar as frequências de qualquer som. Se você já usou um mixer básico ou uma guitarra antes, pode ter visto graves, médios e agudos antes. Podemos usar esses mostradores para ajustar as frequências de um som. Pode elevar o agudo com os agudos ou reduzir a base com a base e a forma ou o som. Tudo o que um equalizador é essencialmente uma maneira muito mais precisa de usar esses três mostradores. Podemos usar várias ferramentas diferentes para moldar melhor a frequência que um som está produzindo. Ele pode ser usado para melhorar certas frequências. Digamos que, se você quiser um pouco mais de sons brilhantes de última geração, podemos aumentar a extremidade superior da mesma forma se houver um ruído ou ressonância ambiente estranhos, não goste, você também pode cortar isso usando o EQ. Também podemos usar isso para abrir espaço para outros instrumentos. Digamos que a guitarra rítmica tenha um baixo um pouco demais, podemos tirar um pouco do baixo e abrir espaço para o chute e o baixo e moldar nossos instrumentos dessa forma para que possam ser ouvidos com mais clareza. Eles não são como lutar na mesma banda de frequência um do outro. Eu penso nisso como esculpir um som. Leonardo Da Vinci moldando a estátua de David. Mas nesse cenário, é uma caixa de som ruim em vez de um pedaço de herpes. Há várias faixas de frequência diferentes que são frequentemente mencionadas no EQ. Temos os graves, os médios baixos, os médios altos e os agudos. Cada instrumento em uma mixagem terá sua própria faixa de frequência. Quanto melhor pudermos entendê-los, melhor poderemos tomar decisões informadas sobre o que fazer com um EQ. Uma técnica muito comum em uma mixagem intensa é focar o EQ em torno do padrão de equalização natural do instrumento. Dessa forma, essas outras frequências não estão interferindo com outros instrumentos na mixagem. Para o exemplo de hoje, vou usar um EQ em nossa guitarra rítmica. Essa é a aparência da maioria dos plug-ins de EQ enquanto jogamos na pista. Você vê onde as frequências estão se formando. Temos muita coisa na área média-baixa lá. Agora, obviamente, você pode usar qualquer plugin de EQ que venha com sua porta. Mas se você é iniciante e está tentando descobrir como soa cada banda de frequência e ter uma ideia muito clara do que estamos fazendo aqui. Eu realmente recomendo comprar algo um pouco assim, que é o neurônio do equalizador, apenas pague um pouco de dinheiro por isso. Mas, essencialmente , o que ele permite que você faça é fazer muitas coisas diferentes. Mas acho que o mais útil é que ele pode mostrar uma banda de frequência solo. Se tocarmos sozinhos, você pode ver toda essa área branca Aqui está a área que está solada. Você pode ouvir claramente como soa cada frequência. Você pode ouvir quando passamos dos 60 hertz, 60 lá embaixo, só pode ter um ruído muito baixo. Sabemos que não há muitas informações que realmente precisemos. Quanto às frequências mais básicas, quero dizer que o corpo principal ainda está sentado entre 3.000 e 1.500. Nós escolhemos realmente onde esse som está dizendo. Porque uma pequena conotação agradável, as coisas aqui. Mas muito disso é simplesmente complicado e provavelmente não precisamos de muito além desse topo aqui. Mas, essencialmente, é assim que cada frequência soa. Sempre que estou fazendo, nós realmente gostamos de entrar nisso e realmente preencher um instrumento e como é que cada frequência está passando. Existem várias maneiras diferentes de moldar e moldar um EQ e fazemos isso com vários filtros diferentes. O primeiro é um filtro passa-altas. Um filtro passa-altas terá a seguinte aparência. O High-pass fará exatamente o que diz. Isso vai deixar todas as frequências mais altas passarem e vai cortar as mais baixas. Como você pode ver aqui, todas essas frequências mais baixas serão eliminadas. Isso é muito bom para eliminar ruídos indesejados do ambiente ou Bulinus e também podemos ajustar a inclinação. Isso é como o quão dramática a queda é em relação ao passado, então pode torná-la realmente dramática lá e fazer que tudo ultrapasse 299 hertz. Se formos bastante dramáticos com isso, podemos nivelar um pouco a inclinação e fazer com que pareça um pouco mais natural. Novamente, podemos fazer o solo para realmente ouvir a área que estamos afetando. Na extremidade oposta do espectro, literalmente, temos um filtro passa-baixo, e isso será apenas na passagem alta, mas ao contrário. Podemos ir embora sozinhos sem os altos ruídos tolos. Sempre podemos criar efeitos de baixa fidelidade com esses dois. Isso é muito bom para eliminar ruídos agudos muito estranhos ou sangramento de símbolos e espaço. Em seguida, temos sinos. São parecidos com isso. Eles costumavam aumentar ou reduzir uma área muito específica. Se quisermos realmente atingir uma frequência específica, podemos usar uma campainha para isso. O que também podemos fazer é ajustar uma fila. E isso torna o nó mais largo ou mais estreito, dependendo de quanto da frequência queremos afetar. Se pudermos reduzi-lo, se quisermos apenas obter um baixo estranho ou apenas uma frequência muito irritante da sala ou algo assim, podemos definir com precisão um Q. alto. Ou podemos torná-lo muito mais amplo. Queremos apenas adicionar um pouco mais de ponta a esta guitarra. Podemos fazer um Q bastante amplo e aumentar essa boa frequência na guitarra. Digamos que eu goste muito guitarra arranhada e dos desejos e mais do que isso. Podemos usar uma campainha para focar nessa faixa de frequência. Por fim, podemos usar uma prateleira. Uma prateleira terá como alvo uma área maior do que as barrigas e alinhará uma determinada faixa de frequência. É mais fácil mostrar a você com a coisa em si. Se optarmos por uma prateleira alta ou baixa, assim como os filtros de passagem alta e baixa , e quando derrubarmos uma prateleira, você poderá ver que ela cria uma linha de frequências. Digamos que quiséssemos simplesmente derrubar a base disso, mas não queremos nos livrar dela completamente com um passe alto. Podemos usar uma prateleira para cronometrar essa extremidade mais baixa. No minuto em que há milho na parte baixa, fica muito intenso. Mas podemos realmente cronometrar isso derrubando essa prateleira. Novamente, podemos ajustar a fila e alterar a forma e como isso está afetando sua frequência. Então, essa é uma breve introdução ao EQ. Na próxima lição, aprenderemos como podemos usar o EQ para moldar melhor nossos instrumentos e analisar o processo do que devemos fazer ao tentar equalizar um instrumento ou um som. Te vejo lá. 12. Usando o EQ: Ei, pessoal, bem-vindos de volta. Nesta próxima lição, aprenderemos como podemos utilizar o que aprendemos sobre EQ em nossa trilha e aprender realmente o que devemos fazer , o que devemos procurar e quando usar o instrumento de EQ. Mais algumas etapas sobre como fazer as coisas parecerem boas. Como dissemos anteriormente, tudo o que realmente estamos fazendo com o EQ é aumentar as frequências de que gostamos, cortando as que não gostamos e abrindo espaço para outros instrumentos na mixagem. Antes de realmente começarmos a fazer movimentos com o EQ, novamente, precisarei ouvir o som e pensar sobre o que precisa ser mudado e começar a fazer algumas anotações mentais sobre o que você quer fazer para mudá-lo. Se estamos trabalhando nessa guitarra, vamos ouvi-la e descobrir o que queremos mudar antes de mudarmos alguma coisa. Só para contextualizar o trabalho com essa guitarra, então algumas coisas estão me chamando a atenção. A primeira é que há muitas frequências graves nessa guitarra, e o baixo está fazendo muito trabalho nessa área muito baixa, então eu só posso dizer que nós realmente não precisamos muito desse baixo nível, e podemos realmente fazer a guitarra se destacar um pouco mais cortando um pouco disso. Também consigo ouvir um pequeno assobio na extremidade superior. Nada disso importa muito porque você mal consegue ouvi-lo, mas pode ser útil obtê-lo e tirar um pouco do pouquinho. É quase como um ruído elétrico, mas é muito sutil. Além disso, quero manter um pouco desse som baixo, mas não precisa ser tão alto. Podemos apenas cronometrar esse low-end e reduzi-lo. Além disso, há uma certa frequência, como uma média, mais alta. Quero aumentar um pouco as frequências de toque porque acho que soa muito bem. Essa frequência. Primeiro, vou usar um filtro passa-altas apenas para me livrar de muitos desses ruídos graves desnecessários. Novamente, podemos ouvir que há muita coisa acontecendo aqui. Eu não quero cortar muito isso. Talvez eu vá me mudar para essa zona diminuí-la um pouco mais. Todas essas coisas realmente graves foram preenchidas pelo baixo. Queremos abrir um pouco mais de espaço para o baixo, então cortar isso faz sentido. Diferente de tudo, é muito importante sempre ligar e desligar um efeito, soltá-lo e soltá-lo para que você diga exatamente qual efeito ele está tendo no contexto de uma música. Essencialmente, você realmente não quer fazer movimentos se eles não estiverem fazendo nenhuma diferença, então você sempre quer estar realmente ciente do que está fazendo e quer realmente tocar EQ o mínimo possível. Em seguida, quero reduzir um pouco essa extremidade inferior. Vou usar uma prateleira para reduzir toda essa gama baixa. Além disso, o que há de bom nesse EQ aqui é o fato de que você pode simplesmente ligá-lo e desligá-lo para ouvir facilmente o que está fazendo. Agora, novamente, se eu estivesse mixando essa guitarra sozinha, muitas dessas frequências soam muito bem. Talvez não queiramos eliminá-los todos. Mas como eu sei que tenho um baixo lá e tenho vários outros instrumentos preenchendo esse baixo nível, eu me sinto confortável em tirar isso. Em seguida, falamos sobre a remoção desse super sofisticado. Parte dessa frequência simplesmente desnecessária realmente não acrescenta nada a ela, então podemos usar outra passagem, uma passagem baixa e simplesmente inclinar aquela extremidade super alta para fora. Agora, o que muitas pessoas gostam de fazer no EQ é remover qualquer zumbido indesejado ou apenas frequências desagradáveis. Muitas pessoas seguem essa regra de fazer um Q muito estreito e ouvir um som até ouvir uma frequência desagradável. Então, uma vez que você tenha encontrado essa frequência desagradável, reduza isso agora e elimine essa frequência desagradável. Agora, isso funciona bem se houver um certo ruído que você possa ouvir e do qual queira se livrar ao ouvi-lo com clareza. Mas o problema com isso é que, se você escuta uma frequência que não gosta, quando está aumentando muito as frequências, todas as frequências podem soar desagradáveis. Então, se você cortar isso, estará causando mais danos no processo, em vez de realmente fazer melhorias. Você realmente quer ouvir e descobrir o que quer mudar antes de começar a mover esses Q's. Mas digamos que tivemos um estalo estranho ou algo parecido. Podemos usar isso para determinar onde esse som estranho pode estar, e então podemos fixá-lo e remover essa frequência do som. Mas vale a pena dizer que, se você vai usar essa técnica de corte, é sempre aconselhável usar um Q bem estreito, porque não queremos cortar muitas das boas frequências que compõem esse som, então realmente queremos reduzir a frequência exata que queremos com um Q muito estreito. No entanto, por outro lado, se Quero dar um impulso a qualquer área, digamos, por exemplo, eu quisesse experimentar aquela boa frequência na guitarra, aquele som quase desajeitado e arranhado. Mas ao usar isso, queremos deixar o Q muito baixo. Não queremos que seja muito radical porque soará um pouco antinatural, então você quer que o Q seja bem amplo. O velho ditado é corte estreito e ampliado. Isso é exatamente o que vamos fazer aqui. Isso está apenas fazendo com que aquele arranhão rápido se destaque um pouco mais. Muitas pessoas gostam de seguir a regra de reduzir o aumento sempre que possível, com a qual eu concordo até certo ponto. Acho que você quer se concentrar principalmente em eliminar frequências desagradáveis e moldar o som para funcionar com outros instrumentos. No entanto, se você quiser adicionar um pouco de top end ou apenas enfatizar uma certa frequência, em vez de ter que gravar uma guitarra novamente e ajustar o AMP, apenas fazer essas pequenas diferenças no EQ pode aumentá-lo em um bom lugar. Ouvindo a faixa de referência. Na verdade, está um pouco mais presente no meio do que o meu. Novamente, vamos voltar e talvez ajustar isso um pouco. Esse é o problema, é bom experimentar e ajustar à medida que avança. Você pode ajustar essas coisas o quanto quiser. Ouça agora, talvez eu queira um pouco mais de frequência lá. Também vale dizer que as pessoas também não costumam ficar loucas com os impulsos. Quando atingirmos mais 10 de ganho e atingirmos esse nível, as coisas começarão a parecer um pouco estranhas. Muitas vezes, as pessoas gostam de impulsionar de forma bastante conservadora e apenas fazer pequenos ajustes no som. Então, para te dar um antes e um depois. Agora, eu sei que isso pode parecer sutil, especialmente quando ouvimos todo o resto. Mas, como eu disse anteriormente, é cerca de um por cento de cada vez. Depois de ajustarmos todo o resto, haverá uma diferença muito mais perceptível. Novamente, é como esculpir a música, e quanto mais instrumentos pudermos esculpir com um pouco de EQ, mais claro cada um ficará. Por exemplo, queremos abrir um pouco de espaço para essa guitarra porque é muito difícil de ouvir, então podemos cortar algumas frequências do som do órgão e do som do baixo. Então, de repente, essa guitarra ficará um pouco mais clara. Continue fazendo pequenos ajustes no EQ em cada instrumento. Talvez seja necessário voltar para certos instrumentos para o EQ para outros, pois as frequências estão sempre mudando à medida que você está fazendo o EQing. Nos vemos na próxima aula. Obrigado, pessoal. 13. Pan: Ei pessoal, bem-vindos de volta. Na próxima lição, falaremos sobre planejamento. O planejamento é muito simples. Tudo isso é mover nossos instrumentos para a esquerda ou para a direita para criar um palco sonoro mais amplo para nossa mixagem. Se você for ver uma banda tocar ao vivo, os membros da banda estarão espalhados pelo palco da esquerda para a direita. Eles não estariam todos na frente um do outro porque isso seria muito estranho, não é? Também soaria muito estranho, não é? Todos esses sons vindo de uma direção estreita, não soam bem. É como tentar ouvir uma mixagem através de um tubo. O que podemos fazer com a panorâmica é espalhar nossos instrumentos por todo o campo de áudio para criar um som muito mais parecido som espalhado e balanceado nossa mixagem e dar muita profundidade e efeito 3D à nossa mixagem. Também torna as coisas mais fáceis de ouvir porque, em vez as coisas se sobreporem no mesmo espaço, podemos mover algumas partes para cá, outras para lá e colocar cada instrumento ao redor do ouvinte, e colocar cada instrumento em vez de tudo na frente. Agora podemos usar o planejamento da maneira que quisermos. Pode ser um processo bastante criativo percorrer e descobrir qual espaço funciona bem com cada instrumento. Mas há algumas regras básicas sensatas a serem seguidas. A primeira é manter quaisquer instrumentos principais reais ou instrumentos de baixo pesado no meio. Como bateria e baixo, se eles estão de um lado, porque são um som tão dominante, pode parecer que você está desequilibrado em alguns aspectos. Isso vale tanto para os vocais quanto para a linha vocal principal. Você realmente não quer que seja virado para a esquerda. Você quer que isso esteja na frente e no centro. Esses são os instrumentos que você realmente deseja manter no meio. Mas muitas das outras podemos realmente brincar com elas. Outra boa regra é sempre manter esse equilíbrio em mente quando se trata de planejar. Se você imaginar uma balança, não queremos sobrecarregar um lado porque, novamente, ela soará um pouco torta, então tente garantir que haja um equilíbrio uniforme dos instrumentos à esquerda ou à direita. No Logic, é muito fácil encontrar a panorâmica, é só esse mostrador aqui para que possamos ir para a direita ou para a esquerda e, como você vê, temos 64 lugares diferentes onde podemos levá-lo. Muito espaço para trabalhar. Para esta guitarra principal, vou tirá-la para a direita. Você já pode ouvir isso com um pouco mais de clareza agora, era difícil na mixagem antes, mas está muito mais claro. Estou com essas pilhas vocais. Vou ser realmente experimental e colocá-los em todos os lugares. Vai soar como um silêncio frio ao nosso redor. Acabei de examinar a maioria dos instrumentos desta seção em todo o lugar. Acho que isso soa muito bem do jeito que está. Parece legal. Agora, alguns de vocês devem ter notado que aqui embaixo, eu tenho três vocais principais. Isso soa um pouco estranho, não é? Por que eu os fiz? Outra coisa que podemos fazer com o planejamento, que é muito legal, é chamada de rastreamento duplo. Isso é essencialmente o ato de gravar duas das mesmas gravações e girar uma para a esquerda e outra para a direita. Isso geralmente é feito com guitarra acústica, guitarra rítmica também. Isso oferece um palco sonoro muito mais amplo e realmente preenche o campo estéreo, em vez de apenas uma faixa chegando até você no centro. Ao ouvir duas coisas , cada alto-falante soa enorme e amplo. Agora, isso é ótimo com guitarra e, para ser honesto, qualquer instrumento com o qual você queira realmente ampliar também funciona muito bem. Agora, com os vocais, é uma técnica mais comum girar uma com força para a esquerda e outra para a direita e manter a outra centralizada também. Essencialmente, três faixas foram gravadas de forma ligeiramente diferente. Idealmente, o mais forte quer estar no centro e depois vamos movê-lo para a esquerda e para a direita. Você também pode ficar louco com isso. Muitas pessoas como Billie Eilish juntam toneladas e toneladas de faixas duplas diferentes e as colocam em todos os lugares, e isso produz um som vocal enorme. Para mim, vou manter um vocal centrado, um forte à esquerda e um forte à direita. Agora soa assim. Comparado com isso. Agora, se ouvirmos isso no contexto de uma mistura. Agora vamos ouvir isso sem a faixa dupla. Você vê como parece muito mais solitário com apenas um. Agora, novamente, você usa muito bem isso como quiser. No primeiro verso, eu queria que soasse um pouco mais solitário, então eu só tinha a voz baixa para aquela seção. Mas então, na versão de faixa dupla, com todos os instrumentos, apenas fiz o vocal se destacar e dar a eles um pouco mais de confiança, então isso é brincadeira. mesma forma que a mudança de marcha, execute esses instrumentos em espaços diferentes em nossos fones de ouvido ou alto-falantes e crie um belo palco sonoro amplo. Obrigado, pessoal. Te vejo na próxima aula. 14. Reverb: Ei pessoal, bem-vindos de volta. Então, na próxima lição, falaremos sobre reverberação. Então, se você é músico há algum tempo, provavelmente sabe exatamente o que a reverberação já é, é um dos efeitos mais usados de todos os tempos. Mas se você não sabe o que é reverberação, é essencialmente como o som de uma sala. Por exemplo, se você tocar em uma grande catedral, o som da sua voz, seu violão ecoará e saltará pela sala de uma forma muito diferente, como se você estivesse tocando violão em uma sala pequena. Então, o que fazemos é usar o efeito de reverberação digital para tentar recriar a sensação de um instrumento estar em uma sala e dar uma performance, muita vida e fazer com que pareça real e esteja sendo tocado em um espaço natural. Mas também pode criar a ilusão de que o instrumento está mais longe do ouvinte. Então, isso significa que podemos realmente empurrar as coisas para trás na mixagem usando reverberação em vez de ajustar o volume. Isso causa mais impacto atmosférico. Então, se você se lembrar da nossa aula anterior, em vez de colocar uma reverberação em cada faixa, vou criar um novo ônibus. Vou fazer dele nosso tom de reverberação principal. Por que eu chamo isso de lead reverb? Então, como eu estava dizendo há um segundo, podemos usar a reverberação para adicionar caracteres ou para colocar os instrumentos de volta na mixagem. Então, o que eu gosto de fazer pessoalmente é criar um barramento para reverberar um lead. Então, vamos tocar nossos instrumentos principais por meio dessa bela reverberação. Mas então, qualquer um que queiramos usar, como efeitos ambientais, e recuar na mistura. Na verdade, vou fazer uma reverberação um pouco diferente para essa. Vou criar um novo ônibus para que isso continue. Portanto, cada plugin de reverberação terá uma aparência um pouco diferente. Estou apenas usando o plugin de reverberação padrão da Logic. Parece um pouco assustador com todos esses mostradores diferentes, mas na verdade é muito mais simples do que parece. Mas vamos examinar cada um desses mostradores para que saibamos exatamente com o que estamos trabalhando. Então, antes de tudo, muitas vezes podemos mudar os sons da sala. Como eu estava dizendo há cerca de um minuto, podemos escolher qualquer um desses espaços diferentes para criar um som legal. Então, vamos brincar um pouco. Eu chamo o som dessa reverberação de câmara. Eu vou continuar com isso por enquanto. Agora, se virmos até aqui, você verá que há um controle deslizante seco e úmido. Então, tudo isso é que permite ajustar a quantidade de sinal seco e úmido que sai dessa reverberação. O seco é apenas a gravação sem nenhum efeito, e o úmido é o sinal afetado. Então, aquele em que reverberamos nele. Veja, à medida que subimos, ela se torna mais efetiva. Podemos equilibrar o quanto da reverberação está afetando o sinal com isso. Agora, porque estamos usando isso como meu vocal principal. Eu quero ter muito sinal seco entrando e queria ter reverberação. Mas, novamente, eu não quero ficar muito molhado porque isso vai empurrá-lo muito para trás na mistura. Mas na minha reverberação ambiente, vou tornar esse canal muito mais úmido. O próximo é o tempo de decaimento. Então, isso é essencialmente o tempo que a reverberação dura e é medida em segundos. Portanto, é muito fácil de entender. Se aumentarmos a deterioração. Você vê quanto tempo dura essa trilha de reverberação. Já com a gente apertando isso , ele desaparece muito mais rápido. Então, novamente, para um instrumento principal, eu o teria mais curto e, para mais ambiente , eu criasse um pouco mais, e além disso, é realmente só uma questão de sabor. Novamente, esteja sempre sozinho e contando essas coisas de vez em quando, para ver a diferença que você está fazendo. Isso está soando muito bem. Também podemos clicar nesse botão e adicionar quantos compassos queremos que o vocal dure. Então, podemos ser um pouco mais matemáticos com isso, se quisermos. Acho que a próxima coisa mais importante é o pré-atraso. Portanto, o pré-atraso é essencialmente o tempo necessário para a reverberação entrar em ação. Neste exemplo, quando Harriet começa a cantar, a reverberação não entra imediatamente alguns milissegundos antes do início da reverberação, e é aí que está o pré-atraso. Então, quanto mais aumentarmos isso, maior será o pré-atraso Isso realmente vai exagerar a reverberação e torná-la mais perceptível. Novamente, podemos prepará-lo para uma reverberação mais ambiente, mas se você quiser mantê-lo um pouco mais apertado do que o vocal normal, eu recomendaria ficar abaixo de 15 milissegundos. A maioria das reverberações também virá com o parâmetro EQ. Essa coisa aqui, e isso essencialmente permite que você molde o EQ da reverberação. Podemos fazer isso tanto para o sinal de quanto para o sinal de saída. Principalmente, ajustamos o sinal de EQ que entra. Em detalhes, ajustamos o sinal de EQ que sai. Não se preocupe muito com isso se você for iniciante. Tudo o que nos permite fazer é pegar o que aprendemos sobre o material de EQ em nossa última lição e aplicá-lo à reverberação e à forma como a reverberação está funcionando. Podemos usar um filtro de alta frequência para reduzir qualquer um desses sons turvos ou podemos usar um filtro de baixa frequência e torná-los mais escuros ou podemos fazer as duas coisas e obter uma reverberação de som médio realmente concentrada. Depois, também podemos entrar em detalhes e fazer a mesma coisa com a reverberação que está saindo. Mas eu não vou mexer muito com isso hoje. Eu sinto que isso é muito para aceitar do jeito que é. Então, vamos nos concentrar nesses mostradores pelo resto da aula. Esses são os mostradores que você vê aqui e aqui. Sua reverberação pode não ter esses, mas caso tenham, eu os examinarei muito rapidamente. O primeiro é o ataque. Agora, quanto mais rápido for o ataque, mais rápido os reflexos de reverberação se acumularão. Mas se formos mais devagar, eles desaparecerão mais com o passar do tempo. Muito sutil aí. Isso ficará mais evidente nas reverberações solo do ambiente. O tamanho é bastante autoexplicativo, afetando realmente o tamanho do som da sala. É muito sutil, especialmente nesta câmara porque é uma sala bem pequena que estamos replicando. A densidade controla a quantidade de reflexos, que são refletidos. Então, se você imaginar um som sendo emitido e saltando pelas paredes, é basicamente como quantas vezes ele está refletindo. Novamente, todas essas coisas são muito sutis e a distância é a distância percebida entre você e o instrumento que está sendo tocado. Então, novamente, para aquele ambiente, se você quiser recuar na mixagem, podemos aumentar essa distância, mas com um instrumento principal como esse, queremos ecoar um pouco mais perto. Como sempre, comece a ouvir isso junto com a faixa normal e mixe-a na que soa melhor. Legal. O que é ótimo? Se eu quiser ajustar a intensidade dessa reverberação nos vocais, posso usar esse pequeno estilo de ônibus aqui. E se eu quiser fazer mais? Agora, o que eu posso fazer é usar todo esse conhecimento para criar outro barramento de reverberação, que eu posso fazer com que o ambiente reverbere. Eu posso criar um canal em que as reverberações sejam realmente exageradas e isso vai atrasar um pouco as coisas na mistura. Mas isso ainda vai adicionar muita personalidade a eles. O que soa muito bem com backing vocals ou qualquer instrumento de estilo ambiente. Agora, como eu os tenho em meus ônibus, posso simplesmente passar por cada um desses instrumentos e escolher para qual ônibus enviá-los. Então, por exemplo, vamos dar esse chute. Vamos adicionar o barramento e queremos tornar esse tom mais parecido com um tom de reverberação principal , porque ele estará muito presente. Eu apenas ajusto o estilo. Então essa é a nossa lição sobre reverberação. Te vejo na próxima aula. 15. Atraso: Ei amigos, bem-vindos de volta. Na próxima lição, falaremos sobre atraso. O atraso geralmente é confundido com reverberação e é por um bom motivo porque ambos são muito parecidos, mas na verdade são um pouco diferentes. reverberação emula ondas sonoras refletidas serviços para criar um espaço tridimensional, enquanto o delay cria uma cópia do som que está sendo feita e a reproduz, mas em determinados intervalos para criar um efeito de eco, como se você estivesse falando em uma grande caverna ou algo assim, e então você faz com que esses reflexos voltem para você. É isso que o atraso faz. Eu penso nisso como uma extensão para reverberar, na verdade, estamos apenas adicionando mais espaço e dimensão a um som. O que é realmente bom sobre o atraso é que ele é muito simples. Novamente, para tornar isso muito fácil para nós mesmos, vou acabar com um atraso. Sim, é muito mais fácil para mim. Há um atraso. Agora, na lógica, há alguns atrasos diferentes. Agora, não vou me aprofundar muito com a demora. Eu só vou usar um pouco disso nesta faixa. Existe esse plugin básico de eco, que é super fácil de usar, mas ainda nos dá um bom controle sobre o tipo de atraso que está acontecendo. Vou colocar isso nos vocais e desligar a reverberação nos vocais para que você possa realmente ouvir claramente o que os atrasos estão fazendo aqui. Como você pode ouvir, é como devolver essas ondas sonoras para nós no estilo de pesca acadêmica. Com esses mostradores, podemos simplesmente controlar como isso funciona. A mistura seca e úmida, como já explicamos, são apenas os níveis afetados. O mostrador de notas aqui está apenas determinando a quantidade de repetições que estão ecoando e em quais intervalos elas estão acontecendo. Podemos ficar muito loucos com isso. Podemos fazer com que os ecos sejam trigêmeos ou pontilhados. Apenas um quarto do tempo, ou podemos ir direto para o outro lado e ir como um décimo sexto. É muito mais rápido. Ou podemos escolher um trigêmeo. Estamos apenas escolhendo o que realmente parece interessante. É muito bom, muitas vezes, alinhar-se com o timing de sua música. Você realmente não sabe muito sobre ritmos para saber como isso funciona, basta ativar a partida. Esse oitavo está de acordo com nossa música lá, mas se mudarmos para um trigêmeo, você verá que é porque não estamos escrevendo em trigêmeos que está um pouco mais fora de linha. Chegou a tempo, mas está criando um tipo diferente de efeito lá. É muito mais exagerado assim. Gostei bastante do som de um oitavo. Soou muito bem para mim. Eu só vou diminuir um pouco o sinal molhado. Essa é apenas a duração do atraso. Há muitos e muitos ecos voltando para nós lá. Mas se diminuirmos isso à direita, é muito mais curto. Estamos apenas controlando a quantidade de atraso e, por fim, a cor afetará a faixa de frequência que os atrasos estão ocupando. Normalmente, com atrasos, você obtém um corte alto e baixo para determinar onde estão esses atrasos, mas esse mostrador colorido torna tudo ainda mais fácil para nós. Podemos simplesmente escolher em qual área do espectro de frequência queremos focar. Mais baixo ou mais alto. Vamos exagerar e ir primeiro para o topo. Esses atrasos estão acontecendo mais na extremidade superior, mas da mesma forma, se conseguirmos reduzir isso. Esses atrasos agora estão em uma frequência mais baixa. Novamente, vamos tocar uma música e equilibrar isso até que ela soe bem. Adicionando apenas um atraso sutil, não quero que fique muito claro, ele apenas preenche um bom espaço entre as linhas e apenas adiciona os efeitos de as linhas e apenas adiciona ambiente que estamos criando com a reverberação. É tão simples quanto isso, e é basicamente isso. Podemos trabalhar isso em qualquer instrumento do qual queiramos um pouco mais de vida, fazer um experimento e ver do que você gosta do som, e nos vemos na próxima aula. 16. Automação: Em seguida, falaremos sobre automação. automação na música é o processo de alterar certos efeitos ou volumes em determinados momentos em uma faixa. O que quero dizer com isso? Digamos que você balanceou o volume de sua faixa e tudo soa bem e equilibrado no refrão, mas vocês tocam o verso e repente, a guitarra está muito alta. O que fazemos é automatizar o volume, para que fique um pouco mais silencioso no verso e depois volte para o refrão para que possamos equilibrar muito melhor os volumes em toda a faixa, mas podemos usar a automação para qualquer efeito. Digamos que, na ponte, queremos apenas encharcar os vocais em reverberação. Podemos automatizá-lo para que a reverberação aumente e nos dê uma boa reverberação em uma ponte, ou digamos que você queira realmente captar a distorção em um solo de guitarra. Novamente, podemos simplesmente automatizar a distorção para captar durante essa seção. Agora, vale dizer que essa parte da mistura é muito importante. Você vai querer passar muito tempo automatizando os volumes para que tudo esteja realmente bem equilibrado. Vale a pena dizer que, antes de entrar na automação, muito tempo ao balanceamento de volume e certifique-se de que está realmente satisfeito com isso, pois agora é muito mais fácil alterar os volumes e os bits. Faça uma pausa de 24 horas, volte com novos ouvidos, faça outro balanço de volume, faça outra pausa e depois volte e comece a automatizar esses volumes, mas não se preocupe muito. Sempre podemos ajustar o volume após uma automação, isso só se torna um pouco mais exigente. É a automação de acesso com base na lógica, basta selecionar a faixa à qual queremos adicionar automação e clicar em A. Agora podemos ampliar e você poderá ver essa linha cinza tênue lá. Essa é a nossa linha de automação. Agora, se olharmos para trás, em direção à pista, veremos que as diferentes barras apareceram. Esse é um parâmetro de automação. Podemos clicar nele e alterar o efeito que está sendo usado na automação. Podemos ajustar a compressão ou o EQ, mas vamos manter o volume por um minuto. Se eu tocar a faixa da primeira seção, a parte para a qual não estamos mixando a música até agora, esses vocais estão um pouco altos com aquela guitarra. Também quero deixar toda a seção um pouco mais silenciosa antes de todos os instrumentos entrarem porque se tivermos um aumento de volume, quando todas essas coisas chegarem, isso criará um pouco de emoção. Eu quero que a primeira seção do verso seja um pouco mais silenciosa. Tudo o que preciso fazer é clicar na barra, clicar novamente e ela criará esse nó. Podemos mover esse nó para cima e para baixo. Isso é o que vai mudar o volume. Acabei de reduzir em menos 2,5 dB no verso e depois vou clicar em outro nó e em outro aqui, e vou trazê-lo de volta para onde estava em mais 1,7. Podemos ir até este mostrador e colocar para cima e para baixo para obter uma precisão realmente precisa. Traga de volta para 1,7 e fica bem claro visualmente. Estamos apenas diminuindo para esta seção e, em seguida, o volume está subindo até lá. Quando os vocais estão voltando para aquela seção de coro, eles foram aprimorados. Eu também vou fazer isso com a guitarra Manne. Eu quero que seja derrubado e depois quero colocá-lo lentamente no refrão. Agora, vale a pena dizer que, para algo assim, onde há um som constante, não temos uma pausa que o aumento do volume seja muito perceptível, queremos tornar a curva bem sutil, porque você não quer subir repentinamente porque vai soar um pouco estranho assim. Se eu descobrir onde o refrão entra, então é aí que queremos que nosso próximo nodo seja. Queremos que ele alcance esse volume à medida que entramos no refrão. Eu quero fazer uma inclinação muito suave lá e vou abaixar um pouco essa guitarra. Você pode ver que está muito bem levantado lá em cima e está quase criando algumas barras Você pode notar que o volume está aumentando e algo está prestes a acontecer. Como eu disse, é realmente vital que, se você estiver mixando uma música inteira, leia e automatize o máximo que puder e faça com que ela soe equilibrada em cada seção. Passe muito tempo aqui e muito específico sobre como esses volumes são balanceados, mas o que também podemos fazer é ser um pouco mais criativos com a automação. Por exemplo, essa guitarra arranhada que eu tenho aqui soa bem, mas acho que seria muito legal se esse som fosse reproduzido enquanto é tocado. Acho que isso apenas adiciona esse espaço 3D e acho que soo bem. Se formos para o volume, podemos selecionar a panorâmica em vez disso. Vamos ser absolutos. Em seguida, vou iniciá-lo totalmente à esquerda e vou automatizá-lo para a direita. Assim como antes, vamos escolher um nó. Vou fazer uma panorâmica dessa maneira e, no final, quero que acabe do outro lado. Na verdade, está começando pela direita e indo para o lado esquerdo. Mais coisas começam por aqui, então vou explicar um pouco. Espero que você ouça lá que a guitarra foi movida ao redor de nossa cabeça. Como isso soa completamente agora? Muito legal. Passe muito tempo aqui, criativo com isso e veja quais efeitos legais você pode criar com isso e sua mixagem será absolutamente incrível. Eu garanto isso. Nosso mix está quase lá. Falaremos sobre alguns efeitos interessantes na próxima lição, então nos vemos lá. 17. Distorção, Excitador e Coro: Olá, amigos. Bem vindo de volta. Na próxima lição, falaremos sobre alguns efeitos muito legais que podemos adicionar à nossa faixa para apenas adicionar um pouco de interesse. Vale dizer que você pode parar aqui se quiser, já analisamos a maior parte da mistura. Mas há apenas três efeitos em particular que dão um pouco de vida ao nosso mix e são super fáceis de usar, então vou analisá-los rapidamente agora. A primeira é a distorção. Um efeito super popular, você provavelmente já ouviu falar dele. Ele adiciona personalidade, calor e coragem a uma faixa. É muito usado em guitarras, espaços, baterias, anúncios, um pouco mais de agressividade e um pouco mais de força em uma faixa. Mas a distorção pode atrapalhar uma mistura se a usarmos excessivamente, então precisamos ter cuidado com a quantidade de distorção que colocamos em algo. Para mim, quero adicionar um pouco de distorção a essa guitarra principal. Eu adicionei um plugin de distorção, muito simples de usar, estamos apenas ajustando o pré-jogo, o drive e o tom. Não há uma maneira certa ou errada de usar isso, basta brincar com esses mostradores até obter o tom de sua preferência. Novamente, queremos ser como se estivesse sozinho, ligando e desligando, ouvindo com a faixa e sem. Cada rede social será um pouco diferente, mas isso adiciona um pouco dessa coragem a ela. Isso é antes e depois. Eu dirijo um pouco mais. Eu diminuo um pouco o volume, então é muito sutil, mas só adicionei um pouco de interesse. O próximo é um excitador. Um excitador essencialmente adicionará mais sons harmônicos para atrair. Isso fará com que as coisas pareçam mais brilhantes, mais vivas e brilhantes. Essencialmente, está aumentando muitas das altas frequências , pode adicionar muita clareza para atrair. Para salvar algo que está sendo enterrado na mistura, adicionar um excitador pode fazer com que ele se destaque um pouco mais. É frequentemente usado em coisas como vocais, que também pode adicionar muita energia à bateria, especialmente com símbolos e coisas assim. Isso é exatamente o que eu vou fazer. Vou adicionar um entusiasmo à nossa ascensão. Novamente, esse é outro que é muito simples. Com isso, estamos apenas ajustando a faixa de frequência em que queremos que o excitador funcione e estamos ajustando esses harmônicos para que você ouça como isso soa. Os harmônicos são a intensidade do excitador, e esse controle deslizante aqui nos permitirá focar frequência que queremos exagerar. Antes, depois, isso é muito empolgante, vou tocar com a faixa e misturá-la. Está fazendo esse passeio brilhar e o ajuda a se destacar na mixagem, adicionar um pouco de ponta ao som geral da mixagem. Um excitador pode adicionar um pouco de aspereza e brilho demais para misturar. Novamente, lembre-se de que você não quer usá-lo em excesso, você quer equilibrá-lo para que soe bem. Não o usamos em muitas coisas porque então haverá muita aspereza na mistura. O último é o refrão. Novamente, você já deve ter ouvido falar de refrão, é essencialmente um efeito de áudio interessante que adiciona um pouco de espessura e profundidade a um som, mas é muito característico e adicionará uma dinâmica muito diferente a um instrumento, e soa um pouco assim. Antes, efeito muito famoso usado em muitas faixas de Nevada, se você notou. Novamente, não há realmente nada de certo ou errado nisso. Podemos simplesmente ajustar esses três dias até que pareça certo. O certo será a rapidez com que essas frequências não oscilam. A intensidade, autoexplicativa, e a mistura também autoexplicativa. Usando o refrão, estamos ampliando a imagem estéreo para que a guitarra ocupe um pouco mais de espaço na mixagem. Também está adicionando efeitos em espiral, o que está criando uma camada interessante e interessante ao som. É muito usado com vocais e também uma boa espessura e pode melhorar os vocais. Mas por hoje, vou deixar isso naquela guitarra de elite, acho que parece legal. Mas, novamente, é importante não exagerar, pois muito refrão em muitas coisas pode criar muita lama na mistura. Esta é sua chance de realmente se divertir muito com esses efeitos em diferentes instrumentos e ver quais sons criativos você pode criar. Estamos quase terminando agora. Há algumas coisas que eu quero analisar em nossas verificações finais ouça para ter certeza de que essa mixagem pode ser a melhor possível, então nos vemos na próxima lição. 18. Verificações finais: Nossa mixagem deve estar soando muito bem agora. Passamos muito tempo analisando e ajustando todos esses elementos diferentes para fazer com que tudo soasse tão bem quanto possível, e também colocamos nosso próprio toque artístico na mixagem. Agora é a hora de realmente restringir. Se há alguma coisa com a qual não estamos satisfeitos ou algo que queremos mudar, agora é a hora de voltarmos e fazer esses pequenos ajustes para realmente aperfeiçoá-la. Quando estou nesse estágio, me dou pelo menos 12 horas, se não 24, para fazer uma pausa, deixar seus ouvidos se reajustarem ao mundo normal, em vez de apenas ouvir a mesma música repetidamente. Quando você voltar à mixagem um ou dois dias depois, você simplesmente escolhe coisas que talvez não estejam bem ou talvez você não tenha notado antes quando voltou a mixar a faixa. Eu ouvia a música do início ao fim e fazia anotações sobre tudo o que aparecia. Em vez de tentar ajustá-la à medida que você a ouve, basta fazer muitas anotações e, depois de ouvir a música uma ou duas vezes, é hora de voltar e ler a lista que você fez. Não esqueça sua faixa de referência, sempre a compare com as duas faixas de referência que você traçou. Eles realmente serão sua estrela norte porque foram misturados e projetados por provavelmente pessoas muito profissionais. Portanto, sempre alternar entre essa faixa de referência e a sua própria faixa de referência ficará muito mais clara, talvez o que precisa mudar ou onde você deseja que cada instrumento ou som esteja sentado. Você também deve ter em mente que, se estiver ajustando um excitador, alguma distorção ou qualquer outro efeito, isso pode muito bem mudar a forma como você equaliza um determinado instrumento. Por exemplo, se você adicionou um pouco de distorção a algo, e agora talvez pareça um pouco duro demais, você pode simplesmente voltar direto para o EQ e talvez tirar um pouco dessa extremidade superior. Ou se você adicionou compressão a algo, isso pode fazer com que pareça um pouco mais silencioso. Portanto, talvez seja necessário voltar e ajustar o volume. Também é muito importante ouvir sua mixagem em tantos ambientes diferentes quanto possível por meio de alto-falantes diferentes em salas diferentes, fones de ouvido diferentes. Ouça a mixagem em seu carro, encontre o alto-falante mais barato e o pior que puder encontrar. Como você pode estar mixando muito bem com seus fones de ouvido ou alto-falantes específicos, lembre-se de que sistema de som de cada pessoa será diferente. Então, você realmente quer fazer uma mistura que funcione melhor em várias salas e alto-falantes diferentes e coisas assim. Muitas vezes, os engenheiros de mixagem têm um alto-falante ruim em sua mesa, qual percorrem a faixa e tomam decisões de mixagem nesse alto-falante muito ruim porque geralmente é por isso que as pessoas ouvem música. Também é uma ótima ideia pedir a opinião de outras pessoas. Se você tem amigos ou familiares que sabem um pouco sobre música, veja o que eles pensam sobre isso, o que chama a atenção deles, pois talvez não soe bem. Outra pessoa além de você, que vai ouvir uma faixa completamente nova, ouvirá as coisas com muita clareza. Se você não tem nenhum amigo musical que possa lhe dar essa análise crítica, sinta-se à vontade para enviá-la para esse projeto de aula. Como eu disse anteriormente, eu escuto e respondo a cada um deles. Se você quiser alguma ajuda ou conselho ou apenas quer que eu dê olhada na sua banda ou qualquer outra coisa, sinta-se à vontade para publicá-la nessa descrição Eu realmente adoro ouvir o que as pessoas inventam. Se sua mixagem soa muito bem e está muito feliz com ela, o próximo ponto a partir daqui geralmente é a masterização. Masterizar é a arte de mixar a faixa como um todo. Em vez de equilibrar o volume cada instrumento individual ou adicionar compressão a cada instrumento individual, masterização está afetando a faixa como um todo. Geralmente, exportamos a mistura como está e depois a colocamos em um projeto separado para não mexer em nenhum dos níveis. Agora, acho que a masterização realmente merece sua própria aula. Então, não vamos falar sobre isso hoje, mas se você estiver em um estágio em que deseja lançar essa música, você pode baixar programas como o Ozone 9. Este é um programa que eu uso o tempo todo e essencialmente, usa IA para mascarar sua trilha. É super fácil. Como alternativa, você pode enviar sua faixa para empresas altamente profissionais, como a LANDR, e elas a dominarão com alguns dos melhores engenheiros e os melhores equipamentos do mundo, geralmente por um preço bastante baixo. Isso realmente adicionará a cereja do bolo à sua música, soando completa e pronta para streaming. Estamos praticamente prontos. Vou dizer algumas palavras finais na próxima lição, então nos vemos lá. 19. Aula final: Ei amigos, bem-vindos de volta, então você conseguiu. Você está aqui no final da aula e muito obrigado por ficar comigo durante todo esse curso e eu realmente espero que tenha sido útil para você e que você tenha retirado muitas informações boas. Espero que você se sinta um pouco mais confiante agora em fazer uma mixagem e, essencialmente, moldar a música, do jeito que quiser. Agora não é preciso dizer isso, mas há muito mais a aprender sobre mixagem. É um pouco como uma arte sombria. Existem muitas técnicas, maneiras de fazer as coisas, plugins e efeitos diferentes para mexer e brincar. É um daqueles assuntos sobre os quais você aprenderá para sempre e todo mundo também faz as coisas de forma muito diferente , mas é basicamente impossível realmente entrar nesse reino sem primeiro conhecer o básico profilaticamente e entender o básico, como seu conhecimento sobre EQ e compressão e todas as coisas sobre as quais falamos nesta aula. Eu realmente espero que esta aula tenha estabelecido uma base muito sólida para você. Mas vale a pena dizer que apenas os tópicos abordados nesta aula são suficientes para obter sons verdadeiramente profissionais de uma mistura. Há muitas coisas diferentes para aprender e saber sobre mixagem. Se você implementar algo que aprendeu nesta aula em suas próprias trilhas, considere enviá-lo para esse projeto de classe. Sinceramente, adoraria ouvir o que você faz. Honestamente, uma das minhas coisas favoritas em fazer aulas é que a interação com pessoas que enviam seus funcionários legitimamente sempre faz com que eu veja uma aparecer. Se você quiser compartilhar no que está trabalhando ou quiser um pouco de feedback e crítica sobre um projeto, sinta-se à vontade para enviá-lo em um projeto de classe stack Geralmente adorarei ouvir o que você tem feito. Além disso, se você tiver alguma dúvida, sinta-se à vontade para entrar em contato. Eu respondo a todas as perguntas enviadas da melhor maneira possível. Você pode enviá-los para as discussões como parte da página do curso ou ficar à vontade para me enviar um e-mail ou enviar um DM no Instagram. Eu sei que eles podem parecer um pouco desconectados com professores e cursos on-line e coisas assim, mas, genuinamente, estou aqui verificando minhas discussões e meus e-mails todos os dias. Sinta-se à vontade para entrar em contato e entrar em contato se quiser. Eu adoraria ajudar se pudesse. Por fim, se você gostou desta aula ou obteve algumas boas informações sobre ela, uma avaliação positiva é sinceramente, muito apreciada. Eles têm um impacto enorme para pessoas como eu que fazem essas aulas. Isso realmente ajuda mais do que você imagina. Se você tiver tempo, eu sinceramente agradeceria muito. Eu sei que você está muito ocupado, tem muito o que fazer, mas se você tiver dois minutos para pegar uma caixa positiva e dizer, obrigado Mike, você não tem ideia do quanto isso me ajuda e agradeço antecipadamente se tiver a chance de fazer isso. Isso quase encerra as coisas. Muito obrigado por ficar por aqui. Se você quiser manter contato, sinta-se à vontade para me adicionar no Instagram ou você pode conferir meu canal no YouTube se quiser e eu te vejo em breve. Obrigado novamente. Tenha um ótimo dia. Tchau.