Masterização de áudio 101: um guia para iniciantes para masterização de música moderna

1. Apresentação: Você já ouviu falar sobre masterização , mas não sabe o que é? Você sempre ouviu falar de marcianos em algum tipo de nota mágica mais sombria ou vodu que algum garoto dormiu para você ou já experimentou masterizar e obter resultados finais inconsistentes e suas músicas soam planas e comprimidas. E por último, você quer usar o Mastering para criar uma música com um som fantástico? A masterização era certamente algo envolto em mistério quando comecei a aprender sobre isso. Então, nesta aula, vamos desmistificar o domínio ensinando meus fundamentos masculinos. Então, se você quiser aprender mais sobre os fundamentos da masterização moderna, então este é o curso para você. Meu nome é Darin Smith, mas, por favor, me chame de smudge, e eu sou engenheiro de masterização profissional e educador baseado no Reino Unido. E nesta aula, ensinarei algumas das principais técnicas e princípios usados como engenheiro de masterização profissional. Nesta aula, você aprenderá o que é a masterização. Os termos comuns associados à masterização moderna. Os fundamentos da normalização do volume e como as plataformas de streaming processarão suas músicas. Limitação e como usar o limitador em um contexto de masterização, equalização e contas que ele equilibrou em sua música. Compressão. Você precisa usar um compressor e como usá-lo para obter os melhores resultados exportação e conversão de outono e quais arquivos você realmente precisa mostrar alguns. Após a aula, você aprenderá o básico de compreensão e masterização que o ajudarão a criar músicas prontas para lançamento. Alguém no curso poderá demonstrar uma compreensão do que domina e explicar a terminologia básica. Aplique seu conhecimento sobre como as plataformas de streaming alteraram o volume de suas músicas. E use esse conhecimento para obter os resultados mais impactantes. Usando efetivamente o limitador para obter o equilíbrio ideal entre volume e faixa dinâmica. Obtenha o máximo de um equalizador usando movimentos amplos de equalização nas definições. Suas músicas entendem o papel da compressão na masterização e usam compressor para adicionar equilíbrio e coesão às suas músicas e exportar suas músicas realmente lançadas para o mundo. Espero que você tenha gostado desta aula e mal posso esperar para ouvir seus resultados na galeria do projeto. 2. Projeto do curso: Nesta aula, criei projetos de classe nos quais gostaria que você masterizasse uma música. Pode ser uma música sua ou outra, então temos permissão para usá-la. Mas se você não tiver alguns disponíveis, não entre em pânico. Há muitas músicas disponíveis por meio da tecnologia musical techno de Cambridge, seu site. Este site tem muitas músicas disponíveis para praticar. Eu realmente não preciso fazer é encontrar algo que tenha microfones desmascarados. Baixe o arquivo e, em seguida, você poderá usar essa música como música para seu projeto de classe. Depois de encontrar uma música deles como você domine a música usando as habilidades aprendidas nesta aula. Mas não se esqueça de lhe dar sua própria personalidade. A masterização é um processo muito criativo e quero que você use as dicas e técnicas que quero mostrar nesta aula como diretriz. Dê a ele sua própria personalidade e coloque sua própria marca nele. Mas acima de tudo, confie em seus ouvidos. Depois de dominar o verão, não usamos o envio de dois arquivos, um sendo a versão master e o outro a pré-masterização. Antes de qualquer processamento, você pode usar a seção da galeria de projetos desta classe para fazer o upload de suas músicas. E eu gostaria que você enviasse algo, talvez St. como um link do Google Drive ou Dropbox ou algo semelhante. Como alternativa, você pode usar um sistema de compartilhamento de arquivos de sua escolha. Geralmente, transpômos uma boa opção aqui, pois você pode transferir arquivos de até 2 GB gratuitamente como parte de seu plano de preços gratuito Eu não recomendaria usar links do YouTube e do YouTube porque o processamento do YouTube afetará a qualidade geral e o som de sua música. Junto com os links de outono, seria ótimo se eu pudesse escrever uma breve descrição na seção da galeria do projeto sobre como você aborda a masterização. Me dê uma ideia da sua intenção. Quando você escuta a faixa pela primeira vez. Quais foram suas impressões iniciais? Em que você achou necessário trabalhar? O que você queria melhorar com a música? Foi algo que você não gostou do som? E o que você fez para chegar ao resultado final? Isso me permitirá não apenas comparar o master deles com o original, mas também lhe dará uma ideia do som que você está buscando. Isso me permitirá dar um feedback mais significativo, que o ajudará em sua jornada de masterização. Mas não se esqueça de se divertir. A masterização é um processo muito criativo e artístico. Então divirta-se. Divirta-se. Confie em seus ouvidos, e mal posso esperar para ouvir os resultados na seção da galeria de projetos. 3. O que eu preciso para este curso ?: custo do ponto de entrada para a produção musical moderna está diminuindo com o tempo. Por isso, nunca foi tão fácil ou econômico criar música. Mas há alguns equipamentos que se tornam bastante técnicos. Então, eu dividi isso em algumas etapas simples para tirar o melhor proveito dessa aula Existem alguns itens que você precisará. Você precisará de um computador, Mac ou PC, desktop ou laptop ou encontrar regras. Alguns softwares terão requisitos mínimos de sistema ou recomendações para que determinados softwares funcionem sem problemas. Portanto, certifique-se de verificar se as especificações técnicas do computador que as especificações técnicas do computador você usa executarão uma estação de trabalho de áudio digital. A maioria dos computadores modernos funcionará perfeitamente. Você precisará de uma estação de trabalho de áudio digital ou software DAW para masterizar sua música. Este software funcionará como o principal aplicativo e editor para masterizar sua música. Essa classe é independente de DAW, então você não precisa de um determinado DAW para seguir essa classe. Use uma que funcione para inspirar você a criar boa música. A maioria dos DAWs em todas as plataformas. Então, o que seremos, tanto para Mac quanto para PC, mas há algumas exceções. Se você é novo no mundo dos DAWs , eu recomendaria experimentar o caucus Reaper, pois há um período de avaliação totalmente funcional de 60 dias. Assim, você terá acesso total por 60 dias gratuitamente. Mas vou usar o Studio One para esta aula. É minha DAW preferida, mas você não precisa usar o Studio one para seguir essa aula. Além do DAW, você precisará de plug-ins, um limitador, um equalizador de compressor e um medidor de nível. Esses plug-ins geralmente serão incluídos como parte do seu DAW. Portanto, certifique-se de que seu DAW inclua esses quatro plug-ins. Tudo isso está incluído no cacau Reaper. Se sua DAW não tiver esses plug-ins , há muitas opções de terceiros disponíveis. Também sugiro que você verifique se seu medidor de nível é capaz de ler as medidas L UFS, que podem aparecer como uma predefinição modal EBUS R1 28. Caso contrário, eu recomendaria baixar o plug-in DP meter five da TB pro audio ou o Eulerian Loudest encontra um plug-in, ambos gratuitos. Como hub de som principal para sua configuração, você precisará de uma interface de áudio. Explicar o papel de uma interface de áudio é um tópico bastante complexo que pode ser uma classe por si só. No entanto, em termos simples, precisamos de uma interface de áudio para reproduzir som com maior qualidade e conectar nossos dispositivos de monitoramento. A interface permitirá que você conecte fones de ouvido e monitores de estúdio e converta o dia todo de digital para analógico para que você possa ouvir sua música no computador. Não é recomendável conectar fones de ouvido diretamente ao fone de ouvido do computador, pois essa qualidade não será suficiente para reproduzir uma representação precisa de sua música. Por fim, você precisará de fones de ouvido ou alto-falantes do monitor de estúdio para ouvir uma música. Mais uma vez, este é outro vasto tópico que discute muitos fatores que, francamente, estão além do escopo desta classe. Em um mundo ideal, todos nós teríamos espaços de estúdio dedicados com muitos tratamentos acústicos personalizados, criando um ambiente de audição ideal. Mas não vivemos em um mundo ideal. Portanto, a menos que você tenha um tempero auditivo dedicado, ele é tratado acusticamente. Eu recomendaria usar um conjunto de fones de ouvido para esta aula. Os fones de ouvido vêm em todas as formas e tamanhos e têm seus próprios desafios vendidos. Basta recomendar o uso de fones de ouvido assessor studio, que estão acima do pronto-socorro e, de preferência, com encosto aberto para uma experiência auditiva mais otimizada. Mas o mais importante aqui é não deixar o equipamento atrapalhar. Existem inúmeros exemplos de músicas fantásticas de Santos sendo criadas com equipamentos menos do que ideais. Portanto, não se deixe intimidar se você não tiver o melhor e mais recente equipamento. 4. O que é masterização?: Bem, primeira lição, vamos discutir brevemente o que é dominar a produção musical moderna. Geralmente, podemos dividir o processo de criação de músicas em ações definíveis. Normalmente, essas ações são as seguintes. Composição, onde escrevemos a soma que queríamos criar, gravar e produzir, onde gravamos a música a instrumentação necessária para criar o corpo da música. Misturando e editando todas as faixas em uma versão balanceada da música. Masterização onde adicionamos o acabamento final e preparamos as faixas para o lançamento. E finalmente, distribuição em que lançamos sua música para o mundo. A masterização é uma parte muito importante da cadeia e pode ser dividida em quatro ações-chave principais. Controle de qualidade, onde ouvimos estalos e cliques, recortes, distorções e quaisquer outros problemas. Escuta objetiva. Bem, garantimos que a fonte de Sam corresponda à intenção do artista. Aprimoramento criativo em que aprimoramos o volume da música, criando uma versão final refinada e uma apresentação informal em que aumentamos o volume geral das faixas quando o nível apropriado para o meio escolhido. Em fase para garantir uma transição suave entre as músicas. Adicione informações de metadados para fins de crédito e royalties, se necessário, e crie os arquivos necessários para liberação. A masterização é frequentemente considerada um complemento ao processo de mixagem, mas na verdade tem algumas diferenças únicas que diferenciam do processo de mixagem. Em primeiro lugar, geralmente trabalhamos com uma única queda estéreo relevante para uma faixa de instrumento individual. Então, estamos analisando a apresentação formal da música em sua totalidade sobre elementos individuais. A masterização também é mais amplamente focada no espectro de frequência como um todo em vez da instrumentação individual. Portanto, geralmente tendemos a pensar mais em amplas faixas de frequência em frequências individuais no Master. E também analisamos como as músicas seriam traduzidas para seu público. Como seu público pode ouvir músicas em vários dispositivos, precisamos garantir, como parte do processo de masterização, que a música seja traduzida para o maior número possível de dispositivos. E, por último, também precisamos garantir que mantenhamos uma mentalidade objetiva para garantir que o estranho ou som atendam à intenção do artista. Todos esses componentes são chamados de mentalidade de domínio e uma chave que mentalidade de domínio e se separa da mixagem e cria uma música final polida e pronta para lançamento. Resumindo, a masterização é uma parte importante do processo de produção musical, onde nos concentramos em quatro áreas principais, que são controle de qualidade da música geral, escuta objetiva para alcançar a intenção do artista, aprimoramento criativo para criar uma música refinada e pronta para lançamento e apresentação formal, incluindo volume, metadados de desvanecimento e criação de arquivos de áudio. Em nossa próxima aula, mostrarei os termos comuns associados à masterização de mods para ajudá-lo a entender a terminologia que você encontrará ao masterizar sua música. 5. Termos de domínio comuns: Antes de entrarmos no corpo da aula, quero compartilhar com vocês alguns dos termos comuns associados à masterização. Isso realmente ajudará você a entender alguns dos principais termos que você encontrará ao masterizar sua música. Vou me referir a esses termos durante toda a aula. Alguns de vocês podem estar cientes disso, mas alguns deles estão mais associados à masterização do que à mixagem ou gravação. Os principais termos associados à masterização moderna, nosso nível máximo. Nível de pico real, teto digital, recorte digital, altura livre, faixa dinâmica e unidades de volume L UFS em relação à escala real. O nível de pico é uma medida que indica o nível instantâneo de um sinal de áudio. nível de pico flutua com base no volume da música, mas também mede o pico mais alto ou a parte mais alta da música. O nível de pico é medido em decibéis, ou mais precisamente, decibéis em escala completa ou dBFS. verdadeiro nível de pico é semelhante ao nível de pico, mas é uma medida muito mais precisa. Por que isso? Um medidor de nível de pico em uma DAW realmente mede a recriação digital do som. Então, gravamos som na DAW e os conversores analógico para digital dentro de nossas interfaces recriarão digitalmente um arquivo de som. Mas para ouvir o arquivo de som da DAW, nossas interfaces precisam converter esse sinal digital novamente em um sinal analógico para que possamos ouvi-lo por meio de fones de ouvido ou monitores de estúdio. Durante a reconstrução do digital para o analógico, pode haver uma variação no nível entre a criação da leitura digital e analógica. Portanto, o verdadeiro nível de pico mede a recriação analógica e é a medida mais precisa quando o sinal é convertido novamente para analógico, porque é isso que ouvimos. O pico também é medido em decibéis. O teto digital é o nível máximo de pico permitido antes que a distorção ocorra. O teto digital pode ser simplesmente chamado na maioria dos casos, de zero dBFS. recorte digital, em termos simples, é uma distorção sonora indesejada que ocorre quando o nível de pico tenta passar acima do teto digital. Esse é um som indesejável e algo que precisamos evitar. Headroom é a medida da diferença entre o nível de pico na parte mais alta da música e o teto digital. Então, por exemplo, se eu permitir, esse pico é de menos cinco dBFS. E a cena digital e esses zero dBFS, então teremos cinco dBs de espaço livre. Alcance dinâmico é um termo bastante técnico para expressar e pode ser muitas coisas para muitas pessoas, pois não existe um significado direto real de faixa dinâmica. faixa dinâmica do sol pode ser a diferença entre os picos mais altos e mais baixos de uma música. Para alguns, pode ser a diferença entre nos permitir uma medida média. Mas sem entrar nos aspectos técnicos, geralmente, a faixa dinâmica é um termo usado para descrever variações entre a parte mais silenciosa e a permitida de uma música. Um som mais comprimido terá uma faixa dinâmica menor do que um som menos comprimido. Será mais dinâmico. Para facilitar a referência, vou me referir às faixas dinâmicas ou faixa de volume, pois é isso que ele está captando no conector cinco do medidor DAP que usarei nesta aula. As unidades de volume em relação à escala real, ou EFS, são um conceito relativamente moderno e são usadas para medir o volume percebido. A sonoridade percebida é , na verdade, muito importante. E, em termos simples, representa com mais precisão como ouvimos como humanos e como percebemos o som. Portanto, isso influencia a percepção humana. Ef, ou amor, são medidos tipicamente de três maneiras diferentes. curto prazo, nosso UFS, que mede A curto prazo, nosso UFS, que mede os 3 s ou o som mais recentes para representar uma intensidade mais média e menos dependente de eventos. Momentary L. Ufs mede os mais recentes 400 milissegundos de som para medir o volume instantâneo. E o LFS integrado mede o volume percebido do início ao fim e é usado para medir o volume percebido de toda a música. E agora vamos recapitular esses termos comuns de masterização. Nível de pico, nível de pico verdadeiro. Teto digital, recorte digital, altura livre, faixa dinâmica e L UFS, unidades de volume em relação à escala real. Resumindo, há muitas informações para ler aqui, mas não se preocupe, vou me referir aos termos à medida que avançarmos na aula. Você verá como esses termos são aplicados na prática. Mas não se esqueça, você sempre pode voltar a essa aula para se refrescar. E os termos mais predominantes que usarei como parte desta aula são unidades reais de nível de pico e volume relação à escala real na medida integrada. Amores integrados, o que será de grande importância quando se trata nossa próxima aula sobre normalização de volume. 6. Normalização de alto nível - os princípios básicos: Mais do que morfina. E com a introdução de novas tecnologias, longe o meio mais popular para ouvir música nos dias modernos é a plataforma de streaming de vírus. Pense no Spotify ou no Apple Music, Tidal e afins. Agora, um dos maiores desafios das plataformas de streaming quando você considera que elas têm milhões de músicas em sua plataforma, é que elas precisam garantir que todas as músicas sejam reproduzidas em um volume consistente, o que, por sua vez, cria uma melhor experiência de audição para o público. Então, como eles fizeram isso? Eles aplicam a normalização do volume a todas as músicas em suas plataformas com o objetivo de criar um volume consistente para todas as músicas ouvidas. Para dar alguns contextos, você já deve ter ouvido falar da frase guerras de volume. Simplificando, as guerras de volume estão relacionadas a uma época em que as pessoas queriam fazer música o mais alta possível. Como humanos, percebemos que mais alto é melhor. Então, houve competição para fazer com que as músicas fossem mais altas do que os concorrentes. A visão era que, se fizéssemos nossas músicas mais altas do que o público pensaria que seria melhor. Esse foi especialmente o caso na indústria de transmissão. Temos estações de rádio e até anúncios de TV usando o volume como uma ferramenta para competir entre si, estações e marcas. No entanto, a indústria de transmissão logo assumiu o controle da situação. Foram introduzidas duas leis importantes . União Internacional de Telecomunicações, UIT, ou B, S 17, 70, e a União Europeia de Radiodifusão, EBU, R1, 28. Existem outras, mas essas são as principais legislações dos Estados Unidos e da Europa e geralmente adotadas em todo o mundo. Essas legislações criaram uma estrutura para garantir que todas as mídias de transmissão reproduzam áudio em um nível regulamentado e consistente. Mas, como você deve saber, isso se aplica à mídia de transmissão. Só que a não se aplica realmente às plataformas de streaming. Na verdade, a partir de 2023, não há regulamentação que se aplique à nossa normalização de volume para plataformas de streaming. As plataformas de streaming, no entanto, adotam alguns dos princípios dessas legislações. Mas, como não é regulamentado, ainda existem algumas inconsistências entre as plataformas de streaming individuais e na forma como elas aplicam a normalização. Então, quais princípios eles adotaram? Aqui, precisamos nos referir à nossa escala de medição, que é a unidade de volume em relação à escala real. Especificamente, as medições integradas. As plataformas de streaming usam a medida integrada UFS para calcular a intensidade percebida das músicas em suas plataformas. E o volume normaliza as músicas para um nível consistente. Além disso, eles também aplicam uma verdadeira recomendação de nível de pico com o objetivo de garantir que nenhum recorte digital ocorra durante os processos de upload e codificação. Então, o que não foi adotado? Simplificando, não existe uma consistente de amores, integrados ou medida consistente de amores, integrados ou pessoas verdadeiras que tenha sido adotada pelas plataformas de streaming. Vamos ver isso na prática. Aqui temos o site loudness penalty.com, que é uma ótima ferramenta para descobrir os impactos da normalização do volume nas principais plataformas de streaming. A normalização do volume será usada para diminuir o volume da sua sonda ou talvez até mesmo para criar o volume consistente que o público está procurando. Podemos usar este site para analisar uma música e ele nos dirá os impactos da normalização do volume nas principais plataformas. Apenas uma observação: o nome loudness pregnancy é um pouco enganador, pois sugere que dominar muito alto comprometerá ou penalizará a música. Na verdade, essa não é a intenção , mas apenas sugere que poderíamos criar mais dinâmicas dominando menos alto e usando um limitador. Mais sobre isso a seguir na aula limitadora. Aqui, eu enviei a música que eu comprei recentemente, MasterCard, onde todos os anjos esse efeito sfumato tinham álbum colonial para usar suas músicas nesta aula. Eu masterizei uma música que media -12,6 L UFS integrada como uma medida de volume percebida. Analisando os resultados, YouTube, Spotify, Tidal e Amazon reduzirão essa música em 1,4 dB em seu modo padrão e normalizarão para aproximadamente -14 l UFS integrados. Apple, reduziremos uma música -3,4 D Bs e normalizaremos para aproximadamente -16. Lof foi integrado e o diesel diminuirá a música em -2,4 dB normalizado para aproximadamente -15 ou UFS integrado. Você pode ver como isso pode ser confuso. Também existem outras irregularidades em torno das verdadeiras recomendações de nível de pico para cada plataforma. Todos eles também oferecem diferentes modos de normalização de volume, e a variação depende da preferência do ouvinte. Um dos mitos mais comuns torno da masterização é que existe um volume alvo para plataformas de streaming, com o valor frequentemente citado como -14 l UFS integrado. Como você pode ver, não existe uma meta, pois não há um nível regulamentado de normalização para todas as plataformas de streaming. Esse é um assunto muito denso e técnico, mas as principais conclusões aqui são as plataformas de streaming. Usamos a normalização do volume para garantir que haja uma experiência auditiva consistente para o público. A normalização do volume será usada até mesmo para aumentar ou diminuir potencialmente sua música. A normalização do volume é baseada na sonoridade percebida. Então, risadas integradas são usadas como medida de medição. Mas eles também levarão em consideração o verdadeiro nível de pico do arquivo da música para minimizar as chances de um clipe digital na fase de upload ou no processo de codificação quando se trata enviar os arquivos para as plataformas de streaming. Mais uma vez, há muito o que aprender aqui, mas mostrarei alguns exemplos práticos. Quando chegarmos à aula limite, poderemos começar a ver esses conhecimentos realmente sendo colocados em prática. Mas, por enquanto, vamos para a próxima aula, que consiste em preparar uma sessão de masterização. 7. Como configurar uma sessão de masterização: Para nossa primeira aula prática, vou mostrar como preparar uma música para masterização. Prepare-se para uma sessão de masterização bem-sucedida. O verão que vou usar para essas aulas é a música Born to be free by tomato effect, que gentilmente me deu permissão para usar sua música nessas aulas. Isso foi algo que eu dominei e está disponível em todas as principais plataformas de streaming. Se você quiser ouvir a versão master anterior. Uma das primeiras coisas a discutir é a importância de ter uma sessão de masterização dedicada para masterizar sua música. Muitas vezes me perguntam: é bom dominar a sessão de mixagem? Eu sempre recomendo ter uma sessão de masterização dedicada para masterizar uma música, pois é importante começar a dominar a mentalidade em vez da mentalidade de mixagem. Se você tentar dominar a sessão de mixagem, sempre ficará tentado a se concentrar nos indivíduos, ou seja, nos elementos, e não na música como um todo. E na masterização, estamos analisando muito a apresentação geral da música em apresentação geral da detrimento de elementos individuais. Também precisamos considerar aqui nem todo mundo tem um computador poderoso. E se você tiver uma mistura densa com muitas faixas e plug-ins, adicionar mais plug-ins na parte superior pode criar um estresse adicional em seu computador. Potencialmente criando um gargalo. Quando tivermos uma sessão em branco, precisamos garantir que a sessão do DAW corresponda à queda da música em relação às taxas de amostragem e à profundidade de bits. Não vou me aprofundar muito na taxa de amostragem e na profundidade de bits, pois esses são tópicos aprofundados além do escopo de uma aula individual de mestrado. Mas se você quiser aprofundar seus conhecimentos em relação às taxas de amostragem , recomendo que você pesquise o tópico do teorema de Nyquist, que detalha as taxas de amostragem. Mas você precisaria descobrir a taxa de amostragem e os detalhes de profundidade de bits de sua música Foil e definir as sessões de DAW de forma que correspondam. No estúdio 1, posso alterar a taxa de amostragem e a profundidade de bits por meio da guia solar e escolhendo a configuração das músicas. Mas esse processo será diferente dependendo de qual DAW você está usando. Quando uma sessão de DAW tiver a taxa de amostragem e a profundidade de bits corretas, podemos prosseguir e importar nosso arquivo. Esse processo será diferente com base na DAW que você está usando. Mas geralmente as opções de entrada de outono estão na guia de outono da maioria dos DAWs. Mas a aba da música no Studio One. Para nossa última alteração na sessão, precisamos garantir que tamanho do buffer da interface de áudio seja o mais alto possível. O tamanho do buffer é controlado pelo nosso driver de software de interface. Para dominar, precisamos de uma hipótese para adicionar menos estresse aos nossos computadores. O buffer da interface geralmente é bastante baixo quando se trata de gravação. Como um tamanho de buffer alto pode introduzir latência. latência é um desafio para a gravação, pois é um atraso entre o sinal que vai para a fonte de gravação, um microfone e o retorno do sinal. Freudiano é suficiente para fins de reprodução. Na masterização, não estamos gravando. Podemos ajustar o buffer o mais alto possível para reduzir a tensão e nosso computador. Finalmente, podemos adicionar nossos plug-ins à sessão antes de qualquer processo e faremos isso para facilitar a referência Eu recomendaria adicionar os plug-ins diretamente à faixa que contém uma queda de música. Em muitos DAWs, podemos colocar plug-ins diretamente na música Foil, na faixa que contém uma queda de música ou em um canal principal que controla as saídas finais de seus fones de ouvido ou alto-falantes. Para simplificar, eu recomendaria adicionar os plug-ins à faixa que contém uma queda de música, conforme demonstrado aqui nesta aula. A ordem em que adicionamos nossos plug-ins é importante, pois isso cria nossa cadeia de masterização. E cada plugin alterará a música que passa pela cadeia. Portanto, recomendo que o compressor seja adicionado primeiro, seguido pelo limitador do equalizador. E então eu vou medir o volume ou o nível. O importante aqui é que o limite seja adicionado após nosso compressor. Um equalizador. Como limitador precisa ser o último na linha, controle uma saída formal de qualquer processamento. Nosso volume atende a algumas necessidades que estão atrás do nosso limitador, para que ele leia o telefone ou o volume. Também incluí um medidor de espectro para fins de demonstração, mas isso não é essencial. Então, para recapitular, para configurar uma sessão de masterização, precisamos criar uma sessão de masterização em branco em nossa DAW. Altere a taxa de amostragem e a profundidade de bits para combinar com a música em que estamos trabalhando. Importe o arquivo para nossa sessão, altere nossa configuração de buffer de interface e adicione os plug-ins. Nós o usaremos na faixa que contém o arquivo da música. Para nossa próxima aula, daremos uma olhada no site de controle de qualidade e na masterização. 8. Controle de quality: Nesta aula, mostrarei os aspectos de controle de qualidade e masterização, mas também medirei o volume da música antes que o processamento do Master faça anotações do que achamos que precisa ser aprimorado os aspectos de controle de qualidade e masterização, mas também medirei o volume da música antes processamento do Master faça ou controlado. E também veja o conceito de espaço livre e como isso afetará qualquer decisão de domínio que tomarmos. Para fazer isso, vou tocar a música do início ao fim. Durante o jogo , estaremos atentos ao seguinte. Há cliques e estalos audíveis? Geralmente, vêm de uma sobrecarga do sistema do computador durante a fase de gravação. Mas também podem ser sons de clique e pop capturados pelos vocais por meio de sons de mouse. Precisamos prestar atenção a isso também. São muitos irmãos do vocal, que são aqueles sons fortes de S que são dublados por Mike. A música tem algum recorte digital ou está em ordem? Algum sinal de recorte ou distorção indesejada não será apenas permitir, isso significa ler o nível máximo de produtividade. Mas ao ouvir qualquer som distorcido ou cardíaco, a mixagem soa em ordem natural, qualquer som que realmente se destaque e que não se encaixe na música. Isso nos permitirá tomar uma decisão mais informada sobre se pode haver alguma recomendação para examinar novamente a combinação. Além do controle de qualidade , também farei algumas anotações para responder às seguintes perguntas. Há algum som que sai enquanto ouve a música? Se sim, eles parecem naturais? E você consegue ouvir toda a instrumentação? Então, pense em todas as partes individuais da música. Pense na bateria, no baixo, na guitarra, guitarras, nos vocais, etc. A música é balanceada e a faixa de frequência? Então pense no som. É muito conteúdo de frequência base? As frequências básicas complementam o resto do tronco? E então fiz as mesmas perguntas para as frequências médias e altas. Todos eles se complementam ou há um desequilíbrio? E por último, o som geral corresponde à intenção do artista? Se você é o artista e engenheiro, esse é o som que você queria quando escreveu a música ou faz algo em que eles estão trabalhando? Todas essas são perguntas que você pode responder para ajudar a elevar sua música usando o mestre e a mentalidade. Mas esse também é um ótimo ponto para mencionar que, se você estiver participando dos projetos da aula e masterizando sua própria música , seria ótimo se você pudesse escrever uma nota detalhada nas informações a seguir. Quando você ouviu a faixa pela primeira vez, quais foram suas impressões iniciais? Em que você sentiu necessidade de trabalhar? O que você queria aprimorar quando a música? Foi algo que você não gostou? O som do. Essas são todas as informações que você pode observar nesse estágio específico do processo de masterização. Então, sem mais delongas, vamos conferir as listas da música. Vou abrir o mais alto que nos faz. Então, podemos ver isso em ação. Berlim para sempre no topo e no tamanho. Então esse é o oceano. De novo. Flamejante. Seja bom com o trabalho de nossas vidas. Mas as escadas voam como se estivessem. Não. Então, do ponto de vista do controle de qualidade, a música soou ótima. Não havia cliques e estalos ordenáveis e não havia recortes ou distorções. Você deve ter ouvido um leve clique, que vou mostrar para você. Agora. Esse clipe foi causado por um software de captura de tela durante a gravação desta aula e não aparece na música. Portanto, estamos todos bem do ponto de vista do controle de qualidade. Em relação às minhas notas de maestria, houve algumas observações. Achei que nenhuma mixagem soava bem, mas achei que poderia funcionar. Ouça mais energia geral. O conteúdo base soa bem e define a saga: ouça o baixo, guitarra e o bumbo, mas não parecia sozinho. As frequências médias soavam bastante abafadas e turvas. Percebi algo na música que me fez sentir que poderia haver uma distorção. Mas, ao ouvir mais de perto, percebo que elementos percussivos no fundo e a distorção de Nasir chamaram minha atenção. Também acho que a frequência geral balanceada soou bem, mas talvez pudéssemos realçar as frequências médias e ouvir mais e talvez dar à música um brilho de alta frequência para fazer o vocal se destacar. Mas o que você acha? É aqui que a masterização pode se tornar criativa e não há respostas certas ou erradas. Apenas decisões criativas com base no que estamos ouvindo. Mas lembre-se sempre de levar em conta as intenções do artista e ser objetivo em sua tomada de decisão. Esses são os tipos de considerações que ajudarão você a dar vida à sua música. Portanto, não deixe de praticar. Isso faz parte da masterização e realmente se concentre em desenvolver suas habilidades de escuta. Antes de começarmos a discutir o espaço livre, quero compartilhar com você uma dica importante para desenvolver suas habilidades de escuta. Se você sentir que pode ouvir que algo não soa bem, mas não consegue localizar onde está na faixa de frequência. Existe um plugin gratuito e uma técnica que pode realmente ajudar a desenvolver suas habilidades de escuta. Esse plugin é chamado de TD ANOVA por uma empresa chamada Tokyo Dome Labs. Esse plug-in é um tipo de plug-in chamado EQ dinâmico. Não usaremos esse plugin na aula. Mas a melhor coisa sobre esse plugin é que você tem a capacidade de tocar diferentes bandas de frequência. Isso é ótimo, pois você pode usar as bandas para se mover para diferentes partes da faixa de frequência e apenas essas frequências. Assim, você pode aprender quais instrumentos ocupam certas partes da faixa de frequência. Aqui está um breve exemplo, certo? Essa técnica também pode ser geralmente usada com outro tipo de plug-in chamado compressor multibanda. Desde que tenha uma função solo de banda, você não precisa alterar nenhuma configuração, exceto alterar as frequências que gostaria de ouvir. Agora vamos para o headroom, que é algo muito importante quando se trata de masterização. Conforme mencionado nos termos comuns, a altura livre da classe é uma diferença de volume entre o teto digital, neste caso, zero dBFS e o nível de pico mais alto. Também discutimos que o nível real da raiz é mais preciso do que o nível de pico. Se dermos uma olhada, todo o volume é feito para que possamos ver que essa música tem um verdadeiro nível de pico de -4,4 dBFS, o que significa que nosso espaço livre é de 4,4 dB. Havia um mito comum de que dominar os 60 do leste valia uma heroína antes de seu processamento principal. O valor de menos seis dB vem de uma época anterior às estações de trabalho de áudio digital, quando certos dispositivos de captura se distorciam antes do teto digital. Portanto, era sempre seguro deixar espaço livre extra para minimizar o risco dessa distorção. Agora, passando para o velho yo moderno com DAWs, não há necessidade real de deixar muito espaço livre porque podemos ajustar de forma não destrutiva o nível da música ao nível que escolhermos, desde que a mixagem não seja recortada digitalmente. Se a música não tiver pelo menos 0,1 dB de espaço livre, podemos ajustar o volume antes do processamento do Master. Se agora voltarmos à nossa música com 4,4 dB, onde, para espaço livre, isso também pode criar alguns desafios no processo de masterização. Ou seja, isso pode causar um limitador de tensão adicional de processamento, que pode correr o risco de distorção por compressão excessiva. Discuta mais sobre isso em nossa próxima aula e limitando. Mas uma boa regra é permitir que dois dB de espaço livre entrem em nosso processamento principal. Isso significa que precisamos aumentar o ganho de nossa música em aproximadamente 2,4 dB. Ou podemos conseguir isso aumentando o ganho e a música ou anual novamente, plugin No estúdio um, isso é feito manualmente arrastando o acompanhamento da música até os valores necessários. Como alternativa, a maioria dos DAWs ouviram plug-in que pode alcançar o mesmo resultado. Esse plug-in precisa ser colocado no topo da nossa cadeia de masterização. A razão pela qual eu recomendaria dois dBs onde quer que haja espaço livre é devido à normalização do volume da plataforma de streaming, que na maioria dos casos requer um nível de pico real de não mais do que menos um dB, o que consideraremos ao usar um limitador. O dB adicional de espaço livre como medida de segurança se deve à variação entre o nível de pico que aumenta o DAW e o nível real do pico em nosso medidor. Lembre-se de que o aumento manual do ganho da música em sua DAW será medido no nível de pico e não no pico verdadeiro. É importante acertar as configurações antes de começarmos a limitar, que será a próxima aula. Então, para resumir, precisamos ouvir a música até o fim, destacar e corrigir quaisquer possíveis clipes, estalos, distorções ou estalos. Faça com que nossas anotações de masterização saibam claramente o que precisamos fazer e defina o espaço livre para menos dois dB antes do nosso processamento principal. Agora vamos falar sobre limitação. 9. Limitando 101: Nesta aula, mostrarei como usar o limitador para obter um bom equilíbrio entre volume e dinâmica. Mas você pode estar pensando em borrar. Se o limitador é o último plug-in na cadeia de processamento , por que estamos começando com o limitador? Um dos maiores desafios é novo para dominar, e ele está tentando conseguir um som que tenha um volume competitivo, mas sem as músicas semi planas ou sem energia. Pela minha experiência como educadora e por falar com muitos novatos, notei que muitos começam com compressão e equalização e obtêm um bom equilíbrio tonal. Mas na energia dinâmica dos perdedores, uma vez que eles começam a limitar, geralmente acho que isso se deve a dois problemas principais. Eles estão sendo transferidos para o nível de volume, não se encaixa na música e , portanto, limitam demais. Ou eles estão aplicando muita compressão do compressor Mastering antes que ele atinja o limitador. Usar um limitador é o primeiro processo. Aumentar o volume geral para um nível competitivo reduz consideravelmente as chances de limitação ou compressão excessiva de antemão. A principal razão pela qual o limitador às vezes é um desafio usar é porque é essencialmente um compressor, mas um compressor muito agressivo. O papel do compressor é suavizar um sinal de áudio dinâmico reduzindo o nível dos picos dos alelos aumentando o nível dos picos de qualidades, obtendo assim um som mais equilibrado e uniforme. Um compressor normal tem muitas configurações, sendo uma em particular uma configuração de proporção. A proporção do compressor é usada para determinar a quantidade de áudio emitida em relação à quantidade de entradas. Então, por exemplo um compressor com uma configuração de proporção de dois para um significaria que para cada dois db de entrada de sinal no compressor, apenas um dB por sinal será emitido. Pois uma proporção de quatro para um para os Bs de entrada significaria um dB de saída e assim por diante. Um limitador, entretanto, é o compressor que, em termos gerais, tem uma proporção infinita. É por isso que você pode vê-los sendo chamados de limitadores de parede de tijolos, pois são projetados para limitar fortemente a saída do sinal minimizar as chances de recorte digital no teto distal. Mas, além da função de fornecer um amortecedor de segurança, pois é um compressor, ele também elevará o nível dos porcos mais silenciosos e, assim, aumentará o volume geral. Mas precisamos ser cautelosos, pois isso também diminuirá a faixa dinâmica. Como sabemos tudo sobre dominar e limitar seu jogo de equilibrar, comprometa entre alcançar o volume e manter um alcance dinâmico adequado. Mas vamos dar uma olhada em um limitador ativado. Examine a funcionalidade principal antes de eu mostrar uma maneira simples, mas eficaz, usar um amador para sua masterização. Os limitadores variam um pouco em sua funcionalidade, mas geralmente existem alguns componentes principais. Estou usando os limites de estoque aqui dentro de um estúdio e da esquerda para a direita, temos um controle de ganho, um parâmetro de teto, um novo controle de retenção. E, finalmente, temos as configurações de ataque e liberação. Os parâmetros mais comuns encontrados no limitador ou controle de ganho e no controle de teto. O controle de ganho permite que você aumente o volume entrando no limitador. Portanto, quanto mais você aumentar o ganho, mais alto será o som. O teto. Por outro lado, o acesso à barreira com o objetivo de impedir o recorte digital. Isso significa que podemos ajustar o teto para o nível desejado e , em seguida, usar para obter controle para aumentar o volume até que o sinal atinja o teto. Quando o sinal atingir o teto, o sinal começará a limitar e comprimir os picos. Quanto mais você empurra o ganho para o teto, mais compressão você obtém. Empurre demais e você superará pressão e começará a distorcer o som. Em seguida, temos o controle de limite, que não é encontrado em todos os limitadores, mas é comum em muitos plug-ins do tipo compressor. O limite age de forma muito semelhante ao teto e define o limite onde você deseja que o compressor comece a comprimir. Então, onde temos o teto, que é a última linha de defesa, o limite pode ser usado para definir o ponto de partida para onde você deseja que a compressão comece. Então, por exemplo digamos que temos um filho com cinco dBs, a pena ter espaço livre e usamos os limitadores, o controle de ganho de dois a cinco dB. Novamente, podemos usar os tetos que flexionam a última linha de defesa. E se considerarmos o caso de uso da normalização do volume de streaming, em que queremos garantir que o verdadeiro nível de pico não ultrapasse o pico real de menos um dB. Podemos definir o teto para menos um db, conjunto de limites rígidos de sinal em menos um dB. Mas o limite pode ser usado para diminuir o ponto inicial decimal. Então, digamos que queremos que a compressão comece a menos dois dB e ainda use a mesma da última linha de defesa. Então, podemos definir um limite para menos dois dB. O sinal começa a ser comprimido no monitoramento do DB. E um teto pode então controlar qualquer sinal adicional que o limite de compressão não capture. mais baixo de tudo é que temos os controles para uma segunda liberação, e esses sistemas controlam a velocidade com que o compressor reage e libera. Um exemplo para mostrar como o ataque e liberação funcionam é que nosso dedo da mão, onde minha mão está totalmente aberta, não está reagindo como uma ferramenta, pois o limite, supondo que não tenha sido atingido pelo pico de áudio. Mas quando o pico de áudio atinge um limite ou Caelian, o ataque define a velocidade na qual minha mão se fecha e, em seguida, a liberação define a velocidade na qual ela reabre. Assim, podemos definir diferentes combinações de espaço aberto e fechado para atender às suas necessidades específicas e obter diferentes resultados de compressão. Dito isso, quero mostrar uma maneira simples de usar um limite definido para obter os resultados mais impactantes sem comprometer a dinâmica. Para fazer isso, vamos nos concentrar nos parâmetros de ganho e teto e ignorar completamente o limite definindo-o como zero. Por que estamos fazendo isso? Usando o limite para reduzir o ponto de partida para compressão. Onde se comprometem e dinamizam instantaneamente antes de atingirmos o teto. E todos nós temos limitadores com uma proporção infinita. Essa é uma abordagem pesada e não produzirá os resultados que buscamos sem muita atenção aos detalhes. Uma vez que definimos nosso limite , estamos ganhando teto. Se precisarmos de compressão adicional, podemos usar nosso compressor, que discutiremos mais adiante em nossa próxima aula. Vamos começar com um teto. Um bom ponto de partida é o teto para menos um db. Esse valor de menos um dB está de acordo com muitas plataformas de streaming que exigem um nível de pico real de não mais que menos um dB. Quando começarmos a adicionar o ganho e ele atingir o Supondo, precisamos principalmente ajustar os tetos para garantir que mantenhamos o nível negativo, pois algum sinal ainda poderá analisar o celoma. Quando tivermos feito o salvamento, vamos tocar essa música e ajustar o ganho até obtermos os resultados desejados. Então, quais são os resultados desejados? Você pode estar pensando, há duas coisas que estou procurando. Em particular, quero aumentar o volume para um nível que soe bem antes que ele comece a ultrapassar o limite, romper ou distorcer. Agora, uma vez que mostramos que o último nível atinge pelo menos -14 UFS integrados. Como sempre, aumentar valor do ganho para o bebê é insuficiente para atingir pelo menos -14 LU fs de risco de a música ser cantada muito baixa nas plataformas de streaming. Cerca de elevar o ganho para nove dB emite o som. Os cupons da loja por mais anos são cerca de 46 DVDs que valem a pena aumentar novamente. Você deve ter notado um uso mais intencional das palavras, pelo menos quando se trata da dimensão -14. Sim, UFS. Conforme discutimos na aula de normalização de volume, não há um valor alvo de L UFS que seja consistente em todas as plataformas. Portanto, y -14 l UFS se integra, ele não é considerado o alvo. Na verdade, a realidade é que nem precisamos nos preocupar com o nível de UFS, desde que seja pelo menos -14 ADFS integrados, pois são as plataformas de streaming som normalizado. Não precisamos. Tudo o que precisamos fazer é focar em obter o nível de volume do software que soe bem e não seja excessivamente comprimido ou distorcido. Eu sempre recomendo obter pelo menos -14 LU FS Integrated porque as plataformas de streaming dizem respeito às músicas, mas nem sempre as aumentam. Eles fazem isso por meio de um simples processo de atenuação, reduzindo o nível de pico para atingir um nível L UFS consistente nas músicas que você está ouvindo. Então, em nosso exemplo, usando o site de penalidades mais altas, pudemos ver em quanto eles diminuiriam a música. Mas eles nem sempre conseguem aumentar o volume da música. As plataformas de streaming, como já discutimos, precisam de um verdadeiro nível de pico de pelo menos um dB para garantir que não haja recortes durante o processo de upload e codificação. Então, se você dominar uma música em um nível mais baixo do que -14 antes de fs -16, nosso UFS. Mas se eu mantiver o verdadeiro nível de pico em menos um dB , ele não conseguirá aumentar a música sem recortar. Portanto, eles não recorrerão a nenhum aplicativo. E há músicas que soam silenciosas e outras em suas plataformas. Há tantas variáveis em jogo aqui, só precisamos nos concentrar em atingir o nível que soe bem e deixar que a série de plataformas cuide do processo de normalização. Cada música é diferente, então pratique dentro dos limites novamente, como visto nas configurações, para obter um volume que soe bem para você. Mas certifique-se de atingir um nível de pelo menos -14 ou UFS integrado e manter o nível de pico real de menos um dB. Por fim, se você tiver a opção de ajustar as configurações de ataque e liberação, aqui é quando você pode começar a experimentar o som limitante. O ataque e a liberação precisam ser considerados em conjunto , pois eles reagem juntos e fornecem sons diferentes. Um ataque rápido e uma liberação lenta podem uniformizar o som que pode criar uma célula de abóbora, conforme mostrado aqui. Essa abóbora tem um som mais sustentado do que a bomba. Isso ocorre quando os porcos são liberados. Para que a Pixar ataque do que de forma sustentada e depois a liberte. Mas um falso ataque de fosforilase fará com que Craig bombeie menos, mas terá mais garantia de redução de ganho aqui. Mas com um ataque lento e uma liberação lenta, você também pode ouvir um som de abóbora, mas é menos sustentado do que com um tempo mais rápido. Para ouvir aqui. Perda de tudo, com um ataque rápido, uma liberação lenta, você pode conseguir menos bombeamento, redução do jogo de futebol e limites de repressão rápida dos porcos. Essas são muitas variáveis para jogar, então você pode experimentar seu som. Mas essa música ou som de um ataque médio que os picos não sejam reduzidos tão rapidamente, juntamente com um lançamento rápido. Portanto, a limitação não é sustentada. Isso mantém um som mais natural nos meus ouvidos. Então, vamos recapitular brevemente sua aula sobre limitação. O limitador I é um compressor com uma proporção ilimitada. limitador é usado para suavizar a dinâmica de uma música e também aumentar o volume geral além de atuar como uma barreira de segurança para evitar recortes. Um limitador terá um controle de ganho e de cedência que são usados juntos para aumentar o volume. O teto é definido para um nível que mantém a medida real do pico em menos um dB. O ganho aumenta o volume empurrando o nível para o teto. Queremos atingir um volume de pelo menos -14 l de UFS integrado sem a música soe muito comprimida ou distorcida e permitir as plataformas de streaming normalizem uma música. Podemos usar as configurações de ataque e liberação para alterar o estilo ou o som da limitação com base no Sol que estamos dominando. Para nossa próxima lição, daremos uma olhada em um compressor e responderemos à pergunta. Precisamos usar um compressor para masterizar? 10. Compressão - Preciso de um compressor?: Na próxima aula, analisaremos o papel de um compressor em um contexto de masterização e responderemos à pergunta: preciso de um compressor para masterização? E a resposta é, talvez. Conforme discutimos em nossa última aula, o limitador também é um compressor com uma proporção ilimitada. Portanto, já aplicamos alguns processamentos dinâmicos. Mas a forma como os limites dos trabalhos são muito agressivos e está mais focada no controle de picos e sonoridades. Já um compressor típico permite um nível de compressão muito mais sutil que pode ajudar a esculpir o som geral. compressor I terá praticamente a mesma aparência e , normalmente, alguns dos mesmos controles, o limitador, mas o mais importante, terão um controle muito maior da proporção. E é a sutileza da proporção que nos dará muito mais controle do som. Então, voltando à nossa pergunta, eu preciso de um compressor para masterizar? Se você está satisfeito com a dinâmica da soma do campo limite como um bom equilíbrio geral de energia, a resposta pode ser não. Mas se eu voltar às minhas notas de masterização, quero adicionar um pouco mais de energia à música e a compressão pode ser uma ótima ferramenta para a energia da adenina. Antes de mergulharmos no compressor, você notará que ele é o primeiro plug-in na cadeia de masterização. O compressor é intercambiável com o equalizador. Assim, você pode ter o equalizador antes do compressor. Mas, geralmente, gosto de controlar a dinâmica antes da equalização, mas fique à vontade para experimentar, pois seu TA fornecerá resultados ligeiramente diferentes. Mas ambos devem estar antes do limitador da cadeia. Aqui, pare de compactar o estúdio com um layout um tanto típico de um compressor. Normalmente, um compressor tem controles para a seguinte taxa de limite, ataque, liberação e ganho de maquiagem. Já discutimos o que o sistema de ataque e liberação com taxa limite está fazendo como classe limitadora. Então, não vou abordar esses detalhes profundos, mas quero mencionar o ganho de maquiagem com um limitador. Estávamos muito focados no volume e na dinâmica de equilíbrio , empurrando o ganho para o teto. Isso nos daria uma música mais alta limitaria os picos. Mas seu compressor típico sempre funciona contrário, pois pode fazer com que a música soe mais baixa. Se voltarmos à nossa discussão sobre a proporção, qual ela controla o nível de saída com base na quantidade que inserimos. Uma proporção rígida e de um para um sempre produzirá menos do que as novas entradas. Usamos os limitadores para obter controle para neutralizar e, novamente, reduzir os limites, que fez nossa música soar mais alta. Mas se o compressor fizer com que a música soe mais baixa, o controle de maquiagem é usado para compensar ganho ou o volume que perdemos a compressão da fruta. Você também notará que o ganho de maquiagem é um controle secundário e o limite é um controle mais permanente. Como não temos teto. Com um limitador, não usamos o limite que faremos com o compressor. Os controles se concentrarão aqui na taxa de limite, ataque, liberação e ganho de maquiagem. O limite atua como o ponto de partida onde queremos que a compressão comece. A proporção determina quanto nível é produzido em comparação com o quanto ele é inserido. O ataque controla a rapidez com que o compressor reage. E uma liberação determina quando a compressão é liberada com o ganho de maquiagem, adicionando qualquer perda de volume. Vamos começar com uma proporção. Em contextos de masterização, normalmente não usamos uma proporção muito alta, pois a compressão agressiva em conjunto com a limitação pode fazer com que suas músicas soem planas. Uma boa regra é definir a proporção em algum lugar entre 1,5 para um para dois para um. Portanto, a compressão é um equilíbrio sutil da dinâmica. Uma vez que a proporção é definida, é necessário reduzir o limite para definir o ponto de partida para o início da compressão. Então, vamos fazer isso agora. Mas nessa música, eu gosto da sua proporção de 1,6 para um com um limite de cerca de monócitos em dB. E é aqui que você pode experimentar. Quanto mais você reduzir o limite, mais compressão você obterá. E quanto maior a proporção usada, mais compressão você obtém. Então, o objetivo é alcançar equilíbrio entre o limite e a proporção para obter o resultado que você mais gosta e o som. Lembre-se de que não há regras erradas aqui. Portanto, ouvir os resultados da compressão é fundamental. Normalmente, pretendo alcançar no máximo dois dBs e obter redução no contexto de masterização, como queremos, resultados sutis. Adicionar um pouco de compressão realmente aumenta as frequências básicas para adicionar energia à música. Mas um compressor atuará de forma diferente em efeitos, músicas diferentes de maneiras diferentes. Portanto, lembre-se de ouvir com atenção, consulte suas anotações para ter certeza de que está obtendo os resultados desejados. Depois de definirmos nossas sessões de taxa de limite, as configurações do atacante realmente podem ser ajustadas de acordo com seu gosto. Os resultados são muito mais sutis aqui. Normalmente, prefiro um ataque mais lento e uma liberação mais rápida com minha compressão de domínio. Mas isso varia de acordo com a música. Precisa experimentar e ouvir como a compressão afeta o equilíbrio geral de frequência. Por fim, precisamos compensar o volume que perdemos usando o controle de ganho de maquiagem como regra geral, que usa o medidor de redução de ganho para indicar quanto volume foi reduzido pela compressão e, em seguida, aumentar o ganho de maquiagem em uma quantidade semelhante. Mas eu sempre recomendo usar as matrizes como guia e usar a função de desvio do plug-in para detectar os resultados, pois queremos garantir que haja um volume consistente antes e depois da compactação. Como qualquer alteração de volume pode afetar o nível que entra no limitador. Para recapitular a lição, aprendemos que um compressor controla a faixa dinâmica, mas ele não é tão agressivo quanto um limitador. Um compressor nos fornece um controle de proporção para controlar a saída em comparação com as entradas. Um compressor reduzirá os volumes. Por isso, usamos um controle de ganho de maquiagem para equilibrar qualquer volume perdido. Em um contexto de masterização, normalmente usamos uma proporção de 1,5 para um para dois para um. Quer que a proporção seja definida, o limite é reduzido para definir os pontos iniciais da compressão. Quanto mais você reduzir o limite e aumentar a proporção, mais redução de ganho você obterá. As sessões de ataque e liberação são usadas com paladar para alterar o som da compressão. E por fim, usamos a maquiagem para equilibrar o volume. Em nossa próxima lição, veremos os usos criativos da equalização ao masterizar nossa música. 11. Melhoria de equalização: Agora, analisamos a equalização e como podemos usar movimentos amplos de equalização para elevar nossa música. Mas antes de entrarmos no EQ, vamos nos lembrar de nossas notas de masterização. dê ao luxo de misturar qualquer coisa boa, mas acho que poderia gerar um pouco mais de energia geral. Falamos sobre como podemos adicionar mais energia em nossa última aula e compressão. O conteúdo base soou bem e definido. Então, eu posso ouvir bem o baixo no bumbo, mas senti as frequências baixas e médias ficarem bem abafadas e turvas. Também acho que a frequência geral é boa. Talvez possamos realçar as frequências médias e talvez dar a essa música um pouco mais de brilho de alta frequência para destacar o vocal. Então, dadas minhas anotações, essas serão minhas áreas de EQ de foco. Aqui eu tenho o plug-in EQ padrão dentro do plug-in de estúdio, e podemos usar esse plug-in para aprimorar ou retirar algo de uma seção específica de frequências. Um EQ é normalmente definido com pontos de EQ móveis específicos em diferentes áreas da faixa de frequência, com alguns pontos tendo usos diferentes de outros devido às formas variáveis do EQ. Existem três formas de fila que são mais comuns no EQ, qual das seguintes um filtro de corte ou passagem específico para remover ruídos baixos ou excesso de informações. Uma prateleira. Isso tem curva menos íngreme do que um filtro de corte ou passagem, mas pode adicionar ou remover conteúdos indesejados de baixa ou alta frequência. E então uma curva em forma de sino, que é mais comumente associada a frequências baixas, médias a altas. E é uma forma mais focada. Além das diferentes formas de curva de EQ em geral, também podemos ajustar a largura da curva por meio do controle Q e , em seguida, usar o Controle de Ganho para aumentar ou atenuar essa frequência específica. Agora que sabemos um pouco mais sobre um EQ, como você usa um dos contextos de masterização comprimir quando dominamos? Geralmente, não estamos procurando grandes mudanças ousadas, mas aprimoramentos sutis elevam a mistura e não a substituem. Como resultado, você raramente verá engenheiros de masterização cancelarem a faixa de frequência do amplificador em mais de três dB, geralmente menos de um dB, apenas para elevar certas áreas. Também é prática comum focar em movimentos amplos com uma configuração Q ampla em algum lugar entre zero ponto 5.2. Portanto, qualquer modo de movimento de EQ capturará uma seção maior de EQ e criará um aprimoramento mais natural em relação a qualquer alteração cirúrgica. Então, vamos ouvir. Quando se trata de qualquer processamento de masterização, eu não recomendaria fazer nada apenas por isso. Pois cada música, como já discutimos, terá necessidades diferentes. Mas uma coisa que eu verifico em cada música é se há uma necessidade excessiva de baixo custo. Estamos falando muito abaixo da faixa de frequência aqui, em torno de 20 a 30 hz, tudo sem uma prateleira baixa com cerca de um dB de redução de ganho na reprodução, a música fruta e o bypass a cada poucos segundos. Enquanto eu ouço aqui, ele está usando a prateleira baixa, eu gosto de limpar a música. Há uma música Sam, mais limpa ou clara, ou essas frequências acrescentam algo à música? Se a música soar melhor com essas frequências, não as deixei entrar. Caso contrário, usamos uma prateleira baixa para remover alguns desses itens de baixo custo indesejados. Em seguida, quero focar nas baixas frequências médias que soam um pouco turvas ou abafadas. Isso geralmente ocorre devido a um cruzamento nas frequências do e das guitarras elétricas nesse gênero específico. Mas também estão presentes frequências vocais e de embriaguez. Assim, ele pode se acumular rapidamente na área média-baixa e abandoná-la com um ponto Q de baixa frequência média, ou procurar uma frequência de 200-5350 hz, onde a música soa mais abafada. E vou começar a remover algumas das frequências. Neste exemplo, descobri que remover apenas roupas íntimas dB com um amplo zero 0,87 Q ajustado a 272 hz resolveu o problema. Agora, uma vez nas frequências médias, precisamos ter um pouco de cuidado ao aumentar a faixa de 2 khz. Essa área tende a ser sensível a árias. Depois de algumas pesquisas entre 1 khz, 3 khz. Freqüentemente, esse aumento de um dB em torno de 1,4 khz elevou o alcance completo sem soar severo e deu à armadilha mais corpo e equilíbrio. Apenas o aumento de dB com um sistema Q de um será suficiente. E por último, com as altas frequências, eu não queria deixar a música muito clara, mas apenas adicionar um pouco alto demais para aumentar a frequência ou recomendar uma curva de prateleira. E, mais uma vez, um aumento sutil de cerca de um dB elevou muito bem o topo de linha. A frequência, eu disse que era em torno de 9 khz, que capturou a parte superior dos vocais e os símbolos sem criar um desequilíbrio com o resto da instrumentação. Vamos agora ouvir o antes e o depois com o EQ ignorado e depois ativado. A chave para usar o agudo para dominar é fazer movimentos sutis com uma ampla configuração de Q para adicionar aprimoramentos sociais elevar áreas específicas. Pense muito em termos gerais, atravesse toda a faixa de frequência. A música se equilibra ou falta alguma coisa? Em seguida, tente identificar onde está a falta de algo e, em seguida, aprimore ou retire para alcançar os resultados desejados. É aqui que treinar os ouvidos e ouvir muitas músicas de seus artistas favoritos pode ser muito útil. Ouvi muita música, tenha uma ideia de como suas músicas favoritas soam. E eu os referenciei contra seu mestre. O que soa diferente? E, pensando, posso criar um movimento de equalização para adicionar ou retirar da música para me aproximar da minha referência. Não se limite instrumentos individuais e tente igualar especificamente e pensar mais ampla com seus movimentos de equalização. Então, vamos recapitular a aula de REQ. Sempre tenha um plano claro a partir de suas notas de maestria e do que você deseja alcançar com um EQ. Use um filtro de corte ou passagem de prateleira, especificamente com um filtro de baixo custo e de alta qualidade. Use curvas de sino para frequências médias baixas, médias a altas. Sempre pensando em aprimoramento em vez de mudança tentando manter um EQ movido para menos de três dB. Concentre-se em por que as configurações de fila geralmente variam de zero a 0,5 para obter amplas mudanças de traçado. Lembre-se de comprar um plugin parcial ou de EQ com frequência para ver se seus movimentos de EQ alcançaram os resultados desejados. E use suas músicas ou referências favoritas para comparar sua máscara e desenvolver suas habilidades de escuta para ajudar a alcançar seu equilíbrio de EQ. Isso é tudo para nossa aula de EQ. Então, vamos agora dar uma olhada na exportação ou renderização final antes de liberar suas armadilhas do mundo. 12. Exportação final: Por sua parte na aula, passarei pelos estágios finais do processo de masterização para preparar nossa música para lançamento mundial. Mas antes de fazermos isso, vamos ouvir as músicas pela última vez. Podemos fazer isso antes e depois de verificar nosso processamento de masterização. Também farei uma comparação com e sem o limitador. Eu te digo. Como você pode ver, temos apenas plug-ins gratuitos e processamento simples. Podemos criar um ótimo som em faixa master que está pronta para ser lançada para o mundo. Para uma verificação final, eu recomendaria tocar a música do início ao fim para obter uma leitura precisa da medida de amor integrada. Como você pode ver, eu dominei esta versão da faixa para -12,8 l UFS integrado. Mas para quando nosso processo adicional no verdadeiro nível máximo máximo for aumentado ligeiramente. Portanto, agora posso voltar ao limitador e ajustar a configuração do teto para ajustar a medida real do pico para menos um db. Quando estivermos satisfeitos com o mestre geral, podemos cortar a pista e adicionar lutas desnecessárias. Para essa música, há um pouco de tempero no início e no final da faixa. Então, vamos cortá-los agora. Olá, é a resposta aqui. E como verificadores, vou continuar ouvindo. Em seguida, precisamos ver que a música precisa de um fade in e out para facilitar a transição entre as músicas O artista já adicionou uma foto que eu faço no final, então estou feliz com isso. Mas vamos ouvir o começo. O começo. Na verdade , isso soa bem para mim como uma fonte intencional antes do início das guitarras Se você quiser adicionar fase ao seu master, maioria dos DAWs tem setas nos cantos superiores que atraem para onde você pode arrastar e desaparecer , conforme demonstrado agora. Por fim, antes de exportar e renderizar o outono, às vezes é uma boa prática repetir a música inteira e usar o intervalo de loop para exportar. No estúdio 1, posso arrastar a barra de loop azul na parte superior da linha do tempo do início ao fim e habilitar o modo loop no painel de transporte. Mas isso varia de acordo com o DAW. Agora temos a música do nosso Master que foi cortada e repetida e pronta para ser exportada. Então, vamos agora para nossas configurações de exportação. No Studio One, estou usando a página da música para esta masterização ou posso ir até a guia de músicas e exportar a seleção de mixagem. Mas a maioria dos DAWs terá uma configuração de exportação ou renderização na guia Arquivo. Quando você estiver nas configurações de exportação, podemos alterar o nome final da faixa e escolher onde salvar a exportação do seu arquivo, bem como escolher parte superior padrão que queremos que seja a versão Master final. Se estiver lançando sua música via plataforma de streaming, certifique-se de escolher um formato sem perdas da mais alta qualidade. Em praticamente todos os casos, esse será um arquivo WAV. Por favor, não escolha MP3, pois um arquivo MP3 é um codec com perdas que degradará a qualidade da música. A maioria, se não todos, os distribuidores digitais só aceitarão flores silvestres de qualquer maneira. Portanto, use a opção de queda de esposa como seu tipo de arquivo preferido. Você também pode notar que temos a opção de alterar a profundidade de bits e a taxa de amostragem do Master final. Se você estiver lançando suas músicas nas plataformas de streaming via distribuidor digital, é importante verificar os quatro requisitos que elas podem ter. A maioria agora aceita arquivos com profundidade de bits de 24 bits. E como a música Fall é um arquivo de 24 bits, precisamos garantir que a exportação final corresponda à queda da música em 24 bits. E eu recomendaria manter a mesma taxa de amostragem. Se sua distribuição digital exigir um arquivo com uma grande dívida de 16 bits , precisaremos garantir que a exportação final seja para um div, um processo se a música false começar com 24 bits. Em termos simples, diversa é a aplicação intencional de ruído de baixo nível que é introduzida para remover a distorção de quantização que ocorre quando a redução da profundidade de bits de um arquivo de áudio em estúdio diferente é aplicada automaticamente por padrão. Mas se sua DAW tiver uma caixa de dicas perguntando se você deseja se inscrever, você precisará verificar se essa caixa está marcada antes de exportar sua música. Quando estiver satisfeito, você pode exportar sua música e agora você tem uma música masterizada finalizada e polida. 13. Conclusão e fechamento: Bem, pessoal, isso, como eu disse, é um rabino. Você chegou ao fim. Parabéns por acompanhar esta aula, pois foi um prazer absoluto organizar essa aula. E espero que você possa usar essas técnicas para criar um ótimo som em masterizações. E obrigado por compartilhar seu tempo comigo e assistir minha aula individual de masterização de áudio. Isso realmente significa muito para mim e espero que você tenha achado essa aula benéfica. domínio pode ser uma disciplina muito típica, mas seguir algumas técnicas simples pode ser uma ferramenta muito poderosa para realmente editar o lisossoma. Cobrimos muitas áreas nesta aula. Abordamos o lado teórico da normalização do volume. Então, analisamos os termos comuns sobre como podemos introduzir uma configuração simples de marcos. Isso é fácil de fazer e pode ser repetido para realmente se preparar para o sucesso. Em seguida, analisamos como limitar a compressão de equalização e como podemos usar essas ferramentas para realmente nos elevar. Então, no próximo nível, uma coisa acima de tudo não quero que você tire dessa aula. E essa é essa mensagem simples. Mantenha as coisas simples. Trustor é ser criativo. Divirta-se fazendo boa música. Você pode acompanhar esta aula com seus próprios projetos de aula enviando sua música masterizada para a galeria do projeto. Certifique-se de incluir links para a versão master e a pré-masterização, junto com uma breve nota sobre como você masteriza essa música. Em seguida, ouça sua música master e forneça feedback para ajudá-lo em sua jornada de masterização. Por fim, se você gostou da aula, não se esqueça de deixar a avaliação da aula. Talvez eu mostre que você segue meu perfil do Skillshare pois tenho muitas coisas programadas no futuro. Obrigado mais uma vez, após esta aula, muita perda para mim.