Transcrições
1. 1: Oi, eu sou Leon Clingman, e eu sou um ator e treinador da África do Sul. Estudei atuar no Instituto de Teatro Lee Strasberg em Nova York, e tenho atuado na televisão Theatre Foreman há cerca de 28 anos. Um advogado Agora você trabalha para maio você 5000 pesos e pérolas não deixam muito em reservas um investimento se você permitir. Hoje eu vou estar falando sobre técnicas de atuação e os princípios básicos de várias técnicas. Agora há muitas técnicas de atuação diferentes, e eu não vou ser capaz de entrar em todas elas. Mas escolhi alguns dos principais que estão sendo ensinados e usados em todo o mundo para compartilhar com vocês. Neste curso, abordaremos as seguintes técnicas de nove mestres professores. Constantine Stanislavski, Strasberg, Stella Adler, Meisner, Chekhov, Auto Hargon. Estética Prática de David Mamet e William H. Macy. Biola Spooling e a Técnica de Fundição de Atores por Matthew Harrison. Então volta uma volta Desbiens, você está em um passeio
2. 2: De acordo com o dicionário, uma técnica é um método prático, habilidade ou arte aplicado a uma determinada tarefa. Bem, Sanford Meisner, o criador da técnica Meisner, uma das técnicas que falaremos mais tarde definiu atuar como vivendo honestamente sob circunstâncias imaginárias. Portanto, essa é a nossa tarefa. Como é que conseguimos esta tarefa? Como podemos trazer personagens para a vida com sinceridade? Como nos conectamos e expressamos honestamente que, às vezes,
estados psicológicos extremamente complexos e emoções que são personagens experimentando? Como mudamos nossa fisicalidade, nossas vozes, sotaques,
etc, de tal forma que nosso público acredite nisso? Israel que eles riem e choram, e eu mudei para pensar por nossas performances, bem, é
aqui que a técnica entra. Nós cavamos a caixa de ferramentas da Interactive cheia de todas as técnicas que aprendemos, e criamos
um mapa, um plano sobre como navegar pelo script e criar um personagem totalmente arredondado e
credível que está vivendo sinceramente no mundo que o escritor e diretor criaram. Agora eles podem ser momentos em que você pega um script e você apenas se conecta com ele. Você acaba de se tornar esse personagem sem ter que fazer nada, e é incrível quando isso acontece. Mas está pronto. Técnica é realmente importante e útil quando você está filmando ou você está em uma peça em take 45 ou Performance 500 simplesmente não sentir mais isso. Então vá para o seu mapa e encontre o caminho de volta. Ser um ator profissional pode ser altamente estressante e exigente, e você sempre deve entregar o seu melhor. Não importa o que está acontecendo ao seu redor ou em sua vida pessoal. Ninguém se importa com isso. Estão te pagando para fazer um trabalho. Você também precisa ter poderes excepcionais de concentração e foco. Uma técnica sólida irá ajudá-lo a desenvolver estes e ajudá-lo através de muitas situações difíceis no set, audições, no palco, etc. Existem muitas técnicas diferentes lá fora, e dizer qual é o melhor é impossível. Somos todos diferentes. Nós respondemos de forma diferente a diferentes técnicas. É uma coisa muito pessoal, e no final do dia você tem que decidir o que funciona melhor para você. Em última análise, todas as técnicas são projetadas para alcançar o mesmo propósito, que é dar a você um conjunto de ferramentas que ajudarão você a entregar
performances verdadeiras impressionantes . Você vai se deparar com algumas pessoas que juram por uma técnica particular e vão jurar que essa é a única técnica que funciona e que todas as outras técnicas são inúteis. Isto não é verdade. Alguns atores trabalham com uma técnica durante toda a vida, e isso é ótimo se funcionar para eles. Outros atores estudam muitas técnicas diferentes e, em seguida, se estabelecem em uma que eles sentem que funciona melhor para eles. Alguns atores continuam enchendo sua caixa de ferramentas de atores com diferentes técnicas e usam
diferentes uma combinação de diferentes, ou até mesmo criam suas próprias técnicas a partir do que aprenderam e depois usam a que
acham que funciona melhor Seja qual for o projeto em que estão trabalhando, algumas pessoas dirão que estudar é uma perda de tempo e que
você pode agir ou não. Isso também não é verdade agora. Há alguns atores por aí que são muito bem sucedidos e nunca estudaram, mas isso é raro. É a exceção e não a norma. Infelizmente, embora todos nós nascemos com a capacidade de ser totalmente emocionais, usar nossas vozes corretamente e de respirar corretamente à medida que
crescemos, estamos condicionados a não sermos mandados em silêncio constantemente para parar de sonhar o dia. Dizem-nos para não nos comportarmos emocionalmente ou coisas como rapazes não choram. Isso não é uma mulher como garotas que não se comportam assim, etc. Algum destes parece-me familiar? Bem, quando ouvimos essas coisas uma e outra vez, isso faz com que nos tornemos auto-conscientes, para construir inibições, e nós ficamos emocionalmente bloqueados. Paramos de usar nossas vozes. Naturalmente, nós paramos de respirar corretamente, e então nós temos que ir para a escola de teatro para aprender a fazer todas essas coisas que costumávamos fazer naturalmente como Crianças.
3. 3: Então vamos começar a falar sobre algumas das principais técnicas lá fora agora. Os humanos provavelmente têm agido desde os dias do homem das cavernas, mas vamos saltar alguns 1000 anos para o início do século 20 e começar por aí. Há tantas abordagens para o ofício como eles são atores que se aproximam dele, embora todos os atores devem desenvolver sua própria compreensão do trabalho. Vários mestres têm liderado o caminho na formação desde a virada do século XX. Estes gurus bem conhecidos ajudaram a desenvolver atuações como a conhecemos e continuam a crescer algumas das maiores estrelas da
indústria. Vamos começar com Constantine Stanislavski.
4. 4: Constantin Stanislavsky foi um famoso ator,
diretor e professor russo que influenciou profundamente o teatro do século XX e além. Ao longo de sua longa vida, ele desenvolveu uma variedade de técnicas que se tornaram conhecidas como o Sistema Stanislavski ou o método. Seus livros, My Life in Art and Actor prepara construir um personagem e criar um papel ainda são estudados hoje. Embora muito complexo, um dos objetivos básicos do sistema Stanislavski era retratar pessoas naturais críveis no palco. Esta moção foi um contraste marcante com o Fez, Bian's na Rússia do século XIX. A maioria dos atores durante essa época falou um tom grandioso e gestos de uma
maneira exagerada . Stanislavsky ajudou a mudar muito disso. Em muitos aspectos, Stanislavsky é o pai do estilo atual de método de atuação, um processo no qual os atores mergulham nos personagens o máximo possível. Embora o sistema Stanislavski não possa ser completamente explorado em uma breve palestra como esta , vejamos alguns aspectos que definem este famoso método de professores. Uma maneira simples de começar o método Stanislavski é perguntar a si mesmo, o que eu faria se estivesse na situação? Esta é uma boa maneira de considerar reações naturais aos eventos. Na história, Stanislavsky compeliu os atores a encontrar maneiras de exibir True to Life, natureza
humana. Ele era o melhor observador de pessoas. Ele incentivou seus alunos a observar cuidadosamente os outros, concentrando-se em seus traços físicos tanto quanto em suas personalidades. Depois de estudar as pessoas do dia-a-dia, ele muitas vezes se disfarçava de camponês, era um homem velho e interagia com as pessoas da cidade para ver o quão bem ele poderia se encaixar. Cada pessoa é única. Portanto, cada personagem deve apresentar traços únicos, muitos dos quais podem ser inspirados e adaptados a partir das observações de um ator. Stanislavsky esperava que seus atores considerassem a motivação do personagem. Por que o personagem diz isso? Por que isso leva para se mudar para esta parte do palco? Por que ela liga a lâmpada? Por que ele tira uma arma do droll? Algumas ações são óbvias e fáceis de explicar. Outros podem ser misteriosos. Ele acreditava que o ator deveria estudar o texto completamente para determinar a motivação por trás dos personagens, palavras e ações. Stanislavsky não queria que seus atores simplesmente criassem um fac-símile de uma emoção. Ele queria que seus atores realmente sentissem a emoção Então, se uma cena exigisse emoção extrema , os atores precisavam se colocar na mente desencadear a situação do personagem para que eles realmente experimentassem a emoção intensa. Para que os atores pudessem se conectar com o estado emocional do personagem, Stanislavsky os aconselhou a alcançar suas próprias memórias pessoais e aproveitar uma experiência de vida
comparável. Isso se chamava memória emocional. Stanislavsky é trabalho, sinalizou uma mudança na atuação do século 20 e inspirou toda uma nova geração de técnicas e professores. Laurence Olivier e John Gill bom eram atores famosos que usaram o sistema Stanislavski.
5. 5: Agora vamos falar sobre o estresse. Técnica Berg. método de Lee Strasbourg foi inspirado no Sistema Stanislavsky no Teatro de Arte de Moscou. Estudou com estudantes de Stanislavski e, em seguida, desenvolveu sua própria técnica. Ele se concentrou em uma abordagem de dentro para fora, agitando emoções passadas da vida do ator que eles poderiam aproveitar na performance. Isso ficou conhecido como Memória Sense, e Strasburg desenvolveu uma série de exercícios de memória sensorial. Durante esses exercícios, os atores exploram objetos, lugares, sensações
físicas,
gostos, gostos, cheiros e experiências, concentrando-se em como eles se lembram dessas coisas através de seus sentidos. Como você experimenta esses exercícios pode e geralmente difere da experiência real. Estes exercícios foram projetados para abrir o ator emocionalmente. O primeiro exercício de memória sentido que todos os atores fazem é o exercício Cup café. Então é assim que funciona o exercício da xícara de café. O Estrasburgo teria o ato de se sentar e fechar os olhos e, em seguida, em sua mente, visualizar uma bebida quente que você já bebeu antes em sua vida ou beber regularmente como uma xícara de café ou uma xícara de chá, um chocolate quente. Você começa a visualizar o copo ou a caneca, ou qualquer recipiente que você bebe em sua mente. Uma vez que você pode visualizar claramente isso, você então começa a explorar esta experiência através de seus sentidos. Como é que cheira? Sentir o gosto Qual é o toque? Tipo, Hum, e você. Você começa. Imagine o peso fora do copo sentindo realmente sentir em sua mão. Você segura e começa a sentir. Quanto pesa com esta bebida no copo? Qual é a textura do copo? É uma porcelana lisa ou uma cerâmica áspera? Está quente ao toque? Como é que se sente? Como é que isso te faz sentir? E você começa a se questionar sobre o que está acontecendo em seu corpo. Pode desencadear algum tipo de resposta emocional totalmente inesperada. Mas esse não é o propósito do exercício. O objetivo do exercício é apenas fazê-lo. Sejam quais forem os resultados, é apenas um bônus. Nunca trabalhamos para o resultado. Então, enquanto você está imaginando este copo e você começa a explorá-lo, você pode. Você pode saborear o café ou o chocolate quente sentir como se sente em seus lábios em sua língua em seus dentes em seu paladar. Muito, muito tempo demorado ir devagar e realmente explorar cada experiência do Senso rial em torno desta atividade, e então você pode começar a mudar as coisas ao redor. Você pode em sua mente. Você pode mudar a temperatura do café. Você pode torná-lo mais quente. Você pode torná-lo mais frio e, em seguida, novamente começar a explorar. Sente-se diferente quando é chamado? Tem gosto diferente quando está mais frio? Cheira diferente? Você pode segurar sua orelha e ouvir. Há alguma identificação associada com esta chávena de café? Uma vez que você fez isso e você explodiu de uma forma mais literal,
você pode então começar a explorá-lo de uma forma não literal. Uma vez que você fez isso e você explodiu de uma forma mais literal, Então, como se sente se eu colocar a xícara de café na minha pálpebra ou atrás da parte de trás do meu joelho, ou entre as minhas coxas? A. Para a parte de trás? Porque estás a fazer isto na tua cabeça? Você pode colocar esse copo do jeito que quiser. Você não tem que segurá-lo como literalmente segurar o tempo todo. Você pode começar a imaginar que a xícara de café está sentada no centro das suas costas. E novamente, como se sente? Como isso faz você se sentir outra, quaisquer sensações ou emoções que estão começando a ser evocadas por esta exploração, e você faz isso por uma hora Agora você vai começar a perder o foco às vezes e você pode parar. Deixe-o ir. E então uma vez que você se refocou, você começa todo o exercício novamente, está visualizando tudo. O objetivo deste exercício é começar a construir foco e concentração. E também, como eu disse, pode desencadear algo, e você pode começar a fazer anotações se isso acontecer. Se o desencadeia qualquer tipo de emoção, então você nota isso depois do exercício porque você pode ser capaz de usá-lo mais tarde quando você está fazendo uma cena ou trabalhando em algo, hum, você pode achar que você provavelmente descobrirá que certos sentidos são mais fortes. Então algumas pessoas têm olfato, eles vão cheirar aquele café ou aquele chocolate quente muito intensamente, mas eles não necessariamente visualizá-lo é claramente ou eles não vão sentir a temperatura
tanto . Então alguém pode sentir a temperatura realmente intensamente, mas eles não eram necessariamente cheiro tão claramente ou visualizam é claramente, e então algumas pessoas terão uma experiência intensa em todos os sentidos. Hum, sim. Então isso é basicamente o exercício do Coffee Cup. E como eu disse, este foi o
primeiro exercício que Lee Strasberg faria com que seus atores fizessem. Depois, há centenas de mais exercícios de memória sensorial que iriam. Você progride mais, você faz isso. Então, sim, então se você quiser, você poderia tentar isso por conta própria. Hum, vá beber um café ou um chocolate quente e então pense em tudo e então deixe ir e talvez no dia seguinte ou mais tarde naquele dia, sente-se, feche os olhos e tente visualizar e explorar essa xícara de Café. Strasburg também acreditava que os atores tinham que ser muito relaxados. Ele sentiu que a atenção consumiu energia valiosa que poderia ser usada de forma mais eficiente e que
criou bloqueios que sufocam a capacidade do ator de emotar Feli. Então ele desenvolveu um exercício de relaxamento muito longe para ajudar os atores a relaxar. Em cada aula, o ator começa com uma hora de relaxamento e depois passa direto para uma hora de
memória sensorial . Isso é muito longo e intenso e ajuda o ator a construir seus poderes de foco e concentração. Estressante acreditava que a análise do script era crucial para entender o personagem. E, como Stanislavsky, os atores
fizeram uma série de perguntas sobre seu caráter. Quem, o quê, quando, por que e como. Ele também conseguiu atores para construir uma história para seus personagens. Ele disse que para conhecer um personagem que você deve saber sobre seu passado desenvolvendo uma
história de personagens também irá ajudá-lo, o ator, se conectar com o personagem. Ele também disse aos atores exercícios de improvisação para ajudar a explorar os personagens, relacionamentos e circunstâncias, etc. Uma vez que toda a análise e exploração foram feitas, ele fez o ator se perguntar O que me motivaria, o ator, a se comportar da maneira que o personagem faz? Houve um tempo em que você sentiu uma emoção semelhante? Como é que se sentiu? Pense no seu passado como ele se relaciona com as emoções e comportamentos que você identificou e em seguida, faça exercícios de memória sensorial que você sente que irão ajudá-lo a se conectar e retratar o caráter . Na verdade, o método requer intensa devoção e bravura emocional. público ficou impressionado com o senso de realidade que os atores método criaram. Sentiam como se não estivessem assistindo atores, mas espiando a vida de pessoas reais. Alguns atores famosos que estudaram com Lee Strasberg incluem Marilyn Monroe, Al Pacino, Dustin Hoffman e James Dean.
6. 6: Em seguida, discutiremos a técnica de Stella Adler. Stella Adler treinou com Lee Strasberg, mas discordou das interpretações de Strasburg e do
uso do sistema Stanislavsky, sentindo que a lembrança emocional era uma maneira psicologicamente insalubre de abordar a atuação. Mais tarde, ela estudou com Stanislavski e, em seguida, desenvolveu sua própria técnica. Em primeiro lugar, Adler acreditava que os atores deveriam ser seres independentes, criativos e
bem arredondados com seus próprios pontos de vista pessoais e suas próprias escolhas únicas e
fortes. Stella Adler acreditava que o talento de um ator está na sua imaginação. Em vez de usar experiências pessoais de vida e recordação emocional para dar
vida aos personagens . Ela incentivou os atores a desenvolver sua imaginação observando primeiro o mundo ao seu redor em detalhes muito específicos para que eles pudessem então criar imagens específicas em sua mente,
a fim de se cercarem de coisas que eram verdadeiras para eles no palco ou em frente da câmera. Adler também enfatizou fortemente a ação de uso off na atuação, por exemplo, rotulando especificamente o que um personagem está fazendo em relação a outro personagem. As acções são, neste sentido, específicas
externas e realizáveis. Por exemplo, se um ator interpretando o personagem A está tendo um argumento
acalorado com o personagem, em vez de jogar a emoção. Os Actimates decidem. O que meu personagem está fazendo para carregar para ser e jogar essa ação que verbo em vez de simplesmente estar zangado com o personagem, ser talvez personagem, um provoca lambasts ou insights personagem Seja este tipo de abordagem prometeu ao ator ser focado e engajado externamente e especificamente em seu parceiro de cena em vez internamente em um estado emocional generalizado. Os alunos de Edler também são treinados em métodos abrangentes de interpretação e análise scripts
em que os scripts são divididos em batimentos específicos e linhas do texto estão
associadas a ações ou verbos específicos. E por último, Adler valorizou o cultivo de uma rica humanidade ou engajamento holístico com o mundo além do teatro ou do cinema. Ela sentiu que os atores deveriam ser expostos a uma variedade de idéias e experiências culturais, sociais, políticas e históricas, a fim de se tornarem seres humanos e artistas mais mundanos e bem arredondados. Alguns atores famosos que estudaram esta técnica incluem Marlon Brando, Robert De Niro, Mark Ruffalo e Melanie Griffith.
7. 7: Agora vamos dar uma olhada na técnica Meisner. Sanford Meisner desenvolveu esta abordagem única nos anos 19 depois de trabalhar com Lee Strasberg e Stella Adler no Group Theatre. Como Stanislavsky, Strasberg e Adler antes dele, Meisner tartaruga estudantes para viverem honestamente sob circunstâncias imaginárias. Ele não concordou com a interpretação de Strasburg de Stanislavski e criou sua própria técnica, que se concentrou mais na relação entre personagens e como eles afetam uns aos outros com o que estão fazendo e sentindo. Ele desenvolveu seu agora famoso exercício de repetição, que foi projetado para tirar os atores de suas próprias cabeças para parar de pensar e dois em vez se concentrar no outro personagem e responder impulsivamente no momento ao que o personagem está dizendo, como eles estão se comportando e como isso afeta você. Ok, então é assim que o famoso exercício de repetição Meisner funciona. Meisner teria que os atores ou sentar-se em frente um ao outro ou ficar em frente um ao outro e olhar nos olhos um do outro e se conectar uns com os outros. E então um ator faria uma simples observação sobre o outro ator que qualquer um poderia começar. Não havia uma ordem específica para isso. Quem teve o primeiro impulso para começar faria isso e eles faria uma simples observação como se você tivesse cabelo castanho ou você está usando brincos ou você usando uma camisa azul , e então o outro ator vai repetir que eles não precisam Pensa em qualquer coisa. Eles só têm que repetir exatamente o que ouviram, e então isso vai e vem. Então o ator A vai dizer, Você está vestindo uma camisa azul. A atividade irá embora. Estou usando uma camisa azul. Você está usando uma camisa azul. Estou usando uma camisa azul e isso vai para frentee
para trás, e
para trás, trás e para frente, e pode durar uma hora ou até 10 minutos. Cinco minutos. E então algo mudará organicamente sem que o ator pense nisso. Se você estiver assistindo a este exercício e alguém entrar em sua cabeça e mudar a repetição através de um processo de pensamento, você vai vê-lo imediatamente e sentir que não é realmente um suposto, e isso apenas acontece organicamente. E era por isso que Meisner estava se esforçando por esse orgânico, o que ele chamou de beliscar e o Ouch. Então, se eu te beliscar, você ai! Sem pensar nisso, é apenas uma resposta natural. Então ele queria que os atores fizessem isso uns com os outros. Ele acreditava que tudo o que fazemos como atores é provocado pelo que a outra pessoa
nos obriga a fazer. Então ele faria com que eles fizessem essa repetição e começassem a desenvolver essa habilidade, sendo capaz de realmente pegar e ler as pessoas e como elas estão afetando você. Então, no começo, isso é um muito básico para frente e para trás. Você está usando uma camisa azul? Estou usando uma camisa azul. E então, como eu disse, algo começa a mudar. Você pode, ou algo que um dos atores vai ficar frustrado porque eles estão dizendo a mesma coisa uma e outra vez, e ou eles podem achar isso ridículo e engraçado. E então eles começam a rir sobre isso, e então o outro ator pega nele e ele envia a maneira como eles dizem a linha e ela volta, começa a mudar. Ou que o meu anúncio em outra palavra. Então eles ficam frustrados. Está acontecendo há 15 minutos, e depois um Atores. Sim, estou usando uma camisa azul, e agora o outro ator diz, sim, você está usando uma camisa azul. Agora mudou de você está vestindo uma camisa azul para Sim, você está usando uma camisa azul, então isso é o que chamamos de pilha só de dizer isso uma e outra vez e outra vez. Algo se acumula na sua cabeça. Quaisquer mudanças agora, Há uma série de maneiras que a repetição vai mudar. O primeiro é que você sempre tem que ser fiel à sua verdade. Então, se você acredita que você não está usando uma camisa azul e o outro ator diz que você está usando uma camisa azul, então isso mudaria instantaneamente. Ele iria. Não estou usando camisa azul. Você pode achar isso engraçado, mas eu vi duas pessoas brigando ou discutindo sobre a cor da camisa que alguém estava usando. Mas se você permanecer fiel ao que você acredita, o único ator realmente acredita que não deveria ter a cor que a outra pessoa
estava dizendo? E isso mudou drasticamente a repetição. Então o que aconteceria nessa situação é que você iria imediatamente. Eu não estou usando um deve azul. Agora o outro ator, se eles acreditam que você pode responder com você não está usando uma camisa azul mantendo-o usando uma camisa
azul. Não estou usando um navio azul. Você não está usando uma porcaria de polícia. Parece que tens razão. Você não está usando uma camisa azul, ou se eles não acreditam em você, então eles podem ir. Você não está usando uma camisa azul, então você pode ver apenas como você está se sentindo. As linhas não importam. Tanto Strasburg como Meisner e a maioria dos professores de atuação concordaram com isso. As linhas não são importantes. É como você diz as linhas e o que está por baixo delas que é importante. Então, se você está dizendo que não está usando uma camisa azul ou você está usando uma camisa azul, é a mesma frase. Mas é o que, dois significados diferentes, a maneira como está se passando. Isso, então, leva para o próximo nível fora da repetição. Então começamos com apenas o básico para frente e para trás. Agora começamos a fazer observações sobre o que realmente está acontecendo atrás das linhas. Então, se o ator A disse agora não acredita na atividade e você não está usando um
ato de camiseta azul para ser pega em que e eles vão, eles não mudariam a repetição. Pensas online porque estás a dizer que não achas que estou a usar uma camisa azul. Então agora o ator B é basicamente chamado de ator A de mentiroso. Agora o ator A pode se ofender com isso e dizer, você não está usando uma camisa azul e, em seguida, agir como um grande ator. É frustrado com isso. Agora você começa a pegar na emoção. Há um ativo vai ir dedo para ser Você está frustrado e ativo. Sim, estou frustrado. Então agora a conversa que o exercício passou de você vestindo uma camisa azul para seu frustrado Sim, eu estou frustrado e ele começa a construir e ir e voltar assim no Deacon. Vá em uma montanha-russa se você assistir a um desses exercícios. Incrível, porque as pessoas não estão dizendo nada importante. Mas esses relacionamentos incríveis se desenvolvem e essas dinâmicas incríveis. E você vê as pessoas passarem de frustradas para estourar, rindo para começar a chorar, porque você começa a sintonizar como você realmente está se sentindo sobre o que alguém está fazendo com você. Quando digo que não está usando camisa azul, estou te chamando de mentiroso, mesmo não dizendo isso,
e isso me deixa frustrado, irritado, irritado, seja lá o que for. Emoções diferentes para pessoas diferentes surgirão, mas quando você começa a sintonizar essas coisas, você começa a realmente pegar no comportamento humano. E isso é o que Miles agindo Waas e Stress agindo no livro é comportamento. Então, por exemplo, você poderia ter uma linha ou uma cena onde um ator diz, Ator a diz, Você me ama? Agir para ser responde. Claro que te amo e ator um dedo. Isso é ótimo. Agora, se o ator A disser, você me ama? E atividades, motivação ou quer machucar o ator A. Eles saem do curso Eu te amo ou eles podem ir se eles realmente amá-los. Claro que eu te amo, e isso vai mudar a maneira como o ator A diz, bem, isso é ótimo, dependendo da intensidade ou da intenção por trás de como essa linha foi dita. Então podemos dizer uma coisa de muitas maneiras diferentes e ter significados diferentes. E se você olhar ao redor quando você tem conversas com seus amigos ou sua família, começar a pegar essas coisas como você poderia dizer para alguém, Oi, como você está hoje? Eu sei que estou bem. Está tudo bem. É um dia lindo, mas se você realmente ouvir e assistir, você verá que talvez haja algo na maneira como eles dizem que estou tendo um dia
muito ruim, mas eu vou sorrir e encobrir. Então é isso que este exercício faz. Ele começa a aprimorar suas habilidades em ser capaz de número um, focar em alguém e ser afetado por eles e ler o que está acontecendo com eles e número dois. Você começa a se conscientizar de como isso te afeta e como isso te faz sentir. Quando as pessoas fazem certas coisas dirão certas coisas sobre o Mawr habilidoso que você tem. Com este exercício, você vai pegar. Mesmo o menor subtil tremor de uma ilha pode estar dizendo algo que não está sendo dito nas palavras e que vai afetá-lo. E quando isso começa a acontecer particularmente,
ele cria essa dinâmica incrível na qual você é atraído. E os editores, quando estão editando, adoram. Quando alguém, quando outro ator responde naquele momento a algo que aconteceu na tela e esses são os momentos mais dinâmicos nos filmes, e esse foi o propósito deste exercício para realmente conseguir atores, também, para serem afetados uns pelos outros e para se concentrar e sintonizar com o outro ator e com o que está acontecendo dentro deles. Então, se você quiser, você pode tentar isso com um amigo ou um membro da família, apenas sair do set um do outro, olhar nos olhos um do outro e fazer uma observação simples e começar a fazer a repetição para frente e para trás e ver o que acontece. Deixe-nos saber sobre isso. Meisner, em seguida, adiciona uma atividade à repetição, então um ator terá que encontrar uma atividade e, em seguida, fazer essa atividade enquanto outro ator começa a fazer repetição com eles. Eles têm que manter o foco em fazer sua atividade, mas eles também têm que fazer a repetição ao mesmo tempo. Isso realmente ajuda os atores a desenvolver seu foco e concentração. Repetição treina o ator a realmente se conectar com outros atores. Ele constrói sua capacidade de observar o comportamento humano e as emoções e ser afetado até mesmo
pela mudança mais sutil no comportamento emocional em outra pessoa, Meisner acreditava. Nunca é sobre você. É sempre sobre a outra pessoa. Estudantes famosos de Meisner incluem Robert Duvall, Grace Kelly, Tom Cruise, Christoph Waltz e I Am Keaton.
8. 8: Ok, vamos falar sobre a técnica Chekhov agora. Michael Tchekhov desenvolveu sua própria técnica de atuação depois que o exílio da Rússia o trouxe para a
Europa e os Estados Unidos no final dos anos 19. Apesar de Michael Chekhov ter treinado pela primeira vez o Compreender Slutsky, ele sentiu que as fases iniciais do sistema Stanislavski levaram a uma atuação que era muito naturalista em estilo. Chekhov decidiu descobrir e ensinar maneiras através das quais os atores poderiam entrar em suas mentes
subconscientes e na experiência universal da humanidade. Através de vários exercícios, ele sentiu que era importante que o ato não limita seus personagens, tirando de suas experiências conscientes limitadas. Ele sentiu que as experiências infinitas da humanidade foram armazenadas na mente subconsciente e poderiam ser acessadas através de gestos físicos e outros exercícios que eram de natureza externa. A técnica de Chekhov enfatiza a sinergia entre o corpo, a
imaginação, imaginação, as emoções e o intelecto. Ele também trata o ator como um artista que apoia a área mais valiosa e
vulnerável do ator, sua individualidade criativa. No tcheco da técnica, esta área criativa a partir da qual todos os impulsos artísticos se elevam está localizada no centro do baú. É também a área onde sentimos as sensações edificantes e caras do amor e empatia, que ambos têm um papel importante na técnica de Tchekhov, simplesmente reconhecendo este
centro artístico e abrindo. Inspiração começa dentro de nós através deste exercício e ator vai olhos físicos uma
necessidade interna ou emoção através de um gesto externo. Este gesto exterior e os seus sentimentos que o acompanham são então atraídos de volta e internalizados . Em breve, todos os alunos exploraram as conexões entre expressões físicas e estados psicológicos . Alguns praticantes famosos da técnica de checkoff são Clint Eastwood, seu Brenner e Anthony Quinn.
9. 9: seguida, vamos olhar para a técnica de Hargon auto. Além de seu trabalho como atriz vencedora do Tony Award, Water Hargon foi uma professora amada, o HB Studio de Nova York, e escreveu o respeito mais vendido para atuar e um desafio para o ator no início carreira. Ela defendeu o uso fora da substituição, uma técnica na qual se substitui eventos fictícios do roteiro por eventos pessoais de sua vida para criar uma reação autêntica. Hargon mais tarde refinou a abordagem e renomeou-a Transference. Ela desenvolveu uma série de perguntas para os atores se perguntarem ao criar um personagem , e enfatizou a importância de ser muito específico. Ela também criou uma série de exercícios para os atores fazerem, como o exercício Object e Fourth Wall. Todas essas perguntas e exercícios podem ser encontrados nos livros que mencionei anteriormente. Twitter Hargons técnica popular enfatizou realismo e verdade acima de tudo. Como parte de uma longa e lendária carreira de professor, Hargon desenvolveu os talentos de Matthew Broderick, Sigourney Weaver, Jack Lemmon e muitos outros
10. 10: Esta técnica de atuação baseada em ação foi desenvolvida pelo dramaturgo David Mamet e pelo ator William H. Macy e incorpora elementos de Stanislavski e Meisner. Envolve uma análise de cena de quatro etapas que simplesmente se concentra na busca de uma ação. estética prática é baseada na prática de quebrar uma cena, usando uma análise de quatro etapas que implica a seguir o literal o que está literalmente acontecendo com seu personagem dentro da cena. Por exemplo, meu personagem está literalmente pedindo a sua esposa de 10 anos para o divórcio. O querer. O que um personagem quer que o outro diga ou faça? O que meu personagem quer da outra pessoa dentro da cena, por exemplo, eu quero que o outro personagem me conceda um divórcio. A ação essencial. Nesta etapa, você deve destilar as circunstâncias dadas e as ações de seu caráter que lhe foram dadas
pelo dramaturgo em um desejo humano universal que está subjacente ao texto. Por exemplo, se o seu desejo é, eu quero que o outro personagem cresça em mim um divórcio porque eles estão fazendo minha vida miserável. O desejo humano universal ou ação essencial subjacente a esse desejo específico poderia ser
fazer com que meu atormentador me mostrasse compaixão e me libertasse como se isso relacionasse a
ação essencial com os atores da vida, este é muitas vezes o mais difícil passo fora da análise. Por exemplo, se sua ação essencial é ser libertada desse casamento horrível, como se pudesse ser. Diz: “ Se odeio o meu trabalho e quero ir embora e nunca mais voltar, tenho de me demitir porque mereço ser feliz. Ao contrário de outras técnicas de atuação, esta etapa não é um dispositivo de memória. Na estética prática, os atores são ensinados que usar a memória de experiências passadas dificulta a verdade fora do momento dentro de uma cena. Como você já sabe como essa memória termina, há uma resolução inerentemente ligada a essa memória. Portanto, se você optar por usar uma memória para replicar uma resposta emocional dentro da cena, você tem que ignorar a resolução ou fingir como se nunca tivesse acontecido a
estética prática como se fosse algo que poderia acontecer em sua vida que ainda não aconteceu. Isso produz uma resposta dentro de você uma faísca para envolver o ator na cena. Ele ajuda o ator a escapar da ficção, encontrar a verdade e aplicá-la em outro lugar. Esta técnica visa tornar a experiência de agir inteiramente baseada na vontade
do ator. A estética prática pede a um ator apenas que comprometa sua vontade à busca, muitas vezes ação baseada no outro ator. Atores famosos que usam esta técnica incluem Felicity Huffman, Rose Byrne, Jessica Elber e Cameron Manheim.
11. 11: A próxima técnica que vamos falar é completamente diferente de todas as outras. Até agora, são as violas, Spohn e violas técnicas. Polônia é reconhecida como a mãe da improvisação, improvisação, professores, atores para viver o momento e responder rápida e sinceramente às suas
circunstâncias atuais para realizar espontaneamente. É o dever fora de ser despreparado Spohn e criou uma série de exercícios, que ela chamou de jogos de teatro. Jogos de teatro são muito eficazes porque eles não exigem leitura prévia ou
conhecimento contextual . Qualquer aluno pode pegá-los. Mesmo com barreiras linguísticas ou culturais. Os jogos têm um efeito libertador, permitindo um desempenho espontâneo dentro de um grupo. Não há vergonha nem foco no indivíduo. Os atores que estudaram essa técnica incluem Alan Arkin, Dan Ackroyd e Gilda Radner.
12. 12: A técnica final sobre a qual vamos falar hoje é uma técnica relativamente nova chamada Actors Foundry Technique, os atores fundições da escola em Vancouver, Canadá. A técnica foi desenvolvida por Matthew Harrison, um ator que estudou Meisner no Neighborhood Playhouse em Nova York. Embora exista um elemento de Meisner nesta técnica, Harrison criou algo moderno e único. A primeira etapa é a análise de scripts, e Harrison desenvolveu um processo muito específico para quebrar o script, que é muito complicado para entrar neste fórum. O segundo estágio é o estágio emocional. Aqui é onde você identifica o núcleo emocional do personagem e o que você sabe sobre isso de sua própria vida. O terceiro estágio é a eletricidade ou o estágio de conexão. Este estágio provavelmente tem o mais em comum com Meisner, mas ainda é muito diferente nesta fase. Você faz exercícios que ajudam você a se conectar com seu colega ator na cena e com o que você quer deles e o que você quer fazer com eles. palco para é deixar sair do palco é 12 e 3 e confiar que o trabalho que você fez
nos 3 primeiros estágios é parte de você agora. Neste ponto, você se rende ao roteiro e mergulha na performance. Harrison tem usado muitas técnicas modernas de psicologia e neurociência no desenvolvimento desta nova e
excitante técnica de ponta. Harrison também criou um curso online para pessoas que não conseguem chegar a Vancouver para trabalhar com ele pessoalmente. Há muitos atores jovens que trabalham no cinema e na televisão hoje, como Jessica Sutton, Jodi Belfour e Kobe Smolders, que estão usando essa técnica.
13. 13%: Uau. Nós cobrimos muitas técnicas hoje, mas estas são apenas algumas das muitas técnicas que existem. Existem milhares de professores e escolas em todo o mundo, algumas delas ensinando essas mesmas técnicas que falamos e outras ensinando uma combinação dessas técnicas ou colocando sua própria rotação única nessas técnicas e alguns até mesmo criando suas próprias técnicas únicas. Não posso dizer qual técnica é a melhor para você. Você precisa ir lá fora e explorá-los. E lembre-se também que nós apenas riscamos a superfície dessas técnicas. Ainda há tanto a aprender sobre todos eles que eu não poderia entrar aqui. Há livros disponíveis para você ler sobre uma mentira. Essas técnicas, além de muitas mais. Há também toneladas de informações disponíveis on-line, para que você possa pesquisar essas e outras técnicas de forma mais completa. E se você quiser e pode pagar, você pode se inscrever para muitas escolas e professores de atuação em todo o mundo. Toe realmente ir e estudar essas técnicas em dívida. Infelizmente, você não pode dominar nenhum deles durante a noite. Leva anos, talvez até uma vida inteira para dominá-los, por favor, seja tão gentil para avaliar a revisão e compartilhar este curso com seus colegas atores, pois isso nos ajuda a criar mais conteúdo para você no futuro. Espero que este vídeo tenha sido útil e desejo-lhe todo o melhor em sua carreira de ator.
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