Introdução à produção de filmes de animação

1. Introdução: Olá. Meu nome é Eve Leonard, e bem-vindos à introdução ao cinema de animação. Tenho ensinado animação e produção cinematográfica há mais de 20 anos. Estou no Instituto Pratt em Brooklyn, Nova York, lecionando no departamento de Artes Digitais. Projetei este curso para o Skillshare porque fiquei um pouco frustrado com a disponibilidade de tutoriais de nível intermediário. A maioria dos tutoriais de animação que eu encontrei são principalmente técnicos, ou eles mostram métodos muito básicos de produção de animação. Este curso é projetado para levar qualquer animador com habilidades muito iniciantes ou rudimentares, e permitir que esses projetos sejam desenvolvidos em curtas-metragens. Se você nunca fez um curta-metragem antes, mas você está interessado em levar suas habilidades para o próximo nível, este é absolutamente o curso para você. Gostaria também de salientar que este curso não é específico de software. Uso a Adobe Creative Cloud como parte de minhas demonstrações técnicas. No entanto, os conceitos que vamos discutir podem ser aplicados a qualquer software que faça composição de imagem digital e qualquer manipulação digital. Essa classe abordará um fluxo de trabalho abrangente para produção de animação, que você possa redefinir essas etapas para projetos maiores. Aqui estão alguns exemplos de curtas-metragens comerciais, para que você possa entender sua aplicação prática fora de um portfólio pessoal. Espero que esses exemplos o tenham inspirado a fazer seu próprio projeto. Muito obrigado por assistir. Vejo-te na próxima lição. 2. Criação de filmes de animação: Olá. Bem-vindos de volta ao cinema de animação. Esta é a lição 2, técnicas de criação de filmes de animação. Agora, antes de começarmos, eu gostaria de definir o que estamos falando para que estivéssemos na mesma página. Agora, eu defino técnicas de criação de filmes de animação como usando ferramentas de pós-produção e manipulação de imagem, a fim de fazer um curta-metragem. Nota rápida da câmera antes de avançarmos, eu tenho esse roteiro incrível que escrevi para vocês, mas infelizmente está um pouco fora da tela. Então, sempre que meus olhos começam, não é que eu esteja ignorando você, é que eu preciso ler meu roteiro para comunicar a melhor maneira para você. Quando falamos de filme, geralmente nos referimos ao filme de ação ao vivo. Animação é apenas uma técnica usada para contar histórias da mesma forma que usamos podcasts ou teatro. No entanto, quando falamos de filmes animados e cultura pop, geralmente estamos nos referindo a algo que é familiar, e no gênero de ação e aventura. A razão para isso é porque os filmes animados são extremamente caros e demorados. O tempo médio que leva para fazer um filme de ação ao vivo é de cerca de 18 meses, compare isso com fazer um filme de animação que leva cerca de cinco anos, do roteiro para a tela. Devido à quantidade de tempo que leva para fazer um filme de animação, estúdios precisam recuperar todas essas despesas, então, no gênero de ação e aventura familiar, você é capaz de obter o público mais amplo possível. Sim, eu sei o que você vai dizer. E se Your Name, o drama animado japonês do ensino médio, filme ficção científica, arrecadou US$400 milhões em todo o mundo? E sobre Loving Vincent, o filme pintado à mão sobre os últimos dias da vida de Vincent van Gogh, que foi nomeado em 2018, para um Oscar? Então, o que te traz a Auvers? Ou que tal, I Lost My Body, que foi nomeado para Melhor Longa de Animação deste ano? Se você não conhece nenhum desses filmes, por favor, faça um favor a si mesmo e procure, eles são absolutamente incríveis. Mas estas são exceções. Eles não são a regra. Shorts, por outro lado, são uma excelente maneira de experimentar a narrativa, e não exigem o mesmo tempo e atenção que um filme maior precisa. A Internet explodiu com uma variedade de gêneros e técnicas, a fim de expor esses filmes a um novo público. Aqui estão alguns exemplos do Conselho Nacional de Cinema do Canadá. Como eu, Ryan é um cineasta [inaudível] Ryan é um documentário animado sobre o famoso animador da NFB, Ryan Larkin, e sua luta diária contra o vício do álcool. Ele é o criador de vários curtas-metragens, dois dos quais garantiram seu lugar na história do cinema animado. Quer que eu confesse? Freaks of Nurture é um drama familiar sobre uma jovem artista profissional comparando sua vida com sua mãe, que transformou habilidades maternas em uma carreira. Olá. Ei, mamãe. É uma emergência. Estou enlouquecendo. Meu prazo é amanhã, e não vou conseguir. Blinkity Blank é um filme experimental que utiliza técnicas não convencionais, com sons e formas, para ilustrar o movimento. Nossa turma vai ensiná-lo a fazer filmes em três áreas distintas. Técnicas de produção. Como reutilizar ativos em vez de começar do zero. Isso se mostra útil ao criar seu portfólio ou iniciar seu próprio curta-metragem. Introdução à cinematografia. Como usar a câmera virtual como uma ferramenta criativa. Os animadores iniciais esperam muito tempo para considerar a câmera. Vou mostrar-lhe como usar a câmera de forma eficaz, com propósito. Design de produção. Como usar ferramentas de iluminação e composição para construir um palco para uma cena. Um ativo animado pode ser tão pequeno ou tão grande quanto você gosta. Vamos discutir o design de produção como uma forma de melhorar suas habilidades de contar histórias. Para começar, você começará pesquisando seus interesses e coletando seu trabalho. Aqui está uma tarefa de duas partes para você começar neste projeto. Pesquisa. Comece a procurar na Web qualquer coisa animada que inspire você. Incluí alguns sites para você começar. Encontre cerca de seis diferentes obras de animação. Eles podem ser loops no Instagram, programas de TV, videogames, qualquer coisa, desde que seja animado. Uma vez que você encontrar o seu seis, identifique, quem é o artista, artistas, ou o estúdio. Qual é o método de animação? 2D, 3D, stop motion, pixelação. Qual é o gênero? É comédia, drama, horror, ocidental, palhaçada, etc.? Comece a identificar semelhanças e escrever de breve declaração sobre o seu interesse. Segundo, colete suas animações. Você precisará deles para este projeto. Eles podem ser testes curtos, algo que você fez para se divertir, um tutorial, qualquer coisa, ele deve atender a esses critérios. Animação deve ter pelo menos cinco segundos de duração, qualquer método é bom, stop motion, pixelation, 2D, 3D, etc., sem fundo. A animação não deve ter um plano de fundo, ou você deve ter a capacidade de remover o plano de fundo. Na próxima lição, vamos discutir como limpar essa animação, para que você possa usá-la para seu curta-metragem. Muito obrigado pelo seu tempo e atenção, e vejo-te na próxima vez. 3. Limpe: Bem-vindo de volta à introdução à criação de filmes de animação. Aqui é a Lição 3, limpar. Agora, limpar refere-se ao processo de revisão de seu ativo animado para ver se há erros ou áreas que você pode melhorar. O ativo animado refere-se ao elemento animado na cena. O primeiro passo é a seleção. Para este projeto, você pode escolher qualquer animação que você tenha menos o plano de fundo. O recurso pode ser algo tão simples quanto uma bola saltitante ou algo tão complexo quanto a animação de sincronização labial. O ativo também pode estar em qualquer meio que você escolher. Se você estiver escolhendo seu ativo de animação, certifique-se de remover o plano de fundo. Ou a animação foi criada sem um plano de fundo ou você pode voltar para os arquivos do projeto e remover o plano de fundo. Aqui estão dois exemplos. Neste primeiro exemplo, tenho uma animação 2D com quatro quadros, feita no Adobe Photoshop usando o recurso Linha do tempo. Os quadros foram cronometrados, então o personagem está olhando para algo antes de gritar. Esta animação foi criada para que o plano de fundo possa ser removido. O segundo exemplo é um teste de animação stop-motion de 44 quadros que eu fiz. Está em cima de um plano de fundo verde. Vou remover o fundo mais tarde neste vídeo. Escolhi ambos os bens para estarem na mesma cena. Antes de começarmos, quero abordar alguns maus hábitos que os artistas experimentam quando começam. Os artistas tendem a segurar suas obras de arte porque representam horas de trabalho duro, especialmente na animação. Mesmo quando um projeto demonstra muitas falhas. Este é um problema quando um artista faz a transição da escola para o ambiente profissional. Parte do processo de produção é obter feedback de seus supervisores e colegas. Se você não está disposto a mudar um projeto com base nesse feedback, suas habilidades como artista vão dificultar. É importante pensar em suas habilidades da mesma forma que um atleta pensa em seu corpo. Você deve praticar seu ofício, a fim de melhorar. cada hora de prática, você se tornará mais eficiente com o seu tempo. Portanto, você tem mais tempo para corrigir problemas significativos. Para cada pintura mestre, escultura, filme, etc, há milhares de falhas e erros. Dê a si mesmo permissão para falhar para que você possa melhorar. Parte da minha prática profissional é revisitar tutoriais fundamentais, a fim de praticar um conjunto de habilidades que eu não uso há algum tempo. Isso me ajuda a melhorar meu tempo e me torna mais eficiente na produção. Encorajo-vos a fazerem o mesmo. Por onde você começa? Bem, comece a identificar projetos que lhe trazem alegria. Eles podem não ser perfeitos, mas há pelo menos um ou dois aspectos de suas habilidades que realmente brilham. Comece a categorizá-los em conjuntos de habilidades. Quais projetos mostram suas habilidades de automação, quais projetos mostram suas habilidades de design. Depois de terminar, organizando sua biblioteca, você pode começar a selecionar projetos nos quais deseja continuar trabalhando. Pode ser um projeto que você quer fazer mais tempo ou projeto que você só quer melhorar. Eu escolhi a mão stop-motion porque eu gosto do momento do movimento e do design da mão. Eu escolhi combiná-lo com os testes de tela porque eu sinto que eles podem se encaixar. O rosto pode estar reagindo à mão à medida que se move. Eu quero me desafiar para combinar o tempo da tela e o tempo da mão. Estas duas peças também combinam com a estética que estou interessado em explorar, misturando uma variedade de meios para que se sintam parte do mesmo mundo. A tecnologia barata tornou essa abordagem possível com uma variedade de criadores. Alguns exemplos desta técnica podem ser encontrados em redes de desenhos animados, Amazing World of Gumballs que mistura 2D, 3D, marionetes e fotografia. Piscar indústrias, Don't Hug Me, Estou com medo, que muitas vezes faz esta marionete de ação ao vivo com animação 2D e 3D. Agora, o segundo passo é a avaliação. Scrubbing é o processo no qual você pode percorrer seu clipe animado a qualquer velocidade para identificar problemas. Quando você estiver esfregando seu clique selecionado, considere a crítica em duas áreas diferentes, qualidade e tempo. Qualidade refere-se ao padrão do quadro. O tempo prefere quanto tempo o quadro permanece na tela. Agora, eu posso consertar isso de duas maneiras diferentes. Posso tornar os quadros atuais mais longos, ou posso adicionar alguns quadros adicionais. Como essa animação é menor que o stop motion, eu vou ajustar o tempo, que ambos os clipes tenham o mesmo tempo de execução. Eu também quero abordar algumas questões incompletas desleixadas, como aqui na linha do cabelo e neste quadro aqui, eu tenho um pouco de tinta fora das bordas e eu também tenho uma linha reta aqui. Quanto à mão, eu sinto que o tempo para a animação é bastante consistente e ele se move a uma velocidade que eu gosto. Mas preciso trabalhar um pouco mais para limpar esse fundo. Vou abordar isso em outro vídeo. Para os animadores 3D lá fora, quaisquer problemas que você está encontrando podem ser facilmente resolvidos olhando o manual técnico do software ou fazendo perguntas sobre tópicos da comunidade. Cerca de 90% dos problemas que tive com qualquer animação 3D foram resolvidos desta forma. Quando você está esfregando, eu aconselho que você primeiro anote todos os problemas que você encontrar com a animação antes de começar a resolvê-los. Na minha experiência, descobri que quando estou resolvendo um problema, ele pode ter um efeito ondulado e resolver ainda mais problemas. Ou ao corrigir um problema, posso criar problemas adicionais. É importante anotar tudo primeiro para que você possa acompanhar seu progresso. Além disso, mantenha o controle de onde você está encontrando suas informações, pode ser um bom lugar para voltar e resolver outro problema se as informações forem boas. O terceiro passo, simplesmente limpando. Agora que você identificou os clipes que deseja usar, passe e limpe a imagem com base no que você identificou como certo e errado. No próximo vídeo, descreveremos como remover o pano de fundo na animação stop-motion e discutiremos alguns termos técnicos. Muito obrigado pelo seu tempo e atenção. Estou ansioso para vê-lo da próxima vez. 4. Canais alfa e rotoscoping: Olá, bem-vindo de volta à introdução ao cinema de animação. Esta é a Lição 4 canais alfa e rotoscopia. Quero passar alguns minutos falando sobre esses dois termos técnicos. Eu acho que é importante entender esses termos porque eles vão ajudá-lo tremendamente em qualquer produção. Canal alfa refere-se à área da imagem que é transparente na composição de imagem digital, eu vou estar usando o Adobe Photoshop para explicar como ele funciona. Aqui está o grito 2D carregado no Adobe Photoshop. É importante entender que os canais alfa se referem à transparência em sua imagem. Agora, a transparência pode ser usada criativamente para nossos propósitos, já que este é um curso introdutório, usaremos as transparências como forma de compor imagens juntas. Queremos que o plano de fundo seja completamente transparente, é indicado no Photoshop por esse padrão quadriculado cinza e branco. Agora, os arquivos do Adobe Photoshop são reconhecidos automaticamente no Adobe After Effects, então eu posso salvar isso como um arquivo do Photoshop, posso abri-lo no After Effects e toda a transparência é preservada. Mas digamos que, por causa do argumento, eu estou usando um tipo diferente de programa de composição e eu quero exportar essa imagem. Eu posso ir para exportar como. Agora, é importante aqui falar sobre formatos de arquivo, este formato de arquivo PNG preserva a transparência para que eu possa ampliar aqui e você pode ver que este desenho automaticamente tem o padrão quadriculado, que indica para mim que é transparente. Mas digamos que eu queria renderizar um arquivo JPEG. Com isso selecionado, o formato JPEG não preserva a transparência neste aplicativo específico. Se eu estiver exportando JPEGs, não terei o plano de fundo transparente. É importante acompanhar essas coisas quando você estiver preparando seus ativos animados para composição. Para demonstrar ainda mais a importância dos canais alfa, estou mudando para o meu programa 3D Autodesk Maya. Aqui tenho minhas configurações de renderização abertas. Agora, esta sequência é apenas uma geometria simples com materiais muito básicos sobre ela. Nas configurações de saída de arquivo, tenho uma variedade de opções, tenho opções de filme, que são AVIs e filmes QuickTime, mas também tenho uma variedade de opções fixas, como GIF ou JPEG e TIF. Como artista 3D, eu sempre recomendo renderizar sequências de imagens estáticas sobre sequências de filmes. As sequências de filmes são compactadas no composto, são muito difíceis de adicionar efeitos e tê-los com boa aparência, então você quer trabalhar com a mais alta qualidade possível quando você está indo para composição. Você também deseja ter controle sobre sua sequência de imagem. Os arquivos de filme tendem a ser obsoletos quanto mais velhos se tornam porque os codecs não estão mais disponíveis para ler o arquivo de filme. As sequências de imagens têm uma vida útil mais longa e são bastante consistentes entre os pacotes de software. Para demonstrar canais alfa, vou exportar uma sequência JPEG e uma sequência TIFF. Agora, em minhas configurações de renderização, vou certificar-me de que o canal alfa está selecionado para que haja uma máscara alfa em cada quadro. Aqui no composto no Adobe After Effects, eu carrego aqui minha sequência de imagem 2D, para fins de demonstração, eu criei este objeto estrela para que o objeto estrela, enquanto eu estou arrastando-o através da minha imagem, você pode ver que é visível dentro da transparência, para que ele possa se mover atrás do objeto ou, neste caso, o nosso ativo animado. Agora, eu gostaria de trazer nossas sequências JPEG e TIFF para que possamos compará-las. Eu vou começar com a nossa sequência JPEG, trazendo-a para a minha linha do tempo como você pode ver imediatamente o fundo é opaco, não é transparente. Mesmo que a transparência tenha sido verificada no nosso programa 3D. Se você for um animador 3D e estiver enfrentando isso primeiro, verifique se o formato de arquivo que você está usando JPEGs não registra transparências. Portanto, mesmo que você tenha seu canal alfa selecionado, sua transparência selecionada, JPEGs não têm a capacidade de ler transparências. No entanto, vamos comparar isso com a nossa sequência TIFF. Então carregá-lo aqui, ele automaticamente registra a transparência, você pode vê-lo e está pronto para composição. Essa é a melhor maneira de renderizar objetos 3D e também é importante entender isso se você estiver tendo problemas para exportar. Agora, vamos passar para o rotoscópio. Rotoscópio é o processo no qual um artista ou um técnico rastreará uma área a ser removida de uma imagem para ser colocada em camadas em cima de outra imagem. Essa técnica é frequentemente usada na composição de imagens em efeitos visuais para a animação de efeitos, ou na animação stop-motion para inserir um plano de fundo complicado. Para o stop motion, vou rotoscopia minha esteira de lixo para cortar tudo que não é verde para a chave cromática. Aqui eu tenho meu ativo stop-motion carregado no After Effect, já você pode ver que há problemas. Há reflexos fora do plexiglass na parte superior e inferior, todos os lados são vistas estendidas da minha área de trabalho, mas tudo o que realmente queremos é a animação no meio. Agora, eu gravei isso em cima de um papel verde para que eu possa remover essa cor no After Effects você pode ter o efeito chamado luz chave que você pode ver na linha do tempo aqui. Com a luz da tecla visível, criei um fundo azul nas minhas configurações de composição para que você possa ver a diferença. Agora, eu removo o verde e isso é ótimo, mas eu ainda tenho minha área de trabalho e os reflexos do vidro que eu quero remover. Preciso criar um tapete de lixo. Então, com minha camada de quadros de stop-motion selecionada, vou até o topo no After Effects e selecionar a ferramenta Caneta. Com a ferramenta de caneta selecionada, eu vou apenas desenhar rapidamente uma forma em torno minha animação e assim que fechado, ele corta tudo o resto. Agora, para o meu curta-metragem que vou demonstrar, escolhi estes dois bens porque os médicos se lembram, acho que eles se encaixam. Eu quero que meu personagem 2D esteja reagindo a essa mão saindo do chão. Eu vou ajustar o tapete de lixo para dar mais de um avião plano, eu vou para a frente e eu vou apenas cobrir essas juntas e esses pequenos pedaços brancos de argila lá vão representar apenas pedras de terra saindo do chão, então essa será minha primeira moldura. Antes de seguir em frente, eu vou descer para a minha linha do tempo e revelar os menus sob a minha máscara, Vou selecionar “Caminho da máscara” e caminho da máscara vai animar a forma do meu tapete. Eu vou rolar através dos meus quadros até quadro 4 isso está parecendo bastante decente. Mas, em seguida, no quadro 5, ele corta uma das minhas rochas, então eu vou pegar minha ferramenta de seleção, selecionar este ponto e eu vou apenas animar rapidamente animar esse ponto e este é o homem do lixo completamente limpo para cima e, em seguida, com a minha mão se movendo para frente e para trás, eu quero que você saiba rapidamente que há dois efeitos nesta camada stop motion. Observe como esta mão eu só queria apontar isso muito rápido, notar esta mão que eu estou ampliando tem um monte de sombras nele. Adicionei um efeito chamado Gargantilha Matte. Gargantilha fosca, é um atalho agradável leva todos esses pequenos pixels que a luz da tecla pode ter perdido e rapidamente faz um ajuste para o ganho e remove aqueles. Você pode fazer isso manualmente ajustando as configurações em seu efeito que você está usando para a chave cromática neste caso, é a luz de tecla. Mas o After Effects tem esta gargantilha fosca de grande efeito que automaticamente tira isso e torna a sua vida muito mais fácil. Como podem ver, tenho tudo isto limpo e pronto para a composição. Lembre-se de terminar de remover o plano de fundo, adicionar quadros-chave quando necessário, limpar o digital incompleto e terminar limpeza para passar para a próxima lição da nossa série. Muito obrigado pelo seu tempo e atenção. Espero que muitos desses conselhos e esta revisão técnica tenham sido úteis para você na limpeza de sua própria animação. Antes de ir para o próximo vídeo, certifique-se de que o recurso animado está limpo e está pronto para composição. 5. Colocando a cena: Bem-vindo de volta à introdução ao cinema de animação. Esta é a lição cinco, encenando a cena. Vamos rever. Você tem um ativo animado que foi limpo e pronto para composição. Agora vamos começar o processo de construção de um curta-metragem em torno desse ativo. A primeira coisa que você vai precisar aqui é o caderno de esboços ou um tablet com um aplicativo de reserva de esboços nele. Eu, pessoalmente, prefiro um caderno de esboços só porque você não precisa se preocupar com isso, perder energia ou corrupção de dados, qualquer coisa, mas tudo está bem. O primeiro passo é olhar para sua animação e perguntar a si mesmo, que história posso construir a partir disso? Você pode estar dizendo a si mesmo, Eve, que eu animei um pedaço de grama soprando ao vento, como você faz disso uma história interessante? Eu então responderia, bem jovem remo em. Pense em como você pode usar a grama em uma cena maior. Uma sugestão seria criar uma cena onde um soldado está sentado no topo de uma colina gramada com a cabeça em suas mãos. Aperte a grama fluindo, amplie a câmera e tenha uma triste música de piano tocando por sete segundos, ou tenha uma silhueta de duas crianças longe em um longo campo enquanto o pôr-do-sol. Estas são boas sugestões se você é bom em desenho de figuras, mas digamos que você não é tão bom no desenho de figuras. Eu diria, pense em uma paisagem onde você poderia usar sua grama fluindo. Outra sugestão seria ter um castelo no fundo que tem vindo a desmoronar de anos de negligência ou um lote abandonado com grama esparsa e um forte infantil caseiro ao fundo. Essas cenas são muito mais interessantes de se olhar em um portfólio ou um carretel de demonstração do que o ativo sozinho. A chave aqui é capturar a atenção do seu público. Bem, ok, como você faz isso? Bem, para começar, vamos fazer uma pequena experiência. Imagino que esteja familiarizado com a internet, o conteúdo da Internet. Agora, há milhões de clipes lá fora tentando competir pela sua atenção todos os dias. Vamos tentar em um pequeno experimento e entender ainda mais seus próprios hábitos de visualização. Da próxima vez que você estiver em um serviço de streaming ou estiver apenas perdendo tempo na internet, comece a identificar por que você está escolhendo certas partes da mídia. Para um serviço de streaming, você vai para um gênero que você gosta e percorrer até ver algo que não é familiar ou interessante. Quando você pára em qualquer peça desejada de mídia, começa a se perguntar, por que você tomou essa decisão? Foi a miniatura que usaram, foram as cores que usaram, foi o título do que quer que seja que te atraiu? Quando você começar a entender seus próprios hábitos de visualização, isso ajudará você a entender melhor como se comunicar com seu público. Como educador, acredito que você entenderá melhor a si mesmo entendendo o que o atrai para o conteúdo que você gosta. Seja específico quando fizer essas perguntas a si mesmo. Você gosta da cor ou da miniatura, ou há um ator em particular que você gostaria de seguir? Seja qual for a razão, comece a anotá-los para que assim você possa aplicar algumas dessas técnicas ao seu próprio trabalho. Agora que você tem uma melhor compreensão de seus hábitos de visualização, vamos começar a discutir como sua cena pode ser. Aqui estão algumas dicas para você começar. Coletar histórias, ouvir um podcast, assistir shorts na internet, ler um ensaio, prestar atenção aos tipos de histórias que você é atraído e consumir histórias com conteúdo semelhante para expandir seu conhecimento sobre o assunto. Manter tantas perspectivas quanto possível. Faça a pesquisa, em vez de digitar palavras aleatórias em seu mecanismo de pesquisa, acesse a biblioteca, visite um local e tire fotos com seu telefone. Eu sempre recomendo experiência de vida. Depois de anos trabalhando na indústria, é óbvio ver alguém que está apenas em uma hora de pesquisa na Internet versus alguém que realmente visitou um local. Obter ajuda. Admito que sou uma péssima escritora quando trabalho sozinha. Muitas vezes convido um amigo para uma refeição ou assistir a um filme para me tirar de um quarteirão. Felizmente, tenho muitos amigos que adoram contar histórias. Muitas vezes tomo notas e peço para usar parte da história deles em minhas próprias narrativas. Histórias da vida real incluem pequenos detalhes que às vezes são difíceis de evocar por conta própria. Aplique essas ideias no seu caderno de esboços. Comece a combinar o que você aprendeu seus hábitos de visualização e o que aprendeu com sua pesquisa. Aqui está uma cópia do meu caderno de esboços. Eu levei os dois ativos animados que demonstrei e os combinei nesta casa assombrada como cenário onde a mão está saindo do chão e o personagem 2D está reagindo. Agora, eu preciso criar o resto dos ativos neste desenho, como a casa, a árvore e o fundo. Isto vai ser muito divertido. Em nossa próxima lição, começaremos a listar ativos que precisamos fazer para nossa cena curta com base em nossos esboços e depois discutiremos como fazê-los. Muito obrigado pelo seu tempo e atenção, e vejo-te na próxima vez. 6. Como criar ativos: Bem-vindo de volta à introdução ao filme de animação. Esta é a lição 6, criando ativos. Você já me ouviu usar o termo ativos um pouco durante esta série até agora. Asset refere-se a qualquer coisa que o artista criou para ser reutilizado no filme. Os ativos podem ser personagens, adereços, móveis, qualquer coisa em segundo plano. Os animadores têm bibliotecas de ativos da mesma forma cineastas têm atores, móveis ou adereços. Como diretor, tenho minha própria biblioteca pessoal que revisitarei para fazer experimentos ou usar para projetos futuros. Agora vamos começar a planejar e criar nossos próprios ativos. Para este exercício, precisaremos voltar ao nosso caderno de esboços. Tenho a minha lista. Vou organizar minha lista em personagens, adereços, ambiente e fundo. Não se esqueça dos sons. Certifique-se de que sua lista tem os tipos de sons que você precisará para sua cena. Os sons podem ser música, efeitos sonoros, diálogo e atmosfera. Atmosfera para tom de sala refere-se a sons de fundo em um local. Por exemplo, se a sua localização estiver num parque, convém caminhar até ao parque local, encontrar um local onde não haja pessoas e gravar alguns minutos com o telemóvel ou qualquer outro dispositivo de gravação de som. Depois de gravar e coletar seus sons, coloque-os em uma pasta e rotule corretamente cada arquivo. Voltaremos para eles na lição 10. De volta ao visual. Agora preciso determinar como vou fazer meus recursos visuais. Existem outros métodos que você pode usar para seus ativos em segundo plano. Alguns dos mais comuns são a fotografia e a pintura fosca. Estes dois métodos são um pouco complicados. Para fotografia, você precisa ter certeza de que você tem o tamanho de imagem certo e que é grande o suficiente para colocar em seu plano de fundo. Além disso, a iluminação é um pouco complicada com a fotografia. Se você não conseguir combinar a iluminação corretamente, será muito difícil para o público entender que tanto o elemento fotografado quanto os ativos animados estão na mesma cena. Eles quase parecem estar colados juntos. Uma pintura fosca é uma representação pintada de um fundo em um ambiente. É para criar a ilusão de um conjunto maior, o que comumente chamamos de extensões de conjunto de negócios. As pinturas foscas são bidimensionais e muitas vezes retratam espaços tridimensionais que exigem uma compreensão da iluminação do mundo real. Para esta lição, eu estarei demonstrando com pintura fosca, mas eu recomendo fortemente que você a mantenha simples e crie um plano de fundo usando o mesmo meio que seu ativo automatizado. Para este ponto específico do plano de aula, eu quero trazer à tona a lei de direitos autorais. Sei que há vários alunos que frequentam esta aula que operam em seus próprios países, e assim a lei de direitos autorais pode variar dependendo de sua localização. Com isso em mente, quero dar-lhe alguns conselhos gerais para mantê-lo longe de problemas enquanto você produz seu trabalho. Se você está trabalhando na Internet, é fácil copiar e colar fotografias ou desenhos ou arte de fãs para seus projetos. Frequentemente faço referência a material protegido por direitos autorais para melhorar minhas próprias habilidades para a prática. No entanto, eu nunca uso materiais protegidos por direitos autorais para trabalho do cliente ou trabalho encomendado pelo qual estou sendo pago. Encorajo você a usar materiais protegidos por direitos autorais o mínimo possível, modo que você se impeça de cair em qualquer armadilha legal. Isso também inclui tutoriais. Você sabia que tutoriais são propriedade intelectual do autor? Se você baixar ativos para um tutorial, eles tecnicamente não são seus. Se você publicar o resultado desse tutorial, você não pode afirmar que é seu próprio trabalho, é na verdade o trabalho do autor. Significa que você está apenas seguindo as instruções que o autor lhe deu. Se você estiver interessado em saber mais sobre leis de direitos autorais, recomendo que você acesse o site do seu governo para ver quais são as leis desse país sobre material protegido por direitos autorais. Eu também recomendo que você vá para CreativeCommons dot org. Eles têm excelentes recursos para materiais que são publicados e distribuídos na Internet. Há várias coisas que você precisa ter em mente ao criar seus ativos. Tamanho do quadro. Qual é o tamanho do seu quadro? Para este projeto, estamos trabalhando em formato HD. O quadro tem 1920 pixels de largura por 1080 pixels de altura. Isso é importante saber antes de começar a trabalhar, sempre pesquise como você estará distribuindo sua animação e descubra o tamanho do quadro. Para planos de fundo, minha regra geral é criar seu plano de fundo duas vezes o tamanho do seu quadro para que você possa ampliar ou deslocar dentro de seu plano de fundo sem perder qualidade. Discutirei mais este assunto em futuras lições. Tamanho do ativo. Qual é o tamanho do seu ativo no quadro? Os ativos menores podem ser menos detalhados do que os ativos maiores. Paleta de cores. Certifica-te de que os teus bens parecem pertencer à mesma cena. Artistas conceituais farão algo chamado script de cores, que é a paleta de cores que determina as cores em produção para qualquer cena. As cores podem determinar a hora do dia, o humor ou o gênero. A estética precisa ser consistente para ser acreditada. Motion paralaxe. Dividindo sua cena em ativos de primeiro plano , médio e segundo plano. Este será o tema do nosso próximo vídeo. Muito obrigado pelo seu tempo e atenção. Antes de começar a criar seus ativos, recomendo vivamente que você confira a próxima lição, paralaxe de movimento, para lhe dar mais informações e dicas sobre como criar seus ativos. Muito obrigada. Cuide-se. 7. Câmera: Bem-vindo de volta à introdução ao cinema de animação. Esta é a Lição 7, câmera. Há um erro comum para os animadores ignorarem completamente a câmera. Na animação, a câmera não é um método comum para a criação de imagens. Criamos nossos ativos e usamos a câmera para capturar esses ativos no quadro. Para filmes de ação ao vivo fazer a câmera é a primeira ferramenta que os artistas usam para dominar em animação e storyboard. Considerando a câmera e storyboard, minha regra geral é mover a câmera com propósito de acordo com o enredo e ação. Se você não tem o motivo da história para mover sua câmera, então não movê-lo. Uma jornada familiar para os meus alunos segue esta ordem de eventos; A ignorância da câmera, personagens e adereços são organizados em um quadro bidimensional, semelhante a um sitcom, um palco de teatro ou vídeo game 2D. Neste primeiro exemplo dos Simpsons, a tripulação foi limitada pelo tempo e fundos. A ação é plana ao longo de um acesso bidimensional. Câmera desarticulada, quando o artista reconhece que há uma câmera, ela fica em todo o lugar sem motivo. No recurso Foodfight, a câmera voa através da paisagem na introdução. O tempo é ruim porque as câmeras diminuem quando não há ação e acelera durante a ação, tornando difícil para o público reconhecer o que está acontecendo. Depois há a câmera amadurecida, o meio feliz entre os dois, onde a câmera se move efetivamente para melhorar o humor para a revelação da história. Em The Incredibles, a câmera se move com a ação para aumentar o impulso do mar. No processo de animação, colocação do cuidador é decidida na fase storyboard do projeto. O que chamamos de pré-produção. Pré-produção é quando a história é escrita, o storyboard e automático é desenhado e editado e o som temporário é gravado. Produção é quando os ativos são organizados e animados com base no storyboard e automático. Isso é essencial porque a animação precisa saber o que criar e como trapacear. Agora, o conceito de trapaça não é insidioso. Pense nisso, quando você está em uma ação ao vivo na sua frente, você vê o set, os personagens e os adereços, mas às vezes há uma tela verde ou há uma equipe em volta da câmera. Há muita coisa que você não vê atrás da câmera ou o que acontece por trás do set. Isto é o mesmo para animação, quando a câmera é ligada, você vê isso? Atrás da câmera, você vê isso. Stop motion é o método de produção mais próximo do live action, já que os animadores estão lidando com objetos físicos e câmeras, no entanto, o método de animação usa os mesmos princípios. Estou demonstrando esse conceito no After Effects. Quando estou a enquadrar um objeto 2D, vou movê-lo pela cena, mas ele não vai continuar a animar uma vez que está fora da tela fora desta caixa, ele não existe em nenhum contexto do meu filme. Aqui está Autodesk Maya, um programa de animação 3D. Veja como eu mover esses objetos e organizá-los de acordo com a câmera. Veja o que acontece quando mexo minha câmera. Muitos desses objetos não estão acabados, onde eles são colocados de forma a ocultar suas falhas. Isso não significa que eu seja preguiçoso ou inexperiente. Muitos estúdios profissionais como a Pixar ou a animação Sony usam os mesmos princípios para trapacear o tempo todo. É um método para ser eficiente com o seu tempo. Quanto menos tempo você gastar com inconsequentes, mais tempo você pode dominar o que é importante para sua história. Criar ativos com a mente da câmera é essencial para ser um bom cineasta de animação. Um desses princípios que os animadores precisam dominar é a ideia de paralaxe de movimento. paralaxe de movimento refere-se ao fato de que objetos que se movem a uma velocidade constante através do quadro parecerão se mover em uma quantidade maior se estiverem mais próximos do observador, então eles se estivessem a uma distância maior. Se um objeto estiver perto da câmera e estiver se movendo com a mesma velocidade exata que um objeto para longe da câmera, o objeto mais próximo da câmera se moverá rapidamente pelo quadro, enquanto o objeto mais distante da câmera aparecerá para se mover mais devagar. Walt Disney reconheceu esse efeito e testar sua equipe de animação para criar a câmera multiplano na década de 1930. Foi usado pela primeira vez em um experimento na produção de The Silly Symphonies Old Mill. Vamos demonstrar por que isso importa. Digamos que me é dado o fundo e a história pede é zoom no quadro. Vamos pegar esse fundo e ampliar. Isso é ótimo em literal, mas é chato e chato. Mas melhores maneiras de dividir o fundo em camadas. A câmera pode parecer estar se movendo pela paisagem. Quando estou criando esses ativos, estou tornando-os maiores do que o tamanho do quadro para que pareçam ter a mesma qualidade do que se eu os mantivesse no mesmo tamanho de quadro. Agora veja como o zoom da câmera é realizado. O fundo é dividido em camadas e movendo-se em diferentes taxas para criar a ilusão de movimento paralaxe. Se você quiser saber mais sobre a ciência do movimento paralaxe ou a história da câmera multiplano, incluí alguns links para o site para você começar. Usar esta técnica definitivamente melhorará a qualidade do seu filme. Se você estiver considerando essa técnica, é importante tomar essa decisão ao criar seus ativos para que você saiba a qualidade e o tamanho de cada ativo. Ao completar seus ativos, lembre-se de considerar a câmera. Eles precisarão ser terminados para passar para a próxima lição. Muito obrigado novamente pelo seu tempo e atenção.Em nossa próxima lição, estaremos cobrindo iluminação. Obrigado. Cuide-se. 8. Iluminação: Bem-vindo de volta à introdução à criação de filmes de animação. Esta é a lição número oito, iluminação. Nós cobrimos os conceitos básicos de limpeza, criação de ativos e câmera. É hora de passar para a iluminação. Por hoje, eu queria abordar rapidamente como luz é uma parte importante da produção de filmes de animação. A luz pode servir muitos propósitos em um filme. Pode identificar o propósito da cena. Ele pode trazer consciência para um objeto ou personagem importante para a história. Pode revelar uma pista vital para o enredo narrativo. Ele pode revelar a identidade de um personagem, e pode ajudar o público a passar de uma cena para outra. O mundo inteiro te ama. O Mike. Nunca saberás o que é falhar, porque nasceste Sullivan. Você pode estragar tudo uma e outra vez, e o mundo inteiro te ama. O Mike. Nunca saberás o que é falhar, porque nasceste Sullivan. - Sim. Sou um Sullivan. Sou um Sullivan que reprovou em todos os testes. Aquele que foi expulso do programa, aquele que tinha tanto medo de decepcionar todos que eu traí e menti. A Eva. Artistas usam iluminação criativa há séculos. Esta pintura Night Watch, do pintor holandês Rembrandt, utiliza a iluminação criativa como forma de revelar personagens e as relações na composição. A figura central, a mulher com o vestido dourado, está posicionada na parte de trás da composição, longe das figuras em primeiro plano. No entanto, a iluminação separa sua figura dos personagens circundantes. Em seguida, uma luz que parece estar vindo diretamente do teto, revelando os dois personagens na frente do grupo. Outra luz do lado direito, outra do chão. Essas luzes ajudam o público a mover seu foco em torno da pintura. Tudo isso é vestido, para apoiar a relação central entre o homem à direita, e seu olhar sobre a mulher ao fundo. Nesta foto do parque Yosemite, o fotógrafo Ansel Adams, usa técnicas de câmara escura para controlar a iluminação em torno de toda a composição, o público pudesse apreciar a paisagem, como um equilíbrio magnífico. Para a nossa aula, eu queria introduzir rapidamente a técnica de iluminação de três pontos como uma forma de iluminar qualquer assunto. iluminação de três pontos é a prática padrão em qualquer produção de filmes. Uma configuração básica é colocar duas luzes na frente de um sujeito, a 45 graus à esquerda e à direita. Em seguida, coloque a terceira luz atrás do assunto, para obter uma quantidade uniforme de iluminação na cena. A luz chave é a nossa fonte de luz primária. Geralmente é a luz mais brilhante da cena. A luz de preenchimento tem menos intensidade do que a luz da chave, sua função principal é iluminar as seções do assunto que foram deixadas escuras, pela luz da chave direcional, sem sobrecarregá-lo. Depois há a luz traseira ou a luz do cabelo. Ao iluminar o sujeito humano, a luz traseira foi apelidada de luz do cabelo, porque dá ao cabelo um efeito halo. O objetivo da luz do cabelo, é separar o personagem do fundo e reduzir a quantidade de sombra da luz chave. Para stop-motion em animação 3D, as luzes são mais como objetos físicos que podem ser movidos na cena. Os animadores 2D precisam definir a fonte da iluminação e conceituar como a iluminação afeta a cor na cena. Em um estúdio profissional, eles têm um departamento inteiro que só funciona em ativos de iluminação. A forma como você aplica a iluminação depende da técnica escolhida para sua animação. Os animadores Stop-motion incluem a iluminação durante a produção. Se estiverem fotografando em cima de uma tela verde, eles imitam a iluminação que planejam usar para o plano de fundo, que a equipe de composição possa combinar a iluminação entre as fotos. Na animação 2D e 3D, iluminação acontece no processo de pós-produção, em uma camada separada da cor. Permita-me demonstrar com estas avarias. No filme animado Klaus na Netflix, estúdio de animação SPA, separa o passe de cor do passe de iluminação. Comprei uma mercadoria frágil, pior do que se registra. Amigos, compraram uma mercadoria frágil, pior do registro. No filme original do Pixar Animation Studio, Toy Story, a renderização de cores é separada da renderização de iluminação. Mas não do sombreamento, e aqui está o sombreamento, mas nada da iluminação. Na verdade, você pode ver as texturas, todas as texturas no woody. A diferença está na superfície, alguns são tecidos, alguns são de plástico, tudo isso é feito. Mas então o olhar real, esse humor e ambiente, puxando os personagens do fundo, dando a tudo a sua forma real, tudo isso é feito na iluminação aqui, para o fundo e para o personagens. Onde está aquela faixa de ligação? E outra coisa, pare com essa coisa do homem do espaço. Produções separam os passes de iluminação, para que eles tenham controle sobre eles na pós-produção. Se algo precisar mudar na iluminação, a camada de iluminação pode ser alterada no composto, vez de renderizar a animação novamente. Vamos saltar à frente por um momento e demonstrar como a iluminação é criada na produção e, em seguida, ajustada na pós-produção. Aqui está uma demonstração de como vou manipular a iluminação no composto. Para a minha camada 2D, eu notei que eu tenho as cores bloqueadas, e eu tenho alguma definição em seus ouvidos, olhos e área do nariz, mas não há nenhuma definição real de iluminação. Eu identifiquei a iluminação quando ela está em frente à janela, para se tornar do canto superior direito. Entrei no Photoshop e criei algumas sombras. Eu simplesmente peguei o tom de pele e o tom de vestido, e eu derrubei alguns pontos percentuais na área de brilho. Para os destaques, decidi que a cor da luz será amarela. Identifiquei algumas áreas na testa dela, ossos da bochecha, e na área do ombro, áreas que estariam surgindo em termos de 3D. Colocando essas camadas em cima da minha figura, a área de sombra parece muito boa, mas minha área de destaque é muito brilhante, agora parece maquiagem que eu dei um tapa. Eu quero misturá-lo um pouco mais na figura usando um modo de mesclagem. No After Effects, os modos de mesclagem estão localizados na área de camadas. Qualquer programa de composição que você usar terá um modo de mesclagem. O outro programa de composição mais comum, Nuke, tem uma versão disso quando você mescla suas camadas. Os modos de mesclagem têm várias opções, e todos esses modos de mesclagem estão fazendo é simplesmente descobrir como as imagens se encaixam umas sobre as outras. Em vez de normal, que simplesmente coloca uma imagem em cima de outra, você pode optar por ter os pixels misturados de maneiras diferentes. Uma vez que esta é uma área de destaque, eu quero ir para a iluminação. Observe aqui que a saturação da cor foi retirada um pouco, e isso combina muito melhor na figura. Isso tem um pouco mais de definição e se encaixa um pouco mais naturalmente na figura. Aqui você pode comparar o resultado final. Este é o pré-composto sem destaques e sombras. Aqui está o pré-composto com realces e sombras. É uma diferença muito sutil, mas necessário como você continuar com este processo. Para comparar, aqui está a filmagem bruta da minha mão stop-motion. Agora observe como o vermelho está saturado, quase parece que está saindo da tela. Usei dois tipos diferentes de efeitos para manipular a iluminação. Então você pode ver isso claramente. Eu usei matiz e saturação. Este efeito apenas reduz a saturação, a fim de combinar os outros elementos na cena. Este efeito, exposição, isso é útil porque ele controla o brilho e a escuridão. O efeito de exposição funciona muito semelhante a uma câmera física, já que estou usando imagens de stop motion, isso faz sentido. Para ser inclusivo, eu queria incluir um exemplo de animação 3D. Aqui eu tenho um ciclo de caminhada muito genérico. Isto é metade de um ciclo de caminhada através de uma paisagem fotografada. Quando eu renderizei este personagem fora do programa de animação 3D, Autodesk Maya, eu incluí um passe de beleza. Um passe de beleza simplesmente me dá as cores e a forma do meu personagem. Também fiz algo chamado “passe normal”. Um passe normal me dá informações de iluminação que se traduz em informações de cor. Ele me dá uma cor vermelha, verde e azul, que corresponde ao espaço X, Y e Z. Isso me dá controle sobre a profundidade e como o programa de composição traduz essa profundidade. Com o passe de iluminação separado, posso controlar a luz ou a escuridão da minha imagem. Isso é tudo para a lição oito. Muito obrigado pelo seu tempo e atenção. Próxima lição, falaremos sobre alguns princípios básicos em sua composição. 9. Composição: Bem-vindo de volta à Introdução ao Animation Filmmaking. Esta é a Lição 9, composição. Nesta lição, vamos definir composição e compartilhar algumas dicas para tirar o melhor proveito de sua composição. Compositing é o ato de combinar duas imagens para fazer uma única imagem. O composto básico em animação é personagem na frente de fundo. O plano de fundo permanecerá estático enquanto o personagem pode se mover dentro do local. A hora do animador CFC para que você não precise redesenhar o plano de fundo com cada quadro. O processo de composição pode ser tão simples ou tão complexo quanto você gosta. Vamos dar uma olhada. Este é o nosso composto mais básico. Temos o nosso personagem em primeiro plano e o fundo movendo-se consistentemente com o nosso personagem. O que é bom sobre a composição é que eu tenho livre controle independente sobre este personagem. qualquer momento, se eu quisesse, digamos, mudar a foto e fazer um close-up, eu poderia fazer meu personagem muito maior aqui, e podemos ver o personagem em um close-up. Além disso, se eu quisesse reutilizar este ciclo e em seguida, fazer este personagem parecer como se eles estivessem mais longe da câmera, eu tenho a liberdade de fazer isso também no compósito. Para o exemplo da classe, eu tenho algo muito mais complexo. A razão pela qual eu construí este complexo é para que eu tenha controles independentes sobre todos os ativos na cena do crime. Eu posso reposicioná-los, eu posso redimensioná-los, e eu também posso fazer um pouco mais de animação dentro do composto. Agora é uma boa hora para trazer arquivos de dados. Que tipo de arquivos você deve usar em seu composto? Quando você está usando qualquer manipulação de imagem, software 2D ou 3D, você terá uma variedade de opções para explorar seus arquivos. A maioria dos animadores exportará um arquivo de filme porque você está criando mídia de movimento. Os formatos mais comuns are.mov, .mpg, .mpg4, and.avi. Esses formatos criam um problema para composição por dois motivos. Uma é a compressão. Para reproduzir um arquivo de vídeo, o computador abreviará a imagem para reprodução suave. Você já ampliou uma foto e ela se parece com isso? Isso é compressão. Isso é ruim se você estiver redimensionando seu ativo, ele será pixelado no processo. Dois, canais Alpha, nem todos os formatos de vídeo preservam o canal Alpha. Havia uma opção para preservar o canal Alpha na maioria dos softwares, mas nem sempre é confiável por causa da compressão. A melhor e mais confiável maneira de exportar seu ativo animado é selecionar uma sequência de imagem em um formato sem perdas. Seus formatos sem perdas são TIFF, PNGs e GIFs. Na animação 3D, você também pode usar EXRs. JPG é um formato com perdas. Isso significa que quando você redimensiona sua imagem, ela pode se separar devido à compressão. Quando você importar sua gravação para o programa de composição, haverá uma opção para ler seu arquivo como uma sequência de imagem. Certifique-se de que a sequência de imagens esteja devidamente rotulada. Se você enganar seus arquivos, o programa de composição não poderá lê-los. Eu queria demonstrar visualmente rapidamente o que estou falando quando falo sobre rotulagem adequada. Aqui eu tenho minha sequência de animação 2D. Esta é a sequência fotográfica original que eu tenho. Como criei minha animação 2D foi desenhada à mão no papel, e depois fotografei-a usando o software Stop Motion. O software Stop Motion rotula automaticamente cada quadro numericamente. Agora, quando ele é rotulado numericamente, o programa de composição pode facilmente ler a lógica da sequência. Então 1, 2, 3, 4, etc Ele pode então importar esse arquivo. Com meu primeiro quadro selecionado, não posso escolher nenhum quadro dentro da sequência. Preciso escolher o primeiro quadro na sequência. Então eu posso vir aqui para as minhas opções de sequência. O programa de composição que estou usando o After Effects reconhece automaticamente o formato do arquivo nesse sentido, é um TIFF e pode importá-lo como gravação. A mesma lógica vale para a minha animação 3D. Para minha animação 3D, eu exportei minha sequência de animação como um EXR, o mesmo princípio de importação se aplica. Numera cada quadro 1, 2, 3, 4, etc. Em seguida, o programa de composição reconhece automaticamente a sequência EXR assim que eu escolher o primeiro quadro, e então ele pode importá-lo imediatamente. Eu queria esclarecer algo que surgiu depois que eu escrevi o roteiro para este episódio. Alguém me perguntou sobre exportar do composto, e eu queria deixar bem claro que usar um programa de composição como o After Effects, só lhe dá uma opção para exportar um arquivo de vídeo descompactado. Agora, isso não é menos do que uma sequência de imagem. Na verdade, os arquivos de um filme são preferíveis para a fase de edição do seu projeto. A edição é essencialmente quando você tira várias fotos e as coloca juntas. composição só deve acontecer para um tiro de cada vez, então você só deve ter uma composição para cada tiro. Agora, há algumas composições que você pode reutilizar em sua sequência e isso é totalmente aceitável. No entanto, para os propósitos desta classe em particular, eu só queria introduzir a idéia de composição. Agora, para fins de edição, Adobe After Effects bombeia apenas um arquivo de vídeo para que você possa usar esse arquivo de vídeo com vários outros arquivos de vídeo na edição. Agora, para ser claro, o arquivo de vídeo descompactado é enorme. Vai ocupar muito espaço no disco rígido. É importante garantir que você tenha espaço suficiente no disco rígido para acomodar a renderização. Na composição, você tem mais opções para manipular sua gravação, como tamanho, cor e tempo. Comece a criar seu composto importando seus ativos e organizando-os em seu quadro. Sinta-se livre para continuar jogando com as opções que estão disponíveis para você através do software. Experimente e explore. Ei, todo mundo. Eu queria falar rapidamente com você sobre parte do meu processo criativo, especialmente quando se trata de pós-produção. Como você viu no meu caderno de esboços, eu tinha criado a idéia do meu recurso 2D, uma mulher gritante e ela olhando pela janela de uma casa para as mãos saindo do chão. Foi para isso que planejei inicialmente. Agora, originalmente, eu a queria em um cemitério, mas enquanto eu estava criando ativos de cemitério, percebi que o quadro parecia muito confuso e estava tirando a atenção das mãos. Então me livrei deles e fiquei preso com a árvore. No entanto, quando comecei a criar esses recursos, se você a viu em vídeos anteriores, meu recurso 2D era enorme no quadro. Sua cabeça ocupava cerca de um quarto do tamanho se você viu em vídeos anteriores, e enquanto eu estava no processo de composição, percebi que sua cabeça era muito grande, então decidi redimensioná-la e movê-la menor no quadro. No entanto, quando resolvi esse problema, criei outro problema em que eu realmente não tinha um corpo para ela. Em vez de reanimar um corpo inteiro, olhando como se estivesse caminhando para o quadro. Eu só decidi esconder o corpo um pouco com alguma folhagem cuidadosamente colocada, eu incluí a folhagem nesta outra janela, então há consistência em todo o quadro. Parece que ela é alguém que mantém plantas do lado da casa. Eu também queria preservar as cores dela. Não queria dessaturá-la, fazê-la parecer que não estava no ambiente noturno. Eu adicionei essas luzes no compósito, a fim de dar sentido a essa coloração. Mais uma vez, eu continuei a ser criativo e adicionar à cena no compósito. Agora, isso é algo que acontece regularmente no estúdio, bem como no meu próprio consultório pessoal. Quanto mais eu coloco minhas mãos nele, mais idéias aparecem. Não tenha medo de continuar planejando, ajustando e criando quanto mais você estiver no processo. Só não se deixe levar com isso porque você eventualmente quer terminar seus projetos. Na próxima lição, começaremos a colocar som em nossos filmes. Muito obrigada. Te vejo na próxima vez. 10. Som: Bem-vindos de volta à introdução à criação de filmes de animação, esta é a Lição 10, som. Você pode estar se perguntando, Eve, por que você está sussurrando em um microfone, é para chamar sua atenção para o som. Você vê, quando o som não está funcionando em filmes de animação, você realmente percebe. Trilha sonora muito bem curada e mista pode aumentar sua experiência assistindo a um filme. É tão importante para o sucesso do seu filme quanto as imagens. É aqui que você se lembra na lição seis, quando estávamos montando nossos ativos, que eu lembrei você para criar uma pasta para seus sons gravados. Agora é a hora de voltar para aquela pasta, começar a extrair esses sons e realmente tocar com eles na mixagem de som. Usaremos o software de edição, Adobe Premiere, para fazer nossa mixagem de som. Uma palavra rápida sobre isso, até agora, temos usado principalmente o software de composição, o Adobe After Effects, para a maioria de nossas demonstrações técnicas. Embora esse software tenha a capacidade de importar e misturar sons, eu recomendo que você use o Adobe Premiere para fazer sua mixagem de som, não o Adobe After Effects. Todo o propósito de importar sons para um programa de composição é o tempo limite de sua animação ou voltar a tempo algum de sua caixa de diálogo ou sincronização labial. Ou se você tiver uma trilha sonora pré-gravada, para ter certeza de que as batidas em sua composição, está combinando com essa trilha sonora. No Adobe Premiere, é muito mais apropriado editar sons que você colocará no visual e também misturar corretamente a música e o diálogo juntos. Há ferramentas melhores com isso, e é muito mais fácil de usar. Então vamos dar uma olhada. No momento, estamos no Adobe Premiere e exportei minha animação com meia resolução. Isso permitirá uma reprodução muito fácil como eu estou esfregando e misturando meus sons. Ouça o que eu fiz até agora. Eu gosto de onde isso está indo tão longe, para deixar pistas de como eu gosto de fazer mixagem de som é, eu gosto de trabalhar de baixo para cima. Quando eu estou editando diálogo e efeitos sonoros, esses efeitos tendem a ter mais edições porque eu tenho que combinar a imagem com o que está acontecendo na trilha sonora. Tenho tendência a manter essas faixas o mais próximo possível da minha imagem, que eu possa alinhar imagem e som. Para outros efeitos sonoros como música ou ambiente, eu tendem a deixar aqueles para o fundo porque eles correm ao longo da totalidade da minha peça e eu geralmente não editá-los muito. Há um efeito sonoro crítico que está faltando nesta composição e que é o grito no final. Vamos começar a editar esse grito. Aqui, eu criei um compartimento para meus efeitos sonoros entrarem e eu tenho uma variedade de efeitos que vieram de um CD livre de royalties, que eu tenho de muito tempo. Eu também tenho alguns sons que gravei no meu telefone. Soa como os ruídos exteriores e alguns do chão se movendo. Mas agora eu quero escolher uma mulher gritando. Vou ao meu arquivo que diz que a mulher grita, selecione isso. Vou ouvir alguns sons e ver quais eu gosto. Eu realmente gosto desse último, eu acho que se encaixa melhor no personagem. Eu vou selecionar esse clipe colocando dentro e fora pontos em cada lado dele. Eu vou voltar aqui para a minha sequência, vou ter certeza de que a trilha correta é selecionada. O Adobe Premiere permite selecionar qualquer faixa de áudio ou vídeo para a qual você possa importar. Para mim, vou importar para esta faixa de áudio superior aqui, e queremos que o nosso áudio entre aqui. Eu vou apertar sobregravar, a fim de colocar isso diretamente em nossa pista. Vamos ter certeza que está forrando. Quero que isso aconteça um pouco mais tarde. Outra coisa boa sobre o Premiere é que, eu posso ver o arquivo WAV, então eu posso observar onde esse áudio começa. Agora estou alinhando o indicador de reprodução para combinar quando ela começar a abrir a boca, e é aí que nossa tela vai começar. Eu vou deslizar isso para baixo e esta linha reta aqui me diz que não há som aqui, então eu posso apenas fazer esse clipe um pouco mais curto. Vamos jogar de volta e ter certeza que combina. Precisamos dar a ela um pouco mais de tempo para que a tela apareça, então vamos mover isso para baixo. Isso está funcionando muito melhor. Para fazer a minha mistura, vou precisar de acesso a mais ferramentas. Sob minha janela, vou para espaços de trabalho e escolho Áudio. O que é bom sobre o Premiere é que ele tem uma variedade de predefinições que tornam esse processo de mistura mais eficiente. Como eu não sou um designer de som, essas ferramentas são muito benéficas para os meus propósitos. Com esta faixa selecionada, vou marcá-la como um efeito sonoro. Eu tenho uma variedade de predefinições para escolher. Para este, quero torná-lo um pouco mais distante. Vamos ver como isso. Eu gosto do reverb nele, mas é muito silencioso na mistura, então eu quero consertar isso. Eu também ao jogar isso através, Eu identifiquei um problema. Agora, muitos animadores tendem a confiar em seus ouvidos, se eles estão usando fones de ouvido para mixagem de som, esse não é o melhor método, você realmente deveria estar prestando atenção aos escopos que você tem aqui. Da mesma forma que você prestaria atenção a qualquer tipo de escopos se estiver fazendo correção avançada de cores. Quando você vê essas linhas vermelhas aqui, isso indica que o efeito sonoro é um pouco mais modulado e vai soar estaladiço ao reproduzi-lo em outros dispositivos. Para consertar isso, quero derrubar. Vou tirar o equalizador, o que aumenta a faixa sonora um pouco mais. Vou ver se isso resolve o problema. Não, ainda está sendo modulado demais. Parece que vou precisar baixar o volume. Ainda está alto, então agora vou ajustar o volume. Com meu clipe selecionado, eu vou subir aqui e eu vou baixar o volume. Agora você pode ver que eu não tenho nenhum aviso de que o som é mais modulado. Para a nossa outra trilha sonora, vou trazer alguns decibéis. Essa é uma demonstração rápida de como iniciar o processo de mixagem de som. Neste ponto, você pode continuar trabalhando em sua imagem até que ela esteja pronta para renderizar. Então continue trabalhando em sua composição, sua iluminação, brincando com suas cores e até mesmo com sua câmera. Próxima lição, vamos nos preparar para renderizar. Muito obrigado pelo seu tempo e atenção. Estou ansioso para vê-lo da próxima vez. 11. Renderização e compartilhamento: Bem-vindo de volta à Introdução à criação de filmes de animação. Esta é a lição 11, Renderização e Compartilhamento. Nós fizemos isso. Neste ponto. Você deve estar terminado, o processo de produção e pós-produção. A composição deve ser feita, a mistura de som deve ser resolvida. Agora, vamos nos preparar para executar renderização a partir desse composto. Antes de fazer isso, vamos nos certificar de que temos as configurações adequadas para explorar nosso projeto. Estamos de volta aqui no Adobe After Effects, meu composto está completamente acabado e agora estou pronto para exportação. Vou até Arquivo e, em Exportar, tenho uma variedade de opções diferentes que incluem enviá-lo para o Adobe Media Composer para compactação, enviá-lo diretamente para a fila de renderização, o que me dá um arquivo descompactado. Estamos enviando para o programa de edição, Adobe Premiere Pro. Meu método é sempre enviar compósitos do After Effects para a fila de renderização porque eu quero uma versão descompactada do meu projeto. A razão pela qual eu faço isso é para que eu não tenha que continuar abrindo meus arquivos de projeto toda vez que eu preciso de uma nova versão deste arquivo de vídeo. Agora eu trouxe meu projeto para o Adobe Premiere, tenho a versão descompactada do meu projeto e agora estou deslizando na minha linha do tempo para acompanhar minha trilha sonora. Agora estou pronto para exportação. Primeiro, quero verificar minhas configurações de sequência duas vezes para ter certeza de que estão no tamanho adequado. Meu tamanho de quadro é 1920 por 1080, e eu estou trabalhando em 30 quadros por segundo. Eu também quero ter certeza de que a sequência está em pixels quadrados, qualquer outra predefinição fará o resultado oblongo ou distorcido. Agora vou exportar. Quando exporto do Adobe Premiere da mesma forma que do After Effects, quero certificar-me de que estou exportando uma versão descompactada e você pode ver isso no resumo das configurações de exportação. Para esta versão específica, vou usar um Codec QuickTime com uma predefinição de progresso 422 da Apple. Isso me dá uma versão descompactada em 30 quadros por segundo usando 1920 por 1080. Certifique-se de que seu áudio e vídeo estão selecionados, ou então, um ou outro pode não sair. Você também tem a capacidade de limpar sua animação para garantir que tudo pareça bem antes de clicar em renderizar. Agora estou no Adobe Media Encoder. Estou a passar o meu curta-metragem. Agora eu gostaria de prepará-lo para uma variedade de métodos de distribuição. O método de distribuição mais comum é o uso de compressão H.264. Ao olhar para as predefinições, outra razão pela qual eu gosto de usar o pacote Adobe como parte da minha demonstração é porque existem diferentes predefinições que são aplicáveis a distribuições populares de mídia social, como Facebook, Twitter, Vimeo e YouTube. Posso escolher qualquer um destes dependendo de como vou exportar o meu filme ou como quero que o meu público veja o meu filme. Uma vez que eu tenha o correto selecionado, eu posso apertar meu botão play e eu estou pronto para exportar. Com esta versão descompactada, eu posso ter uma variedade de métodos diferentes, como YouTube, Vimeo, etc. Eu posso configurá-los todos e configurá-los para renderizar em sucessão. Antes de continuar, faça sua pesquisa. Para onde quer que este filme vá? Em quais plataformas de mídia social você gostaria de compartilhá-lo, ou você quer apenas carregá-lo para um site? Cada ponto de distribuição tem critérios para os tipos de formatos de arquivo necessários para serem colocados em sua plataforma. Certifique-se de que você está exportando com a estrutura de arquivos correta. Você deve sempre testar cada arquivo antes de colocá-los em sua conta. Você está procurando por quaisquer quadros descartados ou se o som não está sincronizado, ou talvez haja apenas um erro. Próxima e última lição, vamos discutir como ganhar um público para o seu curta-metragem. Muito obrigado pelo seu tempo e atenção. Te vejo na próxima vez. 12. Distribuição: Bem-vindos à última lição em Animation Filmmaking, esta é a Lição 12, distribuição. Parabéns, você fez um curta-metragem. Agora, para fazer a velha pergunta, se você fez um filme e ninguém o viu, ele existe? Para você, claro. Claro que existe. Demonstra um pedaço de tempo em sua vida que você se esforçou muito, talvez este seja apenas um grande exercício criativo. No entanto, encorajo-vos a encontrar uma audiência com o vosso trabalho. É sempre útil compartilhar algo e obter algum feedback significativo. Agora eu sei que esta é a Internet e às vezes você não recebe comentários realmente grandes, mas você pode obter algo realmente útil ou inspirador. Não tenha medo, vá lá fora, encontre seu público. O último passo neste processo é identificar esse público. Quem quer ver o seu trabalho? Primeiro pergunte a si mesmo ao criar este projeto, que propósito este projeto serve para você? Isso é prática? Se for mostrado para as pessoas que lhe darão uma crítica útil. Você está procurando trabalho? Certifique-se de que as habilidades que você demonstra no resumo são aplicáveis à descrição do trabalho. Esta é uma prova de conceito. Verifique se isso resume o tom e o caractere em um clipe curto. Compartilhe com pessoas que estariam interessadas em aprender mais sobre seu projeto. Seja qual for o seu motivo, certifique-se de mostrá-lo às pessoas certas a fim de dar-lhe conselhos úteis para a sua progressão como artista. É aqui que as mídias sociais são realmente valiosas. Todos os anos eu assisto ao Festival de Animação de Ottawa para referências profissionais e networking. Em 2018, ouvi da animadora Celia Bullwinkel sobre seu curta-metragem de animação auto-produzido: Sidewalks. Sidewalk é uma metáfora visual sobre uma mulher que caminha pela vida, confrontando seu corpo em mudança, e aprende a amar a si mesma. Que há mais de três milhões de visualizações no Vimeo e ganhou vários prêmios e festivais de cinema. Durante sua palestra, Celia delineou sua estratégia para encontrar um público online. Cronograma, Celia escolheu uma data para publicar seu filme em sua conta Vimeo. Pesquisando, ela encontrou sites e grupos de mídia social que apoiam os problemas das mulheres. Contato, ela enviou aos administradores desses espaços online uma mensagem personalizada e perguntando se eles iriam anunciar o filme para seus espectadores. Incentivo, como um bônus adicional, qualquer um que concordou, recebeu um link de acesso antecipado para compartilhar com seu público. Para seu deleite, Celia recebeu uma resposta universalmente positiva. Bem, esta é uma história de sucesso excepcional. Eu acredito que a estratégia de Celia para ganhar um público é bastante universal e acessível. Espero que tenham gostado desta aula e aprendido a usar suas habilidades de animação para projetos muito maiores. Encorajo-vos a continuarem a praticar e a partilhar o vosso trabalho. Muito obrigado novamente pelo seu tempo e atenção e estou ansioso para trabalhar com você para futuras aulas. Obrigado e cuide-se.