Introdução à pós-produção de som para cinema

1. Olá!: som não só adiciona ao filme, mas é uma parte essencial da narrativa Como designer de som, ser capaz de criar som para o filme é realmente gratificante, mas se você é um diretor ou um editor de vídeo tendo uma compreensão básica de como o som funciona, em pós-produção específica ajudará a levar seu projeto para o próximo nível Olá a todos! Sou Gabby e, bem-vindo a “Uma introdução à pós-produção de áudio” nesta aula, abordaremos todos os aspectos básicos da postagem de áudio que você precisa saber para obter os melhores resultados para o seu trabalho. pós-produção de áudio é onde todos os elementos do som se reúnem, e você pode ter visto nossos cursos anteriores sobre som de pré-produção e produção e, nesta classe, reunimos todo esse conhecimento e os resultados dessas etapas, para criar uma peça final polida de filme. Os principais componentes para postagem de áudio e as áreas que vamos abordar o básico nesta classe são: sincronização e edição de diálogos, ADR, edição de efeitos sonoros e design de som, foley, edição e mixagem de música. A pós-produção cinematográfica é uma das fases mais longas da produção de um filme, há muitos elementos que precisam se unir, em diferentes estágios ao longo do processo de pós-produção, a fim de entregar um corte final pronto para distribuição. Ao longo desta aula, demonstrarei as técnicas discutidas e darei exemplos antes e depois de cada passo e, para o bem desta aula, todas as minhas demonstrações ocorrerão dentro do Pro Tools, pois este é o padrão da indústria, mas, se você use um programa ou software diferente, o que eu mostro no Pro Tools é completamente transferível para o software que você está usando desde que os recursos estejam disponíveis. Também vale a pena mencionar que existe uma versão gratuita das ferramentas Pro que você também pode usar se precisar. Para o projeto de aula, você poderá desbloquear seu eu criativo trabalhando em uma cena curta, onde poderá praticar todas as técnicas aprendidas neste curso, desde a edição de diálogos até o design de efeitos sonoros. Tudo o que você precisa pode ser encontrado nos materiais da classe. Seja você um cineasta, novo nisso ou um cineasta que trabalha em filmes há muito tempo, mas nunca entrou mundo da pós-produção de áudio, esta classe ajudará você a intensificar seu conhecimento criativo. Estou tão feliz por você ter se juntado a esta aula. Agora, vamos começar e obrigado por assistir. 2. Bloqueio de imagens e sessões de localização: Para iniciar a pós-produção de áudio de um filme, bloqueio de imagem precisa ser concluído. Isso é para que você possa trabalhar com uma filmagem que não sofrerá nenhuma alteração. Isso ocorre porque, se forem feitas alterações visuais, seja, cenas de corte todos os áudio sincronizados anteriormente não estarão mais na posição correta na linha do tempo. E, em muitos casos, corrigir isso vai além de apenas mover todo o áudio na linha do tempo. Armações de barbear aqui e ali pode significar uma modificação completa dos efeitos sonoros, foley e muito mais. Depois de ter seu filme bloqueado, é hora de iniciar as sessões de detecção. Uma sessão de detecção envolve um diretor e a equipe de design de som. E durante essas sessões eles discutirão os elementos sonoros do filme assistindo ao filme e, marcando pontos para gravação, edição e criação. Esta é uma parte crucial do processo, pois permite uma comunicação clara da visão do diretor com a equipe de som. As coisas que devem ser discutidas com o diretor são: tom geral e estética, construção do mundo , então, como é o mundo com os personagens estão vivendo? Qual é o prazo, coisas assim. Quaisquer momentos específicos para design de som e sinalização áreas problemáticas, como som de produção ruim ou diálogo. Eu adicionei um modelo para a folha de manchas aos materiais da classe. Então, sinta-se à vontade para usar isso para a classe ou para qualquer uma das palavras que você possa fazer também. 3. Sincronização de som: Antes do bloqueio de imagem e logo após a equipe de som de produção entregar áudio ao editor de filmes, a sincronização de som geralmente ocorre. A sincronização de sons geralmente é executada pelo editor de filmes. No entanto, se o seu projeto for um show de uma pessoa, então você pode se encontrar fazendo isso sozinho. Durante o filme, a equipe de som e fotografia deve ter assegurado que ambos estavam capturando áudio e vídeo na mesma taxa de quadros e, concordaram com um sistema de sincronização. Uma claquete é uma obrigação e ter essa referência tanto para a imagem quanto para o clap tradicional, permitirá que os editores sincronizem áudio vídeo sem problemas, independentemente de qualquer outro sistema de sincronização implementado e quaisquer problemas que possam surgir de seu uso. O uso de tecnologias que permitem a sincronização de dispositivos de vídeo e áudio inclui sincronização por uma sincronização de congestionamento, que usa o código de tempo SMPTE no qual um dispositivo mestre informa o tempo para um dispositivo que depende dele. Isso pode ser feito de várias maneiras, como usar um dispositivo como o tentáculo, que se comunica com a câmera e o dispositivo de gravação de áudio via Bluetooth ou através da conexão de um cabo BNC só para mencionar alguns. Tudo isso funciona muito bem, mas também podem trazer problemas inesperados, portanto, sempre ter uma ripa de baixa tecnologia é fundamental. Assim que o editor de filmes tiver todas as filmagens, eles usarão o software de edição de vídeo preferido. Software como o Premiere, permitirá mesclar clipes de vídeo e áudio identificando a forma de onda criada pela placa de claquete. E existem alguns outros recursos inteligentes agora, que são sincronizados com base no código de tempo. Seja qual for o caminho, se você for um editor, chegando a um projeto logo após o início da produção , ou mesmo um pouco mais tarde, certifique-se de pedir todas as notas. feito pela equipe de som e pelo supervisor do script. 4. Como editar e limpar o diálogo: Depois de passar pelas sessões de detecção com a equipe, ou sozinho se você estiver dirigindo e trabalhando na pós-produção por conta própria, é hora de passar para a edição do diálogo . Durante o estágio de bloqueio de imagens, o editor deve ter sincronizado todo o diálogo de produção junto com suas edições em vídeo. Isso inclui idealmente não apenas uma fonte como o microfone de espingarda, mas também qualquer outra fonte capturada como o rádio ou microfones de sala. Neste ponto, o editor de diálogo pode selecionar qual diálogo de produção rastreia, funciona ou soa melhor para a cena e começar a limpar e editá-los conforme necessário. Dito isto, não é incomum o editor e diretor de filmes faça escolhas de tomadas de áudio. Essa também é uma boa maneira de trabalhar no entanto, é sempre uma prática recomendada colocar essas tomadas no topo da sessão e manter o outro áudio sincronizado na parte inferior. Se sua equipe é grande o suficiente para que você esteja trabalhando com o áudio de cinco elementos separadamente, então uma sessão com apenas diálogo organizado da maneira que acabei explicar é dada ao editor de diálogo sem efeitos sonoros, ambiente ou faixas de música necessários. No entanto, se apenas uma pessoa estiver trabalhando no áudio do seu filme, então a codificação por cores dessas faixas de diálogo é recomendada. Depois de verificar a sincronização ou ter feito a sincronização do diálogo por si mesmo, você precisa garantir que qualquer ruído indesejado seja removido das faixas e que eles sejam cortados até o comprimento necessário. Com a limpeza do diálogo, começaremos com o que poderia ser descrito como uma solução de baixa tecnologia. Em vez de ficar excessivamente animado e saltar para o uso de plugins e outras ferramentas auxiliares como EQs e compressores imediatamente . Primeiro precisamos limpar o caminho cortando bits de áudio indesejados e desnecessários. E realizando automação de volumes. Sempre tomando cuidado para que não haja dips de áudio dramáticos, cortes que fazem com que o diálogo soe excessivamente artificial. Um exemplo disso é esse pouco aqui. Aqui a solução é bem simples. Um corte desse bit no final do áudio e um desvanecimento muito curto faz o truque. Outro conceito muito importante e básico é o de substituir as lacunas pelo tom da sala. Ao longo de nossos outros cursos sobre áudio de pré-produção e produção. Nós falamos sobre o tom do quarto e a importância de capturar o máximo possível ao filmar. edição do diálogo não é a única razão, mas provavelmente é uma das razões mais importantes pelas quais fazemos isso. Tomemos, por exemplo, esta seção aqui. Precisaremos remover esse ruído. No entanto, se o recortarmos e até adicionarmos um desvanecimento no final do clipe de áudio e um desvanecimento no início. O silêncio é realmente perceptível e faz com que o áudio soe artificial. Felizmente, como temos o tom do quarto à nossa disposição , podemos consertar isso. Lembre-se, o diálogo precisa ser claro e inteligível. Se você descobriu durante a fase de detecção que esse não é o caso de alguns dos diálogos de produção. Talvez seja necessário pensar em fazer o ADR, que é automatizado ou Substituição de diálogo adicional. Se houver alguns ruídos no fundo do diálogo, a gravação pode ser possível removê-los. Um bom mixer de som garantirá uma gravação de quaisquer poluentes de ruído que não pudessem ser evitados durante a fase de filmagem, por exemplo, e uma bateria portátil barulhenta que é usada para alimentar as luzes ou o zumbido de uma unidade de refrigeração. Capturar uma gravação desses sons conta própria pode permitir que editores de áudio filtrem esses sons no post usando plugins como o Izotope, o desruído espectral. resolvemos Este é outro uso muito importante de tons de sala que resolvemos Com todo o seu diálogo bem sincronizado e limpo. Agora você pode passar para o ADR se essa for uma etapa necessária para o seu projeto. 5. Como configurar uma sessão de ADR: Muitas vezes você descobrirá que parte do início gravado em áudio é muito barulhento, corrompido, ausente ou simplesmente não a qualidade necessária e o ADR é a maneira de resolver esses problemas. ADR é o processo de gravação de novos diálogos em um ambiente de estúdio para sincronizar com o vídeo. Isso exigirá que o ator sincronize com o desempenho original o mais próximo possível. O ator deve se certificar de tentar entregar a mesma emoção e poder que eles expressaram durante a gravação original. Em termos gerais, uma sessão de ADR é composta por um relé de tela e um microfone de escolha para o ator se apresentar . O gravador ADR preparará uma sessão com a imagem e sincronizará qualquer áudio como referência para o ator, além de configurar uma sala para o ator se apresentar. O que geralmente é vazio de qualquer ruído eletrônico proveniente do equipamento de áudio. Uma vez que você tenha isso, o ator pode decidir se deseja ouvir seu áudio de referência, ou se prefere fazê-lo em silêncio, apenas assistindo a tela como uma deixa. Particularmente para projetos de orçamento menor, é comum que o diretor participe dessas sessões para garantir que o ator possa ser guiado ou treinado, na tentativa de entregar algo o mais próximo o desempenho original possível. Para preparar sua sessão de gravação de áudio, considere os mesmos aspectos que discutimos no módulo de edição de diálogo. Você deve entregar apenas nossas faixas de diálogo com as tomadas selecionadas na parte superior e o resto delas abaixo. E enquanto você pode ser informado sobre aspectos como profundidade de bits e taxa de amostragem pelo som de produção. Tenha em mente que os requisitos mínimos devem ser 24 bits e 48 kHz. Hoje em dia, gravadores de som e designers de som tendem a usar 96 quilohertz como quase um padrão, pois isso permite um melhor processamento das gravações sem ruídos de artefatos e assim por diante. Ao configurar uma sessão de ADR e executar, ela pode ser uma classe por conta própria. Vou apenas abordar alguns dos aspectos que devem ser levados em consideração. O mais importante é ter um sistema de enfileiramento. Hoje em dia existem softwares como EDIPrompt ou o sistema Colin Broad. Em ambos os casos, você pode escolher entre usar bipes de áudio para enfileirar seus atores antes que a cena seja reproduzida, ou você pode usar toalhetes visuais para fazer o mesmo. tecnologia muito baixa, você poderia programar essas filas manualmente, mas isso pode ser extremamente demorado, especialmente para um filme que requer muito, de ADR. Seja qual for sua escolha, o importante a lembrar é que você precisa ter um sistema em vigor para que seus atores possam saber quando a ação está acontecendo. Outros aspectos a ter em mente é o monitoramento. Como mencionei antes, os atores geralmente estarão em uma sala de gravação com um gravador em uma sala de controle. Portanto, é necessário criar um mix de monitoramento para que os atores possam ouvir a si mesmos, bem como qualquer feedback da sala de controle e, se necessário, quaisquer aspectos do áudio gravado do filme que eles desejam ouvir, como uma performance anterior ou efeitos sonoros específicos ou sons ambientais. Estaremos lançando uma classe focada em ADR na qual analisaremos cada etapa da configuração em detalhes. 6. Os conceitos básicos do design de som: design de som é o processo de criação de efeitos de áudio para imagem. Os designers de som adicionarão faixas selvagens e gravações de campo para criar ambiente para cada cena. E junto com isso, eles adicionarão quaisquer efeitos sonoros específicos ou especiais que sejam necessários. Efeitos sonoros podem ser criados de várias maneiras. Geralmente é uma mistura de som gravado que são em camadas e às vezes têm processamento leve a pesado aplicado, dependendo do efeito sonoro e do gênero do filme. É trabalho do designer de som dar vida à cena através do som. E o som tem uma grande parte em contar a história, e um ótimo designer de som pode adicionar muito mais à história do que o que a imagem pode transmitir por conta própria. design de som pode ser tão simples ou detalhado e elaborado quanto você quiser, mas precisa fazer sentido para o tipo de filme. Nesta aula, passaremos pelo design de som básico, que geralmente é a base para quase todos os filmes produzidos. Isso porque, em algum nível, todos os filmes consistem nos mesmos tipos de sons na minha própria experiência e pelo que ouvi e vi de outros designers de som. A chave para criar um ótimo design de som é coletar e usar materiais orgânicos agradáveis, então sons, que por conta própria podem não soar como nada especial, mas uma vez em camadas juntos, crie um momento dinâmico e sonicamente interessante para o ouvinte. Da mesma forma, também é necessário um entendimento correto e uso do silêncio. Tomemos, por exemplo, esse som aqui. Essas são as camadas envolvidas. Da próxima vez você estiver assistindo ao seu filme favorito. Ouça, particularmente aquelas cenas que são as mais atraentes. O que está acontecendo em termos de som? Como o filme está usando camadas ou mesmo silêncio para transmitir movimento ou falta dela? Agora pense em como você pode aplicar isso ao seu trabalho. 7. O que é Foley e por que precisamos isso?: Foley é semelhante ao design de som, pois é o processo de criação de efeitos sonoros para melhorar a imagem e torná-la mais realista para o público. Foley no entanto, refere-se a efeitos sonoros feitos pelo homem, como passos, movimento de roupas e manuseio de adereços pelos personagens na tela. Os artistas Foley realizarão ações junto com as filmagens. E de forma semelhante ao ADR, ele precisa estar em sincronia e corresponder ao desempenho dado na tela. Ele pode então ser editado para garantir que o som corresponda à cena, não apenas em termos de sincronização, mas em termos de intenção de espaço e muito mais. Muitos sons de Foley são relativamente diretos e um artista foley pode simplesmente usar objetos semelhantes ao que está sendo usado pelo ator. Mas, para alguns sons, um artista Foley precisa ser criativo com os materiais que eles têm ao seu redor. Como em muitos casos, o objeto real, pode não parecer como você esperaria. Exatamente como um designer de som colocará várias gravações para obter o som de que precisam. Um artista Foley pode segurar vários objetos ao mesmo tempo e movê-los para obter o efeito sonoro desejado. Do mundo do foley recebemos muitos dos truques mais conhecidos no som cinematográfico, como conchas de coco para o som de cavalos correndo, bacon fervendo para chuva. E muitos outros truques divertidos, mas super úteis para pensar que os artistas de Foley se desenvolveram ao longo dos anos e que nossos ouvidos como espectadores acabaram de se acostumar. Você pode estar se perguntando se o gravador de som e o operador da lança fizeram um bom trabalho durante a fase de filmagem, então por que precisamos foley em primeiro lugar? Bem, a realidade é que, durante a fase de filmagem, o gravador de som tentará capturar todo o som da melhor maneira possível. Mas sempre será dada prioridade ao diálogo. Se você viu nossas aulas sobre som de produção e pré-produção, saberá que existem muitos elementos diferentes que podem afetar o áudio durante as filmagens, incluindo ruídos de várias fontes que não pode ser controlado como tráfego, o passer compra ruídos eletrônicos, só para mencionar alguns. Portanto, as técnicas de gravação e o posicionamento do microfone sempre estarão focados em tentar capturar um diálogo limpo e nítido. Significa que, para esses ambientes barulhentos, capturar passos, roupas , movimentos e assim por diante, não é uma prioridade, mas é mal aconselhado ser honesto. Por esse motivo, se um gravador de som fez um bom trabalho, o que muitas vezes você ouve é diálogo muito claro com pouca nenhuma outra fonte de som nele. Em termos de orçamento, criar foley é uma parte muito padrão da pós-produção. E isso significa que os custos não são significativamente elevados em vez de ter que fazer ADR, por exemplo. Também tenha em mente que criar e foley na pós-produção pode realmente ser uma vantagem, pois permite que os designers de som controlem as circunstâncias em que esses sons foley são gravado, permitindo um som limpo que pode então ser transformado de qualquer forma desejada para fins de filme. 8. Edição de música: A música é um elemento muito importante da narrativa. Quando composto e usado corretamente, ele pode adicionar aos elementos viscerais de um filme. A edição de música é crucial, e é um papel que atua como uma ponte entre a equipe de som, o compositor de música e a imagem. Um editor de música ajudará o diretor a alcançar sua visão musical para o filme. E dependendo do tamanho do projeto, o editor de música trabalhará em estreita colaboração com o compositor, diretor e até mesmo o editor para alcançar um ritmo consistente que alinhe vídeo e música ao mesmo ritmo. Algumas das principais responsabilidades de um editor de música logo no início é criar uma folha de sinalização para os músicos ou compositores seguirem ao tocar a música para que ela corresponda ao ritmo de edição. Além disso, escolher e entender onde a música entra e sai de uma cena específica são decisões que um editor de música pode ajudar a tomar. Isso também se estende à utilização do silêncio de forma inteligente e quando há música que é originada de forma livre de royalties, o editor de música pode ajudar a decidir quais são as melhores peças de música para se adequar a cada cena e momentos narrativos importantes. Em projetos maiores, o editor de música trabalhará com o supervisor de música para finalmente realizar essa tarefa. Editar música é um processo complexo e bonito, que envolve não apenas o conhecimento do ritmo, mas também da composição musical e do estilo. Cortes e edições criativas para comprimir temas musicais relevantes, bem como para reunir frases de música que normalmente não estão em sequência de maneira perfeita, todos exigem esse conhecimento anterior. Veja os recursos da classe para ver um exemplo de edição de música e o impacto positivo no filme. 9. Tratamento de diálogo: Já discutimos a limpeza e sincronização do diálogo antes, mas há mais alguma coisa que possamos fazer com ele? A resposta é sim. O trabalho de um editor de diálogo vai além de garantir que todas as lacunas de silêncio sejam preenchidas e que o diálogo seja sempre inteligível. Como seres humanos, nossos ouvidos são projetados para reconhecer sutilezas em outras vozes de seres humanos. Podemos reconhecer intenção, emoção e até mesmo em determinadas situações, níveis gerais de saúde e condições médicas baseadas exclusivamente na voz. Ao trabalhar com diálogo, há muitos elementos criativos a ter em mente. Quem são os atores falando no palco e quais são suas motivações? Em um filme recente com o qual minha equipe e eu tivemos a chance de trabalhar. Tínhamos um personagem cujas qualidades eram encantadoras, inteligentes, tranquilizadoras. E isso apesar do fato de que o desenvolvimento de seu enredo acabou mostrando ao público que o personagem não era tão bom, afinal. Como tal, era importante garantir que a voz desse personagem fosse atraente e agradável aos ouvidos dos personagens. Para fazer isso, garantimos que uma mistura de EQ especial fosse criada para a voz desse personagem e uma para cada fonte. Então, neste caso, um microfone de espingarda e um microfone de lapela. O mix EQ ajudou a reduzir algumas das frequências mais estridentes na voz do ator. Enquanto aumenta sutilmente as bandas de média, média a alta frequência para dar à voz uma textura quente e de mel. Algumas opções predefinidas de reverb e compressão também foram criadas para esse personagem para garantir que a voz estivesse sempre suave e ainda presente. Por outro lado, um personagem diferente precisava fazer com que o público se sentisse desconfortável. E as características eram mais irritantes, petulantes e comoventes como tal, quase uma abordagem oposta foi adotada usando compressão e equalização para garantir que houvesse um ligeiro impulso na aquelas bandas de frequência com as quais nossas cavidades nasais ressoam quando as vozes são mais agudas e estridentes. Tudo isso tinha que ser feito de forma sutil, mas grande o suficiente o efeito foi sentido, mas o áudio não foi distorcido ou modificado de uma forma que fazia parecer esses personagens estavam em lugares diferentes. Este é apenas um exemplo de muitos sobre o que pode ser feito em diálogo para transmitir mais sobre os personagens. Se estiver fazendo ADR, você também deve levar isso em consideração para que, ao gravar, escolha o microfone e o equipamento certos o ajudem com esse processo. 10. Sons ambientais: Antes de me aprofundar na mixagem, quero falar um pouco sobre sons do ambiente. Foley, efeitos sonoros e música recebem muita atenção quando se trata de design de som. E por um longo tempo, e particularmente nos estágios iniciais do cinema e também com a ascensão da televisão. Os sons do ambiente eram vistos como enchimentos ou partes de áudio que podiam ser usadas para levar uma cama para o resto dos sons e diálogo, como uma forma enganar o ouvido para ouvir tudo no contexto. No entanto, ao falar sobre filme, ambientes podem empurrar a narrativa para a frente tanto quanto qualquer outro elemento sonoro. Porque o som ambiente é algo qual nossos ouvidos estão acostumados a interagir com o qual nossos ouvidos estão acostumados a interagir ou às vezes até negligenciar em favor dos sons falados. E a oportunidade é apresentada para usar ambientes para introduzir um elemento menos óbvio à narrativa. Mudanças suaves no tom da sala, introdução de elementos específicos no espaço, como farfalhar folhas ou cães latindo, grilos ou qualquer outro aspecto ambiental podem nos dizer onde estamos. E nos sinta subconscientemente o que está prestes a acontecer a seguir. Fenômenos naturais expressos através sons ambientais, como chuva, água corrente, vento frio ou quente. pode nos fazer empatia com os personagens na tela e definir o clima para uma mudança no conteúdo emocional. Por outro lado, o som ambiente também pode ser usado de forma muito mais avançada. Ambiências criadas com droons suaves, estrondos e até mesmo mudanças no vento podem ajudar a dizer abertamente ao público que algo ruim está prestes a acontecer. Mais atmosféricos artísticos são uma grande parte do que é feito filmes de terror, por exemplo. Uma coisa importante a lembrar ao trabalhar com ambientes é que, semelhante a um design de efeito sonoro, configurar um ambiente para uma cena pode exigir muitas camadas de gravações para alcançar o desejado efeito. Na vida real, nossos ouvidos estão constantemente recebendo muitas camadas de informações sonoras complexas. E nossos cérebros fazem o trabalho ou priorizam diferentes camadas, dependendo do nosso estado mental e dos contextos emocionais. Ao trabalhar com ambientes, estamos adicionando essas camadas e estamos fazendo a empolgante tarefa de escolher o que devemos priorizar para o público, adicionando significado e até mesmo entrando no psicologia do personagem fazendo isso. 11. Misturas: Uma das últimas etapas da pós-produção é a mistura. Neste ponto, todos os outros componentes que discutimos são reunidos e combinados pelo mixer de dublagem ou mixer de regravação. Durante esse estágio, o áudio é balanceado para criar mixagem final de áudio. Isso requer nivelamento em cada som de todas as fontes, efeitos, foley, diálogo, música e ambientes precisam ser misturados perfeitamente. É um processo árduo e longo, que requer o uso extensivo de automação e outras ferramentas, como EQ e compressão, para garantir que todos os sons relevantes possam ser audíveis, em vez de uma mistura de ruído a partir do qual nenhum detalhe pode ser separado. Juntamente com as decisões de nivelamento sobre o uso do silêncio, como discutimos anteriormente, também são feitas. O diretor estará envolvido em várias sessões com o mixer de som para garantir que a visão geral seja alcançada. O mixer de som também é responsável por ajustes como posicionamento e níveis de intensidade. Este último aspecto talvez seja um dos mais técnicos a ter em mente ao misturar. Som para fins de filme e qualquer material audiovisual que seja apresentado em qualquer meio seja ele cinemas, televisão ou plataformas de streaming , precisa ser medido em níveis de volume. Vários padrões foram desenvolvidos e devem ser seguidos de acordo com a plataforma em que o filme será reproduzido e sua localização geográfica. A verdade é que poderíamos dedicar toda uma classe aos padrões de volume e à preparação de misturas para sua reprodução em diferentes mídias. E teremos um curso focado nessa área no futuro. Mas, por enquanto, vou me concentrar em dois padrões usados para projeção de filmes no cinema. O EBU R 128, o ATSC. Antes de fazer isso, acho importante falar sobre volume e como ele é diferente do volume. Volume, que é um conceito que usamos em diferentes contextos e muitas vezes é simplesmente colocado, a medição científica do poder no som. Falamos de volume quando regulamos o nível em que o som é reproduzido em nossos computadores ou televisores, podemos aumentar o volume e, como resultado, ouvimos o som chegar mais alto. A intensidade, no entanto, é uma coisa muito diferente. Refere-se à nossa percepção subjetiva do som e é uma coisa muito mais complexa de se medir. Isso ocorre porque não apenas a amplitude e a potência do som são medidas, mas também a frequência, composição e duração. Por exemplo, a maneira como percebemos o quão alto é um som de tom alto versus um som de tom baixo é muito diferente. E tenha isso em mente. Isso é apenas um som, adicione os milhares de sons juntos que você estará ouvindo em um filme. E isso se torna uma provação totalmente diferente . Padrões para medir o volume em salas de projeção de cinema já foram desenvolvidos e testados. O mesmo se aplica aos padrões para plataformas de streaming on-line, players de mídia em computadores e televisão. que nos leva de volta à EBU, R 128 e ao ATSC. Ambos são padrões de volume que garantem que os mixers de som sigam um protocolo para que todos os filmes publicados no cinema tenham o mesmo volume percebido por toda parte. O EBU R 128 é o padrão europeu. Enquanto o ATSC, que significa Advanced Television Systems Committee, é mais comumente usado na América. Seus níveis de volume são medidos em LA UFS ou LLF KS. que significa uma unidade de volume, varia apenas em um ou dois pontos. certo que alguns pontos É certo que alguns pontos mais altos na Europa do que na América e isso tem a ver com a construção média das salas de cinema e equipamentos de projeção e aspectos muito mais complexos que nós não entrará nesta aula introdutória. É suficiente saber que os plugins de volume padrão do setor vêm integrados a essas medições já existentes. Por exemplo, insight, que é um plug-in Mastering de uma empresa chamada Izotope, esse nível de mensagem em seu projeto de acordo com o padrão de sua escolha. Izotope não é a única empresa que produz esses tipos de ferramentas de medição. Temos Waves, Nugen Audio e muitos, muitos outros. Um filme deve ter um nível médio de programa de cerca de -27 LF KS com um pico verdadeiro de -1 dB no máximo. Ambas as medidas serão mostradas em seu plug-in, então tenha cuidado com o filme se ele estiver acima ou abaixo desses níveis e ajuste, se necessário. Orelha e experiência também são úteis, pois os ajustes exigidos pelos padrões precisarão do mixer de som para fazer uso de seus ouvidos, de modo a não perder o efeito desejado quando estiver apenas no geral níveis. Uma vez que o filme é misturado. A próxima parte depende da sua plataforma de distribuição. Se o seu filme for exibido em cinemas comerciais, é muito provável que seu filme passe por codificação e a criação de um pacote de cinema digital seja necessária. Veja nossos recursos do curso para saber mais sobre as especificidades de um pacote de cinema digital, que pode precisar ser criado se você estiver enviando seu filme para dizer, festivais internacionais de cinema. Para um filme de orçamento maior, seu filme ao lado da mistura sincronizada pode ser enviado para uma instalação de codificação de cinema digital para criar um DCDM ou mestre de distribuição de cinema digital. Mas este é um tópico mais avançado que entraremos em mais detalhes sobre cursos futuros. 12. Considerações finais: Chegamos à conclusão desta aula. Parabéns e obrigado por fazer esta viagem comigo. Espero que o que abordamos aqui tenha dado uma visão geral de como o som de pós-produção é crucial para o sucesso de qualquer filme. Mas também que você achou os conceitos aqui e o ofício tão interessantes e tão bonitos quanto eu. Nós abordamos conceitos básicos sobre sincronização de som, como limpar e tratar o diálogo, bem como como o design de efeito foley e sonoro funciona. Também aprendemos sobre mixagem e preparação de um filme para som e sua distribuição. No futuro, lançaremos novas aulas com conceitos muito mais avançados sobre pós-produção de áudio. E entraremos em ainda mais profundidade sobre técnicas específicas de edição e design de som que podem ser usadas ao trabalhar em uma variedade de gêneros de filmes. Em nossos exercícios e recursos do curso, você encontrará os materiais para concluir seu projeto de aula, que veremos você limpando, editando e realizando nivelamento básico em uma cena do documentário 'Finding Sid'. Além disso, você encontrará mais alguns exercícios opcionais para praticar efeitos sonoros e camadas de ambiente. Por favor, compartilhe os resultados com o resto da classe. Boa sorte, e te verei de novo muito em breve.