Transcrições
1. introdução à mídia mista: Olá e bem-vindos ao meu estúdio. Meu nome é Kendyll Hillegas e sou artista no Illustrator. Eu uso Mixed Media para criar pinturas realistas de pessoas, alimentos, plantas ,
animais, praticamente qualquer coisa que você possa pensar, eu uso Mixed Media para desenhar ou pintar. Em um nível de linha de base de Mídia Mista é uma categoria realmente ampla que significa apenas, qualquer peça de arte que tenha sido criada usando mais de um tipo de mídia. Então, como você pode imaginar, essa é uma categoria realmente grande. Pode incluir muitos estilos diferentes, muitos tipos diferentes de desgaste. Para os propósitos desta aula, vamos estreitar nosso foco um pouco. Eu vou realmente zero em aprender a usar estrategicamente Mixed Media para alcançar um trabalho realista ou para resolver problemas artísticos específicos. É assim que uso Mídia Mista como ilustrador profissional. É a técnica que eu uso em praticamente todo o meu trabalho e eu estou animado para compartilhar essa técnica com você porque entender e usar Mixed Media desta forma, a maneira que eu faço como um ilustrador profissional, pode fazer quatro muito incrível coisas para você. Número 1, ele permite que você tenha a liberdade de escolher a melhor ferramenta para o trabalho em vez de ficar preso apenas com uma única ferramenta e Número 2, que a capacidade de escolher o que funciona de forma mais eficiente, vai inevitavelmente torná-lo mais eficiente em seu processo artístico. Quanto mais familiarizado você se familiarizar com esta forma de trabalhar, mais eficiente você será com seu tempo no estúdio, o que significa que você pode criar peças acabadas de trabalho mais rápido. Número 3, ele permite que você salve ou continue trabalhando em peças que você poderia ter considerado uma causa perdida. Por exemplo, você pode chegar ao fim do que é possível com uma única mídia, mas se você é mente aberta o suficiente e capaz de incorporar 1, 2,
3, até mesmo 4 outros tipos de mídia, você pode resolver todos os tipos de outros problemas em sua peça e finalmente chegar a um estado de conclusão que não teria sido possível com apenas uma única mídia. Por último, mas não menos importante, é claro, é muito divertido. Trabalhar em Mixed Media pode ajudar você a trazer um verdadeiro espírito de experimentação e exploração para o estúdio, que pode ser realmente gratificante e útil quando você está trabalhando nas artes criativas. Nesta aula, vamos aprender a usar Mídia Mista
nesta forma de foco realmente estratégico em primeiro lugar, tendo uma discussão sobre os diferentes tipos de mídia que estão lá fora, e depois uma visão geral das diferentes características, os pontos fortes e fracos de muitos meios de comunicação comuns. Número 3, uma introdução para combinar e colocar em camadas diferentes fontes de arte, ambas algumas das combinações comuns que eu sei que funcionam bem, que outros artistas também usam e também um processo para testar, e experimentar com novos combinações que você pode querer desenvolver a si mesmo. Número 4, eu vou descompactar como eu escolher qual mídia eu vou usar, quais combinações eu vou usar em uma determinada peça. Número 5 terá que narrar totalmente demos onde eu vou criar duas pinturas diferentes de Mídia Mista do início ao fim, cada uma
delas será feita com combinações diferentes, algumas das minhas combinações favoritas de Mixed Media para que você possa ver como faço alguns desses problemas de resolução e escolha de uma mídia específica para objetivos artísticos específicos. Agora, uma coisa a notar, o foco principal desta classe é a técnica real de Mixed Media e como
usá-lo para resolver problemas e aplicar a objetivos artísticos específicos. Então, não vamos repassar os conceitos básicos
como desenhar ou perspectiva, ou teoria de cores. Devido a isso, esta classe é provavelmente
mais adequada para artistas para ter alguma familiaridade e algum conforto naqueles lugares já e que estão procurando potencialmente expandir seu kit de ferramentas. Talvez, se você está acostumado a trabalhar em apenas uma mídia ou apenas quando mídia de cada vez e você quer aprender a sair disso um pouco,
e trazer outros meios de comunicação e misturá-lo, então esta aula é definitivamente para você. Eu diria que se você é um profissional ou um aspirante a artista, ou um artista de hobby, de qualquer forma, vai ser uma habilidade muito valiosa para você ter, porque se você é um profissional como eu, tempo é realmente tão Importante. Portanto, ser capaz de concluir o trabalho de forma eficiente e não ter que voltar atrás, e recriar o trabalho desde o início se você cometeu um erro ou bateu em um obstáculo, isso é tão importante. Mesmo se você é um aspirante a artista ou um artista de hobby, na
maioria das vezes você pode não ter tanto tempo quanto nós temos para estar no estúdio trabalhando em uma pintura. Assim, pode ser especialmente frustrante se você acabar tendo que começar novo ou trabalhar para várias sessões em uma pintura que você não é capaz de terminar. De qualquer forma, seja você um sob o espectro ou outro, essa habilidade é realmente inestimável para ter em seu kit de ferramentas. Depois de concluir este curso, você estará pronto para fazer o que eu faço para avaliar e
escolher estrategicamente diferentes mídias para resolver seus próprios desafios artísticos e objetivos. Com tempo e prática, você poderá trabalhar de forma mais rápida, mais eficiente e até mesmo com mais criatividade e potencial aberto. Espero que consigas sentir o meu entusiasmo genuíno pela Mídia Mista. Como eu disse, é o que eu uso em praticamente todo o meu trabalho profissional. Então é uma técnica com a qual estou muito familiarizada e muito apaixonada e estou animado para compartilhá-la com vocês. Então espero vê-lo na aula.
2. Tipos de mídia: Bem-vinda de volta. Nesta lição, vamos mergulhar na base de
uma boa prática de mídia mista e isso é uma compreensão de alguns dos diferentes tipos básicos de mídia. Antes de mergulharmos nisso, uma pequena ressalva muito rápida, e que é que existem muitos,
muitos tipos diferentes de meios feitos de diferentes pigmentos com diferentes ligantes, ativados com diferentes produtos químicos e usados com solventes diferentes. Basicamente, há muitos para que eu reveja todos os meios de comunicação existentes, eu nem conheço todos eles. Para nos mantermos focados, vamos nos concentrar em quatro famílias principais de tipos de mídia. Esses são mídia à base de óleo e cera, água e acrílico, mídia à base de álcool e mídia seca. Primeiro, óleo e cera. Geralmente estes são meios que exigem um solvente para misturar, embora às vezes eles podem ser um pouco misturados com fricção, e existem duas variedades principais nesta categoria. Um deles é o meio que são feitos com óleos ativos ou de secagem. Isso seria tinta a óleo ou barras de óleo, eles são realmente molhados e uma consistência cremosa e eles eventualmente secam até um acabamento muito duro. Em seguida, a outra categoria seria meios à base de cera de óleo que são feitos com óleos ou ceras inativos ou inertes. Isso seria pastéis de óleo ou cera ou lápis de cor à base de óleo. Em seguida, temos acrílico à base de ou meios ativados por água. Geralmente, esses meios só precisam de água para misturá-los ou ativá-los. Alguns exemplos de meios solúveis em água à base de água seriam aquarela, lápis
aquarela, tinta à base de água, acrílico, marcadores
à base de água e até pastéis de cera solúveis em água. À medida que passamos por esta lista, você verá que há alguns que poderiam se sobrepor ou transição entre duas categorias diferentes de meios, pastéis de cera
solúveis em água são um ótimo exemplo disso. Eles são à base de cera, mas a cera é solúvel em água, então eles poderiam de uma forma quase se encaixar em ambas as categorias. Próximo número três, mídia baseada em álcool. Como o nome sugere, geralmente estes requerem álcool para misturar e eles são um pigmento que foi encapsulado, dissolvido em base alcoólica. Alguns exemplos de meios alcoólicos seriam tinta alcoólica líquida, marcadores de
álcool como Copic ou Prismacolor. Certos tipos de canetas têm tinta alcoólica bem. Por último, mas não menos importante, o número quatro é meio seco. Geralmente, os meios secos só precisam de fricção para misturar. Alguns exemplos de meios secos seriam pastel macio, carvão vegetal, grafite, lápis, lápis Conte, aqueles poderiam se sobrepor com a mídia baseada em cera, bem como, e lápis de cor pode até caber nesta categoria tecnicamente porque você pode misturar especialmente certas marcas. Você pode misturá-los com fricção e eles depois de tudo muito seco, mesmo que eles estão em óleo ou à base de cera. Mais do que se sobrepõem lá como você vê entre diferentes categorias. Novamente, só para reiterar mais uma vez o que eu disse no início, há muitas, muitas outras variedades de mídia que não podemos rever hoje mas se você estiver interessado em usar alguns desses outros tipos de mídia, digamos, por exemplo, se você quer usar esmalte ou encáustica ou alguma resina vertida, você ainda pode usar as técnicas que vamos nas próximas lições para
aprender a avaliar esses meios e descobrir como e quando incorporá-los em uma peça
de obras de arte. Em seguida, vamos mergulhar nas características da mídia.
3. Características de mídia: Antes de escolher uma mídia para incorporar em sua arte, é importante considerar que cada tipo de mídia terá suas próprias características, suas próprias vantagens e desvantagens. Uma consciência destes permitirá que você escolha
o fornecimento de arte que é o mais eficiente, o mais eficaz para a tarefa, ou o problema que você tem à mão. Se você é alguém que já experimentou com um monte de diferentes tipos de mídia, você pode ter algum sensor, alguma familiaridade dos pontos fortes e fracos de diferentes meios de comunicação. Mas quero compartilhar com vocês 10 questões-chave que faço a mim mesmo quando estou avaliando mídia e tentando descobrir onde ela é forte ou onde ela é fraca para que eu possa saber a melhor maneira de usá-la no curso da pintura. Tudo bem. Essas 10 perguntas são: Número 1, que tipo de mídia é? qual dessas quatro famílias amplas se enquadra: óleo, água, álcool ou seco. Número 2, pode cobrir facilmente uma grande área de superfície? Número 3, pode facilmente desenvolver detalhes? Número 4, pode ser usado no meu substrato escolhido? Funciona na superfície em que estou trabalhando,
o papel, ou a tela, a madeira, o que quer que seja. Número 5, como é a textura natural da mídia? A maioria das mídias pode ser misturada ou suavizada, mas se você já experimentou com muitos tipos diferentes de mídia, você sabe que alguns se prestam a isso melhor do que outros. Ter uma compreensão do que o fornecimento de arte quer fazer, a personalidade natural que ele tem pode ser realmente útil. Número 6, como ele reage a camadas? Quantas vezes você pode colocar sobre si mesmo antes que a qualidade
da superfície em que você está trabalhando seja afetada negativamente ou antes que a cor fique enlameada. Número 7, quão fácil é misturar? Como dissemos há pouco, maioria dos suprimentos de arte pode ser misturado um pouco, mas há certamente alguns que são mais fáceis de misturar do que outros. Por exemplo, algo como a lavagem acrílica seca muito rapidamente, você tem que trabalhar muito rápido para misturá-lo, enquanto algo como tinta a óleo tem um tempo de secagem muito lento, por isso é muito mais fácil de misturar. Número 8, quão vibrantes são as cores? Você vai notar, quanto mais você trabalha, mais você experimenta diferentes tipos de mídia, que de mídia para mídia e, às vezes, até de marca para marca dentro de certos tipos de mídia, pode
haver uma ampla gama de vibração de cor. Ter uma consciência de quais cores são as mais vibrantes em que mídia, pode ser realmente útil. Número 9, quão fácil é misturar cores? Novamente, praticamente todas as mídias que você pode misturar cores de alguma forma, mas certas mídias é mais fácil de fazer do que outras. Por exemplo, com tintas a óleo e acrílico, maioria das vezes, são à base de pigmento, eles têm o pigmento puro neles e você tem mais flexibilidade e mais liberdade para misturar a cor exata que você quer em oposição a algo como um marcador, ou um lápis colorido, onde aqueles já são pigmentos ou misturas de cores, alguns dos que a mistura já foi feito para você e você tem que ter cuidado
para não incorporar muitas cores diferentes caso contrário, ele pode ficar enlameado. Outro aspecto que considero é, como é fácil criar uma paleta e depois reproduzir essa palete. vez, voltando ao exemplo de óleo e acrílico, se você criar uma paleta inteira com todas as cores que você precisa para sua peça com acrílico e você está pronto para ir, isso vai realmente secar muito rapidamente. A menos que você adicione algum tipo de agente que irá retardar o processo de secagem, você pode potencialmente gastar muito tempo misturando todas as suas cores, obtendo sua paleta apenas para a direita, e então só será capaz de trabalhar talvez um sentado com essas cores antes de tê-las secar. Enquanto que com óleos, você pode gastar a mesma quantidade de tempo misturando, mas eles estarão prontos para você usar em várias configurações, especialmente se você adicionar algum tipo de cobertura sobre o topo do seu paladar. Em seguida, lápis de cor na outra extremidade, esta é uma razão pela qual eu sou um fã de lápis de cor, mesmo que eles têm mais limitações em ser já misturado com eles mesmos, é que você pode simplesmente continuar voltando para eles uma e outra vez, Você não tem que se preocupar com eles secando. É uma categoria ampla, mas pensando na facilidade de mistura de cores e na facilidade de trabalhar com as cores que você misturou. Tudo bem. A última pergunta, o último atributo
é, é opaco ou translúcido? Quão transparente ou não é transparente?
4. Avalie o material: Então, para descompactar essas características um pouco mais, vou usá-las para avaliar e mídia que
usarei mais tarde em uma das demonstrações, aquarela líquida. Você pode adivinhar pelo seu nome, aquarela, que é um meio à base de água. Este é um pouco diferente do que a aquarela tradicional, seja a aquarela pan, ou a aquarela do tubo, onde o pigmento é suspenso em um líquido concentrado. Tal como a aquarela normal, é activada e misturada com água. Eu tenho uma pequena folha de amostras bem aqui e eu tenho que numerada dois a dez desde que eu já respondi a primeira pergunta, é uma mídia à base de água, e eu vou passar e testar cada dessas características em uma dessas pequenas amostras. Característica Número 2, pode facilmente cobrir uma grande área de superfície? Eu estou usando um pincel bastante pequeno aqui, mas eu vou apenas passar por cima, e nós podemos ver muito rapidamente que, como a maioria das tintas, como a maioria das aquarelas, é bastante fácil fazê-lo cobrir uniformemente e suavemente uma grande área. Número 3, ainda estou usando o mesmo pincel aqui. Mas o Número 3 é facilmente desenvolvido detalhe? como a maioria das aquarelas novamente, dependendo de como você aplicá-lo e da ferramenta que você usa, ele é muito capaz de desenvolver detalhes, obtendo linhas realmente finas. Estou usando um pincel tamanho 6 aqui, tamanho 6 marrom. Você pode imaginar, se eu estivesse usando um zero, um ou mesmo um dois, eu
seria capaz de obter um nível realmente refinado de detalhes aqui. Apenas uma nota pessoal, embora objetivamente eu possa dizer sim, aquarelas são boas para desenvolver detalhes, eu pessoalmente acho usar aquarela para desenvolver detalhes para ser bastante tedioso. Para mim, vou dar-lhe uma classificação mais baixa sobre isso, só porque eu sei que eu não gosto desse processo. Eu não gosto de usá-lo para isso, e isso é novamente, alguns dos benefícios que você vai obter quando você investir tempo em experimentos, compreensão e estar familiarizado com diferentes meios de comunicação. Você pode saber, óleos são realmente fáceis de misturar, mas eu realmente não gosto muito de trabalhar com eles. Tudo isso é um trade-off, e embora haja alguns elementos objetivos, como você pode ver, ele tem alguma subjetividade inerente. Característica Número 4, pode ser usado no meu substrato escolhido? Para efeitos deste teste, estou trabalhando em um pedaço de papel aquarela. Sim, pode ser usado neste papel aquarela. Mas apenas geral e consciência de aquarela líquida e a maioria das
aquarelas, eles geralmente precisam ser usados em papel, um papel aquarela especial, ou alguma superfície que foi preparada com um solo de aquarela. Eles não são como acrílico onde você tem quase uma flexibilidade infinita para usá-los em qualquer superfície que você quiser lá. Existem algumas limitações com substratos. Número 5, como é a textura natural? Eu diria que é muito parecido com a maioria das cores da água. Na minha experiência, é um pouco mais suave do que caneta aquarela e talvez até um pouco mais suave do que aquarela tubo
tradicional ou certas marcas de aquarela tubo tradicional de qualquer maneira, ele tende a secar a um bastante uniforme. Você pode realmente ver neste que eu fiz aqui, é bonito mesmo ele realmente não tem os efeitos de aquarela realmente forte que certos tipos de aquarela fazer. Mas dito
isso, ainda é aquarela, e ainda tem alguma imprevisibilidade, não
vai ser mesmo completamente suave como se você estivesse fazendo um lay-down opaco realmente pesado de algo como lavagem. Número 6, como ele reage a camadas? Anteriormente eu coloquei este quinacridone colorido, ponto de aquarela, e com aquarela, você pode realmente fazer muitas camadas porque é um meio muito fino, muito leve. Mas uma questão-chave com aquarela é, quanto e em que medida as camadas abaixo serão reativadas adicionando uma nova camada no topo? Vamos verificar isso agora mesmo. Eu só tenho um pouco de cádmio diluído no meu pincel, e como você pode ver, é realmente um pouco reativando em tudo. Há um pouquinho de reativação e não porque eu não deixei secar tanto tempo. Mas como eu mencionei, eu tenho um pouco de familiaridade com esta mídia já, e essa é uma das razões pelas quais eu gosto de aquarela líquida em oposição a outras variedades de aquarela como tubérculo palma, é que ele geralmente não reativa no papel uma vez que está completamente seco, o que pode lhe dar muita flexibilidade para diferentes tipos de camadas. Ele caminha, bem, não reativa o que está por baixo. Número 7, é fácil de misturar? Eu vou colocar um par de cores diferentes aqui em baixo. Estou fazendo o cádmio, agora vou pegar um pouco na quinacridona. Assim como a maioria das aquarelas, ele só pode ser misturado uma vez quando está molhado. Se estiver completamente seco, sua única opção para misturar arte é continuar adicionando outros esmaltes, para tentar misturar. A mistura no sentido tradicional de usar seu pincel na superfície para misturar as duas cores diferentes juntas, é bastante limitada a quando o meio está molhado. Além disso, como é aquarela, você tem esse elemento de imprevisibilidade. Quando você está misturando algo como acrílico, óleo, ou mesmo pastéis de óleo, por exemplo, você tem um pouco de precisão e você sabe exatamente a área que você está misturando, e você pode realmente se concentrar em algumas áreas realmente pequenas com aquarela. Se você está tentando misturar duas áreas diferentes de pigmento molhado, é um desafio porque é água e vai se comportar da maneira que ele quer se comportar. Eu diria que sim, misturando o possível com algumas limitações. Número 8, quão vibrantes são as cores? Essa é outra das coisas que eu realmente gosto sobre aquarela líquida é, as cores são apenas super, super vibrantes e eles não estão mesmo realmente vindo através da câmera. Mas particularmente, os vermelhos podem ser de cor complicada para obter vibração. Mas particularmente, os vermelhos têm uma qualidade luminescente muito agradável para eles. Então eu os classificaria muito alto na lista de vibração. Número 9, é fácil misturar cores? Nós já falamos sobre mistura e mistura significa como ele se mistura para mim, mistura significa como ele se mistura no substrato quando você está trabalhando? Mas falando sobre misturar cores, o que quero dizer é misturar cores na paleta. Vou mostrar-vos aqui, esta é a paleta em que trabalhei quando faço aquarela líquida. Para classificar isso em termos de quão fácil é misturar, eu diria que é possível misturar e você tem alguns pigmentos puros, que é realmente bom em termos de flexibilidade. Mas um desafio é que você pode ver que a cor realmente pode parecer um pouco diferente no poço do que quando está no papel. Por exemplo, aqui está a quinacridona, que parece muito escura e você nem sempre tem um bom senso de como ele vai ficar uma vez que está no substrato. Isso é especialmente verdadeiro se você estiver misturando algumas cores diferentes. Se você está usando algo que é apenas como cádmio reto ou quinacridona reta, você pode ter um bom senso já de como essas cores são supostamente para se parecer. Mas se você está misturando suas próprias cores, pode ser mais desafiador do que misturar com óleos, por exemplo, porque você tem que misturá-lo e então você tem que testá-lo em uma pequena tira de teste de papel para ter certeza de que você tem a cor certa . Então, além disso, enquanto eu amo que estes não são reativados quando eles estão em camadas, o outro lado do que é que eles não são realmente reativado bem na paleta é algo como a cor da água do tubo seria. Você pode reativá-los um pouco, mas então você tende a obter flocos de tinta e coisas que saem da paleta e podem enlamear o efeito disso. Então você tem que misturá-lo fresco realmente cada vez que você está usando ou você tem que colocar uma capa sobre a paleta. Eu diria, é certamente possível misturar cores diferentes, mas isso é uma troca com esta mídia. Eu gostei da vibração, eu gosto de quão bem ele camadas, eu gosto de como até a superfície seca, mas é um pouco mais desafiador misturar a cor. Acho que não precisava de uma amostra para o Número 9. Bem, a última característica é, é opaco ou translúcido? Eu desenhei um par de linhas com um marcador de afiador aqui e eu estou apenas pegando um pouco de turquesa fora da minha paleta, e nós vamos apenas colocar sobre as linhas, e você pode ver que é bastante translúcido, então isso não é um surpresa, praticamente aquarelas desta forma. Eu vou tentar pegar uma cor diferente e eu
vou obtê-lo realmente concentrado e não adicionar muita água. Isto é quinacridona. Agora está muito escuro, então o preto não está necessariamente estalando tanto, mas espero que você ainda possa ver que ele ainda é realmente muito translúcido. O preto ainda está mostrando através muito visivelmente. Então, mesmo que eu tenha uma aplicação muito grossa, aplicação
realmente concentrada, a opacidade verdadeira não é realmente possível com este meio. Estar ciente de todas essas características e ter uma familiaridade real com elas, vai me ajudar a tomar uma decisão informada sobre quando devo usar aquarela líquida versus outro tipo de aquarela, e quando e como devo combiná-lo com outras mídias para compensar algumas dessas áreas onde não é
tão forte como a opacidade ou talvez a capacidade de se misturar no substrato. Ter esse entendimento permitirá tomar decisões estratégicas e informadas. Para a Parte 1 do projeto da classe, finalmente
chegamos a um ponto prático aqui. Eu gostaria que você fizesse o mesmo que
eu fiz aqui ou você pode fazer um pouco de tira de amostra. Como acabamos de aprender, você realmente só precisa de oito quadrados e pegar sua tira de amostra, e as perguntas que temos, essas serão também nos materiais da classe, e avaliar o meio de sua escolha, ou Talvez até dois ou três podem ser algo que você já está familiarizado com. Você ainda não pensou de forma sistemática, ou pode ser algo que é totalmente novo para você, que você nunca experimentou antes. Nesse caso, você pode até precisar fazer mais
algumas amostras para realmente ter uma boa compreensão de como ele vai funcionar. Depois de terminar, por favor publique suas descobertas, talvez com algumas notas e respostas a essas 10 perguntas, juntamente com uma foto de suas amostras na seção do projeto da classe. Só um lembrete, mais uma vez que poderia haver alguma subjetividade real aqui. Podemos chegar a pessoas diferentes avaliando a mesma mídia e chegando a conclusões muito diferentes, e isso é tudo apenas uma parte do processo e será útil para todos na aprendizagem. Agora, finalmente, além do que você vai aprender sua própria experimentação e seus próprios testes e avaliação, eu fui em frente e juntei um pouco de um gráfico que vai sobre alguns dos tipos básicos de mídia, os tipos de mídia que eu uso com mais frequência, e meus rankings de cada uma dessas características. Então quais são realmente fortes e opacidade versus quais são realmente translúcidos, quais fazem muito bem com detalhes versus quais fazem muito bem em cobrir uma grande área de superfície, e você pode encontrar esse gráfico na classe seção de materiais também. Só mais uma tomada para a subjetividade. Esse gráfico é o que eu sinto sobre todos esses meios de comunicação, mas pode não ser necessariamente como você se sente sobre esses meios de comunicação. Pode ser um bom lugar para começar, especialmente se você é alguém que ainda não está familiarizado com muitos tipos diferentes de mídia. Mas eu ainda encorajaria você a fazer seu próprio processo de experimentação, avaliação, e descobrir qual mídia funciona muito bem para você da maneira que você,
você gosta de criar seu trabalho artístico. Em seguida, vamos mergulhar nas melhores práticas para combinar mídia.
5. Faça combinações e camadas: Agora que entendemos alguns dos pontos fortes e fracos básicos de materiais de arte
individuais e temos uma noção de como avaliá-los por conta própria. É hora de enfrentar o processo de combinação de mídia, que é realmente o coração da prática de mídia mista. A questão básica quando se trata de trabalhar em mídias mistas é, posso combinar X e Y? Praticamente sempre a resposta vai ser sim. É apenas sobre ir na ordem certa e trabalhar na superfície certa. Primeiro passo como determinar a ordem certa. Existem duas regras gerais. A primeira é que você quer usar qualquer coisa que possa ser misturado ou ativado com água primeiro. Aquarela, acrílico, lápis de aquarela e qualquer coisa que é a base de óleo ou cera segundo. Regra número dois, é usar mídia leve primeiro e mídia pesada em segundo lugar. Nesta situação, eu uso luz para significar que a mídia não enche completamente, não cobre totalmente o substrato. Por exemplo, se você estiver usando uma combinação de lápis colorido e aquarela, você usa aquarela primeiro, vez que é mais leve e preenche o substrato menos do que lápis colorido. Também é claro, porque a aquarela é base de água e o lápis colorido é à base de cera ou óleo. Se, por outro lado, você está usando lápis colorido e barra de óleo, ambos
são cera ou óleo à base, mas o lápis colorido é realmente o muito mais leve nesta situação. Uma vez que você coloca algo como uma barra de
óleo, tinta a óleo ou mesmo como uma aplicação realmente pesada de acrílico ou pastéis de óleo, a textura da superfície do que você está trabalhando vai ser tão cheia, que você não será capaz de adicionar algo que é inerentemente leve, como lápis colorido ou aquarela em cima dele porque não haverá lugar para ele ir. O segundo ponto geral é considerar o substrato. Pense na superfície em que você está trabalhando. Você precisa ter certeza de que a superfície em que você está trabalhando é apropriada
ou foi preparada e preparada e apropriada para não apenas o tipo principal de mídia que você está trabalhando ou o primeiro tipo de mídia que você está trabalhando com, mas com todos os outros tipos de mídia que você vai incluir também. Por exemplo, se você está começando com camadas de aquarela e você está trabalhando no papel e você quer adicionar algo como barra de óleo no topo, isso é possível. Mas esse papel primeiro tem que ser preparado e pronto para receber algo como barra de óleo que tem um óleo ativado ou de secagem nele. Este, como você provavelmente pode sentir, é outro tópico realmente grande. Poderíamos ter uma aula inteira apenas sobre o que a mídia funciona no que é substratos. Eu só vou tocar nisso como uma consideração importante e algo que você deve estar ciente quando fizer sua pesquisa, que é sobre o que vamos falar agora. O que fazer quando você deseja pesquisar uma nova combinação de mídia. primeiro passo é apenas para o Google. Há tanta informação útil lá fora online. Tudo, desde tutoriais realmente refinados e elaborados que vão sobre como combinar diferentes mídias, até apenas ler através de fóruns de mensagens e
olhar para perguntas que outras pessoas têm feito em coisas que outras pessoas experimentaram e tentaram. Isto é o que eu faço quando eu quero aprender a incorporar uma mídia. Eu só começo no Google. As três coisas para o Google são primeiro, usando X com Y, então usando aquarela com barra de óleo ou usando lápis de cor com pastéis de cera. Em segundo lugar, usar X em cima de Y. Isso é uma diferença fundamental lá, porque às vezes, como já discutimos, a ordem realmente importa. Usando X com Y, usando X em cima de Y, e por último, mas não menos importante, usando Y no substrato Z. Voltando ao exemplo inicial da aquarela e barra de óleo, salvar criou uma pintura em aquarela e você está pensando, bem, eu me pergunto se eu posso usar barra de óleo em cima disso são tinta a óleo em cima disso. Mesmo que atenda a esses outros critérios, mesmo que as cores da água mais leves, o óleo é mais pesado. Se o óleo não funcionar na superfície em que você teve a aquarela, você precisa encontrar uma maneira de preparar a superfície para se
certificar de que está pronta ou usar uma mídia diferente. Depois de ter feito seu googling, depois de ter feito sua pesquisa inicial, passo dois é sempre experimentar. Mesmo se você encontrou alguém que diz on-line, oh claro, não há problema, você pode usar tinta a óleo no papel. Você quer verificar isso por si mesmo. Você quer ter certeza de verificar outras fontes e você quer ter certeza de experimentar você mesmo. Eu sempre recomendo experimentar em pedaços de papel, assim como já fizemos. Eu acho que muitas vezes as vezes que eu estou na situação, as vezes que eu estou pesquisando. Posso usar o X com Y? Posso usar o substrato Y em Z? Esses são momentos em que eu já estou no meio uma peça e eu me deparei com um grande obstáculo que realmente
está me causando problemas e eu não consigo descobrir como resolver com qualquer um dos meios de comunicação que eu tenho ou usei atualmente. Faço minha pesquisa e em vez de pegar o que encontro online e usá-lo imediatamente na minha pintura, vou dar um passo atrás, mesmo que seja difícil de fazer e criar algumas amostras que replicam o que eu já tenho na minha pintura. Talvez eu já tenha feito aquarela,
lápis de cor e um pouco de acrílico. Eu vou recriar isso em uma amostra de aquarela cor lápis acrílico, e então eu vou testar esse novo meio no topo. Agora, à medida que você começa a fazer isso, medida que você realmente mergulha e faz mais e mais experimentos, você vai descobrir que há exceções a essas regras. Um que acabei de mencionar ali, às vezes vou usar acrílico em cima de lápis colorido. Mesmo que lápis de cor ou óleo ou cera à base. O acrílico tem um aglutinante tão forte que se houver um pouco da textura do substrato mostrando através, seja madeira ou papel ou lona, isso é suficiente para o acrílico se segurar e para mim funciona bem. Mas camadas de acrílico em cima de uma aplicação muito pesada de pastéis a óleo ou tinta a óleo seria problemático e provavelmente não funcionaria tão bem. Eu criei outro gráfico que tem algumas das minhas combinações favoritas pessoais para um pinturas de mídia mista, incluindo a ordem que eu usar as diferentes mídias e espero que este será outro bom recurso para você quando você está começando com sua experimentação e juntando suas próprias combinações. Deve apenas dar-lhe uma boa noção de alguns dos meus padrões e algumas coisas que outros artistas usam também. Eles podem te dar uma idéia de como montar uma combinação única que vai funcionar muito bem para você e sua pintura. Nessa nota para a segunda parte do projeto da classe, você provavelmente já adivinhou. Nós vamos fazer algumas amostras de mídia mista de amostra. Escolha um grupo de duas a quatro mídias diferentes, e você pode até fazer alguns agrupamentos diferentes e, em seguida, colocá-los de acordo com o que discutimos nesta lição. Primeiro à base de água ou álcool, óleo ou cera segundo, e depois leve primeiro e pesado segundo. Experimente combinações diferentes também, experimente diferentes espessuras e pesos. Você pode até tentar experimentar com uma combinação ou ordem que é totalmente o oposto do que acabamos de dizer. Talvez você queira tentar colocar para baixo uma aplicação realmente pesada de lápis
colorido primeiro e ver o que acontece quando você coloca a cor da água no topo. Tudo acontece aqui, isso é apenas experimentação e diversão, tentando descobrir diferentes combinações que você gosta que vai funcionar bem para você em seu trabalho. Certifique-se de deixar o que você criar, sentar e secar e relaxar por 24 horas, antes de tirar quaisquer conclusões. Se você estiver incorporando algo como tinta a óleo ou barra de óleo, talvez seja necessário deixar secar por mais tempo. A razão pela qual isso é importante é que às vezes, se você colocar algo para baixo em uma amostra de teste, ele pode parecer bom inicialmente. Mas depois de um tempo você pode ver que ele começa a descamar um pouco ou que há algum sangramento através de outros pigmentos ou outros meios por baixo. Dar tempo para realmente definir e secar e se tornar o que ele vai
se tornar é importante fazer antes de você decidir se ele vai funcionar em uma pintura real. Uma vez feito o seu compartilhamento suas amostras e suas descobertas, se você tiver quaisquer notas ou pensamentos na seção do projeto da classe.
6. Escolha da mídia: Bem-vinda de volta. O plano para esta lição é aprender a escolher seus médiuns com base
nos problemas artísticos que você quer resolver e nas ferramentas que você tem à mão. Eu quero alcançar x, qual meio é o melhor ajuste. Estamos prontos para fazer isso neste momento porque revisamos as famílias básicas de mídia,
as diferentes características de mídia
específica e como descobri-las por si mesmo, se você ainda não sabe, e as regras básicas para combinando diferentes mídias e como colocá-los em camadas para que a combinação. Para descobrir como fazer a resolução de problemas, eu vou falar através de uma das próximas peças de exemplo que eu vou fazer. Eu vou mostrar a vocês minha imagem de referência, e eu vou compartilhar meus pensamentos sobre qual mídia eu vou usar e por que criar uma pintura baseada nessa imagem. Aqui você verá por que é útil ter alguma familiaridade com a mídia ou ter avaliado e testado já. Porque quando eu chegar a este ponto em nosso processo, eu realmente preciso ter alguma clareza sobre quais ferramentas eu vou usar. Para começar, o que estou pintando, qual é o assunto? Tenho uma imagem de referência aqui no meu iPad de um beija-flor que está sentado em um galho. Pergunta número 2, em que tamanho vou trabalhar e em que substrato vou trabalhar? Já que isto é para uma demonstração, vou tentar fazê-lo no lado mais rápido. Eu vou ficar com um pouco de tamanho menor, provavelmente algo como seis por seis polegadas, sete por sete polegadas, e eu vou trabalhar no papel. Especificamente, eu tenho realmente pesado papel Fabriano prensado a quente, isso é ótimo para mídia de mistura. Número 3, o que eu quero alcançar esteticamente ou artisticamente? Tal como acontece com a maior parte do meu trabalho e com o meu estilo habitual, quero que seja muito próximo da realidade. Não estou apontando para hiper realismo, mas eu definitivamente quero que o espectador seja capaz de olhar para ele e ver que este é um beija-flor. Eu realmente gostaria de me concentrar em trazer alguns detalhes e um pouco de vibração. Então isso nos leva ao número 4, e são esses os problemas artísticos específicos que eu preciso resolver e que mídia devo usar para resolvê-los. Número 1, eu já toquei nisso. Eu tenho uma limitação com o tempo. Já que esta é uma peça de demonstração da classe, vou tentar mantê-la em menos de uma hora, o que é muito curto para mim. Normalmente minhas peças são no mínimo 3-5 horas e são muitas vezes mais de 10 horas. Então fazer uma peça em menos de uma hora definitivamente vai ser um desafio. Por causa disso, mesmo que não haja grandes áreas de cor neste assunto, ele vai ser bem pequeno. Eu poderia tecnicamente fazer tudo isso com bastante facilidade em lápis principalmente colorido com apenas algumas outras coisas adicionadas no topo. Mas como eu tenho essa limitação de tempo, já que eu tinha essa restrição de tempo, vai ser muito mais rápido se eu usar algo que
constrói uma área plana de cor muito rapidamente, como marcador ou aquarela nessas áreas. Eu tenho esta grande área verde, área bronzeada, área vermelha, marrom e marrom. Esses são apenas blocos de cores muito simplificados. Eu acho que provavelmente para esta peça, eu vou usar marcador de álcool. Vou usar marcador de álcool porque esta área aqui, esta pequena garganta de rubi na área. Eu quero que isso seja
realmente, muito vibrante e luminescente e apenas um vermelho muito claro, bonito e os marcadores de álcool que eu tenho, ter alguns vermelhos realmente agradáveis para eles. Então isso será o que eu usei para o meu marcador de álcool de camada base. problema número 3, é que há muitos detalhes nesta peça e eu quero capturar muito desse detalhe. Especialmente aqui de novo, nesta área da garganta, as penas realmente se sobrepõem. Eles se sentem quase como escamas em um terno de armadura, e eu quero capturar um pouco dessa textura. Eu acho que o que eu vou fazer para tornar
mais fácil para mim é trabalhar em cima do meu esboço. Vou entrar primeiro com algumas canetas muito finas. Eu acho que eu vou usar tanto micron ou mangaka marcadores canetas em vez disso, para apenas delinear alguns desses são detalhes realmente finos e eu provavelmente vou colocar em alguns
dos pequenos detalhes ao redor do olho, bem
como alguns dos detalhes da linha mais escura em Aqui. Ter essas coisas marcadas desde o início da peça, só
vai tornar mais fácil para mim manter um alto nível de detalhe mais tarde e fazê-lo de forma eficiente em termos de tempo. Meu quarto desafio é que eu posso ver que existem algumas áreas onde eu vou precisar
fazer luz sobre o escuro ou onde seria útil fazer luz sobre o escuro. Número 1, algumas dessas pequenas áreas bem aqui onde as penas menores estão se espalhando sobre aquelas penas marrons escuras. Então esta área aqui, isto vai ser realmente muito mais fácil de fazer se eu fizer luz sobre o escuro. Espero que esteja vindo por aqui, mas você pode ver que há alguns filamentos minúsculos de penas aqui que são mais leves do que o que está por baixo deles. Então eu poderia tentar fazer isso tudo adicionando nas partes
escuras com lápis colorido ou com aquarela, mas vai ser muito mais fácil se eu começar com apenas uma área plana e escura e, em seguida, adicionar um pouco de luz no topo. Então isso significa que eu vou ficar novamente com minha decisão inicial de fazer os marcadores de álcool como a base, e eu vou fazer lápis de cor em cima para adicionar um pouco dessa luz sobre o escuro, já que é realmente bom para fazer isso. Eu provavelmente vou usar um lápis colorido específico aqui chamado Verithin, que é feito por Prismacolor e é ótimo para apenas um realmente linhas finas. O último problema é que haverá alguns destaques brancos brilhantes. Então, alguns lugares no olho, no bico, talvez até aqui um pouco, precisam ter um realce branco verdadeiramente opaco ou destaques muito leves. Então eu provavelmente vou usar algo como guache para isso,
já que o guache é realmente opaco e eu sou capaz de colocá-lo em cima de tudo o que eu acabei de falar, um gouache à base de acrílico não um guache à base de água. Espero que isso lhe dê uma boa ideia do meu plano para esta peça. Vamos fazer o beija-flor com a primeira camada de marcador de álcool, na verdade provavelmente a primeira camada de caneta Mangaka, depois o marcador de álcool, depois lápis de cor,
e, em seguida, algum meio branco opaco no topo. Esse é o plano geral do jogo. Agora, para a parte 3 do projeto da classe é sua vez de selecionar seu assunto, e embora tenha em mente o que você sabe e testou sobre diferentes mídias até agora, invente um plano da mesma forma que eu fiz essas mesmas quatro perguntas. O que você está pintando? Qual é o assunto? Em que tamanho você vai trabalhar? Em que substrato você vai trabalhar? O que você quer alcançar esteticamente? Quais são os problemas artísticos que você precisa resolver? Qual mídia seria melhor para resolvê-los? Pergunte a si mesmo essas quatro perguntas sobre sua peça e um plano de jogo para criar sua própria ilustração de mídia mixada. É claro que compartilhe esses planos e a imagem de referência se você estiver usando a imagem de referência na seção do projeto de classe. A seguir, nas próximas duas lições, vou demonstrar o processo real dessas pinturas, então vou criar uma pintura desse beija-flor usando a mídia que planejamos e falamos. Então eu também vou fazer uma pintura adicional, um pássaro diferente, um pequeno Robin de peito vermelho, com um conjunto diferente de mídia e explicar essas escolhas também. Então, duas demonstrações ao vivo diferentes chegando nas próximas duas lições.
7. Demonstração: Hummingbird: Começando aqui, estou juntando as canetas e os marcadores que usarei. Como eu mencionei na lição anterior, meu plano é usar caneta de tinta e marcador de álcool e, em seguida, lápis colorido e gwash em cima. Aqui estou eu testando a espessura das minhas canetas. Como não é realmente possível começar levemente com marcadores, quero ter certeza de que tenho as cores certas. Então eu estou testando-os em alguns
do mesmo papel fabriano que eu estou usando para a ilustração real. Eu não tenho muitos marcadores desde que eu realmente só usá-los para coisas como este para camadas de base. Então eu estou apenas tentando encontrar as cores que eu tenho que são a aproximação mais próxima do que eu vejo na foto de referência. Eu provavelmente vou acabar usando algum combo destes. Começando com minha caneta Mangaka de um milímetro aqui. Estes são muito semelhantes aos microns, Eu só acho que eles duram um pouco mais e eles preferem a sensação de trabalhar com eles. Então eu estou apenas tomando meu tempo indo muito devagar e cuidadosamente definido na borda de cada uma dessas pequenas penas sobrepostas. Eles quase parecem escamas de peixe para mim, então eu estou tentando manter isso em mente enquanto eles trabalham em alguns deles eu estou realmente pontuando um pouco, modo que eu tenho uma indicação ainda mais fina, mais delicada da borda, Eu não quero ficar muito escuro ou muito ousado com isso. Aqui eu estou adicionando em alguma definição e sombras no olho e na
área do bico e eu mudei para uma das canetas de pedra, a versão de feltro ponta fina. Isso também é por Mangaka e adicionando algumas sombras sob o bico,
bem como algumas das sombras entre a asa eo corpo. vez para o Mangaka de um milímetro, usando meu toque mais leve para indicar onde as penas individuais se sobrepõem. Estou a tentar pôr isto onde quero que haja uma indicação de sombra. Eu não estou delineando cada pena porque novamente, eu quero que isso pareça relativamente realista. Começando agora com o primeiro dos marcadores Copic, estou tentando mantê-lo realmente suave inicialmente, que é praticamente sempre a minha abordagem. É mais complicado fazer com marcadores, mas eu só estou usando os mais leves que eu tenho primeiro para obter
a camada de luz inicial para baixo e apenas tocando nela. Em seguida, entrando com uma cor ligeiramente mais escura no topo para tentar adicionar um pouco mais de definição. Em seguida, aterrissando de volta sobre ele com a mesma cor mais clara que eu comecei com. Apenas aumentando gradualmente a profundidade
dos valores e tentando adicionar algumas das texturas plumas. Então, eu não vou repassar isso apenas em um bloco completamente sólido. Aqui você pode ver que estou começando a adicionar alguma complexidade de cor com o verde e, em seguida, adicionando um pouco de calor com o amarelo.Como você pode ver, o fato de que minha paleta com marcadores é tão limitado realmente os torna mais de um instrumento contundente. Mas eu não estou muito preocupado com o neon
neste momento já que eu vou ser capaz de adicionar muito mais tarde com os lápis de cor. Se você está olhando para a referência, você pode ver que o que eu estou colocando para baixo como apenas uma aproximação base das cores. Vai precisar de muito mais desenvolvimento mais tarde. Então eu estou continuando a adicionar as cores mais claras primeiro
nas áreas onde haverá algum gradiente mais tarde, de
modo que eu tenho algo para construir. Aqui eu estou indo direito em força total com um marcador marrom escuro para todas
as áreas que eu mencionei
na última lição que pode precisar ter a luz em camadas sobre o escuro. Eu estou adicionando em um realmente escuro cerco bem para algumas das áreas que são
escuras, mas têm mais de um tom esverdeado para eles. Agora estou começando na área da garganta. Começando com uma laranja ensolarada realmente brilhante como isso vai me dar um bom tom para o vermelho quente. Eu vou direto para cima das canetas Mangaka e eles vão ficar muito bem. Agora estou adicionando alguns outros tons de vermelho. Eu realmente quero que esta área pareça brilhante e brilhante. Eu não posso esquecer o ramo, então eu estou adicionando algumas camadas de fabricante aqui também. Eu realmente não estou muito preocupado com o desenvolvimento detalhado em qualquer lugar neste momento, já que isso virá mais tarde com os lápis de cor. Então agora estou fazendo a transição para lápis de cor. Estou começando com um tipo de lápis colorido aqui chamado Verithin e estes são feitos pela Prismacolor. Estou usando um marrom só para suavizar as bordas das linhas
escuras que fiz com uma caneta Mangaka. Estou usando o Verithin porque, como o nome sugere eles são muito finos e delicados e ótimos para trabalhos detalhados como este. Como eles são mais difíceis do que lápis de cor padrão bem, isso torna mais fácil para criar linhas
realmente delicadas e para evitar ficar muito escuro muito cedo. Neste ponto, eu decidi dar uma picada bem rápido com um marcador. Eu poderia fazer isso com alguns lápis de cor, mas o fabricante é mais rápido e acredite em mim a possibilidade de adicionar mais lápis colorido no topo mais tarde. Eu também estou trazendo alguns lápis de cor néon neste momento. Este cores minha arma secreta para a criação de lúmens em vermelhos, Eu estou começando muito leve inicialmente desde que eu não quero exagerar. Agora estou apenas a continuar a desenvolver detalhes. Estou saltando para frente e para trás entre usar lápis de cor escura em cima de áreas
mais claras e os lápis de cor clara em cima de áreas mais escuras. Para o corpo, há realmente um monte de neon e a cor que eu não era capaz de desenvolver bem com um marcador. Então, antes mesmo de eu realmente começar a adicionar detalhes estruturais, eu estou apenas fazendo alguns esmaltes finos com lápis colorido para ajustar a cor e empurrá-lo na direção que eu quero que ele vá. Aqui eu quero que seja um verde mais quente. Então eu estou usando a casca de limão de Prismacolor e novamente, saltando para frente e para trás entre a luz sobre o escuro e
o escuro sobre a luz e a área da cabeça para realmente desenvolver a estrutura em algumas das formas dessas penas. Agora, passando para mais ajustes de cor no corpo. Esta área é muito mais legal do que eu tinha inicialmente. A área na parte de trás da parte de trás. Agora estou começando a adicionar alguns detalhes emplumados. Eu não vou ser capaz de obter tão detalhado como eu geralmente gosto de uma vez que eu sou limitado no tempo, mas eu ainda posso dar alguma indicação geral
de algumas das formas maiores e estrutura das penas. Mesmo que eu use a caneta Mangaka para definir as bordas de algumas das penas na garganta e na borda da asa. Nesta área, quero que a definição seja muito mais sutil. Então eu estou apenas usando lápis de cor de tom médio para definir as bordas e manter longe de qualquer tinta ou marcador. Agora usando um pouco de luz sobre o escuro para definir, e então entrar com o escuro ainda mais escuro para marcar
as sombras na parte inferior da asa aqui. Agora estou de volta a usar seu Verithin novamente, usando-os aqui para me impedir de ficar muito escuro e para ser capaz de adicionar algumas das indicações suaves de onde as bordas das penas estão. Mais ajustes e desenvolvimento de cores adicionando um pouco mais de brilho para a garganta e alguns destaques para a parte de trás e bordas das penas, apenas usando um lápis de cor branca para esses destaques. Agora, neste ponto eu tive um pouco de um obstáculo em que eu percebi que eu não estava tão vibrante como eles queriam na parte de trás do pássaro. Eu já usei um monte de lápis colorido e como este é um papel quente pressionado ou liso, não
há nenhum outro lugar para o pigmento lápis colorido ir. Então eu preciso usar uma mídia mais pesada que ficará bem em cima do lápis colorido. Então este é um ótimo exemplo de uma solução de problemas de mídia mista em ação aqui. Neste ponto, eu poderia usar algo como gwash, já que é realmente brilhante e opaco. Mas o mais fácil seria usar pastéis de cera, que eu já tenho as cores exatas que eles precisam. Estes são semelhantes aos pastéis de óleo, mas eles são muito mais secos e a cera é solúvel em água, se você precisar disso. Eu só estou batendo nas bordas
das penas ao longo das costas onde eu quero um layout
mais brilhante, mais opaco de cor. Agora, se eu não estivesse usando várias mídias se eu estivesse realmente tentando apenas fazer isso 100 por cento de marcador ou 100 por cento de lápis colorido, eu teria ficado preso aqui. Mas por ter essa abertura para incorporar uma nova mídia, mesmo que não estivesse no meu plano inicial, eu sou realmente capaz de empurrar esta peça para toda a direção que eu quero que ela vá, mesmo no curto período de tempo. Por último, decidi usar caneta de tinta Sharpie para os pequenos destaques opacos. Acabei optando por isso por uma gwash, que era meu plano inicial. Porque neste ponto eu posso ver que meus destaques serão todos muito pequenos e brancos puros, então eu não preciso misturar uma cor personalizada que torna a caneta de tinta a ferramenta mais eficiente para o trabalho. Essa é geralmente a minha regra quando eu estou escolhendo a ferramenta que eu vou usar
, qualquer que seja a mais eficiente que vai fazer o trabalho exato. Então esta é a peça. [ MÚSICA] Acabou me levando mais perto de 90 minutos em vez de 60. Mas isso ainda é muito rápido para mim e, no geral, estou muito feliz com a forma como acabou. [ MUSIC]
8. Demonstração: Robin: Está bem. Estou me preparando para começar a segunda demo aqui. Vou trabalhar no mesmo papel, o Fabriano pressionado a quente. Mas desta vez, em vez de um beija-flor, vou pintar um pintinho. Este rapazinho aqui. Para este eu estou tirando alguma aquarela, minha aquarela hidrosa, a aquarela líquida, que é a mídia que avaliamos anteriormente na aula. Eu estou optando por usar a aquarela hidrosa desta
vez em vez de marcadores ou em vez de outra aquarela, porque com o hidro, eu vou ser capaz de obter um efeito mais suave do que eu poderia ter com marcadores. Particularmente se você olhar para a área do robin, a área do peito, eu quero ser capaz de usar algumas técnicas
molhadas sobre molhadas lá para realmente indicar um pouco daquela sensação macia e
plumas para ele. As penas deste pássaro parecem muito mais delicadas, muito mais fofas e macias para mim do que as do beija-flor. Aquarelas parece ser a melhor mídia para usar para isso. Eu tenho a mesma paleta que eu mostrei mais cedo e eu estou apenas adicionando um pouco de amarelo quente. Chama-se amarelo gamboge, mas é muito parecido com um cádmio. Eu estou adicionando isso à minha paleta e então eu estou testando novamente em outro pedaço de papel aquarela Fabriano. Assim como com o marcador, é muito importante testar as cores que você está usando relação à sua referência para ter certeza de que elas são o que você está procurando. Aqui eu quero começar com um tom muito amarelo sob, mesmo que eu vou, eventualmente, empurrá-lo para o laranja vermelho porque algumas das áreas mais leves das penas realmente ler como amarelo. Estou trabalhando em colocar isso com minhas aquarelas e deixá-la bem molhada e uniformemente. Então eu vou entrar com um pouco de molhado sobre molhado e uma cor mais laranjada
neste laranja Eu misturei apenas fazendo um vermelho quente no meu amarelo quente, apenas um pouquinho de vermelho quente. Então estou desenvolvendo um pouco de detalhe estrutural, nada muito refinado. Só estou tentando marcar onde estão as áreas mais escuras e onde estão as áreas mais claras. Então eu vou desenvolvê-lo mais tarde com lápis de cor, e então eu estou usando o mesmo vermelho alaranjado na cauda do Robin. Eu realmente adicionei um pouco mais vermelho para isso porque ele só parece mais dedinho para ser tão empurrado mais na direção vermelha. Agora estou começando a marcar onde algumas das bordas da pena, a pena marrom. Eu definitivamente vou empurrá-lo para a extremidade marrom do espectro, mas porque ele tem um tom alaranjado, eu estou usando essa laranja para ajudar a indicar onde os pequenos detalhes e onde os elementos estruturais estão. Mudei para um pincel muito mais fino. Este é um pincel forro, e eu estou usando isso para me permitir colocar em alguma indicação detalhada realmente fina de algumas
das penas cinzentas e a borda da ponta da asa. Então, desde que eu tenho o pincel para fora já, eu vou adicionar em algumas penas mais refinadas em cima também. Aqui você pode ver por que eu estou amando trabalhar com as aquarelas hidrosas. Eu sou capaz de apenas ir para cima daqueles pequenos detalhes que eu coloquei para baixo, e eu não perco nenhum dos detalhes. Isso só ajuda a reunir tudo nesta lavagem em cima. Mais uma vez, outra razão pela qual eu realmente amo aquarelas hidrosas. Tudo bem. Agora, mais detalhes e desenvolvimento de estruturas ao redor do olho. Na verdade, estou fazendo um desenvolvimento um pouco mais detalhado com uma cor de água do que eu fiz com o marcador. Neste ponto eu estou me preparando para fazer aquela técnica molhada sobre molhada que eu mencionei. Eu tenho um pincel de pena totalmente saturado, bem grande aqui, e eu estou apenas passando sobre o peito do Robin. Então eu misturei um tipo de cinza quente e eu só tenho um pouquinho,
minúsculo no meu pincel e eu estou apenas tocando
na área molhada para criar aqueles realmente belos sangramentos plumas. Então eu tirei um pouco fora com uma toalha de papel também. Isso é algo que você vai me ver fazer periodicamente com aquarela se eu ficar muito escuro. Apenas muito rápido e tentar dar um pouco com aquarela. Neste ponto eu estou sentindo que eu fiquei muito quente com o cinza. Então eu tentei misturar um refrigerador, mais cinza azulado. Estou usando isso para continuar com o desenvolvimento molhado e molhado da área do tórax. Neste ponto eu estou começando a tentar indicar um pouco mais da forma e da estrutura na direção das penas. Agora eu estou fazendo um pouco mais molhado sobre molhado ou me preparando para fazer um pouco mais molhado sobre molhado. O Robin, como você pode ver, está sentado em um pequeno pedaço de musgo. Acabei de molhar toda a área e vou fazer a mesma coisa que fiz com o peito do Robin. Estou só a mexer em pequenos pedaços de tinta e a deixar sair. Inicialmente, eu pensei que talvez fosse ir para aquele olhar gotejado onde a tinta é mais pesada em algumas áreas e mais leve e outras e pingando até o fundo. É o que estou tentando fazer aqui. Acabei mudando de idéia e decidindo apenas trazê-lo até o limite. Também estou amolecendo um pouco com uma toalha de papel. Eu não quero que esta área chame muita atenção para si mesma, já que realmente não é o assunto principal da peça. Tudo bem, neste momento, eu mudei para uma caneta Mangaka. Eu não estava planejando usar isso inicialmente. Eu estava pensando que eu ia fazer os detalhes escuros com aquarela, mas a aquarela está completamente seca aqui e é realmente a maneira mais fácil de fazer isso para este assunto. Estou usando isso em algumas das mesmas áreas. Usei o Mangaka no Robin, na área dos olhos e no bico. Agora estou pronto para passar para lápis de cor, uma divulgação completa. Eu fiz sopro seco isso um pouco para obtê-lo a secar mais rápido desde que eu estou trabalhando nessa restrição de tempo. Para esta peça, estou usando lápis de cor Caran d'Ache Luminance. Eles são, no geral, um pouco mais difícil. Eu sinto que eles são um pouco mais difíceis do que os Prismacolor. Algumas pessoas se sentem de forma diferente, mas na minha experiência são um pouco mais firmes do que a Prismacolor. Então eles vão ser um bom equilíbrio entre a Verithin
e o núcleo macio Prismacolor que eu usei para o robin. Estou começando na área da cabeça,
a área laranja avermelhada da cabeça. E eu estou desenvolvendo alguns detalhes, eu estou usando uma cor tipo sienna queimada ao redor do olho para obter um pouco dessa estrutura para baixo. Em seguida, saltando para frente e para trás entre isso e algumas laranjas diferentes e amarelos para tentar realmente amplificar alguns dos detalhes e nuance a cor um pouco. Eu já posso dizer que eu fiquei um pouco escuro demais na cauda, então eu estou indo com um lápis de cor branca para tentar iluminar isso um pouco, e então eu estou usando o mesmo lápis de cor branca
no peito do robin para tentar indicar algumas das áreas mais leves das penas. No geral, não há tanta variedade de cores nesta peça como havia no beija-flor. Então eu estou realmente colando naquela casa marrom, laranja, amarelo, roda creme da maior parte do topo do pássaro. A pena, a cabeça e o pescoço. Na verdade, a única área onde há uma cor significativamente diferente é o peito, que é mais daquele cinza legal. Neste ponto, eu estou tentando amplificar mais alguns
dos elementos estruturais das penas indo ao longo das bordas para realmente mostrar onde eles estão se sobrepondo. Aqui estou eu adicionando alguma sombra sob a pena principal descendo sobre o corpo do pássaro. Então eu também quero adicionar um pouco mais de sombra para a área do peito, uma vez que parece um pouco mais escuro para mim na referência, e eu quero dar a sensação de que as penas laranjas estão sobrepondo as penas cinzentas. Todo esse tempo eu estou trabalhando em pequenos traços circulares ou entrando como diagonais, traços
de lado a lado, muito pequenos para tentar indicar a forma de uma pena. Tudo bem, e agora eu estou adicionando alguns detalhes iniciais para as áreas de musgo, algum desenvolvimento inicial de cor e valor, apenas usando um verde musgo. Neste ponto eu estou sentindo que a peça precisa de alguma suavidade, particularmente no peito do pássaro. Na verdade, estou trazendo alguns pastéis suaves. Desde que eu tenho uma boa quantidade desses lápis de cor espaço de trabalho estabelecidos. Eu posso colocar para baixo uma camada leve de pastel macio, mesmo que este é um papel liso e misturado um pouco com um pincel totalmente seco, apenas para adicionar um pouco de suavidade. Novamente, eu poderia fazer isso com lápis colorido, mas acho que é mais fácil de fazer com pastel suave. Então eu estou escolhendo a melhor ferramenta para o trabalho e realmente aproveitando a mídia mista. Desde que eu tenho os pastéis suaves para fora, eu decidi ir em frente e usá-los nesta pequena área musgo. Uma maneira que eu posso fazê-lo para não se destacar muito é apenas tê-lo realmente desenvolvido muito delicadamente, muito suavemente e não ter muito detalhe evidente sobre ele. Eu só estou passando por cima com algumas camadas de diferentes pastéis suaves, alguns verdes musgos, alguns amarelos brilhantes, e depois um mais frio, quase realmente pálido, verde menta. Estou usando lápis de cor apenas em algumas áreas para adicionar sombra no desenvolvimento. Aqui para o marcador branco opaco, eu trouxe o meu Dr. Ph. Martin Bleedproof White. Eu só estou usando isso em um pincel quadrado plano para adicionar alguns realces brancos brilhantes muito agradáveis em cima da perna do pássaro, e então eu estou indo em um pouco de formas de V aqui através do peito do pássaro para indicar as bordas das penas . Claro, eu trouxe de volta minha caneta de tinta Sharpie novamente. Mais uma vez, eu poderia ter usado a prova de sangramento branco aqui, poderia ter trazido são realmente pincel minúsculo, mas eu já tinha um pincel sujo e apenas manter um olho no relógio e tentar fazer isso da forma mais eficiente possível. A caneta de pintura Sharpie vai ser uma boa escolha mais uma vez, para adicionar essas pequenas linhas finas e os pequenos pontos em destaques ao redor do olho e do próprio olho. Eu acho que a caneta de tinta Sharpie é uma ferramenta muito melhor para mim do que qualquer caneta gel. Eu testei várias canetas de gel, mas se você acha que você pode querer usar isso uma ferramenta, eu não posso recomendar a caneta de tinta Sharpie suficiente. É muito mais opaco do que mãos de trabalho. Dura mais tempo, não fica entupido como as canetas de gel fazem. É realmente uma ferramenta fabulosa. Está bem. Aqui está a peça acabada. Acabei usando aquarela, lápis de cor, pastéis
macios, branco à prova de sangramento e caneta de tinta Sharpie. Esta peça me levou mais tempo do que eu tinha planejado. Eu estava mirando por uma hora e isso foi quase uma hora e meia mais uma vez. Eu acho que eu sei que o mais rápido que eu posso fazer um pássaro é em cerca de uma hora
e meia, e eu poderia ter conseguido muito mais detalhes sobre isso se eu tivesse gasto duas, três, quatro vezes mais tempo, mas considerando que este foi um pequeno Robin rápido, Estou muito satisfeito com o que aconteceu.
9. Finalização e projeto do curso: Agora é a sua vez de juntar todas as peças, pegar tudo o que você aprendeu
nas lições anteriores e criar sua própria pintura de mídia mista. Após a Parte 3 do projeto da turma, que foi o que abordamos algumas lições atrás,
pegue sua imagem de referência e a lista de suprimentos do plano que você montou e realmente execute a pintura, e uma vez que você terminar , por favor, compartilhe seu trabalho concluído na seção do projeto de classe, bem como qualquer imagem de trabalho em andamento. Eu sei que recebo comentários o tempo todo de pessoas dizendo o quanto eles gostam de ver imagens de trabalho em andamento. Se você estiver postando na seção do projeto da classe, sinta-se livre para compartilhá-los também. É tão útil e interessante ver o trabalho de
outro artista quando ele está nos estágios intermediários e não está totalmente concluído. Ele levanta um pouco aquele véu misterioso. Aqui vai para que todos possamos ver e aprender,
e por todos os meios, por favor, compartilhar nas mídias sociais, bem, você pode me marcar, eu estou em Kendall Hill Haggis no Twitter e Instagram. Adoro ver o que você cria e adoro compartilhá-los, seja retuitando-os ou colocando-os em minhas histórias de instância, e, claro, se você tiver alguma dúvida, sinta-se à vontade para me avisar na seção de discussão da aula, Farei o meu melhor para respondê-las. Se você vir uma pergunta feita por outro aluno que você tem alguns outros pensamentos sobre ou que você tem alguma contribuição sobre,
por favor, sinta-se livre para deixar essa sabedoria lá também. Minha esperança é que a discussão em classe possa ser uma verdadeira discussão, um lugar onde as pessoas possam compartilhar algumas de suas idéias e aprender umas com as outras. Especialmente porque a mídia mista, como já discutimos, pode ser tão subjetiva e pode variar de artista para artista dependendo de sua prática. Muito obrigado por fazer essa aula, eu realmente aprecio você vir comigo e me deixar compartilhar algo que eu estou tão animado, tão apaixonado com você. Espero com a prática e o tempo que você venha a desfrutar e valorizar a mídia mista como uma ferramenta tanto quanto eu faço. e eu estou tão animado para ver o que você faz com ele.
Kendyll Hillegas, Artist & Illustrator
