Ilustração no Procreate: como desenhar personagens e ambientes

1. Introdução: [MÚSICA] Sempre que penso em ilustração, penso nisso como narrativa. Adoro me perder em todas as coisas mais pequenas, sair inspirado e levar todos de volta para minhas ilustrações. [MÚSICA] Oi. Sou Chaitanya Limaye. Sou ilustrador e contador de histórias visual. Tenho trabalhado como ilustrador independente há quase seis anos. Adoro dar vida a histórias e evocar emoções através da minha arte. Anteriormente, trabalhei como animador de personagens 3D. Eu tive a chance de trabalhar em filmes como O Livro da Selva, Guardiões da Galáxia, Cinderela e muitos mais. Tentei trazer essa experiência para minhas ilustrações quando estou criando meus personagens e ambientes que se sentem críveis e bonitos. Nesta aula, vou levá-lo pelo meu processo de criação de ilustrações [inaudíveis] no Procreate. A chave para tornar as coisas críveis é colocá-las em realidade. Observar as coisas que vamos atrair muito de perto, então, mesmo que elas não pareçam realistas, elas ainda são críveis, e isso nos permite essa liberdade criativa para acrescentar nossa própria imaginação e traga nossos espectadores para um mundo totalmente diferente. Vou mostrar a você como se inspirar no mundo que nos rodeia, que tem a maior parte dessa inspiração e, em seguida, começar com o processo real de criar miniaturas, depois entrar no esboço, e, em seguida, criar a ilustração completa que inclui a pintura dos personagens e do ambiente. Estou super animado para começar nesta aula. Então, vamos. [MÚSICA] 2. Analisando seu processo: [MÚSICA] Mesmo enquanto trabalhava como animador profissionalmente, eu continuei desenhando ao lado, embora não fosse uma exigência do trabalho, e eu realmente gostei muito de fazer isso. Eventualmente, comecei a postá-los no Instagram e foi incrível descobrir que há um lugar neste mundo para meu próprio trabalho pessoal e assim que comecei nessa jornada de ser um Illustrator independente. Ao começar um novo trabalho, tentei encontrar a ideia mais nova e nova que posso, mas encontrar alguma ideia original pode parecer extremamente cansativo e assustador. Agora acho que tenho a solução para isso, lembrando que nada é original. Tudo é uma mistura e combinação das coisas que vemos ao redor do mundo, tudo o que temos que fazer é focar nas coisas que observamos no mundo e tentar apresentá-las no mais pessoal perspectiva quanto possível. O que quero dizer com isso é uma ideia que já foi apresentada muitas vezes antes, ainda pode ser feita com um toque único que é muito pessoal para você, por exemplo, se você e um monte de amigos visite um lugar e veja o pôr do sol, quais elementos você pode escolher ao redor do pôr do sol, seriam muito pessoais para você e serão diferentes do que seus amigos podem estar percebendo. Acredito que o estilo é uma fusão daquelas pequenas escolhas que fazemos quando estamos nos expressando visualmente. Quando criança, eu também estava fascinado por histórias em quadrinhos e programas de TV e filmes animados e eles realmente informaram o senso de narrativa visual para mim. Mesmo agora, acho que meu estilo continua evoluindo pouco a pouco e isso acontece porque quero experimentar as coisas e isso só é adicionado ao estilo que construí até agora. Para lhe dar uma visão geral do meu processo, começo com um monte de observações, depois as destaco para algumas coisas que farão um novo ponto de vista para o público. É aqui que começo com muitas miniaturas. Agora, estes são esboços ou rabiscos muito rápidos, onde eu experimento com pensamento, tudo é possível neste desenho. Uma vez que eu tenho essa miniatura, entro em tornar o desenho muito apertado e limpo. Enquanto estou trabalhando nisso, tentei adicionar o maior número possível de detalhes para que pareça um mundo que existe além desse desenho. Agora, passando para a cor, tentei trazer a iluminação e torná-la o mais crível possível, mas elementos que as pessoas podem ter visto aqui ou ali como no mundo real ou em digamos até fotografias e todos esses elementos se reúnem para criar ilustrações imersivas. Acredito que o estilo é super subjetivo e o que funciona para você pode não funcionar para mim. Então, à medida que você acompanha essa aula, você não precisa desenhar coisas como dizer os olhos e as mãos, exatamente como eu, se você tem uma maneira que você gosta de fazer isso já, eu sugeriria que você fique com ela e misture isso com as coisas novas que você está aprendendo minha classe para fazer seu próprio trabalho único. Para a maior parte do meu esboço, geralmente uso algumas canetas de pincel alguns lápis e apenas papel comum. No entanto, para meu trabalho de ilustração digital, eu costumo ficar apenas com o iPad Pro e Apple pencil, e meu aplicativo favorito para usar nele é o Procreate. O que eu amo nessa combinação de hardware e software do iPad Pro e Procreate é que ele se sente super responsivo, quase parece desenhar diretamente no papel como com meio tradicional. Eu valorizo muito isso porque a última coisa que eu quero ao desenhar é qualquer atraso. Agora, isso é o que eu uso pessoalmente, mas independentemente do software ou hardware que você está usando para suas próprias ilustrações digitais, você ainda pode acompanhar esta lição e ver o que funciona para você. Na verdade, muitas dessas técnicas que mostrarei na aula também se aplicarão igualmente bem à mídia tradicional. Agora além da ilustração digital, adoro experimentar outras mídias, como aquarelas, tintas acrílicas e cores lápis. O que aprendi até agora é que sempre há algo a aprender diferentes técnicas e há uma finalidade na mídia estatística que não podemos encontrar na ilustração digital porque há um número infinito de desfazer e refazer que podemos fazer enquanto trabalhamos digitalmente, mas isso está totalmente faltando na mídia tradicional e isso realmente nos ajuda a planejar as coisas melhor e nossas ilustrações digitais melhor também. O projeto do aluno para esta aula será você fazendo sua própria ilustração e você pode acompanhar meu processo e escolher o que você gosta e gosta e adicioná-lo ao seu processo e faça dele o seu próprio. Vamos seguir em frente e descobrir como podemos tirar o máximo proveito de nossas observações, estaremos aprendendo a escolher essas pequenas coisas que trazem especificidade às nossas ilustrações. [MÚSICA] 3. Honra suas observações: Eu sempre me inspiro fortemente por muitas coisas que vejo por aí. Pode ser apenas pessoas, suas expressões faciais, sua postura, como elas fazem as coisas de forma muito única e também pelo meio ambiente. Coisas como luz, sombras que são lançadas por diferentes árvores e folhas. Sugiro que fique sempre atento a coisas que podem clicar espontaneamente com você ou se destacar de uma maneira diferente. Deixe-me mostrar alguns exemplos de minhas ilustrações e falar sobre como algumas observações as inspiraram espontaneamente. Alguns anos atrás, Ruja e eu viajamos para os Andamans e fomos neste desenho noturno muito especial onde vamos ver algas bioluminescentes na água. Agora, essas algas são extremamente pequenas. Eles são muito transitórios e têm um brilho muito leve, algo que não pode ser fotografado com nenhuma câmera. Essa foi uma experiência incrível e tive que trazê-la para minha tela, especialmente porque não pode ser contada de outra forma. Gosto de sair em longas caminhadas sempre que for possível. Em uma caminhada tão longa, eu me deparei com um velho cavalheiro que tinha, de todas as coisas possíveis, um farol que o ciclista poderia usar em sua cabeça. Este velho vestindo este incrível farol na cabeça era uma coisa muito única e se destacou muito imediatamente. Mas então nem todas as coisas são muito óbvias imediatamente. Temos muitas dessas plantas em casa em nossa varanda, e uma dessas plantas é a planta de algodão. Agora, isso pode não ser muito cientificamente preciso, mas o que observei é sempre há uma folha que aparece toda vez que há uma boll de algodão tentando protegê-la do Sol e dos elementos. Senti que isso é muito parecido uma pessoa cuidaria de alguém como seu irmão ou como seu filho. Foi isso que me inspirou a desenhar esta ilustração onde uma folha está cuidando da nova boll de algodão e a boll de algodão está olhando para cima de uma maneira muito fofa, muito carinhosamente para a folha, como o que uma criança olharia para a mãe dele. É importante olhar para as coisas cotidianas de maneiras diferentes e pensar sobre elas um pouco mais para que possamos chegar às partes pouco óbvias disso. Pessoalmente, adoro procurar simetria e padrões em coisas como árvores, flores, outras coisas na natureza. Eu acho que é importante ter muitas dessas observações para que elas formem um banco de memória. Uma vez que tenhamos esse enorme repositório de recursos visuais, sempre podemos retirá-los sempre que estamos trabalhando em algo e precisamos de algo que se encaixe perfeitamente. Quando você estiver observando o mundo ao seu redor, procure coisas muito específicas como as pessoas estão fazendo as coisas. Diga, você vê algumas pessoas que estão sentadas, primeira coisa que surgirá em nossa mente é que elas estão sentadas. Agora, precisamos nos perguntar como eles estão se sentindo? Todos têm uma maneira única de expressar fisicamente como estão se sentindo. Alguém pode estar se sentindo um pouco triste. Você pode ver isso pela postura deles. Depois de ter esse hábito de olhar para as nuances, você começará a perceber essas coisas mais obviamente também. Quando estou fazendo alguns recados ou sentado em um café ou restaurante, costumo olhar para as pessoas ao meu redor e observar essas coisas. Agora, compartilhar essas observações com você não seria possível, já que eu não tenho nenhuma foto disso. Mas o que eu tenho é um quadro de um dos meus programas de TV favoritos, Breaking Bad. Aqui temos esses dois personagens sentados em um sofá e ambos parecem bastante relaxados à primeira vista. Eles parecem muito amigáveis. Se você olhar de perto, notará que a pessoa à direita está mais relaxada enquanto a pessoa à esquerda parece rígida, e vemos isso pela postura corporal. A pessoa à direita tem essa curva agradável que eu acho que está passando por seu corpo que nos diz que ele está se sentindo mais livre enquanto a outra pessoa está parecendo muito rígida. Você pode notar que seus ombros também são bastante rígidos, e isso nos diz que provavelmente a pessoa à esquerda não está muito confortável nesse cenário. Essas nuances que podemos pegar quando estamos olhando as coisas de perto. Para este próximo exemplo, vamos fazer um pequeno exercício divertido. Vou deixar essa imagem na tela por alguns instantes. Vamos dar uma olhada nisso de perto e ver quais nuances estamos percebendo nisso. Então vamos ver quais são essas observações que eram em comum e quais são as coisas que você pode ter escolhido e eu poderia ter perdido. Quando olho para esse quadro, a primeira coisa que percebo é que ambos parecem bastante interessados nessa conversa. Isso é evidente pelo fato de que ambos estão inclinados um para o outro, mas quando você começar a olhar de perto, você notará que a mulher à esquerda tem os dedos amarrados juntos, e isso lhe dá um sentimento tenso. Ao mesmo tempo, a pessoa à direita, embora esteja inclinada para dentro, você pode ver uma certa quantidade de rigidez e retidão em sua postura, o que dá a sensação de que ele está tentando domine essa conversa. Se você olhar ainda mais perto para os rostos deles, então você notará que seu rosto parece bastante chocado como se seus olhos estivessem bem abertos, suas sobrancelhas também estão tensas. Seu rosto, você vai notar que sua mandíbula é bastante apertada e ele quer dizer algo talvez malvado, e suas sobrancelhas também estão tensas. Essas são algumas das observações que eu tive e estou curioso para saber o que você pode ter encontrado. Uma ótima maneira de construir seu banco de memória e gravar sua inspiração é fazer muitos esboços ao vivo. Eu tentaria gravar as pessoas enquanto elas estão se movendo. Essa é a chave para capturá-los em movimento porque isso acontece em uma fração de segundo, e mais você faz disso, mais seu olho ficará mais nítido para capturar o movimento. Sinto que agora que tenho muita experiência com esboços ao vivo, não faço mais muito disso. Geralmente confio em fazer anotações rápidas e também tirar fotos rápidas de algo que eu possa achar muito notável, e sempre posso retornar a ele se eu for desenhar algo baseado nisso. É importante apenas reunir e capturar essa ideia primeiro, e você sempre pode voltar e desenhar os personagens da maneira que você se sentir, eventualmente, quando você começa a realmente fazendo a ilustração. Às vezes, pode acontecer que você veja um momento muito interessante , mas você não sabe o que fazer com ele imediatamente. É melhor guardar isso para mais tarde, porque você nunca sabe que sempre pode revisá-lo e provavelmente descobrir uma história em torno dele, ou mesmo, de fato, adicionar alguns personagens e criar alguma química para adicionar um pouco de tempero e desenvolvê-lo em algo que você nunca pensou antes. Muitas das minhas ideias que percebi são de natureza muito visual, e isso pode acontecer muitas vezes que eu não tenho um caderno de desenho e uma caneta em mim. O que eu geralmente faço é fazer um rabisco rápido no meu telefone. Pode não ser bonito e eu definitivamente não me preocupo com o quão bom parece. Geralmente uso o Procreate Pocket no meu iPhone, mas se você preferir o Android, você sempre pode usar o Autodesk Sketchbook exatamente para a mesma coisa. Descobri que a luz é uma fonte útil de inspiração para mim. Continuo percebendo a luz atravessando árvores, galhos ou até mesmo saltando do chão da minha casa e lançando brilho interessante na parede. Todas essas coisas podem ajudar a colocar nossas ilustrações de maneiras diferentes possíveis. Um dia eu estava tentando pensar uma ideia para uma ilustração e acabei de me lembrar dessa loja de sapateiros que passei muitas vezes. Lembrei-me dela sentada com o cachorro, acariciando e me divertindo muito. Eu desenhei e percebi que está faltando alguma coisa, algo que poderia adicionar um pouco de magia a essa ilustração. Rapidamente percebi que está parecendo bem plano e leve faria esse truque. Eu pensei que a luz filtrar através das folhas seria a coisa perfeita para esse cenário porque a loja da senhora sapateira está bem embaixo de uma grande árvore. Eu adicionei essa luz em que podemos ver as sombras das folhas e ela simplesmente se encaixa perfeitamente. Adoro assistir filmes e notei que muitos deles têm uma cinematografia brilhante. Coisas como ângulos de câmera, paletas de cores ou apenas a forma como uma determinada coisa é enquadrada podem ser inspiradoras e sempre podemos trazer isso para nossas ilustrações. Mesmo com fotografias que você pode encontrar enquanto, digamos, você está rolando no Instagram, pode ter alguns elementos que você pode querer pegar. Para este exercício de aula, você pode ir ao seu lugar favorito, notar coisas que você gosta ou você pode querer desenhar e fazer anotações sobre ele. Então essas notas podem ser na forma de um texto ou apenas uma fotografia, ou mesmo se você não quiser sair de sua casa, você sempre pode encontrar inspiração em qualquer lugar. Basta assistir ao seu filme favorito e começar a procurar coisas que realmente lhe interessam. Pode ser o desempenho do ator ou a forma como a iluminação é feita, ou a paleta de cores da direção da arte e tal. Você também pode fazer anotações deles e obter alguma inspiração para o seu próximo trabalho. Agora vamos falar sobre como transformar sua inspiração e ideias em esboços. 4. Criando thumbnails: Qual é o primeiro passo que faço quando começo a começar minha ilustração? Penso nas ideias que tenho e, em primeiro lugar, faço a miniatura. Agora, o que é uma miniatura? Thumbnail é um pequeno esboço que é um lugar onde posso explorar a ideia em detalhes em termos de composição, ângulo, perspectiva, colocação de diferentes elementos, o posar do personagem e da história será altamente informada por essas pequenas decisões, todas elas se unindo. Eu posso apenas fazer muitas miniaturas se eu quiser e explorar ângulos de câmera BCL ou diferentes formas de posicionamento de diferentes elementos e, em seguida, será muito mais fácil para mim refazer sobre as coisas se algo não estiver funcionando. Tenho algumas ilustrações para mostrar e descrever o que fiz aqui. Vamos dar uma olhada neles. Nesta primeira ilustração, eu queria comunicar um humor muito terror porque esta era a capa de um livro de terror. Tentei minimizar o espaço para esse personagem, tentar fazê-lo parecer claustrofóbico e tentar esconder o rosto desse personagem para que ele se sinta muito misterioso. Outra coisa que eu fiz foi brincar com tantos elementos assustadores quanto possível, cabelos longos e loucos e um corpo semitransparente para esse personagem. Na próxima ilustração que tenho aqui, temos uma abundância de espaço porque há alguns personagens que estão voando sobre a cidade em um avião de papel e isso faz um clima bastante fofo. Eu queria ter certeza de que tudo parece brilhante e alegre e foi assim que eu pensei em adicionar os satélites abaixo e depois algumas nuvens sábias passem sobre eles para fazer com que se sinta ainda mais mágico. Agora, quando olhamos para os dois juntos, percebemos que ambos têm exatamente a mesma paleta de cores, e que é dourado e preto, ou dizem amarelo e preto, mas ainda assim dizem completamente coisas diferentes. Agora, isso é por causa das escolhas que fizemos quando a miniatura desde o início. É por isso que temos que prestar mais atenção às miniaturas, mesmo que pareça uma coisa descartável. Podemos usar diferentes elementos de composição como formas, tamanhos, contraste, linhas principais para informar a atenção do espectador e levá-los literalmente para onde você quer que eles olhem. Tenho uma foto aqui que desenhei onde um pai está apresentando seu filho pequeno às flores da primavera. Eu quero que a atenção do espectador chegue ao ponto em que o bebê está arrancando as flores, então eu estou usando diferentes elementos de composição como essas linhas da cerca ao lado deles e então eles se fundem nesta árvore e então eles levantam o bebê e depois se dobram nas flores. Da mesma forma, os outros elementos também, como o topo da cerca, também fazem isso. As mãos do pai também levam exatamente à mesma coisa, incluindo seus olhos e o outro lado da trilha também levará ao mesmo ponto. Desta forma, você pode ter todos os tipos de linhas diferentes que estão escondidas no lugar que levam exatamente onde você quer que o espectador olhe. Tenho outro exemplo aqui em que a comparação é bem interessante. Eu queria desenhar esse personagem cozinhando na cozinha e o espaço que eu queria mostrar era bem pequeno. Agora, o que eu pensei aqui é que provavelmente posso usar uma visão olho de peixe. Agora olho de peixe são uma lente específica nas câmeras, em que você pode comprimir um espaço e mostrá-lo mesmo em um enquadramento mais apertado. Eu queria dar essa sensação de espaço mesmo com uma visão muito próxima, e essa visão realmente ajudou e fez uma composição muito interessante. Outro fator importante a considerar ao compor imagens é pensar no ângulo do qual estamos olhando para a cena. Se quisermos fazer alguém ou algo parecer pequeno, podemos compor de um ângulo superior ou se quisermos que algo pareça bastante grande, então podemos compor ponto de vista de Moisés, olhando de baixo para cima. Você sempre pode pensar em como deseja que o espectador perceba as coisas e, em seguida, coloque a câmera de acordo. Outra coisa a lembrar ao trabalhar em nossas miniaturas é escala e proporção. Uma escala e proporção podem ser usadas de várias maneiras, uma das quais está adicionando profundidade a uma cena ou também podemos usar para adicionar diferentes níveis de importância a diferentes personagens ou elementos em uma cena. Aqui, eu tenho alguns casais carregando caiaques e decidi ter um deles na frente e ser grande para que a atenção do público primeiro vá para eles, mas eu também queria dar a sensação de que há mais pessoas como elas. Outra coisa geralmente importante que aprendi enquanto trabalhava como animador profissional é posar de personagens. Agora, há dois aspectos nisso. Um deles é clareza e comunicação e o outro é a mecânica corporal. Eu tenho um clipe aqui que animai anteriormente que vou usar para explicar isso para você, tenho esse personagem começando muito agravado e irritado com alguma coisa. Eu o coloquei de tal forma que ele está agitando os braços no ar e ele está pisando por aí e tal. Mais tarde, ele passa para a fase em que ele está implorando e sua espinha está dobrada e seus ombros estão inclinados também, tudo tentando dizer que ele simplesmente não está tendo um bom dia. Perto do final do show, eu o fiz parecer muito legal na forma como ele se move. Todas as formas são certamente simplificadas, como esta forma muito curva em sua coluna diz que ele se sente completamente relaxado, mas ele está se encobrindo para algo e isso é claro porque no final ele novamente volta a suplicar. O outro aspecto da posação de personagens é a mecânica do corpo. Há muitas pequenas coisas que acontecem no corpo, nos quadris quando estamos caminhando sem tropeçar e essa é a área da mecânica corporal. Quando estamos posando um personagem, é muito importante pensar onde está o centro de gravidade de um personagem para que se sinta crível que se sinta crível que esse personagem está realmente de pé e não está caindo. Eu tenho esse personagem no começo onde ele está de pé e a maior parte de seu peso está em seu quadril esquerdo e mais tarde enquanto ele se move, o peso muda para seu quadril direito e é assim que ele pode realmente se mover sua perna esquerda e depois entrar nessa pose. Então, novamente, quando ele está fazendo esse grande movimento, seu peso de repente muda para o quadril esquerdo novamente. Essas pequenas coisas, por mais pequenas que pareçam, são muito cruciais para representar um personagem. É por isso que é altamente importante empregar esses dois aspectos da posação de personagem para fazer com que nossos personagens se sintam críveis, e você pode ter certeza de que na próxima vez você definir para desenhe um personagem, você está pensando nesses aspectos também. Como mencionei anteriormente, muitas das minhas ideias são inicialmente gravadas como uma nota rápida ou algo assim ou uma fotografia, então quando estou começando a miniatura, eu olho para elas e depois começo a partir daí. Há também momentos em que acabo de começar a desenhar da minha memória. Na aula de hoje, estarei desenhando algo baseado em uma memória recente. Alguns dias atrás, fui a uma colina próxima e notei uma coisa muito fascinante. Havia muitos cães de estimação e muitos deles ficaram super felizes por estar ao ar livre e eles estavam puxando seus donos pela coleira. Pensei em capturar isso para aula de hoje, então vamos começar. A chave aqui é não se casar com a primeira ideia visual que aparece em sua mente, mas explorar opções e ver o que funcionaria melhor para ela. Estou pensando em fazer algumas opções antes de poder realmente começar com o desenho principal. Quero explorar como será de alguns ângulos diferentes. Um ângulo que eu estava pensando é da frente onde o cão provavelmente está liderando. Estou tentando fazer uma perspectiva forçada e tornar o dono realmente pequeno para dar a sensação de que o cão está realmente puxando extremamente duro na coleira e também criar essas linhas que também levar a atenção do espectador do dono para o cão e então eu provavelmente posso preenchê-lo com muita grama levando à direção dessas linhas que eu tenho. Para a próxima miniatura, estou pensando em manter as coisas mais simples. Vamos ver como funcionará para trazer o humor. Neste exemplo, estou tentando encenar tudo bem plano para o espectador, e já posso sentir que, se eu estiver indo para uma maneira um pouco bem-humorada, essa versão funcionará muito melhor em comparação com este, porque neste tudo começa a parecer super dramático e pode ser muito útil para algo que eu quero torná-lo muito pesado de ação. Talvez seja um enredo de uma história em quadrinhos de detetive ou algo assim, mas acho que é isso que eu vou ficar com este. Uma parte muito crucial do processo criativo é reunir feedback e depois aplicá-lo. A melhor maneira de começar, eu acho, é obter feedback diretamente das miniaturas. Quando fazemos miniaturas, não investimos muito do nosso tempo fazendo isso, e se houver algum erro ou algumas coisas não estiverem claras o suficiente, podemos facilmente descartá-los e começar de novo. Ao receber esse feedback e aplicá-lo, você sempre pode fazer ajustes e alterações para garantir que a história que você está contando seja contada da melhor maneira possível. Você também pode postar nos fóruns de discussão do Skillshare e receber feedback de outros alunos. Neste exercício de aula, você pode tomar a observação de mais cedo e, em seguida, desenhar miniaturas com base fora da cabeça. Ao desenhar essas miniaturas, você pode ter certeza de que a composição está fazendo o melhor possível para contar a história que você quer contar. Você pode refazer essas miniaturas repetidas vezes até ficar feliz com elas, e elas contam a história com a maior clareza possível. Depois de pousar em uma miniatura a qual você está realmente feliz, você pode tirar uma fotografia e continuar esse processo digitalmente. 5. Detalhando seu esboço: [MÚSICA] Muitas vezes quando tenho uma miniatura com a qual estou muito feliz e quase tudo foi trabalhado detalhadamente dentro disso. Vou pegar um piscar de olhos dessa miniatura usando meu iPad ou telefone e, em seguida, colocar uma camada em cima dela e, em seguida, diminuir a opacidade dessa camada de esboço e começar a desenhar meu desenho real em cima dela. Mas há alguns casos em que as miniaturas não são muito claras. Nesses casos, eu uso essas miniaturas apenas como referência e, em seguida, começo a desenhar novamente. Como você deve ter visto nas miniaturas para este desenho. Eu não tinha muitos detalhes para o personagem aqui e agora, enquanto estou fazendo o desenho real, vou desenvolver esses detalhes, especialmente as formas para o tronco e as pernas para que eles criem muito formas gráficas claras que podem apenas tornar o desenho muito agradável e divertido de se olhar. Então, com essas formas gráficas, estou tentando criar harmonia visual, pois existem algumas linhas que são muito longas e retas e depois há algumas linhas curvas, todas elas se unindo faça uma imagem atraente para olhar. É muito importante brincar com as expressões dos personagens e apenas certificar-se de que eles são super expressivos. Então, neste caso, estou desenhando esse personagem. O rosto dessa garota está mostrando um sorriso muito largo. Ela obviamente ama seu cão de estimação, mas ela também está irritada que ele está puxando ela todo o caminho e eu realmente quero destacar essa contradição com suas sobrancelhas ficando muito apertadas e tensa enquanto ela ainda tem um sorriso muito largo. Aqui, só estou brincando com a forma do rabo de cavalo dela. Quero ter certeza de que parece super cinético e bem no meio do movimento apenas para melhorar a natureza desta cena que ela está ficando seca. Então, enquanto estou trabalhando no cachorro aqui, só estou trabalhando na mecânica e na anatomia das pernas também. Então, às vezes, pode acontecer que eu não saiba quais músculos um cão usaria e como seria estrutura óssea deles e como posso torná-la crível. Nesses casos, é melhor procurar referências. Com referências, geralmente costumo começar com uma ideia primeiro, então a armadilha com começar a procurar referências antes de ter uma ideia clara da sua ilustração é que podemos acabar sendo escravo dessas referências. Eles certamente podem limitar muito nossa criatividade e imaginação e essa é a última coisa que queremos como ilustradores. Às vezes, quando eu quero aprimorar a precisão da anatomia de um personagem, a melhor maneira é apenas configurar um tripé e configurar câmera do meu telefone em um temporizador automático e depois ser meu próprio modelo e filmar eu mesmo. Dessa forma, posso ter referências exatas do que estou procurando. Também ajuda a descobrir poses que eu poderia não ter imaginado, mas me sinto muito bem para o desenho. Agora vou seguir em frente e detalhar o resto do esboço. [MÚSICA] Uma característica muito legal do Procreate que eu amo é a forma rápida. Se eu estou planejando desenhar uma linha muito reta, normalmente tem que ser desenhado à mão livre mas como você está percebendo, às vezes, pode acontecer que ela está saindo ligeiramente curvada. Mas se eu quiser tê-lo precisamente reto, então o que posso fazer é desenhar uma linha e depois segurar a ponta do lápis na tela e seguida, ela é convertida uma forma rápida que é uma linha reta. Então, uma vez que eu o deixo lá, ele se torna parte do esboço. Da mesma forma, se eu fosse desenhar uma elipse, posso desenhar uma elipse e depois segurá-la para que eu obtenha uma elipse perfeita usando esse recurso e, novamente, da mesma forma, se eu quiser desenhar um círculo sem ter que desenhar um círculo perfeito, eu posso fazer elipse assim apenas segurar com o lápis na tela e com o dedo colocar minha mão na tela e então ela se torna um círculo. Posso dimensioná-lo como quiser e, em seguida, deixar o lápis fora da tela para que eu possa colocar o círculo na tela. Portanto, isso é super útil para desenhos especialmente técnicos. Quando estamos trabalhando na parte do desenho, temos que garantir que ela pareça anatomicamente correta. Uma maneira de verificar isso é fazer uma pausa e olhar a imagem depois de um tempo e então você começará a perceber erros muito rapidamente. Outra maneira de fazer isso mais rapidamente é ir para a opção “Tela” aqui e depois usar a opção “Virar Horizontal”. Então, se eu fizer isso, ele vira a tela e repente começarei a perceber coisas que talvez não tenha notado antes. É apenas algo a ver com nossos cérebros que, se começarmos a olhar para os erros por muito tempo, eles começam a parecer corretos, mas se certamente olharmos para eles de um ângulo diferente , perspectiva diferente, ou simplesmente virar a imagem, então você pode começar a ver problemas com ela. Então, se eu sentir que os olhos não estão exatamente olhando para o personagem, talvez eu apenas ajuste a linha de olhos um pouco e então acho que estaremos prontos para ir. Então, uma vez que eu tenha feito os ajustes, vou virar horizontalmente para trás novamente e estou volta onde comecei com a linha de olhos correta agora. O que vou fazer a seguir é pegar todas as minhas camadas de desenho e combiná-las em uma única camada e então colocarei uma camada abaixo dela e diminuindo a opacidade desse desenho camada para cerca de 30% que eu possa iniciar o processo de coloração na camada abaixo. Para este exercício de lição, você pode fazer o desenho real com base na miniatura que você escolheu. Além disso, você pode adicionar muitos detalhes com base em sua observação. [MÚSICA] 6. Explorando o painel de cores: [MÚSICA] Antes de iniciar o processo de coloração, adorarei levá-lo pelo painel de cores Procreate e mostrar como escolho cores. Quando vamos para este canto e tocamos no botão do painel de cores, podemos ver esta visualização de disco , em que podemos ver toda a gama de todos os tipos de uso, e então podemos escolher o tom exato disso matiz particular, dependendo da leveza ou escuridão e bem como da saturação ou dessaturação. Depois, há também essa visão clássica em que você pode ser mais preciso sobre suas escolhas e decisões. O que temos aqui é um controle deslizante para selecionar uma tonalidade em particular, e então também temos esse controle deslizante em que posso selecionar e escolher a quantidade de saturação ou dessaturação que eu quero, e então eu tenha este lugar para escolher o tom. Agora, tom ou valor é apenas outra palavra para a quantidade de escuridão ou leveza em uma imagem específica. Esses controles deslizantes se combinam para nos dar a cor exata que estamos procurando, para que possamos escolher diretamente assim ou podemos ajustá-lo especificamente ao que queremos. Às vezes, queremos tornar algo um pouco escuro e também um pouco mais saturado, digamos, para criar uma sombra particular de objeto. Então, nesse caso, o que vou fazer é absorver a saturação um pouco mais e adicionar um pouco mais de escuridão a ela. Mais uma sombra que eu quero às vezes eu posso fazer mais da escuridão, e também mudar a saturação dependendo da iluminação que eu quero na cena. Aqui temos esta guia Harmony dentro do painel de cores, que é excelente e um recurso muito legal do Procreate, onde podemos selecionar e criar diferentes combinações de cores imediatamente a partir deste painel. Isso é algo que se precisaria planejar e fazer tradicionalmente, olhando amostras de cores diferentes, mas a característica incrível do Procreate é que ele é integrado e ajuda a fazer esse processo muito mais rápido. Se eu estou procurando o tom de cortesia para um tom particular de verde, então eu posso usar esse método e obter o tom exato oposto de vermelho. Também podemos conferir outros esquemas de cores, como dividir complementares , em que temos uma cor e, em seguida, duas cores, além da cor exata oposta desta. Aqui eu tenho laranja, depois estou recebendo cor ciano e depois azul, e eles juntos farão uma combinação de cores realmente incrível. Então, para experimentar a escuridão, eu também posso escolher, digamos, essa laranja brilhante e depois ficar mais escura e depois usar essa laranja brilhante junto com este ciano e azul, que são versões mais escuras do eles mesmos para criar algo interessante. Da mesma forma, também temos o esquema de cores análogo, neste esquema, podemos selecionar qualquer uma cor e, em seguida, ela nos dá cores que acabei de enviar para ela, e esperando em pequenas quantidades que nós pode obter uma ligeira gradação. Depois, há um esquema de cores triádico, que é como um triângulo na roda de cores, o que também é uma maneira legal de colorir seus desenhos. Além desses esquemas de cores que discutimos, a coisa mais importante que acredito na escolha de cores são cores quentes e frias. Todas as cores adjacentes ao laranja, modo que seriam vermelho, laranja, amarelo são conhecidas como cores quentes porque exalam calor e, da mesma forma, todas as cores que estão adjacentes ao azul são conhecidas como cores frias porque elas têm esse efeito de resfriamento que vemos na natureza. Pode parecer muito simplista que cores específicas sejam quentes e um conjunto específico de cores seja legal. Mas mesmo dentro de uma cor fria, sempre podemos ter cores mais quentes também. Digamos que vou fazer uma grande parte da minha ilustração na cor azul, mas mesmo dentro disso, posso ter essa nuance de ter poucas partes da ilustração mais quente, então eu posso ir mais em direção ao amarelo, e então essas partes de azul começarão a parecer mais quentes e, em seguida, peças ainda mais azuis podem parecer ainda mais frias. Podemos misturar e combinar aquecimentos e esfriar para criar essas combinações de cores interessantes, e também dar uma sensação de luz do dia ou diferentes tipos de iluminação em nossas ilustrações. [MÚSICA] 7. Colorindo seu fundo: Para minhas ilustrações, geralmente costumo escolher mais cores naturalistas. Acredito que eles funcionam melhor com o tipo de ilustrações que eu faço. Muitas cores já são conhecidas por ter um certo efeito no espectador. Digamos que seja algo como vermelho. Vermelho é a cor da paixão, do perigo e o azul pode dar uma certa quantidade de frieza a uma imagem, possamos escolher cores para criar um clima exato que queremos passar para o espectador. Além do humor, outra coisa importante é a iluminação da cena. Tenha em mente que é a hora do dia que estamos escolhendo para o nosso desenho. Ele também nos fala sobre a fonte de luz. Normalmente, existem duas fontes de luz diferentes. Uma é a fonte direta e a outra é fonte de luz difusa. Uma fonte direta de luz é o sol. Você notará que as sombras lançadas pelo Sol são muito específicas e muito nítidas, enquanto que com um dia nublado, você notará que todas as sombras que estão sendo lançadas são bastante difusas e suaves. Temos que fazer uma escolha com que tipo de iluminação e cenário de sombra queremos ter em uma foto. Neste primeiro exemplo, escolhi a hora do dia para ser o nascer do sol da manhã. Neste exemplo, você notará que as sombras lançadas pelo Sol na parte de trás são extremamente nítidas, e também são altamente contrastantes com a luz solar que está se espalhando nas folhas de grama ao redor isso. No próximo exemplo, você notará que é outro cenário semelhante. Temos a luz solar entrando durante um nascer do sol de uma janela em um avião. O que é diferente aqui é que como se trata de um cenário interno, a mesma luz solar não está saltando de diferentes superfícies e isso faz com que as sombras fiquem muito mais difundidas. Você notará que a luz que está saltando de diferentes superfícies também está iluminando as sombras e fazendo essa escolha no início informará como fazemos as sombras e o resto da iluminação também . Se você olhar para as sombras e compará-las, notará que as sombras, em um cenário em que a luz é difusa, não são tão contrastantes e também informam como escolhemos a saturação de matiz e o brilho dessas sombras. Usar a luz é uma ótima maneira de direcionar atenção para a atenção para os personagens que queremos destacar. Em ambos os exemplos, estou usando a luz solar dessa maneira. Você pode notar que o fazendeiro aqui e seu cachorro na parte de trás também estão se iluminando pelo sol que vem de trás e que os ajuda a se destacar do resto da cena à esquerda. Da mesma forma, no outro exemplo, tenho os rostos do personagem se iluminando pela luz do sol entrando. Nesta foto, os rostos são a parte mais importante que eu quero destacar e a luz ajuda dessa maneira. Acho que quando estamos pintando da imaginação, iluminação é uma daquelas coisas que podem ser muito difíceis no começo, porque nossa mente não tem um pool de recursos suficiente para retirar. Uma vez que tenhamos uma prática de olhar para muitas imagens ou observar a luz em nossos arredores, acho que ela virá muito mais naturalmente e podemos criar iluminação em tempo real. Como mencionei inicialmente, costumo ir com cores naturalistas, mas também é importante lembrar para mim que eu tinha essa licença criativa para escolher e escolher essas outras cores que podem fazer e dê esse humor exato que eu quero ir. Vamos começar com o processo de coloração real para essa ilustração. Uma das perguntas mais frequentes no meu Instagram é quais pincéis eu uso? Eu tenho um monte desses pincéis MaxPacks que recebi deste site chamado MaxPacks e também uso um monte de pincéis padrão que vêm com o Procreate. Gostaria de destacar que os pincéis não são a coisa mais importante no processo criativo. Você pode escolher qualquer tipo de pincel, o que funciona para você. A primeira coisa que eu enfatizo é colorir o fundo porque todas as outras escolhas, digamos que os personagens, os outros objetos dentro da cena, são fortemente informados pela iluminação que é criada já em segundo plano. No início eu costumava fazer os personagens primeiro, porque eu costumava sentir que isso vem mais naturalmente para mim, mas então eu sempre acabava entrando em um local onde o fundo não está combinando com o personagem e então eu tive que fazer sobre o personagem novamente. No começo, geralmente começo bloqueando as formas maiores para o plano de fundo. Vou usar esse pincel chamado Nikko Rull, que vem por padrão no Procreate. Mas você vai notar esse pequeno no final e isso é porque eu dupliquei esse pincel. Eu costumo personalizar meus pincéis um pouco para que eles me deram aquela maneira exata de trabalhar, o que eu prefiro, em comparação com a forma como o pincel vem como padrão. Geralmente começo escolhendo uma cor dominante, e depois procuro outras cores que possam funcionar bem com ela. Para começar, quero um tipo lamacento de olhar para o fundo. Vou preenchê-lo com um bronzeado acastanhado de cor e, em geral, vou para esses pincéis grandes para que eu possa fazer isso mais rápido. Porque vou com um fundo lamacento, o resto das cores que eu vou também ficar lamacento. Vou criar outra camada. Eu costumo fazer isso para que todas essas camadas separadas tenham cores diferentes e seja muito mais fácil voltar e ajustar algumas coisas se eu não gostar delas. Isso realmente ajuda muito se você conseguir manter as coisas mais organizadas em camadas. Não exagere as camadas porque quanto mais camadas você tiver, as coisas ficam muito complicadas e não precisamos dessa complexidade desnecessária enquanto trabalhamos em nossas fotos. Depois de bloquear as formas grandes em segundo plano, começo adicionando um pouco de sombras e realces para começar a adicionar dimensões a ele. No começo, vou escolher um tipo azulado de sombra aqui e usar o mesmo pincel, provavelmente reduzir o tamanho e também reduzir a opacidade. Tenho essa foto de referência em que clico nesse local. Eu queria capturar essa luz naquele momento específico, e era um R dourado, pouco antes do pôr do sol. Tinha essa bela luz alaranjada que estava saltando da parede. Eu queria trazer esse tipo de sensação para essa ilustração. Vou começar adicionando alguma dimensão pronta a ela usando esses poucos traços. Esses traços, não estou sendo muito preciso com eles inicialmente porque tudo o que quero fazer é dar a sensação de que esta superfície não é super lisa ou limpa. A natureza vertical dessas pinceladas também dirá ao espectador que são manchas muito rochosas. Uma das coisas muito legais que eu gosto no Procreate é o fato de que ele tem uma UI muito minimalista e este painel na lateral é tão fácil de manipular e apenas muda o tamanho do pincel ou a opacidade. Quando eu terminar fazer a parede de rocha na textura traseira e não tão limpa, vou começar a usar o pincel guache suave 1 aqui, que posso usar para adicionar muitos detalhes muito rapidamente e crie formas menores que se assemelham a rochas. Eu também percebo que, houve essas pequenas mudanças nas cores das rochas e eu quero trazer esse visual para essa imagem também. Eu fui com verde opaco, que é verde muito chato. Estou adicionando traços aleatórios aqui e ali para que se sinta mais como a parte inferior de uma enorme rocha. Estou muito feliz com o que tenho agora para a base da estrutura rochosa. Agora vou adicionar muita luz solar a ele. Para isso, vou criar outra camada e vou usar um tipo de cor laranja aqui. Não quero que fique super saturado porque a luz do sol que estou mostrando aqui agora não é super nítida naquele momento. É menos brilhante e tem um tom mais vermelho e laranja do que amarelo. Vou procurar algo entre aqueles e algo entre aqueles e algo que não está acima do topo saturado, mas em algum lugar no meio. Talvez eu possa ir para esse pincel anterior novamente, que eu possa fazer esses patches maiores com uma velocidade melhor. O que estou procurando são as superfícies que estão olhando para o Sol. Estou deixando de fora áreas nas quais quero ter sombras. Isso imediatamente começa a dar um nível de contraste à imagem e depois começa a torná-la também dimensional. Eu me certifico de que toda a paleta de cores não pareça super saturada porque isso pode parecer muito amador. Outra coisa é que, se tudo for o mesmo nível de saturação, o olho do espectador não pode ser realmente direcionado. Ter certas partes dessaturadas pode realmente ajudar nesse caso. Depois de terminar a parte dominante do fundo, começo com as outras partes menores. Estou trabalhando na grama na parte de trás aqui, apenas adicionando algum tipo de textura para dar aquela aparência de grama seca. Dependendo da natureza da luz, escolho as cores que escolho para os destaques e sombras. Como você deve ter notado aqui, estamos usando uma grande fonte de luz solar brilhante aqui, que fica perto do r dourado. Vai ter muita influência amarela em todos os destaques dos objetos. Para esses destaques quentes, estou tomando essa cor local do objeto. A cor local é a verdadeira cor de um objeto sem muita interferência de luzes externas. Eu pego essa cor, que é verde-oliva, e depois estou adicionando mais brilho e saturação. Se eu estiver movendo o seletor para a direita, ele está adicionando saturação e se eu estiver movendo meu seletor para o topo, ele está adicionando o brilho. Estou adicionando um pouco de ambos e provavelmente mudo o uso um pouco mais para amarelo. É assim que estou recebendo os destaques vibrantes brilhantes da minha folhagem na parte de trás. Geralmente, eu os faço muito rapidamente. Agora que eu tenho esse grande arbusto feito na parte de trás, estou apenas adicionando um pouco de reflexão porque este é um pequeno lago que eu queria mostrar. Só usarei as cores do arbusto acima. Uma coisa importante a lembrar é que temos que nos concentrar no que queremos que nosso público se concentre. Se você quiser que o personagem seja o foco principal de uma ilustração, o plano de fundo deve ter detalhes menores. A quantidade de detalhes é um grande fator diferenciador entre as coisas que o público analisará cuidadosamente e não olhará. Quanto mais detalhes, mais vai atrair a atenção do espectador. No caso desta ilustração, quero que esse personagem que está sendo arrastado por esse cão de estimação seja o foco principal dele. Vou manter o fundo super simples, simples possível. Estou adicionando essa textura ou apenas como uma variação de cores para a grama em primeiro plano. Anteriormente, aprendemos que, se cada cor também tem seu lado frio e quente. Se eu quisesse fazer algo quente, escolherei algo assim, que ficará mais próximo do amarelo, mas quero que essa parte da cena esteja nas sombras. Esta sombra está sendo lançada por outra parede do outro lado e é por isso que a maior parte da luz que está atingindo nesta parte virá do céu, que é fortemente influenciada por azul. É por isso que vou buscar um verde um pouco mais frio e também dessaturado, está quase parecendo cinza, então acho que isso funcionará melhor para mim. Gosto da cor que encontrei aqui. Vou começar a trabalhar em toda a grama e garantir que o fundo pareça coeso juntos. Lembro-me que esta colina tinha muitas árvores no topo, então vou desenhar rapidamente algumas delas. Vou começar com o mesmo tipo de cor sub-verde, novamente indo com o pincel menor. Agora que acabei com as árvores, estou muito feliz com o fundo que tenho aqui, mas adoraria mostrar uma ferramenta que é muito valiosa. Isso é algo que eu não uso constantemente, mas definitivamente uso isso se eu quiser ajustar, digamos, a escuridão de pares de cores, a tonalidade ou a saturação. Você pode começar fazendo uma seleção em uma parte de uma camada ou escolher essa camada inteira para fazer esse ajuste. Você pode ir para este menu, ou seja, Ajustes e, em seguida usar saturação e brilho. Você terá este painel onde você pode ajustar todas essas três coisas. Se eu fosse fazer essas árvores no topo todo tipo de aparência legal, então eu farei esse controle deslizante ir para a direita, e agora elas parecem mais legais. Se eu quiser fazê-los parecer mais quentes, moverei esse controle deslizante para a esquerda e da mesma forma. Se eu quiser deixá-lo mais escuro, posso usar essa ferramenta. Se eu quiser fazê-lo sair com muita saturação, posso adicionar um monte dessa maneira. Mas neste caso, estou muito feliz com o que tenho, então não vou usar esses ajustes. Vou desfazê-los usando um único toque de dois dedos para que ele volte rapidamente para onde eu estava. Seu exercício para esta lição agora é pintar seu plano de fundo e pensar nos conceitos que acabamos discutir sobre cor e luz. Lembre-se de que esse fundo estará a serviço da história dos personagens e não deve dominá-los. 8. Colorindo seu personagem: [MÚSICA] Agora que tenho o plano de fundo pronto, quero começar a trabalhar para colorir meus personagens. O primeiro passo para mim é entrar nas camadas e depois selecionar todas elas juntas. O que vou fazer é selecioná-los deslizando com o lápis e agrupando-os juntos. Uma vez que eu tenho isso, posso escondê-los facilmente e tudo o que recebo é o personagem para trabalhar com foco total. A primeira coisa que vou fazer é bloquear formas. Vou apenas preenchê-los com uma cor muito plana. Agora, essa cor não precisa ser a cor final que você pode querer para essa forma específica ou parte do personagem. É apenas algo que o ajudará lá para o processo. Vou apenas selecionar o tom de pele e, em seguida, usando esse pincel menor, vou marcar as formas. Agora, esse processo pode parecer muito cansativo porque você precisa fazer com que as bordas pareçam nítidas e limpas e precisa usar o mesmo pincel para preencher tudo. O que você pode fazer alternadamente é apenas marcar o contorno usando a forma ainda mais nítida do pincel. Apenas usando o tamanho do pincel. Basta arrastar a cor no meio e mantê-la pressionada. Certifique-se de que o lápis superior não saia da superfície e acerte para que ele se encha sem inundar a tela inteira. Você notará que ele foi preenchido corretamente, mas ainda tem algumas seções restantes. Isso acontece porque há muitas mudanças na opacidade à medida que estamos usando o pincel. Podemos simplesmente preenchê-lo e garantir que ele pareça nítido e limpo. [MÚSICA] Agora concluí o bloqueio em todo o personagem. Este é o momento perfeito para começar a trabalhar nos detalhes faciais. Vou apenas ampliar e, em seguida, usar o pincel pequeno novamente, vou desenhar os detalhes da expressão. Este é o estágio final para acertar os detalhes. Se você não está muito feliz com o que tem, basta apagar e depois desenhar esses detalhes porque, uma vez que completarmos os personagens estaremos terminando com a ilustração inteiramente. Agora eu completei todos os detalhes de suas características faciais. A próxima etapa seria ativar o grupo de segundo plano. Você pode ver essa contradição do personagem parecer super plano e o fundo parecer bastante detalhado em comparação com isso. O próximo passo seria entrar no personagem e depois começar a adicionar luz e sombras a eles. Como eu faço isso é, geralmente seleciono camadas específicas nas quais eu quero trabalhar, basta tocar nele e depois dizer “Alpha Lock”. A mesma coisa também pode ser feita simplesmente deslizando por essa camada usando dois dedos de cada vez. Isso também pode ativar o bloqueio do canal alfa. Basicamente, cada pixel é feito de quatro canais. Isso é o R, G, B e E. R significa vermelho, G para verde e B para azul e A para alfa. Portanto, alfa é um canal que controla a opacidade de cada pixel. Quando ligamos o Alpha Lock, estamos limitando todas as nossas ações quando estamos pintando sobre ele para a área em que já temos uma forma. Se eu fosse pintar algo sobre isso usando essa cor vermelha brilhante, você notará que ela pinta apenas dentro dos limites do que eu já tenho. Essa é uma ótima maneira de economizar muito tempo. Agora que sabemos o que é Alpha Lock, posso começar a mostrar como eu acendo o personagem. A primeira coisa que faço é passar por cima cada camada em que tenho algum tipo de bits do personagem, e então basta ligar o Alpha Lock, então não preciso me preocupar com isso mais tarde. Agora, se você olhar para esta cena que construímos, é que a luz do sol está vindo de trás do espectador, e está apenas lançando luz na cabeça dela e talvez apenas seu tronco superior, mas a maior parte disso outra seção estará nas sombras. Estando nas sombras, isso só terá essa nova clarabóia iluminando-a enquanto esta parte terá esta parte terá muito mais calor e brilho. Esta é a parte em que vou me divertir muito e acrescentar muita dimensionalidade a esses personagens. O que vou fazer é escolher a cor local que criei para o personagem, sinto que tudo está parecendo muito legal e azul demais, acho que posso adicionar um pouco mais de brilho e escuridão a ela. Vou pegar esse pincel maior e preenchê-la. Vou para uma cor ligeiramente subjugada e mais escura que, quando eu adicionar a luz ela faça com que essas partes brilhem. O próximo passo é ajustar a cor local que tenho. Só estou escolhendo essa cor que tenho. Estou me movendo em direção aos amarelos e também estou adicionando muito mais brilho a ele. Vamos experimentar isso. Sim, eu acho que isso parece bom. Dá uma sensação de luz caindo sobre ela. Normalmente, quando estamos lidando com lojas de entrada, temos que ter sombras muito nítidas. Mas, neste caso, a luz não é tão nítida. Ok, agora que tenho esses destaques, vou escolher a cor local e depois adicionar um pouco de sombras. Agora, há essa simplificação excessiva que às vezes as pessoas fazem, que as sombras sempre têm que ser legais e os destaques sempre precisam ser quentes, mas isso não é verdade. Depende inteiramente das cores que estão na iluminação naquele exato momento. Nesse contexto, as sombras receberão apenas luz da clarabóia acima. Ainda vou com sombras azuis. Vou movê-lo ligeiramente para azul e depois adicionar alguma escuridão a ele, provavelmente até alguma saturação. Então vou começar a quase esculpir em torno do personagem para que ele comece a ter a sensação de ter uma terceira dimensão. Eu poderia simplesmente mudar para o pincel menor para fazer alguns detalhes. Você também pode trabalhar em qualquer tipo de queda na roupa e para que ela comece a se sentir ainda mais tátil. Às vezes eu quero fazer essa transição do destaque brilhante para o tom médio. Nesses casos, só posso usar essa ferramenta inteligente com este pincel de acrílico úmido ou você pode escolher qualquer outro pincel e ver o que funcionaria melhor para você. Tenho muita experiência em trabalhar com acrílicos e recebo essa textura. Eu realmente adoro, mas é uma escolha muito pessoal. Eu recomendo que você experimente diferentes pincéis e veja o que fala melhor para você. [MÚSICA] Agora que eu completei o personagem principal ou seja, o dono do animal de estimação, vou trabalhar no cachorro aqui. Vou começar selecionando a cor local que selecionei anteriormente. Certifique-se de que o bloqueio do canal alfa esteja ativado e comece a pintar no topo. [MÚSICA] Agora que tenho o resto da iluminação do personagem pronto, sei exatamente no que posso focar. Quero ter certeza de que o rosto dela recebe muita daquela luz solar que eu tenho trabalhado, em torno de sua parte superior do corpo. Para dar esse sentimento, vou começar pintando uma cor mais quente e saturada. Pode parecer um pouco natural, para começar, porque ninguém parece um tom brilhante de amarelo-vermelho pálido, mas uma vez que eu coloquei as sombras, ficará bem claro o que estou tentando alcançar aqui. Agora vou dar uma tonalidade mais escura e avermelhada. Então vou ligar minha camada de desenho contra apenas com uma opacidade muito baixa para que ela possa me guiar pelo resto dela. Vou trabalhar na adição desses tons médios e sombras. Agora vou adicionar algumas sombras para poder mostrar onde está o nariz. Mas também mostramos os detalhes da orelha um pouco. Agora, de repente, você notará que o personagem se sente um pouco mais dimensional porque o rosto estava faltando isso antes. Agora vou adicionar um pouco de preto ao meio dos olhos. O que você pode fazer para tornar isso muito mais fácil é que você pode criar como formas de olhos brancos e depois criar os olhos. Mas, ao fazer isso, basta ligar a máscara de recorte. Quando você liga a máscara de recorte na camada, a camada em cima dessa grande forma ampla que você tem limita e bloqueia tudo dentro dessa forma inferior. Esta é uma dica muito boa para usar quando você quer fazer as coisas mais rapidamente. Agora, nesta fase, sinto que o plano de fundo já está 80% completo, mas ainda procuro coisas que posso mais e melhorar quando tiver o personagem no lugar. Acabei de notar que os destaques nas rochas na parte de trás não se sentem brilhantes e saturados o suficiente. O que vou fazer é voltar ao grupo de camadas de fundo, procurar os destaques. Felizmente, eu os mantive em uma camada separada. É aqui que camadas separadas são realmente úteis. O que vou fazer é duplicá-lo e imediatamente pop profundo agora. Vou tê-los um pouco transparentes para que eles não pareçam muito brilhantes. Acho que parece muito melhor do que antes, certo? Acabei de notar que eu tinha esquecido completamente adicionar as sombras debaixo dos personagens. O que vou fazer agora é colocar camada adicional em cima da camada de grama e depois passar rapidamente sobre elas com uma cor mais escura. Agora deixe-me dizer-lhe algo sobre o escritório de desenhos digitais que não recebemos mídia internacional para pintura, e que são modos de mistura de camadas. Se você criar uma nova camada, se você tocar em “N”, você notará que “N” era normal. Existem muitos modos de mesclagem de camadas diferentes. Deixe-me mostrar rapidamente um e então você pode experimentar com os outros. Vou mostrar a você sobreposição hoje. Este é o que eu uso com bastante frequência. Se eu ligar isso para essa camada, vou escolher uma cor brilhante, principalmente algo em torno de amarelo. Então, usando este pincel pequeno, vou adicionar alguns destaques ao cabelo dela. Mas é importante não exagerar e usar demais porque é algo que tem que ser usado com extrema moderação, então nem tudo começa a parecer super brilhante e vibrante. Agora que fiz tudo o que eu queria fazer nesta ilustração, vou adicionar um pouco de atiradores pontuais que obedecem um pouco mais de contraste. A maneira como me aproximo é que geralmente pego todas as camadas e depois as mesclo usando esse gesto em uma única camada plana. Mas tenha muito cuidado, certifique-se de ter uma cópia duplicada do seu arquivo que você sempre possa voltar ao arquivo e fazer quaisquer ajustes, se quiser. Vou para o painel de ajustes e, em seguida, uso curvas. Dentro de curvas, você verá esse histograma e poderá fazer ajustes nas sombras e realces e nos tons médios. Este é apenas um gráfico, você pode traçar qualquer ponto e depois ajustar e mover as coisas. Se eu quiser aumentar os destaques, posso traçar um ponto aqui e aumentá-los. Mas isso não é o que eu quero , porque vai começar a parecer muito lavado. Vou apenas excluí-lo. Vou fazer um ponto perto das sombras e depois abaixá-lo um pouco. Acho que adoro o que estou recebendo aqui, é importante lembrar que você não deveria estar exagerando nisso também. Acho que acabei com essa ilustração e estou muito feliz com isso. Seu exercício para esta lição é não pintar seus personagens e fazê-los se encaixar coesivamente em segundo plano. Lembre-se de que você sempre pode voltar ao plano de fundo se sentir que ele não tem certa quantidade de detalhes e, em seguida, basta adicioná-lo, você terá uma imagem muito melhor dessa maneira. [MÚSICA] 9. Considerações finais: [MÚSICA] Parabéns. Obrigado por fazer essa aula comigo. Eu realmente espero que você aprenda algumas coisas que você pode querer aplicar ao seu próximo projeto. Definitivamente compartilhe seu projeto na galeria do projeto e eu adoraria dar uma olhada neles. Você pode me encontrar no Instagram em [inaudível] e também pode conferir [inaudível] Row and Jack. Muito obrigado por fazer parte dessa jornada.