Ilustração e negócios: uma introdução sobre portfólios e precificação de sua arte

1. Introdução: Olá. Meu nome é Kendyll Hillegas e sou ilustradora freelancer em tempo integral. Como artista comercial, trabalho com clientes grandes e pequenos em tudo, desde roupas a editoriais até embalagens. Levou anos, mas construí meu negócio para não sobreviver apenas como artista, mas prosperando. Trabalhando regularmente com clientes como o Wall Street Journal e Real Simple, bem como as principais marcas de alimentos nacionais e internacionais. Embora possa parecer ótimo e parecer rosado do lado de fora, foi uma longa e desafiadora estrada para chegar aqui. Não sou natural com as coisas de arte e negócios. Quando eu me formei na escola, eu não tinha absolutamente nenhuma idéia de como realmente fazer uma carreira como artista. Eu tinha algumas habilidades básicas de arte e eu podia desenhar, e eu era criativo, mas eu realmente não tinha muita direção ou clareza além disso. Levou anos de luta dolorosa e descobrir as coisas sozinha para transformar minha paixão em uma carreira gratificante. Então, se você está no mesmo barco, se você tem algumas habilidades criativas e artísticas e está interessado em perseguir a arte como uma vocação onde você realmente ganha dinheiro, mas você não tem certeza do que fazer a seguir ou como transformá-la em um negócio, Esta aula é para você. Este será um curso de pesquisa, o que significa que teremos uma ampla visão geral das 10 coisas práticas mais importantes de negócios que muitas vezes não são ensinadas na escola de arte. Por isso, abordaremos tudo, desde as habilidades diárias necessárias para administrar um negócio de arte até os fundamentos necessários para construí-lo como portfólios, atendimento ao cliente e encontrar seu nicho. Muitos artistas se encolhem quando ouvem a palavra negócio, e pensar em faturas ou padrões profissionais da indústria ou marketing os faz querer correr e esconder a cabeça debaixo de um travesseiro. Mas estou aqui para dizer que não é tão ruim e que construir uma carreira criativa de sucesso é totalmente possível. Neste curso, eu vou fazer o meu melhor para desmistificar até mesmo o tabu dos assuntos de negócios de arte para que depois você tenha uma visão geral sólida de alguns dos aspectos mais importantes da gestão de um negócio de arte de sucesso. Por favor, tenha em mente que estamos assumindo muita coisa nesta aula. Vou cobrir o que eu vejo como as coisas mais importantes e vitais a saber para estabelecer o seu negócio de arte. Mas ainda haverá mais a aprender. Como eu sou um artista comercial e ilustrador, este curso é especificamente voltado para outros artistas e ilustradores. Também é mais adequado para pessoas que têm uma compreensão sólida sobre suas habilidades artísticas e estilo reais. Então, se você ainda está aprendendo a desenhar ou pintar ou lutando para encontrar seu estilo, eu recomendo que você mude para uma das minhas outras aulas e se concentre em sua habilidade técnica artística antes de colocar muita energia no negócio lado. Haverá tempo de sobra para isso mais tarde. Mas se você estiver em um nível mais intermediário e tiver um estilo de desenvolvimento bastante consistente e se sentir pronto para começar a fazer a transição para trabalhar profissionalmente, então vamos mergulhar. 2. Como afirmar quando seu portfólio está em um nível profissional: Lição 1, como saber quando meu portfólio está em um nível profissional. Se você é um novo graduado ou um artista autodidata, pode ser difícil saber quando você está pronto para dar o salto para o nível profissional. Como tipos criativos, tendemos a questionar nossas habilidades e lutar contra a dúvida própria. Uma pergunta que eu pessoalmente lutei e ouço o tempo todo é como eu posso saber se meu trabalho está em um nível profissional? Independentemente do estilo e da ilustração comercial, trabalho de nível profissional compartilha três características comuns. Número um, qualidade; ele exibe habilidade clara e ofício, independentemente do estilo. Número dois, quantidade; a habilidade e o estilo mostram consistência em todo o portfólio. Número três, estratégia; o criador deu um pensamento real sobre como e onde seu trabalho pode caber no mercado. Agora vamos falar sobre como essas três características realmente se desenrolam na vida real falando sobre três fases de uma carreira artística. O estágio de broto, o estágio de crescimento e o estágio de florescimento. Eu ouço via e-mail e DMs de muitos artistas iniciantes que querem seguir uma carreira criativa e estão frustrados por não estarem encontrando nenhuma atração. Eles fazem projetos pessoais, compartilham online, fazem as coisas que lhes disseram para fazer, e ainda assim não são contratados ou comissionados, e isso é, compreensivelmente, muito frustrante. Sempre que ouço essas pessoas e dou uma olhada no trabalho deles, uma vez que eu aprofundo, eu acho que pelo menos uma dessas três características que eu mencionei está faltando. Ou seu trabalho não é até uma qualidade profissional, seu trabalho não está em uma quantidade profissional, ou seu trabalho não está focado e voltado para qualquer mercado em particular. Se o cenário número um for verdadeiro e seu trabalho ainda não estiver à altura de uma qualidade profissional, consideraremos essa pessoa criativa na fase de broto. Um artista broto pode ter habilidades básicas decentes e saber como usar ferramentas e suprimentos. Eles não são realmente iniciantes, mas eles provavelmente ainda passam muito tempo experimentando, experimentando diferentes abordagens, e eles provavelmente não têm um foco claro em seu trabalho. Dependendo de sua personalidade, um broto artistas pode estar se sentindo um pouco perdido e frustrado por não ser capaz de produzir o que eles querem ou eles podem estar apenas realmente se divertindo e desfrutando do processo de experimentação. Se a quantidade ou o tamanho do portfólio é o problema, podemos considerar essa pessoa na fase de crescimento. Um artista de palco de crescimento provavelmente está começando a zero em um estilo, realmente aprimorar isso. Talvez até mesmo focando em assuntos específicos ou um certo tipo de mídia, e eles estão quase definitivamente investindo tempo sério em uma base regular e realmente caindo em algumas raízes profundas para sua prática criativa. Haverá temas consistentes emergentes e uma aparência coesa para o seu trabalho. Neste ponto, eles provavelmente têm um corpo maior de arte e eles podem até estar trazendo um cliente pagante aqui ou ali. Por último, nossa pessoa criativa do palco de flor parece semelhante à pessoa do estágio de crescimento, mas, além disso, portfólio maior, qualificado e consistente, eles estão começando a direcionar seu foco em áreas específicas para atender a uma clara necessidade do mercado. Eles estão sempre crescendo mesmo naquela fase de floração, mas seu trabalho agora não tem apenas uma aparência e sensação distintas, mas também um objetivo muito claro. Neste ponto, se eles ainda não o fizeram, eles realmente devem começar ativamente a promover seu trabalho. Para mim, quando eu estava na escola de arte, eu aprendi muito e minhas habilidades de arte melhoraram, mas uma vez que eu me formei, eu ainda não estava produzindo um nível profissional de trabalho de arte e isso não é nada incomum. O meu trabalho estava por todo o lado. Eu não sabia como me motivar de forma eficaz e eu realmente esforcei para investir grandes pedaços de tempo no meu trabalho. Eu estava constantemente frustrado e desapontado comigo mesmo e com minha arte. Essencialmente, sem saber, eu estava na fase de brotos. Este certamente não é o caso para todos, mas muitos graduados da escola de arte e artistas autodidata estão no mesmo barco. Se você regularmente não tem certeza do que desenhar ou sente ansiedade sobre desenhar, ou você está tendo dificuldade em se motivar para fazer trabalho, ou você muitas vezes se encontra pensando, “Eu só preciso de um cliente e então eu vou ser motivado para draw”, você pode estar no estágio broto também. Recomendações para o estágio de broto. Se você está nesta fase de sua jornada criativa, seu objetivo principal deve ser encontrar a coisa, seja o estilo, o assunto, a mídia, a história, a idéia de que encontrar aquela coisa que você está tão animado e você se sente tão conectado a que você pode facilmente gastar horas e horas e horas, as horas e horas necessárias para obter suas habilidades e qualidade de trabalho até um nível profissional. Basicamente você precisa trabalhar em encontrar seu estilo primeiro, o que eu considero como crescer seu sistema raiz. Você ainda pode fazer essa aula, mas se você está em fase de broto, minha recomendação honesta seria parar este curso e ir fazer minha outra aula, o método científico para artistas em vez disso. É tudo sobre encontrar o seu estilo, encontrando aquela coisa que vai motivar e inspirar você a investir o tempo que leva para desenvolver um estilo pessoal. Agora, se você já se sente motivado e motivado para criar trabalho e pode sentar-se e passar horas com prazer, mas seu trabalho ainda não é consistente ou você não tem uma grande quantidade dele, você pode estar fazendo a transição do estágio de broto para o crescimento estágio. Algumas recomendações de estágio de crescimento. Se você está nesta fase, seu principal objetivo é realmente aprofundar suas raízes criativas criando um corpo grande e consistente de trabalho. Sprout stage visa qualidade ou saúde para usar uma metáfora simples. Estágio de crescimento visa qualidade e quantidade. Neste ponto, trata-se de saúde e tamanho. Agora, você pode estar perguntando, quão grande é? Quantas peças? Como saberei se meu portfólio é consistente o suficiente? Novamente, há um pouco de subjetividade aqui, mas vamos abordar isso com uma história. Minha primeira tarefa comercial para embalagens veio depois que eu tinha desenhado todos os dias por quase um ano. Era para um pacote de pretzel e quando o cliente entrou em contato comigo, eu já tinha desenhado cerca de 10 itens diferentes de pão e biscoito, incluindo um pretzel. Isso não é contar as dezenas de outros tipos de alimentos e outras categorias como animais ou botânicos que eu estava trabalhando na época. Se você se vê pensando, “Ei, eu faço um sorvete algumas vezes, por que ninguém me contratou para desenhar sorvete”, ou “Eu desenhei comida umas 10 vezes, por que ninguém me contratou para desenhar comida?” Você provavelmente precisará detalhar categorias e temas mais específicos dentro de alimentos ou botânicos, ou paisagens, interiores, ou qualquer que seja a sua categoria, e desenhar essas coisas muitas, muitas vezes. Quando você está nesta fase, eu recomendo que você não gaste muito tempo em cartões postais, e-mails frios, configurando colaborações, ficando super estratégico com as mídias sociais. Você pode por todos os meios compartilhar seu trabalho e eu o encorajo a compartilhar seu processo e se familiarizar com as práticas básicas de negócios. Esta aula é um grande começo. Mas até lá, até que você realmente tenha esse grande corpo consistente de trabalho polido, pode ser difícil atrair clientes comerciais e crescimento como artista ainda deve ser seu principal objetivo. Finalmente, o estágio 3, o estágio de floração. Agora, se você tem um grande corpo consistente de trabalho e você se conecta com tudo que eu mencionei sobre o estágio de crescimento, mas você ainda não atingiu o seu passo com clientes realmente desembarcados. Talvez você tenha tido alguns aqui e ali, mas não é nada consistente, você pode estar fazendo a transição do estágio de crescimento para o estágio de florescimento. Recomendações para o estágio de floração. artistas de palco Bloom ou bloomers devem continuar a concentrar-se em tudo o que fizeram na fase de crescimento, em termos de fazer regularmente um trabalho de qualidade e adicioná-lo ao seu crescente portfólio. Eles também devem começar a tentar promover ativamente seu trabalho descascando uma pequena porcentagem de seu tempo de arte, talvez 25 por cento para começar a colocar para pesquisar seu nicho de mercado e posicionar-se dentro dele através de a criação de ainda mais trabalho e a apresentação do seu trabalho existente. Não quero soar como um disco quebrado, mas esta classe é realmente mais adequada para cultivadores tardios e bloomers, já que a maioria dos tópicos que vamos abordar são coisas que eles precisam se concentrar em. Mesmo que você tenha muita liberdade para gastar tempo trabalhando em sua carreira artística, todos nós temos horas limitadas no dia, por isso é vital gastar seu tempo estrategicamente e apropriadamente para o palco em que você realmente está. A tarefa para esta lição é descobrir em que estágio você está. Você provavelmente já tem um bom senso de onde está baseado nas minhas descrições. Mas se você precisar de um pouco mais de ajuda ou se você é como eu e você apenas gosta de fazer testes, você pode olhar na seção do projeto da classe para a tarefa da Lição 1 e fazer o teste. Então eu encorajo você a se apresentar criando um projeto de classe, você pode carregar uma parte do seu trabalho ou uma foto e nos informar em que fase você está. 3. Como identificar seu mercado e nicho: Lição dois. Como identificar o seu mercado e nicho. Agora que temos um bom senso sobre a maturidade do portfólio, e quando um portfólio está em um nível profissional, é hora de falar sobre outra peça chave do quebra-cabeça para transformar sua arte em uma carreira: Identificar e posicionar seu trabalho dentro de um mercado que é o principal desafio para bloomers. Se você vai ganhar a vida com sua criatividade, em algum momento você terá que considerar como sua criatividade e habilidade podem ser monetizadas. Identificar seu mercado ajudará você a decidir como buscar estrategicamente ganhar dinheiro com sua arte. Agora, nós não podemos avançar aqui dentro deste assunto sem reconhecer que este tópico ou realmente qualquer discussão sobre dinheiro e arte juntos pode ser um verdadeiro tabu no mundo da arte. Há muitos artistas que realmente odeiam mesmo considerando como sua arte poderia ser usada para ganhar dinheiro. Eles querem criá-lo por pura autenticidade sem sequer considerar a questão do dinheiro antes de fazerem o trabalho. Para esses artistas eu diria o seguinte: Se você quer ganhar uma vida confiável do seu trabalho criativo além de apenas esperar que algum colecionador de arte bilionário decida ser seu patrono, você precisará considerar outros valores, outras coisas que são importantes para você além de pura autenticidade. Gosto de pensar sobre o processo de encontrar o seu nicho de mercado e imaginar como a sua arte poderia ser usada dentro dele ou qual a necessidade que poderia preencher como o desenvolvimento da empatia. Sim, é claro, você pode e deve falar de sua voz autêntica e estilo como criador, mas para fazer desta uma carreira real, você também terá que crescer sua empatia para com as pessoas que pagará pelo seu trabalho. Agora, eu acho que algumas pessoas criativas realmente têm uma resposta diferente para a questão do dinheiro, e eles estão ansiosos para transformar sua paixão em um lucro desde o primeiro dia. Agora, isso é ótimo em um nível, mas para esses artistas eu diria o seguinte: focar na parte do lucro cedo demais pode ser tão problemático quanto se recusar a reconhecê-lo. É como decidir que você quer fazer uma barraca de limonada antes descobrir se você realmente gosta do processo de fazer limonada. Por exemplo, talvez você goste de beber limonada ou eu estou fazendo isso de vez em quando em pequenas quantidades para sua família e amigos, mas o que você realmente gosta de fazer, o que acaba realmente iluminando você por dentro e tirando você da cama dia fora é realmente fazer os biscoitos que você vende fora da barraca de limonada, não fazer a própria limonada. Não há como saber a resposta a essa pergunta até que você experimente muito bem. Se você quer ter uma carreira criativa gratificante, eu aconselho você a evitar gastar muito tempo em pesquisa de mercado no início até que você esteja bem através do estágio broto e tenha uma idéia realmente clara do que você é apaixonado e motivado por, e em que processo você realmente gosta de se envolver. Se você está em fase de broto, tente se concentrar em seguir sua paixão primeiro até que suas habilidades sejam aperfeiçoadas e realmente bem desenvolvidas. Mas se você é um produtor ou um bloomer e está pronto para começar a identificar seu mercado, aqui estão algumas perguntas iniciais importantes. Número 1, onde sua arte se encaixa? Esta é uma pergunta simples e simples. Olhe em volta e encontre a arte e os artistas cujo trabalho é semelhante ao seu, seja com estilo, assunto, conteúdo. Onde é que eles estão a trabalhar? Quem está realmente comprando seu trabalho? Isso deve lhe dar uma idéia aproximada de onde você pode caber no mercado maior. Pergunta número 2. Você é um artista business-to-business ou um artista business-to-customer? Basicamente, o que isso significa é, você vende seu trabalho diretamente para o cliente, a pessoa que vai usar sua arte, ou você vende seu trabalho para um negócio que vai usar essa ilustração, essa obra de arte, para promover, vender, construir o seu próprio negócio? Algumas outras perguntas para ajudá-lo a discernir se você é um artista business-to-business ou um artista business-to-customer. Você quer ter controle total sobre o seu trabalho? Você quer desenvolver seus próprios produtos como graphic novels, adesivos, estampas de arte, canecas, e vendê-los diretamente para sua base de fãs, para seus clientes? Muitas pessoas parecem realmente se relacionar com o seu trabalho ou achá-lo compartilhável, ou talvez você se consideraria mais um bom artista, ou seja, você aceita comissões ou vende em galerias? Se você respondeu sim a qualquer uma dessas perguntas, você pode ser um artista business-to-customer ou um artista B2C, que significa que você cria seu trabalho diretamente para seus clientes. Seus clientes são seu público. Por outro lado, para artistas business-to-business, você quer ter seu trabalho em produtos projetados por outra pessoa, ou em livros ou revistas? Você quer trabalhar com clientes, empresas e marcas? Você é bom em receber feedback e aberto a ouvir a opinião de outras pessoas quando se trata de seu trabalho? Você está disposto a usar sua habilidade artística para executar a ideia de outra pessoa? Se você respondeu sim a qualquer um desses, você pode ser mais um artista business-to-business, que significa que você cria trabalho para empresas para usar e ajudar a vender o que quer que seja que eles estão vendendo, ou para fazer seus produtos parecerem bons, ou para contar uma história melhor, etc. Nesse caso, os empresários e os diretores de arte que trabalham com eles e que contratam você são o seu público. Agora, esta não é uma categoria fixa dividida por qualquer meio. Muitos artistas começam como artistas de negócio para cliente e, em seguida, ir B2B, ou vice-versa. Muitos artistas são ambos ao mesmo tempo, mas é uma boa idéia focar mais em um inicialmente, uma vez que eles têm processos diferentes. Em seguida, depois de considerar se você é um artista B2B ou um artista B2C, tente aprofundar ainda mais e descobrir em que setor seu trabalho se encaixa. Agora, um pouco disso, é claro, será decidido se você é um B2B ou B2C, uma vez que eles têm indústrias diferentes, mas em geral você pode pensar na indústria como o país em que seu trabalho vive. Poderia ser arte, ilustração, animação, produtos de design de superfície, etc. Em seguida, depois da indústria, com que mercado o seu trabalho se conecta? O mercado é como o estado dentro do país. Por exemplo, alguns mercados dentro da indústria de ilustração seriam livros infantis, editoriais, embalagens. Por último, que nicho? O nicho é como a cidade, perfurando ainda mais nesse nível de detalhe. Alguns exemplos de nicho seriam comida, retratos de moda, animais. Nicho também pode incluir o estilo ou mídia que você usa, então realismo, plano, fantasioso, divertido, etc. Estas perguntas estão todas na seção de projetos de classe a propósito , então não há necessidade de tomar notas furiosamente aqui. À medida que você trabalha através das questões de nicho do mercado da indústria, é natural começar realmente amplo, ou achar difícil restringir-se, especialmente se você está mais cedo em sua carreira. Por exemplo, como alguém que ilustra muita comida para revistas, embalagens e publicidade, muitas vezes me perguntam como invadir a ilustração de alimentos. Esta não é uma resposta simples porque a ilustração de alimentos não é específica o suficiente. A ilustração de alimentos pode ser feita como um artista de negócios a negócios ou um artista de negócios a cliente, poderia ser comissões privadas, poderia ser ilustração de receitas, poderia ser ilustração editorial, ou embalagem, ou padrão de superfície, ou livros de receitas, ou um paralelo, ou publicidade. Ele pode ter um milhão de estilos diferentes, então você precisa obter o mais específico possível ao identificar seu nicho de mercado da indústria. Isso tornará mais fácil invadir, e deixará mais claro para você quando tiver uma vitória ou sucesso, ou quando estiver pronto para seguir em frente. Se o seu trabalho pode caber em vários nichos diferentes, concentre-se em desenvolver um de cada vez. Isso vai ser um tema aqui uma coisa de cada vez. Você pode escolher o primeiro com base em muitos critérios diferentes. Você poderia, é claro, escolher a fruta baixa primeiro, seja o nicho mais fácil, você poderia escolher o mais emocionante primeiro, aquele que você se sente mais apaixonado e profundamente alinhado com, ou você pode escolher o que torna o próximo mais fácil. Às vezes, invadir um nicho pode tornar o outro mais simples. Agora, se você achar que você está se sentindo pressionado por ter que decidir, tire a pressão e lembre-se de que tudo isso é um grande experimento, e você provavelmente mudará sua mente e seu foco várias vezes nos próximos meses e dezenas de vezes ao longo de sua carreira. Dê a si mesmo permissão para escolher o nicho errado. Vai ficar tudo bem, mesmo que fiques. Sua missão. Use as perguntas de reflexão que passamos para identificar um nicho de mercado do setor e se você é um artista de negócios a negócios ou um artista de negócios a cliente. Lembre-se mais uma vez, você não está escolhendo seu destino final para sempre, você está escolhendo algo para se concentrar por um tempo. Pense em uma janela de 1 a 6 meses inicialmente. Então, por favor, compartilhe o que você descobrir a partir das perguntas em seu projeto de classe, bem como quaisquer outros pensamentos que você tem sobre o processo. 4. Como precificar sua ilustração: Lição 3, Como Avaliar o Trabalho? Passando para o tópico favorito de todos, Preços. Antes de mergulharmos em uma declaração de responsabilidade rápida; preço em ilustração e arte é notoriamente complexo e varia dependendo de tudo, desde a habilidade e o estilo, e a experiência do artista, até o tamanho e influência do o cliente, para o nicho de mercado da indústria particular. Eu vou fazer o meu melhor para quebrar as coisas da forma mais simples possível, mas tenha em mente que eu estarei chegando a esta discussão com a lente de um artista comercial especializado em publicidade, embalagem em uma ilustração tutorial. Minha experiência em outros nichos, como licenciamento, padrão de superfície, médico, ou mesmo livro infantil é realmente limitada. Se você está indo para algo super especializado, como animação ou ilustração médica, tome tudo isso como ponto de partida e faça um pouco mais de pesquisa sob medida para sua indústria. Além disso, já que moro nos EUA, tudo o que vou falar será em USD. Vamos em frente e chegar a ele. Para freelancers existem duas abordagens básicas, diárias e horárias e taxas baseadas em valor ou fixas. preço de taxa horária usa uma fórmula que leva em conta as horas que você trabalha em um ano, o trabalho não remunerado ou administrativo que está incluído nisso, despesas, custo de vida, qualquer sobrecarga que você tem para o seu negócio, margem de lucro, etc. Vou colocar uma fórmula básica para descobrir sua taxa horária na seção de projetos de classe. Independentemente de você usá-lo regularmente como parte de seu esquema de preços, é uma boa ideia ter uma noção da sua taxa horária. Existem alguns campos na arte onde uma taxa horária é muito comumente usada ou é até mesmo padrão. Um exemplo que eu sei é animação e muitos artistas vão achar útil também quando se trata de comissões de preços ou pinturas acabadas, apenas para ter uma boa noção de qual é a sua taxa horária. Ilustradores comerciais como eu, que podem não usar frequentemente uma taxa horária, ainda precisarão divulgar um em seu contrato caso surjam alterações imprevistas no projeto. Por exemplo, edições adicionais que não foram incluídas no preço base e falaremos sobre isso na seção de contrato. Em geral, a menos que eles estejam em um campo onde o preço por hora é padrão, eu não recomendo que a maioria dos artistas o use como sua única estrutura de preços. preço baseado em valor ou taxa fixa é o meu método preferido e é definitivamente mais padrão para ilustração comercial. Este preço leva em conta a taxa de base que você precisaria fazer para tornar a criação da paz vale a pena, que inclui, claro, o tempo necessário, os lados da peça, o nível de detalhe, o meio utilizado, sua experiência, etc., e aumenta esse número, contabilizando o valor que o trabalho trará para o cliente. Essencialmente, o cliente paga você para fazer o trabalho, sua taxa base, além do direito de usar o trabalho de uma maneira específica. Tudo isso é enrolado em uma taxa fixa que é fácil para o cliente entender e orçamento para. O preço de taxa fixa é padrão em muitos nichos de mercado, incluindo editorial, livro infantil, embalagens, publicidade, científica e médica, basicamente a maioria dos nichos em arte e ilustração. Vamos desempacotar um pequeno exemplo de preço de taxa fixa. Digamos que eu faça uma ilustração realista de 5 por 7 de uma maçã. Se ele é usado para uma revista, talvez ele vai ser usado como uma ilustração spot. Uma ilustração spot é uma ilustração usada dentro do contexto do texto em um layout de página. Se for para um cartão de saudação ou um padrão de superfície, provavelmente será usado de forma mais ampla, provavelmente como uma característica proeminente do produto. Se for para um logotipo ou para embalagem, ele será usado fortemente, proeminente e frequentemente para ajudar a vender um produto para que o cliente obtenha mais valor do que qualquer um dos outros dois exemplos e, posteriormente, deve pagar mais. Outro fator é o tamanho do cliente. Uma pequena revista não será vista por tantas pessoas, enquanto uma grande internacional ou nacional terá um grande público. Da mesma forma, uma ilustração spot é menos visível e importante do que uma ilustração de capa. Sei que todos querem saber quais são os números reais, então aqui estão alguns exemplos de preços comerciais. Vamos voltar àquela pequena ilustração de 5 por 7 de uma maçã. Se é uma ilustração especial para uma revista local ou regional, pode estar em algum lugar na faixa de US $200 a US $300 para um estilo simples e um pouco realista. Essa mesma ilustração para uma empresa nacional de cartões seria provavelmente mais próxima da faixa de US $600. vez, essa mesma ilustração para o pacote de uma pequena empresa seria 800-1.000, e para o pacote de uma grande empresa ou talvez para uma campanha publicitária nacional poderia ser em qualquer lugar de 1.500-3.000. Basicamente, se a ilustração é mais visível e mais altamente utilizada, ela tem mais valor para o cliente e, portanto, deve ter um preço mais alto. Agora, por outro lado, os preços privados não comerciais são um pouco diferentes. Se você é um bom artista e cria trabalho principalmente para as pessoas pendurarem em suas casas ou se você está criando comissões, seus preços devem levar em conta a taxa base que falamos, bem como incorporar a taxa de mercado ou para que sua concorrência está vendendo seu trabalho. Se você tem representação de galeria, você também precisará levar em conta as taxas que a galeria vai cobrar. Comissão, trabalho que você está criando para alguém que é especificado, o assunto é especificado por outra pessoa, comissões privadas devem sempre custar mais. Por exemplo, se você está vendendo uma pintura paisagística existente de 8 por 10 que você mesmo fez e já está lá, ela já existe. Se você está vendendo isso em sua loja por US $400, uma comissão deve custar pelo menos 25-50 por cento mais porque é mais trabalho para você colaborar com o cliente e criar trabalho de acordo suas especificações do que é para você apenas vender uma pintura existente. Agora, qualquer discussão sobre preços não estaria completa sem tocar rapidamente em trabalhar gratuitamente ou para publicidade ou para o produto. Meu conselho sobre este assunto em três palavras é, não faça isso. Claro que posso dizer que é ruim para a indústria ou ruim para os preços em geral e essas coisas podem ser verdade, mas a razão honesta que eu desencorajo é porque é exasperante, ele esvazia-se a estima, e simplesmente não é necessário avançar na sua carreira. Se você está tentado a assumir o trabalho livre porque você quer a prática, pratique trabalhando em seus próprios projetos auto-iniciados em vez disso, você tem controle total nesse caso e todo o benefício. Você ainda pode fazer isso como uma missão. Escolha o seu perfume favorito e faça desse perfume uma campanha publicitária ilustrada ou você pode reduzir alguns dos pontos para um artigo que você realmente gostou ou você pode fazer um tecido para usar em presentes para sua família. Se você está tentado a trabalhar de graça porque você quer experiência profissional, eu estou triste em dizer que é improvável que você vai encontrá-lo com um cliente que está pedindo para você trabalhar de graça, porque esses clientes não estão sendo profissionais eles mesmos. Muitas vezes, eles não são comprados para os projetos, então eles não levam prazos ou limites a sério, ou seja, eles não agem profissionalmente e também é improvável que isso leve a um futuro trabalho remunerado com o cliente, mesmo que eles o digam. A verdade honesta é que se você está trabalhando de graça, eles estão escolhendo você porque você é a opção livre, não a opção que eles mais gostam. Tudo o que foi dito, eu sei que alguns de vocês ainda vão decidir trabalhar de graça em algum momento. Se você realmente quer trabalhar gratuitamente ou para o produto, certifique-se de que você mantém os direitos autorais e que você e o cliente assinam um contrato afirmando claramente que você é o proprietário do trabalho e que você está dando a eles o direito de usá-lo apenas em uma capacidade limitada, e certifique-se de descrever o que é essa capacidade. Vejo muitos artistas jovens e iniciantes que trabalham para exposição ou para o produto e acabam dando seus direitos também. Outra coisa que você quer fazer é ter certeza de que você tem total controle criativo. Uma situação em que trabalhei de graça e ainda faço ocasionalmente é com a família e os amigos. Vou dar-lhes a escolha do desconto de família e amigos, que é basicamente eu pegando seu breve ou seu projeto e correndo com ele. Eles não podem pedir edições e eu posso fazer exatamente como eu quero ou eles podem pagar uma taxa padrão de mercado se eles não querem fazer isso. Do jeito que eu vejo, se você está trabalhando de graça, você deve, no mínimo, ter o máximo controle criativo e agência sobre o seu trabalho. Agora, se tudo isso parecer um pouco esmagador, basta ter em mente que você vai se sentir mais confortável, você vai ficar mais confortável com preços quanto mais experiência você tem sob seu cinto, mas nunca será completamente claro corte. Há tantos fatores como discutimos, então ter um conjunto de tamanho único serve para todos os preços não será possível para a maioria dos criadores e artistas. Você provavelmente precisará avaliar cada peça, cada produto, cada projeto comercial em uma base individual usando sua própria experiência e levando em conta as coisas que falamos, especialmente a visibilidade é igual a equação de valor. Complementar isso com recursos externos pode realmente ajudá-lo a se sentir mais confiante e certamente foi uma grande ajuda para mim. Por essa razão, eu recomendo artistas comerciais, especialmente nos EUA e possivelmente na Europa, obter uma cópia do Graphic Artist Guild Handbook for Pricing and Ethical Guidelines. Se você não conseguir obter o Manual da Guilda, muitas bibliotecas públicas nos EUA têm uma cópia deste livro. Você também pode obter um usado. Ele tende a correr por cerca de US $30, é um daqueles recursos que eu comprei um par de anos em minha carreira e se eu pudesse voltar e dizer a mim mesmo no dia 1, para investir em algo, seria isso. No entanto, se você não conseguir obter o Manual da Guilda, ainda há muitos recursos gratuitos, como Box.net tem envios reais de ilustradores reais. Jessica Hische é uma artista de letras manuais e professora de Skillshare, e ela tem muitos recursos de preços gratuitos em seu site, seu PDF, “The Dark Art of Pricing”, deve ser lido na minha opinião. Ela também acabou de lançar, eu acho que é US $10 ou US $15 seminário de preços que vai realmente em profundidade em preços comerciais. Recursos gratuitos e pagos de Jessica Hische. As hashtags do Twitter também podem ser outra fonte realmente grande de informação, ou seja, Publishingpaidme, que é grande. Eles podem ter um monte de boas informações sobre essas hashtags. Em seguida, pesquisa de preços de pares, isso é especialmente útil para os artistas de negócios para clientes. Isso implica descobrir o que as outras pessoas estão cobrando. Você pode fazer isso olhando para seus produtos e lojas em Etsy ou Patreon, e tomando nota de outros preços artistas no Instagram ou nas galerias que os representam. Por último, mas não menos importante, para recursos de preços gratuitos, eu tenho muitos em meus vídeos do YouTube. Claro que tenho um canal no YouTube onde compartilho toneladas de recursos gratuitos para ilustradores e artistas, incluindo muitos preços. Uma nota final sobre os preços é que ele pode, naturalmente, ser dependente da localização do artista e da localização do comprador ou negócio. Por exemplo, se você mora em um país onde o custo de vida é menor do que os EUA, mas seu cliente está nos EUA, você pode garantir que ainda cobra preços com base no mercado dos EUA, vice-versa também é verdade. Se você mora nos EUA onde o custo de vida é alto, mas seu cliente está em algum lugar com um custo de vida muito menor, você pode precisar cobrar uma taxa mais baixa do que você faria para um cliente dos EUA. Dito isto, o principado da visibilidade é igual a valor ainda deve ser consistente em todos os mercados. Uma ilustração publicitária deve geralmente ser mais cara do que uma ilustração spot, independentemente de o cliente estar nos EUA ou no Canadá ou em Taiwan ou na África do Sul. Sua tarefa para esta lição é escolher um dos cenários de preços da seção de projeto de classe e chegar ao seu próprio preço. Certifique-se de levar em conta a sua taxa base, que inclui todas as coisas sobre as quais falamos, o tempo necessário, o tamanho da peça, o nível de detalhe, o meio utilizado, sua experiência, etc., e o valor que o trabalho irá trazer para o cliente. Compartilhe seu esquema de preços em seu projeto de classe. 5. Como criar um site de portfólio: Lição 4, como fazer um site de portfólio. Assim como considerar o seu nicho de mercado em algum momento, se você quiser ganhar a vida com sua arte, você precisará de um site. Claro, há exemplos raros de artistas que são bem-sucedidos sem um, mas eles são a exceção incomum e não devem ser a regra. Vamos falar sobre opções para criar e hospedar seu site e como torná-lo profissional e personalizado para o mercado que você está buscando. Primeiro, algumas plataformas comuns para sites. Há, claro, WordPress, eu costumava usar isso no início. É gratuito, mas você provavelmente precisará de algumas adições pagas, a menos que você esteja realmente confortável com o código. Há o Squarespace. Isto é o que eu uso atualmente e tenho usado por vários anos. É muito fácil de usar e ótimo se você quiser algo que pareça agradável e está pronto para você simplesmente cair em seu conteúdo. O Squarespace é pago, mas tem vários níveis de preço. Há o Wix também. Esta é outra plataforma popular que também é paga. Eu não o usei pessoalmente, mas sei que algumas pessoas preferem porque é um pouco mais flexível que o Squarespace. Outras opções gratuitas seriam uma plataforma de blogs gratuita como o Tumblr, à qual você ainda pode conectar um domínio personalizado. Há muitas outras opções também. Isso está longe de ser uma lista abrangente. Só estou mencionando alguns aqui para começar a conversa. Se você tem uma plataforma que você usa e gosta, você pode se sentir livre para adicioná-la às plataformas do site para artistas thread na seção de discussão, nós vamos tentar obter alguns tópicos lá. Vamos conversar um pouco sobre URLs ou nomes de domínio. Agora, você pode estar super familiarizado com isso já. Eu só vou explicar um pouco sobre como URLs personalizados e dedicados se parecem. Se você já está super familiarizado com isso, você pode simplesmente pular esta seção. Mas para aqueles que não sabem, um URL dedicado é basicamente apenas o nome www.your. seja qual for o sufixo. Enquanto um URL gratuito se parece mais com www.seu nome.tumblr.com ou.ntc.com, etc Qualquer URL dedicado é sempre pago. Se você vai ter algo que é um seu nome.com, isso vai ser algo que você vai ter que pagar. Eu recomendo que você escolha seu serviço de site com base em onde você está em sua carreira. Se você estiver mais adiante no estágio de crescimento ou no estágio de florescimento, gaste mais esforço e mais dinheiro, se o seu mais cedo, digamos, no estágio de broto, gaste menos. No início, você pode optar por uma plataforma gratuita com um URL gratuito e, em seguida, mudar para um site pago mais tarde. Você não precisa se sentir auto-consciente sobre ter seu site gratuito, a qualidade do trabalho e a apresentação do trabalho é muito mais importante. Já vi muitos sites de artistas pagos que parecem muito pouco profissionais. Ter um site pago não é garantia de que você vai ser levado a sério. Na próxima etapa, você deseja escolher seu URL com sabedoria, especialmente se for pago. Soma optar por usar seu nome como eu tenho, alguns optam por um nome de empresa, alguns optam por incluir arte ou ilustração ou estúdio na URL. Se você decidir fazer isso, recomendo usar uma palavra que seu público usaria para encontrá-lo. Por exemplo, se você é um livro infantil Illustrator tendo seu URL como estúdio Sarah Smith, pode parecer legal, mas não adiciona muito valor porque maioria das pessoas não procura por um livro infantil Illustrator pesquisando estúdio. Da mesma forma, se você decidir usar um nome falso ou um nome comercial em vez de seu próprio nome, pense um pouco e certifique-se de que é algo que você realmente acha que vai funcionar e que você vai manter a longo prazo. Às vezes eu gostaria de ter usado um sobrenome diferente ou mesmo apenas encurtar o meu para Hille porque Hillegas é um bocadinho. Mas agora que estou estabelecido, é difícil mudá-lo. Você também pode considerar escolher mais de um URL para melhorar seu SEO. Por exemplo, eu tenho ambos Kendyll Hillegas e ilustração alimentar realista. Antes de encerrarmos, eu quero ir mais de 10 em princípios gerais de layout e design para ter em mente para sites de arte. Número 1, você quer manter o formato simples e focado nas imagens. Há uma razão para tantos sites de artistas serem realmente semelhantes, especialmente se você está apenas implorando, tente não colocar muito esforço para fazer o formato do seu site se destacar. Você quer que seu trabalho se destaque. Concentre-se em deixar que seu trabalho artístico seja o maior alvo de atenção. Opte por um fundo limpo sem padrão. branco geralmente funciona melhor, mas nem sempre é verdade. Por exemplo, o site da minha amiga Fabiola é super colorido, mas funciona muito bem com seu estilo e a imagem ainda é realmente pop e são a estrela do show. Você também quer tornar mais fácil para diretores de arte, compradores ou galerias para ver o trabalho real, então tê-lo em destaque na página inicial. Isso parece fácil, mas muitas pessoas enterram seu trabalho atrás menus e botões que precisam ser clicados e diretores de arte não têm tempo para isso e maioria dos compradores não são pacientes o suficiente para cavar. No meu próprio site, a página inicial captura cerca de 90% do tráfego, o que significa que 90% das pessoas que visitam o meu site nunca saem da página inicial. Basta ter isso em mente quando você estiver juntando seu portfólio. Se você tem um portfólio grande, você pode organizá-lo em coleções e ter uma imagem que representa cada coleção em sua página inicial. Meu site é um exemplo desta organização e não é de modo algum único, é uma forma muito comum de organizar seu site. Se o seu portfólio for menor, por outro lado, menos de cinco imagens na coleção, ou talvez menos de 30 imagens no total, certifique-se de manter tudo na página inicial. Não faça o usuário clicar desnecessariamente. Você pode organizar coleções por projeto. Trabalhar em uma determinada tarefa, por cliente, modo a trabalhar para um determinado cliente, ou por assuntos, seja, frutas, botânicos, retratos, cenas, etc Você também pode fazer ambos, que é o que eu faço no meu site. Você também deseja incluir apenas o trabalho para o qual deseja ser contratado. Não adicione imagens aleatórias e não relacionadas apenas para preencher as lacunas. Você pode estar tentado a fazer isso, especialmente porque eu falei sobre quantidade ser importante, mas lembre-se, qualidade é sempre a primeira preocupação. Nessa nota, inclua apenas o seu melhor trabalho. É mais fácil fazer isso quando você trabalhando por mais tempo e tem mais para escolher, mas lembre-se disso desde o início. Além disso, você quer ter certeza de que suas imagens estão formatadas adequadamente. Certifique-se de que eles são 72 DPI. Você não quer ter imagens suculentas de alta resolução em seu site para que as pessoas baixem e coloquem em aço e imprimam em SoCs. Adicione assinaturas sutis ao seu trabalho. Não tem uma grande marca d'água buzinando sobre a imagem. Sei que estamos todos nervosos com pessoas roubando coisas, como acabei de mencionar. Mas a solução para isso, infelizmente, a única solução real para isso é simplesmente não colocar seu trabalho on-line nunca e isso não é realista para a maioria de nós. Tente manter sua assinatura sutil, uma vez que ela é visível e vai lembrar as pessoas que fizeram o trabalho, mas não torná-lo um impedimento real para um diretor de arte ver seu trabalho. Certifique-se de tornar seu endereço de e-mail proeminente, visível e fácil de encontrar. Não faça um diretor de arte ter que trabalhar para mandar um e-mail. Você ficaria surpreso com quantas pessoas têm dificuldade com isso ou ter seu endereço de e-mail enterrado em algum lugar em seu site ou apenas têm formulário de e-mail. Muitos de nossos diretores realmente não gostam de formulários de e-mail. Torne o seu endereço de e-mail super visível. Em seguida, você quer fazer uma página simples sobre com uma foto de você. As pessoas gostam de realmente ver o rosto da pessoa com quem estão trabalhando, e claramente afirmam que você é um artista ou um ilustrador. Este é outro ótimo lugar para o seu endereço de e-mail, ele pode estar em mais de um local em seu site. Sua missão para esta lição. Se você ainda não tem um site, faça alguma pesquisa e veja qual plataforma seria a melhor opção para você. Dê alguma consideração ao seu nome de domínio, qual URL você usaria, faça algumas pesquisas básicas sobre se seu domínio preferido está disponível. Há muitos motores de busca que permitem que você faça isso. Se você já tem um site, faça uma auditoria, dê uma olhada honesta em seu site e avalie com base nesses 10 critérios gerais para sites de arte, onde você pode melhorar? Adicione suas descobertas ao seu projeto de classe. 6. Noções básicas de redes sociais: Lição 5, como usar as mídias sociais. Hora de ter apenas uma breve conversa sobre mídias sociais. Poderíamos ter uma aula inteira sobre esse assunto. Já existem alguns excelentes no Skillshare, mas se o fizéssemos, eu não seria a melhor pessoa para ensiná-lo. Há artistas e ilustradores com públicos sociais maciços que realmente entendem e usam a ferramenta de forma sofisticada. Felizmente, nenhuma dessas coisas é necessária para ter uma carreira artística de sucesso. Um público engajado, independentemente do tamanho e seguindo consistentemente alguns princípios fundamentais para usar as mídias sociais para promover e compartilhar seu trabalho, são os dois fatores mais importantes. Os princípios chave não são nada de novo ou revolucionário e você provavelmente já os conhece, nós estamos indo para eles muito rápido. Eles devem apresentar bem o seu trabalho. Tire boas fotos ou digitalize e edite seu trabalho antes de publicá-lo. Número 2, você quer compartilhar o processo do que vai para o trabalho, não apenas as peças acabadas. Você vai mostrar a você e sua história. Isso é algo que eu pessoalmente poderia melhorar em fazer. Eu tendem a mostrar um monte de trabalho acabado, mas compartilhar que nos bastidores pode ser muito importante e útil também. Número 3, você quer postar regularmente, então três ou mais vezes por semana. Número 4, escreva legendas atenciosas, e número 5, interaja com seu público o máximo possível. Em seguida, responda aos seus comentários, seja gentil, comente sobre o trabalho de outras pessoas e aqueles que o seguem. Número 6, certifique-se de que as suas informações de contacto estão claramente visíveis no seu perfil de redes sociais e indique que é um artista freelance ou um bom artista. Se você tem um pouco de experiência de cliente, você pode nomear alguns clientes para quem você trabalhou, mas basicamente você só quer ser realmente óbvio e dizer seu nome e o fato de que você é um ilustrador freelance, ilustrador comercial, artista fino, o que quer que seja, ilustrador de livros infantis. Então você também, é claro, quer incluir o seu site em sua biografia, se você tiver um. Algumas outras coisas para ter em mente quando se trata de mídias sociais. Você quer escolher uma ou duas plataformas para se concentrar, especialmente inicialmente, há tantas disponíveis que pode ser realmente esmagador. Se você é novo em folha, tente se concentrar talvez em apenas um para começar. Se você está em fase de broto, por todos os meios, compartilhe seu trabalho e seu processo de aprendizagem. Este pode realmente ser realmente um grande momento para construir um seguidor porque as pessoas adoram ver isso nos bastidores. Mas não fique muito sugado para tentar construir um mega público para o seu próprio bem. Para a maioria das pessoas, não há atalhos nas mídias sociais, e ter um público social maciço não é uma panacéia. Se você quiser construir uma carreira de arte B2C próspera, uma carreira arte de negócios para cliente, você precisará de um público engajado independentemente do tamanho. Se você quer construir uma próspera carreira de arte B2B, você precisará, em primeiro lugar, daquele corpo grande e consistente de trabalho de qualidade. Se você é um produtor ou bloomer e está pronto para colocar mais foco na promoção e construção de público, vou colocar alguns links na guia de recursos de classe para boas aulas intermediárias de mídia social. Convido todos vocês a fazerem o mesmo na seção de discussão. Se houver uma aula de mídia social no Skillshare que você fez ou talvez até mesmo um vídeo gratuito no YouTube que você achou ser um recurso muito útil, adicione isso ao tópico na seção de discussão. 7. Pitch de vendas frio e promoção ativa: Lição 6, como arremesso frio e promoção básica. Agora que cobrimos sites e mídias sociais, que são formas mais passivas ou residuais de autopromoção, vamos mudar de rumo e falar sobre formas mais ativas de autopromoção, como lançar seu trabalho, frio enviando e-mails para diretores de arte e enviando e-mails. Uma advertência rápida antes de mergulharmos. Alguns artistas novos e aspirantes tendem a querer apresentar seu trabalho muito cedo antes de ser totalmente desenvolvido. Eles estão procurando “ser descobertos” por um diretor de arte ou uma agência que os tira da obscuridade e cuida de todos os seus problemas artísticos. Agora, embora isso possa acontecer para alguns poucos de sorte, não é a norma e você não deve depender disso. Todos os lançamentos e promoções ativas do mundo não compensarão trabalho que falta qualidade, quantidade ou foco. Se você está no estágio de broto, você pode absolutamente ouvir e aprender com esta seção do curso, mas eu aconselho você a não gastar muito tempo nisso até que você esteja atrasado na fase de crescimento ou na fase de florescimento. Em vez disso, você sabe o que fazer, gastar esse tempo realmente fazendo o trabalho. Se você está no estágio de florescimento ou no estágio de crescimento tardio, o que você precisa fazer para garantir diretores de arte o encontrem e lhe ofereçam tarefas freelance? Os componentes fundamentais são coisas que já cobrimos. Número 1, você quer fazer esse grande alta qualidade corpo de trabalho e continuar a adicionar a ele com projetos estratégicos e auto-iniciados que se encaixam no seu nicho de mercado. Número 2 é que você deseja manter esse site com um limpo, fácil de encontrar exemplos de seu melhor trabalho e trabalho que você deseja ser contratado para fazer em suas informações de contato. Número 3, você quer postar esse trabalho nas mídias sociais regularmente. Você só vai ler e repetir essas três coisas uma e outra vez, continuando a experimentar, refinar e iterar cada vez. Se você quiser dar um passo adiante e procurar ativamente novos clientes, você pode tentar algumas táticas diferentes, incluindo e-mails e e-mails frios. Vamos falar sobre e-mails frios primeiro. Um e-mail frio é quando você encontra informações de contato de um diretor de arte ou cliente com o qual deseja trabalhar e entra em contato com ele para se apresentar. Há alguns lugares onde encontrar suas informações de contato. Você pode comprar uma lista de informações de contato. Para divulgação, eu nunca fiz isso, mas eu sei que as pessoas fazem. número 2 é que você pode obter as informações de um amigo ou de uma referência, alguém que talvez já trabalhou com esse cliente antes. Número 3, você pode encontrá-lo no site do cliente, e número 4, você pode pesquisar, que é o que eu tenho feito normalmente. Para Google para encontrar o nome de um diretor de arte e informações de contato de um diretor de arte. Ao pesquisar no Google, você deseja pesquisar o nome da empresa e a frase diretor de arte, ou talvez diretor criativo. Uma vez que você tenha um endereço de e-mail e um nome e esteja pronto para rascunhar esse primeiro e-mail frio, lembre-se de manter a mensagem pessoal, então use seu nome real, não a quem possa interessar. Você quer fazer referência a algo que você gosta sobre a publicação ou a empresa ou o trabalho do diretor de arte ou alguma razão específica pela qual você decidiu realmente dar o passo proativo de entrar em contato com eles. Número 2, Pithy. Curto e doce. Não vá em frente e em frente. Eles se preocupam com o trabalho, não com suas qualificações, educação, etc Isso não é um currículo. Número 3, prático. Mencione que você está disponível para trabalho freelance e inclua suas informações de contato, um site, e o número 4, bonito. Escolha imagens que pareçam que realmente funcionariam para esse cliente e combinariam com sua estética. Não escolha apenas coisas aleatórias. Anexe 3-10 imagens e certifique-se de que elas são dimensionadas adequadamente. Você não quer inundar sua caixa de entrada e que eles têm seu nome no título da imagem. Na verdade, coloque seu nome no título da imagem quando você nomeia o arquivo. Vou colocar uma amostra de e-mail fria na seção do projeto da classe. Depois de enviar um e-mail a alguém, se realmente quiser trabalhar com ele, você pode adicioná-lo à sua lista de atualizações de e-mail regulares e enviar atualizações com seu novo trabalho a cada 3 a 6 meses. Uma confissão, isso é algo que eu sempre fui realmente terrível em fazer porque, francamente, leva muito tempo e eu sempre obtive trabalho muito bem através dos outros métodos que falamos sobre. Projetos pessoais, ter um site e postar regularmente nas mídias sociais. Mas ultimamente eu tenho tentado ficar melhor sobre ficar em cima disso para que eu possa manter contato com clientes existentes com os quais eu realmente gostei de trabalhar e incentivar a repetição de negócios. É sempre super bom trabalhar com alguém com quem já trabalhou antes, assumindo que foi uma boa experiência de trabalho. Agora vamos falar sobre como enviar essas atualizações de acompanhamento e como elas são diferentes ou semelhantes a e-mails frios. Para enviar uma atualização que você deseja seguir mais ou menos a mesma estrutura que você usa para o e-mail frio. Você quer mantê-lo pessoal usando seu nome, etc, referenciando o último projeto que você fez juntos, talvez a última vez que eles ouviram falar de você. Pithy, novamente, curto e doce desta vez provavelmente mais curto e mais doce. Mencione que você tem estado ocupado e que você tem algum novo trabalho que deseja compartilhar. Número 3, prático, mencione que ainda gostaria de trabalhar com eles e ainda está disponível. Quatro, bonito. Escolher essas imagens relevantes, certificando-se de que elas são coisas que você ainda não enviou para esse cliente antes. Uma maneira simples de fazer isso é ter duas pastas diferentes cheias de imagens. Eu tenho uma pasta de imagens que eu uso se eu estiver alcançando alguém pela primeira vez e depois uma pasta cheia de imagens que eu uso para e-mails repetidos, para e-mails de acompanhamento, e eu atualizo as imagens lá nessa pasta a cada três meses como eu criar um novo trabalho. Minha lista tem cerca de 40 pessoas, composta principalmente de clientes existentes com os quais eu gostaria de trabalhar novamente, e se eu não quiser trabalhar com alguém novamente, eu simplesmente não colocá-los na lista e clientes aspiracionais ou de sonho. Eu não tenho mega listas de centenas de diretores de arte para os quais eu envio e-mails em massa. Esta é uma abordagem que funciona para algumas pessoas e que algumas pessoas tomam, mas nunca foi minha. Outros tipos de promoção. Claro, existem outros tipos de conteúdo promocional, incluindo cartões postais, mailers físicos, adesivos de mercadoria, etc, pacotes de agradecimento e muito mais. Eu fiz alguns cartões postais no meu tempo e regularmente envio pequenos pacotes de cartões postais, adesivos e, às vezes, pequenos originais para clientes que já trabalhei. Mas semelhante a e-mails frios, isso nunca foi um grande foco para mim. As vantagens de enviar e-mails físicos são que muitas vezes é mais fácil encontrar as informações de contato para o diretor de arte. Só precisa do nome e do endereço da empresa. Alguns diretores de arte também gostam de e-mails físicos e salvam cartões postais em um lugar visível em seu estúdio, em vez de em uma pasta em seu servidor de e-mail. Também é divertido. As poucas vezes que fiz isso, eu realmente gostei. É uma barra maior para a entrada, então não tantas pessoas fazem isso porque, é claro, você tem que pagar para ter os cartões postais feitos. Se você decidir enviar um cartão postal, você pode encontrar informações de contato semelhantes à forma como encontrou e-mails, seja comprando listas ou pesquisando. Há muitos lugares para obter cartões impressos. Eu usei Vistaprint e MOO. Pessoalmente, MOO tem uma qualidade muito melhor, mas eles são um pouco mais caros. Vistaprint estragou meu pedido várias vezes, mas eles estão sempre dispostos a corrigi-lo de graça. Se você fizer a rota Vistaprint, eu recomendo escolher um de seus papéis mais altos, já que isso realmente faz a diferença. Quando é hora de realmente fazer seu cartão postal, sugiro que você escolha uma imagem chave em vez de uma coleção de imagens. Isso faz com que a imagem realmente se destaque muito mais já que é a estrela do show. Claro, você sempre pode fazer alguns cartões postais diferentes com imagens diferentes e enviar vários em um envelope para cada diretor de arte. Uma abordagem a considerar é enviar um cartão postal e, em seguida, acompanhar com um e-mail ou vice-versa. Agora, para qualquer tipo de promoção, tenha em mente que você obterá uma taxa de resposta muito pequena. Minha taxa de resposta é maior agora que estou mais estabelecida e que minha lista inclui muitas pessoas com quem trabalhei. Mas quando comecei, seria em torno de 5-10 por cento em um bom dia. Se eu enviar um e-mail a 30 pessoas, eu teria muita sorte em ter três pessoas respondendo. Não três pessoas realmente me dando trabalho, mas três pessoas apenas dizendo, obrigado por enviar e-mail. Se você enviar uma grande explosão de e-mails frios e são apenas grilos, não se desanime. Só porque alguém não responde, não significa que não goste do seu trabalho ou que não queira trabalhar com você. Eles podem não responder porque eles estão muito ocupados ou porque eles não têm exatamente o projeto certo no momento, ou porque eles acham que suas habilidades ainda não estão lá, mas eles estão interessados em manter um olho em você. Se você ainda quiser trabalhar com alguém e ele não lhe enviou um e-mail pedindo para ser removido da sua lista, você pode mantê-la nessa lista e continuar enviando atualizações trimestrais, mesmo que nunca respondam a você. Agora, o que funcionou para mim em termos de promoção. Eu tive trabalho vindo de pesquisas de imagens do Google. Essa é provavelmente a minha principal referência, do Instagram, que é a próxima, do Tumblr, do Etsy, do Pinterest, do Twitter e do Behance. A divulgação direta de clientes nunca foi um grande medo para mim. Sua missão para esta lição. Tudo bem para esta lição, vamos tentar encontrar as informações de contato de um diretor de arte com quem você gostaria de trabalhar ou até cinco se você está se sentindo ambicioso. Siga os passos que usamos para falar sobre como rastrear um diretor de arte. Eu também vou colocar um link para um vídeo do YouTube que eu fiz que realmente vai em profundidade e em detalhes para encontrar informações de contato do diretor de arte. Em seguida, você quer rascunhar o e-mail usando o modelo que passamos, e novamente, que estará na seção do projeto de classe ou um cartão postal, se você quiser. Você pode compartilhar isso em seu projeto de classe. Não é necessário compartilhar as informações de contato encontradas. Você fez isso, isso é o seu coração de partir. Guarde tudo para si mesmo, mas compartilhe, se preferir, o rascunho de e-mail e as imagens que você anexaria a ele. 8. Entrega do trabalho final e padrões do setor: Lição 7, como entregar o trabalho acabado e o que os clientes esperam. Vamos falar sobre como entregar o trabalho concluído e o que os clientes esperam quando você faz. Agora, se você está criando belas artes para clientes não-comerciais, isso é bem simples. Eles geralmente só querem o trabalho físico final real, mas para clientes comerciais, é um pouco mais complicado e há expectativas específicas sobre como o trabalho final deve ser formatado e entregue. A primeira coisa a considerar é o formato de arquivo. Existem vários tipos de arquivos comuns que a maioria dos clientes de ilustração comercial usa. Vamos passar rapidamente por cima de cada um e para o que é usado. Primeiro passo, há um JPG ou JPEG, às vezes isso é usado para impressão, mas mais frequentemente, é usado para aplicativos on-line quando um fundo transparente não é necessário ou talvez para compartilhar rascunhos ásperos. Em seguida é PNG, isso geralmente é apenas para aplicativos on-line ou digitais. Ele nunca é realmente usado em impressão, e é usado quando um fundo transparente é necessário. TIFF para T-I-F-F, isso geralmente é usado apenas para impressão e pode ter um fundo transparente ou não. É um arquivo de imagem de maior qualidade do que um JPG. Então, finalmente, há um arquivo PSD. Geralmente, os arquivos do photoshop são usados quando o ilustrador está fornecendo ao cliente um arquivo em camadas onde cada camada precisa ser editada individualmente. Você não precisa usar o Photoshop para isso, você pode usar um [inaudível] como Affinity ou Pixelmator e exportá-lo para um arquivo PSD. Isto é o que eu faço pessoalmente. Por último, vou mencionar SVG e EPS. Eles geralmente são usados para ilustradores que trabalham em formato vetorial em vez de raster. Claro, existem outros tipos de arquivos especializados usando animação, por exemplo. Mas, novamente, isso é do ponto de vista de um ilustrador trabalhando em ilustração comercial, então estamos nos concentrando principalmente em tipos de arquivos específicos do ilustrador. O próximo é o perfil de cores. Alguns clientes solicitarão um perfil de cor específico, por exemplo, na tela ou aplicativos digitais, geralmente eles exigem alguma forma de RGB e impressão geralmente exigem CMYK. Agora, se você é um artista digital trabalhando do zero e procriar ou photoshop para fazer seu trabalho, e estiver criando para impressão, você pode escolher CMYK quando estiver configurando seu arquivo. Mas se você é como eu e você criar um trabalho tradicional e depois digitalizá-lo, todas as suas digitalizações serão RGB por padrão. Alguns ilustradores gostam de editar o perfil de cores em si, e isso é totalmente bom, mas eu raramente faço e aqui está o porquê. Traduzir RGB para CMYK é realmente uma habilidade para si mesmo, e há tantas versões diferentes de cada um desses perfis. Muitos clientes comerciais preferem fazer isso sozinhos, pois trabalham com separadores de cores profissionais. Além disso, os perfis de cores e a aparência de uma imagem quando impressa podem variar dependendo do processo de impressão e do substrato, portanto, seja qual for a imagem impressa e outros fatores também. Outra coisa a considerar é que mesmo quando você trabalha em CMYK no iPad ou em um computador, você ainda está vendo as cores no RGB. É apenas uma aproximação do que o CMYK seria. Você sempre pode perguntar ao cliente qual é a sua preferência e isso não será considerado pouco profissional, ou você pode dizer a eles como você fornecê-lo de forma padrão e perguntar se está tudo bem. Diferentes nichos também terão requisitos diferentes aqui, então, se você estiver trabalhando em um nicho desconhecido, então provavelmente é melhor ir em frente e fazer a pergunta apenas para que você saiba o que o cliente está esperando. A terceira expectativa de entrega com clientes comerciais é um corte claro. Se você tem uma abordagem semelhante à minha, onde seu trabalho é um assunto isolado em um fundo branco, maioria dos clientes esperará que você remova esse plano de fundo antes de entregar seu trabalho. Isso às vezes é chamado de corte claro ou corte limpo ou até mesmo camadas ou camadas, que está essencialmente transformando a ilustração de digitalização finalizada em sua própria camada independente. Isso só será realmente uma preocupação para artistas de mídia tradicionais que digitalizam seu trabalho e digitalizá-lo, porque se você estiver trabalhando digitalmente, você pode simplesmente desativar a camada de fundo. Por último, vamos falar sobre o tamanho do arquivo. Você deseja certificar-se de que o tamanho do arquivo e a densidade são apropriados para o cliente em sua finalidade. Não há tamanho padrão, mas em vez disso, o dimensionamento é baseado no uso final. Se você estiver fazendo uma ilustração digital ou um banner, é comum receber as dimensões exatas dessa ilustração em pixels. Se é para uma revista impressa, às vezes, eles podem lhe dar proporções ásperas, às vezes eles dão dimensões exatas em polegadas ou em centímetros. Basicamente, se o cliente solicitou um tamanho específico, certifique-se de entregar esse tamanho exatamente. Você pode usar um programa como Pixelmator ou Affinity para criar uma tela que tenha essas dimensões exatas e, em seguida, importar sua imagem, sua digitalização, diretamente para essa tela. Quanto à densidade, se o seu cliente for digital, você deseja exportar algo na faixa de 72-150 dpi, ou se for uma revista impressa, mais próxima da faixa 350, e se for embalagem ou publicidade, geralmente, é mais como 400-600 gama, vez que eles costumam usá-lo em algumas aplicações diferentes. Mais uma vez, você pode perguntar ao cliente quais são suas expectativas e o que eles precisam se você não tem certeza, e é sempre melhor perguntar e nunca menos profissional perguntar. Não há tarefa para esta lição. Vamos pular direto para nossa próxima lição, trabalhando com clientes. 9. Trabalhando com clientes: Bem-vinda de volta. Esta é a Lição 8, como trabalhar com clientes. Outro nome para esta lição seria atendimento ao cliente para artistas e ilustradores comerciais. Se você é um artista de negócios a cliente ou um artista de negócios a negócios, você terá clientes. Se sua empresa a empresa, você chamará esses clientes clientes, e todos os que têm clientes precisam praticar algum nível de atendimento ao cliente. Não há nada complicado ou louco nisso, eu tento seguir apenas cinco princípios básicos: Número 1, você quer ser gentil e empático. Esta é uma regra tão simples, mas é tão importante e pode ser fácil de esquecer, especialmente se você estiver trabalhando com clientes comerciais. Procure oportunidades para fazer com que o cliente se sinta visto, compreendido e apreciado. Tente ver as coisas a partir de sua perspectiva quando você pode, e acima de tudo, se preocupar com seu projeto e seus objetivos. Faça do seu trabalho preocupar-se com as coisas com as quais eles se importam. Número 2, você quer ser direto, direto e limpo. Deixe o cliente saber como é o processo de trabalhar com você. Portanto, certifique-se de ser claro sobre o que o cliente está realmente recebendo, quanto tempo levará para ele obtê-lo, o que você terá terminado até quando; então as diferentes fases do processo, e o que você precisa do cliente a fim de fazê-lo. Por último, mas não menos importante, seja claro sobre o preço do cliente. Quanto isso vai custar? E se precisarmos adicionar extras? O terceiro princípio é ser proativo e rápido. Procure e aborde possíveis pontos problemáticos antes que eles surjam. Às vezes parece que se pode haver o potencial de falta de comunicação ou pontos pegajosos, tendemos a fugir e esperar que eles simplesmente desapareçam e que não tenhamos que lidar com eles. Isto não vai servi-lo no final. Se você sentir um soluço vindo com o cliente, tente cortá-lo no passe e esteja disposto a até mesmo pular no telefone quando necessário. Todos os clientes apreciam uma comunicação rápida. Você também quer responder o mais rápido possível dentro da razão. Claro, você não vai responder às 23h de uma sexta-feira, mas não tente se parecer difícil de conseguir ou se forçar a esperar três dias para responder a um cliente para que eles pensem que você está realmente ocupado ou importante. Apenas responda razoavelmente rapidamente. Basicamente, trate o cliente como você quer ser tratado. O quarto princípio é ser humilde e aberto ao feedback. Preocupe-se mais em ajudar a equipe a atingir o objetivo geral do que em ser a estrela do show. Isto é especialmente verdadeiro para artistas business-to-business. Se você deixar cair a bola ou se cometer um erro, peça desculpas. Se você quiser criar um trabalho comercial ou assumir comissões como um bom artista, você tem que estar aberto ao feedback do cliente e mudar o trabalho de maneiras que você potencialmente não gosta. Às vezes você vai gostar no final e às vezes você não vai. À medida que você ficar mais estabelecido, você será capaz de ser mais exigente sobre os tipos de trabalho e projetos que você assume, e apenas assumir um trabalho que se alinha bem com sua estética. Mas mesmo assim, os clientes podem querer fazer as coisas de forma diferente de você, é super comum. Se você não pode receber feedback graciosamente ou se ele tira completamente o vento de suas vendas e torna impossível para você trabalhar, este pode não ser o nicho para você. O quinto e último princípio para um atendimento ao cliente é ser pontual. Defina uma linha do tempo realista e fique com ela. Especialmente se você está apenas começando, você pode querer ser conservador em sua estimativa inicialmente. Então, se você acha que algo vai levar dois dias, então estime três dias. Se, por algum motivo, você souber que não vai cumprir um prazo que já definiu anteriormente, informe ao cliente assim que souber, não espere até que o prazo se aproxime. Não diga a eles no dia em que você não será capaz de conseguir a tarefa, que vai ser tarde. Se você sabe o dia anterior, diga a eles no dia anterior. Esse tipo de comunicação clara sempre será muito apreciado por qualquer cliente, mas novamente, especialmente por empresas e marcas. Sua missão para esta lição. Isto vai ser um pouco diferente. Vamos fazer um exercício de reflexão aqui. Imagine o projeto ideal do seu cliente. Com quem você está trabalhando? O que você está fazendo? Qual é a missão? Agora imagine que você é o cliente. Depois de ter articulado tudo isso, tente escrever. Agora você vai imaginar que você mesmo é o cliente. Tente imaginar-se em seus sapatos; quais são seus objetivos? Por que te escolheram como artista? Quais são algumas de suas maiores preocupações ou incertezas sobre trabalhar com você? Como você pode lidar proativamente com isso? Se você se sentir confortável, compartilhe alguns de seus pensamentos e reflexões na seção do projeto da classe. 10. Como elaborar e entender um contrato: Lição 9, como montar um contrato básico. Então, estamos chegando ao final deste curso, mas antes de terminar, temos que enfrentar uma das habilidades de negócios mais importantes que um artista pode ter, criando e compreendendo contratos e acordos. Claro, eu preciso dizer logo na frente que eu não sou um advogado ou um profissional legal. Eu sou apenas um artista que trabalhou para entender contratos de propriedade intelectual, que é o grande guarda-chuva que nossos contratos geralmente se enquadram. Mas você deve pegar tudo o que eu disser com um grão de sal e assim como o resto desta classe, usá-lo como plataforma de lançamento para aprender mais. Ok, vamos. Para mim, contratos e acordos foram um dos aspectos mais intimidantes da minha carreira freelance. Eu sabia que precisava ter algum tipo de acordo ou contrato, especialmente se eu fosse fazer isso a longo prazo. Mas todos eles pareciam tão avassaladores, longos e incompreensíveis. Aprendi por meio de tentativa e erro que há 10 coisas fundamentais que preciso incluir em cada contrato, seja para uma grande empresa comissionando ilustração para uma campanha nacional ou para uma individual comissionando um retrato de animal de estimação para sua avó. Essas 10 coisas importantes são o número 1, os nomes das festas, então você e o cliente. Número 2, materiais de entrega. As entregas são o que o cliente está recebendo e a forma que eles vão entrar. Isso poderia ser uma obra de arte física, um download digital, etc Você também deve incluir as dimensões, o estilo, o conteúdo, basicamente uma descrição completa agradável do que especificamente o cliente está pagando. Ficaria surpreso com quantos erros de comunicação dolorosos podem ser evitados apenas descrevendo detalhadamente os resultados. Número 3, cronograma e o processo, então quando o trabalho será feito e como. Você deseja descrever cada etapa do seu processo e chegar a prazos para cada fase. Não confie no cliente para fazer isso. Você também quer soletrar as revisões. Quantas vezes o cliente pode pedir alterações e que tipos de alterações ele pode pedir. Mais uma vez, seja muito específico aqui, então soletrá-lo da forma mais clara e simples possível, quais as mudanças que o cliente pode fazer e em que fase do projeto. Você também quer mencionar o que custará se o cliente precisa ter alterações adicionais. Se isso acontecer, ele geralmente é construído em uma base horária, então você pode apenas declarar que essa taxa adicional será construída à sua taxa horária padrão de qualquer que seja a sua taxa horária. Número 5, você quer incluir, é claro o seu preço ou sua taxa, então quanto isso custa. Certifique-se de indicar se é por ilustração ou imagem e tornar o custo total muito claro e óbvio. Uma estrutura de pagamento, portanto, isso pode incluir um depósito de 25-50 por cento, informações sobre como e quando você aceita o pagamento, etc. Então, se você fizer cheques ou pagamento on-line ou PayPal, eu recomendo fortemente obter um depósito se você puder. Em alguns mercados, não é tão comum, em editorial, por exemplo, mas você deve sempre solicitá-lo. Com clientes particulares, eu normalmente faço um depósito de 50% e depois um pagamento final de 50% antes de enviar o trabalho real. Em seguida, você também quer incluir uma taxa de morte, que é quanto você será pago caso o projeto seja cancelado em vários pontos. Então imagine que você tem meio caminho através de uma ilustração em aquarela e o cliente de repente cancelou o projeto porque eles não precisam mais usá-lo. Você precisa estar protegido e ter certeza de que você será pago forma justa pelo seu trabalho, mesmo que o cliente mude de idéia. Você também deseja ter um contingente à cláusula de pagamento. Isto afirma que o direito do cliente de usar o trabalho depende do seu pagamento. Então isso é realmente necessário apenas com clientes comerciais. Em seguida, os direitos de uso, como o cliente pode usar o trabalho concluído e quem é o proprietário dos direitos autorais. Isso pode parecer contra-intuitivo, mas você deve ter essa cláusula em uma comissão privada, bem como em uma comissão comercial. Isto é o que indica o valor do cliente está recebendo. Seja específico mais uma vez. Descreva exatamente como o cliente pode usar o trabalho. Então, se eles estão planejando colocar em toalhas, não diga apenas roupa de cama, diga toalhas. Indique que qualquer utilização adicional terá de ser negociada separadamente e poderá incorrer em taxas adicionais. O próximo é o termo. O termo é o período de tempo que o cliente pode usar o trabalho para o propósito especificado. Isso só é realmente necessário para comissões comerciais porque realmente não há tempo específico, nenhum termo que uma comissão privada poderia ter o retrato de animal de estimação pintado para sua avó pendurado na parede. Portanto, isso varia de acordo com o mercado mais uma vez, mas um prazo pode ser de seis meses a alguns anos para indefinido. Claro, estes são apenas os conceitos básicos e você pode incluir muitas outras coisas em seu acordo. Além desses 10 itens, quando estou trabalhando com um cliente comercial, eu uso um modelo do manual habilidoso artista gráfico que cobre coisas como mediação e uma cláusula de indenização. Você também pode Google modelos de contrato ou modelos de contrato para ilustradores ou artistas ou você pode comprar sua própria cópia do manual GAG. Às vezes, uma empresa fornecerá seu próprio contrato. Isso é realmente bastante comum se é um cliente corporativo maior e se isso acontecer, eu sempre li através do contrato com especial atenção para as 10 coisas acima que eu mencionei. Você também pode pedir ao cliente que assine seu contrato mesmo que você tenha assinado o seu contrato ou se ele não estiver aberto a fazê-lo, você pode pedir que ele altere seu contrato para incluir as coisas que ele pode não ter incluído nele, como uma linha do tempo específica ou uma taxa de morte. Então só porque uma empresa lhe envia um contrato não significa que você tem que aceitar os termos e assinar como está. Pedir mudanças é muito comum e eu faço isso o tempo todo. Por exemplo, está se tornando cada vez mais comum que as empresas incluam uma cláusula de todos os direitos em seu contrato. Isso significaria basicamente que o cliente possui seu trabalho em sua totalidade e você não pode usá-lo para qualquer outra coisa nunca. Agora, há algumas situações em que o cliente precisa dessa latitude. Mas, em geral, para algo como editorial ou livro ilustrado ou licenciamento, eles só precisam dele para um uso muito específico. Se o contrato do cliente tiver uma cláusula de todos os direitos nele e parecer inapropriado, encorajo-o a negociar e solicitar se esses direitos de uso sejam restringidos apenas ao que o cliente realmente precisa. Agora, só porque o cliente incluiu uma cláusula de todos os direitos em seu contrato, não significa que eles são maliciosos ou que eles estão tentando tirar vantagem de você. Muitas vezes, esses contratos, eles são um contrato. Eles são montados por algum departamento jurídico ou talvez um advogado que eles contrataram uma vez para fazer o contrato e que tenta escrever o contrato de uma forma que é a mais vantajosa para o cliente. Portanto, não é indicativo deles tentando pisar em você ou tentar tirar proveito de você, e como mais uma razão porque já que era apenas um contrato formulário montado por um advogado que não necessariamente conhece todos os meandros específicos da indústria preços, mais uma razão para você ir em frente e pedir para fazer alterações nele. Se eles insistirem em todos os direitos, se o cliente insistir nisso, o preço deve subir significativamente. Ou se eles se opõem a um salto de preço, limite os direitos. Então não há necessidade de uma revista que imprima sua ilustração uma vez para possuir todos os direitos para sempre. Se você estiver criando seu próprio contrato, você pode criar um PDF e enviá-lo ao cliente para obter uma assinatura eletrônica, ou você pode pedir que ele imprima, assine e envie de volta para você, ou você pode usar um serviço como o DocuSign ou Olá, Sign. Pessoalmente, uso algo chamado Bonsai para criar meus contratos usando o modelo GAG que acabei de importar para ele, e também rastreia assinaturas e abre para mim. Mas eu costumava usar PDFs nos primeiros dias porque é fácil e gratuito. Ou você pode ter uma combinação em que assina o contrato do cliente que detalha os preços, os materiais de entrega e o uso, mas não inclui uma linha de tempo ou informações sobre revisões. Você poderia então martelar os detalhes dessas coisas no corpo de um e-mail. Basicamente, o importante a lembrar sobre contratos e acordos é que você precisa um registro claro por escrito do que você e o cliente concordaram com relação ao projeto. Sua tarefa para esta lição é ficar confortável com a criação seu próprio contrato ou acordo elaborando um modelo de contrato que você pode usar mais tarde. Então faça alguma pesquisa, modelo de contrato do Google para ilustradores, exemplo de contrato para freelancers, leia vários desses modelos e Google quaisquer termos que você não entende, tente obter familiarizado com a linguagem. Então você quer escolher um ou dois modelos e olhá-los com as 10 principais coisas que falamos em mente. Todos os 10 estão aí? Parecem diferentes? Eles precisam ser adicionados ou alterados? Há coisas extras neste contrato que não são especificamente relevantes para você? Se assim for, você pode simplesmente excluí-los ou substituí-los por algo que é. Claro, você sempre pode trabalhar com um advogado de propriedade intelectual ou procurar ajuda legal para artistas se você realmente se sentir desconfortável com esse aspecto do trabalho. Pode pedir a alguém que faça um contrato para você. Se você se encontrar em uma situação em que as apostas são muito altas, então um projeto realmente grande que vai levar um ano ou mais para trabalhar, ilustração de livros infantis é um bom exemplo disso, você pode considerar que, independentemente, buscando alguma ajuda, seja um agente ou um advogado que possa navegar alguns dos aspectos legais dele para você. Mas eu encorajo fortemente você a se familiarizar com contratos e linguagem jurídica básica relacionada à arte independentemente, especialmente se você está visando uma carreira no setor comercial. Mesmo se você estiver indo para trabalhar com um advogado para alguns deles, ainda é do seu interesse para entendê-lo e mesmo que seja um pouco chato, ele irá atendê-lo muito bem a longo prazo. 11. Faturas e finanças básicas: Lição 10, como gerenciar finanças básicas. Estamos na décima habilidade comercial final, sendo pagos e lidando com dinheiro. Primeiro passo, um último aviso de isenção. Vocês já sabem que não sou advogado. Mas só para o caso de haver alguma dúvida, eu também não sou um CPA ou um profissional financeiro. Sou apenas um artista que aprendeu a entender algumas dessas coisas e está aqui para desmistificá-las um pouco para você. Dito isto, vamos mergulhar no nosso primeiro tópico. Fazendo e enviando faturas. Semelhante aos contratos, você pode criar faturas super simplesmente com um PDF ou com um programa como Bonsai ou FreshBooks. Comecei com o modelo PDF da mesma forma que fiz com o contrato e mudei para Bonsai, uma vez que ficou muito difícil acompanhar quais clientes tinham pago e quais não. Isso tem sido útil, mas é claro que a desvantagem é que Bonsai custa dinheiro. Por essa razão, se você está apenas começando e você tem apenas alguns projetos de cliente ou um de vez em quando, eu recomendaria absolutamente a rota do PDF inicialmente. Algumas dicas úteis sobre a montagem em vozes. Você quer incluir muitas das mesmas informações que estavam no contrato, e no mínimo, essas quatro coisas. Número 1, suas informações de contato e as informações de contato dos clientes. Número 2, a data de emissão e o número da fatura. Tenha aqueles na parte superior da fatura, se possível. Se você precisar entrar em contato com o cliente para lembrá-lo sobre a fatura, é muito mais profissional referenciar o número da fatura e a data em vez de apenas dizer, “Ei, lembre-se do que eu pedi para me pagar aquela vez.” Colocar uma data de vencimento proeminente no topo da fatura também é bom, este é o número 3. Sugiro um líquido de 30 dias, que significa que você será pago ou que eles terão que pagar 30 dias após a data de emissão. Se você enviar em primeiro de junho, ele será vencido em 30 de junho, e que 30 ou 45 líquido é padrão para a maioria dos clientes comerciais. Mas se você estiver fazendo comissões privadas, é mais padrão ter 100% adiantado quando a fatura é recebida antes do início do trabalho ou 50% adiantado e 50% no fechamento do projeto. Número 4 é uma descrição do que está realmente coberto nesta fatura. Isso se torna especialmente importante se você trabalha com um cliente várias vezes ou em um projeto multifase. Você quer deixar muito claro o que tinha sido pago para quando, a fim de evitar qualquer preocupação com a cobrança dupla. Em seguida, você nomeia o arquivo com o número da fatura e com o seu nome. Quando enviar uma voz? Você deseja enviar uma fatura para um depósito assim que o contrato foi assinado antes de realmente começar a trabalhar, e então você deseja enviar a fatura para o depósito final assim que o cliente tiver assinado o trabalho final. Quando acompanhar uma fatura? Gostaria de enviar um lembrete uma semana antes do vencimento da fatura. Bonsai faz isso automaticamente para mim, o que é super legal. Em seguida, se a fatura não for paga até a data de vencimento, normalmente espero de 3 a 5 dias úteis e, em seguida, enviar outro lembrete. Desta vez está escrito pessoalmente. Próximo passo, rastrear finanças. Eu recebo perguntas sobre isso o tempo todo e parece ser algo com o qual muitas pessoas ficam nervosas. Vamos manter as coisas simples e falar sobre a minha dica número 1 para rastrear as finanças do seu negócio, e que é ter uma conta separada e um cartão de débito para o seu negócio. Isso pode ser realmente útil e pode simplificar o rastreamento de receitas e despesas. É uma referência tudo-em-um que é super útil não só no momento do imposto, mas ao longo do ano para permitir que você veja padrão e mantenha o controle das finanças do seu negócio. Eu tenho uma conta separada e cada vez que eu sou pago, seja de um cliente, de uma venda online da Skillshare, tudo vai para o mesmo lugar. Eu também uso a conta para todas as minhas despesas de negócios como hospedagem web, estúdio, aluguel, subcontratados pagantes, etc Dito isso, você não tem que ter essa separação do get-go, pelo menos você não tem nos EUA. Especialmente, se você está apenas pegando alguns clientes aqui e ali, tudo bem esperar para dar esse passo para realmente criar uma conta separada. A coisa mais importante é que você quer ser capaz de rastrear o quanto você trouxe e quanto você pagou em despesas. Você pode fazer isso no início, mesmo que você não tenha separado suas finanças. Mas uma vez que você começa a ter um trabalho mais consistente, eu recomendo ter uma conta separada. Caso contrário, pode ser fácil perder coisas e cometer erros. Por último, mas não menos importante, impostos. O que eu estou prestes a dizer é realmente aplicável apenas a residentes dos EUA, e eu não vou entrar em um monte de detalhes aqui porque, como eu já mencionei, eu não sou um CPA ou especialista em impostos. Felizmente, eu vou ser capaz de apenas dar-lhe uma visão geral ampla e uma boa idéia de onde você pode precisar aprender mais. Em primeiro lugar, o básico, qualquer rendimento por conta própria será tributado de forma diferente do rendimento do emprego. Por causa disso, reservar dinheiro para impostos torna-se super importante. Caso contrário, você pode acabar com uma grande conta assustadora quando é hora de impostos e não há dinheiro suficiente na mão para pagá-lo. Pessoalmente, cada vez que eu sou pago de um projeto de cliente, eu reservo 20-30 por cento em uma conta de poupança de impostos. Isso é um desafio de fazer, mas a maneira que eu vejo é que se eu fosse um empregado regular, eu nunca veria esse dinheiro no meu salário de qualquer maneira, ele só será automaticamente retirado. Tento tratá-lo da mesma maneira. Estou retendo em meu próprio nome, essa é outra razão pela qual ter uma conta bancária separada é útil. Quando um depósito chega, primeiro tiro os impostos e depois transfiro um valor fixo para uma conta pessoal pelo meu salário. Manter-se organizado em janeiro. Em janeiro, uma vez que é hora de impostos, você receberá 1099 em vez de W-2s. Como freelancer, você provavelmente terá vários 1099 diferentes. Devido a isso ter um arquivo tanto um digital e um físico para salvar 1099 como eles vêm em é super útil. Eu realmente não vou entrar em mais detalhes sobre isso sobre impostos porque eu não sou um especialista e limiares e regras mudam o tempo todo. Para responder a perguntas como, quanto eu preciso ganhar com o freelancing antes de pagar impostos? É melhor fazer algumas pesquisas no Google para que você possa ter uma compreensão básica. Mais importante ainda, não há problema em pedir ajuda a um especialista em impostos real e trabalhar com um profissional se precisar. Nessa nota, vou divulgar que meu parceiro é ótimo com números e usa TurboTax. Eu só dou a ele todas as minhas despesas e relatórios e 1099 e ele cuida disso. Mas se não fosse esse o caso, eu pagaria 100% a um profissional para fazer isso por mim porque não é minha praia e não há vergonha em admitir isso. Vou colocar alguns links para freelancers úteis de impostos [inaudíveis] na seção de recursos. Sua tarefa para esta lição é ficar confortável com a criação suas próprias faturas elaborando um modelo de fatura que você pode usar mais tarde. Novamente, assim como você fez com os contratos, faça alguma pesquisa, tente modelo de fatura para ilustradores ou fatura de amostra para freelancers. Leia vários desses modelos e Google quaisquer termos que você não entenda para se familiarizar com o idioma. Em seguida, escolha um modelo para usar como ponto de partida e adicione ou modifique os quatro componentes básicos que falamos. As informações de contato, data e número da fatura, a data de vencimento e a descrição do que está sendo construído. Algumas pessoas gostam de ficar um pouco extravagante com a concepção da sua factura e certamente é bom fazê-lo. Mas, no geral, eu recomendo que você mantenha claro, simples e fácil de entender. Então, se quiser, você pode fazer upload de uma imagem do modelo de fatura preenchido para a seção de projeto de classe. 12. Aula BÔNUS — edição de imagens: Lição bônus, como fotografar e digitalizar o trabalho. Para esta lição bônus, vamos nos concentrar em uma das habilidades mais básicas e práticas que um artista pode ter capturando imagens de seu trabalho. Eu debati se eu queria incluir esta lição na aula porque não é realmente uma lição estritamente relacionada aos negócios. Mas para muitas pessoas, quando estão dando o salto para apenas criar trabalho como um hobby ou criar trabalho como um iniciante e querendo fazer a transição para um profissional que trabalha, o que fica em seu caminho é compartilhar imagens de qualidade de seus trabalho. Qual é o impedimento real para eles compartilhar imagens de qualidade de seu trabalho é fazer imagens de qualidade. Então, para mim, mesmo que isso não relacionado aos negócios no mesmo sentido como marketing ou finanças, é realmente uma habilidade que tem importância fundamental para o sucesso do seu negócio como artista. Vamos mergulhar nisso hoje. Alguns artistas, especialmente fotógrafos, podem ter aprendido essas coisas na escola de arte, mas muitos artistas tradicionais da mídia, inclusive eu, não aprenderam. Se você é um fotógrafo ou se já sente super competente em capturar imagens do seu trabalho, você provavelmente pode pular esta lição a menos que você queira aprender sobre scanners. Vamos abordar as duas formas principais de capturar imagens do seu trabalho para apresentação, fotografia e digitalização. Primeiro passo, as noções básicas de fotografar sua arte para mostrar ou para apresentação, não para reprodução. Número um, você quer filmar com luz natural e indireta. Isso significa que você quer um ambiente bem iluminado, mas você não quer a luz diretamente em sua arte. Você pode conseguir isso de algumas maneiras diferentes. Você pode estar fora na sombra, isso é realmente ideal, ou você pode estar dentro de uma sala bem iluminada com pelo menos duas janelas ou dentro de casa usando equipamentos de iluminação. Você também quer atirar de uma variedade de ângulos. Claro, você quer uma boa foto frontal, que mostra toda a imagem. Você pode usar uma grade em sua câmera, ou até mesmo seu iPhone terá isso, para ter certeza de que você está realmente na frente, não filmando de um ângulo, e você quer tentar se afastar para evitar qualquer distorção de imagem. Em seguida, tente atirar de lado e de perto. Fotografar a partir do lado mostra textura e dimensão em seu trabalho, que é especialmente importante se o trabalho estiver em Tela ou painel ou tiver alguma dimensão de tipo para ele. Você também deseja mostrar a escala. Atire ao lado de um adereço ou um cavalete ou tenha o trabalho mantido por um modelo. Agora, dica número três, isso é simples e é só usar a melhor câmera que você tem. Isso não precisa necessariamente ser um DSLR. Pode ser um iPhone ou um smartphone, mas se você tiver uma câmera melhor, por todos os meios, use-a. Claro, você quer usar um tripé se você tiver um também. Se você estiver estável ao fotografar, a imagem terá mais detalhes e ficará mais nítida. Isso também pode ajudar a centralizar e garantir que você evite qualquer distorção da imagem. Se não tiver um tripé, pode tentar configurar as fotografias e estabilizar o braço numa peça de mobiliário ou numa parede e, depois de ter uma fotografia, edita-a utilizando uma aplicação básica de fotografias, como o iPhoto. Você quase certamente vai querer ajustar o equilíbrio de branco e a exposição, especialmente se a arte estiver em um fundo branco ou tiver muitas cores claras nele. Você também vai querer ajustar a saturação. Seu objetivo deve ser fazer com que pareça o mais real possível. Novamente, certifique-se de que quando você está tirando fotos desta forma, isso é para apresentações, então para incluí-las em seu site talvez, ou para enviá-las para uma galeria ou para o seu Instagram. Mas isso, você não seria capaz de tirar fotos para fazer reproduções usando este método, você vai precisar de uma câmera diferente, muito melhor equipamento, tudo isso. Agora, antes de passarmos à digitalização, uma nota rápida sobre como fazer impressões de arte a partir de fotos. Se você quiser fotografar seu trabalho para fazer reproduções, você precisará de uma câmera muito boa, uma configuração de iluminação Pro e um tripé. Por esse motivo, pode ser melhor trabalhar com um fotógrafo profissional ou usar um scanner, se possível. Ok. Passando para o escaneamento. O básico da digitalização de sua arte, seja para exibição ou para reprodução. Poderíamos passar uma aula inteira analisando os scanners e como eles funcionam. Mas vamos tentar nos concentrar hoje nos conceitos básicos essenciais que você deve prestar atenção ao escolher e operar um scanner. Se você estiver digitalizando arte, tente escolher um scanner de mesa autônomo. Você pode conseguir obter a qualidade de digitalização necessária em um scanner de impressora combinado, mas a área de superfície da placa de digitalização é muitas vezes muito menor, por isso pode ser complicado. Ao escolher um scanner, você verá muitas medidas e números na descrição. aqui estão dois que você definitivamente deve prestar atenção e eles são muito simples explicações não-técnicas leigos: resolução óptica. OU é a quantidade de detalhes que o scanner é realmente capaz de capturar por polegada. Mais é melhor, uma resolução óptica mais alta é melhor. Meu scanner tem um OR de 6400 DPI, mas você deve procurar algo com um OR de pelo menos 1200. Número dois é profundidade de cor. A quantidade de informação capturada em cada pixel, seja 32, 36, 42 e 48 bits, estas são todas medidas bastante comuns aqui. Procure mais alto, novamente, 42 ou 48 bits, se possível. Verifique a seção de projetos e recursos da classe para obter as recomendações do meu scanner. Eu diria Epson perfeição V600 no high-end. Este é um scanner que eu uso. Ele vende por cerca de 220 e a perfeição Epson B39 na extremidade inferior, que vende por 100. Ok. Então, para realmente usar seu scanner. Depois de ter seu scanner, baixe o driver do scanner, que é o software que permite que seu computador fale com o scanner. Sempre que o ligar, está a operar, certifique-se de que primeiro seleciona o modo profissional ou manual no menu do condutor. Dependendo do scanner que você escolher, ao abrir o driver, você terá várias opções para o modo de digitalização, semelhante ao uso de uma câmera. Geralmente, há um modo automático e um modo parcialmente automático, e o modo manual. No meu motorista, o modo manual é chamado de profissional. Você praticamente sempre quer escolher o modo manual para que as configurações automáticas sejam desativadas. Muitas dessas configurações automáticas são para fotos ou documentos ou até mesmo negativos. Você deseja que a varredura simples não editada funcione com. Na promoção, desative todos os ajustes. Eu costumava gastar tempo ajustando especificamente as configurações em cada digitalização para que a imagem pareça exatamente do jeito que eu quero. Mas geralmente agora, a menos que eu esteja digitalizando uma peça particularmente problemática, geralmente uma é toda amarela ou tem muitas cores muito claras, eu escolho o modo manual profissional e apenas desligo qualquer uma dessas modificações, configurações incluindo exposição automática. Eu faço isso porque eu prefiro editar a digitalização em um programa de edição de fotos. Eu acho que ele finalmente economiza tempo e me dá os mesmos resultados no final. Você também deseja escolher foto como a configuração de digitalização e configurá-lo para 48 bits ou a opção mais alta que você tem para capturar o máximo de informações de cor possível. Em seguida, você deseja escolher seu DPI. Eu praticamente sempre digitalizar na faixa de 350 a 700 DPI, e isso deve ser suficiente para a maioria das aplicações artísticas. Você pode, é claro, digitalizar mais alto, mas os arquivos serão enormes e serão muito lentos para editar. Você deve finalmente escolher seu DPI com base no uso final. Por exemplo, se eu estiver digitalizando uma ilustração de quatro por seis que seria impressa em uma revista. Vou digitalizá-lo a 350 DPI. Mas se eu estiver digitalizando uma ilustração de quatro por seis que será usada para embalagens e publicidade, eu entrarei na faixa de 600 a 700 DPI, já que esse cliente provavelmente desejará ampliar a ilustração e usá-la e outras aplicações. Em qualquer um dos cenários, também exportarei uma versão de resolução mais baixa para o meu portfólio e para uso online. Tenha em mente que você sempre pode dimensionar o arquivo mais tarde, mas não pode dimensioná-lo sem digitalizar novamente. Então, quando em dúvida, digitalize com uma resolução mais alta. Depois de ter a digitalização, você precisará editá-la. Você precisará de algo com um pouco mais de umph do que o iPhoto. Eu recomendo usar o Medidor de pixels ou a Foto de afinidade. claro que você pode usar o Photoshop, mas é um rebatedor bastante pesado e se tudo o que você está usando é um pouco de edição pós-digitalização, você realmente não precisa dele e você pode facilmente evitar as despesas. Você pode exportar os mesmos arquivos profissionais de alta qualidade do Medidor de Pixel ou afinidade e eu pessoalmente nunca uso Photoshop. Meus objetivos ao editar uma digitalização são geralmente torná-la tão parecida com o original quanto possível. Isso geralmente significa ajustar o intervalo de tons com a ferramenta de curvas e, às vezes, fazer ajustes de saturação e exposição também. Não há nenhuma recomendação universal ou configuração aqui, uma vez que o gosto e o estilo de todos e a arte média e real é diferente. Você precisará apenas mexer e descobrir o que você gosta em termos de configurações e quais são seus objetivos visuais. Como meu trabalho é geralmente assuntos isolados sem um fundo, também é muito importante remover o espaço vazio em torno da ilustração para que você fique com um fundo transparente. Falamos sobre isso anteriormente na seção em que estávamos falando sobre as expectativas do cliente em relação à entrega de trabalho. Então isso torna a remoção do fundo aqui torna a reprodução como fazer impressões e mesclar muito mais fácil, e também usará menos tinta se você estiver usando as digitalizações para fazer impressões de arte. Claro que, se você pretende trabalhar com esses clientes comerciais, eles vão querer e esperar que o arquivo final tenha tido o plano de fundo removido. Então você quer mostrar seu trabalho formatado dessa forma, mesmo que você esteja apenas compartilhando nas mídias sociais ou em seu site, mesmo que tenha sido feito apenas para um portfólio e não para um cliente. Já fiz uma aula inteira sobre remover fundos do seu trabalho. Não vamos entrar em muito mais detalhes do que isso agora, mas vou ligar a turma na seção de materiais. Obviamente, se o seu trabalho tiver fundos, como se você for um artista de fundo ou se você criar pinturas de cena totalmente renderizadas, você não estaria removendo o plano de fundo. Você simplesmente recortaria as bordas confusas para criar uma imagem limpa e agradável. Antes de encerrarmos, uma conversa rápida sobre quem deve usar uma câmera e quem deve usar um scanner. Muito amplamente, um artista cujo trabalho tem muita textura, como no trabalho em si é um pouco 3D ou que pinta em grandes superfícies dimensionais, como telas ou painéis, precisará mais frequentemente usar uma câmera, porque vai ser muito difícil conseguir que o trabalho para colocar plana em uma cama de scanner, um artista que pinta em papel ou talvez em painéis realmente pequenos e tem uma textura mais sutil poderia ir de qualquer maneira. Um artista que queira fazer impressões fora de seu trabalho ou trabalhar com clientes comerciais, editoriais, livros infantis, etc, precisará de um scanner. Isso é como uma ferramenta essencial de negócios. Portanto, sua tarefa para esta lição é capturar, editar e compartilhar uma imagem de seu trabalho. Você pode usar uma câmera ou scanner, editar a imagem de acordo com o uso final. Se você quiser usar a foto em sua loja Etsy, isso em mente quando você está tirando uma foto e encená-lo dessa forma. Se você quiser usar a digitalização como parte de seu portfólio de padrões de superfície, isso em mente também. Então, deixe-nos saber o seu uso pretendido quando você compartilhar a imagem em seu projeto de classe. 13. Rodada relâmpago: Lição 12: Lightining round ou solução de problemas. Se você ainda não está cansado de conversa de negócios, vamos abordar algumas perguntas adicionais ou soluços que podem surgir para novos proprietários de negócios criativos. E quanto aos NDAs? Um NDA é um acordo de confidencialidade. É basicamente você prometendo não falar sobre o projeto do cliente até que eles digam que não há problema em fazê-lo. É muito comum ser solicitado a assinar um NDA antes de ser oferecido um emprego, antes mesmo de cotar um preço, especialmente com uma marca maior ou um cliente mais proeminente. Não há nada de sombrio nisso. Tenho um arquivo cheio de NDAs para trabalhos muito legais que não acabaram por se deslocar. Normalmente, se você acabar desembarcando o show, uma vez que o trabalho é público, você será capaz de falar sobre isso. Certifique-se de lê-lo como faria com qualquer forma legal apenas para entender o que você está assinando. Mas não há problema em assinar NDAs e não há nada de suspeito um cliente pedindo para você assinar um antes de concordar em fazer o trabalho. E o trabalho para contratar? Trabalhar para aluguel é um termo que você verá em alguns contratos criativos. Basicamente, isso significa que qualquer coisa que você faz para o cliente é propriedade dele logo que ele é feito, semelhante a todos os direitos. Mas isso é ainda mais abrangente, já que você nem sequer possui a autoria do trabalho que é feito sob um acordo de trabalho para contratação. Eu recomendo evitar o trabalho para arranjos de aluguel a todo custo , exceto em circunstâncias muito específicas em que é mais padrão. Por exemplo, trabalhando em uma animação em uma propriedade existente. E quanto aos pagamentos atrasados? É inevitável que em algum momento você encontrará um cliente que está muito atrasado no pagamento da fatura. Um pouco tarde, 1-2 semanas mais é super comum na minha experiência, e enviar um lembrete educado é algo que você tem que estar confortável fazendo. Mas certamente há clientes que, seja através do esquecimento ou algo mais intencional, vão empurrar caminho, muito além do prazo final. Tal como acontece com muitas coisas, a prevenção é o melhor medicamento. Aqui estão três maneiras de evitar pagamentos atrasados. número um é incluir uma taxa de atraso no seu contrato, meu é de 1,5 por cento. Isso começa a acumular assim que a fatura está atrasada. Número 2 é incluir um contingente de cláusula de pagamento. Escreva no seu contrato que o cliente não tem o direito de usar o trabalho até que o pague. número 3 é ser pago antecipadamente ou antes de entregar as finais. Se você está trabalhando para um cliente realmente pequeno ou desconhecido, receber adiantado é o melhor, especialmente se você tem um sentimento engraçado sobre isso. Se for um cliente comercial maior, obter pelo menos 50% adiantado e 50% antes de entregar o trabalho é uma boa ideia, mas nem sempre é possível. Vamos supor que o inevitável finalmente aconteceu e você teve sua primeira fatura vencida. Aqui estão quatro maneiras de lidar com isso. Número 1, envie lembretes semanais assim que a fatura estiver vencida. Número 2, aplicar a taxa de atraso se for vencida mais de uma semana, e certamente se um cliente se atrasou antes, eu educadamente informá-los que eu aplicarei a taxa de atraso que concordamos em nosso contrato. O número 3 é pegar o telefone. É assustador, mas às vezes você tem que pegar o telefone e falar com um humano para receber a fatura paga. Número 4 isso é algo para manter em seu bolso de trás mais como um último recurso, e que é para alcançar a cadeia alimentar. O pior caso de atraso de pagamento que eu já tive foi trabalhar para uma organização nacional sem fins lucrativos, eles eram algo como oito meses atrasados e tinha ignorado meus muitos e-mails e telefonemas, e finalmente por desespero, eu pesquisou os membros do conselho e enviei um e-mail para cada um deles individualmente, e eu fui pago dentro de uma semana. Seguindo em frente. Outra pergunta comum é, devo formar uma LLC? Isso depende. Eu pessoalmente não formaram uma LLC porque ainda não fez sentido financeiramente. Há muitos encargos de comunicação e mais papelada para lidar, e a estrutura fiscal é mais complicada do que para os proprietários individuais. Para artistas e ilustradores, não há razão para sentir que você tem que formar uma LLC antes de começar a trabalhar. Você sempre pode fazer isso na estrada quando faz sentido. Basicamente, depende das suas circunstâncias. Devo pegar um seguro de negócios? Desde que eu optei por não formar uma LLC ainda, uma vez que eu tinha um estúdio separado que as pessoas poderiam entrar e visitar, eu senti que era importante obter um seguro de negócios, tanto para garantir meu equipamento, mas também por razões de responsabilidade civil. No caso de alguém tropeçar em um cordão de pintor e se machucar, por exemplo. Se você tem um estúdio em casa, você ainda pode obter um seguro de negócios para cobrir seu equipamento. Como a pergunta LLC, isso não é algo que você tem que responder imediatamente ou antes de começar. Sou freelancer em tempo integral desde 2013 e só senti que fazia sentido assumir as despesas do seguro empresarial em 2019. Agora, se você tiver quaisquer outras questões relacionadas a negócios ou arte relacionadas a negócios e arte que eu não tenha abordado nesta seção específica ou em qualquer outro lugar da classe, sinta-se livre para deixá-los na seção de discussão da aula, eu vou estar filmando uma sessão de perguntas e respostas de acompanhamento um mês após a publicação desta turma, e farei o meu melhor para incluir todas as perguntas sem resposta. 14. Finalização: Ok pessoal, é isso para este curso. Você conseguiu passar. Se você tem trabalhado seu caminho através do projeto de classe como nós fomos, muito bem. Obrigado. Por favor, não se esqueça de compartilhá-lo. Claro, se você ainda não iniciou o seu, todos os prompts e descrições estão na guia projetos e recursos. Dê uma olhada e mergulhe. prática prática prática de negócios pode não ser tão divertida quanto a prática prática prática de arte prática, mas é tão útil. A melhor maneira de ficar mais confortável e familiarizado com redação de contratos e cotação de preços é apenas começar a fazê-lo. Muito obrigado por fazer esta aula. Se te ajudasse, agradeceria uma crítica positiva. Se você tem outras perguntas ou recursos de negócios para compartilhar com nossa comunidade, especialmente se eles são relevantes para os nichos específicos que falamos, como livros infantis, arte de galeria ou padrão de superfície, eu encorajo você a compartilhar eles na guia de discussões. Quanto mais partilharmos o que sabemos, melhor ficaremos todos. Se quiser saber mais comigo, faça uma das minhas outras aulas de Skillshare ou visite o meu canal do YouTube. Até a próxima vez, amigos. Tchau.