Ilustração de marca: crie imagens de marca inesquecíveis e estilizadas

1. Introdução: Acredito que, como artistas, não temos que nos esconder e escolher ser uma coisa ou outra. Oi, meu nome é Roman Muradov. Sou um autor premiado, ilustrador e professor na Faculdade de Artes da Califórnia. Ao longo da minha carreira, trabalhei para clientes tradicionais como Penguin Random House, Wired, New York e New York Times, bem como empresas de tecnologia como Google, Notion, Patrono e assim por diante. Embora eu nunca tenha aspirado a fazer imagens de marca como parte do meu trabalho, ele se tornou uma parte significativa do meu portfólio. Acho que o desenvolvi de uma maneira muito pessoal e às vezes pouco convencional, e gostaria de compartilhar essa abordagem com vocês. Nesta aula, criaremos uma ilustração e identidade visual para uma marca imaginária. Pode ser qualquer coisa. Aqui, usei a palavra marca da maneira mais ampla possível. Pode ser um pequeno café ou uma organização sem fins lucrativos, ou até mesmo o planeta. No final, teremos um nome, um logotipo, um slogan e três ilustrações que nos ajudaram a contar a história da marca que você criou. Esta classe será valiosa para qualquer pessoa interessada na mecânica da comunicação visual. Você não precisa ser um artista experiente, e a abordagem original é muito mais importante aqui do que habilidades técnicas. Por favor, não se esqueça de compartilhar seus projetos, e mal posso esperar para ver o que você inventou. 2. Tudo parece igual: Então o problema com a ilustração da marca é que a maior parte parece a mesma. Por que isso acontece? Eu acho que principalmente porque muitas vezes há muitas mãos fazendo a mesma coisa e as pessoas tendem a jogar pelo seguro. Isso cria um campo onde nada de novo acontece porque todos copiam o que já está funcionando. Ao mesmo tempo, tudo foi feito mais ou menos, e a história de como está demorando bastante tempo, por isso é incrivelmente difícil encontrar algo novo. Então, como é feito? Bem, a chave na minha opinião é desviar o olhar dos nossos contemporâneos. Em um de seus ensaios, Lydia Davis nos aconselha a manter seu original sobre seus contemporâneos mais baixo porque, como ela diz, “Você já pertence ao seu tempo.” Eu acho que isso se aplica a praticamente qualquer forma de arte e a arte comercial também. Em outras palavras, se você quiser criar algo novo no ambiente contemporâneo, é melhor não olhar para esse ambiente e olhar para trás. Se você está copiando o que é relevante agora, então você está diminuindo severamente seu escopo. Em vez disso, você deve ampliá-lo o máximo possível e não apenas voltar no tempo, mas também olhar para outros meios e coisas que não estão conectados ao que você está realmente fazendo. Portanto, pode ser útil afastar-se do que outras empresas e outros artistas estão fazendo, e em vez disso pesquisar coisas que parecem não estar relacionadas. Graffiti, arte, literatura, poesia, praticamente tudo até onde vai. Pode parecer irrelevante no início, mas é claro, o estilo é a soma de tudo o que consumimos e processamos. Quanto mais longe for a distância entre o que estamos fazendo e o que estamos consumindo, mais original será o resultado. Realmente ajuda a cercar-se de coisas que você ama, quer tenha uma irrelevância para o seu trabalho ou não, porque tudo o que alimenta a sua estética e inspiração vai encontrar um caminho no seu trabalho mesmo que você não faço ideia de como isso realmente acontece. Então, no meu caso, muitas pessoas ficam um pouco surpresas quando aprendem o que eu porque eu gosto de coisas que não têm quase nada a ver com ilustrações comerciais, como arte abstrata, e arte conceitual, a literatura modernista como bem como o mangá, e pós-punk, e coisas que não são arte em tudo como comédia e apenas coisas aqui na rua. Muitas das minhas influências artísticas são muito diferentes do que eu realmente desenho. Durante muito tempo, isso me deu muita confusão. Eu pensaria, “Bem, por que eu desenho tão elegantemente enquanto eu gosto de coisas que parecem não ter nada em comum com isso?” Mas então, é claro, eu percebi que isso só me torna mais original como artista porque teria sido muito menos interessante se eu estivesse fazendo coisas que estavam muito mais próximas do que eu gosto. Acho que ter essa diversidade de influências e deixá-las te levar lugar onde você não espera ir é uma parte do desenvolvimento de um estilo único e forte. Igualmente importante é continuar fazendo seu trabalho pessoal sem questionar se ele tem alguma relevância para o que você quer fazer profissionalmente. Então, se você gosta de rabiscar em pedaços de papel, escrever poesia, tudo isso surgirá de alguma forma ou de outra e tudo isso é sempre importante. Não é apenas uma questão de desenvolvimento pessoal, estético e estilo, os clientes são muito mais propensos a contratar alguém que parece apaixonado pelo que estão fazendo, em vez de alguém que apenas quer se encaixar nos padrões existentes. Na minha carreira, houve vários exemplos em que eu faria algo completamente irrelevante e muitas vezes tola e idiota, e de alguma forma alguém me pediria para fazer isso por dinheiro que eu nunca esperaria quando começaria. Claro que o importante aqui é que eu não estaria fazendo isso de qualquer maneira porque eu quero, e isso me traz prazer. Todas as coisas que eu fiz, muito pouco me deu valor comercial, mas nunca se sabe, você tenta tudo e algo gruda. Então, por exemplo, em algum momento eu me cansei de desenhar coisas limpas e polidas para trabalho e eu queria fazer algo que seria um total oposto. Algo muito mais áspero, relaxado, e simples inspirado nos desenhos de Paul Klee e muita arte de fora. Então eu comecei a postar no Instagram e, em breve, alguém da WeTransfer me perguntou se eu poderia fazer algo ao longo dessas linhas com o branding para seu novo aplicativo chamado Coletar. Isso foi bastante inesperado, mas também realmente libertador porque de repente, eu poderia fazer o que eu queria fazer por dinheiro, o que é muito raro. Então também me permitiu mudar minha abordagem; em vez de fazer esboços, refiná-los e, em seguida, fornecer obras de arte limpas, eu fiz 5 ou 10 versões do mesmo desenho e apenas os fiz muito rapidamente, e então pegou pedaços de um, bits de outro, e combinou-os juntos. No final, isso parecia muito diferente de qualquer outra coisa que era feita em imagens tecnológicas naquela época, e realmente ressoava com as pessoas porque tinha uma qualidade tão simples e desenhada à mão. Então, para o seu próprio projeto, vamos tentar desviar o olhar do que foi feito nesse campo e olhar para fora. Então, se você está fazendo um café, vamos ignorar todas as outras cafeterias e olhar para coisas que não têm nada a ver com café. Pode ser bom fazer uma lista de todas essas coisas que o mantêm acordado à noite, ou inspirá-lo, ou abusar de você e ver se isso tem alguma relevância para o que você quer fazer. Se não, talvez você possa encontrar uma maneira de encontrar relevância nisso. 3. Como desenvolver um nome e um conceito: Esta não é uma aula de escrita ou desenho especificamente, mas é claro que envolve ambas as coisas. Então você pode começar com palavras ou você pode começar com imagens. Não importa o que te guia. O importante é o que é a cadeia de associações e ideias que o levam ao seu projeto. Então vamos começar a trabalhar no seu próprio projeto. Alguns de vocês já podem ter uma ideia do que querem fazer, e outros podem realmente não ter nada e isso também é bom. Talvez queiras começar a rabiscar e a rabiscar e a ver o que surge. Algumas pessoas gostam de começar com imagens, outras pessoas ficam mais confortáveis sincronizando conceitos e, em seguida, encontrando uma maneira de traduzir isso em imagens. Encontrar como isso funciona para você pessoalmente é uma grande parte de descobrir seu estilo e seu método de trabalho. Então, quando você chegar com um nome e logotipo, certifique-se de que eles fazem sentido juntos e eles se complementam em vez de apenas fazer a mesma coisa duas vezes. Se você não quiser desenhar um logotipo, basta pensar em uma imagem de cabeçalho ou algo que envolva o nome do seu projeto. Lembre-se de que clareza e comunicação é provavelmente a coisa mais importante aqui. Mas ao mesmo tempo, acho que é muito importante não soletrar tudo. Você quer contar uma história para manter uma sensação de intriga e você quer inspirar o leitor a olhar mais longe e, em seguida, revelar mais como eles rolam para baixo. Embora a redundância não seja necessariamente uma coisa ruim, e às vezes a clareza é a única coisa que realmente precisamos, é bom considerar como as palavras e as imagens funcionam juntas. Muitas vezes, é uma boa idéia até mesmo contradizê-los ou encontrar uma maneira interagir onde algo novo acontece no espaço entre a imagem e a palavra. Então, por exemplo, você pode criar um nome e o logotipo que realmente não fazem sentido por conta própria, mas uma vez que você os coloca juntos, eles criam uma panorâmica visual ou uma dica e se abrem e se expandem para algo novo. há realmente nenhuma diretriz de como fazê-lo com sucesso, e desde que faça sentido para o seu projeto e sua estética, está tudo bem. Então, para o meu projeto de demonstração, eu acho que vou tentar inventar algo pouco tolo. Talvez um aplicativo que permite esculpir com nuvens. Não sei bem como isso funcionaria tecnicamente, mas poderia muito bem imaginar algo que não existe e não tem nenhuma forma de existência no momento. Então podemos chamá-lo de algo como cloudscribbler ou cloudscraper ou cloudsculptor, você sempre pode se livrar dos Es e Os, então será mais [inaudível]. Acho que o raspador parece bom. Então vamos rolar com isso. Então podemos pensar no logotipo. Bem, podemos ter nuvens. Claro, nuvens é uma das imagens mais utilizadas no mundo da tecnologia. Mas é claro, ainda há maneiras de desenhar uma nuvem que não foi feita antes, podemos tentar descobrir como isso pode ser feito. Claro, a maneira mais simples de abordar um logotipo é apenas usar as letras. Então seria C e S podem ser algo como talvez unidos em um sinal infinito. O S pode ser um pouco mais parecido o S desenhado à mão e talvez eles possam ir juntos algo assim, ou talvez eles possam estar dentro de uma pequena nuvem. Isso vai fazer para nossas notas e, em seguida, eu posso fazê-lo de uma forma mais polida no meu iPad. Eu realmente acho que a melhor maneira de abordar brainstorming é apenas pegar um pedaço de papel de impressora e preenchê-lo. Não se preocupe com qualidade, não use livros de desenho chiques e papel ou algo assim. Quanto mais simples forem as ferramentas, mais fácil é cometer erros e tirar as coisas do seu sistema e não se preocupar com clichês e simplesmente tirar tudo e depois escolher. Então vamos imaginar o que é essa coisa. Podemos começar com um slogan ou podemos começar com o conceito e depois encontrar palavras para ele. Algo que aparece na minha mente é que o céu é sua tela, porque não? Soa como um slogan e assim é. Além disso, a palavra Canvas tem letras C e S, como o nome, então isso é bom. Podemos imaginar que talvez você escolha seu telefone e aponte para o céu e então há uma nuvem, e então você move o dedo e você pode organizar essas nuvens em diferentes formas. Tire uma foto e envie para alguém e compartilhe. Talvez várias pessoas possam colaborar e fazê-lo na mesma nuvem e talvez possam ler sobre essas nuvens e aprender sobre suas palavras acumuladas ou outras que não conhecem. Então podemos dividir nossa história em três partes. Um é que, será como um aplicativo AR para que você possa tomar a natureza e fazer o seu próprio negócio. Em seguida, a parte 2 pode ser colaboração e a parte 3 pode ser compartilhamento. Isso conta uma história de uma pessoa para muitas. Você pode querer desenvolver seu projeto ainda mais e pensar sobre ele mais detalhes de como ele realmente existe ou não existe. No meu caso, eu realmente não me importo com um jogo de morte, é apenas um pouco de fantasia. Então eu vou me preocupar mais com a forma como ele é apresentado e com a forma mais abstrata de mostrá-lo. Então eu acho que a emoção é, no mínimo, tão importante quanto o conceito. A sensação de olhar para algo, seja um romance experimental ou apenas um simples site de marketing, ainda é o mesmo, ainda é um aspecto importante. Porque nós não apenas afundar sem cérebros também foram experimentar tudo com nossos corpos e há uma sensação tátil muito real de olhar para algo. Então agora pensamos no estilo, ou continuamos pensando nessa história? Bem, você pode abordá-lo de qualquer maneira ou você pode fazer os dois juntos. Estilos devem informar narrativa e narrativa deve informar o estilo. Então, no meu caso, acho que vou começar com uma história e depois descobrir qual seria a melhor maneira de desenhá-la. Vamos começar pelo começo. Podemos imaginar como ele mostra no site e seria provavelmente um ambiente de bala de rolagem horizontal. Então podemos pensar na maioria dos sites que vemos. A maioria deles tem o fundo branco? Então as nuvens são largas, portanto, o que podemos fazer? Talvez possamos usar espaço negativo. Desta forma, parecerá um corte de papel e, em seguida, o texto estará aqui. Então, enquanto você rola, talvez possamos ter algum movimento de paralaxe e podemos ter uma nuvem dentro da nuvem que se moverá a velocidades diferentes e isso lhe dará uma sensação de olhar para as nuvens passando. Então, para a nossa história, a primeira será sobre apenas possibilidades abertas que você pode fazer qualquer coisa com as nuvens. Então vamos ter a nossa forma de corte e vamos ter um pouco de caractere espaço reservado aqui, talvez com o pincel, e então podemos pensar no que esse personagem é mais tarde. Nós também podemos ter alguém apenas desenhando algo rabiscando, pode estar rabiscando toda a tela ou você pode ter nenhum personagem em tudo. Você pode simplesmente ter aquele céu aberto e várias formas sobrepostas assim. Então esse será o nosso primeiro. Para uma segunda, isso é colaboração. Talvez a nossa forma de recorte possa ser duas, algo assim. Mas é claro, isso é um pouco difícil porque como Marcel Duchamp disse eu acredito que, “Quando você tem um, é um, quando você tem dois, é um casal, e quando você tem três, é qualquer outro número.” que eu acho que é uma lição importante que se você quer mostrar a possibilidade de colaboração, você não quer ter apenas dois porque parece quase muito íntimo e se você tem quatro, então são dois pares e se São cinco, então é demais. Mas se você tem três coisas diferentes, isso praticamente implica qualquer número de participantes. Então também podemos pensar em ter uma única forma e apenas dentro dessa forma há um monte de personagens fazendo algo juntos. Agora, eu acho que é realmente importante ir para quantidade em vez de qualidade neste momento. Por isso, certifique-se de ter pelo menos três ideias diferentes para cada uma delas. Então podemos refiná-los e jogar fora aqueles que não gostamos, não importa. Para o último, a partilha. Então compartilhar porque sempre um pouco de um conceito difícil porque há tantas imagens clichês de pessoas mandando coisas uns aos outros apertando as mãos e tudo isso. Mas isso não significa que não podemos inventar algo novo e também não significa que podemos pegar algo que é bastante padrão e dar um giro interessante. Assim, por exemplo, podemos jogar novamente com a idéia de paralaxe e voltar ao início e ter muitas, muitas camadas que parecem sugerir infinito e talvez seus personagens e todas essas camadas. Talvez haja um monte de pequenas nuvens como esta e todas elas estão amarradas. Talvez possa haver uma combinação destas duas ideias. Então esta paisagem acontecendo aqui e, em seguida, as menores recuando para o fundo. Também podemos pensar nas ideias de colaboração desses pequenos personagens, construindo algo juntos, formando uma pequena escultura. Então preencha uma página ou duas ou quantas quiser com ideias. Mantenha-o solto neste momento, não tente fazer belos desenhos, apenas tire tantas idéias quanto possível. Você pode começar a pensar no estilo imediatamente, ou você pode pensar sobre isso no próximo passo de nossa próxima lição. 4. Como desenvolver seu personagem: Agora vamos passar para a estática e estilo. Como é o projeto e como ele comunica o conceito? Lembre-se que o estilo é substância. Você pode ter uma história que faz muito sentido, mas depois dizê-la de uma forma realmente branda que ela não faz justiça à história e a coisa toda vai desmoronar. Por outro lado, você pode ter algo bastante simples que ainda será afetado se você realmente pensar sobre o estilo. Assim, pode ser um pouco esmagador pensar todas as diferentes coisas que você poderia fazer e em todos os estilos e meios que você poderia usar, e pode ser uma boa idéia usar restrições. Sempre usarei restrições na minha própria prática artística, seja trabalho pessoal ou profissional. As razões pelas quais eu faço é muito simples; porque ele liberta você do medo e tirania da inspiração, de esperar por inspiração, pensar onde ela virá, e apenas ter esta folha de papel em branco ou um iPad e tentando descobrir como fazer algo do nada. Portanto, a maneira como você usa restrições depende inteiramente de você, ele pode estar limitando seu esquema de cores ou trabalho de linha. Por exemplo, talvez você não esteja se dando a oportunidade de usar diferentes ondas de linha ou usando padrões específicos ou usando material encontrado. As restrições também podem ser quebradas e talvez devam ser quebradas. Pense neles como uma forma de dar início às suas ideias. Então, digamos, você dá a si mesmo uma restrição para usar apenas 10 linhas por caractere. Isso permitirá que você simplifique as coisas e não exagere. Bem, uma vez que você tem algo desenvolvido que você gosta bastante e você sente ele vai se beneficiar de ter um par de mais linhas, então vá para ele. Então, para o meu projeto, eu vou usar um iPad por algumas razões; porque ele me permite simular um monte de coisas diferentes sem ir muito longe do meu caminho, mas você é bem-vindo para usar qualquer meio que você gosta e sentir-se confortável com ou desconfortável, o que pode realmente ser melhor. Novamente, é bom começar com rabiscos simples. Agora, como desenhamos as nuvens? Eu gosto de rabiscar a mim mesmo. É algo que faço quase compulsivamente e é uma grande parte do meu trabalho. Mesmo quando faço desenhos mais polidos, eu sempre tento manter uma qualidade manuscrita gestual para tudo. Então eu posso pensar em nuvens como esta pequena ovelha gosta de rabiscos ou então eu posso ir a algum lugar bem diferente e ter uma idéia de formas mais ovais com texturas, você pode ter padrões. Você poderia ter uma nuvem como essa, que seria sobreposta com a nuvem como esta e criar uma terceira. O mesmo pode ser feito com cor, é claro. Eu também posso pensar sobre material encontrado e ter uma idéia de pedaços de papel talvez rasgados que lançam sombras. Você pode fazer pequenas maquetes ou simplesmente tirar o iPhone e tirar algumas fotos. Podemos pensar onde você vai usar as pessoas. Então, se o fizermos, como vamos desenhá-los? Talvez possa ser apenas um protagonista que tem um tufo de cabelo semelhante à nuvem. Este será o nosso porta-voz, talvez algo assim. Talvez eles possam usar óculos porque você tem círculos aqui que elogiam círculos aqui. Eu acho que quando você está projetando personagens, muitas vezes é bom pensar em coisas concretas como formas abstratas. Então, em sua mente, reduzindo seus personagens e seu ambiente para apenas formas. Então, no nosso caso, é algo assim. Eles são redondos e simples e é uma combinação de linhas retas e círculos. No entanto, eu acho que para este projeto, faria sentido fazer algo mais abstrato porque é sobre algo que existe na natureza. Podemos pensar em talvez fazer criaturas das nuvens que são o protagonista da nossa história, que possam parecer algo assim. Em caso de dúvida, você sempre pode colocar um hub e isso torna tudo mais bonito. Então podemos mergulhar um pouco mais fundo e pensar em como os rostos podem parecer. Pode ser um pouco mais realista assim, ou pode ser ainda mais realista assim, ou completamente abstrato, talvez apenas os olhos. Você notará que quanto mais detalhes adicionarmos, mais difícil pode ser relacionar-se com o personagem. Então, às vezes, o processo de simplificação significa ir um pouco longe demais e depois ver o que você pode tirar. Então vamos considerar nossa nuvem como uma forma. Primeiro de tudo, temos forma de domínio. Agora, como podemos fazer isso? Pode ser papel rasgado, ou pode ser uma forma abstrata feita digitalmente, pode ser apenas trabalho de linha, ou pode ser uma combinação dessas coisas, talvez um padrão. Eu acho que faria sentido desenhar a forma digitalmente e então talvez colocar uma textura em cima. Então não queremos que pareça muito com um nariz, então vamos evitar associações. Agora, a forma é sempre complementada por linhas. Nem sempre, mas pode ser. Assim podemos ter pernas e mãos. Agora, precisamos das pernas? Talvez não. Podemos brincar com algo assim, para que pareça um boné. Vamos ter a nossa burocracia porque um personagem tem tão pouco detalhe que qualquer coisa ajuda. Vamos ter apenas uma mão e, desta forma, parece menos um personagem totalmente soprado e mais como uma abstração que recebeu um toque de personagem. Agora o personagem tem um pincel. Agora, o problema aqui é que temos duas linhas retas próximas uma da outra e elas parecem bastante parecidas. Então, o que podemos fazer sobre isso? Bem, talvez a mão possa ser algo assim, o que fará com que pareça um fantasma, mas acho que pode funcionar. Como alternativa, o pincel pode ser um pouco mais grosso e ter um pouco mais de uma forma. Então, novamente, estamos reduzindo nossos desenhos para o nível de abstração. Eu gosto muito de desenhar narizes porque eu acho que eles dão um monte de caráter, e eu acho que na verdade, muitas vezes você pode fazer sem uma boca e apenas ter o nariz. Acho que Steinberg disse que o nariz é a única parte da nossa anatomia que não mente, e eu concordo com isso. Podemos fazer suas caras parvas ou talvez desenhos animados. Novamente, algumas pessoas gostam de desenvolver algo totalmente nesta fase, e algumas pessoas preferem começar a trabalhar e ver onde isso os leva. Eu acho que você deve apenas ir com o que é intuitivo e ver onde ele leva você. 5. Como criar um mockup: Também é uma boa idéia fazer uma pequena maquete, não só você, mas para os clientes. Claro que é muito conveniente enviar esboços que são apenas preto e branco, rabiscos como o que eu acabei de fazer, mas, ao mesmo tempo, alguns clientes têm uma idéia melhor de como será seu trabalho no fórum final do que outros, por isso é uma boa prática começar a fazer maquetes do trabalho final juntamente com os esboços. Então, uma maquete não precisa ser polida, não precisa parecer exatamente como a final, é claro, mas deve lhe dar uma idéia, e deixar você imaginar como será a final. No nosso caso, pode ser uma questão de escolher as cores certas e ver como elas se sentem. Você pega um pincel grande e cria uma forma. Mantenha as coisas muito simples, e lá. Agora podemos imaginar como isso parece em nosso site, e então podemos imaginar como ele ficará com um pouco de paralaxe. Então talvez seja algo assim, e então podemos imaginar como essas camadas podem se mover umas contra as outras enquanto você percorre a página, e então podemos pegar um pouco de fundo aqui. Esta é uma cor horrível. Vamos fazer algo mais como isto. Isso é ainda pior. Claro, por que não? Foi um acidente completo, mas vamos explorá-lo enquanto estamos nisso. Isso realmente parece que é o tom errado para o projeto, mas por que não? Agora podemos desenhar um amiguinho da nuvem, algo assim. Isso parece muito bom, muito mais dramático do que precisa ser, então eu vou me livrar desse céu muito escuro e escolher algo mais leve, talvez uma cor arenosa. Não é essa Sandy. Sim. Isto pode ser muito leve. Isto é só uma maquete. Então, por enquanto, o que teremos que fazer, podemos tornar o fundo um pouco mais leve, talvez algo assim, e podemos dar à nossa nuvem um pouco de recursos, para que possa ser um pincel diferente, talvez um pouco mais rabiscado, Algo assim. Agora podemos pensar em sombras e coisas assim, então entre essas duas camadas, por exemplo, podemos obter um pincel muito macio e dar-lhe um pouco de sombra, nem tanto. Então isso é muito difícil, mas nos dá uma idéia de como pode parecer, e então vamos substituir todas essas coisas texturas reais e coisas assim, e podemos até pegar nossa caneta, e imagine onde o texto estará, talvez algo assim, e talvez o texto possa estar em branco, o que realmente faria muito sentido. Pode ser uma combinação. Agora um logotipo pode estar em algum lugar aqui. Eu acho que mantê-lo perdido é uma idéia muito boa neste momento, e ainda assim sempre se dá muito espaço para a improvisação quando se trata das finais, porque você não queria preparar tudo até o ponto onde a final é simplesmente preencher os espaços em branco, você ainda quer dar-se espaço suficiente para jogar e experimentar, e tentar algo novo todo o caminho até o final. 6. Como refinar seu estilo pessoal: Então, agora, quando nos movemos para terminar nossa obra de arte, a coisa a se perguntar primeiro é, qual será a primeira impressão? Eu penso nisso da mesma maneira que quando você se aproxima de um cartaz ou capa de um livro porque antes de você entender o que é e o que está acontecendo, você tem uma reação emocional muito imediata apenas para as formas e cores, e você tem que perguntar você mesmo, o que ele faz e como ele se relaciona com o produto em questão? Ao mesmo tempo, é igualmente importante manter um nível de complexidade. Então você não quer dizer tudo imediatamente, você não quer derramar tudo. Você quer convidar pessoas para entrar, mas então deixe-as explorar as imagens e as palavras por conta própria e tirar suas próprias conclusões. Tão importante quanto o estilo é conhecer e entender seu público, mas ao mesmo tempo não jogar completamente para seus gostos e expectativas. Na verdade, muitas vezes é bom jogar com essas expectativas e subvertê-las. Outra coisa a considerar são as questões da diversidade e da representação. Então, se você está fazendo algo bastante abstrato, como My Clouds, não é realmente um problema, mas se é uma causa da vida real, então é claro que é tremendamente importante ser respeitoso e, ao mesmo tempo, pensar sobre o nível de detalhes que você coloca em representação humana. Por exemplo, se você fizer algo em um estilo realista, é um pouco mais difícil se relacionar com esses personagens porque eles se tornam mais específicos e mais reais, enquanto algo que é mais cartoony e minimalista significa que qualquer pessoa pode projetar-se sobre essa imagem. Não há certo e errado aqui, e não é uma escala deslizante. É mais uma questão de considerar o que você está fazendo, e o fato de que isso pode ter sobre as pessoas, e se há alguma chance de interpretação errada ou ofensa e como evitar isso. Em geral, as pessoas tendem a gravitar em direção arte que não parece estar tentando vender algo a eles, então provavelmente é melhor evitar imagens de marketing agressivas e agressivas e tentar ir para algo mais sutil. Em geral, as pessoas também não gostam de se sentir como se estivessem sendo condescendentes. Por isso, é melhor não ceder a uma demografia específica e tentar ser respeitoso em qualquer representação que você escolher fazer. Então, novamente, não há maneira certa de fazer isso, a única coisa que eu posso sugerir é fazer muita e muita exploração, ser brincalhão e leve, e considerar um monte de opções diferentes, diferentes meios, diferentes estilos e representações, e ver o que faz sentido. No meu próprio trabalho eu gosto de começar o dia fazendo pequenos rabiscos, embora eu não faça isso todos os dias, mas tudo se encaixa na minha estética geral e permite que ele se desenvolva lentamente e gradualmente em vez de sentar e batendo sua cabeça contra a parede até que algo novo apareça. Eu acho que é muito bom praticar observação para atrair pessoas, seus amigos e estranhos, para fazê-lo em tantos estilos diferentes quanto possível. Sou contra essa ideia de que, como artista, devemos achar uma maneira de fazer as coisas e continuar com ela. Eu acho que é cada vez mais aceitável ser uma espécie de polímeros e trabalhar em diferentes meios. Embora eu seja mais conhecido por meu trabalho de tinta, recentemente eu tenho aprendido Blender em 3D e fazer coisas que estão completamente fora da minha zona de conforto. Eu acho que também é muito importante fazer muitas versões da mesma coisa, nem mesmo tentando explorar tanto, mas apenas repetindo porque é absolutamente impossível fazer o mesmo desenho duas vezes e cada vez que você tenta repetir algo, você inevitavelmente inventa algo novo. Então esse processo de exploração é como você inventa algo que é unificado, e simples, e parece que surgiu do nada. Também é muito importante considerar o seu temperamento e considerar a criação de marcas como um processo. Muitas vezes eu começo a fazer rabiscos completos que não têm absolutamente nenhum sentido ou contexto e isso é simplesmente uma maneira de exercitar minha caligrafia e meu gesto. Quanto mais você faz isso, mais ele se torna seu próprio. Então algo assim tem a mesma caligrafia e a mesma qualidade gestual de algo mais elaborado. Muitas vezes eu desenho muito e, em seguida, cartão de distância, e isso também é um processo legítimo de minimizar o seu material. Então, muitos dos meus desenhos eles começam tantas versões que eu juntei, excluem alguns pedaços aqui, alguns bits lá, experimentam coisas diferentes. Muitas vezes eu tenho uma pilha de desenhos para apenas uma única impressão final, e então, no final, você terá algo parecido com isso. A mistura de mídia tradicional e digital permite que você tenha espontaneidade, mas ao mesmo tempo tenha controle. Falando nisso, eu tenho algumas outras aulas sobre tinta e mídia digital que você pode olhar para uma exploração mais aprofundada do material técnico. Novamente, acho que é importante entender e respeitar o seu temperamento. Por exemplo, eu sou bastante impaciente e é mais fácil para mim desenhar várias versões da mesma coisa em vez de polir uma única e é por isso que eu uso vários papéis simples e baratos para a maior parte do meu trabalho. Encontrar aquele que se sente certo em vez de parecer o melhor também é bastante importante porque muitas vezes não é o mais polido e bonito, mas aquele que transmite o sentimento melhor do que qualquer outra coisa. É bom jogar com convenções e expectativas. Por exemplo, neste desenho a alocação de preto é completamente irracional. Há grandes pedaços que estão completamente por preencher e quebra um monte de regras de desenho básico e criação de imagem, mas é claro que me faz cócegas porque é o meu trabalho pessoal e eu posso fazer o que eu quiser. Então, enquanto você está finalizando seu projeto, pense sobre para quem é, quem vai olhar para ele, o que eles vão sentir, e pense sobre o estilo. Ao mesmo tempo, não fique muito obcecado com essas questões. Tente encontrar um equilíbrio entre liberdade e exame. É bom examinar, mas ao mesmo tempo é bom não se empolgar demais e perder a noção do que você realmente quer fazer. 7. Como apresentar sua peça: Agora, enquanto você está encerrando seu projeto, pergunte a si mesmo, por que ele está lá? Por que não é apenas uma fotografia? Por que ele precisa de desenhos? Às vezes podemos nos empolgar e apenas fazer as coisas compulsivamente sem realmente entender seu propósito, e é realmente importante interrogar-se de vez em quando e descobrir, qual é o propósito da ilustração aqui e Como você está usando isso? Então, qual é a função de uma ilustração? Bem, pode haver muitas coisas que uma ilustração pode fazer. Ele pode atrair a atenção, ajudar você a se destacar da multidão, inspirar algo, contradizer o texto, complementá-lo, pode seduzir o leitor ou talvez desviá-los, e pode fazer todas essas coisas juntos em um forma complexa e sutil. Quando passamos muito tempo com nosso projeto, pode ser fácil esquecer como é vê-lo pela primeira vez. Então é bom afastar-se dele, talvez colocá-lo de lado, ir dormir e depois olhar para ele novamente de manhã, mostrar para outra pessoa e ver o que eles pensam. O mesmo princípio é aplicado à apresentação final. Tente encontrar uma maneira de apresentá-lo que lhe dê justiça e também jogue junto com o seu conceito. Então pode ser uma série de imagens ou você pode até mesmo construir um site ou pode ser uma coisa rolável do Instagram, ou um cartão postal ou qualquer coisa que faça sentido para o que você está tentando fazer. Então, para o meu projeto, vou apresentá-lo como uma série de imagens que simplesmente vão uma após a outra e contam a história. Pode ser mais complicado do que isso, pode ser ainda mais simples, o que faz sentido para o seu projeto. Outra habilidade tremendamente importante a ter é a vontade de fazer revisões. Muitos artistas não estão prontos e não percebem o quanto a revisão tendem a entrar em trabalho profissional, especialmente quando terminam a escola de arte, e há muito. Ser capaz de fazer revisões para o seu próprio trabalho só porque você quer torná-lo melhor e não ainda melhor, mas explorar quais outras possibilidades existem é realmente importante e útil tanto em seu profissional quanto em seu pessoal prática. Finalmente, é bom considerar como você se apresenta na Internet. É bom pensar como as pessoas te veem online. Para mim, eu realmente não me importo muito, mas para as pessoas que estão mais preocupadas com sua imagem profissional, isso será mais um problema. Então, para mim, eu sou muito aberto e honesto na minha apresentação e eu postar um monte de coisas que não estão necessariamente relacionadas ao meu trabalho profissional. Mas, novamente, ele se une à minha estética que são todas baseadas e inspiradas pela tolice e brincadeira. Se você está indo para algo mais sério, essa abordagem pode não fazer sentido. A única coisa a evitar é afeto. É sempre melhor apresentar-se de uma maneira honesta e direta do que fingir ser o artista que você realmente não é. Então, para as minhas versões finais, eu fui com algo bem simples. Há um logotipo simples e uma fonte simples, e então temos três imagens que são construídas como panorama com um pouco de paralaxe implícito. A primeira, temos uma pequena criatura nublada pronta para enfrentar a tela. Eu queria abraçar a abertura e eu não queria colocar nada em segundo plano porque eu queria fazer parecer que você pode fazer o que quiser, e não é uma coisa específica que está sendo anunciada aqui. No segundo, eu queria me concentrar na interação desses três personagens trabalhando juntos, e acima de tudo, eu queria que ele se sentisse leve e brincalhão, e eu não queria dar a impressão de que eles estão fazendo algo difícil ou que eles estão colocando muito esforço para isso. Queria que parecesse algo que qualquer pessoa pudesse pegar e começar a trabalhar. Na terceira imagem, eu queria focar nas profundidades e na possibilidade deste projeto. Que não é apenas o que você vê na sua frente, mas é infinito de telas e você pode compartilhá-lo e ver o que as pessoas fizeram em todo o mundo e assim por diante. Então, para a final, decidi usar paleta de cores muito simples e colocar alguma textura de papel. Desta forma, não é exatamente a textura do céu, mas é uma textura de algo tangível e familiar para nós e que nos lembra das nuvens. Então, de certa forma, leva um pequeno passo longe da realidade, mas ao mesmo tempo se sente enraizado na natureza. Assim que terminar, dê uma última olhada em todo o projeto e faça todas essas perguntas a si mesmo. O que cada imagem estabelece? Qual é a progressão de um para o outro? Como é que isso muda? Um deles é necessário? Pode ser tirado? Eles podem ser substituídos? O pedido pode ser alterado? Eu acho que fazer todas essas perguntas pode te dar uma melhor compreensão do que você fez, e não é necessariamente para mudar nada. Pode ser tão simples quanto obter uma visão melhor do seu próprio projeto e do que você realizou. Então, do lado técnico, eu decidi fazer a coisa toda e procriar usando pincéis de software para as camadas externas e os pincéis um pouco mais difíceis para as próprias nuvens. Desta forma, há um pouco de contraste e, em seguida, as linhas nas feições são um pouco irregulares do que mais desenhadas à mão. Como toque final, exportei tudo para o Photoshop e apliquei texturas e curvas simples. Você pode aprender mais sobre todas as coisas na minha aula sobre impressão digital, que abrange tudo isso e muitas outras técnicas. Para a sua apresentação final , pode ser o que quiser. A maneira mais simples seria exportar um monte de imagens e colocá-las uma após a outra. Mas se você quiser, você pode escrever mais sobre sua idéia e usar mais textos e até mesmo animação, se isso se adequar às suas necessidades. Acho que é sempre bom mostrar essas coisas no contexto. Então, em vez de separar imagens, tirar capturas de tela desse trabalho, ou se for uma publicação, então você pode tirar uma foto. Se for uma capa de livro , tire uma foto dela na livraria. Colocar as coisas em contexto dá às pessoas uma idéia melhor de onde ele pertence e qual a função que ele serve. Uma última pergunta que você pode querer fazer a si mesmo é, você gostou de fazer isso? Gostaria de fazer isso de novo? Você gostaria de fazer isso para o resto da sua vida? Eu acho que é muito fácil ficar preso em fazer algo que você não quer particularmente porque é relevante agora ou está na moda, ou se você é apenas bom nisso, e você pode gastar muito tempo, e estou falando por experiência própria, fazendo algo que você realmente não quer. Então lembre-se, você vai morrer, gostaria de continuar fazendo isso até que isso aconteça? Esta é uma pergunta que eu me faço praticamente todos os dias e eu realmente não tenho uma resposta para isso, mas eu acho que é uma pergunta que vale a pena examinar. 8. Considerações finais: Parabéns por terminar esta aula. Obrigado por assistir e obrigado por todo o seu trabalho. Por favor, não se esqueça de compartilhar seu projeto na galeria do projeto. Lembre-se que não há distinção real entre arte e ilustração, entre ilustração comercial e pessoal, é tudo a mesma coisa. Todas essas distinções é a suposição de que criamos a nós mesmos. Portanto, não temos que pensar nessas coisas e podemos apenas nos reconectar com a alegria de criar e criar, e encontrar diferentes fontes para isso e diferentes pontos de venda. Isso é o que eu gostaria que você se lembrasse. 9. Estudo de caso: Notion: Então, outro exemplo de meu trabalho pessoal e estética alimentando meu trabalho comercial seria o branding que eu fiz para Notion. Então eu sempre fui um grande fã de impressão e serigrafia ou risografia, e eu sempre amei a beleza de imagens desenhadas à mão, e eu sempre trabalhei principalmente com tinta e lápis em vez de digital. Então, com peças como essa, eu faria uma ou duas impressões coloridas, e então eu também desenvolveria o hábito de juntar algo uma e outra vez até que o sentimento esteja certo, que eu acho que é realmente importante não ir perfeccionismo de qualidade como tal, mas para encontrar o sentimento certo. Então, por exemplo, se olharmos para esses gatos, eles estão todos basicamente bem, mas um deles é um pouco mais ingênuo e relaxado do que os outros, e esse é o que eu decidi usar para esta impressão final. Então eu tenho feito essas impressões e desenhos de tinta para mim por muito tempo sem qualquer propósito em mente. Eu só gosto de fazer isso. Quando a Notion se aproximou de mim, eles foram atraídos pelas coisas que eu tenho feito para New York ou New York Times que tinham uma qualidade muito texturizada, desenhada à mão, e eles queriam ter um pouco disso para sua marca. Assim como um produto e marca Notion é construído sobre o minimalismo e simplicidade e acessibilidade. Portanto, as ilustrações também tiveram que refletir a idéia por trás dele. Na época, a maior parte da marca de inicialização tecnológica era muito colorida e bastante uniforme e muito polida e limpa. Então queríamos chegar a algo que seria radicalmente diferente, que teria apenas uma única cor, talvez ocasionalmente uma cor secundária, principalmente preto e branco, e que teria um muito gestual, desenhado à mão, talvez uma qualidade ligeiramente excêntrica para ele. Então, para desenvolver o estilo Notion, eu imediatamente fui para algo que seria muito simples, muito suave, e bastante polido, mas ao mesmo tempo teria uma qualidade gestural bastante pronunciada. Então, a fim de desenvolver um estilo que parecia muito arejado, e leve, e em contato com o produto, que também é bastante minimalista, eu queria criar esse olhar que só depende de um único gesto para cada forma. Para que eu nunca construísse na linha. Eu usaria apenas um gesto para definir a forma de um rosto, ou cabelo, ou qualquer outra coisa. No início, trabalhei apenas com pincel e tinta. Então eu faria desenhos como este, que são bastante agradáveis, mas também levar muito tempo para fazer, e no clima de inicialização onde as coisas mudaram bastante e você tem que retrabalhar o mesmo elemento muitos, muitas vezes, era bastante insustentável. Então eu desenvolveria um visual ligeiramente simplificado para um monte de nossa marca, que seria o que agora está principalmente no site. Embora todas as ilustrações do Notion sejam bastante consistentes, ainda há um grau variado de acabamento para elas. Alguns deles são mais minimalistas, outros são mais realistas, alguns são desenhados com um pincel e tinta, e outros são feitos inteiramente digitalmente, e isso permite um pouco de variação que ainda nunca cruza em território que não se sinta em contato com a identidade da marca, com seus valores e o que o produto significa. Eu também acho que foi muito importante para mim pesquisar e entender a inspiração por trás da Notion, os pioneiros concorrentes que os inspiraram, e que também me permitiu criar um estilo que fizesse sentido para o produto e transferência, não apenas o conceito, mas a emoção por trás dele. Então eu realmente não esperava que o estilo Notion se tornasse popular, mas aconteceu, o que é ótimo. Mas também inspirou muitos imitadores, e eu acho que o que as pessoas sentem falta sobre a qualidade desse estilo é a consistência e o gesto por trás dele, e também a idéia de que para chegar a algo que é tão minimalista, você realmente tem que ir muito longe e fazer um monte de pesquisa e construir algo que é muito acima do topo, então para cortar para baixo e para chegar a algo como isso que é muito pequeno e simples. Mas se você pegar algo assim e tentar replicá-lo, isso não funciona muito bem. Em outras palavras, se você está lidando com estética minimalista, você sempre tem que lembrar que por trás de tudo simples há uma gigantesca montanha de coisas que você nunca consegue ver, que é novamente, outra razão pela qual você não deve olhar de perto para os produtos finais de seus contemporâneos e em vez disso, olhar para trás e tentar descobrir o que inspirou eles e todas as coisas que estão nos bastidores, e encontrar montanhas semelhantes de seu próprio e, em seguida, apará-los para baixo.