Iluminação simplificada para ilustração no Procreate

1. Vid 01: Pessoal, meu nome é Maria. Sou ilustrador e designer de personagens de Turim, Itália. Esta é a minha quinta aula sobre Skillshare. E você pode ter visto algumas das minhas aulas antes. Eles geralmente se concentram na arte digital e mantêm uma imagem de referência entrando na unidade em um personagem fértil. Adoro criar aulas para perseguição porque a comunidade é super solidária. E também gosto dos arquivos que vocês podem me dar feedback e eu posso implementar aulas que vocês realmente querem ver nas minhas aulas de personagens de desenho animado anteriores. Recebi muitos comentários pedindo um foco mais aprofundado na iluminação e sombreamento. Então, basicamente, é aqui que me concentro em iluminação e sombreamento. Eu acho que a iluminação e o sombreamento são tópicos um pouco difíceis de abordar porque a iluminação é tão importante, pode demorar apenas 20% do tempo que você dá a uma peça, mas na verdade tem um enorme impacto na atração do Olho. Aparecendo, especialmente nas mídias sociais onde as imagens são tão pequenas e você precisa de tudo o que puder para atrair a atenção das pessoas. Nesta aula, tentei colocar o máximo de conhecimento e dicas práticas possível para que vocês possam se sentir mais confortáveis e mais competentes quando fazem iluminação e sombreamento. Vou me concentrar primeiro na teoria, falando sobre a teoria das cores e como a vida pode, de fato, colorir e que tipo de sombras ela pode criar. E então, a partir daí, vou seguir em frente e mostrar exemplos práticos de como você pode configurar uma das configurações fotográficas mais comuns que você pode obter, que é a iluminação de dois pontos e a iluminação de três pontos. E então eu vou realmente tirar meu iPhone e realmente tentar aplicar esse conhecimento em diferentes momentos do dia. É em plena luz do dia, ao pôr do sol e às luzes noturnas. Estou usando o Procreate no meu iPad, mas você poderia estar usando o Photoshop ou outro tablet digital e não seria muito diferente considerando que o Procreate e o Photoshop têm configurações de mesclagem muito semelhantes para as camadas são, por isso é muito fácil migrar de um para o outro. Ele disse que esta não é uma aula para iniciantes. Eu sinto que você precisa ter confiança razoável quando se trata de esboçar e posar, anatomia, coloração plana, etc. Porque eu só vou falar sobre iluminação se você sentir que você precisa de um pouco de escovar-se sobre esses outros tópicos, eu recomendo que você volte e pegue 10 meus óculos e como transformar uma foto em um personagem de desenho animado e, em seguida, venha Quando acabares, acho que é tudo por agora. Por favor, deixe-me saber o que você acha desta aula na seção de discussão do curso. E eu também adoraria que você me rotulasse se você compartilhar seu trabalho nas mídias sociais em qualquer lugar. Eu sou MLM sublinhado ilustração, basicamente em qualquer plataforma. E eu adoraria te dar um grito. Não se esqueça de atualizar seu progresso. E eu vou te ver no primeiro vídeo onde eu falo sobre teoria das cores. 2. Teoria: pintar: Olá pessoal, e bem-vindos ao primeiro vídeo teórico deste curso. Como eu mencionei antes, eu vou falar rapidamente sobre cor e luz para dar-lhe uma base geral antes de mergulhar nas sessões de prática. Para começar com o conceito básico. A razão pela qual vemos a cor é porque há luz. Os objetos não têm uma cor para o olho humano. E eles podem parecer vários tons da mesma tonalidade de acordo com a quantidade de luz a que estão expostos. Assim, os dois conceitos, cor e iluminação, estão intrinsecamente ligados. Mas o que é essa terminologia que estou usando? Vamos começar explicando alguns dos termos que usarei nas aulas para que todos possamos estar na mesma página. O termo matiz é frequentemente usado como sinônimo para a palavra cor. No entanto, mais especificamente, uma tonalidade é uma cor pura. Ou seja, é o comprimento de onda principal de uma cor fora das 12 cores presentes na roda de cores, que compreende as cores primárias, secundárias e terciárias. Claro, muitas cores que você encontra na natureza são tons puros, mas sim são toneladas de uma tonalidade específica. Ou seja, cores que foram dessaturadas, mas não são preto e branco. Saturação é um termo usado para definir o quão vibrante ou pura uma cor é. Na pintura da vida real, você pode dessaturar cor adicionando cinza ou uma cor no lado oposto da pelota, que efetivamente mata a vibração da cor. Isso é diferente de como uma cor clara ou escura pode ser, que é expresso pelo valor de uma cor. E agora isso pode ser confuso, especialmente porque você pode olhar para uma cor mais escura e pensar que também está menos saturada do que uma mais clara, mas esse não é o caso. Na verdade, as cores escuras também podem ser saturadas. Eles são simplesmente de um valor menor em comparação com cores mais claras. Se você olhar para as opções de cores no Procreate, verá que você pode visualizar a roda de cores de várias maneiras diferentes, o que o ajudará a entender praticamente esses conceitos. Então vamos dar uma olhada juntos. A primeira opção que você encontrará é visualizar a cor na opção de roda de cores redonda tradicional mostra um anel externo com todos os diferentes tons e um disco interno mostrando saturação. Você pode selecionar sua tonalidade básica movendo-se pelo anel externo e , em seguida, ajustar a saturação dessa tonalidade movendo o dedo para o disco interno. Você pode não saber que você pode simplesmente beliscar o disco interno para torná-lo maior e permitir mais controle na seleção da saturação. Se você tocar duas vezes em qualquer lugar dentro do disco interno, procreate ajustará automaticamente a cor escolhida ao valor puro mais próximo. Então, como podem ver aqui, estou selecionando essa tonalidade dourada escura. Mas se eu tocar duas vezes, ele se encaixa em um diferente. Amarelo mais escuro ou mais claro, que é o preto puro, branco puro, metade saturação ou saturação total versões da exibição. Eu pessoalmente realmente gosto deste formato de visualização de cores desde que eu acho que combina a ajuda de ver as cores como uma roda de cores com a flexibilidade de escolher o seu próprio valor e saturação. A segunda opção de visualização é chamada de cor clássica. Ele é dividido em, com a área maior sendo ocupado pela visualização de cores clássica que você tem em outro software como o Photoshop, um retângulo onde você pode alterar o brilho e a saturação de uma certa tonalidade. Para alterar a tonalidade real, você tem três controles deslizantes abaixo. O primeiro altera a tonalidade e o segundo altera essa iteração. E o terceiro o valor. Esta é a visualização que pode ajudá-lo a entender melhor a diferença entre saturação e valor. Como você pode ver aqui, eu estou mantendo a mesma tonalidade, mas mudando o valor e a saturação, o que, claro, muda a percepção da cor. Mais interessante, se eu manter o mesmo valor e saturação, mas mudar a tonalidade, temos cores radicalmente diferentes onde 1 de maio parecem ser mais escuras do que outras. Mas como o valor é o mesmo, sabemos que pode ser o caso. A razão pela qual isso é importante é que, ao usar Hughes, a aparência do valor pode ser enganadora. Para avaliar corretamente o valor de uma equipe europeia peça, você deve tirar a cor e trabalhar em cinza para que você possa ter certeza de que você pode colocar a quantidade correta de valor nas diferentes partes da imagem de acordo com a sua proximidade com a câmera. Isso ocorre porque, em perspectiva e especialmente uma perspectiva UDL, quanto mais próximo um objeto estiver da câmera, menor o valor, mais distante o objeto, maior o valor. Trabalhar em tons de cinza pode ajudá-lo a entender como definir corretamente a cena em suas peças. Mas não se preocupe, falaremos mais sobre isso nos próximos vídeos. A terceira visualização de cores no procreate é chamada Harmony. Embora essa representação não seja super precisa, pois combina matiz e saturação. É ótimo para escolher paletas de cores, pois ele mostra automaticamente as diferentes combinações de cores para uma tonalidade específica, basta escolher sua tonalidade e saturação movendo-se para dentro do disco e ajustar o valor movendo o controle deslizante para cima e para baixo. Então, se você alternar as opções de harmonia, o procreate selecionará as cores apropriadas no disco. As principais combinações de cores que usamos nosso split gratuito, gratuito, análogo triádico e tetrárquico. cortesia são duas cores que ficam opostas na roda de cores. Split gratuito irá mostrar-lhe duas cores que estão no lado oposto da roda de cores para a original. Então você terá um tom quente e muito frio ou vice-versa. O esquema análogo selecionará duas cores que estão próximas de ambos os lados da sombra original. Então, serão três cores quentes ou três cores dando uma sensação de uniformidade à paleta. Então você tem os esquemas triádicos e tetra foram procriar, vai encontrá-lo três ou quatro cores que são todos equidistantes na roda, resultando em nenhuma cor aparecendo como dominante. Se você está trabalhando com uma paleta de cores limitada, e eu sempre recomendo que você pratique paletes pequenas antes de passar para as mais complexas. Eu sugiro que você comece com a divisão complementar, onde a cor original será a sombra dominante, e os outros dois fornecerão um destaque e um acento à composição. Mas novamente, não se preocupe com os detalhes agora, vamos falar sobre paletas de cores em um vídeo posterior. A quarta guia no painel de cores é chamada de valor, e é chamada assim porque representa a cor em uma escala de cinza. Mas como você pode ver um inserir valores precisos para definir sua paleta de cores, você pode criar cores movendo manualmente os controles deslizantes de matiz, saturação e brilho, ou abaixo dos controles deslizantes RGB ou inserindo valores neles. Você também pode usar códigos hexadecimais específicos que você pode encontrar on-line. Mas não acho que isso seja tão útil. Finalmente, a última aba é chamada de paletas, e é aí que você pode encontrar paletas nativas do Procreate, as que vêm com o software. Na primeira vez que você abrir o aplicativo, você será salvo. Você pode criar uma nova paleta tocando no símbolo de adição no canto superior direito e selecionando a primeira opção nova paleta, você pode então renomeá-la simplesmente tocando no nome sem título. E se tocar em qualquer espaço vazio dentro da paleta, você salva a cor que você está usando no momento. Se você alterar a cor e, em seguida, tocar em um novo espaço vazio, salve essa cor também. Se você deslizar todo o palete para a esquerda, verá que pode compartilhá-lo com aplicativos diferentes como uma amostra Procreate ou excluída. Você também pode criar uma paleta de cores a partir de sua câmera ou de uma imagem, que são algumas integrações muito doces implementadas pelo Procreate 5. Isso é muito legal, pois criará automaticamente uma nova paleta com todas as cores principais da imagem, o que é útil, especialmente se você estiver pintando algo realista ou fazendo um estudo a partir da referência. No geral, eu tendem a manter a exibição clássica como padrão, mas cada representação tem seus prós e contras. Então eu recomendo que você experimente todos eles primeiro e veja qual deles mais combina com você. Agora que falamos um pouco sobre a teoria das cores e introduzir alguns de seus principais conceitos e terminologia. Acho que é seguro passar para a teoria por trás da iluminação. Para esses vídeos atribuição, eu simplesmente gostaria que você se familiarizar com procreate várias guias coloridas e criar alguns esquemas de cores usando as ferramentas de harmonia. Você sempre pode registrar seu progresso no projeto que você pode criar na área de projeto deste curso. E estou ansioso para vê-lo. Vejo você no próximo vídeo. 3. Teoria: correção pt. 2: Oi caras e bem-vindos ao vídeo de segunda teoria dedicado a cores e especificamente esquemas de cores. Pensei em dar-lhe alguma visão sobre os preços da minha paleta de cores, uma vez que a iluminação e as cores estão muito entrelaçadas. E às vezes podemos nos encontrar em dúvida quando se trata de esquemas de cores eficazes. No vídeo anterior, eu mostrei como você pode usar a guia Harmony no Procreate para ajudar na tomada de decisões. Neste vídeo, vou mostrar na prática como diferentes paletas de cores podem mudar radicalmente o mesmo esboço ou personagem. Primeiro, estou esboçando rapidamente uma personagem feminina. Nada extravagante, apenas algo para usar como base para nossos testes de cor. Já que vamos experimentar cores ousadas, estou me sentindo inspirado pelas vibrações dos anos 80 e ternos de calças de poder. Agora que eu tenho meu personagem com uma arte linha limpa e eu encorajo você a fazer meus cursos de design de personagem aqui em Skillshare. Se você quiser ver esse processo explicado em profundidade, posso começar a criar algumas paletas de cores. Sempre que estou trabalhando em personagens que vêm direto da minha imaginação, seja, eu não sou cor escolhendo suas cores originais de uma referência. Eu geralmente desenvolvo miniaturas coloridas para brincar com as opções. Um polegar de cor é basicamente uma camada de cor áspera que eu criei abaixo da linha de arte, onde eu rapidamente colorir em toda a silhueta do personagem. Em seguida, eu pixel bloquear a camada deslizando, esquerda com dois dedos para que eu possa colorir em qualquer lugar ao redor da tela, mas os traços só aparecerão em cima das áreas que já estão coloridas. Estou começando com o esquema de cores triádico. Usando estes água-marinha para tipo de cor como a sombra primária. Eu sei que escrevi “split de cortesia “no Canvas. Isso foi realmente um erro como eu fiquei confuso, desculpe por isso. Este é o esquema de cores triádico. Coloca três diferenciais na roda de cores à mesma distância em relação um ao outro. Isso significa que teremos alguns contrastes de cor muito ousados, já que os tons não têm nada em comum uns com os outros. Este é um ótimo esquema de cores para design gráfico e desenhos e ilustrações mais estilizados. Para criar o polegar de cor, uso a ferramenta de seleção para criar rapidamente uma máscara em torno do contorno do caractere e, em seguida, preenchê-la com a cor primária. Quando eu terminar de colocar os outros dois tons na imagem, eu duplicar a camada de cor, redimensioná-lo, e colocá-lo no lado para ser comparado com o próximo. O segundo esquema de cores é na verdade a divisão complementar, que é a minha paleta de escolha. Na maioria das vezes, eu estou usando a mesma água-marinha como a cor primária e a guia Harmony em procreate é encontrar os outros dois tons de cortesia divididos para ir com ele. Estes dois tons vão ser colocados ligeiramente mais alto e mais baixo em comparação com as cores originais, sombra complementar real. Então eles criam fortes contrastes com o aqua marine, mas eles não estão em forte contraste entre si, alcançando um bom equilíbrio entre ousado, mas também harmonioso. Claro, ao colorir nosso personagem, ao invés de usar essas paletas para design gráfico, temos que considerar que, a menos que tomemos uma decisão de ficar muito, muito estilizados, teremos que usar mais de três cores para o tom de pele personagem e vários acessórios. Quando faço os polegares coloridos, não considero elementos como lábios, olhos ou qualquer outro detalhe. Estou apenas testando as opções para as áreas mais atraentes do personagem. No entanto, eu costumo adicionar pelo menos uma sombra mais natural diferente para o tom de pele, a fim de criar um pouco mais contraste entre a roupa no corpo dos personagens reais. Este é o caso também para a terceira paleta de cores e criar o esquema análogo, que reúne três tons muito próximos um do outro, criando uma combinação harmoniosa, mas talvez não muito atraente. Eu raramente escolho esse esquema de cores para personagens, como especialmente nas mídias sociais, os espectadores são atraídos por cores ousadas e contraste. No entanto, isso pode ser uma boa escolha em alguns casos. Novamente, especialmente se você está tentando fazer algo bastante estilizado ou para fins de design gráfico, como ilustração de revistas. A quarta paleta de cores que estou testando, o tetrad, o esquema. Da mesma forma que o triádico, estes pilotos juntam para cores que são equidistantes entre si na roda de cores. Novamente, criando um contraste muito forte, especialmente quando você começa de uma cor primária bastante brilhante. Esta opção dará ao personagem uma vibração jovem, talvez lembrando o espectador dos anos oitenta e noventa, onde moda e acessórios favorecem esse tipo de opções de cores. Como eu mencionei antes, Eu provavelmente vou usar o esquema complementar de divisão para este personagem é que eu faço normalmente para a maioria dos meus personagens e ilustrações. Isso ocorre porque este pouco complementar pode ser ousado e harmonioso, tendo uma cor como a sombra principal, uma como seu destaque e a terceira como o acento contrastante. Claro, como eu disse, vez que este é um personagem humano, Eu provavelmente vou usar mais alguns tons para preencher os detalhes e dar o personagem anexar mais realismo. No entanto, cabe inteiramente a você, e eu recomendo que você não adicione mais de duas ou três cores à paleta, mantendo-a em torno de cinco ou seis cores no geral, que você possa praticar bem usando pequenos grânulos, antes passando para os estilos mais complexos, realistas ou pintantes. Como uma tarefa para este vídeo, eu gostaria que você fizesse o esboço limpo de um de seus personagens. Ou você pode usar este como eu estou compartilhando o arquivo PSD com vocês e brincar com vários arranjos que inspiram vocês. Tente alterar a cor inicial e veja como os esquemas de cores também mudam. No final do dia, paletas de cores e estética são muito uma questão pessoal e subjetiva. E muitas vezes a mesma pessoa pode mudar radicalmente de acordo com seu humor e período de um ano. Portanto, não há nada que sempre funcione 100%, mas sim um monte de experimentação e tentativa e erro. Divirta-se. 4. Teoria: de iluminação e sombreamento: Olá pessoal, e bem-vindos de volta a um novo vídeo teórico nesta turma. Neste vídeo, vou falar sobre como a iluminação e o sombreamento funcionam em teoria, que tipo de sombras você pode encontrar e que tipo de destaques podemos ver na pintura. Como estabelecemos no vídeo anterior, quando a luz atinge um objeto, ela se recupera, transmitindo informações aos nossos olhos e assim percebemos a cor. Outro efeito de qualquer tipo de iluminação, aquecimento de um objeto é que ele irá criar áreas onde o objeto é mais leve e áreas que são mais escuras de acordo com sua proximidade com a fonte de luz. Esta é a base para iluminação e sombreamento na pintura. Objetos têm dois tipos de sombra, elenco e forma. Sombras fundidas são criadas quando algo bloqueia a luz. Assim, eles podem ser causados por um personagem ou um objeto em um ambiente ou parte Bye desse personagem ou objeto para o todo, praticamente falando, a área escura sob o nariz de alguém, por exemplo, ou a área no pescoço bem debaixo do queixo é uma sombra de elenco, ou mesmo a sombra que um personagem projeta no chão ou em alguma peça de mobiliário que eles estão atrás deles. Isso também é uma sombra de elenco. As sombras de forma são muito mais sutis do que as sombras lançadas. Eles são mais suaves e menos intensos porque eles são criados não por um objeto que impede o caminho da luz, mas simplesmente pela luz que não alcança essa área. As sombras de formulário são essenciais para fazer um objeto aparecer em 3D, e elas não são necessariamente usadas em todos os estilos de desenho. estilo dos desenhos animados geralmente não emprega sombras de forma real, embora estilos mais realistas e estilo cartoony 3D fazem uso deles, a fim de definir uma forma sem o uso do forro. A forma como as sombras são pintadas e interagem com o objeto ou personagem na cena tem a ver com a forma 3D dos objetos. Então, se você quiser pintá-los com precisão, você deve estudar anatomia ou obter uma referência para que você possa estudá-lo. Muitos erros são cometidos por iniciantes. Eles tentam implementar sombreamento sem uma referência porque nossa mente tende a inventar coisas que não sabemos muitas vezes somadas à falta de realismo. Por outro lado, temos áreas mais leves sobre os temas que são chamados de destaques. E eles podem ser mais ou menos intensos de acordo com o material do objeto e a proximidade com a fonte de luz. Claro, se você optar por representar os diferentes tipos de material ou não é uma questão de estilo. Como eu disse antes, estilos mais realistas preferem mostrar essas diferenças detalhadas para adicionar à complexidade da textura. Por exemplo, se você tiver um objeto que é plástico ou um objeto que é vidro, ou um objeto que é escada. Esses tipos de material refletirão a luz de uma maneira muito diferente. Mais estilos de cartoony ignorou esse tipo de diferenças pessoalmente. E se você assistiu meus cursos anteriores sobre a criação de personagens de desenhos animados, você provavelmente já sabe disso. Eu tenho mais de um estilo de desenho animado quando eu desenho para projetos pessoais. Por isso, às vezes tenho de empregar estilos mais realistas ao trabalhar com clientes. Mas para o propósito deste vídeo, vou ficar com dicas e técnicas de iluminação de desenhos animados. Como uma missão. Eu gostaria que vocês pegassem diferentes objetos cotidianos que podem encontrar na casa, como bonés, frutas ou outros sólidos. Eu estou escolhendo vela aqui e apontar uma lâmpada para eles de ângulos diferentes para que você possa observar primeira mão o tipo de sombras que se desenvolvem sobre eles. Você também pode tirar fotos como eu fiz todos esses efeitos e tentar replicá-los com desenhos simples em sua tela. No próximo vídeo, vamos começar a entrar na parte prática do curso. Então, vamos ter muitas ocasiões para fazê-lo nesse ponto. Divirta-se como de costume, e te vejo no próximo vídeo. 5. Configurações de tela do Procreate: Olá pessoal, e bem-vindos ao último episódio de uma sessão teórica desta turma. Antes de começarmos as sessões de prática, você precisa configurar sua tela no Procreate. Existem várias proporções de tamanho padrão já presentes que você pode escolher. Mas gosto de ter o meu. Então eu criei algumas telas quadradas padrão de vários tamanhos. E eu vou te mostrar como criar o seu. No topo do canto superior direito da galeria. E você vai chegar a uma nova janela onde você pode inserir seu tamanho preferido e DPI. Dp significa pontos por polegada e refere-se à quantidade de pontos que podem ser colocados em impressão em uma linha de um centímetro. Claro, telas não têm pontos, eles têm pixels. Então isso não deve realmente importar se você pretende que sua obra de arte permaneça digital. Alto valor no BI e garante que sua arte ficará nítida quando impressa. Então, se você não tem certeza se você está indo para imprimir sua arte ou não, É provavelmente melhor para manter seu DPI bastante alto apenas no caso de eu acho que o melhor de ambos os mundos de uma forma é ter uma telas quadradas que são melhores se você quiser compartilhar nas redes sociais. Além disso, mantenha sua resolução de DPI em 300 para que você ainda possa imprimir seu trabalho artístico se quiser executar e você não terá nenhum problema. Agora que você tem sua configuração de Canvas, você pode importar um caractere de cor plana de um desenho que você tenha reparado ou simplesmente abrir o arquivo PSD incluído neste curso. Este é o estágio de cor de inundação do personagem rápido que desenhei anteriormente no vídeo da teoria de cores. E você é muito bem-vindo para usá-lo como prática, desde que você me deseje. Se você publicá-lo nas mídias sociais, se quiser, você pode desenhar seu próprio personagem agora. Basta parar de assistir a este vídeo e ir ver meus cursos anteriores sobre como desenhar personagens de desenho animado no Procreate ou Photoshop. Mais passos até chegar à parte de sombreamento e iluminação e, em seguida, volte aqui quando estiver pronto. Dentro da tela procreate, você pode ver que temos uma área vazia muito grande, que é onde você pode desenhar. Ao redor da área de desenho. Existem vários controles deslizantes e botões. A partir dos controles deslizantes à esquerda, temos o tamanho do pincel e a opacidade. Movendo-se para o canto superior direito, há a ferramenta de pincel, faz simples ou ferramenta de mesclagem, a borracha , o painel de camada e as guias de cores, que já exploramos. No canto direito da barra superior, encontramos a pequena chave inglesa que representa configurações onde você pode alternar o tamanho da tela, importação e exportação e coisas assim. O painel de efeitos, a ferramenta de seleção e as ferramentas de movimentação e redimensionamento. Uma das poucas coisas técnicas que precisamos para esta classe é entender o conceito de camadas e configurações de mesclagem, que é a base para alcançar efeitos de iluminação neste fluxo de trabalho. As camadas são diferentes. Níveis de transparência na Tela que se sobrepõem em um nível lógico e hierárquico inteiro. Você pode encontrá-los na guia de camada e eles funcionam de forma bastante direta, simplesmente cobrindo uns aos outros. À medida que você se move para o topo, cada camada fica em cima de outra, cobrindo-a e não permitindo que você veja o que está por baixo se você colorir completamente. Eu desenhei um ponto roxo na tela em uma camada. Se eu criar uma nova camada no topo e alterar suas configurações de mesclagem, essa é a maneira que o Procreate lê, que camadas interação com a camada abaixo para sobrepor, por exemplo, o que eu desenho nessa camada também mudará o ponto roxo I desenhado por baixo. Se eu fizer a mesma coisa mais duas vezes, uma vez alterando a configuração para multiplicar e quer adicionar. Você pode ver que a mesma cor amarela pálida está se comportando de forma muito diferente em cima daquele ponto roxo. De acordo com o tipo de ajuste de mesclagem. Estes são os principais conceitos por trás de se deliciar com este fluxo de trabalho. Como a maioria das minhas dicas e truques, nossas experiências se baseiam em alterar as configurações de mesclagem e ver o que acontece com a imagem abaixo. A maior parte do sombreamento que vou criar será feita com estas cores roxas neutras usando a mistura Multiply na configuração e a maior parte da iluminação usando o amarelo pálido com a configuração de mistura de sobreposição. Eu vou abordar essas técnicas mais detalhadamente nos próximos vídeos, mas eu queria começar a mencionar esses termos agora. Para esta tarefa, brinque com o Procreate um pouco e experimente cada configuração de ligação diferente para que você saiba o que esperar para o resto da classe. 6. Configuração de iluminação de dois pontos: Olá pessoal e bem-vindos de volta. Neste vídeo, vou mostrar como funciona a configuração fotográfica mais comum, a configuração de iluminação de dois pontos. Eu tenho rapidamente terminar de colorir o personagem de teste de antes de usar a paleta de cores complementar dividida. Novamente, se você quiser assistir ao processo completo de como eu abordo a arte do personagem até este ponto, eu recomendo que você vá para a classe Criando um personagem de desenho animado no Procreate. Se você está ocorrer acima, Vamos passar para a iluminação ponto sem surpresa faz uso de duas luzes para destacar as formas 3D do assunto na cena de uma forma que não é necessariamente natural, mas que é realista o suficiente e chama a atenção para os detalhes que você deseja que o espectador observe. A primeira luz a ser colocada na cena é chamada de Luz Chave, e é uma luz forte, seja o sol ou uma fonte artificial. Este slide irá investir a forma 3D do objeto criando sombras de forma nas áreas que ele não pode alcançar. Então, de certa forma, é apenas o elemento contador para uma sombra de forma. Eu estou desenhando as fontes de luz como uma seta 3D aqui porque eu acho que é muito útil, especialmente como um iniciante, ter um lembrete constante na página de onde a luz está vindo para que você possa analisar como ele vai atingir os planos do rosto e o corpo do personagem e criar um sombreamento preciso. A luz chave irá saltar fora dos elementos do ambiente, como as paredes, o céu, etc., e refletir de volta sobre o assunto, criando uma segunda luz mais fraca chamada luz de preenchimento é luz fará com que a forma mais escura sombras um pouco menos escuro, embora não tão leve quanto aqueles investidos pela luz chave. Neste vídeo, vou mostrar como criar sombras, não por adição, mas por subtração. Esta é uma maneira ligeiramente ortodoxa de pintar sombras. E eu não costumo fazer assim quando estou pintando, mas acho que é mais fácil entender que o conceito é o caminho. Eu criei uma nova camada em cima da imagem, link para ele através de máscara de recorte. Uma máscara de recorte é simplesmente uma maneira de vincular uma camada a outra para que os únicos traços que aparecem na tela sejam aqueles pintados sobre a silhueta original abaixo? Eu disse esta camada em multiplicar, já que é a camada de sombreamento, e eu encho isso com uma cor azul profundo. Isso ocorre porque as sombras e os destaques nunca são, nunca, apenas preto ou branco. Para ter certeza de que eles não dessaturaram todo o personagem. Você sempre deve usar sombras coloridas e destaques. Como eu estava dizendo antes, sem luz, o personagem estaria totalmente na sombra. Então é isso que eu estou imitando colocando uma camada completa de sombra azul em cima dela. O segundo passo é descobrir como a luz forte da chave está atingindo a forma 3D do personagem. Quais áreas são convexas e quais áreas são côncavas? Quais são os poderes que a luz atingirá primeiro, e quais serão cobertos e na sombra, como mencionei antes aqui, um bom conhecimento de anatomia irá ajudá-lo muito. Mas, em uma pitada, você também pode simplesmente tentar colocar-se na frente do espelho na mesma pose e tirar uma foto para que você tenha uma referência para o corpo. Eu crio uma nova camada e defino para sobrepor a configuração usual para iluminação e começo a marcar aproximadamente o personagem. As áreas que eu acho que vão ser atingidas com força total pela luz chave. Você não tem que ser super preciso aqui. Isto é mais um guia do que qualquer outra coisa. Quando você estiver satisfeito com sua análise, é hora de voltar para a camada de sombra, selecionar a ferramenta Borracha e começar a apagar sobre as áreas que você selecionou como destaques. Isto é o que eu quis dizer com processo de subtração. Não estamos pintando as sombras em cima do personagem. Estamos excluindo a sombra de áreas onde a luz está atingindo, que é exatamente o que acontece na vida real. E a razão pela qual eu acho que é mais fácil pensar sobre isso é uma maneira de entender como a luz funciona. Como você pode ver, quebrando a sombra com um pincel duro, estamos criando um forte contraste e destacando muito claramente quais são as formas 3D do personagem e seus acessórios? Na verdade, você pode até pensar que essas sombras são um pouco fortes demais, e isso é verdade. Este tipo de iluminação agora se parece com a configuração do holofote, onde você tem apenas uma fonte de luz forte rolando para baixo sobre um assunto, o que é um tipo muito dramático de configuração. Iluminação de dois pontos. Temos que adicionar a segunda fonte de luz, a luz de enchimento difusa que torna tudo um pouco mais natural. Portanto, o terceiro passo é pegar a camada de sombra e diminuir sua opacidade de 100% para 20 ou 30 por cento, ou até 15%, dependendo do tipo de cor que você escolheu para a sombra. Isso imita os efeitos da luz de preenchimento, que é a luz que salta fora do assunto e ao redor da sala, dada uma fonte de iluminação difusa e mais suave, apagando o contraste das sombras mais fortes do elenco. Como eu mencionei, eu não necessariamente uso o método de subtração quando eu pinto em geral, mas sim item para pintar as sombras apenas nas áreas onde elas são necessárias, como eu vou mostrar-lhe nos próximos vídeos. Mas você pode trabalhar de qualquer maneira, for mais confortável para você. Quando eu cuido do sombreamento, eu costumo adicionar alguns destaques usando amarelos ou vários tons em uma camada definida em sobreposição ou adicionar, dependendo da intensidade da fonte de luz, os destaques são geralmente muito áreas limitadas que ajudam a levantar alguns dos melhores detalhes dos personagens. Como o brilho no cabelo, pequenos pontos de luz nos olhos, brincos ou outros acessórios de metal aquecidos pelo personagem. Tente manter o contraste entre as partes destacadas e não destacadas do personagem bastante alto para que você possa destacar detalhes específicos em vez de ter uma peça inteira com aparência superexposta. Se você quiser, você também pode adicionar uma terceira luz, que fará com que a configuração pareça um pouco menos natural, mas pode fornecer uma separação muito eficaz para o personagem do fundo. A terceira luz é chamada de luz de aro. Geralmente é uma fonte artificial de luz vinda da trás do assunto que destaca sua silhueta. A terceira luz é especialmente útil se você estiver desenhando uma cena noturna. A forma do personagem está se perdendo dentro do fundo, pois você pode facilmente pintar a luz do aro de uma cor de néon e justificá-la com algumas luzes de néon noturnas, por exemplo. Vamos falar mais sobre iluminação artificial e as luzes do aro em um vídeo posterior quando abordamos a iluminação dramática, não se preocupe. Por enquanto, estes são os conceitos básicos, a fim de configurar eficaz também. E iluminação de três pontos, novamente, um ótimo all-rounder para peças genéricas de personagens que não precisam de configurações dramáticas, mas são apenas peças de apresentação. Como uma tarefa, eu encorajo você a baixar o arquivo PSD com o caractere de prática de cor plana e praticar a pintura de sombras usando o método de subtração seguindo os três cenários que criei para você. 7. Prática: luz de luz: Ei pessoal, e bem-vindos de volta ao segmento de treino desta turma. Agora que introduzimos a configuração e os conceitos básicos por trás da iluminação 23, eu queria mostrar praticamente como você pode recriar diferentes momentos do dia usando camadas e configurações de mesclagem. Vou começar com uma situação genérica de luz do dia. Eu simplesmente fui na internet e googled dia de configuração de iluminação para encontrar esta imagem. Mas você também pode procurar referências no Pinterest ou até mesmo atirar em que você está. A primeira coisa que você deve fazer é observar a referência e identificar a luz principal ou a luz chave. Observe como ele atinge o personagem olhando para a direção e inclinação das sombras, então você pode identificar de onde a luz de preenchimento está vindo, que geralmente é do ângulo oposto da luz principal, pois é o produto da recuperação da luz chave no ambiente. Finalmente, você pode procurar a imagem por uma terceira fonte de luz, que geralmente vem de trás do objeto, e é chamada de luz de borda. É possível detectar a luz do aro porque geralmente produz destaques muito brilhantes na silhueta do assunto. É diferente da luz chave, porque se você colocar o nível de brilho dessas duas luzes, escala, a luz do aro é muito mais intensa que a luz chave ao ponto em que queima a imagem ligeiramente onde a atinge, marcando claramente os contornos do personagem. É por isso que a luz do aro funciona particularmente bem em contextos onde os braços ou pernas do personagem ou alguma outra parte do corpo ou acessório é separada da forma principal e, portanto, deixa um buraco para a luz por trás passar, tornando toda a silhueta mais fácil de ler e mais envolvente. Depois de ter analisado e colocar em suas notas de onde as luzes principais vêm. O segundo passo é aproximar a cor das luzes e sombras. Eu digo aproximado porque não há nenhuma maneira que você pode encontrá-lo com 100% de precisão. Mas mesmo se você não acertar na primeira vez, você pode facilmente mudar a cor mais tarde como vamos mantê-la em uma camada separada, eu costumo usar a cor escolhendo dois na taxa de Brock para amostrar um destaque na imagem e depois ir a partir daí para definir a cor da luz da chave. Eles disseram por um dia inteiro quando a luz solar natural, geralmente a cor será uma luz, amarelo. A luz do aro é geralmente um tom mais claro da mesma cor que você escolheu para a luz da chave. Então, um amarelo ainda mais pálido neste caso. Enquanto para a sombra, você pode voltar para a luz da tecla e selecionar o esquema de cores gratuito na guia Harmony. Isso ocorre porque, além de raras ocasiões em que você está usando iluminação artificial, a sombra e os destaques são geralmente duas cores complementares, um verme e um frio, para equilibrar um ao outro e dar mais harmonia ao todo pedaço. Agora, o que analisamos a imagem de referência? Vamos aplicar esse conhecimento ao nosso personagem de teste. Vou considerar a mesma direção e intensidade das fontes de luz na imagem e aplicá-las ao personagem. Então eu preciso olhar para a grande seta de luz da chave 3D, e descobrir como a luz vai atingir a forma 3D do meu personagem. Primeiro, vou identificar as áreas do corpo do personagem. Vão ser atingidos pela luz da chave com força total. A luz vem do canto superior esquerdo. Portanto, ele vai aquecer os personagens lado direito do rosto e corpo ligeiramente da frente. Como você pode ver, eu recolhi o personagem em apenas uma camada para facilidade de uso, mas você pode manter um backup dos caracteres, várias camadas em um grupo de camadas diferente se você quiser manter a chance de fazer ajustes na linha Eu encorajo você a criar uma nova camada em cima da figura e marcar com uma cor ousada como vermelho. Todas as áreas que estão salientes, empurrando para fora ou convexas, e, portanto, pegarão a luz primeiro. Quando você desenha essas áreas, tente lembrar os volumes 3D desses elementos e siga sua borda com linhas curvas para garantir que eles não saem tão planas. Por exemplo, a testa, bochechas e nariz estão em torno de áreas salientes do rosto e , portanto, serão atingidos pela luz primeiro em seu topo mais redondo, assim como uma tigela. O ombro direito, o peito, o rótulo das jaquetas e uma pequena parte do ombro esquerdo também serão atingidos como a parte de trás da mão direita e a perna dianteira. Estes são todos os destaques do corpo. Tudo o resto vai estar em forma de sombras, várias áreas de sombreamento sutil, não diretamente alcançado pela luz. O segundo passo é identificar as sombras. Aqui, não estamos procurando sombras de forma, mas para sombras de elenco, as sombras criadas por um objeto ou parte do corpo bloqueando o sol e, portanto, criando uma área sombreada áspera. As sombras fundidas geralmente podem ser encontradas na cavidade orbital, sob o nariz e o queixo, no pescoço, dentro da orelha, debaixo ou atrás de roupas que criam vincos ou quedas no corpo. Entre o cabelo na parte de trás da cabeça, na metade inferior sobre parte do corpo esférico como os seios ou a barriga. Você identificou essas áreas. Vamos testar nossas suposições criando uma nova camada, vinculando-a à imagem principal através da máscara de recorte e alterando a configuração de mesclagem para multiplicar a cor I, escolher a tonalidade azul da sombra e prosseguir para pintar todos os o molde sombras com o pincel de tinta seca, meu pincel favorito em procreate porque é tão versátil e usá-lo para tudo, desde esboços até arte de linha para cor. Novamente, eu não estou sendo particularmente cuidadoso ou preciso com minhas pinceladas neste momento porque eu acho que é melhor colocar rapidamente sombras e destaques, verificar se eles fazem sentido e, em seguida, proceder para apagar o acesso a refiná-los. Depois de terminar com a primeira camada de tinta, desligue a visibilidade nas diretrizes de sombra e avalie se as áreas sombreadas funcionam dentro da posição da luz e siga os volumes das partes do corpo são normalmente reduzir o tamanho do pincel neste ponto para pintar alguns detalhes mais finos e usar a borracha para tornar as áreas de sombra mais precisas e precisas. Naturalmente, as sombras serão bastante intensas neste ponto, e eu já posso ver que elas são muito escuras em comparação com a referência. Então eu vou reduzir a opacidade para cerca de 30 por cento por enquanto. Eu vou voltar e provavelmente fazer alguns ajustes de trabalho quando eu tiver os destaques pintados para que eu possa equalizá-los. Agora, crie uma nova camada, faça uma máscara de recorte, defina-a para sobrepor e vamos pintar os destaques com a cor clara chave. Desta vez, siga as áreas que você desenhou em vermelho novamente e tente ser rápido em vez de preciso como essa parte vem mais tarde. Quando terminar, você pode desativar a camada guia e refinar os destaques como fez com as sombras, tentando ter em mente se um elemento é curvo ou plano e como ele é angulado em relação à fonte de luz. Ao refinar os destaques, você também tem que ter em mente a hora do dia na cena e, portanto, a intensidade e alcance da luz solar. Se você estiver usando luz natural, olhar para o personagem na referência irá ajudá-lo nisso. Então, por exemplo, se eu olhar para trás para a mulher na foto de referência, eu posso ver que a maior parte do nosso corpo está muito bem exposto com apenas algumas sombras nas áreas que não estão voltadas para o sol. Isso ocorre porque no dia inteiro, o sol é bastante alto no céu e forte. Portanto, a luz de rebote, que é a luz de preenchimento é muito forte e fornece iluminação para quase toda a figura. Quando eu estou satisfeito com a forma dos destaques, eu vou rapidamente diminuir a opacidade para cerca de 40 por cento, apenas para que não esteja no caminho quando eu pinto a luz do aro. Vou adicionar a luz do aro em mais uma máscara de recorte seguindo a direção e intensidade do aro iluminando a referência. Vindo por trás do personagem e indo em latim para a esquerda. Normalmente eu coloco a camada de luz do aro no anúncio como uma configuração de mistura vez que fornece uma iluminação de nível mais alto em comparação com a sobreposição. Infelizmente, um amarelo mais claro no anúncio será basicamente branco, queimando completamente o que está por baixo. Então você sempre tem que reduzir a opacidade da camada cerca de 35%, embora eu possa mudá-la para uma porcentagem ainda mais baixa mais tarde. Vou adicionar mais uma camada neste ponto, um gradiente, que é algo que eu nunca falei antes. Este passo é essencial para dar à cena mais atmosfera e ajudar o espectador a identificar a hora do dia. Esta camada de leitura vai na parte inferior sob todas as outras camadas de multiplicação e sobreposição. E você deve usar cores que são proeminentes na foto de referência. Então, neste caso, amarelo e laranja. Como o Procreate não fornece uma ferramenta de gradiente neste momento, vou mudar o pincel e selecionar um pincel macio grande da categoria aerógrafo e, em seguida, preencher completamente a camada com a primeira cor. Então eu vou mudar a cor para a segunda tonalidade no gradiente, desta vez laranja. E provavelmente pintando a parte do corpo que está mais na sombra. vez, estes irão proporcionar uma variação de cor agradável, fazendo com que o personagem pareça menos plano e adicionando atmosfera e temperatura à luz. A camada de gradiente pode ser definida para sobrepor ou multiplicar dependendo do efeito e da hora do dia. O gradiente de sobreposição iluminará ainda mais a cena enquanto a camada de multiplicação a tornará mais escura e saturada. Então, já que esta é uma cena de luz do dia, vou configurá-la para sobrepor. Agora, para o último passo neste processo, vou ajustar as várias capacidades de camadas até atingir um equilíbrio que se assemelha à imagem de referência. Não posso dar-lhe uma medida precisa que funcione sempre nesta fase. Às vezes você tem que colocar a camada de multiplicação em 30% e o destaque em 50. Às vezes é o oposto. Isso realmente depende da cor que você escolheu para a sombra e o efeito que você deseja alcançar. Este é o ponto em que a experimentação e tempo o ajudarão a encontrar a melhor solução para o seu desenho. E nenhuma dica ou tutorial fácil pode dizer o que é certo para alcançar esse tipo específico de configuração de dia inteiro. Coloquei o gradiente de sobreposição em 15%, a sombra de multiplicação em 40, os destaques na sobreposição em 35%, e a luz da borda no anúncio em 45%. Como você pode imaginar, a razão pela qual os destaques e a luz do aro são bastante fortes é que é durante o dia. Então o sol é muito forte. Se houvesse apenas uma fonte de luz, como um holofote em um teatro, as sombras também serão muito fortes. Mas em vez disso, neste cenário ao ar livre, a luz chave está saltando em torno objetos e tem sido refletida pelo chão e pelo céu, tornando as sombras não muito intensas. Este tipo de análise e implementação, como a proximidade e intensidade de destaques e sombras, ajuda o espectador a entender imediatamente que tipo de hora do dia é, mesmo que seu personagem seja colocado em qualquer tipo de como uma atribuição para este vídeo, por favor, procure algumas referências de luz do dia ou baixou o que eu uso dos materiais do projeto e tente replicá-lo em seu próprio caráter de seguir essas estruturas de camada e mesclagem configurações. No próximo vídeo, abordaremos uma hora diferente do dia, o pôr do sol. 8. Prática: sunset: Ei pessoal, e bem-vindos de volta ao segundo vídeo de treino, explorando diferentes configurações de iluminação para diferentes momentos do dia. Neste vídeo, vou abordar especificamente pôr-do-sol para o qual encontrei uma imagem de referência. O processo neste vídeo vai ser bastante semelhante ao mostrado no anterior, a partir da análise das fontes de luz na referência. Aqui estão a luz chave, é claro que vem do sol poente, que vemos na parte de trás do personagem no canto inferior direito, a intensidade da luz solar está diminuindo, tornando a luz do campo também menos intensa e, portanto, criando sombras mais fortes à esquerda do que no lado do assunto na imagem. A cor clara chave é um amarelo mais quente do que o sol da luz do dia, quase uma laranja realmente. E a cor complementar é um azul mais intenso para as sombras. A luz de preenchimento também é muito mais quente neste caso, dado o caráter avermelhado, tons alaranjados. Enquanto o contraste entre realces e sombras em geral é aumentado devido à intensidade reduzida da luz do campo. Como na prática anterior, vou tentar replicar a mesma configuração de iluminação exata na minha personagem de mesa. Portanto, a luz da chave deve vir da parte de trás do personagem. Mas desde que meu personagem, ao contrário da mulher na imagem de referência, está de frente para a câmera e estará completamente na sombra. Se eu chegar ao sol exatamente na mesma posição que a referência, eu vou trazê-lo um pouco mais para a direita, a fim de acertar o lado esquerdo da personagem e iluminar um pouco mais de seu rosto. Aqui, estou definindo em laranja todas as áreas que serão atingidas com força total pela luz chave. Então eu estou identificando as sombras elencadas que novamente serão colocadas sob o nariz, Shane, pescoço, e na maioria do ônibus e nas dobras internas, aumentos da jaqueta e do cabelo. Quando eu estiver satisfeito com a minha análise, vou criar o primeiro da massa de corte e colorir as sombras. Primeiro um pouco mais grosso e, em seguida, apagando com mais precisão as peças extras que são necessárias para criar detalhes adicionais. Quando estou satisfeito com o nível de precisão, vou ligar a camada, multiplicar e diminuir a opacidade em cerca de 35%. Passando para a camada de luz chave, vou preencher os destaques com uma laranja clara chave, e depois virar a camada para sobreposição, diminuindo sua opacidade para cerca de 45 por cento. Nesta imagem, não há luz de borda óbvia, uma vez que o sol poente é muito fraco para fornecer o contraste necessário. Então eu estou indo para a camada de gradiente. Imediatamente. Eu decidi usar uma laranja quente para a parte de destaque do gradiente e um azul pálido para os quebrados. Portanto, selecionando as mesmas cores usadas para o destaque e sombra, adicionando atmosfera e profundidade às cores para melhorar a sensação do sol poente e a vinda da escuridão. Uma vez que a hora do dia é bastante tarde. E eu quero transmitir um aumento de sombras para o revisor. Eu vou definir a configuração de mesclagem desta camada para multiplicar em vez de sobreposição, o que, como você pode ver, torna todo o personagem mais escuro e mais saturado, implicando uma falta de luz. Para o ajuste final da opacidade da camada, estabeleci 35% para a camada de gradiente, 20% para as sombras e 30% para os realces. Como eu disse antes, estes não são necessariamente o valor de opacidade que você usaria para qualquer censurado. Mas eles são um bom ponto de partida se você quiser experimentar um pouco. Como uma tarefa para este vídeo, eu gostaria que você encontrasse mais algumas referências de diferentes pores do sol e fizesse alguns estudos com seu personagem ou usando o personagem fornecido. 9. Prática: noite: Ei pessoal, e bem-vindos de volta ao último vídeo de treino desta aula, onde falamos sobre referências noturnas e 99 configurações artificiais. A referência que encontrei é bastante interessante porque usa cores contrastantes e quase complementares para a luz da chave e a luz do aro. Já está fazendo um ótimo trabalho com a paleta de cores. Para a luz da chave, a luz artificial intensa vinda do canto esquerdo, temos um azul pálido, que é bastante comum para luzes noturnas. Não há muita luz de campo na imagem contribuindo para a presença de sombras profundas. A luz do aro em vez disso está vindo do lado oposto da luz chave em magenta brilhante. A oposição de azul e magenta não é apenas grau de acordo com a roda de cores. Também tem sido bastante popular tanto na fotografia como na ilustração nos últimos anos. Então, definitivamente vale a pena familiarizar-se com esse esquema. Como já sabem, primeiro vou identificar a área de luz chave, as sombras e a luz da borda do meu próprio personagem. Tentando replicar a mesma configuração que na imagem de referência. Então eu vou criar a primeira camada de corte definida para multiplicar para as sombras elencadas, que eu estou pintando em uma cor de salmão rosada que é a tonalidade complementar para a luz azul. A área das sombras elencadas é bastante sensível e gritante. Neste caso. À noite, a luz de preenchimento recente recuperou pela reflexividade do ambiente e, portanto, as sombras são muito mais nítidas do que à luz do dia. Quando eu terminar de refinar as sombras, eu vou reduzir a opacidade da camada para baixo, mas mantendo-a muito mais alta do que nos vídeos anteriores para cerca de 65 por cento. Em seguida, vou pintar os destaques em azul, definindo a camada para sobreposição em cerca de 50%. Estes destaques também são bastante nítidos porque sem a sensação de luz uniformemente agora os destaques de contraste e sombras serão muito mais visíveis. Então eu vou adicionar as luzes magenta aro para os personagens lado direito, mantendo-o bastante extenso como é na imagem de referência. Neste caso, eu vou experimentar um pouco com diferentes configurações de mesclagem, tentando encontrar aquele que se encaixa melhor, o efeito que eu quero alcançar. Eu me contentei temporariamente com luz dura. No entanto, não parece muito certo no momento. E eu suspeito é porque a escuridão geral, saturação e temperatura da imagem ainda é muito brilhante. Vou passar para o próximo passo e adicionar um gradiente roxo escuro a azul para melhorar a atmosfera noturna. E garantir que os destaques e borda luz de mais em contraste com as sombras escuras. Vou definir a camada de gradiente para multiplicar e reduzi-la para cerca de 50% de opacidade por enquanto. Agora é apenas uma questão de ajustar os valores de opacidade da camada e apagar partes das sombras e realces com um pincel suave para refinar o nível de detalhe. Os valores finais que obtive para nossos 50 por cento para a camada de gradiente, 40 por cento para as sombras em Multiplicar, 22% para os destaques e 53 por cento para a luz da borda em sobreposição. Você deve ter notado que eu também alterei a configuração de mesclagem da camada de realce de sobreposição para adicionar. Isso ocorre porque desde que o tipo de luz é artificial e definitivamente mais perto do personagem do que o sol para a terra. Eu queria adicionar um contraste mais forte e a configuração de mistura de anúncios transmite que afetam melhor do que a sobreposição, que tem uma mistura ligeiramente mais suave. Você pode aplicar essas configurações muitos outros cenários noturnos simplesmente alterando a cor da iluminação artificial. Então eu encorajo você a explorar um ambiente diferente tanto em ambientes urbanos e naturais como sua tarefa. Como vê-lo no próximo vídeo para uma soma de toda a classe. 10. Encerramento: Ei pessoal, chegamos ao fim da nossa aula. Obrigado por ficar comigo através da teoria e prática. Eu sei como é difícil estudar com cursos on-line por conta própria para melhorar suas habilidades. Então quero parabenizá-lo pela sua tenacidade. Nem todo mundo tem paciência e determinação para aulas em casa. Tão bem que eu só queria passar mais alguns minutos resumindo os conceitos básicos que espero que você tenha aprendido nesta aula. Partindo da ideia fundamental de que a iluminação e a cor estão intrinsecamente relacionadas. Sem luz, não há cor e a quantidade, tipo e proximidade de uma fonte de luz pode mudar de cor dramaticamente, criando sombras e destaques em personagens e como ambiental. Primeiro, precisamos identificar ou o lado, se você estiver configurando a partir de sua imaginação, qual é a principal fonte de luz ou a luz chave, e aproximar sua cor. Depois de descobrir quais partes do corpo serão investidas pela força total da luz, você pode deduzir onde as sombras cairão. Podemos encontrar dois tipos de sombras, forma e elenco, que nos ajudam a entender os volumes 3D de um personagem e realismo para uma cena. Em estilo cartoony, ainda desenharemos as sombras principalmente planas usando uma escova dura. mesmo vale para os destaques e a luz de aro opcional que você pode ter na configuração. Uma vez que você tem essas três camadas básicas, sombras em multiplicar, luz de tecla ou sobreposição, e luz de borda em sobreposição ou adicionar recortado ao seu desenho original. Você pode adicionar um gradiente completo em Multiplicar ou sobrepor, dependendo da temperatura e escuridão da cena e da hora do dia. Para dar à imagem a atmosfera correta. partir daí é apenas uma questão de ajustar a capacidade relativa dessas camadas para alcançar um equilíbrio adequado. O efeito que você estava perseguindo, se você não tem certeza do que a iluminação seria melhor para uma hora específica do dia, basta procurar qualquer imagem de paisagem dessa situação na Internet e experimentar com gradientes, luz cor e sombra com base no que você encontrar, não há, infelizmente, nenhuma substituição para observação. E pacientes. Depois de conhecer a teoria e entender o básico, a melhor maneira de melhorar é pegar esses fundamentos e aplicá-los uma e outra vez, experimentando configurações de cor e mesclagem. Em Grande exercício adicional para melhorar a sua biblioteca mental de configurações de iluminação é aprender os melhores filmes cult lookup que são conhecidos por sua fotografia e tirar screenshots de algumas das melhores cenas. Você pode tentar replicá-los para realmente entender como o diretor de fotografia configurar a iluminação. Alguns dos melhores filmes nesta categoria são Blade Runner B, filme original dos anos setenta, Labirinto de Pan's, qualquer filme Tarantino, um dos meus favoritos é django Unchained, mas há muitos outros que você pode olhar para cima e entrar no Vazio. Você pode até mesmo ir no Google Images, n-type melhores filmes de iluminação ou algo assim, para encontrar toneladas de screenshots prontos de cenas fantasticamente iluminadas. Ao estudar e copiar essas obras-primas, você pode aprender honestamente muito que você pode então empregar em sua própria arte. vez, espero que você tenha gostado deste curso e por favor não hesite em deixar um comentário ou um comentário no quadro de discussão desta aula para me informar seus pensamentos ou perguntas. Você pode me encontrar nas mídias sociais em toda a placa como ilustração MLM sublinhado. Não te esqueças de me marcar se partilhares um pouco do teu trabalho para que eu te possa dar um grito. Estou ansioso para ver seus projetos na seção de projetos desta classe. Por isso, não se esqueça de atualizar o seu progresso. Tchau, por enquanto.