Gemas de jardim: pinte nudurtiums em aquarela

1. Boas-vindas: Bem-vindo à minha aula do Skillshare. Neste tutorial, exploraremos o intrincado processo de criação de uma pintura floral deslumbrante passo a passo Eu sou Chris, um artista de aquarela e professor on-line que estou aqui para guiá-lo no tutorial do Skillshare Hoje, nosso foco é pintar belos esturtiums capturando suas formas únicas, formas simples de folhas, veios intrincados belos esturtiums capturando suas formas únicas, formas simples de folhas, veios intrincados e composição de cores serena. Seja você um artista iniciante ou experiente, este tutorial fornecerá as técnicas necessárias para dar vida a essas flores no papel Durante a aula, orientarei você cada etapa da pintura dessas lindas flores, fornecendo recursos úteis e orientações ao longo do caminho. O tutorial é cuidadosamente dividido em segmentos gerenciáveis Cada parte ampliará um aspecto específico da pintura, juntando-a gradualmente como um quebra-cabeça Junte-se a mim nessa jornada criativa e vamos mergulhar. 2. Projeto e recursos: Obrigado por escolher fazer parte dessa jornada artística comigo. Eu preparei alguns recursos úteis para o seu projeto, que você pode acessar na seção de projetos e recursos. Lá você encontrará alguns arquivos PDF úteis. Um deles contém uma lista dos materiais que usei para essa pintura em particular, e você também encontrará minha pintura finalizada para guiá-lo. Os desenhos de linha estão disponíveis em tamanhos diferentes que você pode imprimir e transferir para o papel aquarela, permitindo que você escolha o tamanho adequado às suas preferências Eu pintei isso em um tamanho 12 por nove. Sinta-se à vontade para explorar esses recursos e usá-los para criar sua própria pintura única e bonita. Seria ótimo ver seus resultados. Não hesite em compartilhar suas fotos de progresso e a pintura final com a turma na seção de projetos e recursos. Também recomendo fortemente que vocês dêem uma olhada no trabalho um do outro na galeria de projetos do aluno. É sempre inspirador ver outras pessoas trabalhando e extremamente reconfortante receber o apoio de seus colegas Não se esqueça de curtir e comentar o trabalho um do outro. Por fim, eu recomendo assistir cada aula antes de começar a pintar Isso ajudará você a entender melhor o que esperar em cada parte do tutorial. Se você achar essa aula útil, agradeceria muito se você pudesse deixar uma avaliação honesta. Seu feedback me ajudará a criar um conteúdo melhor e a ajudar outros alunos a decidirem se querem fazer esse curso. Agradeço antecipadamente. 3. Meus suprimentos de arte: Neste vídeo, gostaria de compartilhar com vocês uma visão geral dos meus materiais de arte que uso regularmente. Acho que devo mencionar primeiro que não sou o tipo de pessoa que compra constantemente novos materiais de arte e faz experiências com eles. Eu uso os mesmos suprimentos o tempo todo. Eles funcionam bem para mim e eu aprendi como tirar o máximo proveito deles, que também me ajuda a economizar dinheiro em vez de comprar cinco novas cores que eu poderia usar apenas uma para criar uma amostra de cores Eu prefiro investir em livros, por exemplo Não me interpretem mal. Experimentar novos materiais de arte e comprar novos materiais regularmente pode oferecer muitos benefícios aos artistas Vamos dar uma olhada em alguns prós e contras de experimentar novos materiais artísticos. Pode despertar novas ideias e inspiração. Diferentes cores e texturas de mídias podem levar a expressões artísticas únicas e ajudar a romper bloqueios criativos Explorar novos materiais de arte geralmente envolve o aprendizado de novas técnicas e abordagens. Esse processo de aprendizado contínuo contribui para o desenvolvimento de habilidades artísticas e amplia o kit de ferramentas dos artistas Ter uma variedade diversificada de materiais de arte permite uma maior versatilidade na expressão artística Um artista pode alternar entre diferentes mídias e ferramentas com base nos requisitos específicos de um projeto, resultando em obras de arte mais dinâmicas e variadas ferramentas com base nos requisitos específicos de um projeto, resultando em obras de arte mais dinâmicas e Experimentar novos materiais pode tirar o artista de sua zona de conforto, da vontade de explorar e assumir riscos, promover o crescimento pessoal e incentivar o pode tirar o artista de sua zona de conforto, da vontade de explorar e assumir riscos, promover o crescimento pessoal e incentivar o desenvolvimento artístico. O mundo da arte está em constante evolução com novas tecnologias e novos materiais Manter-se atualizado com os materiais de arte mais recentes garante que o artista permaneça relevante no cenário da arte contemporânea Experimentar novos materiais de arte geralmente envolve a solução de problemas. Um artista pode precisar descobrir como manipular um novo meio ou adaptar suas técnicas, aprimorando suas habilidades de resolução de problemas e pensamento habilidades A empolgação de usar uma nova fonte de arte ou descobrir uma nova técnica pode reacender a motivação e a paixão pela criação Esse entusiasmo é essencial para manter uma prática artística consistente e gratificante À medida que a tecnologia avança, o mesmo acontece com a qualidade e as capacidades dos materiais de arte. Experimentar novos produtos permite que os artistas explorem formulações aprimoradas, levando a resultados potencialmente melhores em seus trabalhos Diferentes materiais de arte oferecem maneiras únicas de transmitir emoções e mensagens, e experimentar uma variedade de materiais permite que os artistas encontrem aqueles que melhor se adequam ao seu estilo pessoal e permitam que seu estilo pessoal e permitam eles se expressem com mais O mínimo continua. Por outro lado, aqui estão algumas razões possíveis pelas quais alguns podem argumentar que nem sempre é bom Os materiais de arte podem ser caros e comprar constantemente novos materiais sem um plano ou propósito pode sobrecarregar seu orçamento. É bom estar atento aos seus gastos, especialmente se você não estiver usando todos os suprimentos que acumulou Confiar em materiais de arte novos e variados pode desviar a atenção do desenvolvimento de habilidades artísticas fundamentais Um artista proficiente pode criar trabalhos impressionantes com ferramentas básicas A ênfase deve estar no domínio das técnicas, em vez de depender de suprimentos específicos Acumular uma grande variedade de materiais de arte pode causar barulho e desafios Muitos suprimentos podem dificultar a localização do que você precisa. compra constante de novos materiais de arte contribui para o desperdício, especialmente se os materiais não forem totalmente utilizados. É essencial considerar o impacto ambiental de suas práticas artísticas e tentar minimizar o consumo desnecessário. Alguns artistas argumentam que trabalhar com limitações, como um conjunto restrito de materiais, pode realmente aumentar a criatividade. As restrições podem forçar você a pensar fora da caixa e encontrar soluções inovadoras em seu kit de ferramentas existente Muita ênfase em experimentar novos suprimentos pode desviar a atenção do cerne da expressão artística O conceito ou mensagem que você deseja transmitir por meio de sua arte Concentrar-se no significado por trás do seu trabalho é crucial, independentemente dos materiais usados. Buscar e comprar constantemente novos suprimentos pode promover uma mentalidade consumista, em que a alegria vem da aquisição de novos itens, e não do Isso pode levar a um ciclo de busca pelo próximo material moderno em vez de aprimorar sua Também pode criar expectativas irreais sobre o poder transformador Embora suprimentos de qualidade possam aprimorar seu trabalho, a chave para o sucesso artístico está em suas habilidades, técnicas e visão criativa. Confiar demais na crença de que novos suprimentos melhorarão drasticamente sua arte pode causar decepção Explorar e adaptar constantemente novos materiais de arte pode levar a uma mudança não intencional em direção às tendências populares, em vez desenvolver um estilo pessoal único Como você pode ver, há muitos elementos que eu acredito que valem a pena considerar e, em última análise, é uma escolha pessoal. Eu costumava querer comprar todos os materiais de arte que eu pudesse pagar. No entanto, ao perceber que não precisava de todos eles e ter encontrado suprimentos com os quais estou realmente feliz, parei de comprar itens desnecessários parei de comprar Em vez disso, concentrei-me nos que tenho e realmente uso. Então, agora vamos dar uma olhada no que eu tenho. Vamos começar com papel. Entre pincéis, tintas e papéis, considero o papel o material de arte mais importante A qualidade do papel influencia significativamente sua experiência e resultados de pintura. Use papel de arcos, feito de 100% algodão. O papel de algodão é frequentemente considerado a melhor escolha entre os artistas. Tem excelente absorção, resistência e durabilidade, tornando-o adequado para várias técnicas de aquarela Ele fornece os melhores resultados porque a tinta se comporta muito melhor do que em papéis de celulose mais baratos O papel de alta qualidade também é mais tolerante, facilitando a correção de erros Passando para as tintas, eu uso as tintas Windsor e Newton Professional Grade As tintas de nível profissional, independentemente da marca que você usa, oferecem excelente qualidade. Eles têm mais pigmentos, cores mais ricas e uma vida útil mais longa do que as tintas para estudantes do Embora as tintas de nível profissional sejam mais caras do que as de nível estudantil, elas realmente valem o investimento. Levei algum tempo para coletar todas as cores que eu precisava. Aos poucos, comprei um ou dois tubos vez até ter um conjunto completo. Agora, raramente preciso comprar tubos novos. Eles duram muito tempo. Eu compro uma ou duas cores, talvez uma ou duas vezes por ano. Atualmente, tenho 17 cores na minha paleta, embora algumas sejam para fins de teste. Nos materiais de aula, você encontrará arquivos PDF com informações adicionais sobre minhas cores, por que as selecionei e como as organizei na minha paleta Também há um gráfico de conversão útil se você quiser cores semelhantes de marcas diferentes. Deixe-me explicar resumidamente como escolho cores para minha paleta Eu faço isso em quatro etapas principais. Meu ponto de partida na escolha cores é sempre uma paleta primária dividida, um verme e um amarelo frio, um vermelho quente e um frio quente e um azul frio E aqui, acho que é um bom momento para mencionar que o azul ultramarino que eu uso é o tom verde Não é ultramarino francês. Existem quatro diferenças principais entre o azul ultramarino, o tom verde e o ultramarino francês No entanto, eles são muito pequenos. Azul ultramarino, o tom verde tem um tom mais Tem uma aparência mais fria. Ele cria tons mais frios de roxo e cinza e é menos granulado Ambos os painéis compartilham a mesma camada de pigmento, P B 29. Use o azul ultramarino, o tom verde principalmente por hábito, pois é o que eu sempre usei e com o qual me acostumei Além disso, acho que é menos granulado do que o ultramarino francês, uma qualidade No entanto, novamente, as diferenças entre os dois são muito sutis. Na segunda etapa, procuro cores da mesma família de cores com propriedades específicas, como serem feitas com um único pigmento, ter boa resistência à luz, não granular, com algumas exceções, prefiro usar tintas não granulantes prefiro usar E sendo transparente ou semitransparente. Eu uso principalmente tintas de pigmentação única, com uma exceção, que são tintas cinza As cores desse grupo devem diferir visivelmente do primeiro Se forem muito parecidos, eu os elimino. Não vejo uma boa razão para manter, digamos, sete amarelos muito parecidos na paleta Eu escolho os que são mais exclusivos e posso misturar outros tons. Na terceira etapa, adiciono cores que simplesmente gosto ou sei que vou usar com frequência. Burnt Sienna é imprescindível na minha paleta porque é um marrom básico versátil Ele cria belos tons neutros com azuis, atenua alguns verdes e cria vários tons É uma cor muito versátil. Além disso, como o verde é minha cor favorita, gosto de ter duas prontas que sirvam como uma boa base para misturar outras tonalidades. A etapa quatro é opcional. Há três pontos restantes na minha paleta, que são reservados para novas cores ou cores que estou testando atualmente, que podem mudar com o tempo Além da tinta aquarela, também tenho um tubo de guash branco Costumo usá-lo para pequenos detalhes ou destaques. Eu mantenho minhas tintas em uma paleta de porcelana com 17 poços e duas grandes áreas de mistura paletas de porcelana são excelentes porque são fáceis limpar e não mancham Antes de usar essa paleta, usei uma de plástico com 33 poços por um longo tempo, troquei quando percebi que não usava metade dessas Eu sempre encho o poço inteiro com tinta e o reencho quando a cor específica acaba Normalmente compro tubos de cinco mililitros porque posso espremer o tubo inteiro no poço Vamos passar para os pincéis. Meus pincéis principais são redondos de veludo preto prateado em vários tamanhos Descobri que eles funcionam excepcionalmente bem para a técnica úmida sobre úmida , que eu costumo usar Eles também chegam ao ponto perfeito. Um pincel que sempre tenho à mão, que chamo carinhosamente de minha arma secreta é o pincel Windsor and Newton's Galleria tamanho quatro É meu pincel e eu o uso em quase todas Também tenho um snapshaderh Princeton menor, tamanho quatro, que uso para retirar detalhes muito pequenos, como pequenas veias Também tenho pincéis spotter da Rosemary and Co especificamente da série 307. Eles são pequenos. Eles não retêm muita água, então não são bons para pintura úmida sobre úmida, mas são excelentes para pintar áreas pequenas, úmidas sobre secas e para adicionar pequenos detalhes. Eu sempre os uso para criar texturas visuais com a técnica de estilhaçamento Ocasionalmente, eu uso pincéis de designer, pincéis rigger ou pincéis Eles têm nomes diferentes e são muito parecidos. Esses pincéis têm cerdas finas e longas e são úteis para pintar longas e finas ou linhas mais naturais, como galhos de árvores Finalmente, tenho um pincel grande e plano para aplicar água grandes áreas ou às vezes até para pintar grandes áreas. Eu também tenho que mencionar cerca de dois pincéis adicionais. Um deles é um pincel velho e barato que eu uso apenas para aplicar fluido de máscara aplicação de fluido de máscara com um pincel pode danificá-los , portanto, evite usar seus bons pincéis para essa finalidade O outro é um pincel plano barato que eu uso para preparar cores na minha paleta Se eu tiver que preparar grandes quantidades de tinta, esse pincel é ótimo para isso, pois permite transferir grandes quantidades de tinta do poço para a área de mistura A desvantagem desse em particular é que ele está perdendo cerdas, então terei que comprar algo um pouco melhor Placa de jacaré, eu sempre coloco meu papel aquarela em uma placa de jacaré usando grampos Esta prancha é leve e à prova d'água e permite mover e inclinar minha pintura conforme necessário, é crucial para mim, especialmente ao pintar fundos lisos com a técnica úmida sobre úmida Eu sempre uso um grampeador de escritório para prender meu papel na placa de jacaré Depois de grampear, prendi o papel nos quatro lados com fita adesiva para criar uma borda limpa ao redor da pintura finalizada Eu prefiro usar fita adesiva de lavanda projetada para superfícies delicadas Percebi que ele adere bem durante a pintura e, se alguma vez se soltar, é provável que seja por causa do uso excessivo de um secador de cabelo Essa fita não causou nenhum dano ao meu papel. Gosto de sua superfície. É um pouco elegante, o que é muito conveniente para limpar facilmente as gotas de tinta Meu único desejo é que viesse em branco. Aqui estão outros suprimentos que eu uso com mais ou menos frequência. Almofada de luz, na verdade eu a uso para todas as pinturas. Este é o mais barato que eu encontrei na Amazon. Eu o uso para transferir uma imagem para o meu papel de aquarela. Fluido de mascaramento da Windsor Newton. Este é um meio essencial para muitas das minhas pinturas. Ferramentas para aplicar fluido de mascaramento, como um pincel velho, caneta régua , ferramentas de estampagem e uma Essas ferramentas podem ser diferentes do pincel antigo e também podem ser usadas para aplicar tinta e criar efeitos específicos. Um pedaço de sabão e uma tampa velha de um líquido mascarador antigo. Ao usar o fluido de máscara, mergulho a água da escova, esfrego em uma barra de sabão, criando uma camada protetora nas cerdas e depois a mergulho no fluido mascarador esfrego em uma barra de sabão, criando uma camada protetora nas cerdas e depois a mergulho Isso evita que a máscara grude as cerdas Sempre coloque um pouco de máscara em um copo velho e feche rapidamente a garrafa para evitar grumos secos na Ferramenta de coleta de máscara de borracha para remover o fluido de máscara, uma ferramenta muito útil, secador de cabelo, útil para acelerar o tempo de secagem, borrife o frasco com água limpa para molhar o papel suavemente ou forçar a tinta a suavemente ou Também pulverizo tintas na minha paleta antes de começar a pintar Borracha de lápis HB comum e borracha necessária. Eu uso um lápis HB comum para meu esboço e costumo usar borracha necessária para remover excesso de grafite e tornar as linhas do Recipiente de água que devo ter durante a pintura. Costumo ter dois, um para água limpa e outro para água suja. Toalha de papel, é sempre bom tê-la. Finalmente, uma toalha branca que não é mais tão branca. Por falar em toalhas, uma grande está espalhada pela minha mesa, embaixo da minha tábua de jacaré Eu faço isso para evitar que o jacaré deslize, se mova ou gire enquanto Isso não apenas garante estabilidade, mas também protege minha mesa e adiciona um bom campo ao meu espaço de trabalho A segunda toalha menor está sempre posicionada ao lado da minha paleta e do recipiente de água, servindo como um espaço dedicado para limpar meus Deixei meus pincéis descansarem nessa toalha. No passado, quando eu colocava meus pincéis na minha mesa, mágica parecia acontecer Eles se transformaram em seres vivos se escondendo de mim, pulando da mesa e se movendo para que eu não pudesse encontrá-los. Agora eu sempre os coloco na toalha e eles ficam no lugar, sempre aqui comigo. Então, esses são meus materiais de arte atuais. Embora possa haver mudanças no futuro, é isso que estou usando agora. 4. Inspiração: Olá, bem-vindo a este maravilhoso tutorial de pintura de Nosturtiums Esta pintura se inspira em dois artistas. Uma delas é uma das minhas artistas polonesas favoritas, Stansva Vespinki Vespinski nasceu em 1869 em Traco, Polônia. Ele foi aluno de um Mateo na Escola de Belas Artes de Traco Seu trabalho foi versátil. Como pintor, ele se especializou em criar arte por meio de pinturas usando a técnica pastel Como arquiteto, ele também ficou famoso por criar, entre outras coisas, pólipos para a igreja de São Francisco de ACC em Ele também ganhou fama como criador de dramas sobre a história e as perspectivas da sociedade polonesa sob as partições muitos anos, tentei reproduzir sua maternidade em pintura pastel Eu pintei isso com tintas a óleo. Entre suas realizações notáveis está o design do requintado vitral da Igreja de São Francisco de Assis em Craco, uma prova de sua habilidade em mesclar Essa igreja em particular em Craco é muito, muito especial. Toda vez que estou lá, eu visitei. A razão para isso é porque as paredes dentro da igreja são pintadas por Vespinski Ele adornou as paredes com belos policromados ou murais, se você quiser, retratando motivos florais e geométricos , motivos florais e geométricos Um desses murais retrata lindas flores de sturtiu que serviram de inspiração inicial para nossa O Art Nouveau é geralmente um dos meus estilos favoritos. Sempre me fascina como formas simples pintadas com o que poderíamos chamar lavagens planas na pintura em aquarela podem criar padrões tão bonitos. Eu adoro padrões. Observe que as folhas são pintadas com uma cor verde base e, em seguida, somente as veias são pintadas com tinta branca. Não há detalhes, luzes, sombras, apenas formas simples cheias de cores Além disso, nas flores, podemos ver tons muito sutis de laranja e algumas veias, nada mais. Em suas outras flores que podemos admirar nas paredes da igreja, ele às vezes usava um pouco mais de sombreamento Por exemplo, essas rosas têm algum sombreamento nas pétalas, mas as folhas têm camadas planas simples de tinta E ainda assim eles são tão lindos. A força desses desenhos está na composição e no padrão que todas essas formas criam. Eles são incríveis. Vespanski sturtium me lembrou de um artista japonês Conan Tangami Ele nasceu na prefeitura de Hyogo e é celebrado no Japão como Ele ganhou reconhecimento por criar cinco volumes de álbuns de fotos retratando planos ocidentais Esses álbuns foram publicados principalmente como xilogravuras pela renomada editora Sodo em Kyoto Cópias desses álbuns estão preservadas na estimada coleção da biblioteca britânica Seu uso da cor é sutil, mas impactante, empregando tons pastel suaves e tons vibrantes para criar uma qualidade onírica em suas uma qualidade onírica Da mesma forma que o trabalho de Vespanski. Nas pinturas de Tani Game, vemos bordas claras das formas preenchidas com cores Existem algumas variações tonais, mas ainda assim, se olharmos para essas pinturas através das lentes da pintura em aquarela, poderíamos dizer que elas foram pintadas em uma ou no máximo duas camadas sem entrar em muitos detalhes Mais importante ainda, em suas obras está a composição. Uma das obras de Tan Gami retrata o estúrcio. Embora as plantas sejam ocidentais, o tratamento artístico é nitidamente japonês, com uma maravilhosa sensação de equilíbrio assimétrico e um contraste fino entre flores e entre Esses dois trabalhos de spanki e Tani Gami foram minha inspiração para minha pintura 5. Como preparar o esboço: Primeiro, comecei criando uma composição. Eu apliquei a regra dos terços dividindo meu papel em três partes iguais, tanto na horizontal quanto na vertical Os pontos onde essas linhas cruzam servem como pontos focais, que é onde eu pretendia colocar as flores principais Os estúrcios crescem em várias direções. Eu imaginei a decomposição como se as flores estivessem caindo em cascata em forma de arco do canto superior direito para o canto inferior esquerdo Desenhei formas grandes para representar as flores e as folhas usando as cores laranja e verde para estabelecer a composição principal Isso me permitiu testar diferentes combinações de cores. Como estava satisfeito com o layout geral, concentrei-me em detalhar as flores Inicialmente, criei formas ásperas, não muito detalhadas. Depois de ter uma base sólida, refinei o desenho da linha, prestando muita atenção às formas. Embora eu tenha me referido a algumas fotos de referência para entender a estrutura das flores e folhas, não copiei nenhuma diretamente. Essas interpretações são minhas. Nesse estágio, meu desenho de linha estava completo. Sabendo de antemão que trabalharia em um papel de 12 por nove, defini as dimensões adequadamente em procreate Em seguida, transferi o desenho para um aplicativo chamado Affinity Publisher, que eu uso para criar Aqui, adicionei uma moldura preta ao redor do desenho criando um retângulo, removendo a sensação e deixando uma borda fina Depois de concluído, salvei o arquivo. Há uma razão significativa por trás desse processo. Aqui está o porquê. Eu tenho duas versões do desenho, uma com moldura e outra sem. Quando abro a versão sem a borda em um aplicativo como o split print, fica claro que o desenho carece de uma indicação clara de seus limites. Isso torna difícil determinar onde cortar e as margens necessárias É exatamente por isso que incluí a fronteira. Quando abro o arquivo com a borda, tudo fica claro, tornando o processo de corte muito mais simples Agora, neste aplicativo, converto as medidas em polegadas, revelando que meu desenho mede com precisão 12 por 9 “, cabendo perfeitamente No entanto, tenho a flexibilidade deste aplicativo para ajustar o tamanho conforme necessário. Por exemplo, se eu decidir pintá-lo em um papel de tamanho 16 por 12, posso fazer essa alteração sem esforço Como resultado, o desenho se divide em folhas de papel adicionais Posso organizá-los da maneira que eu preferir, até mesmo alterando a orientação das páginas, que pode reduzir o número total necessário para impressão nesse tamanho Ao acessar a configuração da página e mudar para a orientação paisagem, agora posso ver que meu desenho abrange quatro páginas No entanto, como pretendo pintá-lo em papel de tamanho 12 por nove, volto à orientação retrato porque agora meu desenho está em duas páginas e agora meu desenho está de volta em duas páginas. Normalmente, posiciono o desenho forma que todas as formas complexas próximas ao centro sejam deslocadas para um lado garantindo que não se estendam Agora posso imprimir meu desenho de linha e, na próxima parte, você verá como vou transferi-lo meu papel aquarela. OK. 6. Como transferir a imagem: Depois de concluir meu desenho de linha, eu o imprimi. Agora vou refiná-lo cortando todas as peças desnecessárias Como a imagem abrange duas folhas de papel, preciso colá-las com fita adesiva. Ok. Estarei pintando em papel de arcos de 12 por 9” O bloco que estou usando mede dez por 14”. Esse espaço adicional ao redor da pintura permite espaço para grampos e fita adesiva Para transferir a imagem para o meu papel, usarei uma cápsula de luz. Primeiro, vou anexar a imagem na de trás do meu papel de aquarela Em seguida, colocando tudo no bloco de luz, a luz de baixo me permitirá ver a imagem através do papel aquarela com clareza Com um lápis HB comum, começarei a traçar começando marcando os quatro cantos Esses pontos de referência são cruciais, pois me orientam na aplicação precisa da fita adesiva Com os cantos marcados, vou transferir lentamente a imagem para o papel. Eu posso ver claramente as linhas de baixo, então eu posso facilmente traçar essas linhas. Depois que essa etapa for concluída, removerei a imagem impressa da parte de trás do papel e, em seguida, poderei anexar o papel ao meu jacaré Estou posicionando o papel mais ou menos no centro. É importante notar que estou optando por não molhar o papel com antecedência Acredito que seja desnecessário porque os grampos manterão o papel no lugar com segurança Conforme eu pinto, o papel naturalmente se estica e encolhe. No entanto, a chave aqui são os grampos. fita adesiva sozinha pode não fornecer resistência suficiente para manter o papel no lugar É por isso que eu sempre uso grampos. Estou grampeando cuidadosamente o papel na minha prancha de jacaré nos quatro lados, garantindo que cada grampo fique espaçado no máximo Ok. Depois disso, aplico fita adesiva nos quatro lados As marcas nos cantos são úteis para um posicionamento preciso, garantindo que a pintura finalizada meça exatamente 12 por nove. Além disso, nesta fase, uso frequentemente a borracha necessária Esta borracha versátil pode ser moldada conforme desejado. Eu prefiro rolá-lo sobre meu esboço para remover qualquer excesso de grafite, deixando o esboço um pouco mais claro e. Com o esboço preparado, estamos prontos para começar a pintar o fundo Ok. 7. Contexto: Antes de nos aprofundarmos na pintura, deixe-me compartilhar minha abordagem e visão para esta peça Depois de pensar um pouco, decidi optar por um look parecido com uma aquarela Afinal, estamos pintando com aquarelas. Mas desta vez, vou pintar em um estilo mais solto do que o meu estilo normal Abraçando flores criadas intencionalmente e bordas rígidas aleatórias, resultantes de uma Desta vez, estou adotando uma abordagem mais descontraída e simplificada Meu objetivo é conseguir lindas texturas de aquarela nas folhas enquanto me concentro um pouco mais em pintar as flores com precisão Meu objetivo é encontrar um equilíbrio entre pintura solta e precisão, quando necessário. No meu processo, eu me inspiro na simplicidade dos trabalhos de spanskis e Tanigams Começaremos nossa jornada de pintura partindo do fundo, aumentando gradualmente as camadas à medida que progredimos. Inicialmente, pintaremos o fundo, seguido por folhas fracas no fundo, depois adicionaremos caules, folhas principais e, finalmente, focaremos nas flores que estão mais próximas de nós Como toque final, adicionaremos delicadamente nervuras às flores e folhas Para pintar o fundo, vou usar um pincel tamanho dez. Optei por não usar fluido de máscara para preservar os espaços em branco das flores Em vez disso, vou pintar um fundo tom muito claro. Mesmo que eu examine as linhas do lápis, não é um problema, pois as flores e as folhas são mais escuras do que o fundo A tinta mais escura cobrirá perfeitamente todas as sobreposições, criando uma criando Acredito que usar uma versão suave da laranja, seria marrom porque o marrom é na verdade uma versão muda da Para o plano de fundo seria o ideal. Essa escolha de cor deve complementar a composição geral, criando um pano de fundo suave e suave que reflete as cores das flores Adicionar toques de verde vinculará ainda mais o fundo às folhas Repetir as cores do assunto principal em segundo plano é uma excelente abordagem, promovendo Embora combinações exatas não sejam necessárias, variações de matiz ou intensidade podem melhorar a unidade da peça O objetivo é que o fundo ecoe os tons do assunto principal, garantindo harmonia visual Vamos começar preparando a siena queimada com apenas um pequeno toque de ventos de um amarelo profundo Adicione bastante água para obter uma consistência muito leve. Quase como uma lavagem com um toque de marrom. Essa mistura diluída servirá como uma excelente base. Comece a aplicá-lo no canto superior esquerdo. A inconsistência da água ajudará a criar uma lavagem suave, mas não se preocupe se encontrar flores ou bordas duras Podemos adotá-los como parte do processo. Além disso, se você acidentalmente passar por cima das linhas do lápis, isso não é um problema Os tons mais escuros do assunto principal cobrirão facilmente qualquer sobreposição Depois de aplicar essa lavagem leve inicial, estou adicionando um pouco mais de marrom em algumas áreas para introduzir variações nos valores tonais Estou até permitindo que a cor flua levemente pelas bordas da folha, criando uma conexão perfeita entre a folha e o fundo Passando para o canto superior direito, vamos pintar o fundo no sentido horário Mais uma vez, comece com um tom bem claro de marrom e depois adicione um tom um pouco mais escuro em áreas específicas Perto das folhas, estou pensando em incorporar um toque de verde para refletir a folhagem A mistura de queimadura com ouro verde inicialmente não atingiu a tonalidade desejada. Estou introduzindo o tom verde amarelo Windsor para um tom verde mais forte Verde misturado com marrom cria uma pedra natural harmoniosa É fundamental manter todas as cores. Quero que o fundo sirva como um complemento suave e sutil para as flores. Especialmente perto das folhas, estou adicionando mais verde do que marrom para manter uma paleta de cores coesa e refletir alguns verdes das folhas No canto inferior esquerdo, estou optando por mais marrom para criar um fundo adequado para a flor que estará em primeiro Dando uma olhada final no plano de fundo. Estou pensando em adicionar mais cor em alguma área. Por exemplo, decidi usar um pouco mais de marrom em certos pontos. É importante lembrar que, à medida que a tinta seca, ela fica mais clara Além disso, estou adicionando uma silhueta verde simples forma de folha Quando estiver satisfeito com seu histórico, podemos secar tudo usando um secador de cabelo. Ultimamente, eu me vi usando um secador de cabelo com mais frequência, exceto nos casos em que estou pintando fundos maiores usando a técnica molhada sobre úmida Nos casos em que pretendo obter transições de cores suaves e planos suaves, prefiro deixar a tinta secar naturalmente Inclinar a pintura até que a tinta assente permite um processo de secagem contínuo, sem o risco de perturbar a tinta úmida do aço e criar marcas indesejadas ou irregularidades nos acabamentos e criar marcas indesejadas ou Porém, ao pintar elementos menores com menos tinta, como neste caso, prefiro acelerar o tempo de secagem usando um secador de cabelo. Quando o fundo estiver seco, podemos passar para a próxima etapa, pintando folhas fracas no fundo 8. Folhas de fundo: Ok. Nesta pequena parte, vamos pintar apenas algumas folhas delicadas no fundo. Acho que o contraste nos valores tonais entre as folhas claras no fundo e as folhas verdes mais escuras no primeiro plano cria uma ilusão cativante de profundidade, aumentando o interesse visual geral da aumentando Para pintar essas folhas, precisaremos de mais do nosso verde natural. Estou preparando uma mistura de verde windsor e sienna queimada, criando uma mistura muito diluída que produz um Na parte superior dessa mistura, estou adicionando um toque de cinza pálido para introduzir um tom de verde um pouco mais escuro para aumentar Agora, com a mão calma e firme, vamos pintar lentamente essa folha usando a técnica úmida sobre seca Procure ficar dentro das linhas do lápis, inspirando-se na execução meticulosa de narinas de Tanigam, onde as cores eram mantidas exatamente dentro das narinas de Tanigam, onde as cores eram mantidas inspirando-se na execução meticulosa de narinas de Tanigam, onde as cores eram mantidas exatamente dentro das linhas. De agora até adicionarmos os detalhes finais, pense nisso como preencher formas com cores. Nosso objetivo é simplesmente preencher essas formas com verde. Essa camada verde não precisa ser perfeitamente lisa. Na verdade, nosso objetivo é uma aparência de aquarela, especialmente nas folhas Abrace quaisquer flores ou irregularidades que ocorram. À medida que aumentam a sensação orgânica da pintura. A principal preocupação é ficar dentro das linhas do lápis. Observe como o verde interage harmoniosamente com o marrom aplicado durante o processo de pintura de fundo Essa interação adiciona uma camada adicional de variedade de cores, aumentando o interesse visual da composição Para aumentar a intriga, use um tom de verde um pouco mais escuro nas áreas selecionadas Isso serve como um ponto de interesse adicional, adicionando profundidade e dimensão à pintura. É importante observar que não estou considerando uma fonte de luz específica aqui. Esses esturtiums são estilizados e isso não pretende ser uma representação perfeitamente realista Semelhante à policromia de Vespanskis e ao trabalho de Tani igam, as cores são relativamente planas. No entanto, como estamos trabalhando com aquarelas, temos a liberdade de incorporar esse toque característico de aquarela Minha abordagem é introduzir mais variações de cores nas folhas e incorporar flores que são essenciais para a pintura em aquarela Isso será particularmente evidente nas folhas principais mais escuras, porque essas folhas claras no fundo são essencialmente silhuetas claras R. No canto inferior direito, estou usando uma mistura de Ciena queimada com um toque de pinos cinza para criar textura Usando a lateral do meu pincel, estou aplicando pinceladas aleatórias para introduzir uma variedade de tons Além disso, você notará algumas lacunas deliberadas que criam bordas Acho que esse efeito adiciona interesse e dimensão ao canto. Eu não queria deixá-lo totalmente plano. Aqui, estou adicionando um toque mais verde para melhorar a vibração Em relação ao canto inferior esquerdo, pensei em adicionar outra silhueta de folha ao No entanto, após refletir, decidi que a folha atrás das duas folhas do primeiro plano é suficiente como nossa folha de fundo Então, eu estou pintando usando nossos tons claros de verde e marrom. Sim. Depois de pintar essas folhas, podemos secá-las rapidamente com um secador de cabelo antes de passar a pintar as folhas principais. 9. Folhas principais: Agora estamos fazendo a transição para outra etapa simples, mas agradável que a perfeição não é o foco: pintar as folhas principais pintar Vamos começar preparando uma variedade de cores. À esquerda, misturei Ciena queimada com amarelo profundo de Windsor Vou usar essa mistura um pouco nas folhas. À direita, preparei meu verde primário usando um tom amarelo verde-windsor misturado com sienna queimada Na parte superior da minha paleta, adicionei tintas cinza à mistura verde, resultando em um tom de verde mais escuro Usando um pincel tamanho dez, vamos começar a pintar do lado esquerdo e mover gradualmente para o lado direito. Se você for canhoto, será mais fácil começar do lado direito da pintura e seguir para a esquerda. Agora, com nossas misturas de verde e marrom, nossa tarefa é simplesmente sentir as formas das folhas com essas cores Essa etapa é simples. O segredo é permanecer dentro das linhas do lápis dentro dos limites do formato da folha. Sua interpretação aqui é inteiramente sua. Sinta-se à vontade para experimentar cores diferentes. Sua camada provavelmente parecerá distinta da minha, e está tudo bem. Procure obter uma consistência de tinta muito aquosa e preencha lentamente toda a forma com cores Também podemos optar por uma técnica úmida sobre úmida aqui. Vou pintar a última folha usando esse método apenas para demonstrá-la. No entanto, com a técnica úmida sobre seca que estamos usando agora, temos mais controle sobre a tinta e as bordas da forma que estamos pintando. Além disso, pintar com água e seco resulta em um tom mais escuro inicialmente, pois não há uma camada adicional de água abaixo da tinta para dispersá-la Isso nos permite obter um tom mais escuro com mais facilidade. Além disso, a variação natural da umidade no papel pode levar à formação de flores, o efeito que realmente queremos alcançar nesta pintura R. Depois de aplicar o verde, vamos aumentar o interesse inserindo alguns de nossos marrons Essas manchas marrons adicionarão variedade às cores e complementarão bem as flores de laranjeira Passando para a próxima página, vou repetir o processo. Aqui eu comecei com um tom verde mais claro para introduzir algumas variações tonais Essa variação também pode sugerir que a fonte de luz está vindo da esquerda, tornando a folha um pouco mais clara. À medida que nos aproximamos das flores, estou incorporando mais marrom para adicionar profundidade e dimensão Quando a primeira folha começa a secar, noto que a superfície ainda está um pouco vazia Quero aproveitar esta oportunidade para espalhar algumas gotículas de água intencionalmente para criar mais algumas gotículas de água intencionalmente para criar Agora, para a folha abaixo das flores, pretendo introduzir mais variedade de cores Eu sou mais marrom e um verde um pouco mais escuro, principalmente abaixo das flores R. Para melhorar ainda mais a textura e criar flores intencionais, posso carregar meu pincel com água e apertar suavemente as cerdas, permitindo que gotículas de água caiam Novamente, como você pode ver, não estou me esforçando para uma execução perfeita dessas lavagens Normalmente, busco uma pintura cuidadosa para obter lavagens suaves e transições de cores perfeitas No entanto, nesta pintura, eu abraço todas essas imperfeições da aquarela Essa abordagem me dá mais liberdade e menos estresse, pois vejo essas imperfeições como intencionais Meu foco principal continua sendo permanecer dentro das linhas do lápis e garantir distinções claras entre as formas Ah. Voltando à folha anterior, continuo espalhando mais gotículas de água Faço questão de evitar lavagens planas e desinteressantes e, em vez disso, busco texturas de aquarela cativantes Estou muito curioso para saber se você gosta dessa abordagem e desse efeito ou não. Me avise. Mudando para um pincel menor do tamanho quatro, pinto as pequenas áreas entre as pétalas com um verde escuro significando a folha atrás das flores Voltando para um pincel tamanho dez. Em seguida, passo a pintar a folha por trás dessa flor em particular. Eu adicionei uma pequena barra aqui na frente da folha, então preciso pintar com cuidado ao redor dela. No final, estou deixando cair algumas gotículas de água, esperando que elas criem algumas flores Para a folha final, optei por pintar molhado sobre molhado. Não há nenhuma razão específica para essa escolha. Eu simplesmente quero demonstrar que também é uma técnica que podemos usar aqui. Depois de aplicar uma camada de água, começo a deixar cair minhas cores O resultado final será semelhante à pintura úmida sobre seca, então realmente não importa qual técnica você escolher. No entanto, acho que molhar a seco é mais fácil e permite mais imperfeições, o que queremos alcançar neste caso Além disso, você não precisa gerenciar quantidades excessivas de água. Agora, deixe tudo secar. Você pode usar um secador de cabelo se quiser, mas primeiro deixe secar naturalmente por cerca de 10 minutos. Quando o brilho desaparecer da tinta úmida, indicando que ela se estabilizou, você pode usar um secador para concluir o processo de secagem 10. Hastes e sépals: Como ainda temos a tinta verde na paleta, vamos terminar todas as partes verdes antes de começar a pintar as flores Nesta etapa, demonstrarei como pintar os caules e sépalas das flores usando um tamanho para pincel Começando pelas hastes, começo aplicando um tom verde extremamente claro, tomando muito cuidado para ser preciso e ficar dentro das linhas do lápis. Depois que essa camada inicial é aplicada, mudo para uma cidade verde mais escura e a adiciono com moderação, focando nas áreas próximas às folhas e nas Agora, vamos nos concentrar no canto inferior esquerdo. Aqui, quero começar com um tom mais quente de verde, então adiciono um toque de ouro verde à mistura Começo sentindo as formas das sépalas e depois passo a pintar o caule Para adicionar profundidade, incluo uma sombra sob a flor e no caule usando um tom mais escuro de verde Continuando com os caules e sépalas, uso vários tons de verde e marrom para preencher as formas Neste estágio, estou me concentrando em aplicar lavagens planas sem adicionar detalhes Mais tarde, posso incorporar alguns detalhes adicionais, mas, por enquanto, estou me concentrando em definir as cores básicas M. Depois de pintar uma haste, notei que parecia bastante solitária, então decidi apresentar duas companheiras Usando um lápis HB, desenhei linhas simples para indicar os lados das hastes Eu desenhei apenas uma linha para representar um lado do caule, pois os caules são bem finos. Essas linhas de lápis servem como guias para a forma e, com o pincel, posso pintar a espessura desejada das hastes seguindo a forma das linhas. Por fim, passo a pintar as últimas hastes e sépalas no lado direito Nesta fase, veja a aparência da pintura. Na próxima parte, aplicaremos a camada base nas pétalas das flores. OK. 11. Flores - camada inicial: Agora vamos começar a pintar aquelas lindas flores de laranjeira. Como estamos fazendo a transição para cores diferentes, é melhor limpar a paleta pelo menos em um lado Vamos manter o verde para uso posterior, então vou deixá-lo intocado No entanto, estou limpando o lado esquerdo da minha área de mistura, onde vou amarelar, laranja e vermelho. Esse também é um bom momento para trocar a água. Primeiro, prepararei a linda laranja transparente, uma cor linda que será perfeita para as flores de esturtium Além disso, vou misturar o amarelo Windsor profundamente, o que aquecerá mais as pétalas Por fim, precisaremos de um vermelho quente e eu escolhi o vermelho windsor para esse propósito Usaremos esse vermelho no centro das flores. Vamos começar com a flor menor no canto inferior esquerdo, usando um pincel tamanho quatro. Primeiro, pegue o amarelo Windsor profundamente e preencha as pétalas com essa Esse amarelo servirá como nossa base sobre a qual construiremos mais variações de cores. Com a lavagem amarela lisa no lugar, agora pegue a laranja transparente e aplique-a nas pétalas, começando pelo centro A ideia aqui é tornar o centro da flor laranja ou mais do que as outras partes da flor. Aplique as mesmas cores nas pétalas que são visíveis atrás das folhas acima Comece com a base amarela e adicione um pouco de laranja para criar profundidade e dimensão. Agora vamos passar para as flores maiores. O princípio principal continua o mesmo. Aplique primeiro uma camada de amarelo e depois adicione laranja às pétalas, concentrando-se principalmente no centro da flor, que eventualmente ficará mais escura Não se preocupe com pétalas individuais neste estágio. Nosso objetivo é encher as flores com amarelos e laranjas. Vamos nos concentrar em refinar pétalas individuais na próxima parte Então, por enquanto, aplique a tinta em toda a flor de uma só vez. Depois de pintar essa flor, vamos para outro lugar. Devemos evitar pintar a flor ao lado pois a cor mais clara pode fluir o laranja mais escuro da primeira flor e atrapalhar o efeito pretendido Voltaremos a esta flor mais tarde, quando estiver seca. Agora, nas próximas duas flores menores, não há nada particularmente novo aqui. Estou simplesmente pintando-os de amarelo e adicionando mais laranja perto das sépalas. Para as flores maiores, mudei para um pincel maior, tamanho dez Isso facilitará a cobertura de áreas maiores com mais rapidez. R. Depois de aplicar o amarelo na flor à esquerda, coloco a laranja no centro e na parte inferior É fundamental que o centro transmita a dimensionalidade da flor Agora vamos passar para a flor inferior direita e repetir o processo. Decidi brincar com os valores tonais aqui, que essa flor tenha um tom mais claro nas pétalas em comparação com as outras Por que não? Esta é uma pintura estilizada para que eu possa mudar qualquer coisa como nós Aplique também o amarelo básico nos três morcegos pequenos. Agora, vamos deixar tudo secar completamente. Depois de secas, podemos pintar as duas flores restantes. Vamos começar com a flor à esquerda. Não há nada de muito surpreendente aqui. Depois de aplicar o amarelo, vou colocar o laranja. Vou repetir o mesmo processo para a flor. Aqui está o resultado nesta fase. Temos uma base sólida para os elementos verde e laranja. Agora podemos adicionar alguns detalhes. 12. Flores - aprofundando as cores: Tudo bem, vamos nos concentrar em refinar as flores. Embora tenhamos uma base bonita, atualmente não há distinção entre pétalas individuais Nesta parte, passaremos um pouco mais de tempo em cada pétala para aprofundar suas cores e criar diferenciação entre elas. Nesta fase, podemos usar o molhado molhado ou o molhado sobre seco. Vou começar com molhado sobre molhado só para mostrar e depois vou mudar para molhado sobre seco e discutir os prós e os contras de ambos. Começando com molhado sobre molhado, aplique uma camada de água em uma das pétalas. Em seguida, pegue uma mistura de laranja e aplique-a perto do centro e ao longo das bordas das pétalas vizinhas para criar uma distinção entre Além disso, podemos adicionar vermelho windsor no centro da flor para criar um tom ainda mais escuro É importante observar que, para criar um tom mais escuro, estou usando uma cor análoga Nesse caso, como estamos pintando flores de laranjeira, estou usando uma cor análoga com uma faixa de valores tonais mais ampla, que é vermelho Windsor Essa abordagem me permite manter a vibração da cor e, ao mesmo tempo, obter um tom um pouco mais escuro Se o vermelho windsor não estiver escuro o suficiente, como acontecerá mais tarde, usarei outro método para criar uma cor de sombra, como adicionar uma cor complementar ou usar painéis cinza. Adicionar vermelho windsor ao centro da pétala cria vibração e o centro mais escuro dá profundidade Agora vou passar de uma pétala para outra, gastando um pouco mais de tempo para introduzir cuidadosamente esses tons de laranja e vermelho Estou pintando pétalas que não se tocam para evitar que a tinta úmida flua para as pétalas adjacentes Depois de pintar as pétalas que pude pintar, usarei um secador de cabelo para secá-las todas e continuar pintando O objetivo dessa etapa é adicionar mais profundidade às pétalas, criar separações distintas entre elas e intensificar A segunda camada deve aumentar a riqueza e a vibração das cores Em vez de aplicar um tom mais escuro apenas perto do centro, também podemos aplicá-lo em várias áreas das pétalas Um tom mais escuro indica uma sombra visível entre as pétalas ou um recuo na pétala ou um recuo Portanto, dependendo de onde aplicamos o tom, podemos alterar a forma da pétala Como não estamos usando nenhuma foto de referência, isso nos dá a liberdade de criar a impressão de uma flor da maneira que acharmos mais atraente Agora, vou mudar para um pincel menor, pois tem quatro, e pintar a torre no canto inferior esquerdo. Também farei a transição para o uso da técnica úmida sobre seca. Vamos carregar nosso pincel com um pouco de tinta laranja e aplicá-lo na pétala Tudo bem, chove e sangra o pincel e, com um pincel limpo, suavize suavemente as bordas da tinta aplicada Repita esse processo na segunda pétala. É importante observar que, com essa técnica, primeiro criamos bordas rígidas e, em seguida, temos a flexibilidade de decidir se devemos suavizar todas elas ou reter algumas para obter um efeito adicional Em contraste com a técnica úmida sobre úmida usada anteriormente, onde bordas duras são impossíveis de obter devido à dissolução da tinta na camada úmida Aqui temos mais controle sobre as bordas. Podemos optar por linhas nítidas ou suavizá-las para criar uma variedade de efeitos, como distinção adicional entre pétalas ou sombras mais fortes com Por exemplo, nesta panela, uso de linhas duras nos permite delinear as dobras das pétalas de Atingir esse nível de detalhe não seria viável com uma técnica úmida sobre úmida, na qual criar bordas tão definidas é mais desafiador ou simplesmente impossível Continue refinando as pétalas usando a mesma técnica, consultando minha pintura finalizada para orientação sobre como obter um resultado semelhante Imagine que não há veias nas pétalas. Tudo abaixo das veias é o resultado dessa fase de pintura Atenha-se às três cores amarelo Windsor profundo, laranja transparente e os ventos são vermelhos Use tons mais escuros, especialmente mais vermelhos no centro das flores para criar a impressão de profundidade e uma forma de trompete da Depois de concluir a segunda camada das flores, considere adicionar sombras e detalhes às sépalas para finalizá-las. Como não há muito o que fazer nas sépalas, você pode concluir a etapa com relativa rapidez Use um tom verde mais escuro para pintar as sombras nas sépalas, concentrando-se em criar uma distinção entre Imagine que a fonte de luz está vindo da esquerda, sombras devem cair no lado direito de cada sépala, deixando o lado esquerdo Mantenha-o simples e eficaz, evitando muitos detalhes e apenas sugerindo sombras com o tom verde mais escuro Com isso, essa etapa está completa. O próximo passo envolverá pintar as veias das pétalas e folhas Vamos passar para a próxima, onde abordaremos a pintura das veias nas pétalas. 13. Veias - flores: Nos dois segmentos finais do tutorial, nosso foco será pintar as veias das flores e folhas. Essa etapa é particularmente agradável, pois é relativamente simples e os detalhes adicionais darão mais personalidade à nossa pintura Para esta mesa, vou usar um pincel de design tamanho zero. Esse pincel é excepcionalmente fino. Essa ideia para um trabalho preciso. Embora pareça uma escova giratória, suas cerdas mais curtas oferecem ainda mais precisão No entanto, se você não tiver esse pincel, esse pincel em particular, não se preocupe, um pincel redondo comum com uma ponta fina fará o trabalho A chave é ter uma ferramenta que permita detalhes complexos. Vamos começar com uma tonalidade laranja e essa pequena pétala situada atrás da folha Essa área serve como um campo de testes perfeito para nossas linhas. Como você pode ver, as linhas criadas com esse pincel são muito finas. A direção dessas linhas é muito importante. Eles não apenas tornam as pétalas mais interessantes. Eles também nos mostram o formato das pétalas. Dependendo de como as pintamos, podemos fazer com que as pétalas pareçam diferentes Eles podem enrolar, dobrar e torcer. Neste ponto, precisamos usar um pouco mais de nossa imaginação. Gosto de imaginar como a pétala é curva e pintar as linhas como se estivesse pintando na superfície da pétala Linhas retas não são suficientes. Eles precisam se curvar um pouco, seguindo o formato das pétalas. Essas linhas ou veias nos ajudam a transformar uma pétala de aparência plana em uma forma fria de três D. Se eu precisar de um tom de vermelho mais escuro porque os ventos são vermelhos e não são escuros o suficiente, adicionarei um pouco de verde escuro O verde quando misturado com o vermelho produz um vermelho ou marrom mais suave É a cor perfeita para nós. Vou usar esse marrom avermelhado mais escuro para pintar as veias no centro das pétalas Essa cor mais escura também forma o centro da flor. Não precisamos pintar muitas veias. Apenas alguns espalhados aqui e ali resolverão o problema. Mas, neste caso, acho que ter veias nas pétalas e nas folhas criará um belo design geral Agora, não se apresse e pinte as veias todas as pétalas devagar e com cuidado Demonstrarei o passo em algumas pétalas, mas você pode acompanhar minha pintura finalizada se quiser replicar essas linhas Uma coisa importante a observar é que você não deve pintar as veias com muita espessura. Elas precisam ser muito finas para mostrar a natureza delicada dessas flores. Use um pincel com ponta afiada e tente pintar com apenas uma ponta ou use um pincel semelhante ao meu. Esse processo pode exigir algum foco no tempo, mas o resultado será uma bela pintura. Nesse estágio, você também pode adicionar algumas sombras, se necessário. Talvez você queira escurecer um pouco os centros das flores É um bom momento para fazer isso. É realmente incrível como essas linhas simples podem dar tanta vida a essas pétalas. R. É assim que minha pintura fica depois de adicionar as veias às pétalas. Agora podemos passar para a última etapa, que é pintar as veias das folhas. 14. Veias - folhas: Ok, agora chegamos à parte interessante, adicionando nervuras às folhas. Nossa pintura está quase pronta. Para esta parte, vou usar tinta acrílica branca. Essa é apenas uma opção. Normalmente, eu usaria guash branco, mas sei que muitos de vocês têm dificuldade encontrar a consistência certa com guash branco É por isso que quero mostrar essa tinta acrílica porque ela tem uma consistência perfeita diretamente da garrafa. A tinta acrílica é uma tinta acrílica, que é diluída até uma boa consistência fluida É leve, opaco, seca muito rapidamente. Ele não desaparece e funcionará muito bem para nosso propósito. Aqui, eu pintei duas folhas semelhantes para testar. Se você não estiver familiarizado com a tinta acrílica, sugiro testá-la antes de usá-la em sua pintura real. OK. Deixe-me mostrar como funciona. Você também pode experimentar com lápis brancos, mas, pela minha experiência, nenhum deles me deu o resultado que eu procurava porque não são intensos e opacos o suficiente para No entanto, você pode usar um lápis branco para marcar alguns lugares, se quiser. Por exemplo, você pode desenhar linhas levemente onde vai pintar as veias. Agora, vamos voltar à tinta acrílica. Eu tenho um pequeno prato aqui e vou usá-lo como minha paleta tinta acrílica vem em um frasco conta-gotas, por isso é muito fácil transferir uma pequena quantidade para a paleta Como você pode ver, a consistência já é fluida e perfeita para uso imediato. Ao contrário do guash, você não precisa se preocupar com a quantidade de água a ser usada No entanto, lembre-se de que a tinta acrílica seca muito rápido. Em algum momento, talvez precisemos adicionar um pouco de água para torná-la mais fluida novamente. Também podemos adicionar um pouco de tinta aquarela para mudar sua cor Funciona bem com aquarelas, mas, idealmente, seria ótimo ter várias cores de tinta acrílica para que possamos misturá-las e criar novas cores. Aqui eu adicionei um pouco de verde e, como você pode ver, podemos mudar um pouco a cor para verde. Obviamente, quando adicionamos tinta aquarela, a cor resultante sempre terá uma aparência pastel porque a tinta é branca Se você quiser obter cores fortes e vibrantes, basta usar outras cores de tinta acrílica. No entanto, para nossos propósitos, tinta branca é suficiente. Como você pode ver, essa tinta cobre muito bem. É muito opaco e sua consistência é muito boa de se trabalhar Eu mergulho meu pincel na água com mais frequência se a consistência ficar muito grossa ou a tinta começar a secar. Agora, vou passar para minha pintura. Pensei em adicionar um pouco de amarelo Windsor aqui no fundo e um pouco de verde para criar uma bela cor verde quente E podemos começar a pintar as veias aqui. Não estou vendo nenhuma foto de referência. Não é necessário. Eu só tenho que decidir onde as veias se encontram. A partir desse lugar, estou pintando as linhas até as bordas. As linhas ficam e. Eu acho que a cor puramente branca é muito brilhante para esfriar para isso É por isso que adicionei um pouco de verde e amarelo e uso branco puro com moderação Depois de algum tempo, você pode notar que há alguns pequenos aglomerados na sua paleta, e isso é apenas Agora, muito lentamente, construa a nervura em cada folha. Comece do centro e pinte as veias para fora. Não se apresse. Use um pincel de designer ou um pincel ou qualquer pincel que tenha uma ponta muito afiada. Minhas veias são muito proeminentes, muito visíveis e chamam a atenção. É exatamente assim que eu queria pintá-lo. Eu queria destacar essas veias porque acho que elas parecem muito interessantes. Essa é apenas minha ideia para esse design. No entanto, você não precisa me seguir. Se você acha que essas veias são muito proeminentes, convém diluir a tinta ou esguichar, dependendo do que você usa Muito mais para torná-lo muito mais transparente e pintar as veias que são muito menos visíveis. Você pode pintá-los mais finos, se quiser. Sinta-se à vontade para fazer o que quiser. É a sua pintura e eu só estou te mostrando uma ideia. Acho que essas veias parecem particularmente bonitas e adoro o forte contraste entre elas e a cor verde escura das folhas. Como essa tinta seca muito rápido, também podemos voltar a algumas áreas e reaplicar a tinta, se necessário Uma coisa que eu gosto de fazer é arredondar os ângulos nos centros. Quando pintamos algumas veias principais saindo do centro, essas linhas no centro criam ângulos nítidos. Eu gosto de arredondar esses ângulos. Isso é só um pequeno detalhe. Agora continue trabalhando em cada folha. Y. Você pode decidir se deseja adicionar nervuras às folhas mais claras no fundo Decidi adicionar veias muito leves e finas, mas deixei algumas silhuetas sem As folhas na parte de trás não precisam ter tantos detalhes quanto as folhas na frente. Com essas veias, podemos terminar a pintura. Agora você pode assiná-lo, removê-lo da placa de jacaré e orgulhosamente pendurá-lo na parede ou compartilhá-lo Parabéns por terminar este projeto. Na próxima parte, resumiremos o que aprendemos. 15. Resumo: Vamos resumir o que abordamos neste tutorial. As principais lições que aprendemos foram nos inspirar nas obras de Stanisva Vespinskis e de an Tanigam. Equilibrando pintura solta com detalhes precisos seguindo uma abordagem em camadas do fundo ao primeiro plano e abrangendo flores e abrangendo Preparando misturas de cores para folhas e flores. Preenchendo formas com tinta aquosa e incorporando textura e variação intencionais para um Usando técnicas úmidas e secas e úmidas sobre úmidas para controle e variação, trocando tamanhos de pincel para áreas detalhadas e maiores e usando um secador de cabelo para secar entre camadas, aplicar camadas de base em flores com foco no escurecimento central, separando pétalas com tons mais escuros e aprofundando as cores com a segunda camada e usando pincéis finos para pintura precisa flores com foco no escurecimento central, separando pétalas com tons mais escuros e aprofundando as cores com a segunda camada e usando pincéis finos das veias experimentando com tinta acrílica branca ou guash para as nervuras das folhas Muito obrigado por se juntar a mim nessa jornada criativa. Agradeço o tempo que você passou comigo. Eu encorajo você a experimentar esta pintura Foi agradável pintar e estou satisfeito com o resultado Se você já concluiu sua pintura, parabéns, muito bem. Espero que você esteja orgulhoso do seu resultado. Muito obrigado por assistir e feliz pintura de