Fundamentos da fotografia: três técnicas de narrativa subjetiva

1. Técnicas de cin 1 bem-vindo zDzw: Este é um curso introdutório para pessoas interessadas em se tornar diretores de fotografia. Oi, eu sou água pura , e estamos sempre fazendo meus primeiros filmes. Eu era meu próprio diretor de fotografia, editor e às vezes ator. Este sou eu em 2004 gravando primeiro curta-metragem independente com meus amigos. E aqui estou eu novamente no set do meu primeiro longa-metragem que foi produzido pela Comma Close. Agora estamos em 2022, e esse filme está estreando em festivais de cinema. Então, com o passar dos anos, aprendi que seu crescimento como cineasta será muito mais rápido se você acertar o básico. É por isso que criei uma série de cursos que ensinarão os fundamentos da cinematografia, um por um. Neste curso em particular, falaremos sobre o que significa contar a história pelos olhos de seu personagem principal. Agora, você sabe que seu público quer se engajar na jornada do seu personagem, certo? Eles querem votar nele, compartilhar suas vitórias e simpatizar com ele quando ele estiver deprimido. Você pode ajudá-los a ficar mais próximos do personagem com seu cinematógrafo. Nesta aula, mostrarei três técnicas que permitirão que seu público vivencie a história por meio de seu personagem principal. Para dar exemplos práticos, vou analisar cenas de dois dos meus filmes, ambos lindamente filmados por Nicolas via Guess. O primeiro deles, pessoas normais, foi premiado pela cinematografia diante das câmeras em cada Festival Internacional de Cinema. E a outra, a Mãe Terra, foi premiada pelo Festival Internacional de Cinema de Locarno. Estou muito orgulhoso desse prêmio, já que Sukarno é um dos dez festivais de cinema mais importantes do mundo. Então, acrescentamos, espero, ver você na aula. 2. A subjetividade é Rei: Obrigado por participar da minha aula. Lembre-se de que, a qualquer momento, você pode acelerar ou diminuir para menos do que o ritmo, se quiser. Eu costumo assistir palestras com velocidade de 1,5. No entanto, durante essas aulas, mostrarei exemplos, sementes. Se você optar por acelerar ou diminuir o ritmo da aula, lembre-se de voltar ao normal sempre que for lavar o exemplo desde então. Então, vamos começar o curso definindo quem é o diretor de fotografia. Mais diretor de fotografia ou diretor de fotografia, que às vezes é abreviado para DP ou DOP, é a pessoa responsável por fotografar ou gravar um filme, produção televisiva, videoclipe, ou outra peça de ação ao vivo. O diretor de fotografia é o chefe das equipes de câmera e luz e normalmente seria responsável por tomar decisões artísticas e técnicas relacionadas à imagem e por selecionar a câmera, o filme, estoque, lentes, filtros, etc. Este estudo e prática desse campo são chamados de cinematógrafo. Vamos usar o termo fotografia de cinema e videografia de forma intercambiável? Então, a videografia é simplesmente a produção de vídeo desde a concepção até o produto final. Geralmente em pequena escala, desde uma equipe de algumas pessoas até uma única pessoa que faz tudo, desde a gravação do vídeo até a edição. Nos últimos tempos, principalmente por causa dos avanços na tecnologia de captura e edição de vídeo, a linha entre cinematografia e videografia se confundiu. Muitos cinegrafistas começaram a se chamar cinema e vigas. Para mim, pessoalmente, é mais sobre a mentalidade do que com a tecnologia. Se o cara é proposital em sua abordagem de contar histórias visuais, não me importa que tipo de tecnologia ele esteja usando. Não importa se a filmagem é para a TV de cinema ou se foi feita para ser transmitida pela Internet. Então, ter o propósito de contar a história é o que separa os cinegrafistas dos diretores de fotografia. Agora, esse propósito ou intenção tem que vir de alguém que está supervisionando todos os outros departamentos. Essa pessoa é a diretora do filme. O diretor de fotografia é subordinado à tarefa do diretor de capturar uma cena acordo com a visão do diretor. Agora, as relações entre o diretor de fotografia e o diretor podem variar. Em alguns casos, o diretor permitirá ao diretor de fotografia uma independência completa, enquanto em outros, o diretor permitirá pouca ou nenhuma, chegando ao ponto de especificar exatos posicionamento da câmera e seleção de ligantes. Agora, o diretor normalmente transmite visualmente ao diretor de fotografia o que se deseja de uma cena e permite que o diretor de fotografia tenha alguma vantagem para alcançar esse efeito. Quando você está se preparando para filmar uma cena, a informação mais importante que um diretor de fotografia pode receber do diretor é quem é o personagem principal aqui. Essa decisão por si só afetará cada escolha que você fizer ao fotografar, sua câmera deve adotar um ponto de vista do herói principal. Isso é simples, mas existem muitos caminhos criativos pelos quais você pode abordar esse desafio. Neste breve curso, falaremos sobre os mais importantes. Agora, em muitos filmes, há apenas um protagonista e é bastante fácil descobrir quem é o ponto de vista que precisamos adaptar. No entanto, existem muitos filmes que existiram, a perspectiva pode mudar em cada cena. Esse tipo de filme é chamado de enredo orientado. Se você quiser saber mais sobre a diferença entre filmes baseados em personagens ou baseados em enredos. Você pode conferir este curso em que eu analiso a chegada, mas, por favor, faça isso depois. Você assistiu este até o fim. Então, o mais importante aqui é que você precisa pensar qual percepção a câmera vai imitar antes de filmar a cena. E se você não tiver certeza, você precisa perguntar ao diretor sobre isso. Ao longo dos anos, ouvi diferentes versões dessa pergunta, como: quem é o herói? Ou qual personagem é o mais importante na cena? Ou aí está o meu favorito. Do que trata a cena? É basicamente a mesma pergunta. E como eu disse antes, geralmente você terá um personagem principal que será o protagonista da história e a câmera seguirá sua percepção. Só para mostrar o que quero dizer, vamos assistir a uma cena do meu filme, pessoas normais é um dos curtas-metragens que fiz quando era estudante de filmes nacionais poloneses chamados Inward. É aquele que recebe o prêmio de cinematografia de comédia, muito, cito, um festival mundialmente famoso dedicado à celebração da cinematografia e ao reconhecimento dos cineastas. Fim da citação. Vamos assistir à primeira cena desse filme. Enquanto estiver assistindo à cena, pergunte a si mesmo Quem é o protagonista principal aqui? Local. Então você viu a cena, certo? Bastante óbvio. O prisioneiro é o herói, certo? Mesmo que você realmente não veja rosto dele claramente desde o início, você pode perceber que a câmera o está seguindo. Você pode dizer que vê o mundo com os olhos dele, certo? Todas essas são decisões que tivemos que tomar para que você adaptasse o ponto de vista dele. Agora, há muitas maneiras pelas quais você poderia ter alcançado esse efeito. Você realmente não precisa ter essa câmera em movimento ou pode mostrar o rosto dele desde o início. Na próxima palestra, discutiremos uma forma mais tradicional de apresentar o personagem principal. Nos vemos lá. 3. Introdução de personagem: Em uma palestra anterior, o personagem foi apresentado com um pouco de mistério e não mostrá-lo imediatamente é uma boa maneira de despertar a curiosidade e o público. Eu e meu diretor de fotografia queríamos apresentar esse personagem de acordo com suas circunstâncias. Mostramos ao primeiro que ele está em algum tipo de instituição correcional e depois o apresentamos adequadamente. Agora, você realmente não precisa fazer isso assim. Nesta palestra, vou mostrar a vocês que o começo de um filme diferente é a Mãe Terra. Neste, apresentamos nosso personagem principal de uma forma muito didática. Vamos assistir à primeira cena da Mãe Terra. Ponto, ponto, ponto, meu carrapato. Carrapato. Magia. Magic será uma armadilha. Agora, como você notou, o garoto é nosso principal herói. Começamos com nosso personagem presente no quadro quando ele acorda, ele está sozinho. Portanto, naturalmente o encontraremos no quadro e o consideraremos o mais importante. Quando ele se levanta, mesmo estando na sombra, sua presença ainda é muito forte na moldura. E quando ele se move em direção à janela, a câmera se move com ele. Essas são indicações muito claras que aqui está nosso herói principal, embora tenhamos apresentado isso bastante incomum: a foto da marca da mão em um copo e o garoto deixou a moldura. Ainda sentimos sua presença na proximidade da câmera. Em seguida, a cena termina com um garoto correndo pela janela, agora mostrando a marca desbotada da mão no vidro. Uma forma de destacar a conexão do garoto com a natureza, que é um dos principais temas do filme. Como eu disse antes, introduzimos esse tema, mas ainda não estávamos perdendo a atenção do garoto. Quando você estava vendo a marca na palma da mão desaparecendo em um copo, você podia ouvi-lo se arrumando e alarmando seu pai. E então a cena termina quando você o vê correndo pela janela. Então, mesmo que a câmera não veja o garoto, nós, o público, continuamos focados no herói principal. Eu diria que meu primeiro conselho é o foco, atenção do espectador no protagonista é começar a cena com ele e depois terminar a cena com ele também. Nessa cena, o garoto acordou sozinho no começo, e depois acaba quando o vemos correndo para fora. No filme anterior, pessoas normais. A cena começa com um personagem andando pela prisão e termina quando ele sai da sala de visitas. Então essa é a primeira técnica. Comece a cena com seu herói principal e termine a cena com ele também. No meio da cena, você tem algum tempo para se concentrar na percepção do personagem. Para realmente mostrar o mundo com seus olhos na Mãe Terra. Foi a mão no copo. Então, ao observar a marca de desvanecimento no vidro, estamos dentro da mente do garoto. Ele está alarmado porque está muito frio lá fora e quer salvar as árvores. Aprendemos os detalhes do que aconteceu na conversa com seu pai mais tarde no filme, que eles falharam em salvar as árvores do carvão. Depois dessa conversa, o primeiro ato está completo. Agora, você não precisa expor todas as informações para o público imediatamente ao contar a história visualmente, você está se comunicando com seu público. Mente inconsciente. Eles não precisam saber todos os fatos imediatamente. Quando começamos a história. O mais importante é dar ao público uma imagem clara de quem é o personagem mais importante. Na próxima palestra, falaremos sobre manter esse foco no personagem durante todo o período . Nos vemos lá. 4. Visualizando a percepção do seu personagem: Na cena anterior, fizemos uma pequena introdução apresentar a percepção do personagem para o público. Era a mão esmaecida no vidro. Seu trabalho como contador de histórias é manter o foco no herói principal por vários meios. Meu segundo conselho é imitar a percepção do personagem com a câmera. O exemplo da mão no copo é muito abstrato. Ideias como essa devem vir do próprio diretor ou do roteiro. Você realmente precisa saber exatamente qual é a história para inventar algo assim. Mas a percepção do personagem também pode ser expressa por luas mais simples. Vamos ver outra cena da Mãe Terra. Agora, eu sei que estou mostrando cenas sem contexto, mas neste curso estamos nos concentrando em expressar visualmente quem é o personagem principal e os contextos não realmente irrelevantes, pois contanto que você saiba quem é o herói principal do filme, que é o garoto. Então, vamos assistir à cena e servir aos outros. Mudando-se neles, os que estão doentes, minha mãe e os lotes confusos. Nós executamos. Deveríamos deixar você tocar uma vista na sua prateleira, legal. Essa meta, sua boca. Nós temos a conveniência disso. Foi a próxima vez que começamos a nos mover para o pagode de CJ. Você sempre pode enfiar o polegar, você não quer ir. Então, logo de cara, a primeira regra da narrativa subjetiva. Começamos a cena com um garoto no quadro. E então também terminamos a cena com o close-up quando ele está confuso sobre a ferida que ele tem no pescoço. Essa é uma forte indicação de que ele é o herói principal. Mas no meio da cena. Há outra forma de expressar sua percepção. Começamos a cena pensando que ele está sozinho na sala. Nós, membros da platéia notamos o pai no mesmo momento em que o menino. É outra forma de expressar que a câmera está seguindo a percepção dos meninos. Então, este é meu segundo conselho de contar a história do personagem principal. Sempre siga a percepção dele. Se ele notar alguma coisa, observe isso por dentro. Agora, apenas como um exercício criativo, vamos imaginar essa cena da perspectiva do Pai como se ele fosse o herói principal. Então, talvez vamos começar no quarto dele. Ele está lá. Ele não conseguia dormir porque estava esperando o filho voltar. E ele finalmente vai para o quarto do filho e se senta. A casa ainda está quieta. E então damos um pequeno salto no tempo e ele está quase dormindo na cadeira quando ouve algo e é o filho dele entrando pela janela, o sol não o nota em tudo e começa e se veste. E ele finalmente quebra o silêncio e pede para ouvir as árvores. Seria uma cena completamente diferente, uma história completamente diferente. Então, espero que você possa ver que a perspectiva da câmera é muito importante e uma decisão como essa pode mudar todo o filme. Agora, na próxima palestra, falaremos sobre sua criatividade em buscar a percepção do personagem. Que perguntas fazer ao seu diretor para ter todo tipo de ideias interessantes. Nos vemos lá. 5. Seja subjetivo - não seja exato: Você precisa ser criativo ao procurar maneiras de expressar o ponto de vista do seu personagem. Sua câmera está mostrando ao público como ele vê o mundo. Você tem várias maneiras de expressá-lo usando a composição, o movimento da câmera, a cor e a luz. Eu tenho uma aula que se concentra em procurar o estilo do seu filme que você possa assistir. Depois disso, é chamada de arte de contar histórias visuais. Ele se concentra nas ferramentas que você tem disponíveis para expressar o ponto de vista dele. No entanto, o mais importante é saber a intenção subjacente que sua câmera deve descobrir no mar. Dessa forma, você sabe como usar essas ferramentas. Por exemplo, você pode expressar exatamente o significado oposto ao que a ação no script sugere. Vamos assistir outra cena da Mãe Terra. É uma celebração. O sol finalmente satisfez com sucesso a ambição de seu pai. Pela primeira vez. Ele o ajudou nos negócios da família. Então, vamos assistir à celebração e tentar adivinhar qual é a história que a câmera está estilizando. Então você viu a cena e vê claramente que, embora os meninos pareçam ser IP, ele está sofrendo por dentro. E essa era a intenção por trás filmar assim. Como você viu, eu e meu DOP, Nicolas, via convidado, decidimos colocar a câmera do lado de fora, que foi uma grande mudança que mudou tudo. Como estávamos lá fora, pudemos sentir a chuva, que nos ajudou a melhorar o clima. Além disso, porque estávamos fora, não ouvimos o diálogo que, nesse caso, seria confuso e abstrato ou o que queríamos mostrar. E, finalmente, temos o movimento da câmera que segue o pai quando ele vai dormir e depois volta para a criança quando ela está sozinha na cozinha. Em seguida, cortamos as cicatrizes nos braços da criança e começamos a sequência da culminação: filmar a cena dessa forma nos mostrou que o garoto não está realmente feliz com o que acabou de fazer. Como diretor, eu poderia ter usado muitos métodos diferentes para mostrar isso. Poderíamos ter a câmera lá dentro e dizer ao ator que estava interpretando o garoto para fazer uma pausa por um momento. Então, vemos que algo está errado. Seria expresso em actina. Essa seria a forma genérica de mostrar a emoção do personagem. Seria um filme diferente. Eu e meu DOP decidimos fazer dessa maneira. Acho que é mais inventivo. Afinal, o cinema é uma arte visual. Toda vez que consigo expressar uma emoção sem agir. Eu tentei aproveitar essas oportunidades. Em última análise, acho que esse é o fator que determina o tamanho do seu filme, se seu filme é uma peça de cinema ou não. Então, para resumir, eu diria que meu terceiro conselho é ser inventivo ao expressar o ponto de vista do personagem. Portanto, a diferença entre o cinegrafista e diretor de fotografia se resume ao processo de pensamento. Se você usar essas três técnicas, poderá sair da caixa. Se você puder. Primeiro, identifique o personagem e comece a cena com ele e termine a cena com ele também. Se você puder, fique com isso, com a percepção dele. E número três, identifique a intenção subjacente da cena e mostre-a de forma criativa. Então você é um verdadeiro contador de histórias. Eu também tesoureiro na pré-produção e no início. 6. Projeto do curso: Para seu projeto de classe, quero que você encontre a primeira cena do filme que você gosta no YouTube. Hoje em dia, é fácil de encontrar. Cenas dos filmes não são um problema. Basta digitar a primeira cena do filme , inserir o título e você a encontrará. Então. Imagine a mesma cena da perspectiva de um personagem diferente. Personagem. Então, seu trabalho é mudar o herói principal. Como seu projeto. Eu quero que você escreva, como seria isso? Se você sabe como escrever o formato de roteiro , ótimo, você pode escrevê-lo como um roteiro. Se você não sabe escrever roteiros, pode escrevê-lo como se fosse um romance. Então, como exemplo, vamos usar a primeira cena do meu filme, Mãe Terra. Obviamente, seria a perspectiva do pai. Então, digamos que ele acordou com filho gritando que a temperatura está abaixo de zero. Ele segue o filho para fora, não porque se preocupa com o Old Orchard, mas para lhe dar o código que ele não fique doente, e assim por diante. Então você realmente pode deixar sua imaginação correr solta aqui. Porque o objetivo do exercício é usar duas das técnicas que falei sobre mim. Para começar com o herói, de ponta a ponta com o herói. E a outra era manter a percepção dos eventos desse herói. A terceira técnica não é realmente obrigatória. Nem sempre que você consegue descobrir uma metáfora visual impressionante, algumas cenas precisam ser contadas de uma forma básica. E isso é totalmente bom. Se você conseguir encontrar uma metáfora visual convincente em algumas cenas na totalidade do seu filme. É o suficiente para dar a ele uma, você sabe, sua assinatura pessoal. Então, descreva a cena e anexe o link para a cena no YouTube para que outras pessoas também possam assisti-la. Eu darei feedback para cada cena que será publicada. E se você ainda não tiver certeza, também publicarei meu próprio projeto. Então você sabe o que fazer. 7. Boa sorte! : Obrigado por participar da minha aula. Espero que tenha sido inspirador. Agora, considere fazer uma revisão do curso. Percebi que um em cada 60 alunos classifica o curso e menos ainda de vocês publica os projetos. Por favor, seja quem se esforça e revise o curso. Isso me mantém motivado a criar mais aulas. Especialmente porque existem muitas nuances nas técnicas sobre as quais falei nesta aula. Por exemplo, é mais fácil identificar quem é o herói principal se você estiver obedecendo à regra dos 180 graus, é uma regra que é basicamente uma diretriz sobre a relação espacial na tela entre os personagens. Essa regra ajuda você a criar um espaço confiável na cena. Então, se você está tendo dificuldades com alguma coisa ou tem outras ideias para os cursos, é só me avisar. Agora, a melhor maneira de conferir meus cursos é meu site. Eu encorajo você a dar uma olhada , pois estou em plataformas diferentes e este site está sempre atualizado. Agora, meus cursos são totalmente modulares, o que significa que você pode assisti-los separadamente na ordem que quiser. Mas se você quiser ver o pedido sugerido, também pode encontrá-lo no meu site. Muito obrigado por participar da minha aula e até breve. Tchau tchau.