Fundamentos da fotografia: a arte da narrativa visual

1. Boas-vindas: Este é um curso introdutório para pessoas interessadas em se tornar diretores de fotografia. Eu vou te mostrar como você pode usar as ferramentas básicas da cinematografia para contar a história. Oi, eu sou Fields with the lixo. Sou diretor de cinema e roteirista com 18 anos de experiência. No momento dessa gravação, meu longa-metragem está estreando em festivais de cinema. Hoje em dia, eu gosto de trabalhar com profissionais, mas quando eu estava começando, eu era meu próprio diretor de fotografia, focado pobre e, às vezes, até ator. Com o passar dos anos, aprendi que você pode acelerar seu crescimento como cineasta se você acertar o básico. É por isso que criei esta série de cursos que ensinarão os fundamentos da cinematografia, um por um. Neste curso específico, falaremos sobre as ferramentas da cinematografia, como luz, composição, movimento da câmera e cor. Agora, pode parecer muito básico, mas a maneira como você as usa ferramentas distingue se você é um diretor de fotografia ou apenas uma câmera. Não que haja algo errado em ser cinegrafista. Mas deixe-me dizer uma coisa: quando estou procurando um DOP para meu novo filme, a primeira coisa que me interessa quando estou procurando um DOP para meu novo filme, é se ele está interessado em contar a história ou é apenas um cara que gosta de ser bonita fotos. Porque eu acho que a história deve sempre vir em primeiro lugar. E ter o objetivo de impactar seu público faz de você um diretor de fotografia, um verdadeiro contador de histórias visuais. Neste curso, quero falar sobre os principais tópicos que geralmente discuto com meu DOP quando estamos nos preparando para filmar o filme, esses quatro elementos, composições, movimento da câmera, cor e luz determinaram o estilo visual do seu filme. Como sempre, haverá exemplos de meus filmes premiados que foram lindamente filmados por Nicholas Vegas. Mas neste curso, também vou apresentar outros exemplos do cinema convencional. Então, sim, espero ver você em uma aula. 2. A arte de atenção suja: Obrigado por participar da minha aula. Agora, a cinematografia é uma arte e uma arte de direcionar a atenção. Ser um bom diretor de fotografia é ser bom em mostrar ao público o que é importante. Principalmente, é fotografar performances de atores. Mas você não é só o olhar do público e guiá-lo pela história. Você os está levando para lugares onde nunca estiveram. Você os está apresentando a pessoas que eles nunca conheceram. Você os está convidando para fazer uma viagem com você. E é você quem vai estilizar essa jornada. Você é quem vai decidir. Será uma energia com muito movimento e desviando a atenção de uma coisa para outra. Ou talvez seja muito concentrado. Concentre-se onde você colocará a câmera em um tripé e observe será uma viagem escura pela noite ou será uma tarefa funcional? O roteiro determinará algumas dessas decisões. Mas você, como DOP, tem autonomia sobre como será a aparência, como estilizará seu filme. Neste curso, falaremos sobre as ferramentas que você pode usar como cinegrafista para contar a história. Primeiro, digamos que cada história é diferente. Cada roteiro exigirá ser contado de uma maneira ligeiramente diferente. Mesmo que você tenha suas próprias preferências. Dois dos meus filmes que filmei como diplomas na Escola Nacional de Cinema da Polônia são completamente diferentes em termos de estilo visual. O primeiro filme, pessoas normais, a câmera é vibrante. Participante da história. No segundo filme, Mãe Terra, a câmera é quase indiferente às lutas do personagem principal. Como diretora, tive meus motivos para escolher a forma como essas histórias eram contadas visualmente. Em minhas discussões com o diretor de fotografia, declarei minhas intenções, mas a execução dessas intenções foi meu trabalho no DOPS. Ambos os filmes foram filmados por Nicolas via guess. Ele foi o responsável por tomar a maioria das decisões sobre como a câmera retratará a ação. Neste curso, quero falar sobre os principais tópicos que costumo discutir com meu DOP quando estamos nos preparando para rodar um filme, esses quatro elementos que determinarão o estilo visual do seu filme. Agora, minha recomendação é tomar todas as decisões sobre composição, luz, movimento da câmera e cor antes de fotografar sua foto. E depois cumpra com isso. Quando estará no set. Limite sua criatividade aos limites do estilo que você estabeleceu anteriormente. 3. Composição: Então, a primeira é a composição. Como você provavelmente sabe, a maneira mais genérica de filmar uma cena é fazer uma foto definitiva e depois adicionar closeups. Quando você está fazendo isso assim, é importante seguir a regra dos 180 graus. Essa regra é uma diretriz básica sobre a relação espacial na tela entre personagens em uma cena. Você pode ter visto meu outro curso sobre a regra dos 180 graus na cinematografia. Se você ainda não viu, eu encorajo você a dar uma olhada depois de assistir isso. De qualquer forma. A maioria das cenas do meu filme, Mãe Terra, são filmadas assim. Não há nada de errado em as regras, no entanto, é sempre bem-vindo se você quiser deixar sua marca pessoal em uma composição incomum. Agora, existem muitas regras de composição, como regra dos terços ou regra das probabilidades, trabalhar com uma profundidade de campo ou usar linhas diagonais para concentrar a atenção. Você pode usar composições abertas ou mais comuns, as mais próximas. Hum, você pode fazer muitas coisas interessantes com a composição. Não vou listar todos eles como um tópico para um curso diferente. Mas deixe-me mostrar uma cena da Mãe Terra em que usamos nossa imaginação e fizemos uma composição incomum será uma das cenas de abertura em que o menino se machuca e o pai está vai consertar sua ferida. O objetivo da cena é mostrar que, embora o pai esteja ao lado do filho e tente ajudá-lo, o menino precisa de mais calor emocional e gentileza e que basicamente não está entendendo. Agora, uma forma genérica de filmar essa cena seria seguir a regra de 180 graus e fazer uma cena definitiva que vemos dois deles sentados um na frente do outro. Também para close-ups de atores. E talvez um resumo da atividade de remendar a varinha. É como nos ângulos de câmera no total. Agora. Agora vamos ver o que descobrimos. Então, como você pode ver, fizemos a coisa toda com apenas uma chance. Lembro-me de nosso processo de pensamento quando estávamos nos preparando para isso. Veja, eu disse ao meu DOP que essa cena é sobre ser rejeitado emocionalmente. Nós o misturamos durante os ensaios com os atores. A propósito, ter seu diretor de fotografia presente nos ensaios é ótimo. Conseguimos combinar todos os aspectos dessa cena em um único quadro. Quando você sabe do que se trata a cena, você pode tentar capturá-la de uma forma que coloque o tema da cena em primeiro plano. Você tem que ser ousado e decisivo com sua criatividade. Quando você pode especificar o propósito da cena, pode usar com confiança todo tipo de ideias malucas. Agora, esse tipo de foto se torna sua assinatura em todo o filme. 4. luz: Agora vamos falar sobre a luz, que é outra ferramenta muito poderosa em seu arsenal. A luz é mais comumente usada para criar humor. fez com que Malik chegou a filmar todo o filme na hora mágica, que é uma hora do dia logo após o pôr do sol, e pouco antes do nascer do sol, está produzindo cores quentes de dourado, rosa e azul é considerado muito fotogênico. A função de luz em seu filme pode ser reduzida a bonita, mas você pode usar a luz como uma ferramenta para contar sua história. Vamos assistir a outra cena da Mãe Terra, que um pai encontra uma ferida em seus filhos e faz servir aos outros. Então , , e acabe com aqueles que estão doentes. Meus modelos mentais se reúnem. Deveríamos fazer Mason, você toca uma vista na prateleira, legal. Filme na sua boca. Nós temos a conveniência disso. Foram eles ontem que tropeçamos em nós. Costumava ser o pagode de CJ. Então você sempre pode enfiar o polegar, você não quer ir. Agora, toda a cena está escura e você mal consegue ver que as figuras são pai e filho. O único elemento que você pode ver claramente é a ferida quando o pai coloca uma lâmpada nela. Isso foi feito de propósito para concentrar a atenção do público na ferida. Nesse ponto da história, precisávamos mostrar o formato das feridas e que o garoto não sabia que estava ferido ao iluminar a cena. Dessa forma, conseguimos mostrar às auxinas que essa é importante. Agora, eles vão se lembrar disso, o que valerá a pena mais tarde na história. Gosto da luz de operação porque ela me deixa colar. O que não é importante nesse momento específico do filme? 5. Movimento da câmera: Agora, vamos falar sobre o movimento da câmera simplesmente decidindo se você quer uma câmera que seja reativa ao seu herói principal, você pode introduzir muita empatia pelos protagonistas. Se você tem um protagonista que não é realmente simpático, você pode ajudá-lo com o movimento da câmera. Em pessoas normais. O personagem principal, Daniel, é um criminoso violento que está tentando mudar sua vida depois de sair da prisão, já que não é um personagem muito empático de imediato, decidimos ir com a câmera, que está muito perto dele, às vezes até fisicamente perto. O movimento da câmera é muito responsivo em relação ao personagem. Sinto que estar tão perto do personagem ajuda a adotar seu ponto de vista. Por outro lado, se você sabe que o personagem é muito empático de qualquer maneira, como um jovem vulnerável que quer salvar um antigo organograma, que é a única coisa que sua falecida mãe deixou para ele. Você não precisa se preocupar se seu público vai gostar de seu personagem o suficiente para torcer por ele. Você pode ter uma câmera muito estática e lavar a situação à distância. Dessa forma, você pode criar fotos mais simbólicas e esteticamente atraentes. Essa abordagem fará com que o público busque um significado mais profundo da história. Novamente, tudo depende da história. Além disso, você também pode considerar a duração de cada foto. Dentro. A configuração tradicional da câmera levará alguns segundos para cada foto. Mas você pode seguir em frente e planejar, visto como uma foto principal, o que significa que você vai filmar a cena inteira em uma tomada ininterrupta. Steven Spielberg é conhecido por sua chamada Terra Única. Como você pode imaginar, é difícil fazer fotos master em termos de produção. Você precisa ter muito tempo no set para fazer um gráfico correto. Às vezes, vale a pena. Eu sempre digo aos meus alunos que você precisa ter um bom motivo para fazer uma cena de uma só vez. Essa é uma cena do meu longa-metragem, Faith Break. Vamos assistir. Decidi fazer essa cena em uma foto principal porque queria apresentar ao público o mundo desse jovem. O público já o conheceu antes como bêbado e ladrão. Então, nessa cena, nosso objetivo era mostrá-lo de uma forma mais positiva. Como organizadora dessa festa da equipe, decidi filmá-la como uma maravilha para mergulhar o público na festa. E então ele percebe uma linda garota e a corta. Então aí está. movimento da câmera é a terceira das principais ferramentas cinematográficas. 6. Cor: Vamos falar sobre a quarta ferramenta, que é a cor. Parece muito básico, mas se você pensar bem, também é algo que pode ajudá-lo a contar a história. Todos nós temos nossas preferências sobre cores. Todos nós temos nossa cor favorita. Como diretor de fotografia, você não pode ter uma preferência. A história, uma vez que você escolhe a paleta que se encaixa. Então, da mesma forma que uma cor clara geralmente é usada para criar um clima. Associamos cores vibrantes com otimismo e cores dessaturadas e desbotadas. Ou vemos como a prensagem. Eu encorajo você a pensar em como a cor pode ajudá-lo a contar a história. Você pode usar cores para focar a atenção do público em alguma coisa. O exemplo mais marcante disso é uma garota de casaco vermelho. Na lista de Schindler. O filme inteiro é preto e branco. Foi estilizado para lembrar o cinema dos anos quarenta e cinquenta. Em algumas cenas do filme, você vê uma garota com um casaco vermelho. É um pequeno motivo leve que continua voltando. E isso culmina quando o protagonista vê isso ler o código em um cadáver é um sinal claro de que ele sente remorso. Então, sem a cor vermelha, isso seria apenas mais um cadáver na pilha. Mas quando reconhecemos o casaco vermelho, imediatamente nos lembramos da pessoa que o estava usando na cena anterior. Esse corpo em uma pilha não é mais anônimo. É a morte trágica de uma criança. Agora, é sutil? Não. Mas isso funciona? Sim, é verdade. Agora, você pode ser mais sutil com a cor. Pedro Almodôvar é conhecido por usar a cor para focar a atenção dos espectadores em seus personagens. Ele geralmente iluminava tudo no set e fazia os atores usarem roupas cores vibrantes ou contrastantes. Outra coisa é que você pode usar a cor para separar diferentes tramas em seu filme. Stephen Sada, de Eric, fez isso no trânsito. Este filme tem vários enredos e cada trama tem sua própria cor dominante. Você também pode usar cores para marcar determinados locais e ambientes na matriz. Sempre que estávamos na matriz, tudo tinha esse tom esverdeado. O mundo real era azulado dessa forma. Como membro do público, você pode assistir a longas cenas em que há idas e vindas entre essas duas realidades e você nunca se perde. E, finalmente, há também um valor simbólico da cor, algo que é completamente diferente em termos de utilização da cor. Contar a história são as situações em que você cria a associação de certos elementos da história com uma cor específica, por exemplo, no filme, o azul é a cor mais quente. A cor azul simboliza o amor. É contra uma associação comum que as pessoas têm com a cor azul. Na verdade, o azul é a cor mais fria. Mas nessa história em particular, os cineastas associaram essa palavra amor. Agora, enquanto você assiste, você pode não perceber isso, mas seu cérebro processa os sinais ao longo do tempo. Isso afeta sua mente inconsciente. A forma como funciona é a seguinte. Depois de ver cenas em que a personagem principal, Adele, está apaixonada e ver muita cor azul ao redor dela, seu cérebro associará o azul a estar apaixonado. Dessa forma, você está inconscientemente associando essa cor a um sentimento específico. Você pode simplesmente sentir isso sem entender. Portanto, essas quatro ferramentas, composição, câmera, movimento, luz e cor, são as ferramentas mais importantes que você tem à sua disposição como cinegrafista Você deve trabalhar para incorporá-las ao seu filmes. cinematografia ou videografia consiste essencialmente trabalhar com a mente inconsciente para contar a história. Quero enfatizar que, durante seus preparativos, você deve dedicar um tempo para tomar todas essas decisões sobre o estilo de sua história e depois cumpri-la no set. Você deve estabelecer o estilo visual do seu filme antes de começar a filmá-lo. Obviamente, fazer um filme é um processo criativo e você pode mudar algumas coisas, mas é melhor começar a filmar com uma visão clara do que você deseja criar e depois passar o início da hora de tentar melhorá-lo. 7. Projeto do curso: Para seu projeto de classe. Primeiro, quero que você escolha um C. Pode ser visto no seu filme, mas também pode ser uma recriação de uma cena do filme que você gosta. Em seguida, faça um storyboard fotográfico do mar. Um storyboard fotográfico é uma série de imagens que imitam a aparência das fotos . Você deve fazer uma foto para cada ângulo da câmera. Você viu os gráficos que eu mostrei nas aulas. Então você sabe como fazer isso em termos de qualidade de produção , equipamento, atores, depende totalmente de você. A qualidade real de sua produção depende unicamente de suas ideias e do seu foco em contar a história. Você pode usar qualquer equipamento. Você pode usar a câmera do seu telefone, se isso for tudo o que você tem. Em termos de apresentações, você pode pedir que sua família ou amigos posem para você. Torne isso divertido. E agora, o mais importante é fazer com que os grandes professores usem uma ou mais ferramentas que falei neste curso para transmitir o tema principal da cena. Isso é o mais importante. Tente ser criativo e realmente saia da caixa. Para mim, é sempre divertido explorar novas formas de expressar a história. Como sempre, enviarei meu próprio projeto para a galeria do projeto. Então você sabe exatamente o que deve fazer. Não deixe de publicar seu projeto. Eu darei feedback para cada um. Boa sorte. 8. Boa sorte! : Obrigado por participar da minha aula. Espero ter feito você olhar para o cinema sob uma nova luz. Se você aprendeu algo valioso, considere fazer uma revisão do curso e publicar seus projetos. Percebi que a maioria dos estudantes que assistem às minhas aulas não faz isso. Por favor, seja aquele que faz o esforço. Assim, outros poderiam se beneficiar de sua avaliação. Além disso, ler suas avaliações me mantém motivado. Ensinar on-line não traz muito dinheiro. Nada comparado a roteirizar e dirigir, que é meu trabalho principal. Então, se você quiser que eu continue ganhando mais, avise-me enviando uma avaliação positiva, especialmente se eu considero este curso como uma introdução. Há muitas nuances nos princípios que falei, por exemplo, luz pode ser usada para criar um clima na cena. Mas e se a luz contar uma história completamente diferente dos diálogos? E se a cinematografia for o contraponto ao que os atores estão fazendo? Se você estiver interessado, eu adoraria fazer mais cursos com uma análise completa. Apenas me avise se você está interessado. Agora, a melhor maneira de conferir meus cursos é meu site. Você pode descobrir aqui como esse curso se encaixa em minhas outras aulas. Eu encorajo você a dar uma olhada, já que estou em todos os tipos de plataformas diferentes e esse lado está sempre atualizado. Era mais. Muito obrigado por participar da minha aula e espero ver você em breve. Tchau