Fotografia de música ao vivo 101: fotografia e edição de fotos de gig

1. Apresentação: Bem-vindo à fotografia de música ao vivo 101. Este curso é o básico da fotografia de música ao vivo, quer você seja um fotógrafo quer se tornar profissional ou um frequentador casual de shows que quer ficar um pouco melhor em tirar fotos em shows ao vivo. Vamos ver todas as coisas que eu gostaria de ter explicado para mim no início da minha carreira, desde filmar em locais com pouca luz até como contabilizar fotos interessantes. Minhas melhores dicas para pré-produção e, claro , o que levar na sua bolsa fotográfica. Meu nome é Sophia Carey e sou fotógrafa especializada em fotografia de música ao vivo. Comecei minha carreira fotografando pequenos locais e shows na minha região, principalmente nos gêneros grime e hip hop. Antes de começar a capturar a cena musical ao vivo no Reino Unido, bem como alguns dos maiores festivais do Reino Unido. Eu trabalhei em uma variedade de locais, desde pequenos clubes até grandes locais de festivais ao ar livre. Vou seguir as melhores dicas que aprendi em quase uma década trabalhando nesse setor. Este curso será dividido em três seções: pré-produção, o processo de filmagem em si e depois a pós-produção, para que possamos cobrir tudo, desde antes do evento, durante o evento e depois do evento, até o processo de seleção, edição e entrega. Ao final deste curso, você deve se sentir confortável para participar qualquer evento de música ao vivo e capturar os momentos que estão se desenrolando à sua frente. Não vou dizer muito mais. Vamos começar a sonhar com a próxima lição, na qual discutiremos os projetos da aula. 2. Projeto do curso: Obrigado por escolher se juntar a mim nesta aula, sobre fotografia de música ao vivo. Durante a aula, abordaremos todos os elementos do processo de fotografia de música ao vivo, desde a pré-produção até a pós-produção. Para os projetos da aula, eu gostaria que você fosse a um show, seja na sua área local ou em algo um pouco maior, e tirasse três fotos: uma que se concentre na multidão, outra que se concentre na produção e outra que se concentre no artista. Quando se trata de produção, isso pode ser qualquer coisa, desde cenografia até iluminação, mas abordaremos isso com mais detalhes posteriormente na aula. Você pode tirar essas três fotos com a mais nova câmera sem espelho, ou pode tirá-las em um iPhone ou telefone similar. O que você usa para tirar as fotos reais não importa. Durante todo esse processo, exploraremos como você pode usar uma variedade de equipamentos diferentes para capturar fotografias de música ao vivo. Esta aula deve lhe dar uma ótima ideia de como acertar essas três fotos. Vamos direto ao assunto e começar com a pré-produção. 3. Introdução à pré-produção: pré-produção é a primeira etapa natural de qualquer processo fotográfico. Refere-se a todo o trabalho que você faz antes do evento ou à filmagem em si que ajuda o processo a ocorrer da forma mais tranquila possível. A preparação, como em qualquer sessão de fotos, é muito importante devido à natureza imprevisível da fotografia, especialmente quando se trata de eventos. Se você puder se preparar o máximo possível para as coisas que você pode controlar, as coisas que você não pode controlar serão um pouco mais fáceis de lidar. Nesta seção da aula, veremos como você pode garantir seu passe de imprensa, seu passe fotográfico, que permite que você entre no local. Também falaremos sobre o acesso ao local, o que isso significa, por que você pode estar dentro do local. Em seguida, passaremos a entender sua lista restrita e sua agenda. Acho que, em última análise, o processo de pré-produção é o aspecto mais importante de qualquer processo fotográfico. Se você acertar na pré-produção, todo o resto retardará sua implementação. Na próxima sessão, começaremos com o processo de pré-produção e exploraremos como obter seu passe fotográfico e obter acesso às filmagens dentro do local. 4. Obter seu Photo Pass: Antes de nos aprofundarmos em todos os detalhes do processo de pré-produção, é importante entender quando você pode e quando não pode levar uma câmera profissional para um local. Para aqueles que estão fotografando no celular ou em um pequeno bolso, isso geralmente não será um problema. Mas alguns locais, especialmente locais maiores, não permitem que você traga DSLRs, câmeras sem espelho ou qualquer tipo de câmera com aparência profissional. Normalmente, a regra é que, se tiver uma lente removível ou intercambiável, você não poderá trazê-la. Dito isso, alguns locais pequenos não têm essa regra e você pode trazer sua câmera, mas é importante verificar com antecedência. Normalmente, os lugares o têm em seus sites. Eles têm tudo detalhado sobre se você pode ou não levar uma câmera para um local. Em caso de dúvida, você sempre pode entrar em contato e perguntar a eles. Para ter acesso esses locais maiores com sua câmera, você precisa obter o que chamamos passe fotográfico ou passe de imprensa, que é essencialmente um credenciamento que permite que a segurança e a equipe saibam que você pode trazer uma câmera. Quando se trata de obter seu passe fotográfico, há três maneiras pelas quais os fotógrafos normalmente obtêm acesso. Seja fotografando para uma publicação, seja uma revista ou um blog on-line, fotografando diretamente para os artistas. Você pode ser contratado pelos próprios artistas, gerência ou pela gravadora. Ou, em terceiro lugar, fotografar para o promotor ou para o próprio local. Muitas vezes, é mais fácil obter acesso por meio de publicações, é assim que a maioria dos fotógrafos obteria seus passes de imprensa. Mas é claro que você pode tentar entrar contato com qualquer um dos três, sejam publicações, artistas ou locais. Apenas certifique-se de incluir seu portfólio ou link para seu portfólio on-line em seu e-mail. Depois de garantir seu passe fotográfico, que deve ser confirmado por meio de algum tipo de comunicação por escrito, é hora de aguardar o dia do evento. A menos que você tenha sido convidado a chegar em um horário específico, se estiver filmando o show inteiro, pode ser uma boa ideia chegar na mesma hora em que as portas se abrem. Se é um artista que você está fotografando em particular, então talvez 20 minutos, meia hora antes desse artista subir ao palco. Ao chegar ao local, você precisará solicitar o credenciamento de entrada. Normalmente, a segurança é muito útil para direcioná-lo para qualquer porta ou entrada que você precise acessar. Quando você estiver na entrada, a segurança basicamente compararia seu nome em uma lista e verificaria se seu nome está lá, fornecendo o passe correto que lhe dará acesso a qualquer lugar onde você possa estar como fotógrafo. Depois de receber seu passe, se você não tiver certeza de onde pode ir , pergunte à segurança e eles poderão apontar a direção certa e informar onde você pode acessar e onde não. Para garantir seu passe, é hora de entrar no local e ir em direção ao palco onde você vai filmar. Junte-se a mim na próxima aula, onde falaremos sobre tudo sobre o local. 5. Explorando o local: Nesta lição, falaremos sobre tudo o que você precisa saber sobre um local, começando pelo acesso ao local. Conforme mencionado na última lição, entender qual acesso você terá dentro do local é muito importante. É importante que você saiba onde você vai estar, onde você pode estar e possa planejar suas fotos adequadamente. Isso ajudará a informar muitas de suas decisões no processo de pré-produção, como escolher suas lentes ou qual equipamento você trará. Você deve poder perguntar a quem o contratou onde você terá acesso no dia. Conforme mencionado na última lição, se quem contratou você não souber , você sempre pode perguntar à segurança no dia do evento. Normalmente, você terá mais acesso se estiver fotografando para o local ou para um artista do que se estivesse fotografando para publicação. Os diferentes tipos de acesso que você deseja conhecer são o acesso ao palco, onde você poderá subir ao palco com o artista, o acesso aos boxes, onde você será posicionado em uma área que geralmente fica diretamente entre a multidão e o palco. Frente da casa, que geralmente fica na parte de trás do local e oferece uma visão da multidão e do palco. Dependendo do local, pode haver outras áreas e pontos de vista menos comuns aos quais você tenha acesso. Mas esses três costumam ser os mais típicos. Muitos locais só permitem que você grave para as três primeiras músicas, especialmente se você estiver gravando para nossa publicação e estiver no poço. Isso significa que você precisará tirar todas as fotos dentro das três primeiras músicas da configuração de um artista antes de se dispersar na multidão, ir para casa ou ir bastidores para começar suas edições antes da próxima arte. Qual dessas coisas você fará dependerá do tipo de ingresso e do acesso que você tem no local. Por exemplo, se eu estivesse fotografando para o local, talvez eu pudesse voltar ao estilo sage minhas edições antes do próximo aplicativo. No entanto, se eu estivesse fotografando para a imprensa e só tivesse acesso a esse artista, provavelmente voltaria para casa depois das três primeiras fotos. Além de entender o acesso real que você tem ao local, acho muito útil tentar entender a aparência real do local antes de chegar lá. Se você nunca esteve em um local antes, uma pesquisa rápida no Instagram ou no Google deve dar uma boa ideia de a, do tamanho e do tipo de quartos que o local tem e b, que tipo de fotos você pode esperar capturar. Na próxima lição, vamos nos aprofundar em cronogramas e listas de fotos para descobrir o que você realmente vai capturar. 6. Horários e lista de tiros: Nesta lição, falaremos sobre horários e listas restritas. Além de ter uma boa compreensão de um local, também é importante entender o que você vai fazer no dia. Eu trabalho muito com música de dança, onde você tem muitos shows durante a noite. Você pode ter entre cinco e 10, talvez mais atos durante um determinado período definido pelo qual você está lá. Portanto, ter uma boa ideia de quem estará, onde e a que horas é muito importante para garantir que as coisas corram bem à noite e que você não perca nenhum momento importante. Eu costumo compilar todas essas informações em um formato que seja facilmente acessível para mim. Por exemplo, posso criar um protetor de tela ou fazer uma captura de tela da minha agenda e tê-lo como papel de parede do meu telefone para que eu possa tirar meu telefone rapidamente, verificar o protetor de tela e saber onde preciso estar para qual artista. Além da programação real dos artistas, também é muito útil se você puder tentar acessar algum tipo de cronograma para os momentos de produção. Isso pode ser como qualquer grande efeito especial , como confete ou pyro, ou grandes efeitos de iluminação que a equipe planejou para você. Obter acesso a esse tipo de informação às vezes pode ser um pouco mais complicado do que ter acesso à agenda de um artista. Mas se você estiver trabalhando para um promotor ou um local , você sempre pode ir até a equipe de iluminação, a equipe de som ou o gerente de produção e perguntar se eles têm um cronograma que estejam dispostos a compartilhar com você. Todas essas informações podem ser usadas para garantir que o processo seja o mais tranquilo possível para você e que você não se preocupe com onde precisa estar e a que horas. Se você não está fotografando profissionalmente e está apenas indo para um show com seu telefone ou uma câmera de apontar e disparar , não precisa se preocupar com todos esses horários da mesma forma. No entanto, pode ser muito útil tentar descobrir isso às vezes, que geralmente estão no local em pôsteres ou talvez nas redes sociais. Na próxima lição, veremos as configurações da câmera e como tirar o máximo proveito dela. 7. Configurações de câmera: Se você está apenas começando com a fotografia de música ao vivo, pode ser muito importante entender os conceitos básicos de fotografar em ambientes com pouca luz. A coisa mais importante a ser acertada é a configuração da câmera. Certifique-se de saber como ajustar o ISO, abertura e a velocidade do obturador para diferentes condições de iluminação. ISO, velocidade do obturador e abertura compõem o que chamamos de triângulo de exposição. Três elementos que compõem qualquer fotografia permitindo equilibrar a quantidade de luz que está sendo emitida. ISO se refere à sensibilidade do sensor ou do material do filme. Quanto maior o número, mais sensível seu sensor ou película é à luz. Isso significa que ela permitirá uma imagem mais clara, mas a imagem será mais granulada do que uma ISO de um número menor. velocidade do obturador se refere à rapidez ou lentidão com que o obturador abre e fecha. A velocidade do obturador usamos unidades de segundos ou frações de segundos, por exemplo, um é um segundo, enquanto 1/250 é um 250º de segundo, o que significa que o obturador fica aberto por mais tempo em um do que em 1/250. Quanto mais tempo o obturador estiver aberto, mais luz poderá entrar no sensor, iluminando sua imagem, mas, em troca, mais movimento será capturado. Como alternativa, velocidades mais curtas do obturador menos luz nas imagens, mas capazes de congelar o movimento. abertura controla a profundidade de campo em suas fotografias ou, em palavras simples, quão desfocado ou nítido é o fundo. A abertura se refere ao orifício na lente que permite a entrada da luz. Medimos isso em números inteiros e decimais, como 16 ou 2,8. Parece contraditório, mas quanto menor o número, maior o orifício na lente, o que significa que mais luz entra nas imagens e há uma profundidade de campo menor. Isso significa que seu plano de fundo ficará mais desfocado. Quanto maior o número, menos luz, mas maior a profundidade de campo, que significa que seu fundo ficará mais nítido. Quando estamos fotografando em locais com pouca luz, geralmente é melhor fotografar com uma abertura ampla, como 2,8, mas manter a velocidade do obturador em uma fração próxima a 1/200 ou 1/250, não capturar muito desfoque de movimento que pode ser complicado, pois os artistas gostam de se movimentar muito. Em termos de ISO, as configurações internas geralmente podem ser pouco iluminadas e, portanto, queremos optar por um ISO mais alto. Para uma boa fotografia, costumo usar um intervalo entre 1600 e 2500. Mas até onde você pode aumentar seu ISO realmente dependerá do tipo de câmera que você está usando e de quão bem ela lida com um ISO alto. Quando você está fotografando em locais com mais luz disponível, geralmente você pode definir seu ISO para um número menor, reduzindo a quantidade de granulação, reduzindo a quantidade de granulação, bem como definindo a velocidade do obturador em unidades ainda mais rápidas, como 1/800, por exemplo, o que reduz ainda mais a chance de desfoque de movimento. O que você deve lembrar sobre as configurações da câmera é que essas três coisas, sua abertura, seu ISO e sua velocidade do obturador, elas funcionam em uníssono para criar o equilíbrio perfeito, a exposição perfeita. É muito importante entender completamente como esses três elementos não funcionam apenas individualmente, mas também como funcionam juntos. A melhor maneira que encontrei de entender completamente como esses elementos funcionam é sair, fotografar e praticar usando as três configurações diferentes. Você pode fazer isso com uma câmera ou usar seu telefone com um aplicativo como o ProCamera, alterando os diferentes elementos e vendo em tempo real como isso afeta a imagem. Na próxima lição, vamos nos aprofundar equipamento fotográfico e no que eu recomendaria ao escolher os corpos e as lentes da câmera. 8. Engrenagem da câmera: Agora temos uma boa compreensão das configurações que vamos equilibrar ao gravar música ao vivo. É hora de nos concentrar no que realmente usaremos para fotografar essas imagens. Quando se trata de fotografia de música ao vivo, é sempre melhor estar preparado demais. Uma coisa que eu sempre recomendo é ter equipamento de backup, então eu sempre levo dois corpos de câmera e várias lentes, bem como cartões SD e baterias sobressalentes. Que outras considerações você precisa tomar quando se trata de seu equipamento fotográfico? Vamos começar falando sobre o corpo da sua câmera. Quando se trata do corpo da câmera, uma das principais considerações será como ela funciona com pouca luz. Pessoalmente, opto por um sistema sem espelho que funciona notoriamente bem com pouca luz. Isso significa que posso levar minha câmera para ISOs muito mais altos do que eu poderia, caso contrário, eu uso o Sony A7 IV e o Sony A7 III. Outras marcas de câmeras, como a Nikon e a gama sem espelho da Canon, em particular, também são ótimas para funcionar com pouca luz, por isso são ótimas opções. Outra coisa que eu gosto de considerar é se minha câmera tem ou não mais de um slot para um cartão SD. Acho que ter uma câmera com dois slots, o que significa que você pode fazer backup em uma de suas placas, é muito útil porque você não sabe o que vai acontecer. Se um cartão falhar e você perder todas as suas fotos , pelo menos você tem tudo volta no seu segundo cartão SD. Pessoalmente, gosto de ter dois corpos de câmera comigo para me tranquilizar, principalmente porque, se houver algum problema com um deles , tenho um backup para usar. Mas também pode ser muito útil ter lentes diferentes em câmeras diferentes, o que significa que você não precisará trocar as lentes de desempenho médio. No entanto, por muito tempo eu fotografei com apenas um corpo, então não se preocupe se você não puder sair agora e comprar dois, ter um é uma ótima maneira de começar. A seguir, vamos falar sobre lentes. Na próxima lição, falaremos mais especificamente sobre distâncias focais, o que isso significa e como escolher quais distâncias focais você usará. Mas agora estamos falando sobre as lentes em si. Então, eu, as considerações são realmente reduzidas a dois fatores. Em primeiro lugar, uma lente com uma abertura ampla que me permite deixar muita luz entrar na imagem e, em segundo lugar, uma lente com foco automático. Não quero me preocupar com foco manual quando se trata de música ao vivo. É um ambiente muito rápido, e ter que me preocupar em focar manualmente cada foto é algo que para mim, não funcionaria no meu fluxo de trabalho. Quando se trata de uma abertura ampla, é claro, é ótimo ter uma lente que permita a entrada de muita luz. Quando trabalhamos em ambientes com pouca luz, isso não é realmente uma preocupação e podemos diminuir nossa abertura em vez de comprometer a velocidade do obturador ou criar uma imagem muito granulada. Além desses dois fatores principais, outra consideração seria se você usa ou não uma lente principal ou uma lente zoom. Uma lente principal é essencialmente uma lente que não faz zoom, é uma distância focal fixa. Tentei fotografar com uma lente principal em uma câmera e uma lente zoom na outra câmera. Isso ocorre porque as lentes principais geralmente param para uma abertura maior, o que significa que você pode deixar mais luz entrar. Mas é claro que com as lentes de zoom, você tem um pouco mais de flexibilidade, pode fotografar em diferentes distâncias focais e, portanto, ter as duas sempre com você é uma ótima maneira de encontrar um ótimo equilíbrio entre deixar muita luz entrar em suas imagens e não comprometer sua distância focal. Na próxima lição, vamos nos aprofundar no tópico das lentes, falando sobre distâncias focais. 9. Escolhendo suas Lençóis Focais: Agora que temos uma compreensão clara das configurações da câmera e equipamento da câmera, vamos falar sobre a distância focal. distância focal determina o ângulo de visão capturado pela lente com distâncias focais mais curtas resultando em ângulos de visão mais amplos, e distâncias focais maiores, resultando em ângulos de visão estreitos. Também afeta o quanto da imagem é ampliada com distâncias focais produzindo maior ampliação. Lentes diferentes têm distâncias focais diferentes. As lentes Prime, como mencionei na última lição, são fixadas em uma distância focal. Por exemplo, um primo de 35 milímetros é fixado em uma distância focal de 35 milímetros. As lentes de zoom, por outro lado, têm a opção de se mover entre uma variedade de distâncias focais diferentes. Por exemplo, um 24 milímetros a um 70 milímetros tem um alcance de 24 a 70, o que significa que ele pode ter qualquer distância focal dentro desse intervalo. Quando se trata de escolher suas distâncias focais, há algumas considerações. Em primeiro lugar, seu ponto de vista. De onde você vai fotografar? Você estará na cova bem perto do artista, ou estará bem na parte de trás, na frente da casa. Por exemplo, se você estiver fotografando de longe, talvez precise de uma distância focal que permita aproximar a ação. Para locais menores, algo como uma 24-70 é uma lente perfeita para esses cenários. Então, para locais maiores do que locais, talvez algo como 70-200 milímetros. Outra consideração é quantas pessoas estão no palco. Se houver várias pessoas em uma banda ou em um coletivo de DJ, talvez você queira optar por uma distância focal maior apenas para garantir que todos possam estar na foto ao mesmo tempo. Em uma turnê recente que fiz com quatro DJs consecutivos, optei por uma lente de 18 milímetros, que me ajudou a garantir que todos os DJs pudessem caber nas fotos, mesmo quando eu estava fotografando em distâncias tranquilas e em espaços bem próximos. Em terceiro lugar, em que tipo de fotos você vai se concentrar? Se você está se concentrando em fotos de multidões , algo como uma lente grande, uma distância focal ampla, o ajudará aqui. Pessoalmente, gosto de qualquer coisa de 18 milímetros a 35 milímetros para fotos de multidões. Mas algumas pessoas gostam de ir ainda mais longe, talvez fotografando com lentes olho de peixe para fotos de multidões. Na próxima lição, analisaremos outros equipamentos, coisas que não são suas câmeras, coisas que não são suas lentes e o que você pode precisar levar para gravar um show ao vivo que não seja voltado para a câmera. 10. O que fazer para embalar e usar: Nesta lição, abordaremos equipamento que você pode querer usar ou levar consigo que não seja equipamento de câmera. Vamos começar com as coisas que você quer usar e a etiqueta comum quando se trata de gravar música ao vivo. Para a maioria dos eventos, em particular com música, você vai querer se vestir todo de preto. Chamamos esse palco de preto, que basicamente garante que você se misture com a multidão, se misture com o palco e não se destaque não apenas por não distrair a multidão da apresentação, mas também por não estar em outros fotógrafos e cinegrafistas fotografados como uma figura realmente intrusiva e brilhante ou em qualquer outro lugar. Pessoalmente, tentei usar muitos itens ou roupas que tivessem bolsos para guardar cartões SD extras, baterias e até lentes, se eu pudesse encaixá-los. Também é útil colocar suas roupas em camadas. Alguns locais são muito quentes e alguns são muito frios. Ter camadas que você possa remover ou adicionar facilmente também é uma ótima consideração. Provavelmente, a coisa mais importante quando se trata do que vestir são os tampões de ouvido. Além do equipamento fotográfico, ter tampões de ouvido com você é provavelmente a coisa mais importante que você precisará se lembrar de levar para a noite. Mas se você esquecer, geralmente pode comprar tampões de ouvido extras na maioria dos locais, basta perguntar à estrela do bar. Proteger seus ouvidos em locais de música ao vivo, especialmente quando você vai passar muito tempo, tão perto dos alto-falantes, é muito importante para que isso não afete sua saúde a longo prazo, sua audição. Também gosto de usar uma pequena bolsa que atravessa meu corpo, significa que posso enchê-la novamente com cartões SD extras, baterias, lenços de papel, panos de lentes, lenços de lentes, qualquer coisa que eu precise acessar muito rapidamente. Às vezes, você até encontrará uma pistola flash ou um prisma dentro dessa bolsa , dependendo do tamanho da bolsa que estou usando Vou abordar tanto as pistolas flash quanto os prismas mais tarde nesta aula. Quanto mais shows você filmar, mais você se acostumará com o que precisa, que funciona bem em seu fluxo de trabalho. Mas essas são algumas ótimas considerações para começar. Na próxima lição, veremos as fotos típicas que você precisa considerar em um show ao vivo. 11. Tiros típicos: Quando se trata de que tipo de fotos tirar durante um show, gosto de categorizá-las em quatro categorias. Em primeiro lugar, fotos de artistas, em segundo lugar, cenas de produção, depois fotos de multidões e fotos de heróis. Nesta lição, falaremos sobre cada uma dessas categorias e sua aparência. Vamos começar com fotos de artistas, provavelmente as mais autoexplicativas das quatro categorias. As fotos de artistas se referem às fotos que você obtém de uma banda, DJ ou músico. Podem ser fotos amplas que abrangem toda a banda ou todo o grupo de DJs ou podem ser fotos mais curtas que focam apenas em um membro ou, se houver apenas um artista, então um detalhe específico ou uma cena intermediária, algo próximo do artista. Em seguida, temos fotos de produção. As cenas de produção referem-se às cenas da produção visual. Isso pode ser qualquer coisa, desde design de palco até efeitos especiais, como confete ou pyro. Essas fotos tendem a ser mais eficazes quando você as fotografa de um ângulo mais amplo, abrangendo a vastidão dessas peças de produção. A terceira categoria são fotos de multidões. Novamente, muito semelhante às fotos de artistas , pois é bastante autoexplicativo. fotos da multidão são fotos da multidão e geralmente vêm em duas formas: uma sendo fotos mais amplas que abrangem a vastidão e a escala do evento e, em segundo lugar, fotos que se concentram uma sendo fotos mais amplas que abrangem a vastidão e a escala do evento e, em indivíduos ou grupos de indivíduos dentro da multidão. Finalmente, temos fotos de heróis. As fotos de heróis são aquelas que eu gosto de considerar a melhor foto. Ele abrange um pouco das três outras categorias. Você tem o artista no palco, você tem a multidão e você tem momentos de produção. Geralmente, são fotos de ângulos amplos, talvez na frente da casa, olhando para a multidão em direção ao palco ou de um ponto de vista mais alto. Na próxima lição, discutiremos o que procurar em cada uma dessas fotos e como conhecê-las dentro dessas quatro categorias. 12. O que procurar em um tiro: Nesta lição, falaremos sobre o que procurar em uma foto para cada uma das quatro categorias descritas na última lição. Em primeiro lugar, vamos discutir fotos de artistas. Para fotos de artistas, há duas coisas que você realmente deseja considerar ou prestar atenção. Participação e interação são as primeiras. Isso significa qualquer cena em que o artista ou músico esteja interagindo com outras pessoas no palco, seja um amigo ou um colega músico, ou qualquer coisa em que eles estejam interagindo com a multidão. Em segundo lugar, movimento interessante. Qualquer coisa em que o artista esteja se movendo uma forma interessante ou forte e marcante, isso pode ser uma ótima foto. Para fotos de produção, é importante poder prever quando os momentos de produção acontecerão. É claro que você pode falar com as pessoas de antemão, obter um cronograma de quando determinada produção deve acontecer, mas nem sempre é possível prever o exato segundo em que isso acontecerá. Você precisará ficar de olho no ar quando achar que é provável que os momentos de produção aconteçam, e há algumas maneiras de fazer isso. Uma maneira de fazer isso é se familiarizando com a música ou o set list de um artista. Isso nem sempre é possível, mas quando é, pode ser muito útil tentar prever quando será a maior parte de uma música ou de um set list. Essas maiores partes das músicas e sets lists tendem a ser os momentos em que a produção lança esses efeitos especiais. Você vai ter as fotos de confete na maior música do set list. Em segundo lugar, você pode ouvir a música e tentar calcular a batida da música e ouvir a batida, pois esses são momentos-chave nos quais eles podem liberar efeitos especiais ou mudar a composição, por exemplo. Em terceiro lugar, e este é um pouco enganador, é ficar de olho em quem está fazendo os efeitos especiais. Freqüentemente, você saberá quando eles pressionarão um botão ou puxarão a alavanca e poderá usar essa orientação olhando para eles de vez em quando para descobrir quando lançarão os efeitos especiais. Contanto que você tenha sua foto pronta, você tem tudo pronto para começar, você pode continuar observando e, assim que eles pressionarem o botão ou puxarem uma alavanca, você estará pronto para tirar a foto. As fotos da multidão Eu adoto uma abordagem semelhante às fotos de artistas. Procurando qualquer interação com outros membros da platéia ou com os próprios artistas no palco. Também procuro pessoas que parecem realmente gostar da música pois essas são as fotos que seu cliente realmente vai querer ver. Pessoalmente, prefiro uma abordagem mais sincera à fotografia de multidões. Preferindo curtas em que o público não esteja olhando para mim e talvez não saiba que estou tirando uma foto. Mas isso é definitivamente algo de preferência pessoal. Algumas pessoas preferem fotos de multidões mais posadas, e é definitivamente uma hora e um lugar para ambas. O herói atira. Você deve considerar um pouco dessas três categorias e agrupá-las em uma. Na próxima lição, falaremos sobre a produção e por que é importante considerar isso. 13. Considerando a saída: Nesta lição, discutiremos a saída de suas fotos, onde elas acabariam e como isso afeta o processo de filmagem. Esse é sem dúvida um dos aspectos mais simples, mas importantes, de qualquer trabalho fotográfico. Mas quando você está fotografando para si mesmo, quais considerações você realmente precisa tomar ao tirar uma foto? Pode ser muito útil entender onde você vai colocar essas fotos. Eles são para mídias sociais ou você vai imprimi-los para a parede do seu quarto? Entender onde suas imagens vão parar o ajudará na hora de nomear a composição de sua imagem. Você precisa compô-lo na orientação retrato ou na orientação paisagem? Quando se trata de trabalhar para um cliente, isso geralmente é determinado dentro do resumo, mas quando não é, é uma boa ideia obter uma variedade de composições e composições diferentes para diferentes proporções, por dentro do resumo, mas quando não é, é uma boa ideia obter uma variedade de composições e composições diferentes para precaução. Por exemplo, fotos que podem ser necessárias para a web ou outdoors tendem a ser tiradas na orientação de paisagem. No entanto, as fotos para mídias sociais geralmente são curtas na orientação retrato. Além disso, quando se trata de mídias sociais, geralmente você tem duas proporções a considerar 9* 16 para histórias do Instagram ou capas reais e 4* 5 para postagens na grade do Instagram. Isso pode ser algo a se considerar quando se trata compor sua imagem e pensar no impacto do corte. Na próxima lição, discutiremos a ideia de fotografar com propósito e como garantir que você tenha tudo o que precisa. 14. Fotografar com finalidade: Nesta lição, discutiremos como fotografar com propósito. Fotografar com propósito é importante para garantir que você encontre o equilíbrio entre obter tudo o que precisa capturar, mas não ultrapassar. Em primeiro lugar, não borrife e ore. Esse termo se refere a atirar sem rumo e apenas esperar que você obtenha algo bom do que capturou. Em vez disso, tente fazer com que o que você está filmando seja um pouco mais considerado. Pense no que discutimos nas lições anteriores, como o que procurar em um resumo ou na saída. Outra boa maneira de garantir que seu trabalho seja considerado é pensar na marca do artista ou do seu cliente. Você consegue encontrar uma maneira de incorporar sua marca pessoal e sua identidade visual em seu trabalho? Essa é uma grande parte da gravação de música ao vivo. A maneira como você filma rappers provavelmente será diferente da maneira como você filma um cantor folk. Garantir que você está capturando fotos suficientes pode ser algo um pouco complicado de julgar. forma como tento fazer isso é garantir que eu tenha pelo menos três fotos sólidas para cada item da minha lista de fotos. Dessa forma, sei que definitivamente tenho o suficiente para entregar ao cliente. Depois de conhecer a lista de fotos, posso usar o resto do tempo restante para ser criativo, experimentar técnicas que nunca experimentei antes ou coisas que não estão na lista de fotos, ou coisas que não estão na lista mas quero tentar de qualquer maneira. Entender como fotografar com propósito e ser mais cuidadoso em sua abordagem é muito importante para garantir que você obtenha tudo o que precisa, mas não acabará com milhares de imagens que provavelmente não serão recortadas no final. Na próxima lição, falaremos sobre como fotografar lasers em um show e o que você pode precisar considerar. 15. Lasers de tiro: Os lasers são os favoritos dos grandes shows, especialmente quando se trata de gêneros como música de dança, mas capturá-los de forma eficaz e segura pode ser bem difícil. Nesta lição, vou descrever algumas das coisas que aprendi nos anos em que passei filmando programas que incluem lasers. Primeiro, você deve estar ciente de que os lasers podem causar danos aos sensores da câmera. Isso acontece se o laser atingir diretamente o sensor da câmera, então você deve tentar evitar que qualquer tipo de laser entre diretamente na sua lente. Felizmente, a maioria dos lasers é montada em um palco apontando acima da multidão. Então, se você conseguir se manter no nível da multidão, na maioria das vezes estará a salvo disso. Você também deve considerar que quanto mais tempo o laser atingir o sensor, mais danos ele causará. Se você estiver fotografando com velocidades de obturador muito lentas , o dano será maior do que se você estivesse fotografando em uma velocidade de obturador mais rápida. Isso me leva muito bem à velocidade do obturador e a como ajustar a velocidade do obturador quando você está fotografando lasers. Descobri que trabalhar com velocidades mais lentas do obturador é muito mais eficaz do que fotografar com velocidades de obturador mais altas. Obviamente, você não quer que seja muito lento para minimizar os danos do laser, mas você quer encontrar um ponto entre talvez 1/15 e 1/100, pois descobri que esse tipo de alcance geralmente gera as melhores imagens para capturar lasers. Experimente diferentes velocidades do obturador enquanto trabalha para tentar encontrar o ponto ideal, pois diferentes lasers são disparados em velocidades diferentes e, portanto, não há um tamanho único para a velocidade do obturador quando se trata de lasers. No entanto, se você fotografar lasers com uma velocidade de obturador muito alta, descobrirá que a tela do laser pode parecer fraca pois a câmera não capturará todos os lasers. O que significa que você pode acabar com uma foto de apenas um laser capturado em vez de uma matriz de 20 na imagem. Quando se trata de fotografar lasers, eu gosto de oferecer uma foto ampla, geralmente tirada da multidão ou da frente da casa focando em grandes multidões na tentativa perder qualquer desfoque de movimento graças à baixa velocidade do obturador, em vez de focar diretamente no artista que vai se mover muito. Na próxima lição, discutiremos a fotografia com flash e quando é apropriado usá-la durante a música ao vivo. 16. Fotografia com flash: Nesta lição, abordaremos o tópico da fotografia com flash. Quando é apropriado usá-lo e como você o usa quando é possível? Na maioria das músicas ao vivo, não é comum usar flash. No entanto, pode haver algumas exceções a essa regra, e isso geralmente depende do artista do local e das regras que eles têm. Na minha experiência, para alguns locais e artistas menores, não há problema em usar o flash. Quando eu o usei, eu o usei de uma forma de luz direta, o que essencialmente significa que você está direcionando o flash diretamente o objeto e criando uma luz bastante forte. Como alternativa, você também pode refletir o flash, o que implica fotografar o flash, digamos, no teto e refletir a luz do teto para o objeto. O fato é que isso geralmente funciona melhor quando há um teto branco do qual você pode saltá-lo. A maioria dos locais tem tetos escuros ou tetos muito altos. Se você for usar flash, provavelmente é melhor usar uma forma direta de flash, mas, para reiterar, não é muito comum que você realmente comum que você realmente consiga usar o flash na fotografia musical. Na maioria das vezes, espera-se que você use a luz disponível, seja a luz natural em diferentes locais ao ar livre ou as faixas que eles têm especificamente para esse local. Outros casos em que o flash pode ser apropriado são se você estiver filmando conteúdo nos bastidores com o artista e estiver longe do palco. Nesses casos, balançar o flash ou usar o flash direto seria apropriado e dependeria apenas sua preferência pessoal e do estilo que você deseja escolher. Na próxima lição, discutiremos como fotografar com prismas e reflexos e como você pode querer fazer isso. 17. Prismas e reflexos: Usar prismas e reflexos em suas fotos é uma ótima maneira de adicionar um elemento criativo adicional e há algumas maneiras de fazer isso. As presunções são essencialmente peças de vidro de diferentes formas e tamanhos que você pode usar ou fixar na lente se estiver usando um filtro presumido. Eles costumavam distorcer sua imagem ou criar reflexos interessantes em suas fotos. Se você não tem um prisma, eu gosto de usar meu telefone como uma superfície refletiva. Basicamente, você só precisa colocar o lado refletivo do telefone embaixo lente e isso refletirá uma imagem em suas fotos. Diferentes tipos de prisões podem ter efeitos diferentes. Pode ser divertido experimentar as diferentes formas e tamanhos e encontrar os que você mais gostaria de usar. Uma dica importante para trabalhar com reflexos é realmente considerar o que está sendo refletido na imagem. Por exemplo, você não quer que a mesa de som ou a si mesmo se reflita na imagem. Em vez disso, você quer se concentrar em refletir coisas como momentos de produção iluminação em suas fotos. Na próxima lição, vamos mergulhar no processo de pós-produção, conversando sobre como escolher suas fotos finais para entrega. 18. Escolher suas fotos finais: Criar suas últimas calças ou telefonemas, como também é comumente chamado, é um aspecto importante do processo de pós-produção. Nesta lição, falarei sobre duas das minhas formas favoritas de restringir as fotos às minhas seleções finais. O primeiro método de chamada é chamar a câmera. Isso pode ser feito na filmagem ou talvez no caminho para casa de uma filmagem, antes de você entrar no processo de edição real. A maneira que eu prefiro fazer isso é escrever minhas imagens com uma classificação por estrelas na câmera. Muitas vezes, durante o processo de filmagem você tira uma foto e sabe que essa foto é uma das fotos que vou entregar no final. É uma das melhores fotos que tirei hoje à noite. Essas classificações por estrelas são salvas nos metadados das fotos, para que, quando você as importe para algo como o Adobe Lightroom , um software de catalogação e edição que veremos em uma próxima aula. A classificação por estrelas permanece, facilitando a identificação instantânea de suas fotos favoritas da noite. Quando se trata de fotografar em seu telefone, você pode usar ferramentas semelhantes para lidar com o processo de filmagem. Por exemplo, os iPhones têm essa opção em que você pode preferir uma imagem depois de tirá-la, e isso apenas envia essa imagem para outra pasta que você pode acessar posteriormente. A seguir, vamos falar sobre como ligar para o Adobe Lightroom. Existem várias maneiras diferentes de ligar para o Lightroom e decidir qual método é melhor para você geralmente é uma questão de preferência pessoal. Para mim, a principal forma de ligar é usar o sistema estelar, onde você pode escrever uma imagem de 1 a 5, ou usar as opções de sinalização ou coleta rápida. Cada uma dessas três opções é efetivamente a mesma. Em essência, cada uma delas ajuda você a separar suas seleções do resto das fotos que você tirou. Experimente e veja qual sistema é mais fácil para você e o que é melhor em seu fluxo de trabalho. Na próxima lição, entraremos no processo de edição, começando com o recorte de suas composições. 19. Corte: Embora seja definitivamente mais fácil e eficaz colocar suas composições diretamente na câmera, isso nem sempre acontece, então usar o recorte como uma ferramenta corrigir e editar suas fotos é uma ideia muito poderosa. Nesta lição, veremos algumas dicas importantes a serem consideradas quando se trata de recortar suas fotos. Em termos de equipamento, quando se trata de recortar, você pode usar qualquer coisa, desde o aplicativo de fotos do seu telefone até um software como o Adobe Photoshop. O equipamento que você usa para isso realmente não importa, é apenas o que você faz com a safra. Em primeiro lugar, pense novamente na saída, por exemplo, essas fotos precisam ser cortadas em proporções específicas como 1* 1, 9* 16, 4* 5. Isso o instruirá sobre a proporção em que as fotos precisam ser cortadas. E então você pode considerar o recorte por vários motivos diferentes , incluindo recortar para criar um ponto focal. O recorte é uma ferramenta poderosa e criar um ponto focal pode ser uma ótima maneira de utilizá-lo. Isso significa criar o recorte de sua foto para chamar a atenção para uma área ou parte específica da foto. Uma forma muito comum de recortar para criar um ponto focal é posicionar seu ponto focal no centro da imagem. Outra ótima maneira de utilizar a colheita é recortar as coisas fora da moldura. Por mais que a criação de imagens a ver com o que você inclui no quadro, também tem a ver com o que você emite. Recortar distrações ou itens que não servem sua composição ou narrativa pode ser uma forma útil de usar as ferramentas de recorte. Agora que abordamos os conceitos básicos de recorte, sem dúvida a ferramenta mais importante e poderosa quando se trata de edição de imagens, vamos mergulhar em alguns softwares específicos que você pode usar em seu processo de edição, começando com o Adobe Lightroom. Junte-se a mim na próxima lição, enquanto abordamos o Adobe Lightroom e alguns dos principais recursos quando se trata de edição de imagens. Próxima lição. 20. Editando com o Lightroom: O Adobe Lightroom é meu software de edição favorito, perfeito para gradação de cores e catalogação de todas as suas fotos. Você pode acessar o Lightroom usando uma assinatura da Adobe que permite descontos para estudantes , mas se você não quiser comprar uma assinatura, as opções de edição que o Lightroom tem são opções comuns em vários softwares de edição diferentes. Este tutorial lhe dará uma boa ideia do que cada uma das opções faz e como elas afetam uma imagem. Lightroom também oferece um aplicativo móvel gratuito , que abordaremos um pouco mais em outra aula disponível para celulares e tablets que não exigem assinatura ou pagamento Eles oferecem muitos dos mesmos recursos de edição da barra de desktop. Nesta lição, usarei versão clássica do Adobe Lightroom no meu Macbook. Acho que estamos em 2015, mas você pode usá-lo no Mac ou no Windows. Vamos mergulhar em algumas das minhas opções favoritas. Bem-vindo ao Adobe Lightroom, este é o nosso espaço de trabalho para esta lição. O Adobe Lightroom é essencialmente uma ferramenta de edição e catalogação de fotos, para que você possa importar suas fotos para Lightroom, editá-las no Lightroom e exportá-las do Lightroom. Nesta lição, vamos usar algumas das minhas ferramentas favoritas ou algumas das ferramentas mais poderosas que o Lightroom tem a oferecer e começaremos com a temperatura. A temperatura é uma ferramenta muito simples e muito eficaz que você pode usar para realmente transformar sua imagem. Para mostrar um exemplo disso, tenho essa imagem que tirei alguns meses atrás e vamos apenas editá-la usando apenas a temperatura e ver o que isso faz com a imagem. Como você pode ver aqui no lado direito, você pode ver a temperatura e os controles deslizantes de tonalidade. Apenas um prefácio, estamos na guia Desenvolver, então, se você estiver na guia Biblioteca, precisará mudar para a guia Desenvolver para poder editar suas imagens. Mas voltando aos controles deslizantes. Esta seção aqui é o que chamamos de balanço de branco e que basicamente altera a temperatura e a tonalidade das cores em sua imagem. Como você pode ver, o Lightroom tornou muito fácil identificar o que essas ferramentas realmente fazem, então você pode ver aqui que a temperatura tornará sua imagem mais quente indo para um tom amarelo ou mais fria indo para mais tons de azul e, em seguida, a tonalidade , por outro lado, controle seu magenta, como seus rosas , roxos e verdes. Para começar, vamos brincar com o indicador de temperatura com o indicador de temperatura e ver o que isso realmente faz com uma imagem. Imediatamente, essa imagem é uma imagem bastante fria baseada na iluminação da imagem. À medida que mudamos a temperatura você pode ver que não apenas a temperatura muda , mas também o brilho da imagem. Então você pode ver que, à medida que eu fico mais quente ele perde um pouco de sua luminância, um pouco de seu brilho. Mas à medida que fico mais frio, ele introduz muito mais brilho na imagem. Novamente, podemos fazer o mesmo com a tonalidade. Se você for para o verde, a imagem ficará um pouco mais escura, mas à medida que formos em direção ao rosa , ela a iluminará a imagem ficará um pouco mais escura, mas à medida que . A ideia aqui é realmente encontrar um bom equilíbrio não apenas na cor, mas também na luminosidade que você deseja que sua imagem seja. Para mim, vou escolher algo em tons médios aqui. Se você realmente não gosta das cores azuis, é aí que outras ferramentas do Lightroom entrarão em ação, então vamos ficar nesse lado direito e deixar eu encerrar com elas. Vamos entrar nesta seção aqui, que é sua seção de gradação de cores. A gradação de cores essencialmente permite que você adicione cores aos tons médios, às sombras e aos destaques, o que mudará o equilíbrio da aparência das cores. Você tem esses pequenos mostradores e isso determinará a cor que você está adicionando a qual parte da sua imagem. Se começarmos com destaques, você verá que posso adicionar um verde realmente vibrante aos destaques da imagem. Ao ir em direção ao centro ele dobrará esse verde para baixo, ainda estará lá, mas não ficará saturado. Quando se trata de gradação de cores, geralmente gosto de usar cores complementares ou cores contrastantes. Então, isso significa escolher cores opostas uma à outra em sua roda de cores. Como estamos colocando esse amarelo esverdeado nos destaques, vamos entrar em suas sombras e ver o que podemos fazer com esse oposto e como isso muda a imagem. Você verá que a maior parte dessa imagem são, na verdade, sombras. À medida que eu ando por aí, tudo o que estou adicionando às sombras está realmente afetando a maior parte dessa imagem. Vou adicionar algo mais ou menos por aqui na seção roxa. É oposto ao nosso verde e amarelo, então é complementar, funciona bem com esse tom aqui, mas apenas adiciona um pouco mais de contraste ao azul principal da imagem. Quando chegarmos aos tons médios, novamente, vou querer usar algo semelhante aos destaques apenas para criar um pouco mais de contraste. Você também pode alterar o brilho dessas seções aqui usando esses controles deslizantes. Se dermos uma olhada sem os realces, sem as sombras e sem os tons médios, adicionamos um pouco de contraste aqui adicionando algumas cores mais brilhantes aos destaques cores mais escuras às sombras. Então, se não tivermos 100% de certeza disso, podemos voltar básico e brincar novamente com nossa temperatura. Para mim, estou muito feliz com essa imagem toda azul, mas outra maneira de mudar isso é abrindo sua seção HSL. HSL se refere a matiz, saturação e luminância. Matiz é a cor, pense no matiz como a cor da sua imagem. Você tem vermelho aqui em um controle deslizante de um vermelho rosado para um vermelho alaranjado. Isso mudará todos os vermelhos da sua imagem, não há muitos vermelhos para mostrar. Vamos descer mais para azul porque temos muitos azuis nesta imagem. Se eu quisesse deixá-lo mais roxo, eu o arrastaria para cá. Se eu quisesse torná-lo mais verde, você o arrasta para lá. Sua saturação é a saturação dessas tonalidades, então podemos ver se eu arrastar isso para baixo , isso eliminará a saturação do azul, se eu arrastar para cima, aumentará. Sua luminância é seu brilho ou sua luminosidade, então, trazer isso à tona vai clarear meu azul, diminuí-lo vai escurecê-lo. Você pode brincar com os controles deslizantes HSL para realmente obter a cor desejada , mas vamos pular para outra imagem para ver como usaríamos ferramentas semelhantes. Essa imagem aqui é bem escura, então vamos começar com sua temperatura movendo-a e vendo onde a queremos. Vou fazer com que fique um pouco mais quente desta vez. Adicione um pouco de rosa e depois eu também vou aumentar a exposição só para clarear a imagem. Essas seções aqui, suas sombras, seus destaques também ajudarão você a alterar sua exposição e criar diferentes níveis de contraste. Vamos pular para nossa divisão de tons, nossa gradação de cores novamente. Se adicionarmos um verde aos tons médios e talvez algo um pouco parecido, vamos usar um azul ou verde nesses destaques e, nas sombras, colocar algo um pouco oposto, talvez como um rosa ou um vermelho. Agora vamos. Podemos usar novamente esses controles deslizantes HSL se você quiser ajustar ainda mais as cores. Outra coisa que você pode fazer é, se você realmente não sabe qual cor você está tentando identificar você pode clicar nesse pequeno botão, clicar nele e depois ir para a cor que quiser. Digamos que queremos essa cor aqui, clique e arraste para cima e para baixo e ela arrastará qualquer cor que o Lightroom detecte. Novamente, você poderia fazer isso aqui embaixo no blues. Você vê que está mudando o azul e o roxo porque esses os tons que são detectados na cor que selecionamos. Então, vamos abrir uma cena maior. Novamente, você pode realmente ver como sua temperatura vai mudar, o clima e a vibração de uma imagem. É tudo uma questão de brincar e experimentar de verdade e encontrar uma maneira de você gostar de usar cores. Algo que você também pode fazer no Lightroom é criar máscaras e as máscaras basicamente selecionam certas partes da imagem e afetam apenas as partes selecionadas na máscara para suas edições. Há diferentes maneiras de fazer isso: você pode desenhar sua máscara com a ferramenta de pincel ou essas são as minhas favoritas, você pode usar o gradiente linear ou o gradiente radial. Então, por exemplo, se eu quisesse clarear essa seção da imagem, eu usaria um gradiente linear e criaria uma máscara que afetasse isso. Você pode ver que essa seção vermelha é a máscara, eu posso mudar a cor da sobreposição, se eu quiser dizer talvez alguma coisa, eu não sei como um amarelo muito brilhante, então você pode ver. Isso é o que é a máscara. Você também pode desativar a sobreposição para ver a aparência real da imagem. Então, o que ele vai fazer é criar essa pequena seção aqui que permite que você faça ajustes apenas nessa máscara. Eu posso usar a ferramenta Exposure e você pode ver que ela não está afetando toda essa imagem, está afetando apenas esta seção dentro da máscara. Outra coisa que podemos fazer no Lightroom é copiar e colar edições. Digamos que a configuração de iluminação fosse exatamente a mesma entre esta foto e outra foto e eu quisesse fazer as edições que fiz nesta foto e colocá-las em outra foto para maior velocidade, facilidade ou consistência Você pode copiar e colar suas edições. Aqui embaixo, você pode clicar em copiar ou em Command C se estiver usando um Mac ou em Control C se estiver usando o Windows. Você pode selecionar todas as coisas diferentes que deseja copiar, para você possa até mesmo copiar sua máscara, copiar seu recorte . Para mim, não costumo fazer isso porque as composições de imagens diferentes são diferentes, então as coisas que costumo copiar são sua equipe básica, suas cores e o texto impresso e, seguida, podemos entrar em outra imagem. Na verdade, essa imagem não tem a mesma configuração de iluminação, mas vamos fingir que é, e você pode colar e ver isso agora que a edição entrou nessa imagem. Na minha opinião, essas são algumas das ferramentas mais poderosas do Lightroom. Você tem seus controles deslizantes de cores HSL, sua seção de gradação de cores, depois seu balanço de branco com as partes da seção básica do Lightroom que afetam sua exposição e, claro, você tem seu mascaramento. Todas essas são ferramentas realmente excelentes, ferramentas realmente poderosas que podem ajudá-lo muito na edição de suas fotos. Lightroom é uma ótima ferramenta para editar e organizar fotografia musical de sua vida e eu definitivamente recomendo usá-lo se você quiser se profissionalizar com sua fotografia musical. Para aqueles que estão mais interessados em fotografia casual, artigos casuais, vá em frente e apenas tire fotos em eventos de música ao vivo, junte-se a mim na próxima aula, na qual editaremos no meu iPhone usando uma mistura de dois aplicativos gratuitos diferentes que você pode usar. 21. Como editar no seu telefone: Nesta lição, veremos dois aplicativos diferentes que você pode usar em seu telefone para editar fotos. Em primeiro lugar, vamos começar com o VSCO ou o VSCO. O VSCO é um dos meus favoritos. É um aplicativo que não só oferece várias predefinições para você escolher, mas também permite uma variedade de ferramentas diferentes para poder alterar suas fotos, desde controles deslizantes de matiz, saturação e luminância matiz, saturação e luminância até controles de tons divididos. Vamos dar uma olhada em algumas das ferramentas mais comuns no VSCO ou no VSCO e como usá-las , começando pela exposição. Vamos entrar no VSCO. Vamos abrir essa foto que eu tirei há muito tempo. Não me lembro em qual telefone isso estava, acho que era um iPhone 7. Vamos começar ajustando a colheita. Vamos escolher um por um só para simplificar as coisas. A primeira coisa que vamos fazer é abrir a aba de exposição. Uma exposição essencialmente torna a imagem mais escura ou mais clara. Em seguida, você pode passar para o contraste. Essas ferramentas já são semelhantes às que você tem no Adobe Lightroom para desktop. Você também tem H e S na seção de tons aqui, o que afeta os destaques da imagem. Você realmente não consegue ver neste , porque não há muitos destaques para editar e as sombras que você pode ver um pouco mais os tornam mais escuros ou mais claros. Você também tem suas ferramentas de balanço de branco. Além de ter isso, você tem uma ferramenta chamada vinheta, que essencialmente torna mais escura nas bordas da imagem. Isso ajuda a criar algum ponto focal na imagem. Em seguida, vamos passar para sua divisão tons, que é essencialmente sua seção de gradação de cores do Lightroom. Você pode adicionar cores diferentes às sombras e aos seus destaques. Além da tonificação dividida, você também tem seus controles deslizantes HSL , semelhantes aos de quando você trabalha no Lightroom. VSCO também tem várias predefinições diferentes que você pode usar se não quiser editar coisas do zero. A seguir, vamos mergulhar no aplicativo móvel do Adobe Lightroom. As ferramentas do lightroom mobile são semelhantes ao VSCO e também muito semelhantes ao light room para desktop. Eles oferecem recursos mais avançados do que o VSCO semelhantes à versão desktop do Adobe Lightroom, incluindo mascaramento e gradação de cores. Vamos dar uma olhada em alguns dos meus favoritos no aplicativo. Como você pode ver aqui embaixo, você tem muitas das mesmas ferramentas VSCO e do Adobe Lightroom para desktop. Você tem essa ferramenta interessante chamada Auto e que basicamente prevê como a imagem deve ser editada. No entanto, você pode sobrescrever isso. Vamos entrar na seção de luz que abrirá nossa exposição, contraste e destaques, etc. Você pode ver que as coisas já foram editadas graças à configuração automática. Mas, como eu disse, você pode sobrescrever essas configurações. Eu prefiro ter um pouco mais contraste, então vou trazer um pouco da escuridão de volta para essas sombras. Você também tem algo chamado de Ferramenta de Curva de Tom, que também tem no Adobe Lightroom para desktop, é uma ferramenta um pouco mais avançada mas essencialmente o que ela permite que você coloque pontos em uma curva e afete diferentes partes da imagem. Por exemplo, esse canto superior direito afetará os destaques em sua imagem, o canto inferior direito afetará as sombras. Você também pode adicionar cores diferentes dentro dessas sombras, portanto, dentro da curva de tons vermelhos, você pode adicionar vermelho aos realces ou azul ou o mesmo nas sombras, e o mesmo para verde e também azul. Essa é uma ferramenta um pouco mais avançada e demora um pouco para se acostumar, então brinque com isso. Em seguida, temos sua seção de cores e a cor incluirá seu balanço de branco e também incluirá sua classificação. classificação será o que fizemos no VSCO em sua tonalidade dividida e o que fizemos no desktop Adobe Lightroom com sua gradação de cores. Assim, você pode adicionar uma cor às suas sombras, tons médios e realces. Quando você entrar no mix, isso apresentará seus controles deslizantes HSL, da mesma forma que em outros softwares que estamos usando e, claro , você também pode cortar diferentes proporções, endireitar, etc., e ampliar neste aplicativo. Na próxima lição, veremos uma técnica de edição muito comum usada na uma técnica de edição muito comum usada na fotografia de música ao vivo e mergulharemos no Adobe Photoshop. 22. Exposição dupla no Photoshop: Nesta lição, vamos mergulhar no Adobe Photoshop. Vamos falar sobre uma técnica de edição muito comum que é muito usada em fotografia de música ao vivo, exposições duplas. As exposições duplas se originaram na época em que a fotografia cinematográfica era a norma. Na verdade, consistia em duas ou mais fotos sendo expostas na mesma moldura. Atualmente, essa técnica é comumente replicada em formato digital usando um software como o Adobe Photoshop, onde os fotógrafos podem colocar uma imagem ou várias imagens em camadas sobre outra. Vamos dar uma olhada em como isso pode ser feito colocando em camadas duas fotos que tirei em repercussão em 2022 no projeto de armazém. Quando se trata de criar uma exposição dupla, o que você deve procurar são imagens contrastantes. Então, vamos sobrepor essa imagem e essa imagem. Em primeiro lugar, vou copiar essa imagem e criar uma nova tela para trabalhar. Então, vamos colar essa imagem. E então eu quero entrar e pegar essa imagem da multidão, que é uma imagem bastante contrastante, e também adicioná-la. Em seguida, vou me certificar de que as duas imagens tenham o mesmo tamanho. Então, vamos redimensionar essa imagem. Para redimensionar muito rapidamente, eu pressiono Comando T. Você pode usar o Controle T se estiver usando o Windows e isso abrirá esta caixa de redimensionamento. Em seguida, vou diminuir a opacidade dessa imagem. Vou bloquear a camada na parte inferior. Estou bloqueando essa camada para não mover a camada inferior ao fazer experiências com a composição. Então, na camada 1, poderei arrastar essa camada. O que eu quero fazer é garantir que essa imagem e essa imagem estejam alinhadas corretamente e que fiquem bem juntas. Então, vou transformá-lo novamente e brincar. Em seguida, vou redefinir isso para 100%, bloquear essa camada, arrastar a camada 1 acima da camada 2, desbloqueá-la e reduzir a opacidade para que eu possa alinhar essa camada a seguir. Então agora eu tenho minhas duas imagens. O que eu quero fazer é experimentar estilos de camada. Então, eu vou desbloquear as duas imagens, as duas camadas. Clique na camada superior, aumente a opacidade e clique na seção em que diz Normal. Isso me dará muitas opções diferentes, e vou dar uma olhada e ver qual fica melhor. Então, acho que quero usar algo como Lighten, mas quero que essa silhueta seja o ponto focal principal e não esse ponto focal. Por causa disso, vou selecioná-lo volta ao normal e arrastá-lo para a camada inferior. Então eu vou fazer o mesmo com este. Vou selecionar isso para Lighten ou Screen ou algo parecido. Depois, posso arrastá-la para que as sombras fiquem atrás da silhueta para que você ainda possa vê-la. Como alternativa, o que eu poderia fazer é ter isso como minha camada superior. Trabalhe para que as sombras da camada inferior eliminem minha silhueta. Acho que em termos dessa composição, isso funcionará melhor com a multidão mais perto da silhueta principal. Criar exposições duplas é, na verdade, apenas brincar com os diferentes estilos de camada, ver o que você gosta ver o que você gosta, a melhor aparência e experimentar a composição. Mas é uma maneira muito divertida e simples de criar composições interessantes a partir de imagens que você já tirou. Você pode, é claro , ajustar seu brilho ou algo parecido e editar mais uma foto para realmente aprimorar a técnica. Essas ferramentas serão muito semelhantes a tudo o que usamos no Lightroom e no VSCO. Eles estão apenas em lugares diferentes, essencialmente. Quando estiver satisfeito com sua foto, você pode simplesmente salvá-la. Quando você está procurando fotos para sobrepor, eu gosto de procurar contraste. Então você tem uma grande imagem do seu artista e depois uma imagem em que a multidão é pequena, ou você tem contraste na iluminação entre a escuridão e a luz, a luz na escuridão. Qualquer coisa com contraste ajudará você a criar uma exposição dupla realmente interessante. Você pode até aperfeiçoar uma exposição dupla usando coisas como as funções Subtrair ou Apagar. Então, clique no pincel Apagar e então você pode tirar qualquer uma das texturas ou coisas que realmente não servem à imagem. Traga-me a próxima lição em que vamos ficar no Adobe Photoshop e veremos como você pode criar um carrossel do Instagram quando se trata da entrega de suas fotos. 23. Criar Carousels no Instagram: Criar carrosséis no Instagram pode ser uma maneira muito interessante de exibir suas fotos em seu portfólio. É ótimo para música ao vivo porque permite incluir não apenas mais de 10 fotos no carrossel, mas também uma mistura de imagens de paisagens e retratos. Nesta lição, veremos como podemos criar um carrossel realmente simples para como podemos criar o Instagram usando o Adobe Photoshop. Para criar um carrossel no Instagram, a primeira coisa que faremos é abrir um novo arquivo, uma nova tela no Adobe Photoshop. As dimensões de uma imagem de retrato normal no Instagram são de 1.080 pixels por 1.350 pixels. No entanto, queremos ter 10 imagens em nosso carrossel. A altura não vai aumentar, mas a largura é porque teremos 10 fotos dentro do carrossel. O que você vai fazer é simplesmente colocar um zero extra no final da sua largura e clicar em “Criar”. Isso agora nos criou uma tela muito longa que caberá em 10 quadros apropriados para o Instagram. A próxima coisa a fazer para configurar sua tela é ir até o painel Exibir e clicar em “Novo layout do guia”. O que isso fará é essencialmente criar colunas em sua tela que ajudarão você a entender onde cada novo quadro começa e termina. Como temos 10 quadros, vamos colocar 10 em colunas. Vamos deixar a largura e a sarjeta limpas e também manter as linhas desmarcadas. Em seguida, clique em “Ok”. Em seguida, é hora de adicionar as imagens reais à tela. que eu gosto de fazer é abrir meu localizador, encontrar a forma que eu quero usar. Neste exemplo, vou usar fotos da festa Arthi Hard. Então, normalmente deixo essas imagens um pouco maiores para poder vê-las adequadamente e escolher uma seleção das minhas favoritas. Não se preocupe com a possibilidade de escolher exatamente 10 imagens para começar, isso não é muito importante e podemos reduzi-las mais tarde. Você pode selecionar uma mistura de paisagem e retrato, isso não importa. Esse é o brilho de usar carrosséis. Eu tenho 11 itens selecionados, vou arrastá-los todos para a minha tela. Você os substitui pelo Enter no seu teclado ou com este pequeno carrapato aqui. Depois que todas as imagens forem colocadas, você pode começar a movê-las e decidir em que ordem elas serão colocadas. Para mim, eu pessoalmente sei que gosto muito dessa foto, provavelmente será a que eu quero no início do post. Isso está realmente brincando com a aparência que você deseja que as imagens pareçam. Para mim, gosto de colocar minhas imagens favoritas no começo. Você também pode incluir imagens de paisagens, então eu poderia simplesmente arrastá-las sobre as duas imagens e as pessoas poderão deslizar para ver as duas. Essa imagem provavelmente não é a melhor para fazer isso, então vou mantê-la como uma imagem de retrato, compor como uma imagem de retrato. Vou remover essa imagem porque já tenho uma foto dele aqui e não quero muitas das mesmas pessoas. Então, o que eu vou fazer é remover essa imagem, recompor essa imagem e, em seguida, voltar ao meu localizador para encontrar uma imagem de paisagem melhor que eu queira usar na postagem final. O que vou fazer é optar por usar essa foto da multidão e colocá-la de forma que ela cubra os dois últimos quadros. Eu poderia usar isso como duas molduras separadas, mas o que vou fazer é adicionar outras fotos dentro dessas imagens para que eu possa caber ainda mais. Agora estou em busca de mais dois e o que estou procurando aqui é contraste em cores. Ou algo rosa para contrastar com o azul ou algo que talvez seja preto e branco. Depois de obter minhas duas imagens finais, vou me certificar de que elas tenham a altura certa. Vou clicar em um com o botão Shift pressionado e, em seguida, clicar no segundo para selecionar os dois ao mesmo tempo e, em seguida, em Comando T para transformar. Se você estiver usando o Windows, você pode clicar em “Control T” em vez disso. Em seguida, vou redimensioná-los para que caibam no meio dessa imagem, talvez um pouco mais grossos do que isso. Então eu vou separá-los. Pessoalmente, para que eu possa criá-los no ponto morto, criarei uma pequena caixa as mesmas dimensões dessa moldura. Vou movê-lo para trás da camada para que eu possa ver a imagem. Selecione essa camada e minha foto e, em seguida, use as ferramentas de alinhamento. Então, vou arrastar essa caixa até a segunda imagem, arrastá-la para baixo novamente e depois fazer a mesma coisa. Então eu posso deletar a caixa branca. Na verdade, quero trocar essas imagens só porque elas estão voltadas para o lado errado, quero que elas fiquem voltadas para dentro. Nós vamos fazer isso de novo. Nós os movemos e depois excluímos essa camada. Agora eu tenho meu carrossel, é hora de exportá-lo. seguir, vou clicar em encontrar a ferramenta Slice no Photoshop, que geralmente fica logo atrás da ferramenta Crop. Se você puder ver a ferramenta Crop aqui e ali estiver um pequeno triângulo, pressione e segure esse triângulo e ele abrirá a ferramenta Slice. Então, o que você quer clicar é “Slice from Guides”. Isso criará molduras separadas onde estão seus guias. Em seguida, vou clicar em “Exportar”, “Salvar para a Web” e, em seguida, estou pronto para salvá-lo como o carrossel Arthi Hard, que exportará para mim meu carrossel. Quando eu voltar para a pasta Arthi Hard, eles serão novos com imagens. Quando clico nela, posso ver todas as minhas imagens, selecioná-las e enviá-las para o meu telefone. Você pode fazer isso, mas é mais fácil para você, enviando e-mails, enviando e-mails, etc. Para mim, vou adicionar o Drop ao meu telefone. Agora que tenho as fotos no meu celular, posso abrir meu Instagram e selecionar as fotos. Na próxima lição, vamos nos concentrar no tópico de entrega, mas falaremos concentrar no tópico de entrega, um pouco mais sobre como você realmente entrega suas fotos para seu cliente ou para quem você está entregando as fotos. 24. Entregando suas fotos: Então você tirou e editou suas fotos com sucesso. Como você faria agora para entregar essas fotos ao seu cliente? Nesta lição, abordaremos os melhores métodos para transferir suas fotos para seu cliente. Além das minhas principais dicas para rotular e nomear suas fotos. Vamos começar a nomear seus arquivos para entrega. Portanto, a nomeação de seus arquivos pode ser feita dentro do processo de exportação ou salvamento, ou você pode renomeá-los depois de já exportá-los. Mas, claramente, nomear seus arquivos é muito importante por dois motivos. Uma delas é o arquivamento, garantindo que você e seu cliente possam encontrar essas fotos no futuro pesquisando o nome do artista a data ou algo parecido. Mas também se certificar de que você está devidamente credenciado. Eu recomendo nomear seus arquivos com uma estrutura como nome do artista, sublinhar seu nome, sublinhado, número da sequência das fotos. Depois de nomear adequadamente seus arquivos, é hora de enviá-los para entrega. No mundo moderno, existem muitas maneiras diferentes de transferir arquivos para seus clientes. Meus favoritos pessoais são utilizar softwares de armazenamento em nuvem e transferência de arquivos armazenamento em nuvem e transferência de arquivos, como Google Drive, Dropbox ou WeTransfer. Todos esses três serviços oferecem versões gratuitas de suas plataformas, o que é ótimo, não importa em que nível você esteja em termos de fotografar portões. Também acho os três muito úteis se você não tiver acesso a algo como AirDrop da Apple para realmente transferir as fotos do seu laptop para o seu próprio telefone, para postar no Instagram ou em qualquer lugar. Na próxima aula, encerraremos a aula de hoje e vou deixar algumas das minhas dicas finais. 25. Considerações finais: Chegamos ao final da aula. Em primeiro lugar, quero agradecer por ficar comigo e ficar até o final do processo. Ao longo desta aula, você dominou com sucesso a pré-produção, processo de filmagem e pós-produção da gravação de um show ao vivo. Desde entender como proteger seu passe fotográfico até aprender o que procurar em uma foto e como usar várias ferramentas diferentes para aprimorar a foto em seu processo de edição. Espero que você tenha achado essa aula não apenas interessante, mas também sinta que ela preparou e lhe deu a confiança necessária para sair e filmar seu primeiro show. Antes de assinar, quero deixar vocês com alguns pontos finais. A preparação, como em qualquer coisa, é sempre fundamental. Em um gênero que pode ser tão imprevisível, concentre-se em controlar as coisas que você pode controlar e tudo o mais deve se encaixar. Divirta-se com isso, fotografar música ao vivo é um dos melhores aspectos de ser fotógrafo. É um dos trabalhos mais divertidos que existem, então certifique-se de que você está aproveitando todo o processo. Sinta-se à vontade para entrar em contato comigo a qualquer momento seja por meio do Skillshare ou de outras mídias sociais. Se você precisar de ajuda com alguma coisa, alguma dica quando se trata de fotografia de música ao vivo ou qualquer outra fotografia. Tenho outras aulas aqui no Skillshare que abrangem uma variedade de coisas diferentes, desde a teoria das cores até a fotografia de retratos. Se isso for do seu interesse, vá até lá e confira. Mal posso esperar para ver o que você vai criar com a aula de hoje. Sinta-se à vontade para compartilhá-lo na galeria do projeto para que eu possa dar uma olhada. Mas muito obrigado por assistir e boa sorte em filmar seu primeiro show.